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Linea Caliente: La era del papel llega a un punto culminante con el cierre de la revista Newsweek que el 31 de diciembre lanzará su último ejemplar. Este ícono del periodismo también sucumbió al huracán digital. LLEGAS: DURAMADRE Grillo Villegas, cantautor paceño presentó su nuevo disco denominado Duramadre, el mismo que continúa la saga que este músico inició con su carrera como solista. Cine: TED De la mano del sarcástico Seth Macfarlane llega esta demente película en la que muestra el deseo eterno de nunca envejecer. Ted es una película con Mark Whalberg.

14 KRAUSS, Y SE VA LA SEGUNDITA…

Christian Krauss, ex vocalista de LouKass y actual líder de la banda Krauss busca la segunda venida de su banda Krauss, junto a Alex Zapata y a Conejo Arce. El trío se alinea en ese estado dentro el estudio Black Lodge, donde se está gestando el segundo esta nueva locura musical.

LAMBERTIN: CON EL OJO EN LA CÁMARA Paola Lambertin es una fotógrafa cuyo lente es una herramienta para observar el interior de las cosas. Su estética y su originalidad la han llevado a consagrarse dentro de la escena artística boliviana. MARCOS LOAYZA, HABLANDO EN SERIO

A-PIE Quillacollo es uno de esos misteriosos lugares en el valle cochabambino en el que sólo músicos como A– Pié podrían surgir. Metro te presenta esta banda totalmente boliviana.

El cineasta Marcos Loayza se viste de smoking para caminar por la alfombra roja en breve. “Las Bellas Durmientes” será la película que despierte el letargo de la cinematografía boliviana, con un concepto nuevo que se viene de la mano del director de Cuestión de Fé.

20 www.facebook.com/revistametro

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C O R R E S P O N D E N C I A

Señores de Metro: Esta vez debo confesarles que no me gustó la tapa del número 47. ¿qué hace ese tipo con la metralleta?. De todas maneras la revista por dentro sigue con la misma calidad de siempre. Me gustaron los temas por sobre todo. La cobertura del Festijazz me parecio una locura por texto y fotografias. felicidades.

STAFF

EDITORIAL

DIRECTOR GENERAL: Carlos Rodriguez San Martín

Empezaron los Metro Live en La Muela del Diablo, Cochabamba. Ahora continuamos con nuestra fiesta aniversario en Alive Music Bar, y pronto traemos sorpresas de lo que haremos con nuestros amigos de Blue Piano y The Dubliner.

GERENTE GENERAL: Ivan Rodriguez Petkovic

A todo esto se une la sorpresa que trae nuestra edición N 50. Hemos pensado mucho en que hacer para esta ocasión, esta grata ocasión, y hemos decidido tomar las olas frontalmente, ya que Metro es difícil de detener por que pensamos en todos ustedes, en nuestra cultura, por que nuestro país se merece una revista de rock y cultura de alto vuelo. La idea es potenciar a nuestros artistas a otro nivel, eso es lo que hacemos, potenciarnos entre nosotros, sin trabas, perjuicios y mala práctica. Nuestra profesionalidad se refleja en nuestro trabajo. Atentos lectores de rock, consumidores de cultura nacional, nuestro fin de año se viene de lujo.

Responsable de Edición

RESPONSABLE EDICIÓN: Joaquín Leoni REDACCIÓN: Joaquin Leoni Jorge Arduz Carolina Hoz de Vila Pedro Pablo Siles Tania Mokrani Cristian Hurtado

DISEÑO Y DIAGRAMACIÓN: Luis Aranda FOTO TAPA: Alejandro Loayza Grisi COMERCIALIZACIÓN: EP MARKETING & RR.PP: Grupo Metro (EP) GERENTE DE ADMINISTRACIÓN: Alex Vargas Viladegud CORRESPONSALES: Pedro Pablo Siles (Buenos Aires) Silvana Augusto (Santiago) Olga Do Vale (Sao Paulo) Enrique Soruco (México) Miodrag Vujovic (Europa)

José María González _____

REDES SOCIALES: : http://www.facebook.com/revistametro : @metrobolivia

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Muchachos de Metro Felicidadades por la energia invertida en la mejor revista de entretenimiento que he tenido la oportunidad de leer en Bolivia. Y 47 ediciones me parace un mertio que se debe reconocer, por lo cual escribo. Felicidades y sigan adelante. Irene Morales

Metro

GrupoExpressPress

GRUPO EDITORIAL EXPRESS PRESS

CLUB METRO

Descarga gratis el contenido íntegro de METRO y forma parte del club. www.metro-bo.com

Pje. Jáuregui 2248 Edificio Quipus, 5to piso Tel/Fax: (591-2) 2440621 metro-bo@mail.com El editor no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores


LÍNEA CALIENTE

La Era de PAPEL Por: Carlos Rodríguez San Martín

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E

l semanario Newsweek, un ícono de la prensa mundial y un punto de referencia durante 80 años del periodismo de calidad, morirá en su edición impresa este 31 de diciembre. A partir de entonces, con menos personal y menos recursos, se dedicará exclusivamente a su edición digital, pagada. “Ha sido imposible resistir los desafíos económicos que hoy representa la impresión en papel, ante la brutal caída de la publicidad y de los lectores, que se pasan aceleradamente

a la red”, escribió la directora de la prestigiosa revista Tina Brown. Las cuentas son claras: las ventas del semanario se han reducido en un 35 por ciento desde 2010 mientras las visitas a su página web en el mismo lapso han aumentado en un 70 por ciento. Hoy en papel imprime 1,4 millones de ejemplares pero con el auge de las tabletas aspira a tener 70 millones de usuarios únicos. Cuando salió su primer número, el 17 de febrero de 1933, ni el más optimista de los visionarios imaginó que en el futuro habría una herramienta llamada internet que cuestionaría la continuidad

de los medios impresos en el mundo entero; imagen que está lejos de adaptarse a los ciclos arrítmicos del mercado boliviano. El grupo Express Press que además de esta revista imprime DATOS, ha sopesado muchas dificultades para adaptar sus productos al internet. Somos testigos de la realidad que nos pone a la cola de la civilización. Hace 9 meses que DATOS decidió recrear una página con los más altos estándares mundiales. El resultado de este laborioso afán ha sido frustrante por el escaso conocimiento del mercado de quienes dicen

operan transacciones en la red. Primero tropezamos con el lenguaje incomprensible que emplean los técnicos, rebuscando las palabras en códigos cifrados para hacer la tarea más difícil. Un mundo que a veces se parece a las novelas de ciencia a ficción sin que nada tengan que ver con las mismas, porque sería realmente maravilloso intercambiar opiniones con Karl Sagan en medio de esas oficinas que te ofrecen las amplias maravillas del mudo virtual, pero al mismo tiempo te alejan súbitamente del conocimiento en la materia. En diciembre de 2011 nos


acercamos a una de las empresas de mayor prestigio en el desarrollo de páginas virtuales con los que trabajamos hace más de 10 años. Hasta ese momento nos ofrecían servicios de alojamiento de hosting de una página convencional además de un amplio número de correos electrónicos. Nuestro interés era mayor que ese y por supuesto más grande. Queríamos una página al más alto nivel que se viera en los principales buscadores; además, que se leyera en smartphones, iPad, iPhones y androids. Sólo un genio como Aldous Huxley, se había imaginado hace como 100 años en “Un Mundo Feliz” el destino de los espermatozoides y los óvulos en los tubos artificiales de los laboratorios para la fecundación en vitro a gran escala, podrá

haber dicho algo sorprendente. “Los detalles hacen la vida feliz, pero para entrar en la observación del detalle se debe pasar la prueba de las generalidades que son un mal necesario”. Genéricamente hablando todo bullía de acuerdo a nuestro

del país”, instruyeron los proveedores de internet. Pay Pal, el mayor comercializador de productos en red no tiene mapa asignado en Bolivia. Poco después estábamos hablando con el encargado del servicio de la empresa. El funcionario nos condujo diligentemente

“El resultado de este laborioso afán ha sido frustrante por el escaso conocimiento del mercado de quienes dicen operan transacciones en la red” plan, pero cuando comenzamos a ingresar en los detalles comenzaron los obstáculos. “Si quiere vender suscripciones de su producto debe buscar ayuda en la Cainco. Son ellos los ´buenos´ y han desarrollado el único servicio e-compras

al mundo de los grandes negocios virtuales. Pagamos la cuota de inscripción en sus registros y casi simultáneamente iniciamos el diseño de una nueva página. Paso diciembre de 2011 y comenzaron a llegar los primeros meses de 2012,

enero, febrero, marzo y abril. La página no acababa de adaptarse a las necesidades del mercado global pero al fin conseguimos subirla. Siguieron corriendo los meses: junio, julio, agosto hasta que en septiembre decidimos visitar a las oficinas de Lincer, que administra en Bolivia las tarjetas Visa y Master Card. El oficinista enumeró una cuantas generalidades y finalmente clavo la estocada final: “las conexiones del servicio e-compras están bloqueadas por regulaciones financieras del mercado”. No hay como realizar operaciones en la red. Cuando Newsweek anuncia el fin de la era de papel para sus ediciones impresas y un vuelco a internet, no podemos festejar con una botella de champan incluida.

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EXCENTRICIDADES

Y tú,

EN POCAS PALABRAS

Relanzan “Walk” de Pantera

¿ya sabes el pasito del jinete?

Siguiendo las celebraciones del 20 aniversario del increíble “Vulgar Display Of Power” PANTERA relanza su EP “Walk” en formato vinilo, el mismo que se espera que salga a mediados de noviembre próximo.

Por: Sergio Candia

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El 15 de Julio del 2012, Psy, un artista de K-pop, lanzó al mercado los tres minutos y treinta y nueve segundos más importantes que Korea del Sur ha aportado a la cultura pop mundial. Gangnam Style, un tema de corte dance y con claras influencias occidentales, ha copado no solamente la atención de Korea del Sur o Asia sino de todo el planeta. Varios factores se presentan como catalizadores del resultado, y tiene interpretaciones ambivalentes, por ejemplo el paso de baile; Psy el compositor del tema ha expresado en varias entrevistas que la elaboración de la coreografía fue un trabajo serio que involucró estudiar y diseñar pasos basados en animales, después de descartar canguros y pandas, decidieron que el paso del jinete era el más adecuado. En contraparte la mayoría de los comentarios del mundo occidental, señalan el paso de baile como ridículo y a la vez provocador. En este lado del planeta, nadie sabe exactamente de que esta hablando la canción, todos se limitan a moverse al ritmo y llegado el coro repiten “Oppa Gangnam Style… Gangnam Style!” mientras ejecutan frenéticamente el paso del jinete. Lo que es de moda no incomoda” reza el antiguo refrán español y en estos casos es totalmente cierto, la gran

Pearl Jam, en Baires el 2013 masa no repara en pensar o cavilar absolutamente nada acerca de la canción más que bailarla y emplearla como “la nueva manera de hacer un ridículo cool”. La intención del título, según explica Psy, es parodiar a los habitantes de Gangnam, el distrito más “chic” de Seul y sobre todo a los pretenciosos que no provienen de esta área y hacen todo por ese aval de pertenencia. El resultado a nivel mundial es totalmente diferente, la cultura pop ha interpretado a Psy como un asiático que intenta desesperadamente alcanzar la cultura occidental a través de imitar el pop americano. Imagino que en el curso de los siguientes meses continuará desarrollándose más de este fenómeno digno de análisis académico, tal como sugiere el comentarista Tim Soutphommasane, un investigador asociado de la Monash University. También es probable que el efecto sea efímero como todo en la cultura pop actual, dentro de algunos años algún nostálgico desempolvará el pasito del jinete y junto a Ice, Ice Baby y La Macarena podrá hacer las delicias de sus compañeros en las pistas de baile.

Este 15 de octubre se lanzó la preventa de las entradas para el confirmadísimo concierto que Pearl Jam ofrecerá el 3 de abril de 2013 en el Costanera Sur de Buenos Aires. Pearl Jam visita por tercera vez a la Argentina.

Rush, candidatos al RARHOF

La legendaria banda canadiense Rush ha sido preseleccionada una vez más para ser parte del Rock and Roll Hall of Fame. En este momento seiscientos profesionales y expertos de la industria votarán y decidirán si la banda es admitida para el próximo año.

Mago de Oz con nuevo vocal El desconocido Zeta, profesor de canto y ex-militante de diversas formaciones Heavy, es la nueva voz de Mägo de Oz, escogida a partir de un casting online.

CROSSFEST 2012, el 10 de noviembre

Santa Cruz se prepara para el Crossfest 2012. Confirmados están Harry Choo Choo Romero (Usa), Anderson Noise (Brasil), D-Formation (España), 4 Strings (Holanda), Los Sueños De Anderson (Argentina), Ricardo Lin (Brasil), Lecter & Marco Cuba (Boltek), Minimal Delux & Meleán (Independance), Bmau & Souza (Outsiders), Petto & Bpierre.


Robi Draco Rosa

RECUPERADO

El 25 de abril de 2011 se reveló que Draco Rosa padecía de linfoma no-Hodgkin. “A dos años de esa noticia, celebramos su recuperación total de esta devastadora enfermedad”, declaró su publicista Ángelo Medina. Draco Rosa recibió un tratamiento especializado en el Hospital City of Hope, en Duarte, California. Además el músico que estaba próximo a lanzar su nueva

producción “Vida” en la cual retoma temas compuestos a lo largo de su carrera pero en esta ocasión acompañado por otros artistas de la escena Latina entre los que están Mana (Con quien ya se había lanzado el tema Penélope), Juan Luis Guerra, Santos Romeo, Shakira, Alejandro Sanz, Juanes, Ricky Martin, Marc Anthony, Enrique Bunbury, Andres Calamaro, Calle 13, entre otros.

ADELE, DEL ARTE A LA

MATERNIDAD

La cantante Adele dio a luz a su primer hijo el pasado 19 de octubre. Así lo confirmó el diario británico The Sunday Mirror. Adele de 24 años confirmó la noticia de su maternidad en el mes de junio, a través de su página web: “Tengo el placer de anunciar que Simon y yo estamos esperando nuestro primer hijo juntos. Quería que supieran la noticia directamente por mí. Obviamente, estamos en una nube y muy entusiasmados, pero por favor respeten nuestra privacidad en este momento precioso”, publicó en aquella oportunidad. Adele está en pareja con Simon

Konecki desde enero de este año. En paralelo a su embarazo, la cantante trabajó con normalidad hasta último momento: la artista le pone voz al tema de la próxima película de James Bond, Skyfall, que se dio a conocer recientemente.

VUELVE

DEPECHE MODE Desde marzo de este año Depeche Mode que andan metidos en el estudio de grabación creando nuevas canciones, que, según las palabras del propio vocal de la banda, Dave Gahan, tienen un sonido más bluesy. “Que se trate de otro disco electrónico no quiere decir que no deba tener cierto filo. Eso es lo que estamos logrando con éste.

Eso es precisamente lo que hace excitante a este disco de Depeche. Definitivamente vamos por ese camino, en el que tenemos una influencia mucho más ‘bluesy’, y estamos intentando retener eso en la grabación y no caer en una preocupación excesiva por el detalle”, dijo Gahan. El álbum será lanzado en la primera mitad del 2013.

Electrónica:

EL RETORNO DE RA BEAT Después de un tiempo de ausencia en los escenarios de La Paz, Rabeat reapareció con sus beats electrónicos junto a Marco Cuba y Anibal Lecter en una fiesta que tuvo lugar el pasado 12 de octubre en el pub La Costilla de Adán. Álvaro “Conejo” Arce, que sin duda es uno de los más renombrados artistas de Bolivia, se presentó en el Teatro Municipal con un unpluged que recorrió por los años de historia musical que marcaron su carrera, desde entonces su trabajo se ha limitado al estudio preparando nuevo material que podría salir en meses siguientes. www.facebook.com/revistametro

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EXCENTRICIDADES

KINKY,

AFTER LA VIOLENCIA La banda mexicana Kinky decidió comprometerse con la lucha contra la violencia que impera en su país e hizo un llamado a los mexicanos a que “no se dejen vencer por el terror que causa el crimen organizado que hasta el momento ya ha dejado decenas de miles de personas asesinadas. “Nos toca a nosotros, al pueblo en general combatir el miedo, seguir haciendo lo nuestro

sin temor a que haya fallas”, apuntó el líder de la banda originaria del norteño estado mexicano de Nuevo León. El percusionista de la banda, Omar Góngora, coincidió con Cerezo en que lo más importante es mantener “la esperanza” frente a las acciones que se emprendan para reducir la violencia en México y devolver la tranquilidad a su gente.

SURFIN WAGNER

EN LA TV

Como parte de la cultura urbana que caracteriza a La Paz la banda de psychobilly Surfin Wagner hace un cameo en la serie de televisión nacional “Z”, la misma que trata de concientizar a la población sobre la cultura ciudadana que desde tiempos inmemoriales se encuentra ausente de la mente

de los paceños. La banda aparece tocando en un pub underground mientras los personajes principales tratan de desnudar sus rollos personales. En la escena se ve cómo el sonido surfero de los Wagner inunda las pantallas de la TV, una onda más de los Surfers del Choqueyapu

MELVINS

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“HEY JUDE”

DEMENCIA ON THE ROAD

Es la favorita de The Beatles La canción “Hey Jude” de The Beatles fue escogida hoy como la favorita de los británicos entre toda la discografía del cuarteto de Liverpool, que cumple 50 años desde que lanzara su primer sencillo. En una votación hecha por las emisoras locales de la BBC, “Hey Jude” se impuso a “Yesterday” y “Let it Be”, que quedaron en segunda y tercera posición, respectivamente y completaron una terna de temas compuestos por

Sir Paul McCartney. La votación de la canción preferida, en la que participaron 12.000 personas, formó parte del programa especial que la BBC.

No cabe duda que THE MELVINS son una de las agrupaciones musicales más inquietas, diversas y únicas en el mundo rockero, y eso los ha llevado que después de 30 años de carrera demencial se les ocurra una vez más salir de gira por Estados Unidos, como la resurrección de un zombie que

nunca estuvo muerto. 51 shows!!!, sí a ver!! Récord Guinnes. Es una gira que sin duda llevará a la demencia a más de un fan que pueda volver a ver a estos loquitos del rock proto – grunge, aquel que rompió la cabeza de Kurt Cobain y lo llevó a crear la banda más icónica de los años 90. Nirvana, obviamente.


Lanzamientos Bob Dylan - Tempest El prolífico Bob Dylan de los últimos años no parece tener descanso. Desde que retomó las grabaciones de estudio en 1997 con el disco Out of Mind, el gran mito viviente de la música popular ha ido refinando su sonido otoñal. Su recorrido por la tradición musical norteamericana lo ha llevado a adoptar naturalmente sonidos y estilos de la historia profunda estadounidense. Sea Blue, Country, Swing, Rockabilly o Folk, Dylan adopta el tono que más le conviene con naturalidad. Eso ha permitido que sus últimos discos gocen de buena salud y tengan coherencia general entre ellos, como si de un gran

proyecto se tratase. Con todo eso en mente, Tempest parece ser la evolución natural del proceso. Desde lo musical, el disco apuesta por transportarte a cantinas del viejo oeste, por hipnotizar con melodías repetitivas como en un transe digno de las comunidades iniciadoras de la música popular estadounidense.

MUSE - The 2nd Law El que no arriesga, no gana. The 2nd Law no es el mejor disco que ha hecho Muse, eso es innegable. Pero tampoco es el peor. Por momentos se siente como un desvío, una expedición. La banda deja su zona de confort y se interna en regiones nuevas, ingratas por momentos. El terreno propio, ligeramente sobrearado con la ambición desinhibida de Resistance, no parecía tan fértil como en otras época. Un par temas sí parecen haber sido extraídos de la veta clásica del grupo inglés. “Supremacy”, el tema que abre el disco, y “Survival”, himno de las Olimpiadas de Londres, reafirman el espíritu grandilocuente y dramático de Muse. Incluso la sección de dos temas a cargo Chris Wolstenholme, trae a la mente

ciertos pasajes de Absolution, aunque el bajista está debutando en el doble rol de cantante y compositor. Arriesgándose a infringir los límites del Dance y del Dubstep, los ingleses no siempre salen airosos, pero no dejan de salir renovados. Si bien “PanicStation” o “Follow Me” pueden llegar a parecer algo forzadas, el caso de “Madness” es diferente. La canción, segunda del disco, se toma su tiempo para embadurnar al oyente en un nuevo Muse y cierra el círculo con un genial solo de guitarra a la Bellamy. La producción nunca ha sonado tan pulida, tan ingeniosa. El sonido importa más que nunca y el detalle está en el mismo dominio de esa plasticidad. Hay pasos en falso a lo largo del disco, sí. Pero sin pasos en falso no se llega a ningún lado. www.facebook.com/revistametro

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EXCENTRICIDADES

Llegas presentó

“DURAMADRE” El pasado sábado 13 de octubre, tuvo lugar la ansiada presentación oficial de Duramadre, décimo trabajo de Llegas. Equinoccio fue el escenario escogido y al promediar la medianoche la música ambiente se cortó, la banda ya presente en escenario estaba decidida a descargar las nueve canciones de Duramadre sobre el público. El robusto sonido de la banda es el resultado de una agregación de interpretes que definen capas según el tema en ejecución. Benjo Chambi y Julio Jaime conforman una cama sólida sobre la cual Diego Ballón luce sus mejores dotes al teclado, conduciendo y arreglando cada uno de los temas tanto del nuevo trabajo como del repertorio tradicional. Mayra Gonzáles, la nueva adquisición 12

de la banda, brilla con luz propia y en muchas ocasiones se carga a espaldas la totalidad del impacto de las canciones sobre el público, sin duda una notable inclusión en las filas. Grillo Villegas, visiblemente cansado, interpretó la mayoría del segundo set sentado en una silla sin que esto logre menguar su calidad interpretativa o desmotivar al publico que en ninguno momento dejó de responder a cada uno de los temas. Las canciones de Duramadre no son fáciles de digerir, carecen de ganchos inmediatos o pasajes reconocibles, en contraposición ofrecen melodías hábilmente construidas sobre estructuras balanceadas. El resultado es un disco uniforme, sin puntos álgidos y correcto en calidad sonora y presencia. El sonido

Zegadex, Aspi, Mendoza

Por: Tania Mokrani Foto: Alejandro Loayza Grisi

Luego de un extenso currículum tras los parches, el chico de Berklee, Daniel Zegada, logró convertirse en un referente del jazz en Bolivia al lado de David Aspi (guitarra) y Edwin Mendoza (bajo). Juntos dieron vida a Quimsa Bop y ahora nos atrapan con nuevos proyectos. ¿Cuál es su nueva propuesta musical? Si bien mantuvimos la onda del bi bop y del hardcore jazz, siempre hay elementos novedosos en las

composiciones. Ya grabamos el nuevo disco, pero hay que pulir algunos errores ¿Por qué el cambio de nombre? Cambiamos de nombre por un capricho mío, primero pensamos en “Jazz Alabance”, ya que los tres somos cristianos (yo ya no me congrego, pero sigo siendo creyente), y luego propuse el nombre de los integrantes porque pensé que nada podía caracterizar mejor a la banda.

retro de la instrumentación en el disco, sumado a la frescura de grabar “en vivo” otorga un color diferente a este décimo trabajo

de Llegas, sin duda un trabajo mas sólido que el Bipolar. Un trabajo que vale la pena escuchar para juzgar.

¿Qué otros nuevos proyectos? “In free hands” con Mario Fortún (vocalista), también me preparo para una batería sinfónica, una grabación de disco en Santiago con Gálvez, otra en La Paz con la “B Dance”, también estoy tocando metal y hay otros proyectos más que

no puedo revelar aún. Por su parte, Aspi y Mendoza están grabando, respectivamente, sus propios discos, con sus propias composiciones y con músicos invitados. ¿Qué opinas del jazz en Bolivia? En Bolivia el jazz es un mito, todos creen que la tienen clara, incluso yo. En Bolivia hay mejor cumbia que jazz, pero una vez que te metiste de verdad en el jazz, ya no hay vuelta atrás.


El registro vivo: Bolivian Book

El músico Danilo Rojas da pie a la compilación histórica de la música boliviana, a través de un libro denominado “Bolivian Book: Music Improvisation”

Además de acoger a numerosos artistas internacionales y de dar cabida a diversos shows de artistas locales, el último Festijazz sirvió de marco para la presentación de un libro muy especial: “Bolivian Book: Music Improvisation”, del pianista Danilo Rojas. Como explicó Rojas en el acto de presentación del libro llevado a cabo durante la inauguración del festival, la gestación inicial del proyecto está relacionada con su experiencia en ediciones anteriores del Festijazz. Era necesario encontrar una forma

vehículo para la improvisación, como bien indica el título, pero también como respaldo de la creación original de su autor. El próximo paso del proyecto es crear una página web en la que puedan escucharse las versiones originales de las composiciones para contrastarlas con el material escrito. Asimismo, el autor espera presentar un segundo volumen en la próxima edición del festival de Jazz. Algunos de los autores recogidos por el libro son Carlos Ponce, Yayo Morales, Nicolás García, Edgar Bustillo,

Por: Pedro Pablo Siles Rolón

de dar a conocer la música boliviana a los visitantes internacionales, incluso para tocar esa música con ellos. La falta de registro escrito de muchas obras del acervo cultural nacional hacían que fuese dificultoso difundirlas y compartirlas con quien no las hubiera recibido de las fuentes. Aunque el 70% del material proviene del Jazz o del Blues, el libro también reúne composiciones de Folklore, de Rock o de Fusión. Las estructuras musicales transcritas funcionan como un

Gilberto Rojas, Donato Espinoza, Jhonny Gonzales, Luis Achá Martínez, César Espada, Willy Claure, Ulises Hermosa, Alfredo Domínguez, Marcelo Peña, Oscar Córdova, Freddy Mendizábal y Manuel Monroy Chazarreta, entre otros. La publicación fue patrocinada por la Cooperación Suiza para el Desarrollo (cabe recordar que Rojas se formó en el país alpino) y será distribuida gratuitamente en diversas entidades educativas y de divulgación cultural.

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EXCENTRICIDADES NUEVO

DISCO

Krauss,

en busca de sonido crudo y experimental

Texto y foto: Ivan Rodriguez P.

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No hay primera sin segunda. Krauss, la banda formada por el mítico vocalista de Loukass, culmina los detalles de lo que será su segundo disco. En una conversación con Metro nos enteramos que el grupo busca ahora sonidos más experimentales. Con un sencillo rotando en las radios nacionales la mega banda Krauss continúa trabajando en el estudio para terminar los detalles de la grabación de su segundo disco. En una entrevista con Metro, en compañía de un Fernet, los miembros de la banda nos contaron sobre los detalles que se están puliendo en esta nueva producción musical de rock nacional. Christian Krauss, líder de la banda, comenta que “ahora

mismo estamos grabando la canción que falta para ya tener el disco completo. Es una canción que la escribimos una semana atrás en la casa del “Conejo” y le dimos un par de efectos con la ayuda de Oscar García”. Mientras nos cuenta esto, la canción mencionada va sonando en el fondo: “Tengo un chaleco anti giles”, con texturas robustas y melódicas. “Teníamos planeado poner otro tema como segundo corte, pero este nos gusta mucho y

le está dando movimiento a lo que será nuestro próximo disco” nos cuenta seguro de sí mismo este legendario músico de la noche paceña. Krauss continúa con el carisma que logró obtener con el primer disco y dentro ese marco es que tiene planeado terminar la grabación del próximo disco hasta fines de este año, pero mientras tanto se proponen filmar el videoclip para el primer corte del disco. Conejo Arce nos comenta

que los tracks tendrán un sonido crudo y experimental a diferencia del primer disco, pero que “se mantiene la idea de que esté mucho más pensado musicalmente para que quien lo escuche tenga una experiencia enriquecedora.“Queremos alejarnos de los hits pop de la radio” enfatiza el Conejo. En este nueva producción están como invitados Motete Zamora, de Electroshok, Teto de Ugarte, Sergio Eguino, entre otros rockeros de la escena.


TAKI ONGOY en vivo

Por: Luis Zabala Foto: Ivan Rodriguez P.

El pasado 13 de octubre la banda Taki Ongoy se presentó en vivo en el sótano de la sede de la Sinfónica Nacional. Ya no hay Taki Ongoy, este fué su “Último Baile”. Del concierto queda digamos el recuerdo de unos cien gatos que fueron por el disco o por curiosidad, y, ojalá, algún registro. Quedan los dos discos. “Asilo” y “El otro baile”, son enormes álbumes. O los dos son uno. No sé. Tienen lo que tiene todo gran disco, cambian el mundo, se hacen parte de la vida. Es subjetivo esto, sí, pero palpable. A los once años creía que algo así era

“Aura” de Octavia, y creo que se comprueba. “Aura” sigue existiendo a pesar de Octavia, y aunque ya no se escuche, es una marca profunda en nuestro oído. Dante Domínguez es un viejo loco. Desbarata el machimbre en busca de colillas mientras sus músicos (Marlon Auza, Bernardo Paz, Christian Ayllón, Vero Pérez, Enrique Pope, Luis Aranda y Alejandro Ustarez) se rencuentran tímidamente con sus canciones.

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SECTOR BOLTEK

CRÍTICAS CD’S Por Anibal Aguilar (Dj Lecter)

DELPHIC Acolyte

Actualmente existe una camada considerable de bandas que mezclan de forma extraordinaria Electrónica con Indie y sonidos reciclados de los 80’s. Delphic es una agrupación relativamente nueva que en su primer álbum “Acolyte” sigue esta corriente ecléctica que se ha convertido 16 en el estilo emblema de esta década. Este cuarteto de Manchester comienza el disco con “Clarion Call” una muy buena canción con toques grandilocuentes y un formidable final que incluye un verdadero duelo entre sintetizadores y guitarras. Luego vienen dos excelentes tracks “Doubt” y “This Momentary” que fueron elegidas como cortes junto a “Counterpoint”. Esta joya musical es definitivamente la mejor canción del disco ya que tiene una melodía muy emotiva de sintetizadores que hace que quieras oír este track una y otra vez.

El track que da nombre al disco es “Acolyte” y es la canción lenta del disco con ciertos toques de Shoegaze Electrónico. Un tema que se destaca es “Submission” con un claro sonido pop ochentero que te da la impresión de escuchar la canción de una película naive de los 80’s. En este disco no faltan las canciones más bailables como “Red Lights” y “Halcyon” que no desentonan sino más bien aportan a darle variedad a un disco que es muy interesante y muy completo de principio a fin. Por MARCO CUBA (Dj MARCO CUBA)

NICOLAS JAAR Space Is Only Noise (Circus Company)

¨Keep Me There¨ nos da un cambio de humor con ¨Problem With the Sun¨, haciéndonos notar su formación (Literatura Comparativa); generando a través de los detalles, una sensación en los oyentes de ser parte de una novela literaria más que ser simples receptores de audio. Como en todas sus creaciones, este álbum compuesto por trece canciones, resalta la característica principal de su música: belleza en la melancolía, que generada a partir de beats a menos de 100 bpms de velocidad, te envuelven en un viaje… soundtrack perfecto para el retorno de un domingo en la playa, justo cuando el sol empieza a esconderse y teñir toda la autopista de naranja.

10 BANDAS Y PRODUCERS RECOMENDADOS POR BOLTEK

Cut Copy (Indie Dance, Australia) Metric (Indie Rock / New Wave, Canadá) Diiv (Post Punk / Dreampop, N.Y - U.S.A) Dan Ghenacia (Nu Disco /Deep House, Francia) Kashmir (Rock Alternativo, Dinamarca) Pony Asteroid (Indie Rock, Perú) The Kills (Revival Post Punk, U.K / U.S.A)

Con tan solo 22 años de edad, Nicolas Jaar da uno de los shows en vivo más vanguardistas y con mayor demanda del momento. Habiéndose criado en el vecino Chile y retornando a New York donde estudió en la Universidad de Brown, lanzó su primer ep a la corta edad de 17 años en el reconocido sello Wolf+Lamb. Teniendo apariciones de su propia voz en canciones como

Miike Snow (Indie Pop / Electropop, Suecia)

Tracks recomendados: • Keep me there • Problems with the sun • Colomb

Shit Robot (Electrónica, Irlanda) Matt Tolfrey (Tech House, U.K)


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“Ted”, ¿

Quién no tuvo un osito de peluche? La infancia proyecta su eternidad en un muñeco de felpa y algodón, que encarna la versión del pequeño humano, con la fisonomía de un amistoso animal de fantasía. Una figura inanimada que podría ser el accesorio decorativo del cuarto de un niño, es el primer compañero que aparece en las hazañas, como el escudero de un caballero. No es casual que la literatura 18 y el cine guarden en su galería de personajes una serie de centinelas, que dieron humor y vitalidad a las aventuras de heroicos hidalgos. Así, Sancho Panza fue el compañero incondicional de don Quijote, Satara del conde de Montecristo, o el sirviente Bernardo del Zorro. ¿Qué tienen en común? La lealtad por sus amos, y la simpatía que despiertan con sus divertidas ocurrencias. Imaginemos por

la otra cara de la infancia Por: Carolina Hoz de Vila

un momento que el género caballeresco se traslada al siglo XXI, a una comedia de acción y animación digital, donde el escudero esta vez es un protagonista: un oso de peluche malcriado, que habla todo el

lleva su peculiar y atrevido humor a la gran pantalla. MacFarlane convoca al público a degustar de un entretenido manifiesto de la amistad, con chistes subidos de tono e ingeniosas reflexiones

tiempo, bebe, fuma marihuana y es partícipe de las travesuras de su amigo, un hombre de 35 años. El género cobra más vigor y se fortalece en la comedia, “Ted”, del director y guionista Seth MacFarlane, creador de la serie “Padre de familia”. Esta apuesta podría ser el cuento que todo padre leería para sus hijos, pero no. Tras imagen tierna e indefensa de un osito, se levanta la advertencia de una historia para adultos. El realizador norteamericano

alrededor de los sentimientos incondicionales de dos cómplices. En esta comedia de acción y animación digital, se cuenta la historia de John Bennett (Mark Wahlberg), un hombre que convive con su adorable osito de peluche desde los ocho años de edad. El muñeco adquiere vida propia, en cuanto John desea una noche que el objeto de felpa se vuelva humano. Veinte y siete años más tarde, y varias trasnochadas después, la plegaria es realidad

“Ted es un oso deslenguado, sarcástico, mujeriego, que fuma yerba, sale con prostitutas, realiza fiestas salvajes y vive al estilo de una estrella de rock”

y pervive en un personaje con las características de don Juan. Ted es un oso deslenguado, sarcástico, mujeriego, que fuma yerba, sale con prostitutas, realiza fiestas salvajes y vive al estilo de una estrella de rock, sin trabajo ni responsabilidades. Por su parte, John tiene un empleo fijo, una hermosa e inteligente novia (Mila Kunis) y muchos deberes por cumplir, que lo obligan a ser un adulto, pese a que se rehúsa a serlo, bajo la influencia de su amigo. El oso de peluche es el alterego de un John que no piensa madurar, que bebe aún de nostalgias de la infancia para sentirse a gusto y libre en su propia piel. Entretanto, el amor por su novia es fuerte, y lo coloca en una encrucijada y contienda con su amigo de toda la vida. Entre el mundo adulto y la juerga, entre el deber y el ser, entre Lori y Ted, John deberá decidir y de esa decisión dependerá el futuro que vaya a tener en su vida.


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Marcos Loayza,

el cazador de historias

Marcos se acomoda en su sofá para conversar cómodamente con Metro y adelantar detalles de su última cinta, que incursiona en el género policial. Por: Carolina Hoz de Vila Fotos: Alejandro Loayza Grisi

A

pocos días del estreno de Las Bellas durmientes, Marcos Loayza abre las puertas 20 de su residencia, a las 5 de la tarde. Es un domingo de nubarrones, en que el cielo derrama sus pócimas con el perfume de la tierra e impregna la sala. El autor de Cuestión de Fe nos recibe en su hábitat. Con la serenidad de un nómada, pese a la aventura de un reciente viaje, se reconforta en casa, con la certeza de que la travesía no ha terminado, y que en sus ojos se trazan aún más destinos. El arte camina libre y descalzo, toma té, descansa y conversa como cualquier vecino en la casa de Marcos Loayza. Cada objeto revive los viajes de este artista que se nutre de distintas

culturas y percepciones, con el silencio de los que observan y con la mirada de los que dejan nacer vidas. Periplos cotidianos que a la vuelta de la esquina alimentan sus personajes, constituyen la mitología personal del director de cine, quién basa su filosofía en las cosas simples. Estantes de libros, discos y enciclopedias de arte y fotografía, así como máscaras, adornos, fetiches y souvenirs de películas, condecoran la geografía de un espacio que resume sus búsquedas. “La creación no se detiene para mí”, afirma. “Uno acumula un montón de conocimientos inútiles. El tiempo determina cuando se los empleará en una obra. De ahí, creo un montón de personajes con mezclas únicas. Son conexiones que hago al

leer o al observar detalles de otras películas en años. Hay un aspecto vinculado a la memoria y a su capacidad de absorber. Este es mi trabajo”, señala. Marcos se acomoda en su sofá para conversar cómodamente con Metro y adelantar detalles de su última cinta, que incursiona en el género policial. “Las Bellas durmientes” narra la historia del cabo Quispe, un policía que convive entre las injusticias de un mundo corrupto, tras investigar el caso de asesinatos a hermosas modelos. La más reciente producción, filmada en Santa Cruz de la Sierra, Cochabamba y La Paz, cuenta en su reparto con Luigi Antezana, Elías Serrano, Andrea Aliaga, Fred Núñez, Paola Salinas, Carlos Rocabado, Daniel Larrazábal y Patricia García. “Es un thriller,

pero al mismo tiempo se plasma en una comedia y en un drama argumental. Esta película es una reflexión sobre el género policial”, destaca Loayza. “Yo me imagino que pretende ser un retrato del país, a niveles más personales, que coyunturales y políticos, donde en Santa Cruz entra en juego el conflicto de lo boliviano.” Marcos aprovecha de describir el proceso de su trabajo. “Me baso en maneras de pensar, necesidades y personajes. Parto de intuiciones, luego reflexiono en una historia, qué puede proponer y contar. Cinco meses más tarde, escribo escaletas. Pero hay previamente un proceso de reflexión desde el lenguaje y la estructura, que toma tiempo”, afirma. “No se juega en mis historias el destino de una nación ni de una


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familia. Lo mío es lo cotidiano”, subraya. La batuta de Oscar García guía la banda sonora de Las Bellas durmientes. El destacado músico y columnista, quien es amigo inseparable del director, tuvo el desafío de jugar con las distintas tonalidades de la película. “Son muchos elementos que componen la cinta, y darle el tono indicado musical adecuado ha sido muy difícil. Tenemos muy buenos músicos que nos han colaborado, por suerte, como Ronaldo Vaca de Animal de Ciudad, Vero Pérez, Gabo Guzmán, Benjo Chambi, Mayra Gonzales y Vadik Barrón. Hay partes que tuvieron que cambiarse de tono, sentido o punto de vista musical, para adaptarlas a la mezcla de géneros de la cinta.” Las lecturas no faltan en la vida del cineasta, quién deja que sus sentidos ingresen a realidades de papel y traspasen el descubrimiento. “Me gusta leer teatro, porque tiene la capacidad de manejar los diálogos. Leo bastante poesía, que no sea cerrada en el lenguaje, si no en

el conocimiento, que te lleve a pensar sobre la condición humana. Leo cuentos y novelas en español. Me encanta leer sobre filosofía y religión. Leo ensayos, así como también libros ilustrados.” El artista estudió arquitectura, mas el amor por las marquesinas lo apartó de las maquetas, y lo llevó a cambiar los estiletes por una libreta de apuntes. El cine lo sedujo en una sala oscura de la cinemateca, donde el destino empezó a tramar nuevas redes. “Yo crecí en una familia de arquitectos. Estudiaba esta carrera, porque aún no había una escuela cinematográfica. El espacio es la materia que da vida a la arquitectura, siempre me cautivó. Este aspecto curioso me sirvió para reflexionar sobre lo importante que es el lugar para el hombre, el hecho de no saber dónde está parado”. Preguntarse por el lugar que ocupa fue el primer paso que emprendió. “Entre ir al cine o ir a clases escogí finalmente el cine.” Esta decisión lo llevó a estudiar en la Escuela Internacional de Cine y Video de San Antonio de los Baños, en Cuba, y ser alumno de Alfredo Bryce Echenique, Jean Claude Carriere, Gabriel García Marquez y José Sanchis Siniestra. Asimismo, Loayza fue profesor invitado de la Escuela Internacional de Cine y Video de San Antonio de los Baños y recibió premios por su obra en Biarritz, La Habana y Cartagena, entre muchos otros festivales de cine. La confesión de la tarde fue el hecho de que el director no ve películas, durante el proceso de filmación de sus obras.


“Cuando hago una película no miro otras producciones. Miro el cable a veces. Mas el problema que atravieso es que cuando son muy buenas me deprimo; es un buen cine al que no puedo acceder. O cuando son malas pienso que así debe ser mi película. Trato de no verlas, para no deprimirme. Además, estoy en un proceso de construcción cinematográfica. Veo cosas muy específicas. Termino una película y recién consumo mucho cine.” Uno de los aspectos que pocos saben es su gusto exigente a la hora de ver cintas. “Escasas películas me causan placer. Una mayoría me aburre, me resultan predecibles o vanidosas. Soy muy respetuoso del espectador. Me parece una soberbia que alguien me obligue a ver un plano porque sólo quiso mostrar belleza. Hay un punto de comunicación y otro que pasa a la retórica de la pedantería”, explica. Por tal motivo, el autor se concentra en incentivar al espectador y brindarle el anzuelo de la diversión en todas sus películas. El cineasta confiesa la dificultad de hacer cine en Bolivia, que impide lograr muchas veces la excelencia. “Renuncias a la excelencia para colmar necesidades en una película. Tienes que elegir elementos que cubran esas faltas, trabajar con lo que tienes al alcance”. Loayza resalta la poca importancia que se concede al cine en el país. “No hay la política de estado respecto al tema audiovisual. A los mercaderes les dan mejor trato social que a los artistas o deportistas. No hay una industria del cine como tal en Bolivia.” Otro de los inconvenientes con los que tropieza un artista en el país, en opinión del

director, es el hecho de no poder abastecerse de su trabajo creativo plenamente. “No podemos vivir de películas. Muy pocos directores viven económicamente de sus cintas. La mayoría se dedican a otras actividades. Esto le quita al cine boliviano una continuidad. Un director con más películas, en cambio, puede producir una estética propia y una obra que se traduzca en pensamiento. La discontinuidad impide construir un discurso propio”. La crisis del cine boliviano viene del lado de la cantidad de propuestas, que no coinciden con la calidad. “Hay últimamente una variedad del cine nacional. Son muchos en diferencias generacionales, regionales, estéticas, ideológicas. Es una variedad que no está reflejada en la vitalidad, si no en la mediocridad”. El autor, no obstante, ve en este oscurantismo una posibilidad. “Lo mejor está por venir, sin embargo. Estamos en la antesala de algo que cambiará el panorama. Hay gente muy joven, nuevas narrativas y es más fácil hacer cine.” Marcos acentúa en su visión el hecho de que el cine tiene la capacidad de mostrar nuestro rostro, y dibujarnos como sociedad. “Creo que se puede construir cine, dentro de nuestra propia realidad. Tenemos la posibilidad de contar nuestras propias anécdotas. Somos un país que no nos hemos visto. Necesitamos entendernos como sociedad y masticar nuestra historia”. Hombre de cuestionamientos, basa su arte en la exploración. “En mis películas busco plantear las preguntas correctas al auditorio, antes que dar respuestas”, examina el cineasta. “Soy crítico con mi trabajo, pero en el fondo estoy satisfecho, porque mi cine

se ha hecho con responsabilidad y entrega.” En relación a los protagonistas que el autor escoge en sus proyectos, destacó los que están en conflicto. “No me interesa el héroe, porque tenemos una historia trágica en Bolivia, y nuestros héroes han sido mártires. El héroe tiene un sentido didáctico. Tampoco me interesa ese lado. De ahí que, trabajo con antihéroes en mis películas, con personajes conflictivos como protagonistas, pícaros que están en contienda con su tiempo y contexto.” El humor es la sazón que da motor a las historias del joven director. “No me interesan los

grandes dramas. Hemos tenido casi 100 años de melodrama en Latinoamérica. Por eso, el humor que manejo no tiene censura y toca los temas que nadie se atreve a pronunciar”, sostiene. “La gente considera que el cabaret o Tra la lá es el único ámbito de la risa. Cuando, el humor va más allá, está en el ensayo filosófico, en la crítica literaria, no en el chiste obsceno. Es algo que nos permite liberarnos y pensarnos como sociedad”, concluye, al prometer que “Las Bellas durmientes”, es “una obra que mostrará la capacidad que tenemos de reírnos aún de nosotros mismos”.

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Por: Christian Hurtado (Chugas)

uchas veces me he permitido soñar con superpoderes, y uno que se me viene a la mente 24 es el poder traer de regreso de la muerte a algún personaje justificando, un propósito que afecte positivamente a mucha gente. Uno de los grandes candidatos en el área de la música es John Bonham ya que Led Zeppelin fue una banda de cuatro integrantes a lo largo toda su historia. La banda británica surge de las cenizas de “The Yardbirds”, una legendaria banda de los años sesenta que después de haber cambiado guitarristas por mucho tiempo llegó a enrolar en sus filas al joven Jimmy Page, un músico de sesión que había participado en varias grabaciones de estudio

M

(entre ellas la del sountrack dela película The Sounds of Music). Page buscaba renovar su propio sonido y le tomó un buen tiempo encontrarse con Robert Plant , un vocalista de voz aguda y rasposa, quien a su vez contactó al percusionista John Bonham. Entre los tres hablaron con otro gran músico de sesión, John Paul Jones. Una vez sellada esta sociedad, la química y talento fluyó de manera espontánea, los cuatro integrantes se encontraron en el momento cumbre de su genialidad musical y la forma que ensamblaron como unidad dio como resultado una leyenda. Parte muy importante para el éxito fue la participación de Peter Grant, manager de la banda, quien consiguió un excelente contrato de grabación

con Atlantic Records desde el primer ensayo y supo mantener muy buenas relaciones con la disquera una genialidad en aspectos de negocios. Desde 1969 la obra de Led Zeppelin se considera que, junto a la de Black Sabath y Deep Purple, dieron inicio al movimiento del New Wave of British Heavy Metal mezclado con la psicodelia de la época dejando atrás las influencias de blues de la anterior banda de Page y dando un oscuro toque de folk a momentos acústico y dulces melodías, como en Led Zeppelín IV, su obra cumbre. La historia de la banda se ve oscurecida a momentos por hechos que afectaron mucho a la misma, como el accidente automovilístico de Robert Plant, el mismo que lo dejó con la pierna casi desecha y su

esposa al borde de la muerte en 1977. Un par de años más tarde moriría su hija de 6 años, Karac Pendra. En ese momento Plant y Bonham atraviesan momentos muy difíciles con la adicción a la heroína y el alcohol, afectando las composiciones del grupo hasta el funesto incidente en Boleskine House donde el 25 de septiembre de 1980 Bonham muere ahogado en su vómito, después de haber ingerido vodka. Se descartó que en esa oportunidad hubiera consumido drogas y se comunicó a la gente que sin Bozo era inútil seguir con Led Zeppelin, ni pensar en la idea de un nuevo percusionista, siendo ésto un signo de lealtad que ninguna otra banda demostró a lo largo de la historia de la música.


El esoterismo y el ocultismo se inició en la banda por la afición de Jimmy Page en la obra del filósofo escritor y adorador de Satanás, Aleister Crowley, quien vivió en Inglaterra entre las dos guerras mundiales. Se cuenta que se incluyeron mensajes subliminales en “Danzed and Confused” y ”Stairway To Heaven”, dos canciones que se dice que, escuchando el disco de vinilo al revés se escucha la frase “Here’s to my sweet Satan”. También se dice que el nombre de la banda era Eddo Zeppelion nombre de un ritual satánico realizado por Crowley quien vendió una propiedad a orillas del lago Ness conocida como “Boleskine House”, una casa embrujada donde murió John Bonham. La iconografía de la banda fue manejada de manera muy profesional, se destacan las runas o logotipos que caracterizaban a cada uno de los integrantes, así como el arte de las portadas de los discos, el zepelín en llamas de su disco debut que bautiza al grupo, o el hombre que carga leña sobre su espalda, el edificio a lo ancho del disco con ocultas

referencias a las canciones como un hombre con unos cachorros negros “Black Dog” , diseños con explosión de arte como “Houses

of the Holy” o la sobriedad de la caratula verde del “Coda” disco que pone fin a su obra, otra muestra de creatividad es el

ángel cayendo que da nombre a su sello discográfico Swan Song. La canción más conocida es “Stairway to Heaven”, un himno en constante subida considerada como arpegio inicial para cualquier aspirante a guitarrista y control de calidad de una guitarra como en Wayne’s World, la canción ha sonado tanto en el mundo que, hasta en algún momento, el propio Plant asegura haber estado empalagado de escucharla, el aire desértico de “Kashmir” surgió en una carretera al lado del desierto del Sahara, “Whole lotta love” contiene otro riff clásico de la banda aunque las letras de Robert Plant fueron copiadas de “You need love” de “Muddy Waters” quien tras un juicio consiguió parte en los créditos de la canción en ediciones posteriores del Led Zeppelin II, intensidad de persecución ecuestre del diablo en “inmigrant Song” y “Black Dog” ladra la fuerza y poder que el Heavy Metal necesitaba para hacer su ingreso a la escena musical, son algunas de las características de las canciones que Led Zeppelin dejaron como legado.

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Sepultura: Sin ataduras al pasado Andreas Kisr, Paulo Jr. , Ely Casagrande y Derrik Green se mandaron la parte el 13 de octubre de su nuevo line up que significa el resurgimiento en limpio de una leyenda viva del thrash metal brasileno

Texto: Joaquin Leoni Foto: Ivan Rodriguez P.

A

sí es. Sepultura apareció por segunda vez en suelo paceño. Habían pasado casi seis años 26 desde su primera llegada y en el transcurso de ese tiempo varios movimientos se habían dado en el line up de la banda brasileña, aquellos que algunos fans más radicales considerarían como una herida de muerte para el espíritu de estos thrasheros provenientes de los suburbios de Belo Horizonte. Algunos desinformados se preguntaban “¿Ya no está Igor Cavalera?”, otros aún más desubicados se preguntaban si Max Cavalera seguía de vocalista. Pues no, ninguno de los Cavalera estuvo esa noche, y la verdad, no importó un carajo. La sorpresa de esa noche fue la presencia de Eloy Casagrande,

un joven baterista de 25 años que parecía como esos dioses hindúes que tienen mil brazos en su cuerpo, y en cada uno de ellos una baqueta. ¡¡Qué Máquina!!. No descansaba de batear, no descansaba ni un momento de metrallar. Ráfaga tras ráfaga. Un verdadero héroe de guerra. Los puristas seguirían preguntándose por Igor, pero esa noche en el Don Bosco se demostró que nadie es irremplazable. El violero Andreas Kisser se referiría a los cambios en la banda en la conferencia de prensa: “Estamos siempre haciendo la música que amamos; el resto, las otras cosas, son consecuencia de lo que hacemos. También hemos mantenido vivo ese espíritu que busca influencias nuevas, unir diferentes países a través de nuestro arte, pues Sepultura hace una música positiva”.

KAIROS El sello alemán Nuclear Blast decidió lanzar el último disco de Sepultura llamado Kairos. Los temas nuevos que sonaron esa noche en el Don Bosco pertenecen a esta producción que sigue la línea que caracterizó a la banda tras la salida de Max Cavalera: Influencias de música brasileña; hardcore y Thrash en toda su expresión, además de un deleitable cover a la legendaria banda industrial Ministry. “Sepultura pasa por un momento muy positivo, el disco Kairos fue un disco de mucho éxito; ahora estamos haciendo una gira muy grande sin parar (…). Respetamos mucho nuestra historia, pero no estamos presos en el pasado”, dijo Andreas en la conferencia de prensa. Y es que Sepultura es de esas bandas que a pesar que el viento

sople en su contra siempre saldrá airosa por esa actitud guerrera, y sobre todo por ese espíritu que impera en cada una de sus canciones. La noche del 13 de octubre las placas tectónicas de La Paz se habrían separado un poco, y es que el movimiento telúrico de esa noche fue contundente de parte de esta maldita banda brasileña. Cuando escuches el thrash/ hardocre de Sepultura cierta adrenalina surgirá en tu cuerpo como algo que te lleve instintivamente a fruncir el seño y empuñar tu mano hacia arriba. Es la testosterona, esa hormona que se sintió en el Coliseo Don Bosco el pasado 13 de octubre cuando este quinteto brasileño causó un movimiento telúrico desde el mismísimo centro de la Tierra.


3600, FESTIVAL PARA LA GENTE 3.600 se ha constituido en el festival de música popular más grande de La Paz. En esta primera versión los organizadores apuntaron a lo seguro: El cantante de cumbia Américo, El Negro Palma, Vicentico, Kala Marka, fueron quienes ocuparon este escenario que se podría contituir en el futuro como una especie de Viña del Mar al estilo paceño. n inédito despliegue de sonido, un escenario de 24 metros de largo, 12 metros de profundidad y 12 metros de altura, Pantallas LED, Cortinas, humo, todo un espectáculo internacional logró colmar las expectativas de la gente en el Festival de Música 3.600 que tuvo lugar el 28 y el 29 de septiembre pasados. El festival tuvo lugar en el Teatro al Aire Libre de esta ciudad y fue sin lugar a dudas el más ambicioso que se haya organizado. Pero de todos los artistas presentes sin lugar a dudas el que más logró captar la tención del mundo rockero fue Vicentico, el ex Fabuloso Cadillac, quien tal vez por un tema de edad haya decidido dedicarse a la música tradicional latina con un ímpetu que podría tener un quinceañero cuando se encuentra por primera vez con Nirvana. Vicentico se mandó los temas “Ya no Te Quiero”, “Cobarde”, “Viento”, “El Pacto”, “El Rey del

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rock and roll”, luego interpretó 3 canciones de su nuevo disco “Creo que me enamoré”, “Un Diamante” y “Nada Va Cambiar”. Y por supuesto la rompió con “Mal Bicho” y “Matador” Pero no sólo Vicentico hizo de este festival el más importante de esta ciudad, sino también la telúrica presencia de Kala Marka, quienes tienen el poder y la bendición del Tata Inti en cada una de sus tocadas. Américo cuya voz romántica y su pinta de Elvis latinoamericano le dan un toque elegante a cada escenario en el que se presenta. Y claro, la voz cantante del Negro Palma, aquel que recuerda a los paceños que el sur de Bolivia no se termina en Chasquipampa. Atajo y Veneno, ambos conocidos de la noche paceña. 3.600 tiene un futuro grande, un futuro que podría ser el que el arte pop pueda conjugar sus verbos musicales con el eclecticismo que lo caracteriza. Un aplauso para la organización del evento. www.facebook.com/revistametro

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Oil, al otro

lado del Atlántico Oil se mandó una gira que lo llevó a atravesar el charco más grande del mundo y encontrarse a si mismos en un continente en el que el arte y la cultura inspiran en el aire a todo aquel que lo respira.

T

odo viaje tiene un historia que contar, más aún cuando el viaje implica desarrollo de rock, presentaciones y viajes GPS por el viejo continente. Oil puso sus sonidos sobre algunas de las ciudades más grandiosas y extravagantes de Europa, dejaron una joya pulida 28 sobre la escena internacional, una semilla ya madura. Mientras se acomodaban en diferentes lugares, estuvimos en contacto con Chelo Navia, que ansioso esperaba por el siguiente punto rojo sobre el mapa para sacudir su próximo destino. Chelo Navía, frontman de la banda cochabambina nos contó un poco como se sentía descubriendo nuevos escenarios y experimentando con nuevo público. “Simplemente es grandioso” dice Chelo Navia en una de las entrevistas a través de Skype con Metro. “Encontrar nuevas culturas, interactuar con gente

distinta, y poder hablarles y hacerles escuchar tu música, me hace sentir muy feliz, la banda ha venido a Europa a abrir nuevos caminos, descubrir nuevos horizontes”. Subieron al auto prestado, Oli, el bajista se puso al volante, el violero Pichón de copiloto y emprendieron el viaje. Mientras en la radio sonaba mucho Blues y bandas como Black Rose, Neil Young y Massive Attack, ya sus mentes empezaron a aterrizar en algunos de los lugares donde se dieron a conocer. La Chaux-de-Fonds en París, St. Gallen en Grabenhalle, en Undertown y La Parfumerie en Ginebra donde realizaron un concierto con versiones acústicas y aprovecharon la inspiración para grabar tres demos, y finalmente un sexto y último concierto en Bruselas, en el rock Classics. “Una locura”, pensaba yo, mientras lanzaba las preguntas y recibía las alegrías de Chelo, e inmediatamente la interrogante de que es lo que esto generaba musicalmente en ellos, ésta loca experiencia por la que estaban

atravesando. “Estamos rodeamos de tanta cultura” dice Chelo, “que es imposible no nutrirnos de ella, esto ha servido para que la inspiración brote intensamente y podamos escribir y seguir componiendo”, cuenta Chelo, que además de haber encontrado un importante momento con su creatividad, destaca el encuentro intimo con los integrantes de la banda, “esto nos ha ayudado a ser más amigos, a encontrarnos como hermanos, la carretera nos ha unido espiritualmente” dice Chelo. Todo esto ahora se verá reflejado en Bolivia, Oil ha vuelto de un viaje por Europa, han escrito y han aprovechado de grabar algo, y reencontrase

con sus composiciones pasadas. Estamos listos para seguir introduciéndonos en esta banda que ha traído muchas satisfacciones a la escena nacional. Quedamos impacientes por la próxima dosis de guitarras aceleradas, esa dosis acostumbrada de Oil.


Metro Presenta:

El Largo, Largo Día

De Cabaret etro Live en Cochabamba sucedió como la llegada de una nave espacial a la Capital del Valle en Bolivia. De ella salieron sonidos extraños, distorsionados algunos y melódicos otros. Es el mejor espacio para que el rock nacional florezca desde el corazón de la Nación Rockera. Así, La Muela de Diablo es la pista donde aterrizan todos estos músicos que tienen la cabeza en otro planeta, aquellos que pasan por las páginas de Metro, y son parte de la familia de la música alterna boliviana. El 27 de octubre sonó Cabaret en Metro Live. Cabaret es una de esas bandas cuya base está cimentada en una sola persona. Una especie de alter ego musical que fluye con la presencia de Pepe Murillo en la Guitarra; Gabriel Leonard, en el teclado; Pablo Murillo en la batería y Ahmed Soria en el Bajo; todo una orquesta pop controlada por el cerebro y concepción de Daniel Andrade. “No me gustó la idea de que la banda llevase mi nombre (ríe) y por eso decidí ponerle el nombre de Cabaret”, cuenta Daniel. La historia de la banda se remonta a finales de la anterior

M

década, cuando la relación de Andrade con Joti Mrochek se da como una especie de Big Bang que generó la creación de las bandas de ambos músicos. De esa colisión de planetas también apareció en escena el productor Cacho Romero, quien también compartió con ellos ese largo camino musicalTanto Joti como Daniel vivieron en Estados Unidos y compartieron ese largo camino de búsqueda por sacar un sencillo que pueda sonar en las radios nacionales. Sólo uno, please. Es en esa búsqueda que sale el sencillo “Long Long Day”, el mismo que logró sonar en la Stereo además de ser incluída en las listas de Rockanbol. En ocho años la banda logró grabar varios sencillos, por un lado en Los Ángeles, por otro lado en Georgia y en Miami. “Brababamos cuando podíamos, de tiempo en tiempo”, cuenta Daniel. Pero al final esas influencias de Kasabian y Black Keys lograron hacer que los temas surgieran. Cabaret fue el primer invitado a participar de las sesiones de Metro Live, en La Muela del Dablo. www.facebook.com/revistametro

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Lambertin,

el ojo que no duerme Por: Carolina Hoz de Vila.

Así como un científico explora en una probeta sustancias desconocidas, La fotógrafa chuquisaqueña Paola Lambertin hace del cuerpo humano su campo de experimentación.

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aola Lambertin tiene la mirada ávida de una cazadora. En sus ojos color miel se mueven muchas vidas de viajera. Despierta ante el enigma del mundo, procura que cada objeto sea un símbolo en su red. Arranca la sesión de fotos en el club de jazz, Thelonius, una tarde de otoño. La artista conversa con su modelo, hace que el instante de posar sea más ameno y ligero para ella, al permitir que se relaje, en un acto de fe con la cámara. Entre la cantante y Lambertin se establece un pacto de confianza, mientras la imaginación gira sin parar, y se vuelve una válvula en espiral, que desenlaza en varias tomas. Las ideas llegan a su cabeza, y son un disparador automático que la fotógrafa, toda ilustrativa, demuestra, para hacer que su estrella capte su inspiración. “Me encanta posárselos y actuárselos a mis modelos, para que asuman el personaje que quieren. Pero soy pésima para hacer de modelo”, declara entre risas. A esta versátil fotógrafa de modas, arte creativo y documental, melómana


por naturaleza, glamourosa, excéntrica, y alegre de carácter, no se le escapa ni un ápice de existencia. Cada retazo de cotidianidad es un buen momento para envolver en su lente los misterios. Mientras tanto, en secreto, planea una escenografía fantástica, que deletrea un libro mudo, página por página, en su obra. Fotografías familiares Nacida en la ciudad de Sucre, dejó que las imágenes poblaran su cabeza antes que las palabras. Cualquier joven se relaciona con un diario en los primeros años de vida, la niña inquieta de Paola, en cambio, se dejó capturar por el retrato. Una tía suya la llevó a comprender que la fotografía es un testimonio del tiempo, en el que cada instante, jamás deja una impresión igual. “Siempre tuve una fascinación por los retratos familiares. Tengo hermosas fotos en blanco y negro de mi niñez, tomadas por una tía que tenía gran afición por la fotografía. Cuando ella se fue me quedé sin fotos y desde ahí que nació mi inquietud de aprender más”, comenta. “Mi primera aproximación fue a los 9 años. Participé de un taller de fotografía junto a profesores del colegio y un par de compañeros. Tal vez no aprendí mucho, pero quedé encantada por este mundo”, sostiene la artista. No sería hasta una década después, que en un taller de fotografía de la universidad, despertaría la manía de su lente por disparar lo

que su curiosidad veía. “Tomé mi primer de taller de fotografía el segundo año de la universidad mientras estudiaba sociología. En este curso, se formó un grupo de fotografía, con ellos empecé a exponer. Sacamos una revista de fotografía y desde ese entonces no he parado de disparar con mi cámara. Me di cuenta que visualmente podía comunicarme y entender la vida.”

La dama de los retratos Así como un científico explora en una probeta sustancias desconocidas, Lambertin hace del cuerpo humano su campo de experimentación. Su enfoque hacia los retratos viene de mucho más atrás, cuando siendo niña, hacía y deshacía con los armarios de su casa. “Me encantaba ser cada vez alguien diferente bajo los disfraces. Por eso me gusta mucho crear personajes en los retratos creativos. Mi objetivo

es que la gente saque su lado más infantil y desconocido conmigo”, recalca. “Primero observo, investigo, hablo con la gente, saco mis propias conclusiones y después de entender mentalmente a lo que me enfrento, lo entiendo visualmente en mis fotografías”, enfatiza.

partes del globo. Se empapó de otras culturas. Cada anécdota se convirtió en un capítulo de su bitácora fotográfica. “No tengo una ciudad fija. He estado en tantas partes. No puedo estar quieta”, confiesa.

Sensaciones e historias tras la cámara “Debo decir que una de mis sensaciones favoritas, es ver por el visor de la cámara lo que está sucediendo”, afirma. Es que a Paola Lambertin nada la detiene. Desde sus 13 años vivió sola, y fue consolidando la aventura en su sangre, al recorrer varias

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Aprendiendo a producir una premiación...

Detrás de los

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C

Premios ROCKANDBOL

o m o conductor del programa r a d i a l RockAndBol, tengo el agrado de recibir cada semana bandas de todo tipo; actos emergentes, músicos de trayectoria, todos ellos comparten sus planes y sueños al tiempo que enciendo el micrófono y comenzamos con la charla que posteriormente se emite en alguno de los programas de la temporada. Muchas veces la conversación sale de tópico y nos embarcamos en charlas que no necesariamente se escuchan al aire pero que contribuyen

Por: Sergio Candia

a conocer y comprender el movimiento particular de cada banda y su lugar en la escena nacional. Al igual que estas conversaciones jamás publicadas, existen muchos factores acerca de la producción del programa y de los premios RockAndbol que el público no conoce y que probablemente no sospecha, sobre todo al momento de emitir criterios al respecto del resultado final. El requerimiento de llevar adelante una premiación involucra interactuar con bandas, patrocinadores y los diferentes equipos que trabajaran en la premiación. Estar al tanto de estas tres grandes áreas se

convierte en el quehacer diario durante algo mas de tres meses, el tiempo y trabajo invertidos no van acompañados de una paga equivalente pero queda la convicción de contribuir activamente al crecimiento de esta escena motivando a todas las bandas a ser parte de esta premiación. Una de las razones por las que esta premiación alcanzó cuatro ediciones hasta el 2005 y posteriormente ingreso en una pausa indefinida, fue la desalentadora respuesta de algunos artistas al esfuerzo que se invertía en cada versión de la premiación, lamentablemente no se puede complacer a todos

desde las nominaciones hasta los ganadores. El año pasado, 6 años después de la última edición, decidí que era el momento correcto para retornar con la premiación, a lo largo de los años que transcurrieron sin esta iniciativa, la escena produjo mas de un centenar de producciones destacables, tanto las grabaciones como los videos experimentaron un repunte en calidad a pasos agigantados, se hacia necesario reconocer tanto esfuerzo, no era justo que pase desapercibido. Regresamos con bastante ímpetu y como siempre, buscando aportar de manera


efectiva a la formación y crecimiento de nuestra industria musical; una primera idea fue convocar productores y músicos extranjeros para agregar un punto de vista libre de opiniones subjetivas. En ese sentido tuvimos éxito al recibir el apoyo de 14 personas, entre músicos, productores e ingenieros de sonido. El resultado de sus votaciones se respeto a cabalidad y a través suyo se confirmó lo que se venia gestando ya hace algunos años, el surgimiento de una nueva camada de bandas y músicos con propuestas muy bien definidas y de calidad exportable. De las anteriores versiones rescatamos la base de categorías y la estructura de la premiación, al igual que Pato Peters, creador de La Premiación, optamos por una discoteca como escenario, una escala manejable de evento nos permitiría poner a prueba un sistema de trabajo que fue desarrollándose empíricamente y que necesitaba de retroalimentación para sostenerse a futuro y porque no, en el tiempo. Llegada la noche de premiación todo estaba listo, el sonido, las luces, los invitados y las bandas, las animaciones no llegaron a tiempo y esto demoró el evento por mas de dos horas y descompaginó horarios, hecho que levanto la susceptibilidad de algunos asistentes, es comprensible, no todos deben estar al tanto de estos detalles, el show debe continuar y las explicaciones están demás. El evento tuvo una duración de dos horas y algunos minutos más tal como estaba previsto y aprovecho esta oportunidad para agradecer de forma publica el trabajo y apoyo recibido de parte de Rivero Audio y todas las bandas; quedé asombrado por el profesionalismo y el

compromiso demostrado, actitudes como esta suman y aportan a la construcción de una comunidad en la que todos jugamos un rol importante para conseguir un fin mucho más grande. Las repercusiones posteriores venían en dos sentidos, un grupo de artistas y público que apoyó y felicitó el retorno del evento y un grupo de gente que optó por atacar y denigrar el retorno de la premiación. Más allá de entrar en detalles sobre los entretelones de ambas posturas, creo que es importante destacar

que este tipo de esfuerzos se llevan adelante con toda la confianza en aportar a nuestra industria de manera positiva. Creo que el mensaje final de este tipo de iniciativas es propiciar espacios para producir unidad y solidaridad en una comunidad que necesita desesperadamente de buenas noticias e incentivos, solamente si trabajamos juntos es que lograremos que este barco a la deriva adquiera un rumbo consistente. Esta premiación es un llamado a sumar ideas, sumar talentos y sumar acciones, con errores y

aciertos, con limitaciones y cosas por perfeccionar, es importante reconocer que estamos acá para ponernos al hombro una tarea grata, dejar huella y trascender más allá, encaminarnos en el trabajo de exportar nuestra música, reunirnos una vez al año y felicitarnos por nuestro trabajo, compartir un momento entre amigos y gozar del talento desbordante de nuestros artistas, Los Premios RockAndBol no se tratan acerca de Sergio Candia o Pato Peters, son acerca de los músicos y la producción reciente, como director de RockAndBol. Considero que mi trabajo es tomar la posta de este lado, ser consistente en la difusión y llevar adelante proyectos como la actual radio en línea y la premiación para perpetuar el trabajo de nuestro artistas, fieles voces de una generación y una coyuntura que merece ser narrada y merece ser distinguida. Larga Vida a RockAndBol.

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A-Pie

un regreso necesario

Por: Pedro Pablo Siles R.

Aprovechando la corta visita de A-pie, Metro se reúne con el indispensable trío quillacolleño, que ha vuelto a las andadas este año. Juan Carlos Guerra (Cayo), su hermano Gustavo (Guti) y Jorge Campos (Coco) responden a nuestras preguntas a horas del show que tienen programado junto a Oz en el Equinoccio. La emoción se respira… Metro (M).- Cuéntennos un poco sobre los orígenes de la banda. Cayo .Los orígenes se remontan, más o menos, al año 94. Motivados por cambiar la monotonía de nuestra ciudad, de Quillacollo. Estuvimos tocando hasta el 97 en algunos 34 boliches, “covereando” como toda banda de cole. De ahí desaparecimos. Yo me casé y me volví un funcionario público más de esta querida sociedad… M.- ¿Cómo se produce la nueva era de la banda? Cayo.- El 2003 decidimos rearmar A-pie porque habíamos dejado mucho tiempo de tocar, pero el 2003, por cuestiones políticas, quedé sin trabajo. (Risas). Volvimos a hacer música y decidimos hacer composiciones. Propusimos una canción que se llamaba “A nadie le hace mal”. 2004 nos animamos a venir a la Marathon Rock.

M.- ¿La Marathon los impulsa a hacer ese primer disco? Coco.- En realidad ése era el premio. Volvemos a Cocha con la responsabilidad de grabar un disco. Guti.- Ha sido una especie de catapulta que nos ha impulsado mucho. Tal vez si no hubiéramos logrado ese objetivo, no estaríamos haciendo música. Además, gracias a la Marathon Rock y al disco que sacamos en esa Marathon ganamos en los RockAndBol también. “Banda Revelación”, “Nuevo talento”, “Mejor Balada o Tema”… C.- Era casi el 2005, ya con el material lanzamos un corte que llamado “Llévame”. Antes de que terminara la Marathon logramos sacar una canción que llamada “Destructivo”. La cortamos en la Stereo, en el programa del Pato Peters, y nos dio un impulso también en los RockAndBol. Entonces el 2006, lazamos “Llévame” y ahí

ganamos “Mejor Agrupación Centro”, “Mejor Talento Joven” –porque Coco estaba con 19- y llegamos a ganar “Mejor Canción Centro”. Nos trajo muchos premios esta canción. Después decidimos seguir grabando. Entonces, compusimos una canción que se llamaba “Indiferencia”. Comenzamos a hacer las maquetas, y prácticamente las hice en el estudio porque no teníamos mucho tiempo para grabar. Lo hicimos en un estudio de Quillacollo que para nosotros en ese entonces tenía la capacidad de cubrir nuestras expectativas. No teníamos un productor musical. Prácticamente nuestro amigo Ariel Montaño fue el que nos ayudó. Demoró bastante porque grabábamos unos dos días y dos semanas de descanso… Coco.- Además que se perdió el material. Se quemó el disco

duro en realidad y había que volver a grabar todo. Lo que fue productivo también, porque muchos de los temas yo los escuchaba en el estudio y los grababa ese mismo día. Y con esa oportunidad los pude estudiar un poco más para grabarlos. Y cambiaron las estructuras de algunos temas. Cayo.- Y luego el proceso de mezcla y masterización demoró bastante. Era bastante complicado. No fue de la forma en la que cualquier artista quisiera hacer. Levantarte y tomar tu tiempo para poder crear, arreglar o mejorar. Fue prácticamente sobre la marcha… Guti.El factor tiempo siempre juega, en eso y en que tienes que presentar el material porque si pierdes un año o dos, te olvida la gente. Siempre tienes que estar vigente. Y creo que del 2008 al 2012 ya nos hemos perdido también demasiado tiempo…


M.- ¿Cómo se produce el nuevo tema de la banda? Entiendo que tuvo varias fases que son reconocidas por la mayoría… Cayo.- La primera versión fue una grabación de un proyecto de grado de un amigo de la carrera. De ahí que lo escuchamos y nos gustó como sonaba la canción. Nos parecía algo fresco. Coco había traído una iniciativa de poner loops electrónicos en el tema. No salieron como queríamos, entonces buscamos otro estudio. Volvimos a grabar otra versión donde siempre grabamos, pero tampoco

quedamos muy satisfechos. De ahí que nace la idea de volver a las tablas e invitamos a un amigo para que pueda ser parte de la banda como técnico de sonido en vivo.- Eduardo Lewkowicz. Él nos invita a grabar esta canción como una muestra de su nuevo estudio. La grabamos y nos gustó cómo sonaba, era más orgánico. Fue esa la razón por la que estamos manejando ahora esta tercera versión. Coco.Es como que ya hemos madurado un poco. Ya tenemos una idea más clara de lo que queremos. Entonces, cuando algo no nos gusta un

poquito, digamos, tratamos de mejorarlo porque ya tenemos algo en la cabeza y queremos traducirlo. De esa forma es que estamos trabajando ahora. M.- Cayo, en la radio dijiste que pensaban sacar el material en febrero del próximo año. ¿Cuánto material tienen listo? Cayo.- Ya estamos. Estamos con las maquetas ya encima… Guti.- Hay una compilación de temas que viene desde el año pasado. “Atrapados”, que sacamos, del que hizo el video Coco, uno de dibujos animados, que está incluido en el nuevo material del disco,

ya como corte. Hay otro que sacamos el año pasado también, que se llama “Retórica” y que grabamos en otro estudio, con un chileno que se llama Germán Durán. M.- ¿Han disfrutado de volver a los escenarios y retomar el proyecto? Cayo.- Sí, la gente no se ha olvidado. Hay una nueva generación que está empezando a escuchar A-pie, o recordando. Maduros, decía Guti, y sí.Guti y yo ya estamos bastante maduritos. (Risas). Guti.- Yo decía en lo musical. (Risas generales).

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Fiesta Cuetillo:

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star en un concierto de Fiesta Cuetillo es similar a estar en el interior de un volcán a punto de estallar, pues cada uno de estos cuetillos da todo de sí en el escenario, donde el funk mezclado con

E

rock prende la mecha de la adrenalina en un dos por tres. Pero dejemos que Salvador Sambiasi (voz), Ignacio Cossio (guitarra/coros) y el histriónico bajista Pablo Román nos cuenten como es vivir dentro del volcán a punto de erupcionar, ese volcán conocido como Fiesta Cuetillo.

M.-. Saludos cordiales, Salvador, contáme, de cómo se les ocurre juntarse y crear la banda? Salvador Sambiasi (SS).- Todo surge como iniciativa de Ignacio y de Pablo, ambos definieron el perfil del proyecto y fueron convocando a la gente que iba acorde con el proyecto. Así fue como llegamos a esta formación

con la que tenemos una química perfecta. M.- Antes de llegar al funk, ¿qué estilos hicieron antes de definir su personalidad musical? Ignácio Cossío (IC): La verdad que lo primero que se definió al empezar el proyecto fue el estilo que íbamos hacer. No hubo


Una Química perfecta

Por: Jorge Arduz.

mucha vuelta. Individualmente, yo empecé tocando rock alternativo y grunge. Luego de un largo receso de los escenarios incursioné en el blues y luego en el rocanrol. M.- Algo que me llama mucho la atención es ver a Pablo el bajista disfrazado ya sea de vaca o de mono, ¿de cómo surge la idea? Pablo Román (PR): Disfrazado en los concierto, ¿yo? Solo me disfrazo cuando salgo de Pablo! uuu aaa uuu aaa muuuuu (introducir sonidos de animales) Aparte nadie se imagina a un mono o una vaca tocando el bajo, la guitarra o cantando tal vez, pero nunca de stripper. M.- Ustedes ya tienen un EP en la calle, ¿de qué manera ha sido recibido ese material? SS.- Nuestro EP ha sido recibido muy bien. Realmente causó un impacto que nos tomó por sorpresa. De un momento a otro la gente ya comenzaba a pedir temas y a corearlos. Estamos muy agradecidos con todo el apoyo y cariño que nos brinda la gente. PR.- En las radios nuestro single “Por los siglos de los siglos” fue muy solicitado y llegó a posicionarse en el puesto #1 en distintas emisoras que nos han

apoyado mucho. M.- Aparte de Santa Cruz, en que otra ciudad del país han tocado y ¿cómo les fue? PR.- Aparte de Santa Cruz hemos tenido el privilegio de visitar 2 veces la ciudad de Cochabamba, por 2 años consecutivos. Allá nos han tratado de maravilla, el público es muy entusiasta y se prenden al show muy rápidamente, es alucinante. SS.- También tuvimos la oportunidad de visitar la ciudad de Camiri, donde nos recibieron con muy buena onda y hospitalidad. Les gustó tanto el show que ese mismo momento se aseguraron de cerrar otra fecha, así que en noviembre estamos de regreso a tocar. M.- La banda ya inició el proceso de grabación de su disco debut a inicios de Agosto, contame como va la cosa… SS.- La producción va un poco lenta pero segura. Sabemos que hay mucha gente que está muy interesada en el material y no queremos defraudar a nadie, así que nos estamos tomando el tiempo para darles el disco que se merecen. Si todo sale como pensamos en diciembre el disco estará listo

M.- ¿En este disco que están preparando tienen invitados especiales ¿quiénes son? Efectivamente, contaremos con arreglos de músicos importantes, aunque por el momento nos reservamos los nombres, quisiéramos que sea una sorpresa para todos. M.- ¿Por qué el nombre de la banda cuál es la historia del mismo? SS.- Un día Ignacio escuchó a uno de sus primos decir “… es un Fiesta Cuetillo” cuando preguntó la definición le gustó, además iba muy acorde con el género y el tipo de letras que se estaban haciendo, así que lo propuso como nombre. Seis meses después en una larga reunión para definir de una vez el nombre volvió a proponerlo, luego de analizarlo por varias horas finalmente quedó.

con la química que tenemos entre todos. Somos Salvador Sambiasi en la voz, Ignacio Cossio en la guitarra, Pablo Román en el bajo y Alejando Parrilla en la batería. M.- ¿De qué manera se llevan con las bandas de la escena cruceña? PR.- Nos llevamos muy bien, la verdad que no hemos tenido ningún tipo de conflicto con ninguna. De hecho, siempre que podemos tratamos de colaborar en actividades que ellos realizan y viceversa. IC.- También en el interior del país tenemos muy buenas amistades con bandas como: Oil, La Chiva, Reverso entre otros.

Palabras finales. IC.- Fiesta Cuetillo, es una persona que vive de fiesta todo el día, hace fiesta de todo y por nada. Es el equivalente camba de “Raspa buri” M.- Hoy por hoy, ¿quiénes son los integrantes oficiales de la banda? SS.- Por suerte la banda no ha sufrido ningún cambio desde su inicio estamos muy tranquilos

“Antes que nada agradecerle a todo el público por el aliento y la buena onda y a ustedes por la difusión. Pueden estar seguros que la fiesta está recién comenzando. Los esperamos siempre con toda la onda para hacer lo que más nos gusta, divertirnos en escenario. Salud! y no se olviden que la fiesta, la hacemos todos!” www.facebook.com/revistametro

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DISCOS PARA ESCUCHAR ANTES DE MORIR Pretenders Pretenders (1980)

Sello discográfico: Real Producción: : Chris Thomas Nacionalidad: Reino Unido. EE.UU Duración: 47:11

Para empezar hablando de los Pretenders hablamos de Chrissie Hynde, la compositora, guitarrista y vocalista de la banda que permaneció durante los años y llevó el nombre de la banda hasta el presente.

Talking Heads Talking Heads: 77 (1977)

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Sello discográfico: Sire Producción: Tony Bongiovi

Desde pequeña, se involucró con la literatura, el hippismo, la música y la experimentación de la contracultura y las drogas. No parecía hecha para cantar, menos para tener una banda, hasta que el gurú de Motorhead reunió a sus miembros de banda, y produjeron el disco Pretenders, con voces melódicas y guitarras alocadas, un punk que pisoteaba a la diferencia de géneros y encontraba su función en un difícil medio. Jeff Buckley admitió que no entendía algunas cosas de las que Chrissie cantaba, pero se enamoraba de la idea de una chica mala en el rock. TEMAS CLAVE 1. Precious 2. Private Life 3. Brass In Pocket 4. The Phone Call

punk en el Reino Unido. Muchas eran las dudas que pasaban por la gente cuando circularon algunos sencillos livianos y poco impactantes que había creado la banda. Pero después del Talking Heads: 77, y el sonido íntegro que crearon, demostraron que su carrera estaba intacta. Psicodelia y mucha tensión vocal caracterizan a este disco lleno de novedades, nutridos por el punk el funk y la música disco. TEMAS CLAVE

EE.UU

El escocés David Byrne, junto a Chris Frantz y Tina Weymouth, en 1977, eran el trio que conformaba la banda que tocaba en directo y teloneaba para The Ramones en el momento caliente del

Blue Lines (1991)

Sello discográfico: Virgin Producción: Johnny Dollar. MassiveAttack Nacionalidad: Reino Unido Duración: 45:22

La banda que te produce sueño psicodélico y viajes eternos. MassiveAttack fue siempre rotunda con su sonido que además abordó un sonido propio con este su disco debut. El movimiento que inició, con

Led Zeppelin Led Zeppelin (1969)

Sello discográfico: Atlantic Producción: Jimmy Page Nacionalidad: Reino Unido

Nacionalidad: Reino Unido, Duración: 38:37

Massive Attack

Duración: 44:46

1. Uh-Oh, Love Comes To 2. Town 3. New Feeling 4. No Compassion 5. Don’t Worry About The Government Psycho Killer

El rock clásico que nunca nadie olvidará, que fue el peso de la historia y quedó grabado en la memoria de todos. Desde el principio el estilo de la banda de Page y Townshendera una mezcla entre el heavy, el

POR

IVAN RODRIGUEZ PETKOVIC

fusiones entre el Hip Hop y el downtempo, fue la base para bandas posteriores de la talla de XL, como Morcheeba y Groove Armada. El disco está completo de momentos valiosos y sonidos intensos, bajos retumbantes y ritmos funky. Todo con las combinaciones de cuerdas y baladas que le dieron el toque de amor doloroso al disco debut de la banda. Ponemos play a “Unifinished Simpathy” y nos enganchamos con uno de los temas más influyentes de la década. TEMAS CLAVE 1. Safe From Harm 2. Five Man Army 3. Unfinished Sympathhy 4. Be thankful of what you got 5. Daydreaming

blues y el folk rock, que los caracterizó y los puso tras la barreas musicales. Los sonidos casi complejos tomaban caminos distintos para encontrar un mismo destino. La ingeniosa guitarra de Page te hacia el solido concreto entre las cuerdas y el robusto bajo descendente trazaba las líneas de los momentos mas importantes del disco. Las letras con grandes frecuencias idolatradas por los fans de la banda trazaban el genero de Robert Plan y la máquina de la madurez musical. Merecida devoción para un álbum dinámico y contundente. TEMAS CLAVE 1. Babe I’m Gonna Leave You 2. Dazed And Confused 3. Comunication Breakdown 4. You shook me 5. I can’t quit you baby



Metro #48