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indice

Melómanos Magizine #13 · Noviembre / Diciembre

PoRtADA Felicia morales FotogRAFíA reinaldo rodríGuez EDICIóN camila maira

radar DRENgE / LoNDoN gRAMMAR

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videoteca MIStAkEN FoR StRANgERS / thE NAtIoNAL

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en números LoS PRISIoNERoS 2

discos clásicos RADIohEAD - kID A entrevista ADELAIDA entrevista PREFIERo FERNÁNDEz entrevista FELICIA MoRALES entrevista PoRtugAL entrevista PARRot DREAM entrevista PAtRICIo ALFARo reportaje 1994 / tENDENCIAS Y EtERNIDAD sello DISCoS CEtÁCEoS reseñas libros CóMo FuNCIoNA LA MúSICA / SE oYEN LoS PASoS Galerías

12/13 14/16 18/20 22/25 26/28 29/31 32/33 34/37 38 40/46 48/49 50/55


EDITORIAL

Melómanos Magizine #13 · Noviembre / Diciembre

HACER Y AVANZAR En el mundo actual todo va rápido. Y para nosotros, la generación que ha vivido su juventud en internet, la velocidad de la vida es incluso mayor a la de los demás. Por eso a veces es necesario parar, sentarse y ver las cosas con calma; planear nuestros siguientes pasos con tranquilidad. Eso fue precisamente lo que hace algunos meses decidimos hacer en el núcleo de esta revista. La velocidad del mundo nos pasó la cuenta y bueno, nos vimos obligados a poner el freno y pensar en qué era lo mejor para el proyecto. Muchos cambios llegaron con esa acción, pero volvimos para seguir haciendo lo que más amamos. Es que justamente es esa la consigna que nos quedó tras estos largos meses sin trabajar en una edición bimensual: aunque haya que reinventarse en el camino, siempre es un buen momento para hacer lo que te gusta y seguir avanzando. Por eso esta nueva etapa de Melómanos Magazine la comenzamos con Felicia Morales en portada; una artista inquieta que se ha valido de diversos canales y proyectos (música, peluquería, bordados, etc.) para dar rienda suelta a su creatividad. Y, de alguna manera, cada una de las bandas presentes en esta edición representa el espíritu de seguir el camino por amor a lo que se hace y sin mirar atrás. Por nuestra parte, acabamos de retomar el rumbo. Y la verdad es que no tenemos intenciones de parar. El Director.

DIRECTOR Y EDITOR GENERAL Ignacio Silva

STAFF

DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA Natalia Soto DIRECCIÓN DE ARTE Y DISEÑO Camila Maira EQUIPO PERIODÍSTICO Ignacio Silva

Joaquín Riffo Francisco Silva José Miguel Álvarez Mariel Vargas Albornoz Camilo Pérez Fernández Claudio Salas Felipe Retamal Navarro EQUIPO DE FOTOGRAFÍA Natalia Soto Josefina Pérez

Reinaldo Rodríguez Diego Figueroa María Paz Arias FOTÓGRAFOS COLABORADORES Jorge López C. EQUIPO DE DISEÑO Camila Maira Javiera Reyes

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entrevista ENTREVISTA

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Por Camilo Pérez · Fotografía por Natalia Soto


entrevista ENTREVISTA

Por Camilo Pérez · Fotografía por Natalia Soto

CELADORES PRESENTA

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BANDA INVITADA: ADELAIDA I 18 DE NOVIEMBRE I BLONDIE I 21:00 HRS CELADORES.ME I @CELADORESRECS

Pulsar


RADAR

DRENGE

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FAMILIA, DISTORSIÓN Y GRUNGE

Por Mariel Vargas Albornoz

Ha pasado poco más de un año desde que se lanzó el disco debut de la banda inglesa Drenge y en Chile poco y nada se sabe de ellos, a pesar de que han sonado fuerte -de verdad fuerte- en la escena europea y estadounidense. Es que en su propuesta, el dúo de los hermanos Eoin (voz y guitarra) y Rory Loveless (batería) sorprende con un post-grunge notoriamente basado en lo que hacía Nirvana en los 90’, pero remozado con influencias de bandas como The White Stripes, Queens of the Stone Age y Ty Segall. Allí la crudeza de la batería, guitarra y voz se junta con letras de un odio a la humanidad propio de dos adolescentes enojados con el mundo (Eoin, el mayor, tiene 22), en canciones con aires de revival y frescura juvenil que los han llevado a tocar en programas como “Later...with Jools Holland” y en festivales de la talla de Glastonbury. En la última década, el formato dúo se ha puesto de moda y los grupos musicales compuestos por familiares sobran. Pero entre todos ellos, Drenge sobresale. Porque es cierto: ellos sí que van bien encaminados.


RADAR

Por Mariel Vargas Albornoz

LA VOZ DEL ÉXTASIS

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Complicado es definir a este trío de ingleses. El estilo de Hannah (voz), Dot (teclado,djembe y batería) y Dan (guitarra) oscila entre el art rock, el pop electrónico y el indie, con elementos bastante experimentales y sonidos etéreos que sobrecogen. A pesar de que su trabajo como grupo comenzó por el año 2009, fue recién en febrero del año pasado que lograron sacar su primer EP, llamado Metal & Dust, y en septiembre de ese mismo año presentaron su álbum If You Wait. Pero lo cierto es que la clave del éxito de la banda está sujeta en gran parte a la voz de Hannah Reid. Profunda, complementa perfectamente al sonido ambiental que los otros London Grammar crean. Sin Hannah, no hay banda. Ella es el sustento y la proyección. Y a pesar de que el trabajo del conjunto cumple su objetivo y resulta ser bastante original dentro de todo lo electrónico que se está acostumbrado a escuchar, es a su voz lo que el público aplaude en sus impecables presentaciones en vivo. Ella se lleva toda la atención.


ENTREVISTA

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Por Camilo Pérez · Fotografía por Natalia Soto


VIDEOTECA

Por Ignacio Silva

MISTAKEN FOR STRANGERS

LA CARA DESCONOCIDA DE THE NATIONAL No es una novedad plantear que la de los músicos es una vida especial. Y bueno, no todos tienen la misma facilidad para sobrevivir a un mundo lleno de fiestas, trasnoche, alcohol, drogas y rock & roll. Frente a esas condiciones, la mayoría de los miembros de The National encontraron una solución práctica y accidental por partes iguales: tener un hermano dentro de la banda. Resulta inusual, pero todos dentro del grupo de Cincinnati comparten apellido con un compañero. Todos menos Matt Berninger, el vocalista. Esa condición fue la que motivó que el frontman invitara a su hermano Tom para que lo acompañara en la gira más grande en la historia del quinteto; la del imprescindible High Violet (2010). Tom, un treintañero algo nerd, fanático del metal y del cine clase B, se va de viaje junto a Matt y The National durante todo un año y, cámara en mano, registra el tour desde la perspectiva de un roadie más. Pero claro, es la persona más cercana al frontman, lo que le da muchas garantías. Eso permite que Berninger retrate un lado desconocido de la banda: con mucho humor, preguntas extrañas y momentos incómodos, desmitifica todo lo que se cree de un grupo de rock para mostrarlos en un grado de intimidad total. A partir de ahí se ve lo que el grupo es desde la inocencia máxima y sin pretensiones de enaltecer su ya reputada imagen. Las imágenes de conciertos y guiños a la biografía del quinteto no faltan, pero no son el centro. En Mistaken for Strangers el foco está en retratar cómo son las relaciones dentro de una banda. Y eso se agradece.

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EN NÚMEROS

Melómanos Magizine #13 · Noviembre / Diciembre

LOS PRISIONEROS EN NÚMEROS:


ENTREVISTA

Por Camilo Pérez · Fotografía por Natalia Soto

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DISCOS CLÁSICOS

Por Francisco Silva

12 Al darle vueltas al cuarto elepé de la banda de Oxford siempre sale a relucir la misma pregunta: ¿Es esto el resultado de un mero capricho, o es la búsqueda intencionada de un artista con fijaciones sonoras no resueltas? Y es que cuando se está ante un giro estilístico tan radical, en comparación inmediata a sus predecesores, el desconcierto es la única salida. Pero al menos ante la exposición primaria a Kid A, esta es una reacción evidente, pero errada. Porque nunca fue a la inmediatez a lo que se apostaba con un disco así, si no a su relectura y a su consiguiente repaso, al menos hasta conseguir profundizar lo suficiente para poder –reciénemitir esa opinión escurridiza de si es de nuestro agrado, o no. Las medias tintas no son un buen sitio para calificar. Al menos en esta pieza. Y es que como se intuye tras años de escuchar Kid A y de leer esa historia del vocalista hastiado del éxito de Ok Computer (1997), el decantamiento hacia una dimensión sonora nueva no era tan descabellada. Bueno, ahora que lo miramos con distancia, se ha convertido simplemente en el paso natural y todos esos códigos sónicos que aparecían algo fragmentados en el disco del 97’, en esta obra ya se dan el lujo de escapar y desarrollarse en plenitud. Sin intermedios y sin antelación. Desarrollo y auge de una sola vez, aun cuando luego viniese Amnesiac (2001) a cerrar el círculo, los conceptos albergados en el elepé del 2000 ya estaban lo suficiente desarrollados. En cuanto a sus canciones, éstas presentan una individualidad marcada, pasando de la introducción escéptica de “Everything In It’s Right Place” a los instrumentos de viento y esquizofrenia de “National Anthem”, o lo krautrock de “Idioteque”, sin mencionar el final con “Original Motion Soundtrack”, que elegantemente hace uso de elementos propios de la música docta y produce ese mismo efecto al que hace alusión su letra: el letargo propio de las píldoras para dormir y el vino, hundiendo al escucha en un mar tinto (‘Red wine and sleeping pills, help me get back to your arms/Cheap sex and sad films, help me get back where I belong’).


DISCOS CLÁSICOS

Por Francisco Silva

Sin embargo, estas características tan marcadas no hacen que el track a track se vuelva desordenado y caótico, sino lo contrario, el armado permite que el conjunto realce el espíritu homogéneo de Kid A sin caer en el nicho de lo conceptual. Jugar a dos bandos, utilizando un arma emocional como lo es el pop, sumado a las tesituras de la voz y lírica de Yorke, y a la vez insertarlo en parajes post-apocalípticos -el arte de las carátulas y booklets de la mano de Stanley Donwood- dan este disco ese sello tan propio. Y es que al igual que otras piezas de autores como Cortázar en literatura y Grant Morrison en el mundo de la novela gráfica y el cómic, Yorke, los hermanos Greenwood, Selway y O’Brien armaron un álbum de tal estructuración que su repaso se torna obligatorio, tanto por su comprensión, como por el nexo emocional que crea. INFLUENCIA POSTERIOR El efecto posterior a este verdadero desafío a la industria -y a los seguidores- no se dejó esperar, siendo debate hasta el día de hoy, pues a veces es necesario que alguien mueva el panorama y lo saque de su estática para así dar nacimiento a la influencia. Y una tan notoria, como este caso, se enraizó como referente inmediato en la escena del post-rock. En el plano local, sin ir más lejos, Kid A ha sido fruto de inspiración de bandas como Mecánica

Popular, quienes para su último trabajo de estudio acusan mucha influencia de Radiohead, como aseguró el guitarrista Diego Álvarez en el libro de Ángel Rogel, La Mecánica De La Música Popular (2010): “Ese disco para nosotros fue un mazazo. Aquellas máquinas que se escuchaban en “Réquiem” y “Maquinas y Sangre”, son consecuencia de las constantes escuchas de aquel experimento sonoro”. Además, nombrado por medios como Pitchfork y Rolling Stone como el mejor álbum de la década pasada, y ya señalados todos los cambios que trajo consigo, no hay duda alguna que estamos ante uno de los grandes clásicos que trajo este siglo. Un clásico con todas sus letras.

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ENTREVISTA

Por José Miguel Álvarez · Fotografía por Josefina Pérez

ADELAIDA La primera piedra

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Monolito (2014), el primer LP de la Adelaida, completó un consistente paso al reconocimiento más allá del puerto de Valparaíso. Conversamos con Jurel Cósmico, su líder, sobre el presente de la banda, la comunión independiente y la ascensión del ruido.

Adelaida ya brilla con luz propia. De iniciarse como un proyecto solista del ex-Lisérgico, Claudio Manríquez -alias Jurel Sónico-, el trío porteño también conformado por Gabriel “Lele” Holzapfel (Terapia Grupal) y la bajista Natalia Díaz, se ha convertido en un gran exponente de los distorsionados sonidos heredados de la década de los noventa. Hoy, la banda amplía su horizonte hacia nuevos escenarios, madurando en el mismo proceso.

Nacido a punta de maquetas de guitarra y bases de batería hechas por Jurel en 2007, el proyecto tomó seriedad solo a partir del lanzamiento de su EP Narval en 2012. Van cerca de dos años desde ese periodo y ha pasado mucho. Su firma con el sello Pinball Recordings les permitió abrir un sinfín de puertas que incluyó, finalmente, editar su primer LP en marzo de este año: Monolito.


ENTREVISTA

Por José Miguel Álvarez · Fotografía por Josefina Pérez

QUERIDO RUIDO Con temas que recorren diversos subgéneros del rock, la identidad del trío porteño comprende un viaje sonoro que equilibra distorsión y melodía. “Siempre hice canciones aparte que eran un poco más melosas, no tan rockeras”, señala Jurel. Grunge, indie y shoegaze encajan como etiqueta, pero la elección de un nombre propio no es un dilema que preocupe a Adelaida ni tampoco un impedimento para disfrutar de su trabajo. “Nosotros ya hemos madurado en torno a ese tema, no creemos mucho en los géneros musicales”.

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¿Cómo fueron los comienzos de Adelaida? Jurel Sónico: Siempre grabé maquetas donde grababa las baterías y mostraba a la gente para ver si querían tocar esto, sino no. Ahí conocí al Lele y la Gaby (Gabriela Vásquez) y empezamos a ensayar. Al principio éramos cuatro pero el otro guitarrista se fue. Empezamos a hacer canciones, sacamos los temas de las maquetas que tenía yo. La verdad que siempre fue la banda B de Lisérgico para mí y para el Lele, que era el baterista de Terapia Grupal. Adelaida era el grupo para juntarse a hacer gimnasia, hasta que el 2012 dijimos “agarremos este proyecto y grabemos un EP”. Ese EP al final se llamó Narval y en ese momento empezamos a tomarlo en serio.

En 2012 también aparecieron en un compilado editado por MIV (Músicos Independientes de Valparaíso). En relación a esto último, ¿sienten beneficiosa la comunión con otros grupos independientes? JS: Sí, de todas maneras. De hecho vivo con gente de otras bandas como Fatiga de Material en Valparaíso y siempre hemos sido del espíritu del compañerismo. De repente falta un amplificador y le pedimos a los amigos, o no sé. Entre todos nos apoyamos como podamos. Cosas materiales, datos, contactos, lo que sea.


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Por José Miguel Álvarez · Fotografía por Josefina Pérez

Están realizando muchas fechas en Santiago ¿Es muy distinta la escena capitalina con el nicho porteño, más familiar para ustedes? JS: Igual en Valpo estamos súper trillados porque es chico. Y más que eso, Santiago para nosotros significa que siempre nos va a ver gente nueva cuando tocamos. Eso es entretenido: tocar para otro tipo de gente fuera del círculo que uno tiene siempre. Entre Narval y Monolito hay temas que se repiten. ¿Sienten que el tiempo han transformado esas canciones? ¿Sienten una evolución en el sonido? JS: No sé si evolución, pero sí maduraron un poco más y cada vez se ponen más lentas.

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¿Cambiaron integrantes hace poco también? JS: Monolito lo grabamos con Gaby, nuestra primera bajista ¿Cómo es la relación con Natalia Díaz, su reemplazante? JS: La relación es súper buena, ella es muy proactiva y se interesa mucho por hacer cosas nuevas. Hemos compuesto un par de canciones y las vamos a publicar pronto. Igual estamos tocando en vivo

temas nuevos y el show se transformó en algo más rockero. En las grabaciones de Monolito había ese espíritu más piola, queríamos bajar un poco más las distorsiones. Yo ocupaba un pedal RAT para grabar el disco y ahora estoy tocando con un Big Muff. Volvimos al rock (risas). ¿Están cómodos con la auto-etiqueta del shoegaze? JS: Cada grupo tiene un poco de cada cosa, rescata lo que más le gusta de sus referentes y luego puede crear algo nuevo. En ese caso yo creo que rescato cosas del grunge, del indie, del rock, de la escuela punk de cuando era más pendejo. En verdad, nos pusimos esa auto-etiqueta del shoegaze, pero lo que en realidad hacemos es rock del noventero. Nuestros temas son diferentes entre sí. Hay bandas en Chile que hacen shoegaze como una copia exacta de sus referentes y se nota mucho, pero en verdad es porque hay que seguir buscando un sonido propio. ¿Qué tienen planeado a corto plazo? Tenemos varias fechas. También está planeado sacar un videoclip de “Frutos de Otoño”, el segundo single de Monolito, y queremos lanzar algo para descarga


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Por Camilo Pérez · Fotografía por Natalia Soto

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ENTREVISTA

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Por Camilo Pérez · Fotografía por Natalia Soto

PREFIERO FERNÁNDEZ DETRÁS DEL MINERAL

Tras tres álbumes, Prefiero Fernández encontró el momento perfecto para dar un giro inesperado en su ruta. Y lo que para algunos puede derivar en un desvío para arrepentirse durante años, para ellos comenzó a marcar el inicio de un ascenso en gracia. Eso es Mineral, una cuarta entrega con la que la banda encontró la fórmula entre sonidos de antaño y el pop moderno que suena en las radios.

En Barrio Concha y Toro siempre hay algo que encontrar y esta vez la atención recae en una van blanca que pasa y se estaciona a la entrada de República. En su interior están Adriano Vera al volante, Tomás Oyarzún en el asiento de al lado, y Felipe Garcés y Cristóbal Watkins atrás. De Felipe Amigo aún no hay señal, pero sin duda se trata de Prefiero Fernández, uno de los grupos más llamativos del panorama musical local. Han pasado dos años desde que la banda publicó Días de Noche, trabajo que les brindó amplio reconocimiento en la escena, y desde ahí muchas puertas fueron abiertas: una aparición en Maquinaria Fest el 2012, otra en el festival Frontera en 2013 y un ascenso aún mayor en Lollapalooza este año, donde se presentaron en el Paris Stage (Teatro La Cúpula). Con muchas ideas en la cabeza, y con la entrada de Felipe Garcés como refuerzo a finales del movido 2013, el ahora quinteto entró a diseñar un camino distinto. “Ya teníamos hecho un álbum que continuaba el estilo del


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Por Camilo Pérez · Fotografía por Natalia Soto

disco pasado”, cuenta Cristóbal Watkins. “Pero un día llegué con “Sombras” a un ensayo y fue como ‘ya, hagamos este estilo y renovémonos’”. Tomó sólo una canción hilar y tramar todo lo que sería Mineral, una propuesta fuertemente endeudada al funk de los años 70’s y con elementos del pop que ha sonado fuerte últimamente. “Empezamos a hacer algo más contemporáneo, porque ya estábamos escuchando cosas que están más a la moda pero que siempre han estado ahí, como Michael Jackson, Daft Punk y The Beatles”, agrega el vocalista de la banda. Con esto, mostraron que la premisa de su nuevo álbum era mover un poco las cosas. “La idea era hacer algo más para toda la gente, porque quizás sabíamos que de alguna u otra forma a muchos fans de Prefiero Fernández

les podría molestar o no gustar lo que grabamos, pero igual teníamos presente que ganaríamos muchos más fans a la vez porque esto es un poco más universal.” Y haciendo frente a la situación, los miembros de Prefiero Fernández dejaron en claro que como músicos no se podían escapar de las influencias de sus artistas favoritos. Felipe Garcés lo ve como algo natural: “lo que pasa en el estudio, el proceso de creación y los ensayos fluye no más. Tus influencias se manifiestan naturalmente. Personalmente yo no lo fuerzo”. Cristóbal añade que cada uno en la banda tiene gustos marcados, y por tanto, buscaron mezclar ideas que estas preferencias les aportaban. “La estética de las canciones siguen una misma línea musical. Antes solíamos tirar una canción muy rockera y luego otra más liviana y tranquila. Ahora cada canción tiene algo que ver con la otra”, agrega.

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Además, a la hora de hablar sobre los artistas que encienden el motor de Prefiero Fernández, el quinteto refleja un amplio eclecticismo en el gusto, y por tanto, en su propio sonido. “Yo he estado escuchando Miami Horror y Breakbot”, indica Watkins, a lo que Felipe Garcés añade retóricamente: “obviamente Daft Punk. El último disco, ¿quién no lo ha escuchado?”. Ahora, el presente no es lo único que toman en cuenta. “Volver atrás nunca es malo”, dicen. La banda se inspiró en los estilos de Jamiroquai, Kool and the Gang, Michael Jackson y George Benson, algo que sale a la luz fuertemente en las canciones de su nuevo trabajo.


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Por Camilo Pérez · Fotografía por Natalia Soto

En tanto, para promover su nueva entrega en los medios el grupo fue categórico en recurrir a las bondades del Internet. Al igual que con sus tres álbumes anteriores, la ofrecieron Mineral en descarga libre desde su sitio web. Frente a este medio de promoción, Cristóbal señala que siempre han visto la Internet como una muy buena ventana de oportunidades. “Llegas a las partes que quieras con un click y listo. Cada uno puede opinar, bajar los discos y hacerlos suyos de una manera más rápida. Encontramos una ventaja gigante y en eso, y por eso los compartimos; para que la gente nos conozca. Si empezamos a cobrar y a ponernos exquisitos, menos gente lo va a escuchar y va a ser más lento el proceso”. Tomás también tiene presente el beneficio

20 como un fanático más de la música. “Es

rico tener la música con un acceso más rápido y más fácil”, comenta. “A nosotros también nos gusta compartir nuestro trabajo porque somos fans de otras bandas y nos gusta disfrutar gratis de su música. Es bacán cuando están ahí a un click”. Aunque las apuestas no van sólo por ese lado: conscientes del buen momento por el que pasa el vinilo y de las bondades en cuanto a calidad de sonido que entrega este formato, el quinteto también promete una edición en acetato de Mineral. Pero para la primera etapa del ciclo promocional de este cuarto registro, el grupo se propuso también probar un camino diferente de mano del Street art, una técnica de promoción que parece haber funcionado muy bien en bandas internacionales como Arcade Fire y su marketing de guerrilla. “Estamos trabajando con un grupo de chiquillos que reclutamos por Facebook para que

nos ayuden a pegar stickers en las calles, hacer stencils y afiches”, dice Adriano. Junto a ello, admite que se pensó también en “un formato de tarjeta de crédito con la gráfica del disco para la gente que no nos conoce. Pero en este caso probablemente no sea con código, porque la idea es que cualquiera que tenga la tarjeta en su mano entre y lo descargue sin estar limitado”. Así es como Prefiero Fernández ha estado preparando la campaña de su nuevo álbum: tomando piezas y armando un rompecabezas de su propio material. El alma del proyecto está en arriesgarse, y la clave ha sido un disco de estudio fuertemente cargado de una intención de poner a bailar, ya sea extrovertidamente o en un lento junto a alguien más. Pero esa es la exuberancia de Mineral, y se ha trasladado en las intenciones de estos jóvenes músicos. Con este trabajo la quieren romper. En grande.


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Por Camilo Pérez · Fotografía por Natalia Soto

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Por Felipe Retamal · Fotografía por Reinaldo Rodríguez

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Del fondo del escenario, hacia el frente. Del anonimato, a la exposición. Desde que lanzó Felicia EP (2013), su primera aventura como solista, la cellista Felicia Morales se ha enfrentado a la aventura de ser el foco de atención. Con su nuevo trabajo Agosto, que marca su debut en formato largaduración, da un paso más. Pero a su ritmo. A su total control.


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Por Felipe Retamal · Fotografía por Reinaldo Rodríguez

Cuando salió su EP debut, se le conocía por su papel en el apoyo de la música de otros (Gepe, Fakuta, Dënver, entre otros). Pero su propuesta instrumental cercana a lo docto con algunas melodías pop presentada en ese breve trabajo sorprendió y gustó. Lo que sigue es el paso natural: Agosto, su primer LP lanzado el 24 de septiembre vía Quemasucabeza y producido por el dúo De Janeiros, el mismo que le acompañó en su EP. Felicia Morales habla pausado y con frases cortas. Como breves ataques a las cuerdas del cello y las teclas del piano, los instrumentos que toca desde niña y con los que grabó su debut. Para el largaduración además sumó el arpa. “Porque me gusta. Sentí que le daba como otra onda”, confiesa. ¿Qué otros elementos de cambio hay en este disco respecto al EP? Hice más estructura de canción. Como estrofa-coro, cosas así que no había hecho en el otro. Los temas están un poco más desarrollados. Además aproveché de ocupar unos efectos: una pedalera con delay, distorsión, y cosas así. A diferencia de las breves composiciones del EP que nunca pensó siquiera en grabar, para Agosto Felicia compuso material desde el año pasado. Además obtuvo apoyo del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA) a través del Fondart. “Fue super distinto en ese sentido, porque lo otro en realidad lo hice cero pensando

en que algún día lo iba a grabar, de hecho lo hice cero pensando en que alguien lo iba a escuchar. Esto ya fue pensado para un disco largo, más que el otro. Bueno, tampoco es tan largo”, dice ella. ¿Cómo es el proceso que desarrollas para componer? ¿Cómo partes? Casi siempre parto con el piano, se me ocurren melodías y creo con el cello. Es intuitivo nomás. No tengo idea así como solucionar acordes o.... lo hago como se me ocurre que suena bien. Las gatas de Felicia demandan su atención. Lilú, rayada y de ancianos 17 años se acurruca entre sus piernas. Nutella, blanca y curiosa, quiere saltar hacia la mesa. “Agosto es mi mes favorito”, explica Felicia cuando se le pregunta por el nombre de su disco. Al observar la simpatía con sus felinos, pareciera que la razón es evidente. ¿Y por qué Agosto es tu mes favorito? ¡Ahh pero que quede algo para la imaginación!! Definitivamente escondió la pelota. Sí, ella tiene el control. ¿Qué referencias culturales (álbumes, libros, etc) te sirvieron para crear el LP? En general trato de que sea auténtico. Pero lo que siempre me ha inspirado harto es un disco de la banda Rachel’s que es Music for Egon Schiele. Es de mis favoritos universales. Es como similar en el lado instrumental, pero lo que yo hago es distinto igual.

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Por Felipe Retamal · Fotografía por Reinaldo Rodríguez

¿Y ahí cómo entran los gustos? Es que me gusta demasiada música distinta: me gusta The Smiths, me gusta Rachel’s, me gusta Daft Punk; cosas que no tienen mucho que ver una con la otra. De influenciarme, de todo debo sacar algo inconscientemente. Pero así como meditado no. El departamento de Felicia es un templo de sus intereses; desde la peluquería que ella misma

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atiende, pasando por sus colecciones de figuras hasta sus bordados. Estos últimos se incorporaron en el arte del EP debut. Como si fuese una extensión de su vida. Sobre la estética y la gráfica de “Agosto” ¿hay algo de los bordados en este disco? Esto es otra onda, no tiene los bordados ni nada y ahora encargué todo el diseño al diseñador que me ayudó con el EP. Es una idea de él que me gustó y la desarrolló. Se trata del estudio de diseño Comunas Unidas. Felicia los conoció a través de amigos en común. ¿Cuáles son tus expectativas con el largaduración? Yo creo que no tengo muchas expectativas. Me gusta no hacerme muchas expectativas. Ojalá que la gente lo escuche, pero así como giras internacionales y ese tipo de cosas, para nada. Me gustaría tocarlo, poder salir de

Santiago, pero son cosas que bacán que pasen, y si lo toco acá, bacán también. Todo bacán. Y justamente ¿has pensado cómo será tocarlo en vivo? Todavía lo estoy pensando. El anterior lo toqué con Paloma Otárola en cello y Pablo Muñoz, que estaba en las secuencias. Esta vez además quiero invitar a una amiga, la Christiane Drapela para que toque piano. Igual voy a tener que tirar unas cosas grabadas, porque son muchos cellos y no puedo tener ocho en el escenario (risas). Ocho cellos. Imposible no recordar la tensión entre el minimalismo y el sonido recargado. Para Felicia no es mayor problema. No se complica con eso. Ni con nada. “Me gustan las dos cosas, y el álbum tiene un poco de ambas. En general está más tirado a lo recargado, pero hay un par de temas que son bien simples”. Has tocado con mucha gente, muchos te conocieron por tu trabajo con Gepe ¿cómo has vivido ese paso de ser alguien que está en el apoyo, a ser la persona sobre la que cae la atención? Pasar de ser parte de una banda de apoyo a tener un proyecto propio es algo muy distinto, a lo que me ha costado un poco acostumbrarme. Pero me parece bacán haber dado ese paso y probar algo nuevo. Pasar hacia el frente. Con aquello que le gusta y con las cosas claras. Sí, ella tiene el control.


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Por Felipe Retamal · Fotografía por Reinaldo Rodríguez


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Por Mariel Vargas Albornoz · Fotografía por Josefina Pérez

PORTUGAL

REAGRUPACIÓN Y BÚSQUEDA

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Ya han pasado varios años desde que los otrora Rocket se dedicaban a tocar en algunas presentaciones en el puerto de San Antonio. Ahora, transformados en una banda chilena de excelencia, las cosas han cambiado. Y no sólo eso: con dos discos le dieron un vuelco al indie convencional, transformándolo en algo más experimental y fuera de los límites musicalmente establecidos.

Este año las cosas no han sido fáciles para Portugal. Mariano Hernández (voz y guitarra), Fabián Rosales (bajo), Felipe Cuadra (teclado) y Matías Figueroa (guitarra y percusión), actuales miembros, han dejado ir a dos de los suyos: el baterista y miembro fundador, Rodrigo Sáez, y a Felipe Castro, uno de sus guitarristas. Pero en este proceso de reagrupación y recargo de energías, han seguido trabajando en nuevos temas. “Hay harto material, por eso no es que estemos parados”, dice Felipe, quién además anuncia que “la idea es grabar los temas nuevos a final de este año y a principios del próximo”, agregando que el nuevo disco viene con sonidos más modernos y mucho contenido social.


ENTREVISTA

Por Mariel Vargas Albornoz · Fotografía por Josefina Pérez

KAIPAAN SINUA, EL EXPERIMENTO Kaipaan Sinua (2013), la segunda placa del grupo, fue bien recibida por sus fans y la crítica nacional, pero también fue un trabajo importante de procesar. El cambio entre un álbum y otro, a pesar de no ser extremo, fue bastante notorio tanto a nivel musical como lírico. Según Fabián, bajista de la banda, esto se debe exclusivamente al retraso en el tiempo: “las canciones del Viajes de Memoria (2010) fueron hechas hartos años antes de que se publicaran, por el año 2006 o 2007, y el Kaipaan Sinua es del 2013. Fue un período extenso en donde cambiamos todos”.

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¿Puede que Kaipaan Sinua sea un poco más solemne? Matías Figueroa: Sí, como una transición. Felipe Cuadra: Es que es un disco de pérdida. El Viajes tiene temáticas más adolescentes, románticas. En paralelo, cuando lo sacamos, se hacían los temas del Kaipaan y era un período súper complejo para Mariano como compositor. No podíamos hacerlo sonar alegre si las letras no lo eran. Y según ustedes, ¿cómo recibieron los fans este cambio tan drástico? ¿Aumentaron? FC: No es que hayan aumentado los fans. No fue un trabajo de masividad. El Viajes sí era para un público mayor. MF: Creo que fue un disco como para sentarse a escucharlo. En ese sentido abrió a ese grado de atención que la música ha perdido.

Hace poco dieron una lista de canciones que los inspiraron en Kaipaan Sinua, donde nombraban a Frank Ocean y Death Cab For Cutie, entre otros. ¿Qué música inspiró Viajes de Memoria? FC: En esa lista estaban también temas que inspiraron al Viajes. Death Cab For Cutie es más Viajes de Memoria que Kaipaan Sinua. Fabián Rosales: El Viajes de Memoria tiene de Get Up Kids y Bright Eyes, sobre todo por el paso a las guitarras acústicas. Eso es súper importante en el disco. FC: Kaipaan Sinua es más Sufjan Stevens, Jonsi, Sigur Rós, Radiohead. ¿Es más experimental? FC: Claro. No como Death Cab For Cutie, que tiene un formato de canción más tradicional.


ENTREVISTA

Por Mariel Vargas Albornoz · Fotografía por Josefina Pérez

INDIVIDUOS Y NUEVOS ESTILOS Tomando en consideración que el cambio de disco a disco fue notable, se debe pensar qué nuevos sonidos están pesando en el trabajo que vendrá. En ese sentido, Matías confirma que han recibido influencia del compositor inglés James Blake, y que es una mezcla de los dos álbumes anteriores del ahora cuarteto, incluyendo “un elemento nuevo que podría ser lo electrónico”. A lo que Fabián agrega: “lo más entretenido es sacar canciones nuevas y buscar un sonido distinto”. Bajo ese mismo concepto es que nuevas bandas y géneros han llamado la atención de los integrantes de Portugal.

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MF: Me gusta la onda media trip hop, la base electro y media orgánica, pero eléctrica, con harta voz y bien soulero. Esa música ha llamado mi atención. FC: Bon Iver, Atoms For Peace, pero escuchando los clásicos de siempre, como Mozart (risas). Pucha, yo igual escucho música clásica.

LA RETIRADA Rodrigo Sáez y Felipe Castro le dijeron adiós a Portugal, y las dos despedidas fueron por razones muy distintas. Para Fabián, el grupo siempre ha estado sujeto a cambios: “estamos un poco acostumbrados, pero las ideas no cambian”, dice. FC: Sí, la determinación del Castro fue más personal y está bien. Quería seguir su rumbo para crecer por otro lado. Quizás lo de Rodrigo es un poco diferente porque hubo un tema más de convivencia y de planteamiento musical. Fue más complejo porque seguía siendo nuestro amigo y lo queremos caleta, pero no podíamos seguir no más. Además, hacía la pega de manager, y ser miembro de una banda además de ser manager es complicado. Hubiera sido ideal que una persona externa haya tenido esa responsabilidad. ¿Y han visto reemplazos o están planeando un disco sin batería y sin otra guitarra? MF: Personalmente, siento que no hay una urgencia, no hay una necesidad de llenar eso en el álbum nuevo. Para cerrar, ¿tienen algún mensaje para sus seguidores? Porque están desaparecidos y mucha gente los quiere de vuelta. MF: Ya venimos, paciencia. Va a valer la pena la espera. Tienen que entender que el trabajo tiene una evolución natural que se está dando. FC: Y no están tirados los temas, no es que no estemos en nada. Hay mucho material.


ENTREVISTA

Por Claudio Salas Cruz · Fotografía por Daniela Galdames

PARROT DREAM ECLÉCTICA ARMONÍA

Su EP debut salió hace apenas unos meses, pero más vale tenerlos en la mira. Parrot Dream, banda de origen chileno-estadounidense, suena bien y elegante, aunque para sus miembros sea una cuestión difícil de definir. Conversamos sobre su música y los pormenores de su formación con Francisco Véliz (Bajo) y Diego Aravena (Batería), mientras que Christina Appel (voz y sintetizador) y Gonzalo Guerrero (Guitarras), su otra mitad, planean jugadas en EEUU.

La historia de Parrot Dream no es larga: comenzó recién en 2013, cuando sus integrantes se conocieron en un taller de diseño en el que surgió su afinidad musical. “Al principio nos llamábamos Pile of Birds, pero decidimos cambiarlo porque no nos acomodaba tanto el nombre. La verdad, nunca lo tomamos en serio; estábamos enfocados en ensayar. También teníamos otro baterista, pero la formación definitiva de la banda comenzó con todo en noviembre cuando teníamos 3 o 4 canciones”, recuerda Francisco. Y una de las características más llamativas que tienen desde sus orígenes es su conexión con Estados Unidos, que surge de la relación sentimental entre Gonzalo y Christina (Kiki como la llaman). “Ella había estado viviendo acá 5 años, se encariñó con el país y se enamoró del Gonzalo. La Kiki es la mente maestra que hace los temas, yo creo que es un gran punto a favor. En términos de letras es muy diáfana, es súper honesta, directa también y muy profunda.’ comenta Diego.

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ENTREVISTA

Por Claudio Salas Cruz · Fotografía por Daniela Galdames

SET SAIL SOMEDAY Y el debut oficial del conjunto llegó a mediados de este año, con la publicación de un EP titulado Set Sail Someday que de inmediato los posicionó como una de las nuevas propuestas llamativas del pop local. “Todo se fue dando una manera muy grossa. La producción fue un proceso muy rápido. En un par de meses armamos las canciones, producimos, masterizamos y lo lanzamos”, detalla el bajista. Y agrega: “En este proceso recibimos mucha buena onda de afuera. Diego Ridolfi de Fármacos nos grabó y ayudo a pulir nuestro sonido de una manera providencial”. Pero no todo vino de afuera: Music Thinking Project, reconocida plataforma creada por dos de los miembros del grupo, también los ayudó a germinar el proyecto. “Es una idea que tuvimos con Gonzalo, donde difundimos música y generamos proyectos audiovisuales, entre otras cosas. Por lo mismo nos ayudó para rodearnos de un ambiente creativo súper enriquecedor”, recalca Francisco.

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Y de alguna forma, el envión que significa el apoyo y reconocimiento interno y externo a su trabajo los motivó para ya estar pensando en lanzar un segundo EP, material que ya han adelantado en vivo y que -según adelantan- “sólo falta masterizar”. ESPÍRITU DE COLABORACIÓN El sonido de Parrot Dream invita a sumergirse en un trance melódico que recuerda a bandas como Beach Fossils. Sin embargo, al preguntarles sobre etiquetas que definan su trabajo ellos no ven una relación tan clara. “Oh, qué difícil. Es que surgimos de las casualidades. Cada integrante tiene distintas influencias y tuvimos el apoyo de muchos amigos que siempre estuvieron ahí colaborando”, dice Francisco.

“Ya teníamos experiencia en bandas”, recuerda Diego. “Gonzalo con Los Walters, Francisco con sus proyectos. Yo he tenido grupos funky, uno de rap… soy una prostituta de la batería (risas). Primera banda en la que estoy que lo profesionaliza todo, por lo que responder a las exigencias ha sido un desafío. Me retan porque me dicen que toco muy fuerte, que soy muy grunge, pero esas son mis influencias. Beach House, Beach nosequé, son más suaves que Nirvana, Soundgarden y Godsmack. Pero el resultado es satisfactorio y lo hago con mucho cariño, no me dan ganas de irme”. Aunque asumen que la mezcla también trae buenos resultados: “en escena, eso nos hace tener una presencia súper potente. La Kiki está al frente con su imagen, ella es muy suave y cálida.


ENTREVISTA

Por Claudio Salas Cruz · Fotografía por Daniela Galdames

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El Pancho y yo somos más viscerales y de repente nos volvemos locos. Y el Gonzalo es un lobo solitario, es su sello. Yo creo que siente mucho pero es muy parco, no demuestra mucho lo apasionado que es”, agrega Aravena. Pero a pesar de la variedad de influencias en su sonido, en el grupo si sienten conexión con un colectivo al que se unieron recientemente: el sello penquista Beast Discos. “Más allá de las etiquetas, nos sentimos hermanados con todas las bandas que reúne Beast Discos, como Fármacos, Niño Cohete, Survey Team, Intimate Stranger y Mantarraya. Es bacán estar en el sello porque nos sentimos parte de esa escena”, sentencia Francisco. Y en su música, el espíritu de colaboración del grupo se manifiesta en “Come Home”, la última pista del EP y su primer single. “Sacaremos el video con la ayuda del director Cristian Pino y muchos amigos que nos ayudaron constantemente. Eso es un muy buen ejemplo de la colaboración que hay detrás del proyecto en general”, admite Francisco.

Y su compañero agrega: “tuvimos la suerte de rodearnos de un ámbito creativo de primer nivel. Personas muy apasionadas en lo que hacen y, por ende, muy buenas. Entre ellos están la fotógrafa Daniela Galdames, Estudio Salvaje en el trabajo de arte y Eleonor Rigby en el vestuario. Y nos falta gente, hay una lista larga (risas)”. ¿Y que tienen pensado para lo que viene? Diego Aravena: Tenemos pensada una gira por Nueva York en Febrero tocando en diferentes puntos, ya que no es un lugar pequeño. Ese va a ser el foco por ahora, pero la idea es no parar de hacer ruido. Lanzaremos el video, terminaremos la producción del otro EP. La cosa es no detenernos. Por su parte la Kiki y el Gonzalo están enfocados en mostrar el trabajo en EEUU. Tenemos todo el rumbo claro.


ENTREVISTA

Por Ignacio Silva · Fotografía por Diego Figueroa

P A T R I C I O A L F A R O LOS NUEVOS AIRES DEL VIDEO MUSICAL CHILENO

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El departamento de Patricio Alfaro es, de alguna forma, un retrato de lo que él es. La cuidada decoración -una mezcla de amor por el cine, la música, el diseño y lo vintage- deja en evidencia la esencia de este realizador audiovisual de 26 años, que desde hace un tiempo reparte sus días entre proyectos como La Vitrola y la productora Idea Films, al mando de los cuales se ha convertido en uno de los referentes en Chile del área audiovisual de enfoque en la música. Pero el camino que lo llevó a su actual situación no fue sencillo. “Yo quería estudiar medicina y como preparación entré a la Universidad de Chile a estudiar Bachillerato en ciencias, pero me di cuenta que era fome y que lo que de verdad quería era estudiar cine”, revela apenas comienza a recordar su pasado. La señal era inequívoca, por lo que la decisión fue concreta: “me fui y volví tiempo después para tramitar mi renuncia a la carrera. Después me metí a estudiar cine”. La arriesgada movida tuvo sus primeros frutos en 2009, cuando junto a un grupo de compañeros de carrera, y como trabajo final de un ramo, dieron vida a La Vitrola. El proyecto consistió desde un comienzo en grabar a músicos tocando sus canciones de forma acústica y en escenarios cotidianos, aunque en sus cinco años de historia ha evolucionado notablemente, adquiriendo una identidad y llegando a publicar más de 500 videos con los que han retratado parte importante de la movida escena musical local. Pero el trabajo audiovisual que ha desarrollado Patricio en la música chilena trasciende La Vitrola. En paralelo, también ha estado en la dirección –general o sólo de fotografía-de videoclips de varias bandas locales. “El primero que hice

fue el de la canción “Ya no te espero” de Prehistöricos, que es un videoclip de plano-secuencia de 6 minutos de mi hermano caminando de espaldas. Es una idea muy concreta, pero la canción con la imagen se conjugaron muy bien y eso hizo que gustara mucho entre la gente. De hecho, hasta el día de hoy es el video mío con más visitas”, analiza. Y tras eso, han venido trabajos con otros grupos como Prehistöricos, Corderolobo, Niño Cohete y Carnet de Baile, en los que Alfaro ha dejado impreso su sello. ¿Hay algún realizador de videoclips que sea una referencia para tu trabajo? Me gusta mucho el trabajo documental de Vincent Moon, que es a quien le debo La Vitrola. También me gusta mucho Wes Anderson; todos mis videos tienen algún guiño a su trabajo. Bueno, y siempre están los grandes directores de videoclips, como Spike Jonze y Michel Gondry. ¿Cómo ves el panorama actual del videoclip chileno y cómo crees que evolucionará en los próximos años? En la actualidad, las bandas le ponen cada vez más atención a los videos y hay un ambiente de “hazlo tú mismo” que es muy beneficioso. No hay muchos recursos para trabajarlos, pero sí hay mucho ingenio. En cuanto al futuro, a mí por lo menos me gustaría que se siguiesen haciendo videoclips, pero videoclips distintos. Por ejemplo, encuentro muy bonito el que hizo Moisés Sepúlveda para “Nuestro Momento” de Portugal, porque se sale de lo tradicional. Ojalá hayan más videos donde no necesariamente salga la banda; que sea un espacio de experimentación. Me gustaría que se desarrollara un videoclip con visión autoral; que las personas que ahora están saliendo de cine y quieren hacer este tipo de trabajo, salgan con la idea de que tienen que hacer algo distinto y no copiar lo que viene de afuera, como se hace usualmente.


ENTREVISTA

Por Ignacio Silva · Fotografía por Diego Figueroa

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PREGUNTAS / RESPUESTAS ¿Un disco favorito? Abbey Road de los Beatles. ¿Una banda favorita? ¡Tengo muchas! Pero si hay que decir una: The Beatles.

¿El mejor concierto en el que has estado? The Cure, 2013. ¿CD, Casete o Vinilo? Vinilo. ¿Un videoclip inolvidable? Tengo varios: “Second Chance” de Liam Finn, “San Jorge” de Los Reyes del Falsete, “Ava Adore” de Smashing Pumpkins, “Sweetheart” de Keaton Henson. Una banda que sueñas ver The National


REPORTAJE

Por Mariel Vargas Albornoz

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El mismo año en que Sudáfrica le daba la bienvenida a la democracia con la celebración de las primeras elecciones multirraciales y el posterior triunfo de Mandela, el britpop inglés comenzaba a vivir su mejor momento. En paralelo, el grunge consolidaba su papel en la cultura popular con una de las mejores presentaciones en la historia del MTV Unplugged. Aparecieron nuevos géneros musicales, se alzaron interpretes únicos y salió a la luz uno de los álbumes más icónicos del punk. Sin duda, 1994 marcó un hito en la historia de la música, dejando una serie de trabajos que vistos en retrospectiva, a 20 años de ser lanzados, terminarían siendo icónicos, referentes, inspiradores y únicos. A continuación, la historia tras algunos de ellos.


REPORTAJE

Por Mariel Vargas Albornoz

Green Day – Dookie (28 de enero) El tercer disco de los californianos Green Day fue un golpe a la cátedra: con su versión más amable del punk, acercó a todos quienes todavía se mantenían escépticos con tan reacio género. Y con ese plus es que el trío logró ser un éxito de ventas en todo el mundo. Letras irónicas, adolescentes y alejadas de lo político hicieron de Dookie un álbum sencillo, constituido con los clásicos acordes del punk pero con ritmos llenos de furia liviana, sin discurso. En total, catorce efectivas canciones que llevaron al trabajo a ser disco de diamante. Su portada caricaturizada fue el broche de oro para álbum que rompió con toda la estética impuesta por un género que se había vuelto intocable desde sus inicios.

Soundgarden – Superunknown (7 de marzo) Soundgarden volvía con todo después de tres años de receso. Es que el disco poseedor de canciones como “Spoonman”, “Fell On Black Days”, “My Wave” y la ya clásica “Black Hole Sun” no podía ser menos. Un álbum atrevido, que desde el primer segundo se impone con el violento riff de “Let Me Drown” y la inigualable voz de un Chris Cornell que llegaba a sus tres décadas con uno de los más notables discos del grunge, rozando la psicodelia y abrazando fuertemente las raíces del heavy metal. Superunknown, un álbum cuyos riffs siguen siendo replicados por generaciones de guitarristas, logró mantenerse al tope de las listas musicales y vender nueve millones de copias en todo el mundo. Clásico.

Nas – Illmatic (19 de abril) El joven Nasir Jones, más conocido como Nas, a sus cortos 17 años compuso la sustancia de lo que sería el salto definitivo en su carrera y en toda la historia del hip-hop. 40 minutos y diez canciones que representaban lo que un adolescente vivió en las calles de Queens, una de las más duras de Nueva York, mostrando su repudio hacia la violencia y deslegitimando todo lo que los raperos de la época glorificaban en cuanto a códigos y vida dentro del ghetto. Con bases diferentes y la incorporación de otras variantes en su música, como algunos elementos del jazz, Nas se convirtió en la voz honesta del hiphop. Cinco recordados singles y un promedio de diez estrellas por parte de la crítica, terminaron de transformar a Illmatic en una inspiración para todas las próximas generaciones ligadas al género y en uno de los discos más celebrados de la música callejera.

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REPORTAJE

Por Mariel Vargas Albornoz

Blur – Parklife (25 de abril) Uno de los álbumes cumbre de los noventeros Blur fue un éxito rotundo y uno de los cimientos que dio paso a una de las más grandes rivalidades en la historia de la música inglesa. Y sí, el pop juguetón de los liderados por Damon Albarn compitió directamente con el rock tradicional de Oasis por ser el número uno en las listas británicas. Pero el tercer disco de estudio de la banda tenía algo especial para ofrecer: 53 minutos de canciones motivadas, entretenidas y singles muy bien escogidos. “Girls & Boys”, “End Of A Century”, “This Is Low”, “To The End” y el homónimo “Parklife”, fueron los que terminaron de convencer a la crítica, que otorgó diez estrellas al elegante y lúdico álbum de los galgos corredores.

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Jeff Bucley – Grace (15 de agosto) El único disco que alcanzó a sacar Jeff Buckley antes de morir en mayo del ’97 fue una de las obras cumbres de los noventa. Pieza clásica, infaltable, maravillosamente escrita, fielmente interpretada y con un sonido que paralizaba gracias a la originalidad, técnica y emoción de sus melodías. Buckley y sus músicos fueron capaces de crear un disco estéticamente perfecto, con unas guitarras sobrias, algunos toques de locura y una voz que mostraba un rango envidiable, capaz de llegar a varias octavas. A Grace se le podía denominar el lado optimista del grunge: las letras seguían siendo una oda al desconsuelo, pero el sustento de cada canción estaba envuelto en un optimismo y fuerza que nunca dejaron de llamar la atención.

Portishead – Dummy (22 de agosto) Era 1991 y un nuevo género musical que combinaba el hip-hop, el reggae y el soul apareció de la mano del disco Blue Lines de Massive Attack. Pero no fue hasta el año ’94 que el sonido del Trip-Hop se ganaría la atención de un público ya acostumbrado a los dos estilos asentados en Norteamérica y Gran Bretaña. Y si aún no existía una concepción clara de lo que era el trip-hop, Portishead terminó por dejar de manifiesto que su primer álbum era el epítome del género. Dummy se transformó en un álbum ícono de los 90’s por su sonido oscuro y envolvente que, con canciones como “Sour Times” y “Roads”, redefinió la seducción en la música.


REPORTAJE

Por Mariel Vargas Albornoz

Oasis - Definitely Maybe (30 de agosto) El otro lado del britpop, que venía con vibra proletaria, clásica y sencilla, llegó de la mano de Definitely Maybe de Oasis, un álbum de canciones con pasta de himnos y letras inspiradas en la vida del inglés de clase media, escritas por el principal compositor de la banda, Noel Gallagher. El disco debut de los cinco de Manchester era la brisa refrescante que la música necesitaba y la novedad venía cargada de temas bien pensados que resultarían muy difíciles de olvidar. “Supersonic”, “Slide Away”, “Shakemaker” y el disco completo se transformaría en el favorito de muchos. Pero con “Live Forever” pasó algo singular: el single, que fue lanzado justo antes de que el álbum saliera a la venta, recibió todos los elogios y fue el primer tema de su repertorio que logró llegar a los top 10 de las listas británicas, básicamente porque era una fuerte patada a la melancólica depresión del grunge y un himno que hasta hoy sigue siendo un infaltable en los playlist de los más nostálgicos.

37 Nirvana – Unplugged (1 de noviembre) Uno de los discos que cierra el exitoso 1994 es el de los padres del grunge. El trío oriundo de Washington decidió desenchufarse en Nueva York algunos meses antes de la muerte de su líder, Kurt Cobain. Catorce canciones, incluyendo seis covers y dos canciones inéditas, hicieron del Unplugged de Nirvana uno de los más brillantes en la historia de MTV, tanto por la tensión que allí se vivía -los comentarios del público contra la cadena televisiva y la ironía de Kurt en algunas frases de los intermedios- como por la elección de temas que dejaban escuchar a un Cobain desgarrado y con un rango vocal que no se lograba apreciar del todo en los álbumes de la banda y en sus presentaciones en vivo. La gracia del disco álbum de Nirvana recae en dos factores muy diferentes, pero fundamentales. Primero, la depresión y las adicciones de Kurt ya se hacían notar en las intervenciones y voz del cantante y segundo, se terminó con la rabia y adrenalina desmedida que caracterizaba a la banda, transformando cada canción en un abrazo cálido y desgarrador. Nirvana se despedía con su cara más dulce.


SELLO

Por Joaquín Riffo

38 Cuando se habla de un sello independiente, la respuesta suena conocida. Se trata de un grupo de artistas que se apoyan entre sí para generar un espacio del que todos se puedan favorecer, y así editar y promocionar sus discos. Discos Cetáceos es este concepto, pero llevado un paso más allá. Sus integrantes no sólo colaboran para el fin superior de tener un lugar donde editar sus discos, sino que se trata de una iniciativa donde todos son bedroom producers, es decir, productores caseros de música. De hecho, esta característica en común es el puntapié de partida para el sello. Así lo señala Toto Friedlander (Anguila, T-Fried), uno de sus directores, quien recuerda que su amistad con Pablo Romero (Julia Smith, El Romeral) y Cristian Pineda (en Pijamas, Tetricornio) los llevó a cada uno a involucrarse en el proyecto del otro para aconsejarse en la producción, lo que terminó derivando en el comienzo

del sello con la aparición del EP Animales Medievales de El Romeral. Hasta la fecha, la discográfica ha posicionado una estética y un sonido bastante distintivo dentro del ámbito penquista, acostumbrado al rock y el pop más melódico y poco familiarizado con la experimentación y la electrónica. Apostando por el hilo conductor de la autoproducción por sobre un sonido específico, Discos Cetáceos ha logrado editar material que abarca desde el IDM al shoegaze, pasando por un montón de melodías cuyos singles han sido muy bien acompañados por el notable trabajo audiovisual de los videos de Rodrigo Contreras. El ánimo del sello está en su mejor etapa, consolidado con nuevos fichajes y la expectativa de pronto editar sus trabajos en vinilo. Por mientras, todo su material está disponible en discoscetaceos. bandcamp.com.


ENTREVISTA

Por Camilo Pérez · Fotografía por Natalia Soto

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RESEÑAS

Melómanos Magazine #13 · Noviembre / Diciembre

FASAT ALFA – EL MAR EN LA CALLE (Armatoste, 2014) “Si hay que comenzar de cero, voy a convencerme de que es bueno”, canta Daniel Larraín en “Aeróbica Mental”. Es que El Mar en la Calle, el tercer trabajo de Fasat Alfa, tiene dos vidas. La primera, iniciada entre grabaciones de abril y mayo del año 2009, se perdió en la terrible muerte del disco duro donde se conservaba. La segunda nació de un ejercicio de memoria que tomó cinco años para hacerse visible. A partir de tal tragedia es de donde surge uno de los mejores discos de la banda, lleno de sonoridades y matices nada simples de resolver. Un trabajo lleno de historias que merece ser escuchado. José Miguel Álvarez KIMBRA - THE GOLDEN ECHO (Warner, 2014) Dicen que lo primero que hizo Kimbra Johnson, neozelandesa de 24 años, tras ganar un Emmy por su colaboración con Gotye, fue asentarse en una granja lejos de la ciudad para comenzar a preparar el que sería su segundo larga duración. El resultado de ello es The Golden Echo, un álbum que llega a corroborar su calidad artística. Distinto a su predecesor, el disco es una colección de 12 canciones con los más diversos sonidos. Un pop ecléctico que mezcla funk, hip hop, baladas, electrónica y jazz, junto a una extravagante estética que rememora influencias de los años 70’ y 90’s.

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Claudio Salas CHET FAKER – BUILT ON GLASS (Future Classic, 2014) Puede parecer lógico asociar la veteranía con la madurez como conceptos hermanos, pero en Built on Glass Chet Faker demuestra lo contrario. Este alumno aventajado de la nueva escena australiana concentra en 12 canciones el que podría ser su disco consagratorio, aunque en realidad se trata sólo de su debut en largaduración. Es que con su voz, áspera y profunda, conquista desde el inicio con “Release Your Problems”, al tiempo que con sus beats produce atrayentes sensaciones que casi alcanzan la perfección en “Talk is Cheap”, “To Me” y “1998”. Acá, la inteligente mezcla de soul, pop, R&B y electrónica parece resolver el gran problema de la música actual: detrás de la actitud hay mucha materia. Ignacio Silva MATÍAS CENA – CASA SIN FUEGO (Algo Records, 2014) Matías Cena vuelve al ruedo con Casa Sin Fuego, placa lanzada oficialmente a fines de agosto. Su propuesta country lleva tiempo entregando un sonido tan ajeno como familiar, y su nuevo disco permite acercarnos aún más. Guiños populares como en el sólido inicio de “Cerro Dragón” demuestran que la mística del desierto no solo se encuentra en los westerns. El blues, el góspel y la música del norte se ponen al servicio del contexto en catorce canciones perfectas para encender el motor y aumentar lentamente el kilometraje. José Miguel Álvarez


RESEÑAS

Melómanos Magazine #13 · Noviembre / Diciembre

MKRNI – CANCIONES (Independiente, 2014) Canciones ofrece lo que su título sugiere. Es que ya no se trata sólo de bailar.Las canciones ofrecen una versión más intimista y densa de MKRNI, en la que los arreglos, las letras y las texturas concentran una colección de momentos e imágenes. “Naturaleza Humana” es un momento de vulnerabilidad con una Elisa Punto inspirada. “Media vuelta” es atmósfera hipnótica para perderse. Mientras que “Corazón de piedra” y “Calor” son las referencias a la pista de baile desde una propuesta densa, pero no pesada. Ambiciosa, pero no pretensiosa. Es una colección que arriesga y fluye. Como buenas canciones. Felipe Retamal Navarro

SIMIAN MOBILE DISCO – WHORL (Kitsuné, 2014) El infinito es lo que se puede encontrar de la mano de Whorl, la nueva propuesta de Simian Mobile Disco. Tras los primeros dos temas marcadamente atmosféricos, el viaje de los beats parte para luego no detenerse. El corazón del álbum es la sección más potente: el exotismo de “Hypnick Jerk”, la hiperkinesis de “Dervish”, esa pausa de latido que significa “Z Space” y “Nazard” para volver a recobrar la fiesta en “Calyx”. Whorl no logra tocar suelo completamente firme (“Tangents” se sobreextiende unos minutos sin ir a ningún lado), pero sin duda ello es un detalle menor en la experiencia astral que significa lo nuevo de SMD. Camilo Pérez Fernández

PREHISTÖRICOS – NUESTRO DÍA VENDRÁ (Precordillera, 2014) Y su día llegó. El nuevo trabajo de Prehistöricos es el mediodía de su carrera. En un set de canciones con arreglos interesantes, la banda suena cálida y coherente usando distintos sonidos: de sintetizadores a piano, de guitarra eléctrica distorsionada a cello. Un día que comienza con el optimismo de “Que suba el momento”, al dramatismo final de “Borrémonos del mapa”. Desde las auroras boreales en el cielo, a desear odio, muerte y destrucción, las letras concentran desencanto y el ánimo de salir de la urbe. Es un disco con momentos, escenas e intensidad. Su día ha llegado. Felipe Retamal Navarro

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DESTACADO

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PLANETA NO – MATUCANA EP (Beast Discos, 2014) Tardó en llegar, pero cada una de las canciones de Matucana EP, el debut de los penquistas Planeta No, justifica todo lo que puede haber significado cualquier espera. La potencia de las bases rítmicas y los sintetizadores se hace sentir desde el principio con la efectiva “Señorita”, dejando en claro la propuesta de una banda que exuda ímpetu y confianza juvenil. La mayor parte del tiempo, el desprejuiciado pop del trío parece ser una invitación a la pista de baile y al desenfreno, pero tras eso hay más; incluso pueden ser temas representativos de toda una generación (“Kasa Okupa”). La invitación es a ver más allá. Ignacio Silva


RESEÑAS

Melómanos Magazine #13 · Noviembre / Diciembre

BANKS – GODDESS (Harvest, 2014) Aunque prácticamente más de la mitad del trabajo se pudo escuchar con anticipación, el resplandor de Goddess de Banks se mantiene intacto. El disco es un glacial arrastre de 59 minutos, donde la joven Jillian expone desgarradores sentimientos al son de pequeñas composiciones de minimalismo casi otromundista, como en el caso de “Warm Water” y “Waiting Game”. Un único problema yace en el factor tempo: un poco de más movimiento no vendría mal. Sin embargo, Goddess es completamente un ejercicio de expresión. Se trata de la fuerza que yace en la vulnerabilidad. Y en Banks, ello es una gran virtud. Camilo Pérez Fernández

ASES FALSOS – CONDUCCIÓN (Quemasucabeza, 2014) Conducir es guiar, dirigir. Y Conducción nos trae las canciones para escuchar en el camino. Es que el disco pide atención en los detalles. Los arreglos ganan en importancia, y la urgencia del primer álbum retrocede como las olas en la playa. Hay nuevas propuestas de timbres con el uso de instrumentos como flautas o saxo. También más diversidad de momentos: sutileza soul (“Plácidamente”), dramatismo (“Mi ejército”) e intimidad (“Una estrella que se mueve”). Los Ases Falsos equilibran las letras de Briceño (crónicas de intereses) con detalles e instantes. Y resulta un paso adelante en su conducción. Felipe Retamal Navarro

APHEX TWIN – SYRO (Warp, 2014) Daddy Richard has come, children. Y tiene un regalo para los pacientes que se portaron bien. Syro, el obsequio en cuestión, incluye una variedad de gemas: “Produk 29”, evocativa del ambient de los 90’ de videos instructivos (e incluso pornos) con un tono más demencial. Un heavy momento de extroversión en “180db_”, giros dinámicos en las glitchy “CIRCLONT6A (Syrobonkus Mix)” y “4 bit 9d api+e+6”, throwbacks al drum ‘n’ bass en “S950TX16WASR10 (Earth Portal Mix)” y un cierre a la Erik Satie en “Aisatsana”. A pesar de su concepción desorganizada, Syro logra ser otromundista y cómodamente familiar al mismo tiempo, y funciona gracias a la premisa que nos brinda Aphex Twin: siempre el mismo, siempre diferente. Camilo Pérez Fernández


RESEÑAS

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INTERPOL – EL PINTOR (Matador, 2014) A la altura de la trayectoria de Interpol, bandas más jóvenes de la misma escena ya murieron indignamente. ¿Por qué no ocurrirá lo mismo con ellos? Lo explica El Pintor, su quinta placa de estudio. En ella nos encontramos la electrizante tensión de “Anywhere” y “Ancient Ways”, que evocan al Interpol de antaño, mientras que el display de Sam Fogarino aporta algunos de los ritmos más bailables de la banda en “Same Town”, “New Story” y “My Desire”. En síntesis, Interpol está aquí para el camino largo, y El Pintor es la prueba: 7 años de búsqueda de identidad desembocan en el álbum más lleno de vida de los neoyorquinos. Camilo Pérez Fernández

JULIAN CASABLANCAS + THE VOIDZ - TYRANNY (Cult Records, 2014) La nueva incursión del vocalista de The Strokes está plagada de distorsiones, incongruencias, ruidos que quedan rebotando en las paredes y rock and roll disperso.

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Algo bastante distinto a lo que fue su debut como solista con Phrazes For The Young (2009), donde la utilización de sintetizadores fue clave. Tyranny es un trabajo sucio, oscuro y atrevido, características que Casablancas ya había adelantado en sus entrevistas previas al lanzamiento. Lo que se venía era distinto porque estaba buscando dar con un sonido que lo dejara satisfecho, y al parecer lo consiguió: el sonido más under y extravagante de los 80’s volvió con falsetes distorsionados, baterías alocadas y juegos de tiempo que sacan de su zona de confort a esos oídos acostumbrados al rock más clásico. Mariel Vargas Albornoz

THOM YORKE – TOMORROW’S MODERN BOXES (Independiente, 2014) Si bien Tomorrow’s Modern Boxes ocupa su espacio a lo largo de sus 38 minutos, no se mueve de su comodidad, convirtiéndose posiblemente en la oferta más uniforme de Thom Yorke a la fecha. Pero eso no es exactamente algo malo: “The Mother Lode” es una cautivante yuxtaposición de soul y 2-step, “A Brain in a Bottle” es una primo espiritual de “Lotus Flower”, y luego de la fantasmagórica intervención de “Pink Section”, “Nose Grows Some” da un final cálido aunque inquietante a esta pequeña pieza. Aunque Tomorrow’s Modern Boxes difícilmente alcanza las alturas de lo que Yorke ha logrado junto a su banda primaria, no quita que este sea un proyecto muy humano y errante como cualquiera, pero hecho con amor. Camilo Pérez Fernández


RESEÑAS

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THE DRUMS – ENCYCLOPEDIA (Minor Records, 2014) Al brillante y gélido Portamento de 2011, le seguía un terrorífico presagio: que The Drums quedara confinado a los estrechos límites de su sonido. Es por eso que a Encyclopedia, el tercer álbum de los de Brooklyn, le corresponde ser un ejercicio de reacomodamiento de piezas. “Magic Mountain” no es exactamente un indicador de la dirección del disco, más da un empujón hacia lo desconocido, donde esperan piezas más classic-Drums como “I Can’t Pretend”, “Kiss Me Again” y “Deep in my Heart”. Encyclopedia queda algo quemado hacia el final, particularmente en la tediosa “U.S. National Park”. Sin embargo, este transicional álbum demuestra que bajo proposición, los Drums pueden aspirar a ambiciones mayores. Camilo Pérez Fernández

FELICIA MORALES – AGOSTO (Quemasucabeza, 2014) Maldito Agosto. Un mes de sombras y sol. Maldito Agosto que inspiró uno de los trabajos más lúcidos de la temporada, que de maldito no tiene nada. Es que Agosto, el primer LP de la cellista Felicia Morales, es distinto. Es una colección de música instrumental que alterna inquietantes melodías, y atmósferas melancólicas. O al revés. Sombras y sol. Toma distancia del neo folk y del pop de teclado, con una alternativa en base a sonidos doctos y melodías repetibles, pero no pegajosas. Es un disco cargado de sonidos y minimalista. Y a cada escucha suena diferente. Es sombras y sol. Felipe Retamal Navarro

TOM PETTY & THE HEARTBREAKERS - HYPNOTIC EYE (Reprise Records, 2014) “Como tiene que sonar”. Así tituló El País una reseña a Mojo (2010), el primer disco de Tom Petty en 8 años. El artículo se centraba en destacar el sonido compacto de una banda tocando en vivo, sin trampas, ediciones u overdubs. El sonido de Hypnotic Eye es, nuevamente, una de las cualidades a destacar de unos Heartbreakers que nuevamente delatan su llama incombustible. En una época donde pareciera que estar en una banda es sinónimo de poseer un sintetizador, logran con afilados riffs guitarreros y bastante pentatónica –un recurso al que los conjuntos de hoy le tienen terror-, recalcar un cliché que vuelve a la vida: el rock, tal como lo conocimos alguna vez, difícilmente morirá. Joaquín Riffo


DESTACADO

Melómanos Magazine #13 · Noviembre / Diciembre

46 WEEZER - EVERYTHING WILL BE ALRIGHT IN THE END (Republic Records, 2014) El último disco de estudio de Weezer es una vuelta a unas raíces que se habían visto un tanto perdidas desde mediados del nuevo milenio. El trabajo, que cuenta con trece canciones y dos singles -“Cleopatra” y “Back to the Shack”-, tiene contentos a aquellos que lo han escuchado. Es que da gusto cuando las bandas insignes vuelven a los inicios, es algo que los fans más nostálgicos agradecen y sobre todo cuando son grupos que salieron al mundo hace más de dos décadas. La banda de Rivers Cuomo sacó un disco con temas livianos, disfrutables y simples, rememorando sabiamente sus primeros trabajos, comparables a The Blue Album y sus aires de soundtrack adolescente noventero. A los Weezer de antaño. Mariel Vargas Albornoz


ENTREVISTA

Por Camilo Pérez · Fotografía por Natalia Soto


LIBROS

Por Joaquín Riffo · Fotografía portada Cómo funciona la música

CÓMO FUNCIONA LA MÚSICA – DAVID BYRNE (Reservoir Books, 2014)

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La respuesta a una pregunta tan compleja está en el título del libro. Y es que David Byrne, en su excentricidad habitual, se propuso responder a una pregunta que muchos nos hicimos desde que empezamos a vibrar con distintas melodías. Pero, también en su lógica profesional, el texto no constituye un ensayo eterno de opiniones volátiles. La meticulosidad que el músico ya demostró con creces en su carrera solista y junto a Talking Heads la lleva al papel, en una investigación que bien podría formar parte de un curso de musicología, aunque con la cercanía y simpleza de un amigo que pareciera estar explicándote cómo funciona su negocio.

Factores culturales, disposiciones tecnológicas, contextos y épocas. Todas las preguntas que alguna vez te hiciste del tipo “¿Cómo ganar dinero con mi música?” o “¿Cómo sonar bien en un local?”, hasta intrincados cuestionamientos del estilo de “¿Cómo formar una escena?”, Byrne los responde en base a su propia experiencia, la recopilación de testimonios y un archivo que demuestra que existen fórmulas para crear, vender y reinventarse. De la pluma de alguien que lo viene haciendo desde los 70 con excelentes resultados, vale la pena ponerle atención.


LIBROS

Por Francisco Silva · Fotografía portada Se oyen los pasos

SE OYEN LOS PASOS – GONZALO PLANET (La Tienda Nacional, 2013) “¿Quién habría pensado que en los países donde crecen salvajemente las hojas de coca y los hongos alucinógenos, florecía una rica y abundante escena musical psicodélica a lo largo de los años sesenta y setenta?”. Eso dice una de las muchas cuñas albergadas en las hojas del libro de Gonzalo Planet (integrante de la banda Matorral), un extracto que habla de la dirección y la investigación que hay detrás del libro.

Y es que más allá de girar por la dirección más recurrente, esta obra va directamente a los orígenes, volviéndose en casi un texto angular sobre el génesis y evolución del rock chileno, no dejando fuera ninguna de las ramas de éste y, de paso, escapando a la lógica imperante que siempre se retrotrae a la escasamente propositiva Nueva Ola o a la siempre omnipresente Nueva Canción Chilena. Será en esos recovecos donde el sentido del libro triunfe, pues lleva el foco hacia donde se encuentran los actores y protagonistas que edificaron, casi desde la nada, varias propuestas y álbumes que hallan en la lectura de estas páginas nuevos oyentes a los que llegar. Pues exceptuando a Los Jaivas y en menor medida a Los Blops, bandas como Los Vidrios Quebrados y Los Macs son nombres con los que nos empezamos a familiarizar desde esta lectura. Una obra de investigación acuciosa y que sin temor a exagerar ha de ser una de las indagaciones mejor elaboradas en cuanto a su temática. Una excelente puerta para retrotraerse y seguirle el rastro desde las ramas a las raíces del rock chileno, desde ese periodo que comprendió entre la Invasión Inglesa –que fue el puntapié inicial- y la primera mitad de los setentas, terminando abruptamente con el Golpe De Estado de 1973.

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GALERÍAS

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Ases Falsos, Teatro la Cúpula · Fotografías por Mauro Medel


GALERÍAS

Arranquemos del invierno, SCD Bellavista · Fotografías por Reinaldo Rodríguez

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GALERÍAS

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Babasónicos, Teatro Caupolicán · Fotografías por Reinaldo Rodríguez


GALERÍAS

Zero Kill , Teatro Caupolicán · Fotografía por Reinaldo Rodríguez Juana Molina, Teatro Diana · Fotografía por Josefina Pérez

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GALERÍAS

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Damon Albarn, Teatro Caupolicán · Fotografía por Reinaldo Rodríguez Mos Def, Teatro Caupolicán · Fotografía por Cristian Carrasco


GALERÍAS

CAF, Sesiones Perdidas Sala Master · Fotografía por Jorge López Santos Dumont, Bar Loreto · Fotografía por Diego Figueroa

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ENTREVISTA entrevista

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Por Camilo Pérez · Fotografía por Natalia Soto

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ENTREVISTA entrevista

Por Camilo Pérez · Fotografía por Natalia Soto

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ESTA EDICIÓN FUE REALIZADA ESCUCHANDO LOS SIGUIENTES DISCOS:

(ME LLAMO) SEBASTIÁN EL HAMBRE

NO MYTHOLOGIES TO FOLLOW

RUSSIAN RED AGENT COOPER

REAL ESTATE ATLAS

EDICIÓN #13 - NOVIEMBRE / DICIEMBRE 2014 MELOMANOSMAG.CL

Melómanos Magazine | Edición #13  

Décimo tercera edición de Melómanos Magazine, con entrevistas a Felicia Morales, Portugal, Prefiero Fernández, Adelaida y Parrot Dream. Nuev...

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