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DIRECTOR Jorge Rubio Soto EDITOR GENERAL Ignacio Silva PRODUCCIÓN PERIODÍSTICA María José Silva PRODUCCIÓN EJECUTIVA Natalia Araya ARTE Y DISEÑO Camila Maira Jorge Rubio Soto

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FOTOGRAFÍA Natalia Soto María Paz Arias Pablo Quiroz Gerardo Madrid Amapola Huerta Fran Nuñez Consuelo Burdiles Joselyn Sade PERIODISTAS María José Silva Ignacio Silva Jorge Rubio Joaquín Riffo Claudio Salas Natalia Araya Claudia Montecinos Bayron Ríos Raúl Álvarez Javiera Calederón COLABORARON EN ESTA EDICIÓN Francisco Silva Matías Muñoz Pablo Collao Edmundo Veloso CONTACTO hola@melomanosmag.cl PUBLICIDAD Y AUSPICIADORES natalia@melomanosmag.cl AGRADECIMIENTOS A Dani Fifina Ópera Cátedral Juegos Diana

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EDITORIAL SELECCIÓN NATURAL Los tiempos han cambiado y de eso no hay duda. El archivo digital es necesidad para poder escuchar a los favoritos y a los nuevos sonidos. Comprar un disco físico es el gusto que pocos se pueden dar con facilidad o que gracias a unos cuantos sacrificios otros pueden hacer. La cosa es que la vida hoy es tan cara que el disco es un placer casi restringido. Y Feria sabía eso y se aprovechaba. Porque, siendo sinceros, los discos que ofrecían eran mucho más costosos que en cualquier otro lugar, aun vendiendo ediciones que no eran las más apetecibles por obtener. Los precios eran caros, la diversidad era escasa y la actualización con los nuevos tiempos fue casi nula. Qué decir sobre el sello: poco filtro y cero movimiento. Porque, por muy radiales que hayan sido, construyeron un nicho cerrado sobre música que no lo era. Pero el problema no está en que fuera una mala empresa. El problema estuvo en no alcanzar la capacidad de adaptación al nuevo sistema. Feria fue una de las empresas que nos acercó a la música del mundo entero y se agradece. Lo que no es que no hayan sido capaces de correr a la par con todos. La muerte de Feria Mix no es el comienzo de la debacle de la industria discográfica: solo fue víctima del conservadurismo empresarial dentro de una industria de la música local que cada día va solidificando sus cimientos. El Director

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A muchos ha preocupado el tema del cierre y quiebra de Feria Mix. Pero a muchos más no fue tema de conversación ni sorpresa. Es que todos sabían que llegaría este momento. Algo así como el cliché de la “crónica de una muerte anunciada”.


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EN PORTADA NIÑO COHETE FOTOGRAFÍA MARÍA PAZ ARIAS EDICIÓN CAMILA MAIRA


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VIDEOTECA THE STONE ROSES: MADE OF STONE

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DERRAME CEREBRAL CARTA ABIERTA A MILEY CYRUS

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SOLO DI MEDINA EL RETORNO AL SOUL

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MARÍA COLORES UN CAMINO QUE NO PARA

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DESTACADOS M BAIKONUR ROMÁNTICOS

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DÁCLIP

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PORTADA: NIÑO COHETE EL AÑO DEL DESPEGUE

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RESEÑA DE DISCOS

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IMPORTACIONES TOURISTA LINKOBAN

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GALERÍAS M

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CLÁSICOS NACIONAL: TIRO DE GRACIA INTERNACIONAL: THE GATHERING

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EN NÚMEROS LOS TRES

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(ME LLAMO) SEBASTIÁN EL APETITO DE

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SELECCIÓN DE DISCOS 2013

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POR JOAQUÍN RIFFO

Sin embargo, hay una figura extraña. El director de la premiada This is England, Shane Meadows, se mueve entre la multitud decepcionada, y comienza a grabar testimonios, obviando que se desarrolla un concierto histórico en el interior. Son los pequeños detalles que se visibilizan durante todo el film: un director que no va a dejar pasar ninguna arista del regreso de los Roses.

Y es así como nos enteramos que más allá del misticismo, el pintor-guitarrista John Squire es una persona bastante graciosa. O que el insolente y siempre encarador Ian Brown está subyugado a la opinión del introspectivo Reni, quizá uno de los bateristas más brillantes que ha dado el pop británico en toda su historia y quien hace valer su condición de gran músico con un carácter bastante temperamental. Y los flashazos de aciertos se multiplican: Eric Cantona, declarado fan de la banda, compartiendo en el camarín de su concierto en Francia. Liam Gallagher armando tumulto en el backstage del concierto en Warrington, siendo ignorado por la vieja escuela de Manchester. Y esa ciudad, tan arraigada en el corazón de esta banda, que le viene a hacer justicia al mito. No es otro filme sobre la escena “Madchester”. Esto es Mancunian de principio a fin. La mejor banda de la ciudad ha regresado.

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Hay una hilera de fans escuchando, grabando y, en algunos casos, sollozando mientras el sonido rebota desde el interior de una sala de conciertos en Warrington, un pueblo al norte de Inglaterra. Las caras de angustia se mezclan entre la decepción de quienes se enteraron por la radio, por un mensaje en su celular al mediodía o simplemente por el tan desgastado “boca a boca”, que los Stone Roses tocaban esa tarde en el Warrington Hall su primer show en 16 años y sólo había disponibles 1000 entradas para quienes llegaran primero a la sala con un material oficial de la banda (polera, CD o vinilo). Mientras el grupo se desata dentro del local con una muchedumbre que vibra con cada acorde, en las afueras se arrugan los posters, se secan las lágrimas y la resignación comienza a llegar entre quienes no alcanzaron a entrar al concierto.


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por claudio salas fotos: amapola huerta

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FUE MIEMBRO DE LA POZZE LATINA Y DEL EXITOSO DÚO DJ RAFF & SOLO DI MEDINA. HOY VUELVE A LA CARGA TAL COMO LO HIZO HACE CINCO AÑOS: EN SOLITARIO, CON UNA BANDA DE APOYO (MAMBOTOKIOSOULERS) Y CON UNA NUEVA PLACA BAJO EL BRAZO, TOKIO. SI ANTES FUERON LAS MUJERES DE MARTE, HOY LO ES LA URBE MUNDIAL.

A Víctor Flores en un comienzo sus trabajos con La Pozze Latina y con el dúo DJ Raff & Solo Di Medina lo llevaron a consolidarse como uno de los más talentosos y sólidos exponentes del soul, el hip-hop y el R&B local. Fue entonces cuando se ganó la fama de ser uno de los más connotados exponentes de la música negra de nuestro país. En ese período fue cuando nació la idea de dar forma a Solo Di Medina. Lo hizo como una forma de encarnar a un personaje seductor y bandolero; un latin lover. “Es una liberación”, asegura, algo como una catarsis para canalizar esa energía sexual que contuvo durante tantos años.

| Ent revist a: Solo d i Med ina |

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Pero sin desmerecer su trayectoria, lo que más orgullo le produce es el camino que emprendió en solitario con su disco Hembras de Marte (2008) a pesar de las varias penurias económicas que ha debido enfrentar. “Los discos lo único que te traen son deudas y más deudas… pero esto es una obsesión, hermano. Nosotros queremos crear música y dejar nuestra huella en la historia”, reconoce. Cuando lanzó Hembras de Marte no tenía recursos para poner el trabajo en los medios ni para pagarle a su banda de entonces. Dice que no contaba con el dinero ni con el lobby para hacerlo. “Ahí entendí que en Chile cuando uno paga una educación más cara, lo que en realidad está pagando es un puesto, cierto lobby, donde esas personas con las que te educaste en algún momento te van a tender la mano. Yo no tengo eso, yo soy de la clase obrera. Si me preguntan por qué han sonado mis temas en la radio, no sabría darte una respuesta. He tenido una suerte de la puta madre”. Realizó todo lo que pudo para mantener el proyecto arriba, pero se fue desmoronando poco a poco. “No pude agarrar la parte empresarial. Me fui a perdida todo el rato”. Los que recuerden su trabajo podrán dar fe de la calidad de éste y de la cuidada producción que se evidencia en su álbum y en los videos que produjo. “Es puro cariño y ayuda de la gente que apoyó con recursos, ganas y trabajo”, asegura, y por una profunda convicción de hacer lo que se tiene que hacer de la mejor manera posible. “En el diseño, las fotos, la música, no podís mostrar la hilacha, tenis que demostrar que esto está funcionando. Arriba del escenario o trabajando, uno tiene que hacer lo que tiene que hacer. No puedo llegar con una hueá rasca diciendo ‘puta no tenía plata’. No, soy de la idea de que si voy a hacer algo, lo voy a hacer bien”.

TOKIO El pasado 18 de octubre fue el día que marcó su regresó a los escenarios por el lanzamiento de su nuevo álbum Tokio, sucesor de Hembras de Marte tras cinco años de silencio. Durante ese período dice que se mantuvo sobreviviendo y que nunca dejó de trabajar en la música. “Trabajé en una mina, en construcción, sobreviviendo, haciendo dinero de alguna manera. Aunque siempre me mantuve escribiendo porque pensaba ‘ hay que sacar el próximo, hay que trabajar ahora’. A veces


¿Cómo nace Tokio? Tokio nació como una nueva búsqueda. Si el Hembras de Marte fue la búsqueda de la cosa soulera norteamericana, pero a nuestra manera, más rústico, sin tantos conocimientos como esos músicos, ya en el Tokio no estamos pensando en ese concepto. Aunque siempre manteniendo el ritmo del soul, pero ya da lo mismo todo. ¿Estás trabajando en una segunda parte? Así es, tengo más canciones de Tokio que voy a lanzar en una segunda parte a fines de este año. Está bastante completo y va a contar con cerca de 10 temas. ¿Cuáles son las ideas tras tus discos? En el Hembras de Marte el concepto era la cosa sexual, a lo Marvin Gaye y Earth Wind and Fire. Porque creo que toda la parte femenina y la cosa sexual se tiene que liberar. En cambio, Tokio es la ciudad para mí. La idea de ciudad, no necesariamente Santiago, donde lo único que tienes que hacer es trabajar, vivir en comunidad, y someterte a sus reglas para no vivir en la naturaleza. ¿Con qué colaboradores trabajaste? Con C-Funk, Andrés Celis y Srta Pésima, que es del grupo Pituquitos, de Valdivia. Ella creó “Flash”, el último tema del disco. Me gusta su energía Punk. ¿Próximos proyectos? Además de lanzar la segunda parte de Tokio estoy trabajando en un disco que se llama Pequeño Mago, que es la idea de un duende que por medio de la magia del dibujo comienza a materializar su imaginación a la realidad. Aún no sé todavía cómo será la historia, pero tenemos los personajes, algunos elementos y ahí veremos cómo uniremos todo.

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hasta estuve trabajando solo. De hecho, después del Tokio les dije a los cabros de Potoco discos que me iba pa’ la mina, pero no me dejaron”. Comenta entre risas.


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COMO TRANSMISIÓN AL

ESPACIO EXTERIOR POR MATÍAS MUÑOZ

¿Quién vigila al hombre cansado?, se titula el primer EP de la banda de Post Rock nacional Baikonur. Son siete canciones marcadas por la influencia de sonidos como los de Mogwai y nutridas de una significativa experiencia. Así, el grupo se ha instalado de a poco en la escena de este género poco explorado en nuestro país. No es menor que tras su formación en este 2013, el quinteto formado por Ariel Acosta (Martín Pescador), Daniel Guzmán, Gonzalo Donoso y los ex Æterna, Rodrigo Nanjarí y Carlos Astorga, se posicionaran logrando reseñas de importantes sitios como The Sirens Sound. Y es que ¿Quién vigila al hombre cansado? nos entrega melodías y sonidos frescos. Sus canciones nos transportan a un viaje donde pareciera ser que estamos en el espacio o, por qué no, como si fuera una señal perdida dando a conocer lo que somos en el planeta tierra. Con esta sólida propuesta, Baikonur se presenta ante nuestros oídos. Sólo el futuro nos dirá cómo evolucionará el Post Rock de esta banda, que de seguro tiene mucho más material que entregar y transmitir. Como para no dejarlos olvidados en algún rincón de este universo musical. Encuéntralos en: facebook.com/baikonurbanda baikonur.bandcamp.com

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BAILEMOS UN LENTO

ROMÁNTICOS

POR JORGE RUBIO SOTO

Cuando dicen que es difícil encasillar la música de Románticos en un género, tienen toda la razón. Aparecen en el año 2011, con canciones tituladas en inglés, pero que conservan pasajes en español. Un año después, editan un EP homónimo que condensa su identidad: canciones lentas, atmosferas apacibles y amor. Mucho amor. Románticos está formado por tres músicos que complementan sus fuerzas alrededor del romanticismo. Andrea Moro es la voz principal y mente tras las letras; Ricardo Contesse es la guitarra y Salvador Burrell aporta con los teclados y la batería. Sobre estos tres pilares, nacen canciones llenas de melodías cadenciosas, casi aletargadoras, pero que conservan matices lo suficientemente seductores como para quedar prendado de ellos. Es algo así como la excusa perfecta para que vuelvan los lentos a las fiestas y que no sean para echar a la gente. Dentro de sus influencias declaradas, Románticos puede ser una alternativa local para aquellos seguidores de Chromatics, Marvin Gaye, The Ravonettes y más de alguna banda de radio cebolla. Pues, esa mezcla precisa entre lo anglo con tintes latinos y lo meramente hispano, hace querer volver a escarmenarse el pelo y salir a taquillar. Es una de las bandas que, sin pretenderlo, logran una de las atmosferas más retrospectivas que cualquier aparecido con camisas vintage y look ochentero. Puedes correr el riesgo y enamorarte de Románticos escuchando su música a través del Soundcloud del trío o bajar su EP de forma gratuita a través del sitio web. Encuentralos en: www.somosromanticos.cl soundcloud.com/somosromanticos

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TIRO DE GRACIA


TIRO DE GRACIA - SER HUMANO Años noventa. Sintonizar la radio era un ejercicio que demostraba la primacía del pop en la música chilena. El apogeo de los sellos discográficos multinacionales y de la comercialización de la imagen de las bandas nacionales. En este contexto apareció una de los grupos de hip hop más expuestos de la época. El trío conformado por Lenwua Dura (Fabián Sánchez), Juan Sativo (Juan Salazar) y Zaturno (Juan Lagos) debutaba con el nombre Tiro de Gracia. De la población a las vitrinas, un cambio drástico que sacó chispas entre sus pares, y que a la actualidad marca una diferencia en el género musical urbano. Con temáticas sociales y una mezcla de hip hop, soul y algo del infaltable pop, Tiro de Gracia firmó contrato con EMI Chile y puso su primer disco en el mercado: Ser hümano!! (1997). El sucesor de Homosapiens y Arma Calibrada, dos cassettes editados de manera autogestionada en 1994, se transformó rápidamente en un álbum ícono para la época.

El álbum de 21 canciones comienza con dos temas en torno a su nombre y el concepto que contiene. Energía y dinamismo, así el conjunto recorre un disco que no se cansa y que en cada tema proyecta las ganas del inicio. Además, incorpora de manera precisa el contenido musical pegajoso para darle una gran inserción en el mercado y convertir a algunos tracks en los hits más recordados de la época. Ser hümano!! puede distinguirse como un álbum que marcó a la juventud de 1997 y que hasta el día de hoy sus letras son recordadas entre esa generación. A través de relatos y narraciones, el conjunto de hip hop se ubica desde la perspectiva de una serie de personajes marginados y que han sido los históricos relegados. De este modo, le entregan voz a un sector de la población que había estado ausente en el arte, y forman parte de un movimiento juvenil que poco a poco buscaba reinstaurar las problemáticas sociales en la nueva democracia. Desde la vereda de la juventud en rebelión, Tiro de Gracia se inserta como una voz realista que busca abdicar las canciones superficiales de la época y trae un estilo más crítico, que no había logrado penetrar el mercado musical y se había relegado al circuito under y de población. A pesar del espacio que el trío de música urbana logró construirse, el éxito fue efímero y tras tres discos de intento, iniciaron el camino de descenso y distanciamiento de la fama. Esto, sumado a tensiones internas que los llevaron a desgranarse. Los álbumes Retorno a la misericordia (2001) y Patrón del vicio (2003) fueron grabados sin la presencia de Zaturno, quien en 2000 abandonó la banda para dedicarse a proyectos propios. Así, los conflictos entre el dúo restante se fueron acrecentando, lo que terminó en la ruptura final de la agrupación en 2007. Con un disco ícono para el hip hop nacional, más comercial y publicitado que cualquier otro, Tiro de Gracia logró un espacio en el muro de la historia musical chilena. Rupturas en un periodo sensible e híbrido, en el que los jóvenes comenzaron a hacer propia la tarea de revivir los conflictos y despertar de la pasividad de una transición que dormía a un Chile malherido. Con Ser hümano!!, una camada de bandas de hip hop encuentran un espacio en el mercado discográfico y remecen con sus letras, melodías de rebeldía y letras en busca de conciencia social. CLAUDIA MONTECINOS

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| Clásico: Tiro de Gracia |

Los sencillos “El juego verdadero”, “Viaje sin rumbo”, “Chupacabras” y “Melaza”, posicionaron a la agrupación en las radios nacionales, un hecho poco frecuente debido a sus letras y melodías muy distintas a lo que las radioemisoras transmitían en los 90. Desigualdad socioeconómica, embarazo adolescente, consumo de drogas; estos eran los contenidos que generaron una ruptura en la industria y que se popularizaron rápidamente entre los jóvenes.


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Si se presta atención a bandas como Epica, Nightwish o cualquiera de esas que traen a una bella mujer en el frente, hay que hacer retrospectiva a muchos años atrás, cuando de forma casi accidental tres bandas formaron los distintos patrones de un metal gobernado por el lado femenino de la fuerza. Primero, una corriente oculta y tímida. Entre sombras, aparecía la voz de Kari Rueslatten junto a The 3rd and the Mortal. Publicando en el año 1994, uno de los discos más icónicos de su carrera, Tears Laid on Earth, es la mezcla equilibrada entre candidez y oscuridad, melancolía y una gota de existencialismo. Por otro lado, y un año después, aparecía otra grieta en la búsqueda de nuevas formas de hacer metal gótico. El erotismo casi vampiresco entre lo delicado y lo brutal. El nacimiento de una matriz que sería replicada por bandas como Tristania, After Forever, entre otras y que era fundado por Theatre of Tragedy con su homónimo. Y una tercera vía, más alejada de las dos anteriores, significaba un quiebre no solo para lo propuesto, sino que para la misma agrupación que lo hacía. The Gathering, editando casi el mismo año que los de Noruega, publicaba Mandylion bajo nueva formación y nueva voz. Pues, a diferencia de Always… (1992) y Almost Dance (1993), sus antecesores, la banda liderada por los hermanos Rutten cambiaba los guturales de Bart Smits y la voz desgarrada de Niels Duffhuës, por la carismática voz de Anneke van Giersbergen.

La diferencia es inmediata. Aunque ciertas canciones no logran despegarse de los discos anteriores, hay ciertos elementos mucho más presentes. Entre ellos, los sintetizadores de Frank Boeijen y el estridente protagonismo de una de las voces más nobles de Holanda. Pues, ya no son las cortas y rápidas intervenciones de las guitarras y los bajos; ahora The Gathering se da el tiempo para disfrutar y dar momento a cada uno de los instrumentos que los integra. Y será algo que se desarrollaría con la madurez y que llegarían a desembocar en los emblemáticos Nighttime Birds (1997) o momentos experimentales en extremo, como Souvenirs (2003), sin antes pasar por How to Measure a Planet (1998) e If_then_else (2000). Una evolución natural que es señal de una inquietante e enriquecedora inconformidad con quedarse pegado en lo mismo. Es Mandylion quien marca una de las corrientes más fuertes y, quizás, más populares dentro del movimiento gótico de Holanda. En base a este, y a lo expuesto por Van Giersbergen, podríamos contemplar voces como las de Sharon den Adel, en Within Temptation, o de la mexicana Marcela Bovio, en Stream of Passion. Un álbum rico en matices, sonoridades y emocionalidades. No por nada, “In Motion”, en sus dos partes, se ha transformado en un himno de la banda con letras como “make me cry in vain / leave one tear / touch my face with your sigh”. Y para qué decir “Strange Machines”, canción que abre el disco e invita a saltar y romper esquemas. Es un trabajo completo de inicio a fin, donde no sobra ni falta canción alguna. Donde las instrumentales “Mandylion” y “Sand and Mercury” (canción donde hasta la voz de Van Giersbergen juega como instrumento) otorgan solemnidad e inspiración, y “Eleanor” y “Fear the Sea” entregan energía y liberación. Mandylion es uno de los álbumes más importantes de la historia del rock. De esos que no muchos tienen el privilegio de escuchar, pero que todos deberían considerar. Con ello, The Gathering es de esas bandas que no deberían morir nunca y que tienen todo el derecho a tomarse descansos, pero descansos para continuar. No solo por sus seguidores, sino que por el bien que le hacen a la música de la humanidad.

JORGE RUBIO SOTO

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| Clásico: The Gat hering |

Precisamente, en este disco es donde se genera una corriente mucho más experimental de un metal gótico más luminoso, pero no menos nostálgico. Mandylion, un disco compuesto por ocho canciones y más de 50 minutos de duración, es el comienzo de una búsqueda mucho más espiritual de la respuesta que poco a poco irían descubriendo a través de sus canciones.


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Se formaron en Concepción, luego de que sus fundadores (Álvaro Henríquez, Roberto Titae Lindl y Francisco Molina) pasaran por varias bandas previas.

Discos de estudio editado a la fecha.

han

Grabaron su recordado MTV Unplugged. Fueron la primera banda chilena en hacerlo.

Años estuvieron separados. El receso de la banda comenzó en el 2000 y regresaron seis años después sin el baterista Francisco Molina.

Realizaron la primera Yein Fonda en la Plaza Ñuñoa. En 2013, ésta fue la fonda oficial del Parque O’Higgins.

Bateristas han pasado por sus filas.

De sus integrantes originales siguen en su formación: Álvaro Henríquez y Roberto Titae Lindl.

Proyectos paralelos mantienen ocupado a Ángel Parra: Ángel Parra Trío y Organ Martini Trío. Además, está colaborando activamente con Manuel García.

El 10 de diciembre pasado, el diario La Tercera publicó la noticia de la salida de Ángel Parra del grupo.

Años estuvo el guitarrista junto a Los Tres.


El apetito de

(me llamo) Sebastián Por Jorge Rubio Soto · Fotos: Natalia Soto

El Hambre (2013) es su tercer disco y quizás un primer paso al estrellato. Un plato de fondo que tiene de todo y que está condimentado con harta verdad. Así es (me llamo) Sebastián, un altoparlante de lo que piensa, siente y vive.


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Sebastián tiene 26 años, es cáncer para los occidentales, conejo para los orientales y flor para quién sabe. Desde hace 21 que no deja de cantar, aunque más de alguna alergia lo ha dejado sin habla. Sin embargo, muchas veces las letras son su voz y no solo esa que proviene de la garganta.

| Ent revist a: ( me llamo) Sebast ián |

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¿Y has logrado transmitir esa auto-satisfacción al público que te sigue?

Hoy, con tres discos en el cuerpo y muchas historias que relatar, sus canciones son como una ventana hasta su interior. Más que el desahogo, una especie de alineación con un movimiento en especial. “Creo que tengo una especie de militancia política sin estar en un partido. Mi militancia política tiene que ver con la honestidad. El no avergonzarme de las cosas que me gustan hacer, de las locuras que se me ocurren… todo”, describe él, Sebastián Sotomayor, el cerebro detrás de la extensión de sí mismo: (me llamo) Sebastián.

Sí. Una de las cosas más bonitas que me suceden cuando toco en vivo y veo la reacción de la gente, es la atención. Como que siempre sucede eso. La gente pone atención, a menos que esté en un lugar muy adverso, como una vez que me invitaron a tocar a la Plaza de Ñuñoa y estaban transmitiendo un partido de futbol atrás de mi tocata y fue muy bizarro. Ahí vi que la gente no cachó nada de lo que cantaba. Improvisé muchas canciones y decía cosas como “a nadie le importa lo que estoy cantando” y no se daban cuenta de eso. Pero en el ambiente propicio, el público siempre toma atención. La gente siempre escucha la historia.

Tus canciones son muy narrativas y hay historias muy universales como en “Con lugar en el Centro (o Casado_39)”. ¿Crees que tienes un poco de “cuenta cuentos” al momento de armar tus canciones?

En cuanto a El Hambre (2013), es un disco lleno de teatralidad y tiene mucha relación con el Cabaret o el género de musical. Además, con ello estuviste participando junto a El Cabaret Invisible. ¿Qué nos puedes contar de eso?

Sebastián: El otro día hablaba de eso con un amigo. Mi ocupación es contar historias más que ser músico. De hecho, hubo una época en que estuve un poco enfermo de la voz y escribí harto, pero no cantaba. La música que no cuenta historias me aburre un poco. Me cuesta mucho conectar con otros artistas que son más etéreos para hablar, que juntan palabras y conceptos para provocar algo, pero en ningún sentido más concreto y ahí yo me aburro. Por eso trato de hacer canciones que a mí no me aburran y con eso tengo una vara demasiado alta. Entonces, sí, pienso que soy bien contador de historias. No sé si de historias buenas, pero historias al fin y al cabo.

El Cabaret no es muy conocido en Chile, porque acá se relaciona mucho con las revistas antiguas, pero en Argentina y en México fue un movimiento teatral súper grande. Casi siempre era hecho por gente homosexual, travestis, lesbianas; siempre tenía mucha ironía. El Cabaret Invisible es un grupo de teatro que hace cabaret callejero y mi trabajo se acerca mucho a eso. En el disco, no sé si lo quisimos hacer intencionalmente, pero el productor (Mowat) respetó harto mi estilo. ¿Y cómo se aprecia el trabajo de Mowat en el producto final?


Mowat mezcló el disco y me ayudó a tomar decisiones en los arreglos. Yo escribía las partituras y decidíamos. Él grabó todos los bajos y pensó las baterías. O sea, su mano está presente en todos lados. Yo estoy muy conforme con el resultado de El Hambre, porque siento que es súper distinto a que si yo lo hubiese hecho solo. Siento que la intención de Mowat y toda la gente que estuvo detrás, fue convertirlo en algo un poco más radial, y está funcionando. Ese era el objetivo: lograr que este tercer disco fuera un caballito de batalla que lograse entrar a las radios y llegar un poco más a la masividad. Todavía no sucede, pero podría suceder y como que fue trazar ese camino que yo no hubiese hecho solo. Por otro lado, hay mucha autocrítica dentro de las canciones del disco. ¿Crees que eres tú el peor crítico de (me llamo) Sebastián?

No se necesita ser rubio de ojos azules para lograr las cosas… Sí, absolutamente. El rollo es que hay mucha gente que piensa así, pero hay otro porcentaje más grande que es gente de otra generación que cree que sí, que todavía le da el valor al ser más flaco, al ser rubio, al tener un apellido raro. Y uno de los logros más bonitos para mí es poder llegar a una cima y seguir teniendo mi público y hacer conciertos que se llenen, pero desde el lugar donde estoy y sin modificar mi propuesta. Desde esa misma postura, (me llamo) Sebastián pretende seguir haciendo historias que solo él puede contar. Durante este año publicará “La patita atrás es un detalle”, el primer tomo de su trilogía El fin del mundo y qué tanto, con el que se adjudicó el esquivo FONDART. Quién sabe con qué se encontrará el público de Sebastián. Ése que cada día se compromete más con decir lo que hay.

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| Ent revist a:( me llamo) Sebast ián |

Si y no. Porque más que una critica, es como aceptarme. Yo se que no soy la persona más gorda ni la persona más fea, pero me río de eso porque lo resolví. Entonces, pienso que aunque suene descabellado, al decir todas esas cosas en público tiene que ver con quererme. Todo esto de decir que soy gordo o feo, tiene mucha relación con que, a pesar de todo eso, igual estoy aquí y me atrevo a cantar estas cosas a esas personas y ellos me reciben con mucho cariño. Y en lugar de decir “pobrecito el Sebastián, es tan feo”, es como abrir una puerta a la reflexión y pensar “ya, me dijeron que era feo y gordo desde chico y me lo creí, pero igual estoy haciendo música frente a ustedes”.


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NIÑO COHETE

BRONKO YOTTE

AVES DE CHILE

CON ESO TE DIGO TODO

Desde el primer momento de escucha, se sabe que Aves de Chile, el primer disco en largaduración de Niño Cohete, es un buen álbum. Es que, más allá de contar con Fernando Milagros en la producción y que la banda completa es buena en lo que hace, la dedicación con la que crearon el disco le otorga un valor que pocos lo tienen.

Tras una larga pausa, Bronko Yotte volvía a actividad de la mano de un nuevo disco. El MC, que en su último trabajo había dado muestras de su gusto por la canción de autor, retornó a sus raíces raperas en Con Eso Te Digo Todo, un LP donde hace gala de su habilidad tras el micrófono. Junto a un extenso grupo de colaboradores entre los que figuran nombres como Jonas Sanche, Camileazy, Gen y Geoenezetao, el cantante da forma a canciones de gran frescura, donde las voces luyen en las bien logradas pistas. A veces los viajen ayudan a crecer.

Es como destapar una botella y liberar una atmosfera sureña que invade todo el lugar que toque con sus sonidos. En Aves de Chile, es el proceso el que toma protagonismo y queda plasmado en el producto final. Si hay discos de los buenos del año, este podría ser perfectamente uno de los mejores.

JORGE RUBIO SOTO

IGNACIO SILVA


DËNVER

FUERA DE CAMPO Dar explicaciones sobre por qué este disco es uno de los mejores del 2013 es ir más allá de su sonido. Fuera de Campo es la muestra material de la madurez, la seriedad y el nivel de experimentación que está logrando ese amable dúo llamado Dënver. Con sus diez canciones bien escogidas y ordenadas, Mariana Montenegro y Milton Mahan consolidan su proyección a ser una de las bandas importantes del tan aclamado nuevo pop chileno; tan así que las separaciones no les quedan bien. Es que todo es tan bizarro, que lejos de hostigar, se vuelve un álbum rico para escuchar. Ya fueron los acordeones, las bases electrónicas y los bronces. Ya no se sabe qué esperar. JORGE RUBIO SOTO

LEO QUINTEROS ANTÁRTICA Antártica es un viaje a un territorio inhóspito y desolado, como el continente del cuál toma nombre. A la vez, es también un viaje dentro de la obra de Quinteros. Así, es posible trazar una línea desde el avión en llamas con que abre, a las ‘’Posiciones de Resguardo’’ (de 1A), y una línea desde el cello en ‘’La Enredadera’’ (de Accidentes...) al cello en ‘’No Tú Y Yo’’ (interpretados por la misma persona). Es un disco entre líneas, de señales que palpitan bajo el hielo. Una vez inmerso en él, es imposible escapar de los paisajes emocionales que despliega.

EDMUNDO VELOSO

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KINÉTICA

RAMA

II

IMPOSIBLE

Cuando se tiene un buen debut existen dos caminos posibles de seguir: replicar lo ya hecho o buscar una nueva dirección. Afortunadamente, Kinética no se quedó estancada en su primer EP y en este segundo trabajo optó por hacer una apuesta aún más grande. A los ritmos quebrados de sus primeras composiciones, la inquieta artista adhirió cornos franceses (“Quisiera”), pianos con mayor protagonismo (“Melodías”) y una voz con más textura y personalidad (“1620”, “Iré tras de ti”) para dar como resultado una obra única. Música y letras de búsqueda personal y (des)amor convergen en un disco contundente que evidencia una notable evolución.

Imposible de Rama lleva bien su nombre. Logra combinar cosas casi opuestas que podrían resultar fallidas, pero lo hacen y muy bien. Imposible es un disco completo, de inicio a fin. Es de esos capítulos en la vida de una banda que lleva tantos años de experiencia como de tiempos de receso, donde logran capturar una esencia propia a punta de experimentos.

IGNACIO SILVA

JORGE RUBIO SOTO

Es tan sufrido como potente, lo que hace que cada canción tenga una fuerza única. De esos choques catárticos, que sacuden y derriban todo. Más que imposibles, Rama es de esos “huracanes” que arrasan sin piedad.


ANEURISMA

CORDEROLOBO DESASTRES NATURALES Y MAÑANA POR LA MAÑANA

CICLOS No es fácil mantenerse vigente luego de 12 años de existencia y más aún haber sido próceres en una escena casi extinta como lo fue el Nü Metal nacional. Con este álbum, Aneurisma cierra un ciclo, pero a la vez abre otro, abrazando al post rock como aliado, pero sin dejar de lado el característico sello que han mantenido: brutales riffs y gritos que ahogan las susceptibilidades ante el cambio. Los años han cosechado la madurez sonora y personal en Aneurisma. Sin miedo a los cambios, Ciclos se atreve a un sonido atmosférico y digno de exportación. La premisa es clara: renovarse o morir.

Que lo multidisciplinario del segundo trabajo de Corderolobo funcione como una máquina no debiese sorprender a nadie. Con una estructuración que mezcla sin remilgo algunos cuentos bastante imaginativos con canciones estructuralmente bellísimas, el resultado de Desastres Naturales… viene destinado a ser grande. Un disco-libro que conceptual e instrumentalmente busca lo épico, pero sin tropezar en los clichés de esta intención, acentuando siempre la sensación por sobre la finalidad. Se asegura un lugar dentro de lo destacado del año, ya no sólo por su solidez estructural; sino porque su contenido siempre es el personaje principal, sin importar el cuento en el que se encuentre.

BAYRON RÍOS

FRANCISCO SILVA

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PERROSKY

FÁRMACOS

VIVOS

LOS DÍAS MÁS LARGOS

Recorrer una senda determinada de cabo a rabo no da mucho lugar a sorpresas, lo cual no es una excusa para dejar de impresionar. Perrosky sabe de ello y una vez más echa mano a lo que más le acomoda para entregar un elepé sólido en toda su extensión. Canciones desgarradas de viejo rock and roll en que los ejecutantes, siempre investidos de tonos ocres, impulsan con ahínco cada canción. Es así como “Contrabanda” o “Exilio” nos abrazan y desgarran a partes iguales. Y entre aroma a vino tinto y repetirnos Vivos es que se nos transforma en una obra querible. Como si la hubiésemos oído toda la vida.

Los Días Más Largos aglutina en su metraje una especie de sensación omnipresente que nos habla de sexo en todo momento. Es como si pequeños códigos cargados de sensualidad se hubiesen mimetizado muy profundamente en a lírica y en la instrumentalización del disco. Esto es aprovechado de lleno por la disposición y orden del mismo, haciendo entrega de un viaje plácido y cargado de erotismo subliminal. Todo ello en clave pop que es la que aligera la marcha, y crea un acceso sólido por el que adentrarse en las tremendamente hipnóticas figuras sónicas del álbum.

FRANCISCO SILVA

FRANCISCO SILVA


MANTARRAYA

DEPLASTICOVERDE

COSTA ESQUELETO

MENTIRA UNIVERSAL

Uno de los méritos que ostentan los penquistas de Mantarraya, es que este es sólo el primer disco. Su primer largaduración y ya es uno de los mejores del 2013. Si dos años antes ya daban luces de un sonido fresco con su primer EP, este año se confirma la prolijidad por la que se desplazan y logran aumentar el hype de sus presentaciones y futuros trabajos. “Darwin”, “Atlántida” y “Costa Esqueleto” son las piezas claves de un álbum armónico, que es uno de los mejores del año y punto. Mantarraya, es hora de surcar los mares y conquistar Chile.

El primer largaduración de Carolina Espinoza posee una singularidad que lo hace extremadamente accesible: su estatura. Cada año aparecen cientos de álbumes que buscan la grandeza, la enormidad, abarcar mucho; pero son pequeños en su fondo. Se extienden mucho y terminan dejando poco o nada. El caso de Mentira Universal es justamente el contrario. Es un LP de formas reducidas, un álbum pequeño que desde su espacio busca conquistar con sencillez y pop delicado (y muy emocional) a un blanco especifico. En base a letras cotidianas y otro tanto de desamor resume con simpleza lo que Deplasticoverde consigue en esta -fugaz- partida de ajedrez: un jaque mate sin apelación.

BAYRON RÍOS

FRANCISCO SILVA

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N O S

V E M O S

E N

MELOMANOSMAG.CL


Querida Miley, Yo también decidí hacerte una carta. No seré una superestrella en retiro, como la Sinnead, ni tampoco un tuitero influyente como… cualquier tuitero influyente. Pero si soy un fanático tuyo desde la vida. Te sigo desde cabra chica, cuando cantabai con traje de vaquera y peluca rubia en la cabeza. Cuando tenías los dientes súper chicos y que al sonreír, parecía hocico de delfín.

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La cosa es que me gustabai, aunque yo tenía como 20 años, pero me reía como pelotudo. Y me gustabai onda, me caías bien, porque tu cachai que yo y la colitud es como un compromiso de esos que asumen las monjitas cuando se casan con el señor. La cosa es que ahora estai grande. Creciste. Creciste harto y te habías puesto bien fome hasta que sacudiste el culito. Porque, por dios, ¿qué es esa hueá de party in usa? Es buena, pero no es como lo tuyo po. Y la cosa es que bendito sea el momento en que sacudiste el culito, porque te sacudiste toda la imagen mongólica que te impone el imperio Disney. Porque Selena Gómez podrá hacer mil partes de Spring Breakers, pero seguirá con el habito del ratón Mickey. Pero tú no. Las hiciste todas este año y por eso te dedico mi corazón. No solo recuperaste las viejas tradiciones niggas del twerking, sino que fumaste pito en la tele, mostraste las gomas y te comiste a una mina como corresponde. Y pucha que gracias. No solo hiciste de mi año algo más agradable, sino que me diste más razones para quererte. Hasta la música se te puso buena. Quizás las malas juntas te hicieron bien, porque de perra blanca no te tomaba. Eso. Sigue así, aunque espero no seas una víctima de las modas. Eso sería feo y rompería mi corazoncito de believer en ti.

E Y DE SIG CE DE UE RE RR EL AQ BR AM BL UÍ AL E OG

Playlist: Buenas canciones de Miley Cyrus

LE

Te quieri. Derramito.


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POR CLAUDIA MONTECINOS 路 FOTOS: NATALIA SOTO


EL 2013 FUE UN IR Y VENIR PARA LA CANTANTE MARÍA COLORES, QUIEN CIERRA UN PERIODO EXITOSO PARA EMPEZAR UN VIAJE NUEVO. MARCADA POR EL ESTRENO DEL SEGUNDO DISCO DE SU CARRERA, ME GUSTA LA VIDA, PERO TAMBIÉN POR CAMBIOS PERSONALES, ESPECIALMENTE EL NACIMIENTO DE SU PRIMERA HIJA, LA COMPOSITORA DE “LLAMADAS PERDIDAS” SACA CUENTAS POSITIVAS AL CERRAR EL AÑO.

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| Ent revist a: María Colores |

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Hace tres años apareció una nueva voz femenina que llegaba a colorear una industria musical que proliferaba con rapidez en Chile. Bajo el alero de la Sociedad Chilena del Derecho de Autor (SCD) con el Sello Azul, María Magdalena Ortiz adoptó el nombre artístico de María Colores y se plantó con sus melodías cargadas de energía y letras optimistas. Luego del éxito que tuvo su primer single “Llamadas perdidas”, el camino se pavimentó. El estilo pop mezclado con guitarras y melodías folk era lo que faltaba en el mercado, y María Magdalena lo supo aprovechar. La canción sonó en las radios nacionales y el estilo de la cantante logró suficiente popularidad como para presentarse en la Teletón de 2011. La escalada terminaba y la carrera artística se empezaba a consolidar.

ME GUSTA LA VIDA: UN VIAJE POR EL OCÉANO A mediados de 2013 María Colores reapareció con material nuevo, y un estilo renovado que demuestra la madurez musical que la cantautora ha alcanzado. Me gusta la vida, un disco de once canciones que fue dado a conocer en septiembre, calza perfecto con el proceso que la artista ha vivido en los últimos tres años, y que la ha llevado a expresar sus cambios en cada tema. Para la cantante, el álbum es “un viaje por el océano”, lo que se grafica en la estética del disco físico y en los nombres de algunas canciones, como también en la atmósfera de tranquilidad que entrega la placa. María Colores afirma que el proceso de creación de su última obra fue “ hermoso, ya que tenía canciones para el segundo disco a principios del 2012, pero luego me embaracé en marzo y esa profunda vivencia me invitó a componer muchos de los temas que quedaron en el disco”. Con un repertorio que busca consolidarla como artista, la segunda producción de María Magdalena constituye un paso fuera de los estereotipos y

un equilibrio en las emociones que transmite. En este sentido, la cantante destaca su “crecimiento musical y personal”. Asimismo, enfatiza que “es un disco limpio, completo y tiene todos los matices que necesita, día y noche”. También reconoce que se mantiene “ la verdad con que los compongo, desde mi nido, con instrumentos como piano, cuatro, guitarra. Esa profundidad que se impregna”. Por otro lado, distingue como novedad los arreglos y los temas más tristes y rockeros, en un álbum que busca “como siempre, expandir, generar, mover, provocar, acompañar, servir”. El proceso de creación estuvo marcado por el nacimiento de su primera hija, Zoe, de ahí la madurez y la influencia sentimental, y variada, en sus composiciones. Los cambios personales se plasman en cada canción, no así la música que rodea a la artista, quien reconoce que “suelo no escuchar música cuando compongo, pero Mauricio Dell, quien se encargó de los arreglos, se basó en un disco que a mí me gusta mucho de la banda Villagers, y él de un disco de Tom Waits”.

MÚSICA CON ALMA María Magdalena encontró la música y desde ese momento no la dejó ir. Ella misma afirma que la halló “por destino, por encuentros, por necesidad de llenar ese vacío que me perturbaba antes de llegar a ella”. De este modo, se ha transformado en parte fundamental de su vida, y al interpretar sus canciones busca transmitir no sólo melodías, sino que también profundidad y cariño. En un comienzo, la cantautora mostró su experiencia musical en EE.UU., donde trabajó una temporada en algunos cruceros. Ahí desarrolló su repertorio y adquirió la práctica necesaria, para luego volver a Chile y enfrentar su meta. A pesar del estrecho circuito musical chileno, al que la artista considera


“pequeño aún, pero avanzando”, María Colores logró posicionar sus primeros singles en la industria y cautivar a productores y audiencia. “Me siento afortunada, tengo muchos amigos músicos maravillosos que les gustaría tener la posibilidad de sonar en radios y que se les valore y expanda su trabajo. Yo he tenido la oportunidad, pero nada es fácil, todo requiere su camino y los momentos precisos. Al menos yo tuve mucho que caminar antes de llegar a sacar mi primer disco, y eso es lo que le da intensidad y vida a la música que tiene alma”, reflexiona la cantante.

“LOS CAMBIOS SON BUENOS”

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Cuando María Colores comenzó a sonar en las radioemisoras nacionales había entrado al catálogo de Sello Azul con su primer disco. Sin embargo, hoy, continuando con la oleada de cambios, la cantautora cerró un ciclo y firmó contrato con Plaza Independencia, uno de los sellos más importantes en la industria nacional. Respecto a esta nueva etapa, afirma que fue “ bueno, porque Sello Azul es un sello para partir, este nuevo es un sello con gente que también lleva mucho en la música, y les gusta mucho lo que hago, los cambios son buenos”. Además, reconoce que esto ocurrió porque ambas partes se buscaron mutuamente. Otra muestra de una carrera en ascenso y con proyección, que deja un año, en suma, positivo y que en cada pisada pone en evidencia el optimismo y energía de María Colores. La artista cerró un 2013 intenso en lo personal, y en el que profesionalmente el resultado es bueno. “En mi carrera el año estuvo bien, di un nuevo paso, nuevo disco, nuevo sello, nuevas ideas, nuevos amigos, nuevos proyectos, nueva proyección, un camino que no para. Sin embargo, faltan muchos discos, muchos viajes, mucho por entregar”, manifiesta la artista. Entre tanto éxito y cuentas a favor, María Colores no se siente en lo más alto de su carrera. Por el contrario, afirma estar recién empezando y tener energías para continuar en ese camino. “Me siento un bebé con apenas 3 años de carrera como María Colores. Falta mucho por hacer y descubrir”, confiesa la cantante. Aún así, proyecta el 2014 como “un año fantástico, fabuloso, interesante y feliz, en todos los aspectos de mi vida”.


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DÁ CLIP

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simón y el desierto

saldrá despedida


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javiera mena

espada


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landabur

ya verรกs


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IGNACIO SILVA · FOTOS MARÍA PAZ ARIAS


EN SÓLO 12 MESES, NIÑO COHETE LE DIO EL EMPUJE DEFINITIVO A SU INCIPIENTE Y PROLÍFICA CARRERA. LO QUE COMENZARON RECLUIDOS EN UNA CABAÑA PARA GRABAR NUEVA MÚSICA, LO TERMINARON CON UN GRAN DISCO ENTRE MANOS Y COMO UNO DE LOS BUENOS CRÉDITOS LOCALES CONFIRMADOS PARA UNO DE LOS FESTIVALES MÁS IMPORTANTES DEL MUNDO. AHORA SÓLO LES QUEDA VER LOS RESULTADOS DEL TRABAJO DE SU MEJOR AÑO.

Una cabaña a orillas del lago Lanalhue. Ese fue el lugar elegido por la banda penquista Niño Cohete para registrar en soledad el que sería su primer largaduración. Ahí, aislados de todo, grabaron las doce canciones que dieron forma a Aves de Chile, el álbum que los terminó por transformar en una de las principales figuras musicales del país en 2013.

| Ent revist a: N iño Cohet e |

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Ahora, meses después en un parque santiaguino, el vocalista Pablo Álvarez analiza los factores que motivaron el particular proceso. “Desde que nació la idea de hacer un disco estaba la posibilidad de hacerlo de la manera convencional, que era ir a un estudio, y estaba esta otra manera que se nos ocurrió, que implicaba irnos a un lugar tranquilo y natural en el sur, donde pudiéramos estar viviendo juntos y plasmar ese ambiente”, recuerda. Y agrega: “esa era la manera en que queríamos hacerlo y en la que nos íbamos a sentir más cómodos”. Pero el plan comenzó con un paso en falso. Pese a que en 2012 debutaron con un excelente EP que dio las primeras muestras de su capacidad y cimentó las bases del éxito de una nueva camada de bandas de Concepción reunidas bajo el alero del sello Beast Discos, el grupo no consiguió adjudicarse fondos estatales, lo que dejó en pie incierto el proyecto. “Pero íbamos a hacer el disco igual, así que ahí vimos la manera y decidimos seguir con la misma idea aunque no haya salido el FONDART”, recalca Álvarez. Cargando con lo positivo y lo negativo, el quinteto que completan Matías Pereira (guitarra), Pablo Vidal (contrabajo/bajo eléctrico), Cristián Dippel (teclados) y Joaquín Cárcamo (batería) continuó el camino que se había trazado y destinó toda la primera parte del año pasado a dar el salto y desarrollar un trabajo completo, que traería varias sorpresas y cambios en contraste a lo que venían haciendo.

AVES DE CHILE: VUELO EN COMUNIDAD Cuando fue lanzado en Enero de 2012, el homónimo EP con el que Niño Cohete debutó llamó la atención por su frescura. De un agradable sonido cercano al folk y unas letras llamativas e imaginativas, sus cuatro canciones parecían una declaración de principios en la que, consciente de su procedencia, el grupo se desmarcaba del pop de raíz electrónica que seguía creciendo en ese tiempo para situarse de lleno con una propuesta mucho más propia. Sin embargo, ellos se lo toman con más liviandad. “Para nosotros, el EP era sólo un registro de lo que estábamos haciendo en ese entonces”, confiesa Pablo Vidal, dando cuenta del objetivo que la banda tenía con su primer material. Por eso, el registro del largaduración debía ser distinto y, por supuesto, mucho mejor. Junto al ya comentado viaje al lago Lanalhue el grupo jugó otra carta determinante, que cambió definitivamente su rumbo sonoro. Motivados por la admiración que les despertaba su música, decidieron contactar a Fernando Milagros para que –junto a Juan Pablo Bello- colaborara en la producción del nuevo álbum. “A diferencia del EP, el disco tuvo mucha más pega de producción. Queríamos tener una visión externa y cambiar un poco lo que veníamos haciendo, por eso buscamos al Fernando”, analiza el vocalista. “Fue súper importante el cómo nos recibió él cuando fuimos a buscarlo, porque lo contactamos por mail, pero cuando nos recibió humanamente fue súper receptivo y entusiasta. Se motivó personalmente y eso nos hizo ver que quería trabajar con nosotros”, complementa Vidal. En efecto, la relación con el productor resultaba tan relevante porque el plan contemplaba recluirse por dos semanas en la cabaña del lago todos juntos; banda y técnicos. Comidas, labores domésticas y trabajo


LOLLAPALOOZA: CONSAGRACIÓN DE UN GRAN AÑO

en estudio se repartieron como si de una familia se tratase, lo que también influyó en el resultado final. “Estábamos todos trabajando por lo que estaba haciendo uno. Como ‘todos para uno’. Eso era lo que había que hacer. Todo teníamos que solucionarlo”, recuerda el tecladista Cristián Dippel. “Además, por la misma manera en la que hacemos las cosas nosotros era importante que sintiéramos que la persona con la que trabajáramos se pudiera unir al equipo y pudiera viajar con nosotros, estar ahí, convivir. No era sólo un productor que estaba ahí, teníamos que vivir con él dos semanas”, analiza por su parte Matías Pereira, guitarrista del grupo.

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Aunque en lo técnico también hubo cambios significativos. Además de una mejora evidente en términos de producción, también hubo un quiebre relacionado directamente con los instrumentos. Si las canciones del EP estaban en buena parte guiadas por las melodías del acordeón, ahora ese elemento se suprimió por completo en favor de los sintetizadores, en una decisión que en su justa medida, fue motivada por Milagros. A partir de eso, la banda se aventuró a experimentar en el sonido, dando espacio a nuevas texturas, estructuras y sonidos atmosféricos. “Partimos de la idea de querer agregarle cosas nuevas y experimentar con sonoridades e instrumentos”, manifiesta Pereira. Y Pablo Vidal agrega: “Fernando (Milagros) ayudó a moldearlo, pero eso venía de antes. Ya tocando en vivo, sobre todo con la inclusión de los teclados con Cristián Dippel, estábamos usando capas y cosas como atmósferas. Se potenció más eso, básicamente”. “Eso salía más naturalmente que imitar el sonido con el que se había grabado el EP. Creo que el resultado era mejor. Además, las decisiones de qué cosas sonaban las habíamos tomado antes, pero el sonido exacto se fue moldeando con Fernando. Cosas más técnicas”, concluye el tecladista. Con el sonido resuelto, la banda puso su atención en las letras. Al igual que en la instrumentación, el quinteto se abrió a experimentar en lo lírico con el fin de lograr plena sintonía entre ambos elementos. “Hubo mucha preocupación en que al escuchar la canción se pudiera viajar, vivir el disco de una manera que no sea sólo escucharlo, sino que permita estar inmerso en este mundo”, resume pertinentemente el guitarrista. Precisamente con ese objetivo, el grupo siguió con su sana preocupación por lo extra musical y dejaron el arte del álbum en manos de Jorge Ruiz y Macarena Toro, logrando un resultado excepcional que complementa el sonido con lo visual.

Ya con el trabajo editado, la banda se dispuso a promocionarlo y volver a los escenarios. Aunque no habían tocado en vivo en todo el año, no perdieron vigencia y fijaron conciertos en Concepción, Los Ángeles y Santiago para lanzar el álbum y presentar su nueva propuesta en vivo, que sufrió varios cambios con la intención de replicar de buena forma el sonido en estudio de Aves de Chile. Pero lo más llamativo estaba por venir. A sólo días de la salida del cartel de la edición 2014 de Lollapalooza Chile, la producción a cargo los contactó para sumar a Niño Cohete al line up del evento que se desarrollará los próximos 29 y 30 de marzo en el Parque O’Higgins. “La gestión fue súper de cuando ellos estaban cerrando”, apunta Vidal, a lo que Matías Pereira agrega: “ básicamente, una vez que tuvimos el disco en nuestras manos nos dedicamos a distribuirlo y llevárselo a la mayor cantidad de gente posible dentro del medio. Ahí llegamos a Lotus y les gustó”. ¿Qué significa para ustedes tener la posibilidad de tocar en este festival? Pablo Vidal: Para nosotros es súper importante. Creemos que va a haber mucha gente que nos va a poder escuchar por primera vez. Cristián Dippel: De hecho hay gente que nos ha conocido por haber visto el afiche únicamente. Para la manera en que trabajamos nosotros, haciéndolo todo desde lejos, es súper positivo. Pablo Vidal: También es importante porque valida el trabajo que nosotros venimos haciendo, más aun considerando que lo hacemos todo desde Concepción. Que te llamen a este festival, que es súper centralista dentro de todo, y que aparezcas en el afiche con bandas como Red Hot Chili Peppers, Arcade Fire y New Order, valida un poco la manera en que decidimos trabajar. A nosotros nos pone en la posición de seguir trabajando de esa forma; que es como nosotros pensamos que se puede aportar, no siguiendo el camino regular. Aunque es uno de los puntos más altos en la corta e intensa trayectoria de la banda, este importante concierto es sólo la confirmación del buen trabajo que vienen realizando desde el estreno de su primer single a fines de 2011. Ahora, con un EP, un largaduración y un importante número de seguidores en sus registros, Niño Cohete se alista para seguir el particular camino que ellos mismos se han dedicado a trazar. 2013 fue el despegue, lo mejor está por llegar.


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ALEJANDRO PAZ

MUSE

ZOÉ

EDITS DEL CORAZÓN

LIVE AT THE ROME OLYMPIC STADIUM

PROGRAMATON

El Dj nacional Alejandro Paz, bajo el alero de Discos Pegados, le rinde tributo al mejor disco pop de todos los tiempos: Corazones, de Los Prisioneros. Seis tracks resumen un pedazo de la historia, en clave de loops y samplers, dejando de lado casi toda vocalización y centrándose en los beats que marcaron a una generación por completo. Edits del Corazón realiza un ejercicio en donde todo el amor, desamor y despecho pasan a segundo plano, centrándose en la pista de baile de manera sutil y minimalista. Un EP en donde se cuenta una historia nueva y con un final original.

Pirotecnia, luces, teatro y acrobacias. Lo de Live at the Rome Olympic Stadium es de otro planeta: tiene un concepto y una historia. Muse evoluciona nuevamente, comprendiendo que los shows en vivo son mucho más que música. El concierto registrado el 6 de julio es toda una experiencia, algo que hay que vivir. Con un Matt Bellamy cada día más histriónico y una puesta en escena majestuosa, los ingleses superan con creces su anterior DVD, HAARP (2008). Muse ha tocado el cielo y la pregunta es: “¿ahora qué?”. Seguramente, Bellamy y compañía ya lo saben y están trabajando en ello.

Es difícil desmarcarse de un éxito. Más aún tras el efecto mediático que causó Música de Fondo (acústico elaborado para MTV) en 2011. Frente a este torbellino de emociones, lo mejor era hacer una pausa, tomar aire y luego volver con todo. El descanso le hizo bien a Zoé. Programaton (lanzado a fines de octubre) es un disco fresco, que retoma la simpleza compositiva y los ritmos festivos. De “10 A.M.” hasta “Altamar”, aparece una banda cargada al pop y la electrónica, guiada por el sonido de los sintetizadores. Una reprogramación total, que surge de energías renovadas y sensaciones positivas.

BAYRON RÍOS

PABLO COLLAO

PABLO COLLAO


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(ME LL AMO) SEBASTIÁN

PAUL MCCARTNEY

EL HAMBRE

NEW

DIRECT HITS

Sinceridad, auto-referencia y buenas narraciones. Así es en palabras resumidas el último disco de Sebastián Sotomayor, conocido por su proyecto musical que él denomina como (me llamo) Sebastián.

A estas alturas, Paul McCartney lo ha hecho todo. Paradójicamente, en New, su más reciente publicación, suena más nuevo que antes. La composición es ahora más contemplativa y deliberada, pero aún conserva su naturalidad y energía veinteañera. Sir Paul vuelve para rayar la cancha con uno de los mejores discos del año: un mix de estilos que van desde la enigmática “Save us”, hasta la sesentera “I can beat”, pasando por el blues de “Alligator” y la psicodelia de “Queenie eye”. Un disco que revela por qué Paul McCartney sigue siendo una referencia obligada para el rock actual.

Simplemente, lo mejor de The Killers. Y queda corto. Sí., se extrañan canciones como “Bones” y “The world we live in”, pero aun así, Direct Hits prueba irrefutablemente que el cuarteto es una máquina de éxitos que no descansa. Lanzado al mercado con la excusa de celebrar los 10 años de la banda, el compilado es más bien una forma de voltear la página y seguir adelante. En ese sentido, los temas inéditos (“Shot at the night” y “Just another girl”) son un buen approach: The Killers prepara un cambio y tras una década de esfuerzo, las expectativas son altas.

PABLO COLLAO

PABLO COLLAO

Si quiere escuchar la historia de un joven homosexual inserto en este país, Sebastián es la mejor historia que se puede encontrar en la música de hoy. A punta de tecleos en su piano y una multifacética, sólida y carismática calidad vocal, pasa por momentos tan callejeros (“Laura”, “Con Lugar en el Centro”), como personales (“El Asqueroso”, “Hormonas”), donde destaca el hermoso sencillo, “Niños Rosados”.

THE KILLERS

“El Hambre” es un disco completo, entretenido y emocionante. Si no se enamora de Sebastián, es porque es un insensible.

JORGE RUBIO SOTO

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SOLO DI MEDINA

SIMÓN Y EL DESIERTO

MILEY CYRUS

TOKIO

CABEZAS EN LAS NUBES

BANGERZ

Tardó más de un lustro, pero Tokio llegó oportunamente para confirmar a Solo Di Medina como uno de los personajes más importantes de la música negra local. En su segundo disco, el soulman refuerza lo que venía haciendo desde Hembras de Marte (2007), e innova con nuevos sonidos que aportan mayores matices a su trabajo. Así, a canciones que siguen la senda del R&B que al cantante tanto le acomoda (“Tokio”, “Sanchez Fool”), se le suman aspectos como los ritmos quebrados de “Me Frikea” y el reggae de “Ohanna”. A su paso, Solo Di Medina avanza y madura su propuesta.

Cabezas en las Nubes (2014) es el segundo largaduración del quinteto que, luego de lanzar el bien criado “SyD”, echan vuelo con un disco un poco más maduro, con la cuota justa de cada elemento. Es un disco resentido, sincero y aterrizado, que, con canciones como “Saldrá Despedida” o “Poder Vivir Tranquilo”, se dan el gusto de decirte las cosas en la cara, pero que te permite volar tanto o más con “Allá, allá afuera” y todos esos interludios instrumentales de entremedio.

Si bien Bangerz sigue la línea de artistas como Rihanna y Katy Perry, lo valioso es que ofrece algo más. Lo nuevo de Miley Cyrus no es simplemente pop de discoteca. Hay cruces con el dance, el hip-hop, el dubstep y el country. Miley irradia cierta ingenuidad musical, pero acertó al rodearse con un equipo que resultó gravitante en su sonido: Pharrell Williams, Mike WiLL, y colaboradores como Britney Spears, Big Sean y Ludacris. Más allá de las polémicas, Miley avanza a pasos agigantados. Y quién sabe, tal vez llegue a disputar el trono de “la nueva princesa del pop”.

IGNACIO SILVA

JORGE RUBIO SOTO

Cultivan un sonido mucho más pop que en su aventura anterior, Simón y el Desierto baja las revoluciones a la psicodelia y se atreve un poco más. Se atreve a decir, a experimentar, y es algo que hoy se agradece demasiado.

PABLO COLLAO


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MÚSICA PARA DISFRUTAR POR IGNACIO SILVA

A sólo dos años de su formación, Tourista ya se ha transformado en la banda más interesante de la música independiente de Perú. Por lejos. A diferencia de la mayor parte de sus compañeros de generación, este cuarteto limeño dejó a un lado las influencias folclóricas y -en una maniobra arriesgada- dio forma a un sonido cargado de atmósferas bailables con aires vintage. Déficit de Atención, su EP debut, encierra esa propuesta. Con él, el grupo logra consolidarse como un proyecto de largo aliento y a prueba de estándares internacionales gracias a cinco canciones de un pop lleno de frescura, que engancha desde el primer acorde. Ritmos sincopados, capas de sintetizadores, guitarras (a ratos rítmicas, a ratos punzantes) y atractivas letras inundan la música de una banda que más que buscar sonar igual a alguien, hace música para disfrutar. Además, su preocupación por factores como la imagen y el diseño se hace notar, dándole más sustento a lo llamativo de su propuesta. Con todo esto, los reconocimientos no se han tardado en llegar: en abril pasado telonearon a The Killers en su concierto en Lima, centrando en ellos la atención de una prensa tradicional poco empática con el indie del país vecino. Notas en medios masivos sirven de respaldo a la carrera de un grupo que viene haciendo las cosas bien. El futuro de Tourista da para ilusionarse y, aunque sus enérgicas canciones parezcan extrañas en sus tierras, gozan de un estilo y calidad global. Esto, de hecho, quedó demostrado en los exitosos shows que dieron en noviembre pasado en su primera visita a Chile. Por eso no es arriesgado apostar que en cosa de tiempo estén como un turista recorriendo el mundo. Sólo que ellos tendrán su música como equipaje. Encuéntralos en: facebook.com/mynameistourista www.tourista.pe tourista.bandcamp.com

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siguenos en las redes | El Tit ular |

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LINKOBAN RARA, NO PESADA POR JORGE RUBIO SOTO Si los servicios de música por streaming tienen alguna gracia, es que a veces hace buenas recomendaciones. Y esta vez, como si fuera vecina de Karen Ørsted (MØ), el consejo viene de cerca.

Sus rasgos asiáticos son otra cosa. Ofrece una estética tan particular como extraña. Videos muy distintos unos de otros, combinando cosas muy “niggas”, como en “Like This”, con sonidos electrónicos potentes y casi tenebrosos, como en “Super into on it” u “Ox”. Una versatilidad visual y sonora que la hace sobresalir sobre otras marcas más genéricas, como Iggy Azalea o la misma Nicki Minaj. Linkoban es una de esas rarezas que todavía no son descubiertas. Es una potencial víctima del odio hipster, porque si alguien la descubre y se dedica a masificarla, no será tan difícil poder escuchar su música en discotecas o bares de gustos similares. OX puede ser escuchado de forma gratuita en Deezer. Además, se puede comprar el disco completo en iTunes o servicios de música similares. Pero si alguien descubre como bajar el disco por métodos no convencionales, le haría un favor al mundo. Encuentrala en: facebook.com/linkoban linkoban.tumblr.com

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Linkoban es una rapera proveniente de Copenhaguen, Dinamarca. Con un disco debut bajo el brazo, el que se titula OX (2013), es una de las artistas menos conocidas pero que todos deberían conocer. Su música pasa por distintos ambientes. Desde bases aptas para cualquier “twerkeo”, como es la moda, hasta ambientes un poco más oscuros y que destacan una voz gruesa y distinta a las que ofrecen cantantes del mismo género.


GALERIAS M

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Korn en Chile 28 de octubre, 2013 - Chimkowe Foto: MarĂ­a Paz Arias


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Alex Anwandter - Pulsar 2013 22 de noviembre, 2013 - Centro Cultural Estaci贸n Mapocho Foto: Mar铆a Paz Arias


Dënver - Pulsar 2013 23 de noviembre, 2013 - Centro Cultural Estación Mapocho Foto: Fran Núñez

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Ana Tijoux - Pulsar 2013 23 de noviembre, 2013 - Centro Cultural Estación Mapocho Foto: Fran Núñez


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Pedropiedra - Pulsar 2013 24 de noviembre, 2013 - Centro Cultural Estación Mapocho Foto: Fran Núñez


Tiro de Gracia - MFEST 2014 10 de enero, 2014 - Centro Cultural Matucana 100 Foto: MarĂ­a Paz Arias

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RVSB - MFEST 2014 10 de enero, 2014 - Centro Cultural Matucana 100 Foto: María Paz Arias

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Javiera Mena - MFEST 2014 11 de enero, 2014 - Centro Cultural Matucana 100 Foto: María Paz Arias


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Javiera Mena - MFEST 2014 11 de enero, 2014 - Centro Cultural Matucana 100 Foto: MarĂ­a Paz Arias


ESTA EDICIÓN FUE HECHA ESCUCHANDO ESTOS DISCOS:

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NIÑO COHETE AVES DE CHILE

(ME LLAMO) SEBASTIÁN EL HAMBRE

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M.I.A. MATANGI

EDICIÓN #12 - FEBRERO/MARZO 2014 MELOMANOSMAG.CL

MILEY CYRUS BANGERZ

Melómanos Magazine | Edición #12  

Duodécima edición de Melómanos Magazine presentando a Niño Cohete en portada. Entrevistas a (me llamo) Sebastián, Solo di Medina y María Col...

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