su gran desafío ante ante Buenos Aires, julio 2020 Número 58 - $ 390.www.revistapromusica.com
CALENDARIO INTERNACIONAL / OPERA /DANZA / DISCOS
JULIO 2020/REVISTA PROMUSICA
aviso REVISTA PROMUSICA/JULIO 2020
Buenos Aires, Julio de 2020-Número 58 www.revistapromusica.com revistapromusica.redaccion@gmail.com Director
JORGE MARTINEZ DE LEON
Los aplausos,esa forma de diálogo entre los artistas y los espectadores, han desaparecido por causa de la pandemia. (Página 5)
Secretario de Redacción
PABLO QUIROS
Coordinación editorial
GRACIELA MARIÑO Coordinador de Producción de Fotografía y TV
MARCELO DE FOCATIIS
ESTA EDICION
Diseño y Producción gráfica
MACARENA DOMINGUEZ Diseño WEB
ALEJANDRO VACOTTI Fotos del Teatro Colón
ARNALDO COLOMBAROLI MAXIMO PARPAGNOLI Colaboradores
NESTOR ECHEVARRIA CLAUDIO FERNANDEZ ESTELA MARIÑO MAGDALENA FRASCHINA Corresponsales
DAVID AIKMAN (Nueva York) NICOLE RIVAUD (París) MARGARITA BELAUSTEGUI (Madrid) La revista Promúsica es una publicación independiente, fundada en abril de 1981 por Elisabeth Alterni, Jorge Martínez De León y Juan Vasle. Editada por Promedia Consultores en Comunicación. Sarandí 425 2° “10” (1081) CABA. Registro de la Propiedad Intelectual: en trámite. Impresa en Argentina. Se prohíbe la reproducción total o parcial del contenido de esta revista, tanto en español como en cualquier otro idioma, así como su reproducción por cualquier método electrónico. Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión de la Direc ción.
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PROTAGONISTAS. Programa de colaboración Italia-CABA, un proyecto innovador (Página 4). OBITUARIO (Página. 4). OPERA: El Teatro Real de Madrid anunció con coraje y optimismo la programación de su 24ª temporada (Páginas 6/8). FESTIVALES INTERNACIONALES. La edición 2020 del Rossini Opera Festival contra viento y marea debido a la pandemia de Covid-19 tendrá lugar del 8 al 20 de agosto. (Página 14). El Festival de Salzburgo podría realizarse a pesar de la pandemia de coronavirus (Página 9). OPINION. En un principio los Beatles se erigieron como una de las fuerzas más disruptivas de la contracultura en los sesenta. Pero ¿qué pasó con ellos cuando Paul McCartney descubrió la música clásica? Escribe Federico Martínez Penna. (Páginas 10/13). El rock y la música clásica. Escribe Pablo Quirós. (Página 12). Trompetas en lugar de barbijos: no hay riesgo de contaminación en orquestas según un estudio austriaco. (Página 14). “La Damnation de Faust” en el Met neoyorquino. Escribe Néstor Echevarría (Página 15) EVENTOS. Homenaje al 99° aniversario de Ástor Piazzolla con tres orquestas trascendentales argentinas. (Página 16). “Banda Sinfónica de la Ciudad de Buenos Aires / 110 años”, un libro para conmemorar el Nuevo aniversario de la institución. (Página 18). JULIO 2020/REVISTA PROMUSICA
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protagonistas
Programa de colaboración Italia-CABA, un proyecto innovador Nacida a partir de una reflexión conjunta con el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, la iniciativa Puente cultural Italia-Caba es un proyecto innovador de colaboración cultural (orgánica) enteramente pensado para la modalidad online, para permitir la continuidad del intercambio entre instituciones cultu-rales y artistas de los dos Países. En una época de distanciamiento social que afecta de forma particular al mundo de las artes, sentimos que nuestro objetivo es reinventar modalidades de producción y consumo de la cultura que puedan ser lo más inclusivas posible, tanto para los artistas como
para los diferentes públicos. Hoy se requiere un esfuerzo extraordinario de todos los actores de la escena cultural, una movilización de fuerzas creativas y de energía fuera de lo común para adaptarse a un contexto profundamente modificado, en el que escasean los recursos económicos pero que mantiene viva la necesidad de cultura, de intercambio y de colaboración. El lanzamiento de la iniciativa prevé un programa para trazar un primer mapa de posibles acciones de colaboración entre ciudades italianas y argentinas, que hoy se inicia con un focus sobre la ciudad de Milán, que nos ofrece,
gracias a la generosidad de la Orquesta Verdi de Milán, un maravilloso doble concierto con música de Vivaldi y de Piazzolla, difundido desde la plataforma Cultura en casa de la Ciudad de Buenos Aires. Asimismo, en el marco de este intercambio, en nuestras redes sociales y plataformas serán programados los siguientes eventos culturales puestos a disposición por el Ministerio de Cultura de la Ciudad: “Madre Coraje” de Bertolt Brecht, dirigida por José María Muscari presentada por el Teatro San Martin, y la Final del Mundial de Tango 2019. El proyecto anhela ir más allá de la sola difusión de
contenidos compartidos entre Italia y Argentina, proponiéndose como meta nuevas producciones ideadas conjuntamente para la nueva escena virtual, proyectos a definir e inventar a la espera del deseado retorno a ese intercambio físico de los espacios y de las emociones que genera la cultura en vivo.
La Academia Bach suspende su Ciclo de conciertos
obituario instrumentos. Sus obras honraron la memoria de las víctimas del exterminio nazi en Auschwitz y a las de la guerra en Polonia con Réquiem polaco.
García Vigil
Penderecki
Federico García Vigil
En Montevideo, el 27 de mayo. Compositor, profesor y director orquestal uruguayo. Fue Director Titular de la Orquesta Filarmónica de Montevideo entre 1993 y 2008. Se desempeñó, además, como catedrático de Dirección Musical en la Escuela Universitaria de Música de la Universidad de la República y en la Escuela Municipal de Música de Montevideo. 4
Bacquier
Krzysztof Penderecki
El 29 de marzo, a los 86 años, en Cracovia Galardonado con el premio Príncipe de Asturias de las Artes y cinco premios Grammy. Dirigió orquestas de todo el mundo y su música fue utilizada en películas como ‘El resplandor’ y ‘El exorcista’, lo que le dio popularidad fuera de los círculos de la música clásica. Fue un genio revolucionario innovador por su manera de componer y entender la música y los
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El 13 de mayo. Barítono francés. Cantó en 123 actuaciones del Metropolitan de 1964 a 1982. Sus especialidades incluyeron papeles principales de su repertorio francés nativo, como los cuatro villanos en Les Contes d’Hoffmann de Offenbach y el Sumo Sacerdote en Samson et Dalila de Saint-Saëns, con el que hizo su debut en el Met. Un actor consumado, tenía talento para villanos y papeles cómicos. Un notable Scarpia en Tosca de Puccini en la nueva producción de 1968, también se destacó como Melitone en suspensión La Forza del Destino de Verdi, y como Leporello en Don Giovanni de Mozart, en una transmisión por televisión de 1978.
La Comisión Directiva de la Academia Bach informó la suspensión de su Ciclo 2020 a causa de la pandemia de covid-19. Un núcleo de instituciones y el sostenido estímulo de sus fervorosos asociados, permiten que la Academia Bach, bajo la dirección de su fundador, el Mtro. Mario Videla, desarrolle desde 1983 una labor ininterrumpida. El recorrido por más de un centenar cantatas, la mayoría ejecutadas en primera audición, así como oratorios, motetes y diversas obras vocales e instrumentales de J. S. Bach, sus antecesores y contemporáneos, forman parte de los tradicionales conciertos comentados de la Academia Bach. La participación del público cantando con los músicos ha podido ser apreciada tanto en Argentina como en Chile y Brasil a través de numerosas y exitosas giras.
El verdadero sonido de los aplausos La pandemia desparramada por el mundo nos dejó en primera instancia, sin espectáculos en las salas de opera más importantes. Frente a la imposibilidad de convocar al público a los escenarios más renombrados, los organizadores comenzaron a idear sucedáneos que permitan una supervivencia. Las temporadas clausuradas provocaron una herida mortal a las taquillas, que probablemente se traduzcan en abonos para recibir imágenes y sonido en streaming de las puestas más exitosas. Una pérdida de 80 millones de dólares experimentó la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles y tuvo que despedir temporalmente a una cuarta parte del personal. El gerente general del Metropolitan Opera House de Nueva York, Peter Helb, dijo que renunciaría a su salario de un millón y medio de dólares hasta que se normalice la situación. La Orquesta Filarmónica de Los Ángeles redujo el salario de los miembros de la gerencia en un 35% y el director musical de la orquesta, Gustavo Dudamel, incluso decidió renunciar a toda remuneración hasta el final de la temporada actual. El Walt Disney Concert Hall, la residencia de invierno de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles (LA Phil) anunció su cierre, obligando a la orquesta a suspender su actividad. Entre los tradicionales festivales europeos, el de Salzburgo anunció para agosto una edición limitada, mientras que el Teatro Real de Madrid informó los detalles de una temporada ambiciosa. La crisis inédita también se llevó los aplausos. Suele decirse que valoramos lo que tenemos cuando dejamos de tenerlo.
El aplauso en cualquiera de sus manifestaciones es una medida de la aprobación que merece un artista. Es una forma de diálogo entre ellos y el público. Ese silencio reflexivo que Peter Eötvös obtuvo con la batuta en suspenso al finalizar la ejecución de un concierto, era parte de la música. Mejor dicho, era música. Hoy está mal visto el aplauso entre movimientos de una sinfonía. Pero cuando eso ocurre queda la certeza de que hay espectadores nuevos en la sala. No pocos docentes de escuelas primarias han expresado que tenían entendido que cuando el abanderado con sus escoltas se hacía presente en un acto portando la enseña patria, todos los asistentes debían ponerse de pie y recibirla con aplausos, pero no así cuando se retiraba del lugar una vez finalizado el acto. Curiosamente, no existe reglamentación que imponga tal actitud. El aplauso más largo de la historia lo recibió Plácido Domingo, tras interpretar a Otelo en la Ópera Estatal de Viena el 30 de julio de 1991. Domingo recibió también el aplauso más largo logrado en el Teatro Real, en Madrid: 32 minutos de ovación para su interpretación en ‘Simon Boccanegra’, de Verdi, el 28 de julio de 2010, superando a Luciano Pavarotti, que había logrado una ovación de 67 minutos tras su interpretación de ‘El Elixir de Amor’, la ópera de Donizetti, en la Ópera de Berlín, el 24 de febrero de 1968. El aplauso hoy está también en cuarentena. Y no sabemos como será el ansiado regreso. El silencio de hoy nos hace reconocer y valorar el verdadero sonido de los aplausos. Graciela Mariño JULIO 2020/REVISTA PROMUSICA
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ópera
El Teatro Real de Madrid anunció con coraje y optimismo la programación de su 24ª temporada Siendo que España fue uno de los países que padeció con mayor intensidad la pandemia del covid-19, la ambiciosa programación anunciada por el Teatro Real de Madrid es “un primer paso al frente en la conquista de la normalidad”, según dijo a la prensa el director artístico Joaquin Matabosch. “Nos adaptaremos a las condiciones sanitarias y de seguridad que correspondan”. En su 24ª temporada después de la reinauguración, el Teatro Real presenta una programación, que contempla coproducciones con los más importantes teatros europeos, impulsando la creación actual, defendiendo el patrimonio musical es-
Producciones invitadas • Un ballo in maschera, de Giuseppe Verdi, inaugurará la temporada con una producción procedente del Teatro de la Fenice, en la que el director de escena Gianmaria Aliverta reivindica la ambientación estadounidense ideada por los libretistas de Verdi para sortear la censura. Nicola Luisotti, principal director invitado del Teatro Real, dirigirá dos repartos de grandes voces verdianas, que se alternarán en los papeles protagonistas: Michael Fabiano, Ramón Vargas, Anna Pirozzi, Tatiana Serjan, Artur Rucinski, George Petean, Daniela Barcellona, María José Montiel, Elena Sancho Pereg e Isabella Gaudí. Don Giovanni, de Wolfgang Amadeus Mozart traerá al Real la aclamada puesta en escena de Claus Guth, en la que Don Giovanni, asestado desde el inicio de la ópera por un golpe mortal, rememora, agonizante, los episodios de su vida disoluta en un ambiente tenebroso e inquietante. Ivor Bolton, eximio director mozartiano, estará al frente de dos repartos con Christopher Maltman y Adrian Erod; 6 REVISTA PROMUSICA/JULIO 2020
Brenda Rae, Adela Zaharia y María José Moreno; Mauro Peter y Airam Hernández; Anett Fritsch y Federica Lombardi; Erwin Schrott y Marko Mimica; en los papeles protagonistas. Con Siegfried proseguirá la tetralogía El anillo del nibelungo, de Richard Wagner, con dirección musical de Pablo Heras-Casado y la perturbadora y reivindicativa producción de Robert Carsen y Patrick Kinmonth protagonizada por un selecto reparto wagneriano: Andreas Schager, Andreas Conrad, Tomasz Konieczny, Martin Winkler, Ricarda Merbeth y Ronnita Miller, entre otros. Tosca, de Giacomo Puccini, con Nicola Luisotti en la dirección musical, cerrará la temporada con una producción concebida por Paco Azorín, responsable de la dirección de escena y escenografía del drama pucciniano, que fluye de manera directa y eficaz, dejando espacio a la expresión de los personajes, que serán encarnados por tres repartos de estrellas y que traerán a Madrid a Sondra Radvanovsky, Maria Agresta, Anna Netrebko, Joseph Calleja, Michael Fabiano, Yusif Eyvazof, Jonas Kaufmann, Carlos Álvarez y Luca Salsi.
pañol y ofreciendo grandes títulos del repertorio lírico con algunos de los cantantes más aclamados mundialmente en sus respectivos repertorios. Entre los 15 títulos de la Programación de Opera, que se extiende del siglo XVII a la actualidad, habrá 7 nuevas producciones del Teatro Real (Rusalka, Peter Grimes, Lessons in Love and Violence, Norma, Viva la Mamma! y los 2 estrenos mundiales Marie y Tránsito); 4 producciones invitadas (Un ballo in maschera, Don Giovanni, Siegfried y Tosca); y 4 óperas en versión de concierto: El nacimiento del Rey Sol, Elektra, Don Fernando, el emplazado y Orlando Furioso. Por su proyección internacional, destacan dos nuevas e importantes coproducciones europeas que se estrenarán en el Teatro Real antes de presentarse en los demás teatros coproductores: Rusalka, de Antonin Dvořák (Ivor Bolton/ Christof Loy), coproducida con los teatros de ópera de Dresde, Bolonia, Barcelona y Valencia; y Peter Grimes, de Benjamin Britten (Ivor Bolton/Deborah Warner), coproducción con la Royal Opera House de Londres, Ópera de París y Ópera de Roma. La popular ópera romántica checa Rusalka se presentará por primera vez en el reinaugurado Teatro Real con dirección de escena de Christof Loy, artífice del gran triunfo de Capriccio, de Richard Strauss, la pasada temporada. Con la complicidad de Ivor Bolton, responsable de la dirección musical, Loy volverá a explorar un universo mítico y misterioso teñido de trágicas resonancias y poblado
por ninfas, duendes, príncipes y princesas que entonan bellas melodías y a los que darán vida dos repartos encabezados por Asmik Grigorian y Olesya Golovneva, que estarán acompañadas por Karita Mattila y Alexandra Deshorties; Eric Cutler y David Butt Philip; Katarina Dalayman y Okka von der Damerau, Maxim Kuzmin-Karavaev y Steven Humes. Peter Grimes volverá a reunir a Ivor Bolton (dirección musical), Deborah Warner (dirección escénica) y Michael Levine (escenografía), después del grandísimo éxito obtenido con la premiada producción de Billy Budd, también de Britten, en la que trabajaron juntos. Contarán nuevamente con un reparto coral encabezado por Allan Clayton, Maria Bengtsson y Christopher Purves, en esta obra maestra que habla del poder destructivo de una sociedad hipócrita e inclemente. Peter Grimes volverá al Teatro Real después de 23 años, ahora con la participación de su Coro y Orquesta Titulares, ya que en 1997 la ópera fue presentada con los cuerpos estables del Teatro de La Monnaie. Otra importante coproducción internacional, Lessons in Love and Violence, de George Benjamin ─encargo conjunto y coproducción del Teatro Real con las Óperas de Londres, Ámsterdam, Hamburgo, Lyon, Chicago y Barcelona─ culminará la presentación en Madrid de las óperas de este genial compositor, después del enorme éxito de Written on Skin (2016) e Into the Little Hill (2019). La ópera, creada como las anteriores en sociedad con el dramaturgo Martin Crimp, parte del drama isabelino Edward II, de Christopher Marlowe, para adentrarse en el sórdido y tortuoso camino de ascenso al poder como una perversa espiral de la que nadie se salva, reflejada con agudeza en la
Ópera en versión de concierto
En el marco de la defensa del patrimonio musical español se rescatará del olvido una ópera romántica que triunfó en el Teatro Real en el siglo XIX, Don Fernando, el emplazado, de Valentín de Zubiaurre con revisión del gran experto verdiano Francesco Izzo y la colaboración del ICCMU, Instituto Complutense de Ciencias Musicales. José Miguel Pérez Sierra será el encargado de dirigir la partitura al frente de un reparto en el que destacan José Bros, Miren Urbieta Vega, Damián del Castillo, Fernando Radó y Cristina Faus, entre otros. La ópera barroca estará representada por dos propuestas muy diversas, ambas en versión de concierto y con cantantes y orquestas especializadas en ese repertorio. El nacimiento del Rey Sol (Le Ballet Royal de la Nuit), deliciosa ‘miscelánea’ de ópera y danza del siglo XVII concebida por varios compositores, será recreada por el Ensemble Correspondances dirigido por el clavecinista Sébastien Daucé. Orlando Furioso, de Antonio Vivaldi, será interpretada por la versátil agrupación griega Armonia Atenea, con la impronta de su multifacético y premiado director George Petrou, reconocido experto en el universo barroco. Finalmente, se ofrecerá una única función de Elektra, de Richard Strauss, con la Philharmonia Orchestra, junto a un impactante trío femenino (Irene Theorin, Lise Davidsen y Anna Larsson) bajo las órdenes del célebre director finlandés Esa-Pekka Salonen. puesta en escena de Katie Mitchell, muy elogiada por la crítica internacional en su estreno en la Royal Opera House de Londres hace dos años. Josep Pons, director musical del Gran Teatre del Liceu de Barcelona, dirigirá la ópera en ambos teatros. Entre los solistas destacan Stéphane Degout, Gyula Orendt y Georgia Jarman. Dos estrenos mundiales de compositores españoles de distintas generaciones reafirman el compromiso del Teatro Real con la creación actual. Marie, de Germán Alonso, con libreto y dramaturgia de Lola Blasco, indaga sobre la lucha de una mujer por su libertad sexual partiendo del personaje de Woyzeck de Georg Büchner, presente en la ópera de Alban Berg. Se presentará en el Teatro de la Abadía, con puesta en escena de Rafael Villalobos y la participación de los cantantes Xavier Sabata, Jordi Domènech, Nicole Beller Carbone y Valentina Coladonato, que actuarán
con el Ensemble Proyecto Ocnos bajo la dirección del compositor. Tránsito, con música y libreto de Jesús Torres, es una incursión al universo de los exilados republicanos españoles después de la segunda guerra mundial, en un tiempo de dudas y decepciones evocadas en el desgarrador drama homónimo de Max Aub. La ópera se estrenará en Naves Matadero, con Lydia Vi-
Joaquin Matabosch
nyes-Curtis, Isaac Galán, María Miró, Javier Franco y José Manuel Sánchez; dirección de escena de Eduardo Vasco y dirección musical de Jordi Francés, al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real. El Teatro Real estrenará una nueva producción de Norma, de Vincenzo Bellini, con dirección musical de Maurizio Benini y dos repartos de grandes voces en el que se alternarán en el rol titular Yolanda Auyanet y Hibla Gerzmava, secundadas por Clémentine Margaine y Annalisa Stroppa; Michael Spyres y John Osborn; y Roberto Tagliavini y Fernando Radó, en los papeles principales. La dirección de escena será de Justin Way, quien, junto con el reputado escenógrafo Charles Edwards, ha concebido un montaje minimalista y de fuerte poder simbólico preparado para una fácil itinerancia. El Real pasará así a contar con una producción propia de esta ópera icónica del belcantismo romántico, con flexibilidad para ser adaptada a diferentes espacios, como el del Festival de Ljubljana, donde subirá a escena cinco meses después de su estreno en Madrid, en una gira del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real. Viva la Mamma!, nueva producción del Teatro Real en coproducción con las Óperas de Lyon y Ginebra, es el nombre acuñado por el director de cine Helmut Käutner al dramma giocoso de Gaetano Donizetti Le Convenienze ed Inconvenienze Teatrali, que se estrenará en Madrid con una puesta en escena hilarante e ingeniosa firmada por Laurent Pelly y aclamada por público y crítica desde su estreno. En su satírico enredo, que desvela la trastienda de un ensayo de ópera donde desfila una galería de personajes caricaturescos, destaca el de la histriónica Mamma Agata, madre de la seconda-donna, cuyo
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disparatado papel Donizetti adjudicó a un barítono y que será interpretado en el Real por Carlos Álvarez y Luis Cansino, al frente de ambos repartos. Le acompañarán Sabina Puértolas, Borja Quiza, Gabriel Bermúdez, Sylvia Schwartz, Xabier Anduaga, Carol García y Enric Martínez-Castignani, bajo la dirección musical de Evelino Pidò. La PROGRAMACIÓN DE DANZA traerá al Teatro Real 3 compañías que representan a diferentes universos coreográficos y estilísticos. El Ballet de Múnich interpretará Giselle, en la versión de Peter Wright revisada por su actual director, Igor Zelensky. La Compañía Nacional de Danza presentará tres obras: Apollo, de George Balanchine; Concerto DSCH, de Alexei Ratmanski; y White Darkness, de Nacho Duato. Y el Real Ballet de Flandes ofrecerá el estreno absoluto de una nueva versión de la obra In memoriam, concebida por su director, Sidi Larbi Cherkaoui. • El ciclo VOCES DEL REAL tendrá 5 conciertos: el primero será protagonizado por la versátil artista estadounidense Audra McDonald, siguiéndole cuatro magníficos cantantes que forman parte de la ‘gran familia’ del Teatro Real: Philippe Jaroussky, Joyce DiDonato, Javier Camarena y Piotr Beczala. Completan la programación musical el ciclo de 7 conciertos los DOMINGOS DE CÁMARA protagonizados por solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real; el Concierto de la Fundación Amigos del Teatro Real en conmemoración del 250º aniversario de Ludwig van Beethoven, en el que la Mahler Chamber Orchestra y el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana, bajo la dirección de Gustavo Dudamel, interpretarán la arrebatadora 9ª Sinfonía; y
“Un primer paso al frente en la conquista de la normalidad”. el Concierto del Concurso tenor Viñas, protagonizado por los ganadores de su 58ª edición, junto a la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Álvaro Albiach. • ÓPERA EN CINE, con una programación articulada con las producciones de la temporada, ofrecerá en la sala principal 4 óperas grabadas en su escenario: Faust, de Charles Gounod (Dan Ettinger/Àlex Ollé); Il travatore, de Giuseppe Verdi (Maurizio Benini/ Francesco Negrín); y las premiadas producciones de Benjamin Britten Billy Budd (Ivor Bolton/Deborah Warner) y Gloriana (Ivor Bolton/David McVicar). • Conforman la programación infantil y juvenil de EL REAL JUNIOR 8 espectáculos de distintos formatos ─música, danza, cine, títeres, marionetas, teatro de sombras, cuentos musicales, etc.─ concebidos para diferentes edades, de los cuales 3 son producciones propias y 5 nuevas producciones que se verán por primera vez en el Teatro Real y un total de 83 funciones destinadas al público familiar y a centros escolares. • La temporada de EL REAL JUNIOR arranca con la Gala ¡Todos a la Gayarre!, esta vez en la Sala principal, que evocará los momentos estelares de los 70 talleres infantiles realizados durante 9 años con este exitoso ciclo concebido por Fernando Palacios, que ofrecerá otras nuevas 18 funciones familiares en la acogedora Sala Gayarre, íntimamente relacionadas, como siempre, con las óperas programadas. Le seguirán una inspirada versión de la Historia de un soldado, de Igor Stravinsky, con coreografía y dramaturgia de Ferran Carvajal e interpretación de
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los solistas de la JORCAM; el mágico espectáculo de títeres y circo Totolín-Entredós, creación de la compañía Etcétera Teatro; la celebrada versión cinematográfica (premiada con un Oscar en 2011 a la mejor película de animación) de Pedro y el Lobo, de Serguéi Prokofiev, con interpretación de la Orquesta Titular del Teatro Real dirigida por Luis Miguel Méndez; los Cuentos al calor del hogar, creación para marionetas y teatro de sombras sobre cuentos de los hermanos Grimm concebida por la compañía Karromato de Praga; el concierto Al piano… ¡Johann Sebastian Jazz! con un diálogo a dos pianos entre Alexis Delgado e Iñaki Salvador en la Sala de orquesta; la poética propuesta Una sonrisa sin gato (suite) inspirada en Alicia en el país de las maravillas de Lewis Caroll, con música del compositor José Luis Greco e interpretación de los solistas de la JORCAM; y, finalmente, el divertido Festival Real Junior para celebrar por todo lo alto el inicio de las vacaciones de verano, con la complicidad del Coro y Orquesta de la JORCAM y de invitados sorpresa, bajo la dirección de Rubén Gimeno. • El PROGRAMA DE FORMACIÓN se incrementa y diversifica notablemente en la próxima temporada, y abordará tanto formación presencial como online. En el apartado de La Ópera al Descubierto, que desvela el proceso de montaje de una producción operística desde dentro, se han organizado 6 talleres: Un ballo in maschera, Siegfried, Peter Grimes, Lessons in Love and Violence, Viva la Mamma! y Tosca. Asimismo, también en estrecha relación con la
temporada, se ofrecerán 4 cursos monográficos: Comprender a… Mozart, Benjamin Britten, George Benjamin y el teatro musical norteamericano. • Para aquellos que quieran iniciarse o ampliar su cultura operística, el Teatro Real ofrece 4 cursos de conocimientos sobre la ópera, 1 sobre Historia de las voces y 3 alrededor de Conceptos fundamentales: Desde el inicio hasta el siglo XIX, La ópera romántica y La ópera contemporánea; y también 3 cursos interdisciplinares: El papel de las mujeres en la historia de la ópera, Didáctica de las artes escénicas y Música e inteligencia emocional. • Proseguirán los cursos para estudiantes de educación superior dentro del programa La Universidad a Escena y se han diseñado 3 cursos de formación en artes escénicas y gestión empresarial desde la cultura: Ópera y liderazgo: el arte de trabajar con equipos de alto rendimiento, Fotografía de escena y Regiduría y protocolo. • Además de estas propuestas formativas, el Teatro Real ha creado EL REAL JOVEN, programa de dinamización cultural y fidelización del público joven con edades comprendidas entre los 18 y los 35 años, que contará con espacios exclusivos, canales de venta preferente y eventos diseñados para este colectivo en colaboración con un comité propio compuesto por representantes de distintos ámbitos de la sociedad civil. • Paralelamente a estos programas, el Real ha ideado, como en las temporadas precedentes, una riquísima programación de ACTIVIDADES PARALELAS a cada producción operística, con la colaboración de prestigiosas instituciones culturales como Biblioteca Regional de Madrid, British Council, Centro Checo de Cultura, Círculo de Bellas Artes, Fundación SGAE, Instituto Internacional, Insti-
El Festival de Salzburgo podría tener lugar a pesar de la pandemia del coronavirus
Todo se canceló al llegar la pandemia de coronavirus. Solo el Festival de Salzburgo dudó en tomar una decisión. Eso ahora parece haber valido la pena, y podría haber un festival en Salzburgo este año, si el programa de aniversario también se pospone. El Festival de Salzburgo podría tener lugar a pesar de la pandemia del coronavirus. La dirección del Festival escribió en un comunicado de prensa: “El Festival modificado parece posible”. La administración del festival está respondiendo al anuncio del gobierno federal austriaco el viernes 15 de mayo de 2020, de que los eventos en agosto podrían ser posibles para hasta 1,000 espectadores. Aunque las condiciones exactas aun no son claras, según el anuncio, “después de largas semanas sin experiencias en vivo, los artistas puedan invitar nuevamente a la audiencia a compartir experiencias artísticas”. Lo que será exactamente posible solo puede decidirse después de que se hayan emitido las regulaciones específicas. En particular, era necesario aclarar las condiciones bajo las cuales los ensayos escénicos y las actuaciones de orquestas y coros serían posibles. El extenso programa planeado para el centésimo aniversario se pospondrá hasta 2021, dijo el jefe de estado Wilfried Haslauer a la agencia de prensa alemana DPA. Pero es seguro
que habrá actuaciones de “todos” nuevamente este año. “Todos son parte deSalzburgo”, dijo Hauslauer. El programa modificado se presentará a la Junta de Síndicos del Festival el 25 de mayo y luego se presentará
Los eventos en agosto podrían ser posibles para hasta 1,000 espectadores.
al público en junio. A diferencia del Festival de Bayreuth, el Festival de Salzburgo nunca había sido cancelado. A los ojos de la dirección del Festival, esta era la estrategia correcta. El festival ahora está “de buen humor.
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En un principio los Beatles se erigieron como una de las fu Pero ¿qué pasó con ellos cuando Paul M
Hacete a un la pero no m
Por Federico Martínez Penna*
Si fuera capaz de imaginar y visitar un paraíso fantástico, en una dimensión extraordinaria, donde pudiera existir una virtual relación íntima entre los Beatles y Ludwig van Beethoven, seguramente ingresaría con el pie izquierdo. La sola idea de pensar en cuatro jóvenes ansiosos de la clase trabajadora de una ciudad portuaria, sentados a la mesa junto a uno de los compositores más celebrados es inaudita. No en términos personales, siendo que se podría unir varios puntos de las historias de disfuncionalidad familiar entre Beethoven y Lennon. Pero está claro que en algún momento de la cena imaginaria, sonaría alguna bravuconada en inglés cockney y muy anti establishment del tipo, “los del palco pueden sacudir sus joyas”, que destruya por completo el ambiente de paz. Aunque de ahí a que la humorada llegase con claridad a los frágiles oídos de Beethoven, hay otro camino. En la actualidad la música académica lleva una extraña relación con el rock. Hay por un lado sucesos brillantes que se salen de la norma, pero muchas veces el resultado es un negocio transaccional; en favor de la validación intelectual con la que varios rockeros sienten que una orquesta de cámara (o un teatro centenario) pueda revestir a sus obras. Pero en un principio todo era distinto, y rara vez estaba permitido cruzar de vereda: “El rock era real, todo lo demás era irreal”, dijo John Lennon alguna vez. “Fue lo único que me llegó al alma, y no había pensado en la música como modo de vida hasta que me topé con el rock”. 10 REVISTA PROMUSICA/JULIO 2020
Ilustración: Furqui
Ese rock con nombre propio era el que encallaba en las costas inglesas a través de las radios y el intercambio marítimo con Estados Unidos: Elvis Presley, Carl Perkins, Eddie Cochran, Buddy Holly, Little Richard y, por supuesto, Chuck Berry. Aunque este último sería el improbable eslabón perdido capaz de juntar a los Beatles y a Beethoven en una misma sala y con una canción. “Roll over Beethoven” es lo que se va a escuchar de nuevo hoy. “Yo quería tocar blues”, le comentó
Berry en una oportunidad a la revista Rolling Stone sobre su relación con la música de raíz y su propio contexto íntimo. “Pero no era lo suficientemente blusero. En mi casa había bastante comida”. El músico había imaginado la canción como un reclamo hacia su hermana Lucy, que se pasaba todo el día tocando música clásica en el piano familiar. Pero en un acto de astucia y modernidad terminó desviando la queja hacia los presentadores de radio y disc jockeys, introduciendo al mismo tiempo ese meta texto como recurso novedoso para una canción pop. Era a ellos a
uerzas más disruptivas de la contracultura en los sesenta. McCartney descubrió la música clásica?
ado, Ludwig... muy lejos
mucho en hacer efecto. Siete años más tarde, del otro lado del atlántico, los cuatro expatriados de Liverpool en Londres encontraban a “Roll Over Beethoven” como una forma de encapsular la voz de una nueva rebeldía. “Chuck Berry es uno de los grandes poetas de todos los tiempos, un poeta del rock. Se adelantó mucho a su época. Todos le debemos mucho, inclusive Dylan”, dijo John Lennon sobre el padrino del género. “De buscar otro nombre al rock & roll, debería llamarse Chuck Berry”.
quienes les pedía que pongan un disco con ritmo rockero: “Pasémosle por encima a Beethoven, quiero escuchar mi música de nuevo”. El single se editó en mayo de 1956, e insólitamente de este lado del ecuador se tradujo como “Roll sobre Beethoven”, licuando el fuerte significado original: un estallido de principios de juventud que parecía decir, “Llegamos. Empieza nuestra era. Únanse a nosotros o sufran las consecuencias”. El mensaje profundiza su bravura si consideramos que su autor era negro, y que por
entonces ascendía popularmente en tiempos todavía cáusticos de la segregación racial americana. Quizás por eso hasta suena curioso que, de todos los compositores de época, Berry haya apuntado direccionalmente contra Beethoven, cuyo origen étnico sigue hoy siendo sujeto de las más disparatadas conjeturas, que se elaboran usualmente a partir del entretejido de la polirritmia africana en algunas de sus composiciones. “Pasémosle por encima a Beethoven, y que Tchaikovsky se entere también”. El eco del fervor jubiloso no tardaría
Sin embargo, la historia de cómo los Beatles terminaron por grabar “Roll Over Beethoven” en julio de 1963 no tiene grandes ribetes anecdóticos. En cambio, lo que sí adquirió con el tiempo fue una simbología de contradicción a la luz de la madurez creativa de sus intérpretes. Si en un principio buscaron con aquel himno rabioso hacer a un costado todo rastro de orden tradicional, fue justamente la música académica la que funcionaría en un futuro como vector imprescindible de algunas de sus más recordadas piezas. George Martin resultó el actor fundamental en aquel libreto. Tal como lo describe el crítico Stephen Thomas Erlewine, “la relación entre el productor y los Beatles fue tan ideal que parece escrita en las estrellas”. La especialidad de Martin era potenciar las cualidades del artista más que dictar su propio estilo sobre ellos; algo que en la actualidad parece una obviedad pero para entonces se trataba de un acto innovador. Y por encima de aquella metodología, el productor sabía cómo decodificar el lenguaje
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clásico en un contexto popular. Su formación en el piano y el oboe le abrió las puertas a una prominente carrera de producción orquestal para EMI durante los años cincuenta, que más tarde abandonaría en favor de trabajar con grupos modernos. A su vez, en los estudios que el sello tenía en Abbey Road (y que en no mucho tiempo se transformarían en el bunker Beatle por excelencia), solían grabarse hasta dos óperas en simultáneo. Por ese motivo, las instalaciones eran también privilegiadas para los proyectos que la Orquesta Sinfónica de Londres hacía por encargo, en los que sus técnicos -al estar en la misma nómina corporativa- terminarían por asistir a los Beatles. Uno de ellos, el histórico ingeniero beatle Geoff Emerick, grabó durante principio de los sesenta la ópera Cosi fan tutte con Elisabeth Schwarzkopf y El barbero de Sevilla con Victoria de los Ángeles, además de participar en sesiones dirigidas por directores del calibre de Sir John Barbirolli y Otto Klemperer. Sobre el último mencionado, Emerick presenció más de una vez sus tan características explosiones de temperamento, como fulminar con miradas venenosas y gritos a músicos que no se volcaban
“Chuck Berry es uno de los grandes poetas de todos los tiempos, un poeta del rock”.
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completamente a la performance exigida. Puede decirse entonces que tal vez por ósmosis, el maridaje Beatle-clásico era algo que eventualmente tenía destino de ser. Primero fue la aparición de un adusto cuarteto de cuerdas en “Yesterday”, para Help! de 1965. Paul McCartney se despertó una mañana con la melodía en su cabeza, y al presentar la idea en el estudio al resto de sus compañeros desde una solitaria guitarra acústica, tanto John como Ringo y George no vieron forma de integrarse. “Tocala solo”, dijeron a coro. “No podemos aportarle nada”, a lo que George Martin sugirió componer un arreglo para cuerdas. McCartney aceptó, no sin algo de renuencia: “No quiero nada en el estilo de Mantovani”. Tímidamente los Beatles crecían en ambición, ayudados en gran parte por la el espacio de tiempo y logística recuperado de las giras que en breves dejarían atrás. Rubber Soul, también de 1965, definía el sonido de la época: imaginaba al mismo tiempo las inflexiones de The Byrds, como de Bob Dylan y la escena del folk de
Greenwich Village y, en simultáneo marcaba el compás creativo de contemporáneos como Brian Wilson y los Beach Boys. Pero el sexto álbum de los de Liverpool también reveló nuevas inquietudes. No es solo el sitar de George Harrison en “Norwegian Wood” la muestra más clara de la capacidad de los fab four en incorporar lenguajes novedosos a la música pop. Es en la coda de “In my life” donde la audacia es conducida por un instrumento con timbre de clave, que era en realidad un piano tocado por George Martin y que, con el recurso de acelerar la cinta, evocaba los timbres altos de las interpretaciones de Glenn Gould sobre las icónicas Variaciones Goldberg de Bach. Claro que no sería la primera vez que Bach se integraría al léxico beatle. Para “Penny Lane”, Paul crearía el solo de la trompeta piccolo a partir del concierto brandenburgués N° 2 que habría visto en televisión, y que tendrían al mismo David Mason ejecutando la partitura. Cómo se habrán dado los hechos que un impresionado Martin empujó en más de una ocasión y sin mucho éxito a McCartney a escribir su propia sinfonía para una orquesta a gran escala. Aunque el asunto se revertiría en 1991 con su Liverpool Oratorio, realizado junto al compositor Carl Davis que, tanto por la tenue recepción de la crítica y por la salud narrativa de este análisis, mejor dejarlo donde está. Unas cuantas décadas antes, Revolver haría que las evocaciones clasicistas se vuelvan más explícitas: un clavicordio en el que Paul tocó “For No One”,
que decora en su segunda estrofa con el solo de trompa de Alan Civil, la experimentación dodecafónica del mercurial “Tomorrow Never Knows” y, por supuesto, “Eleanor Rigby”. Hasta entonces los Beatles no habían hecho una canción enteramente orquestal, y menos aún lanzada como single. Fue gracias a Las cuatro estaciones, de Vivaldi, que Paul escuchó por su novia de entonces, Jane Asher, lo que funcionaría como catalizador principal en el armado del primer single de Revolver. A través de una composición en fuga dirigida por George Martin, el mismo cuarteto que había tocado en “Yesterday” fue nuevamente contratado junto con otras cuerdas. Aunque este se trató de un desafío nuevo, de alternancias entre la exposición y el contrapunto del estribillo, con una armonía perfectamente sincronizada entre McCartney, Lennon y Harrison. Mirar a toda la gente solitaria resuena con un eco todavía más heroico si se tiene en cuenta que Paul nunca había podido leer o escribir partituras. Así como un productor alcanza la comprensión del uso de un estudio de grabación como instrumento, los Beatles entendieron los arreglos orquestales de la misma manera. Para entonces McCartney ya había desarmado la trama avant-garde de Karlheinz Stockhausen y John Cage -el primero notablemente homenajeado en la tapa de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, de 1967- y sus ideas serían centrales para los quiebres más dramáticos de “A day in the life”. Alrededor de la creación de Pepper fue que
McCartney presenció varias lecturas del compositor y director italiano Luciano Berio, con quién coincidió en su amor por Stockhausen. Sus caminos creativos se cruzarían inclusive en 1968: Berio estrenaba su obra Sinfonia, el mismo año que los Beatles lanzaban el álbum blanco. La sincronía entre ambos fue tan particular que basta darle play a la primera para dar cuenta de la sorprendente similitud con “Revolution 9”, aquel collage experimental dirigido por Lennon, Yoko Ono y George Harrison que deforma porciones de algunos trabajos de Schumann, Sibelius y, quién otro si no, Beethoven. Aquella fuente de ideas se expandiría en paralelo a la bifurcación de las rutas personales de los cuatro Beatles, quienes en plena turbulencia decidieron simplificar sus esfuerzos en Let it Be y Abbey Road. Aunque no todos captaron el mensaje: el productor Phil Spector, aplicando sus orquestaciones barrocas en el que sería el último disco, terminaría por estallar los últimos fusibles de un ofuscado McCartney que expuso aquel hito como uno de los puntos claves de su dimisión al cuarteto en 1970. “No lo hagas nunca más”, le dijo Sir Paul a Allen Klein, su manager de entonces, en referencia a aquellos arreglos que Spector agregó sin autorización. Y quién sabe, quizás hasta le agregó en voz baja, “No tengo nada para perder. Pasale por encima a Beethoven, y que Tchaikovsky se entere también”. * Periodista colaborador de la
revista Rolling Stone y Billboard. JULIO 2020/REVISTA PROMUSICA 13
Contra viento y marea EL ROF 2020 ESTÁ SUCEDIENDO La cambiale di matrimonio en el Teatro Rossini, seis recitales y Il viaggio a Reims en la plaza del Popolo
Trompetas en lugar de barbijos Coronavirus: no hay riesgo de contaminación en orquestas según un estudio austriaco Los músicos no se transmiten el coronavirus entre ellos cuando tocan su instrumento, según un estudio de la prestigiosa Orquesta Filarmónica de Viena, que asegura que no es necesario adaptar su práctica en la sala de conciertos. Los músicos de la Filarmónica de Viena tocaban como conejillos de Indias. Bajo supervisión médica, los músicos de la orquesta vienesa (reconocidos en particular por su concierto de Año Nuevo) se sometieron a una prueba, certificada por un notario. Los resultados del Dr. Fritz Sterz, publicado el lunes por la Filarmónica de Wiener, muestran que “no debe esperarse que el aire exhalado por un artista exceda una distancia de 80 centímetros”. 14 REVISTA PROMUSICA/JULIO 2020
La edición 2020 del Rossini Opera Festival contra viento y marea debido a la pandemia de Covid-19 tendrá lugar del 8 al 20 de agosto. El programa de la 41ª edición se ha reajustado para proteger tanto los artistas como el público. En los próximos días se notificará tanto la nueva fecha de reserva como toda la información sobre reservas y venta de entradas La ópera será dirigida por Dmitry Korchak en su debut como director de la orquesta sinfónica G.Rossini y el elenco contará con Carlo Lepore (Tobia Mill), Dilyara Idrisova (Fanny), Davide Giusti (Edoardo Milfort), Iurii Samoilov (Mirador), Alexander Utkin (Norton) y Martiniana Antonie (Clarina). Escenificado por Lawrence Dale, decorados y disfraces de Gary McCann. Será coproducido con el Royal Opera House, donde se montará en enero de 2021. La ópera se combinará con la Cantata Giovanna d’Arco cantada por Marianna Pizzolato La última presentación se transmitirá de forma gratuita en el sitio web del Rossini Opera Festival para aquellas personas que no tendrán la oportunidad de estar en Pesaro “así manteniendo su estrecho vínculo con nuestro Festival. La última actuación también se proyectará en la Piazza del Popolo como lo hacemos tradicionalmente todos los años”. La plaza en los últimos 41 años se ha convertido en una multitudinaria reunión para la
ciudadanía y como recibió muchos recitales ilustres (Marilyn Horne, Montserrat Caballé, June Anderson, Luciano Pavarotti). Este año, una vez más se convertirá en un lugar para actuaciones en vivo de anfitrión de la famosa producción de Emilio Sagi de Il viaggio a Reims en el contexto de la Academia Rossiniana “Alberto Zedda” para dos actuaciones los días 12 y 15 de agosto, con ex alumnos del pasado ediciones que ahora se lanzan en carreras internacionales. La Orquesta Sinfonica G.Rossini será dirigida por Giancarlo Rizzi. La Piazza también albergará seis recitales con orquesta con algunos de los cantantes rossinianos más aclamados de nuestro tiempo: Olga Peretyatko (9 de agosto), Nicola Alaimo (10 de agosto), Jessica Pratt (14 de agosto), Juan Diego Flórez (16 de agosto), el trío de “buffo” baja a Alfonso Antoniozzi, Paolo Bordogna y Alessandro Corbelli (18 de agosto), Karine Deshayes (19 de agosto). La orquesta Filarmonica G.Rossini será dirigido por jóvenes talentos como Michele Spotti, Nikolas Naegele y Alessandro Bonato. “Nunca nos hemos rendido”, dice Daniele Vimini, el presidente de la ROF “Y en estas últimas semanas hemos trabajado duro para tratar de explorar varios opciones y escenarios. El intendente Palacio ha hecho un trabajo extraordinario y la edición de este año que tendrá lugar exclusivamente en el centro de la ciudad será muy fascinante.
Municipal de Santiago reorganiza su temporada 2020 en medio de la pandemia
Durante este año y tan pronto las autoridades permitan el funcionamiento de los centros culturales, el Teatro chileno retomará su actividad con presentaciones vía streaming especialmente creadas para la plataforma Municipal Delivery y la eventual presentación de espectáculos en pequeño formato con aforos limitados. Las grandes obras programadas -ópera, ballet y conciertos programados para este añose trasladarán para las temporadas 2021 y 2022. Considerando el contexto de incertidumbre actual, donde aún no hay claridad respecto del momento en que se autorizarán espectáculos masivos; la necesidad de certezas que requiere la programación artística por motivos técnicos y contractuales; y la imposibilidad de que grandes espectáculos se realicen con la distancia social recomendada, el directorio del Teatro Municipal, presidido por el alcalde Felipe Alessandri, decidió reorganizar la Temporada 2020. Tras analizar diversos escenarios durante semanas, la mesa directiva acordó que, tan pronto las autoridades lo permitan, el Teatro retomará su actividad con presentaciones de sus cuerpos artísticos vía streaming, especialmente creadas para la plataforma Municipal Delivery, y la eventual realización de espectáculos en pequeño formato con aforos limitados. Las grandes obras -ópera, ballet y conciertos programados para este año- se trasladarán para las temporadas 2021 y 2022. “Estamos en un momento excepcional, producto de una pandemia que aún no tiene fecha de término. Y es por eso, porque debemos actuar con responsabilidad ante nuestro público, artistas y trabajadores y resguardar la salud de todos ellos, que hemos decidido ajustar nuestra temporada, trasladando los espectáculos de mayor formato que se realizan en la sala principal, a 20212022. No ha sido una determinación fácil, pero es lo que debemos hacer”.
La admirable mezzosoprano letona Elīna Garanča
“La Damnation de Faust” en el Met neoyorquino La intensa actividad lírica del Metropolitan Opera House neoyorquino se trasunta en una tipología que incluye más de doscientas funciones en su temporada, dedicando un cierto número de títulos (en este caso, cinco) a las “new productions”, y ampliada con veinte títulos más del repertorio proveniente de su acervo. Hablamos entonces de veinticinco títulos líricos en la temporada. En este contexto, la reposición de “La damnation de Faust” (La condenación de Fausto), leyenda dramática como la concibió su autor Héctor Berlioz, que tuvimos la dicha de apreciar en su trigésima performance en la estadística del teatro, en una de las clásicas matinée de los sábados, y resultó sin ninguna duda una experiencia musical realmente memorable. La versión se dio en forma de concierto suprimiendo del cartel la realización visual del afamado “régisseur” Robert Lepage, anunciada al principio de la temporada. Y a fe que valió la pena que fuese así, con el coro espléndido en voces y registros en el escenario (también cabe esto para el de niños, que interviene al final de la obra) y los cantantes luciéndose en el momento indicado en partitura, porque se logró una calidad absoluta en esta obra basada en el famoso Fausto de Goethe que el propio compositor francés dirigió en Paris en la OpéraComique en 1846 , concebida para
concierto. Condujo con excelencia el director inglés Edward Gardner (45), oriundo de Gloucester, de ascendente carrera, al frente de una orquesta del Met de notable respuesta en toda la partitura, y con la presencia de dos solistas que personificaron a Margarita y Mefistófeles punto menos que ideales. Fueron ellos la admirable mezzosoprano letona Elīna Garanča, nacida en 1976 en Riga, que nos entregó en el Colón un memorable recital el año pasado, y que compuso un personaje ideal, tanto en la balada del rey de Thule como en la comprometida y bellísima “D’amour, l’ardente flamme” que mantuvo en vilo al público de aplaudir para no interrumpir la partitura. Soberbia versión vocal, con sus filados, su emisión y la expresividad de su canto. También fue brillante el bajo ruso Ildar Abdrazakopv (43) en plenitud de su registro vocal, potente y bien timbrado, y su expresiva versión del personaje de Mefistófeles. Sus arias y escenas con Fausto fueron también una nota de calidad, en tanto el tenor de Missouri, Michael Spyres (39) supo vencer obstáculos y demostrar que todavía puede superarse en una composición en que fue vocalmente solvente. Un espectáculo entonces digno de convertirse en un noble homenaje al compositor en el sesquicentenario de su muerte.
Néstor Echevarría
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conciertos
Homenaje al 99° aniversario de Ástor Piazzolla con tres orquestas trascendentales argentinas Músicos representantes de tres de las orquestas más importantes del país (la Sinfónica Nacional, la Orquesta Nacional de Música Argentina “Juan de Dios Filiberto” y la Filarmónica de Buenos Aires), interpretan juntos “Fuga y Misterio” de Ástor Piazzolla, en el 99° aniversario del nacimiento de este trascendental músico y compositor argentino. Gustavo Mulé (violín) y Myriam Santucci (cello) de la Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina, Eliz-
abeth Ridolfi (solista de viola de la Orquesta Nacional de Música Argentina “Juan de Dios Filiberto”) y la ex concertina de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, Haydeé Seibert (violín), son los intérpretes de la pieza. Desde el Ministerio de Cultura de la Nación, a través de la Secretaría de Gestión cultural y la Dirección Nacional de Organismos Estables, también se comparte la obra “El Puente”, pieza artística que conjuga música y artes
Acerca de la Orquesta Sinfónica Nacional
Fue creada en 1948 como Orquesta Sinfónica del Estado con el objetivo de promocionar a directores, compositores y ejecutantes argentinos y difundir los clásicos de la música en grandes y pequeños auditorios. A lo largo de su historia, fue conducida por Roberto Kinsky, Juan José Castro, Víctor Tevah, Simón Blech, Teodoro Fuchs, Juan Carlos Zorzi, Jacques Bodmer, Bruno D’Astoli, Jorge Rotter y Jorge Fontenla, como directores titulares, y por personalidades de la talla de Erich Kleiber, Georg Solti, Ernest Ansermet, Igor Markevitch, Hermann Scherchen, Sergiu Celibidache, Rudolf Kempe, Antal Dorati, Malcolm Sargent, Hans Rosbaud, Jean Fournet, Igor Stravinsky, Heitor Villa-Lobos, Aram Katchaturian, Frank Martin, Pablo Casals, Zubin Metha y Charles Dutoit, como directores invitados, entre muchos otros. Cumpliendo con su fin de orquesta nacional, se presentó en más de cincuenta ciudades del interior del país que, en muchos casos, carecían de organismos orquestales propios (Diamante, Entre Ríos; Bella Vista, Corrientes; Zapla, Jujuy; Santiago del Estero; La Rioja; Catamarca, Comodoro Rivadavia, Chubut; Las Heras, Caleta Olivia, Puerto San
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Julián, Santa Cruz; Roque Saenz Peña, Chaco entre otras). En 1991, la Sinfónica llegó por primera vez a Europa para actuar en las principales ciudades de España bajo la dirección de Simón Blech, con un repertorio íntegramente dedicado a autores americanos. Un año más tarde, se presentó en Chile, conducida por Juan Carlos Zorzi, y en Brasil, por Blech, durante el Festival de Invierno de Giordao (San Pablo). Durante 1998, realizó una gira por Japón que incluyó una memorable presentación en Tokio, junto a la pianista Martha Argerich, culminando con un exitoso concierto en Los Ángeles (Estados Unidos). En la temporada 2000 fue distinguida como única representante de Latinoamérica en la XVI Edición del Festival de Canarias De los Cinco Continentes, donde se presentó junto con las más destacadas orquestas del mundo. En el marco de diversas acciones de contenido social, desarrolladas a partir del año 2004, participó del programa Música en las Fábricas, con multitudinarias presentaciones en ámbitos de la producción y el trabajo. Así, actuó por primera vez en Ushuaia, en la Cooperativa Renacer (ex Aurora), en los Talleres
Ferroviarios de Tafí Viejo (Tucumán) y en el Barrio El Tambo de La Matanza. Por su aporte a la cultura musical del país, fue galardonada con el diploma al mérito que otorga la Fundación Konex (1989), además de recibir el “Premio Konex de Platino 2019” a la Orquesta más destacada de la última década. Fue distinguida, asimismo, por la Asociación de Críticos Musicales de la Argentina como Mejor Orquesta de las Temporadas 1996, 2000 y 2002. Participó en 2010 de los festejos del Bicentenario de la Revolución de Mayo, actuando en el palco central enclavado en la Plaza de la República, frente al Obelisco, ante cientos de miles de asistentes. Durante el año 2015 actuó en la velada musical inaugural de la gran Sala de Conciertos “Ballena Azul” del Centro Cultural Néstor Kirchner y se presentó en la referida sala, donde desarrolla su Ciclo de Conciertos Principales, junto a la pianista Martha Argerich y prestigiosos artistas internacionales. A partir del 2015, el Maestro Pedro Ignacio Calderón es el Director Emérito de la Orquesta Sinfónica Nacional, luego de 22 años ininterrumpidos como director titular del organismo.
Gustavo Mulé
Haydeé Seibert
plá sticas y habla de una historia de vida, en el marco de esta pandemia de Covid-19. Interpretada por Sandra Acquaviva -flautista y piccolista de la Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina- y su hermana Giglia Aquaviva -artista plástica residente en la ciudad de Roma..
Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto Fundada por el compositor Juan de Dios Filiberto en 1932, la entonces “Orquesta Porteña” formada por catorce músicos se propuso enaltecer el legado musical de los autores argentinos. En 1948 se la elevó a la órbita de la Nación adquiriendo
Elizabeth Ridolfi
un cuerpo de 40 integrantes y el nombre de Orquesta Nacional de Música Argentina con sede en el Teatro Nacional Cervantes. Finalmente en 1973, por decreto presidencial, se la renombró Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto, en homenaje a su fundador. Hoy pertenece a la Dirección Nacional de Organismos Estables. Su intención es fomentar, jerarquizar y difundir la música argentina en todas sus manifestaciones, incrementando y fortaleciéndose tanto de la memoria como de la evolución de la música nacional, participando activamente en escenarios tradicionales así como en barrios, fábricas, escuelas, festivales y otros ámbitos de carácter nacional como internacional.
Sandra Aquaviva
Acerca de la Dirección Nacional de Organismos Estables Bajo dirección de Mariela Florencia Bolatti, dependiente de la Secretaría de Gestión Cultural del Ministerio de Cultura de la Nación, instrumenta las políticas públicas para el desarrollo, fomento, difusión y divulgación de las expresiones artísticas y culturales. A través de su creación, se jerarquizan los nueve elencos de música y danza: la Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto, la Orquesta Sinfónica Nacional, la Banda Sinfónica Nacional de Ciegos Pascual Grisolía, el Coro Polifónico Nacional, el
Pedro I. Calderón
Coro Polifónico Nacional de Ciegos “Carlos Roberto Larrimbe”, el Coro Nacional de Jóvenes, el Coro Nacional de Niños, el Ballet Folklórico Nacional y la Compañía Nacional de Danza Contemporánea; la cual fue re categorizada en carácter de dirección nacional el 11 de agosto de 2017. La DNOE tiene como responsabilidad programar, conducir y difundir las actividades de los nueve cuerpos artísticos, los cuales promueven la creación de obras de autores nacionales es internacionales; interpretan la música y la danza en todas sus manifestaciones, y apoyan las actividades a nivel federal, también fomentan la cooperación y el intercambio cultural y artístico con otras entidades nacionales e internacionales.
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discos/libros
Un emblema de la ciudad Para conmemorar este importante aniversario en el marco especial de la pandemia, la Dirección General de Música presentó en formato digital el libro “Banda Sinfónica de la Ciudad de Buenos Aires / 110 años”, editado por Bibiana Palmieri y Daniel Varacalli Costas, con colaboraciones de especialistas como Silvina Luz Mansilla, Gustavo Costantini, Laura Campardo, Bernardo Carey y Gabriel Senanes. Se trata de la primera historia de la Banda Sinfónica en publicarse, lo que suma a su interés académico el aporte de una serie de fotografías inéditas que cubren toda la historia de este importante organismo. Al mismo tiempo, preparó un video especial que recorre imágenes de distintas épocas de la historia de la Banda, sobre un video grabado en vivo de “Libertango” de Astor Piazzolla, dirigido por Gustavo Fontana.“La Banda Sinfónica de Buenos Aires es un orgullo para todos los porteños”, dijo el ministro de Cultura Enrique Avogadro. “Nos ha deleitado en el espacio público a todos los vecinos de la Ciudad y turistas. Se constituyó como un emblema de esta Ciudad y tiene una gran implicancia en nuestra historia. Por eso estamos muy felices de festejar este nuevo aniversario, que esta vez será desde nuestras casas con la publicación de un libro que recorre sus 110 años con imágenes inéditas” Por su parte, el Director General de Música Juan Manuel Beati dijo que “es un orgullo celebrar este cumpleaños de una Banda
que hacía música al aire libre por toda la Ciudad antes de que existiera la radio y la electrónica. Es un organismo ‘todo terreno’, allí están los héroes de la música, que transitan sin detenerse un largo camino que ya lleva 110 años. Brindo por que sigan ofreciéndonos su magnífico despliegue de música y talento.” Creada para participar de los festejos del primer centenario de nuestro país, la Banda Sinfónica de la Ciudad de Buenos Aires es actualmente el organismo musical estable más antiguo de nuestra ciudad. Su fundador y primer director fue el maestro italiano Antonio Malvagni, quien la dirigió en un primer concierto en el Teatro Colón el 14 de mayo de 1910, aunque su presentación formal para todo público en las calles porteñas fue el 25 de mayo, la fecha exacta de celebración de los 100 años del Primer Gobierno Patrio. Llamada primero Banda de Música Municipal y durante varias décadas ampliamente conocida como Banda
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Sinfónica Municipal, a partir de de la autonomía de la Capital pasó a llamarse Banda Sinfónica de la Ciudad de Buenos Aires. Su planta prevé 96 músicos profesionales e incluye toda la variedad de instrumentos de viento, además de cuerdas graves (violonchelos y contrabajos), siguiendo el modelo de “banda de concierto”, de larga tradición en Italia. La Banda fue creada para llevar la música clásica y los mejores
arreglos de la música popular y ligera a todos los lugares de la ciudad, habiendo sido diseñada para tocar en lugares abiertos con instrumentos de viento de gran volumen, sin necesitar amplificación electrónica. Desde entonces, atesora un archivo de innumerables partituras realizadas por los grandes maestros que trabajaron con ella desde su fundación: el mismo Malvagni, José María Castro, Pascual Grisolía, Rafael del Giudice, Rainaldo Zamboni, Domingo Calabró, Mariano Drago, Victorino Sierra, Mario de Rose, Miguel Ángel Gilardi, Gustavo Fontana, Carlos Vieu, Carlos Calleja, José Luis Cladera y durante el último periodo los maestros Lito Valle y Mario Perusso. Actualmente sus titulares son los maestros Darío Domínguez Xodo y Carlos David Jaimes. La Banda desarrolla sus nutridas temporadas con conciertos didácticos semanales en escuelas primarias y secundarias, junto a presentaciones en las más diversas salas y espacios abiertos de la ciudad, siempre de manera gratuita.
Radio Bávara y la Orquesta de Radio de Munich
Símbolo para la cultura y su significado en tiempos de crisis
Las salas de conciertos aún están cerradas debido a la pandemia de la corona, pero los músicos del coro y la orquesta sinfónica de la Radio Bávara y la Orquesta de Radio de Munich se encontraron el 24 de mayo en el Estudio 1 de la BR para actuaciones que pueden verse en la televisión, en Radio y transmisión de video: ¡un símbolo que suena para la cultura y su significado en tiempos de crisis! Además de las orquestas de la BR, puede experimentar la soprano Regula Mühlemann, el barítono Christian Gerhaher y la violinista Lisa Batiashvili como estrellas invitadas. También ofrece música en vivo de sus estudios los viernes y lunes.
Franco Zeffirelli JULIO 2020/REVISTA PROMUSICA
aviso REVISTA PROMUSICA/JULIO 2020