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Daegu Photo Biennale 2008

Korean . Chinese . Japanese . Japanese Contemporary Photographs Korean . Chinese Memories of the Future Contemporary Photographs Memories of Future 2008. 10.31 - 11.16 / EXCO 1F

curators _

Dongsun Jin / Zhang Li / Iizawa Kotaro

한.중.일 현대사진전_ 내일의 기억


2008 Daegu Photo Biennale

Korean . Chinese . Japanese Contemporary Photographs Memories of the Future ●

Bohnchang Koo Art Director of Daegu Photo Biennale 2008

After ten months of preparation the curtain on the second Daegu Photo Biennale is finally going up. This is probably the largest single event in the history of photography in Korea, and the most international. In the past two to three years, the interest in photography in Korea has been increasing more rapidly than in any other country. The growth of a market for works of photography, the widespread use of cameras in the digital age, and changing patterns of life have easily moved photography to the center of the arts world. In Korea, the Internet and frequent study abroad, coupled with liberalization of foreign travel restrictions, have brought international trends in photography into our immediate range of view. It is becoming harder than ever to preserve an individual artistic character and to produce work that reflects the cultural character of the nation. Although we are an Asian nation, what we study in our classrooms and what we are interested in are largely composed of the history of photography in the US and Europe, and on the new trends emerging there. Daegu Photo Biennale 2008 shows the latest trends in photography from our neighboring countries Japan and China. It is an opportunity to experience some impressions of the different but similar cultures of the three countries. It is very important that with this opportunity we examine once again where we are today and improve upon it. The main theme of the Biennale 2008, “THEN & NOW-Memories of the Future,” has a two-part exhibition. The first is Memories of the Future, which features contemporary photography and its trends. The other part is Memories of the Past-East Asian Images from 100 Years Ago, which has been organized to show photography’s important archival value. Apart from these main exhibitions, there are also three special exhibitions: Changing Social Landscape: Democratic People’s Republic of Korea 1950 – 2008, in which visitors can see changes in North Korea since the national division; Sway in the Space, which introduces the trends in digital photography today; and 4 Hidden Photographers, which re-examines and pays tribute to the works of four senior or deceased photographers from Korea, China, Taiwan, and Japan. I am certain that the Biennale will satisfy the expectations of photo enthusiasts of many different stripes. I sincerely thank the guests from overseas who took the trouble to come a long, and perhaps not so familiar way to Daegu with only the passion for photography. I also would like to extend my heartfelt thanks to all the participating photographers, curators, the city of Daegu which is the sponsor, and all of the staff for making the second Daegu Photo Biennale a great success. It is my hope that the Daegu Photo Biennale 2008 will serve as an opportunity for Daegu to become the city of photography in name and substance and that the Biennale will continue to grow to become the premier festival for photographers in Northeast Asia.


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구본창 2008 대구사진비엔날레 전시 총감독

10개월간의 준비를 거쳐 제 2회 2008 대구사진비엔날레가 그 막을 올리게 되었다. 한국 사진의 역 사 중에 아마도 가장 큰 단일 행사이며 가장 국제적인 행사가 될 것이다. 최근 2-3년간 한국에서의 사진에 대한 관심은 다른 어느 국가에서보다 급속히 높아지고 있다. 사진 시장의 발전, 디지털 시대를 맞아 보편화된 사진 문화, 그리고 삶의 양식의 변화가 자연스레 사진을 예술의 중심 으로 옮겨 놓았다. 인터넷의 보편화와 유학, 그리고 자유로운 해외여행 등으로 다른 어느 때 보다도 세계적인 사진의 흐름은 바로 우리의 전시장에 들이 닥쳤다. 개성을 지키고 한 나라의 문화적인 특성을 가진 작업을 할 수 있는 여력은 점차 사라지고 있다. 비록 아시아에 자리 잡고 있는 한국이지만 수업에서 이루어지는 내용이나 우리의 많은 관심사는 미국이나 유럽의 사진의 역사와 그곳에서 일어나는 새로운 경향에 초점을 맞추고 있다. 이번 대 구사진비엔날레에서는 이웃 나라인 일본과 중국의 최근 사진의 경향을 보여준다. 이웃 국가들의 서로 다르면서 도 비슷한 문화를 직접 경험 할 수 있는 기회가 될 것 이다. 또한 그것을 통하여 우리의 위치를 다시 확인 하고 발전시키는 것은 아주 중요하다고 생각한다. 이번 전시에서는 현대 사진의 경향뿐 아니라 기록의 중요성을 보여주는 19세기 사진전인‘오래된 기억_동북아시아 100년 전’, 분단 후 북한의 변화하는 모습을 감상할 수 있는‘변해가는 북한 풍경: 19502008’전, 디지털 사진의 경향을 소개하는‘공간유영’전, 또한 우리가 잘 알지 못했던 우리 선배와 아시아 원로 작가들의 사진을 새롭게 조명하는‘숨겨진 4인전’등이 여러분들의 방문을 기다리고 있다. 다양한 사진 애호가 들의 기대를 충족시키려는 의도이다. 먼 길, 낯선 한국, 대구에까지 서슴지 않고 새로운 사진에 대한 관심과 사진에 대한 열정만으로 방문 해 주신 많은 해외 손님들에게 진심으로 감사를 드린다. 또한 2번째 대구사진비엔날레를 성대히 개막할 수 있도 록 참여 해 주신 작가들, 큐레이터 분들, 재정적으로 후원 해 주신 대구시, 엑스코 그리고 무대 뒤에서 수고해 주신 보이지 않는 많은 스텝들에게 진심으로 감사 드린다. 앞으로도 제 2회 2008 대구사진비엔날레를 계기로 대구가 명실상부한 사진의 도시가 되기를 기대하며, 무궁한 발전으로 동북아시아의 사진인 들의 축제가 되기를 바란다.


Jung Yeondoo . Kim Sanggil . Yun Lee . Shin Eunkyung . Debbie Han . Kim Oksun . Bang Byungsang . Yang Jaekwang . Back Seungwoo . Han Sungpil . Ahn Sekwon . Choi Joongwon


2008 Daegu Photo Biennale

한국

Korean . Chinese . Japanese Contemporary Photographs Memories of the Future

Korea


Memories of the Future

The Sensibility of Life: The Reconfigured Eye Dongsun Jin Photographic Critic

진동선_사진평론가

삶의 감각: 재인식의 눈

Photography has evolved with history as its vertical axis and contemporaneity as its horizontal axis. Moreover, always within these two time frames, archiving and reality have been its sources of power. At a glance, this function and characteristic of photography may seem natural, but in implementing its function and characteristic in time, the medium achieved far beyond its capacity. A change in photography is a change in the vision through which one looks at the world. It is also a change of the language which speaks of the world. A progress in photography can be said to be a progress in the history of the mankind, and a change in Zeitgeist and the sensibility of the times. Ultimately the question asked by Memories of the Future, the title of the main exhibition of the 2008 Daegu Photo Biennale, is “What is photography?" This is the key question one asks within the time frame one lives in, outside of that time frame, and toward it. And also, this is the question of self-reflection I asked myself at every transition period. If for no other reason than the fact that photography is the product of its time, that it is a joint venture with capitalism and technology, questioning the essence of photography should always merit a critical attention. Korean photography finds itself in a new paradigm as does photography in general internationally. It finds itself inside the magnetic field of strong centrifugal and centripetal forces of modern art and also inside the essence and attributes of the new medium called digital technology. The most prominent change which appeared in Korean photography in the past several years can be said to be 'the change of presentation system' and 'change of language system.’ The change of presentation system is the change of photographic style and the change of language system is the change of the narrative as a concept. Exactly 20 years ago, Korean photography faced a major change of paradigm. Photo, The New Wave of Photography(1) an exhibition, marks its 20th anniversary this year. There may be difference of opinions among some people, but Photo, The New Wave of Photography marked an important watershed for Korean contemporary photography, and the most important historic transition that the show touched off was the conceptual and aesthetic change regarding photographic representation and language. Korean photography gained autonomy of context and style under the new paradigm which was not seen before.Only from this period on, the word 'contemporary'(2) was used. From The Horizon of Korean Photography (3) of 1991 until


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Photography looks at us(4) of 1999, what we find as a historic footprint in Korean photography in this period is the recognition of contemporaneity. From after the 2000s, Korean photography is strongly influenced by contemporary art and digital technology. In other words the change of paradigm came from the outside not inside. This change had a very different face than the autonomy of style and aesthetics shown at Photo, The New Wave of Photography Korean photography in the 2000s is influenced by modern art, cultural study, and digital technology all at the same time. The frontline of photography has been taken up, in no time, by those born after the 1970s. The new generation’s awareness of the media and culture, and the constant flow of influence from the art world greatly changed the Korean photographic paradigm from that of the previous period. The greatest visible change was photography as art. The narratives, the concepts, and the processing changed accordingly, leading to a total paradigm change in photography. In this new paradigm, the function or characteristic of tableau, storyboard, mise-en-scene, directing, simulacre, typology, lighting, Photoshop, and image as well as frame were strengthened; this meant the intervention of the influence of painting (tableau, storyboard), the influence of film production (mise-en-scene), the influence cultural studies (simulacre, typology), the influence of technology (lighting, Photoshop), and the influence of the market, i.e., marketability (scale, frame); the face of photography is no less than the face of changed contemporaneity. In Memory of the Future, the main exhibition at the Biennale featuring contemporary photography from Korea, China, and Japan, this is the key concept of the Korean photography. “The Sensibility of Life: The Reconfigured Eye" is the insight on contemporaneity viewed through Korean contemporary photography of the past ten years. This is the interpretation of “Then & Now,” the main theme of the Biennale, and an interpretation of “Memories of the Future,” the main exhibition. “The Sensibility of Life" refers to the present sensibility of looking at past, present and future. 'The Reconfigured Eye' is the awareness of the times through the eyes of photography as well the eye that looks at contemporary society and culture. It is in line with the reality of perception and the ideology of new understanding that represent the world, which is referred to in Merleau-Ponty’s Eye and Mind(5). Twelve Korean photographers were selected in the following four categories according to the concept of "The Sensibility of Life : The

Reconfigured Eye” First category: Photographers practicing the new paradigm that emerged from the 2000s. In this category we tried as much as possible to select those who were born after the 1970s. Second category: Contemporary photographers whose symbolic system and language system are in accordance with the contemporary cultural theories and aesthetics. Third category: Photographers publicly recognized for their use of medium and expressiveness in either contemporary art or photography. Fourth category: Photographers who can realize the theme of Biennale and concept of the organizer visually. The following artists were selected in accordance with the above four categories: Jung Yeondoo, Kim Sanggil, Yun Lee, Shin Eunkyung, Debbie Han, Kim Oksun, Bang Byungsang, Yang Jaekwang, Back Seungwoo, Han Sungpil, Ahn Sekwon, Choi Joongwon. Their works are not only in line with the concept of the exhibition set forth by the curator, but also with the spectrum and “the code” of contemporaneity formed from the late 1990s onward, which is the direction of photography taken in Korea, China, and Japan today. The Korean pavilion is divided into six sections featuring the works of the twelve artists. The works of Jung Yeondoo and Kim Sanggil are presented in "Mise-en-Scene" section; Yun Lee and Shin Eunkyung in the "Desire" section; Debbie Han and Kim Oksun in the "Body" section; Bang Byungsang and Yang Jaekwang in the "Momentum" section; Back Seungwoo and Han Sungpil in the "Simulacre" section; and Ahn Sekwon and Choi Joongwon in the "Document" section. They represent the spectrum of Korean contemporary society and culture of the past ten years(1998~2008), and each artist does so with their own unique vision and personality. The time aspect of photography is like reading yesterday's newspaper today. Photography is yesterday through the eyes of today. That is the face of the spectrum of contemporary society and culture. The spectrum of contemporaneity is the sensibility of yesterday’s life perceived today, and at the same time it is the reconfigured eye acquired from the time past. That is the meaning of “Memories of the Future.” It is the sensibility of the times, and reconfiguration of contemporaneity in the context of the spectrum of time. That is the aim of contemporary photography of the three countries, Korea,


Memories of the Future

China, and Japan. And that is what Korean contemporary photography is aiming for. At every transition period, we try to reveal something about photography with the word, 'new.' Nothing is more important. Examining a new era, a new environment for the media is always a worthwhile endeavor for a reality check. In this regard, the issue of contemporaneity in photography is also an issue of reality not factuality.

사진은 역사성을 종축으로 시대성을 횡축으로 삼아왔다. 뿐만 아니라 언제 나 두 가지 시간의 틀 속에서 기록을 힘으로 그리고 리얼리티를 힘으로 삼아왔다. 사진 의 이 같은 기능과 특징은 일견 당연해 보일 지 모르나 그것들이 시대 속에서 수행해 왔던 매체의 능력은 그 이상이다. 사진의 변화는 시대 속에서 세상을 바라보는 눈의 변 화다. 또 세상을 말하는 언어의 변화다. 사진의 진보는 그런 점에서 인류 역사의 진보 로 말할 수 있고 또 시대정신과 시대감각의 변화라고 말할 수 있다. 2008 대구사진비엔날레가 내건 ‘내일의 기억_Memories of the Future’은 궁극적으로“사진이란 무엇인가?”를 묻는 것이다. 늘 시대 안에서, 시대를 등지고, 시대를 향하여 묻는 키워드이다. 또 전환기 때마다 스스로를 향해 물어 왔던 성찰의 물음이다. 사진이 시대의 산물이란 점에서도, 끊임없는 자본주의와 기술의 합작 품이란 점에서도 언제 물어도 본질을 향한 물음은 유효적절하다. 한국사진은 세계사진이 그러한 것처럼 새로운 패러다임 속에 있다. 현대미 술의 강한 원심력과 구심력의 자기장 속에 있고, 디지털 테크놀로지라는 새로운 매체의 본질과 속성 속에 있다. 지난 수년간 한국사진에 나타난 가장 큰 패러다임의 변화는 그 런 점에서‘표상체계��� 변화’이고‘언어체계의 변화’라고 할 수 있다. 표상체계의 변화 는 사진 스타일의 변화일 것이고 언어체계의 변화는 컨셉으로서 내러티브의 변화일 것 이다. 정확히 20년 전에 한국사진은 큰 패러다임의 변화를 맞았다. 올해로 개최 된 지 20년을 맞는‘사진, 새시좌展’(1)이다. 혹자들에 따라 의견을 달리할 수 있겠으나 “사진 새시좌”전은 한국현대사진의 중대한 분수령이었고, 전시가 촉발한 가장 큰 역사 적 전기는 사진적 표상과 언어성에 대한 개념적, 미학적 변화였다. 한국사진은 이때 비 로소 새로운 페러다임 하에서 이전에 볼 수 없는 내용과 형식의 자율성을 얻었고 또 이 시기로부터 비로소 ‘컨템퍼러리’(2)란 용어와 개념을 사용하기 시작했다. 1991년 ‘한국사진의 수평展’(3)에서부터 1999년‘사진은 우리를 바라본다 展’(4)까지, 이 시기 한국사진의 궤적은 새로운 패러다임 속에서 펼쳐진 현대성의 인식이었다. 2000년 이후의 한국사진은 현대미술과 디지털 테크놀로지로부터 강력한 영향을 받는다. 때문에 변화의 패러다임은 내재적 변화가 아닌 외재적 변화였다. ‘사 진, 새시좌展’이 보여준 양식의 자율성과 미학의 자율성과는 전혀 다른 모습이었다.

2000년대 한국사진은 현대미술, 문화이론, 그리고 디지털 테크놀로지로부터 동시에 영향을 받는다. 사진의 최일선이 어느새 70년대 이후 출생자들로 포진된다. 이들의 매 체인식과 문화인식, 미술로부터 유입된 새로운 토양은 이제껏 한국사진이 보여준 패러 다임과는 너무도 달랐다. 가장 큰 가시적인 변화는 미술로서의 사진이었다. 그리하여 그에 따른 내 러티브의 변화, 컨셉의 변화, 그리고 프로세싱의 변화까지 총체적인 패러다임의 전환으 로 나타났다. 타블로tableau의 강화, 스토리보드storyboard의 강화, 미장센miseen-scene의 강화, 디렉팅directing의 강화, 시뮬라크르simulacre의 강화, 유형성 typology의 강화, 라이팅lighting의 강화, 포토숍photoshop의 강화, 이미지 및 프레 임의 강화는 회화성(타블로, 스토리보드), 영화성(미장센, 디렉팅), 문화성(시뮬라크르, 타이폴로지), 기술성(라이팅, 포토숍), 시장성(스케일, 프레임)이 두루 개입된 사진의 모 습은 새로운 현대성의 변화였다. ‘한.중.일 현대사진전’에서 한국사진이 키워드로 삼는 것은 이것이다. “삶 의 감각: 재인식의 눈The Sensibility of Life: The Reconfigured Eye”은 지난 10년간 한국현대사진을 통해서 바라본 현대성의 통찰이다. 이는 비엔날레의 메인 주제 인‘그때와 지금_Then & Now’을 해석한 것이며 또 전시 주제인‘내일의 기억’을 해 석한 컨셉이다. ‘삶의 감각’은 과거, 현재, 미래를 바라보는 시대의 감각이며‘재인식 의 눈’은 사진을 통해서 바라보는 시대 인식 그리고 동시대 사회문화를 바라보는 시대 의 눈이다. 메를로-퐁티가‘눈과 마음’(5)에서 세계를 표상하는 감각의 실재성과 재인 식의 관념성과 같은 맥락이다. 12명의 한국작가들은‘삶의 감각과 재인식의 눈’이라는 컨셉에 따라 다 음과 같은 4가지 카테고리 안에서 선정되었다. 첫째, 둘째, 셋째, 넷째,

2000년 이후 새로운 사진의 페러다임을 수용한 가능한 70년대 이후 출신의 작가. 표상체계와 언어체계가 동시대 문화이론 및 현대미학 안에 있는 컨템퍼러리 작가. 현대미술과 현대사진에서 공히 매체성과 표현성을 인정받은 작가. 비엔날레 주제 및 기획자의 컨셉을 시각적으로 구현할 수 있는 작가.

정연두, 김상길, 윤 리, 신은경, 데비 한, 김옥선, 방병상, 양재광, 백승우, 한성필, 안세권, 최중원 이상 12명의 작가들은 언급했던 4가지 카테고리로부터 선정된 작가들이다. 이들의 작품들은 기획자의 전시 컨셉에 부응할 뿐만 아니라 한.중.일 현대 사진전이 공통으로 지향하는 90년대 후반 이후 현대성의 스펙트럼과 코드에 부합한 작품들이다. 한국관Korean Pavilion은 이들 12명의 작가들에 의해 6개의 전시 공간 으로 구분된다. 정연두와 김상길은‘미장센Mise-en-Scene’의 공간에서, 윤 리와 신 은경은‘욕망Desire’의 공간에서, 데비 한과 김옥선은‘신체Body’의 공간에서, 방병 상과 양재광은 ‘모멘텀Momentum’의 공간에서, 백승우와 한성필은 ‘시뮬라크르


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Simulacre’공간에서, 그리고 안세권과 최중원은‘다큐멘트Document’공간에서 각 각 지난 10년(1998~2008년)간 한국현대사회와 문화의 스펙트럼을 각자의 독특한 시 각과 개성으로 표현한다. 사진의 시간성이란 오늘 읽는 어제의 신문과 같다. 사진은 오늘을 통해서 바라본 어제이다. 동시대 사회와 문화의 스펙트럼이란 그런 모습이다. 현대성의 스펙트 럼은 지금 지각하는 어제의 삶의 감각이면서 동시에 지나간 시간으로부터 획득되는 재 인식의 눈이다. 2008 대구사진비엔날레가 내건‘내일의 기억’은 바로 그런 의미다. 시 간의 스펙트럼으로서 시대적 감각, 현대성의 재인식이다. 한.중.일 현대사진이 지향하는 것도, 그리고 한국 현대사진이 지향하는 것도 이것이다. 전환기 때마다 우리는‘새로움’이란 말로 사진의 무엇인가를 들춰보려고 한다. 이보다 중요한 일은 없다. 새로운 시대, 새로운 매체 환경을 통찰한다는 것은 언 제나 가치 있는 현실 인식이다. 사진의 리얼리티 문제도 그런 점에서 사실성의 문제라 기보다는 현실성의 문제다.

Footnotes) 1. The New Wave of Photography, was held at Walker Hill Art Gallery in Seoul on May 18, 1988. The show was curated by Bohnchang Koo. The eight photographers who participated in the show were as follows: Bohnchang Koo, Daesu Kim, Kyucheol Lee, Jooyoung Lee, Youngkyun Im, Bohngho Ha, Okran Han, and Gwangho Choi. 2. The first time the term “contemporary photo” was used in Korean photography was in connection with Seoul. 8 Contemporary Photographers, an exhibition held at Fujimoto Salon in Chungmu-ro in June 1988. Eight photographers, including Byungwoo Bae and Jangseup Kim, participated. 3. The Horizon of Korean Photography was held at Total Art Gallery in Jangheung, Gyeonggido on November 16, 1991. Seunggon Kim, Bohnchang Koo, Daesu Kim, Jangseup Kim, Joo Moon, Byungwoo Bae, Youngkyun Im and Okran Han served as advisors and 50 photographers, including Bohnchang Koo, participated. 4. Photography looks at us was held at Seoul Museum of Art on August 27,1999. Mr.Youngjoon Lee was the curator and 35 photographers including Sanggil Kim participated. 5. Eye and Mind by Maurice Merleau-Ponty, translated by Jungah Kim, Maeumsanchaek, 2008.

주) 1.‘사진, 새 시좌展’ 은 1988년 5월 18일 서울 워커힐미술관에서 개최되었다. 기획자는 구본창이었고 구본창, 김대수, 이규철, 이주용, 임영균, 하봉호, 한옥란, 최광호 이상 8명이 참여했다. 2. 한국사진이 동시대성의 의미로“contemporary photo” 라는 말을 처음 사용한 때는 1988년 6월 충무로 후지 포토살롱에서 개최된‘Seoul. 8 Contemporary Photographers’ 전이었다. 배병우, 김장섭을 비롯 8명의 작가가 참여했다. 3.‘한국사진의 수평展’ 은 1991년 11월 16일 경기도 장흥 토탈미술관에서 개최되었다. 김승곤, 구본창, 김대수, 김장섭, 문 주, 배병우, 임영균, 한옥란이 운영위원이었고 구본창을 비롯 50명이 참여했다. 4.‘사진은 우리를 바라본다展’ 은 1999년 8월 27일 서울시립미술관에서 개최되었다. 이영준이 기획했고 김상길을 비롯 35명의 작가가 참여했다. 5. 모리스 메를로-퐁티 지음, 김정아 옮김,‘눈과 마음’ , 마음산책, 2008.


Memories of the Future

Jung Yeondoo ’s ‘Location Series’ is the artist’s commentary on our world where the real and the fake coexist, where ‘real’ reality is juxtaposed along with a simulated one. Significant stories of reality are re-imaged by careful direction from the artist. The props, lighting, make-up, and models are all intricately set up to create a realistic set. Through this, Jung creates the irony of reality and a dreamlike experience based on the reality of life. With the digital camera and image edition programs, any image can be easily altered or synthesized, and it is getting harder and harder to separate reality from fiction. In Jung Yeondoo’s Location, the studio effects used to create a particular illusion of nature are visually aligned with the actual nature, to create the artist’s own simulation of our mixed reality.

정연두의‘Location Series’시리즈는 현실의 문제들을 가상의 무대로 꾸 며본 상황극이다. 로케이션이란 영화와 드라마에서 소통되고 있는 의미 그대로 야외 촬 영지, 혹은 헌팅된 장소를 적절히 세팅한 설정 공간을 말한다. 현실의 중요한 이야기들 을 이미지화하기 위해서 먼저 최적의 장소를 물색하고 단 한 컷을 찍기 위해 영화촬영 처럼 모델, 분장, 조명, 소품, 액션이 사진가의 치밀한 감독아래 이루어진다. 따라서 단 한 컷의 사진을 위한 것이지만 분명한 캐릭터를 만들어내고자 풍경 혹은 배경을 전면에 자리시킨다. 이렇듯‘Location Series’시리즈는 탄탄한 설 정무대를 통해서 현실의 아이러니를 말하고, 현실의 역설을 말하고, 현대를 살아가는 삶의 모순들을 담담하게 이미지화 한다. 따라서 이 작품들의 특징은 무엇보다 사건의 무대이자 이야기를 이끄는 설정 공간에 있고, 현실 같은 초현실, 혹은 초현실 같은 현 실에서 경험하는 현대적 삶의 리얼리티를 말한다. 사진 속의 무대는 현실감을 주기 위 해 치밀하게 구성된 트릭이다. 트릭은 역사상 자본과 기술이 합작한 최고의 눈속임이었 으며, 오늘날 현대성의 모습으로 자리한 드림랜드, 놀이공원 등에도 진짜인 것처럼 보 이려는 트릭의 무대다. 전통적인 눈속임이었던 마법이 자연성에 기초한 환각과 환영의 연출이라면, 트릭은 기술과 인위성에 기초한 눈속임과 계략의 연출이다. 영화와 드라마 가 로케이션을 통해서 현실감을 주고 트릭 이미지를 통해 사실성을 획득한 것처럼, 정 연두의 작품도 가장 사실적인 사진적 믿음에 기반하여 설정공간과 트릭을 통해 현대문 화의 여러 아이러니, 역설들을 표출하고 있다.

Jung Yeondoo

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Location#27 2008 122 x 155 cm


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Location#10 2007 116 x 176 cm


Memories of the Future

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Location#12 2007 122 x 156 cm


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Location#9 2007 122 x 156 cm


Memories of the Future

Kim Sanggil’s ‘Motion Picture’ series shows that our everyday life images are not very different from those in the movies. They suggest a virtual reality turned into the real world. The gap between reality and imagination no longer exists: reality feels like movies and movies feel like reality. With that as a theme and tool, His works symbolize how the visual effect or surface effect of movies, which have the greatest impact on us, naturally penetrates and gets inserted into our everyday lives. Indeed, unexpected settings, props, actions in movies are strategic codes of advertising and marketing, which makes us conscious of our unconsciousness. Exposure advertising and indirect advertising are the examples of using such codes. It is a marketing technique, which complete the characters of a movie and maximizes advertising effects for the sponsor through afterimage. The ‘Motion Picture’ series is based on indirect advertising and settings in movies. The helmet, bat, air freshener, and Fedex package are used as props in the movies, while at the same time they are used for indirect advertising of the products. Movies create the greatest afterimage effect and their surface effect also has strong impact on us. Kim Sanggil’s works make us look at the advertising system in the capitalist market economy, which create the biggest effect out of the least information via unexpected appearance in a second. Furthermore, his photos demonstrate that those are very effective advertising strategies purposely used in Hollywood movies, which make the general public conscious of their unconsciousness. At the same time, they imply that indirect advertising in today’s commercial movies is a highly sophisticated capitalist strategy, which also satisfies the viewers’ tastes.

김상길의‘Motion Picture’시리즈는 우리의 풍경이 영화 속의 풍경과 큰 차이가 없음을 말하고 있다. 현실이 영화 같고, 영화가 현실 같은 현실계와 상상계의 간극이 더 이상 존재하지 않는다는 가상현실의 실재화를 이야기하며, 이것들을 테제로, 그리고 하나의 장치로 삼아 오늘날 우리에게 가장 영향력이 큰 영화의 시각효과, 혹은 표면효과들이 어떻게 일상 속에 자연스럽게 침투 및 삽입되고 있는가를 상징적으로 말 한다. 실제로 영화에 등장하는 예기치 않은 설정들, 소품들, 액션들이 어느 순간 우리 의 무의식을 의식화 하는 광고 및 마케팅의 전략적 코드이다. 이것들을 이용하는 사례 가 노출 광고, 간접 광고다. 예기치 않게 이미지를 잔상화함으로써 영화의 캐릭터도 완

Kim Sanggil 성하고 협찬사의 광고효과도 극대화시키는 마케팅 기법이다. 이렇듯 ‘Motion Picture’시리즈는 영화 속의 간접 광고 및 영화적 설정들에 기반하고 있다. 사진의 헬 멧, 배트, 방향제, 페덱스는 영화의 소품이면서 동시에 간접상품광고이다. 영화뿐이 아 니겠지만 영화는 잔상효과가 가장 크고 표면효과 또한 지대하다. 김상길의 작품은 극히 짧은 순간에 예기치 않은 등장으로 최소의 정보로 최대의 효과로 이끄는 자본주의 시 장경제체제의 광고 시스템을 바라보게 한다. 또한 이것들이 헐리웃 영화들로부터 용의 주도하게 활용되고 있는 일반화된 무의식을 의식화 하는 효과 만점의 광고 전략이라는 사실과 더불어서 오늘날 상업영화가 시도하는 간접광고 전략은 이제 그 효과뿐만 아니 라 관객의 구미까지 맞추는 고도의 자본주의 전략임을 말한다.

핼멧-motion picture_1/4 Helmet-motion picture_1/4 2006 180 x 220 cm

배트-motion picture_component Bat-motion picture_component 2006 180 x 220 cm Right


Memories of the Future

방향제-motion picture_the message Aromatic-motion picture_the message 2001 180 x 220 cm


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페덱스-motion picture_the sign Fedex-motion picture_the sign 2001 180 x 220 cm


Memories of the Future

Yun Lee’s ‘Sleeping Woman’ series demonstrates that every person should have a private space of her own to lead her life. We as human beings have two kinds of spaces: private and public. Although both are indispensable to live one’s life, private spaces have been disappearing or reduced due to high-tech civilization and advanced mass media. This situation leads to deprivation of humanity, which could become a deciding factor to threaten the way we live our life as a human being. As we all know, voyeurism on the Internet and TV has reached its peak. Nobody can be sure that his private life or space will never be disclosed or exposed. The space on Web 2.0 disarms one’s private information and users spend a day peeking at the private lives of other users. Yun Lee’s ‘Sleeping Woman’ series claims that we should recover from this kind of voyeurism, desire, and peeking. Through the portraits of chaste women and the white images where they are being removed, he suggests that if our private spaces are exposed to media and the general public like this, our identity will soon be disappearing, and that the more we are watched by the public eyes, the more humanity will be threatened. The naturalness of one’s space and naturalness of one’s regard show the naturalness of life. One’s private space, where she can grow his dream with no interference should be natural to her.

Yun Lee

윤리의‘Sleeping Woman’시리즈는 인간이 삶을 살아가기 위해서는 사 람마다 고유하고 소중한 개인의 공간이 있어야 한다는 사실을 말한다. 인간의 삶에는 두 가지 공간이 있다. 사적인 공간과 공적인 공간이 그것이다. 어느 것 하나 삶을 살아 가는데 없어서는 안 될 장소성이나 갈수록 첨단기술문명과 매스 미디어의 발달로 사적 공간은 갈수록 사라지거나 협소해지고 있다. 이런 상황들은 인성의 박탈로 이어져 인간 이 인간답게 살아가는데 치명적인 계기가 된다. 우리 모두가 알고 있는 것처럼 인터넷, TV의 관음주의는 절정에 달했다. 어느 누구도 자신의 사생활이나 개인 공간이 무차별 폭로, 노출되지 않을 거라는 믿음을 가질 수 없다. 웹 2.0의 공간은 개인의 사적 정보 를 무력화시키고, 유저들은 사생활 훔쳐보기로 하루를 보낸다. 윤리의 ‘Sleeping Woman’시리즈는 이러한 우리 사회의 관음, 시선의 욕망, 훔쳐보기의 일상으로부터 복권을 이야기한다. 미디어와 대중에 의해 사적 공간이 노출되면 노출될수록 개인의 정 체성을 상실되어 가며, 또한 대중의 눈에 의해 응시되면 응시될수록 인성의 자리가 위 협받는다는 사실을 정숙한 여성 초상과 그것들이 거세되어 가는 하얀 이미지를 통해서 말한다. 공간의 자연성, 응시의 자연성이야말로 삶의 자연성이며, 인간에게 자연성이란 자신만의 공간에서 누구에게도 침해받는 않고 마음껏 꿈을 키우는 사적 공간이라는 사 실을 이야기한다.


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잠자는 여자 #05

잠자는 여자 #02

잠자는 여자 #03

Sleeping Woman #05 2005 90 x 60 cm Left page, left

Sleeping Woman #02 2005 60 x 90 cm Left page, right

Sleeping Woman #03 2005 60 x 90 cm


Memories of the Future

잠자는 여자 #06

Sleeping Woman #06 2005 60 x 90 cm


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잠자는 여자 #10

Sleeping Woman #10 2005 60 x 90 cm


Memories of the Future

포토스튜디오-의자

PhotoStudio-chair 2007 94 x 119 cm


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포토스튜디오-의자

PhotoStudio-chair 2006 94 x 119 cm

Shin Eunkyung

These works, as the title indicates, revolve around the photo shoots of wedding ceremonies, babies and families. Similar to my previous photographic theme of ‘Wedding Hall’, they capture my personal reflections on the contemporary taste of consuming and satisfaction with spaces. The setting inside a photo studio presents an interesting feature. Typically, the setting is arranged with everyday objects that can be seen elsewhere, nonpractical chairs, artificial flowers and a back screen on which sceneries of the nature are painted. With these artificial settings, a studio appears to be perfectly shaped, but it also is clumsy in its attempt to emulate reality. But interestingly, customers get excited when examining final outputs, the wellframed and well-calculated images, although they are aware of the situations and processes that they have gone through inside the studio. People come to the studio in their best clothes to look as best as they can. They wear a big smile when the camera flashes. They ask photographers to remove tiny scars or any blemish on their faces using computer software. People are excited by the images that the studio have fabricated and modified! Now I see how the clumsy life-imitating setting in a studio can serve to satisfy human beings' desire to look perfect. A studio is the space that satisfies people by offering them a chance to have a perfect image of themselves.

‘Photo-Studio’는 웨딩, 베이비, 가족 사진 등 한국의 사진관을 기록한 작업이다. 웨딩홀에 이어 스튜디오 작업을 해 오면서 한국의 동시대 사람들이 공간을 소비하고, 만족해 하는 취향을 본다. 이곳, 저곳에도 있는 같은 셋트, 실용성 없는 의 자, 진짜를 가장한 조화, 자연이 그려진 배경막 등 스튜디오 내에 존재하는 것들이 흥 미롭다. 스튜디오는‘욕망 이미지’를 생산해 내기 위해 완벽하면서도 어설픈 모습 을 취하고 있고, 우리는 스튜디오에서 벌어지는 상황들을 이미 알면서도 결과에 흥분한다. 사람들은 아름답게 보이려 가장 멋진 옷을 걸치고, 연신 미소를 짓고, 있던 흉터도 포 토샵으로 제거해 달라고 요청한다. 스튜디오가 만들어낸 이미지를 보며 환호하는 사람들, 이제는 공간을 넘어 사람이 보인다.


Memories of the Future

포토스튜디오-의자

PhotoStudio-chair 2007 94 x 119 cm


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포토스튜디오-의자

PhotoStudio-chair 2007 94 x 119 cm


Memories of the Future

Debbie Han seen in the lives of ordinary women. Perhaps this may be her incentive in combining the typical body of a Korean woman with the face of idealized Greek sculpture (as in the icon of Venus). It also explains the title of the series, ‘Graces.’ Han states her intention to examine the “aesthetical identity of Korean and Asian at large by depicting their cultural distinctions” not from a western perspective but by confronting the reality of Asian societies. This is why she “does not simply create an ideal harmony between the two cultural hemispheres but a conflicting reality as is.” Han raises through these works an important question on the ‘meaning of beauty in relation to one’s identity.’ Yoon, Jinsup (Vice President of the International Association of Art Critics / Professor, Honam Univ. )

사회와 문화의 시스템에 대한 풍자적 내러티브

수줍은 여신

A Shy Grace 2007 220 x 100 cm

Parodical Narratives Concerning the Social and Cultural System In ‘Graces’ series, Han attempts to deconstruct the public perception of idealized beauty so as to restore the characteristic inborn beauty of women living in the real world. ‘Idealized’ beauty, according to the artist, is the western style of beauty seen in ‘art books or museums.’ Young Korean women today indeed desire a ‘sculptural’ face and western proportion for figure. Through the ‘Graces’ series, the artist challenges this social practice by challenging the viewer to face the reality. She seems to voice her invitation to focus on ‘here and now (hic et nunc)’ and acknowledge the distinct beauty

데비 한 작품의 대다수는 사회적 콘텍스트와 관련이 있다. 데비 한은‘여신 들’연작을 통해 관념화된 미인에 대한 대중의 인식을 해체하여 본래의 한국 여성에 내재된 미의 특질을 복원하고자 한다. 여기서‘관념화된’미인이란, 그녀의 말을 빌리 면, “미술관이나 미술책에서 볼 수 있는”마치 비너스를 연상시키는 서구적인 완벽한 얼굴을 가리킨다. ‘소위 조각적인’얼굴과 팔등신의 늘씬한 몸매는 오늘의 한국 젊은 여성들이 선망하는 체형이 아닌가. 그녀는 한국 사회에서 무비판적으로 통용되고 있는 이 사회적 관행에 대해‘여신들’연작을 통해 강한 태클을 걸고 있다. 그녀는 현실을 직시하라고 말한다.‘지금 그리고 여기(hic et nunc)'에 주목하여 한국의 평범한 여인 들의 일상적인 몸짓과 자태에서 보이는 아름다움의 특질에 대해 주목하자고 목소리의 톤을 높인다. 그래서 그녀는 과감히 희랍의 전형화된 미인의 얼굴(비너스로 대변되는) 에 한국 여인의 평범한 몸을 결합한 것은 아닐까. 비너스 혹은 아리아스의 얼굴에 한국 여인의 신체를 결합하여 굳이‘여신들’이란 타이틀을 붙인 까닭은 다시 그녀의 말을 빌리면,“서구문화와는 구별되는, 한국을 포함한 아시아의 미적 아이덴티티를 서구적인 관점이 아닌 아시아 문화의 내적인 관점에서”조망하고 싶은 강한 의지를 지니고 있기 때문이다. 그녀는 이‘여신들’연작을 통해 한국사회에 대한 단순한 비판이 아닌, 현실 에 대한 응시를 통해 서구와 한국 내지는 아시아라는 두 문화권의 차이를 드러내고, 그 럼으로써“서구와의 이상적인 하모니가 아닌, 있는 그대로의 모순된 현실”드러내고자 한다. 그녀는 이 연작을 통해“아이덴티티와 관련된 미의 진정한 모습이란 과연 무엇인 가?”하는 중요한 질문을 던지고 있다. 윤진섭 (국제미술평론가협회 부회장 / 호남대 교수)


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걷는 삼미신

Walking Three Graces 2007 220 x 150 cm


Memories of the Future

두여신 I

Two Graces I 2007 120 x 140 cm


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비밀스러운 삼미신

Secretive Three Graces 2008 150 x 170 cm


Memories of the Future

Kim Oksun’s ‘Living Room’ series shows naked women. They callously record the reality of a naked body and the reality where that body lives. They reveal self-realization of women’s bodies as social sex as well as the positions and types of female bodies that society wants, indicating the inseparable relationships between the living space of a woman and her body in reality. In addition, Kim Oksun’s photos show women’s social positions and standings in everyday lives and imply from what perspective society looks at them and what it keeps watching. They capture the standings, roles, and specific aspects of women’s bodies from the humdrums of everyday lives. The ‘Living Room’ series indicates how distorted our social regard for women has become. It provides a mirror, which, like litmus paper, reflects what kind of social codes or codes of desire both men and women have towards a female body. By displaying the whole body of a woman in everyday life setting just as it is, Kim Oksun reinstates women’s visual body that men want or the male society wants and manages. Her works vividly show that the naturalness of a woman’s body comes from the naturalness of the woman and her life.

김옥선의‘Living Room Series’는 여성들의 벗은 몸을 보여준다. 벌거 벗은 육체성의 현실과 그 육체가 거주하는 현실을 냉정히 기록한다. 사회적 성으로서 여성의 신체에 대해 자각과 사회가 여성의 몸에 요구하는 몸의 위치와 유형들을 드러 내며, 생생한 현실 공간에서 여성의 삶의 공간이 몸과 어떤 불가분의 관련을 맺고 있는 지를 보여준다. 뿐만 아니라 오늘날 일상에서 여성들이 몸담고 있는 사회적 위치와 위 상을 드러내며 그들의 몸을 바라보는 사회적 시선이 어디를 향하는지, 또 무엇을 응시 하지 평범한 일상 속에서 여성의 몸의 위치와 역할, 구체적인 삶의 양상까지 포착한다. ‘Living Room’시리즈는 여성에 대한 우리의 사회적 시선이 얼마나 왜곡되고 굴절되 었는지를 보여주며, 또한 남성과 여성 공히 여성의 몸에 대해서 어떤 사회적, 혹은 욕 망의 코드를 갖고 있는지 리트머스시험지처럼 자기반영의 거울을 제공한다. 작가는 일 상의 온전한 몸을 날것처럼 보여줌으로써 남성에 의해 요구받는 여성의 가시적 신체, 또는 남성사회가 희망하고 관리하는 여성의 몸을 복권시킨다. 몸의 자연성이 인간의 자 연성이자 삶의 자연성이라는 사실을 생생하게 보여준다.

Kim Oksun

거실의 정은

방안에 앉은 은심

Jungeun in a livingroom 2001 123 x 149 cm

Eunsim sitting in a room 2001 123 x 149 cm Right


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Memories of the Future

방안의 이은

Yien in a room 2001 123 x 149 cm


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방안의 동숙

Dongsook in front of a mother-of-pearl wardrobe 2001 123 x 149 cm


Memories of the Future

Bang Byungsang’s ‘In Green Heaven’ shows how we spend our leisure time in modern life. It sheds light on how meeting and parting takes place in leisure places in the city, how people are seeking momentary leisure, and how people comes and goes in theme parks, public parks, and recreation parks looking for fleeting entertainment. In addition, it focuses on the same typicality of tourists visiting various entertainment parks and tourist attractions. By doing so, it reveals the fact that in the parks in the city, in the artificial nature, or in tourist attractions, which delights one’s eyes, although time, place, and situation could be different, the shapes and gestures of our modern life exist there. Also, Bang’s photos suggests that whether it looks as if the situation just happened or were intentionally arranged, it cannot be something that happens by accident: it is a generalized way of life. ‘In Green Heaven’ focuses on people today, who flock to parks, riversides, and beaches to enjoy their leisure time with their family, lovers or friends. It closely observes their typical facial expressions and attitudes and beyond them, their looks of isolation and solitude, expressions of indifference and self-obsession, and even compulsiveness of their leisure time for leisure time’s sake. In busy modern daily lives, leisure time makes up an important part of one’s life. In that regard, images of modern daily lives witnessed in leisure places can be regarded as the portraits of the times. Bang Byungsang’s works point out an irony that the desires of people today, who want to escape from reality even for a short period of time, eventually lead to identical movements, identical behaviors, and identical regularities.

방병상의‘In Green Heaven’은 현대를 살아가는 현대인의 삶의 여가방 식을 보여준다. 도심의 여가 공간에서 일어나는 이합집산의 양상과, 일회성 여흥을 좇 아 놀이공원, 시민공원, 유원지 등에 즉흥적으로 왔다가 사라져가는 순간의 여가 태도 를 조망하며, 또한 이러한 현실이 사회에 만연한 현대서의 도상으로서 각양의 놀이시 설, 관광지를 찾은 관광객들이 보이는 동일한 유형성에 주목한다. 그리하여 도심의 공 원에서, 가공된 자연에서, 혹은 눈요기 관광지에서 시간, 장소, 상황들은 달라도 거기에 우리의 현대적 삶의 형태, 제스처가 있다는 사실을 드러낸다. 또 그것들은 마치 우연, 혹은 연출인 것처럼 보이지만 결코 우연이 아닌 일반화된 삶의 양식이라는 사실까지도

Bang Byungsang 주목한다. 이처럼‘In Green Heaven’은 가족단위로, 혹은 연인과 친구들이 여가와 휴식을 즐기기 위해 공원, 둔치, 바닷가로 현대인에 초점을 맞춘다. 그들의 유형적 표 정과 태도를 주시하며, 그 너머의 소외와 고독의 시선, 무관심과 자기집착의 표정, 그 리고 여가를 위한 여가의 강박성까지 주시한다. 바쁜 현대적 일상에서는 무엇보다 여가 가 중요하다. 여가의 공간에서 목격하는 현대적 삶의 풍경들은 그 점에서 시대의 초상 이다. 잠시라도 현실을 벗어나려는 현대인들의 욕망이 어느덧 시대의 코드로서 똑같은 움직임, 똑같은 행태, 똑같은 규칙성으로 이끌어진다는 아이러니를 말하고 있다.

대나무 숲

Bambusoideae forest 2005 122 x 160 cm


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검도

Check of drawing 2004 122 x 160 cm


Memories of the Future

백사장

Sandy beach 2005 122 x 160 cm


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이야기 꾼

Storyteller 2005 122 x 160 cm


Memories of the Future

Yang Jaekwang

사건의 전야

The night prior to an Event 2007 95 x 180 cm

Yang Jaekwang’s ‘The night prior to an Event’ suggests the relationship between social and psychological aspects stemming from situations in the night before a certain event takes place, showing what kind of conflict the doer had or what made him or her hesitate. People today have become numb in the midst of so many events and incidents. They only look at the causal relationship, making just two comments: ‘Why?’(cause) and ‘Too bad’(effect). Yang put their way of life, social attitude, and psychological topography in a dramatic setting from the doer’s point of view, as if it really happened. He criticizes society of putting too much focus on the cause and effect of an event. If it is a shocking one in particular, people tend to be obsessed with the cause and result, try to judge by ethical and moral standards, and then forget about it in just a few days. He wants to criticize such way of thinking. ‘The night prior to an Event’ reveals the context of an event. It projects the doer’s social attitude and psychological topography in the night before. Yang Jaekwang emphasizes that in every event, the situation, moments, processes right before it happens are very important because they serve as a practical and deciding factor for that to happen. Therefore, he claims that however trivial an event might be, we need to look back on the conflict, context, and the deciding moment right before it happened, and that they directly show the social psychological topography, while at the same time working as a direct momentum for the doer to decide whether to go ahead or not. Even a vicious criminal in a heinous crime experiences or faces distress and conflict right before committing the act. That indicates the doer’s social attitude towards society and psychological topography between society and him.

양재광의‘사건의 전야’는 어떤 사건이 일어나기 전날 밤 행위자들이 어떤 갈등 속에 있었는지, 혹은 어떤 망설임이 있었는지 그날 갈림길에서 발생되는 사회성과 심리성의 관계를 시추에이션화 한다. 현대인들은 크고 작은 사건과 사고 속에서 갈수록 감각을 잃어간다. 오로지 인과 관계만을 살피면서, ‘왜 그랬지’(원인), ‘안됐군’(결과), 단 두 마디만을 외친다. 이러한 현대인들의 삶의 방식과 사회적 태도, 그리고 심리적 지형에 대해서 작가는 실제 사건, 사고처럼 행위자의 시각에서 극화한다. 하나의 사건 앞에서 지나치게 원인중심, 결과중심으로 이끌어지는 사회에 대해서 비판하고, 특히 충 격적인 사건일수록 더욱 원인과 결과에 매몰되고, 또 윤리적, 도덕적 잣대만을 들이대 는, 그러면서도 몇 일 지나면 까마득히 잊는 그릇된 의식구조를 비판한다.‘사건의 전 야’는 사건의 정황을 노출한다. 사건이 일어나기 전날 밤 행위자의 사회적 태도 및 심 리적 지형을 투사한다. 모든 사건에는 사건이 일어나기 직전의 정황, 순간, 과정이 중 요하다는 사실을 강조하며 이것이 사건의 실질적이고 결정적인 계기가 된다는 사실을 강조한다. 따라서 아무리 사소한 사건이라도 사고 직전의 갈등과 정황과 순간의 계기를 돌아보아야 한다는 사실과, 그것들이야말로 사건의 직접적인 사회 및 심리적 지형이면 서 동시에 포기냐, 실행이냐를 결정토록 하는 직접적 계기라는 사실을 말한다. 악독한 범인, 참혹한 사건이라도 행위자가 겪을, 혹은 당면했을 행위 직전의 고뇌와 갈등이 결 국 사회를 향한 사회적 태도, 사회와 행위자가 간의 심리적 지형이라는 사실을 말한다.


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사건의 전야

The night prior to an Event 2007 95 x 180 cm


Memories of the Future

사건의 전야

The night prior to an Event 2007 95 x 180 cm


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사건의 전야

The night prior to an Event 2007 95 x 180 cm


Memories of the Future

리얼월드 #41

Real World #41 2006 127 x 169 cm


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Back Seungwoo

Back Seungwoo’s ‘Real World’ shows an imaginary world, where the ideal and reality are mixed up. Photographs are a stage for fantasy and illusion and also a stage of desire. Back’s works demonstrate distorted identities of individuals and society that have been following the western culture since the advent of late capitalist society, while lampooning the cultural reality in Korea, where people live under the illusion of the western culture. Borrowing images of world-renowned architectures from Bucheon Aiinsworld, a miniature theme park, and elaborately mixing them with images of apartments alongside the Han River, a pleasure boat, the Turtle Ship, and bridges, Back reveals the loss of identity prevalent in our social culture. The Arc de Triomphe, the Eiffel Tower, Empire State Building, and World Trade Center in his photos are the symbols of fantasy, illusion, and desire towards the Western world, whereas the apartment complex, pleasure boat, the Turtle Ship, and bridges placed in juxtaposition with them reflect our current life. In a word, ‘Real World’ shows our fantasy and complex on the western culture. It criticizes the randomly rising architectures with no national identity and mixed-up cultural landscape in Korea. It warns of our western way of thought as well as our increasingly mixed-up cultural attitude with no identity and personality. Furthermore, Back poses us a self-reflecting question on how we should keep our identity, while building on the kind of culture and society that incorporate our characteristics.

리얼월드 #02

Real World #02 2004 127 x 169 cm

백승우의‘Real World’는 이상과 현실이 뒤섞인 가상의 세계를 말하고 있다. 사진은 가공된 환상과 환영의 무대이자 욕망의 무대이다. 후기자본주의 사회 이 후 서구지향적인 왜곡된 개인과 사회의 정체성을 표출하고 있으며, 또한 서구문화에 대 한 환상 속에 살고 있는 한국의 문화 현실을 풍자하고 있다. 미니어처 테마파크인 부천 아인스월드에 있는 세계 유명 건축물을 차용한 다음 여기에 한강 주변의 아파트, 유람 선, 거북선, 다리들을 교묘히 혼성시켜 우리 사회문화의 만연한 정체성 상실을 드러낸 다. 사진 속의 파리 개선문이나 에펠탑 혹은 뉴욕의 엠파이어빌딩, 무역센터 빌딩은 서 구에 대한 환상과 환영과 욕망의 기표들이며, 병치된 한국의 아파트 단지, 유람선, 거 북선, 다리들은 우리의 현재적 삶의 지형을 드러내는 기표들이다.‘Real World’는 결 국 서구문화에 대한 환상과 콤플렉스를 말한다. 마구잡이식으로 등장하는 국적불명의 건축물, 잡탕식의 문화 풍경에 대한 비판이다. 또 서구중심적 사고와 시선에 대한 경각 심이자 갈수록 혼성화 되고 있는 정체불명, 개성불명의 문화적 태도에 대한 경각심이며 나아가 우리가 앞으로 어떻게 우리의 정체성을 지키면서 우리다운 문화와 사회를 구축 해야 할 것인지를 스스로에게 묻는 성찰의 물음이기도 하다.


Memories of the Future

리얼월드 #03

Real World #03 2004 127 x 169 cm


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리얼월드#01

Real World #01 2004 127 x 169 cm


Memories of the Future

Han Sungpil’s ‘RE:Representation’ represents and reproduces the shadow of the passed time, which used to be the present at some point. All the time in the world continues into tomorrow based on yesterday and now. Here, representation, which describes the present, and reproduction, which repeats what was there yesterday become the center of Han Sungpil’s discourse. It is like the fish-shaped bun is created from the fish-shaped mold. ‘RE:Representation’ makes us look back on the past, present, and future in the present space, which is very concrete and real. It talks about the time of life and the life of time. The background of the photo is the building of the Geonnam Provincial Government from the past, which is currently located in Muan. This historic building, which was built in the 1920s and went through the civil uprising on 5.18, 1980, has become the shadow of time from the past. In this stage for representation and reproduction, Han Sungpil traverses across the past, present, and future by rearranging photos already taken and then taking pictures of them again. The 1st floor staircase extended from the lobby is a space where the light and darkness are divided. In ‘Photographed Decalcomanie/Painted Decalcomanie,’ Han Sungpil makes pictures of one space look like identical spaces. The space where light and darkness are divided by the time line is represented/reproduced like in decalcomanie. In ‘Fade In/Fade Out,’ the artist represents/reproduces a situation where the panel of announcement on the new office in Muan promising hopes for the future is hanging on the wall of Jeonnam Provincial Government office, which used to enjoy the glorious past. It reveals the duality of time by overlapping reality with a virtual reality, where the future becomes the present and the present becomes the past using time as the medium.

Han Sungpil

사진적 데칼코마니

회화적 데칼코마니

Photographed Décalcomanie 2007 150 x 122 cm

Painted Décalcomanie 2007 150 x 122 cm Right

한성필의‘再現: 製現(RE:Representation)’은 한때 현재였던 지난 시간 의 그림자를 묘사(描寫)하고 모사(模寫)한다. 세상의 모든 시간은 지나간 어제와 지금의 현재를 기반으로 지속적인 내일을 불러온다. 바로 여기서 오늘을 표상하는 재현(再現, 지금)과 어제의 모습이 반복되는 제현(製現, 어제)이 이야기의 중심이 된다. 마치 붕어 빵이 붕어와 붕어판에 기인하여 출현하는 것과 같다. ‘再現: 製現(RE:Representation)’은 아주 구체적으로 현실 공간에서 과 거, 현재, 미래를 동시에 돌아보게 하는 시간이며, 삶의 시간, 시간의 삶에 대한 이야기 다. 사진의 무대는 현재 무안으로 도청이 옮겨진 과거 전남도청이다. 1920년대 지어지 고‘80년 5.18’을 겪은 이 역사적 건물은 과거의 시간의 그림자가 된 공간이다. 아주 적절한 재현(묘사)과 제현(모사)의 무대인 그곳에서 작가는 찍고 찍은 사진을 재설치하 여 또 다시 찍는 과거, 현재, 미래의 시간축을 횡단한다. 로비로부터 시작된 1층 계단 은 빛이 들거나 빛이 들지 않는 명암이 갈리는 공간이다. 하나의 공간을 찍어 똑같은 공간처럼 나타나게 하는 작품이‘사진적 데칼 코마니/회화적 데칼코마니’이다. 이는 시간의 축에 따라 빛이 들고 들지 않은 공간을 데칼코마니처럼 재현/제현한 것이다. 그리고 2층 중간계단에서 한때의 영화로웠던 지 금의 전남도청사에 미래의 희망을 약속하는 무안신청사 광고판이 걸려있는 것을 재현/ 제현한 작품이‘페이드 인/페이드 아웃’이다. 이는 시간을 매개로 미래가 어느덧 현재 로, 현재가 어느덧 과거로 가는 시간의 삶, 삶의 시간을 실재와 가상을 오버랩하여 시 간의 이중성을 노출한 것이다.


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Memories of the Future

페이드 인

Fade In 2007 122 x 150 cm


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페이드 아웃

Fade Out 2007 122 x 150 cm


Memories of the Future

Ahn Sekwon

Seoul, a Landscape of Silence For years, I have been working on capturing the memories of time within a space on photograph and video. The majority of my works are records of Seoul continuously changing. They are landscapes that had once been present and then have become a part of the past reproduced through strong and transcendental images. The video and jumbo panoramas are remnants of the time and space of the city's past and history and at the same time are metaphors of t true value of the present and our everyday life. Once my mind is set on a project, I work for days and nights at the scene. Work to me, somewhat resembles the endless construction work going on throughout Seoul. I am particularly obsessed with such phenomena, and so, through my camera lens I try to capture the value of beauty that is invisible to the common observer. This is my way of expressing, through metaphors, man's endless desires and utopian fantasies based on the logics of socialization, which is hidden behind the city's vast structure. In this respect, my works are records of the time and space of special places and things from our memories which are forgotten quicker and quicker as development proceeds faster ad faster. The meditative and transcendental landscapes represent our dreams of the past, present and future and the eternal beauty inherent in our hearts.

서울, 침묵의 풍경 나는 공간이 품고 있는 시간의 기억들을 사진과 비디오 매체를 통해서 수 년 동안 기록 작업을 하고 있다. 특히 내가 기록하는 대부분의 이미지는 도시 서울의 변화과정 속에 파생되어 얻어지는 기록들이며, 도시 서울의 낮선 모습. 그 역사와 시간 변이과정 속에서 일시적인 순간 존재했다 사라지는 풍경화이며 강력하고 초월적인 이 미지로 재현된다. 이 비디오영상과 초대형 파노라마사진들은 이제는 영원히 역사 속으 로 사라지고 지워져가고 있는 잠재적인 과거 시공간에 대한 마지막 이미지인 동시 현 실과 일상성에 대한 진정한 가치에 대한 은유로 다가가는 작업들로 남게 될 것이다. 현장에서 이루어지고 있는 나의 작업은 하루도 쉴 날 이 없다. 어쩌면 공사 가 끝일 날이 없어 보이는 서울의 현실성과도 같아 보인다. 특히 그 현상들에 대해서

집요한 집착에 의한 나의 카메라의 시선은 보이지 않는 아름다움에 대한 가치와 세계 를 포착하는 초월적인 힘으로 재현된다. 이것은 곧 도시의 거대 구조에 가려 보이지 않 는 어떤 사회화의 논리에 의해 끝없는 인간의 욕망과 미래 유토피아적인 환상에 대한 은유적인 표현 시도이며 재현이다. 이렇게 내 작업의 시선은 개발의 속도만큼이나 빠르게 지워져버리는 마음 의장소와 소중한 것들에 대한 기억에 관한 시공간으로써의 이미지 기록이다. 그리고 역 사와 시간 속에... 지금 욕망의 저 지평을 너머로 사라지는... 현실에서의 일상성과 미 래의 보이지 않는 꿈과 과거로부터 우리 마음에 서정적으로 내제되어 영원히 지워질 수없는 시간으로 잉태된 아름다움이며 관조하는 초월적인 풍경화이다.

서울 뉴타운 풍경-월곡동의 사라져가는 빛 I

The Fading Lights of Weolgok-dong I 2006 150 x 200 cm


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서울 뉴타운풍경, 월곡동의 빛

Weolgok-dong's View of Seoul Lights 2005 150 x 184 cm


Memories of the Future

서울 봉천동

Seoul Bongcheon-dong 1987 140 x 237 cm


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서울 봉천동

Seoul Bongcheon-dong 1987 140 x 222 cm


Memories of the Future

The Passed Landscape This work is about our daily and vivid landscape of life. At the same time, it contains passage of time and disappearing landscape. For the viewers, it represents the immediate moment of the land, however; for me it reminds me of the nostalgic memories of my youth. It also relates to the feeling of missing and longing about the passage of time and landscape. The point of view is ambiguous that may not be existed. The place in this work is related to not only the place for reminiscent of nostalgic but the feeling of unfamiliarity. This work is not limited to the representational narration but it extends to the self-reflective narration where it records through the another view of mind and memories. The landscape that we see with our eyes merges with the mindscape that we see with our mind.

스치던 풍경 이 작업은 일상적이고 생생한 삶의 풍경입니다. 하지만 이는 지나간 시간, 소멸하는 풍경들을 담담하게 담는 작업이기도 합니다. 이 풍경들은 현재를 살아가는 이들의 풍경이지만 ���가에겐 향수를 떠올리게 하 는 유년기의 기억, 그리고 스쳐지나버린 시간과 풍경들에 대한 아쉬움이나 그리움과도 관련되어 있습니다. 과거의 어느 때인지는 정확하지 않지만 기억을 자극하는 작품 속의 시점은 뇌리에는 존재하지만 실재 했는지는 분명하지 않은 모호한 지점을 가리키는 것 같은 느낌으로 다가오기도 합니다. 그런 연유로 작품 속의 공간은 향수를 불러일으키는 서정 적인 장소이면서도 동시에 생경한 느낌을 주는 상이함을 갖습니다. 작가는 이 작업이 '재현적 서사'에 그치지 않고 기억과 마음이라는‘또 다 른 눈’으로 기록하는 '자기반영의 서사(narration)'이기를 의도합니다. 즉, 눈으로 보는 풍경(landscape)에 마음으로 보는 풍경(mindscape)을 덧입히고자 하는 것입니다.

Choi Joongwon

스치던풍경 #5

스치던풍경 #32

The Passed Landscape #5 2005 120 x 120 cm

The Passed Landscape #32 2005 120 x 120 cm Right


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Memories of the Future

스치던풍경 #10

The Passed Landscape #10 2005 120 x 120 cm


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스치던풍경 #165

The Passed Landscape #165 2007 120 x 120 cm


Adou . Chao Bin-Wen . Chen Chin-Pao . Chiu I-Chien . Huang Lei . Jiang Zhi . Liu Lijie . Qiu . RongRong & Inri . Shen Chao-Liang . Yao Lu . Zhao Liang . Zhang Hai’er . Mo Yi . Li Tianyuan .


2008 Daegu Photo Biennale

중국

Korean . Chinese . Japanese Contemporary Photographs Memories of the Future

China


Memories of the Future

While Alive Zhang Li Three Shadows Photography Art Centre Curator

장리(張黎)_사진평론가

살아있는 동안

China’s modern photography began to flourish in the mid to late 1990s. That is when painters, installation artists and performance artists adopted photography as a medium to express their world of art. At the same time, photographers well versed in the history and tradition of photography as well as in professional techniques began to engage in modern art with fresh ideas and perspective. The former camp includes Wang Jin Song, Zhao Shaoruo, Hong Hao, and Hong Lei, and the latter includes Han Lei, Liu Zheng, and RongRong. They used the strong passion photographs held toward real things and also made the realistic space passive within a certain frame. They sometimes immersed in reality to recreate, and at other times artificially set up and produced the background and included many temporal and spatial elements. What their photography imparted was not only the resulting image. People were more fascinated by the thoughts, processes, judgments and attitudes that lay behind the images. The artists put emphasis on the humans themselves and their feelings amidst the drifting time and space; they added some elements of imagination, imitation and fiction to rediscover, interpret and judge reality. Upon entering the 21st century, the Chinese modern artists awoke from a state of slackness caused by ideological conflict, and the revolutionary era of Chinese art ended. Modern photography was thus able to adopt various perspectives and orientation. This type of pluralism was possible as marketism took on more force. With the emergence of marketism and professionalism, the next generation artists began to express their lives in a direct and automatic manner through the quick and convenient medium of photographs. And they considered photos as part of their lives, redefining every so often the meaning and scope of artistic work. This trend became more pronounced as there was direct and indirect contact with the overseas modern photographers. Looking at their specific works of art, we realize that artists put much weight on everyday life and scenes from it. We also discover their feelings toward cultural divide and the fact that they shot the pictures using as many techniques as possible transcending time and space because they are personal media. The exhibition presents the works of artists born in the 1950s, 60s and 70s. We hope that the exhibits will shed light on the reality embedded in the unique history of China and be relevant to as well as reveal the best of their ability, the artists’ distinct features and their true sense of art. We also count on this exhibition to serve as a venue to regard with open mind the path the Chinese modern photography has taken, put in perspective related


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circumstances avoiding prejudices and one-sided criticism, and analyze and discuss the Chinese culture of a certain times based on the essence of photographic art and modern characteristics of the works. Mo Yi’s “A Sunny Day” series is part of his “My Neighborhood” series. He reproduced very frankly the life of a typical urban resident in his photos. In his work, the blankets hung on laundry lines on a bright sunny day are expressed as a symbol of everyday life. Redundant photographs create a sense of time and life, through which we may get a glimpse of his thoughts. Zhang Hai’er is presenting the “Chinese Beauty” series created from 1995 to 2008. This is a continuation of his black-and-white series from the earlier days, and the characters, all female, disclose their mental state in front of the camera without reservation. The models are all very good acquaintances of the artist, and his camera finds them getting older and older. The photographer and the models in the initial black-and-white photos used to influence one another, but toward the later color photos their dynamics has changed to that of a tacit understanding and mutual cooperation. Li Tianyuan’s “Space Station” series portrays ordinary images, ground images taken from a satellite and magnified images under a microscope. These three types of images bundled together contrast the large, the real, and the miniscule of the same time and space. The child appearing in the photographs is her daughter, and she looks on this fragile form of life with a broad and yet elaborate perspective science has endowed us with. It seems as though she is trying to tell us “where” and “how” the human subject is produced into a form of expression rich in emotional colors. Yao Lu is exhibiting his works that imitate Chinese traditional landscape paintings. The basic motifs used are the green covers commonly seen in the outskirts of Beijing in construction sites to minimize air pollution. He used computer skills to add pavilions, human figures and seals, and discreetly inserted modern facilities in the landscape to satirize the reality in China. The Rong Rong and Inri couple are the masterminds of the “Liu Li Tun” series, which contains the process of demolition of “siheyan,” the Chinese traditional courtyard house that they held dear. The artists depict personal emotional experience by combining the human body and the surrounding environment. Such image is proof that they exist, and at the same time, that life is undergoing experience, which transcends life. Jiang Zhi expresses surreal experience in his work. Powerful light and superhuman situations are laid out as dreamy scenes in the photographs. Surprising and awesome events in fast-changing Chinese society were projected as intangible violence and extreme experience. Zhao

Liang shot polluted rivers outside Beijing in the “Water” series and “River” videos, which display trash, dead fish and all sorts of waste materials over a serene screen. They imply that life is used as a measurement, and show two temporal concepts of change and eternity and how they clash in reality. They also make us think how we should deal with the imperfections of the world and what enables a deeper level of thinking to grasp the concept of “perfect object.” Huang Lei’s black-and-white photos that have been colored manually contain the artificial scenery of the zoo and the museum. By doing the coloring manually, Huang was able to attempt new imitation, express the confusion and contrast between scenery vs. boundary, indoors vs. outdoors, emphasize in dreamlike colors the deception between natural/artificial, human/nonhuman, and reality/imagination, appropriating, distorting, and converting them. Liu Lijie creates and arranges situations in his work, and the boundary between the real figure and the role is blurred. The artist lays out and narrates the work with a typical story plot and constructs a symbolic screen that we can read. In elaborating the socially significant psychological conflict, he controls and selects in minute detail the background, actors, dress, tools and rays to produce a theatrical scene. Adou’s “Da Liang Mountain” series imbues with the cold air of the western plains. His work could be seen as nature’s oppression and exclusion of the humans or a reflection on life and destiny. Adou’s images are created from his confidence in picture taking. Out of limitless possibilities he selects a cut that he found as his own in the camera. After he extracts the true value of the image, he implements a language system in black and white that is self-perceptive and emotionally enriched. Chiu’s frames are simple, peaceful and carefully structured. We can never get tired from staring at the details in his images. The images are based on the unique features of the photographs that are controlled for perfect fit as well as on meticulous observation and experience. These two elements interact with one another to superimpose fantasy-like colors on Chiu’s work. He takes away from the photographs the impatient anxiety that we experience in reality and instead inserts leisurely composure that flows like water. He leaves behind plenty of images and afterthoughts and consistently ties up the subtle feelings one by one. In so doing, he reproduces the inner conflict of a sensitive person and expresses the emotion that secretly comes and goes in this world. It could be said that the development of contemporary photography in the 1990s in mainland China began with the publication of the book New


Memories of the Future

Talents of Contemporary Photography – 17 Members of a New Generation of Photographers. It is through this book that young photographers in China came to know the works of Cindy Sherman, Bernard Faucon, Witkin, Saudek, and other photographers abroad. Contemporary photography in Taiwan also developed about the same time. The young artists showing their work in this exhibition also practice contemporary photography in Taiwan in various ways that are each unique to the individual photographer. Chen Chin-Pao’s “Circumgyration: Deng Kung Project” is in black and white. He captures both what happens in an elementary school and the times past in subtle and gentle tones. Chiu I-Chien’s “Night Market in Taiwan” brings to light the characteristic of the ordinary Taiwanese life. The series narrates the building blocks of ordinary Taiwanese living through the night markets. It captures the everyday atmosphere of the vendors, buyers, and on-lookers. Chao Bin-Wen’s work captures intensely the architectural structure of elevated bridges in black and white. “Under the Bridge”, a series, bestows life to the elevated roads, and the work is full of abstract symbols. He portrays in an abstract manner the elevated roads that are “closely linked with our lives” as they “leap” and “shuttle” between cities and buildings. Shen Chao-Liang shows us trucks on tour in Taiwan. These trucks are special in that they are equipped with a stage inside, and when the stage is open it becomes a flashy pop theater. Shen takes pictures of these stages in the middle of the night or when there are no people around, suggesting a sense of time and space different from when the stage is open. Contemporary artists in China and Taiwan lived in times of transformation. Perhaps, to understand their work, one has to look at them from quite a regional and semiotized perspective. However, if one takes into consideration their creative circumstances and take in-depth approach to find meaning in their work, their work can be understood and accessed from various angles. The fifteen artists participating in this exhibition each have their unique way of interpreting life, and they project their mind and body onto their work. They do not stop at peeking through from behind the camera. They are attempting to get closer to and to touch the meaning of life which all of us has to try to figure out every minute of our lives in these ever fast-changing times. The new images and circumstances they show us, the warmth of their perspective and wisdom, will lead us out of our finite world of selfhood.

중국의 현대 사진은 90년대 중.후반기부터 본격화되었다. 화가와 설치예술 가, 행위예술가들이 자신들의 예술작품을 드러내는 매개체로서 사진을 채택하면서부터 였다. 그리고 다른 한편으로 사진의 역사와 전통을 잘 알면서 전문 기술까지 갖춘 사진 사들이 참신한 태도와 시각으로 현대 예술에 동참하면서 시작되었다. 전자로는 왕징쑹 (王勁松), 자오사오뤄 (趙少若), 홍하오 (洪浩), 홍레이 (洪磊) 등이 있고 후자로는 한레 이 (韓磊), 류정 (劉錚), 롱롱 (榮榮) 등이 있다. 그들은 사진이라는 매체가 현실적인 존 재들을 향해 품고 있는 강렬한 애정을 이용하는 한편 현실적 공간을 정해진 틀 안에 피동화시켰다. 때로는 현실에 뛰어들어 재창조까지 하고, 배경을 인위적으로 설정하고 제작하면서 수많은 시공간적 요소를 집어넣기도 했다. 그들이 사진에 담아낸 것은 결과 로서의 영상만이 아니었다. 사람들은 그들이 영상 뒤편에 담아놓은 생각과 과정, 판단 과 태도 같은 것에 더 큰 매력을 느꼈다. 그들은 흘러가는 시간과 공간 속에서 인간이 라는 주체가 보여주는 모습과 감정을 중시했고 상상과 모방, 허구를 폭넓게 가미함으로 써 현실을 새롭게 발견하고 해석하며 판단했다. 21세기에 들어서자 중국의 현대 예술가들은 이데올로기적 대립으로 말미암 은 침체상태에서 벗어나기 시작했고 중국 예술의 혁명기도 막을 내렸다. 현대 사진은 이제 다양한 각도와 방향성을 갖춘 구도를 형성하였다. 이런 다원화는 시장화가 보편적 인 영향력을 행사하기 시작하면서 형성되었다. 시장화와 전문화가 대두되자 차세대 예 술가들은 사진이라는 빠르고 편리한 매체를 다각적으로 활용해 자신의 삶을 직접적이 고 자동적으로 표출해내기 시작했다. 그리고 사진을 삶의 한 부분으로 여기면서 예술작 품의 의미와 범주를 수시로 바꾸었다. 이러한 현상은 국제적 차원에서의 현대 사진들과 직접적, 간접적 관계를 맺으며 발전했다. 구체적인 작품을 살펴본다면, 예술가들이 일 상현실과 그 속에서 발산되고 넘쳐나는 광경들을 매우 중시한다는 것을 발견할 수 있 다. 또한 문화 단절에 대한 그들의 태도와 목소리를 느낄 수 있고, 개인적인 매체라서 시간과 조건의 제약 없이 다양한 수사방식을 최대한 활용해 촬영했음을 발견할 수 있다. 이번 전시는 1950년대, 60년대, 70년대에 출생한 예술가들의 창작물을 위주로 이루어진다. 우리는 전시품들이 중국의 특수한 역사 속 현실을 조명하고 그에 접목되는 한편, 예술가들 고유의 특성과 그들의 실제 감각을 최대한 드러내기 바란다. 이번 전시가 중국의 현대 사진이 걸어온 발자취를 열린 시선으로 바라보고, 고정관념과 일률적인 비평에서 벗어나 관련된 상황들을 재조명하며, 사진예술의 본질과 작품의 현 대성에 입각해 중국 특정 시기의 문화를 분석하고 논의하는 계기가 되기를 바란다. 모 이 (莫毅)의‘햇빛 찬란한 날들’시리즈는‘내가 살아가는 곳의 풍경’이 라는 시리즈의 한 부분이다. 이 예술가는 전형적인 소도시 사람들의 생활환경을 사진으 로 진솔하게 되살려냈다. 그의 작품에서는 화창한 날 ���볕에 말리는 이불들이 일상생활 의 상징물처럼 표현된다. 중복된 사진과 이로 인해 형성된 시간감과 생명감에서 사진에 대한 작가의 생각을 엿볼 수 있을 것이다. 장 헤이어 (張海兒)는 1995년부터 2008년 까지 창작한‘중국 미인’시리즈를 내놓았다. 여성을 다룬 이 시리즈는 초창기 흑백작품 때의 명맥을 연이은 창작물로, 초상의 주인들은 카메라 앞에서 자신들의 심리를 낱낱이 드러낸다. 작품 속 사람들은 모두들 예술가와 잘 아는 사이며, 그들은 작가의 카메라 속에서 젊은이에서 중년으로 늙어간다. 그리고 초기 흑백작품에서 서로에게 영향을 끼


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치던 사진사와 대상의 관계는 컬러작품에 이르면 상호간의 묵계와 협력 관계로 변모한다. 리 티엔유엔 (李天元)의‘우주정거장’시리즈는 흔히 볼 수 있는 일상적 영 상과 인공위성에서 찍은 지면 영상, 현미경의 확대 영상을 보여준다. 이 세 종류의 영 상은 동일한 시간과 공간의 거대함과 현실, 그리고 미세함을 묶어 대비시킨다. 작품 속 에 등장하는 아이는 예술가의 딸로, 작가는 과학이 인간에게 부여한 광활하면서도 세밀 한 시각으로 여린 생명을 바라본다. 마치 그녀는 인간적인 화제가‘어느 곳에서’, 그리 고‘어떻게’감성적 색채가 풍부한 표현형식으로 만들어지는지 말하고 있는 것만 같다. 야오 류는 중국의 전통 산수화를 모방한 사진 작품을 출시한다. 베이징 교외의 건설현 장에서 흔히 볼 수 있는 공기오염 차단용 녹색 덮개를 기본 소재로, 컴퓨터 기술을 활 용해 누각과 인물, 인장 등을 가미하거나 산수화 사이에 현대적 설비를 숨겨놓는 등의 방식으로 중국의 현실을 해학적으로 표현한다. 롱롱 (榮榮)과 인리 (映里) 부부의 작품 인‘류리둔 (六里屯)’시리즈는 그들의 오랜 삶과 애정이 녹아있는 쓰허위안 (四合院) 의 철거 과정을 담고 있다. 작가는 인간의 몸과 주변 환경을 결합시켜 개인의 정신적 체험을 표출한다. 이러한 영상은 그들 존재의 증명일 뿐만 아니라 생명이면서 생명을 초월한 체험이라고 할 수 있다. 장 쯔 (蔣志)의 작품은 초현실적인 경험을 표현해낸다. 그는 강렬한 빛과 초인적인 상황을 몽환적인 장면으로 연출한다. 급변하는 중국사회에 서 일어난 놀랍고 감탄스러운 사건들을 무형의 폭력과 극한의 체험으로 투영해낸 것이 다. 자오 량 (趙亮)의‘물’시리즈 사진들과‘강’비디오는 베이징 교외의 오염된 강물 을 찍은 작품인데 잔잔한 화면 위로 쓰레기와 죽은 물고기, 각종 폐기물이 가득하다. 그것은 생명을 도량 (度量)의 잣대로 삼고 있으며, 변화와 영원이라는 두 시간적 개념 이 현실에서 만나 충돌함을 보여준다. 또한 세상의 불완전한 일면들에 인간이 어떻게 대처해야 하며,‘완전한 사물’이라는 개념을 어떻게 해야 한층 더 깊이 성찰할 수 있는 지 생각하게 해준다. 손으로 착색한 후앙 레이 (黃磊)의 흑백사진은 동물원과 박물관의 인위적 경관을 담아낸다. 그는 흑백사진에 수공으로 색깔을 입힘으로써 새로운 모방을 시도하고, 염색을 통해 경관과 경계, 실내와 실외의 혼동과 대비, 자연과 인공, 인간과 비인간, 현실과 상상의 속고 속임을 몽환적 색채로 강조하고 유용하며 왜곡하고 뒤바꾼다. 상황을 설정하고 연출해내는 식인 리우 리제 (劉麗傑)의 작품은 실제 인물 과 배역의 경계에서 모호한 판가름을 보여준다. 작가는 전형적인 의미를 가진 줄거리로 작품을 배열하고 진술함으로써 읽는 것이 가능한 상징적 화면을 구성한다. 그는 사회적 의미가 있는 심리 갈등을 묘사하는데 배경과 연기자, 옷차림, 도구, 광선 등등을 세심 하게 제어하고 선택해 희극적인 장면으로 한데 엮어낸다. 아듀 (阿斗)의‘다량산 (大凉 山)’시리즈는 서부 평야의 차가운 기운을 느끼게 해준다. 그의 작품은 인간에 대한 자 연의 압박과 배척으로 볼 수도 있고 삶과 운명에 대한 감회라고 볼 수도 있다. 아듀의 영상은 사진 찍기에 대한 그의 자신감에서 비롯된다. 무한한 가능성 속에서 그가 절취 해낸 화면은 카메라에서 찾아낸 자기 자신인 것이다. 아듀는 영상이 지닌 가치를 정제 한 뒤 흑백의 형상으로 자각적이면서 정감 넘치는 언어체계를 구현해낸다. 츄 (丘)의 화면은 단순하고 평화로우며 섬세한 구조로 짜여있다. 그의 영상 속 세세한 부분들은 아무리 봐도 싫증나지 않을 정도다. 그의 영상은 꼭 맞게 제어된 사진 그 자체의 특별 한 매력과, 사회 현실에 대한 세밀한 관찰과 체험을 기반으로 한다. 이 두 가지 요소가

서로 작용하면서 추의 작품에 몽환적인 색채를 불어넣는 것이다. 추는 작품에서 현실 속의 초조함을 빼낸 뒤 흐르는 듯한 운치를 집어넣고, 풍부한 연상과 여운을 남기면서 하나 하나의 정감들을 일관되게 묶어낸다. 이렇게 해서 예민한 사람의 내적 갈등을 재 현하고 세상을 은밀하게 넘나드는 감성을 표출해낸다. 1990년대 중국의 현대 사진이 발전할 수 있었던 것은 국제 사진예술가들 을 소개한 ‘현대 사진의 신예-17명의 신세대 사진작가’(New Talents of Contemporary Photography-17 Members of a New Generation of Photographers)라는 책이 출판된 덕분이다. 타이완의 사진가이자 학자인 롼이중 (阮 義忠)이 펴낸 이 책을 통해서 중국 대륙의 젊은이들은 신디 셔먼 (Cindy Sherman), 포콩 (Faucon), 위트킨 (Witkin), 사우덱 (Saudek) 등의 작품을 볼 수 있었다. 한편 타이완의 현대 사진도 대륙과 비슷한 궤도를 따라 발전했으며, 다양한 시각과 근원적 출발점에서 의미를 함축해내었다. 이번 전시회에서는 네 명의 젊은 예술가들이 소개되 는데 이들은 타이완 현대 사진이 지닌 독창적이고 다각적인 면모를 여러 가지 측면에 서 표출한다. 첸 친파오 (陳敬寶)의‘뎅쿵 프로젝트 (임시변통: Dengkung Project)’ 는 흑백 영상과 연출된 배치를 통해 어린 시절 공립학교에서 일어났던 갖가지 사건과 장면들을 마치 회상하는 것처럼 표현한다. 작가는 과거의 시간을 되살리는 동시에 현실 생활에 대한 관심을 드러내면서 묘하게 따뜻한 색채가 느껴지는 의미의 통로를 포착해 낸다. 타이완 야시장을 담아낸 츄 이-첸 (邱奕堅)의 작품은 타이완 민중의 일상적 특성 을 잘 드러낸다. 갖가지 물건들이 삶의 구성 요소들을 서술하듯 펼쳐져 있고, 사는 사 람이건 파는 사람이건 혹은 구경하는 사람이건 모두들 그 순간과 분위기 속에서 일상 으로 들어가고 또 수시로 일상을 떠난다. 구름다리의 건축구조를 묘사한 차오 빈-웬 (趙炳文)의 흑백작품은 강렬한 형식미를 드러낸다. 이 거대하고 복잡한 인공 조형물은 인간의 자연적인 속성을 배제시키며, 기능성이라는 그들의 유일한 존재 이유는 작가의 시선 아래서 의미를 상실해간다. 작가가 작품에서 논의하려는 것은 인간이라는 존재가 지닌 유한함과 생존의 자유 사이에서 벌어지는 갈등이다. 센 차오-량 (沈昭良) 은 타이 완 곳곳을 돌아다니는 가라오케 무대용 트럭을 보여준다. 트럭이 펼쳐지면 세상의 유행 을 실어 나르는, 말 그대로 완벽한 무대가 만들어진다. 작가는 어둑해질 때나 아무도 없는 시간만을 선택해 트럭을 면밀하게 촬영함으로써 시간과 공간에 대한 자신의 체험 과 깨달음을 표출했다. 타이완 작가건 중국 작가건 이들 예술가들은 모두 변혁의 시대에 살았다. 그래서 중국 현대 예술을 접할 때처럼 다분히 지역적이고 기호화된 각도에서 바라봐야 그들을 이해할 수 있을지 모른다. 하지만 예술가들이 처한 창작 여건을 감안해 그들이 표현하려는 의미를 심층적으로 찾는다면 다양한 각도에서 이해하고 접근할 수 있을 것 이다. 이번 전시회에 참가한 열 다섯 명의 예술가들은 모두들 고유의 방식으로 생명을 해석하고 자신의 심신을 작품 속에 투영했다. 또한 그들은 그저 카메라 뒤에서 엿보고 카메라를 다루는 것으로 그치지 않았다. 이들 예술가들은 변화무쌍한 시간 속에서 우리 가 시시각각 직면하게 되는 삶의 명제에 다가서고 접촉하려고 시도했다. 그들이 보여주 는 새로운 이미지와 상황, 정감과 지혜는 우리가 자신의 유한한 세계에서 벗어나도록 이끌어줄 것이다.


Memories of the Future

세명의 소년

Three Boys 2006 130 x 106 cm


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울타리옆의 여자들

Women at the Fence 2006 130 x 106 cm

Adou I don’t know why I take photographs; if I knew I would not keep taking them. I don’t know the significance of life; if I knew I would not keep on searching. To me, photography is a kind of belief. I believe that photography is better than me. This explains why I disdain churches, why I disdain all forms that are other than photography. When you become a part of the (his) photograph, you do not need our shallow sensibilities to emphasize the greatness of an image. You are just a vassal for the picture, some insignificant dust in the light. We are so arrogant, apt to become false gods at hypocritical moments. However, this is not a true part of ourselves, we can also find brilliance in those moments. This is the contradiction… If this answer has no significance – if you only care about process – then who can tell us, what is the process? “Don’t turn around, you’ll turn into stone.” Outward Expressions, Inward Reflections (2007), Three Shadows Photography Art Centre, Beijing, China

나는 내가 왜 사진을 찍는지 모른다, 만약 그 이유를 알고 있다면 나는 아 마도 계속해서 사진을 찍지 않을 것이다. 나는 삶의 의미를 모른다, 만약 알고 있다면 계속해서 탐색하지 않을 것이다. 나에게 사진은 일종의 믿음이다. 나는 사진이 나 자신보다 낫다고 생각한 다. 이러한 믿음은 내가 교회에 가는 것을 싫어하고, 사진이 아닌 다른 모든 형식들을 싫어하는 이유를 설명해준다. 누구든 사진의 일부가 되면, 이미지의 위대함을 강조하기 위한 우리의 피상적인 감수성에 기댈 필요가 없어진다. 우리는 단지 이미지를 위한 도 구일 뿐, 빛 속의 하찮은 먼지일 뿐이다. 우리는 너무나 오만하다, 그래서 위선적인 순간에 다분히 허위 신이 될 수 있다. 그러나 이것은 우리들의 진실한 모습이 아니며, 우리는 그러한 순간에 또한 탁월 함을 발휘할 수 도 있다. 이것이 바로 모순일진대... 이 답변이 아무런 의미도 갖지 않는다면-오로지 과정에만 관심이 있다면그렇다면 누가 우리에게 그 과정이 무엇이라 말해 줄 수 있겠는가?“뒤돌아 보지 마시 오, 돌로 변해 버릴 것이오.” 외향적인 표현, 내향적인 성찰(2007), Three Shadows Photography Art Centre, 베이징, 중국


Memories of the Future

닭을 안고 있는 가족

Family Holding Chicken 2006 130 x 106 cm


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여자와 양

Woman and Sheep 2006 130 x 106 cm


Memories of the Future

Chao Bin-Wen

다리 밑에서_10

Under the Bridge_10 2005 61 x 56 cm

Photography for me is the continuation of life, of painting and visual perspective. The choice subject of the viaduct is because ‘overhead’ is closely linked with our lives. It leaps with the township, it shuttles between buildings and the structure is relatively an open form, forming a space with the body underneath. In the face of the strong and straight Gangjin Bridge, it supports the weight of Bridge Road, which has curvature and great extension lines. In contrast, Qu Zhi cross-cuts, has mixed overlaps. Li Chu also has the value of inter-coordination. The logic of the on-screen metaphor to convey exists in the three-dimensional universe to give it vitality, and between abstract symbols shows a depth of the plane.

나에게 있어 사진이란 삶의 연속, 회화와 시각의 연속이다. 고가도로를 주 제로 선택하게 된 것은 고가도로는 우리 삶과 밀접하게 연결되어 있기 때문이다. 도시 와 도시를 연결해주고, 빌딩과 빌딩 사이를 왔다 갔다 한다, 그리고 상대적으로 개방적 인 구조는 밑에 있는 몸체와도 공간을 형성한다. 강하게 쭉 뻗은 강진다리(Gangjin Bridge)는 만곡과 길다란 연장선들을 보여주는 고가도로의 하중을 지탱한다. 이와는 대조적으로 큐 지(Qu Zhi)는 횡단으로 질러가고 혼합된 중복을 보인다. Li Chu 또한 상호 조화의 가치를 보여준다. 화면상에서 전달하고자 하는 은유의 논리는 고가도로에 생명력을 부여하고 추상적 상징들 사이에서 평면의 깊이를 보여주는 삼차원의 우주에 존재한다.


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다리 밑에서_06

Under the Bridge_06 2005 61 x 56 cm


Memories of the Future

다리 밑에서_08

다리 밑에서_09

Under the Bridge_08 2005 61 x 56 cm

Under the Bridge_09 2005 61 x 56 cm


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다리 밑에서_01

Under the Bridge_01 2005 61 x 56 cm


Memories of the Future

Chen Chin-Pao

About ‘CIRCUMGYRATION - DengKung Project’ The more I study contemporary fine art photography the more I doubt the existence of ‘reality’, especially the reality represented by photography. A photograph is actually a piece of paper with a photographic image. A photographic image for me now is nothing more than a message, an illusion or someone’s ideology. I have taught ‘arts and crafts’ at DengKung elementary school for ten years. All the children I photograph are students in my classes. They are around 12, adolescent. For the project of CIRCUMGYRATION, I keep watching daily life of students on campus, and try to select some scenes or events which actually happened, and get inspirations from ‘friends’ memories’. I then re-stage them by choosing a ‘better’ location, and selecting more ‘suitable’ students /characters. I might change the gestures slightly and add some properties if it’s necessary. I don’t think I have to be faithful to the things themselves. Artificial light is one of the elements I use to remind viewers the falseness or the drama in my photographs. By doing this, I believe I am partially dealing with memories toward my own childhood, as well as the collective memories of my generation who were born here in Taiwan. CIRCUMGYRATION is an on-going project. Simultaneously, I am also working on a project dealing with social and cultural landscape in Taiwan.

CIRCUMGYRATION - DengKung Project (임시변통: 뎅쿵 프로젝트) 내가 현대 순수 사진을 연구하면 할수록‘현실(reality)’의 존재, 특히 사진 에 의해 재현된 현실의 존재에 대해 더욱 더 의문을 갖게 된다. 사진이란 사실 사진 이 미지가 있는 한 장의 종이일 뿐이다. 현재 나에게 있어서 사진은 메시지나 환영, 누군 가의 이데올로기 이상의 아무것도 아니다. 나는 10년 동안 뎅쿵 초등학교에서‘미술과 공예’를 가르쳐왔다. 내가 사 진을 찍은 어린이들 모두가 나의 반 학생들이다. 그들 모두는 대략 12살 정도의 청소 년이다. CIRCUMGYRATION 프로젝트를 위해 교정에서 학생들의 일상생활을 꾸 준히 지켜본다. 실제로 일어난 사건이나 장면을 선별하고자 하고,‘친구���의 기억’으로 부터 영감을 얻는다. 그리고 나서 나는‘좀 더 나은’장소와 더‘적당한’학생/ 등장인 물들을 선택하여 사건이나 장면을 다시 연출한다. 나는 자세나 동작에 조금 변화를 주 기도 한다. 필요하다면 소품들을 일부 추가하기도 한다.

나는 사건 그 자체에 충실해야 한다고 생각하지 않는다. 인공조명은 내가 관람객들에게 내 사진에서의 허위성이나 연극성을 상기시켜주기 위해 사용하는 하나의 요소이다. 이렇게 함으로써 나는 내 어린 시절을 향한 기억들뿐만 아니라, 이곳 타이완 에서 태어난 우리 세대의 집단적 기억들을 조금이나마 다루고 있다고 생각한다. CIRCUMGYRATION은 계속 진행되고 있는 프로젝트이다. 또한 나는 타 이완에서의 사회 문화적 풍경을 다루는 프로젝트를 동시에 진행시키고 있다.

Tung-kai, Ching-an, Yu-meng, Chun-yi and Yu-han 2003 80 x 100 cm


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Chuan-fa, Yao-ting and Yen-ching 2002 80 x 100 cm


Memories of the Future

Hung-yi and Ying-ting 2002 80 x 100 cm


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Wen-chi, Pei-hsuan and Wei-jen 2003 80 x 100 cm


Memories of the Future

Chiu I-Chien

타이완의 야시장 (NO.5)

Night Market in Taiwan (NO.5) 2005 101 x 127 cm Right

NIGHT MARKET in TAIWAN In ‘Night Market’, photographic series of works, there are photographs taken from the night markets in Taiwan. Each work represents a vendor stall. Each stall represents this kind of transaction or commodity, but behind it represents a family which is dependant on the fresh source of income. Regardless, simultaneously there is the development of the Department store, which stand in great numbers. They have unfolded the toughest survival and do not have many substitutions. They have the close relationship with Taiwan resident's habits and customs and have also manifested the memory in which the collective grows together. Chiu I-Chien is also Taiwanse minority who insists on using the 8X10 large-scale camera for over 20 years. He encourages young photographers to develop towards this direction of creating photography tools.

타이완의 야시장 ‘야시장’사진 시리즈의 사진은 타이완의 야시장에서 찍은 것이다. 각 사진 은 한 매점의 상품 진열대를 대표한다. 각 진열대는 상품의 진열이나 거래를 의미하지 만, 그 이면에서는 가족 부양을 위한 하나의 생생한 수입원임을 의미한다. 이와는 별도 로 동시에 백화점들이 개발되고 있고, 그 숫자는 엄청나다. 백화점은 야시장 매점상인 들에게 전례 없는 생존 위협을 가져 왔고, 별 대안이 없는 형편이다. 야시장들은 타이 완 사람들의 습관이나 관습과 밀접한 관계를 가지고 있으며, 공동체가 함께 성장한 기 억을 증명해 왔다. 츄 이-첸은 20년 넘게 8x10의 대형 카메라를 사용하기를 고집하는 몇 안 되는 타이완 사진 작가 중 한 사람이며, 젊은 사진 작가들에게도 그렇게 하길 권하고 있다.

타이완의 야시장 (NO.8)

Night Market in Taiwan (NO.8) 2005 101 x 127 cm


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Memories of the Future

타이완의 야시장 (NO.4)

Night Market in Taiwan (NO.4) 2005 101 x 127 cm


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타이완의 야시장 (NO.2)

Night Market in Taiwan (NO.2) 2005 101 x 127 cm


Memories of the Future

1999(10-3) No.17 1997 100 x140 cm


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In 1995, I began photographing the state of animals that were living in the artificial environments of zoos. The works in this series are handcolored black-and-white photographs. This method comes closest to the fantastic and surreal, dreamlike feeling I get when photographing scenes. I started photographing animals in unnatural environments in 1995. At that time, I began thinking about equality and the emotional exchange between living beings. When humans lock animals in cages or environments that simulate nature, the animals lose their natural and free life. The life between people and animals is unequal from then on. Animals must look at humans through a cage, however, another way of seeing it is that you’re just in a larger cage. The most important thing is that the concept of life has been distorted. Believing that this distortion is normal, that it is what should be is a huge problem. I don’t believe that the fake is more beautiful than the real, and I also don’t think a tiger that lacks its natural qualities is pretty, but sometimes, people receive this and accept it as normal. I paint my photographs mainly to draw people visually, so that they go think about the underlying significance.

Huang Lei 나는 1995년에 동물원이라는 인공적인 환경에서 살고 있는 동물들의 상태 를 사진으로 찍기 시작했다. 이 시리즈 작품들은 흑백 사진에 손으로 조색을 한 것이 다. 이러한 방법은 내가 사진 장면을 찍을 때 느끼는 환상적이고 초현실적인 꿈과 같은 느낌에 다가가게 한다. 나는 1995년에 부자연스러운 환경에 살고 있는 동물들을 찍기 시작했다. 당시 나는 생명체들 간의 평등과 교감에 대해 생각하기 시작했다. 인간이 동물을 우리 나 자연을 모방한 환경 속에 가두게 되면 동물은 자신의 자연 상태에서의 자유로운 삶 을 잃어버린다. 그때부터 인간과 동물 사이의 삶은 줄곧 불평등하다. 동물들은 반드시 자신이 갇혀있는 우리를 통해서 인간들을 바라보아야 한다. 그러나 이것을 또 다른 방 식으로 본다면 우리는 또한 더 커다란 우리에 갇혀 있는 것일 뿐이다. 가장 중요한 것 은 삶의 개념이 왜곡되어 왔다는 사실이다. 이러한 왜곡이 정상적이며 당연히 그렇게 되어야 한다고 믿는 것이 더 큰 문제이다. 나는 모조품이 진짜보다 더 아름답다고 생각 하지 않으며, 자신의 본성을 잃어버린 호랑이가 멋지다고 생각하지도 않지만, 사람들은 때때로 이러한 사실을 수용하고 정상적인 것으로 받아들인다. 내가 내 사진에 색조를 칠하는 이유는 주로 사람들의 시선을 끌어당기기 위해서다, 그래서 사진을 보고 난 후 에 그것이 무엇을 의미하는지 생각해 볼 수 있도록 하기 위해서다.

2001(3-4) No.8 1997 100 x 140 cm


Memories of the Future

2001(3-3) No.8 1997 100 x 140 cm


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1997(12-5) No.11 1997 100 x 140 cm


Memories of the Future

Jiang Zhi

The Chinese conceptual photographer and artist illuminates in ‘Shine Upon Me.’ INFUSING landscapes with blinding light, pyrotechnics and rainbow arcs of neon, Chinese conceptual photographer and artist Jiang Zhi shapes commentaries on love, change, religious beliefs and urbanization. "Every piece has a surreal cinematic quality almost removed from everyday life. However, they were all created on location using essentially natural conditions," says David DeSanctis, co-owner of DF2, which shows Chinese works exclusively. Zhi's striking images, part of a two-year project studying illumination, are set in urban and natural settings as well as at landmarks such as Tiananmen Square, with the subject often bathed in an ethereal spotlight. Staged mostly at night in Beijing and photographed at low shutter speeds, the photos look as though they've been altered with special effects. ‘Things Would Turn Nails Once They Happened’ depicts a dilapidated red brick building atop a lone pillar of earth in a pit being excavated for construction. Just a few days before developers in Yangjiaping in Chongqing, China, demolished the pillar, Zhi set up a spotlight, whose beam accentuated the prominence of the building - and its role in a property rights dispute. "In the way that Hollywood gives the impression of reality, Jiang Zhi has reversed that and created these fictional cinematic moments from reality," says DeSanctis. Which raises the question: Are the subjects being pulled into the spotlight or are they pursuing it? By Liesl Bradner, Los Angeles Time, Los Angeles, USA, 2008

중국의 개념주의 사진작가, 장 쯔는‘나에게 빛을 비추세요’라는 시리즈로 주목 받고 있다. 눈부신 빛, 조명탄, 네온사인의 무지개 빛으로 가득한 풍경 이미지를 만들 어내는 중국의 개념주의 사진작가자 예술가인 장 쯔는 사랑, 변화, 종교적 신념과 도시 화에 대한 논평을 만들어낸다. 중국작품만을 전시하는 DF2 갤러리의 공동 대표인 데이빗 디생티스 (David DeSanctis)는 말한다:“장 쯔의 작품은 하나하나 모두 초현실주의 영화와 같 은 면모를 지니고 있어 일상으로부터 유리된 것 같다. 그러나 이 작품들은 모두 로케이 션 촬영을 한 것이고, 궁극적으로 모두 자연 상태에서 창작된 것이다.” 장 쯔의 인상적인 이미지들은 작가의 2년 기간의 조명연구 프로젝트의 일 부로서, 도시와 자연환경, 혹은 천안문과 같은 유명한 장소를 배경으로 만들어졌으며, 강한 스포트라이트로 주인공은 강하게 비추어진다. 대부분의 작품은 베이징의 밤을 무 대로 저속 촬영한 사진들로 마치 특수 효과를 주어 이미지가 조작된 것처럼 보인다.

“그 일이 벌어지면 사물은 못으로 변할 것이다. (Things Would Turn Nails Once They Happened)”라는 작품은 재건축을 위해 파헤쳐진 땅 구덩이 속 혼자 서 있는 흙 기둥 꼭대기 위의 기울어져가는 붉은 벽돌 건물을 위태롭게 보여준다. 중국 충칭시 양쟈핑 거리에 택지개발업자들이 흙 기둥을 헐기 몇 일 전에 장 쯔는 건 물의 유명함과 재산권 분쟁의 극치를 강조하기 위해서 스포트라이트를 설치했다.“헐리 우드가 영화를 통해 허구를 실제처럼 만들어 낸다면, 장 쯔는 그 반대의 방법으로 실제 로부터 허구적으로 보이는 영상적 순간들을 만들어낸다.”라고 데이빗 디생티스는 말한 다. 이 시점에서 다음과 같은 질문을 해 볼 수 있다. 사진의 주인공들은 누군가가 스포 트라이트 안으로 끌어들여오고 있는 것인가, 혹은 그들이 스포트라이트를 쫓아 거기에 있는 것인가? Liesl Bradner, Los Angeles Time, Los Angeles, USA, 2008

그 일이 벌어지면 사물은 보다 단순해 질것이다-No.5

Things would turn simpler once they happened-No.5 2006 150 x 200 cm


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그 일이 벌어지면 사물은 보다 환영적일 것이다-No.1

Things would turn illusive once they happened-No.1 2007 150 x 200 cm


Memories of the Future

그 일이 벌어지면 사물은 보다 단순해 질것이다-No.3

Things would turn simpler once they happened-No.3 2006 150 x 200 cm


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그 일이 벌어지면 사물은 보다 환영적일 것이다-No.2

Things would turn unbelivable once they happened-No.2 2006 150 x 200 cm


Memories of the Future

Introduction to Another Episode The real space in which I’m living is rather miscellaneous and seductive. It has gorgeous lights and shadows. Also it’s full of desires, powers, feelings’ control, and benefits’ exchange. The more communicating approaches this world has, the more isolated and close from each other we feel. Each person is an isolated island. The more we wish to become a part of it, there is more repulsiveness and resistance, which we don’t know where it comes from, but we feel. I’ve hoped for a long time to construct a world using my own language. This world has light colors, gentle sounds, and is a system full of beauty and harmony. There are white clouds, and fish can fly freely … When I deliberately keep my mind in the state of auto-driving, it turns out what breaks into this world, which eventually contains memory fragments from reality. Although all the segments only concern dreaming space, loving and being loved, instincts and habits, they are marks of reality - they become control and compromise, betrayal and runaway, resistance and seeking other outlets, warmth and tension … they are all shadows of reality, and perhaps you are also on the spot yourself. They’re likely tenable, or untenable. Perhaps they’re powerless even to have no effects, but they always refuse to disappear. After the states of no choices and helplessness, and between the states of firm and infirm, I hope that I can present the simplest truth by means of a fable, take delight in doing so, and never feel tired …

또 다른 에피소드 내가 실제 살고 있는 공간은 꽤 잡다하면서 유혹적이다. 거기에는 화려한 빛과 그림자가 있다. 거기에는 또 욕망, 권력, 감정의 조절 및 이익의 교환이 충만하다. 세상에 소통의 방식이 늘어나면 날수록, 사람들은 서로로부터 더욱 고립되고 폐쇄된 것 처럼 느낀다. 사람들은 한 사람 한 사람 모두 고립된 섬이다. 우리가 다른 한 섬의 일 부가 되고자 원하면 원할수록 더 많은 혐오감과 저항감이 생긴다. 그것이 어디서부터 오는지 알 수 없지만 우리는 느낀다. 나는 오랜 동안 나만의 언어를 사용하는 세계를 만들어내기를 갈망해 왔 다. 이 세계는 밝은 색채와 부드러운 소리를 가지고 있으며, 아름다움과 하모니로 가득 찬 시스템이다. 흰 구름이 있고, 물고기가 자유롭게 날 수 있다... 일부러 나의 마음을 자동운전상태에 놓고 보면, 결국 이 세계로 침입하는 것은 현실로부터 오는 기억의 파 편들이었다. 모든 부분이 오직 꿈의 공간, 사랑하고 사랑 받는 것, 본능과 습관에만 관

Liu Lijie 심이 있었지만, 그것들은 모두 현실의 표시였다-그것들은 통제와 타협, 배신과 도주, 저항과 또 따른 출구의 모색, 따뜻함과 긴장이 된다. 그것들은 모두 현실의 그림자, 어 쩌면 당신도 지금 곤란한 상황에 있는지도 모를 일. 그것들은 이치에 맞을 수 도, 맞지 않을 수 도 있다. 어쩜 그것들은 영향을 미치지 않을 만큼도 영향력이 없는 것일 수 도 있다. 그러나 그것들은 좀처럼 사라지지 않는다. ‘선택 없음’상태와‘무기력’상태가 지나간 후,‘튼튼한’상태와‘쇠약한’ 상태의 사이에서, 나는 우화를 통해 가장 단순한 진리를 제시하고, 그렇게 함으로써 즐 거움을 얻고, 결코 피곤함을 느끼지 않기를 바란다.

또 다른 에피소드 NO.9

Another Episode NO.9 2006 100 x 140 cm


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또 다른 에피소드 NO.22

Another Episode NO.22 2007 100 x 140 cm


Memories of the Future

또 다른 에피소드 NO.14

Another Episode NO.14 2007 100 x 140 cm


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또 다른 에피소드 NO.23

Another Episode NO.23 2007 100 x 140 cm


Memories of the Future

Even now, I still don’t know what photography is, I just obstinately keep holding a snapcamera and shoot muddleheadedly. Obstinacy, muddle, apartness, stinginess, timidity and nostalgia, these characters influence my way to view the world around me. Loneliness and fear often drive me, and I wake up crying from sleep, filled with fear of losing everything. I try my best to analyze my inner heart by photography, use solitude to comfort the solitude in my soul. It is my most particular and important way of speaking, it helps me carry the dream and reality through to the end. The timid me, believe that my snapcamera will definitely save my spiritual kingdom.

지금도 나는 사진이 무엇인지 모르며, 다만 고집스럽게 스냅 카메라를 들 고 얼빠진 사람처럼 찍기를 계속하고 있을 뿐이다. 집요함, 혼란함, 고립성, 인색함, 수 줍음과 향수, 이러한 특성들은 내가 나를 둘러싸고 있는 세계를 바라보는 방식에 영향 을 미친다. 나를 움직이는 것은 종종 외로움과 두려움이다. 나는 모든 것을 잃어버릴 것 같은 공포에 질려 울면서 잠에서 깨어난다. 나는 사진을 통해 내 마음 속을 분석하려고 애쓰며, 내 영혼의 고독을 달래 기 위해 고독을 이용한다. 사진은 내가 이야기하는 가장 독특하고 중요한 방식이며, 나 로 하여금 꿈과 현실을 끝까지 안고 가게 도와준다. 내성적인 나는 나의 스냅 카메라가 분명 내 영혼의 왕국을 구해줄 것이라고 믿는다.

Qiu

광동 핑유안

Guangdong Pingyuan 2005 29 x 42 cm


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광저우

Guangzhou 2004 29 x 42 cm


Memories of the Future

광동 핑유안

Guangdong Pingyuan 2004 29 x 42 cm


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광동 핑유안

Guangdong Pingyuan 2002 42 x 29 cm


Memories of the Future

A decade ago, avant-garde photographer RongRong lived in a farmhouse and took photographs of odd jobs to support himself. "No one was interested in buying my work," he recalls. When he was photographing performance artist Zhang Huan – who had stripped naked, covered himself with honey, and sat for an hour in a Beijing public toilet while flies landed on him – a villager stumbled upon the shoot and called the authorities. RongRong's wife Inri, is also keen on breaking with convention and pushing the boundaries of artistic practice to the limits – she brings to her work a fresh, uncompromising approach. Both artists are fascinated by the mysterious transformation of the world they live in. Inri's grotesque Tokyo 1999, in her own words, represents

RongRong & Inri "illusions born from the radiation of darkness – a symphony of the changing light and shadow." In Rong Rong's Ruin pictures, the residents of the half?demolished houses have long gone, but the wall decoration and photo negatives they leave behind, though abandoned and damaged, still breathe with life. Since the beginning of their partnership, they have worked closely together, often photographing their naked bodies in extreme, stunning environments, such as raging blizzards and vast open spaces. Together, they “have tried to enter a wordless world.” Excerpt by Professor Wu Hung for Tui – Transfiguration (2004)

10년 전에 아방가르드 사진 작가 롱롱은 한 농가에 살았다. 먹고 살기 위 해 이런저런 사진일을 했다.“아무도 내 작품을 사려고 하지 않았다”고 그는 회상한다. 행위 예술가 쟝 후앙(Zhang Huan)은 온 몸에 꿀을 바른 채 알몸으로 베이징의 한 공 중 화장실에서 한 시간 동안 파리들이 달라붙도록 내버려둔 채 앉아 있고 롱롱은 이 장면을 촬영하였다. 이 촬영 장면을 본 한 마을 사람은 공안을 불렀다. 롱롱의 부인 인 리 또한 관습을 깨고, 예술적 실천의 경계를 한계까지 밀어붙이는 것을 좋아한다-그녀 의 작업방식은 신선하고 타협이 없다. 롱롱과 인리는 둘 다 그들이 살고 있는 세계의 신비스러운 변화에 매혹되 어있다. 인리의 괴기스러운‘도쿄 1999’는 그녀의 말대로“어둠의 발산으로부터 태어 난 환영 변화하는 빛과 그림자의 심포니”를 나타낸다. 롱롱의‘폐허’사진들에서 반은 허물어져버린 집들에 살던 거주자들은 영원히 가버렸지만, 벽의 장식과 그들이 남기고 간 사진들은 여전히 삶과 더불어 숨쉬고 있다. 파트너로 일하기 시작한 이후 이들은 밀 접하게 함께 작업해왔고, 휘몰아치는 눈보라 속이나 광활하게 열린 공간 같은 극한의 아름다운 환경에서 자신들의 알몸을 찍는 작업을 자주 해왔다. 이 두 작가는“말이 없 는 세계에 진입하고자 노력하였다.” 휴 훙 (Wu Hung) 교수의 글 Tui-Transfiguration (2004) 에서 발췌

류리둔, 베이징 no.1.1

Liulitun, Beijing no. 1.1 2003 60 x 80 cm


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류리둔, 베이징 no.13

Liulitun, Beijing no. 13 2002 80 x 80 cm


Memories of the Future

류리둔, 베이징 no.5

Liulitun, Beijing no. 5 2003 80 x 80 cm


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류리둔, 베이징 no.8

Liulitun, Beijing no. 8 2003 80 x 80 cm


Memories of the Future

Shen Chao-Liang

STAGE Since the 1970s, Taiwan society has developed its own cabaret culture, which is different from those of the Western countries. In the early years, performers were invited to perform entertainment programs, often in the form of singing and dancing, in a variety of occasions, ranging from wedding banquets or funerals to religious ceremonies. In order to move conveniently around the country, they chose to perform in a simple ‘theater’ usually in a camp or on a truck renovated specifically for the performance. The form then became the origin of a unique Taiwanese cabaret culture. As Taiwan gradually developed into a more industrial and modernized economy, the performances have evolved by introducing new technologies and equipments as well as applying more sophisticated skills to improve their entertainment effects. Given all the changes, the traditional elements featuring Taiwanese cabaret can still be found today–joyful, spontaneous, innovative, highly interactive with the audience, they have attracted and entertained generations of Taiwanese people from all walks of life and in every corner of the island. This photograph project started in early 2005 with an intention to record the important culture of Taiwan that has witnessed countless changes as Taiwan gradually developed into a modern economy. At the exhibition, the presentation of the photos featuring various ‘truck theaters’ is intended to be a ‘window’ for the viewers, especially those who are not familiar with the performances, to glance and appreciate the unique part of Taiwanese culture. The ‘truck theaters’ presented in the photos are either the most popular or some unique “truck theaters” used in cabaret performances today, some being re-designed or renovated several times since early 1990s. It is my hope that, through the ‘window’ of these colorful ‘truck theaters’ and cabaret performers, the diverse and rich elements of Taiwanese culture will be introduced to more people from around the world.

타이완이 점차 산업화되고 근대적인 경제로 발전함에 따라 공연도 여흥의 효과를 높이기 위하여 새로운 기술과 장비를 도입하고 좀더 세련된 솜씨를 자랑해 왔 다. 이러한 변화에도 불구하고 타이완 카바레를 특징짓는 전통적 요소들은 오늘날에도 여전히 찾아볼 수 있다. 즉, 즐겁고, 즉흥적이고, 혁신적이며, 관객과 고도로 쌍방향적 인 것이 그 요소들이며, 타이완 카바레는 바로 그러한 이유에서 지금까지 몇 세대에 걸 쳐 타이완 각처의 다양한 계층의 사람들에게 사랑받으며 공연을 하고 있는 것이다. 이 사진 프로젝트는 2005년 초반에 시작되었다. 타이완 카바레는 타이완 의 중요한 문화로서 타이완경제의 점차적인 근대화 과정에서 수많은 변화를 직접 목격 하였다. 이 프로젝트의 의도는 이렇게 중요한 타이완의 카바레 문화를 기록으로 남기자 는 것이다. 전시에서 다양한‘트럭 무대’사진을 볼 수 있는데, 이는 관람객, 특히 타 이완 카바레 공연에 익숙하지 않은 관람객에게‘창문’을 제공하여 타이완 문화의 독특 한 부분을 보고 감상할 수 있도록 의도된 것이다. 사진에 보이는‘트럭 무대’는 가장 인기가 좋거나 1990년대 초반부터 몇 차례 새로이 디자인되고 개조되어 오늘날 카바 레 공연에 사용되는 다소 독특한‘트럭 무대’들이다. 이렇게 다채로운 색상의‘트럭 무 대’와 카바레 공연자들의‘창문’을 통해 타이완 문화의 다양하고 풍부한 요소들이 전 세계의 좀 더 많은 사람들에게 소개되기를 바란다.

무대 #05

1970년대부터 타이완 사회는 서양 어느 국가에서도 볼 수 없는 특유의 카 바레 문화를 발전시켜왔다. 초기에 공연자들은 결혼식 피로연이나 장례식에서부터 종 교 의식까지 다양하게 춤추고 노래하는 형식으로 여흥 프로그램에 초청받았다. 전국적 으로 여러 지역을 좀더 편리하게 이동하기 위해 공연자들은 간단한 무대를 선택하여 공연한다. ‘무대’라 함은 보통 야외 캠프를 말하거나 공연을 위해 특수하게 개조된 트 럭을 의미하는 것이다. 이러한 형식이 독특한 타이완 카바레 문화의 기원이 되었다.

STAGE #05 2007-2008 24 x 20 inch


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무대 #06

STAGE #06 2007-2008 24 x 30 inch


Memories of the Future

무대 #03

STAGE #03 2007-2008 24 x 20 inch


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무대 #09

무대 #11

STAGE #09 2007-2008 24 x 20 inch

STAGE #11 2007-2008 24 x 20 inch


Memories of the Future

Yao Lu Passing spring at the ancient dock

오래된 부두에서의 잠깐의 봄

With superb digital technique, Yao Lu’s series of ‘Chinese Landscapes’ takes material piles of green (occasionally black) dustproof cloth-covered construction materials (or garbage) that can be seen everywhere in today’s Beijing. With these he constructs pavilions and towers, making landscape paintings that seem to be carefully worked out. But with careful observation, you will find modern peasant workers with safety helmets walking between the mountains and waters, protruding a sudden disharmony of time and space. According to common imagination and culture, those who walk between the mountains and waters should be scholar officials, fishermen, and woodcutters, but in the picture, it is the workers wearing safety helmets who step into the landscape, breaking dreams and imagination. So this poetic picture comes from modern construction, and indicates the reality full of construction. Through clever application, we finally have to accept such a truth: the green dustproof cloth for covering ugliness and preventing dust and theft and the mounds they form have become a new symbol of contemporary China.

야오 류의‘중국 풍경’시리즈는 훌륭하게 디지털 기술을 사용하여 오늘날 베이징의 어디에서나 볼 수 있는 건축 자재 (또는 쓰레기)를 덮고 있는 녹색 (종종 검 은색) 방진 천 더미를 찍는다. 거기에 정자나 누대를 추가하여 세심하게 계획된 것처럼 보이는 풍경화들을 만들어낸다. 그러나 자세히 관찰해보면 시간과 공간의 뜻밖의 부조 화를 만들어내면서, 안전모를 쓰고 산과 물 사이를 걷고 있는 현대의 농촌 노동자들을 찾을 수 있을 것이다. 일반적인 상상과 문화에 따르면 산과 물 사이를 걷는 사람들은 학자 출신의 고위관리, 혹은 어부나 나무꾼이어야 할 터이지만, 이 사진에서 꿈과 상상 을 깨며 풍경 속에 발을 들여놓은 것은 안전모를 착용한 노동자들이다. 그래서 이 시적 인 그림은 현대 공사장면에서 왔으며, 공사로 가득 찬 리얼리티를 가리키고 있다. 이제 우리는 마침내 이런 진실을 받아들여야 한다. 즉, 흉함과, 먼지와, 도난을 막기 위한 녹 색의 방진 커버와, 커버 밑의 더미들은 이제 현대 중국의 새로운 상징을 형성한다고.


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오래된 부두에서의 잠깐의 봄

Passing spring at the ancient dock 2006 120 x 120 cm

유산 옆으로 항해하는 고기배들

Fishing boats berthed by the Mount Yu 2008 120 x 300 cm Left


Memories of the Future

서늘한 황혼의 새와 눈

Birds and snow in the cold dusk 2008 120 x 120 cm


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멀리서 보는 가을산의 풍경

View of autumn mountains in the distance 2008 120 x 120 cm


Memories of the Future

‘River’, shows clips from Zhao Liang’s filming of Beijing’s foul gutters. These screens are lined up in a row on the ground to provide the audience with a view from above, as if they are on the shore looking at river slowly drifting away. On its surface floats waste disposed from our everyday lives: plastic bags, compost, colorful school bags, dead fish, animal gizzards, etc. The video and photograph was filmed from ten different locations, yet without any intent of making it an environmental survey. The filthiness in the gutters has not been purposefully highlighted, instead it takes on the perspective of those living in the vicinity who see it everyday, and perhaps don’t even notice it. It reveals a sense of helplessness that is somewhat poetic. The scene offers the traces of life, likening it to filthy water and its gloomy green water algae, air bubbles bursting on the surface. These signs of life seem to have gotten used to this environment – numbed to its vileness – reminding us of life’s insignificance and negligible ‘impermanence.’ By Li Xianting, April 2008

강은 쟈오 량이 베이징의 하수구를 촬영한 것으로부터 발췌한 장면을 보여 주는 것이다. 이 스크린들은 관람객들이 위에서 내려다 볼 수 있도록 바닥에 일렬로 정 렬되어 있어서, 마치 관람객들이 강가에서 천천히 흘러가는 강을 보고 있는 듯한 느낌 을 준다. 그 표면에는 플라스틱 봉지, 음식물 쓰레기, 색색의 책가방들, 죽은 물고기, 동물들의 내장등과 같은 생활 쓰레기가 떠다닌다. 비디오와 사진은 열 군데 다른 지역에서 촬영되었지만, 환경 조사를 하려 는 의도 같은 것은 없었다. 하수구에서의 불결함은 의도적으로 강조되지 않았으며, 대 신에 매일 이 광경을 보면서도 아마 이것을 인식하지 조차 못한 채 살고 있는 이웃들 에 초점을 맞추었다. 이것은 다소 시적이기도 한 무력감을 드러내고 있다. 이 광경은 더러운 물과 탁한 녹색의 녹조류, 표면에 일어나는 기포들에 비유되면서 삶의 흔적을 나타낸다. 이러한 삶의 징후들은 그 비열함에 무디어져 버린 채 이러한 환경에 익숙해 져 있는 듯하다. 그리고 이것은 우리에게 삶의 무의미함과‘덧없음’을 일깨워준다. 리 시앙팅 (Li Xianting), 2008년 4월

Zhao Liang

물 2

Water 2 2006 110 x 137.5 cm


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Water 1 2006 110 x 137.5 cm


Memories of the Future

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Water 4 2006 110 x 137.5 cm


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Water 6 2006 110 x 137.5 cm


Memories of the Future


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Zhang Hai’er

Mademoiselle Zhang Yibin, Guangzhou ( Of the Series "LADY" ) 2000 106.36 x 105 cm

Background of characters from photographic images. A daughter from an army officer's family (both her father and mother were high ranked officers for the People's Liberation Army, now retired), Zhang Yibin was born in 1959 in Guangzhou. She joined the army at the age of 18 and served 3 years before taking on jobs as a factory worker and advertising company clerk, etc. She is still single after 3 broken-hearted marriages from the past 10 years. After working in the movie production management field, she became a successful businesswoman. Zhang immigrated to Canada in 2001 but stays in China taking care of her business today. Zhao Ming, born in 1966 in Beijing, graduated from the Guangzhou Academy of Fine Art as a student of fashion design. She now lives in Beijing and works as a teacher of cutting technique for the Beijing College of Fashion Design. Mister Koc, calling himself ‘Lune Violette,’ is aged 29 and quite well-known amongst cross-dressers in China. He is a teacher of Chinese for a high school in a small town in the eastern part of Guangdong province. He dressed and posed for the photo in the photographer's home-studio in Guangzhou on January 3, 2007. Calling himself ‘Lyliaan,’ he lives in Beijing and works as an interior designer. The photo is taken in a loft suite in the Regal Court Hotel, Beijing on April 30, 2007.

사진 주인공들에 대한 소개 육군 장교 집안 (아버지와 어머니 두 분 모두 중국 인민 해방군의 고위 장 교였으며, 현재 퇴역했다)의 딸인 쟝 이빈 (Zhang Yibin)은 1959년 광저우에서 태어 났다. 그녀는 18 살에 군에 들어가 3년 복역한 후 공장 노동자 및 광고 회사 사무원 등의 직업을 거쳤다. 그녀는 과거 십 년 동안 세 번에 걸친 결혼 생활의 파경을 겪은 후 여태껏 혼자 살고 있다. 영화제작경영분야에서 일하면서 그녀는 성공적인 여성 사업 가가 되었다. 쟝 (Zhang)은 2001년에 캐나다로 이민을 갔지만, 중국에 체류하면서 자 신의 사업을 관리하고 있다. 쟈오 밍 (Zhao Ming)은 1966년 베이징에서 태어나 광저우 미술대학에서 패션디자인을 전공하였다. 그녀는 현재 베이징에 살면서 베이징 패션디자인대학에서 재단 기술을 가르치고 있다. 콕 (Koc)씨는 29세이고 자신을“Lune Violette”이라 부르는데, 중국의 이성 복장자들 사이에는 꽤 유명하다. 그는 광둥성 동부 작은 마을의 고등학교 중국어 교사이다. 그는 2007년 1월 3일에 광저우의 사진 작가의 스튜디오에서 복장을 갖추고 사진 모델을 섰다. 자신을“릴리안 (Lyliaan)”이라고 부르는 모델은 베이징에서 살면서 인테 리어 디자이너로 일하고 있다. 사진은 2007년 4월 30일 베이징의 리걸 코트 호텔의 스위트 룸에서 찍었다.


Memories of the Future

Mademoiselle Lee Lynna, Beijing ( Of the Series "LADY 2[ tu: ]" ) 2007 105 x 71.34 cm


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Mademoiselle Zhang Yibin, Guangzhou ( Of the Series "LADY" ) 2000 105 x 71.34 cm


Memories of the Future

Before the sun sets, you bring in the quilt that has been airing outside for an entire day under the brilliant sun. Come bedtime, it not only provides warmth but almost smells like the sun. In housewives’ and old people's routine of airing and recollecting quilts, you can feel the warmth of every household. Today it's different from old times. In the past, the quilts were aired out in the family courtyard or garden, where it was more eye-catching. Today, there are clusters of six or seven story buildings everywhere. The quilts do not stand out in this background; they're almost lost to people. The quilts aren't as beautiful as they were before. It's rare to see the solid bright reds or greens, large or delicate flowers that were so popular long ago. In the past, people invested a lot of emotion into ordinary personal items, like weaving a sweater or giving away a scarf. Making a new quilt needed to be done very carefully-picking out the materials and colors exercised people's sense of aesthetics and reflected their emotions... It's no longer the case with people today...

해가 지기 전에 눈부신 햇빛아래 하루 종일 일광소독을 한 누비이불을 걷 는다. 취침시간이 되면 이불은 온기를 제공할 뿐만 아니라, 햇살 내음을 그윽하게 느끼 게 해준다. 누비이불을 바깥에 널고 걷는 주부들과 노인들의 일과 속에서 모든 살림집 의 온기를 느낄 수 있다. 오늘날은 옛날과 달라졌다. 과거에 누비이불은 가정의 안뜰이나 정원에 널 려졌고, 그래서 눈에 훨씬 잘 띄었다. 오늘날에는 도처에 육층이나 칠층 건물들이 밀집 해 있다. 누비이불들은 이러한 배경에서는 그다지 눈에 띄지 않는다. 사람들은 거의 기 억을 못한다. 누비이불들은 예전만큼 아름답지 않다. 옛날에 인기 있던 단색의 붉은색 혹은 녹색, 큰 모양 혹은 섬세한 모양의 꽃무늬는 보기 드물어졌다. 옛날 사람들은 스웨터를 짜거나 스카프를 물려주는 것처럼 평범한 개인 용 품들에 많은 감정을 부여했었다. 새로 누비이불을 만들 때는-그 사람의 미적 감각이 담기고, 자신들의 감정이 반영된 소재와 색상을 고르는 등 대단히 세심하게 할 필요가 있었다... 그러나 이제는 더 이상 그렇지 못하다.

Mo Yi

화창한 날-No.3

Sunny Days-No.3 2006 40 x 60 cm


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화창한 날-No.4

Sunny Days-No.4 2006 40 x 60 cm


Memories of the Future


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화창한 날-9개의 롤필름 중 324개의 기억들

Sunny Days-324 Memories in 9 Rolls of Film 2000 50 x 206.5 cm


Memories of the Future

There is always a certain degree of risk in creating. For emerging artists, there is no road to follow - every step is a new beginning. I think the only thing that is perpetual in this world is change, and the real danger in the arts is to remain unchanged. I compare the similarities and differences between things, and join them to form a net which captures all the poetry that I felt and currently feel.

창작에는 항상 어느 정도의 위험이 따른다. 신진작가들의 경우 어떤 정해 진 길이 있는 것이 아니다-한 걸음을 뗄 때마다, 그것은 새로운 시작일 뿐이다. 나는 이 세상에 영속하는 유일한 것은 변화뿐이며, 예술에 있어서 진정한 위험이란 변화되지 않는 채 남아있는 것이라고 생각한다. 나는 사물들 간의 유사점과 차이점을 견주어보고, 내가 과거에 느꼈었고 현재 느끼고 있는 모든 시적 감흥을 사진으로 기록하여 하나의 망을 형성하도록 그들 을 연결한다.

Li Tianyuan


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티엔유엔 우주 정거장 2001.2.12

Tianyuan Space Station 2001.2.12 2001 30 x 90 cm


Memories of the Future

티엔유엔 우주 정거장 2001.2.2

Tianyuan Space Station 2001.2.2 2001 30 x 90 cm


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티엔유엔 우주 정거장 2001.1.1

Tianyuan Space Station 2001.1.1 2001 30 x 90 cm


Takagi Cozue . Anrakuji Emi . Takahashi Mariko . Takano Ryudai . Sakurada Munehisa . Sawada Tomoko . Yashiro Toshihiro . Uchihara Yasuhiko . Yanagi Miwa . Utsu Yumiko . Nomura Hiroshi . Motoki Miyuki .


2008 Daegu Photo Biennale

일본

Korean . Chinese . Japanese Contemporary Photographs Memories of the Future

Japan


Memories of the Future

Body Images in Digital Era Iizawa Kotaro Phtographic Critic

이이자와 고타로_사진평론가

디지털 시대의 신체 이미지

From the late 1990s, the number of photographers producing digital images instead of analogue (film) pictures increased rapidly in Japan. The change of hardware naturally has a great impact on the content of the work. Here, let us examine the changes that occurred in the body image, still an important theme for photographers, since the arrival of the digital age. A digital image, an aggregate of non-material data, has special characteristics that easily accommodate the following functions: change (being able to make changes freely or make alterations); confirm (being able to confirm images on the spot); accumulate (being able to record and preserve large volumes of images); correspond (being able to simply send and receive images on the Internet); and erase (being able to erase images). Using the functions such as these that were not available during the analogue era, photographers have started to build up a new body image. What is noticeable at once is the appearance of body images not based on material physicality but on what we can call semiotics; it is a body image with changeable parts. In a digital image, the body can be edited part by part, and the photographer can then create any photographic situation she wants to. MORIMURA Yasumasa is a Japanese photographer. His selfportraits, in which he becomes the character in the various paintings of Western masterpieces, are typical of the works that make a good use of the characteristics of digital image. The body image in the digital era is thus becoming semiotized, or becoming a system of signs, and non-materialized, albeit to different degrees. Now, one may ask, “So has the emotional power of sadness, anger, happiness, pain, ecstasy, or the power of reviving memory, which are generally attendant to works dealing with the body, been lost?” The answer is no, it has not been. Instead, we see that, with the advancement of the digital era, the digitalized photography tends to emphasize the increasingly disappearing physicality of the body. Even in the era of digital age, the fact that we do not have a complete control over our body and that death will surely visit us someday has not changed. Thus, using various expressive methods, photographers explore how our body is generated, changed, and how such changes influence our mind. With the acceleration of the hardware digitalization, the possibilities for such work are being maximized. The examination of the works by twelve photographers here will attest to this phenomenon. YANAGI Miwa is one of the artists who have embraced the


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‘changeability’ of the digital photography most aggressively. In the Elevator Girls produced in the 1990s, she portrays a daydream-like world in which mutually indistinguishable and semiotized female bodies propagate in an urban space. In her works produced in the 2000s, elements are added to her work that remind the viewer of mythologies from the past. Her seminal work, Three Fateful Goddesses, portrays a fable-like imagination that recalls childhood fears and pains ever dormant deep in our memory. SAWADA Tomoko made her debut with ID400 in 1999 and has been insistent ever since on producing self-images. Her work OMIAI♡ is consistent in reflecting the photographer’s attitude of wanting to correct the difference between other people’s images of her and her own self image. ‘OMIAI♡’ is a uniquely Japanese ceremony in which young men and women in search of marriage partners meet. They exchange pictures of each other prior to their meeting, and the pictures are frequently presented with touch-ups. Sawada proposes various images of a woman by changing the subject’s makeup or dress and challenge the dogma of the ‘one and only absolute self.’ What TAKANO Ryudai expresses in the series of Tender Penis is also the image of body which cannot be controlled. Naked bodies of men, which are elongated so that they are bigger than life size, are divided into two parts exactly at the point of their penises. It is not clear when seen directly from the front, but their penises are photographed twice: once at erection state, and another at normal state. These hidden penises come into the view when seen from behind. Tender Penis is a critical work that makes a cool observation, at once comical and solemn, of the male body. UCHIHARA Yasuhiko is continuously upgrading his homepage ‘Son of a BIT’ by taking many images with his camera since his debut as a photographer. He is thus considered one of the pioneers in the digital era who developed the very forefront of photographic expression. Since 2004, he has developed a strong interest in the texture of digital images; he started to present his work by connecting hundreds of images to a PC screen in a stitching method. The result was a ‘very heavy image’ which was an unprecedented piece where materiality was granted more than the analogue picture on the digital screen which is aggregate of non-material data. YASHIRO Toshihiro started to produce his work by taking pictures of a rotating body in the screen since 2000. In the beginning, the photographer himself was rotating with a black costume on the whole of his body, but his work evolved to take on performance aspects with bright colors and schools

and such places as a back stage. The contour of the rotating body disappears, and the colors merge into one to create a festive space. ANRAKUJI Emi proliferates images as if they are a living creature by presenting erotic performances in everyday space. In her work, pain and pleasure, Eros and Thanatos, beauty and the grotesque co-exist as if they are the two sides of a coin, and these works make the viewers experience her ecstasy in an endlessly changing tunnel of images. This experience is similar to the yearning for the warm and cozy feeling of floating in mother’s womb. UTSU Yumiko is an artist who focuses persistently on the feelings of childhood. Using dolls, insects, plants and food and mixing these materials at random to produce a strange effect with vitality and all natural colors, what Utsu creates is like a traveling entertainment land. In this world, color seems more important than meaning, sense of touch more than vision. She joyfully creates miniature universes that are filled with ‘creepy, cute and strange’ objects, in the way a child might make nightmares out of clay dough. NOMURA Hiroshi produces works that have the ‘eyeball,’ an important anatomical part of our body, as the theme. His ‘eyeball’ is a semiotized, like the ones in a cartoon, so that it moves about freely and attaches itself to various objects. Objects and scenery that the ‘eyeball’ sticks to look like a living organism. With full of humor but with a repulsive feature, it has a fascinating charm which cannot be forgotten once seen. SAKURADA Munehisa is an artist who has been famous since the 1990s, and since his solo exhibition Munetopia (Zeit Photo Salon, Tokyo) in 2008 his talents have been even more firmly recognized. On a colorful and decorative screen, created with layers of digital images, big and small semiotized body images are scattered about. It is a make-believe world, it seems to have materialized a girl’s fantasy, but still one feels certain vividness. Munetopia is supposed to be a virtual world, and the characters that appear there seem strangely full of excessive desires (especially sexual desires). There are photographers who insist on working only with analogue photography amidst the current trend toward digitalization. TAKAHASHI Mariko is one of them. Her ‘moonlightgraphs’ utilize the unique features of analogue photography such as non-focus and exposure during a movement. The body images taken with such techniques are so blurred that one cannot recognize the object, and they feel spiritual. Her greatest interest is to eliminate gravity and materiality from the body and to express the real world


Memories of the Future

as closely as possible like space in a dream. MOTOKI Miyuki is of the digital generation. In fact, she has shown many of her works that were light snapshots taken with a digital camera. However, with her current work, So vague desire, she takes on the challenge of working with a pinhole camera, a classic camera. One cannot see the whole body of the subject in her work, and what is shown is hazy, strongly stoking a voyeuristic desire. TAKAGI Cozue is one of the youngest and most promising photographers. In 2006, while she was still in college, she won the grand prize from the New Cosmos Photography show. Her work in that exhibition, Insider , a series, is an experimental work using digital manipulation of images. However, the direction of her work has changed since then to express her inner self. Her latest work, Screams is in line with the change. In the current work, the aggregate of body images, in its constant wriggling and swirling, is emotionally charged. In conclusion, body image is an important theme for Japanese photographers, and in the future I expect this importance to be highlighted. This is because, as the digital technologies move forward the possibility of being able to express the body more in detail and with more dynamism can only increase. This trend is not limited to Japan only. It is a trend that will be discovered in the works of Korean, Chinese, and other Asian photographers working on body images. Accordingly, there is a need to closely observe how body images are changed and generated, and to understand and identity the history of the changing body image. I hope Daegu Photo Biennale 2008 will provide such an occasion.

1990년대 후반 이후 일본에서는 기존의 아날로그 방식의 사진 대신 디지 털방식으로 제작되는 사진들이 급속히 증가하고 있다. 하드웨어의 변화는 작품 내용에 도 크게 영향을 준다. 지금까지 사진가들에게 있어 중요한 주제였던 신체에 관한 이미 지가 디지털시대 이후 어떻게 변화했는지 이곳에서 살펴보려 한다. 비물질적인 데이터의 집합체인 디지털이미지는 가변성 (Changeability: 이미지를 자유롭게 변경하거나 합성), 확정성 (Confirmation: 즉석에서 이미지를 확인 할 수 있음), 축적성 (Accumulation: 이미지를 대량으로 기록, 보존함), 상호 통신성 (Correspondence: 인터넷에서 이미지를 간단하게 송수신함), 소거성 (Erasability: 화상을 지울 수 있음)과 같은 특성을 가지고 있다. 사진 작가들은 아날로그 사진에는 없는 위에 열거한 디지털적인 기능을 사용하여 새로운 신체이미지 구축에 나섰다.

���선 눈에 띄는 현상은, 물질적인 신체성이 아니라 기호적이라고 하는, 변 화 가능한 신체 이미지가 출현하고 있다. 디지털 이미지는 신체부위별로 편집되고, 작 가가 원하는 어떠한 상황도 연출할 수 있다. 일본의 작가 중 모리무라 야스마사의 서양 명작 속의 자화상은 디지털화상의 특성을 가장 잘 이용한 전형적인 예라 할 수 있다. 디지털시대의 신체이미지는 정도의 차이는 있으나 이처럼 기호화, 비물질화되고 있다. 그래서 신체를 테마로 한 작품에 일반적으로 동반되는 슬픔, 분노, 기쁨, 고통, 황홀함, 혹은 잊혀진 기억을 상기시키는 힘이 상실되었느냐 하고 질문을 한다면, 그렇지 않다는 대답을 하게 된다. 디지털 방식으로 작품을 제작하는 작가들은 오히려 디지털시대가 진전함으로써 확산되고 희박해져 가는 신체성을 강조하는 작품을 하는 경향을 보여주기 때문이다. 비물질적인 디지털시대에도 우리가 완전히 지배할 수 없는 신체와 언젠가는 닥칠 죽음은 변함이 없다. 그래서 사진작가들은 다양한 표현 기법을 통해서 우리의 신체가 어떻게 생성, 변화하는지 그리고 그 변화가 정신세계에 어떠한 영향을 미치고 있는지 탐구하고 있다. 하드웨어의 디지털화가 가속화되면서 이러한 작 업의 가능성은 더욱 더 극대화되고 있다. 여기서 거론되는 12명의 사진작가의 작품을 살펴보면 이런 현상을 잘 알 수 있을 것이다. 야나기 미와(YANAGI Miwa)는 디지털 이미지의 가변성을 가장 적극적으 로 수용한 작가 중의 한 명이다. 1990년대 제작된 Elevator Girls시리즈에서는 서로 구분이 가지 않는 기호화된 여성들이 도시 공간 속에서 증식해가는 백일몽과 같은 세 계를 표현하고 있다. 2000년대의 작품에서는 과거의 신화를 연상시키는 요소가 첨가 된다. 대표적인 작품, 운명의 세 여신은 기억의 저편에 잠들고 있던 유년시절의 두려움 과 아픔을 상기시키는 우화적인 상상력을 표현하고 있다. 사와다 토모코(SAWADA Tomoko)는 1999년 ID400으로 데뷔하여, 셀 프 이미지를 집요하게 고집해왔다. 타인이 본 자신과 본인이 생각하는 자신의 차이를 수정해나가는 자세는, OMIAI♡에서도 일관되게 나타나고 있다. OMIAI(맞선)라는 말은 젊은 남녀가 결혼상대를 찾아 만남을 갖는 일본 특유의 의식이다. 그래서 사전에 서로 에게 사진을 건네는데 그 사진은 미묘하게 수정되어 있는 경우가 많다. 사와다는 화장 이나 의상을 바꾸어 다양한 모습의 여성상을 제시하며 유일한 절대적인 자기자신이라 는 도그마를 깨뜨리고 있다. 타카노 류다이(TAKANO Ryudai)가 Tender Penis시리즈에서 나타내고 있는 것 역시 지배 불가능한 신체 모습이다. 보통 크기 이상으로 늘어난 남자의 나체는 정확히 그들의 페니스 위치에서 2분할 되어있다. 정면에서 보면 잘 볼 수 없지만, 그들 의 페니스는 발기상태와 보통 상태, 두 번에 걸쳐 촬영되었다. 이 보이지 않는 페니스 를 뒤 면에서 보면, 관객의 눈에 보이게 된다. 우스꽝스러우면서 엄숙하기도 한 남성 육체의 현상에 대해서 냉정하게 관찰한 비평적인 작품이다. 우치하라 야스히코(UCHIHARA Yasuhiko)는 사진작가로 데뷔한 후 디지 털카메라로 매일 많은 양의 이미지를 촬영하여 자신의 홈페이지 Son of a BIT에 업 로드하고 있다. 그래서 이 작가를 디지털시대의 사진 표현의 최전선을 개척한 사람 중


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의 한 명이라고 평가한다. 또한 그는 2004년 이후 디지털 이미지의 질감에 더욱 집착 하여 수 백장의 화상을 꿰매기 기법으로 PC화면에 연결한 작품을 발표하기 시작했다. 이렇게 해서 만들어지는 무거운 이미지는 비물질적인 데이터의 집합체여야 하는 디지 털 이미지임에도 불구하고 아날로그사진 이상의 물질성이 부여된 전대미문의 작품이다. 야시로 토시히로(YASHIRO Toshihiro)는 2000년 이후 화면 속에 회전하 는 신체를 찍는 작품을 제작하기 시작했다. 처음에는 전신에 검정색 의상을 두른 작가 자신이 회전하고 있었으나, 점차 학교 등을 무대로 화려한 색깔의 의상을 입고 회전하 는 퍼포먼스성이 강한 작품으로 변화하고 있다. 회전하는 신체는 윤곽이 없어지고 색깔 이 뭉쳐져 축제적인 공간으로 바뀌고 있다. 안라쿠지 에미(ANRAKUJI Emi) 또한 일상적인 공간 속에서 에로틱한 퍼 포먼스를 전개하여 그 이미지를 생물처럼 증식시키고 있다. 그녀의 작품세계에서 고통 과 쾌락, 에로스와 타나토스, 아름다움과 기괴함이 동전의 양면처럼 공존하고 있고, 관 객으로 하여금 끝없이 변화하는 이미지의 터널 속에서 그녀의 엑스터시를 체험하게 만 든다. 이는 어머니의 자궁 속에서 포근하게 떠다니는 따뜻하고 그리운 감각과 유사하다. 우츠 유미코(UTSU Yumiko)는 유년시절의 감각에 매우 집착하고 있는 작가이다. 인형, 곤충, 식물, 음식 등의 이미지가 아무렇게나 조합되어 기묘한 생명력이 넘치는, 총 천연색의 가설 흥행장과 같은 세계를 만들고 있다. 이 세계에서는 의미보다 는 색채, 시각보다는 오히려 촉감이 우선된다. 그녀는 아이가 진흙을 빚어 악몽을 창조 하는 것처럼‘징그럽고 귀엽고 괴상한’오브제들로 가득한 소우주를 즐겁게 만들고 있다. 노무라 히로시(NOMURA Hiroshi)는 우리 신체의 중요한 부위인‘눈알’ 을 주제로 작품을 제작하고 있다. 그의‘눈알’은 만화에 그려져 있는 것처럼 기호화되 어 있어, 자유롭게 움직이며 다양한 곳에 달라붙는다.‘눈알’이 붙은 오브제나 풍경은 마치 신체를 가진 생물체와 유사하다. 유머가 넘치면서도 어딘가 모르게 징그러운 광경 은 한 번 보면 잊혀지지 않는 신기한 매력을 가지고 있다. 사쿠라다 무네히사(SAKURADA Munehisa)는 1990년대부터 유명세를 탄 작가이며, 2008년에 있었던 개인전‘Munetopia’(Zeit Photo Salon, 도쿄)에서 그 재능을 더욱 더 인정받았다. 디지털이미지를 합성하여 만든, 화려하고 장식적인 화 면에는 기호화된 크고 작은 신체이미지가 흩어져있다. 소녀의 판타지를 그대로 구현한 것 같은, 거짓말 같은 세계인데도 불구하고 어떤 생생함이 느껴진다. 가공의 유토피아 여야 하는‘Munetopia’에 등장하는 인물들은 이상하게도 과잉욕구 (특히 성적 욕구) 로 가득한 것처럼 보인다. 디지털화의 흐름 속에서 오히려 아날로그 사진만을 고집하는 사진작가도 있다. 타카하시 마리코(TAKAHASHI Mariko)도 그 중의 한 명인데, 그녀의 ‘moonlightgraphs’는 아날로그 카메라만의 특징인 초점을 안 맞히거나 흔들림을 이 용하고 있다. 그러나 이런 방식의 신체이미지는 알아볼 수 없어서 오히려 영적인 존재 처럼 느껴진다. 그녀의 최대의 관심사는 신체의 중력과 물질성을 완전히 없애고, 현실 세계를 꿈 속 공간에 가깝게 표현하는 것이다.

모토키 미유키(MOTOKI Miyuki)는 세대적으로는 디지털시대의 작가이다. 실제로 그녀는 디지털카메라로 촬영한 가벼운 스냅샷을 다수 발표했다. 그런데 이번에 발표한‘So vague desire(아주 애매한 욕망)’시리즈에서는 고전적인 기법인 핀홀 카 메라에 도전하고 있다. 그녀의 신체이미지는 눈에 보이지 않고, 희미해서 오히려 훔쳐 보기 욕구를 강하게 자극하고 있다. 타카기 코즈에(TAKAGI Cozue)는 가장 젊고 촉망 받는 작가 중 한 명이 다. 대학 재학중인 2006년에 New Cosmos of Photography전에서 그랑프리를 수 상한‘Insider (내부사람)’시리즈는 디지털 합성에 의한 실험적인 작품이다. 그러나 그 녀의 그 이후의 작품은 내면을 그대로 표출하는 방향으로 전환되었다. 이번의 ‘Screams (절규)’도 이런 경향에 부합되는 것이며, 감정을 자극하는 신체 이미지의 집합체는 꿈틀거리고 소용돌이 치듯 강렬하다. 결론적으로 말하자면 신체이미지는 일본 사진작가들에게 중요한 주제이며 미래에도 그 중요성이 부각될 것이라 보인다. 왜냐하면 신체이미지를 상세하고 역동적 으로 표현할 가능성은 디지털시대가 진전됨에 따라 더욱 극대화되기 때문이다. 이러한 현상은 일본에 한정된 것만은 아니다. 향후 한국이나 중국 작가들을 포함하여‘아시아 적인’신체이미지에서 많이 발견될 것이며 신체이미지가 어떻게 변화되고 생성되는지 면밀히 관찰하여 이미지 변천사를 이해하고 확인할 필요가 있다. 이번 대구사진비엔날 레가 이런 계기가 되기를 기대해 본다.


Memories of the Future


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Takagi Cozue I just wanted to scream when I was making it. I wanted to let out everything by screaming. And I wanted to see it. I used clay to build shapes and took pictures of them to make a collage. For me, that was equal to screaming and throwing up what had not been digested well and had been piling up deep in my stomach. When my work was completed, the things that used to be inside me were poured out as a scream. That was the first time I was able to accept them into myself through visual work.

이 작품을 만들 때 나는 그냥 절규하고 싶었다. 절규함으로써 모든 것을 토 해내고 싶었다. 그리고 그것을 내 눈으로 바라보고 싶었다. 나는 점토를 사용해서 형태를 만들고 그것들을 촬영하여 콜라주작품을 만 들어 나갔다. 그것이 나에게는 외치는 것이며, 지금까지 제대로 소화시키지 못해 뱃속 깊숙이 쌓여있었던 것을 토해나가는 작업이었다. 작업이 완성되면 내 몸 속에 있었던 그것들은 절규라는 형태로 방출되었 다. 그리고 나는 시각 작업을 통해서 처음으로 그것들을 내 안으로 받아들일 수 있었다.

절규

Screams 2007 120 x 180 cm


Memories of the Future

절규

Screams 2007 120 x 180 cm


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절규

Screams 2007 120 x 180 cm


Memories of the Future

So many snails are moving around on the membrane of the skin, which is hurting where the blisters have burst. This unpleasant but feel-good sensation continues forever. The world where you feel vertigo and cannot return to… Although it might be gods’ misjudgment, my cane becomes a weak compass, of which the magnetic hand swings forever. Compassion, contempt, mercy, and love for the cane that should be sacred and divine… I will be spinning around forever in the helical space, relying on the vibration created from my unreliable cane touching the ground.

무제

Untitled 2006 29.7 x 42 cm

Anrakuji Emi 피부 곳곳에 생긴 수포가 터져 아프게 벗겨진 피부의 점막 위를 수많은 달 팽이들이 기어 다닌다. 불쾌하면서도 기분 좋은 감각은 언제까지나 계속된다. 빙글빙글 현기증이 나는 회귀할 수 없는 세계. 신들의 오판인지는 모르지 만 나의 지팡이는 미약한 나침반이 되어 자석 침이 영원히 흔들린다. 성스러워야 하는 지팡이 위에 연민과 경멸과 자비와 사랑이 있다. 나는 나 의 못 미더운 지팡이가 땅을 짚는 진동에 의지하며 빙글빙글 나선공간을 영원히 떠돌 것이다.


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무제

Untitled 2006 29.7 x 42 cm


Memories of the Future

무제

Untitled 2006 29.7 x 42 cm


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무제

Untitled 2007 29.7 x 42 cm


Memories of the Future

Since 2005, I have been making a series by taking pictures of family, friends, dolls, and plants using only indoor lighting. Some photos show vague memories through intentional out-of-focus blur or camera shake. While the objects range from a mother to a small doll to a plucked flower, they are treated as having the same value. The objects in my photos look like ghosts that embody anxiety, vanity, elegance, humor, and cheekiness all at the same time. The act of taking pictures can highlight human complexity because the medium used here is photography. It is a kind of entertainment. The act of doing things repetitively in my house or in my friend’s house evokes some vague feelings as if I kept playing with a doll house from my childhood. This brings to my mind a child’s desire to see something scary and odd. In my previous series, I created images filled with vivid colors or tactile sensations. These days, however, I want to throw away strong colors and shapes. Several women I knew used to see psychiatrists because they lost balance between the body and mind because of some mental pressure. I was also having a hard time at the time. As it is easier now in Japan to talk about one’s wounded mind, it is easier to consult a psychiatrist. In fact, the number of people suffering from mental illness due to the difficult economic situation has been increasing. People want to have strong trust in their existence or connection with others, when they are faced with weakness of their body and soul, and solitude. That is the underlying thoughts in my work.

Takahashi Mariko 나는 가족, 친구, 인형, 식물 등의 대상을 실내등만 이용해서 촬영하는 시 리즈 작품을 2005년부터 제작해왔다. 작품 중에는 의식적으로 초점을 흐리거나 흔들 리게 하여 애매한 기억을 표현하고 있다. 그리고 촬영대상이 어머니 혹은 작은 인형, 꺾어진 꽃이라 하더라도 그것들 모두 동등한 가치로 취급하고 있다. 찍힌 대상은 불안, 무상함, 멋, 유머, 넉살이 뒤섞인 유령과 같은 모습이다. 인간의 복잡함을 부각시키는 행위는 사진이라는 매체로만 가능한 일종의 유희다. 내가 자택이나 친한 사람 집에서 반복하는 행위는 어린 시절의 소꿉놀이를 계 속 하고 있는 것 같은 희미한 감각을 불러일으켜서 무서운 것, 기묘한 것을 보고 싶다 는 어린아이의 욕망을 연상시킨다. 예전에 제작했던 시리즈에서는 생생한 색이나 촉감이 넘치는 이미지를 펼 쳤다. 그러나 오늘날 강한 색깔과 모양을 버리고 싶어졌다. 당시 제 주변에는 정신적인 압박으로 인해서 심신의 균형을 잃고 정신과 병원에 다니는 여성들이 몇몇 있었고, 나 또한 불안정한 시기를 지났던 때였다. 일본에서는 예전에 비해서 마음의 병을 쉽게 공 개할 수 있기 때문에 병원도 다니기 쉬워졌고, 불황으로 인한 정신적인 불안도 생겼는 지, 이러한 증상으로 고민하는 사람 수는 실제로 증가하고 있다. 자신의 존재나 타인과의 연결고리에 대해서 강한 신뢰를 원하면서도 심신 의 나약함과 고독에 언제나 맞서나가야 하는 상황이 내 작품을 제작하는데 밑바탕이 되었다고 할 수 있다.

손의 좀 더 섬세하고 좀 더 작은 촉감

The Finer and Smaller Feel of the Hand 2005 143 x 100 cm Right


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손의 좀 더 섬세하고 좀 더 작은 촉감

The Finer and Smaller Feel of the Hand 2005 143 x 100 cm


손의 좀 더 섬세하고 좀 더 작은 촉감

The Finer and Smaller Feel of the Hand 2005 60.7 x 50.5 cm


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손의 좀 더 섬세하고 좀 더 작은 촉감

손의 좀 더 섬세하고 좀 더 작은 촉감

The Finer and Smaller Feel of the Hand 2005 60.7 x 50.5 cm

The Finer and Smaller Feel of the Hand 2005 60.7 x 50.5 cm


Memories of the Future

This is the ‘Tender Penis’ series. Although a penis is sometimes seen as a symbol of dominance and violence, it projects an image of affection and tenderness in my work. The photos were taken from 1998 through 2002. One day, I cut out pictures separately taken of a man’s upper body and lower body and put them together where the penis was, and I realized that the penis could be eliminated from a man’s body. That was the beginning of this series. At first, I was going to throw away the removed penis part, but I decided to attach it behind the photo because it would have been such a waste. If you are a man, you would understand that it is not easy to get erection. You can lift it up with hands, but I didn’t want it to be too easy. That is why I used this method. There were some difficulties due to ‘male physiology.’ After the photos were taken, some men said “I’m relieved because it worked well,” while others said, “I’m sorry” apologizing for not being able to maintain erection for sufficiently long time. This made me realize how sensitive men could become to this kind of thing. In contrast, one man said, “it would not subside.” In this situation, I first take picture of the lower body, which is difficult to capture and then move the camera angle to the upper body. While doing so, the penis naturally comes down. When that happens, I take picture of the upper body. I think I put the models in difficult situations to precisely connect the upper body and lower body. In Japan, it has been banned to display photos of penis in public places. Art galleries are not an exception. Although things have changed recently, public exposure is still difficult. The waist line is the border line you are not allowed to cross. Sometimes, you could be penalized by authorities of your country. Therefore, the images of men here represent the men of a nation: Japan. The word, ‘border’ can mean ‘national border.’ The line in this photo can be interpreted as the shape of a country, a different kind of shape in the map.

Takano Ryudai

이것은‘tender penis(부드러운 음경)’시리즈이다. 음경(penis)은 지배 와 폭력의 상징으로 이미지화 되는 경우도 있으나 나의 작품에서는 사랑스럽고, 다정한 존재로 음경을 이미지화 하고 있다. 촬영은 1998년에서 2002년에 걸쳐서 이루어졌다. 어느 날 문득, 상하 별 개로 촬영한 것을 음경 위치에서 잘라 연결했더니 남성의 신체에서 음경을 제거할 수 있다는 것을 깨닫게 된 것이 이 작품의 시초이다. 제거된 음경은 처음에는 버리려 했으 나 너무 아깝다는 생각에 작품 뒤에 붙이기로 했다. 남성이라면 알겠지만, 음경을 발기시키는 것은 힘이 든다. 물론 손으로 잡 아 올려도 상관은 없지만 왠지 안이한 느낌이 들어 이러한 형식을 취했다.‘남자의 생 리’에 구애되기도 했다. 촬영 후,“잘 되어서 안심했다”고 말하는 사람과 충분한 시간 동안 발기상태를 유지할 수 없었던 것을 후회하며“죄송합니다!”라고 사과하는 사람들 이 있었다. 이를 보고, 남성에게 이러한 일이 얼마나 섬세한 것인지를 다시 한번 느낄 수 있었다. 반면에 한 명은“가라앉지 않습니다”라고 말한 사람도 있었다. 이러한 상황이라, 어려운 하반신을 먼저 촬영하고 카메라 앵글을 상반신으 로 옮기는 동안에 음경이 자연스럽게 내려오는데, 이 때 상반신을 촬영하는 순서로 작 업을 했다. 상하 연결부분을 정확하게 맞추기 위해서 모델들을 꽤 고생시킨 것 같다. 일본에서는 공공장소에서 음경 사진을 보여주는 것이 금지되어 왔다. 미술 관도 예외는 아니다. 최근에는 상황이 많이 바뀌었지만 아직까지는 공공적인 노출은 어 렵다. 허리 선은 지금도 넘어서는 안 되는 경계선(border line)이다. 자칫 잘못하면 국가차원에서 제재가 들어오는 경우도 있다. 따라서 여기 있는 남성상은 일본이라는 나 라의 공식적인 남성상이기도 하다. 그리고‘border’라는 단어는‘국경’의 의미도 있 다. 이 사진에 있는 선은 지도와는 또 다른 형태의 국가의 형태를 보이고 있다고 해석 할 수 있다.


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“부드러운 음경”시리즈 중에서, 테츠 #2

TETSU#2 from the series of "tender penis" 2000 225 x 106 cm Courtesy_ Zeit-Foto Salon, Yumiko Ciba Associates Cooperation_Epsite


Memories of the Future

“부드러운 음경”시리즈 중에서, 토시히사 #3

TOSHIHISA#3 from the series of "tender penis" 2001 225 x 106 cm Courtesy_ Zeit-Foto Salon, Yumiko Ciba Associates Cooperation_Epsite Left

“부드러운 음경”시리즈 중에서, 마리아 #2

MARIA#2 from the series of "tender penis" 2000 225 x 106 cm Courtesy_ Zeit-Foto Salon, Yumiko Ciba Associates Cooperation_Epsite Right


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“부드러운 음경”시리즈 중에서, 준이치로 #2

Jyunichiro#2 from the series of "tender penis" 2002 225 x 106 cm Courtesy_ Zeit-Foto Salon, Yumiko Ciba Associates Cooperation_Epsite


Memories of the Future

Sakurada Munehisa

Silently peeling the skin of ego, I am looking for freedom. When I come to my senses, Under the gender or love, The worlds of devils and angels Are seen together at the same time. Don’t be scared and let’s go through the door The journey to find the roots Has become the journey for the future. Jan. 2008 Sakurada Munehisa

자아의 표피를 조용히 벗기면서 자유를 찾고 있다. 그리고 정신이 들면 젠더나 사랑이라는 것 아래에는 악마와 천사의 세계가 동시에 펼쳐진다. 무서워하지 말고 그 문을 빠져나가자. 근원을 향해 나아갔던 여행은 미래를 향해 나아가는 여행이 되었다. 2008년1월 사쿠라다 무네히사

나태로 부터의 각성-히로

나태로 부터의 각성-마이코

The Awakening of an Idle-HIRO 2008 120 x 120 cm

The Awakening of an Idle-MAIKO 2008 120 x 120 cm Right


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Memories of the Future

대칭 퍼레이드진주눈물을 흘리는 아이리스

The Symmetrical ParadeIris dropped some pearly tears 2008 180 x 120 cm


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대칭 퍼레이드공허와 하늘을 향한 고향에 대한 감성적 열망

The Symmetrical Parade-The sentimental longing for home Upward to emptiness and to the sky 2008 180 x 120 cm


Memories of the Future

맞선♡

OMIAI♡ 2001 40 x 30 cm


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Sawada Tomoko

맞선♡

OMIAI♡ 2001 40 x 30 cm

I have disguised more than 1500 already. The 'OMIAI♡' is the second series in my work series. Since I started creation the essential theme for my work series is to think of the relationship between appearance and inner face. At that time of making the 'OMIAI♡' series, some of my friends experienced her first 'omiai' (or, 'marriage meeting'), and others got married even they did not have an omiai occasion. Such episodes affected me and I considered that omiai, which is one of the traditional ways of marriage, can deepen my theme for creating the work. So I completed 'OMIAI' by taking the typical binding style for omiai photograph. I do not issue the importance of either apperance or inner face. However, these are paradoxical and sometimes interact with each other. The theme of relationship between appearance and inner face has promoted my interest and I surely confirm my concern is increasing.

‘오미아이(맞선)♡’는 저의 두번째 작품 시리즈입니다. 창작활동을 시작한 이후로 제 작품 시리즈의 핵심주제는 외모와 내면의 얼굴 사이의 관계입니다.‘오미아 이♡’시리즈를 만들고 있을 무렵 몇몇 제 친구들은 처음으로‘오미아이’를 경험했고 다른 친구들은 오미아이 없이도 결혼을 했습니다. 그러한 일들에 영향을 받은 저는 전 통적인 혼인방식인‘오미아이’가 제 작품의 주제를 깊게 만들어줄 수 있을 것이라고 생각했습니다. 저는 외모나 내면의 얼굴의 중요성에 대해서 논하지 않습니다. 그러나 그들은 서로 모순되어 있으며 서로 상호작용을 할 때도 있습니다. 분명, 외모와 내면의 얼굴간의 관계라는 주제에 대한 저의 관심은 계속 깊어지고 있습니다.


Memories of the Future

맞선♡

맞선♡

OMIAI♡ 2001 40 x 30 cm

OMIAI♡ 2001 40 x 30 cm


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맞선♡

맞선♡

OMIAI♡ 2001 40 x 30 cm

OMIAI♡ 2001 40 x 30 cm


Memories of the Future

Kaitenkai Project It’s the ‘past,’ ‘present,’ ‘future,’ and ‘ancestor,’ ‘me,’ and ‘descendent.’ Everything dies and is reproduced.

Yashiro Toshihiro 회전회 프로젝트 ‘과거’ 이고, ‘현재’ 이며, ‘미래’ 이고,‘조상’ 이며,‘자신’ 이고‘자손’ 이다. 모든 것은 소멸하고 재생한다.

What is Kaitenkai project?

회전회 프로젝트란?

Yashiro Toshihiro is conducting ‘Kaitenkai’ project, where he becomes a body of revolution in public places, living spaces, and historic buildings. Not only the various places in the photos like school, museum, and private house, but also the people related to those spaces are an important element to complete his work. It has grown into “Kaitenkai Live!,” where the photographer works together with ordinary spectators. A participant here enters into a space and gets to use his body like paint. He participates in the photographic process by decorating and spinning his body imagining the end result. The photographer tries to communicate with the participant and they share this unique sense of becoming one while spinning. In this unique time experience called ‘Kaitenkai,’ a human body is assimilated with the place or becomes a foreign thing, projecting a strong impression to the photographic image.

야시로 토시히로는 공공장소와 사람들의 생활공간, 역사적 건물에서 자신 이 회전체가 되는 사진시리즈‘회전회’프로젝트를 전개하고 있다. 이 작품은 최근의 학 교, 미술관, 사택 등 촬영 무대가 되는 다양한 장소에서, 장소와 관련되는 사람들 또한 작품을 성립시키는 큰 요소로 작용되고 있으며 일반관객과의 공동제작‘회전회 LIVE!’ 라는 형태로 발전해왔다. 여기서 참가자는 물감인 것처럼 자신의 신체를 공간 안으로 투사시켜 결과 물을 상상하면서 신체를 장식하고 회전시켜서 사진작업을 완성해간다. 작가는 참가자 와의 의사소통을 도모하면서 회전이라는 특수한 일체감을 사람들과 공유한다.‘회전회’ 라는 독특한 시간경험 속에서 신체는 장소와 동화되거나 이질적인 물건이 되어서 강한 사진이미지를 남긴다.

회전회! 학교편 시리즈 중에서, 후지미 중고등학교

Fujimi Junior Highschool from the series of KAI TEN KAI LIVE! 學校編 2007 126 x 208 cm


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회전회! 학교편 시리즈 중에서, 토호쿠 예술디자인대학

Tohoku University of Art & Design from the series of KAI TEN KAI LIVE! 學校編 2007 126 x 208 cm


Memories of the Future

회전회! 학교편 시리즈 중에서, 토사 예술아카데미

Tosa Academy of Art from the series of KAI TEN KAI LIVE! 學校編 2007 126 x 208 cm


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회전회! 학교편 시리즈 중에서, 소부다이 고등학교

Soubudai Highscool from the series of KAI TEN KAI LIVE! 學校編 2007 137 x 208 cm


Memories of the Future

I always make photos on two opposing thought. The two thoughts refer to the contradicting ideas on photography and non-photography. I raise issues with photography. However, if I seek answers only on photos, my photos will make progress, while I will be locked in the prison of photography, making my photographic work dry. I can never understand why photos keep posing questions to me. I presume that it’s probably because of the obvious fact that photography ‘represents the objects as they are.’ It could be the same reason why a child taking a picture for the first time in his or life gets fascinated by it. For me, photography is like a ‘trap’ filled with such allurement. To create photographic works, I am interested in the non-photographic area with an idea different from the one-dimensional approach. Photos always have limitations. Themes and harmony are added to mechanical and optical limitations to create beauty. I want to eliminate such limitations, even if that would mean destroying photography... Just as the invention of photographic technology destroyed painting, while at the same time reviving it in the context of modern art, I want to destroy photography. I seek photography to remove limitations of photography by using both my eyes and body with the help of computer and digital technology.

Uchihara Yasuhiko

나는 항상 분열된 두 가지의 생각에 관한 작품을 제작한다. 두 가지의 생각 이라는 것은 사진과 비(非)사진이라고 하는 서로의 상반되고 모순된 생각을 말한다. 나 는 사진에 대해서 강하게 문제 제기를 하고 있다. 사진만 추구한다면 나의 사진은 발전 하겠지만 나는 사진이라고 하는 감옥에 갇혀있어서 나의 사진은 메말라 간다. 사진이 나에게 문제 제기를 하는 이유는 아무리 생각해도 알 수 없다. 그 이유는‘대상을 그대로 찍어낸다’라는 사진에 있어서 아주 당연한 사실에서 연유된 것 이며 처음으로 사진을 찍는 어린아이가 그 매력에 빠지는 것과 같은 것 일지 모른다. 나에게 사진이란 그런 유혹이 넘치는‘올가미’와 같은 것이다. 나는 사진 작품을 제작 하기 위해서 일차원적인 접근과는 또 다른 비사진적 영역에 관심을 갖고 있다. 사진은 항상 제한적이다. 카메라 렌즈의 기계적이고 광학적인 제약에 주제 와 조화라는 것이 첨가되어 미학적인 기능을 하고 있기 때문이다. 나는 이러한 제한을 가능하면 제거하고 싶다. 그것이 사진을 파괴한다고 할지라도... 사진기술의 발명이 회 화를 파괴함과 동시에 현대예술의 맥락에서 회화를 재생시킨 것과 같이 나는 사진을 파괴하고 싶다. 컴퓨터와 디지털기술의 힘을 빌려 자신의 눈과 신체 모두를 사용해서 사진 의 구속적인 부분을 해방해 나가는 것이 사진을 추구하는 이유다.


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야마다 다이스케 山田大輔

2007 250 x 390 cm


Memories of the Future


오오츠키 타카시 大槻孝志

2008 250 x 390 cm


Memories of the Future

Yanagi Miwa

Inspired by Camille Claudel’s Cloto

까미유 클로델 작품, 클로토의 영향을 받아서

Camille Claudel’s Cloto, a sculptural work, is unusual. Cloto is one of the three goddesses in Greek mythology who collectively decides the fate of every human being born to the world. The oldest of the three sisters, Cloto spins thread of life from her spinning wheel to bring out a life; the second sister Lachesis measures the thread; and the youngest Atropos cuts it. They operate automatically in trinity, and no one can stop or avoid them; and they exist in everlasting reincarnation. However, Camille Claudel’s Cloto has only a single figure; there is only Cloto, and the two sisters do not exist. Claudel’s Cloto is the Goddess of death; she spins human life out of her hair; she is old and decrepit; there is all together too much hair coming out of her old body, and they have become too long and too unwieldy. The face is covered with hair, the weight of which is weighing her head down, and the unwieldy hair makes even her standing unstable. Currently, Cloto exists only in plaster. The original work in marble has been lost. Perhaps somewhere in the world it is still roaming about in its old tattered body. My work is an attempt for this lonely Cloto to get out of its fate, and to purge it of the cruel blow dealt by the Fates. My artificial ‘family photo’ is made in this spirit.

까미유 클로델(Camille Claudel)이 제작한 클로토 조각상은 특별하다. 그리스 신화에 나오는 클로토는 운명의 세 여신 중의 한 명이며, 이 세 명의 자매는 사 람의 ���사를 담당하고 있다. 장녀 클로토는 물레로 실을 뽑아서 생명을 탄생시키고, 차 녀인 라케시스는 실을 감아서 생명을 살아가게 하고, 막내인 아트로포스는 실을 끊어서 생명을 죽게 한다. 이 세 여신은 멈출 수 없는 삼위일체의 자동적인 움직임으로 인해서 영원한 윤회 속에 존재한다고 할 수 있다. 그러나 클로델이 제작한 클로토상은 처음부터 하나의 상으로 클로토만 있 고 두 명의 여동생은 존재하지 않는다. 죽음을 조종하는 여신이면서, 자신의 머리카락 으로 사람의 생명을 뽑아내고, 시들고 늙은 몸으로부터 나오는 엄청난 양의 머리카락이 주체 못할 만큼 길어져서 제멋대로 뒤얽힌다. 얼굴은 머리카락으로 덮이고, 그 무게로 해서 머리는 기울어지고, 휘감긴 머리카락은 발 밑 조차도 불안하게 한다. 현재 발견된 클로토상은 석고로 제작된 상만 존재하고, 대리석으로 만들어진 오리지널은 행방을 알 수 없는 상태이다. 지금도 어디에선가, 몸도 가누지 못하는 늙은 몸을 이끌고 방황할 지 모른다. 나의 작품은 고독한 클로토가 이렇게 살 수 밖에 없는 운명으로부터 벗어나 운명의 여신의 가혹한 싸움의 한을 푸는 가공적인‘가족사진’이다


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운명의 세 여신

The Three Fates 2008 147 x 105 cm


Memories of the Future


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운명의 세 여신

The Three Fates 2008 147 x 105 cm


Memories of the Future

I feel a sense of achievement when I see and find many things in my everyday life. When I find something trivial from my everyday life, however insignificant it might be, I think it is cute, mysterious, and humorous. Sometimes, it could have other kinds of expressions such as sad and scared. I want to talk about that little encounter and share it with others. I make an arrangement that makes things look special, and put them in the unusual context. By doing so, I communicate my thoughts to the world. It is much simpler to express uniqueness of an object through images than through words. I hope I can communicate with viewers as much as possible and my pleasure lies there.

나는 매일 많은 것을 보고 찾는 것으로 성취감을 느낀다. 일상의 사소한 물건을 찾고, 그 작은 발견은 하찮은 것이라도 귀엽고, 신기하고, 익살스럽다. 그리고 슬프기도 하고, 무섭기도 한 가지각색의 표정을 지니고 있다. 나는 그 작은 만남을 다른 사람과 이야기하고, 공유하고 싶다. 그래서 나는 사물을 특별하게 보이는 세트를 만들고, 그 자체를 비일상적인 맥락으로 만들어 버린 다. 이러한 방법으로 나의 생각을 전하고 대화한다. 물건의 고유성을 전하기 위해서는 말보다는 이미지를 통해서 전달하는 편이 훨씬 간단하다. 나는 지금, 이 행위를 통해서 관객과 최대한으로 소통하기를 바라며 거기에 나의 쾌감이 있다.

Utsu Yumiko

번식기의 아기

맨드라미 벌레

Milt baby 2005

Cockscomb worm 2005 Right


Memories of the Future

번식기의 케이크

Milt cake 2005


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로마네스코 등반

Romanesco climbing 2008


Memories of the Future

Nomura Hiroshi 눈이 있는 성냥

EYES Match stick 2007 70 x 70 cm Right 눈이 있는 나비

EYES Butterfly 2007 70 x 70 cm

From an apple to the moon Daily routine, known deciding moment, discovery and deep emotions slowly turn into a stone. This sensation. I think our souls are absorbed into overflowing information. Here, we feel this unshakable uneasiness. When I was a student more than a decade ago, there was an apple on the desk in my apartment. The simple act of attaching eye-shaped stickers on it and taking picture of it was the beginning of this ‘Eyes’ series. That worked as a mysterious vaccine, which healed my uneasiness. The ‘Eyes’ series is addictive. Addiction occurs in a flitting second as it enters the body like virus and gets absorbed in the black eyes. The eyes adapts to the darkness. Vague light appears after a moment. Lifting my head, I see the moon floating in the darkness and watching this way.

사과에서 달로 일상, 알고 있는 결정적 순간, 발견과 감동은 서서히 돌로 변한다. 이러한 감각. 우리는 넘쳐나는 정보에 영혼이 빨려 들어가고 있다고 생각한다. 여기에 떨칠 수 없는 초조함이 있다. 학창시절 임대했던 아파트의 책상 위에 놓여 있었던 사과. 거기에 눈 스티 커를 붙여 기념으로 찰칵 찍었던 단순한 행위가 이‘EYES’시리즈의 시초였다. 이 행 위는 내 초조함을 해소하는 신기한 예방백신이 되었다. 그러나‘EYES’시리즈는 중독 성이 있었다. 눈 깜짝할 사이에 중독되는 것인지 바이러스에 감염된 것처럼 눈알은 몸 속으로 들어와 검은 눈동자 안에 모든 것을 흡수시킨다. 암흑이 눈을 순응시킨다. 잠시 후에 희미한 빛이 비친다. 머리를 들어보니 암흑 속에 두둥실 달이 떠서 이쪽을 보고 있다.


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Memories of the Future

눈이 있는 빛

EYES Light 2007 70 x 70 cm


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눈이 있는 사과

EYES Apple 2006 70 x 70 cm


Memories of the Future

So Vague Desire-Digital Pinhole I came to create this series after I saw a photo of a naked prostitute, which was taken by E.J. Bellocq, an American photographer in the early 20th century. The prostitutes in Bellocq’s nudes do not have coquettish attitudes towards men nor shame. They look disarmed in some way, suggesting their strange relationship with Bellocq. On the other hand, Bellocq’s photos show a unique atmosphere as if a secret were hidden somewhere, as black and white photos at the time would have. I was not so much attracted to Bellocq’s way of looking at the prostitutes as to “the feel of the medium” which is created by the medium(black and white photo) itself. Not only our sexual desire is reflected in the medium, but also the feel created by the medium creates our desire. What’s the secret of sex in the relationship between hiding and exposure? What is hidden and exposed? How and how much? I realized that it is the very relationship that creates our desire. We don’t reject nude photos as much as in the Bellocq’s time. Direct sexual expressions are prevalent on the Internet these days. However, it doesn’t mean that we no longer have hesitance, denial, and shame about sexual things. Rather, isn’t it that allocation and arrangement of what is hidden and exposed by media has changed? I wanted to highlight the shape of desire in the digital age by combining pinhole photos with digital photos. Which one has desires? Our instinct? Society? Media? “The me taking pictures?” or “The me taken picture of?” We cannot know what kind of secrets the current media is adding to sexual desire, depending on what it hides and exposes. I wanted to reveal the feel of desire created by the media in the digital age through this series that represents unclear and vague desire.

아주 애매한 욕망-디지털 핀홀 본 시리즈를 제작하는 계기가 된 것은 미국 20세기초의 사진가 E.J.벨로크 가 창녀를 찍은 누드사진이었다. 벨로크의 누드사진에는 남자들에 대한 교태도 없고 수 치심도 없으며, 어딘가 무방비한 자태가 드러나 보이는, 벨로크와 창녀들의 특이한 관 계가 보여지고 있다. 한편 우리에게, 벨로크의 사진은 당시 흑백사진이 표현할 수 있었 던, 어딘가 비밀이 숨겨져 있는 듯한 독특한 분위기가 흐르고 있다는 것을 느낄 수 있 을 것이다.

Motoki Miyuki 내가 관심을 가진 것은 벨로크의 창녀에 대한 눈길보다도 매체(흑백사진) 자체가 만들어내는 매체의 감촉과 같은 것이었다. 우리들의 성에 대한 욕망이 매체에 반영되는 것뿐만이 아니라 매체가 자아내는 감촉 그 자체가 우리 욕망을 만들어 내는 것이 아닌지, 감추는 것과 노출하는 것의 관계가 자아내는 성의 비밀, 무엇을 얼마만큼 어떻게 숨기고 노출하는지, 그 관계야말로 우리들의 성적 욕망을 만들어 낸다는 느낌이 들었다. 현재 우리는 벨로크가 살았던 시대만큼 누드사진에 대한 저항도 없고, 인 터넷에서는 노골적인 성적 표현이 범람하고 있다. 그렇다고 우리에게 성적인 것에 대한 망설임과 저항, 수치심이 없어진 것이 아니다. 오히려 미디어에 의해 감추어지는 것과 노출되는 것의 배분과 배치가 변화한 것이 아닐까? 가장 소박한 이미지인 핀홀 사진과 디지털사진을 조합하여 디지털시대만의 욕망의 형태를 부각시키고 싶었다. 욕망하고 있는 것은 누구일까? 우리의 본능일까? 사회일까? 미디어일까? 사진을 찍는 나일까? 사진에 찍히는 나일까? 아니면 보고 있 는 나일까? 현재의 미디어는 무엇을 감추고 무엇을 노출하는가에 따라 성적 욕망에 어 떤 비밀을 부여하고 있는지 모른다. 불확실하고 애매한 욕망을 표현한 이번 시리즈를 통해서 디지털시대의 미디어가 만들어내는 욕망의 감촉을 드러내고 싶었다.

아주 애매한 욕망-디지털 핀홀_04

So vague desire-Digital pinhole_04 30 x 40 cm


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아주 애매한 욕망-디지털 핀홀_03

So vague desire-Digital pinhole_03 30 x 40 cm


Memories of the Future

아주 애매한 욕망-디지털 핀홀_01

So vague desire-Digital pinhole_01 30 x 40 cm


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아주 애매한 욕망-디지털 핀홀_02

So vague desire-Digital pinhole_02 30 x 40 cm


Korean . Chinese . Japanese Contemporary Photographs Memories of the Future


2008 Daegu Photo Biennale

Biographies


Jung Yeondoo 1969 Born in Jinju, Korea 1994 Seoul National University, College of Fine Arts, BFA, sculpture 1995 London Institute, Central Saint Martin College of Art Diploma in Sculpture 1997 University of London, Goldsmiths College, MFA London Solo Exhibitions 2008 Documentary Nostalgia, Modern Mondays, MoMA, New York 2007 Locations, Tina Kim Fine Art, New York Memories of You, Artist of the Year 2007, National Museum of Contemporary Art, Gwacheon, Korea I Will Remember You, ACA Gallery, Atlanta / Red Gallery, Savannah College of Art and Design, Savannah, GA Wonderland, Galeria Espacio Minimo, Madrid, Spain 2006 Are You Lonesome Tonight?, Kukje Gallery, Seoul, Korea 2005 Wonderland, Tina Kim Fine Art, New York 2004 Beat It, Insa Art Center, Seoul, Korea 2003 Bewitched, Gallery Loop, Seoul, Korea 2002 Chinese Lucky Estate, 1A Space, Hong Kong Tokyo Brand City, Koyanagi Gallery, Tokyo, Japan 2001 Borame Dance Hall, Gallery Loop, Seoul, Korea Collections Fukuoka Asian Art Museum, Fukuoka, Japan ArtSonje Center, Seoul, Korea The Calder Foundation, New York Joy of Giving Something Foundation, New York Estee Lauder Corporation, New York Gyeonggido Museum of Art, Ansan, Korea Joddes Collection, Pharmascience, Montreal, Canada New Line Cinema, New York Savannah College of Art and Design, Savannah, Georgia, USA National Museum of Contemporary Art, Seoul, Korea Seoul Museum of Art, Seoul, Korea ●

Kim Sanggil 1974 Born in Korea. Lives and works in Seoul, Korea 1998 BFA in Photograhy, Daegu Arts University,

Daegu, Korea 2000 MFA in Photography, Joong-Ang University, Seoul, Korea Solo Exhibitions 2005 Like a Program, Project Space Sarubia, Seoul 2003 Recording Program (Like a landscape photograph), Jungmiso Space, Seoul 2002 Recording Program (Like a documentary photograph), Ssamzie Space, Sori, Seoul 2001 Smart Program, Insa Art Center, Seoul 2000 No Code, Park Young Duk Gallery, Seoul 1997 Everyday Life, the Dissatisfaction, Kodak Photo Salon, Seoul Awards 2003 Korean Culture & Arts Foundation Grant for Young Artists 2002 The 3rd Ssamzie Studio Grant, Ssamzie Space, Seoul 2000 The 1st Photo Critic Prize, Seoul ●

Yun Lee 1967 Born in Tokyo 1993~2001 Studies at the Kunstakademie Dusseldorf, Class of Jannis Kounellis and Thomas Ruff 1999 Master Class, 2001 Master of Fine Arts Degree Solo Exhibitions 2007 Private / Public, Rheinisches LandesMuseum, Bonn (C) 2006 Lumiere Gallery, Seoul (C) 2005 Private World, Suermondt-Ludwig-Museum, Aachen (C) Selected Group Exhibitions 2008 Frauen bei Olympia, Frauenmuseum Bonn 2008 Artspectrum 2008, Leeum Samsung Museum, Seoul 2008 Presence, Tony Wight Gallery, Chicago 2008 NONcon temporary, Dusseldorf 2007 ZAIN-Marie`s Story c space Coreana Museum of Art, Seoul (C) 2006 Casa Mia, Laden, Dusseldorf 2006 Rachel, Dusseldorf 2006 Brauhausfotografie, Universitat Siegen 2006 Death of the Curator, Dusseldorf 2005 Ortstermin, Dusseldorf 2005 Friends & Lovers, Laden, Dusseldorf 2005 Me Myself and I, Gutleut15, Frankfurt, Glue, Berlin, Konsortium, Dusseldorf


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Awards 2007 dHCS Atelier Stipendium, Kunstverein Dusseldorf 2006 Lumiere International Photography Award, Seoul 2006 Rheinischer Kunstpreis, Rhein-Sieg-Kreis 2005 Catalogue Award Kunststiftung NRW 2005 Award Young Artists on the Road, Aachen 2001 Residence Scholarship Ahrenshoop der Stiftung Kulturfonds 1999 2nd Price: Britta Kunstpreis Fotografie ●

Shin Eunkyung 1973 Born in Iksan, Korea 1998 Graduated in Photography at Paekche Art College 2003 M.F.A. Photography, Chung-Ang University Solo Exhibitions 2007 PhotoStudio, Dukwon Gallery, Seoul 2006 Wedding Hall, Nikon Salon, Shinjuku, Japan 2005 Wedding Hall, Shinsegae Gallery, Kwangju 2000 Beach Kamami in YeongGwang, SK Gallery, Seoul Selected Group Exhibitions 2008 Comical & Cynical 2008, Jijihyang, Paju, Korea Eun Yeo Woo Project, Trunk gallery, Seoul, Korea The Inspiration Award-Winning Exhibition, Nikon Salon, Osaka, Japan 2007 The Inspiration Award-Winning Exhibition, Nikon Salon, Shinjuku, Japan Korea Contemporary Photography Spectrum/Space, Trunk gallery, Seoul, Korea Young Artists Portfolio, K-Mopa, Kiyosato, Japan Comical & Cynical, Osaka , Japan Beauty, 美, Ideology, Trunk gallery, Seoul, Korea Collections 2007 Nikon Salon, Tokyo, Japan 2004, 2006 Kiyosato Museum of Photographic Arts, Japan 2004 Joy of Giving Something, USA 2003 Dong-Gang Photo Museum, Korea ●

Debbie Han 1993 B.A., Art, University of California Los Angeles 1999 M.F.A., Pratt Institute, New York

Solo Exhibitions 2008 Hybrid Graces, TouchART Gallery, Heyri Art Valley, Korea 2007 Debbie Han, Galeria Punto, Valencia, Spain 2006 Visions of Beauty, Freddie Fong Gallery, San Francisco 2006 DEBBIEHAN, Gallery Sun Contemporary, Seoul 2005 Terms of Beauty, Gallery Ssamzie, Seoul 2004 Idealistic Oddity, Brain Factory Gallery, Seoul 2002 Condom Series, Gallery 825, Los Angeles 1999 Sweet World, Steuben East Gallery, New York Over 50 group exhibitions in Seoul, Los Angeles, New York, London, Berlin, Paris, Hong Kong, Madrid and others. Awards include The Pollock-Krasner Foundation Grant, New York; ARCUS Project, Artist-in-Residence, Ibaraki, Japan; Bemis Center for Contemporary Arts, International Residency, Nebraska, USA; Vermont Studio Center Full Fellowship Award, Vermont, USA ●

Kim Oksun 1967 Born in Seoul 1996 MA in Photographic Design, Hongik University, Seoul, Korea Solo Exhibitions 2008 Hamel's Boat, Kumho Museum of Art, Seoul 2007 Happy Together, Art Space C, Jeju 2005 You and I, Marronnier Gallery, Seoul 2004 Happy Together, Gallery Korea, New York 2002 Happy Together, Alternative Space Pool, Seoul 2000 Woman in a Room2, Time Space Gallery, Seoul 1996 Woman in a Room, Samteo Gallery, Seoul Awards 2007 The 6th Daum Prize Winner, Geonhi Art Foundation, Seoul ●

Bang Byungsang 1970 Born in ChunCheon, Korea. Lives and Works in Pajusi Kyeongkido, Korea. 1991 Shin Gu College, Graduated from Dept' of Photography & Image Media 1993 Kyung il University, Dept' of Photography & Image, BFA 2002 Hong ik University, Graduate School of Industrial Art, MFA-Photographic Design

Solo Exhibitions 2005 In Green Heaven, Alternative Space GeonHi Gallery, Seoul, Korea 2004 Looking at the Sunny-Side, Insa-Art Gallery, Seoul, Korea 2002 Waking in a Strange City, Alternative Space Pool Gallery, Seoul, Korea 2001 FLOWERS, O2 Gallery, Seoul, Korea 2000 Red Road, SK Photo Gallery, Seoul, korea Group Exhibitions 2008 Contemporary Korean Photographs 1948-2008, National Museum of Contemporary Art, Seoul, Korea Place & Placelessness, DongGang Museum of Photography, YoungWol, GangWonDo The Frontier in Korea Photography, Now Gallery, Korea The Big and Hip-Korean Photography Now, No Gallery, Korea 2007 One Fine Day, Rodin Gallery, Korea DISCOVERING SEOUL, Gain Gallery, Korea Landscape of Korean Contemporary Photography, Seoul Metropolitan Museum, Seoul, Korea Awards & Residences 2006 Exhibition grants Korean Culture and Arts Foundation 2004 Changdong Art Studio, The National Museum of Contemporary Art, Seoul, Korea 2003 Daum Prize, GeonHi Foundation, Korea 2000 Young Artist Prize, Monthly Sajinyesul Magazine, Korea ●

Yang Jaekwang 1967 Born in Korea 2001 Chung-Ang University Department of Photography Solo Exhibitions 2008 Playing Imagination, Gallery Faithful, An-san, Korea 2008 The Night Prior to an Event, Gallery On, Seoul, Korea 2007 Nightswimming Episode.2, Gallery Bresson, Seoul, Korea 2007 Nightswimming 1.5, Gallery Faithful, An-san, Korea 2006 New Town's News, Jungle Book Art Gallery, Ilsan, Korea 2006 Nightswimming, Space VAVA, Seoul, Korea


2001 The Room with Opera, ART CENTER NABI, Seoul, Korea Group Exhibitions 2008 Daegu photo Biennale 2008 - Memories of the Future , Daegu, Korea 2007 Chonggye Creative Studio Openning - Dream of Chonggyechun, Seoul, Korea 2007 SOAF 2007, Coex, Seoul, Korea 2007 Fun of Photography, Artbit Gallery, Seoul, Korea 2006 The Current, Gallery the Space, Seoul, Korea 2006 SEMA 2006, Seoul Museum of Art, Seoul, Korea 2006 Seoul International Photography Festival 2006, Dukwon Gallery, Seoul, korea 2006 Dong-Gang Photo festival - Dream of Photography, Dong-Gang Museum of Photography Young-Wul, Korea 2005 Asian Age Talk Live Age 2, Gyeonggi Cultural Foundation Art Center, Suwon, Korea 2005 Heyri Spring Festival, Heyri, Korea 2004 Asian Age Talk Live Age 1, Naniwa Camera Earka+, Osaka, Japan 2003 Kaleidoscope, Darling Museum - Project Space Zip, Seoul, Korea 2003 Dong-Gang Photo Festival - Perspective of Korea Contemporary Photography, Young-Wul, Korea 2003 The Month of Photography, Tokyo 2003 - In & Out, Tokyo, Japan 2001 Weihnacht Kunst Ab Werk, Kunst Werk, Keoln, Germany 2001 Mash, Art Theater Koeln, Keoln, Germany 2001 Seeing - National School for the Blind, Seoul, Korea Awards 2008 Playing Imagination, Awarded the Grant for 'Media Education'.-Daum Media School 2008 Playing Imagination, Awarded the Grant for 'Superior Creative Artistic Activities'. Gyeonggi Cultural Foundation 2007 Media Bus, Awarded the Grant for 'Cultural Pluralism'. Gyeonggi Cultural Foundation 2006 New Town's News, Awarded the Grant for 'Superior Creative Artistic Activities'. Gyeonggi Cultural Foundation 2005 ASIAN AGE 2005, Awarded the Grant for 'Public Subscription for Rising Planners'. Gyeonggi Cultural Foundation ●

Back Seungwoo

1973 2000 2002 2005

Born in Daejeon B.F.A Chung Ang University, Photography M.F.A Chung Ang University, Photography M.A Fine Art and Theory, Middlesex University(distinction), London 2005 Research Fine Art and Theory(PHD). Middlesex University, London Solo Exhibitions 2008 Real World. La FotoGaleria del Teatro San Martin. Buenos Aires.(December) 2008 Blow Up. Rose Gallery. Santa Monica.(September) 2007 Real World. Foil Gallery. Tokyo. 2007 Real World. Insa Art Space. Seoul 2006 108 Anguish, On photography. Frankfrut. 2006 Blow up, Gana Beaubourg Gallery. Paris. Group Exhibitions 2008 A Sweet Illusion. HanGil Gallery. Heiri. Kyungki. 2008 Landscapes, Gallery Wa. Kyungki 2008 LA art. New York. 2008 Korean Contemporary Art, Cite Internationale Arts. Paris 2008 Reconstruction of landscape, Korean Cultural Center. London 2008 Discovery Show. Fotofest. Houston 2008 Let a Thousand Flowers Blossom. Insa art Center. Seoul 2008 The Battle of Taste. Gallery SangSangMadang. Seoul Collections Portfolio Foundation. Edinburgh. UK MFA H. The Museum of Fine Art. Houston. Santa Barbara Museum Of Art. Santa Barbara. Mike Wilson Collection. U.S.A ●

Han Sungpil 1972 Born in Seoul 2004 MA in Curating Contemporary Design with Commendation at Kingston University, London (Delivered in Collaboration with the Design museum, London) Selected Solo Exhibitions 2008 RE:Representation, SEO gallery, Seoul, Korea 2007 FACADE: Face-cade, Gallery Zandari, Seoul, Korea 2006 The Sea I dreamt, The 16th International Festival of Photography: Bratislava Month of Photography 2006, Bratislava, Slovakia

2005 My Sea, Goethe Institute, Frankfurt am Main, Germany Blue Jungle-Displaced Spaces, Selasar Sunaryo Art Space, Indonesia 2004 The Sea I Dreamt : The 10th International Biennial of Photography & Photo - Related Art Houston Fotofest 2004, Houston Fotofest Headquarters gallery, Texas, U.S.A. 2002 The Sea I Dreamt, Gallery Space 4Zine : Seoul, Korea 1999 My Sea, Gallery Indeco, Seoul, Korea Group Exhibitions 2008 The Frontier in Korean Photography, Gallery NOW, Seoul, Korea 2008 New Acquisition Collection-Reconstructed, GyeongiDo Museum of Art, Ansan, Gyeongido, Korea 2008 Pass the Picture, Goethe Institute, Kuala Lumpur, Malaysia 2007 The Alchemy of Shadows, The 3rd Lianzhou International Photo Festival, Granary Factory, Lianzhou, China 2007 Pass the Picture, Goethe Institute, Berlin, Germany 2007 Mysteries, Secrets, Illusions, Kaunas Photo 07, Kaunas Picture Gallery, M.K. Ciurlionis National Museum, Kaunas in Lithuania 2007 Co-exist, Foil Gallery, Tokyo, Japan 2007 My Private Collection, Gana Art Center, Seoul, Korea 2007 In Touch of the Present, Korean Artists Collaboration, Wada Fine Arts, Tokyo, Japan 2007 Photography, Copied Truth: Four Truth: Made Truth, Gallery Touch Art Gallery, Hayri, GyeongGi-do, Korea 2007 Open Studio3, Old Jeonnam Province Hall & Uijae Studio, Gwangju, Korea 2007 Photographs by the Next Generation: Young Portfolio Acquisitions 2006, Kiyosato Museum of Photographic Arts, Yamanashi, Japan ●

Ahn Sekwon 1968 Born in South Korea / Lives and Works in Seoul, Busan. 2008 The Korea National of Arts, School of Visual Arts the Graduate Course Solo Exhibitions 2008 Seoul, A Landscape of Silent, Cheonggyecheon Gallery. 2008 The Gleams and Glimmers of Seoul, 175Gallery.


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2006 Gana Now Art prize Exhibition, INSA Art Centar . 2004 A Landscape Seen from the Road , (Ilju Art House, Seoul) Group Exhibitions 2008 Dong-Gang Special Photography Exhibition Place and Placelessness, Dong-Gang Museum of Photography, Yeongwol, Korea 2008 A Look on the World/ Una Mira al Mundo, Pamplona, Spain. 2008 Art in Busan 2008, Come Back to Busan Port, Busan Museum of Art, Busan. 2008 Korea Contemporary Art's Exhibition, Korea Cultural Centre, London, UK. 2008 Seoul Along, The Hangang Renaissance, Seoul Museum of Art, Seoul 2008 Mega City Network, Deutsches Architektur Zentrum - Museum, Berlin 2007 Deutsches Architektur - Museum, Frankfurt. 2007 City-Net Asia 2007- SEOUL Seoul Museum of Art, Seoul 2007 KIAF Specal Exhibition, Something Mr.C Can't Have, Coex Seoul 2007 Video Art Biennale, Kunst Museum, Boon, Germany 2007 Video in Seoul, 2007 Miro Space, Seoul 2006 People Under the Landmarks of Seoul. 175 Gallery, Seoul Collections 2008 Busan Panolama. Busan Museum 2006 Dream II, Cheonggye Expressway. National Museum of Contemporary Art, Korea 2004 Cheonggye Scape. DVD(Tow Channel Video), Seoul Museum ●

Choi Joongwon 1974 Born in Korea Solo Exhibitions 2008 Passing Landscape(3rd), Trunk Gallery 2007 Passing Landscape(2nd), Gallery Kunst Doc 2006 Passing Landscape(1st), Gallery Now Group Exhibitions 2008 Daegu Photo Biennale 2008, EXCO 2008 Picturesque Photography, KT Art Hall 2008 Challenge to My Eyes, Gallery IS 2008 Seoul Photo Fair 2008, COEX 2008 Hong-Je-Cheon Art Project - Hong-Je-Cheon Park 2007 Style Impact (2nd), T Space

2007 The Paradox & The Actual Spot, Gallery KunstDoc 2007 Style Impact (1st), Gallery The Space 2006 Phenomenological Perception, Gallery 175 2006 3人3市, Seoul Plaza Hotel Suite Room 2006 Bit Map, Gallery Loop 2006 The Park, SOMA (Seoul Olympic Museum of Art) 2005 Young Portfolio 2005, SeMA (Seoul Museum of Art) 2004 One Digital Day, Gallery La Mer ●

Adou 1973 Born in Mianyang, Sichuan Province 1995 Graduated from Sichuan Aba Normal College, Fine Arts Department 1995~2004 Design and Creative Director in Advertising Field Exhibitions 2007 MIO Retrospective Exhibition, Kyoto, Japan 2006 Lianzhou Photography Festival, Guangdong Province, China 2005 Chengdu Photographers Three Person Exhibition, International Photography Festival, Pingyao, Shanxi Province, China Awards 2007 2007 Top 10 Documentary Award, WIPI Photography Institute (US) 2007 Special Jury Award at the Japan MIO International Young Photographers Competition 2007 Honorable Mention in World’s 100 Young Photographers, KLM Paul Huf Award (Holland) 2006 Won Second Prize at the Japan MIO International Young Photographers Competition, for Work Going Home 2005 Highest award at the Japan MIO International Young Photographers Competition, for work Public Buses & Chinese People 2000 Gold Award for Graphic Design at Sichuan Province Advertising Competition 1998 Second Prize at Samsung Computer Graphic Design competition ●

Chao Bin-Wen 1963 Born in Taiwan. Tai-Bei Senior High School, Taipei, Taiwan, ROC, He has been focusing on Painting over 10 years.

Currently, he is a freelancer and member of Taiwan Photographic Art Society in Taiwan. 1977~1982 Designer at Chinese Pottery Arts Center, 1985 Sculpture Designer at Ting-Shan Craft Co. Ltd., Since 2007 Member of Taiwan Photographic Art Society, Taipei, Taiwan, Since Freelancer Focus on Photography and Sculpture Fields Group Exhibitions 2008 Taiwan Large Format Camera Society, Jazz Gallery, Taipei, Taiwan 2007 Taiwan Large Format Camera Society, Taipei Cultural Center, Taipei, Taiwan Collects 1994 Selected at 8th Session of National Painting Exhibition 1991 Selected at 5th Session of South Sea Art Exhibition 1988 Selected at 44th Session of Taiwan Painting Exhibition 1983 Selected at 39th Session of Taiwan Painting Exhibition ●

Chen Chin-Pao 1996~1999 BFA, Photography Department of School of Visual Arts, New York 1984~1990 The Arts and Crafts Division of National Taipei University of Education, Taiwan Solo Exhibitions 2004 Circumgyration-DengKong Project, National Taipei Teachers College, Taipei 1999 Documentary Portrait-Betel Nuts Girls, Taiwan International Visual Art Center, Taipei 1999 Chin-Pao Chen’s Recent Work, Knickerbocker Gallery, New York Group Exhibitions 2008 Festival de l’ Imaginaire, Point Ephemere, Maison des Cultures du Monde, Paris, France 2006 Century of Light and Shadow-20 Photographers from Taiwan, National Art Museum of China, Beijing, China 2004 Spellbound Aura-The New Vision of Chinese Photography, Museum of Contemporary Art, Taipei 2002 New Aesthetics in Taiwan, Jeff Hsu’s Art, Taipei 2001 Ten Years of Taipei Photofest, Taiwan International Visual Art Center, Taipei.


1999 Crossing the Line, Knickerbocker Gallery, New York 1999 Plan for Peace, The Time Square Lobby Gallery, New York Awards 2000 Second Price, Photography Award, 3rd Reporting Award for Sustainable Taiwan 1999 First Price, Taipei Photofest, Chinese Photographic Culture Association 1999 First Price (work on paper), Plan for Peace, The Time Square Lobby Gallery 1999 Rhode Family Award for Outstanding Achievement in Photography, School of Visual Arts Publication 2003 A Moment of Beauty: A Collection of Images of Betel Nut Girls, Laureate, Taipei. ●

Chiu I-Chien 1962 Born in Taipei, Taiwan 1977 ~1980 Department of Arts and Industrial Arts, Xie-He High School of Industry and Commerce 1987 ~1991 BA in Photography, Nihon University College of Art 1992 ~1994 MFA in Photography, Academy of art University, CA, USA 2005 PhD in Inter Media Art, Course, Graduate School of Fine Arts, Tokyo National University of Fine Arts & Music Executive Director of Taiwan Photographic Art Society, Taipei, Taiwan Counselor of Taiwan Large format Camera Society, Taipei, Taiwan Superintendent of Magic Visual Arts Center, Taipei, Taiwan Curates 2007 The Master of Photographer- Ansel Adams, IAPG Gallery, Taipei, Taiwan 2002 Super real life-Asia Photographer, Port-side Gallery, Yokohama, Chiba, Japan 2002 Living in a City, Asia Photo Biennial, Seoul, Korea 2000 The 3rd Taipei International Fotofest, Chung Shan National Gallery, National Dr. Sun Yat-sen Memorial Hall, Taipei, Taiwan Experiences

2007 Directorate of Taiwan Nihon University Schoolmate Association 2005 Directorate of Chinese Photographic Culture Association 2004 Judge of Taoyuan Art exhibition, Taoyuan County, Taiwan 2003 The Chief Director of Chinese Photographic Culture Association 1999 Collection Committeeman of National Taiwan Museum of Fine Arts, TaiChung, Taiwan 1999 Judge of Keelung City Cultural Center, Keelung, Taiwan 1998 Chief Secretary of the Society Photographic Education of Chinese 1997 Directorate of Chinese Photographic Culture Association 1996 Directorate of the Society Photographic Education of Chinese Article 2001 Modern Photography of Taiwan, Asian Photography Conference 2001, The Society of Asian Photography, Seoul, Korea 2000 Social value of Photography, The 3rd Taipei International Fotofest ●

Huang Lei 1972 Born in Qingdao, Shandong Province 1991 Graduated from Qingdao Art School 1989 Began Teaching Art Class in Elementary Schools Exhibitions 2005 City Attention, Photography Exhibition, Guangdong Art Museum 2004 Elsewhere, Chongqing Art Museum, Sichuan Province 1998 Fuck Off, Shanghai

Group Exhibitions 2008 2D/3D: Negotiating Visual Languages, PKM Gallery, Beijing, China Poetic Realism: A Reinterpretation of Jiangnan–Contemporary The Oriental Rainbow : An Index of Images in China’s Urbanization Homesickness: Memory and Virtual Reality, T.space, Beijing, China CIGE 2008: Mapping Asia, Exhibition Hall, China World Trade Center, Beijing, China Building Code Violations II, Long March Space, Beijing, China There Is No I In Team, ISIS Arts and /sLab, Newcastle, UK Time-Lag: The New Force of Chinese Contemporary Art, Magee Art Gallery, Madrid, Spain FOTOFEST2008 – CHINA: Photography from China 1934–2008 Community of Tastes, Iberia Center for Contemporary Art, Beijing, China La Cina e' Vicina: China Next Door, Palazzo delle Arti, Napoli, Italy Free Zone: China, BSI, Lugano, Switzerland 2006 Under The Skin, UniversalStudios-Beijing, China Alllooksame, Fondazione Sandretto ReRebaudengo, Tourin, italy Never Go Out Without My DV cam -Video Art from China the Museo Colecciones ICO, Madrid Micrology: the Politics of Realism -A Case of Chinese Contemporary Art, Centro Cultural de Macau Fribourg International Film Festival, Fribourg, Switzerland Fancy・Dream Art Exhibition Marella Gallery, Beijing, China; Milan, Italy ●

Liu Lijie

Jiang Zhi 1971 Born in Yuanjiang, Hunan 1995 Graduated from China Academy of Fine Art Solo Exhibitions 2008 Shine Upon Me: Jiang Zhi's Solo Exhibition, DF2 Gallery, Los Angeles, USA 2007 Things Would Turn Simpler Once They Happened– New Photographs by Jiang Zhi, M97 Gallery, Shanghai, China

Liu Lijie was born in Shenyang, China. After graduating with a university degree as a finance major, she started working in a bank. She began studying photography on her own in 1997. In 2004, she quit her job at the bank and entered the Photographic Institute at the Beijing Film Academy, majoring in photography. She graduated with a bachelor’s degree. She is interested in taking pictures that show the relationships among people and the inner states of people.


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The work she is doing now, a series of self-portraits, has been exhibited at the Pingyao International Photography Festival, a New York photography exhibition, Siegen Gallery in Germany, Peer Gallery in New York, Yonghe Gong Museum in Beijing, the Australia Center for Photography, and the Lianzhou International Photo Festival. ●

Qiu 1974 Born in Pingyuan, Guangdong Province 1998 Graduated from the Fine Arts Department of Guangdong Institute of Education Exhibitions 2007 Sleepwalker-Qiu, Rencontres d'Arles, France 2007 Sleepwalker-Qiu, NO.75 Gallery, Guangzhou, China 2005 Qiu, International Photo Festival, Lianzhou, Guangdong, China 2005 2005 Guangzhou Photo Biennial, Guangdong Museum of Modern Arts, Guangzhou, China 2004 Where are you Heading? Tian-ren-he-I, Four Young Chinese Photographers, Guardian Garden Gallery, Japan 2004 On the Way, International Photography Festival, Wuyishan, Fujian China 2004 On the Way - Open Attitude, Guangdong Museum of Modern Arts, Guangzhou, China 2003 Humanism in CHINA - A Contemporary Record of Photography, Guangdong Museum of Modern Arts, Guangzhou, China 2003 A World that Looks unreal, International Photography Festival, Pingyao Shanxi China ●

RongRong & Inri Rong Rong 1968 Born in Zhangzhou City, Fujian Province, China 1992 Entered the Photography Department of the Central Industrial Art Institute, Beijing 1996 Established “New Photo” Magazine Exhibitions 2007 New Photo – Ten Years, Three Shadows Photography Art Centre, Beijing 2004 Between Past and Future: New Photography and Video from China, International Center of Photography, Asia Society, New York; Smart

2003 2002 2002 2002 2000 1998

Museum of Art, Chicago; Museum of Contemporary Art, Chicago, U.S.A. RongRong’s East Village, Chambers Fine Art, New York, USA RongRong: Retrospective, Galerie Loft, Paris, France The First Guangzhou Triennial, Guangdong Museum of Art, Guangzhou Beijing Afloat, Beijing Tokyo Art Projects, Beijing, China Fuck Off, East Link Gallery, Shanghai, China Solo Exhibition, Galerie HS Steinek, Vienna, Austria

Inri 1973 Born in Kanagawa Prefecture, Japan 1992 Graduated from the Nippon Photography Institute, Tokyo Exhibitions 2007 Convection, Three Shadows Photography Art Centre, Beijing 2001 Maximax, Fujikawa Gallery/next, Osaka, Japan 1998 Solo Exhibition, Kodak Photo Salon, Tokyo, Japan Joint Exhibitions 2008 RongRong&Inri, SF Cameraworks, San Francisco, USA 2008 RontRong&Inri, Casa Asia, Madrid and Barcelona, Spain 2007 RongRong&Inri, Rencontres d' Arles, France 2006 The Third Space, Alexander Ochs Gallerie, Berlin, Germany 2006 Liulitun, Chambers Fine Art, New York, USA 2005 Beyond, Walsh Gallery, Chicago, USA 2005 Mahjong: Contemporary Chinese Art from the Sigg Collection, Kunstmuseum Bern, Bern, Switzerland 2004 5th Shanghai Biennale-Techniques of the Visible, Shanghai Art Museum, Shanghai, China 2003 Tui-Transfiguration: The Image World of RongRong and Inri, Factory 798, Beijing, China 2002 Dream 02, Red Mansion Foundation, London, UK ●

Shen Chao-Liang 1968 Born in Tainan, Taiwan 1989 Department of Motion Pictures Production Program, The World College of Journalism, Taipei, Taiwan 1995 Department of Visual Art, Nippon Engineering

College, Tokyo, Japan 2005 Master of Arts, the Graduate School of the Applied Media Arts, National Taiwan University of Arts, Taipei, Taiwan Solo Exhibitions 2006 STAGE, PLACE M Photo Gallery, Tokyo, Japan 2006 Taiwanese Cabaret, Dong-gang Photo Festival, Dong-gang Museum of Photography, Yeongwolgun County, Gangwon-do Province, Republic of Korea 2006 Reflections of Nan-fang-ao, Green International Film Festival in Taiwan, Red Brick Hall, Yilan, Taiwan 2006 Reflections of Nan-fang-ao, NHCTC Artist Space, Hsinchu, Taiwan 2005 Happy Landing:A Family Photo Album, NTUA Arts Center ,Taipei ,Taiwan 2004 Reflections of Nan-fang-ao, Taiwan International Visual Arts Center£ (TIVAC£), Taipei, Taiwan 1999 Fish Market in Tsukiji: The People and Gods of Asakusa,FNAC Photo Gallery, Taipei, Taiwan Group Exhibitions 2006 “The Era of Image Deciphering” the Asia Pacific Forum on Photography in Taiwan, the Society for the Photographic Education of Chinese, Taiwan International Visual Arts Center (TIVAC), Taipei, Taiwan 2006 “Fish Market in Tsukiji” and “Reflections of Nanfang-ao” Collective Exhibition of Past Golden Tripod Award Winners for Best Photography, (magazine category), the Executive Yuan, Taiwan, World Trade Center, Taipei, Taiwan” 2005 “Photographic Projec: Images of Dimension” Chiayi Art Festival on the Tropic of Cancer, Chiayi, Taiwan 2005 “Reflections of Nan-fang-ao” Nikon Photo Gallery, Tokyo, Japan 2004 “Reflections of Nan-fang-ao” Sagamihara City Gallery, Sagamihara, Japan 2004 “Reflections of Nan-fang-ao” Works of eight Taiwanese photographers, Pingyao International Photography Festival, Shanxi, China 2002 “Asian Super Real Life” Portside Gallery, Yokohama, Japan 2002 “Living in a City” 2002 Asia Photo Biennale, Seoul, Korea 2001 “921 Earthquake – Records of Chungliao” the International Conference on Art Therapy Education, National Taipei Teachers College, Taipei, Taiwan


2001 “Identity and Identification” 921 Earthquake Second Anniversary, Earthquake Educational Park, Wufeng, Taichung, Taiwan 2000 “From Traditional Photography to Digital Images” 3rd Taipei International Fotofest, Sun Yat-sen Memorial Hall, Taipei, Taiwan 2000 “Records of Chungliao: Rediscovering Our Homeland After the 921 Earthquake” Eslite Art Gallery, Taipei, Taiwan Awards 2006 Best Foreign Photographer, Dong-gang Photo Festival, Republic of Korea 2004 Asia Prize, General Photography Festival, Photo City Sagamihara, Japan 2002 The Golden Tripod Award, Best Photography (magazine category), the Executive Yuan, Taiwan 2001 Bright Side of Society Award for photojournalism, Taiwan 2000 The Golden Tripod Award, Best Photography (magazine category), the Executive Yuan, Taiwan Collections 2006 Selected images from the Taiwanese Cabaret series, Dong-gang Museum of Photography, Yeongwol-gun County, Gangwon-do Province, Republic of Korea 2004 Selected images from the Reflections of Nanfang-ao series, Sagamihara City Gallery, Sagamihara, Japan 2001 Selected images from the 921 Earthquake – Records of Chungliao series, Earthquake Educational Park, Wufeng, Taichung, Taiwan ●

Yao Lu 1967 Born in Beijing 1987~1991 Student of the Printmaking Department of Central Academy of Fine Arts 1998~1999 Master of Arts Visual Art (photography), Queensland College of Arts, Griffith University &the Central Academy of Fine Arts 2000~ Present Teacher of Photography Dept, School of Design, The Central Academy of Fine Arts Associate Professor The Member of Chinese Printmaker‘s Association Exhibitions 2008 Retrospective Exhibition of Xin Beijing Art Gallery, Beijing, China FOTOFEST INTERNATIONAL HOUSTON

CURRENT PERSPECTIVES,1998~2008, Houston, USA POST TRADITIONAL GaoFeng, YaoLu, HeJian, HaoLiang, Shanghai, China 2007 ABERRANCE OF CHINESE CHARACTER, Beijing, China YESTERDAY PICTURE EXHIBITION, Beijing , China GLORY AND RECORDS 567 ART EXHIBITION, Beijing-Berlin-Paris-Belgium ABSENCE EXHIBITION, Beijing SIGHTSEEING, Beijing LIANZHOU INTERNATIONAL PHOTO FESTIVAL 2007, Lianzhou, China 2006 THESE-Images from YAOLU, Pingyao, China Cutate Photography Exhibition Of students in the Photography Dept., School of Design, CAFA, Pingyao, China THE POST FACT Images from YaoLu & WangChuan, Beijing China NEW CHINESE OCCIDENTALISM-China Contemporary Art in Beijing, Beijing, China 2004 Pingyao International Photography Festival, Pingyao, China WADE-Photography Exhibition of Students and Lecturers in the Photography Dept., School of Design, CAFA, Pingyao, China THESE THERE-Images from YaoLu & WangChuan, Beijing China 2003~2004 ENCOUNTERS-Photography Art By Photography Lecturers And Guest Professors of the Photography Dept., School of Design, CAFA Beijing-Shanghai-Nanjing, China 2003 Multi-Medium Art Exhibition “Space and Transportation”(2), Graz, Austria CHINA ART TODAY, Beijing, China 2000 Impression 1, Beijing, China ●

Zhao Liang 1971 Born in Liaoning, Dandong 1992 Graduated from the Luxun Academy of Fine Arts 1993~94 Studied in the Photography Department of the Beijing Film Academy (Narrative Photography) Group Exhibitions 2008 In an Instant: Moving Images and Photographic Works by Zhao Liang, Three Shadows Photography Art Centre, Beijing, China

5th Berlin Biennial, Germany 2007 Convection: Works from the Permanent Collection of Three Shadows, Three Shadows Photography Art Centre, Beijing, China New Photo – Ten Years, Three Shadows Photography Art Centre, Beijing, China Watch Docs Festival, Warsaw, Poland Festival of Three Continents, Nantes, France (Montgolfiere d’or Award for “Crime and Punishment”) Rencontres d’ Arles Photography Exhibition (Detour via China), Berlin, Germany Impakt Festival, Netherlands 2005 Rencontres Internationals, Paris/Berlin 2004 New Photo and Video Art from China, International Center of Photography, New York, USA Regeneration: Contemporary Chinese Art from China and the US, Samek Art Gallery at Bucknell University, Lewisburg, PA, USA 2003 How Latitudes Become Forms, Walker Art Center, Minneapolis, USA and Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino, Italy ●

Zhang Hai’er 1957 Born On the 21st. Of September in Guangzhou, China 1978~82 Studied at Stage Design Department, Shanghai Drama Institute 1985~88 Graduated Study, Painting Department,Guangzhou Academy of Fine Art Solo Exhibitions 1995 Zhang Hai'er, Image Fotografisk Galleri, Aarhus, Denmark 1994 Zhang Hai'er, Song He Tang, Beijing, China 1994 Outside Fashion, Guangzhou Academy Of Fine Art, China 1993 Beauties and Something Else, Palais Jalta, Frankfurt, Germany 1993 Zhang Hai'er, L'Autre Chine, Musee De L'Elysee, Lausanne, Switzerland 1991 Zhang Hai'er, Fabrik-Foto Forum, Hamburg, Germany 1990 Zhang Hai'er, Fotografien Aus China, Heidelberger Kunstverein, Heidelberg, Germany 1989 Zhang Hai'er, Encontros Da Imagem, Casa Dos Crivos, Braga, Portugal 1988 Zhang Hai'er, Black And White Photography, Provincial Library of Guangdong, China


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Group Exhibitions 2008 Guangzhou Station (Contemporary Art In Guangdong Since 1985), Guangdong Museum Of Art, Guangzhou, China 2007 Guangzhou Photo Biennial, Guangdong Museum of Art, Guangzhou, China 2006 Xian - Yin, Sifang Museum of Contemporary Art, Nanjing, China 2006 Inner Scopes, Shanghai Gallery of Art, Shanghai, China 2004 Forbidden City International Photography Festival, Beijing, China 2003 Asian Field, Guangzhou〉Beijing〉Chongqing, China 2002 Facing Reality, Caaw, Beijing, China 1988 Etre Photographe En Chine Aujourd'hui, 19me. Rencontres Internationales De La Photographie, Commanderie De Saint Luce, Arles, France 2001 Wall to Wall, Naarden, Amsterdam, Holland 2000 Transparence, Opacite ?, La Maison De La Villette, Paris 2000 China, 50 Years Inside The Republic, New York, U.S.A Publication 1990 Zhang Hai'er, Fotografien Aus China, Braus, Heidelberg, Germany ●

Mo Yi 1958 Born in Tibet 1995 Obtained Grants from People’s Photography Newspaper 1998 Interviewed by NHK (Japan) - The New Wave of Chinese Culture-Fang Lijun, Liu Wei, Mo Yi, Zhang Yang, Xie Jin, Mang Ke Solo Exhibitions 2008 Me and My Surrounding Landscape, Songzhuang Museum of Art 2008 Fragile – Pure Land(Photo Installation), Jiushi Gallery, Beijing 2007 Gazing into My Eyes, Pingyao, Lianzhou 2007 Me and My Surrounding Landscape, Walsh Gallery, Chicago 2006 One Thousand Homes, Ten Thousand Households – My Surrounding Landscapes, Lianzhou International Photography Festival 2006 New Folk – My Surrounding Landscapes, Pingyao Photography Festival 2006 Red point-Red skirt Site Installation, Tianjin 2005 Landscape with Red Color Site Installation,

Lianzhou International Photography Festival 2005 The City that Breathes in the Village, Site Installation, Xijungyu Village, Jixian County 1999 Dancing Streets, Zeit-Foto Salon, Tokyo, Japan 1996 City Space, Zeit-Foto Salon, Tokyo, Japan 1995 Photos in the Alley Performance Piece, Tianjin Old Town 1989 Go Performance Piece, Downtown Tianjin 1988 Expressions of the Streets Performance and Photography, Binjiangdao Street, Tianjin Group Exhibitions 2008 Lianzhou Three Year Retrospective Show, Beijing Tomorrow Art Centre 2006 Revelations – Twenty Years of Chinese Photography, Works from the Permanent Collection of the Nanjing Art Museum 2005 Guangzhou International Photography Biannual, Guangdong Art Museum 2004 Between Past and Future – New Photography and Images of China, New York, Chicago, Seattle, Berlin 2003 All Me, Pingyao International Photography Festival Award 1995 Grants from People’s Photography Newspaper

Li Tianyuan 1965 Born in SuangYasan 1980~84 Studied in The Attached High School of the Central Academy of Fine Arts 1984~88 Studied in the Department of Mural Painting in the Central Academy of Fine Arts, Beijing Solo Exhibitions 2007 Li Tianyuan, China Square Gallery, New York 2005 Tianyuan Space Station – Air, Plum Blossom, New York 1996 Li Tianyuan, Red Gate Gallery, Beijing 1993 Li Tianyuan, China National Art Museum Group Exhibitions 2007 China’s Next Wave, Frist Center for the Visual Arts, Nashville, TN 2006 Between Past and Future: New Photography and Video from China Nasher Museum of Art, Durham, NC Between Past and Future: New Photography and Video from China Haus der Kulturen der Welt, Berlin

2005 Painting Exhibition in New Era, China National Art Museum 100artisforamuseum, Casoria International Contemporary Art Museum Chengdu Biennale, Chengdu, China 2004 Between Past and Future: New Photography and Video from China Asia Society and Museum, New York City, NY Between Past and Future: New Photography and Video From China ICP - International Center of Photography, New York City, NY 2002 Dreams and Portraits, East Link Gallery, Shanghai Pingyao International Photography Exhibition, Shanxi 2000 Virtual Future, Gaungdong Art Museum Sino-German New Media Art Exhibition, Loft New Media Art Space, Beijing, Shanghai ●

Takagi Cozue 1985 Born in Nagano, Japan Lives and works in Tokyo, Japan 2004~2007 Tokyo Polytechnic University, Faculty of Arts Department of Photography Solo Exhibitions 2008 Cozue Takagi laboratory5, Fukuoka Asian Art Museum, Fukuoka Cozue Takagi laboratory4, Nagoya Denki Bunka Kaikan, Nagoya Cozue Takagi laboratory3, OAP Artcourt, Osaka Cozue Takagi laboratory2, sendai mediatheque, Sendai 2007 Cozue Takagi laboratory1, Tokyo Metropolitan Museum of Photography, Tokyo Group Exhibitions 2007 Epson Color Imaging Contest 2007, Spiral Garden, Tokyo neo DIGITAL GENERATION, EPSON IMAGING GALLERY epSITE, Tokyo 2006 Epson Color Imaging Contest 2006, Spiral Garden, Tokyo New Cosmos of Photography TOKYO Exhibition 2006, Tokyo Metropolitan Museum of Photography, Tokyo Prizes 2006 Grand Prize/ Daido Moriyama Award, New Cosmos of Photography (Canon) Runner-up Prize, EPSON Color Imaging Contest


Anrakuji Emi Studied at Musashino Art University Lives and Works in Tokyo, Japan Solo Exhibitions 2008 Gallery Pastlays, Yokohama, JAPAN Charles A. Hartman Fine Art, Portland, Oregon Rat Hole Gallery, Tokyo 2007 MU PROJECT, Washington DC Gallery EPSITE, Tokyo Gallery Pastlays, Tokyo 2006 MY. Art Prospects, Project Room, New York 2005 TOADSTOOL, BanKART, Yokohama Gallery Imago, Curated by Kotaro Iizawa, Tokyo 2004 White Cube Gallery, Kyoto,Japan Group Exhibitions 2005 Video Screening by Toshiharu Ito, JAPAN 2004 Group Exhibition Yokohama Photo Studio, at BanKART, Yokohama, JAPAN 2002~2004 Exhibitions at Gatwick Airport, London, UK 2002 Inside Space Gallery on Selfrige's, London, UK Awards 2006 The 22nd Higashikawa New Photographer Awards, JAPAN 2006 A Chairman's Prize, the Japan Alliance of Printing Industry, the 57th All Japan Calendar Competition, JAPAN 2003 1st Place, the Fine Art Abstract Category and Fine Art Photographer of the Year, International Photography Award, USA 2003 Grand Prize, Albion Art Museum Photography Award, JAPAN 2003 Excellence Awards, Visual Category, Little More, JAPAN 2002 Humming Bird Awards, Hirama Itaru Photographic Awards, JAPAN 2002 Excellence Award, Niigata Tomioka White Musem, JAPAN 2001 Excellence Award, London Photographic Awards, UK 2001 Grand Prix, Yoshikazu Ueno Photographic Awards, JAPAN Publications 2008 ipy, Nazraeli Press, USA 2007 One Picture Book #40: e hakagi, Nazraeli Press, USA 2006 Anrakuji, Nazraeli Press, USA Collection Joy of Giving Something, Inc., New York

Takahashi Mariko 1970 Born in Kanagawa, Japan 1994 Graduated from Tokyo Zokei University, Major in Design Solo Exhibitions 2007 Moonlightgraphs, Photographers' Gallery, Tokyo 2006 The Finer and Smaller Feel of the Hand, Photographers' Gallery, IKAZUCHI, Tokyo Homemade Cake, Malpu gallery, Tokyo 2005 The Finer and Smaller Feel of the Hand, gallery ARTE, Kagawa 2004 Honey, Photographers' Gallery, Tokyo Spring, Photographers' Gallery, Tokyo Bowels of Rainbow, Photographers' Gallery, IKAZUCHI, Tokyo 2003 Crazy about You, Photographers' Gallery, Tokyo 2000 MESS, ONO Gallery 2, Tokyo Group Exhibitions 2008 MOT annual 2008 Unraveling and Revealing, Museum of Contemporary Art Tokyo, Tokyo 2008 TOWARDS A GAME OF PHOTOGRAPHY; MATRIX OF PHOTOGRAPHY 2008, Kawasaki City Museum, Kanagawa 2006 VOCA 2006 The Vision of Contemporary Art, The Ueno Royal Museum, Tokyo 2005 On Borrowed Time, in a Borrowed Place; Photographers' Gallery Exhibition in Yokohama, BankART Studio NYK, Kanagawa 2003 Photographers' Gallery Exhibition, Chukyo University Art Gallery C.SQUARE, Aichi 2002 Art Scholarship 2001 Selected Artists Exhibition, Exhibit LIVE [laiv], Tokyo 1997 10th 3.3㎡ Photography, Guardian Garden, Tokyo 1994 SexSpiral, Hiranagachobashi Gallery, Tokyo Publication 2004 Photographers' Gallery File 07: Bowels of Rainbow, Photographers' Gallery more 2002 Participated in Photographers' Gallery, Tokyo ●

Takano Ryudai 1963 Born in Fukui, Japan 1987 Graduated from Waseda University, School of Political Science and Economics

2006 The 31th Kimura Ihei Commemorative Photography Award Solo Exhibitions 2008 Takano, Ryudai’s Daily Photo, Yumiko Chiba Associates Viewing Room /Ginza (Tokyo, Japan) PARA-PARA, Zeit-Foto Salon (Tokyo, Japan) 2007 Takano, Ryudai’s Daily Photos, GALLERY at lammfromm(Tokyo, Japan) 2006~2007 In My Room, GALLERY M (Aichi, Japan) 2006 In My Room, NADiff (Tokyo, Japan) In My Room, KONICA MINOLTA PLAZA GALLERY C (Tokyo, Japan) How to Contact a Man, Zeit-Foto Salon (Tokyo, Japan) 2005 Common Sense, Zeit-Foto Salon (Tokyo, Japan) 2002 Twelve Messengers, Zeit-Foto Salon (Tokyo, Japan) 2001 Naked, for Example, il tempo (Tokyo, Japan) 2000 Reclining Woo-Man, Zeit-Foto Salon (Tokyo, Japan) ca.ra.ma.ru, gallery mai (Tokyo, Japan) Group Exhibitions 2008 Still / Motion : Liquid Crystal Painting, Mie Prefectural Art Museum (Mie, Japan) National Museum of Art (Osaka, Japan), Tokyo Metropolitan Museumof Photography (Tokyo, Japan) Rudai Takano-Koji Onaka /Shanghai Two Men Show, Gallery Kaido(Tokyo,Japan) The Archive Exhibition / Photographs of Kudanshita Building, Kudanshita Bldg (Tokyo, Japan) The History of Art and City -Paris, New York, Tokyo and Shanghai-, Sendai Mediatheque (Miyagi, Japan) 2007~2008 A Private History, Fotografisk Center (Copenhagen, Denmark), VB-VALOKUVAKESKUS(Kuopio, Finland) 2007 Art Fair Art@Agnes2007, The Agnes Hotel and Apartments Tokyo (Tokyo, Japan) Japan Contemporary Art Festival, (Heyri, Korea) Japan Caught by Camera - Works from the Photographic Art in Japan, Shanghai Art Museum (Shanghai, China) 2005 Out of Ordinary / Extraordinary : Japanese Contemporary Photography, Museum fur Ostasiatische Kunst (Berlin, Germany, etc.) 85/05 : The Photography Beyond 20 years from Tsukuba Museum of Photography 1985, Sendai Mediatheque (Miyagi, Japan) Post Gender, Tikotin Museum of Japanese Art


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(Haifa, Israel) 2004 Les Metamorphoses du Quotidien, The Museum of Modern Art (Gunma, Japan) Out of Ordinary / Extraordinary : Japanese Contemporary Photography, Casa Asia (Barcelona, Spain) 2001 Kiss in the Dark : Contemporary Japanese Photography, Tokyo Metropolitan Museum of Photography Tokyo, Japan) 2000 The Vision of Contemporary Art (VOCA) 2000, The Ueno Royal Museum(Tokyo, Japan) Public Collections Tokyo Metropolitan Museum of Photography The Japan Foundation KAWASAKI CITY MUSEUM Upcoming Exhibition 20 September-9 November 2008 “Backlight 2008 Tickle Attack 8th International Photography Triennial” (Tampere, Finland etc.) ●

Sakurada Munehisa 1976 Born in Japan Photographer after Fashion Model, Singer, Actor, and so on. Solo Exhibitions 2008 Munetopia / ZEIT-FOTO SALON 2007 The Man Looking Up the Sky / Tac's Knot 2006 He likes me? He likes me not? / Tac's Knot Fiction / Kukui Cafe 2005 FUNAUTA / Kukui Cafe / Tokyo 2004 Wet Dreams / Tac's Knot / Tokyo 1996 Flashback Dream House / Gallery Rocket / Tokyo Group Exhibitions 2007 New Japanese Beautiful Women Painting / Kukui Cafe Asia Young Artists Project in Heyri / Heyri Art Villedge / Korea Japanese Contemporary Art Festival / Heyri Art Villedge / Korea JAPAN Caught by Camera Works from the Photographic Art in Japan / Shanghai art Museum What I see to Like You / Kukui Cafe

Sawada Tomoko

Yashiro Toshihiro

1977 Born in Kobe, Hyogo, Japan

1993 Graduated from Tama Art University, Tokyo

Selected Solo Exhibitions 2006 Schoolgirls, Zabriskie Gallery, New York 2005 Schoolgirls - School Days + Cover/Face, MEM, Osaka 2004 Desire to Mimic, MAK, Vienna 2004 Costume, Zabriskie Gallery, New York 2004 ID400, The Third Gallery Aya, Osaka 2004 Costume + Cover, Konica Minolta Plaza, Toyko 2003 Costume, The Third Gallery Aya, Osaka 2003 Two Photographic Series, Zabriskie Gallery, New York 2003 ID400 and Omiai, Kohji Ogura Gallery, Nagoya 2002 Omiai, Galerie P, Brussels 2002 Cover, SUMISO, Osaka

Solo Exhibitions 2007 KAITENKAI Haute-Couture, ZEIT-FOTO SALON,Tokyo 2003 KAI TEN KAI, Zeit-Foto Salon, Tokyo Le Visiteur Silencieux, Zeit-Foto Salon,Tokyo 2000 Here and Now, KunstlerhausPassagegalerie,Vienna, Austria Spinning, Y.H.Space, Belfast, Northern Ireland 1999 Sun and Energy Towe, INAX Gallery, Tokyo 1997 Sento, Konica Plaza, Tokyo / Sapporo Sento, Asiz-Aoyama, Tokyo 1996 Sento, Zeito-Foto Salon, Tokyo

Group Exhibitions 2007 Global Feminisms, Brooklyn Museum, NY 2005 Take Two. Worlds and Views: Contemporary Art from the Collection, MoMA, NY36 photographers of the Kimura Ihei Award, Kawasaki City Museum, Kanagawa Diverse Ways of Happiness, Aichi Expo 2005, Aichi Voca the Vision of Contemporary Art 2005, The Ueno Royal Museum, Tokyo Clean Brothers of Art, Sumiso, Osaka Manufactured Self, Museum of Contemporary Photography, Chicago Mot Annual 2005 Life Actually, Museum of Contemporary Art, Tokyo AICHI EXPO 2005 Art Program Diverse Ways of Happiness, Spiral, Tokyo Awards 2004 29th Kimura Ihei Memorial Photography Award 2004 The 20th Annual International Center of Photography Infinity Award for Young Photographer 2000 Canon New Cosmos of Photography 2000 Collections The Museum of Modern Art, New York International Center of Photography, New York Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles Fogg Museum of Art, Harvard University, Cambridge Joy of Giving Something, Inc., New York etc.

Group Exhibitions 2006 The Art Museum Dreams of the Cretaceous Period, Museum of Modern Art, Saitama. Japan. Artist in Museum Yokohama, Artfourm Azamino, Yokohama, Japan Sculpture Week 06, Art OMI / The Fields Sculpture Park, New York 2005 Artist in Museum Yokohama, Yokohama Museum of Art, Japan 85/05 The Photography beyond 20 Y7ears from Tsukuba Museum of Photograpy, Sendai Mediatheque, Sendai, Japan YOKOHAMA 2005, International Triennale of Contemporary Art, Yokohama, Japan 2004 Musk of Japan, Guandong Musum of Art, Guandong, Korea Eijyanaika, Collection Lambert Musee de Art Contemporain, France Face to Face, Aura Gallery, shanghai, China 2001 Photographie Contemporaine Architecture et Paysages, Chateau de Valencay, Loire, France Off Triennale, Ryunichi Kantonkaikan, Yokohama, Japan 24 Winners from 1996 to 2000 Philip Morris Art Award, Fuji Television Forum/ Umeda Stella Hall, Japan Photography by Artist, Lonsdale Gallery, Tronto, Canada 2000 Comtemporary Photographers Japan I, Sanya Photography Gallery,Shanghai,China Le soleil se leve a l'est, La situaton artistique actuelleen Asie, Arles Photofestival, France/ Hanlim Museum, Seaul, Korea Yume no Ato, Zeit genossische Kunst aus Japan,


Haus am Waldsee, Berlin/ Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, Germany Experiences Academy of Media Arts Cologne,Guest Artist 2002, Cologne , Germnny Cite International des Arts Residency 2001,Paris, France Japanese Government Oversea's Study-Program for Artist 2000~2003 Studio house Vienna Federal Chancellery 2000,Vienna,Austria Flax Art Studios Residency 2000, Belfast, Northern Ireland Art/Omi Residency 1998, New York Collections Center National des Arts Plastiqes France Museum of Fine Art, Houston, U.S.A. Kiyosato Museum of Photographic Arts, yamanasi, Japan Brohan Museum, Berlin, Germany San Marino Musem of Photography ●

Uchihara Yasuhiko 1965 Born in Kochi Prefecture, Japan Dropout of Tokyo Zokei University Solo Exhibitions 2004 Shoot, Shoot, Don't think, (Tokyo Metropolitan Museum of Photography) 2002 Bit Photo 1999-2001 (epsite) Group Exhibitions 2007 Roppongi Crossing 2007 (Mori Art Museum) 2003 New Cosmos of Photography Awards 2003 Canon New Cosmos of Photography 2002 Epson Color Imaging Contest, Grand Prix Publication 2007 Son of a BIT (Seigensha) ●

Yanagi Miwa Born in Kobe City. Completed the postgraduate course of Kyoto City University of Arts Lives and works in Kyoto

Solo Exhibitions 1993 The White Casket, Art Space Niji, Kyoto 1994 Looking for the next story, Gallery Sowaka, Kyoto 1997 Criterium 31, Contemporary Art Center/Gallery, Art Tower Mito, Ibaraki 2000 Miwa Yanagi, Galerie Almine Rech, Paris, France 2002 My Grandmothers, Galerie Almine Rech, Paris, France Miwa Yanagi, Istituto Giapponese di Cultura in Roma, Rome, Italy Granddaughters, Shiseido Gallery, Tokyo 2003 My Grandmothers, Wohnmaschine, Berlin, Germany Miwa Yanagi, Galeria Leyendecker, Canary Islands, Spain 2004 Miwa Yanagi-Sammlung Deutsche Bank, Deutsche Guggenheim, Berlin, Germany Granddaughters, Lille 2004, Lille, France Darkness of Girlhood & Lightness of Aging, Marugame Genichiro-Inokuma Museum of Contemporary Art, Kagawa Fairy Tale, Galeria Leyendecker, Canary Islands, Spain 2005 The Incredible Tale of the Innocent Old Lady and the Heartless Young Girl, Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo Madame Comet, Yurinso,Ohara museum of Art, Okayama 2007 Miwa Yanagi, Chelsea Art Museum, New York

The American Effect, Whitney Museum of American Art, New York, USA Location of the Spirit; Japanese Contemporary Art, Ludwig Museum, Budapest, Hungary 2002 Chameleon Dreams: Trans / Forming Identity in Contemporary Japanese Photography, Julia Friedman Gallery, Chicago, USA Biennal of Sydney: The World May Be (Fantastic), Sydney, Australia Chicas vs. Abuelas, Photo Espana, Madrid, Spain

Group Exhibitions 2007 Tsubaki Kai Ten, Shiseido Gallery, Tokyo Beautiful New World: Contemporary Visual Culture from Japan, 798 Dashanzi Art District, Beijing 2006 Slow Tech, Museum of contemporary Art Taipei Enjoyable House A, ichi Prefectural Museum of Art Gwangju Biennale: Fever Variations, Gwangju, Korea 2005 CHIKAKU, Kunsthaus Graz Growing Old~The forms and Aesthetics of Aging~, Fukushima museum Shanghai Cool, Shanghai Duolun Museum of Modern Art Fashion & Style in Photography 2005, the museum Moscow House of photography 2004 Roppongi Crossing: New Visions in Contemporary Japanese Art 2004, Mori Art Museum, Tokyo Self-Portrait Landscape, Woo Je Gil Museum, Kwangju, Korea 2003 The History of Japanese Photography, The Museum of Fine Arts, Houston, USA

1978 Born in Tokyo Left Waseda University

Prizes 2007 Kobe City Artist Prize 2006 Takashimaya Art Prize 2004 Hyogo Prefectural Artist Prize 2001 Kyoto Prefectural Artist Prize 2000 Sakuya-Konohana Prize (Osaka City) 1999 VOCA Prize, The Vision of Contemporary Art ’99 (The Ueno Royal Museum, Tokyo) Kyoto City Artist Prize Higashikawa Prize (Higashikawa, Hokkaido) 1988 First Prize: Leopold Godowsky Jr. Color Photography Award (Photographic Resource Center at Boston University) ●

Utsu Yumiko Solo Exhibitions 2008 sozoro, (Open Studio) 2007 namanama, (Guardian Garden) 2006 Animal Festival, (Design Festa Gallery) Selected group exhibitions 2008 Lumen Gallery (Budapest) Paris Photo China Pingyao International Photography Festival The Exposed,(CASO・G/P gallery) 2007 The Exposed, (Punctum) 2006 GEISAI#9 Worm Hole, magical ARTROOM Bad Taste Renaissance, (Vanilla Gallery) Graphic Art Hitotsubo, Exhibition (Guardian Garden) 2005 Graphic Art Hitotsubo, Exhibition (Guardian Garden)


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Awards 2006 Grand prize in 26th Graphic Art Hitotsubo, Exhibition 2005 prize in 25th Graphic Art Hitotsubo, Exhibition ●

Nomura Hiroshi 1969 Born in Shizuoka, Japan 1993 Graduated from the faculty of Oil Painting, Tokyo National University of Fine Arts and Music 1995 Completed postgraduate course at Tokyo National University of Fine Arts and Music Solo Exhibitions 2008 EYES GOODS, LOGOS Gallery, Tokyo 2001 EXDORA FLYING OBJECT, Taka Ishii Gallery : small 2000 ART-KUN WORKS 1999 - 2000, Space KOBO and TOMO, Tokyo 1997 THE GENESIS OF THE EXDORA WORLD, Taka Ishii Gallery, Tokyo Group Exhibitions 1995 photographic narration IV, Tokyo National University of Fine Arts and Music, Tokyo 1994 No Count Papers, Exhibition, Manifest 94 in AOYAMA, Tokyo 1994 No Count Papers, Exhibition, Yokohama Galleria, Kanagawa 1993 Flower girl ERIKA - a place for the flower, Gallery Nasubi, Tokyo 1993 photographic narration III, Tokyo National University of Fine Arts and Music, Tokyo 1993 The 2nd Exhibition of New Cosmos of Photography, P3 art and environment, Tokyo 1992 The 1st Exhibition of New Cosmos of Photograph, P3 art and environment, Tokyo Awards 1992 New Cosmos of Photography, prize in 3rd Competition 1992 New Cosmos of Photography, prize in 5th Competition Publications 2008 EYES WATERCOLORS, MATCH AND COMPANY / Tokyo 2007 Hiroshi NOMURA EYES, AKAAKA ART PUBLISHING, Inc. / Tokyo

Motoki Miyuki 1981 Born in Chiba ,Japan 2005 Graduated from Tokyo Zokei University (photograph course for sight transmission specialty of a design department) Solo Exhibitions 2005 Smell at Light , Gallery IMAGO , Tokyo WA・RU・TU , Garelie omotesando , Tokyo Student ID 0 1 1 1 4 5 , The 22st 3.3 exhibition RECRUIT Guardian. Garden, Tokyo Group Exhibitions 2006 aniGma-2006, Novosibirsk State Art Museum, Russia 2005 Chaina Pingyao International Photography Festival 2005 , Pingyao, Chaina New Digital Age 2, Krasnoyarsk Museum Centre, Russia with Atuko Naganuma , Sayuri Kanno , Saori Tanaka , Yumiko Fujita 2004 spot, web collaboration with Atuko Naganuma , Hisako Noda phos 7 abnormality, Nikon gallery, Tokyo with Norio Kobayashi, Akihiro Takahashi, Jyunichi Sato, Miyuki Ichikawa, Naomi Maruta , Atuko Naganuma 2003 Zokei・D-style, tokyo, Japan with Norio Kobayashi, Akihiro Takahashi, Tomoko Hinoue mother farm, RECRUIT Guardian・Garden, Tokyo Grants and Prizes 2004 The 22st Hitotsubo exhibition Grand Prix RECRUIT Guardian・Garden , tokyo 2003 The 21st Hitotsubo exhibition win a prize


Korean . Chinese . Japanese Contemporary Photographs Memories of the Future

Daegu Photo Biennale 2008



2008 Daegu Photo Biennale / Memories of the Future