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ARTISTAS DEL SIGLO XX Marta Ruiz Martínez 1º Gráfica Publicitaria


INDICE:

1.

ANDY WHARHOL

2.

ROY LIECHESTEIN

3.

JEN-MICHEL BASQUIAT

4.

KEITH HARING

5.

GIACOMETTI

6.

MAGRITTE

7.

JOAN MIRÓ

8.

STORM THORGERSON

9.

CHEMA MADOZ

10.

MIQUEL BARCELÓ

11.

IVES KLEIN

12.

JOSEPH BEUYS

13.

HENRÍ MATISSE

14.

GUSTAV KLIMT

15.

ANTONI TAPIES

16.

KURT SHWITERS

17.

17JUAN GRIS

18.

ROBERT RAUCHEMBERG

19.

JANISSE COURNELIS

20.

BOLSTANSKY

21.

BRAQUE

22.

JOSE MARÍA SICILIA


1. ANDY WHARHOL


ANDREW WARHOLA más conocido como Andy Warhol, fue un artista estadounidense nacido el 6 de agosto de 1928 y que falleció el 22 de febrero de 1987. Fue la figura más destacada del movimiento pop art. Después de una exitosa carrera como ilustrador de revistas y de publicidad, Warholse hizo famoso en todo el mundo por su trabajo como pintor y cineasta de vanguardia. Como figura pública es recordado por haber estado vinculado a círculos sociales muy diversos, incluso antagónicos, como la bohemia neoyorquina, reconocidos intelectuales, celebridades de Hollywood o ricos aristócratas. Fue un personaje polémico durante su vida – algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas – y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y documentales. No en vano, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Warhol nació en Pittsburgh, Pennsylvania, hijo de inmigrantes eslovacos. Su padre, Andrej Varchola cambió su nombre por el de Andrew Warhola al llegar a Estados Unidos, al igual que su madre, Ulja Justina Zavacka, quien adoptó el nombre de Julia Warhola. Su padre trabajaba en la construcción y tanto él como su mujer practicaban la fe ortodoxa. Demostró tener un talento artístico desde muy joven y estudió Arte Comercial en el Carnegie Institute of Technology, ahora conocida como Carnegie Mellon University. Después de graduarse en 1949, se mudó a Nueva York y comenzó una carrera exitosa como ilustrador tanto en revistas como Vogue y Harper’s Bazaar, como en publicidad. En 1956 ganó un premio por logros destacados de parte del MoMA, Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York


. Durante los años 60 Warhol comenzaría a pintar cuadros de productos estadounidenses famosos como sus célebres latas de sopa Campbell de 1962 y los dedicados a botellas de Coca-Cola. También retrataría a personajes populares de la época como Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor,Liza Minnelli, o Troy Donahue.

En 1963 fundaría su famoso estudio The Factory, reuniendo alrededor suyo a un amplia gama de artistas, músicos, escritores y personajes conocidos del underground neoyorquino. Poco más tarde comenzaría a hacer serigrafías en serie, con lo que buscaba no sólo hacer arte que reflejara productos fabricados en serie, si no producir en serie el arte mismo. Con esto, Warhol pretendía actuar como una máquina, minimizando el rol de su propia idea creativa en la producción de su trabajo. Fue así como revolucionó el mundo del arte y su trabajo se hizo tan popular como polémico. Warhol nunca ocultó su homosexualidad, como se puede comprobar en “Los Diarios de Warhol“, donde afirma haber tenido romances con varios hombres. Sin embargo, al comienzo de su carrera, insinúa haber tenido novias, incluyendo una conocida como “Taxi”

En 1975 se publica The Philosophy of Andy Warhol, su primer libro. En 1979 exhibe, de manera importante, en el Whitney Museum de Nueva York, su serie de retratos Portraits of the Seventies (Retratos de los Setenta.) En 1981 empieza a pintar detalles de cuadros de artistas renacentistas como Da Vinci, Botticelli yUccello. En 1983 hace el retrato del cantante español Miguel Bosé para la portada


del disco “Made In Spain” también utitizada para el disco “Milano-Madrid” de este mismo artista, Andy Warhol aparece en el videoclip “Ángeles Caídos” deMiguel Bosé. En 1986 pinta lo que serán sus últimas obras, autorretratos y retratos de Lenin y Mao Tse Tung. Muere el 22 de febrero de 1987, a los 58 años, de un ataque repentino al corazón, después de una cirugía a la vesícula mal vigilada por los funcionarios del hospital. Warhol había acumulado tantas pertenencias que tomó nueve días a la casa de subastas Sotheby’s rematar su propiedad por un total que excedió €100 millones de euros


ROY LIECHESTEIN


Roy Fox Lichtenstein (Nueva York, 27 de octubre de 1923 – Nueva York, 29 de septiembre de 1997) fue un pintor estadounidense de arte pop, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic. Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo. -Roy Lichtenstein Obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad Estatal de Ohio en 1949. Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1958 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles de menta, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederic Remington.


A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de

producción masiva. Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos. Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de los artistas Henri Matisse y Pablo Picasso.

También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado, también, obras en cerámica. En 1993 el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York expuso una retrospectiva de su obra que viajó por muchos otros países. Autor prolífico, durante sus últimos años alcanzó mayor presencia y estima en museos de todo el mundo. En España existen ejemplos suyos en el Museo Thyssen-Bornemisza (Mujer bañándose) y en el Reina Sofía; aquí una gran escultura suya preside el patio interior de la ampliación diseñada por Jean Nouve


1. JEAN-MICHEL BASQUIAT


JEAN-MICHEL BASQUIAT Jean-Michel fue el primero de los tres hijos de Matilde Andrades (28-7-1934 – 17-11-2008)1 y Gerard Basquiat (nacido en 1930).2 Tuvo dos hermanas, Lisane, nacida en 1964, y Jeanine, nacida en 1967.1 Su padre, Gerard Basquiat, era un contable haitiano de respetable solvencia económica, y su madre, Matilde, era una diseñadora gráfica puertorriqueña de gran prestigio profesional. Jean-Michel creció en un entorno familiar desgarrado, sus padres se divorciaron y por esta situación tuvo que cambiar muchas veces de escuela. Estudió en una escuela católica privada, posteriormente en una escuela pública y finalmente, a los 16 años, ingresó en la City-As-School, centro escolar para adolescentes superdotados, de donde lo expulsaron, por rebeldía, un año antes de graduarse. Ya en su juventud entró en contacto con la subcultura de la gran ciudad, relacionada con el uso de drogas y las bandas callejeras. En 1977, junto con Al Díaz, se introdujo en el mundo del graffiti, pintando en los vagones del metro y por las zonas del SoHo, barrio neoyorquino donde proliferan las galerías de arte.


Al año siguiente dejó la escuela un curso antes de graduarse en bachillerato (high school) y abandonó su casa para vivir durante dos años en las calles, en edificios abandonados o con sus amigos en el Low Manhattan, sobreviviendo con la venta de postales y de camisetas que él mismo decoraba. Seguía dedicándose al graffiti, sus pintadas y escritos tenían mucha carga poética y filosófica, pero sobre todo satírica. El pseudónimo de su álter ego compartido con Al Díaz (SAMO son las siglas de SAMe Old shit, es decir, "la misma vieja mierda", "la misma porquería"), con el que ambos firmaban sus tags y graffitis,

con mensajes crípticos, fue decisivo en su vida.

Estos murales llevaban inscripciones como “SAMO salva idiotas” o “SAMO pone fin al lavado de cerebro religioso, la política de la nada y la falsa filosofía”. Un artículo sobre la escritura callejera de SAMO publicado en The Village Voice fue el primer indicio de que el mundo del arte se interesaba por él.

Pero fue a partir de 1980, siendo aún un vagabundo, cuando comenzó a dedicarse principalmente a la pintura. J.M. Basquiat poseía una cierta curiosidad intelectual y sentía una verdadera fascinación por el expresionismo abstracto, por los trazos gestuales de Franz Kline, por los primeros trabajos de Jackson Pollock, por las pinturas con figuras de De Kooning y por las caligrafías de Cy Twombly, todo lo cual, junto a sus raíces haitianas y portorriqueñas, le llevó a tener un gran dominio del grafismo expresivamente gestual. Interesado también por las combine paintings de Robert Rauschenberg y por el Art Brut, de Jean Dubuffet, así como por la cultura popular, sus graffitis adquirieron una cualidad plástica y expresiva cada vez más próxima a la de la reciente pintura norteamericana, hasta el punto de que, unos años más tarde, Jeffrey Deitch definió su trabajo como una “chocante combinación del arte de De Kooning y de los garabatos pintados con aerosol en el metro neoyorquino”.


Desde pequeño había recibido una apreciable educación artística informal; su madre lo llevó a visitar museos (fue miembro júnior del Museo de Brooklyn a los seis años), también lo inició en la lectura de literatura poética, y más tarde lo impulsó a escribir la propia. El nombre de su grupo se convirtió en un capítulo más del mito cuando Basquiat afirmó que estaba inspirado en el autor de un libro sobre anatomía que había acompañado su convalecencia tras ser atropellado, a los seis años, por un automóvil. El propio Basquiat repetiría varias veces que ese libro fue un referente precoz de su trabajo. Completó su formación autodidacta como oyente en la Escuela de Artes Visuales, donde entró en contacto con el pintor y autor de graffiti Keith Haring.


1. KEITH HARING


KEITH HARING (Reading, Pensilvania, 4 de mayo de 1958 - Nueva York, 16 de febrero de 1990) fue un artista y activista social cuyo trabajo refleja el espíritu de la generación pop y la cultura callejera de la Nueva York de los años 1980. Desde muy pequeño, Keith Haring empezó a dibujar inspirándose en los dibujos animados que veía en la televisión. Estudió arte en la Ivy School of Art de Pittsburg, donde comenzó a hacer serigrafías para imprimir en camisetas.

Prosiguió sus estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, durante 1978 y 1979, bajo la dirección de Keith Sonnier y Joseph Kosuth. En el verano de 1979, presentó una performance titulada Poetry-Word-Things en el Club 57 de Manhattan; al año siguiente, sin embargo, se volcó en los grafiti, dibujando imágenes como las de los dibujos animados, hechas con un rotulador directamente sobre anuncios en el metro de Nueva York.

A esto le siguieron una serie de historietas, hechas con tiza blanca sobre los paneles negros del metro reservados para publicidad; la iconografía era una mezcla de elementos sexuales con platillos volantes, personas y perros, a los que se añadieron más tarde figuras corriendo, bebés gateando, halos, pirámides, televisiones, teléfonos y referencias a la energía nuclear; el tratamiento de Keith Haring de temas como el poder y el miedo a la tecnología sugiere angustia y refleja su inquietud moral. El soporte pictórico que utilizaba Haring era variado y accesible (papel, fibra de vidrio, lienzo, piezas de acero esmaltado, camisetas, vasos y vaciados en escayola de obras de arte conocidas); sus fuentes son el arte esquimal, africano, maya y de los aborígenes, así como la caligrafía china y los all-over de Alechinsky, Warhol y Tobey, a partir de los cuales evolucionó hacia su estilo semiabstracto característico, una especie de new wave azteca que recuerda a Pollock y a Penck. Gruesas líneas negras bordean figuras esquemáticas en una composiciones dominadas por un horror vacui evidente que vibran con una energía irresistible y llamativa.

El estilo de Haring refleja el ethos de la generación pop y de la cultura callejera del East Village de Manhattan. Intentó plantear las cosas de la manera más simple posible. Como Warhol, Haring abrazó la cultura demótica, es decir, una combinación de moda, arte y música, rompiendo barreras entre estas manifestaciones para darles una mayor extensión; este factor es básico para entender su éxito comercial en todo el mundo, en varios géneros, incluyendo murales, escultura, pósters y pintura corporal

Keith Haring hizo su primera exposición individual en la galería Tony Shafrazi de Nueva York en 1982 y, a mediados de los años 1980, sus grandes esculturas de acero pintado se expusieron en la galería Leo Castelli; en estos años hizo pinturas más abstractas, con las siluetas típicas de los puzles. En 1986 abrió una boutique, la Pop Shop, en la que vendía sus productos; su populismo iba también dirigido a los niños y adolescentes, cuyos monopatines adornaba. Gracias a su formación, Haring era el nexo de unión entre los artistas del grafiti autodidactas y la corrien-


A esto le siguieron una serie de historietas, hechas con tiza blanca sobre los paneles negros del metro reservados para publicidad; la iconografía era una mezcla de elementos sexuales con platillos volantes, personas y perros, a los que se añadieron más tarde figuras corriendo, bebés gateando, halos, pirámides, televisiones, teléfonos y referencias a la energía nuclear; el tratamiento de Keith Haring de temas como el poder y el miedo a la tecnología sugiere angustia y refleja su inquietud moral. El soporte pictórico que utilizaba Haring era variado y accesible (papel, fibra de vidrio, lienzo, piezas de acero esmaltado, camisetas, vasos y vaciados en escayola de obras de arte conocidas); sus fuentes son el arte esquimal, africano, maya y de los aborígenes, así como la caligrafía china y los all-over de Alechinsky, Warhol y Tobey, a partir de los cuales evolucionó hacia su estilo semiabstracto característico, una especie de new wave azteca que recuerda a Pollock y a Penck. Gruesas líneas negras bordean figuras esquemáticas en una composiciones dominadas por un horror vacui evidente que vibran con una energía irresistible y llamativa.

El estilo de Haring refleja el ethos de la generación pop y de la cultura callejera del East Village de Manhattan. Intentó plantear las cosas de la manera más simple posible. Como Warhol, Haring abrazó la cultura demótica, es decir, una combinación de moda, arte y música, rompiendo barreras entre estas


manifestaciones para darles una mayor extensión; este factor es básico para entender su éxito comercial en todo el mundo, en varios géneros, incluyendo murales, escultura, pósters y pintura corporal

Keith Haring hizo su primera exposición individual en la galería Tony Shafrazi de Nueva York en 1982 y, a mediados de los años 1980, sus grandes esculturas de acero pintado se expusieron en la galería Leo Castelli; en estos años hizo pinturas más abstractas, con las siluetas típicas de los puzles. En 1986 abrió una boutique, la Pop Shop, en la que vendía sus productos; su populismo iba también dirigido a los niños y adolescentes, cuyos monopatines adornaba. Gracias a su formación, Haring era el nexo de unión entre los artistas del grafiti autodidactas y la corriente principal de artistas jóvenes responsable de una forma abrasiva de expresión popular. Su actividad frenética de grafitista le llevó a hacer pinturas en prácticamente todas las estaciones del metro de Nueva York, con el correspondiente riesgo de ser detenido por atacar la propiedad pública; le gustaba este elemento de peligro y le parecía que era un ingrediente esencial del contenido del arte de los grafiti. En 1986 pintó un trozo del muro de Berlín. En 1989 creó la Fundación Keith Haring para ayudar a remediar problemas sociales. Murió víctima del sida el 16 de febrero de 1990 en Nueva York


1. GIACOMETTI


ALBERTO GIACOMETTI (Borgonovo, Suiza, 10 de octubre de 1901 - Coira, Suiza, 11 de enero de 1966) fue un escultor y pintor suizo. Giacometti nació en Borgonovo, Val Bregaglia, en Suiza, cerca de la frontera italiana, donde creció en un ambiente de artistas. Su padre, Giovanni Giacometti, había sido pintor impresionista, mientras que su padrino, Cuno Amiet, fue fauvista.

Tras terminar la enseñanza secundaria, se trasladó a Ginebra para cursar estudios de pintura, dibujo y escultura en la Escuela de Bellas Artes y a París, en 1922, para estudiar en la Académie de la Grande Chaumière en Montparnasse bajo la tutela de un asociado de Rodin, el escultor Antoine Bourdelle. Fue allí donde Giacometti experimentó con el cubismo. Sin embargo, le atrajo más el movimiento surrealista y hacia 1927, después de que su hermano Diego se convirtiera en su ayudante, Alberto había empezado a mostrar sus primeras esculturas surrealistas en el Salón de las Tullerías. Poco tiempo después, ya era considerado uno de los escultores surrealistas más importantes de la época.

Viviendo en una zona tan creativa como Montparnasse, empezó a asociarse con artistas como Joan Miró, Max Ernst y Pablo Picasso, además de escritores como Samuel Beckett, Jean-Paul Sartre, Paul Éluard y André Breton, para el que escribió y dibujó en su publicación Le surréalisme au Service de la Révolution. Entre 1935 y 1940, Giacometti concentró su escultura en la cabeza humana, centrándose principalmente en la mirada. Esto fue seguido por una nueva y exclusiva fase artística en la que sus estatuas comenzaron a estirarse, alargando sus extremidades. En esta época realizó una visita a España, a pesar de encontrarse en plena Guerra Civil


.

Durante la Segunda Guerra Mundial vivió en Ginebra, donde conoció a Annette Arm. En 1946 ambos regresaron a París, donde contrajeron matrimonio en 1949. El matrimonio pareció tener un buen efecto en él ya que le siguió el periodo probablemente más productivo de su carrera. Fue su mujer la que le brindó la oportunidad de estar constantemente en contacto con otro cuerpo humano. Otros modelos habían encontrado que el posar para él no era un trabajo fácil, pero Annette le ayudó enormemente, soportando pacientemente sesiones que durarían horas hasta que Giacometti lograse lo que buscaba.

Poco más tarde se organizó una exposición de su trabajo en la galería Maeght de París y en la galería Pierre Matisse de Nueva York, para cuyo catálogo su amigo Jean-Paul Sartre escribió la introducción. Perfeccionista, Giacometti estaba obsesionado con crear sus esculturas exactamente como las veía a través de su exclusivo punto de vista de la realidad.


En 1954 recibió el encargo de diseñar un medallón con la imagen de Henri Matisse, por lo que creó numerosos dibujos durante los últimos meses de vida del pintor. En 1962 recibió el gran premio de escultura en la Bienal de Venecia, lo que le llevó a convertirse en una celebridad internacional.

El 3 de febrero del año 2010, su escultura El hombre que camina ('L'Homme qui marche') fue subastada en Londres por 65 millones de libras (74,2 millones de euros, 104,3 millones de dólares), superando así el récord mundial de una obra de arte vendida en una subasta ese momento, según la casa que se ocupó de la puja: Sotheby's.1 LA BOLA SUSPENDIDA Es una escultura construida como una jaula abierta de barras de hierro en cuyo interior se encuentra una esfera con una hendidura y colgada de una cuerda que roza, con un vaivén, la arista afilada de una pieza semirrecostada en forma de media luna o de gajo de naranja. Existen dos versiones, una realizada en madera y otra en escayola.

Esta obra inaugura la incursión de Alberto Giacometti en el universo del objeto surrealista. Su descubrimiento causa un pequeño cataclismo en el seno de dicha corriente artística. Será André Bretón quien la descubrirá en la galería Pierre Loeb de París, y su posterior compra será la responsable de la amistad entre ambos. La obra llega en un momento de inflexión de la poética surrealista, que evoluciona desde la exploración del universo interior, en los años veinte (los sueños, la locura, las experiencias hipnóticas) hasta el descubrimiento del universo real o inventado de los objetos, hacia 1930. En uno de los primeros números de la revista El surrealismo al servicio de la Revolución, en 1931, Giacometti daba cuenta del magnetismo inquietante con que le hechizaban los objetos: “Todas las cosas… las que están cerca, y lejos, todas las que han pasado y las futuras, las que se mueven, mi amigas, cambian (se pasa junto a ellas, se apartan), otras se acerca, suben, descienden, patos en el agua, aquí y allá, en el espacio, suben y bajan…”

En el curso de los años 30, Giacometti insiste en el hecho de que la escultura que realizaba no tenían las huellas de su manipulación, ni de su impronta física ni de sus cálculos estéticos y formales. “Desde hace años”, escribe en 1933, “realizó solamente aquellas esculturas que se ofrecen a mi espíritu ya perfectamente terminadas”. “La realización es solo un trabajo material que, para mí, en todos los casos, no presenta ninguna dificultad. Es casi aburrido. Se tiene en la cabeza y se necesita verla realizada, pero la realización en sí misma es molesta. ¡Si se pudiera hacer realizar por otros sería todavía más satisfactorio! ”Es por eso que hablaba de sus obras como de “proyecciones” que quería ver realizadas pero que no quería fabricar él mismo.


1. MAGRITTE


RENÉ FRANÇOIS GHISLAIN MAGRITTE (n. 21 de noviembre de 1898, en Lessines, Bélgica - 15 de agosto de 1967, en Bruselas, Bélgica) fue un pintor surrealista belga. Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno.

Magritte dotó al Surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras, poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

BIOGRAFÍA Poco se conoce acerca de los primeros años de Magritte. Nació en Lessines, provincia de Hainaut, en 1898, el mayor de los hijos de Léopold Magritte, sastre y comerciante de telas, y Regina (nacida Bertinchamps). Comenzó sus lecciones de dibujo en 1910. El 12 de marzo de 1912, su madre se suicidó ahogándose en el río Sambre. Éste no fue su primer intento, pues llevaba años intentando quitarse la vida, obligando a su marido Léopold a encerrarla en su dormitorio. Un día ella escapó y estuvo perdida por días. Más tarde fue descubierta, muerta, río abajo. De acuerdo a la leyenda, Magritte, que entonces tenía 13 años, estaba presente cuando el cuerpo fue recuperado del agua, pero recientes investigaciones han desacreditado tal historia. La imagen de su madre flotando, con su vestido cubriendo su cara, puede haber influenciado una serie de pinturas de 1927 a 1928, incluyendo una de sus obras más conocidas, Les Amants, pero el propio Magritte desechaba dicha interpretación del cuadro.


Realizó sus primeros cursos de pintura en Châtelet. En 1915 comienza a hacer sus primeras obras en la línea del Impresionismo. Entre 1916 y 1918, estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. Expone por primera vez en el Centro de Arte de Bruselas en 1920, junto a PierreLouis Flouquet, con quien comparte un estudio. Tras el servicio militar trabaja temporalmente como diseñador en una fábrica de papel. En 1923 participa con Lissitzky, László Moholy-Nagy, Lyonel Feininger y Paul Joostens en una exposición en el Círculo Real Artístico.

Su obra del periodo 1920-1924, por su tratamiento de los temas de la vida moderna, su color brillante y sus investigaciones sobre las relaciones de la forma tridimensional con la superficie plana del cuadro, muestran influencias del Cubismo, del Orfismo, del Futurismo y del Purismo.

En 1922 ve una reproducción de La canción de amor, cuadro de Giorgio de Chirico, que le impresiona profundamente, y a partir de 1926 se independiza de las influencias anteriores y basa su estilo en el de este pintor. En 1922 contrajo matrimonio con Georgette Berger, una amiga de juventud, que le sirvió de modelo para alguna de sus obras.

En obras como La túnica de la aventura (1926) expresa su sentido del misterio del mundo por medio de la irracional yuxtaposición de objetos en una atmósfera silenciosa. En El asesino amenazado (1926), el espacio perspectivo deriva de De Chirico y de los decorados de los primeros melodramas cinematográficos. En este mismo año se une a otros músicos, escritores y artistas belgas, en un grupo informal comparable al de los surrealistas de París. En 1927 se establece en las cercanías de París y participa, durante los tres años siguientes, en las actividades del grupo surrealista (sobre todo, se relaciona con Éluard, Breton, Arp, Miró y Dalí). Aporta al Surrealismo parisino un resurgimiento del ilusionismo. A diferencia de Dalí, Magritte no usa la pintura para expresar sus obsesiones privadas o sus fantasías, sino que se expresa con agudeza, ironía y un espíritu de debate. En 1928 participa en la exposición surrealista en la galería Goemans de París. En 1930 regresa a Bruselas huyendo del ambiente polémico parisino, y allí pasa tranquilo el resto de sus días. REALISMO MÁGICO A partir de 1926 el estilo de Magritte, también llamado "realismo mágico", cambia poco; entre 1928 y 1930 investiga las ambiguas relaciones entre palabras, imágenes y los objetos que éstas denotan. En La perfidia de las imágenes (1928-1929) retrata meticulosamente una pipa, y debajo, con igual precisión, pone la leyenda Ceci n'est pas une pipe (Esto no es una pipa), cuestionando la realidad pictórica.


El espejo falso (1928) explora la misma idea: el ojo, como un falso espejo, reflejando las nubes blancas y el cielo azul pintados de forma realista; en este cuadro introduce el tema del paisaje ilusionista, interpretado en clave pictórica, alejado de toda intención naturalista. Magritte explora en toda su obra el problema del espacio real frente a la ilusión espacial, que es el trasunto de la pintura misma. Desde el punto de vista psicoanalítico, el espejo representa la confusión de identidad del falso yo. Esta confusión se da en el espectador en el momento de contemplar la obra, al no saber si "está viendo un reflejo del cielo o si mira el cielo a través del ojo" o "si el ojo del cuadro nos mira a nosotros o al cielo".

Hace muchas variaciones sobre este tema, quizá la más clara de todas sea Los paseos de Euclides (1955), donde muestra un caballete con un cuadro frente a una ventana, a través de la cual se ve un paisaje; la escena pintada corresponde exactamente al fragmento de paisaje sobre el que se sitúa el cuadro, llevando el problema de la pintura, como confrontación naturaleza-ilusión, a la cuarta dimensión


JOAN MIRÓ


JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 20 de abril de 1893 — Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país.

En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920.

A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los


A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento.1 En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.


Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencia del arte contemporáneo, constituyéndose con un gran fondo de obras donadas por el autor; otros lugares con importantes fondos de sus obras son la Fundación Pilar i Joan Miró de Palma de Mallorca, el Museo Reina Sofía de Madrid, el Centro Pompidou de París (Musée National d'Art Moderne) y el MOMA de Nueva York

.

BIOGRAFÍA Su padre fue Miquel Miró i Adzeries hijo de un herrero de Cornudella, se trasladó a Barcelona donde montó un taller de orfebrería y relojería en un pasaje cerca de la Plaza Real de Barcelona, allí conoció Miquel Miró a Dolors Ferrà i Oromí, hija de un ebanista mallorquín, se casaron y establecieron su residencia en el mismo pasaje de Crédito donde nacieron sus hijos Dolors y el futuro artista Joan Miró.3 Se encontraba en Barcelona cuando estalló la Guerra Civil Española de 1936. En noviembre tenía prevista una exposición en París, y una vez allí y en vista de las circunstancias adversas provocadas por la guerra, decidió quedarse cuando consiguió la llegada de su esposa Pilar y de su hija. En vísperas de la Segunda Guerra Mundial el ambiente en París era cada vez más tenso. Falleció en Palma de Mallorca el 25 de diciembre de 1983 ESTUDIOS Estudió comercio, según deseo de su padre para tener una preparación y conseguir ser “alguien en la vida”. Ante el deseo de Joan de matricularse en la escuela Llotja para dibujar y al tener la posibilidad de las clases nocturnas, su padre aceptó la petición, como un pasatiempo del muchacho. Con diecisiete años acabó sus estudios de comercio y entró a trabajar durante dos años como empleado en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse a una casa familiar en el pueblo de Montroig. Cuando regresó a Barcelona, ya tenía la firme resolución de ser pintor y aunque con reticencias, también contaba con el permiso paterno; ingresó en la Academia de arte dirigida por Francesc d'Assís Galí, donde conoció las últimas tendencias artísticas europeas y a la que acudió hasta su cierre en 1915.


1. STORM THORGERSON


STORM THORGERSON (Potters Bar, Hertfordshire, Inglaterra, 28 de febrero de 1944 – 18 de abril de 2013)1 2 fue un diseñador gráfico británico, reconocido por ser miembro del grupo de diseño artístico Hipgnosis, en el que diseñó algunas de las más conocidas cubiertas de discos y singles. Sus diseños más conocidos fueron los que realizó para Pink Floyd y, en particular, la realizada para su álbum Dark Side of the Moon. También trabajó con otros grupos como Led Zeppelin, Black Sabbath, Scorpions, Genesis, Europe, Dream Theater, The Cranberries, The Mars Volta, Muse y Biffy Clyro.

La mayor parte de sus diseños tienen elementos propios del surrealismo, extrayendo elementos de su contexto habitual, deformando realidades a través de montajes visuales o ubicándolos en inmensos espacios oníricos. Estas escenas impactantes y directas fueron especialmente valoradas en el negocio discográfico lo que permitió que, a través de Hipgnosis o bien individualmente, Thorgerson diseñara las portadas de algunos de los más importantes trabajos discográficos desde los años 60 hasta nuestros días. OBRAS Con Hipgnosis 10cc: How Dare You! (1975), Deceptive Bends (1977) AC/DC: Dirty Deeds Done Dirt Cheap (1976) Black Sabbath: Technical Ecstasy (1976) Peter Gabriel: Peter Gabriel (I) (1977), Peter Gabriel (II), (1978) Peter Gabriel (III) (1979) Genesis: The Lamb Lies Down on Broadway (1974) David Gilmour: David Gilmour (1978) Led Zeppelin: Houses of the Holy (1973), Presence (1976), In Through the Out Door (1979) Nick Mason: Fictitious Sports (1981), The Nice Elegy (1971)


Pink Floyd: A Saucerful of Secrets (1968), Music from the Film More (1969), Ummagumma (1969), Atom Heart Mother (1970), Meddle (1971), Obscured by Clouds (1972), The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977), A Collection of Great Dance Songs (1981) (bajo el pseudónimo de TCP - Thorgerson, Christopherson y Powell) "A Momentary Lapse of Reason" (1987), "The Division Bell" (1994) Emerson, Lake & Palmer: Trilogy (1972) Quatermass: Quatermass (1970) Styx: Pieces of Eight (1978) Yes: Going for the one (1977) OBRAS EN SOLITARIO Anthrax: Stomp 442 (1995) Audioslave: Audioslave (2002) Catherine Wheel: Chrome (1993), Happy Days (1995), Like Cats and Dogs (1996), Adam And Eve (1997), Wishville (2000) Biffy Clyro: Puzzle (2007), "Saturday Superhouse" (2007), "Living is a Problem Because Everything Dies" (2007), "Folding Stars" (2007), "Machines" (2007) The Cranberries: Bury the Hatchet (1999), Wake Up and Smell the Coffee (2001) Bruce Dickinson: Skunkworks (1996) Dream Theater: A Change of Seasons (1995), Falling Into Infinity (1997), "Once In A LIVEtime" (1998), "5 Years in a LIVEtime" (1998) Ian Dury and The Blockheads: Mr. Love Pants (1998), Ellis, Beggs, & Howard Homelands (1989) Ethnix: Home Is Where The Head Is (2002) Europe: Secret Society (2006) David Gilmour: About Face (1984), Blue Light and All Lovers Are Deranged music videos (1984), David Gilmour in Concert DVD (2002) Helloween: Pink Bubbles Go Ape (1991) The Mars Volta: De-Loused in the Comatorium (2003), Frances The Mute (2005) Mike Oldfield: Earth Moving (1989) Muse: Absolution (2003), "Butterflies and Hurricanes" single (2004), Black Holes and Revelations (2006) Uprising single (2009) Alan Parsons: Try Anything Once (1993), On Air (1996), The Time Machine (1999)


1. CHEMA MADOZ


CHEMA MADOZ (Madrid, 1958), reconocido fotógrafo español al que en el año 2000 le fue concedido el Premio Nacional de Fotografía. Ha realizado numerosas exposiciones individuales, tanto en España como en el extranjero, y destacan sus trabajos surrealistas en blanco y negro. Su obra recoge imágenes extraídas de hábiles juegos de imaginación, en los que perspectivas y texturas tejen sus imágenes.

BIOGRAFÍA José María Rodríguez Madoz nace en Madrid en 1957.

Entre los años 1980 y 1983 cursa Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid que simultanea con los estudios de fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen. La Real Sociedad Fotográfica de Madrid expone la primera muestra individual del autor en el año 1985. En 1988 la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes (Madrid) inaugura su programación de fotografía con una exposición de sus trabajos. Dos años después, en 1990, comienza a desarrollar el concepto de objetos, tema constante en su fotografía hasta la fecha. En 1991 el


Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía muestra la exposición "Cuatro direcciones: fotografía contemporánea española" que itinerará por varios países. Algunas fotografías de Madoz forman parte de esta exposición. Ese mismo año recibe el Premio Kodak. En 1993 recibe la Bolsa de Creación Artística de la Fundación Cultural Banesto.

La Editorial Art-Plus de Madrid edita en 1995 su primera monografía: el libro Chema Madoz (1985 - 1995). Tres años más tarde es la Editorial Mestizo, A. C., de Murcia quien le publica un tomo al artista, el libro titulado Mixtos - Chema Madoz.

En 1999 el Centro Gallego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela muestra la exposición individual de trabajos realizados entre 1996 y 1997. A finales de ese año, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica la exposición individual "Objetos 1990 - 1999", que se configura como la primera muestra retrospectiva que este museo dedica a un fotógrafo español en vida. En el 2000 el fotógrafo madrileño recibe el Premio Nacional de Fotografía de España. Ese mismo año la Bienal de Houston Fotofest le reconoce como "Autor Destacado". Su obra sobrepasa las fronteras españolas llegando no sólo a la ciudad norteamericana sino también hasta el Chateau d´Eau de Toulouse (Francia). Ese año recibió el premio Higashikawa en Japón. BIBLIOGRAFÍA Chema Madoz: Objetos, 1990-1999. Madrid: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. 1999.


MIQUEL BARCELÓ


MIQUEL BARCELÓ ARTIGUES (Felanich, Mallorca, 8 de enero de 1957) es un pintor español. BIOGRAFÍA Un viaje a París en 1970 le permite descubrir el art brut, estilo que deja una fuerte influencia en las primeras obras que presenta en público. Formó parte del grupo Taller Lunátic de Mallorca. Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Palma de Mallorca entre 1972 y 1973 y continuó en 1974 en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona, pero poco después abandona sus estudios.

Empieza a ser más conocido cuando participa en la Bienal de Sao Paulo (1981) y a raíz de la Documenta VII de Kassel (1982), en que Rudi Fuchs le presenta; desde entonces su obra es incluida en las más prestigiosas muestras internacionales, configurándose como una de las mayores revelaciones del arte español de los años ochenta.

En 1986 se le concede el Premio Nacional de Artes Plásticas y, en 1988, instala su taller en Malí, al mismo tiempo que expone su obra en los museos y salas más relevantes del mundo. Entre ellas, destaca la importante retrospectiva que en 1996 le dedica el Centro Pompidou de París.

En el 2003, ha recibido el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, uno de los premios más importantes de España.

En 2004 expuso en el museo del Louvre las acuarelas que creó para ilustrar La Divina Comedia, convirtiéndose en el primer artista contemporáneo vivo que expone en el museo.


En 2008, expone 84 piezas de su obra africana en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, al mismo tiempo que el desvío de Fondos de Ayuda al Desarrollo (FAD) para la decoración de la Cúpula de la sala XX del Palacio de Naciones Unidas en Ginebra levanta un torbellino mediático

.

El 29 de noviembre de 2012 es investido Doctor Honoris Causa por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona.

Actualmente reside entre París, Mallorca y Mali (África).

Entre sus recientes exposiciones se encuentra la celebrada en el Caixaforum de Madrid y Barcelona la muestra "Miquel Barceló. 1983-2009. La solitude organisative", retrospectiva de los 25 años del artista. Tras el cierre en 2012 de la galería Soledad Lorenzo, su obra pasó a ser representada en Madrid por la galería Elvira González, que acogió su primera exposición del artista en enero de 2013. Miquel Barceló llevaba sin exponer en Madrid desde hacía más de una década OBRA Sus enormes lienzos figurativos de finales de los años setenta con temas de animales de marcado expresionismo reciben la influencia de Joan Miró, el action painting ("pintura de acción"), Jackson Pollock, Antoni Tàpies, el arte conceptual y el art brut.

Posteriormente da paso a una pintura más entroncada con la tradición y así surgen las series de las bibliotecas, los museos y los cines de forzadas perspectivas y denso tratamiento pictórico.


Entre las características de su obra hay que destacar la inspiración en la naturaleza, consiguiendo relieve a través del uso de unos empastes densos y generalmente oscuros. El Mediterráneo y África han sido dos de sus más importantes referentes. El descubrimiento de África en un viaje a Mali ha hecho que sus gentes y la vida del desierto sea uno de los temas más desarrollados en su obra en los últimos años, siempre reflejando una gran preocupación por la naturaleza, el paso del tiempo y los orígenes

.

En la última época ha evolucionado hacia referentes más intelectuales y abstractos. En marzo de 2007 la catedral de Mallorca ha inaugurado la capilla elaborada por él en arcilla. Consta de dos mundos: Los frutos del mar y los frutos de la tierra. En mayo de 2007 también comienza los trabajos de decoración de la Cúpula de la sala XX del Palacio de Naciones Unidas en Ginebra. Esta sala acogerá las reuniones del Consejo de los Derechos Humanos y p


llamarse Sala de los DDHH y de la Alianza de Civilizaciones.

La literatura ha sido siempre también una de sus inspiraciones. Ha sido ilustrador de libros y él mismo suele redactar los prólogos de sus catálogos. La imagen de la cabecera diario Público, editado desde septiembre de 2007, es obra del autor mallorquín. BIBLIOGRAFÍA Dante Alighieri; ilustrada por Miquel Barceló (2002). Divina Comedia. Infierno. Barcelona: Galaxia Gutenberg. ISBN 978-84-8109-418-3. –- (2003). Divina Comedia. Purgatorio. Barcelona: Galaxia Gutenberg. ISBN 978-84-8109-419-0.

–- (2003). Divina Comedia.El Paraíso. Barcelona: Galaxia Gutenberg. ISBN 978-84-8109-420-6.


1. IVES KLEIN


KLEIN INTERNACIONAL

YVES KLEIN (28 de abril de 1928 - 6 de junio de 1962) fue un artista francés considerado como una importante figura dentro del movimiento neo-Dadaísmo. "¡Larga vida a lo inmaterial!" BIOGRAFÍA Klein nació en Niza. Sus padres, Fred Klein y Marie Raymond, también fueron pintores. Desde el año 1942 hasta el 1946 Klein estudió en la "Escuela Nacional de la Marina Mercante", y en la "Escuela Nacional de Lenguas Orientales", practicó el judo, de hecho alcanzó el 4º dan y utilizaba las técnicas aprendidas para pintar. En esa época, comenzó su amistad con Arman Fernández y Claude Pascal, y comenzó a pintar. Klein compuso su primera Sinfonía monótona en el año 1947. Entre los años 1948 y 1952, viajó a Italia, Gran Bretaña, España y Japón. En el año 1955 fijó su residencia permanente en París, donde le dedicaron una exposición individual en el "Club des Solitaires". Sus pinturas monocromáticas fueron objeto de exposiciones en la Galería Cloette Allendy y la Galería Iris Clert, en París, en 1946. Klein murió en París de un ataque al corazón poco antes del nacimiento de su hijo. OBRAS MONOCROMAS La mayoría de sus primeros trabajos eran pinturas monocromáticas en una amplia variedad de colores. A finales de los años 50, los monocromos de Klein se centraban en un color azul intenso, que patentó como el International Klein Blue, (IKB) o Azul Klein (ahora también llamado azul style por grandes firmas de moda que han decidido también ponerle ese sobrenombre). Si el denominador común de estas obras era el ser monocromáticas, en la aplicación del color, el pintor jugó mucho más: primero experimentó con diferentes rodillos y esponjas, más adelante utilizó cuerpos de mujer, cubiertos de pintura, a las que hacía pasar por un lienzo o echarse sobre él, también con movimientos de judo. A este tipo de trabajo, lo llamó "antropometría".


Otras pinturas que siguen este mismo método de producción, incluyen las "grabaciones" de lluvia que Klein hacía conduciendo bajo la lluvia a 110 kilómetros por hora con un lienzo.

Klein y Arman, ambos oriundos de Niza, además de amigos, trabajaban a menudo juntos, dentro del nuevo realismo. Incluso Arman dio nombre a su hijo en honor de Yves Klein, que era el padrino.

Algunas veces, la creación de estas pinturas era concebida como una performance; por ejemplo, en una de ellas, acaecida en 1960, hizo que los asistentes vistieran de etiqueta y presenciaran así a las modelos "pinceles vivientes", mientras se tocaba la The Monotone Symphony, del propio Klein (compuesta en 1949, la pieza sostenía una sola nota durante veinte minutos para continuar con otros veinte minutos de silencio) .

Antropometrias Aunque Klein empieza trabajando con los monocromos a mediados de los 50, acaba por rechazar el pincel porque lo consideraba un medio excesivamente psicológico, pasando a trabajar de forma directa con el cuerpo de las mujeres o como él les llamaba: "pinceles vivos". Esas antropometrias mantenían la distancia entre el creador y su obra, pues Klein, después de


untar los cuerpos de sus modelos con pintura de su famoso azul Klein, montaba encima de una escalera e indicaba a las mujeres dónde ponerse para plasmarse contra el lienzo. Aunque Klein empieza trabajando con los monocromos a mediados de los 50, acaba por rechazar el pincel porque lo consideraba un medio excesivamente psicológico, pasando a trabajar de forma directa con el cuerpo de las mujeres o como él les llamaba: "pinceles vivos". Esas antropometrias mantenían la distancia entre el creador y su obra, pues Klein, después de untar los cuerpos de sus modelos con pintura de su famoso azul Klein, montaba encima de una escalera e indicaba a las mujeres dónde ponerse para plasmarse contra el lienzo. En ocasiones las antropometrias se transformaban en performance, dónde el autor invitaba a un público reducido, y vestido él con traje empezaba a crear. Un buen ejemploes la demostración técnica en la Galerie Internacionale d'Art Contemporain de París del 9 de marzo de 1960, a la que asistieron unas cien personas.

TRABAJOS INMATERIALES La esencia del arte inmaterial la expresa él mismo:


Mi trabajo con los colores me ha conducido, en contra de mi mismo, a buscar poco a poco, con ayuda (de algún observador, de algún traductor), la realización de la materia, y he tenido que luchar y decir hasta el final de la batalla. Mis pinturas ahora son invisibles y me gustaría mostrarlas de una forma clara y positiva en mi siguiente exposición parisina en la galería Iris Clert.2 El arte inmaterial es conocido en la obra de Yves Klein, se encargó de ofrecer e intercambiar espacios vacíos en la ciudad de Paris a cambio de oro. No se trataba de una venta, sino de un intercambio simbólico entre el máximo valor material y el mínimo. Yves deseaba de sus compradores la experiencia "muda" de adquirir un espacio vacío. Desde esta experiencia se puede comprender que la pureza del vacío sólo se puede intercambiar por igual con el más puro de los materiales: el oro. De esta forma se restablecía el "orden natural" que dejaba una transacción de venta de un espacio vacío (que debaja tras la operación de intercambio no "vacía" nunca más), de igual forma Klein lanzó oro al río Seine.


1. JOSEPH BEUYS


Joseph Beuys (Krefeld, 12 de mayo de 1921 - Düsseldorf, 23 de enero de 1986) fue un artista alemán que trabajó con varios medios y técnicas como escultura, performance, happening, vídeo e instalación y perteneció al grupo fluxus. VIDA Y OBRA Beuys afirmaba que combatió como piloto de la Luftwaffe en la Segunda Guerra Mundial. El 16 de marzo de 1944 su Stuka se estrelló cerca de la aldea Známenka del Raión de Krasnohvardiiske de Crimea. A punto de morir congelado, unos nativos tártaros lo rescataron y lo envolvieron con grasa y fieltro para evitar su muerte.[cita requerida] En cualquier caso, ambos elementos aparecerán constantemente en su obra. Trabajó de profesor universitario hasta que fue expulsado años después. Su obra realizada en su tiempo de profesor, afecta en la relación de la pedagogía con el estudio del arte, ya que Beuys cambio totalmente el enfoque de enseñanza que se tenía hasta el momento. De 1946 a 1951 estudió en la Escuela de Bellas Artes de Düsseldorf, donde más tarde fue profesor de escultura. En 1962 comenzó sus actividades con el movimiento neodadá Fluxus, del que llegó a ser el miembro más significativo y famoso. Su mayor logro fue la socialización que consiguió hacer del arte, acercándolo a todos los tipos de público. En Como explicar los cuadros a una liebre muerta 1965 se puso miel y pan de oro en la cabeza y le hablaba sobre su obra a una liebre muerta que tenía entre sus brazos. En esta obra vincula factores espaciales y escultóricos, lingüísticos y sonoros a la figura del artista, a su gestualidad corporal, a su conciencia de comunicador que tenía como receptor a un animal. Beuys asumía el papel de chamán con potestad de curar y salvar a una sociedad que él consideraba muerta.


En 1974 llevó a cabo la acción Me gusta América y a América le gusto yo donde Beuys, un coyote y materiales como papel, fieltro y paja, constituyeron el vehículo de su creación. Convivió tres días con el coyote. Apilaba periódicos estadounidenses símbolo del capitalismo de ese país. Poco a poco el coyote y Beuys se van acostumbrando uno a otro y al final Beuys abraza al coyote. Beuys repite muchos objetos utilizados en otras obras. Objetos que difieren de los ready-made de Marcel Duchamp no por su naturaleza pobre y efímera, sino por ser parte de la vida del propio Beuys que los “ha puesto ahí” tras convivir con ellos y haberles dejado su huella. Muchos tienen relación autobiográfica como la miel o la grasa utilizada por los tártaros que le salvaron durante la segunda guerra mundial. En 1970 realizó asimismo su Traje de fieltro. En 1979, el Museo Guggenheim de Nueva York exhibió una retrospectiva de su obra

POLÍTICA Beuys tuvo otra cara, más en relación con la política. Creó en 1967 el Partido Alemán de Estudiantes, cuyos objetivos básicos eran educar a todas las personas en la madurez intelectual y propiciar el concepto ampliado del arte. En 1971 esta organización se transformó en la Organización para la Democracia por Referéndum, para la posibilidad de una democracia directa, más allá del comunismo y del capitalismo.

Coyote, 1974. Galería René Block, Nueva York.


HENRÍ MATISSE


Foto de Henri Matisse por Carl Van Vechten, 1933.

HENRI ÉMILE BENOÎT MATISSE (31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente, junto a Pablo Picasso como uno de los grandes artistas del siglo XX. Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo y para los años 20 ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno. Durante su trayectoria supo conjugar en sus obras la influencia de artistas como Van Gogh o Gauguin, con la de las cerámicas persas, el arte africano o las telas moriscas. BIOGRAFÍA Nació en Le Cateau-Cambrésis el 31 de diciembre de 1869, una pequeña localidad al norte de Francia, en el seno de una familia dedicada al comercio, específicamente de droguería y semillas.1 En 1887, se trasladó a París para estudiar leyes, al tiempo que trabaja en como administrativo en la corte de Le Cateau-Cambrésis. Comenzó a pintar en 1889, cuando convaleciente de una apendicitis su madre le lleva elementos para pintar. Según dijo de este momento de su vida que descubrió una especie de paraíso.2 Y a partir de entonces decide convertirse en artista plástico, a pesar de que esto decepcionó profundamente a su padre.3 En París asistió a cursos en la Académie Julian y en 1892 ingresó en la Escuela de Bellas Artes, recibiendo clases en el taller del pintor simbolista Gustave Moreau, donde coincidió con Rouault, Camoin y Marquet, además de relacionarse también con el artista Dufy, discípulo de Pierre Bonnard. Al carnerero de su trayectoria artística practicó el dibujo del natural en un estilo más bien tradicional, como se aprecia en El tejedor bretón, y realizó copias en el Louvre. Más adelante pasó a pintar luminosos paisajes de Córcega y de la Costa Azul, dejándose llevar por los aires


impresionistas de la época, y practicó esporádicamente el divisionismo. En esta etapa tuvo como discípulo y gran amigo al pintor japonés Yoshio Aoyama (el cual ha dejado en la historia del arte el término de "azul Aoyama"). Como estudiante de arte, su pintor más admirado fue Chardin, realizando copias de las cuatro piezas del Louvre.4 En 1896 expuso cuatro lienzos en la Société Nationale des Beaux Arts con notable éxito. Muchas de las pinturas entre 1898 y 1901 recurren al divisionismo, técnica que adopta luego de leer un aescrito de Paul Signac, "D'Eugène Delacroix au Néo-impressionisme".5 Con el comienzo del siglo, lideró junto con André Derain un grupo conocido como Fauvismo. Un movimiento efímero que tuvo tres exhibiciones.6 7 La primera muestra individual la realizó en la galería Ambroise Vollard en 1904,8 con poco éxito. El uso del color se había pronunciado, por influencias de Signac y Henri Edmond Cross. Año en el que pinta su trabajo impresionista más importante, Luxe, Calme et Volupté. En 1905, unos artistas del fauvismo exponen en el Salon d'Automne. Las pinturas expresan emoción con colores salvajes y disonantes. El crítico de arte Louis Vauxcelles dijo "Donatello au milieu des fauves!" (Donatello entre bestias salvajes), refiriendose a una escultura de tipo renancentista que estaba en el salón donde era la exposición.9 Matisse mostró Ventana abierta, Collioure (Óleo de 55,3 cm x 46 cm; 1905) y Mujer con sombrero (Óleo de 79,4 cm × 59,7 cm; 1905). La muestra en general y el material de Matisse en particular resultaron un escándalo para la época y fueron objeto de una crítica muy agresiva «The Painted Lady» (4 de abril de 2011)..

El marinero joven que, óleo sobre lienzo de Henri Matisse (1869-1954, En algunas de sus figuras pintadas hacia fin de siglo está presente la influencia de Cézanne, pero a partir de 1907 su estilo se hizo más definido y pintó a la manera fauve: supresión de


detalles y tendencia a la simplificación, con lo que obtuvo cuadros impregnados de paz y armonía, como Lujo, calma y voluptuosidad o El marinero de la gorra. Mediante zonas de color diferenciadas, tradujo la forma de los objetos y el espacio existente entre ellos, además de introducir arabescos y crear un ritmo característico en sus cuadros, como en Las alfombras rojas. Su uso del color fue de una gran sensualidad, aunque siempre muy controlada por una metódica organización estructural. Como él mismo declaró: «Sueño con un arte de equilibrio, de tranquilidad, sin tema que inquiete o preocupe, algo así como un lenitivo, un calmante cerebral parecido a un buen sillón». Otro de sus rasgos peculiares es la sensación de bidimensionalidad de cuadros como La habitación roja (o Armonía en rojo) o Naturaleza muerta con berenjenas, en los que la ilusión de profundidad queda anulada mediante el uso de la misma intensidad cromática en elementos que aparecen en primer o en último plano (Taller en rojo).

Henri Matisse. Armonía en rojo. Óleo sobre lienzo. 1908. Museo del Ermitage. San Petersburgo.

En 1910 viajó a España; en Madrid visitó el Museo del Prado y su estancia en Granada y Sevilla contribuyó a acercarle a la estética oriental. En 1912 y 1913 viajó a Marruecos, donde la luz le inspiró cuadros sobre paisajes mediterráneos de gran colorido, como Los marroquíes.


1. GUSTAV KLIMT


Gustav Klimt "No existe ningún autorretrato mío. No me interesa mi propia personalidad como objeto de un cuadro, sino más bien me interesan otras personas, en especial mujeres, otras apariencias…estoy convencido de que como persona no soy especialmente interesante"

Gustav Klimt (Baumgarten, 14 de julio de 1862 – Alsergrund, 6 de febrero de 1918) fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la Secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración.2 Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz,3 en cierto modo herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt se convirtió en un personaje muy notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado de un modo u otro con los más notables círculos intelectuales del momento, en una época en la que Viena estaba dejando de ser la capital mundial del arte. VIDA Y OBRA Klimt nació en una pequeña ciudad, Baumgarten, cerca de Viena, el segundo de siete hijos (tres chicos y cuatro mujeres).4 Ya desde la infancia, los tres hijos varones mostraron inclinaciones artísticas, que podían haber heredado tanto de su padre,5 Ernst Klimt (18321892) que era grabador de oro como de su madre, Anna Klimt (Finster, de soltera), cuya ambición frustrada era dedicarse al canto. Klimt vivió en una relativa pobreza la mayor parte de su infancia, en tanto que como familia de inmigrantes, el trabajo escaseaba tanto como las oportunidades de promoción social. Fue por tanto sólo gracias a su talento que en 1876, con catorce años, recibió una beca para estudiar en la Kunstgewerbeschule, la Escuela de Artes y Oficios de Viena, donde se formaría hasta 1883 como pintor y decorador de interiores.5 Sus maestros fueron Michael Rieser, Ludwing Minnigerode y Karl Hrachowina. Klimt admiraba y reverenciaba al entonces pintor de moda, Hans Makart, y se sometió gustoso a los dictados de una educación artística clasicista. Es por ello que su obra temprana puede considerarse académica.5 En 1877 su hermano Ernst -que con el tiempo se convertiría en grabador, como su padre- también fue admitido en la escuela. Los dos hermanos, con la compañía de su amigo común Franz Matsch, comenzaron a trabajar juntos: Hacia 1880 ya gestionaban modestos


encargos como un colectivo que se hacía llamar la "Compañía de artistas", colaborando como asistentes de su profesor en la decoración del Kunsthistorisches Museum de Viena.5 Klimt comenzó su carrera individual como pintor de interiores en grandes edificios públicos de la Ringstraße, desarrollando ya algunos temas alegóricos que posteriormente se convertirían en un rasgo distintivo de su obra. LA SECESIÓN VIENESA Klimt se convirtió en uno de los miembros fundadores -y presidente- de la Wiener Sezession, un grupo de artistas fundado en 1897, y del colectivo temporal Ver Sacrum (la 'Sagrada Primavera'). La Sezession había surgido como una alternativa independiente a los artistas promocionados por la Academia vienesa -de la que el mismo Klimt había formado parte en su juventud-. Entre sus objetivos se contaban la promoción de artistas jóvenes, la exhibición de obras producidas en el extranjero y la publicación de una revista sobre las principales obras realizadas por los miembros.7 A diferencia de la mayoría de los grupos de vanguardia, el grupo nunca redactó un manifiesto, y tampoco se definió por una determinada dirección estilística: entre sus miembros se contaban naturalistas, realistas y simbolistas. El grupo encontró cierto apoyo gubernamental -aunque sus obras eran generalmente detestadas- y pudo construir una sala de exposiciones permanente sobre un solar cedido por las autoridades. Los artistas de la Sezession tomaron a Palas Atenea, la diosa griega de la sabiduría y la justicia como su símbolo. Klimt, que realizó una aproximación bastante radical a la imagen de la diosa en 1898, estuvo adscrito a este colectivo hasta 1908. En 1894, Klimt había recibido el encargo de crear tres pinturas para decorar el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena. Inacabadas hasta el fin de siglo, estas tres obras -Filosofía, Medicina y Jurisprudencia- fueron muy criticadas por lo radical de su enfoque y su propia representación, que algunos consideraron "pornográfica".8 Klimt adaptaba la forma clásica de la alegoría y su simbolismo convencional, dándole forma con su propio lenguaje plástico, abiertamente sexual y de matices provocativos.8 El clamor fue general: protestaron políticos, pero también personalidades relacionadas con el mundo del arte y la moral pública. La universidad decidió finalmente no colocar las obras de Klimt, y éste no volvería a admitir encargos a partir de entonces. Por desgracia las tres obras fueron destruidas por las SS durante su retirada, en mayo de 1945. En 1899, Klimt se confirmó en su estilo: Provocadora y llena de turbadora energía, su Nuda Veritas -la "Verdad desnuda"- suponía un paso adelante en su estética personal, pero también constituía una declaración de principios, casi un desafío, dirigido principalmente a los críticos de su obra más conservadores: El crudo desnudo frontal de una mujer, sosteniendo un alegórico "espejo de la verdad", iba coronado con una conocida sentencia de Schiller: Si no puedes agradar a todos con tus méritos y tu arte, agrada a pocos. Agradar a muchos es malo. LA ETAPA DORADA Y EL ÉXITO DE LA CRÍTICA La "etapa dorada" de Klimt vino determinada por un progresivo acercamiento de la crítica y un gran éxito comercial. Muchas de sus pinturas de este período incorporan pan de oro a la pintura, aunque éste era un medio que Klimt ya había utilizado esporádicamente desde 1898


(Pallas Athene) y su primera versión de Judith, de 1901. Tras regresar de su viaje italiano, Klimt participó en la decoración del suntuoso palacio Stoclet, hogar de un opulento magnate belga. Este edificio se convertiría en la síntesis del Art Nouveau centroeuropeo. La aportación de Klimt -representada por El Cumplimiento y La Expectación- significaron el clímax de su energía creativa, y tal como él mismo afirmó, "posiblemente el último paso de mi desarrollo de la ornamentación".12 Las obras más notables realizadas en esta etapa fueron sin embargo el Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) y El beso (1907-1908). Paralelamente, Klimt realizó retratos de diversas damas de la alta sociedad vienesa, normalmente envueltas en pieles. Es posible que muchos de los modelos que Flöge luce en algunas fotografías tomadas por el autor fuesen diseñados por el mismo artista. Tal como se aprecia en muchas fotografías, Klimt solía vestir túnica y sandalias cuando estaba en su casa. Llevaba una vida bastante sencilla, completamente absorbido por su trabajo y su familia, y exceptuando algunos encuentros con otros artistas de la Sezession, Klimt solía evitar los encuentros de sociedad y los círculos intelectuales "de café". Pese a su imagen de libertino, Klimt también llevaba su activa vida sexual discretamente, y aunque se rodeaba de modelos femeninas de muy diversa categoría social, nunca se vio personalmente envuelto en ningún escándalo público. Atraídos por su gran fama, algunos clientes que acudían a su casa solían descubrir que Klimt podía permitirse ser muy selectivo antes de aceptar un encargo.

El beso, 1907–1908. Cuadro más conocido del pintor. Óleo/lienzo VEJEZ Y FAMA PÓSTUMA En 1911, gracias a La vida y la muerte, Klimt es galardonado con el primer premio de la Exposición Universal de Roma. En 1915, murió su madre, Anna. Tres años más tarde, tras haber pasado un infarto, neumonía y la llamada gripe española, Klimt falleció.14 , 15 El artista, en su lecho de muerte, preguntó por Emilie Flöge, veinte años menor que él y con la que nunca quiso contraer matrimonio. En su taller dejó inacabadas gran cantidad de obras. Un número considerable de sus obras fue confiscado por la dictadura nazi. Al avance de las tropas enemigas, y al ver que sus obras se convertirían en botín de guerra, decidieron quemar el castillo donde éstas permanecían confiscadas.


1. ANTONI TAPIES


Antoni Tàpies i Puig en 2008 ANTONI TÀPIES I PUIG, I MARQUÉS DE TÀPIES (Barcelona, 13 de diciembre de 1923 - ibídem, 6 de febrero de 2012),2 fue un pintor, escultor y teórico del arte español. Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo, está considerado como uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX. La obra del artista catalán goza de un centro de estudio y conservación en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona. De formación autodidacta, Tàpies creó un estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, en el que se combinaban la tradición y la innovación dentro de un estilo abstracto pero lleno de simbolismo, dando gran relevancia al sustrato material de la obra. Cabe destacar el marcado sentido espiritual dado por el artista a su obra, donde el soporte material trasciende su estado para significar un profundo análisis de la condición humana. La obra de Tàpies ha tenido una gran valoración a nivel tanto nacional como internacional, estando expuesta en los más prestigiosos museos del mundo. A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios y distinciones, entre los que cabe destacar el Premio de la Fundación Wolf de las Artes (1981), la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña (1983), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1990), la Medalla Picasso de la Unesco (1993) y el Premio Velázquez de Artes Plásticas (2003). Como reconocimiento a su trayectoria artística el rey Juan Carlos I le otorgó el 9 de abril de 2010 el título de marqués de Tàpies. “La obra de Antoni Tàpies está dentro de la tradición de estas explosiones que de tiempo en tiempo se producen en nuestro país y que conmueven tantas cosas muertas. Es auténticamente barcelonesa con irradiación universal. Por esto merece toda mi admiración”. ESTILO De formación prácticamente autodidacta en el terreno artístico, Tàpies fue sin embargo un hombre de gran cultura, amante de la filosofía (Nietzsche), la literatura (Dostoyevski) y la música (Wagner).21 Fue un gran defensor de la cultura catalana, de la que estaba profundamente imbuido: era un gran admirador del escritor místico Ramon Llull (del que realizó un libro de grabados entre 1973 y 1985), así como del Románico catalán y la arquitectura modernista de Antoni Gaudí.22 A la vez, era un admirador del arte y la filosofía orientales, que como Tàpies diluyen la frontera entre materia y espíritu, entre el hombre y la naturaleza. Influido por el budismo, mostró en su obra cómo el dolor, tanto físico como espiritual, es algo inherente a la vida


Tras su paso por Dau al Set, en 1951 comenzó una fase de abstracción geométrica, pasando en 1953 al informalismo: en 1951 viajó a París, donde conoció las nuevas corrientes europeas, así como las nuevas técnicas pictóricas (dripping, grattage, etc.); aquí contactó con artistas informalistas como Jean Fautrier o Jean Dubuffet. El informalismo fue un movimiento surgido tras la Segunda Guerra Mundial, que muestra la huella dejada por el conflicto bélico en una concepción pesimista del hombre, influenciada por la filosofía existencialista. Artísticamente, los orígenes del informalismo se pueden rastrear en la abstracción de Kandinsky o en los experimentos realizados con diversos materiales por el dadaísmo. El informalismo busca además la interrelación con el espectador, dentro del concepto de “obra abierta” expresado por el teórico italiano Umberto Eco Dentro del informalismo, Tàpies se situó dentro de la denominada “pintura matérica”, también conocida como “art brut”, que se caracteriza por la mixtificación técnica y el empleo de materiales heterogéneos, muchas veces de desecho o de reciclaje, mezclados con los materiales tradicionales del arte buscando un nuevo lenguaje de expresión artística. Los principales exponentes de la pintura matérica fueron, además de Tàpies, los franceses Fautrier y Dubuffet y el español Manolo Millares.26 El informalismo matérico fue desde los años 1950 el principal medio de expresión de Tàpies, en el que con distintas peculiaridades trabajó hasta su fallecimiento. Asimismo, tiene una primordial significación en la obra de Tàpies el carácter iconográfico que añade a sus realizaciones a través de distintos signos como cruces, lunas, asteriscos, letras, números, figuras geométricas, etc.28 Para Tàpies estos elementos tienen una significación alegórica relativa al mundo interior del artista, evocando temas tan trascendentales como la vida y la muerte, o como la soledad, la incomunicación o la sexualidad. Cada figura puede tener un significado concreto: en cuanto a las letras, A y T son por las iniciales de su nombre o por Antoni y Teresa (su mujer); la X como misterio, incógnita, o como forma de tachar algo; la M la explica de la siguiente manera:

“Todos tenemos una M dibujada en las líneas de la palma de la mano, lo cual remite a la muerte, y en el pie hay unas arrugas en forma de S; todo combinado era Muerte Segura”.27 Otro rasgo distintivo en Tàpies era la austeridad cromática, generalmente se movía en gamas de colores austeros, fríos, terrosos, como el ocre, marrón, gris, beige o negro.29 El artista nos da su propia explicación:

“Si he llegado a hacer cuadros sólo con gris, es en parte por la reacción que tuve frente al colorismo que caracterizaba el arte de la generación anterior a la mía, una pintura en la que se utilizaban mucho los colores primarios. El hecho de estar rodeado continuamente por el impacto de la publicidad y las señalizaciones características de nuestra sociedad también me llevó a buscar un color más interiorizado, lo que podría definirse como la penumbra, la luz de los sueños y de nuestro mundo interior. El color marrón se relaciona con una filosofía muy ligada al franciscanismo, con el hábito de los frailes franciscanos. Hay una tendencia a buscar


lo que dicen los colores alegres: el rojo, el amarillo; pero en cambio para mí, los colores grises y marrones son más interiores, están más relacionados con el mundo filosófico”.27 En su obra Tàpies reflejó una gran preocupación por los problemas del ser humano: la enfermedad, la muerte, la soledad, el dolor o el sexo. Tàpies nos dio una nueva visión de la realidad más sencilla y cotidiana, enalteciéndola a cotas de verdadera espiritualidad. La concepción vital de Tàpies se nutría de la filosofía existencialista, que remarca la condición material y mortal del hombre, la angustia de la existencia de que hablaba Sartre;30 la soledad, la enfermedad, la pobreza que percibimos en Tàpies la encontramos también en la obra de Samuel Beckett o Eugène Ionesco. El existencialismo señala el destino trágico del hombre, pero también reivindica su libertad, la importancia del individuo, su capacidad de acción frente a la vida; así, Tàpies pretendía con su arte hacernos reflexionar sobre nuestra propia existencia:

“Pienso que una obra de arte debería dejar perplejo al espectador, hacerle meditar sobre el sentido de la vida”. En los años 1970, influenciado por el pop-art, empezó a utilizar objetos más sólidos en sus obras, como partes de muebles. Sin embargo, la utilización de elementos cotidianos en la obra de Tàpies no tiene el mismo objetivo que en el pop-art, donde son utilizados para hacer una banalización de la sociedad de consumo y los medios de comunicación de masas; en cambio, en Tàpies siempre está presente el sustrato espiritual, la significación de los elementos sencillos como evocadores de un mayor orden universal.31 Se suele considerar a Tàpies como precursor del arte povera, en su utilización de materiales pobres y de desecho, aunque nuevamente hay que remarcar la diferencia conceptual de ambos estilos. TECNICAS Tàpies empleaba técnicas que mezclaban los pigmentos tradicionales del arte con materiales como arena, ropa, paja, etc., con predominio del collage y el assemblage, y una textura cercana al bajorrelieve. Tàpies definía su técnica como “mixta”: pintaba sobre tela, en formatos medios, en posición horizontal, disponiendo una capa homogénea de pintura monocromática, sobre la que aplicaba la ”mixtura”, mezcla de polvo de mármol triturado, aglutinante, pigmento y óleo, aplicado con espátula o con sus propias manos.32

Cuando estaba casi seco hacía un grattage con tela de arpillera, aplicada sobre la superficie, y cuando estaba adherida la arrancaba, creando una estructura de relieve, con zonas rasgadas, arañadas o incluso horadadas, que contrastan con los cúmulos y densidades matéricas de otras zonas del cuadro. A continuación, hacía un nuevo grattage con diversos útiles (punzón, cuchillo, tijeras, pincel). Por último, añadía signos (cruces, lunas, asteriscos, letras, números,


1. KURT SHWITERS


Kurt Hermann Eduard Karl Julius Schwitters

Kurt Schwitters (20 de junio de 1887 – 8 de enero de 1948) fue un artista alemán, pintor, escultor, poeta y diseñador gráfico, nacido en Hannover. Excluido del movimiento Dadá Berlin, reacciona fundando Dadá Hannover. Este movimiento se fundó sobre el apoliticismo (en las antípodas de las concepciones del grupo Dadá en Berlín , que se caracterizaba por estar comprometido políticamente), lo fantástico y el constructivismo. Sus principales pilares eran la revista Merz y el arte del mismo nombre.

Su actividad artística se fundaba sobre el collage; sobre sus telas se encontraban boletos de ómnibus, pedazos de afiches, periódicos, lana, botones, telas, etc.

El nombre Merz alude a un fragmento de papel donde estaba escrito la palabra alemana Kommerz, de Kommerz Bank.


JUAN GRIS


José Victoriano González-Pérez conocido como Juan Gris, nació en Madrid el 23 de marzo de 1887. Junto a Pablo Picasso y Georges Braque, es uno de los principales representantes del Cubismo.

Inició sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, después, ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, a la vez que asistía al taller del pintor José Moreno Carbonero. Su amistad con pintor Daniel Vázquez Díaz, hizo que abandonase Madrid en 1906, huyendo del servicio militar, y se trasladase a París. Hasta ese momento su carrera artística había consistido en ilustraciones para revistas de poesía y prensa en general, como "Blanco y Negro" o "Madrid Cómico". En París, aunque en principio continúa dibujando para periódicos y revistas francesas como "L´Assiette au Berre", "Le cri de Paris" o "Le Charivari", conocerá a Picasso, a Guillaume Apollinaire y a Georges Braque y a partir de 1910, empieza a dedicarse por completo a la pintura.

Las influencias de Cézanne, Picasso y Braque hacen que en 1912 se incorpore al movimiento cubista. Ese mismo año entra en relación con el marchante Henry Kahnweiler, con quien firma un contrato en exclusiva.


Su forma de entender la pintura se basaba en la prioridad de la idea frente a la imagen del objeto representado. Parte de lo universal para alcanzar lo singular, así la imagen acabará pareciéndose a la idea, que es la verdadera realidad. Cree que la pintura es algo más que la copia fiel de un objeto, es necesario construir o interpretar la realidad. Trabaja la descomposición espacial, el collage y la técnica del papier collé (formas recortadas en papel y pegadas al lienzo).

Sus primeras obras son naturalezas muertas y algunos paisajes en los que destaca el aspecto constructivo y volumétrico de los objetos y de la composición. En su paleta predomina la monocromía de grises y ocres. En 1914 utiliza sobre todo la técnica de papier collé, como en Vasos y periódico (1914) y el collage. Pipa y periódico, "Fantomas" (1915)

La pipa, el periódico, el volumen de la novela de la serie "Fantomas" y el resto de los objetos, se reducen a sus rasgos esenciales a partir de un trabajo previo geométrico. Se construyen como una articulación de figuras geométricas superpuestas que se continúan unas en otras. Todas ellas tienen perspectivas diferentes pero unitarias.

Serie “ Fantomas” Una vez dominada la síntesis y simplificación de los objetos, Juan Gris estudia del mismo modo la figura humana. Ejemplo de ello son sus arlequines y pierrots. A partir de 1921 sus formas se vuelven cada vez más redondeadas y blandas, perdiendo casi toda la rigidez de líneas y ángulos y su paleta se aclara notablemente. Por ejemplo, Mujer con guitarra (1925) En agosto de 1925 su salud empeoró seriamente, sufre bronquitis y fuertes ataques de asma. El 11 de mayo de 1927 muere con apenas cuarenta años de edad. A pesar de su temprana muerte, ha sido considerado como uno de los grandes maestros del cubismo.


Still Life with Flowers 1912


1. ROBERT RAUCHEMBERG


ROBERT RAUSCHENBERG Pintor estadounidense que representó un papel importante en la transición desde el expresionismo abstracto al Pop Art. Nació en Port Arthur, Texas. Estudió arte en París y en diferentes escuelas de Estados Unidos, incluyendo el Black Mountain College, donde tuvo como profesor a Josef Albers. Entre sus primeros trabajos destacan unas cajas que contienen cianotipos, pinturas en blanco y negro y algunos objetos. A principios de 1950 realizó pinturas collage, en las que los lienzos expresionistas libremente pintados fueron cubiertos con fragmentos textiles, fotografías y recortes de periódicos rasgados. En 1955 hizo sus primeras Asociaciones, ensamblajes tridimensionales en los que las pinturas se combinaron con imágenes encontradas, como fotografías y objetos de la cultura popular tales como señales de tráfico, focos, bombillas, botellas de Coca-Cola o aparatos de radio, que creaban unos efectos irónicos o ridículos. El más conocido de ellos, Monograma (1955-1959, Museo Moderno de Estocolmo), presenta una cabra disecada con un neumático a modo de imposible flotador. Estos trabajos híbridos, enfatizando los objetos fabricados en serie, tuvieron una fuerte influencia en el arte pop de la década de 1960. A partir de 1962, Rauschenberg experimentó con la estampación por serigrafía, primero en blanco y negro y más tarde en color, en la que la repetición de la imaginería tuvo un papel destacado. La mayor parte de su obra artística de las décadas de 1970 y 1980 la dedicó a los collages, las litografías y otras formas de las artes gráficas, incluyendo la fotografía. En 1981 aparecieron las Fotografías Rauschenberg


1. JANISSE COURNELIS


CORNELIUS JANSEN Él nació de ascendencia católica humilde en Acquoy entonces en la provincia de Holanda , ahora en Gelderland , Países Bajos. En 1602 ingresó en la Universidad de Lovaina , a continuación, en la agonía de un conflicto ideológico entre el jesuita - o escolástica - partido y los seguidores de Michael Bayo , quien juró por St. Agustín . Jansen acabó uniendo a sí mismo fuertemente a este último partido "agustino", y en la actualidad realiza una amistad trascendental con un condiscípulo de ideas afines, Jean du Vergier de Hauranne , después abad de Saint-Cyran .

RETRATO DE SHAKESPEARE

The title page of Augustinus by Cornelius Jansen, published posthumously in 1640. The book formed the foundation of the subsequent Jansenist controversy


La enciclopedia Católica Después de haber obtenido la licenciatura se trasladó a París, en parte para mejorar su salud en caso de un cambio de escena, en parte para estudiar griego. Con el tiempo se unió Du Vergier en su casa de campo cerca de Bayona , y pasó algunos años enseñando en la universidad del obispo. Todo su tiempo libre lo pasamos en el estudio de los primeros Padres con Du Vergier, y trazar planes para una reforma de la Iglesia.

En 1616 regresó a Lovaina , para hacerse cargo de la universidad de St Pulqueria , un albergue para los holandeses estudiantes de teología. Los alumnos lo encontraron en un maestro poco colérico y exigente y un gran asceta de la sociedad académica. Sin embargo, tomó parte activa en la resistencia de la universidad de los jesuitas, pues habían establecido una escuela teológica de los suyos en Lovaina, que fue demostrando ser un rival formidable para el cuerpo docente universitario oficial de la divinidad. Con la esperanza de reprimir sus invasiones, Jansen fue enviado dos veces a Madrid , en 1624 y 1626; la segunda vez que escapó por la Inquisición . Él apoyó con gusto la católica misionera arzobispo ( vicario apostólico ) del (Norte) Países Bajos, Filipo Rovenius , en sus concursos con los jesuitas, que estaban tratando de evangelizar a ese país sin tener en cuenta los deseos del arzobispo. Él también cruzó más de una vez los holandeses calvinistas - Presbyterian campeón, Gisbertus Voetius , todavía recordado por sus ataques a René Descartes .

La antipatía a los jesuitas trajeron Jansen no más cerca del protestantismo ; por el contrario, él anhelaba para vencerlos con sus propias armas, principalmente, mostrándoles que los católicos podían interpretar la Biblia en igual místico y pietista manera. Esto se convirtió en el gran objeto de sus conferencias, cuando fue nombrado profesor regius de interpretación de las Escrituras en Lovaina en 1630. Aún más era el objeto de su Augustinus , un tratado voluminoso sobre la teología de San Agustín, apenas terminado en el momento de su muerte. Su preparación fue su principal ocupación desde su regreso a Lovaina. Se había presentado en este tratado un largo desarrollo favorable a la contrición (III ª parte, De gratia Christi salvatoris , libro V, chap.XXI-XXV). En su appendice, titulado Erroris Massiliensium, et opinionis quorumdam recentiorum parallelon et Statera , él condenó duramente los jesuitas , en particular, Luis de Molina , Gabriel Vásquez y Leonardus Lessius .


Christian Boltanski nació en París a finales de la Segunda guerra mundial, hijo de madre cristiana y padre judío; por lo que la huella del holocausto está presente en su obra. Es hermano del sociólogo Luc Boltanski.

Por su identidad no encajó bien con sus compañeros de colegio, y su rebeldía obligó a sus padres a cambiarlo en numerosas ocasiones de escuela.

De formación autodidacta, comenzó a pintar a los 14 años.

La muerte, la vida y la identidad son temas recurrentes en su obra, que está marcada por una intencionalidad de archivo y memoria que va más allá de lo explícitamente presente. Boltanski recurre a materiales frágiles (fotografías antiguas, ropa usada, objetos personales y cotidianos usados, recortes de periódicos, cartas, etc.) como testimonios de lo breve de la vida.

Entre 1969 y 1971 comenzó a reconstruir su infancia a partir de fotografías.

A comienzos de la década de los años 80, Boltanski empieza a utilizar fotografías de personas anónimas.

“Boltanski evoca de manera brutal, convincente, imposible de eludir, esa fea costumbre que tiene la gente de ir perdiendo el rostro, dejando apenas la impresión de una fotografía, un negativo cuya ceniza guardamos en los escaparates de la conciencia. Y es verdad, los perdemos, los olvidamos y día a día se van diluyendo, como en un proceso colectivo de mal de Alzheimer. Nadie reconoce a nadie, sólo logramos darnos cuenta de nuestra estrecha capacidad mental para retener y organizar al mundo, que inexplicablemente permanece sin importarle mucho el problema de la historia o nuestros rollos por explicarlo.” (Ricardo Bello)


1. BOLSTANSKY


Pero Jansen, como él decía, no tenía intención de ser una escuela-pedante toda su vida; y hubo momentos en que él entretuvo ambiciones políticas. Miró hacia adelante a un tiempo en Flandes sería deshacerse del yugo español y convertirse en una república católica independiente, posiblemente incluso flamenco gobernada por, según el modelo de los protestantes Provincias Unidas . Estas ideas se hicieron conocidos por sus gobernantes españoles, y para apaciguar los que escribieron una filípica llamado Mars gallicus (1635), un violento ataque contra las ambiciones francesas en general, y en el cardenal Richelieu indiferencia 's para los intereses católicos internacionales, en particular. La Mars gallicus hizo poco para ayudar a los amigos y no teológicas perseguidos de Jansen en Francia, pero revocó la ira de Madrid con Jansen; en 1636 fue nombrado obispo de Ypres (Ieper) en Flandes Occidental por el Papa y la Corte española. Dentro de los dos años que estuvo sin embargo abatido por una enfermedad repentina; el Augustinus , el libro de su vida, se publicó póstumamente en 1640.

Opuesto al jansenismo, un pequeño grupo de médicos de teología de la Sorbona extrae 8 proposiciones de Jansenio del Augustinus , más tarde reducido a 5, el tratamiento de los problemas acerca de la relación entre la naturaleza y la gracia . Acusaron Jansenius de haber malinterpretado San Agustín, confundir jansenistas con los luteranos . Esto llevó el Papa Inocencio X en 1643 para condenar estos 5 proposiciones en la Cum Occasione bula papal , y de nuevo diez años después, sin atribuirlos a Jansenio en particular. Los jesuitas, que entonces gozaba de un poder político y teológico predominante (incluyendo un confesor personal al rey de Francia), y luego convenció al Papa para obligar a todos los jansenistas a firmar un formulario que lleva a admitir la bula papal y confesar sus errores. La controversia formulario llevó Pascal para escribir las famosas Lettres Provinciales (1657) en el que atacó duramente a los jesuitas y su moral, en particular, su casuística .

A raíz de esta publicación en el anonimato, el Rey envió espías por todas partes, condenó a los bibliotecarios y con éxito intentó descubrir al autor de las Lettres provinciales . Los jansenistas de Port-Royal , Antoine Arnauld , Pierre Nicole , la Madre Angélica , Soeur Agnès, etc, fueron obligados a firmar el formulario. Aunque aparentemente obedeciendo a la autoridad papal, añadieron que la condena sólo sería razonable si las 5 proposiciones supuestamente heréticas eran de hecho se encuentra en Jansenio ' Augustinus , y afirmaron que no figuraban allí. Los jansenistas razonamiento era que el Papa tenía claro el poder de condenar las proposiciones heréticas, pero no hacer que lo que no figuraba en Jansenio ' Augustinus estar allí. Esta estrategia impondría décadas de disputas y debates teológicos, por tanto, lo que les permite ganar tiempo.


“Lo que trato de hacer con mi trabajo es plantear preguntas, hablar de cosas filosóficas, no por historias a través de palabras sino por historias a través de imágenes visuales. Hablo de cosas efectivamente muy simples, comunes a todos. No hablo de cosas complicadas. Lo que intento hacer es que la gente se olvide que es arte y piense que es vida. Para dar esta impresión de vida me sirvo de medios artificiales, del arte; no es la realidad, hago teatro; trato de que el espectador en ese momento olvide que está en un museo.” (Christian Boltanski)

Del 1 de julio al 25 de septiembre de 2011, el museo Es Baluard expuso "Signatures", la instalación que Christian Boltanski ha concebido específicamente para el museo. El artista se ha inspirado en la memoria de los obreros que en el siglo XVII construyeron las murallas donde se emplaza el museo Es Baluard. Su última obra, en el Museo Hotel de los Inmigrantes, en Buenos Aires, nos lleva a ser parte de esta instalación dándole vida a los viejos fantasmas de primera gran oleada de inmigrantes.

“El artista sueña parecerse a su obra”

El tema recurrente en la obra de Boltanski es la naturaleza transitoria de la existencia humana y el enigma de la vida y la muerte Monumento.


1. BRAQUE


Georges Braque (13 de mayo de 1882 - 31 de agosto de 1963), pintor y escultor francés. Con Pablo Picasso y Juan Gris fue uno de los tres creadores básicos del cubismo. VIDA Georges Braque nació en Argenteuil-sur-Seine, Francia, en una familia de artesanos. Creció en Le Havre y estudió en la Escuela de Bellas Artes (Ecole des Beaux-Arts) desde 1897 hasta 1899. Llegó a París en 1900. Allí estudió primero en la Academia Humbert, en la que conoció a Marie Laurencin y Francis Picabia, después, a partir de 1903, en la Escuela de Bellas Artes. La exposición fauvista de 1905 le impresionó tanto que se adscribió a este estilo, usando preferentemente los colores rosa y violeta. Realizó en 1906 con Othon Friesz un viaje a Amberes y, durante el verano boreal de 1907, a La Ciotat y a L'Estaque. En otoño de ese mismo año, la exposición retrospectiva de Cézanne y la amistad que trabó con Pablo Picasso, que acababa de pintar sus Señoritas de Aviñón, le hicieron cambiar de estilo. El trabajo de ambos, en estrecha relación, hará surgir y evolucionar al cubismo. En el verano boreal de 1908 pinta paisajes en L'Estaque, en 1909, en Normandía y La Roche-Guyon. En 1914, fue movilizado y participó en la Primera Guerra Mundial, siendo herido de gravedad en 1915. Regresó a París. En 1917 se reincorporó a su trabajo y realizó al final de la guerra una obra esencialmente basada en la naturaleza muerta. En 1930 se compra una casa en Varengville, cerca de Dieppe. La Segunda Guerra Mundial le inspiró obras más serias y austeras. A partir de 1947, su trabajo se ve constantemente interrumpido por la enfermedad. Murió el 31 de agosto de 1963 en París, a la edad de 81 años y actualmente hay un colegio en Nantes con su nombre.


ESTILO George Braque tuvo unos primeros momentos fauvistas. En el verano boreal de 1907 pinta en L'Estaque, lugar donde pintó Cézanne, una serie de paisajes "lineales" que son ya pre-cubistas. Existen dos fases en su cubismo. En una primera época pinta cuadros de superficies superpuestas y planos angulares, componiendo a base de cubos; usaba pocos tonos cromáticos. Después pasó por una fase de "cubismo analítico" (1909-1912), en el que los objetos quedaban descompuestos en facetas hasta el punto de ser irreconocibles. En un tercer momento cultiva el "cubismo sintético", es decir, con unidad compositiva. Impulsa más que Picasso en esta tendencia del cubismo sintético. A la vuelta de la Primera Guerra Mundial desarrolló un estilo propio, con forma unida al color. Representa figuras de gran tamaño. Pinta algún paisaje. Y realiza, sobre todo, multitud de bodegones de estructura similar. Después de la Segunda Guerra Mundial pintó una obra a la que llamo Sofía y Mauro.

Estaque, the harbour by Georges Braque


The Mauve Tablecloth (1936)

Naturaleza muerta con mandolina y metronomo. 1909 - Ă“leo sobre lienzo. - 1909 - Ă“leo sobre lienzo


1. JOSE MARÍA SICILIA


JOSÉ MARÍA SICILIA Actualmente, reside entre París y Sóller. Empieza a estudiar en la Facultad de Bellas Artes de Madrid, pero se marcha a París en 1980. Su primera producción tiene una tendencia expresionista. En la década de los ochenta se le considera uno de los jóvenes artistas españoles más prestigiosos. En 1989 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura de España. En 2011 fue el encargado de diseñar el cartel1 de la temporada taurina en la Real Maestranza de Caballería de Sevilla. FUKUSHIMA-FLORES DE INVIERNO.

Desde hace unos años, la investigación de José María Sicilia (1954), uno de los artistas más singulares del panorama artístico actual de España, pasa por descifrar el lenguaje de las cosas que le interesan, y para ello trabaja con registros sonoros con los que después realiza una proyección visual de ese lenguaje.

Con técnicas que le ofrecen la posibilidad de traducir los sonidos, obteniendo una representación visual de los mismos, y que le permiten captar e identificar sus variaciones y


diversidad, el artista convierte estos fenómenos en el propósito de su obra. Para la exposición “Fukushima, Flores de Invierno”, Sicilia usó el registro sonoro del tsunami obtenido por la Universidad Politécnica de Barcelona. El sonido humano de aquella tragedia proviene de las voces de los supervivientes que subieron los vídeos que tomaron a Youtube y que fueron grabados en 19 localidades diferentes de Tohoku.

Sicilia escuchó además testimonios de residentes que le explicaron, por ejemplo, cómo los cuervos empezaron a graznar día y noche un mes antes del tsunami, en una premonición que solo comprendieron cuando el mar remitió. “Mi trabajo es querer entender. No pretendo hacer una obra de compasión” dice el artista para explicar que su exploración no quiere ser sentimental o condescendiente.

En su recorrido por la región de Tohoku, Sicilia realizó además un total de diez talleres en las ciudades de Fukushima, Minamisoma y Ofunato en los que, acompañado de psicoterapeutas y profesores, guiaba a grupos de niños para que expresaran artísticamente sus experiencias o recuerdos ligados a ese día.

El título de la exposición se inspira en la obra literaria de Tamiki Hara “Natsu no Hana (Flores de verano)”. Hara fue un superviviente de la bomba atómica de Hiroshima. La muerte de su mujer Sadae Hara y la bomba de Hiroshima fueron el eje fundamental de su obra.

La exposición es una exploración por el sonido, por el dolor, por el alumbramiento, por todo aquello que ofrece lo imprevisto, el accidente. En palabras del propio artista: “El accidente es lo que sucede, lo que sobreviene imprevistamente, en el sistema en nuestras vidas, lo inesperado, la sorpresa… Sin embargo todo estaba ya ahí. El accidente nos es revelado cada día, oculto hasta que sale a la luz. El accidente está íntimamente unido con el tiempo, con el instante, con la vida. Toda sustancia es materia para el accidente. El tiempo todo lo devora. Somos la imagen de una imagen, un eco. Un instante es el canto de un pájaro. El azar se nos parece cada vez más y el miedo empieza a ser la pasión de la vida” http://www.accioncultural.es/es/fukushima_flores_invierno_jose_maria_sicilia#sthash.luiPkVS 4.dpuf


FIN



Catalogo de Artistas siglo xx