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ESCULTURA GRIEGA El ideal del pueblo griego brilla en la escultura. Los griegos copiaron de los egipcios a trabajar en piedra dura. Sin embargo, aunque influida por la escultura egipcia, la griega llega a crear un mundo original. Cuatro aspectos persiguen los griegos en su escultura. 1. Plasmar en la figura humana sus concepciones de belleza física y equilibrio espiritual. La belleza concebida como medida, proporción de sus partes, anatomía armoniosa, idealización del cuerpo humano. 2. La expresión, porque la belleza corporal resulta fría en un rostro inexpresivo. 3. La representación del movimiento, la tensión muscular, la flexibilidad de los miembros. El ajustar las figuras en el tímpano, adaptando y doblando las figuras... etc. 4. La preocupación por el volumen. Para el griego la escultura es un arte de volúmenes que requiere diferentes puntos de vista para ser contemplado. La escultura arcaica griega tiene un número limitado de puntos de vista en ocasiones sólo dos: frontal y dorsal. Si el hombre es la medida de todas las cosas, como pregonan los filósofos, no ha de extrañar que el estudio del cuerpo haya preocupado tanto a los escultores. Las relaciones entre las partes y el todo, el movimiento de los músculos, el escorzo, cuentan entre las pesquisas, pero también, ha mediado el afán de conocer al sujeto en su interioridad. Podemos decir en general, que la escultura griega se caracteriza por: La exaltación del cuerpo humano. Por su realismo, búsqueda de la verdad. Por la policromía. El primer material que se utilizó fue la madera. Más tarde, el mármol y el bronce. En el S. V (a.C.) la técnica más apreciada era la criselefantina, reservada para la divinidad, pero con destino a templos importantes, puesto que se usaban dos materiales de la mayor estima: gruesas láminas de oro y planchas de marfil. e) A partir del S. V (a.C.) son firmadas. Cuenta ya el elemento personal, la creación artística individual. a) b) c) d)

Periodo Geométrico y Arcaico (SXII al VI a.C.) Las esculturas más antiguas las xoanas no se han encontrado, Eran de madera y de formas muy estilizadas. Hasta el año 700, aproximadamente, la escultura griega se da a conocer por pequeños exvotos estilizados, de carácter mágico, labrados en bronce o con barro cocido. S. VII (a.C.) Las primeras imágenes arcaicas están encajadas en un esquema geométrico. En ellas se aprecia mucha influencia oriental que recuerda a la escultura egipcia; la imagen es frontal, tiene una pierna avanzada, los brazos pegados al cuerpo y un aspecto general hierático. La Dama de Auxerre (encontrada en Creta) y La Hera de Samos. De esta época son las primeras imágenes arcaicas labradas en piedra caliza y mármol; Los kuroi, (en singular kuros) esculturas votivas de los atletas triunfadores de los juegos, desnudos por considerarse semidioses, son a la vez humanos y divinos. Están captados en el momento en que el cuerpo está justo en punto ascendente de madurez, en su juventud plena que los mortales poseemos brevemente y que los dioses disfrutan toda la eternidad. Esta dualidad debiera ser tenida en cuenta ante la creciente y cuidadosa devoción consagrada a la anatomía, así como frente a la tendencia a obtener de los individuos un denominador común de máxima perfección en los rasgos físicos. Era una combinación única de naturalismo e idealismo. Se representan desnudos. El desnudo tiene su origen entre la asociación de la desnudez con el culto y el posterior simbolismo del alma desnuda, despojada de los 1


aderezos terrenales. Competían desnudos en los juegos (lo cual apareció como una extravagancia en otras civilizaciones) los griegos contaban la historia de un corredor de Olimpia que al desprenderse de sus ropas ganó la carrera. Sus labios permanecen cerrados, tienen los ojos almendrados, llevan larga cabellera, dispuesta radialmente y terminando en rizos sobre la frente. Los brazos se pegan al cuerpo y las extremidades inferiores, aun cuando se dispongan en plan de marcha, tienen las plantas adheridas al suelo. Observan la ley de frontalidad (según la cual el cuerpo queda dividido en dos mitades simétricas). Estas esculturas representan a personajes reales pero es inútil buscar rasgos personales del sujeto, ya que se idealizaban y se fabricaban en serie. Hay que recordar que los atletas eran también soldados y que pertenecían a una casta superior, de la que dependían la seguridad de su estado o polis. Provenían de los rangos más altos de la ciudadanía que estaban ligados al servicio de la infantería (hoplitas) o los más ricos, en la caballería. Los kuroi reflejan una visión elitista. Simbolizan el escalafón más alto de una sociedad de dominación masculina, que relegó a la mujer al hogar y no dudó nunca de la superioridad del hombre tanto en belleza como en fuerza. Las korai (en singular koré) Esculturas femeninas, vestidas con una túnica larga y ceñida, el hitón y sobre él el peplos, un corto chal, dórico y el himatión, ancho manto jónico. Las del estilo dórico se caracterizan por la solidez del cuerpo, casi arquitectónica, mientras que en las del jónico prevalece la gracia y la elegancia. Los pies de las korai están juntos y firmemente apoyados en el suelo, sin dar el característico paso de los varones. Están realizadas de mármol y conservan restos de policromía en los cabellos, los ojos, la boca y en los bordados de la túnica. S.VI (a.C.) Aparece la sonrisa arcaica sonrisa que anima la expresión del rostro, pero es un gesto esterotipado y no expresivo, como de un ser ausente. Se va sustituyendo la geometrización por el modelado que define las partes del cuerpo como volúmenes y se va rompiendo el frontalismo de modo que la imagen gira ligeramente, levanta un brazo o rompe de alguna forma la simetría. De esta época son: Algunos kuroi y korai: El Moscóforo; El Apolo de Piombino y las esculturas del frontón del Templo de Artemisa en Corfú. En el paso del siglo VI al V a.C., la sonrisa arcaica desaparece y el artista investiga la forma de integrar la expresión del sentimiento.

Periodo clásico (S. V y IV a.C.) a) Periodo severo (Primera mitad del S.V a.C.) Así llamado porque las esculturas pierden la característica sonrisa arcaica y adoptan una expresión de reflexiva serenidad. Las figuras desarrollan gestos humanos, pero no pierden la compostura divina, especialmente la calma, la serenidad clásica. La divinidad siempre manifiesta su condición a través de esta imperturbabilidad. Se van acercando al dominio clásico, donde las figuras sienten y se dominan. Atenas posee ya una importante escuela escultórica. Se hacen allí los últimos ejemplares de kuroi y korai. Las figuras más características del periodo severo son: Los frontones del templo de Afaia en Egina y del templo de Zeus en Olimpia; El grupo de Los Tiranicidas; El Trono Ludovisi y El Auriga de Delfos fundida en bronce. Conducía una cuadriga con admirable imperturbabilidad de espíritu. El cabello aún conserva el arcaísmo y los pliegues del hitón caen rígidos como los de una columna dórica, sin embargo, se ha observado que los pliegues son todos distintos.

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b) Clasicismo Puro o Primer Clasicismo (Segunda mitad del S.V a.C.) Es la época de Pericles. Atenas se llena de grandes artistas. Tan famosos como sus obras. En esta época la escultura alcanza su máxima perfección, el ideal del equilibrio griego. Se caracteriza por: • Aparecen escorzos y contrapostos. • Se estudia la anatomía y el movimiento real de la musculatura. • Los pliegues dejan traslucir el cuerpo y siguen sus movimientos naturales. • Se hacen dioses con máxima idealización y belleza. • Se harán las esculturas para ser contempladas por todos los lados.

MIRÓN Es un broncista. Pertenece a la escuela de Argos a la que también pertenecieron Fídias y Polícleto. Se preocupó de conseguir el movimiento potencial, aunque sin violencia. Busca posturas inestables, gracias el bronce. En su Discóbolo hace un atleta no en reposo, sino en el mismo momento en que se repliega, concentrando sus energías para lanzar el disco. Con el pie izquierdo apoyando sus dedos en el suelo acumula su movimiento en potencia. Mirón busca el orden en el movimiento. Su rostro permanece inalterable, sin acompañarle psicológicamente a la acción. Tiene un carácter plano, como si se tratase de un relieve, conservando así la ley de frontalidad, para ser visto de frente. Aún conserva el rombo del vientre (tendencia arcaica) Fue realizado en bronce, pero sus copias son en mármol. Otra obra suya es Marsias y Atenea.

POLÍCLETO Pertenece a la escuela de Argos. El cuerpo humano no era para él solamente el modelado, sino número y proporción. Fue un gran teórico de la escultura, el primer teórico. Escribió un tratado, que se ha perdido, sobre el canon de proporciones de la figura humana. El cuerpo es para él un ser sujeto a número y dimensión. Cada una de las partes del cuerpo debía tener unas dimensiones adecuadas para componer el conjunto armónico ideal. Su canon de perfección será el cuerpo, siete u ocho cabezas y ésta era “n” veces un dedo. Esta relación armónica de unas partes con otras, es lo que se llamaba symmetría. Con esto pretende conseguir el máximo de belleza. Representa a sus esculturas con movimientos sosegados. El Doríforo (portador de lanza) Representa a un joven en marcha acompasada con movimiento armonioso. Utiliza el contraposto o contrabalanceo. El uso del bronce facilita el sostenimiento de la figura que se apoya en un solo pie. El brazo izquierdo, el que porta la lanza, está doblado, de suerte que se dispone en escorzo y la figura gana en profundidad. El brazo derecho, en oposición, cae verticalmente. Pero las cosas suceden al revés en las extremidades inferiores, ya que la pierna derecha es la que recibe toda la carga y la izquierda está libre, de suerte que es la que avanza. La cabeza se desvía hacia la izquierda. Polícleto respeta el principio de la existencia de un punto de vista principal, que se halla precisamente delante, de manera que la contemplación sigue siendo frontal y no interesa la de costado. El Diadumeno carece de la dureza del Doríforo. Representa el atleta en el momento de colocarse la tenia del triunfo tras vencer su carrera. La suavidad del moderado indica una fecha de ejecución más tardía que la del Doríforo. La mayor inclinación de la cabeza y el inusual alzamiento de ambos brazos revelan una mayor libertad de composición. En él también se observa el contrapposto entre la pierna izquierda distendida. retrasada y con el pie levantado, y la pierna derecha que actúa como soporte del cuerpo.

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FIDIAS Fue escultor, orfebre y arquitecto Nació en Atenas, y ya desde la mitad del siglo se encontraba al frente de los trabajos del Partenón, gozando de la plena confianza de Perecles. En tal empresa precisó la ayuda de toda clase de artistas. Escultores, pintores, orfebres...etc. Hay en toda la obra un maravilloso sello de unidad, lo que revela que todos los maestros se plegaron dócilmente a sus instrucciones. Es el hombre que partiendo de lo real, logra el arquetipo ideal. Consigue expresar el equilibrio y la paz interna. Representa la cumbre del mundo ático. Con él se consigue al máximo el sentido de: idealidad, equilibrio, movimiento, serenidad, naturalismo, perfección, proporción… Sus obras reflejan seres de equilibrio físico y moral, que viven una paz interna, dueños de sus pasiones. Animales, dioses y hombres alcanzan una sublime grandeza. Las figuras de Fídias muestran un gran equilibrio y un estilo propio, ya sean masculinas (auténticos desnudos vivientes) o femeninas, cuyos ropajes con sus pliegues menudos, muestran una gran amplitud y belleza debido a la técnica de los “paños mojados” que, pegados al cuerpo, traslucen su anatomía, acentuando aún más su naturalidad. Obras suyas son: La Atenea Partenos en el Partenón, de 12m. de altura y El Zeus en Olimpia ambos con la técnica criselefantina; La Atenea Promacos de 15m. de altura, que según la tradición, se pretendía que pudiese ser vista desde el mar, realizada en bronce y armada de lanza y yelmo para proteger a la ciudad; La Atenea Lemnia; Los frontones y las 92 metopas del Partenon que representaban la lucha de los griegos contra gigantes, amazonas y centauros, expresión de la racionalidad griega ante los demás pueblos. La obra más importante es El friso de la cella del Partenón de 160m. de longitud donde representa la procesión de las Panateneas. Consistía en una celebración en honor de la diosa Atenea, que se realizaba cada cuatro años. Los atenienses marchaban en procesión con carros, a pie, con vasijas de agua, animales para el sacrificio.., con ofrendas para proclamar la gloria de Atenea, y culminaba con la entrega, por parte de las doncellas, del peplo (una rica túnica tejida por ellas mismas) a la imagen primitiva de la divinidad. El acto iba acompañado de concursos y juegos. Las principales divinidades olímpicas, contemplan la escena relajadamente sentadas, conversando entre ellas durante la celebración. Los dioses están realizados a una escala superior que el resto de figuras del friso. Todo es movimiento y serenidad. Los volúmenes aparecen enlazados y las formas de los cuerpos de las diosas se dejas adivinar gracias al tratamiento de los paños (técnica de los paños mojados) Importancia del tiempo cíclico. c) Clasicismo bello o segundo Clasicismo ( S. IV a.C.) Con las guerras del Peloponeso y el hundimiento de Atenas, se van a producir unos cambios sociales, políticos y religiosos. Las características más comunes de este periodo son: • Se le llama bello porque no es sublime, ni severo, ni clásico... • Los dioses se humanizan. Aparecen como meros hombres, sin dignidad divina, realizando acciones humanas. • Pierden la serenidad que hasta entonces habían tenido. • Las formas se ablandan, se debilitan, se busca una línea modulada, con una tendencia curva, casi melódica, línea sensual, blanda. • Se busca una mayor expresividad y acentuación de movimientos. • Las superficies tienden al sfumato. • Nace el retrato de tipo realista. (retratos de Alejandro Magno). • Se buscan escorzos y la tercera dimensión (tridimensionalidad). • Aumenta la ornamentación.

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PRAXÍTELES De origen ateniense. Representa la gracia. Modela sus figuras en mármol o en bronce, componiendo formas blandas, suavizando las líneas con curvas delicadamente bellas. Para él los dioses serán humanos, implicados en la vida humana. Por eso representará a Afrodita desnuda, símbolo de la desacralización de los dioses. Acaricia el mármol, lo modula, dando una piel suave (sfumato). Evita toda recta y toda áspera rugosidad. Casi consigue un canon femenino. Hace formas mórbidas y blandas, líneas curvas, femeninas. Sus figuras arquean el cuerpo, abriéndose en una larga curva desde los brazos hasta los pies y apoyándose disimuladamente sobre un soporte (línea praxitélica), con una pierna en carga y otra en descarga. Sus obras pertenecen al momento de máximo esplendor del arte clásico, que cuestiona la severidad anterior y apuesta por la suavidad, la armonía, la representación de los sentimientos y el aumento de la expresividad. Hace el peinado de sus figuras con grandes mechones, consiguiendo el claroscuro. Obras: Hermes con Dionisos representa a Hermes que sostenía un racimo de uvas con el brazo mutilado, que Dionisos niño deseaba coger, indicando sus futuras inclinaciones a la bebida. El claroscuro de la cabeza y las telas resalta con el sfumato del rostro y del cuerpo. Apolo Sauróctono Apolo matando un lagarto (sauro). Desacralización de Apolo convertido en un efebo. La Venus del Cnido es la primera vez que el escultor se atreve a representar en plena desnudez a una divinidad femenina. Praxíteles hubo de buscar un pretexto y lo halló representando a la diosa en el momento de salir del baño, haciendo un acto plenamente humano.

LISIPO Broncista. Fue el escultor predilecto y retratista oficial de Alejandro Magno. Es un gran naturalista otorgando a la figura humana de mayor expresividad y elegancia, sus figuras son más esbeltas y alargadas y de cabeza más pequeñas que en el periodo anterior. Alarga el canon del cuerpo poniendo el ideal en 9 cabezas. Realiza la figura en posiciones naturalistas, cuidando los más mínimos detalles (por ejemplo, llegó a representar perfectamente los cabellos). Rompe con el frontalismo, de modo que se puede ver desde todos los puntos de vista, tridimensionalidad. Al esculpir sus figuras en tres dimensiones de alguna manera emancipa la escultura del espectador al darle una visión múltiple y provocando una contemplación multivisual. La posición de perfil nos ofrece nuevos encantos, cambiando la figura a medida que giramos en torno suyo. El Apoxiomeno (el que se quita el aceite). Réplica del Dóriforo de Polícleto. Representa éste a un atleta desnudo, con los brazos extendidos hacia adelante, en actitud de quitarse del cuerpo con el estrígiles el aceite que se había dado para realizar el ejercicio. Comparado con el Doriforo, nos ofrece un cuerpo lleno de movilidad, donde el músculo vibra. No cae en la sensibilidad del S.IV y prácticamente está en el Helenismo. Otra obra suya es El Ares Ludovisi en ella se representa al dios en cómoda posición sentado con un gran naturalismo

SCOPAS Es un temperamento ardiente y atormentado. Hace un arte tenso y dramático. El drama, la agitación suele estar en el tema y los ropajes; pone mucha tensión en los rostros con estados de ánimo patéticos. Rompe la ley clásica colocando en primer lugar el pathos sobre el ethos. Revela las interioridades del alma, como el amor, la sensualidad, de desesperación, la nostalgia, la inquietud. Tuvo predilección por las representaciones más trágicas. 5


Escoge temas violentos, mediante las formas de: ojos hundidos, pupila dirigida hacia lo alto; líneas rectas; bocas entreabiertas; labio superior fruncido; ropajes con movimiento y plegados duros. Da mucha importancia al movimiento. Con Scopas se muestra que para los griegos el hombre ya no es la medida de todas las cosas Cabeza de Meleagro con expresión trágica. La Ménade que se hallaba poseída del furor dionisiaco. Movimiento exagerado, con fuerte expresión: cejas oblicuas y fruncidas... El Friso del Mausoleo de Halicarnaso que representa la lucha de los griegos con las amazonas.

Periodo Helenístico (S. III al I a.C.) Al salirse de su órbita tradicional y extenderse el dominio helénico, a causa de las conquistas de Alejandro Magno por territorios orientales, la cultura y el arte griegos sufrieron notables transformaciones. Las características más importantes son: • Empobrecimiento en la evolución escultórica de Atenas. Los artistas atenienses emigran. • Los talleres se trasladan a: Alejandría, Antioquía, Pérgamo, Rodas... Regiones del Asia ricas y con afán de lujo. • Aparece el sentido de lo heroico llevado al extremo (Laocoonte) con una marcada acentuación de lo patético heredado de Scopas. • Desaparecen las grandes individualidades artísticas de los tiempos anteriores. Abundan las esculturas, pero desconocemos por lo general, la fecha y el autor. • Tendencia al género, escenas de tipo popular de la vida corriente, abarcando la figura humana y animal, naturalismo. • Predominio del sentimentalismo que muchas veces raya con lo sensual. • Gran influencia oriental. Predominio de lo ampuloso. • Los dioses descienden a la tierra, Hay un fuerte descreimiento. Los dioses tradicionales se representan en actitudes más dramáticas. Y se introducen nuevos dioses y divinidades mixtas, greco-orientales. Afrodita no tiene ya categoría de diosa: es el símbolo del amor y la sensualidad • Tendencia a la teatralidad. Desarrollo de la literatura teatral, del teatro y del odeón, con gran skene. • Se inspira en la literatura narrativa y tendencia al grupo en composición piramidal o con gran dispersión en pórticos y jardines. • Tendencia al agrupamiento con grandes relieves (Altar de Pergamo) • Tendencia al movimiento duro, brutal (Laocoonte), cinético (V. de Samotracia). • Desarrollo del retrato, realismo. Se dan los defectos físicos, la vejez, lo feo... y los niños. • Abundancia de tanagras, figurillas de cerámica pintada que servían para obsequiarse de una corte a otra. • Se trabaja en equipo, formando escuelas de: PÉRGAMO

RODAS

El Friso del altar de Zeus (luchas de dioses y gigantes) El Gálata moribundo; Gálata suicidándose Pueblo celta derrotado en Asia . El Laocoonte La Victoria de Samotracia El toro Farnesio El coloso de Cares de Lindo

ALEJANDRÍA

El Nilo (alegoría)

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GÁLATA MORIBUNDO (Escuela de Pérgamo) Representa a los enemigos derrotados por el rey Atalo I. Herido de muerte, el guerrero gálata inclina la cabeza, mientras soporta estoicamente su dolor. Todo en esta figura nos habla de la aceptación heroica de la muerte. A pesar de su aspecto clásico, los gálatas revelan el afán de caracterizar físicamente a los invasores, tan distintos de los griegos: las facciones del guerrero son célticas; su cráneo braquicéfalo, los cabellos encrespados, y además lleva el collar distintivo de la etnia de los celtas Su composición es piramidal, muestra un gran dominio técnico, pues, en lugar de estar hecha para ser vista frontalmente, fue esculpida de tal manera, que pudiera ser observada desde diversos ángulos. Data del 230 (a.C.) realizado en bronce EL LAOCOONTE (Escuela de Rodas) El grupo de Laocoonte y sus hijos es una de las creaciones escultóricas más admiradas de la estatuaria helenística. Representa el momento el que el sacerdote de Apolo y sus hijos son atacados por dos enormes serpientes ante el altar que ofrecían sacrificios. Laocoonte, sacerdote troyano, sacerdote de Apolo, desaconsejó a sus compatriotas la entrada en Troya del gigantesco caballo que los griegos pretendían introducir en la ciudad. Los dioses le castigan por ello. La composición del Laocoonte y sus hijos se define a partir de una pirámide y una diagonal que atraviesa toda la escultura, Por un lado la pirámide que forman las tres figuras, con la cabeza del Laocoonte en el vértice superior y, por otro, la diagonal resultante de unir con una línea el brazo derecho y la pierna izquierda de éste. Representa el movimiento exagerado, provocado por la contorsión de los cuerpos en su esfuerzo por huir de la serpiente que les aprisionan. El volumen de los músculos y detalles como los ojos hundidos crean efectos de claroscuro que aumenta la emotividad a la escena. Subraya la tensión y la sensación de sufrimiento con la boca abierta, las marcadas arrugas del dolor que da una fuerte expresividad, es decir, cierto barroquismo. El grupo está realizado con una clara concepción bidimensional, que acentúa la visión frontal y sólo está trabajado por delante y por detrás. Únicamente las formas de las serpientes y los cuerpos escorzados de las figuras respecto del plano aportan sentido volumétrico a la escultura. Sus características estilísticas revelan vínculos con el Friso del Altar de Pérgamo: Curvas, contracurvas y diagonales predominan en la composición; el perfecto estudio de la anatomía humana captada, no de un modo estático, sino en violento esfuerzo, en contracción desesperada; la profunda labor de trépano realizada, la ausencia de simetría... Todo ello nos muestra la pérdida de los ideales clásicos y la consecución de los aspectos helenísticos. Fue realizado en bronce en el II – III (a.C.) y descubierta en copia en mármol en el Renacimiento (año1506).

LA VICTORIA DE SAMOTRACIA (Escuela de Rodas En mármol. Entre el año 220 y 190 (a.C.) Esta escultura considerada como una de las más bellas de la época helenística, representa a la diosa Victoria que se acaba de posar sobre la parte delantera (en la popa) de una embarcación. El fuerte viento, que le viene de cara moldea el hitón sobre sus formas femeninas (técnica de los paños mojados). Con movimiento cinético.

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La escultura griega