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CENTRO DE DISEÑO, CINE Y TELEVISIÓN

PROYECTO TERMINAL:

contenedor. museo de diseño Que para obtener el título de licenciada en Arquitectura de interiores con Reconocimiento de Validez Oficial de Estudios número 2005017 de fecha 11 de febrero de 2005 P

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S

E

N

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A:

Mariana Martínez Balvanera

México, D.F. a 1º de octubre de 2010


A mis padres por las oportunidades y el apoyo que me dan, de ustedes aprendí el valor de hacer lo que te gusta. Gracias por ser una inspiración. Agradezco a mi hermano por su gran paciencia y sabiduría, sus consejos siempre serán fundamentales. A Beata Nowicka por la confianza que siempre tuvo en mi, su impulso me dio experiencias extraordinarias que conforman parte de quien soy, gracias. Gracias a los profesores de Centro, especialmente a Armando Hashimoto, Renata Becerril, Gaby Traverso, Raquel Sandoval y Luis Rojas, quienes jugaron un papel escencial en este proyecto. A mis amigos, quienes en todo momento estuvieron junto a mi, gracias por ser parte de mi segunda familia.


1. Panorama p. 8-29 1.1 introducción 1.2 las exposiciones de diseño +diseño, concepto y percepción. +dentro de las galerías: antecedentes: de las Wunderkamern. al Crystal Palace, al Moma. exhibiciones de diseño en México. +exhibiendo al diseño: experiencia espacial y didáctica.

2. Contenedor p. 30-44 2.1 Atlampa, ciudad de México 2.2 fábrica de clavos FURO S.A +conjunto +contexto natural +análisis espacial

3.Proceso p. 45-71 3.1 concepto espacial 3.2 experimentación formal 3.3 anteproyecto + programa arquitectónico.


4. Contenido p. 72-127 4.1 experiencia espacial 4.2 programa fijo: museo +mobiliario +materiales e iluminación

5.Programa móbil: galería p.128-147 4.3 galería dentro y fuera del espacio.

6. Identidad gráfica p. 148-159 6.1 concepto visual

7.Bibliografía p.162


introducción

Durante las últimas dos décadas el diseño conforma una parte importante dentro del entorno contemporáneo. México se incorpora poco a poco al mundo del diseño internacional, sin embargo, está necesitado de espacios de promoción. Dentro del país no existe un centro o museo que reúna exhibiciones, espacios recreativos y didácticos que se enfoquen cien por ciento a las distintas disciplinas del diseño, donde se muestre a los interesados la importancia de cada uno de los productos del diseño y el proceso que se encuentra detrás de ellos.

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Este proyecto de titulación propone un museo que conjugue todas las disciplinas del diseño: arquitectura, diseño gráfico, diseño de moda y textil y diseño de producto. Se busca encontrar la forma de promover el diseño mexicano e internacional, creando un espacio en el que se percibe el diseño como un todo, donde se puede convivir, dialogar y apreciar las exposiciones dentro. El contenedor se abre como una plataforma creativa en la que los visitantes pueden experimentar un museo no sólo como espectadores, si no que también como participantes.

Dentro del espacio, un módulo circundante que se contiene dentro del espacio forma la galería principal donde se muestran las distintas exhibiciones. El módulo viaja fuera del espacio contenedor original, se relocaliza e invita a todo el que se encuentre en su camino a conocer la exposición dentro, brindándoles así, una oportunidad de acercamiento a los contenidos museográficos sin tener que visitar la locación original. Para comprender el contenido del espacio y la ideología del concepto detrás de este proyecto introduciré el contexto alrededor del cual se desarrollan las exposiciones del diseño. Contando brevemente la historia de las exposiciones de diseño que marcaron las que conocemos hoy en día, desde las cámara de curiosodades a las galerías modernas del MoMa.


Se hará un recuento de la historia del diseño en exhibición dentro del país, de las primeras exhibiciones de artes populares a las actuales exhibiciones en el museo Franz Mayer. Por otro lado haciendo un análisis de dos exposiciones de Kenya Hara y las implicaciones técnicas que se deben tomar en cuenta para organizar un espacio de exhibición para el diseño específicamente. Dentro del segundo capítulo se desarrollará el concepto en el cual se basará el proyecto arquitectónico y la intervención en su totalidad. Se explicará el concepto, la forma en la que se quiere intervenir el espacio y se hablará de los análogos de contenido, de forma y de inspiración, que se usarán como ejemplo tanto espacial, como conceptual.

das, después por experimentos de concepto dentro del espacio. Todo el proceso por el que se llegó al proyecto final ejecutivo, se relatará dentro de este capítulo. El proyecto que se presenta a continuación es el resultado del trabajo multidisciplinario que se llevó a lo largo de un año. Es fundamental que se comprenda este proyecto como uno que está constituído por áreas diversas, como un baúl que se llena de objetos, el proyecto se construye a partir de teorías, técnicas, enseñanzas y una exploración gráfica y conceptual.

En el tercer capítulo se hablará de el espacio por intervenir. Se describirá a Atlampa, se hará un breve recuento de su historia y se le ubicará dentro del marco cultural y social dentro de la Ciudad de México. Dentro del cuarto capítulo se desarrolla la parte ejecutiva del proyecto. Se pasará primero por un estudio de las áreas necesita-

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las exposiciones de dise単o


“Color in live” exhibición hecha por Kei Matsuchita en 2005

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diseño: concepto y percepción

El diseño es una respuesta a una necesidad, a una demanda específica. Esto lo convierte en una experiencia, por que no sólo se mantiene para observar y admirar, si no que su principal función es para utilizar, experimentar y comunicar. Diseño es la vida cotidiana, son los objetos que la conforman, los espacios, las imágenes construidas por el hombre para que los otros las experimenten. El diseño ha sido uno de los puntos de la vida contemporánea que más se ha desarrollado en los últimos dos siglos. Diseño se refiere a la habilidad de interpretar el significado de la vida y existencia humana a través del proceso de construir cosas¹. Es una expresión que se origina en sociedad para resolver un problema en el que el proceso que se desarrolla antes de llegar al producto final es una parte fundamental. El diseño se inició cuando el hombre empezó a usar herramientas, podríamos decir que en los orígenes de la civilización. Desde el momento que tomaron palos y los resignificaron para cambiar el mundo alrededor de ellos por medio de la inte-

ligencia. El concepto de diseño, cuando la sociedad se hizo conciente del diseño como lo vemos hoy, se inventó en Inglaterra por Jhon Ruskin y William Morris, gracias a la revolución industrial del siglo XIX, en el auge de la producción de objetos y enseres domésticos. El concepto de diseño fue al inicio una respuesta a la aburrición y aestética de los productos industriales.

15 1. Kenya Hara, Designing Design.2007


dentro de las galerías

El diseño y su concepto ha ido evolucionando. Hoy en día lo que vivimos en el diseño es la ideología de la búsqueda de la forma y función de los objetos que nos rodean. Ahora, y desde el siglo XIX, se ha buscado la forma de agregarle un valor más a las piezas de diseño con el acto de colocarlos dentro de una galería para su exhibición no comercial. Con esto, se le quiere dar un lugar de importancia dentro de la sociedad, para que las personas puedan descubrir el diseño y todo lo que lo compone, a parte de su lado comercial. Una parte muy importante de las exhibiciones de diseño es que se debe de separar de la idea de una exhibición en el que la gente puede comprar lo que esta viendo, pero también se debe de partir una línea entre una exhibición de arte y una de diseño. En el diseño es importante crear un recorrido, un contexto y una experiencia didáctica. A continuación se hará un breve recuento de las exhibiciones de diseño relevantes en la historia y de cómo estas han cambiado la forma de ver al diseño en sí. 16

..se debe de partir una línea entre una exhibición de arte y una de diseño. En el diseño es importante crear un recorrido, un contexto y una experiencia didáctica.


Takeo paper show. 2006

antecedentes:de la Wunderkammern, al Crystal Palace, al MoMa. Los antecedentes de los museos en general se originaron en el siglo XVI y XVII. Fueron las “Wunderkammern”, en español Cuartos de Maravillas o también llamados Gabinetes de curiosidades que se basaban en exhibir, como su nombre lo dice, objetos de curiosidad que se coleccionaban en las grandes exploraciones y descubrimientos. En estos cuartos se exhibían, sin una intención de curaduría ni museografía, objetos de alta tecnología para el momento, plantas, animales, cuadros, objetos exóticos y místicos. Fueron muy importantes para el desarrollo de la ciencia moderna aunque reflejaban las creencias populares de ese momento. Después del siglo XVIII los objetos exhibidos dentro de los gabinetes de curiosidades fueron trasladados a los museos que se comenzaban a crear. Estos representan la primera vez que se exhiben los objetos, sin embargo, todavía no se pensaba en la dialéctica entre objeto y objeto, ya que se presentaban estos por todos lados, colgados de los muros, en el suelo, colgados del techo, en vitrinas, etc. No fue hasta más tarde que se concibió la idea de la curaduría y que nacieron las exposiciones de diseño de hoy.

El diseño, como lo conocemos ahora, nació en la época victoriana en Europa, donde los artesanos comenzaron a darle un valor más allá del valor monetario a sus creaciones, si no que se implicaron otras cosas a la manufactura de estos objetos. La conciencia de creatividad, los procesos y la funcionalidad dieron un nuevo giro a la forma en la que se veían a los productos.

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1. retrato del museo de ferrante imperato s.XIX.

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Pero no fue hasta en 1851 cuando el real auge del diseño se impregnó en la sociedad occidental. La primera exposición, tienda departamental y centro comercial nació bajo en nombre de “La Gran Exhibición de 1851” en Londres, donde se mostraba la más grande colección de objetos (commodities) que se había hecho hasta el momento. De Europa, America, África y del oriente vinieron diseñadores y manufactureros para exhibir en este gran hall hecho de vidrio y acero al que llamaron “Crystal Palace”. Este monumento al objeto se irguió bajo en concepto de que toda la vida y cultura humana de ese momento podría ser representada por objetos manufacturados. Gracias a esto, se inauguró una nueva forma de ver las cosas que quedó marcada en la sociedad inglesa victoriana y sigue, hasta hoy en día, siendo parte importante de la forma consumista de la sociedad actual. El palacio de cristal funcionó como el primer espacio donde los objetos se podían observar y analizar, se creó la primera galería de diseño que deleitaba visual y sensorialmente a todos los visitantes. Por otra parte, fue de los primeros edificios multifuncionales, sintetizó y organizó todos los elementos de espectáculos bajo un solo te-

cho. El espacio no sólo funcionaba como un museo, si no que también como laboratorio, fábrica, estación de tren, taller, teatro, auditorio, restaurante e invernadero. El diseño especial del palacio de cristal fue en primera instancia pensado para que fuera itinerante. Los inversionistas buscaban un diseño ligero y flexible que se pudiera construir, deconstruir y reconstruir en otro lugar, sin embargo, esto sólo se quedó como una idea. Pero su arquitectura y lo que este lugar representó se volvió no sólo un modelo para la vida humana, si no que también como un plano para el cambio social. Pero el surgimiento de la galería moderna que encontramos hoy en día en casi todos los museos de arte moderno no vino hasta los años 30 con el auge del movimiento moderno. “The White cube”, un concepto creado por el MoMa en Nueva York, se trata de un cubo blanco (literalmente) donde la obra de arte se separa de todo contexto y se presenta como algo intocable, sin relación a lo que lo rodea.

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Este espacio como ideología hace que el espectador experimente sensaciones parecidas a cuando se visita una catedral, ya que este espacio es tan vacío, silencioso y las piezas puestas dentro de él son tan escultóricas (no importa si es una lata de Coca-Cola la que está en el pedestal), que se vuelve una experiencia fuera de lo que se puede experimentar en cualquier otro lado.

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Lo que nos interesa del MoMa es que fue de los primeros espacios en los que se exhibió al diseño con la misma forma en la que exhibimos el diseño hoy, con un recorrido, un contexto, y una historia detrás de cada objeto. Se aprovechó, entonces, el espacio de la galería para darle más popularidad y dar a conocer el diseño moderno, en todas sus disciplinas, y todos los procesos por los que se basan. En el MoMa se dieron cuenta que las exhibiciones de diseño tenían que ser un poco más seductoras y entretenidas que las de pintura o escultura, ya que, dentro de la cultura popular no existía una cultura alrededor de los objetos y de los grandes contextos e historias que se encuentran detrás de cada uno.

..el MoMa ()fue de los primeros espacios en los que se exhibió al diseño con la misma forma en la que exhibimos hoy, con un recorrido, un contexto, y una historia detrás de cada objeto..


The White Cube en MoMa, Nueva York

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galerías de diseño en México

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La historia del diseño en México es algo joven, sin embargo nuestro país se ha incorporado al mundo del diseño internacional poco a poco. Lo que nos ha hecho falta, sin embargo, son museos y exposiciones de diseño. Los museos en la ciudad de México se han aferrado a sus ideologías tradicionalistas, sin embargo, últimamente museos como el Franz Mayer, Museo Tamayo y la Casa del Lago han abierto las puertas a las nuevas expresiones culturales como el diseño. Existen tres espacios de exhibición dedicados al diseño: Galería Mexicana de Diseño, MUMEDI y MODO. Estos tres espacios, distintos entre sí y con un enfoque distinto estan cien por ciento dedicados a la exhibición y promoción del diseño mexicano. Sin embargo, este proyecto propone un espacio libre y flexible en el que se de a conocer el diseño de una forma no institucional, para todas las personas y con fin de invitar a nuevos diseñadores para impulsar su trabajo. Hay poca información documentada de estos acontecimientos, sin embargo relataré brevemente la historia de las exposiciones relevantes enfocadas al diseño que han marcado a esta área en especial.

La primera exposición de diseño que se hizo en México no nació concientemente como una exposición de diseño, si no que como un proyecto de aumentar la identidad nacional. Se llamó “Las artes populares de México”, construida por el Dr. Atl en 1921 fue intencionada para mostrar, como lo dice su nombre, las artes populares y variedad de artesanías que México podría ofrecer. El objetivo principal se enfocó en poner en discurso la importancia de las artes populares y con esto impulsar la creación de mini-empresas. En 1930 se hizo en el Met de Nueva York la exposición de “Mexican Arts Exhibition”, en la que por primera vez se mostraron concientemente objetos como mobiliario, textiles y arte objeto del arte popular como un proyecto, como el pasado, de impulsar la identidad de México y mostrarla en otros países. Pero no fue hasta 1952 cuando Clara Porset hizo por primera vez una exposición de diseño en la que se seguían las vanguardias que se seguían en Europa y Norte


MUMEDI, Ciudad de México

América y fue la primera en su especie en México. “El arte en la vida diaria, objetos de buen diseño hechos en México” exhibió objetos de arte popular resignificados a un diseño moderno rodeados por su contexto y proceso. La intención de Clara Porset ers reunir en un mismo lugar los objetos artesanales elaborados en México y los fabricados en serie. Con esto se buscó poner en comunicación a la industria con los artesanos y artistas con el fin de lograr mejor diseño y calidad. Se pusieron las piezas en contexto rodeadas de referentes visuales de los acontecimientos que habían pasado en el mismo tiempo en el que los objetos fueron diseñados. Se exhibió al inicio en el Palacio de Bellas artes, para que posteriormente se moviera al VIII congreso panamericano de arquitectura, donde asistieron importantes arquitectos del momento como Walter Gropius, Mies Van der Rhoe y Frank Lloyd Wright. El pabellón de México en la Exposición Universal de Bruselas de 1958 expuso al resto del mundo productos manufacturados en México como joyería, ropa, mobiliario. Estas piezas se exhibieron en vitrinas que representaban una tienda de-

partamental para poner en contexto a estos objetos que también estaban rodeados por sus antecedentes y los procesos por los que se habían llegado a ellos. Con esta exposición se quiso dar a entender que el diseño alimenta a la industria y al progreso. Después de esta última, la pauta para nuevas exposiciones fue marcada. Pero hasta los años 90’s se abrió el primer espacio de galería enfocada al diseño, La Galería Mexicana de Diseño, que hasta hoy se irgue como un espacio para nuevos conceptos curatoriales para el diseño, como un espacio para la interacción y reunión de diseñadores, como un espacio que también es de venta de los productos que se exhiben.

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...este proyecto propone un espacio libre y flexible en el que se de a conocer el dise単o de una forma no institucional, para todas las personas y con fin de invitar a nuevos dise単adores a exhibir con finalidad de impulsar su trabajo.

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exhibiendo al diseño: experiencia espacial y didáctica Para el diseño del espacio que se propone en este proyecto terminal a través de su concepto, es fundamental estudiar los procesos por los que se llevan a cabo antes, mediante y después del diseño de un espacio de exhibiciones. Para esto relacionaremos algunos conceptos formales y conceptuales y su aplicación al análisis de dos exposiciones diseñadas por el diseñador y curador japonés Kenia Hara. Es importante tomar en cuenta las implicaciones que tiene una exposición y el espacio en el que se desenvuelve, ya que no es solamente la forma en la que se encuentran acomodados los objetos en exhibición lo que importa, si no que, encontrar un discurso entre el espectador y la pieza y como se relacionan entre sí.

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Para preparar una exposición son importantes considerar los siguientes puntos: -Soportes tridimensionales -Presentación escenográfica -El papel que juegan los objetos dentro del museo -Imágenes y textos

-Layout, gráficos y tipografías -Colores -Iluminación -Acústica También al diseñar la estructura de una exposición se debe de tomar en cuenta un factor principal que sea el regidor de la experiencia del usuario. Estas se pueden hacer de manera cronológica en la que se exhiben los objetos dependiendo de su aparición. Una exposición puede ser temática, en la que se decide el tema y se producen objetos específicamente para esa exposición o se colocan objetos de un mismo tema, como en las dos exposiciones aquí mencionadas. Por un lado “Re designing” que hacía una reflexión acerca de los objetos comunas de la vida diaria y “Haptic” enfocada en destacar la parte sensorial del diseño. Para la exposición de “Re-Design: daily products of the 21st Century” que se hizo en abril del 2000 en la que se convocaron a 32 diseñadores japoneses para rediseñar productos ya existentes como papel de baño y cerillos, el discurso entre el espectador y el curador fue una experiencia de redescubrir los objetos ordinarios y


verlos de otro punto de vista. Se presentaron los prototipos finales al lado del objeto común original dentro de unas cajas muy ligeras de 60x40x50 hechos de una base de madera, tapas de vidrio y patas de acero. El display estaba diseñada específicamente para poder alterar su tamaño dependiendo del sitio de exposición y fácil de ensamblar, desamblar y transportar. Dentro de una exposición es fundamental la posición que en la que se coloca al objeto, esta corresponde a las necesidades tanto de forma contenido. La jerarquización y la forma en la que se muestra la información hace que el objetivo de lo que busca comunicar una exposición sea cien por ciento comprensible por el espectador. En Re Design, los objetos que se exhibieron se compararon con los ordinarios para que los espectadores pudieran comprender el análisis que hizo cada exhibidor para llegar a la pieza final. También como parte de los soportes técnicos se colocó una mampara detrás de cada vitrina con información gráfica y es-

crita del proceso por el que se llegó a cada uno de los diseños. En una exhibición se tienen que tomar en cuenta dos elementos regidores muy importantes, el respeto a los objetos y el respeto a los espectadores. En los años 80’s la frase “deja que el objeto hable por el mismo” era muy usada, y esto es verdad, sin embargo, la museografía sirve como un traductor que hace que los objetos presentados sean más accesibles y digeribles, poniéndolos en un cierto contexto y explicando las características que no se encuentran explícitas a simple vista. Por otra parte el respeto al visitante nos habla de que la museografía debe de ser un puente de fascinación entre el artista (o diseñador) y el espectador, sin embargo el hecho de que la información tiene que ser transmitida de una manera lúdica, no significa que el recorrido dentro del museo sea un recorrido fantástico y artificial a mundos paralelos. Las exhibiciones deben de considerar un entendimiento lúdico y fácil para aquellos externos al tema, pero también enriquecer los conocimientos de los que ya tienen conocimiento previo de lo que se expone. Por esto es importante mencionar otra de las exposiciones de Kenya Hara llamada

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“Haptic” que se hizo en el 2004 en Tokio. Haptic funcionó como una exposición para explorar los sentidos, para hacer conciente a los espectadores de una de las características más importantes del diseño, el tacto, dejando un poco a un lado la forma y la función. Todo el recorrido dentro de la exhibición se hizo entrono a que el espectador se hiciera conciente de sus sentidos táctiles, por eso es que se exhibieron las piezas y a un lado un pequeño prototipo que le permitía al usuario ser parte del diseño. El prototipo funcionó como un incentivo a que los espectadores sintieran y alteraran sus sentidos al tocar lo que se estaba exhibiendo, sin tener que desgastar el objeto original. Esto generó una dinámica y un discurso dentro de la exhibición.

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Las exhibiciones deben de considerar un entendimiento lúdico y fácil para aquellos externos al tema, pero también enriquecer los conocimientos de los que ya tienen conocimiento previo de lo que se expone.


“Haptic”. exhibición de Kenya Hara. 2004

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Atlampa, ciudad de México

Atlampa es una colonia ubicada en el noreste de la Ciudad de México constituida principalmente por fábricas y bodegas. Atlampa significa “atrás del agua” ya que en el sigo XIV solían ser terrenos pantanosos que rodeaban el lago de tenochtitlán. En el siglo XVI se convirtieron la mayoría de estos terrenos en tierras de indígenas y cementerios. Mas hacia el siglo XVIII los terrenos fueron desecados y se formaron huertos y plantaciones. Pero fue ya en 1904 cuando fueron fraccionados los terrenos por la Compañía de Terrenos Rancho Chopo.

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Con esto, se empezaron a construir fábricas y talleres de tabique con armaduras de hierro y acero a finales del periodo del Porfiriato. Al ser urbanizada esta zona, se prolonga hacia el norte la traza reticular de Santa María la Ribera. Esta zona industrial era conocida como la colonia del Chopo que formaba parte del cinturón irregular que se encontraba alrededor de los limites de la ciudad de la época de la postrevolución. Estaba unida con el exterior por medio de vías del tren que permitían la entrada y salida de materia prima y productos.

En 1920 fue unida a la ciudad por medio de pavimentaciones haciendo contacto con el centro de la ciudad, Av. Insurgentes y a la colonia Santa María. Se construyeron también viviendas para los obreros que trabajaban dentro de las fábricas en varias de los edificios propios de las industrias. La zona en la que se ve rodeada Atlampa hoy es una de contrastes, que últimamente emerge de una reestructuración y resignificación social. Esta zona emergente es una oportunidad para promover espacios culturales que tanto los habitantes de la zona, como visitantes foráneos pueden disfrutar. El cuadro delimitador que tomo como referencia son: Santa María la Ribera, El chopo y Tlatelolco. Por un lado Santa María de la Ribera, la colonia vecina, alrededor del quiosco Morisco (elemento que representa la arquitectura árabe dentro de la ciudad), que en sus casas porfirianas antes olvidadas han resurgido viviendas, estudios y oficinas de personas creativas atraídas a la zona. Eventos y exposiciones temporales se han impulsado en el parque central con


el motivo de promover la cohesión social y el entretenimiento público. Esta colonia habitacional, cuenta también con un museo magnífico de geología situado en un edificio de principios del siglo XX. El Chopo es un cuadro espacial con gran riqueza cultural donde emergen día a día nuevas instituciones como la biblioteca José Vasconcelos, con nuevos proyectos de transporte como la remodelación de la estación de tren Buenavista y la inauguración de el impresionante tren suburbano que conecta el centro de la ciudad con los suburbios del norte. A parte de estas grandes contribuciones a la ciudad El Chopo contiene también uno de los centros de ebullición más importantes de las contraculturas el “tianguis cultural del Chopo”, un espacio multicultural de expresión juvenil. También el Museo Universitario del Chopo funciona como espacio de exhibición artística de los estudiantes de artes visuales de la UNAM. Tlatelolco por otra parte, es una parte indispensable de la historia moderna de la ciudad y el país. Con un contexto tan fuerte como el que tiene, se sitúa dentro de una de las colonias de mayor concentración significación dentro de la ciudad, ya que tanto la plaza de las tres culturas,

como los edificios multifamiliares de Mario Pani y el nuevo Centro Cultural Univeristario Tlatelolco que después de su más reciente remodelación se sitúa dentro de la lista de los museos contemporáneos de la Ciudad de México.

Esta zona emergente es una oportunidad para promover espacios culturales que tanto los habitantes de la zona, como visitantes foráneos pueden disfrutar... 33


Fábrica de clavos FURO S.A Este antigua fábrica que se encuentra en el número 131 de la calle Heliótropo esquina con Cedro fue construida en 1900 como fábrica de clavos, talleres, oficinas y viviendas. Hoy en día este edificio se ha partido y se ocupan para distintas actividades como una fábrica de engranes y de reparación de motores, una bodega y unas oficinas. El edificio está hecho de tabique construido sobre un rodapié de piedra braza. Está formado por cinco naves de planta libre y un edificio de dos niveles que originalmente funcionó como oficinas y viviendas. Los muros Wperimetrales de tabique recocido de .45cm de espesor son de carga y tienen una altura de 6m. La cubierta es de lámina a dos aguas y se sostienen por una armadura de acero que se mantiene original desde su construcción. La cubierta del edificio prismático es plana. Todas las ventanas conservan la herrería original de diseño floral.

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Este espacio permite alojar un proyecto como el que se propone en este trabajo. Su planta abierta y doble altura es óptimo para la conjunción con un proyecto interi

or de circulaciones espaciosas y áreas abiertas, como es el de un museo. Ell factor estético también es una razón en la que se ha basado la elección de este edificio en particular. El hecho de que los materiales y los detalles arquitectónicos originales se conserven hasta el presente, le da un valor mayor. Se quiere intervenir esta antigua fábrica ya que el hecho de resignificar algo tan obvio y marcado como una fábrica se vuelve un juego en el que el significado del uso actual da un giro a otro completamente diferente.


calle heli贸tropo.

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Planta general de conjunto

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La fábrica de clavos se divide en 5 grandes galeras de planta abierta cada una. Para este trabajo utilizaré la segunda bodega de la izquierda a la derecha. Actualmente está ocupada por una distribuidora de impresoras. Son dos galeras que pertenecen al mismo dueño y están unidas por un estrecho acceso a la mitad de estas. Ha sido intervenida por una habitación en forma de prisma rectangular a una altura de 2.30, hecho de lámina metálica. Esta intervención está sostenida por cuatro columnas de concreto armado y tiene dos escaleras de acceso. La estructura de hierro forjado que sostiene el techo de lámina no han sido

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intervenidos. El espacio es alto e imponente, nos transmite tranquilidad y silencio. Este espacio es especialmente estático, desde la calle, a la fachada, al interior. Aquí parece que la ciudad gira alrededor sin tocar el tiempo congelado a su alrededor. Dimención: 600 m² Cubierta: estructura de hierro forjado con cubierta de lámina. Cimentación: zapatas corridas. Estructura: apoyos aislados por columnas de tabique.


planta arquitect贸nica

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este

oeste

sur

Asoleamiento

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9 am

12 pm

6 pm 43


concepto espacial

El espacio se forma de una topografía que se despliega creando las distintas áreas unificada como una totalidad en cuanto a forma y materiales. Dentro de esta topografía se contiene la galería principal, formada de un sistema que le permita cambiar y trasladarse a otro espacio fuera del museo. Cuando la galería se vuelve itinerante, la topografía se ve afectada por el espacio vacío cambiando la persepción del entorno. Este capítulo mustra la forma en la que el proyecto se fué formando, consolidando y entendiendo que el diseño más que el objeto palpable encuentra sustancia en el proceso.

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..el museo se desarrolla a través de una superficie dinámica que incita a circular de manera dinámica.Los desniveles y los nichos creados por los dobleces de la superficie separan cada uno de los espacios.


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topografĂ­as

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axonomĂŠtrico espacial

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estudios de concepto:

positivos y negativos flexibilidad modulaci贸n

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estudios de espaciales/galerĂ­a:

superficie desplegada positivos y negativos espacio contenedor/espacio contenido

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estudios de espaciales/galer铆a:

flexibilidad transformaci贸n superficie plegada

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estudios de espacio:

el espacio se forma a través de una superficie que crea una topografía en en la que se desenvuelven las distintas áreas.

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modelos conceptuales:

topografĂ­a con galerĂ­a dentro y fuera del cubo central.

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superficie desplegada:

los dobleces de la superficie van formando la topografĂ­a que se desarrolla a travĂŠs del espacio.

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superficie desplegada:

maqueta elaborada a partir de una hoja de papel plegada segĂşn las medidas del espacio.

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maqueta de trabajo:

la superficie blanca se desprende del suelo dejando ver espacios interiores marcados por un contraste de color y material.

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proyecto arquitect贸nico

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programa arquitectónico

Este espacio se propone como una plataforma de interacción y aprendizaje, en donde los usuarios pueden empaparse del conocimiento que rodea al diseño. El museo es un espacio didáctico que no sólo se compone de una o varias galerías, si no que, también sirve como espacio de interacción, consulta, compras, recreación y descanso. Por esto es que se escogió el siguiente programa de áreas que se intenciona a acercar más al usuario con el espacio en sí y con la información que se le concede.

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recepción tienda cafetería oficina sala de lectura salón de proyecciones espacio para cursos servicios


er

sa lón

et qu

pa

ía

ba

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área

tien

de le ctura

sala de proyecciones

da

ár

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caf ría oficina

ea

de

de

an sc

so

bodega

67 diagrama de flujo y relación espacial


3.5

5.25

3.5

3.5

salón de cursos= 18.37m²

caja= 12.25m²

4.15

5.25

6.45

3.3

wc= 14m²

oficinas=24m²

5.7

3.2

5.2

cafetería=70m²

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8.0

sala de proyecciones=25m²


7.5

2.0

3.8

2.0

guardarropa= 4m²

salón de lectura= 30m²

5.5

3.5

área de descanso= 18m²

estudio de áreas

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Diagramas de flujo en los espacios: diagramas que reconocen el flujo dentro de un espacio, dependiendo de las acticvidades. Estos flujos se ven tranformados en ciertas topografĂ­as.

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experiencia espacial

El espacio se desenvuelve a través de una topografía que va marcando, mediante negativos y positivos, las distintas áreas. La experiencia del usuario se basa en la exploración de la topografía, los desniveles lo llevan a experimentar la superficie de una forma distinta a la que nos movemos cotidianamente. Esto crea una relación distinta a la cual el usuario no está acostumbrado, se abren puertas de percepción. El que descubre el espacio se siente sumergido en un entorno lúdico, donde la imaginación puede fluir, donde no existen barreras inmediatas entre los espacios. Esto los hacen accesibles a todos los usuarios, tanto visualmente, como físicamente.

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Dentro de la diversidad de formas el usuario puede distinguir partes a través del juego entre los materiales y las texturas. La topografía forma nichos los cuales están determinados a una actividad fija, mientras que el espacio restante se mantiene flexible. Esto se denota por un contraste entre materiales. Esta insinuación semántica de los materiales hace un espacio fácil de entender y explorar.

La galería principal se encuentra al centro del museo dentro de un cubo traslúcido. Las exposiciones se logran ver desde fuera del cubo, como una vitrina que resalta los objetos exhibidos.


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1.PROGRAMA FIJO

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2.PROGRAMA MÓBIL

El proyecto se basa en dos partes : el espacio circundante a la galería o programa fijo y el módulo de galería o programa móbil que forma parte del conjunto y es independiente a su vez, permitiéndole emprender viajes. 77


programa fijo: museo

El museo se compone de distintas áreas designadas a actividades fijas de recreación, compras y aprendizaje. Estas áreas se distinguen entre sí por el cambio entre materiales y texturas, y los desniveles que las separan y enmarcan.

franca y aparente, sin disfrazarla ni transformarla. El muro que separaba las dos naves de la fábrica fué demolido para dejar expuestas las columnas que soportan la estructura de hierro forjado, esto permite que el espacio sea más amplio y abierto.

El recorrido dentro del museo está marcado por un circuito que rodea el espacio de galería, éste se explora sin dirección determinada. El usuario es libre de transitar po la mayor parte del paisaje formado de rampas y nichos.

El conjunto se divide principalmente en dos plantas: abajo los espacios transitables por medio de rampas y superficies planas, y arriba los que se acceden por escaleras. Las dos áreas que se superponen son la tienda y el espacio de lectura, estos tienen un panoráma general del espacio y mayor incidencia de luz natural.

El paisaje se ve interrumpido por el cubo de galería, un espacio flexible en donde se monta un sistema de exhibición que se adapta a las necesidades museográficas. El cubo de cristal iene la posibilidad de cerrarse con cortinas, en caso de necesitar un ambiente obscuro sin la intervención de la luz natural que entra por los tragaluces de la techumbre.

78

La estructura original no se ve afectada por la intervención, mas bien, se quiere desnudar la estructura e integrarla de una manera


explotado estructural

79


tienda

cafete

recepci贸n+caja cursos

80

Distribuci贸n


erĂ­a

galerĂ­a sala de lectura

sala de proyecciones

oficinas

81


0.45

6

5.90

5

0.50 5.20

5.70

4

4

7

0.50

6

5

4

3

2

1

5.70

28.50

S

3.92

28.50

3

0.78

3

s

5.88

5

3.92

5.70 0.50

2

2

4.10

4.57

1

1

0.45

10.55

0.45 10.10

s

acceso

Planta baja a 1.5 m 17 16 15 13 12 11 10

s

6

A B C

21.55

0.45 10.55

10.10 0.45

5 4

3 2 1

3

2 1

6

5 4

+ 2.00


A

A

B

C

21.55

10.55

10.55

10.55 0.45

0.45

0.45

10.10

10.10

1

1

0.45

0.45

10.10

0.45

4.10

4.57

4.57

4.10

+ 4.00

+ 4.00

+ 0.60

2

2

+ 2.60

0.50

0.50

+ 4.00

17 16 15 14 13 12 11 10 9

+ 3.80

+ 3.50

+ 4.00

4 2

1

+ 2.00

B

3.92

+ 2.00

3

5.70

3.92

5

5.70

6

7

8

+ 4.00

0.78

3

+ 3.50

28.50

3.92

+ 2.50

5 4

3 1

2

4

B

B

4

1

2

0.50

3

6

4

5

0.50

6

28.50

3.92

5.70

5.70

3

0.78

+ 3.00

+ 2.50

+ 2.50

6

7

5.70

5 4

6

5.20

5.20

5.70

7

5

3

0.50

4

+ 0.30

2 1

3

2

+ 2.20

0.50

1

+ 2.60

+ 2.60

B

5

5

B

+ 2.60 + 2.60 + 2.30

5.90

5.88

5.90

0.45

6

0.45

6

5.88

+ 2.30 + 2.60

Planta alta a 4 m

+ 2.60


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corte longitudinal b-b’


85

corte transversal c-c’


86


Recepci贸n y caja con lockers.

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88


CafeterĂ­a.

89


100


Sal贸n de lectura/ galer铆a/oficinas.

101


102


Sala de proyecciones.

103


104


Sal贸n de lectura y consulta.

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iluminación y materiales

El usuario experimenta un espacio de contrastes. Donde los materiales actuales de la fábrica, construida a principio del siglo XX, como el tabique, hierro forjado y piedra braza, y los materiales de la intervención como materiales más vanguardistas, juegan papeles de igual importancia. Dentro del amplio espacio la superficie que crea la topografía nos llevará a través de un recorrido para descubrir todas las áreas que este contiene centrándose en la galería principal, esta superficie está constrituida por concreto blanco ligeramente pulido, el blanco que se extiende a través del museo unifica todo de una manera etérea y sutil. El cambio de material se da cuando la topografía crea nichos o espacios negativos techados para albergar algunos de los programas como tienda, recepción, cafeteria u oficinas. El material que recubre los espacios cerrados es madera de arce ligeramente blanqueada que brinda más calidez y confort al entorno. En el piso se coloca duela y en los muros y plafones madera maciza. 106

La galería principal se encuentra dentro de un cubo

de cristal templado con una estructura de ptrs blancos, como dando un sentido de ashurado. El plafón de este se esconde en lo alto de la estructura para no hacer una barrera visual. Los barandales y escaleras son de tubulares metálicos pintados en blanco, estos comprenden no intervenir con la forma principal de la topografía y toman un camino no lógico sin seguir las formas de la superficie.

el blanco que se extiende a través del museo unifica todo de una manera etérea y sutil.


107


108

espacio de talleres/sala de proyecciones/oficinas/lectura


compact HIT luminaria hal贸gena

compact luminaria hal贸gena

l谩mpara industrial

luminario industrial de pantalla blanca

l谩mpara direccionable

madera de arce Optec LED direccionable

concreto blanco

madera de arce ligeramente blanqueada

concreto blanco

109


110

recepci贸n/talleres/galer铆a


luminario industrial de pantalla blanca

cristal templado

lockers de mdf blanco y acrĂ­lico lechoso vidrio. cancelerĂ­a perfiles lĂĄmpara industrial

acero pintado en blanco

steelwood chair concreto blanco

madera de arce ligeramente blanqueada

concreto blanco

111


112

cafeterĂ­a/tienda


Friday pendant ligh de Reinhar Dienes

Friday pendant light concreto blanco

concreto blanco

madera de arce barandal de redondos compact luminaria hal贸gena concreto blanco

madera de arce ligeramente blanqueada

acero pintado en blanco

compact HIT luminaria hal贸gena

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Friday pendant ligh de Reinhar Dienes

compact HIT luminaria hal贸gena

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iluminaci贸n planta baja


Optec LED direccionable

riel Erco Track

luminario industrial de pantalla blanca

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iluminaci贸n planta alta


mobiliario

El mobiliario que complementa el espacio está definido por dos factores principales: los materiales y colores y la forma que se relacionan con el espacio. El envolvente tiene una fuerza grande que pide al mobiliario ser flexible y efímero. Es por esto que los sistemas que se diseñaron para la exposición de objetos para la tienda, los libreros y los lockers no corresponden a las formas trianguladas de la superficie si no que juegan de manera inocente y despreocupada con el resto del espacio. Esta colección está unificada por los materiales que son los tubulares metálicos blancos y algunos toques de madera. Las patas se envuelven con una base de madera torneada y lo demás continúa como un tubo plegado en las esquinas de manera ingenua e imperfecta. Los elementos horizontales se basan en placas de MDF pintadas en blanco y en rejillas blancas.

116

La elección de mobiliario se basó en encontrar sillas y mesas que contrasten en forma pero que correspondan a los materiales y colores del espacio. Para los espacios de trabajo y cafetería se eligió la colección Steelwood de Rowan y Erwan Bourulec , para la sala de lectura la colección Saari de Arper y las sillas Houdini.


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catรกlogo de mobiliario:

1steelwood chair 2houdini chair wood 3houdini chair white 4arper office 5saari arper chair 6steelwood chair red 7saari arper sofa 8steelwood table.

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1

4

2

5

3

6

7

119

8


120


estante para tienda: sistema modulable para tienda, ligero y efĂ­mero. Construido por dos principales tubulares de acero en blanco con patas de madera de pino torneada. Una parrilla metĂĄlica para libros. Soportes de mdf laqueado en blanco. 121


122


estante para tienda. 2: sistema modulable para tienda, conformado de dos piezas superpuestas. Tubulares metรกlicos con patas torneadas en madera de pino, parrilas metรกlicas y estantes de mdf laqueada en blanco. 123


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librero: librero ligero, fรกcil de mover. Tubulares metรกlicos en blanco con patas de madera de pino torneadas y estantes de mdf laqeuado en blanco

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126


caja y estanterĂ­a para tienda: mueble fijo de madera de arce con vidrio y parrilla metĂĄlica integrada. Tubulares tensados y anclados al suelo para ropa.

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galería dentro y fuera del espacio

La galería que se forma dentro del espacio es una independiente, que en temporadas se encuentra dentro del cubo original que la contiene y en otras sale para volverse itinerante. Por lo mismo esta estructura debe ser ligera y flexble para permitir un translado eficiente y también para poder albergar los distintos objetos que se van a exhibir dentro. Se desarrolló un sistema para la flexibilidad de la galería, para que esta pueda doblarse y cambiar de las formas que el curador lo desée. El sistema se basa en perfiles metálicos de 4m, 2m, 1m y .5m que se pueden armar y combinar dependiendo de la necesidad de la exhibición. Las uniones son flexibles y se pueden adaptar a cualquier ángulo. Dentro de los perfiles hay una canaleta para cableado y una para poner postes de madera para soportar las obras que se quieran colgar. 130

La estructura metálica se recubre de una superficie ligera, de tela impermeable

que se cambia cada que la exposición se renueva. El curador invita a un diseñador a diseñar el recubrimiento de la galería cada vez que esta cambia, con una condición: que esta sea blanca por fuera. La tela se sujeta de la estructura por medio de botones a presión en cada perfil que aseguran su firmeza.


131


132


proceso: bocetos de uniones y piezas

133


134


movilidad:

el sistema de galerĂ­a sale de su contenedor original y emprende viajes a espacios pĂşblicos.

135


1. perfiles metรกlicos

sistema a base de perfiles metรกlicos de 4 medidas distintas, con botones para recubrimiernto y zurcospara uniรณn

136

2. piezas de uniรณn

uniones con 6 distintas posibilidades, movimiento en e tuercas a presiรณn


eje de 360º y

3. recubrimiento de tela

para cada exposición un recubrimiento se diseña por el diseñador o curador, este tiene botones para asegurarse a la estructura.

tiene que ser blanco por fuera

sistema: perfiles de cuatro tamaños distintos, juntas con posibilidades amplias de movimiento y recubrimiento de tela.

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flexibilidad:

la galerĂ­a se puede transformar cuantas veces sea para adaptarse a las necesidades de las exhibiciones dentro.

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La estructura metálica se recubre de una superficie ligera, de tela impermeable que se cambia cada que la exposición se renueva. El curador invita a un diseñador a diseñar el recubrimiento de la galería cada vez que esta cambia, con una condición: que esta sea blanca por fuera. La tela se sujeta de la estructura por medio de botones a presión en cada perfil que aseguran su firmeza.

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142


ejemplo 1: configuración posible de galería. colocación en espacios públicos. El Zócalo

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ejemplo 2: configuraci贸n posible de galer铆a. colocaci贸n en 谩reas verdes. Chapultepec, Museo Rufino Tamayo

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ejemplo 3: configuraci贸n posible de galer铆a. colocaci贸n en edificios hist贸ricos. Palacio Clavijero, Morelia

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concepto visual

El logo responde en su forma a dos cosas principales del proyecto: a las formas que generan el espacio y al hecho que la galería principal puede ser movida de su locación original para volverse itinerante. El espacio del museo está compuesto por una superficie que se dobla y desdobla creando una topografía a base de triangulaciones en la cual se encuentran las distintas áreas. Dentro de estas áreas encontramos recepción, cafetería, tienada, oficinas, cuarto de lectura, cuarto de proyecciones, un salón de cursos y una galería. La galería principal se contiene dentro del espacio, de ahí el nombre, y de tiempo en tiempo la estructura de ésta se desdobla y se saca del espacio contenedor para volverse itineratnte.

150

Las líneas que crean triangulaciones se refieren al espacio y de este conjunto, o este todo, un triángulo sale como dando la idea de que pertenece al conjunto sin embargo también puede desprenderse y ser independiente. Esto se muestra con las líneas punteadas que se juntan entre el

triángulo y el conjunto mantienen unidas las dos partes, como una analogía al viaje por emprender. El color principal es un -warm red- de Pantone, ya que la fachada del edificio prexistente es roja y se quiere dar a identificar un rasgo característico del proyecto. Aunque el color es brillante y el espacio interior muy neutral cási blanco, pude pertmitir el uso de este ya que el museo en sí busca ser un espacio relajado, jóven, fresco, flexible y libre. Se trata de dejar a un lado la parte institucional del museo para crear una plataforma más incluyente de diálogo en un ambiente menos formal. El logo a su vez sirve como un símbolo para cada área del diseño que se puede estar exhibiendo en el momento. Dependiendo si en la galaería se está mostrando arquitectura, diseño de mobiliario, moda, diseño gráfico o una exhibición mixta, el logo varía de posición y el triángulo que sale cambia de color.


akkurat mono

andale mono

Pantone warm red EC 151


contenedor

contenedor

contenedor

152


contenedor

contenedor contenedor

contenedor

c

contenedor ontenedo

r

153 estudios de logo


moda

producto

arquitectura

mixto

grรกfico

154


exhibiciones:

el logo se rota y se cambia el color del triángulo que representa la galería por cada tipo de exhibición.

155


156


157


158


contenedor

159 aplicaciones


160


161


bibliografía + RICHARDS, Thomas. “The Comodity Culture of Victorian England”. Verso, Londres 1991. + O’DOHERTY, Brian. “Inside The White Cube, the ideology of the gallery space”. University of California Press, Berkeley, L.A 1976. + MESSAGE, Kylie. “New Museums and the making of culture”. Berg, Nueva York 2006. +FREY, Bertron Schwarz. “Designing Exhibitions, a compendium for architects, Designers and museum professionals”. Birkhäuser-publishers for architecture, Berlin 2006. + LEÓN DE LA BARRA, Pablo José. “Consrtuir sobre abandonado” Tesis de Titulación. Universidad Iberoamericana. México D.f 1996 + MARINCOLA, Paula. “Design and Architecture. Paola Antonelli intervewed by Bennett Simpson” en “What Makes a Great Exhibition?” Philadelphia Exhibitiona Initiative, 2006. Págs. 86-93i + SCHUBERT, Karsten. “The Curator’s Egg”. One-Off press, London 2000. + HARA, Kenya. “Designing Design”. Lars Muller Verlag, 2007.

162


+ revista CĂ“DIGO 06149. septiembre 2010. + revitsa FRAME.The Great Indoors Issue. julio/agosto 2010 Internet: + blog.bellostes.com + designboom.com + saopaolo.unlike.net +wikipedia.com +dwell.com +archnet.org +triangulationblog.com

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Contenedor Museo de Diseño