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La mirada rompe el tiempo

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La mirada rompe el tiempo Desirée Orús

El tiempo es el continuo devenir que sólo se detiene con la mirada. Esta fija el momento y lo detiene. La complejidad de este concepto permite a los artistas reflexionar sobre la memoria, la futilidad, la congelación del instante, el viaje, la contención de la violencia, la poética de la lentitud y la eternidad. Lenguajes que se abordan desde la contemporaneidad de la mirada que detiene el tiempo para permitir la reflexión. La mirada es quien certifica la narración visual. Escruta la temporalidad para situarnos en el «ahora». Desde los años setenta y sobre todo a partir de los noventa, se ha desarrollado la necesidad de una revisión de la conceptualidad del tiempo. Los artistas lo construyen a partir del ser, de la subjetividad, de su propia mirada. No sólo como un factor cronológico o de mutación sino de una manera cognitiva e individual. Atienden a sus múltiples factores variables que la convierten en

experiencias y modos de expresión. El transformador es el sujeto, su autor. El arte se abre a un tiempo inmanente. La secuencialidad, el tiempo real y el onírico, el de los acontecimientos, el de la diáspora obligada, el social –medido por los medios de comunicación–, el de la naturaleza cercenada por el hombre, el presente. El tiempo tomado mas allá de su función documental o de registro, sino como un flujo detenido por la mirada del artista, para poner en evidencia la falta de ética moral, la manipulación, la permanencia del pasado, del origen, del recuerdo, la fragilidad, la invisibilidad del espacio emocional. El presente es el tiempo para la enunciación. La obra de arte pertenece al presente, su visión también y la permanencia la posee quien la observa. Arquitecturas visuales temporales que deberán aliarse con la memoria. La fotografía, la imagen videográfica, la instalación, comprimen la realidad y

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reconfiguran el tiempo. El momento no es encontrado sino provocado. El instante visual desaparece al expandirse en una completa narrativa. Siempre ha sido el artista quien ha arrojado su mirada sobre el tiempo. Desde su propia realidad, la que le ha tocado vivir, lanza su mensaje. El tiempo es la constatación de la historia del arte. Su obra es la que se corresponde con un determinado periodo y lo moldea. Es el artífice del pensamiento visual, el que provoca la reflexión. Su lenguaje se diversifica en la expresión personal. Los géneros han muerto y las disciplinas artísticas han visto como se han roto sus parámetros. Como señaló Michel Foucault «La época actual quizá sea, sobre todo, la época del espacio. Estamos en la época de lo simultáneo, estamos en la época de lo próximo, estamos en la época de la yuxtaposición, en la época de lo próximo y lo lejano, de lo uno de lo otro, de lo disperso. Estamos en un momento en que el mundo se experimenta, creo, menos como una gran vida que se desarrolla a través del tiempo cómo una red que une puntos y se entreteje»1.

Nacho Arantegui El alma de la naturaleza Nacho Arantegui es un artista multidisciplinar. Fundador y director de la Asociación TRARUTAN para la creación de proyectos en los que se concitan el arte y la naturaleza. Su trabajo se define en lo que el mismo ha dado en llamar veladas. Experiencias en las que están presentes el canto, la música, la danza, la intervención en el espacio, el recorrido por las instalaciones escultóricas, la performance... Un canto sensorial, poético y reflexivo, en el que interactúa con los espacios naturales. Lugares a los que dota de una especial magia sensorial. Se define como un artista entroncado en la corriente land art, aunque su obra va más allá. Constituye un viaje en el que parece que el tiempo se ha detenido. Es como adentrarse en una dimensión donde la belleza y la espiritualidad son tus compañeras. Todo transcurre dentro de una atmósfera íntima, aunque se participa en una pequeña comunidad. El silencio es el padre y la naturaleza la madre que ofrece generosa el espacio en el que transitar. Un espacio natural en el que la poesía visual activa el pensamiento.

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Desde su infancia, Nacho Arantegui mantiene una relación muy especial con el entorno natural que le rodea. Su obra se basa en el diálogo con la naturaleza, tomado como el espacio que le cobija y le aporta armonía y serenidad. Territorios cercanos ubicados en las Riberas del Ebro: Torres de Berrellén, Sobradiel, Casetas, Alagón o Remolinos, son sus escenarios. El último desarrollado en 2015 y 2016 es La fantasía de la Ribera. Un recorrido de más de dos horas de duración que termina con el conjunto escultórico de La Corona de las Luciérnagas que el propio artista ha descrito de la siguiente manera «Los visitantes rodean la pieza escultórica para contemplarla en plenitud, pueden descubrir los puntos de luz que provienen del interior de la plantas [flor de la cebolla, Allium cepa leaves] parecen brasas que forman una corona, se sostienen por unas esqueléticas estructuras de ramas de [estramonio, Datura stramonium], la forma circular de este conjunto está remarcada por una cenefa de piedras bien conjuntadas. En el interior de la pieza se revela sutilmente una figura humana semienterrada, es misteriosa, atávica». Creaciones que se documentan a través de fotografías y filmaciones. Nacho Arantegui ha obtenido entre otros, el premio al mejor cortometraje de ficción sobre temática medioambiental del Festival español de cine solidario, el premio al mejor documental aragonés en el Festival de cine de Zaragoza o el galardón al mejor cortometraje experimental internacional en el Festival Ícaro de cine en Centroamérica de Guatemala. Nacho ARANTEGUI Conscientia (intervención escultórica) 2012 Troncos de chopo, piedras de sal y aluminio, Ø 650 x 400 Alcalá de Ebro (Zaragoza)


Nacho ARANTEGUI VertexPopulus (intervención escultórica), 2013 Troncos de chopo, pan de oro, poesía de D. Rabanaque en letras de acero corten, 324 m2, Sobradiel (Zaragoza)

Nacho Arantegui, recorre los lugares que tantas veces ha pisado. Descubre la degradación del paso del tiempo y la acción humana. Y rescata el lenguaje que se oculta tras los sonidos de los árboles mientras crea una nueva relación que amarre los lazos olvidados con la naturaleza. Propone experiencias que permitan aflorar los secretos que han quedado escondidos. Su ejercicio parte del acto de caminar y de observar el paisaje. Dos acciones fundamentales en el land art que le permiten profundizar en las mutaciones originadas por el tiempo, pero también las amputaciones con las que el hombre la agrede. Y lograr encontrar la belleza donde otros sólo constatarían desolación y abandono. Para sus esculturas utiliza siempre los materiales que se encuentran en su entorno. Son intervenciones realizadas en el propio medio. Los árboles se transforman en auténticas arquitecturas como en VertexPopulus [2013] que se encuentra en el término de Sobradiel. Una doble espiral compuesta de 404 troncos de chopo cuyas copas están cortadas en ángulo hacia el interior y cubiertas de pan de oro que reciben y despiden los rayos de sol. Además se complementa con una poesía de Daniel Rabanaque que recorre la pieza de extremo a extremo. Otro ejemplo de escultura creada

a partir de materia orgánica es Tótem del fruto rojo [2015] que forma parte del proyecto El Embrujo de las Hayas, que se desarrolló en el bosque del Betato. Pero también esculturas que parten de piedras o bloques de sal. Sus obras son una respuesta a como él vive su relación con el entorno natural. Una evocación que invita a reflexionar sobre la frágil relación del hombre con la naturaleza.

David Latorre El paisaje del olvido El tiempo es la piel que desgarra los lugares hasta dejarlos desnudos de ornamento, pero envueltos en la historia. Cada proyecto conlleva una profunda investigación que define el propio autor «Mi proceso artístico constituye un claro propósito: desarrollar un ejercicio simbiótico con el lugar, abriendo desde la incertidumbre del suceso un vasto y complejo terreno donde las fórmulas documentales y narrativas de la plástica artística rediseñan, mediante lo efímero, las emociones de la arquitectura». Así ocurre en Mise en scène [2007-2009], Casa de Citas y Cía [2010], Escenarios de Conducta [2011], Escenarios de Conducta II [2014] Arquitectura, cuerpo e indumentaria [2016]. Proyectos que se extienden en el tiempo y se concatenan.

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Un conjunto de registros plásticos articulados para manipular a una sociedad que es incapaz de vislumbrar el artificio que prende a su alrededor. Siguiendo este planteamiento, en sus últimas obras trabaja sobre las palabras inscritas sobre distintos soportes, como Le discours officiel de 2016. En el que utiliza un grabado láser sobre un ejemplar de 1970. No importa el soporte sino la capacidad de ver el mundo con el discernimiento crítico.

Mapi Rivera El sentido místico de la luz En Mapi Rivera la trascendencia se trascribe en imágenes. Ella misma describe su obra a partir de distintos parámetros que parten siempre del ser humano, utilizando el cuerpo desnudo como paradigma de pureza del que fluye la luz. Su trabajo visual se inicia siempre desde el interior para lanzar un mensaje que conecta con la necesidad de trascender en el tiempo, como en sus series Sinapsis de 2014 y Mares sin orillas de 2013. La luz es un factor fundamental en su obra y en su pensamiento como queda patente su tesis El sentido luminoso de la luz. Aproximaciones entre Creación y Experiencia Visionaria que la acercaron además al estudio de relatos y experiencias chamánicas y místicas, en los que aparecen testimonios de visiones que describen esa luz que parte del interior. Un lento proceso de creación que desarrolla a partir de vivencias personales y que ha ido materializando en un procedimiento sustentado por escritos, poemas, dibujos, fotografías y videos. Una mirada interna proyectada a través de imágenes que tienen un contenido vernáculo universal. La necesidad del hombre de trascender, de romper la dimensión del tiempo. Un lenguaje visual que aborda conceptos tan abstractos pero al mismo tiempo tan relevantes

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como la eternidad y que constituyen la consistencia de su mirada. En la obra de Mapi Rivera el espectro interpretativo se abre a múltiples significados como ocurre en Sol de 1998, donde la luz se viste de hilos dorados de afectos e identidades. La esencia, el yo que se transforma en Mariposa [2002] o abre sus brazos A corazón abierto [2000]. El cuerpo como frágil bastión, es el medio para des co ser [2003] emociones que cubren su cuerpo hasta desembarazarse del tejido. Romper los hilos hilvanados para acceder, como una crisálida, al alumbramiento de una nueva claridad. Y tras el descubrimiento, el reconocimiento de la interioridad como principio generador de búsqueda y encuentro, simbolizado en la burbuja –Álitos, 2003–. Ese interior que es el medio para llegar hasta el origen, al vientre de la creación que explorará en Sostenibilidad V, de 2007. Un proyecto compartido con Ramón Casanova

Mapi RIVERA / Ramón CASANOVA / Jorge EGEA Sostenibilidad latente V, 2007 Fotografía, 150 x 150


relámpago que la elevará a otro estadio y retornará transformada. Un cambio que le hace regresar, a la matriz del universo, como escribe la propia artista, para afrontar su proyecto más reciente Amniosis. El origen de la propia existencia. El elemento acuoso, el mar, como germen de la sabiduría. El principio, la vida.

Señor Cifrián [Esther Señor–Carmen Cifrián] La poética de las pequeñas cosas

Mapi RIVERA Sol, 1998 Fotografía, 90 x 120

y Jorge Egea, perteneciente a la colección El agua y la tierra originales. Mapi Rivera es una humanista tanto en la concepción de su trabajo como en la evocación que producen sus imágenes. Sus estudios acerca de la mística sufí, taoísta, chamánica o cristiana, le lleva a leer a autores como Rumí o Hildegarda de Bingen2, entre otros. El cuerpo es la fuente que proyecta la luz identificada con el espíritu, con la fuerza creadora, con la energía cósmica como ocurre con Ialuz de 2004 y posteriormente con ejemplos como Heliosis en 2011. En la primera serie la figura se sitúa en un espacio en blanco, de ámbito ilimitado, para después abrirse a los espacios naturales y convertirse en una fuente que irradia luminosidad. Círculos que proyectan el cuerpo levitándolo sobre escenarios nevados, lagos o a orillas del mar. Es la plenitud que conecta con la espiritualidad como en la serie Mares sin orillas de 2013, realizada durante la residencia de artista Ifitry en Marruecos, en la que la artista rinde homenaje a Ibn Arabi3. Como ella misma escribió «Las iluminaciones de los místicos son como mares sin orillas, océanos de luz sin límites».

Esther Señor y Carmen Cifrián forman un colectivo creado a partir de sus apellidos. Su afinidad de conceptos en la expresión plástica hizo que la relación comenzara ya el primer año de cursar Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia. A partir de 2004 se inicia su trayectoria profesional. Su obra siempre esta marcada por la evocación y la sugerencia con un importante componente de estudio previo al

SEÑOR CIFRIÁN Perenne. Cuello # 1, 2013 Fotografía, 114,5 x 84

En su camino el destello siempre la acompaña. Es una revelación, un recorrido espiritualidad que impregna su obra. En la colección de imágenes Sinapsis de 2014 Mapi Rivera se inspira en el libro El espejo de las almas simples de la mística y beguina4 Margarita Porete. La figura femenina recibe la iluminación por medio del

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Sin olvidar el premio de la Fundación Mainel en 2014 y el premio Ibercaja de Pintura Joven 2015.

SEÑOR CIFRIÁN Dibujo de humo # 76, 2014 Humo sobre papel de algodón, 32 x 27

proyecto. En su trabajo –fotografía, collage, esculturaintervención– es esencial el proceso. Desde la reflexión del contenido, los materiales, los procedimientos, hasta la exhibición. Muchos de sus trabajos se conciben en series, lo que les permite explorar al máximo las posibilidades de los materiales y su minuciosa experimentación. Su reflexión plástica se nutre de lo sencillo para penetrar en la memoria y el tiempo, a través de un lenguaje polisémico. Señor Cifrián ha ido modelando su visión conjunta de la creación. Han obtenido distintas becas para estudiar en Finlandia, Canadá, así como la beca DKV Grand Tour de estancia en Nueva York en 2008, que dio como fruto un diario compuesto de imágenes a base de 115 collages titulado 62 días. Además han obtenido distintos premios como el fotográfico Valencia Crea en 2009 y en 2010 el premio Nuevo Talento FNAC de Fotografía.

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Como se ha señalado anteriormente el proceso creativo es fundamental. La exploración de pequeños objetos cotidianos y sencillos, van reafirmando su trayectoria. Elementos extraídos del mundo vegetal al que otorgan un nuevo significado. La poética y lo onírico son el sustrato de una redefinición, que comenzó en Topiaria y fue articulándose en Perenne. Cuello y Dibujos de Humo, ambas de 2013. Series trabajadas de manera simultánea en las que las artistas se sirven de los pétalos para crear un juego surrealista con un elemento habitual de la vestimenta, como es el cuello de una camisa, en el que esta parte de la vestimenta pierde su función para transformarse en una estrofa de esteticismo. Por su parte en Dibujos de Humo, la elaboración requiere un tratamiento previo de catalogación, prensado y secado de las hojas de un herbario. Como Esther Señor y Carmen Cifrián puntualizan «el proceso de realización consiste en dejar la impronta de estos elementos naturales en un papel de algodón previamente tiznado con el humo de una vela. Una manera de registrar su huella y hacerla perdurar en el tiempo con un material etéreo e inaprensible como el humo». Apresar la luz a través de la impronta de la huella que deja la planta sobre el papel. Un trabajo de matices y delicada belleza que expresa la memoria y el tiempo. Lo efímero construido desde la realidad. Una reflexión que se continúa con el último proyecto iniciado a raíz de la beca en la Casa Velázquez de Madrid en 2014, Damnatio memoriae. Una serie que intercomunica disciplinas: fotografía, instalación, escultura, para transgredir la memoria. El documento de la persistencia. Bajo una capa de parafina se esconde la preservación de los ejemplares botánicos, previamente clasificados y archivados. Un sarcófago de luz, de piel delicadamente protegida por la interrupción secuencial. En su interior el letargo, el tiempo modificado.

Víctor Solanas-Díaz Los pliegues del tiempo Víctor Solanas-Díaz es un guipuzcoano afincado en Zaragoza que ha trazado su trayectoria sobre las premisas espacio-tiempo. El espacio es relativo y flexible como atestigua su trabajo como miembro de


Tape Art Society [1995-2000]. Ha desarrollado proyectos realizados con materiales plásticos y cintas adhesivas que crean nuevas formulaciones visuales sobre espacios bidimensionales. Artista concienzudo y dinámico, bajo un aspecto de arte minimal se esconde una intensa investigación. El soporte es el medio para la expresión. Primero es la idea. La concreción del proyecto y después, tras un proceso de conocimiento y precisión, se verifica la obra. Intuitivo en proceso, meticuloso en realización. Nada escapa a un detenido estudio que se plasma en la realización final. La preparación espacial de la superficie –muro o bastidor– es el campo en el que Víctor Solanas-Díaz ha desarrollado su percepción espacial. Superficies murales, urbanas o lienzos han modificado su estructura geométrica atendiendo a un arte óptico, basado en la verticalidad. Ejemplos de este momento son Best before [20052009] o Vertical thoughts [series] [2009-2012]. La mirada se oblicua en el cinetismo y la tridimensionalidad engaña al ojo. Un trampantojo de irrealidad tejido desde parámetros científicos. Sus intervenciones se desarrollan en el tiempo en espacios patrimoniales o públicos como el Festival Asalto de 2016. Pero el artista va más allá de lo perceptivo. Sus proyectos también constituyen una reflexión sobre la meditación del tiempo, lo conservado, el archivo, lo olvidado y sin embargo presente. Su obra basada en la obra de Thomas Bernhard, afianza la importancia de la compilación, de quien construye códigos que serán examinados para abrir nuevas vías. De ahí surge la exposición Der stimmenimitator, en el palacio de Montemuzo del Ayuntamiento de Zaragoza y la sala Unamuno, ZINK [Espacio Emergente] de Salamanca, ambas en 2014. El título se corresponde con uno de los libros del escritor austriaco, El imitador de voces. Es un canto a la imposibilidad de comunicación como ocurre cuando se trascribe al alfabeto braille, desconocido para la mayoría de la población. Estrategias plásticas

Víctor SOLANAS-DÍAZ Out of Neither (intervención), 2014 Cinta señalizadora sobre hormigón y DM

sobre la complejidad que se abordan desde una perspectiva plástica minimalista. Artista metódico y meticuloso, su obra es un compendio de una intensa investigación en cada proyecto que desarrolla. Su reflexión sobre el tiempo es la idea perimetral que atraviesa sus últimas creaciones. El tiempo es una dimensión inaprensible, que se necesita acotar para verificar su espacio. Ese instante que es necesario documentar para que no distorsione la impresión subjetiva. La inmediatez nos impide percibir el hecho que sólo percibimos cuando ya ha sucedido. Sus instalaciones continúan la línea de investigación archivística pero en este caso tomando como eje, la documentación visual. Víctor SolanasDíaz pone en relación el viaje, el trayecto y el paisaje. Con una medición metódica donde entra en juego un nuevo elemento: el movimiento. Un parámetro que ya estaba presente en su obra op art, pero que ahora adquiere un significado tangible. La imagen fotográfica congela el lugar y lo registra. Como él mismo explica «al considerar el tiempo como elemento vertebrador

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Al mirar una obra de arte hay quien se siente incómodo, ya que colisiona con sus principios estéticos. Mientras que en otros casos sienten una afinidad. Pero la realidad es que el arte cumple una razón social. Una exposición es un espacio que deriva en distintos ámbitos que genera intuiciones y preguntas. No es sólo lo que se representa, sino cómo y de que manera. En La arqueología del saber 5, Michel Foucault realiza una revisión metodológica de las estructuras del conocimiento, estableciendo que el saber está siempre vinculado a su época. No tanto vinculado a la necesidad de conocer las verdades del pasado sino por lo que denomina «masas discursivas» que organiza en series y relaciones. Serían capas arqueológicas que pueblan la memoria. Pero para Foucault cada momento histórico no se define por la acumulación de saberes sino por una reubicación del sistema que las relaciona. Un sistema que confiere a los artistas la capacidad de romper el tiempo a través de la contemporaneidad de su mirada. Víctor SOLANAS-DÍAZ Einfach Kompliziert / Simplemente complicado (instalación), 2014 Papel con inscripción en braille, etiquetas adhesivas y grabación sonora

de todo movimiento, el resultado es una suerte de localización geográfica –geoposicionamiento– de carácter temporal y no espacial, como habitualmente se tiende a plantear. Este posicionamiento, en parte aleatorio, nos invita a reflexionar sobre la complejidad de crear una escala de valores y prioridades cuando no existe una referencia central; todo es difícilmente autentificable en un sistema en movimiento y en permanente cambio».

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1 Foucault, Michel: conferencia pronunciada en el Centre d ‘Études Architecturales el 14 de marzo de 1967. Publicada en Architecture, Mouvement, Continuité, 5 [octubre de 1984]. 2 Hildegarda de Bingen, Hildegarda [Bermersheim, Alemania, 1098 – Bigen, Alemania, 1179]: abadesa mística, compositora y escritora. Desde corta edad tuvo visiones en las que por medio de una gran luz se le representaban imágenes formas y colores. Experiencias que fueron plasmadas en su primer libro Scivias [Conoce los caminos] de 1151. 3 Ibn Arabi: místico sufí nacido en Murcia en 1165 y fallecido en Damasco [Siria] en 1240. 4 Beguinas: comunidades de mujeres espirituales y laicas, entregadas a Dios, pero independientes de la jerarquía eclesiástica y de los hombres, en la Edad Media. Atendían a enfermos y solían practicar la música y la escritura. Fueron precursoras de la poesía mística y en utilizar las lenguas vulgares para sus versos en lugar del latín. 5 Foucault, Michel: L’arqueologie du savoir, Gallimard, París, 1969.

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Nacho Arantegui David Latorre Peyrotau & Sediles Julia Puyo Mapi Rivera Señor Cifrián Víctor Solanas-Díaz


Amniosis Nuestro cuerpo está compuesto de un 70 % de agua, somos seres líquidos contenidos por una aparente consistencia. Estas imágenes son agua sobre agua y burbujas que alientan la vida.

Hay diferentes tipos de sueños, algunos son rastros de vivencias pasadas, otros, más vívidos, irrumpen en nuestra conciencia onírica para transmitirnos algún mensaje oculto, de forma velada o evidente. Estos últimos tienen una textura distinta y un carácter de realidad que los hace perdurar en la vigilia con una fuerza inusitada. Tuve un sueño así, claro y definido, en el que vi un cuenco lleno de agua sobre él que caía una gota con un ritmo constante, continuo e inalterable. Cuando empezaba a despertarme, estando todavía en un estado hipnopómpico, me di cuenta de que, en realidad, ese recipiente de agua era yo misma y la gota que caía era el aliento que me mantenía viva. Sentí que, si bien el recipiente me contenía y diferenciaba, mi esencia era totalmente fluida. Como el cuenco de mi sueño, el amnios es una fina membrana que envuelve y protege al embrión y está lleno de un fluido salino que es muy similar al agua de mar. Este líquido amniótico nutre al feto, permite su movimiento y el desarrollo de sus pulmones. Paradójicamente, es gracias a este fluido que, al nacer, podemos respirar. Con un cuerpo maduro, capaz de respirar, de inspirarse e inflamarse de vida, decido regresar a la matriz primigenia. La palabra inspiración y la palabra espíritu están etimológicamente unidas ya que spiritus quiere decir «soplo» o «aire». En el alfabeto hebreo, las letras tienen cuerpo, alma y espíritu. Su emanación continua es la que crea el Universo. Estas veintidós letras sagradas son fuerzas espirituales que silenciosamente ocultan el secreto de la creación. Para revelar su numinosidad, las pronuncio con mi cuerpo, vivificándolas. Las manifiesto y ellas me dan su aliento, su soplo, su espíritu. A través del éntasis y del éxtasis, vivo una amniosis, regreso al origen donde todo es potencia de vida, un Misterio que bulle y clama por ser conocido, en las profundas aguas abisales.

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Lod, Cuerpo de Origen, 2016 Fotografía y retoque digital. Proyección de luz, 300 x 300

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He, Cuerpo de Revelación, 2016 Fotografía y retoque digital. Proyección de luz, 300 x 300

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Vav, Cuerpo de Canalización, 2016 Fotografía y retoque digital. Proyección de luz, 300 x 300

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Ayin, Cuerpo de Visión, 2016 Fotografía y retoque digital. Proyección de luz, 300 x 300

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Heith, Cuerpo de Contacto, 2016 Fotografía y retoque digital. Proyección de luz, 300 x 300

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Lamed, Cuerpo de Aspiración, 2016 Fotografía y retoque digital. Proyección de luz, 300 x 300

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Mapi Rivera — Huesca, 1976 — www.mapirivera.com

formación Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, amplia estudios en la Universidad Saint Martins de Londres. Obtiene el Diploma de Estudios Avanzados, al cursar el doctorado Arte y Pensamiento. Doctorada en Bellas Artes con la tesis El sentido numinoso de la luz. Aproximaciones entre Creación y Experiencia Visionaria.

exposiciones individuales (selección) 2017 2014 2013 2012 2011 2010 2009 2008 2007 2006 2005 2004 2003 2002 2001 1999 1996

Sinapsis, Fundació Vilacasas-Palau Solterra, Torroella de Montgrí (Girona). Sinderesis, Galería Art Singel, Amsterdam / Galería Spectrum Sotos, Zaragoza. Mares sin orillas, UNED, Calatayud. Mares sin orillas, Galería La Carbonería, Huesca. Desvelar la luz, Festival Teruel Punto Photo. Heliosis, Galería Art Singel, Amsterdam / Sala CAI Luzán, Zaragoza. Fosfanías, Galería Art Centre, Barcelona. Lumen, Galería Art Singel, Amsterdam. La semilla de la imagen, Centro Cultural El Matadero, Huesca. La semilla de la imagen, Espai Zer’01, Olot (Girona) / Mediàteque, Tournefeuille (Toulouse). La sostenibilidad de la imagen, Galería Fernando Latorre, Madrid. El agua y la tierra originales. La sostenibilidad de la imagen, 4º Espacio Cultural, Zaragoza. Un recorrido, Galería Art Singel, Amsterdam. Anuntius, Galería Art Centre, Barcelona / Andorra. El sol i la gasela, L’Espai del Museu d’Art, Girona. Via solis, UNED, Calatayud. Anuntius, Diputación Provincial de Huesca. Estelaciones, Galería Henseleit, Colonia. Elevaciones, Galería Fernando Latorre, Madrid. Ilaluzes, Museo Pablo Serrano, Zaragoza. Pieles de paso, Fundació La Caixa, Lleida. Mapi Rivera, UNED, Barbastro (Huesca). Sol, Casa de la Mujer, Zaragoza. Mapi Rivera, Galería Antonio de Barnola, Barcelona. Metamorfosis, Galería Les Punxes, Barcelona. Mapi Rivera, Diputación General de Aragón, Huesca.

exposiciones colectivas (selección) 2017 La mirada rompe el tiempo, La Lonja, Zaragoza. 2016 Colección de Fotografía Pilar Citoler, Museo Pablo Serrano, Zaragoza. 2015 El bosque interior. Las formas del alma, Casa de la Mujer, Zaragoza. 2013 El eterno femenino. Retratos entre dos siglos, Patio de la Infanta, Zaragoza. 2010 Post. El fin del cuerpo, proponemos terapias, centros culturales de Navarra (itinerante). 2009 Corporea, MUA, Alicante. 2006 Arte expo 08, Pabellón de Zaragoza. Refugien, Galería Schöber, Dortmund. El Camino de Santiago en Aragón, Museo Pablo Serrano, Zaragoza 2005 Relatos, Frauen Museum, Bonn / Kunstbunker Tumulka, Munich. 2004 Becas y ayudas para la formación artística (Fundació Guasch Coranty), CCCB, Barcelona 2004 VI Convocatoria internacional de jóvenes artistas, Galería Luis Adelantado, Valencia. 2003 Generación 2003, Caja Madrid (itinerante). La imagen de la mujer en la plástica española del siglo XX, Museo Pablo Serrano, Zaragoza. Indisciplinados, MARCO, Vigo. 2002 Destacar Esenciales, Paraninfo de la Universidad de Zaragoza. 2000 Alicia no sap el seu rostre, Galería Espais, Girona. 1999 Dime que me quieres, Sala Canal Isabel II, Madrid.

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videografías (selección) 2015 2013 2012 2012 2011 2010 2007 2002 2001

Feminis Arte III, Centro Centro de Cibeles, Madrid. Dejar el cuerpo, La Bacía, Madrid. Inauguración de la Fábrica de Creación Fabra i Coats, Barcelona. ¿En qué estás?, La Casa Encendida, Madrid. YANS & RETO. Young And Not Estupid & Radical Even Though Old, Anthology Film Archives, Nueva York. VI Encuentro Internacional de Arte y Género, Sevilla. Todo cuanto amé formaba parte de ti, Instituto Cervantes, Madrid / Damasco. Casa de las Américas, Madrid. Centro Cultural Conde Duque, Madrid. Ofelia y Ulises, Bienal de Venecia.

Ha participado en varias ediciones de ferias de arte como Estampa (Madrid), Arco (Madrid), New Art (Barcelona), St-Art (Estrasburgo), Art. Fair (Colonia). Ha obtenido veintiuna ayudas diversas entre becas, accésits y premios de la DGA, el IAM, la UNED, de la Fundación Guash Coranty de Barcelona, de la Diputación Provincial de Huesca –Beca Ramón Acín–, y de la Fundación Norte –Beca de Creación Norte–.

obra en colecciones • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •

Fundació Vilacasas, Torroella de Montgrí (Girona) UNED, Calatayud (Zaragoza) Van Eden-Santolaria, Amsterdam CAI Obra Social, Zaragoza Ayuntamiento de Huesca Museo Comarcal de la Garrotxa, Olot (Girona) Ayuntamiento de Tournefeuille (Toulouse) Diputación Provincial de Huesca Frauen Museum, Bonn Universidad de Colonia Bodegas Edra, Huesca Centro de Historias, Zaragoza Rolde de Estudios Aragoneses, Zaragoza Colección Pilar Citoler, Zaragoza Galería Henseleit, Colonia Fundació Guasch Coranty, Barcelona Instituto Aragonés de la Mujer, Zaragoza Museo Pablo Serrano, Zaragoza Casa de la Mujer, Zaragoza UNED, Barbastro (Huesca) Diputación General de Aragón, Zaragoza Ayuntamiento de Huesca Comunidad de Madrid Museo de Pollença (Mallorca) Galería Antonio Barnola, Barcelona Bodegas Enate, Huesca Caja Rural de Huesca Patrimoni, Universitat de Barcelona

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Este catálogo editado con motivo de la exposición

La mirada rompe el tiempo

se acabó de imprimir en los talleres de Tipolínea de Zaragoza el día 16 de enero de 2017

LA MIRADA ROMPE EL TIEMPO. 2017  

Catálogo editado por el Ayuntamiento de Zaragoza con motivo de la exposición "La mirada rompe el tiempo" comisariarada por Desirée Orús. Aut...

LA MIRADA ROMPE EL TIEMPO. 2017  

Catálogo editado por el Ayuntamiento de Zaragoza con motivo de la exposición "La mirada rompe el tiempo" comisariarada por Desirée Orús. Aut...

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