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ORGANIZA

JUEVES 29 AGOSTO 2013

#7 LAURENT CANTET: LA RIQUEZA DE LO HUMANO

DIARIO SANFIC

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CREAMOS ACCESO A LOS ESTRENOS DEL CINE MUNDIAL

ENCUENTRO

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AUTOCINE La ciudad y las palabras


JUEVES 29 AGOSTO 2013

contenidos / 29 AGOSTO 01

LAURENT CANTET

Entrevista a Laurent Cantet 02

EL ALCALDE

Entrevista a Emiliano Altuna 03

DIEGO STAR

Entrevista a Frederick Pelletier 04

GENESIS NIRVANA

Entrevista a Alejandro Lagos 05

LOS DUEÑOS

Entrevista a Agustín Toscano y Ezequiel Radusky 06

COMPETENCIA TALENTO NACIONAL

Entrevista a directores de cortometrajes chilenos

Presidenta Directorio SANFIC María Catalina Saieh

Fundadores SANFIC Carlos Núñez Gabriela Sandoval

Director Artístico Adjunto Jorge Tacla

Directora de Producción Ejecutiva Viviana Bendeck

Director Ejecutivo SANFIC Marcelo Forni

Co-Fundadores SANFIC Jorge Tacla Fundación CorpArtes

Directora de Producción Artística Gabriela Sandoval

Productor de Contenidos y editor diario digital Joel Poblete

Gerente General CorpArtes Jacqueline Plass

Director Artístico Carlos Núñez

Periodistas y redactores Carola Manzo Matías Pérez Joel Poblete Fotografías Andrés Lagos

Diseño Constanza Casas 3


ENTREVISTA Laurent Cantet

El destacado realizador francés, ganador de la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2008 por “Entre los muros”, es sin duda una de las visitas más importantes que han pasado por SANFIC. Su presencia entre nosotros presentando y comentando con los espectadores las películas que integran la retrospectiva “Laurent Cantet: la riqueza de lo humano” y además como protagonista del encuentro con el público de este jueves en Sala Cine UC, quedarán de seguro entre lo más recordado de esta edición del festival. -Hace más de una década, cuando “Recursos humanos” llegó a los cines del mundo, fue muy bien recibida por los críticos y el público, incluyendo nuestra región, con el premio en Bafici. La historia aún es muy real y poderosa, y el contexto social es muy universal, ¿piensa que la situación social que retrató es aún peor hoy con la crisis europea? ¿Cree que la historia y situaciones del film son incluso más potentes hoy? “Sí, por desgracia, el film sigue aún de actualidad. Quizás incluso más que en el momento en que lo hice. La complejidad de lo social es aún mayor en la actualidad, y vemos bien que la supremacía de lo económico sobre lo político es más y más fuerte y que el individuo es cada vez más triturado por la máquina terrible en la que vivimos todos, sea cual sea nuestra nacionalidad. Hoy más que en los años 90, “el ascensor social” está en mal estado, y el determinismo social aún más poderoso y desesperante. Si pude hacer “Recursos humanos” fue ciertamente porque en un inicio, estaba producido por la televisión a través de ARTE, la cadena cultural francoalemana. Que la televisión se interesara en estos temas sociales era considerado como algo normal, pero que el cine se “ensuciara las manos” con la actualidad era algo raro. Me dijeron: “la gente que ha trabajado todo el día no irá en la tarde a pagar para ver una película sobre el trabajo”. El éxito de la película probó lo contrario. La 4

gente tenía la necesidad de ver su mundo, su vida, sus problemas, representados en el cine. La película funciona en dos escenarios: por un lado el mundo del trabajo, por el otro la familia. Es la imbricación de estas dos esferas públicas y privadas lo que ha logrado tocar al público. Es desde siempre una constante en mis películas”. -Es interesante ver sus películas agrupadas en pocos días, porque los críticos y el público puede encontrar algunas conexiones entre los diferentes títulos, incluso si los cinco filmes seleccionados en la retrospectiva de SANFIC son tan diferentes entre sí. Por supuesto su visión de la realidad en Europa permanece como una especie de leitmotiv, pero suponemos que no es algo que haya planeado, sino que es su carrera la que se ha desarrollado así, ¿o no? “Aunque cada historia me impone su forma de ser contada, hay, espero, una coherencia en mis películas, la que puede salir a la luz con una retrospectiva como la que SANFIC me ha concedido el honor de organizar. Pienso que la última frase de “Recursos humanos” resume muy bien lo que tengo siempre en la cabeza cuando cuento una historia. El héroe, Franck, le pregunta a su amigo, pero también al público: “Y tú, ¿dónde está tu lugar?”. Esta pregunta existencial atraviesa todas mis películas, anima a todos mis personajes, desgarrados


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entre la complejidad del mundo y el anhelo de vivir un cierto ideal que aún no alcanzan. Yo pienso también que se puede reconocer de película en película una misma mirada sobre el mundo. Yo no soy lo que podríamos decir propiamente un militante, pero me siento implicado en lo que pasa alrededor mío. Y mi modo de militar, es mostrando el mundo con una precisión que deseo sea siempre la más grande, y siempre empatizando con mis personajes, a los que siempre rehuso juzgar, ya que los observo como podría hacerlo un sociólogo, con las relaciones complicadas que tienen con la sociedad, con la política, consigo mismos y con los demás. Seguramente es por eso que me gusta filmar grupos, y la relación del individuo con ese grupo. Y además, hay también una coherencia en la forma de proyectar la puesta en escena: siempre busco favorecer a los personajes, aunque sea en detrimento de la precisión del guión. De todas formas, encuentro que los guiones que he escrito son siempre demasiado lógicos, demasiado precisos, más lógicos y precisos que la vida misma. Lo que me interesa en un ser humano son sus incoherencias, sus contradicciones, sus giros inesperados. Intento restituirlo cuando pienso una historia. Y espero que se sienta también en la pantalla, la libertad y el

placer que busco experimentando cuando filmo. Libertad en el guión, que no es para mí una etapa demasiado provisoria, libertad que quiero dejar a los actores delante de la cámara, recurriendo a menudo a la improvisación, trabajando sobre todo con los actores no profesionales que descubren al mismo tiempo cómo se fabrica un film y tienen evidentemente un placer aún mayor. Y además, después de “Entre los muros”, está la utilización de varias cámaras que permiten privilegiar la energía más que instalar un rigor que puedo encontrar admirable en ciertos filmes pero que no me corresponde a mí. Todo esto no responde a una visión preconcebida del cine, sino que se me impone, es mi mirada”. -Aunque a menudo ha trabajado con actores no profesionales, también ha contado con intérpretes tan experimentados como Charlotte Rampling, en “Bienvenidas al paraíso”. ¿Cómo fue trabajar con ella y dirigirla? “Trabajar con Charlotte fue un placer enorme, y una gran lección. Es ciertamente la actriz más simple con la que he tenido la oportunidad de trabajar, como si no tuviera nada más que probar, y sólo estuviera ahí por la película. Y además tiene esa precisión formidable, esa

Bienvenidas al paraíso, 2005 5


técnica notable, y una inteligencia sobre las situaciones y personajes que me ayudó mucho a ver más claramente el proyecto. Pero todo eso no sería nada sin su inmensa generosidad. Ella, y también Karen Young y Louise Portal, se encontraron en una situación inédita para cada una de ellas. Tenían que actuar junto a actores no profesionales. Ménoty Cesar, por ejemplo, era un joven haitiano que encontré en Puerto Príncipe y que no había jamás imaginado que podría encontrarse delante de una cámara. Charlotte evidentemente lo impresionó mucho, pero ella hizo todo lo posible por ayudarlo, para sostenerlo. Y también ella tuvo que adaptarse a una forma de trabajar que no era habitual para ella. Y de golpe, tuve la impresión que actúa un poco diferentemente. Cuando se trabaja con no profesionales, una buena dosis de imprevistos puede surgir (es lo que siempre busco en rodajes como estos) y las actrices tenían que escuchar con más precisión de lo habitual lo que decían sus coprotagonistas, para reaccionar a lo que surge “accidentalmente”. Siento esa atención y esa ternura en la película. Esa mezcla ayuda a todo el mundo: profesionaliza a los no profesionales y desprofesionaliza a los profesionales”. -A priori había mucha curiosidad por “Foxfire”, tratándose de una película suya en inglés, basada en una novela estadounidense y ambientada en un contexto y realidad de ese país. ¿Qué le atrajo de la novela, y por qué no decidió tratar de ambientarla en Francia? Además es una película que transcurre en un pasado incluso anterior al de “Bienvenidas al paraíso”, su otro film que no sucedía en una realidad actual... “Si quise adaptar la novela de Joyce Carol Oates, es porque tuve un verdadero golpe al corazón al leerla, tanto así que de inmediato “vi” la película formarse en mi cabeza, y eso no me pasa a menudo. Encuentro que en este libro están todos los grandes temas que me gusta tratar en mis películas: la resistencia, la opresión, la constitución de una conciencia, tanto política como existencial, la necesidad de un ideal tan a menudo destruido por la realidad social en la que evolucionamos. Por cosas de producción, en un primer momento, intenté trasladar la acción del guión a Francia, pero la historia era demasiado americana como para continuar en un contexto europeo. También intenté ambientarla en la actualidad, pero de nuevo, me faltaban las imágenes que habían nacido cuando leí el libro. Mi intención era permanecer lo más fiel posible a la novela que tanto me había gustado. Y además, tenía el deseo de verificar que 6

Foxfire, 2012

el método de trabajo que había puesto a punto filmando “Entre los muros” podía adaptarse a una película que parecía menos indicada para tratar estos temas. Las películas de época han creado sus propias convenciones, una relación con la época que se ha convertido en fetichista. Principalmente cuando se trata de los años 50 en Estados Unidos, que es un período mítico para los americanos, y que el cine ha contribuido enormemente a mitificar. El Estados Unidos que me interesa, es el de las luchas, los movimientos sociales, del movimiento por los derechos civiles, del pacifismo, es el Estados Unidos de la radicalidad. Una América que hemos olvidado a menudo y de la que los propios estadounidenses no parecen tener necesidad de hablar demasiado. Además, quería intentar filmar los años 50


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estadounidenses en el presente, con la misma libertad que la que he tenido en mis películas precedentes. No estar aprisionado por los códigos, ni filmar los decorados por sí mismos, sino como un contexto que quería fuera lo más cotidiano posible. Sin tener necesidad de probar en cada plano lo bien que habíamos trabajado, que todos los detalles estaban bien ahí, que cada objeto o cada palabra eran realmente “period”, como dicen los de habla inglesa. Para mí, esta libertad tenía un sentido: me parece que esta historia, aunque situada en el pasado, es demasiado moderna, y me interesaba crear un puente entre las dos épocas, no fijar los diálogos en una historicidad demasiado marcada. Las muchachas de Foxfire, en la actualidad, podrían ser miembros de las “Femens” o los indignados. El slogan que escriben sobre las vitrinas “Dólar=mierda=muerte” es terriblemente de actualidad, la violencia contra las mujeres es lamentablemente aún muy fuerte en la actualidad, el desprecio por los más desposeídos cada vez más indignante. Tengo la impresión que los adolescentes de hoy pueden reconocerse en el retrato que trazo de esta generación. Y además, el libro me propuso una trama dramáticamente poderosa, que me ha permitido “disimular” el sentido. Todos los aspectos más políticos que a menudo son leídos entre líneas, como un subtexto, son para mí los más importantes. No tengo el anhelo de lanzar grandes ideas, sino siempre de hacer ver cómo se vive lo político íntimamente, en primera persona. Lo que me interesa es una vez más el individuo enfrentado con el mundo, los arreglos que cada uno hace con lo real para encontrar su lugar, los errores que se cometen en el nombre de un ideal... ¡la vida, finalmente!” -Nos gustaría saber su opinión sobre el cine actual, ¿hay algunos cineastas de Francia y el resto del mundo que realmente le gusten y admire? “Aunque no creo que hay un modelo único, o un padre del cine, reconozco no pocos realizadores cuya fuerte influencia me ha ayudado y me sigue ayudando. En particular Rossellini, de quien podría hacer mía la frase “yo no demuestro, yo muestro”. En la actualidad tengo la impresión que el cine, enfrentado a un mundo cada vez más duro, se interesa más y más en lo social. Hoy en día, el cine me interesa por su diversidad y me inquieta que esta diversidad sea puesta en peligro por una “industrialización” cada vez más grande de la producción. Cada vez hay más películas, lo que podría ser formidable, pero menos espacio para mostrarlas y hacerlas vivir. Asistimos sobre todo a una concentración

“Aunque cada historia me impone su forma de ser contada, hay, espero, una coherencia en mis películas, la que puede salir a la luz con una retrospectiva como la que SANFIC me ha concedido el honor de organizar. Pienso que la última frase de “Recursos humanos” resume muy bien lo que tengo siempre en la cabeza cuando cuento una historia. El héroe, Franck, le pregunta a su amigo, pero también al público: “Y tú, ¿dónde está tu lugar?”. Esta pregunta existencial atraviesa todas mis películas, anima a todos mis personajes, desgarrados entre la complejidad del mundo y el anhelo de vivir un cierto ideal que aún no alcanzan” de medios y de pantallas (en Francia, hace unos meses, tres cuartos de las 5.600 pantallas del país estaban monopolizadas por los 3 filmes más taquilleros). Cada vez será más difícil producir películas que no respondan a las “necesidades del mercado”. Cada vez será necesaria más imaginación y tenacidad para continuar haciendo películas. Y será aún más difícil y duro para los jóvenes cineastas que quieren hacer sus primeros largometrajes. Existe una energía increíble en lo que viene, y esta misma energía permite la calidad de las películas que veo en este momento. Y es también esta energía la que siento en las películas sudamericanas que puedo ver en París. Pienso entre otras en la película argentina “El estudiante”, de Santiago Mitre, a la que ubicaría entre mis preferidas del año pasado, y en la que siento que el combate librado para lograr filmar está presente en la pantalla y le da forma a la puesta en escena”. 7


El empleo del tiempo, 2001

-¿Qué le ha parecido visitar Chile y tener acá una retrospectiva de sus películas? Antes se han exhibido comercialmente tres de sus películas, pero por ejemplo es la primera vez que “El empleo del tiempo” se muestra en cine y además se estrenará entre nosotros “Foxfire”. Es interesante cuando en un festival se pueden ver juntos varios filmes del mismo director, es una buena forma de apreciar su cine... “Es la primera vez que vengo a Chile, y lo hice con muchísimo gusto. Sé que mis películas han sido distribuidas, y han tenido una buena recepción. Encontrarse con un público nuevo es siempre apasionante. Comprender cómo una película ha sido recibida y comprendida... esta circulación de obras e ideas es para mí el lado bueno de la globalización. Además estoy muy contento de que “El empleo del tiempo” sea mostrado por primera vez en pantalla grande, ya que es ciertamente la película con la que me siento más conectado, por la cual tengo un cariño particular. Y este tipo de retrospectiva pone en evidencia las correspondencias y coherencia entre un trabajo, cada film iluminando al otro, los personajes respondiéndose de una película a otra. 8

Agradezco una vez más al festival por haber organizado esta retrospectiva”. -Uno de los logros de “Entre los muros” es que incluso aunque la historia transcurre en un lugar y contexto muy definidos en Francia, el público de otros países puede sentirlo tan universal. Por ejemplo, acá en Chile en muchos aspectos la realidad es muy diferente de la francesa, pero finalmente podemos reconocer muchas cosas de la situación chilena... Como usted sabrá, acá la educación ha sido un tema muy difícil y delicado durante los últimos años... Más de cinco años después del estreno y la Palma de Oro y la nominación al Oscar, ¿cómo es su relación con la película y con la recepción que tuvo en el mundo? ¿La gente aún le pregunta por ella? ¿sigue en contacto con sus jóvenes actores? ¿pensó alguna vez antes del rodaje, que se convertiría en un film tan recordado para el público y para su propia carrera? “He viajado mucho con “Entre los muros”, la he presentado a públicos de todos los continentes, y me ha sorprendido la forma en que ha sido recibida. Sin duda parece que en todos los países lo que está en juego en la educación es para mí lo más importante porque la


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escuela es el lugar donde se forman los ciudadanos de mañana. Las preguntas de los adolescentes son un poco las mismas para todos: cómo existir en un mundo que no te necesita, que te estigmatiza la mayor parte del tiempo. La globalización desemboca finalmente en que se uniformen los cuestionamientos. Pero, incluso a riesgo de repetirme, pienso que lo que hace a esta película válida para un público tan diverso, es la atención que le prestamos a cada uno de los protagonistas, a quienes el film les da el tiempo de existir en toda su complejidad y humanidad. Si me pregunta si yo pude intuir el éxito que tendría la película, no, para nada. Comencé esta aventura de manera muy experimental: antes de escribir la trama o el guión, organicé en un colegio parisino unos talleres de improvisación, cada miércoles en la tarde, sin saber si de todo eso saldría una película. Y después de algunos meses de trabajo, sentí que las cosas avanzaban hacia una película extraña, de la que no comprendí la forma hasta el momento mismo del rodaje. Tomé el riesgo de improvisación, para trabajar más sobre la energía que la riqueza de los diálogos. Más que en todos mis

otros filmes, este fue pensado como una apuesta. De lo que estoy más orgulloso es ciertamente del casting, de lo ajustado que está cada uno de los actores. Pero también de la forma en que trabajamos todos juntos. Tengo la impresión que la integralidad del trabajo, desde la escritura hasta el montaje, no fue sino una sucesión de momentos de gracia. Y además tenía a los actores, el placer que esta experiencia ha representado para ellos. Placer en el proceso de realización, pero también después, cuando la película recibió la Palma de Oro. Estos niños habitualmente apuntados con el dedo, estos jóvenes a los que tratamos fácilmente como idiotas apenas capaces de jugar con sus videojuegos, estos adolescentes de los que toda la sociedad tiene un poco de miedo, vieron reconocidos su trabajo y su talento. Esto ha sido demasiado importante en sus vidas, estoy seguro. Y después, viéndolos esa tarde sobre el escenario del Palais du Festival, retransmitidos por los televisores del mundo entero, tuve la impresión de que daban una imagen de la Francia multicultural que me encantaría ver más a menudo”.

Entre los muros, 2008 9


ENTREVISTA Emiliano Altuna, director de “El alcalde” (México, co-dirigida por Diego E. Osorno y Carlos Rossini)

-¿Cuándo surge la idea de realizar este documental? “En lo personal, soy un gran lector de prensa, todas mis películas tienen su origen en noticias que leo en la prensa. Y las crónicas, esos reportajes de largo aliento, con más profundidad y matices que una simple noticia en un periódico, son una fuente de inspiración constante para el trabajo que hago. Después de leer la crónica de Diego Enrique Osorno para la revista Gatopardo, supimos inmediatamente que Mauricio Fernández era el personaje ideal para contar, desde el poder, la situación salvajemente violenta que México estaba atravesando. A los mexicanos sólo nos llegaba información de un recuento diario de víctimas, de escenificaciones cada vez más macabras de las matanzas provocadas por “la guerra contra el narco” que el entonces presidente Calderón declara en aras de legitimar un gobierno que llegó al poder muy debilitado. Entonces hablamos con Diego, le explicamos la película que pretendíamos hacer, nos caímos bien y le propusimos que se subiera al barco”. -¿Qué punto de vista quisieron darle a Mauricio Fernández? “Mauricio es un político atípico en varios aspectos. En primer lugar habla sin tapujos, sin freno... de cualquier tema que uno le plantee, por más polémico que éste 10

sea: legalización de drogas, creación de un “grupo rudo” para combatir el crimen organizado en su municipio, participación del ejército mexicano en la matanza y desaparición de cuerpos de “delincuentes”, etc.. No hay que olvidar que su primera declaración como alcalde electo es decir: “me voy a tomar atribuciones que no me da la constitución”. Además teníamos claro que queríamos contar esta historia desde el poder, de alguien que toda la vida ha tenido poder y sabe cómo ejercerlo. Y ese tipo de personas son inaccesibles o te ponen una serie de restricciones para dejarse grabar, y Mauricio Fernández no puso ninguna condición. Si a esto le sumamos que pertenece al grupo de familias más poderosas de México, con una historia personal llena de excentricidades que lo convertían en un personaje con el que cualquier documentalista quisiera trabajar”. -Durante el documental se hace presente el concepto de justicia. ¿Bajo qué perspectiva se desarrolla tal temática? “Un México en el que prevalece la impunidad, la falta de justicia, la falta de oportunidades y educación para los jóvenes. Un Estado de no derecho, dónde no se pueden garantizar unas mínimas condiciones de justicia y seguridad busca soluciones extremas como Mauricio Fernández. El vacío del estado lo ocupan “grupos rudos”


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-¿Cuándo surge la idea de realizar este documental? “En lo personal, soy un gran lector de prensa, todas mis películas tienen su origen en noticias que leo en la prensa. Y las crónicas, esos reportajes de largo aliento, con más profundidad y matices que una simple noticia en un periódico, son una fuente de inspiración constante para el trabajo que hago. Después de leer la crónica de Diego Enrique Osorno para la revista Gatopardo, supimos inmediatamente que Mauricio Fernández era el personaje ideal para contar, desde el poder, la situación salvajemente violenta que México estaba atravesando. A los mexicanos sólo nos llegaba información de un recuento diario de víctimas, de escenificaciones cada vez más macabras de las matanzas provocadas por “la guerra contra el narco” que el entonces presidente Calderón declara en aras de legitimar un gobierno que llegó al poder muy debilitado. Entonces hablamos con Diego, le explicamos la película que pretendíamos hacer, nos caímos bien y le propusimos que se subiera al barco”.

Fernández? “Mauricio es un político atípico en varios aspectos. En primer lugar habla sin tapujos, sin freno... de cualquier tema que uno le plantee, por más polémico que éste sea: legalización de drogas, creación de un “grupo rudo” para combatir el crimen organizado en su municipio, participación del ejército mexicano en la matanza y desaparición de cuerpos de “delincuentes”, etc.. No hay que olvidar que su primera declaración como alcalde electo es decir: “me voy a tomar atribuciones que no me da la constitución”. Además teníamos claro que queríamos contar esta historia desde el poder, de alguien que toda la vida ha tenido poder y sabe cómo ejercerlo. Y ese tipo de personas son inaccesibles o te ponen una serie de restricciones para dejarse grabar, y Mauricio Fernández no puso ninguna condición. Si a esto le sumamos que pertenece al grupo de familias más poderosas de México, con una historia personal llena de excentricidades que lo convertían en un personaje con el que cualquier documentalista quisiera trabajar”.

-¿Qué punto de vista quisieron darle a Mauricio -Durante el documental se hace presente el concepto de justicia. ¿Bajo qué perspectiva se desarrolla tal temática?

Emiliano Altuna, Argentina

Carlos Rossini, Argentina

Diego Osorno, México 11


ENTREVISTA Alejandro Lagos, director de “Génesis Nirvana”

COMPETENCIA DE CINE CHILENO -¿Cuál es la propuesta audiovisual que se ideó para la cámara casera que lleva consigo la protagonista? ¿Por qué se tomo esa decisión? “El uso de la cámara casera se empleó principalmente porque buscaba contar una historia donde la sensación de realidad fuera absoluta”.

realización de la película. Creo en el cine como medio de entretención, de expresión cultural, etc., pero también como un espacio para decir cosas y reclamar otras. En Chile, vemos todos los días casos similares al que expone “Génesis Nirvana” y en donde la injusticia es protagonista y eso había que reclamarlo”.

-”Nadie me ayudó, nadie me escuchó, es la única forma que me queda de hacer justicia… a través de mis propias manos… y por eso lo grabo… para que todos sepan que la justicia en este país, es una mierda”, son las palabras de Patricia Lucía. ¿Cuáles son los aspectos más humanos de ella? ¿Cómo se desarrolla el concepto de justicia durante la cinta? “Patricia Lucía es una mujer común y corriente que responde a emociones como cualquiera de nosotros. Es una mujer que amaba a su hija, que amaba a su marido, que llora y que es sensible a las experiencias de la vida. Es una mujer universalmente reconocible con aspectos humanos similares a todos nosotros y se construyó de esa manera porque buscaba que existiera una identificación plena con el público. El tema de la justicia ha sido el motivo de

-Este es tu primer largometraje después de realizar trabajos en la asistencia de dirección de series de televisión y películas como “De jueves a domingo”. ¿Cómo fue la experiencia de dirigir tu ópera prima? ¿Qué aprendizajes de los trabajos anteriores te aportaron en esta nueva etapa? “Siempre quise hacer una película, por eso estoy en esto. Me encanta filmar y contar historias, por lo que llegar a la meta con mi primer largometraje me llena de alegría y ganas de hacer otro. Con respecto a mi experiencia anterior, sin duda cada uno de los proyectos en los que me involucré me sirvieron y ayudaron a llegar mejor preparado a enfrentar esta película. Lo digo porque el sobrellevar una empresa como lo es una película es difícil y no sólo se trata de dirigir actores y escribir un guión, sino de dirigir una maquinaria gigante que requiere mucho trabajo, estudio y dedicación”.

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-¿Qué posibilidades te brinda la dirección? ¿Qué es lo que te gusta del cine? “La dirección te brinda la posibilidad de tener el control absoluto de lo que estás haciendo y eso es muy cómodo y entretenido. El cine me gusta verlo y sobre todo hacerlo. Así de simple”. -La música fue compuesta por Pablo Ilabaca de Chancho en Piedra. ¿Cómo fue el trabajo que realizaron? “Pablo Ilabaca se llama. Y trabajar con él fue maravilloso. Es un tipo muy instruido y apasionado por el cine, por lo que era perfecto aliarse con él. Entramos en buena onda y dejamos que esa onda creciera. Lo demás: trabajo, dedicación y no descansar hasta estar conforme con el resultado”. -¿Por qué decidiste que Mariana Loyola protagonizara la película? “Porque es una actriz completísima y siempre fue ella mi protagonista. A Mariana le propuse una historia que ella aceptó y después de eso me puse a escribir. Prefiero, sin duda, escribir para un actor, más que tener una historia y revisar después quién puede interpretar ese papel”.

Alejandro Lagos, Chile

“Génesis Nirvana” se exhibe en Cine Hoyts Parque Arauco, este jueves 29 a las 18:30.

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ENTREVISTA Frédérick Pelletier,

al director de “Diego Star” (Canadá)

COMPETENCIA INTERNACIONAL -¿Qué te motivó a filmar esta historia?¿Qué deseabas contar con ella? “Crecí cerca del río Saint-Lawrence en Québec. Mi abuelo era marinero y recuerdo, cuando yo era un niño, que él regresaba de muy lejos con regalos y contando historias, o que me hacía pensar que su vida estaba llena de aventuras, muy romántica –¡como el Corto Maltese de Hugo Pratt! Años más tarde estuve trabajando en un documental en un astillero (el mismo en que grabamos “Diego Star”, en Lévis, Québec). Descubrí entonces que todas esas ideas sobre “el hombre libre en el mar” eran puras fantasías. Los marineros tienen una vida difícil, muchos de ellos viven en las peores condiciones que uno podría imaginar: trabajo mal remunerado a bordo de barcos destruidos, en penosas condiciones sanitarias, pasando la mayor parte del tiempo lejos de sus familias, viviendo sobre un territorio sin derechos humanos que es mar adentro. Hay un punto en la película en que Traoré dice “ser un marinero es como estar en la cárcel, excepto porque te pagan... ¡La mayoría de las veces!” Esta es una frase de un marinero que conocí. ¡Es terrible! Bueno, también tengo que decir que tengo una fuerte empatía con esos trabajadores migrantes que viven al margen de la economía moderna globalizada. Para contar un poco sobre sus historias, para exponer sus vidas, para recordarles a 14

todos los niños ricos de Canadá que hay un costo humano en comprar cosas baratas hechas en China… Es de ahí que nace el deseo de contar esta historia”. -¿Qué características definen a Traoré? “Traoré es un buen hombre, en el sentido clásico. No es un héroe, pero sí es alguien que sabe qué es lo que está bien y está mal. Tiene una cualidad que muchos hombres han perdido: el sentido del deber –no totalmente en el sentido militar, pero sí en el noble sentido de su expresión: él es pensativo y se preocupa de los otros. Como un experimentado marinero, su primer instinto cuando sucede la tragedia a bordo del Diego Star es cerrar la boca y obedecer al capitán. Pero después afirma, conversando con sus compañeros, que él no puede vivir con miedo de perderlo todo, porque no tiene nada. Para algunos entendidos Traoré claramente sabe que para él esta es una batalla perdida, que es claramente un suicidio, un sacrificio para que los otros marineros puedan tenerla más fácil”. -¿Cómo fue la experiencia de tu primera película? “Básicamente, un deseo profundo por querer hacer otra película – ¡Y rápido! No sólo porque realmente gozo realizándolo, sino además para arreglar todas las cosas que


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no tuve tiempo de llevar a cabo. Soy un principiante y dirigir películas es como casi cualquier actividad humana – escribir, dibujar o jugar fútbol- mientras más lo practiques serás mejor. Tengo la suficiente suerte de tener una película que viaja bastante – e ir con ella cuando me es posible-, así que espero realizar otra con un financiamiento más decente. Pero de nuevo, ¡nada está garantizado!” -¿Qué es lo especial que surge en la relación entre Traoré y Fanny? “Creo que la mayoría de los espectadores que ven “Diego Star” esperan una historia de amor entre Traoré y Fanny. Pero en realidad la relación de ambos trata más de la solidaridad como un valor humano básico. Y también es acerca de los límites de esa solidaridad instalada en un ciego sistema económico. Vivimos en tiempos en que hay una certera idea sobre el Darwinismo Social, el que no sólo es aceptado sino además es celebrado como un camino al éxito – yo personalmente creo que es una regresión al abismo de la oscuridad”.

-¿Cómo se desarrolla el concepto de justicia en la película? “Es un enorme ensayo y, francamente, no sé realmente qué decir… Las palabras de Albert Camus me vienen a la mente “¿Qué prefieres, el que desea privarte del pan en el nombre de la libertad o el que prefiere quitarte tu libertad para asegurarte tu pan?”. En su búsqueda por justicia, Traoré tiene está dualidad muy elocuente, recordándonos que “el hábito de la desesperación es peor que la desesperación misma”, y finalmente que “la verdadera desesperación no nace de una obstinada adversidad, ni tampoco de una exhaustiva lucha desigual”. Él viene sin saber la razón por la que luchar pero, en efecto, debemos luchar”. “Diego Star” se exhibe en Cine Hoyts Parque Arauco, este jueves 29 a las 16:30.

Frédérick Pelletier, Canadá 15


ENTREVISTA Agustín Toscano y Ezequiel Radusky, directores de “Los dueños” (Argentina)

COMPETENCIA INTERNACIONAL -Además de destacar en el campo musical, Rosario Bléfari se ha lucido en películas tan emblemáticas del cine argentino como “Silvia Prieto”, o incluso en el cine chileno, con “Verano”. ¿Por qué optaron por contar con ella como protagonista? ¿Cómo fue el trabajo en conjunto para desarrollar su personaje? “Conocíamos a Rosario por su música y por “Silvia Prieto”. En una oportunidad, un colega nuestro la invitó a tocar a Tucumán y nosotros colaboramos en la producción del evento. Y ahí la conocimos en persona. Y nos encantó como persona, en el cotidiano de las charlas. De alguna manera así es como realizamos el casting, o los casting en general, dando prioridad a la persona al natural. Pero no fue ahí cuando decidimos convocarla. La película estaba escrita para una actriz tucumana y de hecho, Pía, el personaje que interpreta Rosario, era tucumana. Pero la actriz tucumana se bajó antes de presentarnos al concurso de ópera prima del INCAA. Entonces le enviamos el guión a Rosario, que quedó encantada de primer momento y nunca dudó en esperar lo que fuera necesario para hacerla. La fuimos dirigiendo muy de a poco, adaptamos el guión para que Pía sea de Buenos Aires así tenga que modificar su manera natural de hablar y ella propuso componer una mujer de clase alta, según su punto de vista. Luego de muchas charlas sobre el guión, 16

pero sobre todo sobre la historia y la pre historia de Pía y su familia, en uno de los ensayos más cercanos al rodaje, nos presentó su versión de Pía y fue perfecta de primera. Por supuesto que la fuimos moldeando durante los ensayos posteriores, y de hecho, ella nos pedía que le marquemos todo, cosa que fue muy interesante para el armado del personaje. Pía es un personaje muy complejo, casi no genera empatía, pero al mismo tiempo uno quiere seguir viendo qué hace, y sobre todo qué hará”. -¿El contexto social que muestran en la película es en verdad muy reconocible en la sociedad tucumana? ¿es de todos modos algo que también se desarrolla de esa manera en otras provincias argentinas, o creen que por distintos elementos se ha dado así particularmente en Tucumán? “El contexto social es muy tucumano, pero también es muy norteño, y creernos que en realidad es universal, en cuanto al modo de relacionarse los patrones con los peones, los dueños y los trabajadores. Sólo que habrá lugares que ya no ocurre así y otros en los que sí. Pero sobre todo nos interesa la mezcla que hay en Tucumán. Tal vez por ser una provincia muy pequeña, en donde la gente de clase alta casi delega la crianza de sus hijos a gente de clase baja. Esto genera una línea que divide, pero que siempre se


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desdibuja. Hay lugares en donde las diferencias sociales son mucho más marcadas, sobre todo en la capital, pero así y todo, la relación de clases que trabaja “Los dueños” hace efecto, por momentos causa rechazó y por momentos identifica. La diferencia de clases está y estará presente en el inconsciente colectivo por siempre. Es algo inevitable, pues al parecer, no hay intenciones muy reales por parte de las clases altas de terminar con esto; lamentablemente son ellos los que podrían instrumentar las medidas necesarias para igualar un poco más las condiciones de vida de todas las personas. “Quién les va a cuidar mejor que nosotros la casa a estos basura” le dice Rubén a Alicia. “Anda, deciles, vas a ver la patada en el hoyo que te van a dar”. Es en esta discusión en donde de alguna manera se resume el nervio de la película. Es ahí la gran verdad”. -¿Hay referentes cinematográficos que los hayan inspirado o dado ideas para este primer largometraje? “Buñuel es, creemos, el referente más grande del cine en español, y su contribución a nuestra película es notoria. En principio sentimos que esta historia estaba familiarizada

con su film “Diario de una camarera”, con el que tiene una familiaridad temática y estilística, pero “Viridiana” está también sobrevolando “Los dueños”, y nos sirvió mucho volver a verla. Otro referente de esta película fue Fassbinder, y sus melodramas de los años 70, cargados de sexo y deseos no correspondidos. Principalmente estudiamos uno de sus filmes más pequeños, “Ruleta china”. Pero muchas de las mujeres protagonistas de sus otras películas sirvieron de inspiración para componer nuestra protagonista Pía (Petra, Lola, María Braun, etc.)” --¿Ha sido demasiado distinto el trabajo actoral de sus orígenes teatrales con lo que han pedido a sus intérpretes en la película? “Poco antes del rodaje asumimos una postura, hacer en la película lo mismo que hacemos con los actores cuando dirigimos teatro. O sea meternos mucho en la escena, ensayarla hasta amarla, discutir todas las ideas, dar espacio de opinión a todos los presentes en el set, hasta generar un ámbito de confianza para todos los que componen nuestro equipo. Esto implica una forma diferente de usar el tiempo,

Agustín Toscano y Ezequiel Radusky, Argentina 17


que no siempre resulta económica (cualidad que suele buscarse en la producción de películas) pero que a nosotros nos conviene, ya que sabemos trabajar con nuestros actores, y cuando podemos tomarnos tiempo de ensayo con ellos durante el rodaje logramos profundizar en nuestra búsqueda estilística singular. Nuestro equipo técnico aprendió a esperarnos y a disfrutar del progreso de los actores, al final de cuentas todos trabajamos para que a los actores se los vea creíbles, y ellos siendo verosímiles y orgánicos logran que la historia de la película tenga conexión con el público. Para el espectador el actor es el embajador de una película. Si el cine fuera una comida el actor sería el sabor, el director sería su olor y el equipo técnico sería todo lo demás, textura, color, temperatura, además de ser el recipiente que la contiene y la presenta. Como directores nos propusimos transformar a nuestro equipo de trabajo en una familia”. -Aunque sólo podría ser un dato anecdótico, no es menor que este sea el primer largometraje en 30 años en filmarse en su provincia natal. ¿Esperan que la buena recepción en Cannes y los festivales posteriores puedan ayudar a que comiencen a desarrollarse más trabajos audiovisuales en Tucumán? Y en ese sentido, recordando que en los últimos años también se ha visto -al menos desde fuera de Argentina- más movimiento en el cine cordobés, ¿creen que el indudable predominio porteño en el cine argentino podría a futuro ir cediendo más espacio a otras realidades del país? “Sin duda el cine del resto de las provincias argentinas debe surgir. Es un deber. Pero esto requiere mucho trabajo y una gran apertura. El regionalismo por sí mismo no sirve para nada. Para que una película pueda recorrer el mundo tiene que cumplir con una determinada cantidad de aspectos técnicos indispensables. Y en este sentido, en general, en la provincia de Tucumán aún no hay ni equipos ni técnicos preparados para esto. Y no está mal. Es natural, pues hace muy poco que se puede estudiar cine en la provincia, lo que significa que para los tucumanos el cine es algo “nuevo”. La idea es que las películas se hagan con los técnicos necesarios para cada proyecto y que los tucumanos que participen se formen en el oficio. Nosotros llegamos así. Así fue el trato con cada uno de nuestros técnicos, desde el más joven hasta el más experimentado. Aprendimos a hacer películas con ellos. Y todavía nos queda mucho por aprender. Lo importante es la idea, la historia. Eso es lo que seduce a los técnicos a trabajar y eso será lo que enganchará a los espectadores. El cine porteño seguirá siendo como es y se seguirá haciendo, y está muy bien. Es tarea de nosotros posicionar al cine tucumano dentro del panorama nacional e internacional. Y para esto nos tenemos que asociar con 18

quien sea necesario. La posibilidad de estar en Cannes sin duda abrió muchas puertas, pero sobre todo nos confirmó una idea que ya teníamos: el cine es cosmopolita. Y creemos que esto es uno de los mayores encantos de esta profesión. Nosotros luchamos incansablemente para hacer “Los dueños”. Esto tiene que servir de ejemplo para todas las personas de Tucumán y de donde sea que no exista la industria cinematográfica, el ejemplo para decir: sí se puede, pero hay que trabajar muy mucho. Y sobre todo, hay que animarse a enfrentar lo que sea por lograr hacer una película bien hecha, una película que uno la vea y sienta que puede estar al lado de cualquier otra. Si uno no siente eso como artista, pues debe seguir trabajando hasta lograrlo”.


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ENTREVISTA Directores de cortometrajes chilenos Nibaldo Leiva, director de “El canto de las sirenas”

El canto de las sirenas

Camila Luna,

-¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? “Esta idea surgió en un viaje a dedo que hice junto a una amiga. El camionero que nos llevó nos contó la historia de un vendedor de huevos que fue fusilado en Valparaíso producto de que alguien creyó que tenia documentos “subversivos” guardados en su casa, los que en realidad eran diarios (algunos de izquierda) que usaba él para envolver sus huevos. Así surgió la idea y lo que vino después fue crearle una historia a ese personaje, y al contexto que se vivía en esa época convulsionada de nuestra historia, a través del guion”. -¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? “Me interesaba mostrar el cambio brusco y crucial que vivió nuestro país después del 11 de septiembre de 1973, mostrar cómo muchas personas anónimas perdieron para siempre la tranquilidad y la paz, mientras otras celebraban el nuevo régimen delatando a personas por doquier sin importarle siquiera la veracidad de los hechos, la historia de los protagonistas y antagonistas de este corto, es la historia de nuestro país, donde los poderes fácticos arrasaron con la vida de un pueblo indefenso”. -Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época: “El sabor de la cereza” (Kiarostami) - “Primavera, verano, otoño, invierno... y otra vez primavera” (Kim Ki Duk) - “Gato negro, gato blanco” (Kusturica) “Nosferatu” (Murnau) - “La batalla de Chile” (Guzmán) - “Tres tristes tigres” (Ruiz) - “A Valparaíso” (Ivens) - “Saló o los 120 dias de Sodoma” (Pasolini) “Los idiotas” (Von Trier) -Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época: “Pier Paolo Pasolini, Raúl Ruiz, Emir Kusturica, Abbas Kiarostami, Pedro Almodóvar”.

directora de “Asunción” -¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? “Tengo una amiga que vivió durante la universidad en una residencia católica y las veces que la fui a ver, siempre me llamó la atención el sistema de normas aplicado para la convivencia. Además, un día compartió una anécdota conmigo sobre un guardia que trabajaba en un estacionamiento frente al recinto y se masturbaba mirando las ventanas de las chicas. Creo que la oportunidad de haber sido un testigo lejano, sumado a mis propias reflexiones y experiencias sobre la sexualidad con énfasis en el contexto católico, me permitieron dar forma a “Asunción””. -¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? “La manifestación inherente de la sexualidad en todas sus formas y una crítica a la contención o privación del deseo en el contexto religioso. Entiendo que el celibato pasa por una decisión individual válida, que también puede existir fuera del contexto religioso, pero, personalmente, no avalo tal negación. La sexualidad puede no ser un tema o búsqueda personal, pero no por eso,

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Asunción

Víctor Uribe,

Necrolovers

dejará de ser parte de cada individuo”. -Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época: “La profesora de piano” (Haneke) - “Solo contra todos” (Noé) - “Donnie Darko” (Kelly) - “Carretera perdida” (Lynch) - “El tiempo del lobo” (Haneke) - “Import/ Export” (Seidl) -Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época: “Michael Haneke, Gaspar Noé, Lars von Trier, Stanley Kubrick, David Lynch”.

director de “Necrolovers” -¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? “Necrolovers” es un relato expresionista a nivel visual y sonoro, surge de mi amor por el cine expresionista alemán y el cine gótico italiano, dos estilos cinematográficos ya extintos; el cortometraje es un homenaje al trabajo de directores como Murnau, Lang y Dreyer por el lado expresionista, y por lado gótico italiano, a Mario Bava”. -¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? “Mi inquietud con este cortometraje es explorar emociones universales del hombre como la soledad, el amor y la locura que se conjugan con la muerte a través del género fantástico. Es una historia romántica que pone a su protagonista en una situación límite, la situación a la cual se ve enfrentado tiene todo lo que un relato fantástico requiere: terror, misterio, suspenso y acción. Mi desafío como director fue sustentar el relato en la imagen y la banda sonora; “Necrolovers” es una película sin diálogos, el blanco y negro de alto contraste de su cinematografía está complementado con un diseño de sonido muy detallista y con un score que potencia las atmósferas y va creando expectativas en el espectador, también fue una oportunidad de trabajar con efectos especiales y efectos visuales que cumplen una función netamente dramática”. -Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época: “Difícil pregunta, mis gustos cinematográficos están en todos los estilos y géneros, lo que busco siempre es que me cuenten una buena historia, de forma y de fondo”. -Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época: “Fritz Lang, Orson Welles, Alfred Hitchcock, Stanley Kubrick, Sam Raimi, y muchos otros!!!!!”

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SOCIALES

Andrés Wood y Jacqueline Plass

Malucha Pinto, Marcelo Forni y Paola Lara

Cristobal Wagener, Carlos Kessel, Carmen Vergara y Carolina Muller

FUNCION ESPECIAL “COLEGAS” Fundación Descúbreme y Petrobras organizaron una exhibición especial del exitoso film brasileño, la que se realizó en Cine Hoyts Parque Arauco; la función contó con la presencia del director de la película, Marcelo Galvão, y de uno de sus protagonistas, Breno Viola.

Breno Viola y Marcelo Galvao, actor y protagonista de “Colegas” 22


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DIARIO SANFIC 29 AGOSTO #7