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Nº 1, ABRIL 2008

Dream Theater, ¿técnica o espítiru? Muse: entre dos géneros

Tu revista de música

Philip Glass

En busca de un nuevo lenguaje

Música japonesa

La evolución estética del género que inunda el mercado occidental 1

Luthérie - abril 2008


LuthĂŠrie - abril 2008


nº 1 · abril 2008

Secciones: Retazos

El gramófono Ensemble Visiones

Otras hierbas Editorial

Jordan Rudess

Reportaje: Dream Theater, ¿técnica o espítiru?

Reportaje: Muse, indie rock + heavy metal

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grupo. La edición limitada incluye un tema inédito titulado To create a warlike feel.

Nuclear Blast Records ·

La banda finlandesa de power metal Sonata Arctica lanza su nuevo LP, Unia, plagado de referencias sonoras a los anteriores trabajos del

El músico de Glasgow y su inseparable guitarra llegan el 3 de abril al Palacio de Deportes de Madrid para presentar Kill to Get Crimson, su séptimo álbum en solitario. Un disco en el que autor de clásicos del rock como Money for Nothing o Sultans of Swing regresa a los Mark Knopfler ·

La voz de Plácido Domingo regresa al Teatro Real tras el éxito del cierre de la temporada anterior donde ejerció de director de la ópera Madama Butterfly. El tenor español realiza su primera incursión en el repertorio de Häendel al tomar parte en esta

Tamerlano ·

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ritmos folks anglosajones que cultivó en su adolescencia. Canciones muy sencillas, con guitarra, bajo, batería, algo de percusión, acordeón y violín de un músico que ha vendido cerca de 120 millones de discos a lo largo de su carrera.

Mark Knopfler

Teatro Real de Madrid

ópera ambientada en la Turquía de 1400. Domingo se alterna en el reparto con Bruce Ford como Bajazet, en un cartel que completan también nombres de prestigio como Monica Bacelli, Ann Hallenberg, Isabel Rey, Sara Mingardo o Patricia Bardon. La

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dirección de escena corre a cargo del inglés Graham Vick y Paul McCreesh, uno de los máximos especialistas en la música antigua, dirige la Orquesta Titular del Teatro Real. Del 26 de marzo al 11 de abril.


Más de 10.000 canciones en tu bolsillo

dos asideros inimitables que le han hecho figurar en enciclopedias y recopilaciones. El cantaor sevillano está considerado como uno de los artistas más importantes de los últimos años, siendo numerosos los premios y distinciones que le han sido otorgados a lo largo de su vida profesional. 'A mis soledades voy, de mis soledades vengo' es el nuevo trabajo de este poderoso cantaor y en el que pone voz y música a los poemas de Calderón de la Barca, Cervantes, Góngora o

Festival Oriljazz: La Susi + José Menese ·

José Menese

José Menese es uno de los casos excepcionales que han tenido lugar en el mundo del flamenco. Sin tener antecedentes artísticos en este mundo ni proceder de familia gitana, el cantaor tiene el aura de los grandes y un talento y voz poderosa. José Menese es uno de esos pocos nombres imprescindibles que todavía quedan en el arte flamenco, un cantaor mítico que posee en lo excepcional de su personalidad y en la solemnidad de su voz

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Santa Teresa de Jesús. Menese está acompañado por la cantaora y bailaora La Susi nacida en Alicante en 1995 y hermana del guitarrista Joaquín Amador. Durante años acompañó a Camarón y Tomatito y como bailarina ha tenido una carrera ascendente en los principales tablaos madrileños. Podremos escucharlos el día 7 de abril en el Teatro Häagen-Dazs Calderón de Madrid.

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Philip Glass Entrevista:

Minimalismo de guante blanco

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LO DRES

ejémoslo claro desde el principio: Philip Glass es un ateo impenitente. «No creo en Dios ni por un solo instante. La idea de un ser enorme y bondadoso creándonos a su imagen y semejanza e insuflándonos a nosotros, los pequeños seres humanos, con el espíritu del cosmos me parece un chiste», asegura muy serio el maestro.

La precisión es importante porque Mr. Glass se ha pasado un año entero trabajando en una obra monumental llamada Quinta Sinfonía que muy pronto, por fin, verá la luz en todo el mundo en forma de disco. A lo largo de 12 movimientos, de 800 páginas de partitura, la pieza aborda la creación del mundo, su evolución, el juicio final, el Apocalipsis, el paraíso...

«Bueno, la Biblia es sólo uno de los textos utilizados», susurra, más que habla, el compositor estadounidense, de visita en Londres. «Lo que intenta recoger esta sinfonía es la sabiduría universal: la hindú, la tibetana, la china, la japonesa, la africana, la de los indios americanos, la bíblica...» El libreto de la pieza, dice con orgullo el padre de la criatura, se basa en textos de docenas de culturas diferentes que abarcan 2.500 años de pensamiento.

«Es increíble si se ve de esa manera», afirma Philip Glass mientras se lleva a los labios una taza de té a la menta sin azúcar. «El ser humano ha estado siempre muy interesado sobre el lugar que ocupa en el universo, sobre nuestra relación con una identidad superior. Y esto es algo que Luthérie - abril 2008

no sólo interesa a las personas religiosas, sino a la gente normal. A todos nos interesa conocer los entresijos de la vida, del nacimiento, de la muerte. Todos tratamos de dar respuesta a esas preguntas de formas diferentes. La ciencia lo hace de una manera, la gente religiosa de otra y los artistas, de otra». Respuestas

La Quinta Sinfonía es, pues, la respuesta de Philip Glass a las grandes preguntas. «No, no es en absoluto una respuesta. Más bien es una pregunta», se apura a corregir. «Pero, es curioso: al juntar todos los textos en uno solo cantado en inglés es como si hubiera una sola voz que razonara la experiencia universal. Yo, francamente, me quedé sorprendido. No aprecias que estés saltando de un texto a otro, de un universo a otro. Y yo creo que es porque hay una cultura del ser humano que es una experiencia común, sin lugar ni tiempo. Cuando se mira de ese modo, la sinfonía es algo más que una pregunta. Recoge las profundas preocupaciones de los seres humanos».

Fue el texto el que inspiró la música, reconoce el interesado. «No es sólo que no escribiese la música y luego buscase el texto, sino que el texto en sí mismo se convirtió en algo orgánico», afirma el compositor, sentado en el salón del coqueto hotel Bloomsbury, donde se aloja. «No puedo decir que fuese fácil escribir la música, porque se trata de una pieza muy grande, pero la escribí de un tirón. Jamás me sentí bloqueado. Siempre supe la música que tenía que escribir, siempre. Me pasé un año trabajando con el texto y durante ese

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tiempo, de forma inconsciente, la música debió de ir tomando forma en mi cabeza».

Lo que sí reconoce Glass es que la Quinta Sinfonía, de puro grande, le ha desbordado. «Ha sido un proyecto enorme, gigantesco. Realmente, ha traspasado mis propios límites. Cuando acabé la sinfonía, ocupaba 1.000 páginas. Y, claro, uno no puede colocar 1.000 páginas sobre el piano e interpretarlas. Coloqué las partituras en el suelo e iba de una a otra, intentado abarcar toda la obra. Pero era muy complicado. Lo más difícil de todo ha sido intentar tener toda la obra metida en la cabeza. De hecho, no lo he logrado, era demasiado grande. Era como el cuento ese del ciego que tiene delante un elefante y, porque lo toca, sabe que está ante un animal con patas y trompa, pero es incapaz de imaginárselo en conjunto. Pues eso es lo que me ha ocurrido a mí: era incapaz de abarcar toda la pieza».

Continúa Glass, apasionado con el asunto de la enormidad: «Cuando veo los grandes lienzos de Jackson Pollock pienso: ¿cómo los pintó? ¿Cómo consiguió la distancia suficiente para ver el conjunto? Y cuando fui por primera vez a la Capilla Sixtina y vi los frescos de Miguel Ángel me pregunté también lo mismo: ¿Cómo se las apañaba, mientras estaba en el andamio pegado al techo, para tener una imagen global de la obra? Muchas veces pienso que, de alguna manera, los artistas tenemos algo de visión pero, sobre todo, tenemos mucha fe». A ciegas

La primera vez que Glass oyó cómo sonaba su propia creación


«LOS ARTISTAS TENEMOS ALGO SOBRE TODO, MUCHA FE»

fue el año pasado, en el Festival de Salzburgo, donde se estrenó la Quinta Sinfonía. «No sabía realmente cómo iba a funcionar, iba completamente a ciegas. Y la verdad es que tampoco te creas que oí mucho: me pasé todo el tiempo rezando», confiesa torciendo la boca a modo de sonrisa. Y, acto seguido, advierte: «La sinfonía no es sencilla de escuchar. La primera vez que se oye es la más difícil. Después, cuando se entra en ella, como cuando se entra en un cuadro o en un libro, uno se familiariza muy rápidamente con su mundo. Y las dificultades comienzan a desaparecer».

DE VISIÓN Y,

«NO CREO EN DIOS NI POR UN SOLO INSTANTE. LA IDEA DE UN

SER ENORME Y BONDADOSO CREÁNDONOS A SU IMAGEN Y SEMEJANZA E INSUFLÁNDONOS A NOSOTROS, LOS PEQUEÑOS

SERES HUMANOS, CON EL ESPÍRITU DEL COSMOS ME PARECE UN CHISTE»

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«Vivimos tiempos muy seculares. Todo es tecnología, consumo, entretenimiento, deportes, sexo... Así es el mundo de hoy. Y yo soy una persona como los demás, me interesan las mismas cosas que a los otros», reconoce. «Pero esta pieza se ocupa de otras cosas. De alguna manera, nos lleva a un sitio muy distinto, dentro de nosotros mismos, de aquél al que nos lleva una película de entretenimiento, un filme de Schwarzenegger o un videojuego. Esta sinfonía no está hecha para entretener, sino que te exige buscar nuevos recursos dentro de ti mismo. Y la gente los busca. Yo lo he visto en Bélgica, donde la pieza fue interpretada ante 15.000 personas, y en Australia, donde la oyeron 8.000. En ambos casos, la sinfonía se convirtió en algo, como te diría.... ¡épico! Y yo creo que es porque debemos, tenemos, que hacer ese viaje interior más allá de la moda, de las películas y del sexo».

Biografía:

acido en Baltimore, Glass estudió flauta y violín cuando era niño. Empezó a estudiar matemáticas y filosofía en la University of Chicago a los 15 años y se graduó a los 19. Decidido a convertirse en compositor, se mudó a Nueva York donde asistió a la Julliard School of Music, después pasó dos años estudiando intensivamente con Nadie Boulanger en Paris. Mientras estaba en Paris, descubrió a Ravi Shankar y las técnicas de la música India, que tuvo un profundo efecto en él. Hacia 1974, había compuesto una gran colección de música, alguna de ella para la compañía de teatro Mabou Mines Theater Company y mucha de ella para su propio grupo Philip Glass Ensemble. Este período culminó en "Music in Twelve Parts", una recapitulación de tres horas de musica nueva de Glass, y alcanza su apogeo en 1976 con la ópera de Philip Glass/Robert Wilson "Einstein on the Beach", la épica de cuatro horas que se puede ver ahora como punto de referencia del teatro musical 20th Century.

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Reportaje:

M

EnergĂ­a

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Muse en estado puro 11

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M

use es una banda inglesa de rock, originaria de Teignmouth, Devon. Está compuesta por Matthew Bellamy (compositor, voz, guitarra, teclado y piano); Christopher Wolstenholme (bajo eléctrico, teclados y coros) y Dominic Howard (batería y percusión). Tras el lanzamiento de su cuarto álbum, Morgan Nicholls asiste a la banda durante los conciertos, haciéndose cargo de teclados, samples y de algunos coros. Su idiosincrático estilo es una mezcla de indie rock y heavy metal, con una marcada influencia de compositores clásicos, especialmente, aquellos de la era romántica, tales como Sergei Rachmaninov. La banda es famosa por sus enérgicas actuaciones en vivo y los excéntricos intereses del líder Bellamy en la conspiración global, vida extraterrestre, teología y el Apocalipsis.

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ace diez años, los padres de C h r i s Wo l s t e n h o l m e , Mathew Bellamy y Dominic Howard se mudaron a Teignmouth, Devon. Es una ciudad costera: apenas respirable en verano, con un frío helado en invierno y si tienes entre 13 y 18 años un auténtico infierno durante todo el año. Matt lo recuerda así: "Lo único que hacíamos era dar vueltas, fumar y escuchar música. No había otra cosa que hacer".

A los 13 años, los tres formaron su primera banda, unos cuantos años y algunos cambios en el nombres dieron paso a Muse y las cosas empezaron a ir más en serio. Los ensayos eran cada vez más frecuentes y daban conciertos siempre que podían; una tarea nada fácil cuando se vive a más de 400 kilómetros del centro de Londres. Luthérie - abril 2008

Matt: "Aparte de The Cavern en Exeter, no hay otros locales donde tocar. Es el único local decente de Devon, pero casi siempre está vacío. Actuamos en muchos otros lugares, pubs repletos de gente mayor, daba lo mismo, a quienes sólo les interesaba escuchar versiones de los éxitos de los sesenta, por lo que nunca tuvimos una acogida muy buena, supongo que a su manera eso nos sirvió de ayuda".

Matt, vocalista, en un concierto de la gira 2007

Cada bar desierto y cada interrupción les llevaba a poner más empeño, pero hasta el año pasado no se dieron cuenta de que había llegado el momento de pasar a la acción.

Matt: "Todos nuestros amigos se habían marchado a la universidad y de repente pensamos: Somos pobres, estamos haciendo un trabajo de mierda que no nos gusta, hay que ir en busca de un contrato".

Y aquí es cuando esta

«TODOS NUESTROS AMIGOS SE HABÍAN MARCHADO A LA UNIVERSIDAD Y DE REPENTE PENSAMOS:

SOMOS

POBRES, ESTA-

MOS HACIENDO UN TRABAJO DE MIERDA QUE NO NOS GUSTA, HAY QUE IR EN BUSCA DE UN CONTRATO»

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historia se acelera. En 1998, gracias a un contacto con Taste Media (una fusión entre Sawmills, un estudio de grabación del oeste del país y SJP Producer Management), Muse se encontró súbitamente en la capital. Paralelamente, un par de sellos americanos empezaron a mostrar

interés, y en noviembre de ese mismo año el grupo voló a Nueva York para tocar en el CMJ Music Marathon. Después de un espectáculo deslumbrante en el Mercury Lounge, vieron como su éxito en Estados Unidos empe-

zaba a alcanzar un tono febril.Dos semanas más tarde, regresaron a Estados Unidos, esta vez a Los Angeles, donde dieron un concierto en el muelle de Santa Monica. Mientras el resto se lo pensaba, el sello de Madonna, Maverick, se adelantó y firmó allí mismo un contrato con

ellos. El acuerdo se cerró en Nochebuena, y a éste siguió rápidamente otro con Motor en Alemania, Naïve en Francia, y finalmente Mushroom Records en el Reino Unido. Tras cinco años de arduo camino el grupo había

pasado de 0 contratos a firmar 4 en un par de meses. Las dos primeras ediciones limitadas de los EP 'Muse' (1997) y 'Muscle Museum' (1998) se editaron bajo el sello Dangerous Records de Sawmill, y se agotaron rápidamente. Pero todo ello no era más que un esbozo de lo iba a suceder: una marea de ruidos de guitarra y un hervidero de furia lírica, que revelaba un grupo decidido a ponerse a la altura, e incluso superar a sus mentores. Fue suficiente para garantizar que unas semanas, después cuando empezaron a grabar su primer álbum, John Leckie (productor de 'The Bends' de Radiohead) estuviera más que contento de unirse a ellos. La auténtica energía y pasión de Muse le dejaron fascinado, como a cualquiera que los haya escuchado.

Matt: "Hay pocas bandas que se sientan su música con tanta pasión. Es triste, pero creo que Nirvana fue el último grupo con ese don. La música debería ser una válvula de escape para tus emociones. Si no fuera por Muse, posiblemente sería un ser asqueroso y violento. Definitivamente es una liberación, y así es como debería ser siempre".

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Su primer sencillo, el

magistral 'Uno', fue editado en 1998 como anticipo de su primer disco 'Showbiz' (Warner, 1999) -que se quedó en las 500.000 copias vendidas- después del aclamado 'Evening Session Tour' de Steve Lamacq, junto a Three Colours Red y The Donnas, y de una serie de conciertos con Feeder. El single irrumpió en el Top 75. El grupo tuvo un debut brillante en Glastonbury; ha actuado también en T-In The Park, seguido de unos cuantos conciertos en el Reino Unido, una actuación en Woodstock y otros espectáculos en Estados Unidos, antes de regresar a Reading a finales del verano. En septiembre el grupo volverá a Estados Unidos para realizar una gira más amplia. Y no les da miedo, les encanta salir a la carretera.

Matt: "Soy incapaz de predecir lo que va a suceder. Tiene que ver con la alineación de los planetas, puede pasar de todo. Eso es lo que tiene de bueno". Dos años después Muse volvió a la palestra con 'Origin of Symmetry' vendiendo un millón de copias durante su año de lanzamiento y rompiendo con el hitazo 'Hyper Music'.

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¿Sabías que...?

Christopher Wolstenholme (izquierda), Dominic Howard (centro) y Matthew Bellamy (derecha)

- Muse fue encontrada en un aburrido pueblo de Inglaterra llamado Teignmouth. Los miembros de Muse eran de otras bandas rotas, y se unieron en un sólo grupo más tarde.

- El padre de Matt (George Bellamy) era un guitarrista de la banda "The Tornadoes". Tuvieron un hit número uno llamado "Telstar" en 1962.

- Matt aprendió a tocar la guitarra por él mismo y opina que es el mejor modo de aprender. A menudo se dice que la magia de Muse reside en sus inolvidables directos, por ello el grupo intentó recoger en 'Hullabaloo' (2002) toda su potencia.

El espaldarazo definitivo llega con ' A b s o l u t i o n ' (Mushroom, 2003), vendiendo el doble que su anterior disco de estudio, tiñéndoles de uan británica intensidad épica necesaria en tiempos de fotocopias desengrasadas. Este disco les arrojó con fiereza a los escenarios: una gira por Estados Unidos que les haría recalar en el Coachella en mayo de 2004, un exitazo en Glastonbury que prácticamente les cambió la vida, dos

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- Space Dementia fue grabada en dos partes separadas y luego las pusieron juntas.

fechas de consecutivo sold out en el Earl's Court de Londres y los principales aforos europeos reventados.

- Hay una canción secreta en el disco (original) de Hullabaloo (que se llama "What's he building in there", por los T WAITS). Puedes encontrarla "rebobinando" la primera canción (Dead Star) del CD2.

El trío necesitó tiempo para recobrarse de esta vorágine y volver a la composición, encerrándose en el estudio hasta salir de él renovados, más freaks y bizarros como desmuestra su 'Black Holes and Revelations' (Warner, 2006). Antes de la salida del disco, Muse lo presentó en exclusiva el 28 de junio de 2006 para la grabación de un MTV Live retransmitido en directo desde el Shepherd’s Bush Empire de Londres.

- Matt se cargó la verdadera primera página de Muse cuando trataba de aprender cómo usar el HTML

- Matt escribe todas las canciones. Feeling Good (Origin of Symmetry) no es de Muse, sino de Nina Simmone (una cantante de Jazz).

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- La comida favorita de Matt Bellamy es la pasta; él mismo la prepara desde el principio.

- Chris es adicto a los videojuegos. - Matt se tragó un llavero con forma de globo cuando era pequeño; para que lo vomitase, su niñera le cogió por los pies. - Matt odia la canción Cave.

- Matt se dio en la boca con el puente de la guitarra en un concierto; intentó seguir adelante pero se lo tuvieron que llevar.

- A Chris se le perdió la alianza de bodas en un concierto mientras daba la mano al público; a la chica que la recuperó le han dado un pase de acceso ilimitado de por vida a modo de recompensa. - En la película 12 Monos hay una escena en la que tras el protagonista hay una pared llena de carteles de Muse.


Helium

Time can be seen


Arte

en el país de lo

Una genealogía de la música que toma c

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e

os rascacielos

contacto con occidente

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unque el primer contacto de Japón con la música occidental se había ya dado hacia finales del siglo XVI a través de la llegada de misioneros cristianos, la prohibición al cristianismo no permitió que éste tuviera mayores efectos en la música japonesa. Fue hacia el siglo XIX cuando en realidad las condiciones no solo permitieron, sino que también propiciaron la introducción en masa de la música occidental. Esta introducción se dio primero a través de la música militar y luego de la música escolar. En el caso de la música militar, las razones fueron puramente utilitarias y en el segundo caso, por razones de formación, luego de que se democratizó la educación. Todo esto fue conducido basado en la idea de la superioridad occidental. En esta introducción hay dos cosas que llaman la atención: la primera es que la llegada de la música occidental a Japón no se da por imposición foránea como ocurrió en otros países, y la segunda, que esta introducción no tuvo una motivación estética. Más sorprendente aún, es que cuando el gobierno Meiji se dio a la tarea de esta introducción, la única institución musical oficial era el Kunaicho, formada por músicos tradicionales que por siglos habían preservado la música cortesana Gagaku, considerada en la actualidad como la tradición orquestal más antigua del mundo, con una historia de cerca de doce siglos. El

Atardecer en Japón

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Kunaicho fue encomendado para que iniciara el estudio de la música clásica occidental, cosa que en general no aceptaban con mucho placer los músicos que lo integraban. Estos músicos tenían que mezclar su práctica de la música cortesana, con el aprendizaje de instrumentos como el piano y el violín. Durante esta época, el gobierno Meiji decide enviar observadores a diferentes partes del mundo, para que reporten sobre la situación internacional a todo nivel. Uno de estos enviados es Shuji Izawa (1851-1917), un joven director de una banda de vientos de tan solo 26 años, quien en 1874 viaja a los Estados Unidos en donde permanece por tres años. Él fue el responsable del primer documento oficial sobre la reforma de la educación musical en las escuelas. También, junto con Luther W. Mason (18181896), profesor de música de Boston, fue el responsable del establecimiento de la primera institución musical de tipo occidental en Japón, conocida como la Escuela de Música de Tokio, de donde posteriormente surgió la actual Universidad Nacional de Música y Artes de Tokio. Uno de los problemas con los que los reformistas se enfrentaban en esa época en materia de música occidental, era la carencia de instrumentos musicales. En la enseñanza de melodías occidentales los maestros tenían que recurrir en muchos casos a la utilización de instrumentos

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tradicionales. Esto trajo resultados interesantes pero definitivamente iba en contra de una correcta apreciación del panorama musical occidental.

La música en Japón a partir de la apertura en 1868, puede ser dividida en la siguiente forma :

- Música tradicional(pura o con influencia foránea). -Música occidental (importada o producida por occidentales en Japón). -Música de tipo occidental producida por japoneses.

Hay que tener en cuenta la diferencia que existe entre la música compuesta y la música interpretada. Por ejemplo, la música importada durante el período Meiji varía considerablemente si siendo compuesta por occidentales, es interpretada por japoneses, que hasta el momento no tienen una tradición en interpretación de música occidental. Aunque hayan sido educados por occidentales en Japón, o hayan recibido una formación académica en el exterior, no tienen la misma perspectiva y experiencia en el campo de la música occidental, como sí lo tendría un occidental que desde niño tiene contacto con las armonías e instrumentación de la música occidental en lugares como, por ejemplo, las iglesias, la escuela, o incluso las ferias populares y en su propio hogar.


Cerezos en flor en Fui, Japón

Música japonesa contemporánea

No se ha de tomar dicho término para designar a la música contemporánea producida por músicos japoneses en general, que en muchos casos, debido a sus ideas musicales y resultados estéticos podría haber sido producida por cualquier compositor de formación académica de tipo occidental en cualquier lugar del mundo. Cuando hablamos de música japonesa contemporánea hacemos referencia a aquellos trabajos en los que se conservan elementos tradicionales japoneses utilizados dentro de un lenguaje nuevo.

A este tipo de música tenemos que analizarla desde diferentes aspectos :

-Creaciones contemporáneas de músicos que pertenecen al campo de la música tradicional. Esto es, obras que tienen su origen en lo tradicional y que

incorporan elementos externos. (Elementos externos no son necesariamente occidentales ; pueden ser elementos de otro estilo tradicional. Una fusión de estilos tradicionales que está buscando un lenguaje nuevo). Estas son algunas de las posibilidades a este respecto:

-Agrupación tradicional + métodos de composición externos. -Conformación de agrupaciones con instrumentos tradicionales en una forma no convencional + métodos de composición externos. -Combinación de instrumentación tradicional y externa.

-Métodos de composición tradicional + instrumentos externos.

-Métodos de composición externos + instrumentos externos + ideas o impresiones japonesas.

En esta categoría podría encontrarse Sukeyasu Shiba, quien

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pertenece a una familia que por generaciones ha preservado la música cortesana Gagaku. El es director de la cátedra de Gagaku de la Universidad Nacional de Música y Artes de Tokio y director del conjunto Reigakusha de música Gagaku, una agrupación muy activa no solo en la interpretación de música tradicional, sino también en música contemporánea compuesta no solo por el propio maestro Shiba, sino también incluso por compositores extranjeros. Otro músico que mencionar es el maestro de la flauta Shakuhachi Hozan Yamamoto (Designado "Tesoro Nacional Viviente del Japón" en 2002).

-Creaciones contemporáneas de músicos japoneses con formación musical occidental. Se pueden tomar las mismas categorías anteriormente mencionadas, pero por supuesto la aproximación y resultados son diferentes.

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En esta categoría podríamos mencionar a dos compositores con aproximaciones muy diferentes :

-Minoru Miki, quien se ha hecho famoso en parte por las piezas compuestas para el Conjunto Nipponia o Nihon Ongaku Shudan, agrupación no convencional de instrumentos tradicionales japoneses que interpreta repertorio tanto tradicional como contemporáneo. Al maestro Minoru Miki se le critica el hecho de adular demasiado las sonoridades y métodos de composición occidentales.

-El segundo compositor a considerar en esta categoría es Toru Takemitsu, quien desafortunadamente falleció en 1996. Aunque él menciona en algunos escritos el rechazo a la música tradicional, en parte debido a las imágenes que ésta le generaba relacionadas con los duros años Obrazovka, Tokio

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de la guerra, sus obras con instrumentos tradicionales, entre las que se destaca ovember Steps, ejercieron un fuerte impacto no solo en el medio musical japonés sino también en el extranjero. Hay que recordar que esta obra fue comisionada por la Orquesta Filarmónica de Nueva York para la celebración de sus 125 años de fundación.

Además de hablar de la música tradicional con respecto a los músicos japoneses, es necesario tener en cuenta la influencia que ésta ha ejercido en compositores extranjeros.

En el reporte del Cuarto Simposio de la Sociedad Internacional para la Musicología, Irene Suchy habla de compositores alemanes quienes vivieron en Japón entre 1872 y 1945 de los cuales solo una parte de ellos se atreve a trabajar con material japonés, ya sea a través de arreglos occiden-

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tales de piezas tradicionales, o de composiciones basadas en lo que ellos consideraban tradicional japonés. En su informe, Irene Suchy concluye que entre estos compositores hubo siempre una tendencia a considerar a la música occidental como superior, a buscar un "mejoramiento" en la música japonesa, y aparte de todo esto, una falta de interés o capacidad en comprender y manipular el material musical japonés y en experimentar con nuevos lenguajes.

En casos posteriores el resultado no es muy diferente. Por ejemplo, el compositor alemán Karlhein Stockhausen escribió la pieza Der Jahreslauf en 1977 para conjunto de música cortesana Gagaku. En Japón se dice que Stockhausen desconoce totalmente la estructura musical de este tipo de agrupación, o que fue tal su deseo de experimentación que voluntariamente descartó cualquier elemento tradi-


cional. Esta pieza fue posteriormente adaptada para instrumentos occidentales y cinta magnetofónica y eventualmente se convirtió en el primer acto de su opera "Martes de Luz".

Pero la influencia de Japón en compositores extranjeros no es solo a partir de elementos musicales. Es el caso del compositor estadounidense John Cage, ya fallecido, de quien se sabe tenía un profundo interés por el Zen, y cuya influencia trató de imprimir en sus obras.

A estos dos compositores se podrían sumar nombres como los de los australianos Peter Sculthorpe, Barry Conyngham y Anne Boyd, y la estadounidense Louis Vierk. Barry Conyngham fue alumno de Toru TAKEMITSU y escribió entre otras piezas, Streams (1989), para arpa, flauta y viola, la cuál está dedicada al maestro japonés. Por su parte Anne Boyd, quien fuera alumna de Sculthorpe y quien siempre ha mostrado interés por lo asiático -influencia de su maestrodice que una de sus mayores fuentes es la música cortesana Gagaku. La norteamericana Luis Vierk estuvo en Japón en 1996 trabajando estrechamente con el conjunto de Gagaku Reigakusha y con su director, el compositor y ex-musico de la Corte Imperial, el maestro Sukeyasu SHIBA, y de esta colaboración surgió la pieza "Silversword" para conjunto Gagaku. Mmuchos años atrás, en 1983, había escrito una pieza con elementos japoneses, "Hyaku Man No Kyu" (One Million Spheres) para for 8 ryuteki (flauta traversa empleada en Gagaku). El listado de compositores,

tanto japoneses como Recital de extranjeros, quienes Sakuhachi por un han empleado tanto músico occidental instrumentos como elementos e ideas tradicionales japonesas va en aumento. De Japón, aparte de Toru TAKEMITSU y su piezas para Shakuhachi y Biwa que incluyen laa obras "November Steps" y "Eclipse", se podrían mencionar nombres como Akira IFUKUBE, famoso por bandas sonoras de películas como "Gozilla", quien hace años trabaja extrechamente con Keiko NOSAKA, una sos templos, se reunieron en una de las más grandes intérpretes hermosa tarde de domingo un de Koto (cítara de 13 cuerdas), conjunto de Gagaku y un cuaresta última inventora de Kotos teto de "Nuevo Minimalismo" de 20 y 25 cuerdas para ser venido de Suiza. La segunda empleadas en música contempoparte del programa, con el ránea. Otro nombre importante acompañamiento de algunos de es Toshi ICHIYANAGI, quien los músicos de estas agrupaciofuera alumno de John Cage, y nes, se presentaron algunos baiquien ha compuesto para Sho y larines de Bugaku (danza de la para Gagaku. corte) y el impresionante bailarín suizo de Butoh Imre Recientemente no es raro ver Thormann (alumno de Kazuo anuncios de funciones en las OHNO). que lo tradicional se mezcla con lo contemporáneo. Kyoto, la Es muy difícil sacar conclusiociudad tradicional por excelennes y especular sobre el futuro cia es uno de los lugares en de la música contemporánea donde este tipo de trabajos se japonesa. En la actualidad ven con más frecuencia, y a Japón parece estar sumergida en veces esos eventos se organizan la búsqueda de nuevos lenguaen lugares con una atmosfera jes, al tiempo que conserva tramuy especial. Durante el verano diciones muy antiguas. El de 2005 en el Festival de Artes Gobierno y la industria privada de Kyoto se puedieron apreciar invierten grandes cifras en actialgunos de estos experiementos vidades culturales, y gracias a la que incluían, por ejemplo, teatro fuerza económica japonesa es Noh y clavecín, teatro Kyogen y posible ver en Japón no solo lo acordeón, etc. No lejos de allí, mejor de la vida cultural local, en la ciudad de Otsu a las orillas sino también un fluir constante del lago Biwa, en el hermoso de agrupaciones de todos los vecindario de Sakamoto, famorincones del planeta. so por sus paisajes y maravillo-

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Dream Theater

¿Técnica o espíritu?

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eterminadas bandas provocan tantas pasiones encontradas que es imposible alcanzar un mínimo de objetividad cuando las escuchas y valoras. Dentro del metal, el ejemplo más evidente es el de Dream Theater. Algunos ven en ellos la reencarnación de Mozart, Beethoven y Bach unidos en un grupo; mientras, otros, el epíteto más amable que les dedican es somnolientos. A pesar de los logros conseguidos en “Images and words”, el quinteto neoyorkino jamás ha conseguido provocar las sensaciones de “Pull me under”, “Learning to live” y demás joyas. Y nadie podría ser acusado de no haberlo intentado. Dentro de su última etapa se podría distinguir el significado artístico de “Train of thought” y “Octavarium”. El primero constituyó más bien un grave error a la hora de ejecutar su filosofía. Nos reencontramos a los Dream Theater más cañeros pero sin lograr apuntalar las composiciones para dejarnos la sensación de obra redonda. Por su parte, “Octavarium”, sin alejarse de esos parámetros, sí que se mueve más en lo que

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John Petrucci

Portnoy, Petrucci y compañía manejan mejor, el progresivo. Pues bien, “Systematic Chaos” aúna tres características esenciales: Utiliza de forma inteligente la contundencia de “Train of thought”, la combina con la sofisticación instrumental de “Octavarium” e introduce como elemento clave el espíritu de “Images and Words”. El resultado final es un acierto. Ocho canciones notables que no “aburren” al mero oyente “inculto” (como puede ser el que escribe) que no entiende demasiado bien la propuesta de los americanos.

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Hay otras claves para sentirse atraído por la llamada de Dream Theater. Cada día son más metal sin perder su raíz. Oír “Constant Motion” instintivamente te hace buscar el libreto del cd y comprobar que en él no pone Metallica. El mimetismo de los James, LaBrie y Hetfield, es alucinante. Supongo que es lo que tiene hacer homenajes al “Master of puppets”. Todo se pega menos la hermosura. Hablando de voces, el gran héroe de este “caos sistemático” es LaBrie. Ha conseguido alcanzar su madurez, forzando únicamente en los momentos necesarios y, dentro de sus registros, ofreciendo un buen abanico de posibilidades.

Curiosamente, la apertura “In Presence of Enemies Pt I” no presagia nada positivo. Afortunadamente después de cinco minutos instrumentales tediosos, la entrada de LaBrie y una preciosa guitarra arreglan el desaguisado. “Forsaken” es la canción accesible que tal vez se echaba de menos desde hace algún tiempo. El piano se funde con un riff sobresaliente y su cadencia


no muy rápida fluye hasta un gran estribillo que desemboca en el magnífico solo de Petrucci. Sin duda, todo un acierto compositivo, de lo más adictivo que han hecho en lustros. La mencionada “Constant Motion”, aparte del recuerdo a Metallica, posee una parte de rapeado que también entroncaría con mis admirados y olvidados Mordred.

La modernidad llega a “Systematic chaos” con “The Dark Eternal Night”. Riff cortado a lo “Train of Thought”, voz distorsionada al principio, otro buen estribillo e inmejorable parte instrumental central. Una canción con grandes altibajos. Los casi once minutos de la balada “Repentance” no terminan de convencer. Busca crear una atmósfera melancólica pero lo que encontramos son pasajes monótonos y repetitivos. No obstante, está entre las favoritas de muchos de sus fans. Uno de los momentos mágicos del álbum es la aceleración de “Prophets of War” cuando LaBrie entona: “It´s

time to make a change!”. Realmente brillante. Puestos a establecer “parecidos razonables” escucho en esta canción una versión actualizdaa del “The Enemy Within” de sus adorados Rush aunque al final aparecen unos gritos a lo Manowar que me dejan a cuadros.

“The Ministry of Lost Souls” es la más lograda del disco y, probablemente, estaría en un imaginario top3 o top5 de Dream Theater. Es un tema pausado, emotivo, de esos que te llegan dentro. A mitad del mismo se produce un cambio magistral guiado por la batería de Portnoy que nos adentra en un largo desarrollo instrumental relativamente rápido. Quedamos en tensión hasta que, de nuevo, el guión lento cobra protagonismo y las acústicas rubrican una maravillosa composición digna de ser incluida en sus directos. Probablemente este clímax haga que “In presence of Enemies Pt.2” quede un tanto oscurecida. Sin ser mala, no

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Mike Portnoy

posee la inspiración de su predecesora. De nuevo, encontramos un crescendo en el tempo y una amplísima sección para lucimiento de John Myung o Jordan Rudess. No es una conclusión apoteósica pero sí que puedo afirmar, en resumen, que me he reconciliado con Dream Theater porque he sido capaz de “tragarme” más de tres veces “Systematic chaos” en su totalidad algo que os aseguro no ocurría con un álbum de los estadounidenses desde los días de mi idilio con “Images and words”.

A los fanáticos del quinteto ni tan siquiera les sugeriré su compra porque lo habrán reservado meses antes de su salida; a los detractores irredentos tampoco les instaré a que le den una oportunidad; sin embargo, a los “indecisos”, tiendan al sector que tiendan, sí que les recomendaría que, al menos, investigasen un poco en el disco. A lo mejor, quién sabe, les ocurre como a mí. Luthérie - abril 2008


SOIDOS DE UA LEJAÍA

Hasta mí llega una melodía que me estremece. Cierro los ojos y escucho. Mi cuerpo tiembla y en mi mente se agolpan multitud de ideas y sensaciones. Siento que puedo viajar con mi imaginación a otros lugares, que puedo traspasar fronteras, y experimento cosas nuevas. Sin necesidad de palabras mi cerebro parece descifrar todas esas secuencias de sonidos, silencios y ritmos, y dar una lectura a todo ello. Es como si conociese esta secreta organización, como si formase parte de mi cuerpo como el latido de mi corazón o el ritmo de mi respiración. Parece que mi organismo estuviese adiestrado desde siempre para traducir este perfecto lenguaje matemático. ¿Escucho con mi oído o con mi mente? ¿Escucho fuera o dentro de mí? La música la percibimos incluso antes de nacer. Se ha demostrado que somos capaces de recordar melodías que hemos escuchado dentro del vientre materno. Nadie olvida las canciones de su infancia ni tampoco las que nos acompañan en distintas etapas de la vida. La música forma parte de nuestro caminar. Está dentro y fuera de nosotros. Luthérie - abril 2008

Aunque se trata de una experiencia personal -cada uno la siente y percibe de forma distinta-, se ha comprobado que todas las manifestaciones musicales del mundo tienen la misma base emocional que es percibida por cualquiera -sea del país o la cultura que sea-: cadencias ascendentes estimulan y, melodías lentas y con cadencia descendente producen tristeza. Un susurro a un niño produce calma e invita al sueño y un ritmo fuerte y repetitivo puede ser un estímulo para la lucha. El sonido por tanto puede influir en el ánimo y voluntad de quien lo escucha. Pero también puede influir positivamente en la salud de nuestro cuerpo hasta el punto en que la música es determinante en la curación de algunas enfermedades o aminora sus efectos, aunque no se sabe bien por qué. El ser humano es un animal musical y este lenguaje de notas y ritmos que ha creado forma parte de su propia naturaleza. Surge misteriosamente de su interior. Preguntarse por la música y adentrarse en ese mundo, en el fondo es preguntarse por uno mismo.

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Luthérie - abril 2008