Page 1

Albuquerque Journal Santa Fe/North Friday, September 23, 2011


Morris reaches forward to unknowable destiny,   backward to archetypal realms By MALIN WILSON­POWELL  There is no substitute for encountering Kathleen Morris’s  melancholic, sublime canvasses in person. For almost four  decades, she has painted with the flawless technique of a 17th  century European painter. Her mythic, open­ended, narratives  are spun out of sacrifice, abundance, loss and desire  –– the  theme of this exhibition.  Morris’s full­bodied figures swirl out of indeterminate, primordial  background soup. The surfaces are distressed, clotted, and  varnished. In this exhibition, there are two new additions to her  “old master” manner  –– embellishment with sheets of gold leaf  and the application of cold wax to thicken the contours of a  bird, a dog or a head.  Morris’s paintings have notable weight in their lush, physical  presence. In 1997, parishioners of Our Lady of Guadalupe  Church were whipped into a heated protest of her one­person  exhibition in the santuario, during the period when the shrine  was leased to the Guadalupe Historic Foundation (a group  formed to save the 18th century building from the church’s  1970s decision to turn it into a parking lot). Ostensibly, the flap  was about the nudity in Morris paintings, but Catholicism has  given the world its greatest “Word made flesh” paintings.  Ironically, Morris’s exhibition at the santuario was titled  “Asylum,” and in the catalog she stated her intention to make  available “compassion, respect for the mysteries of life, the  pain and pleasure of being human, and an acknowledgement  that we are all one.” No doubt the flap over Morris’s nude  women was a convenient excuse in the demand that the 

santuario be returned to the parish, but, in retrospect, this  episode –– although painful for the artist  –– was also a  testimony to the power of her paintings.  In many ways, the reactions were exactly right, for Morris’s  paintings are a challenge to dogma. They are unsettling  invitations into a psyche that is not entrained by doctrinaire  Judeo­Christian pieties. The stories she translates onto her  canvasses look like links passed along from age to age; they  seem  to reach both forward to an unknowable destiny and  backward to ancient,  archetypal pre­Christian realms. They are laden with Greco­ Roman earthiness, like the Fayum portraits of Egypt. A Morris  woman is never a modest, sorrowful virgin or martyr following  orders and ashamed of her body, but a bare and naked  woman negotiating her destiny through treacherous, twisting  and shifting terrains of fate.  Morris’s monumental canvasses are usually theatrical with full  figures standing, riding, or suspended in enigmatic poses, in  situations perpetually ripe for the psychoanalyst’s couch.  “Ambrosia,” “Red Road” and “Spiritus Mundi” are relatively  straightforward in their narratives. The couple in “Red Road”  and the curled up baby in “Spiritus Mundi” have their eyes  closed or  averted. In contrast, the eyes of all three figures in  “Ambrosia”  –– the kneeling girl­child, along with the departing mother and  the babe in arms astride a white horse  –– pierce the surface of  the painting to look directly  into the eyes of the viewer.  Morris’s faces often epitomize the rubric that eyes are the  “window of the soul.” If you stand and look at these figures, you  are included as a participant in the drama. The persona of this  work taps into the nature of meeting and leaving; into the  implications of witnessing, whether willing or not; into the 

ambiguity, awkwardness and messiness of always operating  with no clear path. These romantically eerie renderings are also  disconcertingly becalmed.  The theater of the other large canvas  “Silent Spring” has a  quite different feel and tone. It is a more operatic, ominous  mystery tale. The most commanding section of the painting  features a flesh­colored bird peering at the stage from a  circular window. His elongated nose punctures the circular  perimeter like an animated introductory Warner Brothers  cartoon character in a cartouche. This puffy­cheeked, beady­  eyed bird holds a lens in its fully articulated human hands. On  the stage is a lanky figure draped in a luxurious, trailing robe,  whose back is turned. The standing figure has its left arm  extended and head hunkered down, as if blinded and  cautiously entering a blizzard of paint that is also a deafening  cascade, where nothing ahead is discernible.  There is something magnificent in Morris’s small, individual  portraits heads. Like so much of her work, “To War No More”  has an Italianate cast, and the  adolescent face  –– perhaps male, perhaps female, of an age  for military recruitment  –– looks out of its foot­square format,  directly across the  centuries. It is an eerie, affecting portrait that appears  unfinished, like so many young lives lost to the follies of battle.  It’s title is a perennial plea, and still sadly contemporary.  The gawky young boy in “The Toy” is also laden with the ache  and vulnerability of leaving childish things behind. He holds a  crude doll to his heart and his pale torso seems to tremble  against a starry night sky. As the boy lists and squints looking  right, behind him on the left, the thick darkness is slashed with a  red streak as bright as a fresh wound.  Also of particular note in the exhibition is the cheery young man with pale 

clown make­up titled “No Borders.” Over his head are a series  of quickly sketched broad­brimmed hats (that could also be  flying saucers) resembling the headgear of an itinerant  medieval monk. Although he wears a dapper and fully realized  beret on his head, the quickly drawn hat just might suit him  better: Is his true nature that of a clown? A cleric? An artist?  Maybe all three; maybe none.  There is a riveting solidity and anguish in Morris’s diptych  “Consumed,” with the right panel depicting a mature woman  raising her arms to cover her ears with her hands as if one more  sound, one more word, even the tiniest vibration was torture.  On the left is a teensy figure walking a tightrope, with the rope  turning into a trajectory, perhaps a spear, crossing from this  panel to penetrate the panel of the woman in pain.   Although Morris operates in mythic territory it is the specifics of  her stories  on canvas that grip our imaginations. 

If you go 

WHAT: KATHLEEN MORRIS: “Desire”  WHERE: Box Gallery, 1611­A Paseo de Peralta, Railyard Arts District, Santa Fe  WHEN: Through Oct. 15.  HOURS: 10 a.m. ­ 5 p.m. daily.  CONTACT: 505.989.4897 or  

Art Issues column MALIN WILSON­ POWELL  For the Journal Albuquerque Journal NORTH Section

Kathleen Morris at Box Gallery  
Kathleen Morris at Box Gallery  

Review of Kathleen Morris "Desire" painting exhibition at Box Gallery, Santa Fe