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[|] Ago 2011

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Coordinador General Daniela Estrada Guarneros Corrector de Estilo Antonio Nuñez Velazquez Arte y Diseño Javier Guzmán Barocio Impresión Objeto Visual Cuidado de Impresión Eugenia Santiago Portada Fotografía: Jaqueline López La Danza del Lápiz Rosario Manzanos Manuel Stephens David Dominguez Adriana Álvarez Édgar Blancas Silverio Orduña Alma Cortés Chavarría Rogelio Alonso Laguna CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO - Insurgentes Sur 3000 Contacto www.danza.unam.mx danzaunamprensa@yahoo.com.mx facebook/danzaunamdos twitter/danzaunam 5622 7051 / 5622 7052 / 5622 7091 2

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[ | ] - MAGAZINE


índice 4

Michael Jackson, el único

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muestra fotográfica

15 programa 29 a dos años

de la pérdida de pina bausch

32 una artista de la posguerra

36 danza virtual

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JACKSO

EL ÚNICO POR RoSARIO MANZANOS lA DANZA DEL LAPÍZ

El mundo sin Michael Jackson no es el mismo. Cuando menos así lo sienten los millones de fans del artista que cambió el giro de la historia musical con su voz afinada y su ritmo demencial. Conmemorar su fallecimiento no debe generar más tristeza, debe, en cambio, ser una celebración por todas las contribuciones que hizo --con pura intuición y profesionalismo a prueba de todo-- a la danza y a la cultura universal.

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Michael Jackson no fue un bailarín de excepción, sino en alguna medida, la culminación de un proceso y una tradición cultural en los Estados Unidos. A partir del break dance, él y sus coreógrafos, estilizaron la danza callejera y lograron imponerse a todo tipo de público. Trasladar a la cultura de masas una forma estilizada de un baile popular siempre resulta en una retroalimentación, algo que siempre ha existido en la cultura popular y muy en particular en la cultura afroamericana estadounidense. Por lo mismo se entiende el éxito de Jackson (19582009) y su determinante impacto en la apertura de los empresarios de la farándula hacia los artistas de origen negro. Al mismo tiempo, el bailarín recién fallecido impuso el video con argumento, algo así como un “mini musical”, heredero por supuesto de los musicales de los años cuarenta y cincuenta, con lo que retoma toda la tradición Hollywoodense –muchos de los pasos de Jackson se encuentran en las rutinas de los años cuarenta de los Nicholas Brothers— lo que le dió a sus espectáculos enorme solidez y gran valor cultural. A pesar de no tener una formación dancística académica, “El Rey del Pop” fue prácticamente durante toda su carrera un bailarín ágil, preciso, con un sentido del ritmo extraordinario. Incluso su manera de bailar podría entrar dentro de la clasificación del jazz, por integrar dentro de su ejecución todos los elementos que caracterizan ese tipo de danza, tal como el aislamiento de diferentes partes del cuerpo, el ataque rítmico y el contratiempo marcados sistemáticamente. I want you back La primera influencia definitiva en la forma de bailar de Jackson fue James Brown y su música llevada al extremo del rithm and blues, soul y el funki, esto se aprecia clara-


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mente en el video realizado por los Jacksons Five en 1968 durante la audición que hicieron en la disquera Motown. Ahí, el baile del grupo tiene un tono callejero pero con algún tipo de estilización. Posteriormente fue el afroamericano Charles “Cholly” Atkins quien determinó la forma de bailar de Jackson y su familia. Este artista fue quien diseñó las rutinas de movimiento de grupos como The Tempetations, The Supremes, Smokey Robinson & The Miracles, entre otros. Los movimientos fueron definidos por el propio Atkins como: “un pasito adelante, un pasito atrás, daban la vuelta, movían los brazos y regresaban a lo mismo”. Se trataba de montajes corporales organizados por posiciones. Pero el giro decisivo en la carrera dancística de Jackson se da con la presencia del coreógrafo afroamericano Michael Peters (1949-1994) y la creación de Beat it y Thriller. Poseedor de una maestría en danza moderna, el coreógrafo era autor de numerosos espectáculos de cabaret, especiales de televisión y había ganado el premio Tony en 1981 por la comedia musical Dream Girls. A partir de su trabajo con Peters, Michael pasó de las rutinas al estilo Motown a un trabajo coreográfico más complejo, algo que el artista no abandonó nunca más. Al mismo tiempo, la principal habilidad de Peters era lograr que las estrellas de rock parecieran bailarines entrenados. Incluso se sabe que durante la realización de Beat it –Peters baila como el hampón vestido todo de blanco-y Thriller por John Landis, Jackson le pedía a su coreógrafo pasos de baile y movimientos sin utilizar términos dancísticos, simplemente porque los desconocía, empleaba en su lugar expresiones emotivas como “quiero un paso que eleve la temperatura, aquí quiero un movimiento triste, después uno espectacular.” Jackson entró así por la puerta grande a la videodanza, trabajó con

realizadores como John Landis (Thriller 1982), Martin Scorcese (Bad 1987) y con el coreógrafo Vincent Patherson, autor de la coreografía Vogue de Madona. Con quien elaboró el concepto de Smooth Criminal. A partir de la muerte de Peters, Jackson se asumió claramente como coreógrafo y creo conceptos, diseñó dramaturgias y todo un vocabulario personal en el que ya incluía conceptos de la danza contemporánea. Esto se veía venir cuando el bailarín concibió toda la idea coreográfica para Black and White (1990) en donde participa en danzas africanas, apaches, tailandesas, árabes y en un gopak ruso. El mejor ejemplo del desarrollo coreográfico se aprecia en el corto Ghosts (1993)concebido al alimón con Stephen King con el cual deslumbró al Festival de Cannes y obtuvo reconocimientos de la crítica. Cansado y sin condición física Jackson aceptó en el 2001 celebrar con el grupo NCYS y Justin Timberlake en MTV. Tenía previsto no poder sostenerse por lo que pidió una silla en el escenario y una bebida para hidratarse. Después de uno o dos minutos minutos de gran intensidad --y sólo lograr dos pirouettes cuando solía hacer seis o siete, exhaustó, se desplomó en la silla y le dieron su refresco. Su gira final This is it lo obligó a recuperarse. Él mismo audicionó a miles de bailarines. Sus coreógrafos lo asesoraban pero él que realmente decidía si podían o no dar lo que él necesitaba era él. Diseñó el concepto, contrató a un mago especializado en efectos especiales y creo una serie de coreografías sensacionales, videos, dramatizaciones. Lo suyo no era dar recitales, sino generar todo un concepto del espectáculo. Su repentina muerte sólo nos dejó un documental en el que podemos atisbar al artista, al bailarín, al cantante que nos hace falta siempre. 7


muestra fotográfica - Jaqueline López - Sin Título

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P La Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM a través de la Dirección de Danza presenta A:

- Tino Fernández y Juliana Reyes

- Paola Aimée Rodríguez, Aldo Córdoba, Taniel Morales, Marina Meza, Gabriel Morales y Hugo Heredia. - Bernardo Benítez

SALÓN DE DANZA Oficinas de la Dirección de Danza Estacionamiento 3, Centro Cultural Universitario Insurgentes Sur 3000.

ENTRADA LIBRE

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pr贸ximamente

10-11

desde francia Carolyn Carlson de septiembre

Sala Miguel Covarrubias

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Del 8 al 10 de Agosto De 10:00 a 15:00 horas ENTRADA LIBRE

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TALLER

DEL BESO al arte del movimiento Impartido por Tino Fernández y Juliana Reyes de la Cía. L’EXPLOSE de Colombia La labor del intérprete es la parte más importante de la creación escénica. Es en él, donde convergen los elementos y de donde surge el sentido mismo de la puesta en escena. Su trabajo justifica, provoca y realza los demás elementos que hacen parte de la obra. Ensayo tras ensayo, se busca que el intérprete sea capaz de capturar la atención del espectador, movilizar su imaginario y satisfacer la sed visual y de sentido que motiva al espectador a asistir al teatro. Servirá de pretexto para distintos ejercicios a partir de los que se abordará la labor del intérprete como parte fundamental de la puesta en escena. Se establecerá la relación con el espacio escénico y con los demás a través de ejercicios de musicalidad, escucha y composición, con reglas de juego muy definidas que permitirán encausar la labor del intérprete y definir sus acciones. Con base en estas dinámicas se plantea una reflexión sobre la dramaturgia del intérprete y su relación con la percepción del espectador. De igual manera, se realizarán ejercicios interpretativos que conduzcan a hacer elecciones incómodas entre: concentración o atención; ver o mostrar; originalidad o singularidad; movimiento o acción. Tino Fernández. Nace en Asturias, España, es director y gestor de la Compañía L’EXPLOSE, Entre 1977 y 1980 cursó estudios de arte dramático en Madrid. Comenzó su experiencia profesional en la compañía de teatro TRASGU, con la cual participó en tres de sus creaciones. Más tarde se orientó hacia la Danza Contemporánea, motivo por el cual se instaló en París en 1983, en donde hizo estudios con Isabelle Dubouloz, Pierre Doussaint, Clo Lestrade, Jacques Patarozzi, Eléonore Ambash, Catherine Diverrès, Sara Sugihara y danza clásica con Enmanuelle Lyon y Jacqueline Fynnaert. Como Bailarín ha trabajado con diversas compañías, entre las cuales destacan, Sylvie Ageon, François Larochevalière, Audry Grant, Jean Marc Colet, Gilles Mussard, forma parte del grupo de investigación de coreógrafos parisinos La Règle d’Or y de la Compañía Catherine Berbessou. Juliana Reyes. Estudió Interpretación Gestual en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (RESAD), España. Ha impartido talleres de actuación, dramaturgia no verbal y dramaturgia del intérprete en España, Francia, Italia, Colombia y Costa Rica, entre otros. Entre las obras que ha dirigido se encuentran: Ad portas, porque hay amores que matan, Al salir de la crisálida, estas dos obras de su autoría; Las criadas, de Jean Genet, Decadencia, de Steven Berko, montaje coproducido por El Consejo Británico y el Teatro Nacional, entre otras. Con la Compañía de danza L’EXPLOSE ha realizado la dramaturgia de las obras: ¿Por quién lloran mis amores?, La mirada del avestruz, El tiempo de un silencio, Frenesí, Dime lo que ves, La huella del camaleón II, La razón de las Ofelias y Tu boca; así como la asistencia de dirección de la obra Sé que volverás, todas ellas dirigidas por el coreógrafo Tino Fernández.

DIRIGIDO A: actores y bailarines profesionales o en formación. Salón de Danza, Centro Cultural Universitario UNAM 8 al 10 de Agosto De 10:00 a 15:00hrs

Informes: danzarocio@hotmail.com danzarocio@yahoo.com.mx danzaunamprensa@yahoo.com.mx 5622 7051 y 52 19


Del 16 al 19 de Agosto 19:00 horas ENTRADA LIBRE

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PRESENTAN Paola Aimée Rodríguez, Aldo Córdoba, Taniel Morales, Marina Meza, Gabriel Morales y Hugo Heredia TRASLACIÓN es una instalación escénica interdisciplinaria, que aborda el paso de la modernidad a la postmodernidad, considerando éstas como paradigmas y no solamente como estéticas. La propuesta abarca diferentes disciplinas y manifestaciones como la instalación multimedia, fotográfica, sonora, iluminación y danza, teniendo como reto no ser una mera exposición de las mismas, sino lograr una interacción entre todas. La obra tiene un doble significado, por una parte se refiere al descubrimiento del movimiento de traslación de la tierra, hecho que marca el inicio de la “era de las ciencias” y por lo tanto, la idea de la razón sobre el sentimiento y de la construcción del hombre como un ser superior a los animales. Todo ello es lo que distingue el paradigma de la modernidad y la idea de progreso y novedad. Por otra parte Traslación nos remite inherentemente a “movimiento”; a trasladarnos de un paradigma a otro. No se trata de hablar de la postmodernidad como una solución, se trata de abordarla como un momento de transición para salir del modelo de pensamiento moderno que nos ha imperado los últimos tres siglos. Es complejo abordar ambos paradigmas, por tal razón todo el equipo creativo involucrado en esta propuesta se ha sumergido en el viaje de la reflexión para lograr “moverse de lugar”, mismo que es representado por nuestras disciplinas de origen, pensamientos, costumbres y formas creativas. Es así como en esta propuesta se aborda el paradigma moderno, con un toque de discursividad, para plantear el siguiente paradigma con escenas y momentos que rompan con la linealidad y con los ejes dramáticos posibles. La propuesta es “no narrar”, sino expresarnos y que cada persona le asigne la significación que desee. Dicho de otra manera, queremos cambiar, e invitar con ello a todo aquel que se quiera sumar al eterno movimiento de traslación. Paola Aimée. CRÉDITOS: Instalación y multimedia: Aldo Córdoba

Instalación sonora: Taniel Morales

Objeto móvil (vestuario) Marina Meza

Fotografía, diseño y registro del proceso: Gabriel Morales

Producción ejecutiva e iluminación: Hugo Heredia

Dirección general e intérprete: *Paola Aimée

** Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. * Beneficiaria del Programa Creador Escénico A 2008-2009 y del Programa de Fomento para la Producción Artística 2010-2011. 21


Bernardo Benítez

Escribir sobre Bernardo Benítez es sin duda, hacer mención de una figura infaltable en la historia de la danza, la cultura y las artes de México y aunque, es un lugar común este tipo de aseveraciones, cuando se realiza alguna suerte de reseña o sinopsis sobre algún personaje, pocas veces podemos decirlo con tanta seguridad, convicción y legitimidad como es el caso del Maestro Bernardo Benítez. Razón por la cual uno no puede más que escandalizarse y un segundo después sonreír lastimeramente cuando algún funcionario público de la danza dijo: ¿Quién es Bernardo Benítez? ¿Quién es?, esa es la cuestión: quién fue, que ha hecho y lo que será su recuerdo es menester de otro tiempo. En el aquí y el ahora, sólo hay algo sustancial: tener muy claro quién es Bernardo Benítez. El significado y relevancia de su figura para todos nosotros debe ser un ejemplo, una guía, pero sobre todo una inspiración y una aspiración. En los caminos del arte escénico, los grandes creadores viven en su tiempo, pertenencia y circunstancia según el tiempo y momento que les corresponde vivir. Bernardo como muy pocos, vivió los que quizás sean los tres tiempos vitales del artista escénico, tiempo que se transforma en oficio y momento: bailarín, coreógrafo y maestro. Triada que representa el vertedero del cúmulo de experiencias vitales traducidas en experiencia viva, creación y raíces que se expanden por la tierra en común de cientos de pasos en la danza. Cómo bailarín dicen -los que lo vieron más allá de los soportes digitales o análogos-, que era simplemente inmenso, que dominaba el escenario desde la profunda soledad generada por su interpretación. Su interpretación de Ícaro de Michel Discombey en el Palacio de Bellas Artes es un auténtico mito; algunos dicen que era maravilloso, otros que era excelso y otros simplemente dicen que era mágico, que ese enorme escenario se rendia ante ese bailarín que irrumpía en el espacio como sólo algunos pocos pueden hacerlo, esos pocos que se encontraron con la danza para no dejarla jamás. Alguien dijo que ese Ícaro hacia que Bellas Artes se rindiera a los pies de ese bailarín, por eso, esa noche se convierte en mito, alimentado y atesorado por miradas y oídos que llevan la historia al nivel de una convención colectiva, que conviene que una noche sin fecha ni tiempo, un bailarín tomo sus alas y voló. Esa noche se recordará, que un bailarín de nombre Bernardo Benítez surcó el tiempo y el espacio para -en plena noche- ver de frente al sol más allá de nuestro mundo.

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De talento portentoso, Bernardo fue un creador prolijo. Desarrolló un discurso a partir de un lenguaje discursivo de movimiento propio, antecedido de una propuesta de movimiento clara y apelando a un alto rango de signos de movimiento, que eran la base de piezas que iban de la composición a la estructura y el contenido. Simple o pura, como quiera llamársele a su danza; Apela a las potestades del movimiento por sí mismo como factor y como hecho, como signo y significado, como expresión y contemplación. La obra de Bernardo Benítez busca generar todo a partir de sí misma, como el sonido o el color; vive y existe en tanto que es y será la interpretación de ese ser lo que construya el universo, big bang de tiempo y espacio. La danza finalmente y antes que todo es movimiento. Kinétikas cumple 30 años este 2011, otro mito que trascenderá el tiempo. Los que la bailaron lo dirán siempre: el alto grado de dificultad que no estaba ligado al virtuosismo como forma o estructura externa, si no como el pináculo de una propuesta y un estilo del movimiento, como la gran tesis de un discurso corporal. Todo coreógrafo tiene su piedra filosofal de donde surgirán los nuevos códigos y discursos a partir de encontrar sus trazos de expresión: signos, formas y movimientos que serán la base del discurso y sus posibilidades, de combinaciones infinitas, tal y como funcionan los dígitos. El mito de Kinétikas dice que era una pieza descomunal donde la danza iba generando una sensación de sinergia que iba más allá de los cuerpos vueltos vehículos energéticos de los bailarines. También se dice que al final los cuerpos creaban un remolino de energía que se expandía devorándolo todo. Simplemente sería imposible enumerar todos los alumnos del Maestro Bernardo Benítez y ese es un mito más grande y quizá más perdurable. El mito dice que el bailarín sólo sabía que tenía que tomar la clase de Bernardo… Y el bailarín imaginaba al maestro arrogante sabedor de sus capacidades y adeptos, hostil y prepotente en espera de que alguien hiciera los méritos para merecer su atención, como tantos y tantos que andan por ahí, con y sin los méritos del Maestro. Cuál sería la sorpresa del bailarín cuando llegó al salón de la Escuela Nacional De Danza Folklórica, y después de correr por un pequeño espacio en la barra, descubre a un hombre sencillo, de mirada clara y voz calmada, que proyecta la serenidad de quién cuenta con el conocimiento y la sabiduría de su parte; generoso hombre entregado a la pasión que lo define: la danza. El Maestro ocupa ya un lugar al lado de los formadores y tutores de cientos de bailarines.

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--------------------------------------Desarrolló una metodología sin la pretensión de llamarla así -y podemos darle ese sustantivo por su eficacia y precisión-. Quién pasaba por el aula del maestro lo notaba, lo entendía y crecía. El Maestro le dio la vuelta a la visión de mucha gente, convirtiéndose en un formador, entregado y comprometido con alto sentido ético, pero sobre todo, con una cualidad reservada para los grandes maestros: Enseñar la pasión por la danza, contagiarla, cultivarla y transformarla en pasión por vivir.

---------------------------------------El Maestro Luis Fandiño suele decir que la Danza salva, y Bernardo Benítez es un elegido de la danza que ha vivido bailando y hoy más que nunca debe saber que nunca estará sólo. En la más larga de las noches y en todo tiempo, caminarán con él muchas vidas a las que ayudó a ser mejor vividas. Con los pasos en su alma y las sonrisas agradecidas en sus ojos, la sangre no deja de galopar. Donde la vida siembre con el rocío de universo, la luz llega plena absoluta e infinita... 24


FUNCIÓN A BENEFICIO Información: www.danza.unam.mx 5622 7051 / 5622 7052

--------------------------------------Cada cosa que dejó de ser lo que era para ser algo mejor, necesitó de la fuerza incontenible del amor, manifestándose de formas maravillosas como luz, como sonido, como palabras, como amor, como danza.

---------------------------------------Hoy más que nunca y hasta siempre no está solo. Gracias Maestro.

Texto POR Juan Manuel Cano Sur Oeste Arte Escénico A.C. fotografía POR Elizabeth Vinck

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próximamente Del takju al tequila Confluencia de dos culturas en la danza Encuentro de danza contemporánea México Corea 26


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UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO Rector Dr. José Narro Robles Secretario General Dr. Eduardo Bárzana García Secretario Administrativo Lic. Enrique del Val Blanco Secretario de Desarrollo Institucional Mtro. Javier de la Fuente Hernández Secretario de Servicios a la Comunidad M.C. Ramiro Jesús Sandoval Abogado General Lic. Luis Raúl González Pérez Coordinador de Difusión Cultural Mtro. Sealtiel Alatriste y Lozano Director de Danza Mtro. Cuauhtémoc Nájera

DIRECCIÓN DE DANZA

Jefe de Programación Gabriel Cruz

Asistente Manuel Alfonso Mendoza

Asistente Rocío González

Asistente Web Gabriela de Pablo

Asistente Académico Jorge Robledo Ávalos

Prensa Juan Hernández

Taller Coreográfico UNAM Gloria Contreras

Smartmobs Vania Alethia Sauer

Asistente Ana María Molina

Jefe de Producción Gilberto Ortega

Supervisión e Inscripciones de Talleres Silvia Vargas

Asistente César Hiram Mendoza

Coordinador de Proyectos Enrique Tovar “Dieck” Asistente Domingo Garzilazo Jefe de Logística Miguel Angel Hernández Asistente del Director y Estadística Karina Zamora Jefe de Difusión y Prensa Rafael Martín Gómez Martínez

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Jefe de Unidad Administrativa Carlos Garibay Asistente de Administración Lucero Rodríguez Personal de Administración Raúl Grijalva Juan Ortiz Guadalupe Vargas Óscar Mendoza Servicio Social Brenda Berenice Villalobos Nayeli Sánchez González Daniel Guerrero y Daniela Olvera


A DOS AÑOS E LA PÉRDIDA P I N A B A U S C H POR Rogelio Laguna lA DANZA DEL LAPÍZ

El próximo 30 de junio se cumplen dos años del fallecimiento de la célebre bailarina y coreógrafa alemana Pina Bausch, quien murió a los 69 años víctima del cáncer. Bausch fue una de las grandes figuras de la danza contemporánea, y su compañía alcanzó el respeto y la admiración del público de todo el mundo. Sus creaciones recorrieron los escenarios de los cinco continentes y fueron registrados para la posteridad en un filme 3D por el director de cine Wim Wanders. Basuch nació en 1940 durante la Guerra Mundial, razón por la que no pudo acercarse al mundo de la danza sino hasta terminada la guerra. Al cumplir los 19 años viajó a Nueva York en donde pronto se abrió camino. En los Estados Unidos conoció además la obra de Martha Graham, obra que le haría interesarse por crear un lenguaje plástico más libre y vital para la danza. Regresó a Alemania en 1961 donde conoció a su mentor, Kurt Joss, y ahí comenzó una larga carrera de éxitos que la seguiría hasta su muerte. 29


Pina Basuch dirigió en Alemania durante 36 años a su compañía llamada Wuppertal, con la que cosechó grandes éxitos y con la que mostró al mundo una revolución en el lenguaje del cuerpo y de las posibilidades dancísticas. Fue también una artista nómada que lo mismo vivió en Lisboa que en Hong Kong. Fumadora y fuera de foco, no dudaba en inundar un escenario con tierra o con agua ni escatimaba movimientos con tal de explorar nuevas y fértiles caminos para la danza, lo mismo creaba con música o en silencio, e incluso hacía que sus bailarines hablaran —en lo que ella misma llamaba teatro-danza—.

Las coreografías de Pina evocaban a la belleza y los movimientos de la vida, recordaban viejos rituales y los resignificaban, ejercían la crítica y el análisis a la realidad social y a la experiencia del cuerpo. A dos años de su muerte Pina y su legado siguen influyendo en el mundo de la danza, no sólo en la memoria de los miles de espectadores que acudieron a ver sus coreografías, sino que para fortuna de todos, la obra de Pina Bausch fue registrada y difundida en video y dvd, por lo que su trabajo puede ser estudiado y admirado por las generaciones que no tuvieron la fortuna de verla o ver a su compañía en plena acción. Entre sus obras coreográficas destacan Orfeo y Eurídice (1975), Consagración de la primavera (1975), Café Müller (1978), Wissenland (2000) y Aqua (2001), entre muchos otros. No deben olvidarse tampoco sus participaciones en cine con Pedro Almodovar o con Federico Fellini. Entre muchos premios y reconocimientos que recibió, fue galardonada con el premio Goethe en 2008, justo un año antes de su muerte. 30


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posguerra Se cumplen dos años de la muerte de Pina Bauch. El vacío y la orfandad en la que permanecen los admiradores de la artista y su brillante obra, no se llenará jamás. La razón es clara: ser testigos de la genialidad del ser humano y al mismo tiempo de su fragilidad ante la muerte es una paradoja terrible.

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La tradición de las artes escénicas, en particular de la danza, impulsada por el Tercer Reich, es la que Pina Bausch heredó y desarrolló, y que la llevó a ser reconocida como la creadora de la danza-teatro.

entrevista para El Mercurio de Chile, en el 2009. Pina inició su formación artística con Kurt Joos, director de esa la escuela y una de las principales figuras de la danza mundial.

Philippine Bausch, mejor conocida como Pina, nació en 1940, un año después de haber iniciado la Primera Guerra Mundial. Se crió en Solingen, ciudad industrial del norte de Alemania, donde sus padres eran dueños de un restaurante. Su gran suerte llegó en 1949, cuando se instaló la Folkwang Schule en Essen, señaló la bailarina en

En 1959, la bailarina estudió en Nueva York en la mítica Juilliard School, presentándose en el Metropolitan y en la New York City Opera. Casi diez años después, su primer maestro, Kurt Joos, entonces director de la ópera de Wuppertal, la llamó para trabajar con él. En Essen realiza su primera obra, Fragment.En 1973,


--------------------------------------Joos le ofrece tomar la dirección de la compañía de danza y aunque ella se reusa temerosa de las ataduras: “yo creaba en libertad y la rutina me aterraba” aceptó el cargo y desde entonces, no lo abandonó hasta su muerte en junio de 2009. A lo largo de más de tres décadas la bailarina y coreógrafa ha sido reconocida por los críticos como una renovadora de la danza, una danza calificada como expresionista –abstracta– que llevó a la Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, como actualmente se llama, a los más importantes escenarios del mundo.

Los principales temas de la obra de la creadora muerta intempestivamente a causa del cáncer son el miedo, la injusticia social, la desigualdad de género, la violencia y la soledad. Ante la obra de Pina Bausch, el especialista en arte Adolfo Vázquez Rocca afirma que “la danza contemporánea ha encontrado una renovadora vertiente abstracta y expresionista, ampliando así sus fronteras, dejando de ser un género teatral diferenciado, para constituirse en una manifestación más de los procesos de hibridación propios de la sensibilidad postmoderna”. 33


El pasado nazi de la danza contemporánea Muchos se han preguntado por las raíces estéticas de Pina Bausch,y para conocerlas es necesario –por desgracia-- regresar a los años nazis. En lo treinta, Adolf Hitler llegó al poder, desde donde impulsa el desarrollo de las artes, aunque no de todas las artes, ni de todos los géneros.

bailarines y coreógrafos alemanes más afamados con el régimen nazi. Muestra de ello fue la participación de Laban como coreógrafo del programa de los Juegos Olímpicos de Berlín, en 1936. Los autores también evidenciaron la exclusión de artistas judíos de la escena dancística.

La música atonal o la pintura abstracta fueron consideradas como “arte degenerado”. El objetivo era difundir a través de las artes la ideología totalitaria, la pureza racial y el anticomunismo, para lo cual nombró a Joseph Goebbels como su ministro de propaganda.

Sin embargo, Laban, al igual que otros artistas, tuvo severos problemas con el régimen, situación que los hizo huir a países donde desarrollaron el arte y la continua búsqueda de esa regeneración, pero con aspiraciones más intelectuales que la del control de las masas.

Entre las artes que el nazismo permitió y utilizó se encontraba la danza. El punto de encuentro entre el Estado y la danza fue la búsqueda de la regeneración, de la versión física del “hombre nuevo”, del “súper-hombre”. Una de las conexiones esenciales entre nazismo y danza, fue el elemento más inmediato que identificaba al pueblo con sus gobernantes: el saludo nazi. Ese movimiento llevaba a la masa anónima a participar de manera primordial en una coreografía. Para evidenciar la ideología nacional-socialista, el propio Hitler declaró en 1942: “La danza, junto con la música, es la expresión cultural primaria del Volk“, del pueblo. Entre las principales figuras de esa danza moderna alemana están Rudolf von Laban, Greta Palucca y Mary Wigman. El primero de ellos fue el maestro de Kurt Jooss, quien a su vez fue el maestro de Pina Basch. En 2004, Lilian Karina y Marion Kant dieron a conocer, en el riguroso y polémico estudio Hitler’s dancers: la estrecha relación entre los 34


El arte alemán de la posguerra En 1945 se declara el final de la guerra. Pina Bausch tenía entonces 15 años y su maestro Kurt Joos se encuentra en Inglaterra, país que lo había recibido en 1933, cuando huyó de Alemania. Varios de los artistas alemanes que volvieron a su país después de la guerra se vieron influenciados por las corrientes artísticas de los lugares que los recibieron durante su huída. Otros, como Pina Bausch tuvieron experiencias menos difíciles, pero no por ello menos enriquecedoras. Algunos más prefirieron quedarse en Alemania o no pudieron salir, como Mary Wigman, quien

tuvo que interrumpir su creación bajo el régimen de Hitler. Las diferentes disciplinas del arte alemán de la posguerra muestran elementos comunes. En primer lugar se enfrenta a la devastación y la división nacionales. Los artistas de Alemania Occidental --Willi Baumeister, Ernst Wilhelm Nay, Emil Schumacher y Fritz Winter, entre otros-- se inclinaron por el arte abstracto, mientras que los de Alemania Oriental --Bernhard Heisig, Werner Tübke, Walter Libuda y Volker Stelzmann-producían un arte “socialista y realista”. No obstante, la evolución de los artistas alemanes de la posguerra seguirán líneas, divergentes unas, convergentes otras, tanto del lado Oriental como en la República Federal. Como en el caso de Pina Bausch, no se conformaron escuelas claramente definidas, sino que los artistas desarrollaron su producción independientemente unos de otros. Las obras de los artistas abstractos, también llamados neoexpresionistas, no cuentan con una estructura narrativa ni tienen un desarrollo lineal, sino que muestran episodios de expresiones propias del ser humano. En la danza, dichas emociones se evidencian con movimientos abruptos que toman el espacio como algo propio. Con libertad, se desarrolla el lenguaje gestual y los temas vuelven una y otra vez a sentimientos como la soledad o el miedo, tal como lo expresaba en sus obras la bailarina y coreógrafa Pina Bausch. .

POR Adriana Álvarez lA DANZA DEL LAPÍZ 35


texto POR conny g. vega

fotograf铆a POR jaqueline l贸pez

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Una pantalla, es también un escenario, y el público aplaude al teclear sobre la computadora. La danza tiene distintos espacios y matices en el mundo virtual del World Wide Web, llevando y mostrando los movimientos de los bailarines a través de la fibra óptica. La danza no se limita en espacio y tiempo, sino que permanecen en el ciberespacio, como códigos binarios que bailan fragmentados. En internet se aprende sobre algunos estilos y géneros de la danza, como ejemplo el jazz, hip hop, tap, salsa, tango, bailes de salón; encontramos diversos videos tutoriales, que nos indican consejos sobre pasos técnicos, ejercicios específicos de la técnica, rutinas coreográficas, he incluso tips sobre interpretación escénica; que permitirán conocer y acceder un poco más a estas técnicas de danza. Posiblemente encontremos información errónea, por lo cual siempre habrá que consultar a maestros especialistas en la materia, pues con la libertad que ofrece el internet, cualquiera se vuelve creador de videos, aunque tenga o no experiencia en danza. También, el aprendizaje y el conocimiento se extiende a esos rincones del planeta donde no existe la posibilidad de acudir a una institución o escuela de danza, por lo cual el internet amplia no solo a la danza, sino al arte y la cultura por el mundo. En materia teórica, existe un sinúmero de fragmentos de videos documentales, reportajes, entrevistas y conferencias, que abordan diferentes temáticas: vida y obra de grandes figuras, estudios sociológicos donde se incluye a la danza, historia sobre el desarrollo de las distintas corrientes dancísticas, etc. narrado en boca de sus protagonistas y por expertos investigadores y compiladores de la danza. Incluso páginas web dedicadas a grandes compañías de danza o escuelas e institutos dedicados en memoria a virtuosos bailarines, se vuelca en 37


un archivo descriptivo, que contiene sus inicios, logros y estilos, registros fotográficos y de video. Una gran biblioteca virtual que contiene los hechos de la historia y los protagonistas de la danza en el mundo, a través de un click.

En un caso innovador podemos encontrar que dentro del Net Art (manifestaciones del arte, realizadas especialmente para internet), se presentan coreografías interactivas, utilizando programas de edición de video y gráficos.

Ya hablamos de la memoria de la danza dentro de la realidad virtual, ahora hablemos de la posibilidad de observar presentaciones de danza en tiempo real, al instante, sobre la pantalla de la computadora. La televisión por internet presenta la oportunidad de convertirse en público virtual de una función de danza; no importando si está se ejecuta en Nueva York y nosotros vivimos en Timbuktu. El desarrollo de los llamados streaming live (sitios de transmisión en vivo) ofrece acceder a la sala de un teatro real, dentro de las presentaciones de las compañías de danza, ser testigo de sus obras coreográficas. En algunos casos se puede acceder gratuitamente; algunas compañías cobran una tarifa baja, comparando su precio contra el costo del boleto para asistir presencialmente.

En el mundo virtual, son pocos los de proyectos sobre danza contemporánea interactiva pero van en aumento. En algunos casos la dinámica es escoger secuencias coreográficas preestablecidas y se reproduce la secuencia, incluyendo música y animaciones graficas.

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Definitivamente la presencia en vivo del movimiento de los cuerpos sobre el escenario, es una experiencia vibrante a los sentidos, que conmueve e impacta. La danza virtual por otro lado podrá carecer de ese vínculo con los sentidos, pero genera el interés por conocer la danza en vivo, observar y visualizar los trabajos coreográficos de frente al escenario, levantarse de su asiento y aplaudir al final. La danza virtual, ofrece que el trabajo sea conocido alrededor del mundo digital.


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D Agosto