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Inkarnat und Signifikanz Das menschliche Abbild in der Tafelmalerei von 200 bis 1250 im Mittelmeerraum (ISIMAT)

Flesh colors and their significance Human images in panel painting from 200 to 1250 AD in the Mediterranean region (ISIMAT)

Forschungsprojekt Research project www.rkk.ar.tum.de Projektkoordination Project coordination Lehrstuhl für Restaurierung, Kunsttechnologie und Konservierungswissenschaft Chair of Restoration, Art Technology and Conservation Science Prof. Erwin Emmerling, Dr. Cristina Thieme, Dipl.-Restauratorin (Univ.) Luise Sand, Dipl.-Restauratorin (Univ.) Anna Rommel-Mayet Kooperationspartner Cooperation partners Zentralinstitut für Kunstgeschichte (München): Dr. Esther Wipfler, Dr. Yvonne Schmuhl Doerner Institut (Bayerische Staatsgemäldesammlungen München  Bavarian State Painting Collections Munich): Prof. Dr. Andreas Burmester, PD Dr. Heike Stege, Dr. Patrick Dietemann Opificio delle Pietre Dure (Florenz, Italien Florence, Italy): Soprintendente Dr. Marco Ciatti, Dr. Cecilia Frosinini, Chef Restaurator Roberto Bellucci Förderung Funding Bundesministerium für Bildung und Forschung (BMBF) Federal Ministry of Education and Research (BMBF) Laufzeit Duration 2014 - 2017

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Die Bedeutung von Bildnissen des Menschen in der Tafelmalerei von der Antike bis zum Frühmittelalter sind Thema des Forschungsverbundes. Die Antike differenzierte Porträtarten durch Funktion. Unterschiede zwischen einem Abbild, gefertigt nach dem Tode eines Menschen, einem Bild berühmter lebender Personen oder Bildnisse mit dem Anspruch „Ähnlichkeit zu verleihen“ waren bekannt. Neben naturnahen Bildnissen war eine idealisierte Schönheit als Abstraktion der Natur gesucht. Plinius d. Ä. (Rom, 1. Jh. n. Chr.) teilte die Maler ein in die „Pinselmaler“ penicillo pingentes und die „Enkausten“ encausto pingentes. „Pinselmaler“ waren also die Maler, die kalte, flüssige Farbmittel verwendeten, welche mit dem Pinsel aufgetragen wurden und die „Enkausten“, diejenigen die wachshaltige Malmittel verschmolzen. Die Mumienbildnisse, die Menschen in der römischen Provinz in Ägypten darstellen, wurden in beiden Techniken meist auf hölzernen Bildträgern und in unterschiedlichen Qualitäten gefertigt. Die Maler nutzten die Wachsfarben, um die Transluzenz und die Beschaffenheit der Haut realistisch wiederzugeben. Die naturgetreue, ‚lebendige‘ Wiedergabe des Abzubildenden durch diese Technik verdeutlichte Plutarch (etwa 46–120 n. Chr., Moralia 759c): „Der Anblick der Geliebten lässt in den Liebenden Bilder entstehen, die wie mit Feuer enkaustisch gemalt sind und in der Erinnerung als bewegte, lebende, sprechende und für die Zukunft bleibende Bilder weiterbestehen.“ Die vielfältigen Bezüge zwischen den vor- und frühchristlichen Tafelbildern sowohl in der Darstellung als auch kunsttechnologisch belegen eine Kontinuität innerhalb dieser Jahrhunderte. Die lang erprobte, hochgeschätzte Arbeitsweise der Maler und ihre Werke sind Ausgangspunkt in der Wiedergabe der neuen Themen in der frühchristlichen Malerei. Die enkaustische Malerei ist in der späteren mittelalterlichen Malerei nicht mehr nachweisbar. Welche Maltechnik eignete sich um die neuen Menschenbilder des Christentums und deren Haut darzustellen? Die sog. „Ei-Tempera“? Frühe Öltechniken? Diese Bindemittel und die

Focus Area – Cultural Heritage, History and Criticism

The significance of images of human beings in antiquity and the early Middle Ages and their implementation in panel paintings are the subject of this research project. The ancient world differentiated types of portraits by function. Differences between a portrait made after the death of a human being, an image of a famous living person, or portraits with the claim „to impart resemblance“ were widely known. In addition to natural effigies an idealized beauty as an abstraction of nature was wanted. Pliny the Elder (Rome, 1st century AD) devided the painters into „brush painters“ penicillo pingentes and „encaustic painters“ encausto pingentes. „Brush painters“ were painters who used cold, liquid paint applied with a brush, and „encaustic painters“ those who fused wax-containing media. The mummy portraits, depicting people in the Roman province of Egypt, were executed in both techniques, mostly on wooden supports, and in different qualities. The painters used the wax colors to imitate the translucence and texture of the skin in a realistic way. The aim of a lifelike, ,vibrant’ representation of the painted person in this technique was clarified by Plutarch (about 46-120 AD, Moralia 759c): “…the images of lovers, painted by the fancy as it were on encaustic tiles, leave impressions on the memory, that move, and live, and speak, and are permanent for all time.” The manifold connections between pre- and early Christian panel paintings, which exist both in the representation as well as in art technological aspects, demonstrate continuity across those centuries. The time-tested, highly respected ways of working of the painters as well as their works are the starting point for the representation of new topics in the Early Christian paintings. The encaustic technique cannot be detected in later medieval paintings. Which technique, then, lent itself to the new human images of Christianity and the presentation of their skin? The so-called „egg tempera“? Early oil techniques? It is these binders and the new painting techniques that are being examined in the research project.

Profile for Fakultät für Architektur TU München

Jahrbuch 2015  

Jahrbuch der Fakultät für Architektur, TUM mit einem Schwerpunkt auf Forschung und Entwicklung

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