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Hablar de la luz es situarnos en el punto exacto en el que todo se convierte en posible, cercano, visible… De allí, que The Goodlife Magazine se ha inspirado en este nuevo número de la revista en la luz y en sus infinitas formas y maneras de manifestarse. La luz acompaña el recorrido de la vida mientras su geometría nos proyecta lo que existe más allá de los límites que alcanza la mirada. The Goodlife Magazine ofrece en esta ocasión la posibilidad de acercarnos a las diversas miradas que conforman el reflejo de una realidad plural y libre que nos acerca a esa luminosidad que cada uno de nosotros reconoce y necesita en un siglo que debe y puede reinventarse. Si por algo se caracteriza la luz es precisamente porque permite el encuentro y otorga la posibilidad de alcanzar la lucidez que será en definitiva la que nos indique el camino más acertado. Una vez más Rusticae se hace eco en The Goodlife Magazine de esa lucidez que nos lleva a ver la claridad de un entorno en el que podamos dar rienda suelta a ese ser creativo y sin ataduras que habita en cada uno de nosotros.


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Hemingway vivió en Cuba entre 1939 y 1960, donde escribió su novela «Por quién doblan las campanas», y luego estableció su hogar en Finca Vigía, donde escribió su obra cumbre: «El viejo y el mar», tras la cual recibió en 1954 el Premio Nobel de Literatura. El escritor tal y como diría el viejo Santiago en su novela «vio el fulgor reflejado de las luces de la ciudad» y como buen amante de la luz se enamoró de este paisaje.


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SUMARIO

Portada. Carlos Cid, Ciudad Interior Las obras de Carlos Cid (Madrid, 1965) son fruto de una trayectoria de asombrosa coherencia, donde la representación está supeditada a la emoción y la atmósfera hasta el punto de que la imagen se convierte en abstracción de los deseos, creencias y miedos del autor... También de los nuestros. La fotografía de portada pertenece a la serie Ciudad Interior. En el reportaje especial de esta edición daremos un paseo por los inquietantes bosques de otro corpus más reciente titulado Kaizen. 10 HOME. La imagen de la Tierra ¿Qué tienen en común un ecologista, una multinacional de la industria de la moda y dos actrices como Salma Hayek o Glenn Close? Todos ellos se unen en el esfuerzo ecológico mejor difundido de todos los tiempos: el documental HOME. 12 Pastillas contra el dolor ajeno Este proyecto de sensibilización, impulsado por Médicos sin Fronteras se ha convertido en un símbolo de apoyo y de compromiso en la lucha contra el dolor de los más necesitados. Rostros como los de los futbolistas Andrés Iniesta o Xabi Alonso, actores como Andreu Buenafuente , el cocinero Ferrán Adriá o el cantante Alejandro Sanz, entre otros, han prestado su imagen y apoyo. 14 El sonido de la luz Ryuichi Sakamoto y Alva Noto se unen para crear un concierto único en el que a partir de la interacción entre lo electrónico y lo acústico emana luz y le da forma a cada sonido. 16 Cine Maike Bosselmann nos plantea un recorrido por cuatro de los estrenos más relevantes de la cartelera cinematográfica: En un mundo mejor, Medianoche en París, A Woman, A Gun and a Noodle Shop y El árbol. 20 Nosotros, los Caserta La escritora Aurora Venturini a sus 88 años es considerada como la última revelación de la literatura argentina más actual. Y nos presenta una novela novelesca y trepidante de una mujer que se va liberando de todas sus ataduras.


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21 Dibujo a domicilio Norka Osorio, editora y colaboradora de la revista se sumerge en una de las sesiones de los cuatro dibujantes que impulsan el proyecto «Dibujo a domicilio» y para los que el arte adquiere todo su sentido cuando se expresa como una forma de comunicarse con los demás. 25 La geometría de la luz interior La psicóloga y escritora Lecina Fernández autora del libro Érase una vez la ilusión nos relata las múltiples influencias que el color, la luz y la falta de ésta tienen en la vida de los seres humanos. 26 El elogio de la sombra Junichiro Tanizaki, aborda en su estudio las diferencias y similitudes de la arquitectura desarrollada en occidente y en oriente. Dos visiones que a veces se contraponen y algunas se revelan como absoluta coincidencia. 28 Paris Ville Lumière María Santoyo, coordinadora en la empresa de gestión cultural Canopia y profesora de teoría del arte contemporáneo nos relata en este artículo la grandiosa repercusión que tuvo la Exposición Universal de 1900 consagrada a la luz eléctrica. 33 La lucidez en medio del caos: es necesaria Miquel Barceló es entrevistado por Elena Pita. Uno de los artistas más representativos de nuestro tiempo dialoga con la periodista para ofrecernos un mundo, su mundo, lleno de luces, fantasmas, tinieblas y finalmente arte. Pura creación en mayúsculas. 36 Las profundidades de la luz Claire Nouvian, científica y fotógrafa comparte su experiencia y la belleza extraña de las criaturas abisales que ha podido filmar y fotografiar. Un universo por descubrir en el fondo de las profundidades marinas. 38 Todas las historias tienen una parte oscura y otra luminosa David Lynch el atrevido director de cine muestra a Elena Pita su faceta más luminosa. De hecho, esta entrevista se realizó en París donde Lynch acudió para presentar su obra plástica. 43 Carlos Cid, El barón rampante Una selección de imágenes de la serie Kaizen, realizada entre 2007 y 2010, ilustra estas páginas en las que María Santoyo nos invita a través de su texto «a deambular por bosques animados, a veces luminosos, a veces opresivos, calmos o inquietantes, siempre infinitos… Los bosques sublimes de la conciencia». 54 Dublinés Alfonso Zapico, premio autor revelación de 2010 en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona, se ha sumergido durante 3 años en el proceso de creación de Dublinés, una novela gráfica centrada en la vida de Joyce. En este número de la revista dedicamos un amplio reportaje al autor y su obra. 86 En la sección Momentos dedicamos un amplio recorrido a explorar las más diversas alternativas para hacer de nuestro tiempo libre un momento fascinante.


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Foto: Carlos Cid. De la serie La ausencia

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«La sombra no existe, lo que llamamos sombra es la luz que no se ve». Henri Barbusse


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ICONOS VERDES

HOME

LA IMAGEN DE LA TIERRA Una multinacional que recoge 14.61 billones de euros anuales para la industria de la moda, el cineasta ecologista más poético de la historia y dos estrellas del cine se unen en el esfuerzo ecológico mejor difundido de todos los tiempos: Home. ¿Qué tienen en común un ecologista, una multinacional de la industria de la moda y Salma Hayek o Glenn Close? Todos ellos han colaborado en un esfuerzo sin precedentes para producir Home. Este documental no ha dejado huella de carbono durante su realización —ya que es carbon offset—, pero sí una huella en la memoria de aquellos que han tenido la suerte de verlo. La primera característica de este documental que salta a la vista es que no tiene Copyright y su distribución está no sólo permitida, sino que sigue siendo promovida en los diversos medios de comunicación. Realizado por el reconocido fotógrafo y cineasta francés Yann Arthus-Bertrand en colaboración con Luc Besson, el documental Home fue filmado en 54 países a lo largo de dos años. Si bien es cierto que este no es el primer trabajo de Arthus-Bertrand enfocado a la ecología y la conservación de los recursos desde su ya consabida perspectiva –una que, en lugar de mostrar los desastres naturales y las consecuencias del desequilibrio medioambiental, intenta enfocarse en las maravillas de nuestro planeta instando al criterio del propio espectador en la necesidad de proteger el medio ambiente, como es el caso de The Earth from Above–, sí puede decirse que es el primer proyecto que se coloca por encima de muchos otros por dos razones particulares referentes a su financiación y distribución.

No sólo Home tuvo la participación de reconocidas figuras para sus narraciones en diversos idiomas –tales como Salma Hayek, Glenn Close y Jacques Gamblin, en sus versiones al español, inglés y francés, respectivamente–, sino que consiguió además una masiva y casi unánime participación del mundo de la moda pues, para su producción se contó con el patrocinio de PPR, una multinacional francesa de esta industria cuyas subsidiarias van desde Gucci hasta Stella McCartney, Puma, Yves Saint Laurent, Balenciaga, Alexander McQueen, Boucheron, Sergio Rossi, La Redoute, Somewhere y Fnac, entre otros, son de las firmas que apoyaron este proyecto ecologista que busca alertar a la sociedad sobre la explotación de energías fósiles, las terribles sequías, la contaminación y la creciente urbanización no planificada en espacios naturales, problemas que han contribuido en gran medida al cambio climático que hoy afecta la Tierra. Pero no se queda allí, además de tener tan distinguidos patrocinantes y narradores, Home fue la primera película de la historia que, a escala mundial, se estrenó conjuntamente en diferentes países y fue transmitida y difundida de forma sincronizada en salas de cine, DVD, televisión e Internet, a través de la página creada para tal fin en YouTube:

www.youtube.com/homeproject.

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ICONOS VERDES

Un esfuerzo que sin duda aún se queda corto en su afán por convencer a las grandes potencias para que trasladen sus inversiones de la explotación de recursos a la conservación de los mismos, aunque incluso hoy, dos años después de su estreno, todavía supera la cantidad de visualizaciones en la web debido a sus escenas, mayormente filmadas desde el aire y cargadas de sublime contenido poético.

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SOLIDARIDAD

Las Pastillas contra el dolor ajeno es un proyecto de sensibilización y, también, un símbolo de apoyo y de compromiso en la lucha por tratar a personas que padecen enfermedades olvidadas. El objetivo de esta Campaña de la organización médico-humanitaria internacional Médicos Sin Fronteras (MSF) es estimular la conciencia de la sociedad española sobre la falta de acceso a medicamentos básicos en los países pobres.

En el primer mundo, si te duele algo hay pastillas para mitigar casi cualquier dolor. Pero... ¿qué pasa si lo que te duele es el dolor ajeno, el dolor de los que no tienen pastillas para curar su sufrimiento? Estas pastillas son indicadas para el tratamiento sintomático del dolor ajeno de intensidad alta, leve o moderada. El principio activo de estas pastillas es el amor y forma parte de un gesto humanitario que actúa directamente en las zonas más necesitadas. Esta nueva y original campaña lanzada por Médicos Sin Fronteras tiene la intención de informar y sensibilizar a la sociedad española sobre la gran cantidad de enfermos olvidados en el mundo, que no tienen ocasión de curarse por las dificultades que encuentran para acceder a los medicamentos.

Las pastillas contra el dolor ajeno son un símbolo de apoyo y de compromiso de Médicos Sin Fronteras en su lucha por tratar a personas que padecen enfermedades olvidadas. Los ingresos netos procedentes de esta campaña se destinarán íntegramente a financiar proyectos sobre malaria, tuberculosis, enfermedad del sueño, kala zar (Leishmaniasis), SIDA pediátrico y Chagas. MSF ofrece tratamiento contra estas enfermedades olvidadas en sus proyectos, pero es testigo a diario de muertes evitables en

más de 50 países, donde los medicamentos son demasiado caros o simplemente no llegan. Cada día mueren en el mundo 8.000 personas a causa de enfermedades que, en la mayoría de casos, tienen solución. Por eso, rostros como los de los futbolistas Andrés Iniesta o Xabi Alonso, los presentadores Andreu Buenafuente, Manel Fuentes, Cayetana Guillén Cuervo o Eduard Punset, los actores Fernando Tejero, Nuria Espert o Pilar Bardem, el cocinero Ferrán Adrià o los cantantes Pau Donés o Alejandro Sanz, se han puesto manos a la obra en esta campaña, cuyo broche de oro es el spot del cineasta Luis García Berlanga. Éste sería su último regalo a la sociedad española, esta vez delante de la cámara, antes de fallecer el pasado mes de noviembre. Las pastillas contra el dolor ajeno se venden en las farmacias en cajas de seis comprimidos (uno por cada patología «olvidada») y por tan sólo un euro. Toda la recaudación irá destinada precisamente al tratamiento de estas lacras del Tercer Mundo. El objetivo de MSF es que estas cajitas simbólicas se conviertan pronto en el medicamento más vendido de España, para lo que cuentan con el apoyo y la complicidad solidaria de los farmacéuticos, distribuidores y la sociedad en general.

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MÚSICA

Una nueva incursión en la interacción entre lo electrónico y lo acústico y una fascinante oportunidad de poder apreciar el talento de dos creadores únicos: un alemán procesando sonidos e imágenes mientras un japonés muestra toda su sabiduría al piano.

Vrioon e Insen son los nombres de los dos álbumes que Ryuichi Sakamoto y Carsten Nicolai, bajo el seudónimo de Alva Noto, han creado para los amantes del Synthpop. El primero un compositor japonés y el segundo, un paisajista alemán, se han unido para diseccionar los acordes de un piano de cola y, aplicándoles reglas matemáticas, teorías físicas y secuencias basadas en los fenómenos naturales; han creado un universo en el que la música acaba convirtiéndose más en una atmósfera o en una estación del año, como si de una micro primavera de dos horas se tratase.

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EL SONIDO DE LA LUZ Noto coordina sus equipos electrónicos para que reproduzcan los sonidos que se van creando, logrando así frecuencias perceptibles para los ojos y los oídos del espectador más sensible donde la luz, finalmente, adquiere su sonido.

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por Maike Bosselmann

Estreno 1 de abril EN UN MUNDO MEJOR | HÆVNEN EN UN MUNDO MEJOR es la última película de la cineasta danesa, Susanne Bier, directora de COSAS QUE PERDIMOS EN EL FUEGO (Halle Berry y Benicio del Toro), que acaba de cerrar su extenso recorrido de reconocimientos internacionales con el Globo de Oro y el Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa. Protagonizada por Mikael Persbrandt, Trine Dyrholm y el conocido Ulrich Thomsen (protagonista, entre otras, de la película dogma CELEBRACIÓN, de Thomas Vinterberg), el filme nos conduce a la historia del médico Anton que divide su tiempo entre una pequeña ciudad idílica en Dinamarca y su trabajo en un campo de refugiados en África. En estos dos mundos tan diferentes, él y su familia se enfrentan a conflictos que les empujan a escoger entre la venganza y el perdón. La película explora las limitaciones con las que nos encontramos al intentar controlar la sociedad y nuestras vidas personales. Plantea la pregunta de si nuestra «avanzada» cultura es el modelo para un mundo mejor, o si la misma desorganización que produce la ausencia de leyes se agazapa justo debajo de la superficie de nuestra civilización.

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Estreno 13 de mayo MEDIANOCHE EN PARÍS | MIDNIGHT IN PARIS Woody Allen sigue manteniendo su ritmo frenético de rodajes a sus 75 años. MEDIANOCHE EN PARÍS es el título de su última obra que abrirá la 64ª edición del festival de Cannes el 11 de mayo y que se estrenará en España dos días después. Con MEDIANOCHE EN PARÍS sigue siendo fiel al género de la comedia romántica. El filme narra la historia de una familia estadounidense que viaja hasta la capital francesa por motivos de trabajo, así como la de dos jóvenes prometidos que se casarán en otoño. Las experiencias que tienen en la capital francesa cambiarán sus vidas. Cuenta el gran amor que siente un joven por una ciudad, París, y la ilusión que tiene la gente de creer que una vida diferente a la suya sería mucho mejor.

Aparte de Owen Wilson, la comedia romántica está protagonizada por Marion Cotillard, Kathy Bates, Adrien Brody, Rachel McAdams y Michael Sheen. Aunque tal vez el personaje que más titulares dará no será precisamente una actriz o un actor, sino una modelo y cantante: Carla Bruni, la esposa del Presidente de Francia.


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Estreno 20 de mayo A WOMAN, A GUN AND A NOODLE SHOP| SAN QIANG PAI AN JING QI A WOMAN, A GUN AND A NOODLE SHOP es un remake de la primera película de Joel y Ethan Coen, SANGRE FÁCIL, estrenada en 1985. En esta versión, el famoso humor negro y el fascinante suspense de los hermanos Coen se traslada a China bajo la dirección del prestigioso e ingenioso Zhang Yimou (SORGO ROJO, VIVIR, HERO, LA CASA DE LAS DAGAS VOLADORAS). Este thriller de humor negro demuestra que el deseo puede llegar a consumir al ser humano, y que la ironía de la vida nunca se adapta a nuestros cálculos. La historia nos lleva a una pequeña ciudad perdida en una zona desértica cerca del Paso de Jiayu (el primer paso en la punta occidental de la Gran Muralla), donde Wang es el dueño de un bar de tallarines en el que residen sus empleados, además de su esposa y él. No puede decirse que Wang sea un modelo de jefe generoso, más bien lo contrario. Todos los beneficios son para él y puede estar meses sin pagar al personal. Este remake es totalmente chino de principio a fin. Zhang Yimou escogió a Xiao Shenyang, un joven actor cómico muy conocido en China, para dar un toque de humor grotesco al comienzo de la película. Pero el humor se vuelve suspense muy pronto. También se inclinó por el estilo estético de una ópera china clásica. Todos los personajes están confinados en el mismo espacio; cada uno intercambia su papel con el otro y vuelve a cometer las mismas equivocaciones, dejando al desnudo lo absurdo de la vida, algo irónicamente repetitivo y fuera de nuestro control.

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Estreno 17 de junio EL ÁRBOL | THE TREE EL ÁRBOL, dirigida por la francesa Julie Bertuccelli, relata el proceso de luto de una mujer y sus hijos durante el año siguiente a la muerte súbita de su marido, y teje delicadamente el vínculo entre la reconstrucción del ser humano y la fuerza de la naturaleza representada por una higuera gigantesca en el centro de una Australia salvaje. A través de la acertada descripción de los pequeños detalles de la vida cotidiana de la familia, EL ÁRBOL brinda un bello retrato femenino en el cual destaca la capacidad interpretativa de Charlotte Gainsbourg y una película invadida por la belleza majestuosa y regeneradora de la Naturaleza. Con este segundo largometraje adaptado de la novela «Our Father Who Art in the Tree», de Judy Pascoe, Julie Bertuccelli confirma su talento. Precisamente en el Festival de Cannes debutó en 2003 con CARTAS DE PARÍS, con la cual obtuvo el Gran Premio de la Semana de la Crítica.


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UN LIBRO UN AUTOR

AURORA VENTURINI NOSOTROS, LOS CASERTA

La autora, ha cumplido ochenta y ocho años y es la última revelación de la literatura argentina más actual. Sus novelas, como ella, no tienen fecha de caducidad y suele decir, medio en broma medio en serio, que goza del privilegio de «ser contemporánea de su propia posteridad». Nosotros, los Caserta es una novela novelesca, es decir, que goza de un argumento trepidante y convulsivo que nos lleva de aquí para allí y que nos sorprende una y otra vez y la siguiente y otra más hasta que la muerte, cerrar el libro, nos separe.

amantes disponibles pero conyugalmente ocupados. Viajes a Chile, a París y finalmente a Sicilia, el solar de los Caserta. Allí donde su tía abuela «reina» entre las ruinas de la estirpe y en donde Chela encontrará las raíces de su singular destino.

Una novela donde la protagonista se desgarra, ama, odia, se vuelca y revuelca. Ella es Chela, María Micaela Stradolini, la heroína de este melodrama, quien, rodeada de viejas fotos y nostálgicos cachivaches, recuerda los acontecimientos que han ido marcando su vida. Una infancia con caprichos y cuidados de niña bien entre la alta burguesía argentina, en aquellos tiempos en que los ricos también lloraban lágrimas exquisitas y poéticas. Una mamá con sus manías, sus collares de dos vueltas con cuentas de azabache y sus altas pretensiones de pianista fracasada. El dolorido sentir que mamá no te quiere o quiere más a tu hermana. El nuevo hermanito que nace deforme. Papá, un prócer que te besa al desgaire y te castiga con rigor espartano. Los primos, los secretos, las criadas, los juegos inocentes y los primeros juegos culpables. La vida en el internado y la incomprensión de sus compañeras. El descubrimiento de la literatura. La escritora precoz. Enamoramientos imposibles y

Con Las primas, la novela que la dio a conocer, ganó dos premios: el Nueva Novela y el Otras Voces, Otros Ámbitos. No nos extraña, escribe como si estuviese inventándose la literatura. Texto: Constantino Bertolo

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Ed. Caballo de Troya, 176 pp. 13,50 Euros


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DIBUJO A DOMICILIO por Norka Osorio

Esta experiencia surgió como una alternativa que cuatro jóvenes ilustradores crearon con el fin de poder «desarrollarse como dibujantes y reactivar el dibujo del modelo al natural», tal y como ellos mismos lo definen en su perfil de Facebook pero, en pocos meses, ya son ampliamente conocidos entre los madrileños, quienes gustosamente ofrecen sus casas y a sí mismos para ser retratados en la noche de un nuevo martes. Lo que en un principio, para Alejandro, Alfonso, Daniela y Ronald se presentó como una propuesta a las clases convencionales de dibujo, hoy es un fenómeno que crece a pasos agigantados, mientras amigos y desconocidos siguen enviando mensajes ofreciendo sus casas y sus poses para que estos ilustradores, en una visita nada convencional, los inmortalicen en su afán por perfeccionar el antiguo arte de captar la luz y las sombras. Con sus cuadernos A3 bajo el brazo y la dirección de la casa de sus próximos modelos impresa en un papel, los chicos de Dibujo a Domicilio, cargados de expectativas, siguen las instrucciones del GPS.

La propuesta es muy simple: los dibujantes visitan cada semana una nueva casa (previa invitación concertada). Allí, sus dueños serán dibujados en su propio contexto: haciendo la comida, bailando o durmiendo, en visitas de al menos dos horas de duración. «Haz lo que quieras hacer», repiten los ilustradores, «siéntate o levántate, pero sobre todo, ponte cómodo». Y en este segundo, parece que los invitados se convierten en anfitriones y viceversa. Encuentras a los modelos preguntando en su propia casa, «¿qué hago?», «¿me puedo poner las gafas?», «¿me las quito?». Un interesante juego de cambio de roles que termina felizmente cuando los miembros

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de Dibujo a Domicilio dicen: «Tranquilo, estás en tu casa». Por lo general, tanto anfitriones como invitados son desconocidos al momento de abrirse la puerta, pero después de ese paso inicial los dibujantes –siguiendo en la onda de esta atípica visita– proponen un brindis para celebrar que han sido acogidos en una nueva casa. Todos conversan sobre sus expectativas, se hacen preguntas, los anfitriones miran sonrientes a los invitados desplegar sus utensilios, sacar punta a sus lápices. «¿Les apetece algo de comer?», preguntan los anfitriones sacando aceitunas y canapés, pero la regla número uno es no comer hasta que el trabajo esté terminado. «Vamos a hacer una primera sesión de 15 minutos», aclaran los dibujantes, «busca un lugar de tu casa donde te sientas cómodo, relájate y trata de moverte lo menos posible». La primera es siempre la más tensa, las manos de los ilustradores aún están frías y los anfitriones no saben muy bien qué hacer, «¿necesitan más sillas?», preguntan viendo que algunos de sus invitados siguen de pie. Finalmente cada quien consigue su puesto en el salón y el cronómetro comienza a rodar. Silencio rotundo. Cuatro cabezas suben y bajan en lo que parece una coreografía practicada mil veces. Como palomas comiendo en la plaza, los dibujantes miran al anfitrión y a sus papeles alternativamente, sin perder la concentración. Una alarma indica el fin de la primera jornada, alguno de los ilustradores grita «Nooo» y otros ya se levantan para servir bebidas a los anfitriones, que aún se quedan un rato más en posición mientras escuchan los últimos trazos apresurados. Todo cobra sentido cuando los dueños de la casa se ven, por primera vez, a sí mismos, retratados sobre el papel. Sonrisas, asombro y miles de preguntas y nuevas ideas…

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Los anfitriones se sueltan, «quiero que me retraten haciendo karate», «bailando flamenco», «tocando la guitarra», «en la bañera». Dos sesiones más y los dibujantes por fin hacen una pausa larga. «Cada dibujo es una interpretación personal», comentan ellos. Pero los anfitriones aseguran reconocer este ángulo y ese otro, «es verdad», dicen, «yo hago ese gesto cuando estoy leyendo». Ambas partes se miran maravilladas, dos sesiones más y la visita se acaba. Algunos anfitriones fotografían la velada, otros escriben crónicas y siempre al final es un intercambio en el que cada quién da algo de sí. Lo que podría haber sido una aburrida sesión de dibujo en la fría sala de una universidad, con un modelo harto de hacer las mismas muecas, es esta noche la unión de naturalidad y talento, de luz y encuentro…Ya de camino a casa los ilustradores sonríen satisfechos, antes de perderse entre las sombras de Madrid cargando nuevos tesoros bajo el brazo. Otra jornada de trabajo. El próximo lunes los dibujos serán publicados en Facebook y habrán llegado innumerables mensajes de gente ofreciendo sus casas.

Imágenes: Dibujo a Domicilio

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LA GEOMETRÍA DE LA LUZ INTERIOR «Para producir el color se requiere luz y tiniebla, claridad y oscuridad, o si se prefiere una fórmula más general, luz y falta de luz». Goethe A esta conclusión llegó Goethe en sus estudios de la teoría de los colores. El punto de partida para llegar a esa revelación, como en muchos descubrimientos, arranca de una anécdota, en este caso, relacionada con la geometría y la luz. A Goethe le prestaron unos prismas a los que apenas les hizo caso, pero justo antes de devolverlos a su propietario quiso mirar, por última vez, a través de ellos. Cuenta Goethe que se encontraba en ese momento en un cuarto pintado de color blanco, colocó el prisma frente a su ojo, esperaba ver, según la teoría de Newton, toda aquella pared blanca coloreada de distintas gradaciones y haces de colores.

Cual fue su asombro cuando advirtió que la pared blanca, que miraba a través del prisma, seguía tan blanca como antes. Asombrado, con el prisma aún aplicado a su ojo, recorrió la pared con su mirada y sólo entonces descubrió que allá donde confinaba la pared con un tono oscuro aparecía un color más o menos marcado y cuando finalmente aparecieron uno tras otro, los barrotes de la ventana, aparecían matizados por los más vivos colores. Así fue como Goethe descubrió que era necesario un límite para hacer surgir los colores. Esta anécdota me pareció muy adecuada para ilustrar el tema de la ilusión, en el que estaba trabajando: ¿Ocurre lo mismo en nuestra vida? ¿Para producir color en nuestra vida es necesario además de la luz la tiniebla, la oscuridad o falta de luz? Y esto mismo se pregunta Zoide -personaje de «Érase una vez la ilusión»- en su aventura en la búsqueda del color. En la historia que relata, se puede ver qué le ocurre al personaje que ha quedado atascado en la oscuridad, sin vislumbrar luz alguna y por tanto sin color, y cómo es necesaria la luz y el confinamiento de ambas: luz y oscuridad para ver las dimensiones y distintas formas expresables del color en las personas. En este caso concreto, color (experiencia a través de la percepción de la luz) se equipara a la ilusión (experiencia a través de la percepción de «luz interna»). Podríamos entonces decir que la ilusión es la capacidad de cada ser humano de construir la geometría de su destino, la dimensión y la forma de expresarse a sí mismo y en el mundo.

Érase una vez la ilusión, Lecina Fernández, ES ediciones. 160 pp. 10 Euros

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Texto: Lecina Fernández


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PENSAMIENTO

EL ELOGIO DE LA SOMBRA JUNICHIRO TANIZAKI

En 1932 Junichiro Tanizaki decidió construir su casa y quería que esta respetase el estilo y buen gusto japonés sin prescindir de los servicios básicos que conformaban en aquel entonces la vida moderna. Su experiencia lo llevó a comprender que, al tomar prestada la tecnología cotidiana occidental –en lugar de desarrollar una que pudiese adaptarse a sus propias necesidades, gustos y estética–, el continente asiático había perdido algo precioso: la sombra. Junichiro Tanizaki nació en Tokio en 1886 y es conocido en Japón y el resto del mundo por ser quizás el escritor japonés más importante después de Natsume Soseki. Sin embargo, y a pesar de haber dejado un gran legado con sus novelas e historias cortas, Tanizaki, quien en algún momento se describió a sí mismo como «totalmente profano en materia de arquitectura», es ampliamente destacado en este campo por uno de sus ensayos, «El Elogio de la Sombra» (1933), en el cual, basándose en las peripecias por las que tuvo que pasar al querer construir su propia casa, hace un análisis exhaustivo de las diferencias entre Oriente y Occidente y, más concretamente, del uso que se da a la luz y las sombras en ambas culturas. Su inquietud hacia lo «moderno» incluso lo llevó, en 1922, a mudarse a Yokohama, donde tuvo la oportunidad de vivir por un tiempo rodeado de expatriados en un ambiente que remedaba el mundo Occiental. Sin embargo, después del gran terremoto de Kanto en 1923, y con la pérdida de valiosos edificios históricos de Tokio, surgió un cambio en su forma de escribir y ver el mundo. Tanizaki resalta las diferencias entre ambos mundos no porque quiera criticar uno u otro, sino porque en su afán de construir una casa tradicional, encuentra que los objetos propios de la vida moderna occidentalizada, que ya comienzan a invadir las tiendas en 1930, se oponen contundentemente a los gustos y necesidades marcadas por el modo de vida

japonés. Así, no desde el punto de vista de un arquitecto sino del de una persona común que quiere respetar las líneas y el minimalismo de su cultura, con grandiosas dotes de escritor, retrata el proceso de su construcción y a medida que avanza la obra, va analizando el por qué de las sombras en la cultura nipona y cómo es la ausencia de brillo y luz una parte más de la casa que debería inundar, en su correcta medida, desde el cuarto de baño hasta los utensilios de cocina. «No es que tengamos ninguna prevención a priori contra todo lo que reluce, pero siempre hemos preferido los reflejos profundos, algo velados, al brillo superficial y gélido; es decir, tanto en las piedras naturales como en las materias artificiales, ese brillo ligeramente alterado que evoca irresistiblemente los efectos del tiempo». Como si la sombra y todo lo que la produce: el uso, el roce de los dedos, el paso del tiempo, fueran lo que en realidad diese valor a la claridad y los destellos de luz. «Los rayos de luz, como delgados hilos de agua que corren sobre las esteras para formar una superficie estancada, son captados uno aquí, otro allá, y luego se propagan, tenues, inciertos y centelleantes, tejiendo sobre la trama de la noche un damasco hecho con dibujos dorados.», escribió Tanizaki en su ensayo.

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Foto: Carlos Cid. De la serie Ciudad Interior

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«La luz no es tanto algo que revela sino la revelación en sí misma». James Turrell


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PARIS VILLE LUMIÈRE

por María Santoyo

LA CONSAGRACIÓN DE LA LUZ EN LA EXPOSICIÓN UNIVERSAL DE 1900 Entre el 15 de abril y el 12 de noviembre de 1900, París se volcó en una fastuosa celebración del fin de siglo. La novena Exposición Universal fue una manifestación sin precedentes del optimismo progresista de la burguesía industrial, un canto al porvenir, a la ciencia y a la técnica, a los intercambios comerciales, a la globalización. La Belle Époque podía ocultar la simiente de una gran guerra, pero en 1900, Occidente volvió la vista hacia París para deslumbrarse. Entonces las convicciones colonialistas y capitalistas estaban en su apogeo, como demuestra el recuerdo de la Exposición evocado por Paul Morand en su célebre ensayo 1900: «Era una ciudad nueva y efímera, escondida en el interior de la otra; era todo un barrio de París disfrazado: era un baile en el que los edificios se enmascaraban. Nuestros ojos de niño hojearon maravillados ese álbum de colores, esa cueva que el extranjero había llenado con sus tesoros. Las mercancías se disimulaban tras espectáculos exóticos, mágicos, luminosos: la danza del vientre nos hacía olvidar la estadística. La producción en cadena, que nacía entonces, mezclaba su poesía con los prestigios del arte: el trabajo de la mina se convertía en un paseo en vagoneta; de tantas expediciones coloniales, tan a menudo desastrosas, quedaba el encantamiento de las mezquitas, los minaretes, el abigarramiento de todas las razas de la tierra, conquistadas, sometidas a la ley del hombre blanco».

La Exposición Universal se extendía en una superficie de 112 hectáreas, del Palacio del Trocadero al Champ de Mars, y a lo largo de ambas riberas del Sena hasta la explanada de los Inválidos. Era una sucesión interminable de pabellones, palacios, recreaciones, atracciones e ingenios extraordinarios como una acera mecánica que transportaba al público de un lado a otro, llamada Calle del Porvenir. Las cifras tardaron en superarse: 83.000 expositores, 58 países, 51 millones de visitantes (la población de Francia rondaba entonces los 40 millones). Emblemas urbanos como el Petit Palais, el Grand Palais, las estaciones de ferrocarril de Orsay y de Lyon, el puente de Alejandro III o la primera línea de Metropolitano se inauguraron con motivo de la Exposición, y son sin duda vestigios de su grandeur. Sin embargo, la memoria colectiva asocia la cita de 1900 por encima de todo con la electricidad y la luz, una luz nueva y prometéica, que la Exposición derrochó con euforia, centelleando las noches y asociando más que nunca el progreso de una urbe a su fulgor. París, ville lumière, ciudad de la luz: esta denominación

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de origen incierto cobró pleno sentido en 1900; el alumbrado permitía incluso tomar fotografías nocturnas, las primeras de una Exposición Universal. El Palacio de la Electricidad, situado en el extremo opuesto a la Torre Eiffel del Champ de Mars, fue uno de los edificios más singulares y representativos del evento. Diseñado por el arquitecto Eugène Hénard, cumplía una función práctica, ya que era el generador

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eléctrico de todo el recinto; una función expositiva, porque mostraba aplicaciones eléctricas diversas y una función espectacular porque por las noches se iluminaba con cientos de luces de colores, combinando los efectos eléctricos con los efectos acuáticos del Castillo de Agua, una fuente sorprendente situada a la entrada del Palacio. El público asombrado jamás había visto algo parecido a los destellos de la luz eléctrica. Este edificio también albergó un Congreso

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La memoria colectiva asocia la cita de 1900 por encima de todo con la electricidad y la luz, una luz nueva y prometéica, que la Exposición derrochó con euforia…

sobre electricidad durante el cual el ingeniero C. Peskyi pronunció por primera vez la palabra «televisión», una realidad que ya empezaba a anticiparse. El físico español Eugenio Cuadrado Beneítez también acudió para presentar su «Excitador eléctrico universal», un aparato que obtenía rayos Roetgen a través de la electrostática al que llamó «La Centella». Por último, el Palacio cumplía una función alegórica: en su cúspide, una escultura femenina de seis metros de altura representaba el triunfo del Hada Electricidad, sin duda una de las grandes conquistas del hombre en el siglo XIX. El Palacio de la Electricidad no era el único de la Exposición que honraba a la luz artificial, también fue muy popular la visita al Palacio Luminoso Ponsin, un delicado templete, la construcción de cristal más grande hasta la fecha, hecha de espejos, vidrios pintados y esmerilados e iluminada por la noche por 12.000 lámparas incandescentes. El Palacio de la Óptica albergaba maravillas como las

Bailarinas fosforescentes o el Espejo mágico, y presentaba novedades como la luz fría, pero su máxima atracción era un inmenso telescopio, de 60 metros de longitud, que acercaba la luna al espectador. Por último, diversas atracciones visuales aprovechaban la luz natural o eléctrica para potenciar el efecto de sus ilusiones, tal era el caso del gran número de panoramas y dioramas que se presentaban en la Exposición, enormes telas pintadas que representaban episodios históricos o lugares remotos de forma panóptica y, en ocasiones, con efectos lumínicos. Las atracciones más sorprendentes y recordadas de la Exposición eran el Mareorama, que simulaba un viaje en barco, su movimiento y sus vistas incluso con medios mecánicos y el Globo Celeste, un enorme edificiomuseo esférico que representaba tanto la geografía terrestre como la bóveda celeste, sus estrellas, sus planetas.

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El cinematógrafo, otro invento revolucionario relacionado con la luz, tuvo especial protagonismo en la Exposición. El Cineorama ofrecía una atracción prodigiosa, diez proyectores sincronizados cubrían una pantalla cilíndrica que rodeaba al público para emular un viaje en globo aerostático alrededor del mundo. Los hermanos Auguste y Louis Lumière, considerados los padres del cine desde su primer pase público en 1885, ofrecieron proyecciones sobre una pantalla gigante, de 16 por 21 metros, fascinando incluso al Presidente de la República, Émile Loubet. Sus operadores también fueron responsables de rodar secuencias que documentaran el éxito de la Exposición Universal, películas que han sobrevivido y que dan cuenta de enorme suceso que fue para la época. París de nuevo, Ville Lumière, ciudad del cine, ciudad de la Luz, y capital de un universo cuyos sueños estaban a punto de desvanecerse. En 1914, las tensiones europeas, fruto de los enfrentamientos imperialistas y coloniales, estallaron en una terrible guerra. La luz de la razón, la luz del progreso y la evolución del hombre se extinguió, dejando un recuerdo endémico y mitificado del cambio de siglo y de uno de sus grandes hitos: la Exposición Universal.

Imágenes de Biscuits Lefèvre-Utile, H. Laas, E. Pécaud & Cie y Marcelin Auzolle, París, 1896-1904

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ENTREVISTA A MIQUEL BARCELÓ

LA LUCIDEZ EN MEDIO DEL CAOS: ES NECESARIA POR ELENA PITA Sin nostalgia, habita desde siempre un tiempo indistinto. Lleva, eso sí, una prisa febril por hacer. Pulsión o angustia que arrastra desde donde esté. Adónde quiera que vaya. Ideas como hormigas horadando en su cabeza, sosiega la espera del momento con un libro abierto. Cuando nos vayamos, Miquel Barceló correrá sobre la arcilla a derramar sus formas. Tejas, idénticas vasijas, platos hondos de la matanza que Barceló rompe y luego devuelve a la realidad. Animales furiosos cuelgan por los muros del caos. La muerte es un tránsito a la vida sobre la arcilla. Hay un agujero junto a los campos de sus padres labriegos, en Felanitx, que conduce al centro de la tierra: es el hueco que deja la arcilla cuando la extraen. Traen la arcilla hasta la taulera, en Artà, lugar de tiempo indecible. Siguiendo la costa desde el pueblo, se llega a cabo Farrutx, donde las pulsiones del artista comparten granja con sus animales: burros, vacas, ovejas, tantas gallinas y pavos, y perros, perros muchos. La casa, dos montes y al pie, la barca. Es la infancia del de Felanitx: un yo entre sus otros muchos. Pregunta. -¿En qué se parece la locura a lo que usted hace? Respuesta. -No creo que se diferencie en nada. Supongo que en la locura hay momentos de mucha lucidez también. Debe ser muy parecido, pero como hago eso todo el día nunca tengo la suficiente perspectiva. La locura da miedo y el arte angustia mucho. Conozco de cerca el miedo a la locura, es difícil hablar de estas cosas. P. -Es decir, que se parece sobre todo en la lucidez extrema. R. -Sí, la lucidez en medio del caos: es necesaria. Me cuesta hablar de esto, se me cierra la boca. P. -A lo mejor no le interesa desentrañarlo. R. -No, por la misma razón que no me hago un psicoanálisis: prefiero cultivar mis fantasmas, como crío y mimo a mis burros. P. -De tal forma que primero sucede la obra, casi inconsciente, y luego viene el sentido, ¿no es así? R. -Siempre, en mi caso. Claro que no todo

es un accidente incontrolable, hay mucho de voluntad y de tenacidad. Los cuadros deben producir ideas, no tienen que ser producto de ellas, aunque en el fondo todos lo sean. Pero lo fascinante de un cuadro es que nunca acabamos de entenderlo: ésa es la medida de su intensidad. P. -O sea que tampoco nunca la obra está acabada. R. -Entender y definir no forma parte del arte, es una necesidad de los occidentales de este fin de milenio. El arte tiene otro poder que no es necesariamente racional. A mí me gustan las cosas indecibles, el arte del que poco se puede decir, de ahí esos nombres literales: melón y cuchillo. P. -¿La palabra pervierte? R. -El arte no tiene que ser nombrable. El artista es como un medium, ni siquiera es consciente de sus hallazgos: el arte va más allá de lo que uno puede controlar, es un estado de desesperación, un milagro que nunca se repite: no hay sistema.

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En la obra de Miquel Barceló se condensa esa frescura centelleante del sur. Esa luz mediterránea que transmiten los grandes maestros españoles: Pablo Picasso y Joan Miró.

Dar sentido al caos P. -Habla como si fuera la arcilla u otro ser ajeno quien creara. ¿Sucede en este proceso como en el viaje, que el lugar no te descubre sino lo que ya llevas dentro? R. -Eso lo dice Kavafis en Ítaca: los monstruos no aparecen si uno no los lleva dentro. Yo al principio venía aquí con proyectos, dibujos y así, pero me di cuenta de que no servían para nada. Todo empieza a funcionar cuando consigues una intimidad con el material, pero para eso hay que destruir cientos de cosas: después de muchísimos fracasos cada grieta va cogiendo sentido. Por cada pieza que consigo hacer he tirado cien, porque las llevo al límite de la resistencia física, las veo derrumbarse delante de mis ojos, montañas de piezas rotas que luego vamos reciclando. Es un proceso de dar sentido al caos y eso sólo se consigue con una enorme intimidad: hay que convertirse uno mismo en arcilla, o en pintura. P. -¿Y ese sentido que se consigue, es siempre el diálogo entre la vida y la muerte o hay algo más que interese? R. -Es el tema universal que está en el fondo de todo. Fatalmente es así: todo se va reduciendo a ello, pero no es una elección deliberada. Yo me di cuenta de que cogía barro y enseguida me salía una calavera del tamaño de mi cabeza. Son cosas que ocurren y que te las explicas después. P. -Picasso decía que creaba y catalogaba sus piezas para ayudar a la ciencia a entender al hombre. ¿Usted para qué pinta? R. -No sé por qué hago las cosas, la verdad. Seguramente por muchas razones distintas, no hay una sola que me mueva. Es producto de la necesidad, eso está claro; supongo que con el tiempo llegaré a saberlo. P. -¿Cuando dice necesidad quiere decir angustia?

R. -Sí, claro, la angustia es el motor: no sé de dónde viene. Todos tenemos angustias. Yo la utilizo para mi trabajo; utilizo todo lo que me rodea. También está la curiosidad. P. -¿A qué edad empezó a sentir esa angustia? R. -De niño. P. -¿Y qué fue lo que hizo? R. -Empecé a pintar cuando era muy pequeño. Como mi madre pintaba y en casa había óleos y pinceles y telas y libros, enseguida congenié con el espesor de la pintura. No me acuerdo de no estar pintando. P. -Eso que contaba de Kavafis... R. -No, lo contabas tú. P. -No, eso lo dijo usted cuando llegó a África: uno sólo encuentra lo que lleva dentro. R. -Cuando fui a África no sabía nada del lugar a donde iba. En el desierto reconocí el mundo de mi infancia, me fascinó. P. -¿Miquel Barceló sigue siendo idéntico a ese niño? R. -Sí, son los otros quienes ven que uno envejece. Todos los días me alegro muchísimo de no tener que ir a la escuela. P. -En las cerámicas se intuye bastante de ese olor a infancia: peces muertos en el fondo de una vasija. R. -Sigue siendo mi vida, no es algo que recuerde con nostalgia, son cosas que vivo y ahora comparto con mis hijos. No son recuerdos de una infancia idílica, que además no lo fue: mi infancia fue más bien difícil. No hay ningún paraíso perdido: sigo pescando muchos pulpos. P. -Ya sabe que las biografías abrevian y cuentan las vidas como cuentos. La suya por ejemplo parece una madeja de azares: y de repente sobrevino el éxito. R. -El éxito es siempre una visión exterior. En el taller, lo normal es el fracaso, pero eso no se ve. Éxito se considera vender un cuadro por no sé cuántos millones, pero realmente

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eso es sólo una cuestión de mercado, no es mérito mío, aunque espero que tenga algo que ver con la calidad de la obra. P. -¿El azar es determinante? R. -En cada momento. Hay que saber reconocer en la vida diaria los hallazgos inesperados, hay que tener el ojo entrenado. Las cosas ocurren cuando uno está atento. Es como reconocer en un cuadro una mancha desencadenante del sentido, pero si uno no está ahí pintando, no sucede nada. Yo quiero pensar que las cosas siguen sucediendo incluso cuando no estoy, mi problema es no tener varios yos, uno que viva en Malí, otro en París, otro aquí… Ésa es mi ilusión, aunque es un poco esquizo. Siempre he admirado a Pessoa, me parece tentador tener heterónimos. Ahora asocio esos yos con mis talleres.

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tranquilas, a esos que riegan las plantas (vuelve a reírse). P. -¿ Qué sentido tiene este regreso a la tierra en esa progresión suya hacia lo orgánico y los orígenes? R. -Estoy en los orígenes, no los estoy buscando. Pensar que el arte ha avanzado mucho desde Altamira a Cézanne es una pretensión occidental, vana: la pulsión, la necesidad del artista es casi la misma. El formato no tiene mucho interés, lo importante es la intensidad de la obra, el resultado. La modernidad está en el interior, no en el pellejo. P. -¿Cómo es su relación con la naturaleza cuando está aquí? R. -Ya ves, vivo en contacto con ella. También en la ciudad vivo muy cerca de la naturaleza urbana, tengo una relación fuerte con las cosas que me rodean. Pinto lo que como,

Barceló ha cultivado una imagen de hombre solitario, que no llega nunca al atormentado, modelo pasado de moda, pero sí a cierto misterio alrededor de una vida en la que hay riesgo y aventura.

Trabajar con la propia vida

todo es muy próximo. Me parece una pulsión muy sensual ver un melón abierto.

P. -¿Siempre hay un viaje? R. -Sí, que descubre otros heterónimos, pero por ahora prefiero no saber demasiado de esto. Piensa que el artista trabaja con su propia vida. El guión se va inventando, no hay proyecto. P. -Para que ese azar o ese viaje se produzca, ¿es necesaria la crisis?, ¿el orden es estéril? R. -Soy especialista en vivir en crisis permanente (se ríe); joder. A veces envidio las vidas

P. -¿Cree que la ciudad despersonaliza? R. -Depende de la actitud de cada uno. A mí me gustan mucho las ciudades grandes, supongo que será porque he nacido en el campo. Me gustan las librerías, los cines, los bares, los coches, la gente. En el campo vivo muy solo, en la ciudad veo más gente, aunque todo sucede en un día y luego me encierro durante meses para trabajar.

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LAS PROFUNDIDADES DE LA LUZ Los fondos abisales es la mayor reserva de vida en nuestro planeta. Inmersos desde la noche de los tiempos en una total oscuridad, representan el 85% del volumen total de vida en la tierra. La gran mayorテュa de estas especies estテ。n por descubrir.

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Claire Nouvian comparte su experiencia y la belleza extraña de las criaturas abisales que ha podido filmar y fotografiar. Imágenes espectaculares: vampiros de los abismos, pulpos con orejas, monstruos de las profundidades, fósiles vivientes y frágiles criaturas bioluminiscentes. La publicación de Criaturas abisales ha significado un acontecimiento tanto para la comunidad científica como para el gran público. Una obra que ensancha las fronteras de nuestro saber y nos deja sin palabras ante tal diversidad de vida. «¿Cómo es posible que la tierra albergue tales maravillas y que nosotros no estemos enterados», se preguntó Claire Nouvian tras ver unas imágenes de los fondos marinos de Monterrey (Estados Unidos). Por esa razón, decidió hacer todo lo que estuviera en su mano para enriquecer la escasa documentación que existía sobre el tema. Solicitó la colaboración de un grupo de investigadores internacionales y, tras tres años de intenso trabajo, reunió las fotografías más recientes tomadas por los escasos sumergibles y robots capaces de llegar hasta los 5.000 metros de profundidad.

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Trescientas de esas instantáneas se encuentran en un libro de gran formato con el titulo de Criaturas abisales. Se acompaña de textos de importantes oceanógrafos de todo el mundo. Claire Nouvian, nos traslada a las grandes profundidades marinas, a los cañones submarinos y fosas oceánicas, donde la oscuridad resalta la belleza de las criaturas que habitan en ella. Tiene un halo de luminosidad. Son imágenes inéditas rescatadas de los abismos, pulpos con orejas, «monstruos» de las profundidades, fósiles vivientes o frágiles criaturas bioluminiscentes. Las fotografías, en su mayoría inéditas, son el resultado de una investigación iconográfica sin precedentes, una verdadera «caza a la búsqueda de la imagen» realizada por la autora en las cuatro esquinas del globo. En total se reunieron miles de fotografías, de las que finalmente se seleccionaron 220 negativos. Imágenes tan excepcionales han requerido una tecnología igualmente excepcional: robots, sumergibles y buques de investigación oceanográfica. Los textos, firmados por los principales investigadores oceanográficos del mundo, son todos independientes y de lectura breve y amena.

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ENTREVISTA A DAVID LYNCH

TODAS LAS HISTORIAS TIENEN UNA PARTE OSCURA Y OTRA LUMINOSA POR ELENA PITA David Lynch ha tenido siempre la apariencia de un personaje recién salido de sus turbadoras películas (Terciopelo azul, Twin Picks, Mulholland Drive, etc.). Sin embargo, cuando se sienta y empieza a hablar, con su proverbial tupé de pelo blanco y su inquietante sonrisa, esa imagen turbulenta se transforma en la estampa perfecta de un predicador de paz: «Creo en la paz», dice; «el mundo pronto hallará la paz, organizado en grupos pacificadores». ¡¿Cómo?, ¿qué dice?! «Sí, en grupos de meditación trascendental». Mientras explica con evidente placer su teoría sobre el Nirvana, océano de pureza, conocimiento total, mueve sus 10 dedos tal que tocaran un teclado invisible suspendido en el aire. Esta entrevista se realizó en París donde Lynch acudió para presentar su obra plástica, muy anterior a sus películas y cuidadosamente archivada, desde la infancia (Montana, EE.UU., 1946) hasta ayer mismo. The air is on fire (arde el aire) son unos 500 apuntes tomados en servilletas, papeles pos-it, libretas de colegio y por ahí; series fotográficas, esculturas e inmensos tablones, todo ello montado sobre estructuras que él mismo ha ingeniado.

Pregunta. -Mister Lynch, ¿por qué le interesa tanto mostrar el lado oscuro de las cosas, o acaso no es eso lo que pretende? Respuesta. -No, eso no es lo que realmente me interesa, pero me gusta contar historias, y toda historia tiene su parte oscura y su parte luminosa, y entremedias hay mucho que decir. Lo que de verdad me interesa son las ideas, y las ideas generan historias protagonizadas por seres humanos yendo de aquí para allá y que a veces se encuentran en situaciones problemáticas. P. -Seres humanos que, según usted, estamos perdidos en una enorme confusión global, ¿cree que su arte y sus películas pueden ayudarnos a encontrar una salida? R. -Sí, confusión y oscuridad. Pero no, mis historias y mis obras son fundamentalmente

un reflejo del mundo, y el mundo vive una situación problemática. Lo único que puede ayudar a la gente a salir de la confusión y la oscuridad es la meditación. P. -¿Qué ha encontrado usted en la meditación? R. -Oh, la meditación es tan bella. Yo practico la meditación trascendental, que es una técnica mental muy antigua, ni es una religión ni un culto. Consiste en repetir un mantra, que es un pensamiento sonoro y vibrante, y a través de él la mente se transforma y se sumerge en lo profundo de forma natural, y cuanto más profundo sea el nivel mental e intelectual al que llegues, mayor felicidad alcanzas. Si te sumerges hasta el fondo, te trasciendes, que quiere decir ir más allá, o sea al océano de la consciencia pura, la felicidad

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pura, inteligencia, creatividad, amor, energía...: el campo unificado. Y una vez que experimentas ese océano, todas estas facultades positivas crecen en tu interior y lo negativo empieza a desaparecer: el miedo, la tensión, el mal humor, la depresión, la preocupación. De modo que el mundo empieza a parecerte mejor, entiendes mejor a la gente, tienes más intuición, y todo aquello que paralizaba tu creatividad se desvanece y hace que te sientas muy libre. La meditación es la llave para desarrollar el potencial humano y por lo tanto para la paz. P. -Y ¿por qué no refleja toda esta energía positiva en sus creaciones y en cambio insiste en lo negativo, lo turbio, etcétera? R. -Porque las historia contienen turbulencias, conflictos, tormentas y luchas. Pero el artista no tiene necesariamente que sufrir para mostrar el sufrimiento. En cambio, cuanto más desarrolles esta capacidad positiva, más capaz serás de mostrar el horror, del que cada vez estarás más a salvo. P. -¿Por qué ha esperado a cumplir 60 años para mostrar su obra plástica de infancia y adolescencia? R. -Bueno, no es la primera exposición que hago, he expuesto en Tokio, Nueva York, incluso en Valencia. P. -Pero ¿alguna vez había mostrado sus dibujos adolescentes? R. -No, nunca había hecho una exposición tan grande. La razón es que Hervé Chandès,

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director de la Fundación Cartier, vino a mi casa en Los Ángeles y yo le mostré mis archivos, y a medida que iba enseñándole cosas, él se iba entusiasmando, y al final quiso traerlo todo. P. -Presume de tener muy buena memoria, ¿cómo recuerda a aquel David Lynch adolescente? R. -Bueno, ya no tengo tan buena memoria. Pero sí recuerdo que cuando era pequeño no paraba de dibujar, pintaba mis sueños y mis preocupaciones, pero estaba convencido de que era algo que sólo se podía hacer si eras pequeño, que un adulto no podía ser pintor, porque yo no conocía a ninguno. Vivíamos en el noroeste de Estados Unidos, y entonces mi familia se mudó a la Costa Este, donde conocí a mi gran amigo Tobee; una noche nos reunimos en casa de mi novia, y allí estábamos hablando y fumando algo (ejem), y entonces él me dijo que su padre era pintor, y yo, claro, pensé que quería decir pintor de paredes: «No, no, él pinta cuadros, es lo que hace», me dijo. Bien, pues aquella conversación cambió mi vida, ya nunca más quise ser pintor, mi sueño se terminó. P. -Vaya, ¿y era usted un chico muy miedoso?, ¿ahí nace su atracción por el miedo? R. -Oh, sí, sí lo era. Mi madre es de Brooklyn y a veces íbamos de visita a Nueva York, y aquello me aterrorizaba, la ciudad me daba un miedo espantoso; nadie lo entendía, pero yo lo pasaba fatal en el metro, me horrorizaba

Fotograma de Mulholland Drive

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lo que veía en las calles, lo odiaba. Y aquello iba cada vez peor, llegó a convertirse en mi idea del infierno. P. -Y ¿por qué le obsesionan las casas?, ¿por qué sus casas esconden siempre un punto tenebroso?, ¿tiene algo que ver con las casas de su infancia? R. -Probablemente tenga algo que ver, pero no lo sé. Yo tuve una vida familiar muy feliz y, sin embargo, cuando contemplo una casa desde el exterior, incluso durante el día, mi idea de su interior es triste, me imagino que encierra problemas, historias conflictivas. P. -Tengo entendido que su familia se mudaba frecuentemente de casa y que solían vivir en reservas forestales, ¿a qué se dedicaba exactamente su padre? R. -Era investigador científico y trabajaba para el Departamento de Agricultura del Gobierno. Estudiaba los árboles, su erosión, sus plagas, sus insectos, y esto ha sido para mí una gran fuente de inspiración. P. -O sea, que de ahí viene su otra obsesión: los insectos. R. -Bueno, en parte seguro que sí. Los insectos me parecen fascinantes. P. -¿Qué es lo que quiere contar cuando introduce insectos en su obra? R. -No lo sé. Los insectos son muy buenos trabajadores, especialmente las hormigas. Me encanta imaginar y suponer cosas sobre la vida de los insectos, son tan distintos... (Llegados a este punto aparentemente absurdo de la conversación, no consigo ya contener la risa; él tampoco: se nota que disfruta repasando sus amores y sus fobias). P. -Viendo sus películas cualquiera podría pensar que su vida ha debido ser un tanto azarosa o turbia, y sin embargo parece que su biografía lo desmiente, ¿no? R. -Sí, es extraño, ¿verdad? He tenido siempre una vida bastante feliz y tranquila. Pero bueno, soy una persona que se preocupa por el mundo que nos rodea. Una preocupación que comencé a sentir muy hondamente a partir de mis años universitarios. P. -Niega en cambio que sus películas tengan mensaje político o social. ¿Puedo preguntarle cómo es su visión política y social de la actualidad? R. -Yo creo en la paz. La paz es una posibilidad, real y a corto plazo: está llegando. Llegará

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cuando la gente se organice en grupos de meditación que trabajen diariamente, como en una especie de factoría, con un programa para meditar y llegar a los más profundos niveles, lo que se llama el potencial total, la liberación, la salvación. Los grupos son mucho más efectivos, son el camino a la paz y la felicidad. Todo lo que necesitamos es experimentar la eterna totalidad que el hombre posee, y vivir en ella, porque es en ese nivel profundo de consciencia donde todo se crea y todo se puede. La antigua ciencia védica ya revelaba lo que ahora la física cuántica llama el campo unificado, que en la Biblia se llamó el reino de los cielos: todo reside dentro de uno, el ser humano es una criatura fantástica, sólo necesita conocer, cultivar y desarrollar ese enorme potencial que tiene. En cambio, mira lo que tenemos alrededor, terroristas suicidas, asesinatos, enfermedades y plagas, corrupción y desastre, y la gente con corazón trata de recaudar dinero para paliar estos males, millones para esto y lo otro, y suena a chiste, porque nada de esto se puede solucionar en la superficie. Einstein decía, si quieres resolver un problema tienes que ir a su raíz, y no hay nada más profundo que el campo unificado. P. -Mr. Lynch, hablando con usted no parece tan irracional como uno se lo imagina por sus películas, ¿o acaso la meditación le ha transformado? R. -Sí, sí, he cambiado. Yo solía padecer muchas tensiones, y miedo, y mal humor, y empecé a meditar en 1973, y puede que esto no le ocurra a todo el mundo, pero yo en tan sólo dos semanas me liberé: mi furia se esfumó. Mi primera mujer, que era quien recibía toda aquella rabia, que le hacía la vida imposible, se me acercó a los 15 días y me preguntó qué me ocurría: «qué quieres decir», le contesté; y ella, «sí, que qué ha pasado con tu ira». Ni siquiera yo mismo había sido consciente (Lynch está separado de su primera mujer, con quien tuvo una hija, y de su segunda, Mary Sweeney, guionista y productora de alguna de sus películas, con la que tuvo un hijo). La ira te contamina, primero a ti mismo y luego a tu entorno. Si meditas, la ira o el pesar no resisten dentro de ti, porque te llenas de buenos sentimientos y felicidad. Y el secreto es simplemente bucear dentro de uno mismo.

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Un pacificador profesional Tiene David Lynch una fundación con sede en Los Ángeles que se dedica a organizar esos grupos de meditación que según su teoría son la clave para lograr la paz en el mundo y la mayor felicidad posible en la vida de cada uno. Para ello, financia la enseñanza de esta antigua práctica de los vedas a todo aquel que quiera aprender y no pueda permitírselo: «cualquiera puede escribirme y pedirme ayuda», me ha dicho (davidlynchfoundation.org). En apenas un «estresado» paseo, la web o «escuela libre de estrés» nos propone la necesidad imperiosa de introducir la materia de meditación en los planes de estudios como «único camino para salvar las generaciones venideras». Según Lynch, o según sus antiquísimos maestros, la llamada «educación basada en la consciencia» liberará todo el potencial creativo de los niños del estrés ambiental que sufren desde la cuna. Más allá aún, apoya la creación de «Universidades para la Paz Mundial» que preparen a sus alumnos para ser «pacificadores profesionales». Toda una esperanza. THE GOODLIFE MAGAZINE


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EL BARÓN RAMPANTE Carlos Cid, fotógrafo y videoartista madrileño, consolidó su carrera entre 1994 y 2006 gracias a sucesivas estancias en Nueva York, La Habana, Londres y Berlín, ciudades que, además de brindarle buenas oportunidades expositivas, nutrieron y configuraron su mirada. Tal vez por ese motivo, su obra madura se ha impregnado del viaje como concepto y de cierta actitud universalista, de búsqueda de lo esencial más allá de fronteras. La serie Kaizen, realizada entre 2007 y 2010, nos invita a través de 22 fotografías y un vídeo a deambular por bosques animados, a veces luminosos, a veces opresivos, calmos o inquietantes, siempre infinitos… Los bosques sublimes de la conciencia.

El término sublime, acuñado por Longino en el siglo I, rescatado por el Renacimiento, reivindicado por el Barroco y reinventado por el Romanticismo, no ha perdido su acertada vigencia con el paso de los siglos. Simplificando las cosas al máximo, y haciendo de las artes un asunto bipolar, por descarte, todo lo que no es bello, es sublime. La belleza extrema y dolorosa a la que hace referencia el término es el resultado de la asunción, apesadumbrada y determinista, de que la mano del hombre no puede producir belleza, sino que ésta nos viene dada, con una intensidad a veces abrumadora. Podemos tratar de representarla, imitarla, pero con reverencia y humildad. La belleza ya es. Recrearla es una empresa pretenciosa y utópica. De ahí la fascinación romántica por la naturaleza desbordada, por los tentadores acantilados, por las menguadas y compungidas figuras humanas, seres sobrecogidos ante lo imposible, retratos agorafóbicos de nuestra insignificancia.

En el arte se suceden períodos de atracción por el caos, y períodos armónicos, de regulación y esmero canónico. Por lo general, estos ciclos van muy asociados al contexto social y económico, pero este es un aspecto en el que no voy a detenerme, porque no son horas. La creación actual opta de forma más o menos generalizada por lo sublime. El exceso estético e intelectual —o pseudointelectual— es una constante en el arte de nuestros días. También es cierto que la incorporación de nuevas y diversas tecnologías a la práctica artística ha contribuido en mucho a esta tendencia. Sin embargo, pese a las aportaciones de la modernidad, pese al paso del tiempo y pese a la popularización de las diversas teorías estéticas, la representación del caos conlleva hoy la misma frustración que en el XIX. La diferencia es que hoy el artista no es consecuente con sus frustraciones, y en lugar de suicidarse, se resigna. Emprende, una y otra vez, la búsqueda de alquimias que hagan ese caos más tangible, creando paraísos artificiales más cercanos al Hades que al Edén.

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En raras ocasiones, lo sublime es el medio y no el fin. El artista supera su congoja y, sin renunciar a su fascinación por el caos, lo sobrevuela, lo hace suyo, y lo reorganiza en función de sus deseos. Dicho en otras palabras, para avistar el bosque, se encarama a lo alto de un árbol, obtiene una vista panorámica, vuelve a descender y representa desde abajo lo que ha percibido en las alturas. En tal caso, el espectador, que no ha experimentado tal «ascensión», percibe un caos inicial, y superada la turbación, advierte que no es más que aparente.

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He tenido ocasión recientemente de detenerme con cierta comodidad —sin prisas y sin tumultos— ante un cuadro de Van Gogh, conocido como todos ellos, que representa a una pareja espectral caminando en un bosque. Van Gogh, que es sin duda la encarnación de lo sublime —él sí que fue consecuente con sus frustraciones—, dispuso en su lienzo un punto de fuga y un haz de luz cromática que, sin ordenar el abigarrado bosque, le aportaba un elemento armónico y esperanzador.

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Así, lo aparentemente confuso, excesivo y colmado, recobra una dimensión abarcable por el ojo humano. Esta es una interesante interpretación de lo sublime. Formalmente, sigue las mismas pautas de siempre, tendentes al horror vacui, pero renunciando a su determinismo. El hombre triunfa de nuevo ante esa entelequia, esa idea inventada que es hoy la naturaleza. El hombre, exasperado ante lo inhóspito de su medio, se encarama a los árboles. A diferencia del barón rampante de Calvino, que permanece en las alturas el resto de su vida, el hombre contemporáneo desciende en ocasiones, a veces incluso cae, pero goza de cierta tranquilidad, pues por unos escasos segundos, ha visto —o ha imaginado— el todo. El árbol, por una vez, le ha dejado ver el bosque. Texto: María Santoyo Imágenes: Carlos Cid (www.carlos-cid.com)

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«El único realista de verdad es el visionario». Federico Fellini


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Foto: Carlos Cid. De la serie Ciudad Interior

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ALFONSO ZAPICO El asturiano Alfonso Zapico, premio autor revelación de 2010 en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona, se ha sumergido durante 3 años en el proceso de creación de Dublinés, una novela gráfica centrada en la vida de James Joyce en la que recorre los momentos, conversaciones, penurias y aventuras con las que se fue construyendo una de las grandes figuras del siglo XX. Un ambicioso trabajo además, cuyas entretelas podrán verse en La ruta Joyce , una exposición que girará por España y se puede ver en la Fnac Triangle, de Barcelona, entre el 14 de abril y 10 de junio.


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TRAS LOS PASOS DE JOYCE Ya quedaba claro que a Zapico no le asustaban los retos, a priori complicados, cuando con Café Budapest (Astiberri, 2008) decide meterse de lleno en una ficción determinada por los orígenes del todavía no resuelto conflicto palestino-israelí. Acto seguido, tras caer fascinado por la figura de Joyce, este autor de la Cuenca Minera da salida a un metódico plan a partir de un viaje por la vieja Europa que le permite tomar innumerables apuntes de campo y desarrollar una precisa labor de documentación, incluyendo múltiples entrevistas con contrastados estudiosos de la vida y obra de Joyce, que le posibilitan dar brillo y entidad crecientes al proyecto que ahora ve la luz. Con un arduo trabajo de documentación y de plasmación en viñetas, este relato salpicado de múltiples anécdotas, es además un cautivador viaje en tren por aquellas ciudades –Dublín, Trieste, París y Zurich– por las que fue dejando su rastro de vida este irlandés universal. Ilustres autores van desfilando por sus páginas como Henrik Ibsen, W.B. Yeats, Ezra Pound, H. G. Wells, Bernard Shaw, T.S. Eliot, Virginia Wolf, Paul Valéry, Marcel Proust, Ernest Hemingway, Samuel Beckett, Sergei Eisenstein, Henry Matisse, André Gide, Le Corbusier, y hasta Lenin. En realidad el acercamiento a Joyce es doble. La ruta Joyce tendrá forma de exposición, que además de abrir gira en Barcelona, recalará también, en Madrid y San Sebastián, y también será una segunda publicación, ya que un cuaderno de viaje homónimo se editará los próximos meses, también por la editorial Astiberri, relatando la particular aventura de Alfonso Zapico en el proceso de gestación de Dublinés (Astiberri Ediciones, 232 pp. 18 Euros).

Texto e imágenes: cortesía Astiberri Ediciones


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Para este nuevo número de THE GOODLIFE MAGAZINE hemos entrevistado a Zapico a fin de acercarnos no solo al creador sino también a su obra: Pregunta. -¿Tiene la narrativa gráfica un

lenguaje propio que trasciende la simple fusión de texto y dibujo? Respuesta. -No sabría decir; la verdad es

que no entiendo el texto o el dibujo por separado, sino que todas las historias en las que me embarco las visualizo como una masa homogénea. Mi modus operandi es un poco teatral: primero construyo un escenario, un entorno donde se desarrollará la historia. Luego imagino los personajes, pulo cada esquina de su personalidad, les doy un espíritu individual (cada uno habla, se mueve y actúa a su modo), y finalmente dejo correr los acontecimientos para lograr una obra coral. Todo esto con el objeto de contar algo que ya tengo predefinido, claro. P. -Ciertamente, el novelista gráfico es ya una categoría literaria. ¿Qué tiene de novela tu obra y qué de gráfica? R. -Pues mi novela gráfica utiliza viñetas en lugar de párrafos de texto porque yo utilizo este lenguaje, es mi recurso natural de comunicación. En el fondo el mensaje es el mismo aunque discurra por distintos cauces. Novela gráfica, si la entendemos como etiqueta moderna para definir una obra densa y con gran peso literario, pues pienso que se ajusta muy bien a Dublinés. Tengo un plus al ser dibujante, porque me permite enviar mensajes más complicados de una forma más directa y sencilla, lo que es una suerte tratándose de James Joyce. P. -Tu obra es el resultado de un largo camino. ¿Te has topado con algún abismo? R. -Con muchos, empezando por el princi-

pio. Ahora el libro ya ha salido de imprenta,

se puede ver y tocar, es una realidad. Pero imaginar hace tres años el proyecto de llevar una biografía literaria como la de Joyce al cómic era poco menos que una locura: mucho tiempo, mucho trabajo, mucho riesgo para una historia que no es precisamente comercial ni está de moda. Al final hemos salido airosos de todo, pero días con ganas de prenderle fuego a mi taller de dibujo no han faltado. P. -¿Cuéntanos algo sobre el proceso de

creación de Dublinés? R. -Ha sido un recorrido largo y meticuloso. Han pasado muchos meses antes de ponerme a dibujar, porque he tenido que leer su densa biografía tres veces: la primera para abrir camino, la segunda para enterarme con detalle y la tercera para subrayar en las páginas del libro justo aquellos trozos de vida que quería dibujar. Muchos viajes, mucha documentación, mucha búsqueda narrativa... Luego el storyboard de principio a fin (que es como dibujar el libro en bruto), y al final la parte más técnica, el dibujo y el color a aguada. Tras esto ya la postproducción a ordenador, la corrección de textos y directos a imprenta. P. -¿Cómo dibujas el alma de un personaje? R. -Joyce me lo ha puesto muy fácil, es un personaje singular lleno de aristas y claroscuros, pero profundamente humano. Tengo una extraña sensación al hablar de él, porque lo he dibujado tantas veces en tantas situaciones diferentes... unos días me indignaba su egoísmo y otros me alegraba su jovialidad y su ingenio. Al final, cuando lo maté (o se murió) en la página 219, no pude evitar sentir un extraño vacío. Así que puede decirse que he recreado bastante bien el alma de Joyce.


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Café Budapest. Alfonso Zapico. Astiberri Ediciones, 2008. 168 pp. 16 Euros

La historia está ambientada justo después de la II Guerra Mundial, que arranca en la ciudad de Budapest, embarcada en recuperar su entidad propia después del horror vivido.

La guerra del profesor Bertenev. Alfonso Zapico. Dolmen, 2009. 80 pp. 18,95 Euros

En Crimea (Rusia) en 1856, Bertenev es un profesor de Moscú que ha sido obligado a ir a luchar al frente contra el ejército británico, y que, durante una carga inglesa que está acabando con los compañeros de su batallón, deserta en un momento de pánico.


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«Yo soy el espacio donde estoy». N. Arnaud


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Foto: Carlos Cid. De la serie Ciudad Interior

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JOSÉ LUIS TOVAR EL OTRO AMIGO DE LOS LOBOS

Su pasión por los lobos comienza a los 10 años gracias al programa de televisión La fauna Ibérica. Más tarde, sobre los 25 años, tuvo la suerte de poder contar con un animal muy especial, un lupus signatus, llamada Sella. En palabras de J.L. Tovar: «Durante los 18 años que estuvimos juntos me enseñó a ver el campo de modo diferente. Con ella aprendí a buscar agua con el olfato, siempre hacia la hierbabuena mentolada, distinguir el norte y el sur según la estación del año en que nos encontramos, guiarme con el oído para ver animales tan silenciosos como el búho real, el tejón o encontrar en el campo desde corzos hasta manadas de lobos en libertad gracias a su especial aullido». RUSTICAE


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En 1985 este inquieto emprendedor fundó Naturaltur, empresa de turismo activo por el Cañón del Duratón (rutas en piragua, globo aerostático, 4 x 4, escalada y tirolina, espeleología…). Nos cuenta Tovar que actualmente sale al mar de pinares con los clientes, tanto de Posada del Duratón como de Naturaltur (unas veces de día y otras de noche) a enseñarles animales, a identificar rastros de huellas, de sonidos como el búho real, la berrea, los ladridos de corzo, aullidos de lobo o a identificar gran variedad de olores… «Es habitual y muy gratificante que mis clientes envíen saludos con una referencia a su salida por el campo, sintiéndose exclusivos y amigos más que clientes. También organizo cursos de documentalista en la naturaleza y rastreos con agentes forestales y huéspedes de Posada del Duratón. Otra actividad muy interesante y con mucha aceptación son las salidas a navegar en noches de luna llena». Una aventura fascinante para los amantes de la naturaleza.

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n el corazón del Parque Natural de las Hoces del Duratón se encuentra la Posada del mismo nombre, un hotel rural con encanto en plena naturaleza de Segovia. En los anchos muros de esta casa rural descansan amplias estructuras de maderas nobles, antiguas vigas, columnas y enrejados debidamente restaurados. Sus habitaciones están distribuidas de forma original y decoradas por José Tovar con el estilo especial de los hoteles con encanto de Rusticae. Llaman la atención los solados que combinan barro y mármol, las baldosas antiguas recuperadas, las barandillas hechas con llantas de carro y sus ladrillos dispuestos en espiga. La decoración de este hotel rural mezcla el sabor de antaño que aportan sus muebles antiguos con cuadros abstractos, lámparas de estética más contemporánea y el uso extensivo del color en sus paredes. Algunos cabeceros son muy especiales como una pieza del zócalo del Teatro Juan Bravo de Segovia, envejecido y tratado con pan de oro. Las nuevas habitaciones tienen incorporado un jacuzzi y lavabos de mármol dentro del habitáculo y cuentan con curiosidades como la colección de maletas y teléfonos antiguos que todavía funciona. Existen dos salones con chimenea que invitan al recogimiento y la lectura.

Hotel Posada del Duratón Latila S/N Sebúlcor (Segovia - España) T. 902 103892 reservas@rusticae.es www.rusticae.es

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AQUÍ NO HAY PLAYA Y tampoco la necesita. La Comunidad de Madrid cuenta con atractivos suficientes para convertirse en un destino de vacaciones privilegiado.

La Comunidad de Madrid cuenta con multitud de propuestas culturales, de ocio y entretenimiento. Así, combinar aprendizaje y diversión en centros de ocio e incluso, trasladarse a otras épocas gracias a los itinerarios de cercanías a bordo del tren de la fresa (Madrid – Aranjuez) o el de Cervantes (Madrid – Alcalá de Henares) son sólo algunas de las alternativas para toda la familia. Pero también Madrid es una región para vivirla de noche con innumerables bares, discotecas y terrazas repartidas por todos los rincones y que se complementan con una extensa red de escenarios que la sitúan a la vanguardia europea de la música, el teatro y la danza. Estrenos de ópera, zarzuela y música clásica son una constante en los programas culturales. En pocos años, Madrid ha realizado un enorme esfuerzo por modernizar sus infraestructuras, lo que convierte a la región en una de las mejor dotadas en cuanto a comunicaciones. Con independencia del lugar elegido para alojarnos, podremos visitar cualquier punto de la Comunidad sin necesidad de usar el coche. Pero la modernidad de sus instalaciones y su riqueza de gentes, no han conseguido eclipsar su riqueza monumental y su encanto por las tradiciones. La Puerta de Alcalá, la Puerta del Sol, la fuente de la Diosa Cibeles o el Paseo del Prado, con tres de los más importantes museos del mundo: el Prado, el Thyssen y el Centro de Arte Reina Sofía, son paradas obligadas en el itinerario de cualquier turista. También lo son, ciudades declaradas patrimonio de la Humanidad por la UNESCO como San Lorenzo del Escorial, Aranjuez o Chinchón, todas ellas a menos de una hora de la capital.

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CULTURA Con la primera pinacoteca española y, según muchos expertos, del mundo, el Museo del Prado, a la cabeza, Madrid dispone de una amplísima oferta cultural. A los admirados museos ubicados en lo que es ya el principal Paseo del Arte del mundo: el Museo del Prado, el Centro de Arte Reina Sofía y el Museo Thyssen-Bornemisza, se suman importantes monumentos en toda la región que cuentan la historia de España y hasta del mundo si pensamos en lugares como el Palacio de Oriente, los reales sitios de Aranjuez o San Lorenzo de El Escorial. Imagen cortesía del Museo del Prado

COMPRAS Madrid ha logrado combinar la presencia de comercios punteros en alta tecnología, tiendas exclusivas y grandes áreas comerciales y de ocio por toda la región con rastrillos, galerías de arte, talleres de artesanos y tiendas de anticuarios, desplegando ante el viajero un extenso abanico de posibilidades capaz de satisfacer todos los gustos y bolsillos.

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NATURALEZA La ciudad de Madrid cuenta con parques como el Monte de El Pardo y la Casa de Campo, conservando además pulmones como los jardines de El Retiro, el parque del Oeste y la Dehesa de la Villa, sin olvidar que sus principales avenidas figuran entre las más arboladas de toda Europa. Y no nos podemos olvidar de los magníficos parajes repartidos por toda la Comunidad como las lagunas del sur, en las cercanías de Chinchón, el Hayedo de Montejo y el Parque Natural de la Cumbre, Circo y Lagunas de Peñalara, en la Sierra de Guadarrama.

OCIO Madrid cuenta con propuestas de ocio para todos los gustos: disfrutar con los más pequeños en los diferentes parques temáticos, conocer la animada vida nocturna de la capital, elegir una obra o una película de la variada y extensa cartelera... son sólo algunas de las alternativas de la siempre tentadora oferta de ocio. Y más allá de la capital, cada una de las ciudades que conforman la Comunidad cuenta con una nutrida agenda de eventos musicales, escénicos y cinematográficos, sin olvidar la amplia oferta de bares, cafés y restaurantes.

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GUÍA RÁPIDA PARA CONOCER MADRID

Cómo llegar Las modernas infraestructuras con que cuenta la Comunidad de Madrid la convierten en un destino de fácil acceso por avión (Madrid cuenta con el aeropuerto de Barajas, en el que se ubica la moderna Terminal 4), tren (cada vez mejor comunicada a través de la red de Alta Velocidad AVE) o carretera. Además, la amplia red de metro y la comodidad de los trenes de cercanías, facilitan el desplazamiento por toda la Comunidad. Dónde Comer Barrios como La Latina son parada obligada para degustar las famosas tapas madrileñas o la cocina tradicional. Aunque la oferta gastronómica va mucho más allá. Madrid cuenta con doce restaurantes galardonados por la Guía Michelín que ofrecen las distintas cocinas de toda España y son un referente a nivel internacional. Qué ver A lo largo de todo el año el visitante podrá disfrutar de la amplia oferta cultural de sus numerosas salas. A ésta se suma la variedad de festivales que se celebran en la Comunidad (casi un centenar) que abarcan el cine (documentales, experimental, cortometrajes…), la música (sacra, flamenco, folk, jazz, pop, rock), la fotografía, el teatro y la danza. El máximo exponente lo encontramos en los meses de mayo y junio con el Festival de Otoño «en primavera» de la Comunidad de Madrid, una explosión de espectáculos que abarca toda las artes. Imágenes de Fernando Manso. Cedidas por Turismo Madrid

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Dónde dormir La Comunidad de Madrid cuenta con una de las ofertas hoteleras más importantes de España capaz de adaptarse a cualquier gusto y presupuesto. Si lo que buscas es el ajetreo de la ciudad con la tranquilidad y el cuidado que brindan nuestros hoteles RUSTICAE (www.rusticae.es) te ofrecemos dos excelentes propuestas: Hotel Urban y Hotel Quinta de los Cedros. Otra opción es alojarte en uno de nuestros hoteles de la provincia y aprovechar la magnífica red de transportes públicos de la Comunidad para desplazarte. En ese caso te proponemos el Hotel Casa de Éboli, Hotel Rincón de Traspalacio y, por supuesto, el Hotel El Cocherón 1919.

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n el casco antiguo de El Real Sitio de Aranjuez, declarado Patrimonio de la Humanidad, se encuentra este acogedor hotel de diseño a un paso de los jardines del Príncipe, el Jardín de la Isla y el Palacio. El edificio ha sido rehabilitado pensando en el uso y disfrute de sus huéspedes y su exquisita decoración ha corrido a cargo de la propietaria que ha querido que sus visitantes se encuentren como en casa pero con «todo hecho», consiguiendo una atmósfera tranquila y acogedora. Las dos plantas se elevan en torno a una corrala, que es la construcción típica de la zona. La planta baja alberga unas zonas comunes muy luminosas donde se ha sabido sacar el máximo partido a la solera y antigüedad del edificio, conjugándolo con la decoración cálida y vanguardista en la que prima la elegancia de los tonos malvas. Las habitaciones no decepcionan y siguen en la línea de las zonas comunes con una decoración cuidadísima, baldosas hidráulicas en el baño, tarima en el dormitorio, edredones de plumas y lencería inmaculada, todo con el estilo, encanto y elegancia típica de los hoteles con encanto de Rusticae.

Hotel El Cocherón 1919 Montesinos, 22 Aranjuez (Madrid - España) T. 902 103892 reservas@rusticae.es www.rusticae.es

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Madrid cuenta con numerosos atractivos y uno de ellos es, sin duda, una de las mejores zonas comerciales del país. Hablamos, cómo no, del Barrio de Salamanca. Grandes firmas internacionales se rifan los espacios disponibles y lucen todos sus encantos para atraer a una clientela cada vez más exigente con la calidad de los productos que compra.

GOURMET EXPERIENCE Desde su inauguración, hace ya un año, Gourmet Experience está concebido como un espacio «chic» para ver y dejarse ver.

Evidentemente no hablamos solo de moda. En el centro comercial de El Corte Inglés de Goya encontramos uno de esos espacios que no podemos dejar pasar sin que se activen todos nuestros sentidos. Un multiespacio gastronómico que combina la degustación con la venta de productos gourmet.

Este espacio pionero y único en España que permite disfrutar de diferentes tipos de alta cocina en un mismo lugar, reúne a firmas y cocineros de prestigio internacional junto a espacios dedicados al tapeo de gran calidad. Entre los chefs figuran Dani García (reconocido con una estrella Michelín) que ha incorporado un bar, La Moraga, donde se puede disfrutar del lujo accesible de la gastronomía y Ricardo Sanz, primer cocinero español con una estrella Michelín especialista en comida japonesa junto a ellos, clásicos como Cinco Jotas donde saborear los más selectos productos ibéricos de jabugo. Un espacio dedicado al mundo de los ahumados, una tienda de chocolates con la el sello de calidad de Godiva, una ostería y champanería, una tienda de café recién tostado, una panadería con más de 50 especialidades, una tetería, una bodega, una frutería (donde tomar además un exquisito zumo recién hecho) y el «Club del Gourmet» en El Corte Inglés, completan la oferta.

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Bodega, excelente. Foie de oca, excelente. Caviar iraní, excelente. Salmón noruego y jamón ibérico de bellota, excelentes también. Como los quesos. Como todo: 4.000 exquisiteces de aquí y de allá.


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FINCA LORANQUE: HISTORIA, ARTE Y VINO Un día en Finca Loranque es un paseo por los sentidos, la historia y la exclusividad. Camino de Toledo, a 50 km de Madrid, se encuentra la Finca Loranque, donde a finales del siglo XVIII el Conde Floridablanca hizo construir una bodega con arquitectura de ladrillo mudéjar y tapial típicamente toledano, que se integra a la perfección en el terreno que la circunda. Al tiempo, toda la estructura se adapta a los usos de labor de la época, en un paisaje donde el olivar y la viña han sido protagonistas desde hace siglos. No fue sino hasta 1982, que la familia Díaz-Bermejo (empresarios audaces y comprometidos con el territorio) adquirió la finca para retomar la tradición de la elaboración de vinos de calidad y desarrollar servicios de altísima gama en el campo del enoturismo, destinado a potenciar la riqueza vinícola de la zona. En la actualidad, y después de una cuidada y minuciosa restauración, la Finca Loranque es considerada Bien de Interés Cultural y sus instalaciones se posicionan de forma privilegiada en el panorama de lugares únicos para conseguir el éxito organizativo de todo tipo de eventos. En este escenario es donde se produce el vino Loranque El Grande Syrah cuya calidad es determinada por la absoluta bondad de la añada. Las técnicas más novedosas se emplean para su fermentación y, para su crianza, las mejores barricas nuevas de roble francés. Es así como se ha logrado un sabor equilibrado y complejo, con la solidez y estructura de los años de gran concentración, con fruta fresca y un excelente potencial en botella. Fue seleccionado como mejor vino de crianza en su relación calidad/precio para el Anuario de Vinos de El País.

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ASTURIAS, PARAISO NATURAL Y CULTURAL La ría de Avilés, una de las ciudades más bonitas de Asturias, históricamente ennegrecida y contaminada por los altos hornos es hoy un lugar renovado. Y como símbolo, la belleza futurista de este complejo cultural diseñado por el arquitecto brasileño Óscar Niemeyer.

Oscar Niemeyer recibió en 1989 el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. En 2006, cuando los galardones celebraban su primer cuarto de siglo de existencia, la Fundación Príncipe de Asturias contactó con todos los premiados para que, de alguna manera, se sumaran a los actos del 25 aniversario, bien ofreciendo una clase magistral, una conferencia, un encuentro con el público... «Yo soy arquitecto y, por tanto, lo que sé hacer son diseños de edificios, y eso es lo que voy a hacer, diseñar un edificio». Y así, sobre un papel en blanco, comenzó a trazar esas curvas en las que él es un mago. Niemeyer ofrecía el mejor de los regalos posibles. Aquellos primeros trazos, realizados con un grueso rotulador negro, se han convertido en un ambicioso proyecto cultural con un escenario privilegiado. THE GOODLIFE MAGAZINE


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Nunca ha sido necesario buscar una excusa para visitar Asturias si bien ahora, ya no hay excusa para no hacerlo. Además de conocer su exultante naturaleza, y visitar ciudades mágicas como Gijón y Oviedo, ahora además, Avilés se convierte en destino obligado. Serás testigo de uno de los planes de recuperación de una ciudad más ambiciosos, otorgado al equipo liderado por el arquitecto Norman Foster, en el que su buque insignia es este centro ideado por el colosal Óscar Niemeyer y podrás disfrutar de una ambiciosa programación cultural (www.centroniemeyer.org). RUSTICAE


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poco más de un par de kilómetros de la playa, este hotel rural se aloja en una casa de 1877 rodeada por un agradable jardín con vegetación típica indiana: camelias, araucarias, magnolios, robles centenarios… La propietaria recibe al huésped en un espacioso zaguán que, como antaño, hace de distribuidor de las zonas comunes de la planta baja. Se ha puesto un especial cuidado en la elaboración del desayuno, que ofrece una amplísima variedad de productos destacando las rosquillas, los bizcochos, las torrijas, la leche frita y los quesos del país. Y después de un largo día de excursión, nada como la lectura reposada frente a la chimenea del salón principal de este hotel rural con encanto de Rusticae.

Hotel Casona de la Paca El Pito S/N Cudillero (Asturias - España) T. 902 103892 reservas@rusticae.es www.rusticae.es

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ara huir del bullicio de lo urbano, esta casa rural solariega asturiana del siglo XVIII ubicada en un precioso paraje con praderío, acantilados, hórreo y torre medieval incluida, es el mejor refugio. El mobiliario de zonas comunes y habitaciones es moderno y original, aunque sin perder su calidez y el encanto típico de los hoteles Rusticae. Todos los dormitorios ofrecen una pequeña zona de estar que en algunos casos se sitúa frente a una galería acristalada. El salón es, sin duda, uno de los rincones más apetecibles de este hotel rural de Asturias: amplio y luminoso dispone de varias zonas de estar y una chimenea. El comedor de desayunos está presidido por un gran ventanal que recorre la pared de arriba a abajo y desde el cual se disfruta de unas vistas fabulosas a la torre, el prado y el mar. Conviene no perderse un atardecer desde el porche de la casa mirando al mar.

Hotel Torre de Villademoros Villademoros s/n Valdés (concejo) (Asturias - España) T. 902 103892 reservas@rusticae.es www.rusticae.es

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ELLOS SON LOS PROTAGONISTAS The GOODLIFE MAGAZINE se hace mayor con el suplemento FOR KIDS.

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Al igual que aquí, la luz es el tema central de este segundo número de THE GOODLIFE MAGAZINE FOR KIDS, proponiendo al pequeño lector dar luz a lo que le rodea, a su comida, a su ropa, a su habitación, a su entorno, a su mirada. Entre sus contenidos destaca la propuesta del colectivo LUZ INTERRUPTUS que, con la instalación 1.000 POESÍAS POR CORREO, quisieron iluminar la poesía y a la vez, que los visitantes disfrutaran de la instalación de manera activa. Para ello, llenaron un jardín con 1.000 sobres blancos, en su interior, poesías escritas especialmente para la ocasión por los poetas que participaban en el festival. Los sobres con luz, permanecieron colgados de los árboles durante 3 días, sirviendo de íntima iluminación a las veladas poéticas. La última noche, aun con luz en de su interior, se ofrecieron al público para que los conservara, o mejor, para que escribieran la dirección de un ser querido, al que ellos harían llegar el sobre (www.luzinterruptus.com). Pistas para customizar la ropa, decorar la habitación o una sencilla receta para elaborar un rico postre son también parte de los contenidos para los que los más pequeños deberán buscar la complicidad de sus padres.

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También en este número, se dedica la portada y parte del contenido de interior a BOA MISTURA, un colectivo con raíces en el graffiti que, con su último proyecto en Ciudad del Cabo, Sudáfrica, ha contribuido al proceso de transformación de uno de sus barrios Woodstock (www.boamistura.com). THE GOODLIFE MAGAZINE


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Imagen de portada Carlos Cid

Editoras Carlota Mateos e Isabel Llorens Directores Rosa Ruocco y José Vázquez Director de Arte Alejo Ruocco Redacción y Traducción Norka Osorio Servicios Editoriales Pascal Suter, Actis Production Impresión Gráficas Monterreina Publicidad Helena Boj (hboj@rusticae.es) Agradecimientos CBQ Agencia Literaria, Editorial Caballo de Troya, Astiberri Ediciones y Médicos Sin Fronteras. Edita RUSTICAE, SELECCIÓN DE CALIDAD S.L. C/ Mariano Cuesta 2, Local. 28250 Torrelodones, Madrid. rusticae@rusticae.es Proyecto original y diseño MADIN C/ San Hermenegildo 7. 28015 Madrid. jose@ideasmadin.com

THE GOODLIFE MAGAZINE se vende en quioscos y se distribuye también como revista de cabecera en los más de 200 hoteles pertenecientes al Club de calidad RUSTICAE.

ISSN: 2173-8831 Depósito Legal: M-2258-2011


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EL VIAJE como búsqueda interior y como reconocimiento de nosotros y nuestro entorno será el tema que desarrollaremos en el próximo número de THE GOODLIFE MAGAZINE


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Hablar de la luz es situarnos en el punto exacto en el que todo se convierte en posible, cercano, visible… De allí, que THE GOODLIFE MAGAZIN...

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