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Luminaria es una plataforma cultural creada por artistas que apuesta por una colaboración directa y permeable con los participantes y sus proyectos. Trabajamos creando redes culturales en entornos urbanos, favoreciendo la conexión entre el arte contemporáneo en todas sus dimensiones y el tejido social. 02 es la segunda convocatoria donde se han seleccionado trabajos para su exposición y difusión. La muestra tuvo lugar en los mercados municipales del distrito madrileño de Usera del 5 al 19 de marzo de 2016: Mercado de Usera y Mercado de Jesús del Gran Poder. Se expusieron trabajos de 49 artistas en los puestos en desuso, espacios comunes y zonas exteriores y de acceso. Los artistas participantes fueron seleccionados en una convocatoria abierta y realizaron trabajos específicos para el sitio. Junto a ellos se expusieron trabajos de un grupo de artistas invitados. Además en las fiestas que hubo en los mercados se contó con diversos grupos de danza contemporánea, teatro, un grupo de jazz y una exhibición de kung-fu.

© Del texto y las imégenes: Luminaria, 2016 Diseño y maquetación: Carmen Itamad Cremades Romero y Cristina Martínez Delgado Impreso en España


Luminaria es un proyecto producido y comisariado por: Antonio Lozano y Magaly Briand . Agradecimientos Ayuntamiento de Madrid por la cesión gratuita del espacio. Mercado de Usera: Eva María Alache García, Asociación de comerciantes del mercado de Usera, Jorge, Fernando y Mariano. Mercado Jesús del Gran Poder: María Jesús Bohórquez, Asociación de comerciantes del mercado Jesús del Gran Poder, Antonio, Javi y Adalberto. Cristina Martínez, Yixian Jing, Carmen Herrero, Emilie Ernoult, Ariel Suero, Ze Carrión, Fernando Arroyo, Ethan García, Pablo María García Llamas, Robert Harding Pittman, Raúl Gomez y Fé Cobo. Nicolas Rambaud, SMQ (Sunday Morning Quartert), Seaven Dance Company, Aprendeartesmarciales.es, Denislav Valentinov, Dans off Project, Puzle, Sofía Bauchwitz, Jonás Trueba, Ana Serret y el equipo de cine en curso, Senén García, Diego López Calvín, Weicheng Yu, Isabel Rodríguez, Javier Extremera y Fernando Ariza. Y a todos aquellos que nos han apoyado y han participado de múltiples maneras en los días previos, durante y después de la muestra 02.

Mecenas: Nicolás Linares Martínez Reese Olsen Emilie Ernoult Pablo María García Teresa Ruiz Nadege Bourguilleau Primi Palacios Martín Christele Souchet Audrey Roiné Rocio Marttinez Barreras Sergio de Isidro Hontana Carlos Romano Gabriel Carrillo Delphine Doucet Mercamad - Mercados de Madrid Gemma Granell

Tere Fuentes Kathleen Monrousseau Raúl Alonso Christophe Ernoult Lucie Ernoult Véronique Garcia Clothilde Bonnamy María Jesus Bohorquez Juan Poré Eva María Alache García Luis Lozano


Sendero luminoso Luminaria nació a modo de ensayo para cortar con un bisturí la sofocante vida de los habitantes del distrito y dejar entrar por la herida la realidad de una vida plena y nutrida de misterio. La cotidianeidad del alienante ‘metro-currar-dormir’ es el humus donde nacen numerosas formas de rebeldía: personales, colectivas, juveniles o familiares. Los largos años de deterioro económico y el colapso del edén europeo se han sumado a esa emergencia social y han castigado con dureza a las comunidades más débiles; los distritos periféricos forman parte de esos entornos y Usera es un claro ejemplo de ello. El distrito, determinado por la mezcla de pueblos, ha pasado de una convivencia necesaria a la creación de una comunidad incipiente, comunidad hoy especialmente viva en busca de riqueza no solo individual sino también colectiva. Es en los barrios menos acomodados donde las culturas singulares venidas de fuera toman cuerpo y son sus habitantes quienes, de hecho, conservan como estructurante de su vida y convivencia la cultura de su pueblo, así como su memoria histórica. El ‘metro-currar-dormir’ es solo la imagen de la injusticia estructural que, por la vía de los hechos, acaba con la vida compartida de esas comunidades, e incluso con los espacios individuales de reflexión. La cultura, en consecuencia, constituye una necesaria herramienta de corte y por tanto curativa. En ese sentido, tanto el proceso como el fin son esenciales. La verdadera naturaleza del arte contemporáneo solo puede desplegarse en su plenitud en entornos desfavorecidos. Esos entornos son cuerpos de trabajo donde la cultura es esencialmente viva. Las relaciones, las referencias, los intercambios propios del arte solo se generan de manera natural en aquellos espacios necesitados de procesos sinceros de construcción. El arte contemporáneo frente al pragmatismo extiende las manos del misterio y descubre su dedo sanador. El distrito de Usera lucha hoy por ser un ámbito viviente donde los conflictos, las tensiones y los opuestos pueden alcanzar, y de hecho alcanzan, una unidad multiforme que engendra riqueza y vida. Es un ejemplo del ‘nuevo diálogo’, que no es otra cosa que acudir al otro desde la vivencia. En este diálogo no solo importa qué se cuenta sino tanto o más el cómo: la actitud, el temple y el tono, es decir, lo cultural.


Sur El sur de Madrid tiene el aire más fino y la luz más limpia. El sur no tiene historia, solo tiene presente y mucho futuro. El sur es un niño recién nacido de chinos, franceses, bolivianos y alguna holandesa errante. Siempre quise vivir en el sur pero me retienen las piedras de granito labrado en cubo, los muebles de la abuela de madera de roble —real o tintada—, los colmados de fiambres ibéricos, los dulces de monjas y los caramelos de violeta, los amigos con corbata, los extraños que te saludan porque conocen a tus padres, a tus bisabuelos. Yo siempre quise vivir en el sur porque allí se respira mejor, porque allí no hay que pensar más que en hoy. Porque allí los colores son más nítidos —tal vez haya menos contaminación—, porque cruzar el manzanares es cruzar una vida y, además, se está más fresco en verano. El sur, siempre el sur. Los mares del sur para perderse con Gauguin o, mejor aún, con el último Stevenson. El sur de España con los albertis, los lorcas y la mujer que amas —porque sabemos dónde para hacer bien el amor hay que venir—. No menos artístico y erótico, no menos primitivo o primigenio, es el sur de Madrid: Usera y su mar de fondo. La rivera sur del no-río que es el Manzanares ha recibido aluviones de sangre nueva durante muchas generaciones. Primero fueron locales y terruñeros, luego de todas partes. Desde Usera se puede abrazar el mundo. Los recién llegados siempre fueron «los de fuera», pero terminaron siendo «los de toda la vida». Y así sucesivamente. Miro al sur siempre desde alguna azotea de Madrid, o desde el ventanuco estrecho de una buhardilla. He conocido muchas buhardillas del centro y casi todas miraban al sur. Por algún motivo, desde ahí siempre se ve un atardecer o, mucho mejor, un amanecer. Tal vez eso sea porque le roba la luz a los otros puntos cardinales, tal vez porque detrás se ve la planicie castellana, que es infinita como el mar aunque no tenga una gota de agua. Ya se sabe que desde la playa, estés donde estés, siempre se pone el sol. El otro día bajé al sur (y en este caso la bajada es física porque el paseo de las Delicias desciende como un río de casas y asfalto). No esperaba ningún destello personal porque aún no era primavera y porque uno tiene que prepararse antes para los cambios profundos. Crucé el río y noté el aire más fino, pero cargando con la mochila de una vida se puede hacer poca mudanza. Fui al mercado, no a la compra de productos exóticos sino a contemplar el renacer de unas instalaciones en lento languidecer. No recibí ningún destello personal, digo, lo que contemplé fue una luz atronadora de arte muy rara en Madrid. Casi cincuenta artistas de todo el mundo habían ocupado los puestos vacíos en un derroche de ingenio, de generosidad y de juventud. Eran piezas de lo más diverso, se podía contemplar el espíritu luminoso que las unía. Solo en Usera, pensé, solo en el sur, el arte puede aparecer así de recién nacido, apoyado solo en sí mismo, mirando el puro presente, creado por la explosiva y simple alegría de estar. Ojalá que el sur no se convierta solo en una palabra. Fernando Ariza


Los artistas participantes en Luminaria 02 son: David Abellà Noe Acedo - Cuentos Inmorales César Barrio Guilherme Bergamini Martina Billi Emmanuel Borao Viviana B. Troya CARBOLOVERS Comando Apache Ben Chislett Luis Crespo Colectivo Dandelión José Ferrer Félix Gala Carmen Herrero Ana Huerta y Antonio Arribas El hijo Tonto Rafaela Jemmene Toni Kuraga Clara Leal Diego López Calvin Eva Mansergas Rocío Martín Gorbe Federico Miro Mosquera de la Vega Nizarrey Albert Negredo Fran Orallo Daniel Ortega Buitrón Lara Padilla Ana Pagola Divassón Puzle Rick Rodrigues Carlos Romano Silveira Celia Santos Daniel Silvo

Victor Solanas-Díaz Gabriel Sotelo Sr.d Alexis Stamboulis Emanuel Sterp Laura Tejedor Fuentes Nuria Vallejo Rema Varela Nacho Vergara VIRINOJ Zeptiror


David Abellà Montes Haunebu (We are not alone in the Universe) Fotomontaje digital España, 2016

Con Haunebu, David Abellà trata el tema de las Teorías de la conspiración y la difusión/saturación de la información a través de Internet y de las redes sociales. Se centra en las hipotéticas naves espaciales propulsadas por motores de implosión que usaban fuerza anti gravitatoria construidas por los alemanes a finales de la II Guerra Mundial. Fascinado por la ciencia ficción, Abellà se cuestiona entorno a la validez de ciertas

tecnologías utilizadas en nuestra sociedad. El artista quiere que esa obra sea efímera, e invita a los visitantes a llevarse parte de la obra el último día de la muestra. David Abellà está graduado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Ha estudiado diseño, fotografía y arte digital en Inglaterra. Sus campos de actuación son el dibujo, la fotografía y el vídeo.


Noe Acedo - Cuentos Inmorales Dome Instalación de madera e hilos España, 2016

Vivimos en una sociedad caracterizada por su ritmo frenético y atropellado, en la que estamos desconectados de nuestras sensaciones y en la que no nos paramos a disfrutar de los pequeños detalles. Con Dome, Noe Acedo nos ofrece un espacio en el que tener un momento íntimo y vivir una experiencia sensorial que nos permita reconectar con nosotros mismos. Así, el espectador pasa de ser un observador a ser parte

de la obra. Su propuesta apela a nuestros sentidos y nos invita, por un momento, a tomar el tiempo. Noe Acedo está graduada en Bellas Artes por la UCM y ha colaborado en varias exposiciones colectivas como Mi querida Babel’ en La Central (Museo Reina Sofía) o GART’15 en el País Vasco. Su próxima exposición individual se titula Mujeres.


César Barrio El peso del mar Acrílico España, 2016 «No podemos ver el mar a través de los ojos. No es la forma que tenemos de percibirlo. Nuestra mirada sobre el mar se produce en realidad a través de nuestro sistema nervioso. Nuestra sangre tiene una composición química análoga a la del mar de los orígenes. El mar como seno materno. De alguna forma nuestro latido es una continuación de aquella primera ola. Nuestro sistema nervioso, como un cordón umbilical, es las raíces del mar. La única ruptura que se produjo en el cambio es que el exterior se volvió interior. Pero aun así el único movimiento real sigue siendo ese. Lo que ha quedado fuera, el mundo, es estático. Son secuencias de piedras inmóviles que engendramos a cada momento e interrogamos. La gran obsesión de Occidente de la piel y la

carne, de esconder la máxima profundidad en la superficie, es un espejismo de esa corporeidad del mar, ese otro desierto. Esa circulación de la sangre, esa superficie que sueña la profundidad ya estaba en el inicio. El peso del mar lo sentimos como propio». Licenciado en Arquitectura por la Universidad de Navarra en 1999, César Barrio ha impartido cursos y conferencias como profesor invitado en las escuelas de arquitectura de Pamplona, Zaragoza o Toledo. Colaborador habitual como artista de estudios de arquitectura y proyectos heterogéneos con escritores, músicos o poetas. Su obra se encuentra en colecciones privadas en España, Portugal, Francia, Italia, Austria, Brasil, México y Perú.


Guilherme Bergamini Education for all Fotografía digital Brasil, 2016 Uno de los mayores problemas con los que se enfrenta actualmente Brasil es la mala calidad de su educación debida a falta de inversiones en el sector. Con su crítica visual, Guilherme Bergamini quiere recordar que una población no educada es una población dominada, y que en la educación residen la igualdad y la democracia.

Guilherme Bergamini es un artista visual brasileño, que ha participado en numerosos festivales y exposiciones colectivas en Brasil, España, Venezuela, México, Chile, Argentina y Ecuador.


Martina Billi Sin título Piezas de madera, bolígrafo, tinta china Italia, 2016

Martina Billi escoge dibujar directamente sobre la madera que, en general, sirve para la fabricación de bastidores, liberándose del soporte tradicional del dibujo. En esta obra, la artista nos ofrece el retrato de varios animales, alejándose de las herramientas «nobles» para darle protagonismo al bolígrafo.

Martina Billi está licenciada por la Facultad de Bellas Artes de Florencia. Es ilustradora y trabaja sobre madera con distintas técnicas, tinta china, bolígrafo, pirograbado y serigrafía. Se la conoce por sus retratos de seres híbridos entre humanos y animales.


Emmanuel Borao Vademécum (serie) Fotografía digital Argentina, 2016 La gran cantidad de publicidad de medicamentos en los medios de comunicación, la soltura de muchos médicos y psiquiatras para recetarlos y el excesivo uso de los mismos sin prescripción profesional, naturalizan el consumo de fármacos y ponen en riesgo la salud. Pero también naturalizamos el uso de medicamentos a partir de un discurso que se instala en la rutina y nos hace aceptar atenuantes químicos para cualquier dolencia. Con la serie Vademécum, el artista no busca establecer un juicio de valor sobre los retratados, sino poner de manifiesto la posición de poder que ocupa la industria farmacéutica en nuestras vidas.

Emmanuel Borao reside en Junín donde se desempeña como docente en la Escuela de Arte Xul Solar de Junín y en el programa PEPSAM de la Universidad Nacional del Noroeste de Buenos Aires. Se formó como Técnico Superior en Fotografía en la Escuela de Arte Xul Solar de Junín y estudio Comunicación Audiovisual en la Facultad de Bellas Artes, UNLP. Realizó talleres de Estética Fotográfica con Daniel Muchiut y de Fotografía Estenopeica con Daniel Tubío. Su obra aborda temáticas documentales desde una estética contemporánea.


Viviana B. Troya Nuestro pan de cada día Instalación con panales de cartón, yeso y pintura

Colombia, 2016

La instalación de Viviana B. Troya se enmarca en un proyecto de investigación sobre las plazas de mercado en Colombia. Nuestro pan de cada día, compuesta de cabezas de yeso de la Virgen colocadas en panales, nos invita a reflexionar entorno al lugar que ocupa la religión en la sociedad, al peso de nuestras construcciones culturales y de las tradiciones. La artista diluye las fronteras entre lo sagrado y lo profano, lo

espiritual y lo terrenal, elevando un producto de primera necesidad al rango de un artefacto sacro. En la religión, el pan, negador del hambre, acerca Dios a los hombres. Con su obra, la artista habla de alimento, de cuerpo y de espíritu. Viviana B. Troya, diplomada en Dirección de Arte por la Escuela Nacional de Cine de Bogotá, trabaja numerosas técnicas: fotografía, pintura, instalación, multimedia…


Carbolovers Interino Instalación con medias, enganches, hilos y cartón España-Argentina, 2016

Interino consiste en una acción que comienza el día de la inauguración y culmina con la retirada de la pieza. La instalación consta de un árbol realizado con medias entrelazadas y del que cuelgan pequeñas cajitas sorpresa. Durante el happening del día de la inauguración, los Carbolovers invitan al visitante a intercambiar un objeto de su deseo por una de las cajitas. Estos objetos permanecerán en el lugar de la cajita intercambiada. El trueque durará hasta la retirada de la instalación. Los objetos recolectados serán enterrados en una caja única que marcará el nacimiento simbólico de un nuevo árbol.

La Carbonera es un colectivo formado por tres artistas: Berta Jeanne Duval, Agustín Miguélez y Agostina Flamini. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco y con un máster en economía creativa y gestión cultural. Berta Jeanne Duval combina en la actualidad su labor de gestora cultural en La Carbonera y su trabajo artístico personal. Agustín Miguélez, artista argentino, desarrolla sus experiencias en torno a la pintura collage. Licenciada en BB. AA. en Figueroa Alcorta de Córdoba, Agostina Flamini es una artista argentina multidisciplinar.


Comando Apache El monstruo del lago Ness Fotografía España, 2016

¿Qué pasaría si nos encontráramos con aquello que tanto ansiábamos? ¿Cómo sería, de qué estaría hecho, cómo sería su tacto? ¿Qué consecuencias tendría en nuestras vidas? ¿Realmente queremos hacerlo? El monstruo del Lago Ness es una metáfora de la búsqueda del inconsciente, de uno mismo, de nuestros miedos, y representa todo lo misterioso y oculto del ser humano y de la naturaleza. Con esta pieza, Comando Apache quiere transmitir la idea según la cual no estamos en realidad tan seguros de querer encontrarlo, y juega con las posibilidades creativas que nos ofrece el monstruo “verdadero’’, el hábitat natural de ese ser, lo que nos sugiere

el medio en el que supuestamente vive, lo que podemos encontrar en esos lugares y lo que podemos sentir en ellos. Formado por Hernesto Conhache, Carol Caicedo, Andrea Alvarado, Verónica Carreño, Sira Bee, Cristina Pontijas, Juan Patiño, Álvaro Gómez Pidal, Sergio Hernáez, Maider Jiménez y Laura Carrascosa Vela, Comando Apache es una agrupación artística consecuencia de la mezcla de la admiración mutua, la amistad y la resistencia. Es un espacio de construcción desde la imagen y el imaginario colectivo; un espacio de creación en constante expansión y crecimiento.


Ben Chislett Matadero en Lagos Fotografía digital Gran Bretaña, 2016 «En el arcén de una carretera polvorienta de las afueras de Lagos, los pastores se dirigen con su ganado al mercado y su matadero para alimentar el insaciable apetito de carne de la megalópolis».

De padres británicos, Ben Chislett nació en México, creció en España y reside en Berlín. Psicólogo de formación, Ben encontró a través de la fotografía una forma de contar las historias de la gente. Trabaja principalmente el retrato y el formato documental.


Luis Crespo Para una vida de éxito Instalación con telas y litografías España, 2016 Con su instalación, Luis Crespo Hualde nos quiere hablar de nuestra sociedad y del impacto de los intereses económicos sobre sus valores. Un valor moral se podría definir como una elección que guía el juicio moral de los individuos y de las sociedades. El artista, al convertir esta antigua panadería en una charcutería en la que se comercializan valores por definición no monetizables, nos ofrece una crítica ácida de nuestra sociedad en la que el poder económico es capaz de convertir valores morales en bienes de consumo.

Licenciado en Bellas artes por la Universidad de Vizcaya, Luis Crespo Hualde trabaja en diferentes campos artísticos y con materiales tan diversos como la cerámica, el textil o el dibujo (litografía, la serigrafía o la xilografía). La ironía, la crítica. y a veces el sarcasmo marcan sus obras a través de las que percibimos un profundo sentido del humor.


Lara Padilla López y Colectivo Dandelión Dans Off Proyect Screendance Videoproyección España, 2016

«Deus ex Machina» del Colectivo Dandelión. Una fábrica donde se crean personas, la danza como vehículo y razón de existencia, máquinas y cuerpos que se funden en un mismo marco pictórico. Múltiples pruebas que resultan fallidas, ¿cuál es la esencia del ser humano? ¿Existe la creación correcta? Esta muestra refleja el proyecto «Art Woo» de la artista Lara Padilla López a través del trabajo de Screendance por todo el mundo.

Dans off proyect es un proyecto colaborativo que reúne propuestas multidisciplinares a través de técnicas y formatos tan diferentes como la danza en espacios no convencionales, la fotografía o el screendance donde se intenta generar otras vías de experiencia y de relación con el público. Dans off proyect es un proyecto de la «Asociación Primario» que apuesta por el apoyo a la creación artística de distintas disciplinas, especialmente en el campo de la danza, con la finalidad de crear redes culturales de mutuo apoyo.


El hijo tonto Carnaza Pieza escénica España, 2016 Carnaza es una pieza escénica producida específicamente para Luminaria. Una acción a medida, que cobra sentido entre azulejos de 2’5x2’5, luces fluorescentes, puertas de chapa y cierres metálicos. El Hijo Tonto ha actuado en mercados anteriormente. Ahora quiere ser parte del mercado. Quiere Carnaza.

El Hijo Tonto es un brote escénico que desarrolla cada cierto tiempo una pieza teatral. Ésta se elabora por improvisación y generación instantánea de escenas e hilos argumentales afectados simultáneamente por el espacio, el pensamiento, el público, los objetos y los actores.


José Ferrer Usó Insert coin Instalación. Impresión de imágenes sobre escayola España, 2016

Con esta instalación, José Ferrer Usó ha querido representar el derrumbe de la construcción indiscriminada de viviendas, hogares y, con ellos, de familias: «convertido el negocio en un juego donde no todos saben, conocen y respetan todas las reglas, comienza una partida sin igualdad de condiciones. Dejando de lado la voz de la experiencia, la conciencia e incluso la propia dignidad humana; puesta la mirada en el símbolo del dólar y soñando con castillos en el aire, no tarda en sorprender un inesperado «game

over» sin posibilidad de volver al «menú» a tantos y tantos perdedores de hogares. Luchadores insaciables, cargados de rabia, dolor, arrepentimiento y esperanza, verán en estas fichas, un pequeño homenaje para no cerrar sus voces y retomar sus fuerzas». José Ferrer Usó es diplomado de la Escuela de Fotografía y Centro de Imagen (EFTI) de Madrid. Con su obra, quiere retratar realidades cambiantes que permanecen escondidas, ocultas o tapadas.


Félix Gala Fernández Desmoronamiento Chapa de hierro con pátina de aceite de linaza España, 2016 Con su escultura, Félix Gala Fernández pretende reflejar el desmoronamiento del estado de ánimo frente a los sueños inalcanzados o inalcanzables que se desvanecen, o frente a nuestro conformismo o impotencia ante la crudeza de la realidad social que nos rodea.

Félix Gala Fernández tiene una maestría industrial y está especializado en soldadura y chapistería con conocimientos en la forja. Es un escultor autodidacta y ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas. Sus obras se pueden ver en instituciones públicas tales como la junta municipal de Tetúan o el Ayuntamiento de Móstoles o de Lora del Río. El hierro y el acero son sus materiales predilectos.


Luis Crespo Hualde y Carmen Herrero Ibañez Kokoro Instalación y dibujos España, 2016 En este espacio intervenido por dos artistas, conviven dos propuestas que ofrecen un único diálogo. Con Kokoro (esencia o alma en japonés), Luis Crespo y Carmen Herrero desvían un objeto de su uso convencional (de su esencia) y lo suspenden entre una constelación de obras gráficas que constituyen, en su conjunto o por separado, una invitación a penetrar en el universo (la mente) de los artistas.

Carmen Herrero tiene una formación de Maestro de taller en Artes Aplicadas y tiene un título de Estampador Calcográfico por la Escuela de Oficios Artísticos de Madrid. Ha participado en numerosas exposiciones. Licenciado en Bellas artes por la Universidad de Vizcaya, Luis Crespo Hualde trabaja en diferentes campos artísticos y con materiales tan diversos como la cerámica, el textil o el dibujo (litografía, la serigrafía o la xilografía). La ironía, la crítica, y a veces, el sarcasmo marcan sus obras a través de las que percibimos un profundo sentido del humor.


Ana Huerta y Antonio Arribas Vuelvo enseguida, estoy en el baño Técnicas varias España, 2016

Ana Huerta estudió diseño de producto en la escuela Elisava de Barcelona. Ha trabajado en varios estudios de diseño en Barcelona, Londres, Reikjavik y Madrid. Forma parte de un colectivo llamado Pipas Estudio con el que realiza instalaciones.

Nacido en Barcelona, Antonio Arribas es muralista, ilustrador y facilitador visual. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona y ha llevado a cabo una intensa carrera en el ámbito del muralismo, el arte urbano y la gestión de espacios y proyectos culturales independientes en ciudades como Bilbao, Lisboa, Barcelona o Madrid.


Rafaela Jemmene Uno no impone un emplazamiento sino que lo expone… Instalación Brasil, 2016 Partiendo de algunas consideraciones contextuales, con la intención de no modificar mucho el espacio de la Carnicería, Rafaela Jemmene nos sumerge en un universo en el que conviven sonido, textos y fotografías. De la carnicería proceden sonidos de animales destinados al consumo humano (fragmento de la película «Michel Foucault par lui-même») , un libro nos invita a perdernos entre citas de filósofos, artistas y pensadores en torno a temas relacionados con la arquitectura, la memoria o el espacio-tiempo, mientras que las fotografías,

parte del Archivo Regional de Madrid, nos llevan al antiguo Matadero. Actualmente de intercambio con la Universidad Complutense de Madrid, Rafaela Jemmene es una artista visual doctorada en Artes visuales por la Unicamp. Participa desde el año 2005 en exposiciones en salones, galerías y espacios culturales dentro y fuera de su país de origen. Es una de las fundadoras y organizadoras de la plataforma de arte contemporánea «sobrelivros» y participa en el grupo de investigación «Arte e Cidade». Es miembro del Atelier Solar.


Toni Kuraga Traíña Fotografía digital España, 2016

Traíña es un viaje a bordo de El Niño, barco en el que, noche tras noche, un grupo de pescadores se lanza a la aventura en busca de esa frontera que les hace sentirse en libertad. Con su trabajo fotográfico, Toni Kuraga se hace eco de la declaración de Vanessa Winship según la cual «la única frontera real es el mar, todo lo demás son barreras construidas por el hombre».

Graduado como Arquitecto Técnico en la Universidad de Granada y Mons (Bélgica), Toni Kuraga reside actualmente en Granada y se dedica a la fotografía.


Clara Leal Paz La cocina: escaparate de los recursos alimenticios de la sociedad Fotografía digital España, 2016 La cocina constituye el lugar donde confluyen los procesos de nutrición, de descanso, de encuentro y de intercambio, y en el que se inscribe la historia familiar a través de determinados objetos que se acumulan con el correr de los años. Clara Leal, a través de sus fotografías, nos enseña cómo la cocina puede ser considerada como un espacio de pertenencia y de afirmación de nuestra identidad. La fotógrafa ha retratado esas identidades después de visitar

los huertos y entornos de donde provenían las materias primas que abastecen las cocinas fotografiadas. Clara Leal está licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Sevilla. Tras acudir a la Exposición de Shanghái de 2010 junto con el Instituto Cervantes, terminó estableciéndose cerca del Tíbet donde empezó a encontrar su camino en la fotografía, buscando la emoción en las personas y en la calle.


Diego López Calvín Cámara oscura en el Mercado de Usera Instalación de cámara oscura España, 2016

El artista ha construido, para la exposición, una cámara oscura en un antiguo puesto de fruta. La cámara producirá dos imágenes sobre papel fotosensible, cuya exposición durará hasta el cierre de la muestra. En el interior de la cámara, también se puede ver el proceso de formación de una imagen.

Diego López Calvín está licenciado en Ciencias de la Información por la Universidad Complutense de Madrid. Ha participado, como fotógrafo de rodaje, en más de 100 producciones audiovisuales y lleva 15 años trabajando con fotografía estenopeica y largas exposiciones de tiempo. Es Inventor de la solarigrafía junto a los fotógrafos polacos Slawomir Decyk y Pawel Kula.


Eva Mansergas Sin título Fotografía digital España, 2016 Desde una actitud de respeto hacia el puesto de mercado que ocupa para su intervención, Eva Mansergas busca dar una segunda oportunidad a los objetos abandonados en él.

Eva Mansergas estudió Bellas Artes en la Universidad Antonio de Nebrija y se interesa por temas como el paso del tiempo y el deterioro. Suele trabajar fotografía intervenida forzando el deterioro de la imagen impresa. Es miembro del Atelier Solar.


Rocío Martín Gorbe Fotogramas I Fotogramas España, 2016

Rocío Martín Gorbe juega con los productos que se venden en este mercado creando unos fotogramas en los que las figuras y las formas se abstraen para dar lugar a dibujos hechos con luz. Graduada en Bellas Artes en la Universidad Antonio de Nebrija de Madrid, estudiante del Grado en Filosofía por la Universidad de Educación a Distancia, Rocío Martín Gorbe

centra su trabajo en la identidad y la percepción. Ha participado en varias exposiciones en Madrid y es miembro del Atelier Solar.


Federico Miró El Kilo Tela y pintura España, 2016 El Kilo es una obra pictórica compuesta por una serie de fragmentos de tela que recrea una atmósfera tecnológica codificada. Las líneas rectas amarillas cobran sentido en su conjunto, al igual que los píxeles en una imagen digital. Federico Miró nos ofrece un paisaje encubierto con capas mecánicas de pintura que desvelan, en ocasiones, motivos paisajísticos. Este modo de proceder obliga al espectador a observar

las obras desde la distancia, para poder ser partícipe de un espacio nuevo de percepciones y apariencias dispares. Federico Miró es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Málaga. Entre sus exposiciones individuales se encuentran El ojo sorprendido y Hasta donde la mirada alcance. Es miembro del Atelier Solar.


Mosquera de La Vega y Lara Padilla López Dans Off Proyect Photography Fotografía España, 2016

Este proyecto refleja el trabajo de Mosquera de la Vega y Lara Padilla López a través de la fotografía y la danza en espacios no convencionales. Un híbrido a mitad de camino entre dos mundos que permanecen unidos por el movimiento. Dans off proyect es un proyecto colaborativo que reúne propuestas multidisciplinares a través de técnicas y formatos tan diferentes

como la danza en espacios no convencionales, la fotografía o el screendance donde se intenta generar otras vías de experiencia y de relación con el público. Dans off proyect es un proyecto de la «Asociación Primario» que apuesta por el apoyo a la creación artística de distintas disciplinas, especialmente en el campo de la danza, con la finalidad de crear redes culturales de mutuo apoyo.


Laura Navarro Self-Selfies Instalación performativa España, 2016 El proyecto Self–Selfies propone un espacio de autoservicio de “selfies” para seguir alimentando la vida virtual de los visitantes. A través de esta instalación performativa, cada participante puede elegir los elementos que mejor le convengan para confeccionar su propio “selfie de ensueño” y subirlo a las redes sociales. Ofrecen “fondos de paisajes paradisiacos para subirlos a tu cuenta de Instagram en enero, portadas de libros que quedan muy bien en una estantería, hacer de la comida gourmet tu menú del día...” El objetivo de este proyecto es crear una cuenta específica en Instagram #self_selfies que recopilará todo el material obtenido a lo largo de la exposición. ¡Lo que no puedas hacer en tu vida real, hazlo aquí!

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna, Laura Navarro realiza el máster en Investigación y Creación en Arte en la Universidad Complutense de Madrid y desarrolla paralelamente estudios de guion cinematográfico. Su trabajo artístico investiga las posibilidades que ofrece la transmisión de información a través del lenguaje verbal y no verbal. Es una constante en su trabajo, buscar la interacción con el público en proyectos participativos, utilizándolo como estrategia por el potencial que esto le ofrece en relación con el tema principal de sus proyectos.


Nizarrey Inevitable Corcho y papel maché policromado España, 2016 Con sus ojos repartidos por todo el mercado, Nizarrey sorprende al espectador. Omnipresentes en el espacio de exposición, sus ojos observan inevitablemente al visitante, y requieren de la observación de éste. El artista, acostumbrado a exponer en sitios que se alejan de los lugares comunes, aboga por un lenguaje cercano y rebasa las fronteras del espacio expositivo permeando el espacio en un sentido general, y llevando el arte hasta el transeúnte.

Con un Grado en Bellas Artes por la UCM y un Bachillerato Artístico (CRC), Nizarrey ha participado en varias exposiciones colectivas tales como Grooves and Waves , Vinilos en La Tabacalera, o Regalos Suburbanos en el Metro de Madrid.


Albert Negredo Mental drugs collection Instalación. Serigrafía España, 2016

Con esta instalación, Albert Negredo quiere poner de manifiesto la situación de estigma de las personas que padecen enfermedades mentales, propulsando a la esfera pública la condición de «enfermo mental», que por convención social tiende a mantenerse oculta en la esfera privada. Nos propone camisetas serigrafiadas con marcas de medicamentos al estilo de las grandes marcas que ostentan su logo hasta transformarles en tendencias o señales de identidad.

Albert Negredo comenzó exponiendo en la Fundación Espais de Arte Contemporáneo en 2004, y desde entonces sus creaciones han pasado por varias ciudades de España, Gran Bretaña, Estados Unidos, Alemania, Londres, Nueva York, Francia, etc. El artista reflexiona entorno a las cuestiones, entre otras, de estigmatización de las enfermedades mentales y de los límites entre el espacio público y privado.


Francisco Orallo Autorretrato N1 Fotografía digital España, 2016 Francisco Orallo aborda el autorretrato desde el enfoque de lo absurdo, invitando el espectador a cuestionarse sobre el (sin)sentido de la vida, su propia identidad y el concepto de alienación. El artista concibe la personalidad como algo moldeable y cambiante, por lo que pretende mostrar con su serie las múltiples facetas de un mismo individuo. Plantea con su Autorretrato

las preguntas: ¿cómo creemos que somos, cómo somos realmente y cómo nos ven los demás? Francisco Orallo es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia. Su trabajo artístico se centra esencialmente en reflexionar entorno a la identidad desde la repetición y el humor.


Daniel Ortega Buitrón Serie Transpétreo: Espécimen III - IV - V Resina poliéster y roca natural España, 2016 Transpétreo consiste en una serie de rocas de resina poliéster, resultado del vaciado de la resina sobre un molde de silicona de una roca natural. En el camino hacia el desarrollo de nuestra cultura se ha ido creando un protocolo de rechazo e infravaloración de lo que se considera ser natural o ser humano. Así, éstas rocas son una versión renovada de su antecesor natural, un nuevo cuerpo estilizado y si se desea actualizado

o modernizado, más acorde a la cultura que presenciamos. Unas rocas en las que tan sólo permanece el recuerdo incierto de un origen infravalorado. Daniel Ortega se está graduando en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y es Técnico Superior en Ilustración y Diseño, y en Diseño Gráfico Publicitario. A través de su trabajo, aborda el conflicto entre lo natural y lo artificial.


Ana Pagola Divassón Cada persona que ves esta luchando una batalla de la que tu no sabes nada Tinta y acuarela sobe tela España, 2016 Con sus Exiliados de Siria, Ana Pagola clava en la nuestra la mirada de tres niños y nos recuerda que cada persona que vemos está luchando una batalla de la que no sabemos nada… «Estos rostros tienen en común el pertenecer a niños y niñas refugiados, imparciales, en diferentes sitios y en momentos distintos. Quiero retratar una expresión, una emoción, una sensación. Me aprovecho de la imagen de vidas anónimas para hablar de mí, de lo que me afecta y no comprendo bien; lo hago a través de otra mirada, de aquel que desconozco y fotografío;

y selecciono tal y como yo lo estoy haciendo. Puedo intuir la confusa situación que están viviendo, pero son conjeturas, no tengo ni idea; lo que sí conozco es mi propia realidad, mis propias confusiones y lo que hay bajo mi piel. Nos reflejamos en otros para vanagloriarnos o justificarnos». Ana Pagola cursó Bellas Artes en la Universidad de Barcelona y colaboró en cine y televisión como ayudante de atrezzo y vestuario. Su trabajo gira principalmente entorno a la obra de Velázquez.


Puzle Exploración, apropiación y uso, lugares en diálogo Instalación con espray y plantilla de hule España, 2016 El espacio se suele fragmentar en espacios claramente acotados que permiten separar lo público de lo privado, el ocio del trabajo, lo cultural de lo utilitario, etc. A través de sus instalaciones efímeras, PUZLE explora las delimitaciones del espacio urbano y busca favorecer una mirada reflexiva sobre el entorno en el que se realizan, generando nuevos

recorridos, nuevas zonas «reducidas» de acción individual o interpersonal. Con sus «perímetros», desconstruye la norma, los espacios y los usos que les asociamos por convención. PUZLE está graduado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Trabaja sobre el espacio y sus usos.


Rick Rodrigues Casa de passarinho Instalación con papel y monotipias Brasil, 2016 La obra de Rick Rodrigues apela a las nociones de memoria afectiva y de pertenencia, a la infancia, los sueños, la fragilidad y fuerza de los lazos familiares. Las casa de pajaritos, rescatadas de su infancia, son un leitmotiv en su obra y forman parte de su registro de fábulas. Asociadas con dibujos hechos con hojas de carbono, recrean universos íntimos que invitan

al espectador a observar por el agujero y a descubrir lo que esconde en su interior. Rick Rodrigues está graduado por la Universidades Federal do Espírito. Artista asiduo de los salones de arte de su país, trabaja en su «quarteliê» (mezcla de las palabras cuarto y taller) en instalaciones, y dibujo.


Carlos Romano Silveira Réquiem Acrílico sobre hueso España, 2016 Réquiem (en latín «descanso») esta compuesta por huesos de animales intervenidos, recolectados de carnicerías del propio mercado y alrededores, y recolocados en el mostrador de la carnicería. Con esa pieza, los huesos de los animales cobran una nueva vida en forma de alegoría colorida en tres dimensiones, de escultura que, lejos de los espacios expositivos trillados, permanecen en el lugar del que fueron extraídos.

Carlos Romano Silveira es un pintor madrileño ligado a la Figuración Posconceptual. En su obra predomina la técnica al óleo, aunque también trabaja con tinta china y acrílico. Se interesa por la pintura metafísica, y su obra hace referencia a la mitología, la industria y la pintura urbana. Es miembro del Atelier Solar.


Celia Santos Todo está dentro de tu cabeza Fotografía digital y vídeo España, 2016 «Siempre me ha gustado jugar con las identidades, crear personajes, disfrazarme. Superponerse cosas en el cuerpo sirve para camuflarse bajo distintas capas o pieles, con el fin de generar un nuevo personaje con identidad propia. Mostrar, a través de mi persona, la complejidad del individuo a modo de juego o divertimento, con el fin de entender el tejido entre lo objetivo y lo subjetivo de la realidad en

la que se encuentra el ser humano, buscando interrelaciones como si de un mapa cartográfico se tratara». Celia Santos estudió Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid. Artista multidisciplinar, trabaja entorno a la intimidad que emana de los momentos cotidianos.


Daniel Silvo González Cómo doblar tu dinero Impresión digital sobre papel España, 2016 Cómo doblar tu dinero consiste en veinte carteles pegados en las columnas y paredes del mercado en los que se explica, con instrucciones ilustradas, cómo transformar el dinero en una grulla, una pajarita, un pavo real y un canario. Estos ejercicios de origami pueden ser realizados por los visitantes mientras esperan a ser atendidos mientras hacen la compra. La papiroflexia es un pasatiempo, un hobby, una actividad terapéutica o un trabajo artístico. Con su propuesta, Daniel Silvo nos invita a dar otro valor al dinero a través de un trabajo manual, y nos invita a reflexionar sobre nuestra percepción del tiempo en una sociedad que nos empuja a ir

a contra reloj, y en la que la actividad meditativa tiene un espacio reducido. Daniel Silvo está doctorado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Ha participado en exposiciones colectivas en centros internacionales como el Museo Reina Sofía de Madrid, la Fondation Cartier Paris, Laznia Centre de Gdansk, entre otras. Reflexiona entorno al concepto de utopía, los miedos humanos, la necesidad del arte, la relación entre cultura y naturaleza, o la copia como una forma de conservación de la cultura. Es director del Atelier Solar.


Víctor Solanas-Díaz Neither Cinta señalizadora sobre pared España, 2016

Neither consiste en la transformación del espacio físico a través de la percepción visual. Las franjas verticales se articulan mediante procesos de modulación/transformación que permiten modificar el espacio bidimensional de la pared, suelo y techo creando la sensación de un espacio tridimensional «plastificado». Las franjas diagonales generan la forma, el color y la textura. El efecto pixelado origina formas cercanas al Op-art que obligan al espectador a establecer una relación visual con las obras desde diferentes perspectivas para su correcta apreciación.

Víctor Solanas-Díaz es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y la Cardiff University (Gales, Reino Unido) con especialidad de Pintura. Tiene un Diploma de Estudios Avanzados (D.E.A) y ha participado en el Programa de Doctorado de la Universidad de Salamanca (2003). Entre sus últimas exposiciones individuales, se pueden desatacar «Der stimmenimitator. Sichten und ordnen» en Salamanca o «On time and the instrumental factor» en Pamplona.


Gabriel Sotelo Menonitas en Guatraché, La Pampa, Argentina Fotografía digital Argentina, 2016

A través de su trabajo documental sobre la colonia menonita de la localidad de Guatraché, Gabriel Sotelo nos invita a zambullirnos en el universo de esta comunidad: miradas y silencio.

Diplomado en Fotografía Documental y periodística en ARGRA (Asociación de Reporteros Gráficos de Argentina), Gabriel Sotelo es un fotógrafo de prensa independiente. Es colaborador de la agencia italiana NurPhoto y trabaja para la ImageBrief y Demotix.com. Su trabajo, principalmente periodístico, también abarca el género documental.


Sr. D Uebos Acrílico sobre muro Chile, 2016 Uebos habla de la necesidad de ser protegido pero también de la de proteger. A partir de fotomontajes de registros personales, Sr. D nos ofrece personaje híbridos. Humanos con cabeza de perros, o perros con cuerpo de humanos, estas «Alegorías del cotidiano», como las llama su autor, no dejan indiferente al espectador que se ve atrapado por las miradas de los animales en medio de una escena cotidiana.

La carrera de Sr. D comienza en 2015 con su participación en cuatro ferias de arte contemporáneo y una exposición colectiva. Participa también en Antartica al cuadrado (Argentina) e Iberencontros (Portugal). Paralelamente, Sr. D sigue trabajando constantemente en intervenciones en las calles de la ciudad de Santiago de Chile y colaborando en otras en ciudades como Nueva York, San Francisco, Calgary, Dublín, Londres, Bombay, Venecia, Berlín o Miami.


Alexis Stamboulis Las 4 estaciones Vídeo, duración 13´20 minutos Argentina, 2016 A través de su cortometraje animado (stop motion) Las 4 estaciones, Alexis Stamboulis reflexiona entorno al movimiento y su carga poética (el movimiento como generador y contenedor de sensaciones y acciones opuestas), y trabaja sobre la interacción entre personajes creados (esculturas móviles en tamaño real) y el mundo real (los espacios en los que transcurre la acción), generando

una simbiosis entre lo real y lo imaginario, el movimiento y lo estático. A través de su obra, Stamboulis recurre a varias técnicas como la pintura, la escultura, la fotografía y lo audiovisual. Alexis Stamboulis es un artista argentino residente en Buenos Aires. Formado en diseño gráfico y artes visuales, se interesa por la botánica, la carpintería, la fotografía y la cerámica.


Emanuel Sterp Vencer la lobreguez Instalación con lienzo, lápiz, tinta china, acrílico, aceite de linaza Rumanía, 2016

Con Vencer la lobreguez, Emanuel Sterp habla de claroscuro, de luz al final del túnel, de lucha contra la oscuridad de nuestra sociedad decadente para dar paso al color, a la vida. El artista juega con las dos y las tres dimensiones, permitiendo que la reivindicación de sus personajes proyectando pintura penetre, al rebasar los límites del lienzo, la tercera dimensión, el espacio del visitante.

La gran pasión de Emanuel Sterp por el arte y la restauración le llevó a ingresar en el Grado de Conservación y Restauración del Patrimonio Cultura de la Universidad Complutense de Madrid. Se dedica a la pintura y la escultura.


Laura Tejedor Saturno hace justicia Técnica mixta en tela España, 2016 Laura Tejedor propone desviar un puesto de casquería donde se comercializan alimentos para la especie humana de su uso habitual, proponiendo elementos para un festín diferente. Haciéndose eco de la mitología romana, reflexiona entorno al destrono del hombre como especie destructora y dueña para ser, esta vez, la que nutre y es vencida. Una crítica al consumismo y a la invasión del hombre en el planeta.

Licenciada en bellas artes por la Universidad del País Vasco, Laura Tejedor completó su formación con un master de creación artística y digital en la escuela de dibujo profesional ESDIP. Trabaja en la productora de cine, Filmayer International como directora y diseñadora de arte. Su obra, versátil, que se apoya en un estudio minucioso de fotografía y posterior fotomontaje, se centra en la pintura y con ella trata temas intimistas, «la otra cara de la moneda» y temas de denuncia social tales como la corrupción, la insensibilidad humana o el poder de las redes sociales. Es miembro del Atelier Solar.


Nuria Vallejo Aceda La pecera habitada Instalación con hojas de palmeras e hilos. Técnica mixta con acrílico y transferencia España, 2016

La pecera habitada es una obra de nuestros Nuria Vallejo, pedagoga especializada en tiempos, en los que la preocupación por el elearning y TIC aplicadas a la formación, es medio ambiente es cada día más fuerte. Con su pintora y fotógrafa. pecera, Nuria Vallejo recuerda la importancia de cuidar del planeta y en particular del oceano. Usa materiales reciclados para realizar sus obras. Los peces están pintados en hojas de palmeras o semillas de árboles.


Rema Varela Los Amores Perros Carbón y gouache sobre papel España, 2015

El friso de Rema Varela nos invita a reflexionar entorno a la cordura y la locura, a la ceguera de nuestra sociedad y lo absurdo. Conejos copulando, la mirada de un niño escondida tras una máscara roja, la de un hombre tras un sombrero, la de mujeres tras una cinta roja, unas gafas o una burka… y dos miradas más dirigidas al espectador en actitud interrogante, tantos personajes que Rema nos invita a seguir dejándonos guiar por el hilo rojo y por la imaginación.

El activismo cultural de Rema Varela le ha llevado a la creación de los «espacios-taller Amarrón», posteriormente de los «Espacios-taller Creasy», la fundación de la sala de exposiciones «Lafutura» y, actualmente, la gestión del centro de cultura y difusión de arte «Lacontra» y «LaconArt, Gestión Ocasional de Eventos». Actualmente, está preparando su próxima exposición «Entre Barcos y Naufragio», donde paisajes interiores se muestran como el reflejo de sus anteriores producciones.


Nacho Vergara ¿Quién vende qué? Escultura de técnica mixta España, 2016

Con su obra, Nacho Vergaras plantea una reflexión sobre el acto de vender. El mismo acto de intercambiar un bien o un servicio por dinero implica otros aspectos, como por ejemplo la inversión de tiempo por ambas partes en la acción de la venta. Con ¿Quién vende qué?, el artista nos plantea la pregunta siguiente: ¿No vendemos siempre, quizá, algo de nosotros mismos?

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, Nacho Vergara es un artista plástico manchego. Ha participado desde el año 2010 en varias exposiciones colectivas. Su forma de enfocar un detalle o su manera de encuadrar a la hora de pintar un retrato, un paisaje o una naturaleza muerta nos ofrece una mirada diferente.


Virinoj Sin título Instalación con recipientes de vidrio y papel España, 2016 La instalación está construida a base de recipientes de vidrio reciclados que contienen en su interior retratos de hombres y mujeres, en gran parte habitantes del barrio de Usera que frecuentan estos mercados. Virinoj pretende, con su pieza, poner en valor el trabajo de la mujer en la sociedad y denunciar la infravaloración de su papel en la sociedad. A pesar de los logros de las últimas décadas, el colectivo nos recuerda, con su estructura piramidal, que queda aun mucho trabajo por hacer para que las mujeres dejen de ocupar solamente los puestos más bajos de la pirámide del poder.

Virinoj es un colectivo artístico de mujeres artistas que define su trabajo como «arte contra la violencia de género». Constituye el punto de encuentro de aquellas personas interesadas en que la creación de las mujeres adquiera la visibilidad que merece así como en denunciar y encontrar soluciones, a través del arte, a la violencia de género machista.


Zeptiror Veo, veo Pintura en spray y pintura acrílica de pared España, 2016

Los personajes de Zeptidor, desenfadados y coloridos, le devuelven la mirada al viandante, que pasa de ser un observador a ser observado…

Zeptiror es ilustrador 2D y vive en Madrid. Ha trabajado como diseñador gráfico, ilustrador para juegos de cartas, dibujante en una productora de animación y concept artist haciendo videojuegos.


5-3-2016 / 19-03-2016

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Catálogo Luminaria 02  

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