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Introducciรณn

al

de Luis Ruano

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Introducción al Diseño gráfico Primera Edición Agosto 2016 ® Derechos reservados Esta obra no puede ser reproducida, total o parcialmente, sin autorización del autor. Autor: Luis Ruano Editorial: UAM Azcapotzalco Tel: 52-84-99-06 Diseño y digitalización: Luis Ruano Portada: Luis Ruano Dibujos: Luis Ruano Supervisión de edicción: Luis Ruano Diseño esditorial: Luis Ruano Correo: luis.fcb27@hotmail.com Editor responsable: Luis Ruano ISBN 98-435-103 Impreso y Hecho en los talleres de la UAM Azcapotzalco Avenida San Pablo Xalpa 180, Azcapotzalco, Reynosa Tamaulipas, Ciudad de México, D.F.


Q

uiero agradecer a las personas si las cuales este libro no habría sido posible de realizar.

Primero, quiero agradecer a mis padres por toda la educación dentro y fuera de casa; por todos los valores que inculcaron en mí. También, quiero agradecer a mi hermano por el apoyo brindado durante todos los proyectos realizados y sobre todo por su opinión al respecto de mi trabajo. Por último, quiero dar las gracias a todas las personas que de alguna manera apoyaron mi educación y me enseñaron a tener perseverancia. A todos ellos Gracias.


Índice

Introducción............................................pág. 7 Capítulo 1. Evolución y tendencias...........................pág. 9 Capítulo 2 Formas básicas de composición.........pág. 15 Capítulo 3 Estudio del color...................................pág. 23 Capítulo 4 La tipografía y su evolución.................pág. 35 Conclusiones........................................pág. 45 Bibliografía............................................pág. 49


Introducción

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sta publicación pretende introducir a ti lector, en este mundo inmenso del diseño gráfico, donde paso a paso podrá ir descubriendo este fascinante mundo, desde el diseño como una forma de comunicación hasta su evolución que avanza día a día. bilita comunicar gráficamente ideas, hechos y valores procesados y sintetizados en términos de forma y comunicación, factores sociales, culturales, económicos, estéticos y tecnológicos. También se conoce con el nombre de diseño en comunicación visual, debido a que algunos asocian la palabra gráfico únicamente a la industria gráfica, y entienden que los mensajes visuales se canalizan a través de muchos medios de comunicación, y no solo los impresos. Por el crecimiento veloz y masivo en el intercambio de información, la demanda de diseñadores gráficos es mayor que nunca, particularmente a causa del desarrollo de nuevas tecnologías y de la necesidad de prestar atención a los factores humanos que escapan a la competencia de los ingenieros que las desarrollan, es alii donde se presenta el mayor campo de oportunidad de esta materia por lo que se ha vuelto un tema de gran interes en estos tiempos modernos. Así que comencemos explorando capitulo a capitulo todo lo que el diseño gráfico tienen para ofrecernos, que lo disfruten.

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Evolución y tendencias

Capítulo 1

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l siglo XXI es una época eminentemente visual en la que la mayoría de las cosas que nos rodean hacen uso del diseño gráfico. El diseño gráfico es un arte y una práctica que consiste en planificar y proyectar ideas y experiencias con un contenido visual y textual. Esta planificación y proyección de ideas se puede plasmar tanto física como virtualmente y puede incluir palabras, imágenes o formas gráficas. Por lo general, tiene un propósito que puede ser, bien comercial, educacional, cultural, político. Las tecnologías y métodos utilizados antiguamente para transmitir una comunicación visual se han ido modificando paulatinamente. El diseño gráfico es una de las disciplinas que se han adaptado a los tiempos y han cambiado sus métodos de creación y de transmisión con el tiempo. Abarca muchos aspectos, tantos que sus límites quedan difusos, hasta el punto de confundir el campo de actividades y competencias que debería serle propio, incluyendo, por supuesto, sus lejanas fuentes originales. Una de las grandes bazas para la expansión del diseño gráfico ha sido que el desarrollo y evolución de los productos y servicios de las empresas y particulares han crecido espectacularmente. Esto las obliga a competir entre sí para ocupar un sitio en el mercado. Es en este instante cuando surge la publicidad y con ella la evolución del diseño gráfico como forma de comunicar, atraer y salir victoriosos en la batalla frente a competidores. Para esto es obvio q se necesitan los suficientes argumentos para encarar los retos que un diseñador tiene día a día, los cuales se resuelven eficazmente.

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Fundamentos del diseño El diseño gráfico no significa hacer un dibujo, o una imagen, o crear una fotografía. Significa mucho más que todos esos elementos. Para comunicar y transmitir visualmente un mensaje de forma efectiva, el diseñador debe conocer los diferentes recursos gráficos de los que dispone, junto con la imaginación, experiencia, buen gusto y el sentido común necesarios para combinarlos de forma correcta y adecuada.

Imagen 2. Un diseño es una pieza con un cierto atractivo visual, con personalidad propia y un gran equilibrio estético.

4- Proyecto y plan, diseño urbanístico. 5- Concepción original de un objeto u obra destinados a la producción en serie, dentro del mundo de la moda, industrial. La Forma de cada uno de estos objetos. Un diseño es una pieza con un cierto atractivo visual, con personalidad propia y un gran equilibrio estético. Imagen 1. Conceptualización del diseño

Definición de diseño Definimos el diseño como un proceso o labor destinado a proyectar, coordinar, seleccionar y organizar un conjunto de elementos para producir y crear objetos visuales destinados a comunicar mensajes específicos a grupos determinados. El conjunto de elementos que implican la creación de un diseño, se relacionan como: 1- Traza, delineación de un edificio o de una figura determinada. 2- Descripción de un objeto o cosa, hecho con las palabras. 3- Disposición de manchas, colores o dibujos que caracterizan exteriormente a diversos animales y plantas.

Ámbitos de aplicación El diseño se aplica, en todos los ámbitos y se encuentra por todas partes. Dentro del mundo digital, en toda la red, internet (la web). Diseños de todo el mundo publicitario, revistas, periódicos, libros, manuales (diseño y maquetación). Encontramos diseño en nuestro mobiliario, una silla, un mueble (diseño industrial y ergonomía). Divisamos el diseño en el mundo multimedia, el cine, televisión, videos, musicales, trailers, y demás efectos especiales. Las posibilidades del diseño gráfico son infinitas, ya que cada vez son más los campos en los que se emplean elementos creados a través del ordenador. El diseño esta en tres grupos principales:

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1- La edición, diseño de todo tipo de libros, periódicos, y revistas. 2- La publicidad, diseño de carteles publicitarios, anuncios, folletos. 3- La identidad, diseño de una imagen corporativa de una empresa.

Administración de recursos: Conocer todos los recursos de los que se dispone, y aplicarlos lo mejor posible.

Arte y diseño: Elementos de la comunicación Diseñar se puede considerar un arte, pero no es del todo exacto. Un diseño puede reunir unas ciertas pautas estéticas como para considerarlas obras de arte. En los museos de arte moderno, pueden verse carteles entre pinturas o dibujos artísticos, y otros objetos que se crearon para una función especial y específica, en los que puedan incluir el arte en sí. La belleza de un diseño puede superar en muchas ocasiones, cualquier obra de Arte, por muy preciada que ésta sea, siempre que siga los tres elementos básicos de comunicación: un método para diseñar, un objetivo que comunicar y un campo visual. Aspectos básicos Los elementos básicos que se deben dominar y tener en cuenta en cualquier diseño: Lenguaje Visual: Saber comunicar el mensaje adecuado, con los recursos oportunos, dependiendo del grupo de personas o público al que vaya dirigido el mensaje. Comunicación: Conocer los procesos de comunicación, para poder captar los mensajes que el diseño ha de comunicar. Percepción Visual: Estar informados, la manera en que las personas vemos y percibimos lo que vemos. Aspectos tan importantes, como nuestro campo visual, el recorrido de la vista, el contraste, la percepción de las figuras, fondos, trayectoria de la luz.

Estilos y tendencias en el diseño En todo proceso de diseño, el diseñador utiliza toda la información posible, retenida en su memoria, para realizar su creación. Una serie de imágenes, signos y demás recursos comunicativos son asociados y entrelazados entre sí dando lugar al diseño. Las tendencias, son una serie de grupos de un cierto estilo, estilísticos, que el diseño en si va adoptando. Se encuentran en continua evolución y marcan el estilo de los diseños y futuras creaciones. Ahí, entra a formar parte el estilo, como forma de actuar, dando el toque personal al proyecto en curso. El minimalismo: menos es más Definimos el minimalismo como una tendencia surgida en Estados Unidos, en la década de los sesenta del siglo pasado. El minimalismo es la sencillez en su máximo esplendor sin elementos de sobra. Este movimiento marcó profundamente a las bases de creatividad de arquitectos, escultores, pintores, fotógrafos, artistas y diseñadores, incluso a los músicos, a lo largo del siglo XX. Esta tendencia se utiliza muy a menudo en el diseño, ya que reduce el ruido, los elementos innecesarios, dejando lo importante y fundamental del diseño que se quiere representar. Menos es mas, en eso se podría resumir el minimalismo, dar a entender una idea con los elementos escenciales para ello sin nada extra.

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Imagen 3. Ejemplo de publicidad minimalista

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Imagen 4. Otro ejemplo de publicidad minimalista

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Formas básicas de composición: El signo

Capítulo 2

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l signo es un objeto y acción que representa y sustituye a otro objeto, fenómeno o señal. Del uso del signo surge la semiótica, (del griego "semion"), como doctrina que estudia las reglas que gobiernan la producción, transmisión e interpretación de estos símbolos. Podemos describir la comunicación entre los humanos, como una forma e intercambio de transferir mensajes, la única forma de hacerlo es por medio del uso de signos, tales como: el que se emite a través del habla, letras, números, fotografías, etc. Los signos son el medio a través del cual se hace posible la transmisión de los pensamientos, significados e ideas. Se extrae de ellos haciendo posible, una situación sígnica, la comunicación entre dos o más personas. Clasificación de los signos: Indicativos Los signos pueden ser, naturales y artificiales, ya que algunos se desarollan. La primera gran división corresponde a los signos naturales que se diferencian de los signos artificiales. El rasgo diferencial entre ellos es la no participación directa del hombre en la creación de estos signos (naturales) y la participación directa en la creación de dichos signos (artificiales). En ambos casos el hombre lo interpreta, pero no siempre los crea, ya sea como actividad consciente o inconsciente, sin importar el caso. Los signos naturales reciben también la denominación de indicaciones o índices. Así el humo como indicio de que hay fuego, las nubes como indicio de lluvia, las arrugas de la cara como síntomas de envejecimiento, etc.

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Signos simbólicos Los signos artificiales se dividen a su vez en lingüísticos y no lingüísticos, incluyendo entre los primeros los sistemas verbales (los que sustituyen a partir de ellos: escritura, morse, braille, etc.) de carácter natural o tradicional, (las lenguas o idiomas). Los no lingüísticos o signos, se oponen a los verbales (base de todo el proceso de la comunicación humana), se dividen en, señales, símbolos e iconos. Los primeros influyen, según la teoría de Schaf, de una forma o de otra sobre la voluntad de los individuos mientras que los otros sólo actúan de forma inmediata. Reznikov explica que todos los signos son fenómenos materiales que actúan directamente sobre los órganos de los sentidos. El disparo de un cohete como señal de ataque o el humo de una montaña, significa un incendio. Los símbolos se diferencian, de los signos icónicos por tres características:

Son objetos materiales que representan ideas abstractas. Funcionan por alegorías o metáforas, y van dirigidos a los sentidos. Su representación ha de tener un cierto significado para que puedan interpretarse bien. Ejemplos de símbolos son (la Cruz) que representa al Cristianismo o el de un centro sanitario (la Media Luna) que presenta al Islamismo.

Imagen 6. Señal de tránsito

Imagen 5. Simbolo religioso

Los signos icónicos Funcionan de acuerdo con el principio de semejanza y en él pueden incluirse toda clase de imágenes, dibujos, pinturas, fotografías o esculturas. Peirce los definía como signos que tienen cierta semejanza con el objeto a que se refieren. Así, el retrato de una persona o un diagrama son signos icónicos por reproducir la forma de las relaciones reales a que se refieren. Esta definición ha tenido aceptación gracias a la difusión hecha por su discípulo Morris, quien señaló además que el signo

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icónico tenía algunas de las propiedades del objeto representado, de su denotado. Sin embargo, si se observa una imagen publicitaria, no siempre se representan todas las propiedades, ya que muchas de ellas están simplemente sugeridas a través de otras. El signo icónico reproduce algunas condiciones de la recepción del objeto, seleccionadas por un código visual y anotadas a través de convenciones gráficas. Los signos icónicos ofrecen al receptor real con toda la naturalidad de cada uno de ellos representándose a sí mismos. No poseen las propiedades de la realidad, sino que transcriben, según cierto código de reconocimiento, algunas condiciones de la experiencia. Cuatro características tienen los signos icónicos: ser naturales, convencionales, analógicos y de estructura digital. Clasificación de los signos El receptor es la persona a la que va destinado el signo. Así que el medio a través del cual se ha de interpretar el signo ha de encontrarse familiarizado con él. Si el receptor no conoce el símbolo que el transmisor está ejercitando, difícilmente podrá comprender el mensaje del signo propiamente dicho. Para que pueda comprenderse un mensaje emitido a través de un signo deben incluirse tres aspectos: los sintácticos, semánticos y pragmáticos. Sintácticos: Estudian el singo según la forma percibida. Semánticos: Estudian la forma en que el significado se encuentra conectado con el significador, la relación entre la forma y lo que significa la forma. Pragmáticos: Por su utilización e uso, el resultado de estos, los efectos del mismo.

Elementos básicos: la línea Se encuentra formada por una serie de puntos unidos entre sí, sucesivamente, asimilando la trayectoria de la misma, seguida por un punto en movimiento, por lo que tiene mucha energía y dinamismo. Su presencia crea tensión y afecta al resto de elementos alrededor de ella.

Imagen 7. El Op art es un ejemplo de composiciones con lina

El primer elemento del diseño es línea. Las líneas se pueden utilizar de muchas maneras y según su disposición: Ayudan a organizar la información. Pueden dirigir el ojo de sus lectores en cuanto a la organización de disposición. Pueden crear humor y el ritmo de un movimiento, lo que ocasiona tensión. Por ejemplo, las líneas pueden organizar la información y los límites en una página. Las lineas verticales u horizontales se pueden también utilizar para dirigir a los lectores e indicar el orden de algo o una cronología.

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Las formas: definición La forma de los objetos y cosas, comunican ideas por ellos mismos, llaman la atención del receptor dependiendo de la forma elegida. Es un elemento esencial para un buen diseño funcional y estético. Forma es cualquier elemento que utilicemos para dar o determinar la forma. Un ejemplo marcado por una forma sería el de una compañía internacional que utilice un círculo en su insignia sugiriendo la tierra. Las formas inusuales atraen la atención porque inducen a la gente a ver formas regulares de las imágenes.

Imagen 8. Las figuras geometricas son la base de muchas composiciones

Disposición de las formas Hay tres maneras de que la forma realce su disposición. Primero, la forma ayuda a sostener interés del lector. Las formas se pueden utilizar para romper hacia arriba una

página que contenga mucho texto. En segundo lugar, la forma se utiliza para organizar y para separarse. Una parte del texto se puede poner en una forma con un fondo colorido y agregará variedad a la página. Podemos utilizar la forma para conducir el ojo del lector con el diseño. Según las disposiciones, el ojo busca un lugar para comenzar y seguir con el diseño al extremo. La forma puede ayudarle a guardar la atención de éste. La textura como elemento básico El tercer elemento básico es la textura. Aporta al diseño una mirada, una sensación, o una superficie. Diariamente encontramos gran variedad de texturas por todo el entorno que nos rodea. La textura ayuda a crear un humor particular para una disposición o para otras en formas individuales. La textura, permite crear una adaptación personalizada de la realidad añadiendo dimensión y riqueza al diseño. Exiten dos tipos de textura: táctil y visual.

Imagen 9. Textura visual

Textura táctil y visual Textura táctil: Por ejemplo la de una superficie rugosa, con relieve, o la de otra más fina, como la de un papel o la suavidad del terciopelo. Son todas aquellas perceptibles al tacto y a la vista.

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Imagen 10. Textura mosaico

Textura Visual: Aquellas texturas impresas que se parecen a la realidad, como la arena, las piedras, rocas, etc. Entre esta clase de textura pueden surgir algunas que realmente existen y otras que son irreales. Textura mosaico o patrón Un patrón o mosaico sería un tipo de textura visual. Cuando una imagen o una línea, del tipo que sea, se repite muchas veces, acaba creando una textura visual. Un ejemplo de ello serían los patrones de luces, que en de la oscuridad agregan dimensión a una superficie. El papel que se utiliza para envolver, en el que se repita la marca o logotipo de un comercio, es un buen ejemplo del patrón. Los patrones pueden hacer fondos. Espacio y formato El espacio se puede considerar como el cuarto elemento fundamental del diseño. Definición de espacio: Es la distancia o el área entre o alrededor de las cosas. Cuando se está diseñando, debemos pensar donde vamos a colocar todos los elementos y a que

distancia unos de los otros. El tipo de imágenes que colocaremos, la dimensión de éstas, el texto y lo que habrá alrededor de ellas. Las diferentes tonalidades que emplearan los elementos y las formas, sirven para crear relaciones espaciales y focales, de gran interés para el receptor. Se pueden llegar a conseguir efectos muy variados y especiales dependiendo de como se combinen, estos. Por ejemplo si usamos bastante espacio en blanco, se produce un descanso para el ojo. Si dejamos mucho espacio en blanco alrededor de algun objeto, palabra o imagen, estamos haciendo que destaque del resto de la composición. Efectos que produce el espacio Efectos que nos produce el espacio, dentro de nuestro campo visual: - Al utilizar espacio en blanco en una composición, el ojo descansa. - Utilizando una pequeña cantidad de espacio creamos lazos entre los elementos. - Lograremos una mayor profundidad en nuestro diseño si superponemos un elemento con otro. - Si utilizamos mucho espacio en blanco, alrededor de un objeto, imagen o texto, conseguiremos que sobresalga y destaque del resto de la composición. - Los grandes márgenes ayudan a seguir un diseño una de forma más fácil. - Si utilizamos un espaciamiento desigual entre los elementos, crearemos una página dinámica. El tamaño y el formato. En diseño gráfico el tamaño se utiliza para expresar importancia, atraer la atención y crear contraste. El tamaño es uno de los elementos

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básicos del diseño, junto con el color, la textura, la forma y el espacio. El tamaño hace referencia a cómo de grande o de pequeño es algo en sus dimensiones. En diseño, el tamaño puede cumplir muy distintas funciones. Puede generar una atracción visual a través del contraste, puede organizar el espacio y se usa, generalmente, para definir la importancia de algún elemento. Tamaños Cuando diseñamos el tamaño juega un papel muy importante a la hora de crear una distribución atractiva, funcional y organizada. Por esto, lo primero que debemos tener en cuenta a la hora de trabajar es el tamaño del que disponemos, cual sea el soporte . Otro factor a tener en cuenta a la hora de diseñar es usar el tamaño para atraer a la audiencia que nos interese. Para ello es fundamental provocar un contraste entre elementos grandes y pequeños. Esta máxima también nos sirve para organizar las partes en una pieza y atraer la atención del público en el orden que nos convenga. Todo esto lo provocará el tamaño ya que el ojo humano fija antes su vista en elementos grandes que en los más pequeños. Un ejemplo de esto son los titulares de los periódicos. La pieza principal, el título, es más grande y por lo tanto más visible que el subtítulo, y éste, a su vez, más grande que el cuerpo del texto. Esto nos lleva, irremediablemente, a leer primero los titulares. Formatos Dentro del tamaño, es importantísimo el término Formato. El formato es la forma y la dimensión física del trabajo realizado. Cuando hablamos de formato, al hacer referencia

a un archivo en diseño gráfico, estamos hablando del tamaño en el que será pre-

Imagen 11. Tamaños

ISO

sentado e impreso. En otras palabras, nos estamos refiriendo al tamaño del papel. Dentro de los formatos de papel encontramos muchos estándares. El más extendido es la norma ISO 126 que deriva de la norma DIN 476. Los formatos ISO deben su nombre a la International Organization for Standarization y se dividen en series. La serie A es la más utilizada. En ella encontramos a su formato principal, el A4, que es el que relacionamos con el tamaño folio. Sus medidas son 297 x 210 mm. Los formatos de serie B son los que tienen el tamaño intermedio entre un paso y otro de la serie A. Es decir, el tamaño B4 es justo el formato que está en medio del tamaño A3 y el A4. Ambas series tienen como característica principal que cada formato es el doble de tamaño que su formato inferior y la mitad de tamaño que su formato superior. Por lo tanto, las medidas del formato A3 (superior al A4) serán de 420 x 297 mm y el A5 (inferior al A4) de 210 x 148 mm.

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21 Imagen 12. Formatos A y B


Estudio del color

Capítulo 3

E

l color, como tal, no existe, solo es una percepción. Una interpretación de nuestro cerebro de las señales que le llegan a través de nuestros ojos. El color, según Sir Isaac Newton, es una sensación que se produce en respuesta a una estimulación nerviosa del ojo. Esta estimulación es causada por los rayos de luz y por las longitudes de onda que lo componen y lo integran. La interpretación del color es parte de nuestro sentido de la vista y como tal, único y particular. Al no existir ojos, ni cerebros iguales, cada ser humano ve los colores de un modo diferente, aunque similar si no se sufre ninguna anomalía. En este capítulo contaremos porqué existen los colores, cuál es su historia o porqué los objetos son de un color. Hablaremos de los colores primarios, secundarios y terciarios y conoceremos cuáles son las diferencias que existen entre los colores pigmento o los colores luz. También daremos un repaso a las nociones sobre colores fríos y colores cálidos y os contaremos todo sobre la armonía del color y el mejor modo de combinarlos. No nos olvidaremos de hablar de la psicología del color y los efectos que estos producen en nosotros. Hablaremos de detalles acerca de los colores que nos rodean más frecuentes. El rojo, azul, verde, blanco, negro, gris, etc. están allá donde miremos y al acabar los conoceremos mucho más. Historia del color El color nos produce muchas sensaciones, sentimientos, diferentes estados de ánimo, nos transmite mensajes, nos expresa valores, situaciones y sin

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embargo... no existe más allá de nuestra percepción visual. El color ha sido estudiado, por científicos, físicos, filósofos y artistas. Cada uno en su campo llegó a diversas conclusiones que, en ocasiones, fueron buenos puntos de partida para posteriores estudios y para todo lo que hoy sabemos del color. Primeras teorías El filósofo Aristóteles (384 - 322 AC) sentenció que todos los colores se forman con la mezcla de cuatro colores. Estos colores, que denominó como básicos, eran los de tierra, el fuego, el agua y el cielo. Además otorgó un papel fundamental a la incidencia de luz sobre los mismos. Siglos más tarde, Leonardo Da Vinci (14521519) definió al color como propio de la materia. Confeccionó la siguiente escala de colores básicos: primero el blanco como el principal ya que permite recibir a todos los demás colores, después el amarillo para la tierra, verde para el agua, azul para el cielo, rojo para el fuego. Por último, el negro para la oscuridad, ya que es el color que nos priva de todos los otros. Con la mezcla de estos colores obtenía todos los demás, aunque también observó que el verde también surgía de una mezcla. Finalmente fue Isaac Newton (1642-1519) quien estableció un principio hasta hoy aceptado: la luz es color. En 1665 Newton descubrió que la luz del sol al pasar a través de un prisma, se dividía en varios colores. Esto no es, ni más ni menos, que la descomposición de la luz en los colores del espectro. Estos colores son el azul violáceo, el azul celeste, el verde, el amarillo, el rojo anaranjado y el rojo púrpura. Este fenómeno lo podemos contemplar con mucha frecuen

Imagen 13. Isaac Newton, la luz es color

cia, cuando la luz se refracta en el borde de un cristal o de un plástico. También cuando llueve y algunos rayos de sol atraviesan las nubes, las gotas de agua cumplen la misma función que el prisma de Newton y descomponen la luz produciendo lo que llamamos Arcoíris. Así es como observa que la luz natural está formada por luces de seis colores. Cuando incide sobre un elemento absorbe algunos de esos colores y refleja otros. Con esta observación dio lugar al siguiente principio: todos los cuerpos opacos al ser iluminados reflejan todos o parte de los componentes de la luz que reciben. Por lo tanto cuando vemos una superficie roja, realmente estamos viendo una superficie de un material que contiene un pigmento el cual absorbe todas las ondas electromagnéticas que contiene la luz blanca con excepción de la roja, la cual al ser reflejada, es captada por el ojo humano y decodificada por el cerebro como el color denominado rojo, debido a la vista. Johann Goethe (1749-1832) estudió y probó las modificaciones fisiológicas y psicológicas que el ser humano sufre ante la exposición a los diferentes colores y su manera de reaccionar ante ellos. Su investigación fue la piedra angular de la actual psicológica del color. Desarrolló un triángulo con tres colo-

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res primarios rojo, amarillo y azul y relacionó a cada color con ciertas emociones. Teoría del color. ¿Qué es el color? El color es un atributo que percibimos de los objetos cuando hay luz. Todo el mundo que

Imagen 14. Johann Goethe, reacción humana a los colores

nos rodea es de colores siempre y cuando haya luz lo que permite verla. La luz está constituida por ondas electromagnéticas que se propagan a unos 300.000 km por segundo. Esa luz no viaja en línea recta sino en forma de ondas. Es lo que se conoce como el carácter ondulatorio. Cada una de esas ondas tiene una longitud de onda diferente que es lo que produce los distintos tipos de luz, como la luz infrarroja, la luz ultravioleta o el espectro visible. El espectro visible es aquel en el que la longitud de la onda está comprendida entre los 380 y los 770 nanómetros ya que el ojo humano sólo es capaz de percibir eta luz.

Imagen 15. Espectro de color

Gracias a las propiedades de la luz los objetos devuelven los rayos que no absorben hacia su entorno. Nuestro cerebro interpreta esas radiaciones electromagnéticas que los

objetos reflejan como lo que llamamos Color. La percepción de la forma, de la profundidad o de la textura de los objetos está estrechamente ligada a la percepción de los colores de los mismos. Propiedades del color Las propiedades del color son aquellos atributos que cambian y hacen único a cada color. Estos atributos son tres: El tono, la saturación y el brillo. El Tono también es conocido como matiz, tinte, croma o su nombre en inglés, Hue. Es la propiedad que diferencia un color de otro y por la cual designamos los colores: verde, violeta, rojo, etc. Hace referencia al recorrido que hace un color en el círculo cromático adquiriendo matices, como por ejemplo el rojo anaranjado o el amarillo verdoso. La Saturación representa la intensidad cromática o pureza de un color. En otras palabras, es la claridad u oscuridad de un color, está determinado por la cantidad de luz que un color tiene. La saturación de los colores cambia a medida que ese color tiene más o menos cantidad de gris. A mayor cantidad de gris, más pálido y menos saturación. La luminosidad es la cantidad de luz reflejada por una superficie en comparación con la reflejada por una superficie blanca en iguales condiciones de iluminación. En teoría del color, la luminosidad hace referencia a cuánto de oscuro o de claro es un color. A mayor luminosidad de un color mayor luz reflejará. El color es solo ese espestro de luz que nuestra vista asimila y relaciona.

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este tipo fue Isaac Newton allá por 1666. A lo largo de los años, han surgido numerosas variaciones del diseño básico pero la más habitual es la rueda de 12 colores.

Círculo cromático Se estima que el ojo humano puede distinguir alrededor de 10 millones de colores. La cifra anterior, aunque parezca increíble, es una estimación a la baja de los colores que podemos ver. La realidad es que el color es una percepción y depende directamente de sus tres dimensiones físicas para poder verlos. Estas dimensiones son la saturación, la brillantez y el tono. El resultado de todo este cocktail son tantas combinaciones que el número total de colores que nuestro cerebro puede procesar es infinito. Colores primarios, secundarios y terciarios El origen de todos esos millones de colores son los que conocemos como Colores Primarios. Los colores primarios son aquellos grupos colores en los que ninguno de los colores que lo forman puede conseguirse a través de la suma de los colores restantes del grupo. Según la disciplina que los utilice los colores primarios son: El cyan, el Magenta y el Amarillo o el Rojo, Verde y Azul. Los Colores Secundarios son los derivados de la mezcla de dos colores primarios. Son el Violeta, el Verde y el Naranja. Los colores terciarios son aquellos que surgen de la combinación de un color primario con otro secundario. Esto da lugar a distintas variedades de tonos que van desde el rojo violáceo, el rojo anaranjado, al amarillo anaranjado, pasando por el amarillo verdoso, el azul verdoso y el azul violáceo. El círculo cromático no es más que una representación gráfica de los colores. Puede ser un círculo que represente sólo los colores primarios, o pueden sumársele los secundarios y los terciarios. El primero en hacer un esquema de color de

Imagen 16. Círculo cromatico

Color pigmento. Síntesis sustractiva. En los orígenes de las teorías de color, éste era considerado como una cualidad del objeto. Con el tiempo y los avances en los estudios de la luz se llega a la conclusión de que los colores pigmento se generan por la luz reflejada por ciertos pigmentos aplicados a las superficies. De ahí su nombre. Son los colores básicos de las tintas que se usan en la mayoría de los sistemas de impresión y los que se han usado tradicionalmente en pintura. La mezcla de los tres colores primarios pigmento en teoría debería producir el negro, el color más oscuro y de menor cantidad de luz. Esta mezcla es conocida como síntesis sustractiva. En la práctica el color así obtenido no es lo bastante intenso, motivo por el cual se le

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Imagen 17. Ejemplificación del color

agrega pigmento negro formándose el conocido como espacio de color CMYK. Los procedimientos de imprenta para imprimir en color, conocidas como tricromía y cuatricromía se basan en la síntesis sustractiva. Color luz. Síntesis aditiva. El ojo humano está compuesto por conos y bastones que son las células fotosensibles que nos permiten ver. Existen tres tipos de conos, cada uno sensible a un tipo de luz. Debido a estos tres tipos de luz a la que es sensible el ojo humano se considera colores luz al rojo, al verde y al azul. Los colores producidos por la luz (Los de un monitor de un ordenador, en el cine, televisión, etc. por ejemplo) identifican como colores primarios al rojo, verde y al azul (RGB). Esto se debe a que el ojo humano está compuesto por conos y bastones que son los que nos permiten ver como normalmente todos lo hacemos diariamente-.

Existen tres tipos de conos, cada uno sensible a un tipo de luz. Unos a la luz roja, otros a la luz verde y otra a la azul. La suma de estos tres colores compone la luz blanca. A esta fusión se la denomina Síntesis aditiva y las mezclas parciales de estas luces dan origen a la mayoría de los colores del espectro visible. Colores acromáticos El blanco, el negro y el gris son llamados colores acromáticos ya que los percibimos como “no colores”. Los colores acromáticos tienen luminosidad pero no tienen tono ni saturación.

Imagen 18. Escala de grises

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Formación de los colores complementarios Formación de los colores complementarios Los colores complementarios se forman mezclando un color primario con el secundario opuesto en el triángulo del color. Son colores opuestos aquellos que se equilibran e intensifican mutuamente. Gama y combinación Los colores complementarios son los que proporcionan mayores contrastes en el gráfico de colores. Para obtener una gama de verdes: Los verdes se obtienen mediante la mezcla de azul y amarillo. Variando los porcentajes, se obtienen diferentes resultados. Crear una gama de azules: Los colores más oscuros se logran mediante una combinación de púrpura y azul. Obtener una gama de rojos anaranjados: Mezclando rojo y amarillo obtendremos diferentes tonos anaranjados. Obtención de una gama de ocres y tierras: A partir de un violeta medio, que se crea a partir de púrpura y azul, es posible conseguir una extensa gama de colores comprendidos entre el ocre amarillo y el sombra tostada, llegando a sienas. Para conseguir esta combinación es preciso añadir amarillo a los distintos violetas que se han creado con los otros dos primarios. Definición de los colores cálidos y fríos Un color se considera cálido o frío según la sensación de temperatura que transmita. La calidez o frialdad de un color atiende a sensaciones térmicas subjetivas. Esto quiere decir que un color es frío o cálido en función de cómo es percibido por el ojo humano y la interpretación de la sensación que nos provoca por parte de nuestro cerebro.

Colores cálidos Como norma general, los colores cálidos son todos aquellos que van del rojo al amarillo, pasando por naranjas, marrones y dorados. Para simplificar, suele decirse que cuanto más rojo tenga un color en su composición, más cálido será. Son los colores del fuego, de la pasión, del atardecer, de las hojas en otoño... Este tipo de tonos, además de la sensación térmica, transmiten cercanía, intimidad, energía, calidez, etc. Los colores cálidos son utilizados en diseño gráfico para reflejar entusiasmo, pasión, alegría.

Imagen 19. Colores cálidos

Colores fríos Por otro lado, los colores fríos son todos los colores que van desde el azul al verde pasando por los morados. Cuanto más azul tenga un color, más frío será. Los colores fríos son los tonos del invierno, de la noche, de los mares y lagos, etc. En diseño, los colores fríos suelen usarse para dar sensación de tranquilidad, calma, seriedad y profesionalidad. Esta clasificación de colores fríos y cálidos no es estricta aunque suelen representarse como una división por la mitad del círculo cromático. Cada color cálido tiene su complementario entre los colores fríos.

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Imagen 20. Colores fríos

Los colores complementarios son aquellos que se encuentran exactamente en el lugar opuesto del círculo cromático. Esto significa, que, por ejemplo, el complementario del violeta es el amarillo, el complementario del rojo es el verde y que el complementario del azul es el naranja. Escalas de los colores El blanco, el negro y el gris son colores acromáticos, es decir, colores sin color. Desde el punto de vista psicológico los tres son colores ya que originan en el observador determinadas sensaciones y reacciones. Sin embargo, desde el punto de vista físico, la luz blanca no es un color, sino la suma de todos los colores. Si hablamos de colores pigmento, el blanco sería considerado un color primario, ya que no se puede obtener a partir de ninguna mezcla o combinación. El color negro, por el contrario, es la ausencia absoluta de la luz. Es considerado un color secundario, ya que es posible obtenerlo a partir de la mezcla de otros, aunque no de una manera pura. El gris, resulta de la mezcla de ambos colores acromáticos por lo que sigue teniendo esta propiedad de no pertenecer propiamente a ninguna de las partes con color. Escalas cromáticas y acromáticas Escala Cromática: Es aquella en la que los

valores del tono se obtienen mezclando los colores puros con blanco o con negro, por lo que pueden perder fuerza cromática o luminosidad. Es decir, cambia su tono, su saturación y su brillo. Escala Acromática: Será siempre una escala de grises, una modulación continua del blanco al negro. La escala de grises se utiliza para establecer comparativamente tanto el

imagen 21. Escala cromática y acromática

valor de la luminosidad de los colores puros como el grado de claridad de las correspondientes gradaciones de este color puro y claro. Por la comparación con la escala de grises (También llamada escala test), se ponen en relieve las diferentes posiciones que alcanzan los distintos colores puros en materia de luminosidad. Dicho de otro modo, podemos comparar los grados de luminosidad y claridad de los colores puros que la forman y lo componen para formarlo.

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Gamas de colores Definimos como gamas de colores a aquellas escalas formadas por gradaciones que realizan un paso regular de un color a otro. Por ejemplo, de un color puro hacia el blanco o hacia el negro, de una serie continua de colores cálidos a fríos o una sucesión de diversos colores. Pueden ser monocromas, cromáticas o polícromas. --Escalas monocromas: Son aquellas en las que hay un solo color y se forman con todas las variaciones de este color, bien añadiendo blanco, negro o gris como mezcla de ambos. Dentro de las escalas monocromas diferenciamos: La Escala de Saturación, también llamada escala de blanco. Ésta se da cuando al blanco se le añade un cierto color hasta conseguir una saturación determinada. Escala de Luminosidad, también llamada escala de negro. Es cuando al color saturado se la añade solo negro. - Escalas cromáticas: Estas pueden ser escalas altas, medias o bajas. Altas: cuando se utilizan las modulaciones del valor y de saturación que contienen mucho blanco dando lugar a composiciones luminosas. Medias: cuando se utilizan modulaciones que no se alejan mucho del tono puro saturado del color dando lugar a composiciones algo apagadas. Bajas:, cuando se usan las modulaciones de valor y luminosidad que contienen mucho negro por lo que las composiciones resultarán oscuras. - Escalas Polícromas:, Son aquellas gamas de variaciones de dos o más colores.Un claro ejemplo de este tipo de escala es el arco iris, que vemos al termino de una lluvia..

Psicología del color El significado de cada color varía de una cultura a otra y de una circunstancia a otra. El color desprende diferentes expresiones del ambiente. Éstas pueden transmitirnos sensación de calma, de plenitud, de alegría, de violencia, maldad, etc. Estas sensaciones variarán profundamente según la cultura y la situación en la que nos encontremos. La psicología de los colores fue estudiada por grandes maestros a lo largo de nuestra historia como por ejemplo Goethe. El Color Blanco El blanco es la suma o síntesis de todos los colores y el símbolo de lo absoluto, de la unidad y de la inocencia. Es el que mayor sensibilidad posee frente a la luz y significa paz o rendición en la cultura occidental. Mezclado con cualquier color reduce su croma o color y cambia sus potencias psíquicas.

Imagen 22. Color blanco

La del blanco es siempre positiva y afirmativa. Es, por excelencia, el color de los buenos sentimientos. Los cuerpos blancos nos dan la idea de pureza y modestia. El blanco crea una impresión luminosa de vacío, positivo e infinito espacial. También tiene connotaciones negativas como la frialdad, la invitación a no tocar.

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El Color Negro El color negro es la ausencia total de luz. Cuando un cuerpo absorbe todos los colores del espectro y no refleja ninguno entonces se produce el negro.

El color amarillo El color amarillo: Es uno de los colores primarios en cuanto a pigmentos. Se ha asociado tradicionalmente con la intelectualidad, la inteligencia, las emociones o, en su vertiente negativa, con la deficiencia mental. En la cultura occidental el color amarillo tiene significados diferentes. Por un lado, es el color de la luz solar, del poder, de la acción, simboliza la fuerza, la voluntad, el estímulo También representa el optimismo, la confian-

imagen 23. Color negro

En la cultura occidental tiene más connotaciones negativas que positivas. Es símbolo del error, del mal, el misterio y de la muerte. Sin embargo, también hace referencia a la nobleza, a la sofisticación y la elegancia.

Imagen 25. Color amarillo

El Color gris Es el producto de la mezcla del negro y el blanco. Simboliza la neutralidad, la indeci-

Imagen 24. Color gris

sión y la ausencia de energía. Muchas veces, también expresa tristeza, duda y melancolía. El color gris es una fusión de alegrías y penas, del bien y del mal. Da la impresión de frialdad metálica y dureza.

za, la autoestima y la fortaleza emocional. Por otro lado, el amarillo también nos evoca envidia, ira, cobardía, ansiedad, etc. Mezclado con negro adquiere un matiz verdoso muy poco grato que sugiere enemistad, disimulo, crimen, brutalidad, recelo y bajas pasiones. Mezclado con blanco puede expresar cobardía, debilidad o miedo y también riqueza, cuando tiene una leve tendencia verdosa un tanto oscuro. Los amarillos también suelen interpretarse como joviales, afectivos, excitantes e impulsivos. Están relacionados con la naturaleza. Psicológicamente se asocia con el deseo de liberación y exaltación natural por la gran cantidad de luz que este color irradia.

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El Color Rojo El color rojo: Es uno de los colores primarios más importantes, ya que se da tanto en los colores luz como en los colores pigmento. Tiene una marcada personalidad y es uno de los colores más usados en diseño aunque, técnicamente, no sea el color más visible. Los objetos de color rojo tienen la capacidad de parecer que están más cerca que los de su alrededor que son de otro color. Es por eso por lo que nos llaman antes la atención. Se lo relaciona con lo físico porque es capaz de estimularnos, de acelerarnos el pulso y de provocar una reacción en nosotros. El rojo simboliza la sangre, el fuego, el calor, la

El rojo Mezclado con blanco evoca tranquilidad, feminidad, inocencia y alegría juvenil e, incluso, sexualidad. En su mezcla con el negro estimula la imaginación y sugiere dolor, dominio y tiranía. En su tono más puro el rojo expresa sensualidad, virilidad y energía. Considerado símbolo de una pasión ardiente y desbordada. Por su asociación con el sol y el calor es un color propio de las personas que desean experiencias fuertes. Lenguaje del Naranja El color naranja: Es un poco más cálido que el amarillo y actúa como estimulante de las personas tristes o tímidas. Evoca la tranquilidad, la calidez, la comodidad, la seguridad, la abundancia y la diversión. Simboliza entusiasmo y exaltación y cuando es muy encendido o rojizo, ardor y pasión. Utilizado en pequeñas extensiones es un

Imagen 26. Color rojo

revolución, la pasión, la acción y la fuerza. Tiene un temperamento vital, ambicioso y material, y se deja llevar por el impulso, más que por la reflexión. En su vertiente negativa está la transmisión de sensaciones de peligro, desconfianza, destrucción, tensión, desafío, crueldad y rabia. Es el color de los maniáticos y del planeta Marte. También el de los generales y emperadores romanos por lo que evoca la guerra, el diablo y el mal. Como es el color que requiere la atención en mayor grado, habrá que controlar su extensión e intensidad usado en grandes áreas debido a su potencia de excitación ya que cansa muy rápidamente.

Imagen 27. Color naranja

color utilísimo, pero en grandes áreas puede resultar demasiado atrevido y crear una impresión impulsiva que llega, incluso, a ser agresiva. Posee una fuerza activa, radiante y expresiva, de carácter estimulante y cualidad dinámica positiva y energética. Mezclado con el negro sugiere engaño, conspiración e intolerancia y cuando es muy oscuro, opresión.

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Significado del Color Azul El color azul: Es el color de la intelectualidad. Como connotaciones positivas evoca la inteligencia, la confianza, la serenidad, la eficiencia, la lógica, la reflexión y la calma. Su parte negativa es que nos lleva a pensar en la frialdad, la falta de emociones, la indiferencia y la esterilidad. Simboliza la profundidad del mar y puede transmitir frío.

Imagen 28. Color azul

Se lo asocia con las personas introvertidas o con personalidades que cultivan su vida interior. Está vinculado con la circunspección, la inteligencia y las emociones profundas. Es el color del infinito, de los sueños y de lo maravilloso. Simboliza la sabiduría, amistad, fidelidad, serenidad, el sosiego, la verdad eterna y la inmortalidad. También significa descanso. Mezclado con blanco es pureza, fe, nos ayuda a calmarnos y a concentrarnos y nos recuerda al cielo. Mezclado con negro puede transmitir desesperación, fanatismo e intolerancia. No fatiga los ojos en grandes extensiones y es el color favorito de la mayor parte de la gente. El color violeta El violeta, es el color de la templanza, la lucidez y la reflexión. Transmite profundidad y experiencia. Tiene que ver con lo emocio-

Imagen 30. Color violeta

nal y lo espiritual. Es místico, melancólico y se podría decir que también representa la introversión. En su variación al púrpura, es realeza, dignidad, suntuosidad. Mezclado con negro es deslealtad, desesperación y miseria. Mezclado con blanco: muerte, rigidez y dolor. Color verde Es un color de extremo equilibrio, porque está compuesto por colores de la emoción (amarillo = cálido) y del juicio (azul = frío)

Imagen 31. Color verde

y por su situación transicional en el espectro. Se lo asocia con las personas superficialmente inteligentes y sociales que gustan de la vanidad de la oratoria y simboliza la primavera y la caridad. Incita al desequilibrio y es el favorito de los psiconeuróticos porque produce reposo en el ansia, además de paz y juventud vital.

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La tipografía y su evolución

Capítulo 4

D

efinimos la tipografía como el arte o técnica de reproducir la comunicación mediante la palabra impresa, transmitir con cierta habilidad, elegancia y eficacia, las palabras. La tipografía es el reflejo de una época. Por ello la evolución del diseño de las mismas responde a proyecciones tecnológicas y artísticas. El signo tipográfico se ha considerado como uno de los miembros más activos de los cambios culturales del hombre. En los primeros signos de escritura, cada signo nos expresa una idea, un concepto o una cosa; estos signos se combinan entre sí para comunicar ideas más complejas. Estos sistemas de escritura son los pictogramáticos, jeroglíficos e ideogramáticos. El campo tipográfico, abarca la realización de libros, periódicos, anuncios publicitarios, revistas, etc... y cualquier otro documento impreso que se comunique con otros mediante palabras. Concepto de tipografía, familia y fuentes tipográficas Tipo es igual al modelo o diseño de una letra determinada. Tipografía es el arte y la técnica de crear y componer tipos para comunicar un mensaje. También se ocupa del estudio y clasificación de las distintas fuentes tipográficas. Fuente tipográfica es la que se define como estilo o apariencia de un grupo completo de caracteres, números y signos, regidos por unas características comunes. Familia tipográfica, en tipografía, significa un conjunto de tipos basado en una misma fuente, con algunas variaciones, tales, como por ejemplo, en el grosor y

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anchura, pero manteniendo características comunes. Los miembros que integran una família se parecen entre sí pero tienen rasgos propios.

letras “A, H, f o t”. Brazo: Parte terminal que se proyecta horizontalmente o hacia arriba y que no se encuentra incluida dentro del caracter, tal como se pronuncia en la letra “E, K y L”. Cola: Asta oblicua colgante que forman algunas letras, tales como la “ R o K “. Descendente: Asta de la letra de caja baja que se encuentra por debajo de la línea de base, como ocurre con la letra “p y g”. Inclinación: Ángulo de inclinación de algúnos tipos o caracteres. Línea base: La línea sobre la que se apoya la altura de cada tipo. Oreja: Es la terminación o terminal que se le añade a algunas letras tales como “g, o y r”.

Partes de un caracter No existe una nomenclatura específica y que haya sido aceptada de manera definitiva, para designar las partes de una letra. Partes que componen un tipo Altura de las mayúsculas: Es la altura de las letras de caja alta. Altura X: Altura de las letras de caja baja, las letras minúsculas, excluyendo los ascendentes y los descendentes.

Imagen 33. Partes de la letra

Anillo: Es el asta curva cerrada que forman las letras “b, p y o”. Ascendente: Asta que contiene la letra de caja baja y que sobresale por encima de la altura x, tales como las letras “b, d y k”. Asta: Rasgo principal de la letra que la define como su forma o parte mas esencial. Astas montantes: Son las astas principales o oblicuas de una letra, tales como la “L, B, V o A”. Asta ondulada o espina: Es el rasgo princial de la letra “S” en mayúscula o “s” en minúscula, sin importar el caso. Asta transversal: Rasgo horizontal de las

Rebaba: Es el espacio que existe entre el caracter y el borde del mismo. Serif, remate o gracia: Es el trazo o termina de un asta, brazo o cola. Formas de una terminal: Serif o serifas Existen cinco elementos puntuales, sirven para clasificar e identificar a las diferentes las familias tipográficas: - La presencia o ausencia del serif o remate.

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Formas de una terminal: Serif o serifas Existen cinco elementos puntuales, sirven para clasificar e identificar a las diferentes las familias tipográficas: - La presencia o ausencia del serif o remate. - La forma del serif. - La relación curva o recta entre bastones y serifs. - La uniformidad o variabilidad del grosor del trazo. - La dirección del eje de engrosamiento.

Imagen 34. Letra Serif

Imagen 35. Letra San serif

De acuerdo con esto podemos hacer un análisis y reconocer a los dos grandes grupos fundamentales: Tipografías con serif: Los tipos de caracteres, pueden incluir adornos en sus extremos o no, estos adornos en sus terminaciones, se denominan serif o serifas. Tipografías sans serif o de palo seco: Es la tipografía que no contiene estos adornos, comunmente llamada sanserif o (sin serifas ), éstas no tienen serif y actualmente se utilizan en muchos tipos de publicaciones de texto impreso. Las terminales, son las serifas inferiores de un tipo, y las formas más comunes de una

terminal las clasificamos como: lapidaria, veneciana, de transición, bodoniana, lineal, egipcia, de fantasía, medieval, de escritura y adornada. Clasificación de las familias tipográficas Las serif se clasifican en las siguientes clases: Romanas Antiguas, Romanas de Transición, Romanas Modernas y Egipcias. Las sans serif se clasifican como: Grotescas, Neogóticas, Geométricas y humanísticas. Familia de letras Romanas Antiguas Se caracterizan por los siguientes detalles: - Son letras que tienen serif. - Su terminación es aguda y de base ancha. - Los trazos son variables y ascendentes finos y descendientes gruesos. - La dirección del eje de engrosamiento es oblicua. - El espaciado de las letras es esencialmente amplio. - Un peso y color intenso en su apariencia general.

abc Garamond

Imagen 36. Letras con estilo Romano Antiguo

Podemos incluir en este grupo de las letras romanas antiguas: Garamond, Caslon y trajan. Este tipo de letra cumple con las características citadas, ya que identifica a dos etapas de su construcción original.

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En la Roma antigua las letras eran trazadas con pincel cuadrado y posteriormente grabadas a cincel sobre la piedra. Las letras romanas antiguas también se denominan Garaldas, en claro homenaje a dos grandes tipógrafos de la época del Renacimiento: Claude Garamond y Aldus Manutius.

bastón de la letra. - Los trazos son marcadamente variables, mucho más que en el caso de las romanas antiguas. - La dirección del eje de engrosamiento es horizontal. - Las cursivas son muy inclinadas, nos hacen referencia a la escritura caligráfica. El grabado en cobre define esta clase de tipografías. También las romanas modernas

abc

Tipografías Romanas de transición Son un tipo de familia tipográfica en proceso de las romanas modernas. Las romanas de transición se distinguen por las siguientes características: - Tienen serif. - El serif es de terminación mucho más aguda que las antiguas. - Los trazos son varibles, al igual que las antiguas, pero las diferencias entre finos y gruesos son más marcadas sin llegar al contraste que marcan las modernas. Por otro lado las minúsculas ganan redondez - La dirección del eje de engrosamiento está más cerca de ser horizontal que oblicuo.

Bodoni

Iamgen 40. Familia tipográfica didona

abc

Baskervill e

Imagen 39. Estilo Romano de transición

Romanas modernas o didonas Se caracterizan por los siguientes rasgos: - Tienen serif. - La serif es lineal. - El serif se relaciona angularmente con el

son llamadas Didonas, nombre formado a partir de Fermín Didot y Giambattista Bodoni, relevantes tipógrafos del Siglo XIX. El lenguaje de estas tipografías nos llevan claramente a los resultados de la Revolución Industrial en Europa. Tipografía Egipcia Se definen por las siguientes características: - Tienen serif.

abc

Memphis

Imagen 41. Estilo egipcio

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- El serif es tan grueso como los bastones, esta es la principal característica que la identifica. - Puede ser cuadrado (Lubalin Graph, Robotik) o bien redondo (Cooper Black). - Las relaciones entre serif y bastón pueden ser angulares (Memphis) o bien curvas (Clarendon). - La dirección del eje de engrosamiento es normalmente horizontal. Los primeros tipos de la familia Egipcia, entran en juego hacia el año 1820, con el primer tipo la “clarendon”. El tipo clarendon es de rigurosa actualidad, al igual que el Egyptienne usado en fotocomposición. Ofrecen cuerpos medianos para ser usados como textos de libros.

de la época. Hoy en dia la utilización de tipografías no es limitada por un estilo, sino por todo lo lo contrario. Podemos encontrar distintos diseños que combinan con una excelente composición, tanto romanas como de palo seco. Tipografía grotescas Denominadas Grotesque en Europa y Gothic en América, son de origen decimonónico. Son las primeras versiones de sans serif derivadas de un tipo egipcia, sólo que en este caso se han eliminado los remates. Llamadas por los ingleses y americanos

La italiana, una variable de la Egipcia Consiste en una especie de egipcia muy estrecha, denominada por algunos Colonial y por otros Italiana. Su principal característica reside en el hecho de presentar bastones horizontales más gruesos que los verticales, en forma inversa a la corriente. Es una pequeña familia, con tipos muy armoniosos y muy adecuados para determinados titulares.

abc

Rockwell

Imagen 42. Familia tipográfica con estilo italiano

Clasificaciones de las sans serif: Grotescas, geométricas y humanísticas Las sans serif fueron tomadas por las vanguardias del siglo XX por plasmar el corazón

abc

Franklin Gothic

Imagen 43. Tipografía grotesca

san serif, indicando con ello que los bastones no presentan ningún remate, y citadas en España, como letras de palo seco. Las grotescas forman una familia muy amplia de tipos, dentro de los cuales se multiplican las variantes: en redonda, cursiva, ancha, estrecha, fina, seminegra, supernegra... siendo precisamente esta extensa variedad de formas, una de las características principales de las grotescas actuales. El primer tipo de la familia grotesca aparece en el año 1816, pero en la práctica no fue conocida y difundida hasta el año 1925, cuando apareció la famosa Futura, obra del grabador Paul Renner, un tipo de letra que ha inspirado a to-

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dos los tipos existentes de grotesca. Las más representativas de este grupo: Futura Haas o Helvética o Akzident, Univers y Franklin Gothic. Geométricas o de palo seco Se trata de letras de palo seco y de ojos teóricos, basados en formas y estructuras geométricas, normalmente monolíneas. Se emplean deliberadamente las mismas curvas y líneas en tantas letras como sea posible, la diferencia entre las letras es mínima. Las mayúsculas son el retorno de antiguas formas griegas y fenicias. Destacamos dentro de esta família la: Futura de Paul Renner, 1927, la Eurostile o la Industria del mismo año.

abc Century Gothic

Imagen 44. Tipografía palo seco

Humanísticas Este tipo de sans serif está basada en las proporciones de las romanas. Las mayúsculas inscripcionales y el diseño de caja baja de las romanas de los siglos XV-XVI. No son monolíneas y son una versión de la romana pero sin serifs. Algunos ejemplos de estos tipos: Gill Sans, Stone Sans, Optima. Destacamos a Edward Johston, calígrafo relevante de la época, con su creación en el tipo de Palo Seco para el Metro de Londres en 1916. Significó un gran paso en lo referente a las características habituales.

abc

Gill Sans

Imagen 45. Familia humanística

Las inglesas o manuscritas Una familia de gran alcurnia y nobleza, actualmente arruinada. Este tipo caligráfico se encuentra representada a pluma y pincel. La familia de letra inglesa, como la gótica es una reliquia de tiempos pasados, cuando el rey Jorge IV de Inglaterra se le ocurrió un día del año 1700, solicitarle al fundidor francés Firmín Didot una letra manuscrita, imitando la inglesa manuscrita. Las cursivas inglesas nacen de la escritura común con pluma de acero derivada del siglo XIX. Destacamos entre ellas: las Snell English o las Kuenstler. Forman parte también de los tipos de letra manuscritos o caligráficos la del tipo Mistral, verdadero hallazgo del grabador Excoffon,

abc Brush Script

Imagen 46. Estilo ingles o manuscrito

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Las letras ornamentadas Las del tipo decorativas no pertenecen a ninguna clasificación exacta. La ornamentación de letras y tipos alcanzó su máximo esplendor hacia la primera mitad del siglo XIX, precisamente cuando se inició la litografía industrial. Debido a la fácil talla de la madera, las filigranas y ornamentaciones invadieron al tipo. La ornamentación tipográfica existe desde hace muchos siglos, primero con las letras capitales adornadas, en los tiempos del Uncial, el Carolingio y el Gótico, más tarde con las capitales del Renacimiento.

abc Gothic

Imagen 47. Tipografía gótica

Variables visuales: definición, orientación y tamaño Se denomina variables visuales, a las variaciones que han sufrido los signos. Estas variales son las siguientes: La forma, la orientación, el tamaño y el movimiento. La forma de un tipo puede ser mayúscula, minúscula o versalita. La orientación de un tipo también es una punto importante a tener en cuenta. Por ejemplo, la cursiva se emple para remarcar una letra dentro de un bloque de texto, para que destaque del resto. De la misma forma, un texto escrito todo en cursiva, resulta pesado leerlo.

El tamaño, haciendo referencia a la anchura y altura de un tipo de tipografía. Habitualmente se mide en puntos (pt), y al variar estos puntos el tipo aumenta o disminuye proporcionalmente en altura y anchura. Un tipo de letra para cada cuerpo de texto El denominado tipo de letra estándar, es más legible que otro de tipo decorativo. Los tipos con serifas son más legibles que las de palo seco. El espacio entre letras o palabras no tiene que ser ni muy amplio, ni demasidado reducido, para que tengan una buena visibilidad y legibilidad.

Bold Italic Regular Imagen 48. Variantes de una letra.

El tamaño, si el tipo es demasiado grande, o pequeña, cansa mucho al lector y reduce la legibilidad. También ocurre con las columnas, donde un ancho corto, cansa al usuario, ya que tiene que cambiar de línia constantemente. Un texto, todo en negrita es muy denso y también dificulta la lectura. Un problema que puede surgir con el espacio entre las palabras, es que puede desestructurar la línea y entorpecer la lectura y la estética cuando las palabras distan mucho unas de otras. Hay que encontrar una medida razonable, que dependerá del tipo de escrito que estemos componiendo. El interlineado es el término tipográfico que describe el espacio vertical entre

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líneas. La interlínea se usa para dar mayor legibilidad a las líneas de un texto, cuando éstas son largas y están compuestas en un cuerpo pequeño, el cúal se encarga de acomodar cada caracter y asi tenga una correcta legibilidad y lecturabilidad. La alineación del Texto La alineación del texto es un paso importante para mantener también una buena legibilidad. Las opciones de alineación en un diseño de una página tradicional son: Alinear a la izquierda, alinear a la derecha, centrar, justificar y alineaciones asimétricas. El texto alineado a la izquierda es el recomendable para textos largos. Crea una letra y un espacio entre palabras muy equilibrado y uniforme. Esta clase de alineación de textos es probablemente la más legible. Alineación a la derecha se encuentra en sentido contrario del lector porque resulta difícil encontrar la nueva línea. El texto justificado, alineado a derecha e izquierda. Puede ser muy legible, si el diseñador equilibra con uniformidad el espacio entre letras y palabras, evitando molestos huecos denominados ríos que no rompan el curso del texto. Las alineaciones centradas proporcionan al texto una apariencia muy formal y son ideales cuando se usan mínimamente. Se debe evitar configurar textos demasiado largos con esta alineación Kern y el track Dos conceptos a tener en cuenta antes de modificar el espacio entre letras, son el track y el kern. Los tipógrafos han usado el track o tracking para alterar la densidad visual del texto o el espacio global entre un grupo selecionado de caracteres. Esta alteración afecta a todos los caracteres, como regla general,

cuanto más grande es el cuerpo más apretado debe ser el track. El track ajusta el espacio que existe entre los caracteres, abriendo los cuerpos más pequeños y cerrando los mas grandes. El Kern o kerning es el espacio existente entre dos caracteres individuales, para cuando dos de estos caracteres se encuentran demasiado juntos o separados. El kern es

Imagen 49. Ejemplo de kerning y tracking

proporcional, ya que es del mismo tamaño en puntos que el cuerpo de los caracteres. Si un texto es de 10 puntos, el kern mide 10 puntos, proporcionalmente. Características de las familias tipográficas En una familia tipográfica, existen caracteres que se diferencian entre sí, clasficándolos de la siguiente forma: - El grosor en el trazo: Los trazos que componen los tipos, pueden ser pesados o ligeros, segun su grosor pueden afectar o no a la legibilidad. El grosor de un trazo puede ser, redonda, negra o supernegra, fina o muy delgada casi extra fina. - Inclinación del eje vertical o cursivas: Son las denomiadas cursivas o itálicas. La cursiva en la tipografía debe utilizarse con prudencia, porque abusar de este caracter

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inclinado dificulta la lectura. - Porporción entre ejes vertical y horizontal ancho: Son en redonda, cuando son iguales, estrecha cuando el horizontal es menor que el vertical, y expandida cuando el horizontal es mayor. Cuando hay mucho texto, es ideal y aconsejable utilizar tipografías estrechas para ahorrar espacio. - Mayúsculas a caja baja: Un texto escrito en letras mayúsculas, provoca lentitud en la lectura y ocupa más espacio. La cuadrícula Actualmente se usan dos sistemas de medidas tipográficas, la pica y el punto (medida inventada por Firmin Didot). Seis picas o 72 puntos equivalen aproximadamente a una pulgada y doce puntos equivalen a una pica. Los puntos sirven para especificar el cuerpo de un tipo, formado por la altura de las mayúsculas, más un pequeño espacio por encima o debajo de las letras. Las picas se utilizan para medir la longitud de las lineas. La cuadrícula tipográfica, se utiliza para organizar todos los elementos tipográficos y demás ilustraciones que integraran la página. La configuración de la cuadrícula, depende de la información que se ha de transmitir y las propiedades físicas de cada elemento tipográfico. Las cuadrículas tipográficas de formato estándar, tienen módulos cuadrados, columnas de texto, márgenes, lineas de contorno y medianiles (el espacio que queda en blanco entre dos columnas de texto). Para organizar el diseño de una retícula, primero deberemos trabajar con los elementos más pequeños y a partir de ahí, iremos ascendiendo hasta que se logre una composición armónica y clara.

Tipografía digital La informática ha revolucionado la tipografía, modificándola según las necesidades de cada ilustración y uso. La informática se está aplicando en el proceso de la impresión, diseño gráfico y el diseño de páginas web. Por un lado, la multitud de aplicaciones informáticas relacionadas con el diseño gráfico y la editorial han hecho posible el diseño y la creación de nuevas fuentes tipográficas, de forma cómoda y fácil. Por otra parte, ha sido necesario rediseñar muchas de las fuentes ya existentes para su correcta aplicación en el proceso digital, para mejorar la visualización y lectura en pantalla, y hacer que se ajusten a la rejilla de píxeles de la pantalla del monitor. Esta es una de las partes más crítica del proceso de diseño. Todo el aspecto y significado aparente de una composición o trabajo, cambia con un tipo de letra u otro. Al primer golpe de vista, la tipografía y el color dicen más que el mismo texto. Según John Mc Wade, la tipografía es el punto flaco más habitual de la mayoría de los diseñadores. En cuanto al color, el lector idenfica los colores con mucha más rapidez que cualquier otro atributo, acepta o rechaza determinados colores muy fácilmente. Aplicar el color con cierta discrección en algunas partes del texto, puede mejorar mucho su captación y aportar distinción. Incluso puede crear la impresión de mayor variedad de fuentes. Pero el color, usado inadecuadamente, puede tener un impacto negativo, actuar como distracción y dar un aspecto vulgar. En cuanto al tipo de letra, el criterio que podemos seguir es sobre todo nuestro propio gusto, ya que depende del propósito que el texto va a tener.

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ABCDE FGHIJK LMNOP QRSTU VWXYZ Imagen 50. Familia tipogrรกfica pensada para medios digitales

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Conclusiones

B

ueno para mí el diseño no tiene una definición especifica ya que es una palabra que engloba tantas opiniones y puntos de vista, creo que para dar una definición propia tendría que recorrer un buen de tiempo dentro de este extenso mundo del diseño, ya que como estudiante nos damos una idea y sabemos hacer diseño, pero para adentrarnos al tema sería algo apresurado ya que hay que explorar todavía el ámbito laboral y esto podría cambiar nuestra perspectiva de la palabra diseño aunque la esencia ya la tenemos y esa no la podemos cambiar. Durante este tiempo que tengo estudiando la carrera de diseño gráfico me eh dado cuenta de que todos los estudiantes tienen una definición diferente de la palabra diseño, también creo que no se necesita ser diseñador para crear diseño ya que hay personas que no estudian esta carrera pero en el ámbito laboral que están creando diseño, y puede ser buen diseño. Por eso lo de que lo traemos dentro.Pienso que todos podemos ser buenos diseñadores solo tenemos que trabajar más nuestras capacidades de diseño mientras tengamos creatividad y ganas de trabajar y siempre utilizar los conocimientos que nos dieron en la escuela, para así crear un buen diseño y no un diseño ordinario. Como conclusión creo que el diseño es una forma de resolver problemas de comunicación por medio de medios gráficos, que sirven a la vez para crear conciencia o manipular las ideas del receptor al que va dirigido el diseño. El diseño y su gran avance son lo que lo han convertido en un tema que poco a poco gana interes en las personas, haciendolo una de las carreras con mayor desarrollo en estos ultimos años.

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Imagen 51. Cartel del famoso diseĂąador Milton Glaser

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1.55 cm

3.1 cm

3.1 cm

2p 1.55 cm

2p

Calculo Tipográfico - LCA: 12 p FT= 27/LCA - Fuerza de cuerpo: 12/15 pts. - FT: 2.16 caracteres por pica - Óptimo LCA (1.5)= 18 p - Máximo óptimo: óptimo (1.5)= 27 p - Mínimo óptimo: óptimo (.75)= 13.5 p - Formato: Carta - Márgenes: 1.55 cm margen interno, 3.1 cm margen externo, 2 cm margen superior y 4.1 cm de margen inferior - Columnas: 2 - Medianil: 2 p - Ancho de columna: 18 p - Altura de columna: 623 pts.

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Bibliografía

Libros recomendados acerca del diseño gráfico: - Desarrollo del pensamiento creativo, Universidad de Londres, México - Diseño Editorial, Lo que debes saber, Diego Luis Álvarez Fernández - Composición visual. Técnicas y leyes compositivas, Universidad Diego Portales, Chile - El libro de logotipos, marcas e imagen corporativa de Logorapid, España - 101 reglas para el diseño de libros, Albert Kapr - Manual de Diseño Editorial, Jorge de Buen - Curso de Fotografía Nocturna Básico, Carlos Serrano - Historia del Diseño Gráfico, Philip B. Meggs - Creatividad publicitaria y nueva formas de comunicación, María Luisa Pinar Selva - Logotipos inspirados en movimientos artísticos, Smashing Magazine - Guía de dibujo y presentación de diseños de productos, Julia Galán Serrano, Amelia Muñoz Torres, y Diego Díaz García - Sistemas Editoriales, Editorial HOJABLANCA, México - Designpedia 80 Herramientas para construir tus ideas, Juan Gasca y Rafael Zaragoza - Sensación, significado y aplicación del color, Matt W. Moore, Andrew Pearce, y Sarah Applebaum Fuentes de consulta: - http://www.fotonostra.com/grafico/ index.htm - La Armonía en el color, nuevas tendencias, Bride M. Whelan - Manual de buenas prácticas del diseño: La profesión del diseño, Centro Tecnológico Andaluz de Diseño

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IDG

Este libro terminรณ de realizarse el mes de agosto del 2016, de igual forma terminรณ de imprimirse enla misma fecha en los talleres de la UAM Azcapotzalco.


Libro definitive