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Xenozoic&Roll! Marca Banksy Hablando con Pellejero Russ Heath

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Xenozoic&Roll! Hablando con Pellejero Marca Banksy Russ Heath

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Xenozoic&Roll! Marca Banksy Hablando con Pellejero Russ Heath

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Xenozoic&Roll! Conociendo a Mark Schultz. pag 4.

Una charla con Pellejero pag 10.

Russ Heath Cuadro de publicaciones pag 16.

Tabot & Tabot pag 18. 4


Marca Banksy de tagero a artista pag 20.

Portafolio pag 24.

Memoria pag 28. 5


Xenozoic &Roll!

A finales de septiembre se inauguraba en el Casal Solleric la muestra dedicada al creador americano Mark Schultz. En ella pueden contemplarse parte de los originales que componen su obra más conocida, Xenozoic Tales. También algunas de sus portadas e ilustraciones para series y personajes tan populares como Conan, Predator o Alien. Sumen a eso un amplio conjunto de bocetos y un catálogo profusamente ilustrado, que contiene una extensa entrevista con el autor. Como podrán suponer, quienes hemos tenido el honor de participar en este proyecto, nos sentimos especialmente orgullosos de sus resultados.


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Hace ya casi un mes, cuando ultimábamos algunos detalles de su viaje, tuve ocasión de expresarle mi pesar por lo ocurrido en Nueva Orleans. Su respuesta fue más o menos la siguiente: “Sí, la situación allí

es una desgracia. Y es especialmente triste porque la ciencia ya nos había dicho que esto iba a suceder tarde o temprano. Era sólo cuestión de tiempo, pero muy pocos se lo tomaron en serio, hasta que fue demasiado tarde. Así de arrogante se muestra una sociedad en declive”. Ese tono científico-apocalíptico define bien a un autor que ha labrado su carrera mezclando profecías ecológicas sobre posibles desastres futuros, con acabados deudores de glorias pasadas. Esas preocupaciones le llevaron a escribir un argumento para Superman en el que prácticamente predecía lo que ha ocurrido con Nueva Orleans. En esa historia, el héroe se enfrentaba a la disyuntiva de desviar o no el curso de un tornado que amenazaba unas casas construidas sobre terreno ganado al mar. El alienígena favorito de América se preguntaba si los hombres tenían derecho a jugar con la naturaleza a su antojo y si era moral proteger a semejantes inconscientes. Similares discursos encontramos en algunos de sus argumentos para Alien, otra de las series en las que ha colaborado como argumentista y portadista.

Schultz fácilmente podría ser definido como un conservador en lo formal y un radical en lo temático. No es su única contradicción. Su propia carrera parece contada al revés. Desarrollar Xenozoic Tales le llevó diez años. Tiempo que apenas se traduce en un conjunto de algo más de 300 páginas. Piensen que los autores americanos dibujan normalmente más de 200 planchas al año. Es poco incluso para Europa. Si entendemos que los creadores más populares sólo sacan un álbum de 48 páginas al año, en una década tendríamos cerca de 500 páginas. Schultz, por tanto, se tomó su tiempo con esta serie. Hay un gran componente de desafío personal, ya que corrió sus riesgos al dejar un trabajo insatisfactorio pero que le permitía vivir. Su aventura incluía recuperar un estilo clásico de muy difícil

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elaboración y exquisitos acabados, intentando alcanzar las cimas que anteriores autores como Foster o Williamson habían establecido. Pero es que después de esos diez años de trabajo independiente, en los que construye un mundo propio que luego pasará a las consolas de ordenador y a los dibujos animados, deja plantados a sus seguidores y se dedica a vivir de encargos. Encargos como los ya citados guiones para Superman, portadas para series como Aliens o Subhuman y, más recientemente, ilustraciones para libros como Conan el bárbaro. Así que Schultz no se introduce en la industria, se profesionaliza y desarrolla luego una obra independiente, sino justo al revés. Primero establece sus normas y luego las abandona para entregarse a lo que tradicionalmente llamaríamos trabajos alimenticios. Su explicación tiene que ver con todo lo que Xenozoic Tales le exigía. Necesitaba demasiado tiempo para alcanzar los niveles de calidad que deseaba. En la serie entran en juego todos los factores que definen al autor de comics completo. Argumento, dibujo, narrativa, rotulación... Nada escapa a la exigencia de este maniático del control. Evidentemente, es más relajado construir guiones para otros o dibujar portadas o ilustraciones sueltas. Como podrán comprobar quienes acudan al Casal Solleric, el que para el autor resulten más rentables estos trabajos esporádicos, no rebaja un ápice su calidad. Y es que, como ya he señalado, Schultz transita la senda de los grandes clásicos. Para algunos éste es su principal defecto. Su dibujo, de un realismo perfeccionista, no aportaría ninguna novedad y sería deprimentemente conservador en sus intenciones. Claro que para otros, entre los que me cuento, la tradición en la que se mueve es encomiable. Su dominio de los contrastes de blanco y negro, la vitalidad y movimiento de sus figuras, sus exquisitos acabados... Son todas ellas destrezas difíciles de imitar y perfectamente admirables, si nos sacudimos de la cabeza nuestra habitual obsesión por lo nuevo. Obsesión que, como acertadamente han señalado Heath y Potter, los autores de ARebelarse vende@, consigue que sean los más radicales quienes más colaboren en el mantenimiento de un sistema que desprecian, al favorecer el ciclo interminable de nuevos productos. Per-

sonalmente, mi capacidad para rendirme ante las supuestas novedades es cada día más limitada y agradezco la existencia de creadores como Schultz, dispuestos a reinventar aquellos campos de formas que agradan a una mayoría. O eso creo. Más aún cuando esas formas no vienen solas sino acompañando unas aventuras que también pensábamos perdidas. Selvas misteriosas, duros cazadores, dinosaurios, bellas mujeres, civilizaciones olvidadas, tribus enigmáticas... Muchos componentes marcadamente románticos, que, sin embargo, el autor consigue renovar y, en más de un caso, mejorar en su actualización. Como ya he sugerido, en la base de todo su relato está la preocupación ecológica. En Xenozoic Tales se nos cuenta la historia de un mundo como el nuestro, tras un desastre que ha hecho retroceder la civilización millones de años. Eso permite una fascinante mezcla de escenarios y personajes, con cadillacs huyendo de triceratops enloquecidos. También una recurrente discusión sobre las bondades de la ciencia y el descubrimiento, frente a las desgracias que puede provocar una curiosidad mal entendida. Ese necesario equilibrio es uno de los leitmotiv de la serie, pero no su único punto de interés. Sumen a ello unos personajes fascinantes y un nutrido y cuidado elenco de secundarios, un delicado equilibrio entre secuencias de acción e intrigas políticas, entre la reflexión y el movimiento, y empezarán a entender porqué la lectura de Xenozoic Tales ha fascinado a miles de lectores.

Mención especial para sus protagonistas, Jack y Hannah. Dos líderes de sus respectivas tribus y que, más allá de sus marcadas características personales, funcionan como arquetipos de dos maneras de entender el mundo. Jack es el ecologista radical, preocupado siempre por las consecuencias de nuestra relación con el entorno. Y Hannah expresa la curiosidad extrema por lo que nos rodea, la eterna voluntad humana de saber más, explicar y dominar los sucesos que nos condicionan. Lógicamente, cuando se juntan saltan las chispas, en una brillante vuelta a la guerra de sexos que


encontramos en cintas como las del director favorito de Schultz, Howard Hawks.

Un apunte final para los acabados. En su recuperación de técnicas clásicas, el autor se ha ido centrando cada vez más en el pincel. De las posibilidades de la herramienta son buena prueba muchas de sus ilustraciones, donde sobresale especialmente el uso del pincel seco, aplicado primero a fondos, luego a texturas y finalmente a todo tipo de bordes y superficies, consiguiendo en ocasiones resultados tan sutiles que recuerdan a la ductilidad del lápiz. Además, este procedimiento suele ir emparejado con el gusto de Schultz por los motivos rítmicos, por los despliegues decorativos, haciendo de muchas de sus imágenes un auténtico festín visual. La exposición es también una oportunidad única de asomarse a la fase de bocetos del autor. En ellos sorprende especialmente el grado de detalle, cómo los dibujos se afirman desde los primeros acercamientos y cómo las relaciones entre negros y blancos y la composición se definen poco a poco. Por supuesto, también hemos querido que el escaso trabajo con el color esté presente, aunque el propio Schultz se define en ese terreno como un aprendiz. Juzguen ustedes mismos. Mientras aprovechó su visita para recorrer el Torrent de Pareis. Una de sus razones personales para acudir a la isla, era reencontrarse con los escenarios donde se habían filmado algunas de las películas de otro de sus favoritos: Ray Harryhausen, maestro de monstruos animados y otras magias fílmicas. Se sitúa en el corazón de Mark justo detrás de King Kong, que para él es la mejor película de todos los tiempos. Schultz tuvo ocasión de conocer a Harryhausen y contaba con regocijo una sonada anécdota. Estaban entrevistando al maestro en uno de los hoteles más selectos de Paris, en una sala donde todo el mundo hablaba en voz baja y se comportaba de manera refinada. Preguntado el cineasta por lo que se necesitaba para triunfar en Hollywood, respondió, a voz en grito: “¡Lo más im-

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portante es... lamer muchos culos!”. Tras sobrevivir a la dura travesía del Torrente, con el inefable Pau de guía, Mark se divertía imaginando un improbable encuentro con el cineasta. Imitando su imposible y profunda voz, decía: “¿Así que estuviste

allí, eh? ¿Lo hiciste, no muchacho? Eres un tipo duro. Bueno, yo también, pero a mi me llevaba mi equipo sobre sus hombros”.

Mark confiaba también en volver a encontrarse con Caroline Munro, heroína de películas de Simbad, fuente de inspiración de una de sus ilustraciones. Tuvo ocasión de conocerla en una convención y la definía como una dama encantadora. Ahora quería decirle: “Yo también estuve allí”.


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Una charla con Pellejero

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Podemos afirmar que, si es un placer disfrutar con sus dibujos, no lo es menos compartir su amable charla y su serena presencia. Eso hicimos en su casa de Badalona el pasado abril. Respecto a las conclusiones que se puedan deducir de ella, subrayaría una: la relación entre tema y estilo. Aunque un observador exterior podría pensar que el dibujo de Pellejero evoluciona desde dentro, por una lógica de desarrollo interno de las formas, su argumento es el contrario, son las historias que debe contar las que le llevan a estilos diversos. Tal y como él lo plantea, no hay capricho estético alguno, tan sólo una pregunta: ¿cual es la forma más adecuada al asunto tratado? Estas son sus palabras.

Hablemos del salto a Cimoc. Llevaba años colaborando para el mercado italiano, pero empezaron cada vez más a declinar los encargos. Esto, unido a mi deseo frustrado de ver trabajos míos publicados aquí, me llevó a realizar algunas historietas por cuenta propia y presentarlas a las editoriales de Barcelona. Primero me dirigí a Toutain Editor, allí mi trabajo no gustó demasiado, asÍ que me acerqué a Norma, con Historias de una Barcelona. Joan Navarro se mostró interesado en publicarlo en la revista Cimoc. Como seguía trabajando de encargo para Italia no tenía tiempo para encargarme de mis propios guiones, así que me aconsejaron que me buscase un guionista. Fue el propio Navarro quien me presentó a Jorge Zentner.

Además de la evolución gráfica, aparecen ya unos aspectos narrativos en los que va a insistir a lo largo de toda su carrera: tiempos muertos, ciertos alejamientos, viñetas estiradas... ¿En quémedida estaban en el guión o son cosa suya? Este es un tema complicado. Yo aporto mucho a los guiones y por

eso no me gusta particularmente que se premie una obra sólo por el mejor guión o sólo por el mejor dibujo, ya que esta todo muy interrelacionado. En nuestro caso en particular, hay muchísimas imágenes a las que yo he aportado mi propia visión. En el caso de los tiempos muertos, a veces aparecÍan en el guión de Jorge y otras los alargaba yo, no por capricho sino porque creía que era necesario para el buen desarrollo de la historia. A mí me gusta hablar de ese guión invisible que hay en toda historieta y que viene dado por las aportaciones propias del dibujante, sean de tipo narrativo, compositivo, visual... Estrategias gráficas al fin y al cabo que hacen que la historia que estás leyendo funcione o no como tal. Luego esta el propio look visual de cada historia. Tambien, por ejemplo, no sería sin ese caracterÍstico ambiente visual o en todo caso vendría a ser otro muy diferente. Lo mismo podemos decir de Malka, de Lumpen, etc. Son herramientas del dibujante, que afectan al propio guión.

Parece evitar una representación demasiado directa de las escenas de acción. Mi deseo es no caer en la vulgaridad. Algo a lo que el comic es propenso en general, sobre todo en las escenas de acción o de sexo. Me interesa mucho más ese desafío que hay en decir lo mismo pero del modo menos habitual, que escenificarlo tal cual sin ningún tipo de reflexión. No es por mojigatería, sino porque creo que el resultado final puede ser mucho más sugerente.

Los primeros episodios parecen más pensados para el B/N. Sí, sobre todo los cuatro primeros. No tenía esperanzas de que les pudiesen interesar en color. Fueron las portadas, especialmente la primera que salió en Cairo, correspondiente a Juegos de Azar, las que les hicieron pensar que se podía publicar Lumpen en color. Fue premiada en el Salón de Barcelona y entonces se decidió continuar en color, lo que lo hacía más exportable. De hecho el primer álbum había funcionado mal, ya que apenas había mercado para el B/N. Luego se ofreció a Casterman y a


otras editoriales. Coloreé directamente a partir del segundo álbum y cuando, años después, Casterman decidió publicar los primeros episodios en A Suivre, también di color a estos. Lumpen tiene una paleta muy característica, llena de tonos pastel, poco habituales en los tebeos: azul cielo, verdes, amarillo nápoles, violetas... Tiene que ver con la luz, con la búsqueda de una posible realidad. En Malka el color es más expresivo, más acorde con lo que estamos narrando. En Dieter el color por lo general intenta acompañar sin excesiva brusquedad el devenir de Lumpen por los paisajes exóticos por los que deambula. Es como yo lo veía entonces. Sé que los cómics usan normalmente tonos más impactantes, pero yo quería algo que encajara más con la suavidad del tipo de esas historias.

presión propia suya) constantemente para no resultar pesados. Es cierto que es muy importante no aburrir visualmente al lector pero a veces hay que dibujar cosas muy aburridas, como cuatro tipos en una habitación, charlando, plano medio, primer plano, plano medio, etc., etc., porque esto es lo que en realidad necesita esa secuencia para dar efectividad al conjunto de la narración.

¿Cuándo se cansan de Lumpen?

Hablando de color, ¿con que álbum de Dieter se quedaría? Dejando El precio de Caronte aparte.

Es una suma de factores. Ya llevábamos varios álbumes publicados del mismo, las ideas escaseaban, el personaje se había estancado a nivel de ventas, asÍ que tampoco daba para mucho más. Tuvo una etapa muy enriquecedora al principio, con ideas nuevas y con el ímpetu inicial que nos generaba el propio personaje pero ya en El precio de Caronte se aprecia una especie de agotamiento de la fórmula. En ese álbum intentábamos abrirnos hacia otros caminos, más cerrados, con otra intencionalidad, bastante alejados del genero digamos de aventuras exóticas y tal.

Enemigos Comunes aún me sigue gustando mucho. También algunas paginas de Caribe, pero son dos tipos de iluminación muy diferentes. De las historias cortas me quedo con el color de Los pecados de Cupido, quizás la que tiene un color más acertado a nivel narrativo.

El cambio se nota en esas secuencias del álbum tan contrastadas y ese cierto desapego hacia el mismo personaje. El final era un final dudoso... ¿Despertará Dieter? ¿Será todo un sueño dentro de un sueño? ¿Habrá un próximo álbum del personaje?... Nuestros intereses empezaban a ir por otro lado.

En ocasiones ud. resuelve las conversaciones paseándose por el paisaje y olvidándose de los personajes, como en Caribe o en Enemigos comunes.

Hablemos de la importancia del paisaje en Dieter Lumpen y Malka.

A veces Jorge me indicaba diferentes planos para las secuencias en las que habÍa una conversación. Los dos creíamos que de ese modo no se aburría al lector, lo veíamos como un acierto. Pero con el tiempo, y especialmente desde que he trabajado con Denis Lapiëre, he visto que a veces es necesario dar al lector esta sensación de pesadez que a veces puede llegar a generar una conversación. Con Lapiëre he hecho planos muy aburridos de dibujar, pero necesarios para el relato. En Dieter Lumpen, tanto Jorge como yo pensábamos que teníamos que mover la cámara (ex-

Es total. El paisaje es un elemento más para contar, como lo es una silla o los mismos personajes. El paisaje nos envuelve. Yo no lo utilizo porque queda bonito ponerlo, sino porque tiene lógicamente un peso muy importante sobre el carácter de los personajes y los hechos que a veces acontecen. Por citar un ejemplo: en el inicio de El precio de Caronte, comentamos con Jorge las dos primeras páginas. Queríamos indicar el paso del tiempo sólo con las nubes y la luz del día que iba menguando. Aquí el paisaje es primordial en la narración. En El silen-


cio de Malka el paisaje impregna todo el álbum, desde el propio suelo de La Pampa, su horizonte y sus cielos, sin ellos, dudo que se pudiera transmitir al lector la sensación de lejanía que existe en toda esa historia.

Los tonos azules y rojos en Malka parecen tener una clara intención simbólica. SÍ, es cierto, incluso los amarillos, relacionados un poco también con la enfermedad. El rojo es evidente que lleva toda una carga dramática y los azules y verdes están más ligados a escenas apacibles y de cierta espiritualidad. Es una teoría del color quizás un poco simplista, pero en Malka era imprescindible utilizarlos así, con la intención de definir momentos en concreto. Malka es un compendio de toda una trayectoria, de muchos modos de ver las cosas. Dejé salir al pintor frustrado que llevaba dentro. Había visto cosas de Matotti y gente así y me apetecía hacer algo en esa línea. Si ves los bocetos, notarás que estaba explorando diferentes grosores y otras técnicas de color. La pista me la dio la propia historia. Está muy ligada a la tierra, al barro. La técnica del grabado y de las ilustraciones en xilografía, con esos contornos tan gruesos, me dieron las pistas para poder captar esa sensación digamos terrosa que tiene gran parte de la historia. El gouache sobre un trazo más grueso en negro me daba unos valores interesantes, trazaba la línea más gruesa y luego la cubría en parte con el color. Haciendo pruebas descubrí lo de las ceras, que me daban buenos resultados sobre todo para las tierras y las maderas. Me interesaba darle plasticidad al suelo de La Pampa. Había escenas en el guión en las que no había nada para dibujar, me faltaban elementos. Terreno y Malka. Malka en el campo, etc. No había nada. Jorge describía la pampa como una lÍnea. Un arbolito aquí, una valla allá, nada más. Yo pensaba ¿Qué le pongo ahí?... No podía hacerlo como en Lumpen.

¿Por qué el abandono del color en Tab’? Inicialmente Joan Navarro se interesó por el proyecto y llegamos a hacer incluso unas pruebas en color para él, pero Casterman deseaba editar una colección de álbumes en B/N y nos propuso que participáramos. Teníamos ya el guión muy digerido y yo particularmente deseaba descansar un poco del uso del color, después de mi experiencia con Lumpen y Malka, preferí hacerlo en B/N. En las pruebas previas que realicé vi muchas posibilidades gráficas de cambio y de fuerza visual, que no había visto en las pruebas de color anteriores para Navarro. Al respecto debo decir que estoy mucho más satisfecho con la edición en castellano de Tab’ que con la francesa. El álbum ha gustado más aquí que en Francia. El formato de Glénat, con su tapa dura, fue mucho mejor que el de Casterman, más pequeño y en rústica.

No varía prácticamente la estructura de página hasta Romm, que resulta bastante chocante por eso. ¿A qué obedece ese cambio? Lo veíamos así. Como algo muy visual, mucho más que Malka. Malka es muy visual, pero en Romm, nuestra intención era intentar ser espectaculares. Barajamos pocas viñetas por página, formatos grandes e intercalar viñetas con un concepto más ac-

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tual. La influencia del cómic americano e incluso del manga está presente, si bien de un modo muy tímido. Intentamos a nuestra manera añadir elementos visuales más novedosos con respecto a anteriores trabajos, pero siempre con una funcionalidad narrativa. Cada historia tiene sus propias recetas. Tab’, por ejemplo, hablando en términos cinematográficos, estaría más cercana al cine independiente y Romm a un film de gran presupuesto.

¿Le supone un esfuerzo dibujar? Por supuesto. Si dibujase lo primero que surgiera de mi cabeza, lo tendría más fácil, pero no sería lo mismo, me acercaría más al trabajo a destajo. El esfuerzo está más en la reflexión durante el trabajo que en el dominio del propio dibujo o trazo. Además, no me considero un buen dibujante de tipo realista. Mi anatomía es la justita para desenvolverme. Funciono mejor en rostros de personajes que en figuras. En planos generales se me da bastante bien la figura. Y los decorados y paisajes me gusta hacerlos. Como el cómic no es sólo dibujar figuras, utilizo mi astucia. Tienes el enfoque, el color, el plano, el corte de plano, la ambientación. Yo he tenido que recurrir a estos otros elementos.

Después de Lumpen, sorprende la variedad de géneros que aborda. Parece que sea un todoterreno ¿verdad? Esa pregunta inquieta porque a veces puede cuestionar si uno tiene o no personalidad. Yo sólo deseo llevar a buen puerto una serie de historias que me puedan interesar. A mí de un guión me atraen los personajes y la historia en sí. Jorge me ha ofrecido guiones que a veces no me han interesado en absoluto. Otros dibujantes los han hecho más tarde y mejor que yo y no pasa nada. A veces ciertos elementos visuales me pueden proporcionar un reto gráfico que me apetece y esto es suficiente para que acepte dibujar esa historia. No soy un dibujante obsesionado por un tema en concreto. Si hubiera seguido con un personaje fijo, mi obra estaría más definida y catalogada, pero también es cierto que el componente que me estimula la creatividad estaría metido en un cajón.

Después de tantos años colaborando con Zentner, ¿Cómo fue la experiencia con Lapiëre? Muy positiva. Personalmente Denis es encantador, muy abierto. Profesionalmente ha sido una etapa más, un cambio en muchos aspectos, de mejora, de tranquilidad y asentamiento en el mercado francés. Ha sido un poco como volver a empezar, pero con la diferencia de que él conoce muy bien el mercado francés. Su modo de narrar es mucho más clásico, algo a lo que el lector francés está más acostumbrado. No investiga tanto en la forma de narrar la historia como lo podía hacer Jorge, pero sí que sabe desarrollarla y finalizarla de un modo coherente y con emoción. Describe muy bien las relaciones entre los personajes, sus sentimientos, sabe cómo llevarlos a buen puerto a lo largo de toda la historia. Quizás no es tan creativo ni personal como Jorge, no investiga tanto. Jorge intenta en cada guión aportar su toque, su idea particular. Denis utiliza conmigo su vertiente más íntima y sutil. Tiene en el mercado francés varias series digamos populares, pero de vez en cuando colabora con otros dibujantes, desarrollando proyectos concretos.

El dibujo en este álbum transmite una gran convicción. ¿Supone un resumen de todo lo aprendido en trabajos anteriores? Siempre arrastras lo aprendido en otros trabajos. De todos modos, muchos de mis planteamientos anteriores a la hora de enfrentarme con un álbum, no me servían con Denis. El aspecto visual pasa a un segundo o tercer plano y sus diálogos y textos hacen que todo mi esfuerzo se centre básicamente en los personajes y sus actitudes. Por ejemplo, Denis utiliza mucho secuencias largas de conversaciones en lugares cerrados y esto me obliga a crear un ambiente fijo durante varias viñetas. Cuando miras el álbum, el trabajo no parece tan dispar como en otros que he realizado. No hay esas rupturas de secuencias tan marcadas, como en Malka. El devenir de los acontecimientos es mucho más tranquilo. Esa lentitud de Denis es admirable, te va metiendo poco a poco dentro de los personajes. Los humaniza, permite que los hagas tuyos y te emociones con ellos.

Del folletón al culebrón. Hacía ya tiempo que no sabíamos nada de Rubén Pellejero, un gran dibujante caracterizado por la elegancia de su trazo y la armonía y sensibilidad de su color. Tras muchos años colaborando con Norma, sus últimos trabajos habían sido traducidos por Glénat y ahora es Astiberri quien edita estos dos volúmenes que han titulado En Carne Viva. Toda nueva obra de Pellejero es siempre una buena noticia. Aquí recrea la vida de un desgraciado pintor en el bohemio París de finales del XIX. La narración se inicia durante los últimos días de la Comuna, en uno de los escenarios más literarios de la ciudad de la luz, el cementerio de Pere Lachaise. Luego sigue las peripecias del hijo deforme de un carnicero, dotado con una extraordinaria habilidad para el dibujo. Su carrera como pintor despega cuando conoce a la bella Mathilde, pero luego todo se complica. Por un lado él sufre por un amor no correspondido y por el otro el motor de la historia es una sórdida intriga familiar, que no será desvelada hasta el final. El guión falla a causa de su tortuosa estructura folletinesca. Supongo que desean rendir un homenaje a las clásicas novelas por entregas, actualizadas. Pero eso no justifica todas las vueltas, idas y venidas, deambular de personajes y citas misteriosas dedicadas a algo no especialmente dramático. Creo que el personaje central está muy bien construido y su relación con esa musa inalcanzable resulta verosímil y enternecedor. Incluso me parece conmovedora esa brevísima escena final en que se encuentra con el pariente que padece la misma minusvalía que él. Pero así como esa secuencia funciona por su sencillez e intensidad, el desarrollo general fracasa por aparatoso y prolijo. Una mayor simplicidad en la exposición de los hechos habría mejorado mucho el resultado final. Simplicidad como la que sí consigue Pellejero con su dibujo, sin duda la gran baza de este trabajo y la razón por la que deberían comprárselo. En este caso, la técnica elegida, esos grises que aplica con la línea y sobre los que luego pinta, rebajan su luminosidad, aportando una sensación de pesadez general, un clima un poco opresivo. Contiene mucho su gama cromática y prácticamente sólo juega con dos o tres variantes, sobre todo en diálogos de amarillos-marrones, pero también en suaves entonaciones grises y algunas estridencias de color muy medidas. Como siempre, es un verdadero placer contemplar la modulación de su línea, todo nervio y sensualidad. Es un trabajo de dibujo grandísimo, magistral, con una retícula de viñetas muy contenida y eficaz.

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Talbot & Talbot Este año hemos podido disfrutar con la traducciÓn de dos obras de uno de nuestros autores favoritos. Además, una de ellas la realiza en colaboración con su esposa Mary

Hijas de papá. Esta obra de Talbot y su mujer Mary viene a rellenar ciertos aspectos que Alfonso Zapico no pudo alcanzar en su monumental trabajo sobre Joyce. Si en Dublinés se nos explicaba cómo la hija de Joyce había acabado internada en un psiquiátrico, aquí los autores se centran en esa historia y es Joyce el que acaba convertido casi en un personaje secundario. Mary Talbot es una experta en las cuestiones de género en la literatura y los medios de masas pero el volumen no se queda en la biografía de Lucía Joyce. También nos explica la relación de su autora, Mary Talbot, con su padre, un conocido experto en Joyce. Quien con estos antecedentes espere un árido tratado feminista, que reivindique la creatividad de la hija de Joyce y denuncie el autoritarismo falocrático del Sr. Atherton, se sentirá decepcionado. Por el lado de Joyce, más de lo mismo. Como Zapico ya había apuntado el creador irlandés se consideraba poco menos que el centro del universo, así que no nos extraña que permaneciera ciego frente a los deseos y aspiraciones de su hija. Ésta, atrapada en pleno ciclón modernista, cree poder participar de las nuevas vanguardias con su danza y su expresión corporal. Por el camino los Talbot ofrecen un brillante y colorido vistazo a una época y unos personajes sin duda fascinantes. Pero resultaba difícil participar en esas iniciativas siendo una mujer y no se nos ahorran ejemplos del desdén con que Joyce y su mujer trataron los anhelos de Lucía, hasta volverla literalmente loca. En paralelo Mary Talbot nos cuenta su infancia y adolescencia hasta la muerte de su padre, un tipo gruñón que aparentemente siempre estaba enfrascado en el trabajo y que apenas prestaba atención a sus hijos. Los Talbot exploran las similitudes entre el padre ausente y el escritor, tema central de la investigación del prim-

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ero. La historia se cierra con un cierto descubrimiento de una figura incomprendida y que era muy apreciado por sus alumnos, que lo recordaban inspirador, simpático y brillante, una imagen que contradecía los recuerdos de Mary. Bajo la apariencia de sencillo entretenimiento, con su dibujo rápido y la ligereza de su narrativa, nos encontramos frente a una obra mayor. Una inteligente reflexión sobre las siempre complicadas relaciones entre padres e hijos. Pueden llegar a ser dramáticas, como en el caso de Joyce y su hija, o simplemente difíciles, marcadas por la ironía y el duelo intelectual. Por el camino descubrimos facetas de la vida en Inglaterra en los cincuenta y cómo Mary y Bryan se conocieron y aprendieron a quererse, en contra de ciertas suspicacias paternas. Es una historia inteligente, sensible y muy bien construida.

Animal Fiction Hace ya algunos años que Talbot comenzó su serie Grandville y en la actualidad está culminando su tercer volumen. Así que celebro esta entrega de Astiberri y espero que pronto publiquen su continuación. El autor exhibe su virtuosismo narrativo mientras levanta con aparente facilidad un universo alternativo primorosamente coherente, tan familiar como extraño, fascinante y brutal. No es la primera vez que se asoma a los relatos de animales parlantes, ya realizó una entrañable cita a Beatrix Potter en su Historia de una rata mala. Pero allí los bichitos eran una salida fantástica que puntuaba la dramática historia central. Aquí son los protagonistas y claramente el británico se lo pasa bomba con ellos. Las fábulas con animales siempre contienen alg˙n elemento moralizante, nos reconocemos en esas bestias y en las virtudes o defectos que les atribuimos. Talbot juega con ellos para ofrecernos un reflejo distorsionado de nuestra sociedad pero


también juguetea con algunos “famosos”. Introduce algunos conocidos comparsas, como Mil˙ y otros clásicos de la bedé francobelga y los lanza a un escenario con guiños extraídos de una enloquecida belle epoque, donde una Inglaterra y una Francia alternativas se debaten en conflicto, mezclado todo con peculiares gadgets primitivamente mecánicos hasta construir un perfecto universo steampunk. Como ocurría con otro de sus personajes, Luther Arkwright, al despreocuparse del rigor histórico y la “realidad”, puede centrarse en los dramas y las pesquisas de sus héroes, desarrollando sus personalidades y permitiéndonos acompañarlos y descubrir con ellos los misterios que se van desvelando, como en la mejor novela clásica de detectives. La pareja formada por el inspector Lebrock de Scotland Yard y su adjunto Ratzi podría recordarnos al venerable Holmes. Pero pronto Talbot nos demuestra que su protagonista, aunque no desdeña la de-

Mary M. Talbot y Bryan Talbot La niña de sus ojos La Cúpula. Barcelona, 2012. 104 páginas, 18 euros.

ducción y la reflexión que acompañan a cualquier buen investigador, también está muy dotado para la acción. De hecho el autor marca el tono desde la primera se-

cuencia, esa trepidante persecución entre cachivaches de vapor, con una lamentable tendencia a explotar. No es gratuito que Talbot presente sus respetos al final del libro a Conan Doyle, el oso Rupert y a °Tarantino! Sin llegar a las humorísticas dosis de violencia que caracterizan al director americano, los bichos que pueblan Grandville son proclives a la acción, a intercambiar disparos y mamporros. Y aunque se nos cuenta la clásica historia de conspira-

ciones con intrigantes situados en las más altas esferas de una sociedad corrupta, el ritmo nunca decae ni se nos aburre con largas explicaciones. En Grandville pasan cosas constantemente y es un entretenimiento fenomenal. Como siempre, servido por el sólido dibujo de Talbot, riguroso con todos los detalles y preciso en la descripción de fondos y personajes. El color es quizás más denso de lo habitual, con un cierto predominio de los tonos oscuros. Algo que, sin embargo, se olvida en cuanto nos ponemos a leer, sin duda por su adecuación a lo narrado. En fin, no considero Grandville una obra de la trascendencia de anteriores entregas de Talbot, como su emotiva Rata mala o su cercana, moderna y compleja Alice in Sunderland. Pero no es un trabajo menor, al contrario es un tebeo trepidante que una vez iniciado no se puede abandonar, el divertimento de un gran maestro.

Bryan Talbot Grandville. Astiberri. Bilbao, 2013. 104 páginas, 16 euros.

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Marca Banksy

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¿cómo el artista pasó de subversivo a ser parte del mercado? Antes era un taggero conocido como Robin Banx, luego descubrió la eficiencia del esténcil que lo catapultó a la fama. Hoy en día las obras del graffitero Banksy están valuadas en miles de dólares. Aquí revisamos un poco de su trayectoria. Banksy dejó de realizar graffitis a mano alzada a comienzos de los 90’s, cuando descubrió que los esténciles eran más “rápidos, limpios, frescos y eficientes”, como él mismo dijo en una entrevista. No le importó que a otros artistas en Bristol lo consideraran trampa. “Desde que corté

mi primer esténcil, podía sentir el poder ahí. Su crueldad y su eficiencia son perfectas”. Hoy en día sus obras están valuadas en millones y sus exhibiciones se llenan aunque no haya publicidad. Hoy uno puede incluso conseguir un vinilo de los más famosos esténciles de Banksy y colocarlos en su propia casa. De un hombre subversivo, pasó a ser un producto más del mercado. ¿Cómo fue que un artista logró tal cantidad de fama? Toda la trayectoria de este graffitero está desentrañada en el libro Banksy: The Man Behind the Wall, de Will Ellsworth-Jones. Es un libro qrtue no está interesado en revelar la identidad del graffitero, sino en la trayectoria de este artista y cómo pasó de ser un taggero antes

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conocido como Robin Banx a crear toda la marca Banksy. Comenzó con la idea de mostrar obras a un grupo demográfico que no visitaban las galerías de arte. Banksy y su antiguo representante, Steve Lazarides, posteaban en su blog fotografías de las nuevas obras, antes de que las autoridades borraran la pintura. Si una obra causaba mucho interés, la imprimían y vendían en hasta £10. Eventualmente las galerías comenzaron a comprar su trabajo. Cuando sus ventas crecieron, Banksy y Lazarides comenzaron a vender las obras exclusivamente en la galería de Lazarides y a través del sitio de Banksy. Anunciaban la fecha de lanzamientos y al poco tiempo los fans acampaban fuera de la galería para comprar una impresión.


“Lo que hicieron Banksy y Lazarides fue crear un mercado para el arte callejero cuando no antes no existía”, escribe Ellsworth-Jones. Desde 2002, las primeras obras de Banksy, como “Rude Copper” han pasado de £40 ($62 dólares) hasta unas £13,000 (poco más de 20 mil dólares). Sin embargo, Banksy parece haber llegado a una encrucijada: “su rebeldía dis-

minuye mientras sus precios aumentan”,

dice Ellsworth-Jones. “Parece haber lle-

gado a un punto donde quiere permanecer en la subcultura, pero su éxito le hace casi imposible volver”.

Por si fuera poco, su documental Exit Through the Gift Shop le ganó una nominación al Óscar, pero también miles de detractores, pues la figura protagonista no fue popular, por más que la cinta lo presentara bajo un enfoque paródico. Lo cierto es que esta película está llena de virtudes, pues refleja un método de manipulación, en el que convierte a un nadie (Guetta) en un famoso artista (Mr. Brainwash). Banksy ha declarado: “No

estoy interesado en convencer a las personas en el mundo del arte que lo que hago es ‘arte’. Estoy más preocupado

por convencer a las personas en la comunidad del graffiti que lo que hago es realmente vandalismo”.Como ya hemos

comentado anteriormente es quizá el artista callejero más famoso y sus esténciles pueden ser encontrados en todo el mundo. Con la gran reputación tiene que haber coleccionistas de arte sumamente interesados en su obra. Incluso, recientemente fue robada una pieza de Banksy que se encontraba en la calle y de pronto apareció en el catálogo de una subasta al otro lado del mundo. Quizá para algunos tener un Banksy privado sea un placer admirar la destreza mental del artista en su living room pero ¿que no la esencia de su obra radica en la habilidad que tiene para provocar reflexión ante el espectador? ¿Realmente vale la pena convertir a Banksy en un artista de galería? Tal vez mientras la obra de Banksy sea adquirida de manera legítima —no como el caso de la subasta de Miami— y mientras el artista siga produciendo arte urbano accesible a todo el mundo, no está mal tener un Bansky privado, pero no deja de parecer un acto que extrae “el alma” de la obra. Una vez en esta encrucijada, nos preguntamos ¿cuál será su siguiente paso?, ¿podrá seguir renovándose? Lo que es seguro es que Banksy seguirá dando de qué hablar por muchos años más.

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Portafolio Abarcando el curso academico 2012/13, hemos ido realizando una seri de trabajos, para poner a prueba nuestra sensibilidad visual, tanto en el aspecto del color como en el de la forma y su diseño. Con la ayuda de projecciones diversas de varios artistas reconocidos mundialmente, hemos ido avanzando y recogiendo conocimentos que quedan plasmados en los siguientes trabajos.

1. Práctica de color 1 y 2. El profesor entrega un dibujo en escala de grises que debe ser coloreado como introducción y práctica de coloreado en Photoshop. Realizando el ejercico se abordarán problemas básicos como el coloreado con capas, el empleo de selecciones, la relación entre tamaño y resolución, los modos de color y otros.

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2. Variaciones de color. Sobre un formato DINA3 vertical, repetimos 6 veces un cuadrado de 12 x 12 cm. con el mismo dibujo de línea. En el dibujo deberá verse a un personaje sentado frente al mar con una copa en la mano y una botella sobre una mesa a su lado. Tras él se ve un muro o balaustrada, un árbol y al fondo el mar con unas nubes. El dibujo se escanea y se emplea como práctica de color.

Luis Castaño 1ºI.

En las diversas variaciones se emplearán únicamente una tectinca por cada viñeta, la primera debe ser con tonos cálidos, la segunda sólo tonos fríos, la tercera los tonos estarán muy saturados, la cuarta todos desaturados, menos uno ya finalizando en la quinta se jugará con la iluminación, empleando un foco de luz que provocará sombras duras en la escena y por ultimo la viñeta final debe servir como práctica de modelado total, eliminando línea y buscando la suavidad entre las transiciones de un color al contiguo.

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Luis Castaño 1ºI.

3. Escala de Iconicidad. Sobre un formato DINA3 horizontal, incluir 8 cuadrados de 9,5 x 9,5 cm., en los que se realizará una escala de iconicidad partiendo de un animal previamente acordado. Se partirá de una imagen muy realista, que se irá simplificando hasta llegar a una imagen que sirva como pictograma. Todas irán a color y se valora la variedad y diferencia entre imágenes, el orden y la limpieza en la presentación, así como la calidad de cada uno de los pasos, entendido como dibujo aislado.

4. Práctica de composición. El profesor entrega una imagen y unos textos referidos a la imagen, que deberán distribuirse en un formato predeterminado (47x68 cm). El ejercico consiste en maquetar una pagina para dar a conocer la informacion sobre la exposicion de dicha obra entre otras.

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75 Años de

l Príncipe V aliente

Seguramente no existe otro venerado y reeditado desde personaje de comic en el remoto tan año de 1937, sus ya lejanos orígen es que muy pocos han sidocomo El Príncipe Valien es, tiempos muy te y capaces, al recientes, de menos hasta todo lo relaci onado con esteescapar del ghetto en el inmerso. Hay que medio adem ás otra cosa de expresión estaba ción cultural interesante, de la valorala recuperació los personajes de comic Oro”, es decir n de los grandes héroe s se inició con s Valiente, pero los personajes de la épocade la “Edad de belleza de susésta se basaba ante todo de El Príncipe no reconocer dibujos. Había que ser en la innegable un cenutrio la para y tantos otros, belleza de los dibujos de por otro lado. pero la valoración de Alex Raymond sus Sin historias iba emba rgo en El Prínc pronto se recon ipe Valiente valor destacableoció que no sólo sus muy dibujos tenían muy superiores , sino que sus histor ias y textos un a lo que norma eran un “tebeo”. lmente se esper aba de Hal Foster, el a finales del padre de la criatura, nació XIX y se sintió por dos cosa: desde muy en Canadá 1910 se marchla vida en la naturaleza joven atraído jo y tras desar a a Estados Unidos en y el dibujo. En busca de trabafue boxeador rollar diversas ocupacione y buscador de s, parece que lugar en el escal oro, acabó trando catálo ón más bajo del dibujo encontrando un gos publicitario, años deslumbran de venta por corres iluspondencia. tes para un nuevo nacido en las medio de expreEran Los comics, paginas de los diarios sión y llamado comic como sicamente cómic su propio nombre indica . os pero a princi ba, gunos dicen pios de los eran báque como conse treinta, comenzaron a aparecer otras cuencia de la crisis del alaquellas relaci 29, temáticas, esta tesitura onadas con la aventura especialmente Foste y la fantasía. tino a los diario r fue llamado para realizar con En s una pecul desboga Tarzán iar adaptación de del muy en para ser consi los Monos, quizás con demasiado texto La experienciaderado un comic de pleno comics, ahora fue un éxito y dio origen derecho. sin embargo ya sí, protagonizada por a una serie de Foster no parec dicho do con este ía demasiado personaje, nuevo se a otras cosas medio y prefirió dejarl entusiasmao para dedic volver al perso , aunque pasado un artiemp se encontró naje. Supongo que, como o acabó por con una oferta se comic seguí que no podía suele decir, a traba un mediosin interesarle especialme rechazar. El a poco fue camblimitado y bastante tontor nte, lo enconllegar a la concl iando su opinión sobre rón, pero poco el usión mism de o, hasta que ofrecía que inicialmente unas tener un contro no había visto… siemp posibilidades re que pudie l sobre su obra tos, no se olvide se que en aquel recía imposible. que Foster era un recién los momenAsí que Foste llegado, paa la cabeza r se lía la y ture Syndicate, se pone en contacto manta la manta con la King FeaHearst, princi propiedad del mítico Willia pal distribuidor m Randolph la que ofrece un nuevo perso de comics del momento le reconozca a naje, siemp la Se llega a un propiedad y el control re y cuando se sobre el mism acuerdo a pesar Foster se consi o. de que las mento, parec deraban desmesuradas peticiones de e admirase el ser que el hecho de que en aquel motrabajo de Foste el propio Hears el 13 de Febre t r influyó en la decisión, dominical (1) ro de 1937 se publica y la de prime El Príncipe ra pagin en las andan zas de un adoleValiente, historia centra a rey sin reino, da scente nórdic que llero en la Corte aspira a lograr las espue o, hijo de un que, a día de del rey Arturo. Se inicia las de cabauna Epopeya Príncipe Valien hoy, aun continúa. El gran éxito de te pronto propic dios. Ya en El ió su pase a el otros mepresupuesto año 1954 se hizo una sobre sus andan película de gran común en la zas lo que distab época -cuan a de solía ser en do producciones se llevaban tebeos al ser rigida nada cine decididamente menos que humildespor sólo el princi pio. El Prínc Henry Hathaway y eso diipe Valiente varias adapt fue ha acion personajes reales es al cine y a la televisido objeto de sión, como en dibujo tanto en se han escrit s animados, o sobre él otros tebeos. novelas, hecho juego s de Rol y hasta Pero lo más ha reeditado importante es que la obra una de Foster se tiempos recien y otra vez a lo largo de tes hemos fidelísimas reedic podido gozar los años. En de grandes iones tanto en Europa, y en Estados pero Unidos como la de los afortu ninguna experiencia es en los diario nados mortales que pudie comparable a s con los extrao en su, hoy impensable, ron disfrutarlas tamañ rdinarios colore podido ver s de la época o original y esas dada que sea, paginas cualquier reedic . A quien ha original.Y esa ha de parecerle un reflejo ión, por cuidesvaído del aprovechan es la experiencia que do que estam les personaje, poder os en el 75 proponemos, anive disfrutar de selección de la contemplac rsario del las ión de una una generación mismas páginas que deslumbraron da. Si les intere de lectores y dieron lugar a san los comic esta es una s, si les gusta a una leyenocasión que no pueden perden los tebeos, es de las que se dan todos rse pues no los días.

1) Los comics de los periód uno todos los icos se publica días consistente ban en dos diaria”- genera formatos, en una tira -de lmente distribu ahí Los Domingos ida en tres viñetas el nombre de “tira se tiraba la en blanco y casa por la más famoso negro. ventan s gozaban de una página entera a y los personajes media) a todo color, eran las y mayor parte páginas, o planch verdadera (a veces de las series as, dominicales. se publicaban algunas como La en ambos format El les, lo que permit Príncipe Valiente sólo tuviero os, pero ía un mayor cuidado y contro n páginas dominical por parte del autor.

XXXVI Salón

Sala de Expo siciones: Sala (Centro Cultu 1 ral Material que “Antiguo Instituto” - Gijón ). la integra: más de prensa en color de la genia de 60 páginas originales Fechas: del l creación de 1 al Harold Foste r nes 1 a las 12h. 24 de octubre de 2012 . Inuguració n luHorario: de lunes a viern es de 18 a 21 14 y de 18 a / sábados de 21 / domingos 11 a de 11 a 14

Internacional

del Cómic del

Principado de

Asturias / Gijón

/ Octubre 2012.

TM and © King

Feautures Syndic

ate, Inc.


5. Colección de libros. Se realizarán tres portadas (con contraportadas y lomos) con tres novelas diferentes de un mismo autor clásico. En cada portada deberá figurar el nombre del autor, de la obra y de la editorial (editorial + primer apellido del alumno). Las ilustraciones seran de factura propia. Se valorará positivamente la utilización de los efectos de profundidad o relieve que facilitan las opciones de capas en Photoshop y la sensación de colección, alcanzada a través de la composición, el estilo de dibujo, la tipografía o el color.

7. Logotipo El ejercicio trata de diseñar los sellos del Consejo Regulador de la Sobrasada de Mallorca. Se han de diseñar dos sellos: - Uno para la sobrasada de Mallorca. - Otra para la sobrasada de Mallorca de Porc Negre. De acuerdo con las siguientes premisas: “El disseny s’ha d’entendre per sí mateix i ha de denotar que es tracta del segell d’identificació de la sobrassada de Mallorca”. Haurà d’incloure necessàriament la llegenda: “SOBRASSADA DE MALLORCA”. També haurà de comunicar qualitat i autenticitat de producte mallorquí.” La medida del sello depende de sus aplicaciones. Puede llegar a reducirse mucho con lo que su legibilidad en formatos pequeños es importante. El rojo ha de ser el color dominante y se valorará una utilización mínima de tintas.

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minion pro 103pt

MEMORIA 30

A lo largo de este projecto de revista, hemos ido abarcando un poco todos los temas tratados a lo largo del curso, para poder ponerlos en practica todos en este laborioso trabajo. Desde las practicas de color, hasta el estudio y realizaci贸n de una marca, podemos ver como todo es elavorado por nosotros a traves de estas paginas. Textos adaptados de forma y color

Distintivos de colores


Para darle un caracter personalizado y interesante a la revista, he tenido que decidirme entre varias opciones de caracteres, estilos de parrafo, diseño interno de la revista.... Empecemos por los cimientos!

Textos diferenciados por su estilo

La primera decision a tomar fue como distiguir los diferentes articulos, documentos, etc, que nos encontramos dentro de la revista. Para ello he echo una clara distinción entre los articulos, elavorados en tres columnas y la entrevista, elavorada en dos. Otro toque que nos hace una clara distinción de donde empieza y donde acaba un articulos los los colores de fondo de pagina, que nos van giando a través de las paginas. Otra de las decisiones importantes es la selección del cuerpo y del tipo de letra que se emplea en cada texto. La elección no ha sido tomada a la ligera. Con la idea de hacer una lectura mas amena y menos pesada he elegido un tipo de letra de palo seco para el texto con más extensión en la revista, como es el texto corrido y los titulos de los articulos. Por otra parte el texto seria demasiado aburrido siempre igual, por esa razón hay entradas donde el texto si tienen serifas y otros donde variamos su espaciado y su interlineado. Las tipografias utilizadas són: Helvetica, Arial, Arial Black, MinionPro y Times New Roman. Podemos encontrarlas con diferentes tamaños, algunas en negrita y tambien en cursiva. La maquetación de las paginas ha venido dada gracias a la extensión del texto y la variedad de imagenes. En todo momento el texto ha sido revisado y analizado para darle ese caracter mas interesante mediante los estilos de caracter y de parrafo anteriormente hablados. En algunos casos hemos podido encontrarnos disputas internas para tal de poder encuadrar las imagenes alrededor del texto sin darle esa sensación de pesadez o rigidez. Otro caracter importante ha sido el equilibrio interno de cada hoja, por ello hemos usado los recursos de aprendidos a lo largo de todo el curso. Finalmente este ha sido el resultado.

Documentos diferenciados por su fondo equilibrio texto e imagen

Estilos utilizados en el projecto:

TITULO1 TITULO2 INTRODUCCIÓN1

INTRODUCCIÓN2

INTRODUCCIÓN3 DESTACADOS

NOTAS

arial black 28pt helvetica 13pt arial black 12pt arial black 18pt times new roman 14pt times new roman 12pt

CUERPO

helvetica 9pt

ANOTACIONES

arial narrow 8pt

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Resvisa2lc