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El dibujo técnico y la tecnología del momento El dibujo técnico es un sistema de representación gráfica de diversos tipos de objetos, con el propósito de proporcionar información suficiente para facilitar su análisis, ayudar a elaborar su diseño y posibilitar la futura construcción y mantenimiento del mismo. Suele realizarse con el auxilio de medios informatizados o, directamente, sobre el papel u otros soportes planos. Es la representación gráfica de un objeto o una idea práctica. Esta representación se guía por normas fijas y preestablecidas para poder describir de forma exacta y clara, dimensiones, formas, características y la construcción de lo que se quiere reproducir. El dibujo técnico engloba trabajos como bosquejos y/o croquis, esquemas, diagramas, planos eléctricos y electrónicos, representaciones de todo tipo de elementos mecánicos, planos de arquitectura, urbanismo, etc., resueltos mediante el auxilio de conceptos geométricos, donde son aplicadas las matemáticas, la geometría euclidiana, diversos tipos de perspectivas, escalas, etc...

La historia del dibujo técnico se inicia gracias a la necesidad de grafismos o dibujos. Las primeras representaciones que conocemos son las pinturas rupestres, en ellas no solo se intentaba representar la realidad que le rodeaba, animales, astros, al propio ser humano, etc., sino también sensaciones, como la alegría de las danzas, o la tensión de las cacerías. A lo largo de la historia, esta necesidad de comunicarse mediante dibujos, ha evolucionado, dando lugar por un lado al dibujo artístico y por otro al dibujo técnico. Mientras el primero intenta comunicar ideas y sensaciones, basándose en la sugerencia y estimulando la imaginación del espectador, el dibujo técnico, tiene como fin, la representación de los objetos lo más exactamente posible, en forma y dimensiones. Hoy en día, se está produciendo una confluencia entre los objetivos del dibujo artístico y técnico. Esto es consecuencia de la utilización de los ordenadores en el dibujo técnico, con

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ellos se obtienen recreaciones virtuales en 3D, que si bien representan los objetos en verdadera magnitud y forma, también conllevan una fuerte carga de sugerencia para el espectador. Época primitiva y antigua: Aún antes de convertirse en Homo Sapiens, el hombre demostró talento para pintar. Las denominadas pinturas rupestres encontradas en las paredes de algunas cavernas son testimonios de ese talento. El hombre primitivo solía pintar figuras de animales o de personas con extraños atuendos o a grupos de hombres cazando a algún animal, porque tenían la creencia de que la representación gráfica de la acción le daría suerte en la cacería. Las pinturas prehistóricas constituyen documentos De incalculable valor, porque de ese modo narró su historia el hombre que no conocía la escritura. Desde su aparición sobre la tierra, el hombre a tenido la necesidad de comunicarse con sus semejantes basado en dibujos. De esto tenemos vestigios de pinturas y grabados Rupestres en Altamira España y en las Cavernas de Lascuax, en Francia, además los podemos encontrar también en diferentes puntos al norte de Europa y en el norte de África. La primera prueba escrita de la aplicación del Dibujo Técnico tuvo lugar en el año 30 a.C., cuando el arquitecto Romano Vitruvius escribió un tratado sobre arquitectura en el que dice, “El arquitecto debe ser diestro con el lápiz y tener conocimiento del dibujo, de manera que pueda preparar con facilidad y rapidez los dibujos que se requieran para mostrar la apariencia de la obra que se proponga construir”. Luego continúa discutiendo el uso de la regla y de los compases para las construcciones geométricas, para el trazado de la planta y la elevación de un edificio y para dibujar perspectivas. Época clásica y edad media: Al alcanzar la civilización las imágenes y dibujos se transformaban en símbolos abstractos así del arte de la imagen, nació el arte de la escritura. Los dibujos siguen siendo unos de los principales apoyos pues ya no se construyen pirámides sino palacios, coliseos y templos calculando desniveles y cimentaciones, como Hipodamo de Mileto, en Grecia introduce el trazado en cuadricula, así como los Romanos el Trazo del Arco. Donde manifiestan sus costumbres en vasijas, ánforas y cerámicas, dibujadas en diferentes formas, caladas, pintadas, así como relieves. Aún en la Edad Media, el dibujo deja huellas en sarcófagos, criptas, cúpulas y pergaminos religiosos, usando en esta época el trazo en Isométrico para la construcción. El arte de la Edad Media es esencialmente religioso, aunque haya producido obras maestras de carácter profano.

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El tipo de letra empleado, se denomina en general escritura gótica, pese a que tiene muchas variantes locales y regionales. Siendo una de las más comunes: la escritura carolingia; ésta consistía en una derivación de las mayúsculas romanas.


Época del renacimiento: El Renacimiento comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se utiliza como base de la pintura. Entre los representantes más significativos del Renacimiento, podemos destacar por sus majestuosas obras pictóricas a Sandro Botticeli, Miguel Ángel Buonarroti, Durero, Tintoretto, El Greco, Leonardo de Vinci y Rafael Sanzio. En las artes plásticas, se producen un cambio principalmente en las pinturas de Giotto que se esforzaba por dar a las figuras formas corpóreas y a los paisajes, dimensiones y profundidad. Este es el punto fundamental que caracteriza el arte Renacentista. Es la ilusión del claroscuro (luz y sombra) y a la perspectiva. La teoría de las proyecciones de objetos sobre planos imaginarios de proyección no se desarrolló sino hasta la primera parte del siglo quince, y su desarrollo se debe a los arquitectos italianos Albe Brunelleschi y otros Época contemporánea: El dibujo es una actividad que está debajo de casi todas las actividades humanas. La imagen que nos representamos del mundo es un dibujo que mentalmente nos hacemos de él para ordenarlo, para ponerle cotas y entenderlo. La escritura misma está hecha con letras que son dibujos sobre los soportes que se nos antojen. Los signos convencionales con los que a diario convivimos en computadoras, señales de tránsito, medios de comunicación y afines, son también dibujos. Ni hablar de los proyectos de diseño industrial, arquitectónico o de modas. En todos ellos vive ese acto voluntario de definición y unión de puntos en el espacio que es el dibujo. Hoy Dibujo no es apenas lápiz, tinta o crayones sobre papel; es también el Mouse de la computadora, la pantalla, la reproducción fotostática de unas líneas o la traza que deja un dedo sobre la arena; es también la mirada que escoge lo que quiere ver, la mente que recuerda y que le da a los objetos «imaginados» un paradigma de contenidos, de relaciones y medidas. En nuestra época, los descubrimientos como el átomo, la construcción de máquinas en el que todo se puede programar, así como todo tipo de aparatos automatizados, en todos los campos de la actividad humana, artes ciencias, industrias, comercio, los proyectos los estudios y la realización de objetos o mecanismos exigen un intercambio de nuevas ideas Técnicas.

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El dibujo artístico El dibujo artístico es la disciplina del trazado y delineado de cualquier tipo de figura, la cual puede ser abstracta o que represente algún objeto real, una forma de expresión gráfica. El dibujo artístico es lenguaje alternativo de ámbito universal que permite la transmisión de información de toda índole: ideas, descripciones y sentimientos. El carboncillo y sus derivados: El carboncillo permite la realización de una extensa gama de tonos que abarcan desde los mas sutiles grises a los negros mas profundos. Proveniente de la madera carbonizado del bonetero, su polvo es muy inestable; esto representa una gran cualidad, es muy fácilmente manipulable y permite la realización de degradados tonales con un simple frotado de dedo, trapo o difumino. El carboncillo fue el primer medio con el que el hombre comenzó a dibujar. A lo largo de la historia se ha ido adaptando a los diferentes estilos sin más proceso evolutivo que el aportado en la técnica a la hora de su uso por los diferentes artistas. Hasta el siglo XVI no se descubrió el fijador; este sencillo avance técnico supuso que el carboncillo dejara de ser un medio dibujantico efímero, para consolidarse, a manos de maestros como Tinterito o Tiziano, como uno de los medios de dibujo más nobles. En la actualidad el carboncillo continúa siendo el principal medio de estudio en las escuelas de Bellas Artes, Pero, paralelamente a este medio, existen también otros sistemas de dibujo compatibles con esta técnica; entre ellos están la sanguina y los lápices de carbón.

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Retrato técnica: El retrato es a menudo uno de los principales motivos de dibujo; de hecho pocos artistas se han resistido en algún momento a realizar un retrato con tan solo un lápiz y un papel, Captar el rostro y la personalidad del retratado requiere un completo conocimiento de la técnica del dibujo y de la representación de los rasgos en proporción de unos con otros. De todas maneras, no se puede hablar de un único sistema de trabajo a la hora de plantear retrato; existen retratos de marcado carácter académico y otros libres y espontáneos, con el denominador común de que tanto un estilo como otro se sirven del dibujo como base. El retrato atiende a unas medidas determinadas como aproximación al encaje en el papel. Al igual que cualquier cuestión que se represente, el rostro, del mismo modo que los rasgos o la forma de la cabeza o el tronco, se puede llegar a entender como una combinación de formas geométricas, a través de las cuales se concreta una síntesis sobre el papel. Las formas esenciales son siempre las mismas: un ovalo, un cono, un cilindro y un cubo. A partir de dichas formas, los rasgos se han de situar y concretar, dependiendo el parecido de la capacidad de observación y del oficio del artista.

Aplicación de tramas y degradados: La aplicación de las distintas formas de trazado, permite la creación de planos diferentes en el dibujo; basta la realización de un dibujo sencillo para poder, plantear un buen número de grises con tan solo seguir la dirección del piano de cada uno de los diferentes objetos del modelo.

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Para plantear una trama a partir de líneas paralelas con degradado en las sombras, primero se realiza el dibujo a lápiz, con el planteamiento de las sombras principales perfectamente definidas; seguidamente se trazan finas líneas paralelas en toda la superficie del dibujo sin ningún tipo de engrosamiento, y, por ultimo, se engrosan las líneas tan solo sobre aquellas zonas que estén sombreadas… únicamente restara borrar el lápiz cuando la tinta se haya secado. Superposición de planos: Con el rotulador se pueden plantear superposiciones de color a modo de planos, de una gran transparencia. El rotulador se puede aplicar como si se tratara de filtros de color que se superponen a los colores inferiores con el efecto cromático que ello conlleva. La superposición de planos produce una adición del color añadido sobre los planos de color inferiores, por ello se debe repasar la teoría del color para tener en cuenta cómo reaccionan los colores. Para conseguir por medio del rotulador un plano continúo sin cambios tonales, el plano se debe pintar a base de trazos o franjas uniformes, paralelas y superpuestas; de esta forma se pueden pintar los colores base y, una vez secos estos, superponer el color deseado, igualmente con trazos paralelos y superpuestos. Volúmenes y luces: Para la realización del volumen y de las luces se puede partir incluso de un dibujo realizado con anterioridad, para de este modo apreciar las diferencias de los cambios de tonalidad en los realces. En este caso se va a reelaborar un dibujo hecho con sanguina natural, partiendo de entrada de un aumento en la valoración de las zonas más oscuras, como pueden ser el pelo y las sombras, pero advirtiendo que el trazado de las nuevas líneas debe ser envolvente, siguiendo las formas de la anatomía. Las luces se insumían a partir de la situación de las sombras, las cuales actuaran por contraste con respecto a las zonas más claras.

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Los brillos en la piel se reafirman abriendo blancos con la goma de borrar, igualmente modelando las formas y respetando aquellas zonas anatómicas que generen sombras. Por ultimo, los contrastes máximos se pueden llegar a perfilar con un lápiz sanguina oscura degradando la sombra con suavidad, siguiendo la forma del plano anatómico.

Modelado de la figura a la sanguina: El desnudo es uno de los temas preferidos por la mayoría de los artistas. A partir de un modelo se pueden realizar múltiples investigaciones de iluminación, encuadre desde el punto de vista anatómico, de proporción o de análisis de la figura en escorzo. Por otro lado, la sanguina es un medio de dibujo con una amplitud tonal muy alta; su difuminado es fácil y, por tanto, el posible trabajo de valoración tan solo queda supeditado a la propia capacidad expresiva del artista.

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La perspectiva En un sentido general, la perspectiva es la representación de la profundidad sobre una superficie de dos dimensiones. Es la forma que han desarrollado los artistas para conseguir una imagen en dos dimensiones del mundo tridimensional que habitamos. Esto puede conseguirse utilizando diversas técnicas, una de ellas es la perspectiva lineal. La perspectiva lineal: Es un tipo de perspectiva basada en esquemas. Aunque pueda parecerlo, la perspectiva lineal no se corresponde con la forma natural de ver las cosas, es una abstracción, una elaboración cultural que ha pasado a lo largo de la historia por diversas etapas de desarrollo antes de adoptar la forma actual. En el arte, cada época artística ha desarrollado medios distintos de representación, ajenos e incluso contrarios a la perspectiva lineal, pero no por ello menos válidos, ya que responden a las necesidades de la época, y todas las formas de representación son válidas. Desde un punto de vista técnico, es el método más eficaz de representación gráfica de cuerpos en el espacio. Las leyes de perspectiva buscan la veracidad en la relación entre el dibujo y el modelo. Para ello se utilizan sistemas que crean la ilusión de profundidad en el papel, de modo que el espectador puede deducir las distancias reales entre los objetos. En la representación artística de la perspectiva los artistas se conceden un amplio margen de libertad sin que ello perjudique a la obra. Para comprender cuáles son los fines y la justificación de la perspectiva aplicada al dibujo y a la pintura, hay que distinguir entre su uso técnico y su uso artístico. La perspectiva técnica debe ser reversible: las leyes que permiten dibujar una caja, una calle ó una catedral a partir de unos datos básicos (altura, longitud y anchura del objeto) tienen que permitir a cualquier espectador que estudie dibujo en perspectiva reconocer los datos originales que han hecho posible su representación. El ejemplo más evidente de perspectiva técnica es el dibujo arquitectónico. La función primordial de una perspectiva arquitectónica no es otra que construir un modelo a escala de la realidad, de manera que el constructor pueda deducir las medidas reales a partir de las medidas del dibujo. El objetivo por tanto es que la escena se asemeje a la realidad. La perspectiva artística no tiene porque ser reversible, porque no es un modelo a escala de la realidad con vistas a un fin práctico, simplemente a de ayudar al artista a representar la realidad de un forma aproximada

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Alberto Durero Alberto Durero es uno de los artistas más famosos del Renacimiento alemán. En su producción abundan pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte. Nació el 21 de mayo de 1471 en Nüremberg, Alemania. Era hijo de Alberto Durero el Viejo y Barbara Holfer. La pareja tuvo dieciocho hijos, pero solo tres lograron sobrevivir. Su padre, un orfebre húngaro, fue su primer maestro, enseñándole el oficio de orfebre y joyero. Tras trabajar con él durante un periodo de tiempo, el joven Durero se interesó más por la pintura. El padre accedió a los deseos del hijo y en 1486 ingresó en el taller de Michael Wolgemut, el principal productor de retablos, como aprendiz de pintor y diseñador de grabados. Allí permaneció cuatro años, llegando a superar la calidad artística de su maestro. Después, realizó un viaje de estudios para ampliar su formación y conocer a otros artistas. Fue a Colmar con la intención de entrar en el taller del pintor y grabador alemán Martin Schongauer, pero el maestro había fallecido. Se dirigió a Basilea y a Estrasburgo, donde realizó ilustraciones para varias publicaciones. En estos años, su arte refleja una enorme calidad en el trazado del dibujo y una minuciosa observación del detalle. Finalmente, regresó a Nüremberg en 1494, ya que sus padres habían concertado su enlace con Agnes Frey. El matrimonio le aportó el dinero necesario para crear su propio estudio Nüremberg. Ese mismo año marchó a Italia y visitó Venecia, conoció la obra de Bellini, Mantenga y Pollaiuolo. El viaje duró dos años, pintó castillos, paisajes y panorámicas, apuntes que después empleará en sus obras. El artista se había formado en un entorno influido por la escuela flamenca y la tradición gótica alemana. Pero su viaje a Italia le permitió asimilar los postulados artísticos del Renacimiento italiano despertando su interés por la geometría y las proporciones matemáticas. De regreso a Nüremberg, Durero comenzó un serio estudio de las matemáticas y de las proporciones humanas. El dominio de la xilografía y el grabado hicieron que su fama fuera asentándose y que elabora un gran número de obras.

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Destaca la serie de grabados del Apocalipsis (1498), La Gran Pasión y la Vida de la Virgen. Aunque la temática sigue siendo convencional, la técnica es novedosa. Las figuras están llenas de expresividad y son tratadas con gran minuciosidad, mostrando multitud de detalles. Entre 1505 y 1507 visitó Italia de nuevo, pasando mucho tiempo en Venecia. El objetivo ya no era completar su aprendizaje, sino asentar su fama internacional. Y tras ser consagrado y reconocido como un artista de prestigio volvió a Nüremberg. En su ciudad natal pintó algunas obras de grandes dimensiones como El martirio de los diez mil, una obra de gran dinamismo en la que incorpora el colorismo veneciano. También pintó las tablas de Adán y Eva.

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En 1512 fue nombrado pintor de corte del emperador Maximiliano I y de Carlos I. Sus últimos años los dedicó a su obra teórica, Tratado sobre la proporción, publicado en cuatro libros en 1525. Finalmente falleció en Nüremberg en 1528. Es una de las figuras más importantes del Renacimiento en Europa septentrional, y a través de sus grabados ejerció una enorme influencia en otros artistas del siglo XVI. Obras más importantes de Albero Durero Adoración del Niño (1496-97) Durero realizó esta obra al de llegar de Italia y pone de manifiesto todo lo aprendido, presenta a una Virgen monumental, casi escultórica. La construcción espacial de la sala también sigue las teorías de la perspectiva de los italianos, aunque se observan algunos detalles alemanes, como el paisaje de Nüremberg que se ve a través de la ventana. Melancolía Es la representación de la virtud intelectual. Es una mujer sentada en un banco de piedra y está acompañada por un ángel tristón y un perro a sus pies. Su aspecto es descuidado y su cabello está despeinado. Está absorta, pero no en un trabajo, sino en un estado de inactividad completa, con la cabeza apoyada en el puño. Está sumida en una intensa actividad intelectual. No continúa con su trabajo por pereza, sino porque le parece que no tiene sentido. A su alrededor aparecen objetos desordenados. En esta obra, Durero intelectualiza la Melancolía y la asocia al Arte. Su ejecución es meticulosa y está sobrecargada de significados. Sintetiza las características del artista como genio, atormentado por la creatividad, sometido a sus impulsos, huraño y solitario. El Caballero, la Muerte y el Diablo Este grabado alude la virtud moral. Ilustra la vida del cristiano esbozando una imagen perfecta del soldado de Cristo, con un aspecto monumental y lleno de la armonía. Representa a un caballero cristiano opuesto a un mundo hostil. El caballero es viril, fuerte y está sereno. A caballo, recorre el camino de la virtud, que es arduo y lúgubre e intenta vencer los peligros y las tentaciones que le acechan. El fondo está compuesto por rocas y árboles desnudos. A lo lejos, hay un castillo, que es la meta del caballero: la virtud inexpugnable. Durante el camino aparece la Muerte a caballo, que es un cadáver en descomposición, sin mejillas, nariz ni labios y el cuello rodeado de serpientes. Se acerca al caballero y trata de espantarlo mostrándole su reloj. Mientras tanto, un horrible Diablo le sonríe por detrás del caballo.

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El Caballero, la Muerte y el Diablo

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Adán y Eva En estos dos cuadros se observan las influencias del renacimiento italiano. Realiza un tratamiento anatómico de los cuerpos, aunque ambos están idealizados a la manera italiana. Las luces, los colores, el sombreado y el volumen responden a un tratamiento renacentista. Los dos personajes se encuentran de pie y existe una relación entre ellos. Adán está mirando a Eva, quien recoge la manzana que le ofrece la serpiente. Y emplea un fondo neutro para no distraer la atención de la acción que constituye la tentación.

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Las técnicas del grabado en madera y cobre El grabado en madera es una técnica de grabado que experimentó un gran apogeo en el siglo XIX.1 Hay diferencias esenciales de características entre un grabado en madera y una xilografía. Mientras que una xilografía se realiza sobre una plancha de madera blanda usando gubias u otros elementos de corte, en un grabado en madera el artista realiza la "matriz" "esgrafiando" un bloque de madera con un buril en lugar de usar las mencionadas herramientas de corte, llegando a crear un dibujo muy sofisticado (dentro de lo posible), produciendo por lo general un resultado de trazo más grueso. Los grabados en madera son generalmente pequeños y alcanzan una escala de grises con gran "eclosión". Funcionalmente en la variedad de grabado en madera, se utiliza la impresión en relieve, en la que se aplica la tinta a la cara del bloque y se imprime usando una presión relativamente baja. Por el contrario, tanto en xilografía como en el grabado ordinario, se usa una placa como matriz y se imprime por el método de huecograbado, donde la tinta llena los "valles" del grabado, depositándose luego sobre el papel al prensarlo. Como resultado, además de conseguirse un blanco sobre negro distintivo, las impresiones hechas con grabados en madera se deterioran a una velocidad mucho menor que los hechos con xilografía o con placa de cobre.

Historia: La grabado en madera fue desarrollado por el artista gráfico Inglés Thomas Bewick (1753-1828). Su nueva técnica de impresión, en la que utilizaba un buril en lugar de cuchillo, sustituyó el grabado de cobre porque era mucho más simple y más barato (en este orden de importancia). Los grabados en madera constituían un clichés para su uso en la impresión en prensas gráficas.

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Se utilizaron principalmente para la fabricación de imágenes de divulgación científica, con sutiles tonos de gris. Ilustradores de libros populares como Gustave Doré dejaron unos dibujos de gran detalle en múltiples grabados en madera. Grabado en madera de múltiples colores: Cada color se tenía que hacer en un bloque separado, que tenía que encajar con el bloque pre-existente, con gran exactitud para cada nuevo color. El famoso grabador de madera holandés Maurits Cornelio Escher trabajó con múltiples colores. También desarrolló esta técnica el magistral grabador de madera Nico Bulder en la provincia de Groningen (Holanda).

Cobre El proceso de grabar cobre es la técnica de crear diseños en el metal mediante estampado, perforaciones, dobleces o martilleo. El cobre es una común elección a la hora de grabar ya que es maleable y no es costoso como otros metales, tales como el oro o la placa. La técnica de grabado es también llamada "estampación" o "repousse" (pronunciado re-pus-e). Las planchas de metal de 5 milímetros o calibre 36 son las más comunes. Las planchas más gruesas pueden ser utilizadas, pero no pueden ser cortadas con facilidad utilizando tijeras, y requieren mucha más fuerza a la hora de utilizar un martillo o a la hora de estamparlas.

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Preparando el área de trabajo: Las planchas de cobre pueden ser amortiguadas sobre la superficie de trabajo antes de comenzar a grabar. Puedes hacer esto con una pila de periódicos, una toalla doblada, espuma, una alfombrilla de goma o madera blanda. La superficie absorberá la presión que es aplicada al metal mientras lo trabajas. Herramientas: Un estilete de grabado es utilizado para marcar la traza del diseño en el metal. Es similar a una pluma de tinta con una pequeña bola en la punta. necesitas un par de tijeras diseñadas para trabajar metal o un cúter, dependiendo en el grosor de la plancha. Un martillo y sellos son utilizados para imprimir patrones pre-diseñados en el cobre. Los sellos no deben tener ningún borde afilado que perfore el metal. El papel de calcar y marcadores pueden utilizarse para transferir diseños al metal y luego grabarlos. Método de grabado: Dibuja el diseño para el cobre en papel de calcar. Coloca el cobre sobre la plancha de trabajo con el lado delantero boca abajo. Pega el papel de calcar en la parte trasera de la plancha metálica con un poco de cinta. Frota con firmeza el estilete por las líneas del dibujo, presionando el metal. Si utilizas sellos pre-diseñados, alínea la cabeza del sello en la parte trasera del metal y haz presión con un martillo, dando golpes cortos y rectos. Finalizando la pieza: Remueve el papel de calco y voltea la plancha de cobre para que el lado frontal quede hacia arriba. Pincela las áreas con relieve con pintura o satinado, si lo deseas. Para proteger las marcas del diseño, para que no se aplanen, voltea la plancha nuevamente y llena los surcos con parafina. Deja que la cera solidifique, corta el cobre para que quede del tamaño adecuado y enmárcalo para ponerlo en exhibición.

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Dibujo técnico y artistico  

Luis Afonso

Dibujo técnico y artistico  

Luis Afonso

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