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Musica masquemusica / Nยบ1 febrero 2012

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Owen Pallett Bigott Mago de Oz Jim Morrion Sid Vicious Ian Curtis Ritmos Latinos


Editorial

Revista sin animo de lucro realizada en febrero del 2012, por los alumnos del curso de Técnico en Producción Editorial, con los gustos musicales de cada uno...

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Noticias

Encuentros

Musica

Bigott.....................................6

Monográficos Ritmos Latinos.......................8 Owen Pallett.........................12 Estilo Mas que Música.........16

DIRECTOR Luis Morales Miguel

Música en la Red

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MAQUETACIÓN Curso del 2012 de Técnico en Producción Editorial

Música y Cine Encuentro con Bigott

COLABORADORES

Jim Morrion.........................22 Sid Vicious...........................23 Ian Curtis.............................24

Entrevistas Mago de Oz.........................26

Miguel Curiel Rodríguez José del Ama Hernández Raúl Gabriel Egusquiza Guido F. Javier Fernández Rueda Rubén Gálvez Pérez

Entrevista con Mago de Oz

Ránking

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Agenda de Conciertos

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Discos

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María Léon Gallego Mari Cruz Matia Pardo Ana Isabel Molina Ruiz Luis Fernando Ruisánchez Gómez Eloísa Sánchez Mora Javier Barrios Galindo

Cine Jim Morrion

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NOTICIAS

BOB MARLEY, 31 years after E

n Jamaica Bob Marley es considerado un héroe nacional y sus canciones y su imagen iconográfica es consumida ávidamente por millones de personas aún a tres décadas de su partida. El 11 de mayo de 2012 se cumplen 31 años de su muerte, producto de una herida mal curada que degeneró en cáncer. Murió en la plenitud de su creatividad y en medio de una febril actividad musical. Con él se pierde el máximo exponente del reggae en el mundo entero.

La leyenda de Bob Marley se mantiene viva y la influencia de su música está presente en todos los rincones del mundo treinta años después de su muerte, un aniversario que se cumple el martes próximo con homenajes como el que le brindarán Lenny Kravitz y Jakob Dylan, entre otros. “No creemos que esté muerto, lo mantenemos vivo. Sus hijos son una prueba de su legado musical”, decía su viuda, Rita Marley, en una entrevista con la cadena estadounidense CBS recogida en la página oficial del intérprete de “Jammin”, muerto víctima de un cáncer en 1981. Nacido en 1945 en el seno de una familia pobre en Nine Mile (Jamaica), el músico está considerado uno de los mitos de la música del siglo XX y el máximo exponente del reggae. No en vano, el disco de grandes éxitos Legend, publicado por primera vez en 1984, sigue siendo el álbum más vendido de la historia de este estilo musical. Su leyenda comenzó en 1972 con el primer álbum grabado junto a The Wailers, Catch a Fire. A éste le siguieron Burnin y un éxito creciente en EEUU con

éxitos como “Get up, stand up” y “I shot the sheriff”.

Para entonces, Marley ya había contraído matrimonio y había entrado en contacto con el rastafarismo, una religión que aúna profecías bíblicas, filosofía naturista y nacionalismo negro, con la marihuana como parte de su liturgia, que tanto contagió su música. Tras la recomposición del grupo, con la que pasaron a denominarse Bob Marley & The Wailers, continuaron los éxitos. Con ellos llegaron los discos Natty Dread (1975) y, sobre todo, Rastaman Vibrations (1976), que alcanzó los primeros puestos de las listas norteamericanas y que expone vivamente su mensaje de amor y crítica social. Radicado en EEUU tras haber sido herido de bala en Kingston, lanzó Exodus (1977), Kaya (1978), Babylon By Bus (1978) y Survival (1979), que incrementaron su fama internacional. Su último disco en vida fue Uprising (1980), cuya gira le llevó a Europa con récords de asistencia. Finalizado ese tour y con apenas 36 años de edad, Marley falleció en Miami, aunque su cuerpo se trasladó a un mausoleo de Jamaica, que venera al músico como uno de sus símbolos más importantes. Desde entonces, se han sucedido los recopilatorios e, incluso, un disco póstumo, Confrontation (1983). El pasado mes de marzo Universal Records lanzó Bob Marley & The Wailers - Live Forever, que su viuda destacó como ejemplo “del mensaje de esperanza, unidad y amor” del que hizo gala.

BREVES Ozzy Osbourne cumple 30 años sin comer murciélagos El 20 de enero de 1982 tuvo lugar un pequeño paso para el hombre pero un gran paso para la leyenda excesiva del rock. Aquella noche, el rockero de Birmingham mordió la cabeza de un murciélago durante un concierto, pensando que se trataba de un muñeco de goma. Desde entonces, no ha vuelto a probar tan apetitoso manjar, que se sepa.

Charly vuelve a River River Plate recibirá en su estadio uno de los retornos más esperados para miles de personas, y no se trata de una gloria futbolística del club de Núñez, sino que tras 20 años volverá a tocar allí el legendario Charly García. Será en el marco del festival de rock más importante de Argentina, el Quilmes Rock 2012.

Joe Bonamassa visita Madrid Nos visita uno de los mejores guitarristas del momento, Joan Bonamassa. Llega a España para realizar tres conciertos donde presentará su nuevo álbum titulado Dust Bowl. En Madrid tiene previsto tocar el 23 de Febrero de 2012 en el Palacio Municipal de Congresos y lo hará defendiendo un trabajo que ha conseguido el primer puesto en la lista Bliiboard de blues.

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Red Hot Chili Peppers en el Rock in Rio 2012 La organización de Rock in Rio ha anunciado el cartel previsto para el próximo 7 de julio de 2012, último día de la edición que el festival celebrará en Madrid a partir del 29 de junio. Red Hot Chili Peppers dará el pistoletazo de salida, luego subirá al escenario Incubus y el dj canadiense deadmau5 cerrará la noche.

Dorian en The Brandery Winter 2012 (BARCELONA) El salón internacional de moda urbana organiza dos días de conciertos donde además de la participación de Dorian este viernes a las 20:30h acompañandos por 2 Many dj’s y Undo, el sábado lo harán Fangoria, The Zombie kids y Buenavista.


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ENCUENTROS

BIGOTT SIN PELOS EN LA LENGUA

Con motivo de su mini gira por tierras gallegas hemos tenido la suerte de entrevistar a Borja Laudo, Bigott, uno de los artistas del 2011.

L

a gira de Bigott por Galicia es la siguiente, Jueves 23 de Febrero 2012 en Café Pop Torgal, Ourense, Viernes 24 de Febrero 2012 en Mondo Club, Vigo y Sábado 25 de Febrero 2012 en Le Club, A Coruña. Revisando el suplemento de algún periódico, Bigott repara en una imagen del iPad y le resulta tragicómico que la gente haga colas para comprárselo, tanto en Estados Unidos como en España. “Pero América es América, es el país de los retrasados, nosotros somos unos aficionados todavía” espeta, y después añade con ironía; “tiene que ser muy cómodo para llevarlo en el bolsillo”. Continúa leyendo la revista y comenta algún apartado de deportes y ríe airoso de ciertos comentarios deportivos vertidos en el magazine. Con una tranquilidad y cordialidad absoluta seguimos hablando con Bigott. ¿Cómo es un día en tu vida? Pues… levantarme, desayunar, hacerme una paja… si no follo, pues peor… tocar un poco la guitarra, bajar al mercado, comprar algo de verdura, cocinar… ahora estoy un poco vegetariano también. Y comiendo mucha fruta, porque llevaba sin probar la fruta… ni lo sé. Pero he mentido, porque ahora empiezo a hacer un poco de footing por la mañana. Me he comprado unas zapatillas de estas de… ¿Running? Sí, de running. Pero es que se nota muchísimo en el tema de las rodillas, se nota una barbaridad. Y bueno…

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a Clarís le digo que me hago una hora, pero suelen ser veinticinco minutos o así. Poco a poco. Sueles ser un músico que siempre dice lo que quiere, tanto a la hora de hacer tus canciones como a la hora de las entrevistas. ¿Se puede decir que eres de esos que no tienes pelos en la boca? ¿Te cansa que siempre se diga de ti que eres un músico inclasificable? Tengo unos cuantos alrededor de ella,,, para que voy a decir lo que no quiero!!! no me cansa nada que no requiera mi esfuerzo, así que eso no me cansa. ¿Cómo crees que te ha influenciado tu Zaragoza natal en tu forma de concebir la música? ¿Qué te podría inspirar mejor un tema: el sabor de un ternasco al horno o el mobiliario arquitectónico de la Plaza del Pilar? El zierzo supongo que tendrá la culpa de algo. Lo de la inspiración, depende, si aceptas abuelos por mobiliario arquitectónico de la plaza del pilar, algunos días son muy entretenidos y si primero me he comido un ternasco, pues eso que me llevo. Habladnos un poco de cómo llegasteis a formar el grupo, ¿sois un grupo de amigos que solíais tocar juntos o fue fruto de incorporaciones, poco a poco? No nos conocíamos, a Paco y a Muni los conocimos bajando a grabar a su estudio; un año, bajamos Clarín y yo solos porque nos habíamos quedado sin músicos

así que Paco buscó un batería del puerto para grabar el disco, ese fue Esteban Perles, y más adelante en un concierto no recuerdo donde, le dije a Pedro Perles que se tocara un ukelele, y hasta hoy. THE ORINAL SOUNDTRACK En vuestro último video Flying Zirkus rodado en Brasil, aparece la periodista Samanta Villar, ¿cómo llegasteis a colaborar juntos y por qué Brasil? ¿Habrá futuras colaboraciones en vuestros nuevos vídeos? No sé contestarte a nada de eso. Cannibal Dinner quizás sea la canción del último disco que más rompa con todo vuestros trabajos anteriores. ¿Veremos algún día un disco de Bigott al más puro estilo Cannibal Dinner? Todo puede ser Hemos leído que el asunto de los premios no es que lo tengáis muy en cuenta, pero si pudierais elegir vosotros el premio, reconocimiento o parecido, ¿cuál sería? Pues uno musical CONCIERTOS Os vimos en esta edición 2011 del Monkey Week, ¿se puede decir que actuabais en casa? ¿Es vuestro


festival favorito? Más de la mitad de la banda estaba en casa, y clarín y yo, casi casi es un festival que acaba de nacer, pero tiene muy buena pinta.

Cuando hay más de lo que sea, la gente se puede permitir el lujo de ser más selectiva. Yo estoy empezando a meterme en twitter pero la verdad es que siempre se me olvida escribir...

En febrero como ya apuntamos aquí, estaréis de gira por Galicia, ¿preparáis algo especial? ¿Hacéis algún tipo de ritual antes de los conciertos?

Hace poco saltaba la noticia del cierre de Megaupload por parte de las autoridades americanas, ¿qué pensáis sobre ello, a favor o en contra? No pienso mucho

Nada menos ni mas especial que de costumbre, lo haremos lo mejor que sepamos, nunca hemos tocado por allí y tenemos muchas ganas. No somos nada ritualeros, antes de los conciertos procuramos que no se pierda nadie y poco más. Borja, nos encantan tus bailes en lo alto del escenario, ¿hay ensayos previos? ¿Cuál fue la fuente de

A la hora de componer, ¿tienes algún rincón preferido? ¿Participáis todos en el proceso? En la misma línea, ¿cuál es el sitio más extraño o particular donde se te ha ocurrido una letra o una melodía para alguna de vuestras canciones? Compongo solo, normalmente en el salón de mi casa, que se está muy agustico.

ENCUENTROS

Pero es que en castellano no hay cosas que oiga y me gusten, tío.

¿Qué ha sido lo último que has escuchado en castellano? En castellano, pues… ¿Qué habré escuchado? Pues a El Niño Gusano, a Chinarro… Esos sí que me gustan. Pero… no sé, ¡si hay algo bueno mándamelo! Pero, por ejemplo, Raphael sí que me gusta y Nino Bravo, Los Pekenikes… ¿Y grupos de idioma anglo? El de Andrew Bird me encantó mucho. El último. El de la portada con el bosque y el prado, ¿no? Si, el “Noble beast”. Es una maravilla, pero brutal. Y no sé a cuál más estoy enganchado, pero a muchísimos. Es que yo no compro nada, los escucho todos ahí, en el Spotify. ¿Nunca te has descargado un disco? Porque no sé. ¿Pagando dices? No hay nadie que haya pagado, que estamos en España, un respeto [risas]. Bueno, alguno habrá, digo yo. Estás muy anglo, tú [risas]. Y el día que te decidiste por agarrar una guitarra y hacer una canción, ¿cómo lo recuerdas, con la edad? Pues no me acuerdo, pero lo de la edad lo llevo un poco mal. Pero no sé, no me acuerdo muy bien, la verdad. Está guay subir a tocar “cancioncicas” y que la cosa funcione y que nos vayamos haciendo ricos poco a poco… ¿Piensas que nos haremos ricos?

La gira de Bigott por Galicia es la siguiente, Jueves 23 de Febrero 2012 en Café Pop Torgal, Ourense, Viernes 24 de Febrero 2012 en Mondo Club, Vigo y Sábado 25 de Febrero 2012 en Le Club, A Coruña. inspiración de los mismos? Son el fruto de horas diarias de entrenamiento, aunque no se muy bien de qué. Me he inspirado en el ballet de Moscú quizá con un poquito más de vodka. INQUIETUDES Esta claro que vivimos en una sociedad inundada de información, ¿cómo os lleváis con las nuevas tecnologías, véase Spotify, Facebook, Twitter,…? ¿intentáis sacarle partido? ¿Creéis que las nuevas tecnologías mediáticas están configurando un público más exigente?

Resulta curiosa tu respuesta cuando te preguntan por qué cantas en inglés, siempre dices que cantas en inglés porque te sale de los cojones. ¿Nunca te has planteado cantar en otro idioma, a parte del castellano? Porque igual no he escuchado la suficiente música de ese idioma. Japonés… bueno, he escuchado a estos que eran muy rapidines, rollo… ¡Pizzicato Five! Pues igual, no sé, si me pego un año escuchando el disco de Pizzicato Five empiezo a cantar en japonés. ¿Entonces, en castellano no te saldría ninguna canción?

¿No? Yo creo que sí, que nos lo merecemos. Tú por tu pelazo y yo por mi calva… yo creo que sí, que lo estamos luchando. Te dejo unas preguntas para respondas “al toque”. Un libro: “Zazie en el metro” Un disco: “Cycles” de Sinatra Una comida: de Polla Una ciudad: Zaragoza Una serie: Padre de Familia Una cuenta de Twitter que seguir: estoy poco puesto. De eso. Eloísa Sánchez www.masquemusica

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RITMOS LATINOS

HISTORIA DE LOS

R I T M O S RITMOS LATINOS L

os bailes latinos llegan a Europa procedentes de la cultura latinoamericana como la de Cuba, Venezuela, Brasil, etc, donde la música y el baile es algo más que diversión, un estilo de vida, una forma de expresión y comunicación. Dentro de los Ritmos Latinos aprenderemos:

SALSA · CHACHACHÁ BACHATA · MERENGUE KIZOMBA

La bachata se considera una fusión del bolero de cuerda con otras influencias musicales de origen africano, y de otros estilos como el son, el merengue y el chachachá. Surge en la década de los 60 en la República Dominicana siendo calificado por la sociedad de la época como un ritmo callejero propio de la clase baja y las zonas rurales. No será hasta finales de los 80, gracias al interés de algunos músicos dominicanos y a los medios de comunicación, cuando la bachata traspase las fronteras latinoamericanas y llegue al resto del mundo. El músico Eduardo Morales (1969) define la salsa como «un nuevo giro de los ritmos tradicionales al son de la música cubana y la voz cultural de una nueva generación» y «una representación de la identidad cubana y latina en Nueva York». El director cubano Machito afirmaba que la salsa era, más o menos, lo que el había tocado durante 40 años (entre 1930 y 1970) antes de que el género musical se denominara así. El célebre músico neoyorkino y de ascendencia boricua (puertorriqueña), Tito Puente, afirmaba que «la salsa, como ritmo o música, no existe. La música que llaman salsa es la que he tocado desde hace muchísimos años: se llama mambo, guaracha, chachachá, guaguancó. Todo es música cubana. La salsa se come; no se ve, no se oye, no se baila».

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L A T I N O S

La salsa presenta las siguientes características: Ritmo: Utiliza como base el patrón rítmico del son cubano, con clave de son en dos compases de 4/4. Melodía: Presenta una mezcla de rasgos melódicos cubanos y rasgos del jazz tradicional estadounidense. El jazz no es imprescindible en la salsa; se usa dependiendo del arreglo musical. Armonía: Acopla rasgos armónicos tradicionales cubanos con rasgos más modernos. Instrumentación:Usa instrumentos cubanos popularizados desde los años veinte: pailas o timbales, bongó, güiro cubano, cencerro, dos maracas (en otras regiones solo se usaba una), conga (se diferenciaba de otros tambores afrolatinos por su herraje de afinación), y los instrumentos piano, contrabajo (en algunos casos bajo eléctrico), trompeta, saxofón (sobre todo barítono) y trombón (en algunos casos y sobre todo en salsa tradicional, se utilizaba la flauta traversa y el violín).[cita requerida]

Ritmo. Se estructura en dos compases de 4/4, o sea

8 tiempos. Un elemento rítmico que forma la base es la clave del son cubano, en 3-2. Los tres primeros golpes son un tresillo que ocupan el espacio del primer compás y los dos segundos golpes coinciden con el 6 y 7 de la cuenta de la frase:

- 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. (cuenta). - +.. +.. +... +. +... (+ = golpe de clave). El signo [+] representa el golpe de las claves, y el punto [.] representa la subdivisión de cada pulso. La clave también puede hacer un tiempo 2-3 con el tresillo en el segundo compás:

- 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. (cuenta). -.. +. +... +.. +.. +. (+ = golpe de clave). La clave no siempre se toca directamente, pero forma la base que muchos otros instrumentos de percusión también, como la canción y el acompañamiento, usan como ritmo común para sus propias frases. Por ejemplo, este es el ritmo común de la campana:

1.2.3.4.5.6.7.8. (cuenta). +.*.+.**+.**+.** (+/*= golpes de campana grave/agudo).

por: mª cruz matia

La salsa es un estilo musical bailable que se deriva

del son cubano. La música salsa es un género que surgió en la ciudad de Nueva York, en la década de los 70. Fue el resultado de una mezcla de ritmos cubanos, colombianos, venezolanos, panameños, dominicanos y puertorriqueños con el jazz y el rock norteamerica-

nos.

La salsa, más que un género musical, refleja la alegría y sensualidad de los gustos latinos La salsa se ha transformado en un baile popular en la mayoría de las ciudades de Latinoamérica, gracias a compositores e interpretes de calidad como Willie Colón, Celia Cruz, Rubén Blades y Tito Puente,Domingo Quiñónez, India, Víctor Manuelle, Rey Ruiz, , Gilberto Santa Rosa, Marc Anthony

Kizomba. La base musical de la Kizomba es la mis-

ma que la utilizada en el Zouk. El género musical que apareció primero fue el Zouk, que se desarrollo en las antillas francesas (islas de Martinica y Guadalupe) a principios de los años 80, y que fue popularizado por el grupo Kasav (conocidos mundialmente por su tema más famoso: la Lambada). Al Zouk que comenzaron a componer en Angola le llamaron Kizomba (al que se componía en Cabo Verde: Cabo Love). Al llegar a Europa (cuya entrada fue principalmente por Portugal, comenzaron a llamar a cualquier estilo de música que sonase similar a la Kizomba por este nombre, y es ahí donde se forma la polémica de si la Kizomba y el Zouk son lo mismo o no. Buscar diferencias entre la Kizomba y el Zouk, es como buscar diferencias entre la salsa Colombiana y la salsa de Puerto Rico, o la salsa que hoy en día componen los grupos cubanos. Estructuralmente son lo mismo, y las diferencias (que tienen un carácter mucho más subjetivo) las encontramos en los temas de los que tratan...


Ganó un premio Grammy por su grabación Mambo Birdland en la categoría de mejor disco de música caribeña tradicional en los primeros premios Latin Grammy. Tito participó en varias producciones cinematográficas, como “Salsa” en 1988, “The Mambo Kings” en 1992 junto a Celia Cruz y Antonio Banderas y su última aparición la realizaría en un documental de Fernando Trueba, llamado: “Calle 54” en el que interpreta su tema de latin jazz: “New Arrival”, con un excitante solo de congas interpretado por Giovanni Hidalgo, la la flauta de Dave Valentin.

Tito Puente

T

ito Puente. Es como se le conoce, pero se llama: Ernesto Antonio Puente (*Nueva York, 20 de abril de 1923 - † 31 de mayo del 2000), conocido como Tito Puente, fue un percusionista estadounidense de origen puertorriqueño intérprete de ritmos cubanos como Guaguancó, son, yambú, rumba, bolero, cha cha chá, bembé y columbia entre otros, que posteriormente se denominarían Mambo y en la era moderna se llamaría Salsa.salsa y jazz latino, de gran influencia en estos géneros. Sus padres puertorriqueños Don Ernest Puente y Doña Ercilia Puente, nacido en el vecindario conocido como El Barrio de Nueva York. A menudo es llamado el primer músico “puro” de salsa. Se le conoce por las composiciones únicas que ayudaron de sostener su carrera por más de 50 años. Gracias a su técnica en el manejo de la percusión fue conocido como «El Rey de los Timbales». Por estos años Tito tocaba en el Palladium que era la casa del mambo, y que junto a Machito y Tito Rodríguez hicieran conocido el mambo mundialmente. Tito casi le quita el título de Rey del Mambo al mismísimo Dámaso Pérez Prado, músico que colaboró mucho con Benny Moré, cantante y sonero cubano residente en México. Sin embargo, Puente no tocaba Mambo en general, pero en Nueva York siempre hubo confusión entre los ritmos cubanos. Durante

los años

1950,

la popularidad de

Puente

llegó a su mayor nivel y logró que la música cubana, como el mambo, el son y el cha cha cha llegara a una mayor audiencia.

Luego

estilos como pop y bossa nova.

incursionó en otros

Sus participaciones junto a la cantante cubana La Lupe con temas como: “Salve Plena” se hicieron muy conocidos en muchos países de raíz latina, pero su sonido inconfundible al interpretar los timbales lo hizo conocido a nivel mundial, eso mismo sucedió cuando Tito Puente toco en Japón, inspirando a una agrupación de músicos japoneses a interpretar el género salsa, hablaría de la Orquesta de la Luz. Su percepción del término Salsa no era muy aceptado por él ya que decía que Salsa era algo que se le echaba a la comida, pero es reconocido en este género por todos los conocedores del jazz y las músicas caribeñas o de origen Afro en latinoamerica y el mundo entero.

Aunque como músico es mayormente reconocido, también se hizo más popular por las apariciones televisivas como en Plaza Sésamo interpretando su temas “Ran Kan Kan” y “El Timbalón”. También, hizo una aparición como él mismo en el recordado capítulo en que se le acusa de haber asesinado al Señor Burns, en la serie animada Los Simpsons, en donde iba a dar clases de música en la Primaria de Springfield.

L

La Lupe

a Lupe, también conocida como “la Reina del Latin Soul”, se introdujo en el mundo de la música cantando en distintos locales habaneros, una vez terminada, por exigencia paterna, su carrera de magisterio o de maestra. En 1959 formó, junto a su primer esposo, Eulogio “Yoyo” Reyes, el Trío Tropicuba, que comenzó a presentarse de forma permanente en un legendario bar de La Habana, llamado La Red. Su forma de cantar, llena de energía y con un cierto toque estrafalario, la hizo famosa casi inmediatamente en la ciudad. Prueba de ellos son sus primeros dos discos: Con el diablo en el cuerpo e Is Back. Exiliada de Cuba, pues su forma de cantar no era bien vista por el nuevo régimen fidelista que se había implantado en el país, viajó a México y, a los pocos meses, a Nueva York, donde empezó a cantar en un bar de Midtown: La Barraca. Allí fue “descubierta” por el percusionista Mongo Santamaría, con el que grabó el disco Mongo Introduces La Lupe (1963). Ciertas desaveniencias con Santamaría fueron aprovechadas por Tico Records para formar un tándem con Tito Puente que grabó cuatro discos que tuvieron un éxito inaudito y la catapultaron al estrellato.

RITMOS LATINOS

C

Celia Cruz

elia de la Caridad Cruz Alfonso nació en el barrio de Santos Suárez de La Habana el 21 de octubre de 1925, si bien algunas fuentes señalan su nacimiento cuatro años antes, y otras en 1925, datos todos ellos de difícil comprobación dada la persistente negativa de la estrella a confesar su edad. Segunda hija de un fogonero de los ferrocarriles, Simón Cruz, y de la ama de casa Catalina Alfonso, Celia Cruz compartió su infancia con sus tres hermanos -Dolores, Gladys y Bárbaro- y once primos, y sus quehaceres incluían arrullar con canciones de cuna a los más pequeños; así empezó a cantar. Con otras canciones y nuevos forasteros calzó a todos los niños de la casa. Después se dedicó a observar los bailes y a las orquestas a través de las ventanas de los cafés cantantes, y no veía la hora de saltar al interior. Sin embargo, sólo su madre aprobaba esa afición: su padre quería que fuese maestra, y no sin pesar intentó satisfacerle y estudiar magisterio, pero pudo más el corazón cuando estaba a punto de terminar la carrera y la abandonó para ingresar en el Conservatorio Nacional de Música. Mientras tanto, Celia Cruz cantaba y bailaba en las corralas habaneras y participaba en programas radiofónicos para aficionados, como La Hora del Té o La corte suprema del arte, en los que obtenía primeros premios tales como un pastel o una cadena de plata, hasta que por su interpretación del tango Nostalgias recibió en pago 15 dólares en Radio García Serra. Más tarde cantó en las orquestas Gloria Matancera y Sonora Caracas y formó parte del espectáculo Las mulatas de fuego, que recorrió Venezuela y México. como instrumentos musicales en el rtitmo de la salsa encontramos:

Más famosa que Celia Cruz en los años 60, el éxito de La Lupe se debió en parte a su canto aguerrido, su peculiar y única manera de afrontar el bolero y la cada vez mayor influencia de una música latina alejada de los formalismos de salón que imperaron, en los años

50,

en la ciudad de los rascacielos.

Ese

canto

arrabalero, más propio del barrio que de un salón de baile, halló en

La Lupe su mejor exponente femenino.

En 1992, Puente ganó el Premio Bicentenario de James Smithson y participó en la película: The Mambo Kings junto a Celia Cruz. masquemusica

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RITMOS LATINOS

Olga Tañón

Marc Anthony

Olga Teresa Tañón Ortiz, conocida artística-

Marco Antonio Muñiz Ruiz Rivera, mejor co-

mente como Olga Tañón, es una cantante puertorriqueña de merengue y pop latino. Nació en Santurce, Puerto Rico el 13 de abril de 1967. Ha sido ganadora del Premio Grammy en dos ocasiones y tres veces ganadora del Grammy Latino. En el 2009 formó parte de los jueces de La Academia de Tv Azteca en México. A temprana edad mostró su vocación e inclinación por el canto, así como su habilidad innata para la representación escénica. No solo de la música de su tierra, sino también de otras latitudes como la música dominicana, al punto de ser considerada una de las más genuinas intérpretes del merengue dominicano. Olga Tañón es la menor de cuatro hermanos, nacida del vínculo entre José Tañón y Carmen Gloria Ortiz, sus padres, y sus hermanos Glori, Junior y Marie, familia de modestos recursos financieros, de la localidad de Levittown, Municipio Toa Baja, San Juan, Puerto Rico. Con una típica voz de mezzosoprano, cuya tesitura está comprendida entre soprano, la voz aguda de mujer, y la de contralto, o voz grave de mujer luego de tomar clases de baile con Yonito Betancourt, luego de la muerte de éste y gracias a sus recomendaciones pronto tuvo la oportunidad de incursionar con grupos de jóvenes artistas y así llegó a formar parte de la agrupación “Las nenas de Ringo y jossie”, cosechando unos primeros éxitos. Más adelante llegaría a formar parte del grupo de “Chantelle”. Constituido por integrantes de sexo femenino exclusivamente. Olga Tañón posee habilidad no solo para la vocalización y el canto propiamente dicho, sino también para el baile y las artes coreográficas, en las que se expresa con gran desenvoltura.

nocido por su nombre artístico Marc Anthony (nacido el 16 de septiembre de 1968 en Nueva York) es un cantante estadounidense de ascendencia puertorriqueña. Sus canciones van desde salsa, pasando por el bolero y el pop. Dio el salto internacional gracias a Paul Simon, al que considera su maestro y mentor, quien lo eligió entre miles de candidatos para ser el protagonista de su obra “The Coconut”. En febrero de 2004, su amiga la cantante estadounidense Jennifer Lopez le pidió su ayuda para producir la canción Sway para la banda sonora de la película Shall We Dance?, y en el estudio de grabación y con la convivencia, la amistad se convirtió en amor y el 5 de junio de 2004 se casaron en la lujosa mansión que tiene Jennifer en Miami, confirmando así los rumores que los relacionaban sentimentalmente. Marc Anthony confesó que siempre ha estado enamorado de Jennifer y que ella es la misteriosa Lola a quien dedicaba varios de sus discos y canciones.

NOTICIAS Olga Tañón

y

Gilberto Santa Rosa Veracruz.

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obligados a

Linda Viera Caballero, mejor conocida por su

nombre artístico La India, también como La Princesa de la Salsa. Nació en Río Piedras (Puerto Rico) el 9 de marzo de 1969, Es una cantante puertorriqueña. Su carrera artística comenzó en la ciudad de Río Piedras. Ha colaborado cantando a dúo con el cantante Marc Anthony en estudio y concierto en vivo el tema Vivir Lo Nuestro, algunas de sus canciones en salsa las ha versionado a balada como Sedúceme y Traición en el año 2002. Ha criticado a su colega y compatriota Marc Anthony, diciendo que Marc perdió la sencillez, que ya no es como cuando lo conoció. Actualmente, se le vincula en trabajos incursionando al género del reggaetón, junto al productor “DJ Memo”. “La India” es la mujer con mas exitos en el Billboard Tropical/Salsa y una de las mujeres mas conocidas en la música tropical. La India ha colaborado con muchos de los músicos más influyentes de música latina. En 1991, hizo una gira con Eddie Palmieri. Palmieri produjo y escribió o co-escribió todas las canciones de su álbum de 1992, “Llegó La India”. Su álbum de 1996, “Jazzing”, incluyó tanto su amor por la música latina y su afinidad por las baladas pop como memorables versiones de clasicos tales como “Fever”, “Love for sale”, “Going out of Orchestra” bajo la dirección del trombonista Grover Mitchell.

Marc Anthony posee un registro de Tenor Ligero; es el registro más popular entre los cantantes varones. ni una lágrima más, su último disco

La India

En el 2011 inicio la Gira Dos Mundos un Concierto por Latinoamerica con Alejandro Fernández. El 18 de junio se presento en el nuevo Estadio Nacional de Costa Rica donde se departió un excelente espectáculo musical de dos géneros en un escenario.[1] Se esperaba que Jennifer López apareciera en el escenario como lo hizo en el concierto anterior, pero esto no sucedió. Un mes después anuncia su separación de Jennifer López.


ventas de entradas www.bachattea@bachata.com


OWEN PALLETT

EL HOMBRE ORQUESTA EN LA SOMBRA

Entre sus colaboraciones con gente como Arcade Fire, Pet Shop Boys o Mika, este esteta contumaz ha creado, junto a la Orquesta Filarmónica Checa, su mejor álbum hasta la fecha y uno de los diez mejores de 2011: una obra maestra de pop orquestal que supera en ambición y logros a todo cuanto grabó como Final Fantasy. POR

Ana Isabel Molina Ruiz

O

wen Pallett (nacido el 7 de septiembre de 1979) es un compositor, violinista y vocalista de Toronto, Canadá. Su padre, que era un ávido organista, le procuró una sólida base en lo que a música clásica se refiere hasta su adolescencia. Owen empezó a estudiar violín a una temprana edad y compuso su primera pieza cuando contaba con tan sólo 13 años. Ha compuesto música para videojuegos (Traffic Department), películas y dos óperas durante sus años en la universidad de Toronto, de la cual obtuvo la carrera musical en composición en 2002. Empezó grabando con el pseudónimo de Final Fantasy como tributo a la conocida serie de videojuegos de la cual Pallett es fan. Publicó dos discos: Has A Good Home (Tomlab, 2005) y He Poos Clouds (Tomlab, 2006), compuesto por diez pistas, los cuales tienen cierta relación con las ocho escuelas de magia del juego Dragones y Mazmorras y la letra de la canción que da nombre al disco se refiere tanto al videojuego de Nintendo La Leyenda de Zelda como a Las Crónicas De Narnia. El Sr.Pallett ya había llamado la atención de otros insignes musicales como Arcade Fire, Pet Shop Boys, Grizzle Bear, Beirut, The Hidden Cameras, Andrew Bird, Arctic Monkeys que solicitaron su talento. Ahora, Owen Pallett, el talentoso compositor, violinista y teclista canadiense, ha decidido abandonar su pseudónimo, para firmar con su nombre Heartland (Domino, 2011), su tercer trabajo. Algunos artistas aprovechan un cambio de nombre para realizar una brecha en su carrera y optar por estilos que no habían desarrollado hasta ese momento. No es el caso de Owen Pallett, en el que este cambio, desde el ya  antiguo Final Fantasy, viene dado por la publicación de su nuevo trabajo en Japón. No vaya a ser que Hironobu Sakaguchi, creador de la saga de videojuegos,  le ponga una demanda. Lo que si se sabe, es que éste es un álbum excepcional.

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FOTOGRAFÍA DE ryan pfluger©.


Heartland es, hasta la fecha, el mejor y más complejo disco de Owen Pallett.  No es, simplemente, pop para cuarteto de cuerda, como en He Poos Clouds, sino pop para orquesta filarmónica, electrónica, bajo eléctrico y batería; un aparato instrumental denso cuyas relaciones hila Pallett con seda fina, con sentido, sutileza y mesura, por no hablar de una tensión emocionante. Los arreglos no se limitan a uso ornamental, sino que son elementos clave en la dinámica de partituras tocadas por una gracia melódica difícil de resistir. El tercer trabajo del canadiense continúa con los elementos de Dragones y Mazmorras, los videojuegos y los mundos imaginarios, con letras que hacen referencia a armas medievales de todo tipo y a batallas. Heartland es un trabajo conceptual que musicalmente se presenta mucho más elaborado que cualquier otro trabajo que Owen Pallett haya realizado hasta ahora. Ante este álbum, cualquier disco pasado parece una obra de dormitorio. Aquí deja libre su fuerza compositiva y acompaña y resalta cada uno de los momentos de Lewis como si fuese una banda sonora, con una composición llena de detalles y función narrativa, y lo hace a lo grande. Pese a contar con un germen conceptual un tanto abstruso –en esta ocasión, un granjero de un mundo imaginario que lidia con su creador, esto es, Pallett–, los temas de Heartland emocionan: su poder formal, su lúcido uso de tan amplio espectro de sonidos, la citada gracia melódica, se suman en un todo abrumador, pero es que además esas letras tan esquivas pueden leerse, sin más, como reflexiones sobre el control o la fe. En un repaso a algunos de los temas que componen el disco, vemos que: “Keep The Dog Quiet” posee un tono intrigante con ráfagas de violines, maracas y sonidos latinos que parecen encontrar el blues con crescendos orquestales. Algo que fue esencial y ahora es secuencial. Se implanta la misión de Lewis como marioneta de su adorador creador. “Mount Alpentine” es una pieza corta de gradación perturbada, mientras que “Red Sun Nº 5” incide en el enfoque paranoico y dramático con sintetizadores, intensa percusión y voz laxa que significa la influencia de la etapa psicodélico-experimental de Brian Wilson en el ex Final Fantasy. “Lewis Take Action” comienza con la percusión del “Be My Baby” de Phil Spector hasta girar de nuevo al mejunje de los Beach Boys, la música cinematográfica y al pop barroco sobre bases líricas de sufrimiento con ansias místicas. En “The Great Elsewhere”, tema de notable imaginería natural sobre flujo de conciencia con temática medieval y estampas de evangelización, se escuchan sintetizadores a lo Who del “Who’s Next” que se reiteran en “Lewis Takes Off His Shirt” junto a arreglos orquestales estilo Tin Pan Alley. “Oh Heartland Up Yours” es una mezcla entre electro-pop y pop orquestal, de nuevo con un enfoque muy cinematográfico , y “Flare Gun” tiene ecos de Grig y Kurt Weill. “E Is For Estranged” tiene resonancias del rock psicoprogresivo de los Moody Blues con toques vals e inventivos arreglos que mezclan el pop orquestal con la lisergia de Brian Wilson y el musical de Hollywood. “Tryst With Mehistopheles” es un tema con preeminencia del bajo en donde no faltan los violines, el piano y cascadas de sintetizadores. Pallett emplea el falsete realizando un contrapunto con su faceta crooner en “What Do You Think Will Happen Now”, balada con uso de órgano que pone punto y final a la historia de Lewis y su devoción espiritual-mística. Tan parcialmente disfrutable como parcialmente pedanteplomizo. Desde Ys, de Joanna Newsom, no veíamos converger la clásica con el pop con semejante química. Owen Pallett se supera; y con él la música. De rodillas ante este frágil, por delicado, monumento sonoro.

OWEN PALLETT

FOTOGRAFÍA DE ryan pfluger©.

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OWEN PALLETT

PALLETT EN ACCIÓN.

cartel de su último concierto en madrid.

Dicen que la buena educación llega a todas partes. En el caso de Owen Pallet, que nos recibe comiendo porciones de manchego con finura y sutil naturalidad mientras se ofrece a ir andando con los instrumentos en mano hacia la sala donde defenderá su complejo y preciosista, Heartland, la impresión es justamente la de un artista que saber estar y hacer. Para realizar su primer álbum bajo su propio nombre –tras la aventura como Final Fantasy- ha tardado un tiempo, pero solamente un día para grabar con la Orquesta Filarmónica Checa. “Me salía más barato y eran buenísimos. Adoro grabar con orquestas, son todo precisión”. Además, le sobraban canciones. “Tenía veintidós temas, dos de ellos iban a ser singles y ‘Lewis Takes Of His Shirt’ ni siquiera iba a entrar en el álbum”. Esos mismos cortes han ido a parar al EP que acaba de sacar, A Swedish Love Story, para el que ha necesitado sólo una semana junto a su colaborador en la producción, Rusty Santos. A pesar de tan apabullante currículo, la entrevista con este canadiense se convierte en un viaje por el país de la modestia y la inteligencia, incluso cuando reacciona sorprendido al preguntarle si consideraría su último trabajo de los mejores discos del año. “En el Reino Unido no ha gustado nada. Ya han comenzado a publicar sus listas y no aparece en prácticamente ninguna. Creo que es porque cuando creas un álbum musicalmente ambicioso la crítica inglesa evita cualquier elogio”. La expresividad y texturas del disco recuerda a la maestría con la que otro gran productor, Matthew Herbert, descolocó en su momento con “Bodily Functions”, a lo que Pallet, también hijo de músico, responde con un “Me encantaría trabajar con él, es uno de mis productores favoritos”. También le ha emocionado “The Age Of ADZ” de su amigo Sufjan Stevens. “Creo que he escuchado la canción ‘I Want To Be Well’ mil veces este año”. Todos ellos son trabajos de una complejidad gozosa sólo porque Pallet, Herbert o Stevens, saben sacar el jugo de un loop inusual de violín o de vientos para narrar como nadie. Precisamente, lo que costó encajar fueron las letras. “De los diez meses de preparación

fotogramas de algunos videos para el ny times.

del disco, tres se fueron exclusivamente en las letras”. En este disco de Pallet hay historias de una intimidad sorprendente, casi secreta. “Quería huir del disco en torno a un concepto como en los anteriores, que en parte bebían de vídeo-juegos muy conocidos. A lo mejor el próximo lo escribo entero sobre mi madre”, bromea. Hace poco hizo la música para unos vídeos sobre la historia del cine, en la que podemos ver actores de la talla de Natalie Portman, Tilda Swinton, Michael Douglas, James Franco, Javier Bardem, Matt Damon... Un total de catorce actores y actrices. “Son una serie de vídeos que el New York Times me pidió. Son referencias a momentos del cine de siglo XX. No son como clichés, ni elementos tan reconocibles: un vampiro que grita, gente huyendo de una catástrofe… Hice 14 piezas de música. Bueno, hice más, pero se escogieron 14 que hacen referencia a 14 de esos momentos. Las hice en una semana y las grabé y envié. Vi los vídeos y las fotos y sincronicé la música. Quedó muy bien”. En estos momentos está planteándose la posibilidad de recuperar sus primeros discos con el nombre de Owen Pallet, aunque “por razones de contrato no sé si será con Tomlab o Domino, pero creo que haré una nueva mezcla del primer disco porque la mezcla era terrible. Cuando lo saquemos, sacaremos el disco tal como salió pero también habrá una nueva versión que suene mejor. No sé si gustará la idea, pero Kate Bush lo hace. Ya en 1986 sacó un recopilatorio llamado ‘The Whole Story’, para el que regrabó las voces de su primer álbum cuando casi tenía 30 años. No creo que la nueva versión estropee la vieja versión. No puedes recrear la historia, pero me gustaría convertir el primero en un disco mejor porque no creo que fuera particularmente bueno”. Y con esas nos deja en la intriga, aunque en un momento hable sin tapujos de la importancia que para él tiene su novio y manager, de los episodios de ansiedad que ha vivido antes de terminar el disco, o de la gira canadiense en la que estuvo algo enfermo y

“Adoro grabar con orquestas, son todo precisión”

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carçtulas. de arriba a abajo y de izq. a dcha: 'has a good home', 'he poos clouds' y 'heartland'.

de la que recuerda sólo delirios. “Mis peores shows han sido durante el tour canadiense y otro en el que no tenía a mi ingeniero de sonido habitual y sonaba como un pastel. Aunque parezca que yo y mi violín bastan, realmente se necesita un sonido potente. Las mejores experiencias fueron de telonero de The National en Estados Unidos, en Union Chappel en Londres, en París, y siempre me gusta Lisboa. El país que más me gusta y por el que más me preocupo es Portugal, después Irlanda y Austria, allí tuve una actuación en directo en una radio maravillosa”. Es en este momento del encuentro cuando más confiesa su intimidad, expresando la necesidad de unas vacaciones tras más de un año de directos, y hablando de la poca importancia que para él guarda la industria, ese monstruo que bien te devora, bien te transforma en lo que no quieres ser. Una última lección de humildad antes de recoger los bártulos y marchar a la sala a pie, a pesar de la lluvia madrileña, da una idea más de este genio. “No tengo un ego desmesurado ni ansia por ver mi nombre en neones, sólo me preocupa que a la gente le guste mi música y que me haga ganar el dinero suficiente para vivir. La decisión más egocéntrica que quizás he tomado ha sido cuando, al trabajar con Arcade Fire, pensé en empezar en solitario, y aún así sigo colaborando con ellos. Cuando veo a grupos con todo un equipo detrás tampoco me emociona. Estoy feliz de trabajar como lo hago, mi novio y yo y punto”.


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ESTILO +QM

LADY GAGA O EL EXCESO

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ESTILO +QM Es Lady Gaga quien aparenta ser, o lo que ante nosotros se muestra es una especie de icono, no solo musical, que intenta llamar la atencion para atraer a millones de fans? Es Lady Gaga una diva nata o una víctima de la moda? Esta pregunta se le pasa a más de uno por la cabeza y es que, a pesar de tener miles de fans seguidores, a pesar de hacer una música que engancha, que se baila en las pistas de medio mundo, a ella, parece ser, no le es suficiente, y tiene que hacerse notar de otras formas menos “comunes” entre los de su profesión. A ella le gusta dar la nota con ciertos comentarios e indumentarias y es que... ¿A quién se le ocurre ir a por el pan con medias de rejilla, tacones que le levantan más de 20 cms del suelo, un jersey que no le llega al ombligo y unos pantalones cortos que no le llegan a tapar el trasero? Todo esto sin contar sus atrevidos y coloreados cortes de pelo y accesorios que nunca sabremos dónde conseguir. Y la pregunta es... ¿Cómo es, realmente, Lady Gaga? ¿Quién es esta mujer tan misteriosa? ¿Es así por libre elección, por accidente, por víctima? ¿Quién no piensa que bajo todo ese halo existe otra mujer que puede ser, no menos interesante, pero sí totalmente diferente a como quiere que la veamos? ¿Ha caído en el mundo de las etiquetas del que cuesta tanto salir? ¿Qué pasaría si Lady Gaga dejase de pasear con vestidos hechos de pelo humano? ¿Los nueve millones de fans que le siguen en twitter dejarían de ser fans? ¿Es toda esta extravagancia una estrategia que mantiene a la diva en el candelero de todo periodista? ¿Sería Lady Gaga la misma sin su exterior que tanto le caracteriza y distingue del resto de los mortales? ¿Es extravagante o la extravagancia la ha hecho ser quien es y ya no puede dejar de ser si no es acompañada de este adjetivo?

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FIESTA DE LA LUJURIA Sテ。ADO 25 febrero

Samurai DAFT PUNK THE BLOODY BEETROOTS WOLFGAN GARTNER THE CHEMICAL BROTHERS PRODIGY

librocaras.com/samurai

Gran Calle 69


MUSICA EN LA RED

Imagine a World Without Free Knowledge Imagine un mundo con conocimientos limitados, sin libertad. Imagine un mundo que limite al ser humano y le conduzca en dirección contraria a su sed de expansión por conocer. Imagine ser un cuadrado. Por: María León.

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no de los temas que más nos inquieta en el presente tiene que ver con la música y la cultura en general , pues es ahora el momento en el que las cosas se están poniendo de un color bastante oscuro, y la gran pregunta es: ¿qué va a pasar? El artículo de hoy nos acerca cautamente a la polémica que se está dando a nivel mundial respecto a este tema de compartir, o no, datos mediante la red. La ley vuelve a tocar de forma general a la gente que, indignada, comienza a idear qué se puede hacer con el cierre de miles de páginas que compartían lo que todos acaban llamando: “cultura”. Comenzamos dando una introducción de los inicios y evolución. En los últimos años ha habido una serie de avances tecnológicos que han transformado y están transformando las formas de producción y distribución musical y, con ellas, la industria discográfica en general. A grandes rasgos, pueden distinguirse tres etapas, con distintos impactos cada una de ellas. La primera etapa corresponde a la década de los ochenta y está relacionada con la aparición de la tecnología digital, que permitió la reproducción de ondas de sonido a través de ceros y unos. Esta tecnología impactó tanto en la elaboración de los productos musicales (mejorando, por ejemplo, su calidad)

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como en su consumo (con la aparición de nuevos aparatos reproductores). La segunda etapa corresponde a los inicios de la década de los noventa, cuando la empresa alemana Fraunhofer Gesellshaft creó el formato MP3, que permitía reducir entre 10 y 20 veces las necesidades de almacenamiento de un archivo musical sin que hubiera una pérdida sensible en la calidad de reproducción de dicho archivo. Esta innovación supuso un salto súper importante, porque si bien es cierto que entre los nuevos aparatos reproductores de los ochenta se encontraban los ordenadores personales, éstos no llegaron a afectar los formatos de distribución de música debido, básicamente, a su pobre capacidad de almacenamiento (por ejemplo, una canción de una duración de 3 minutos ocupaba en 1997 unos 50 MB de espacio en el disco duro y requería una considerable cantidad de tiempo para ser transmitida a través de Internet). Por lo que fue con el MP3 cuando realmente se produjo una integración entre la industria discográfica y la industria informática. Esta integración se superó a así misma y produjo una nueva etapa cuando se combinó con la masificación de la banda ancha y la aparición de la Web 2.0. Fue entonces cuando se revolucionó la industria de la música y los archivos de música comenzaron a circular en Internet en una escala nunca antes pensada; ya sea a través de tecnología streaming (como en el caso de YouTube, MySpace o Last.fm), redes de usuarios Peer-to-Peer (como Kaaza, eMule, LimeWare e eDonkey), buscadores (como RedFerret) o wikis (como Netlabel Catalogue), los internautas del mundo entero comenzaron a publicar, descargar e intercambiar entre sí archivos musicales. Es justamente esta etapa, que ha sido realmente explosiva y que todavía transitamos la que probablemente más ha afectado la producción, el consumo y la distribución de productos musicales. Tanto es así que mientras que en 2006 el mercado de la música en línea representó un 10% del total del mercado de la música grabada, se prevé que en 2009 alcance el 40 o 45%. Y

se calcula que el total de las descargas actuales ilustran el gran potencial que tiene la música legal más o menos €3.600 millones. Por otro lado, el número de obras musicales disponibles en línea de forma legal se duplicó hasta los 4 millones y las descargas de canciones se han incrementado en un 89% aproximadamente hasta alcanzar la cifra de 795 millones. Es por eso que hoy vamos a detenernos – aunque de modo bastante general – en dos de sus más grandes impactos. Especialmente en lo que refiere al intercambio de archivos en redes P2P y la Web 2.0. El primero de ellos refiere a la piratería y a los problemas relacionados a los derechos de autor. El segundo, que resulta del anterior, refiere al surgimiento de nuevas estrategias de distribución de los productos musicales. En general, el eje del debate es el siguiente: ¿la piratería es un delito penal que se produce únicamente cuando la descarga y copia de canciones se efectúa con ánimo de lucro? ¿O la descarga de música para uso personal y sin ánimo de lucro es también un delito? Es decir, ¿puede considerarse “piratería en línea” el hecho de escuchar, bajar e intercambiar en Internet canciones y letras de canciones sin autorización y sin compensación a los artistas? Pero el punto es que, más allá de las cuestiones ideológicas, el verdadero trasfondo de esta discusión no refiere a la cuestión legal sino que atañe directamente al funcionamiento de la industria discográfica y sus consecuencias en términos del costo de los discos y productos musicales.

El caso español ofrece, en este sentido, una excelente radiografía del asunto. En España, todos coinciden en que la cultura es un bien que se debe proteger (88,5%), que las copias no autorizadas obstaculizan su desarrollo (62,5%), y que es necesaria una ley que proteja a los autores y sus obras (74,3%). Sin embargo, la gran mayoría opina también que los productos culturales deberían ser más baratos (90%), que


MUSICA EN LA RED la culpa de su precio es el exceso de intermediarios (discográficas, distribuidores, representantes) entre las obras y el público (89%), y que la mejor forma de acabar con la piratería es abaratar los bienes culturales (42%). Esto quiere decir, en otras palabras, que la “piratería en línea” no es tanto un problema ético sino una cuestión de precios: la gente usa Internet porque les permite acceder a bienes culturales que son demasiado caros. Lo paradójico es que el factor que explica estos costos no es otro que el margen de ganancia de las compañías discográficas. Es decir, que el quid del problema en torno los derechos de autor en Internet no refiere a los autores ni a los consumidores, sino que atañe exclusivamente a la industria de la música y sus formas de funcionamiento. Para tener una idea de la dimensión de esta paradoja vale la pena repasar los datos existentes. Según la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), el reparto de un disco original en cualquier tienda de España por un valor de 15€ (precio medio habitual de un CD), sería el siguiente: un 9,4% corresponde a los autores (lo que equivale a 1,42 euros); un 13% del disco corresponde al distribuidor (2 euros); el 16% corresponden a los ingresos de hacienda a través del IVA (2,4 euros); el 26% es el beneficio de la tienda (un total de 4 euros); y los ingresos de la compañía discográfica alcanzan el 34,6% (supone 5,19 euros por disco). Por lo que el problema central detrás de toda esta problemática no es el medio de distribución ni el sistema legal de protección de los derechos sino la estructura misma de la industria de la música. Que debe adaptarse a un nuevo medio de comunicación interactivo y colaborativo y a un nuevo perfil de consumidores que quiere evitar los altos costos de los intermediarios. Por otro lado, al mismo tiempo que han implementados estrategias de control de la “piratería en línea” (como la encriptación de los archivos Microsoft WMA, la ya caduca SDMI, la red digital FastTrack y la distribución de software de marcas de agua) muchas compañías disqueras han comenzado también a incursionar en la red, innovando especialmente en modelos que usan las redes de intercambio como plataformas para la distribución paga de contenidos digitales. En este marco, el número de usuarios del Modelo de Suscripción alcanzó, por ejemplo, en 2006 la cifra de los 3,5 millones (25% mas que en 2005) y las grandes compañías han comenzado a expandirse por el mundo y crear compañías locales especializadas en repertorios locales. Además, han desarrollado canales de distribución de música grabada, como las radios digitales o los podcasting) y nuevos modelos soportados por la publicidad y los que incorporan los P2P legal. La primera iniciativa en este sentido fue PlayLouder, un proveedor de servicios de música que ofrece una descarga ilimitada de música legal como parte de su acceso de banda ancha a Internet y permite que los archivos puedan ser intercambiados y utilizados entre los suscriptores sin restricciones. Otro caso muy exitoso es iTunes, que en acuerdo con EMI, ofrece más de cinco millones de canciones al mismo precio de 99 céntimos de euro por canción, y que en sus dos primeros años de vida alcanzó la cifra récord de 300 millones de canciones vendidas, acaparando el 65% del mercado de la música digital (lo que demuestra que, a precios un poco más razonables, la gente está dispuesta a comprar su música en lugar de piratearla). También se han creado sitios que intentan competir con las actuales redes P2P, como MusicNet (de AOL Time Warner, Bertelsmann, EMI y RealNetworks) y PressPlay (una iniciativa conjunta entre Sony y Vivendi Universal que fue luego fusionada con Naps-

ter). Se ha dado la compra emprendimientos como Last.fm, una radio en línea que fue recientemente adquirida por la multinacional CBS. Y la transformación de servicios gratuitos en servicios pagos. Este último caso ha sido, por ejemplo, el de Napster e iMesh, pioneros ambos en el intercambio de música P2P, que tras numerosas disputas legales con la industria discográfica acordaron convertirse en redes de intercambio de música de pago.

Pero el impacto de la Web 2.0 no refiere únicamente a la distribución de música por parte de las compañías disqueras sino que involucra también la distribución y mercadeo de productos musicales por parte de los propios artistas. Porque si bien algunos e ellos critican esta revolución “net” del mercado musical, otros han decidido sacarle el máximo provecho. Tanto es así que la mayoría de las nuevas promesas del pop británico, por

EL FUTURO

ejemplo, pertenecen a la “generación MySpace”, ya que lograron su primer contrato discográfico tras revolucionar la comunidad digital. Basta ver los casos de Artic Monkeys, Lily Allen o Mika. Porque el hecho es que, tal como funciona la industria discográfica hoy, muchos músicos pueden beneficiarse (especialmente aquellos que recién se lanzan al mercado) de las oportunidades que brinda la red. Dadas las bajas ganancias que obtienen por cada venta en el sistema tradicional y la dificultad de llegar al mercado (cada año al mercado mundial un total de 32 mil discos, de los cuales sólo 250 convencen a más de 10.000 compradores), las entradas a los conciertos se transforman para los artistas en la principal fuente de ingresos, y la difusión en publicidad y medios de promoción en una variable clave para poder sobrevivir. Entonces, si un artista no cuenta con suficiente apoyo de una discográfica, Internet aparece como una herramienta más que ideal: sólo es necesario publicar la obra en formato MP3 bajo una licencia Copyleft en sitios como MySpace o YouTube, con más de 64 y 41 millones de visitantes únicos al mes cada uno de ellos. Después de estos datos, quién cree estar en lo correcto si dice que compartir cultura no es correcto? Para quién es ilegal, a quién no beneficia? El debate está abierto, la pregunta es: para cuándo el punto y final?

INCIERTO

DE LA MÚSICA

La Ley de Economía Sostenible, llamada por los internautas Ley Sinde, pretende cerrar las webs en las que se encuentran enlaces para descargar archivos sujetos a derechos de autor, sin necesidad de pasar por las manos de un juez. ¿Por qué? Pues precisamente por eso, porque siempre que pasaba por las manos de un magistrado, no salía adelante puesto que no estaba haciendo nada ilegal. De esta manera, el gobierno pretende quitarse un estorbo de en medio. Se están preparando diversas protestas, tanto através de la red, con el uso de la herramienta LOIC, como en las calles, con convocatorias para manifestaciones, además de otras muchas iniciativas en contra de la Ley Sinde, si quieres participar activamente, puedes acceder al canal de IRC de Anonymous Hispano mediante un programa de IRC. Servidor: irc.anonops.ru – Canal: #Hispano www.masquemusica

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MUSICA Y CINE

TITULO ORIGINAL: AÑO: DURACIÓN: PAÍS: DIRECTOR: GUIÓN: MÚSICA: FOTOGRAFÍA: REPARTO:

PRODUCTORA: GÉNERO: SINOPSIS:

TRAILER:

T

he Doors es una película biográfica estadounidense sobre la banda de rock del mismo nombre, dirigida por Oliver Stone y estrenada en 1991. El guion fue escrito tanto por Stone como por Randall Jahnson, basado en el libro “Riders On The Storm” de John Densmore. Fue realizada por los estudios Carolco Pictures y originalmente distribuida por Tri-Star Pictures. El filme hace hincapié en la tormentosa vida de su vocalista, Jim Morrison, a 20 años de su confusa muerte. Fue protagonizada por Val Kilmer como Morrison, Meg Ryan como Pamela Courson (compañera del cantante), Kyle MacLachlan como Ray Manzarek, Frank Whaley como Robby Krieger, Kevin Dillon como John Densmore y Kathleen Quinlan como la periodista Patricia Kennealy. Resultan notables dos breves cameos con los verdaderos John Densmore y Patricia Kennealy en distintos personajes. En general, recibió grandes críticas principalmente provenientes de los integrantes de la propia banda The Doors, debido a que Jim Morrison fue representado como un psicótico y no como el músico que era, además de que la película cae en muchos errores históricos.Dieciocho años después, al respecto de esta película, el tecladista Ray Manzarek dio que el documental llamado “When You’re Strange” estrenado en 2009, es “la verdadera historia de The Doors”, e indicó que este nuevo trabajo es el “anti-Oliver Stone”, refiriéndose evidentemente a este cuestionado film. Reparto: The Doors debió enfrentar una gran cantidad de dificultades técnicas para su realización en la década de los 80´s, incluyendo una gran diversidad de estudios, actores y directores, hasta que se eligió al definitivo Oliver Stone para su dirección en 1986, quien logró llevarla a la pantalla grande hasta cinco años después. Casi diez años antes de que se hiciera la película, el proyecto pasó por un verdadero “infierno de desarrollo” después de haber sido considerados aspectos esen-

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THE DOORS. 1991. 135 min. Estados Unidos Oliver Stone. J. Randal Johnson & Oliver Stone. Olivia Barash (Canciones: The Doors) Robert Richardson. Val Kilmer, Meg Ryan, Kevin Dillon, Kyle MacLachlan, Frank Whaley, Michael Madsen, Billy Idol, Kathleen Quinlan, Bruce McVittie, Dennis Burkley, Josh Evans, Costas Mandylor, Crispin Glover. Carolco. Drama | Biográfico. Música. Drogas. Años 60. Años 70. Jim Morrison, cabeza visible de The Doors, para muchos fue un regalo de Dios; para otros, un vástago del Diablo. Vivió al límite, en una anárquica carrera autodestructiva salpicada de escándalos y arrebatos de ira y de pasión que lo hundieron en un abismo de sexo, alcohol y drogas. http://www.youtube.com/ watch?v=uEbrWuvziQg ciales de producción. Varios actores tan renombrados como Tom Cruise, Johnny Depp, John Travolta y Richard Gere fueron en su momento mencionados para el personaje de Morrison cuando el proyecto estaba aún en desarrollo, en la década de 1980. Incluso los cantantes de INXS (Michael Hutchence) y U2 (Bono) expresaron su interés en el papel.Sin embargo, un prácticamente desconocido Val Kilmer fue el elegido, luego de que Oliver Stone lo descubrió en 1986. Kilmer tenía el mismo tipo de voz para el canto como Morrison y logró convencer al director de que él era perfecto para el rol del cantante. Gastó varios miles de dólares en filmar su propio vídeo de ocho minutos, con una muestra de su canto y el aspecto de Morrison en las distintas etapas de su vida. Para prepararse para el papel, Kilmer perdió peso y pasó seis meses ensayando canciones de The Doors todos los días. El actor aprendió 50 canciones, de las cuales 15 son en realidad interpretadas por él mismo en la película. Kilmer también pasó cientos de horas con el productor musical Paul Rothchild para que le ayudara con su caracterización, quien le dijo que incorporara “anécdotas, historias, momentos trágicos, momentos de humor, como Jim pensaba y se dijera ¿cuál fue mi interpretación de las letras de Jim?”, dijo Rothchild. También le recomendó en el estudio que utilizara “alguna pronunciación, cosas idiomáticas que Jim podría hacer que una canción sonara como él”.Curiosamente, aunque Kilmer logró conocer y reunirse con Robby Krieger y John Densmore, Ray

Fue un poeta, compositor y cantante estadounidense, célebre por ser el vocalista del influyente grupo de rock psicodélico The Doors. Está clasificado como número 47 en la lista de “Los 100 Mejores Cantantes de todos los tiempos” Manzarek rehusó del todo hablar con él, debido a su posición abiertamente adversa a la historia que se produciría. Se afirma que cuando los restantes The Doors escucharon a Kilmer cantando, creyeron oír la propia voz de Morrison.


MUSICA Y CINE TITULO ORIGINAL: AÑO: DURACIÓN: PAÍS: DIRECTOR: GUIÓN: MÚSICA: FOTOGRAFÍA: REPARTO: PRODUCTORA: GÉNERO: SINOPSIS:

TRAILER:

Punk, drogas, sexo, suciedad, sangre, amor, locura y traición. Lo juntamos todo y nos quedamos con una película bíblicoromántica extrema basada en un hecho real. El rock aporta al cine historias que parecen sacadas de un libro de Bécquer. Sid Vicious fue ese símbolo de muerte joven que dejó atrás una música antológica y un romance que retumbó por todo el mundo.

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a resurrección en el cine. Quién diría que Gary Oldman marcaría su carrera de por vida cuando acepto perder peso para reencarnarse en una de los mayores emblemas de la historia musical. Desde entonces el británico actor ha actuado desde ese rincón de personajes oscuros, malos de película y personalidades corruptas. Sid Vicious no fue famoso solo por ser integrante de

SID AND NANCY. 1986. 111 min. Reino Unido Alex Cox. Alex Cox & Abbe Wool. Joe Strummer & Varios (Punk) Roger Deakins. Gary Oldman, Chloe Webb, Courtney Love, David Hayman, Xander Berkeley, Perry Benson, Andrew Schofield. Coproducción GB-USA. Musical | Años 70. Biográfico. Música . Cox repasa la trayectoria y los últimos años de Sid Vicious, líder del mítico grupo punk Sex Pistols. Sid Vicious y Johnny Rotten eran las estrellas del grupo de rock Sex Pistols. Sid se enamorará de una chica americana, Nancy, y ambos no sólo mantendrán una relación juntos, sino también con el mundo de las drogas. En octubre de 1978, en el hotel Chelsea de NY, Nancy es encontrada apuñalada junto a Sid, abatido de pena. Arrestado y acusado de su asesinato, muere de sobredosis antes del comienzo de su proceso judicial. http://www.youtube.com/watch?v=geUx3jBB8 K8&feature=related una de las bandas punk más influyentes hasta nuestro tiempo, sino por la manera en la que vivió su vida y por el romance con la ‘groupie’ Nancy Spungen. Exagerado en algunos momentos, el film nos sienta en una habitación con Sid y Nancy donde nos pone a sudar con sus peleas, excesos y gamberradas. Cuando salimos a la calle, a un bar o viajamos hasta Estados Unidos de gira con los Sex Pistols, la cosa va empeorando y la diversión se vuelve cada vez más peligrosa. El vínculo entre Vicious y Spungen es como un alambre electrificado que pocos se atreven a tocar. Gary Oldman y Chloe Webb se encargan de dotar esa alta tensión a una relación que parece una bomba a punto de estallar. Autodestrucción, voluntad de suicidio, actitud pasiva agresiva… Todo parece caer en picado para la pareja, pero es precisamente ese dolor lo que les mantiene firmes y unidos. Un amor violento en el que el film introduce con un desastre pasional en el que Nancy muere apuñalada. Thin Lizzy, el mejor rock de Irlanda (y del mundo) Los dioses mueren jóvenes: Se apaga una estrella y nace un mito Punk: una visión integral Un delito que aún a día de hoy no ha encontrado culpable aunque deambula entre traficantes de drogas y el propio Sid Vicious. El glamour se pudre con las drogas en esta película. Es un mensaje de anti drogadicción que permanece impreso durante toda la historia para plantarnos la cara en la taza del váter y ver lo que hacen los excesos en los cuerpos de los protagonistas. Esta adicción a las drogas duras es la que desfasa la relación de la pareja. Sin drogas hay mono, y el mono pide a Vicious que golpeé a Spungen, que la abandone y la descuide. Ella se ata a ese dolor buscando el placer masoquista en la esencia de la relación. Él se ata a la muñeca de Nancy, buscando aislarse del mundo que ha dejado de entenderle como el quería.

plazado por Sid Vicious a principios de 1977. Con el empresario Malcolm McLaren como mánager, la banda organizó controversias que cautivaron al Reino Unido. Sus conciertos frecuentemente se topaban con dificultades con los organizadores y las autoridades, y sus apariciones públicas a menudo acababan en caos. Su sencillo de 1977 “God Save the Queen”, que atacaba el conformismo social de los ingleses y el respeto a la corona, precipitó la «última y mayor ola de pandemónium moral basada en el pop». En enero de 1978, al final de una turbulenta gira por Estados Unidos, Rotten dejó la banda y anunció su disolución. En los meses siguientes, los tres miembros restantes de la banda grabaron una serie de canciones para la película sobre la versión de McLaren de la historia de la banda, The Great Rock ‘n’ Roll Swindle. Vicious murió de una sobredosis de heroína en febrero de 1979. En 1996, Rotten, Jones, Cook y Matlock se reunieron para el Filthy Lucre Tour; desde 2002, se han vuelto a reunir para giras y conciertos en varias ocasiones. El 24 de febrero de 2006, Sex Pistols fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock, aunque se negaron a asistir a la ceremonia, llamando al museo «una mancha de pis».

Sid Vicious(1976-1979)

Sex Pistols es una banda de punk formada en Londres en 1975, considerada la responsable de haber iniciado el movimiento punk en el Reino Unido y de inspirar a muchos músicos de punk y rock alternativo. Aunque su primera etapa apenas duró dos años y medio y en ella produjo únicamente cuatro sencillos y un álbum de estudio —Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols—, se la reconoce como una de las bandas más influyentes de la historia de la música popular. Los miembros de Sex Pistols eran originalmente Johnny Rotten, el guitarrista Steve Jones, el batería Paul SexPistols(1975-1978)

Cook y el bajista Glen Matlock. Matlock fue reemmasquemusica

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MUSICA Y CINE TITULO ORIGINAL: AÑO: DURACIÓN: PAÍS: DIRECTOR: GUIÓN: MÚSICA: FOTOGRAFÍA: REPARTO:

PRODUCTORA: WEB OFICIAL: PREMIOS:

GÉNERO: SINOPSIS:

I

TRAILER:

CONTROL.

2007. 121 min. Reino Unido Anton Corbijn. Matt Greenhalgh (Libro: Deborah Curtis). Joy Division, New Order. Martin Ruhe (B&W). Sam Riley, Samantha Morton, Craig Parkinson, Alexandra Maria Lara, Joe Anderson, James Anthony Pearson, Toby Kebbell, Harry Treadaway. Coproducción GB-USA. http://www.avalonproductions.es/control/. 2007: Festival de Cannes: Cámara de Oro Mención especial 2007: BAFTA: Mejor promesa (Matt Greenhalgh-guionista). Nomin. film británico, actriz sec. Drama. Musical | Biográfico. Años 70. Música Película sobre los últimos años de Ian Curtis, el enigmático cantante de la banda Joy Division e icono del post-punk inglés, hasta su trágico suicidio en 1980. Cómo le afectó el dramático conflicto entre el gran amor que sentía por su esposa y la apasionada relación con su amante, sus ataques de epilepsia, su extraordinario talento y sus arrolladoras actuaciones en directo. Mención Especial en la Cámara de Oro, Premio de la Juventud y Premio Label Europa Cinema en el Festival de Cannes. http://www.youtube.com/watch?v=Lb9_Rh3fn9s

an Kevin Curtis (Manchester, Reino Unido, 15 de julio de 1956 – Macclesfield, Reino Unido, 18 de mayo de 1980) fue un cantautor británico, líder y compositor del grupo Joy Division, del cual fue cofundador en 1977 en la ciudad de Manchester. El artista se crio en Hurdsfield (en el extrarradio de Macclesfield), pero vivió la mayor parte de su vida adulta en la segunda, donde asistió al instituto The King’s School. Por el legado musical que dejó —en el que su voz grave y letras depresivas y suicidas fueron su rasgo distintivo— aunado a su forma convulsiva de bailar y la manera en que se quitó la vida, está considerado como uno de los principales “Poetas Malditos” de la Historia del Rock. Además, padecía de epilepsia y un leve grado de agorafobia. Desde joven, Curtis mostró talento como poeta. A pesar de que consiguió ir a The King’s School, nunca tuvo éxito académico. A medida que se hizo mayor, sus ambiciones y esperanzas se fueron cen-

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trando en la literatura, y finalmente culminaron en la música. El 23 de agosto de 1975 se casó con Deborah Woodruffe y cuatro años más tarde tuvieron a su única hija, Natalie. Curtis conoció a Bernard Sumner y Peter Hook cuando asistían a un concierto de los Sex Pistols. Fue allí donde le comentaron el hecho de que estaban intentando formar una banda, ante lo cual él quiso inmediatamente unirse al proyecto, liderándolo como vocalista y letrista. Entre los tres buscaron un baterista y, tras un largo proceso de selección, Stephen Morris se unió a la agrupación. Por aquel entonces el grupo tenía el nombre de Warsaw. Mientras actuaba con Joy Division, Curtis desarrolló un estilo de baile muy personal que evocaba los ataques epilépticos que sufría, a veces incluso en el escenario. La similitud era tanta que el público llegaba a dudar si lo que estaba presenciando era parte de la actuación o un verdadero ataque. A veces se desmayaba y tenían que ayudarlo a bajar del escenario, ya que su salud iba empeorando debido al gran número de conciertos que el grupo daba. Ian era un hombre bastante reflexivo, todo un poeta, y lo demostraba en sus letras, en canciones como “She’s Lost Control” (que habla acerca de una chica que fue a pedir empleo al lugar en donde él trabajaba y que sufrió un ataque epiléptico. Días más tarde él se comunicó con la familia de la joven y supo de la muerte de la misma, cosa que le afectó mucho). Es notable el tono depresivo y seco de las letras de sus composiciones, presente en canciones como “Disorder”, “The day of the lords”, “Love will tear us apart” y más. Estos temas llevaron a los fans, e incluso a su propia esposa, Deborah, a creer que estaba cantando sobre su propia vida. Curtis una vez comentó en una entrevista que escribía sobre “las diferentes formas que la gente tiene para superar ciertos problemas y cómo hacen para adaptarse a ellos”. Su voz de barítono bajo le hacía parecer mucho más entrado en años de los que realmente tenía (23 en el momento de su muerte) e impregnaba de oscuridad las canciones de Joy Division. El último concierto en el que Curtis participó tuvo lugar en el mismo mes en que murió, e incluyó, por única ocasión, la puesta en escena del tema “Ceremony”, que más tarde sería versionada por New Order, así como también por Galaxie 500 en su álbum “On Fire”. La

Sus influencias principales fueron los escritores William Burroughs y J.G. Ballard (hay dos títulos de canciones que hacen referencia a estos autores, “Interzone” y “Atrocity Exhibition”), y los cantantes, Iggy Pop y David Bowie. última canción que Curtis cantó en público fue “Digital”. Los efectos negativos de la epilepsia sobre su salud junto a sus problemas personales (entre ellos el repentino divorcio) fueron algunas de las causas que contribuyeron a llevarlo a quitarse la vida a la edad de 23 años. La noche en que murió, pocos días antes que el grupo fuera a iniciar su primera gira en los Estados Unidos, estuvo viendo una de sus películas preferidas, Stroszek, de Werner Herzog, en la que se muestra la vida de un atormentado artista que al final se suicida. Más tarde, finalmente, decidió colgarse en la cocina de su departamento mientras escuchaba el disco The

Idiot de Iggy Pop. Hoy en día continuan generándose especulaciones sobre cuál fue la verdadera razón para suicidarse, y si contribuyeron a su fatal desenlance las actividades que llevó a cabo aquel día.Curtis fue incinerado y sus cenizas enterradas en Macclesfield, con la inscripción “Love will tear us apart” en su lápida. Este epitafio, escogido por Deborah Curtis, es el título de la canción más conocida de Joy Division. “Closer”, el segundo álbum de Joy Division se lanzó de forma póstuma en 1980, 2 meses después de la muerte del cantante. Por: Rubén Gálvez Pérez.


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ENTREVISTA Entrevista con MAGO DE OZ Txus conversa de todo con Mas Que Musica.

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ago de Oz, una de las bandas más queridas en esta parte del mundo, regresa para despedirse, luego de que anunciaran un año de receso, además del abandono de su insigne vocalista José Andrea. Si bien esta entrevista la realizamos días previos al triste anuncio, Txus se dio el tiempo y conversó de todo con Mas Que Musica, no sólo abordando temas referentes a la banda, sino que también conversando sobre sus gustos musicales y deportivos, donde hasta envió sus felicitaciones a Alexis Sánchez. No te pierdas esta completa e interesante entrevista con el baterista de Mago de Oz. Mqm: ¿Qué tal Txus? ¿Cómo estás? Tx: Buen bien, gracias. Mqm: Vamos al grano. ¿Como viene este regreso a Chile de Mago de Oz? ¿Qué esperan ahora para su nueva visita? Ya va un

cerrarnos bien la trilogía de “Gaia”. ¿Significa que van a tocarán temas centrados en esta trilogía o también podemos esperar cosas mas clásicas? Tx: En América vamos a dividir el show en 2 partes: una basada simplemente en la trilogía de Gaia y una última parte, eh bueno, como regalo a nuestros fans. Vamos a tocar algunas cosas más clásicas y que la fanaticada está esperando que toquemos. Mqm: ¿Cuánto dura más o menos, si es que pueden adelantar algo el show que traen a Chile? Tx: Bueno, pues cerca de 2 horas. Es el show más largo que vamos a llevar a Chile, tocando temas como, ya he dicho, de los tres “Gaia” y una última parte recopilando un poco todos los hits que hemos tenido en Latinoamérica. Mqm: ¿Alguna sorpresa o algo especial que les gustaría adelantar para la gente de Mas que Musica?.

Txus Di Fellatio tiempo desde que ustedes están viniendo a nuestro país constantemente… ¿Que es lo que esperan ahora en este regreso 2011? Tx: Pues mira, justamente este 2011 queremos compensar a nuestros fans por no haber venido a la gira pasada en el 2010, porque bueno, por motivos de fechas no se acomodaba ninguna (risas). Habían días libres que teníamos y los días libres tampoco se acomodaba ninguna sala, ningún recinto libre en Santiago de Chile. Entonces, pues bueno, nos faltaron muchos países por visitar de la gira pasada, quisimos incluir obviamente a Chile, porque Chile siempre ha sido uno de los países más importantes en Latinoamérica para Mago de Oz. Mqm: Ahora con este show ustedes van a

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Tx: Emm no. No somos muy amigos de las sorpresas, porque las sorpresas suelen ser accidentes que pasen o que los brujos y las hadas se enreden en el sonido. No, no, no, al principio nada. Tenemos muchísimas ganas de volver a Santiago de Chile. Tenemos muchos, muchos, muchos amigos allí y la verdad que bueno, a raíz de lo del terremoto, estuvimos en España muy pendientes de todos nuestros amigos chilenos. Y nada, que les mandamos desde aquí un fuerte abrazo y que estamos deseando volver ahí. Mqm: Y ahora con el cierre del ciclo de “Gaia”… ¿pretenden hacer otra historia similar? Obviamente una saga, una trilogía mas adelante. ¿O pretenden volver a los discos más tradicionales como los primeros de los noventas? Tx: Pues mira, la verdad es que es una bue-

na pregunta (risas). Es probable que simplifiquemos las cosas a nivel compositivo y a nivel creativo, más que nada porque venimos de hacer una trilogía con una alta dosis de desgaste a nivel creativo, y bueno, nos parecería algo muy fácil seguir haciendo este mismo tipo de obras. Entonces si que es probable, pero bueno, estamos hablando de hipótesis y de ideas. Si que es probable volver un poco a un disco mas parecido a “La Ciudad De Los Árboles”, por ejemplo, o a “Jesús De Chamberí” o a “La Leyenda De La Mancha”, canciones un poco mas rápidas, no tan complicadas y más directas. Mqm: También sabemos, pasando a otro tema, que ustedes y en particularmente tú


ENTREVISTA eres muy fanático del Futbol. ¿Todavía sigues jugando? Tx: Si, juego lo que mis viejas articulaciones me permiten (risas). Tengo 41 años ya, y bueno, ya para el futbol ya estaría retirado, pero bueno, si que hago de vez en cuando unos cuantos partidos. Mis compañeros son muy del Madrid, yo soy más del Barcelona. Estamos divididos,

Alexis, que defienda y que ataque, que tenga mucha movilidad. Yo creo que sin haber jugado nunca en el Barca, es un jugador con ADN Barca. Ese tipo de jugadores están hechos para jugar en el Barcelona. Mqm: Y hablando de otras aficiones que tú tienes. ¿Sigues escribiendo? Tx: Si, si, si. Yo sigo escribiendo poesía, y bueno, de hecho ahora salió mi primer disco en solitario con una banda que he creado que se llama Burdel King. Y bueno, ahí canto yo, en vez de tocar la batería. Cualquier información de la banda la puedes tener en la pagina www.burdelking.es. Y bueno, es un rock & roll muy asturiano, con bastante actitud, y no tiene nada que ver con Mago de Oz. Es incluso, diría que grosero. (risas) Mqm: como fue el proceso de armar esa banda, y ese disco? ¿De dónde nació la idea? Tx: Yo siempre he estado haciendo muchas cosas, incluso he estado haciendo canciones infantiles para un musical que se llama “Héroes de Pacotilla”, un musical que se estrenó en Madrid. Hice toda las canciones, la música, las letras… siempre he sido un alma inquieta. Desde hace tiempo me rondaba en la cabeza el montar una banda en que yo fuera el cantante, que yo fuera el frontman y no estar tan atrás en la batería. Sólo para divertirme. Y ojala que fuera música que tuviera poco o nada que ver con Mago de Oz. Entonces bueno, esto es una banda con mucho piano, mucho rck & roll. Le gustó mucho a mi disquera Warner e hicimos un contrato por 3 discos.

Componentes Mago de Oz todo Mago de Oz es muy Madrilista, yo soy más Culé. Mqm: Imagino el partido entre Chile y España hace algún tiempo. Y otra cosa… ¿Qué te pareció lo de Alexis Sánchez en el Barcelona? Tx: Pues mira, primero creo que el juego chileno ha hecho un salto cuantitativo enorme. De hecho, tenemos a Bielsa aquí en el Athletic, mi otro equipo del alma. Él hizo mucho por el fútbol chileno. Y vamos, Alexis mejora el mejor equipo del mundo. Lo que le faltaba a Guardiola y al Barca era justamente un jugador versátil como

bía publicado como poeta, y la verdad es que se agotaron las dos ediciones que hicimos. Y luego de esto, ya pretendo hacer una segunda parte de los “Versos Perdidos”. Ya tengo escritos 20 a 30 poemas, y cuando junte otros 20 a 30 voy a sacar otro libro de poesía. El año que viene de seguro saldrá el libro. Mqm: También sabemos acá en el equipo de Rockaxis que eres muy fanático de Iron Maiden… Tx: Si, ¡obvio!

Mqm: ¿Y el tiempo te va a dar? ¿Te podrás coordinar con ambas bandas? Tx: Si, si, si. El día tiene 24 horas. Cuando no esté de gira con Mago de Oz, en los tiempos libres, en vez de estar en casa leyendo, estaré haciendo Rock & Roll callejero. De hecho, el año que viene estaremos visitando Latinoamérica. Así que los invito a que escucheis. Hay un single ya dando vueltas en mi página www.burdelking.es y ahí podrás escuchar un poquito de cómo va la onda. Mqm: Y con respecto a tu libro “El Cementerio de los Versos Perdidos”. ¿Cómo te fue? Tx: Bien, bien. La verdad es que fue una experiencia muy bonita, porque nunca ha-

Mqm: ¿Cómo has visto a Iron Maiden últimamente? Tx: Bueno, Iron Maiden es una banda que ha influido mucho en Mago de Oz. Muchísimos pasajes de la música son basados en los duetos de guitarras, mezclados con violines. Entonces eso esta prestado (risas). Tomamos prestado eso de los grandes duetos de solos de Dave Murray, Adrian Smith, Janick Gers. Hay muchos temas de Mago de Oz que tienen influencia de Maiden, la forma de encarar las portadas con “La Bruja”. Hemos tenido un paralelismo siempre con esa banda que siempre nos ha influenciado. Pero el último disco de Iron Maiden me www.masquemusica

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ENTREVISTA

Txus Di Fellatio parece un poco, como decir, es una banda valiente; intentan estar en el año 2011, hacer una gira basada en su último disco, hacer una gira basada en los clásicos de siempre. Obviamente la calidad del último disco de Maiden no es la del “Fear Of The Dark” (risas). A mí la verdad este último disco es de los que menos me gustan de Maiden, creo que se han despistado un poco con este llamado virtuosismo o progresismo que le quieren dar a los temas. Yo soy más del Maiden más clásico… imagino que como todo el mundo. Pero bueno, son etapas que cumplen los músicos, me parece digno de elogio ir a la carretera y tocar los temas nuevos, en vez de estar viviendo del ‘Phantom Of The Opera’ o de ‘Running Free’ durante toda la vida, entonces eso también es loable. Mqm: ¿Cuál es tu disco favorito de Maiden? Tx: Obviamente “The Number Of The Beast” y quizás “Seventh Son Of A Seventh Son”. Me gusta mucho también el “Powerslave”, el “Somewhere In Time” también me gusta mucho, pero creo que en el “Seventh…” es cuando empezaron a cambiar esos paths de teclados sintetizados y la verdad es que me llamó muchísimo la atención. Es algo como lo que hicieron los Judas con el “Turbo”, el intentar modernizar, a mecanizar un poquito el sonido. Es por eso que el “Seventh Son Of A Seventh Son” me parece un discazo de la época de Bruce Dickinson. De la época de Paul Di Anno, el primer disco me parece una auténtica maravilla.

tán trabajando en un nuevo disco? Tx: No, no, no. Ahora estamos inmersos en la gira y nos tomaremos un año sabático para tomar distancia y pensar cuál será la siguiente aventura que vamos a emprender. Mqm:Eso es todo Txus, nos vemos cuando vengan a Chile. ¿Algún saludo para los fans en Chile?

segundo, nada, saludos a todos los chilenos, un placer volver a ese precioso país y bueno, sé que ahora tienen algunos problemas sociales... así que aguante… a los ricos les sobra mucho dinero, la calle es de los obreros, la calle es de los músicos. No dejen pisarse sus derechos y ya vamos a tener a Mago de Oz por ahí, al menos para celebrar que nos hemos conocido desde hace tanto tiempo, escuchando música celta con heavy metal. Mqm: Muchas gracias que tengas un buen día. Tx: A vosotros, Bye.

Mqm: ¿Y alguno de estos sonidos estará en algún nuevo disco de Mago de Oz? ¿Ya es-

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Tx: Primero gracias a vosotros por perder un poquito de vuestro tiempo conmigo; y

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RUSSIAN RED 04/02/2012 Teatro Arteria Coliseum / Madrid Madrid JOHNNY THROTTLE 04/02/2012 Rock Palace / Madrid Madrid ZAHARA 04/02/2012 Auditori Municipal / Terrassa Terrassa (Barcelona) ANALOGIC 04/02/2012 Le Club / Jaén Jaen SIDONIE 04/02/2012 La Vaca Ponferrada (León) BUNBURY 04/02/2012 La Riviera Madrid ELASTIC BAND 04/02/2012 El Sol Madrid LE PEUPLE DE L´ HERBE 04/02/2012 La 3 Club / Valencia Valencia NACH 04/02/2012 Mirror Valencia NACHO VEGAS 04/02/2012 Palacio de Vistalegre / Madrid Madrid UB40 04/02/2012 Razzmatazz 1 Barcelona FALSALARMA 04/02/2012 Apolo Barcelona BLACK XS DEMOSCÓPICAS 2012 04/02/2012 Aguere Espacio Cultural / La Laguna La Laguna (Tenerife) DEPEDRO 04/02/2012 Auditori de Girona Girona BUNBURY 05/02/2012 La Riviera Madrid

DEUS 05/02/2012 Joy Eslava Madrid MUYAYO RIF 05/02/2012 Salamandra 2 L’Hospitalet de Llobregat (Barcelona) KLAUDIA 05/02/2012 Apolo Sala [2] Barcelona THE WAILERS 06/02/2012 Arena / Madrid Madrid DEUS 07/02/2012 Kafe Antzokia Bilbao THE MEN 07/02/2012 Apolo Sala [2] Barcelona THE MEN 08/02/2012 Siroco Madrid DEUS 08/02/2012 Bikini Barcelona ZULÚ 9.30 08/02/2012 Apolo Sala [2] Barcelona RUBIA 08/02/2012 Buho Real Madrid YOUR DEMISE 09/02/2012 Razzmatazz 3 Barcelona THE SOUNDS 09/02/2012 Apolo Barcelona BLACK XS DEMOSCÓPICAS 2012 10/02/2012 Razzmatazz 1 Barcelona FESTIVAL MIL·LENNI 10/02/2012 Palau de la Música de Barcelona Barcelona BLACK XS DEMOSCÓPICAS 2012 10/02/2012 Supersonic / Cadiz Cádiz REINA REPUBLICANA 10/02/2012 Siroco Madrid LOS TIKI PHANTOMS 10/02/2012 El Sol Madrid

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FESTIVAL MIL·LENNI Palau de la Música de Barcelona martes, 28 de febrero de 2012 Barcelona

WINTER INDIE CITY FestivalBeat Club / Segovia viernes, 17 de febrero de 2012 Segovia


NOVEDADES MUSICALES El 2012 se nos presenta lleno de música, y para ir abriendo apetito, en este número dejamos ver algunos de los títulos que más se están demandando en la red. Por María León.

ADELE

GREATEST HITS

**** Tras el éxito de su último álbum, Adele nos sorprende con un nuevo cd repleto de éxitos, y aprovechando el tirón de su nuevo éxito y su premiada carrera con un grammy, es su momento para dar a conocer su trabajo anterior, que ha sido desconocido hasta el momento. Así, el nuevo trabajo saldrá en la primera mitad de 2012. Lo que aún se desconoce es si introducirá algún tema inédito. Lo que sí sabemos es que dentro de los éxitos estará “Someone like you”, “Rolling in the Deep” y “Set fire to the rain”. Ahora solo queda saber cuál es la fecha

THE CRANBERRIES ROSES

**** Después de varios años, la banda liderada por Dolores O’Riordan, “The Cranberries”, vuelve a juntarse y nos traen nuevo cd, con el nombre “Roses”. Recordando lo último que nos llegó de su voz, recogemos un par de discos en solitario. Fue la curiosidad de probar una nueva experiencia, la experiencia no fue tan exitosa o echaba de menos a los componentes de su grupo? Quizá quiera darnos respuestas en algún encuentro

+

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+ NACIONAL

U2

LEONA LEWIS

SONGS OF ASCENT

GLASSHEART

**** La cantante descubierta en el programa “Factor X”, y ganadora de éste en el año 2006, vuelve a darnos un trocito más de su corazón con un nuevo trabajo lleno de música y con una voz que encanta a los apasionados de voces femeninas llenas de una fuerza limpia. Su nuevo trabajo “Glassheart”, nos deja entrever con el título lo cercana que está su vida y experiencias con su trabajo, por eso nos gusta tanto. Será Febrero el mes elegido por la Diva del pop británico. Aún no sabemos día pero, la proximidad de fecha hace que las ganas sean mayores

**** La banda liderada por Bono regresa pisando fuerte con un nuevo disco que se va a llamar: “Songs of Ascent”, como siempre, las ganas de escuchar un primer single nos trae de cabeza puesto que, hasta mediados de año, quizá más próximo a finales de año, no nos dejen disfrutar de su buena música. Esta vez, y retrasando un largo año su lanzamiento, quieren presentar el primer single y presentar la gira, con tres días de margen, desde que el disco salga a la venta, con la desventaja enorme de que los fans no podrán hacer coros de sus nuevas canciones. ¿Quizá lo hagan por esta razón? ¿Quiere Bono cantar solo?

BEBE

UN POKITO DE ROCANROLL

**** Bebe presenta su nuevo trabajo, que ha creado, sobre todo, críticas no constructivas. Y es que, nuestra querida luchadora BEBE dejó mucho que desear en la presentación de su nuevo trabajo, al que le ha llamado: “Un pokito de rocanroll”

SERRAT & SABINA

LA ORQUESTA DEL TITANIC

**** Después de un par de años, llega un nuevo disco de Serrat & Sabina. Viendo que una primera vuelta les vino de perlas por lo bien que se dio la venta con gira incluida, ambos cantautores tiran de la suerte y se embarcan en una aventura que parece repetirse, aventura que nos traerá gira incluida. El nuevo trabajo (sin portada fija aún), tiene ya nombre: “La orquesta del Titanic”

MADONNA MDNA

**** MDNA es el título para el álbum de 2012 de Madonna. Formado por las cuatro letras vitales del nombre artístico de la Ciccone. Es el primer disco de la Ambición Rubia para Universal. El primer single es Give me all your luvin’, con las colaboraciones de M.I.A. y Nicki Minaj. Una canción escrita por Madonna, Martin Solveig, Nicki Minaj y M.I.A, compuesta por Martin Solveig y Michael Tordjman, y producida por Madonna y Martin Solveig. Con un vídeo dirigido por Megaforce, que trata sobre el fútbol americano y las animadoras. MDNA se grabó en Nueva York y Los Ángeles, y reúne a Madonna con un colaborador habitual como William Orbit (Ray of Light), que ha coescrito y co-producido varias canciones del álbum

MARILYN MANSON BORN VILLAIN

**** Marilyn Manson , el famoso y siniestro Marilyn, el gran maestro del espectáculo, el hombre sin sombra, vuelve a darnos espectáculo con un disco más. Su nuevo trabajo, aún desconocido para todos nosotros, está dejándose esperar por muchos de sus fans. Sin saber qué va a presentar esta vez, estamos ansiosos por conocer qué será lo que nos traerá, rock es lo que esperamos pero... ¿podemos fiarnos de una persona tan polifacética y misteriosa como lo es Manson? Podemos esperar cualquier cosa de un trabajo como el de él. De momento, y sin fecha fija par el lanzamiento, tenemos un pequeño botón de muestra con el que podría ser su primer videoclip “Born Villain”

LO QUE + SE COMENTA En el panorama español de las cosas que más se están comentando son dos grandes vueltas de dos grandes grupos que en el pasado tuvieron un éxito más que sonado. De qué grupos habla-

mos? Uno es “Mecano”, del que se vienen dando rumores desde hace tres meses. Y es que, cuando el río suena, agua lleva, o al menos, es lo que dicen. Y tanto se ha dicho, tanto se ha comentado, que lo que parecían rumores de simples aficionados a las historias dramáticas a las que nos tenían acostumbrados Ana Torroja y los hermanos Cano, han llegado a foros de internet y ya se comentan como noticias bastante aproximadas a la realidad. Tendremos que esperar un poquito más y seguir cruzando los dedos para que música como la de antes invada nuestras emisoras. El otro grupo del que se oyen rumores, aunque no tan fuertes como con el grupo anterior, son “Héroes del Silencio”, y aún no se sabe si es que, hay muchas ganas de que regresen, o que los rumores de buenos grupos se contagian y empujan en lo que a deseos de fans se refiere. Sin una certeza absoluta, podemos decir que ambos comentarios están en boca (ojos) de internautas fanáticos


MQM másquemúsica  

Revista musical, proyecto educativo sin ánimo de lucro creado por los alumnos del curso TÉCNICO EN PRODUCCIÓN EDITORIAL 2571

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