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Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plรกsticos Contemporรกneos

AUTORES


La presente edición de esta obra ha sido realizada por el Departamento de Arte de QCC Art Gallery. Director Faustino Quintanilla Dirección de la Edición y Arte Internacional. Marta Sozzi martas@sinectis.com.ar Edición

León [España] José Manuel Álvarez napsa@editorialnapsa.com

Dirección Redacción de Textos Yolanda Guerrero yolaguerrero@hotmail.com Traducción Diego D´ellera Corrección de prólogos Noemí Iris Sozzi Profesora Universidad de El Salvador Diseño y Maquetación LOKOMOTION COMUNICACIÓN GLOBAL info@lokomotion.es Agradecimientos Críticos de Arte Rosa Faccaro Silvia Pellegrini Joan Lluis Montané Luis García Martínez Relaciones Públicas: Marta Sozzi © 2004 Impreso en España Printed in Spain

©2004 ENCICLOPEDIA IBEROAMERICANA DE ARTISTAS PLASTICOS CONTEMPORÁNEOS ©2004 QCC ART GALLERY QUEENSBOROUGH COMMUNITY COLLEGE THE CITY UNIVERSITY OF NEW YORK

Queda rigurosamente prohibida, sin la autorización escrita de los titulares del copyright, bajo las sanciones establecidas por las leyes, la reproducción total o parcial de esta obra por cualquier medio o procedimiento, comprendidos la reprografía y el tratamiento informático así como la distribución de ejemplares mediante prestamos o alquileres públicos.

AUTORES CREDITOS


Integrantes de la Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Contemporáneos

Abelló i Prat, Joan Acebuch Gomez Ortega, Jesús Acevedo Borredo, Fanny Aguirre Restrepo, Carlos Angeles Mario, José Armas Ponce, Enrico Arricivita, Inmaculada Astorga Ruiz, Javier Azofeifa, Rafael Azuaje, Eduardo

15 16 17 18 19 20 21 22 23 24

Carlos Cuenllas

58

Davaroff, Mariano Del Río, Paul D´Ippolito, Norma Dubin, Celina

59 60 61 62

Echenique, Inés Eidman, Mimo Eizaguirre, Juan

63 64 65

Balagura, Saúl Barcons, Ana María Basola, Carlota Bello, Graciela Benaim, Ricardo Bigatti, Antonio Blázquez, Francisca Boffi, Alicia Boscan, Nelson Bosco, Roberto Bosque, Marcelo (Marcellux) Brunés, Fina

25 26 27 28 29 30 31 32 33 34 35 36

Falgueras, Nacho Farnell, Gabriela Flores, Mario Forner, Raquel

66 67 68 69

Cappellini, Nélida Caruso, Fernanda Casanova, Patricia Casaravilla, Luis Cascarini, Roberto Castillo Arvayo Natchío, Ignacio Castro, Elena Castro, Telma Carrera, Charo Caymes, Elsa Cinat ,Mariano Ciriza, Carlos Clemente Cocero Pilar Cohen, Sara Colombo March, Jorge Conti, Marly Corbalán, María Alejandra Corral, Santiago Costa, María Estela Costucica, Raúl

37 38 39 40 41 42 43 44 45 46 47 48 49 50 51 52 53 54 55 56 57

García de la Nuez, Carlos García Espina Martinez, Agustín Gandsas, Alberto González, Adela Gonzalez Soca, Alejandra Grüneisen, María Isabel Grüneisen, Teresa Guayasamín, Oswaldo Gurlekian, Torós Guzmán, Olivia

70 71 72 73 74 75 76 77 78 79

Hecht, Claudia Herrero, Any

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Jaimes, Alex

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Kravichck, Laly

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Lambré, Laura Liberti, Juan Carlos Lucero, Santiago Lueza, Cecilia Luna, Carlos

84 85 86 87 88

Mac Entyre, Eduardo Maldonado, Elizabeth Manteiga Varela, Francisco Mariño Belascoain, Consuelo Martín Lozano, José Vicente

89 90 91 92 93

AUTORES CONTENIDOS Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 4 -


Matheu, Leonel Matus, Margarita Mendoza Alarcón, Luis Molina Leal, Mirtha Monastersky, Natalia Montes de Oca, Antonio Muñoz, Luis

94 95 96 97 98 99 100

Nakauchi, Julia Neyman Zerda, Alina Nierman, Leonardo

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Olivé, Tomás Ortigüela, Edelweis Oviedo, Ramón

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Pego, Teresa Pannier, Luis Perdomo, Felix Plá, Eduardo Polessello, Rogelio Poloto, Silvia Pombar, Marina Ponce, Hoffmann Juan de Dios Prats, Carina Puchalt, Paco Pujía, Antonio

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Quilichini, Patricia

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Ramirez Saavedra, Ricardo “Raasa” Riedel, Verónica Riera, Máximo Rimonda, Mimí Risso Mann, Jorge Rodríguez Amat, Jordi Rodríguez Amiana, Enriquillo Rodríguez, Eugene Rodríguez Gauna, Beatriz Rolandelli, Susana Romero Luceño, Angela Rosel ,Daniel Rossiano, Rita Rousso, Carola Ruwette, Cecilia

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Salinas, Marta Salmerón Fernandez, Manolo Sánchez Juarez, Juan Santa Cecilia, María Saporiti, Patricia Seminario, Betty Serafini, María Concepción Silverstein, Laura Socas, Martha Sorondo, Alejandro Sozzi, Marta Stadt Keller, Rosita Storni, Sol Suaznabar Solari, Marcelo

135 136 137 138 139 140 141 142 143 144 145 146 147 148

Tadei, Osvaldo Tarrac, Angel Tiano, Alicia Torres Borrego, José Rubén “Torrego” Torres, Berenice

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Valtier Zuma, Savio Van Der Elsakken, Elgen Vasquez, Jaime Vega, Mónica Villalobos, Elsa Villanueva Blanco, Carlos Villegas, Olger Vivar, Carlos Von Lipka, Irene

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Weiszkopf, Paula West Ocampo, Alfredo

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Zagaglia, Hilda Zanón, Mariza Zapata Castellanos, Giovanni Zucaro, Beatriz

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CONTENIDOS AUTORES


Que esta obra sea solo un grano de arena más de una gran montaña que entre todos construyamos. José Manuel Álvarez. Editor

Esta Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos surge desde la intención de aunar en un solo volumen, de forma concisa y manejable, una meticu­ losa selección de los artistas más representativos del arte iberoamericano. Desde la firme creencia de esta editorial en un proyecto asequible, en el que doctos, aficionados y profanos tengan un igual acceso a los planteamientos que en ella se reco­ gen, este libro se ha elaborado partiendo de la sencillez, con una organización clara y concisa, bajo la única preten­

AUTORES PROLOGO EDITORIAL NAPSA Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 6 -

sión de manifestar claridad y objetividad en una visión renovada de los planteamientos estéticos que rigen los movimientos artísticos de este siglo XXI. Valga esta primera incursión por el arte iberoamericano como un anticipo de un próximo volumen en el que los textos será tratados en versión bilingüe español e inglés, dada la intencionalidad de un proyecto de difusión y aper­ tura de esta manifestación tan unida desde sus orígenes al hombre, que ha sabido crecer en el tiempo acompañándo­ lo en cada uno de sus pasos, en una evolución paralela


donde intelecto y pasión han contribuido a crear sueños y realidades.

testimonio de esto, en la persona de Mario Flores, con la que esta editorial se solidariza.

Invitamos a todo aquel que se acerque a estas páginas a navegar en su interior, a conocer a sus artistas y a su obra, y a comprender en la medida de lo posible, esta materiali­ zación de un sueño en el que han creído el más de un centenar de personas que lo han hecho posible desde sus pinceles, desde sus talleres, desde sus provincias, desde sus países, desde la libertad de sus sueños, que no siempre es la de sus creadores, y en estas páginas se contempla un

Por ese sentimiento común que a todos nos une, quienes firmamos cada una de las líneas y cada una de las obras que aquí se recogen, y nos aventuramos a decir que tam­ bién une a aquellos que toman esta obra en sus manos, creemos necesarios muchos libros como este. Muchos libros en los que la creatividad humana sea tratada en la medida en que las creaciones artísticas son un enriqueci­ miento para la humanidad.

PROLOGO AUTORES


Algunos trabajos despiertan mi sensibilidad y hacen latir mi corazón Marta Sozzi

Quiero comenzar estas palabras agradeciendo a la QCC Art Gallery de la Ciudad Universitaria de New York por brin­ dar­me la oportunidad de poner a prueba mis conocimien­ tos, cons­tancia y capacidad de trabajo, al otorgarme la selección de artistas plásticos de su primera Enciclopedia de artistas Ibe­roamericanos Contemporáneos. Esta publicación formara par­te del próximo ciclo programático de su Museo y es un ho­nor para mi realizar tan delicada tarea. Conocí al Profesor Faustino Quintanilla hace aproximada­ mente 10 años, cuando recién llegaba a Nueva York para ex­po­ner mis obras. Desde ese día, se convirtió en una per­ sona de importancia en mi carrera. Inmediatamente me di cuenta de su amplia formación cultural, trabajo y generosi­ dad. En di­ciembre de 2002, sentados en el comedor de la Uni­ver­si­dad, me propuso armar esta Enciclopedia. Me pare­ ció una ta­rea de mucha responsabilidad, pero ante su insis­ tencia con­sidere que debíamos intentarlo. Era una tarea de­ma­siado tentadora para rechazarla dos veces, ya que sien­ AUTORES PROLOGO MARTA SUZI Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 8 -

to por el arte una verdadera pasión, sobre todo si se trata de co­no­cer nu­­e­vos valores que incursionen en esta disciplina con res­pe­to y profesionalidad. En este momento no puedo dejar de recordar mi infancia. Va­­ya este homenaje a mis queridos padres, que hicieron del Ar­t­e un culto y nos enseñaron, a mi hermana y a mi, a respe­ tar­lo, amarlo y conocerlo. Hoy que ya no están aquí, seguro que sonríen felices al contemplar a sus dos hijas, imbuidas en cuestiones artísticas. La idea de realizar una Enciclopedia de Artistas Plásticos Ibe­roamericanos Contemporáneos surgió con el fin de poner al alcance de estudiantes, profesores y el publico en general la reciente producción plástica de los diferentes países Ibe­ roa­­mericanos en los últimos años del segundo milenio y el co­mienzo del que recién empieza. Muchas veces me he quedado asombrada al mirar algunos


trabajos que llegaban a mis manos, despertaban mi sensibi­ lidad y hacían latir mi corazón con fuerza, por la belleza que estaba contemplando. Es que no hay limites para la belleza y cada siglo nos deja de esos hacedores llamados genios, pero eso solo la historia lo dirá, con el correr del tiempo. Quiero explicar que, para realizar la selección de los artis­ tas incluidos en esta obra, tuve en cuenta exclusivamente la calidad de su trabajo, después de una observación minucio­ sa y, por supuesto, objetiva, ajena a toda preferencia, gusto personal o lazo afectivo. La Enciclopedia reúne un centenar y medio de exponentes de varias generaciones y tendencias. Al seleccionarlos, no fue nuestro objetivo mostrar las concepciones más audaces, ni las ultimas experiencias que se dan en estos países, sino que so­bre la plataforma la obra madura de los Maestros qui­ simos de­jar aflorar planteos y desarrollos de obras emergen­

tes, sin de­­jar de lado las figuras intermedias que con su experiencia per­­miten la proyección del Arte. Recordemos que, un siglo an­­­tes de cristo, Ciceron nos decía que la His­to­ ria es maestra de­­ la vida y cualquiera que haya sido la exis­ ten­­cia de los hom­bres en la tierra, es indiscutible que se la mi­da en pasado. Las experiencias de los que nos han antece­ dido marcan el ca­mi­no mas seguro en que podemos basar pa­ra construir el fu­tu­­ro. Es nuestra intención rever y actualizar con toda seriedad y respeto, periódicamente, esta obra y tratar de mejorar siem­ pre, porque la experiencia es una buena amiga y el estudio permanente para mantenernos informados, también. Espero que, influidos por el trabajo de tantos artistas de Ibe­ro América, otros futuros exponentes encuentren, miran­ do este libro, inspiración para seguir enriqueciendo las Artes Plás­ticas.

PROLOGO AUTORES


Las enciclopedias se convierten en imprescindibles para entender el arte Luis García Martínez. Director Dpto. Arte y Exposiciones Instituto Leonés de Cultura (León.España)

El conocimiento artístico de cada época o periodo histó­ rico es fuente clave para poder reconstruir la cultura y pro­ fundizar en un mejor conocimiento del hombre en su con­ texto social e histórico. Este saber funciona, básicamente, como una herramienta de trabajo que facilita una aproxi­ mación y comprensión más adecuada de la realidad. Esa realidad humana, que no es aséptica ni pura y que tiene, primordialmente, un sentido global e integrador, incorpora estructuralmente el hecho artístico como un elemento más que la configura, el cual se ha convertido, en diferentes momentos históricos, en motor de transformaciones sustan­ ciales para la sociedad. La acción artística, tomada en sí misma como proceso creativo permanente a través del tiempo y de la evolución del hombre, ha sido sometida a múltiples tensiones y modificaciones conceptuales, según

AUTORES PROLOGO INSTITUTO LEONÉS DE CULTURA Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 10 -

los diferentes posicionamientos teóricos marcados por los diversos periodos históricos. Mas es preciso diferenciar dos grandes posiciones o enfo­ ques relativos a la creación artística y, más en concreto, al ám­bito de la creación plástica: la primera, parte de un pro­ nun­ciamiento genérico sin cabida para la individualidad co­mo tal, así somos conscientes del profundo desarrollo cul­tural generado por sociedades en conjunto: el mundo Mi­cénico, Egipcio, Cretense etc.; la segunda, se centra en el hombre como persona creativa. En esta última postura, que da prioridad al hombre frente al universo haciéndole prota­ gonista máximo del desarrollo histórico y cultural, se en­contraría esta propuesta de diccionario o enciclopedia que re­coge a un buen número de artistas actuales, la reco­


pilación de esas figuras individuales destacadas. Las raíces del pen­samiento enciclopédico, como ordenamiento del conocimiento humano referido a un tema en concreto, se hunden en el renacimiento y en la ilustración, siendo el ejemplo más directo, en referencia a los artistas, la obra realizada por el polifacético pintor y arquitecto italiano Gior­gio Va­sari ( Arezzo 1511- Florencia 1574). Vidas de los más ex­ce­lentes arquitectos, pintores y escultores ( 14451450) Esta obra se convirtió en imprescindible para enten­ der el arte ita­lia­­no de la época: en primer lugar, porque recogía una am­plí­­sima documentación relativa a los crea­ dores más dest­a­ca­­dos del momento y, en segundo lugar, sobre todo, por la apro­ximación que planteaba a la obra de los artistas. Por otro lado, la creación de diccionarios o enciclopedias te­má­ticas tiene gran importancia como

herramienta de traba­jo para los críticos e historiadores, dado que cumple con va­rias funciones básicas: recopila la documentación ele­men­tal sobre los creadores referidos en estas publicaciones, fa­cilita una aproximación básica a su trabajo y destaca, al mis­mo tiempo, la función didáctica que aporta este tipo de obras para cualquier aficionado al mundo del arte. En la so­ciedad actual, ante la saturación informativa, es cada día más primordial que los conoci­ mientos sean, dentro de lo po­sible, sencillos y sintéticos. Sin duda, debemos congratularnos por esta nueva aporta­ ción al amplio y vasto panorama bibliográfico, que centra su interés en los artistas plásticos, obra que pretende aportar una visión actualizada de la realidad creativa contem­po­ ránea.

PROLOGO AUTORES


Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos, una meticulosa selección Joan Lluís Montané

Hasta conseguir hilvanar de forma correcta el contenido actual de la Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos que ustedes tienen en sus manos se ha tenido que realizar un esfuerzo exhaustivo de investigación, selección y desarrollo entre un cuerpo de creadores de gran calidad de toda América Latina y zonas de Estados Unidos con predominio y presencia abundante del idioma español, así como de artistas de España y Portugal, que se han destaca­ do desde los albores del siglo XIX al presente. La conocida artista plástica argentina y curadora de muestras internacionales en Estados Unidos, América Latina y Europa Marta Sozzi junto con el reconocido exper­ to internacional Faustino Quintanilla, han llevado a cabo la ingente tarea de hallar respuesta a sus ambiciosas propues­ tas de aglutinar lo más selecto del arte latino de todos los tiempos. Para ello han concentrando sus esfuerzos en la diversidad de propuestas, en la complejidad de lenguajes y en la elaboración conceptual y técnica de una creación marcada por la calidad y la especificidad de la propuesta. En este sentido es de agradecer este notable esfuerzo por­ que actualmente no existe ninguna obra escrita que posea la capacidad de reunir artistas latinos con proyección inter­ nacional, cuyos trabajos constituyen una muestra clara de las corrientes más actuales y también determinan los oríge­ nes modernos del arte de hoy. Así, el presente tomo de la Enciclopedia transita del impresionismo y el estallido del color; de la base cromática salvaje a la percepción icónica de los pueblos primitivos interpretados por la exuberancia de planteamientos de la vanguardia histórica; del futurismo, cubismo, surrealismo, dadaísmo al fovismo, pasando por las pretensiones del arte abstracto, la incidencia del informalismo y del expresionis­ mo. También hallamos la presencia del diálogo entre la per­

cepción geométrica y el constructivismo, la esencialidad de la forma y la reacción con respecto a lo construido. Destaca la presencia de la geometría y la abstracción material basada en la incidencia del color, el constructivismo, la necesidad de instaurar una formulación controlada, en la que el color y la línea establecen unos parámetros de colaboración. La obra plantea desde la facilidad por recuperar antiguos po­stulados procedentes de los aportes de las civilizaciones in­cas, maya y azteca a los preceptos emanados de los ac­tuales chamanes. Los creadores latinos profundizan en una amplia variedad de iconografía, unos procedentes de la cultura indígena, (los yorubas en el caso de Cuba); otros de la africana; o bien de la mixtura de las distintas civiliza­ ciones y la influencia de Estados Unidos y Europa Occi­ dental. Es un recorrido de las corrientes del pensamiento univer­ sal y la aparición del arte naïf, pasando por el aporte medi­ do de lo conceptual y el minimalismo como nueva filoso­ fía, de la transvanguardia al neo-expresionismo, sin olvi­ darnos de la incidencia del povera, para arribar a las insta­ laciones y toda su carga teórica enfrascada en la multipli­ cidad de lenguajes, compaginadas con la percepción de la imagen, la calidad intrínseca de lo reflejado dinámico del videoarte y la aparición del arte digital. Se trata de hallar las contribuciones de artistas que no olvidan el pasado, que poseen una adscripción a la historia re­ci­ente, que se interesan por el diálogo, que perciben la particularidad de lenguajes de la época actual, pero que tam­po­c­­o renuncian a los aportes de los istmos. Aún hay demasia­do­­s prejuicios que derribar, en el sentido de que hay que in­ten­tar alcanzar una gran variedad de propuestas, en línea con el arte más libre, prescindiendo de los puris­ mos que sólo con­siguen un elitismo excluyente. Es más, yo

AUTORES PROLOGO Asociación Española e Internacional de Críticos de Arte Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 12 -


diría que lo im­por­tante es unir a los puristas dentro de la variedad y com­ple­jidad laboriosa de la creación de hoy, para no caer en el otro extremo. De ahí que los autores de esta Enciclopedia Ibe­ro­americana de Artistas Plásticos no hayan pretendido ser ex­clusivos en las ideas ni en los con­ ceptos aplicados al arte; si­­no, en todo caso, rigurosos en la selección de los artistas, en la percepción del hábeas teóri­ co que haga, como de he­cho se ha conseguido con este manuscrito, el primero de una serie que se presume de capital importancia y, especial­men­te singular, coherente­ mente con las propuestas hispano­la­­tinas de esta área de la cultura universal que se institucio­na­­liza por ella misma y que se recrea en la diversidad, para ha­llar la respuesta más adecuada a sus anhelos de libertad. De ahí que, más que un aporte exclusivista, que pueda ser tildado de excesivamente excluyente con respecto al ar­te internacional, lo que se pretende es interpretar la gran ri­que­za que existe en la percepción, creación y producción del arte latino de hoy. Dentro del contexto planetario cada vez son más las muestras, individuales y colectivas de artistas latinos, así co­mo de creadores encuadrados dentro del circuito profe­ sio­­­­nal mundial de galerías. Ferias y celebraciones abren apartados al arte latino, co­mo ocurrió en Madrid hace unos años en el caso de la feria más emblemática y característica de nuestro panora­ ma ac­tual (ARCO). También, hay una mayor dinamicidad en la formación y en la celebración de cursos, cursillos, seminarios, convenciones, reuniones y actos entre los paí­ ses ame­ri­­­­canos y España, por ambas partes. La aparición de las nuevas tecnologías, la irrupción en el mercado de creadores que apuestan claramente por la in­no­vación, hace que los lenguajes se confundan y se fun­ dan apareciendo otros nuevos.

En un mundo cada vez más unificado el mestizaje es la solución y la mejora de las propuestas. De ahí que este tomo sea el principio de una serie de libros que vayan pro­ fundizando, constatando y promocionando el arte latino universal, que forma parte indisoluble de la cultura del mundo. De lo local a lo nacional; de la percepción de la realidad estatal a la supranacional y a la visión cosmopoli­ ta de ideas, conceptos, realizaciones y propuestas. Está claro que la universalidad del arte no permite loca­ lismos, pero, en sí mismos, estos explican la existencia de lo universal. Formamos parte de un todo, que se elabora y re­elabora de forma constante, siendo la expresión artística el tabú que desvela las posibilidades del tótem y que cons­ ti­­tuye el refugio de la espiritualidad en un mundo domina­ do por la presencia salvaje de la especulación. En este as­pecto de la cuestión el papel del artista contemporáneo es el de conservar la identidad de la presencia de la propia li­bertad, a partir de enseñorearse de la esencia de la misma, cada uno de ellos desde su punto de vista particular. Los istmos han muerto, como puede verse y constatarse con la lectura de este libro, pero ello no significa una renuncia a la historia, un doblegarse a lo experimental sin tener en cuenta el poso del pasado, sino todo lo contrario. La historia nos enseña a no ser totalitarios, porque los regí­ menes que lo han sido no son historia hoy, sino sombras de un ayer que nadie desea que vuelva. De ahí que el artista sea el gran sacerdote de la paz y que los latinos constituya­ mos el aporte artístico más fresco y determinante del arte actual, en el sentido de ser más libres en un sistema de mercado señalado por la estructuración. Lo latino es el fervor dela pasión universal hecho arte.

PROLOGO AUTORES


ABELLÓ i Prat, Joan. Pintor catalán, nacido en 1922 en Mollet del Vallés, pro­ vincia de Barcelona, Cataluña, España. Joan se define a sí mismo como "un pintor del Vallés". Es allí, en su localidad natal donde se encuentra su Casa Museo, poblada de obras y recuerdos del artista y sus ami­ gos: ni más ni menos que Picasso, Dalí, Miró, Tàpies... y como no, de sus maestros, aquellos quienes le instruyeron en los fundamentos de la pintura: Joaquín Mir, Pruna, Pellicer. Todos ellos reciben perpetuo homenaje en las pare­ des y rincones de esta casa. También allí, en Mollet, se encuentra su Museo, constituido a base de obras que el artista ha ido donando al municipio. Joan Abelló, tan vinculado a su localidad, no ha renuncia­ do, sin embargo, a viajar, a conocer el mundo y tantas cul­ turas con tanto que ofrecer. Contando setenta años, se embarca en una vuelta al mundo que le permite recoger influencias e inspiración de otros lugares, otros cielos: Egipto, Tailandia, La India... y así mismo, que otros lugares le conozcan a él. Ha realizado exposiciones en las más importantes capita­ les artísticas: Londres, París, Moscú, Nueva York, y un largo etcétera. La obra de Joan Abelló, que él enmarca en su propia co­rrien­te artística: “el explosivismo”, ha sido protagonista de ala­­ba­­doras críticas de multitud de personalidades tanto en dia­rios y revistas como libros, y así sirva como ejemplo y co­­lo­­fón la sentencia que Antoni Puigverd publicó en el catá­ logo de Girona: "quizá la palabra que define con más justi­ cia la obra de Joan Abelló es la palabra honestidad". Decir que la pintura de este reconocido artista recoge influencias de maestros como Van Gogh sería repetir una vez más lo que tantos otros han dicho, y de algún modo es inevitable no hacerlo, no pensarlo ante cualquiera de sus coloridas y violentas obras. De su pincelada caótica en apariencia, empastada, surgen paisajes, vistas de ciudades, de campos, donde el mínimo detalle es sustituido por la grandeza de un golpe de pintura. Una obra que nace de un ejercicio de observación sólo fruto de una vida dedicada a transmutar la realidad, en un proce­ so de síntesis con el que es absorbida a través de ojos exper­ tos, para ser genializada sobre el lienzo. ‡

Joan Abelló i Prat vperez@molletvalles.net Museu Abelló C. Berenguer III, 122 -08100 Mollet de Valles, España.

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ACEBUCH Gómez Ortega, Jesús. Pintor nacido en 1958 en Cataluña, España. Jesús Gómez Ortega toma su nombre artístico, "Ace­ buch" de la palabra acebuche u olivo silvestre, como reflejo de su culto personal por la naturaleza en su estado más sal­ vaje. Tras una larga e intensa formación artística, Acebuch ejerce l­a docencia en la Escuela de Arte Municipal de Te­rra­ssa, Bar­­­­ce­lona, en la que es profesor de Pintura realis­ ta y Gra­ba­do. ­Cuenta con gran reconocimiento en todo el territorio español, a raíz de sus numerosas exposiciones en las que ha de­ja­do constancia de su talento y buen hacer en el arte de la pin­tura. Su obra forma parte de importantes colecciones e institu­ ciones públicas y privadas. Amante de la poesía, refleja su particular estilo y posición an­­te la vida en cada una de sus obras. Reconoce su gusto por hacer versiones sobre su propia obra, a la que considera una creación poética y resume ese estudio de sí mismo por medio de sus cuadros, porque afirma, preferir "renovar y pro­ ­fundizar a estar condenado eternamente a encontrar co­­sas nuevas". Esta sentencia de algún modo recoge también el gus­to de este artista por la pintura realista, que de es introdu­ ci­­da por sus manos en terrenos de gran simbolismo, aunque él mismo engloba bajo la denominación de "pintura alter­na­ ti­­­va". La obra de Acebuch refleja la gran experiencia de este artista, su visión del mundo que le rodea, creando con el pin­cel esa poética pretendida, que sólo es comprendida ante la vi­­sión de sus trabajados cuadros donde el artista vacía su es­pí­ri­tu. Su trazo firme, su dominio del dibujo y su lenguaje plásti­ co hablan en verso, un verso escrito con el pincel de la experiencia, con el color y la luz que colman sus composi­ ciones de realismo y magia creativa, que Acebuch sabe combinar con sus propios textos, en composiciones que entremezclan el trazo pictórico y la caligrafía. Una obra que deleita los sentidos para llenarlos de sosiego y calidez, de la mano de los sueños de un maestro.‡

ACEBUCH, Jesús Gomez Ortega acebux@terra.es Roig Ventura, 476 - 08226-TERRASSA (Barcelona) España

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ACEVEDO Borredo, Fanny. Artista plástica de nacionalidad mejicana, aunque nacida en Campoalegre (Huila), Colombia. Cuenta con una amplia preparación artística que da co­mien­zo en 1972 en la Escuela de Arte "Bruokdale Co­lle­ge Par­­sippany" de Nueva Jersey, Estados Unidos. En la Ciu­dad de Méjico se formará en los talleres de reconocidos pin­to­res y escultores como Arthur Cronengold, Lorraine Pin­to, Xa­­­­vier López, Rafael Contreras Montes de Oca o Pa­tri­cia Ca­­­­jiga. En 1995 tendrá la ocasión de realizar un taller de escul­ tura y pintura, en el Palacio Spinelli de Florencia, Italia. Ha realizado numerosas exposiciones a lo largo de Mé­jico, Es­paña, Italia, Estados Unidos, Cuba y Colombia, y ha reci­bi­do importantes galardones como el Premio de Honor Ci­tta de Firenze, y la Medalla de Oro Lorenzo Il Magnifico en la bienal Internacional de Arte Contemporáneo 1999, Flo­ren­cia, Italia, y en el año 2000 el Premio Italia Per L´Arte, en la Vetrina Internacional de Arte Contemporáneo, también en Florencia. En Méjico ha obtenido el Reconocimiento como Artista Plás­tico Internacional, además de diplomas que premian la ca­lidad de su obra. La originalidad e innovación de la obra de Fanny, parte de la propia técnica que ella misma ha creado, y que reside, en el caso de la pintura, en dibujar sobre láminas de acríli­ co y tallar la imagen por el reverso, para después aplicar una luz que destaque esa tercera dimensión de la fo­­­r­ma. Su escultura parte de la elaboración de bloques de acrí­ lico trans­parente, por medio de planchas adheridas, en los que pos­teriormente talla y pule manualmente sus diseños. El re­sul­tado son esculturas con el aspecto del vidrio, mu­chas ve­ces combinado con bronce a la cera perdida, en las que la luz, nuevamente, juega un papel determinante. Bo­rredo, como firma sus obras, se convierte así en la única ar­tista que talla el acrílico, y lo hace hasta el punto de do­tar­lo de vida. Su obra, principalmente de carácter fi­gu­rativo, se compone de inmensas joyas, en las que la artista atra­pa la poesía de la luz, de su misticismo, para hacerlos par­­tícipes de su arte, repleto de delicadeza y magia.‡

Fanny Acevedo Borredo Fax. 52 55 969479 Ahuehuetes Norte. 137 Bis. 10 (Bosque de Las Lomas) 11700 México City (México)

AUTORES


AGUIRRE RESTREPO, Carlos. Artista gráfico nacido en Santa Marta, Colombia, en 1968. Su formación artística da comienzo en 1983, en la Es­cue­ la de Bellas Artes de Santa Marta. A esta le sucede la Es­cue­ la de Bellas Artes de Cartagena, concretamente en el Taller Jean Pierre Accault. En 1996 se gradúa como Maestro en Artes Plásticas, en la es­pecialidad de Grabado, por la Universidad Nacional de Co­lombia, Bogotá, y más recientemente, en el año 2002, cur­sará la IX Cátedra Internacional de Arte Luis Ángel Aran­go, en Bogotá. A partir de 1987 inaugura una extensa trayectoria expo­ sitiva, que llevará su obra por toda Argentina, Bogotá, ade­ más de Francia y España, lugares todos ellos en los que paso a paso, Carlos se irá ganando aceptación por parte del público y elogios por parte de la crítica, a medida que su obra irá adquiriendo y reflejando la personalidad propia de su creador. Carlos Aguirre, como dijo el crítico Ricardo Arcos-Palma, "ha demostrado no solamente destreza técnica, sino tam­ bién una actitud contemporánea. Ha demostrado que el asunto es de disposiciones: si tiene un computador en las manos él sabe qué hacer con el". La obra de Carlos Aguirre, encierra, dentro de lo novedo­ ­so de la técnica con la que es configurada, un planteamien­

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 18 -

to en cierto modo renacentista, en cuanto a lo ­que se re­fiere al tratamiento huma­nís­ ti­c­o de la figura humana, des­de unos plan­ tea­mientos de conocimiento e investiga­ ción que avanzan más allá de la propia crea­ción. Así el hombre es tratado conjugando los planteamientos más estéticos de su anato­ mía, en una serie de obras que quie­ren llegar casi hasta lo iconológico o religioso, hasta el es­tudio y la evocación que subya­ cen en cada una de sus imá­genes y que hace que veamos en esa atemporal crea­ ción, vínculos con el pasado, con el pre­ sente y con el futuro, en lo que respecta al motivo, su tratamiento y su técnica. E ine­ vitablemente, al conjunto formal que esta­ blece, me­diante el que crea el lenguaje del humanista e innovador creador que es.‡

Carlos Aguirre aguirrerca@hotmail.com Calle 22F, 37-29 Edificio C3, apart 702. Bogotá D.C. Colombia


ÁNGELES, Mario José. Artista plástico nacido en Santo Domingo, República Do­mi­nicana. En 1982 inicia estudios en Arquitectura, para, a los tres años y medio de estudiar esta licenciatura, dedicarse por en­­­tero a las artes plásticas, comenzando una intensa for­ma­ ­­­ción pic­tórica. Estudia Dibujo Básico con el Profesor Do­­­ mingo Liz y Roberto Flores, pintura con los maestros Gui­llo Pérez y Jo­sé Félix Moya, y Conservación y Usos de Ma­­­ teriales de las Obras de Arte con el profesor John Pa­do­va­­ni. En el año 2000 co­­mienza estudios de Escultura en la Aca­ demia de Bellas Ar­tes Jean Jacques Belliard, en Bru­se­las,

Bélgica. Ha realizado gran número de exposiciones, en un prin­ cipio en Ecuador y República Dominicana y posteriormen­ te, en su mayoría, en Europa, llevando su obra por Bélgica, Es­pa­­ña y Francia, y llegando hasta Beirut y Líbano, para for­mar parte del Salón "Coup de Coeur" en el Museo de la UNES­CO. Ha recibido los reconocimientos de instituciones y gale­ rías co­­mo el Instituto Dominico Americano, la Galería de Ar­te Gui­llo Pérez, el Consejo Nacional para la Niñez (CO­NA­NI), todos ellos en la República Dominicana, ade­ más de la Ilustre Alcaldía de Guayaquil, Ecuador y del Pacours des Ar­­tistes de St. Gilles, Bruselas. El particular alfabeto de signos con el que Mario José con­ for­­ma su obra, ha sido objeto de atención y de comentarios

Mario José Angeles (Rep. Dominicana. Agreg. Cult. en Ginebra) mariojoseangeles@hotmail.com 8 square de l'Europe 1150 Bruxelles . Rep. Dominicana C/ Madame Curie, Cond. Vizcaya c-4-1 Sto. Domingo (Rep. Dominicana) T. 1-809 381 0846

de importantes críticos, como es el caso de Marianne de To­­letino, Vi­cepresidente de la Asociación Internacional de Crí­­ticos de Arte (AICA), quien se refirió a él como "un artista dominicano del siglo XXI que rescribe las figuras rituales in­­cisas o pintadas por artistas taínos anónimos del tiempo per­­dido y reencontrado". A este alfabe­ to de tintes primitivos, Mario José añade sus propios iconos, co­mo el paraguas, que toma carácter simbólico, al ser conjugado con el res­­to de elementos. Su obra pictórica, en técnicas mixtas, go­­za de un cuidado acabado sobre el que se distribuyen in­ci­­sos los moti­ vos, dando lugar a juegos texturales en los que no escatima en colo­ri­­do, aplicado con la rapidez e in­ten­­sidad del graffiti. Mario José cuenta, también, con obra fotográfica y escultó­ri­­ca. En estas nuevamente se observa ese gusto por rescatar tos­­cas for­ mas de carácter totémico, de las que rescata ese ca­­rácter de mo­der­nidad latente, en su esquematismo abs­trac­to.‡

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ARMAS Ponce, Enrico. Artista plástico nacido en Caracas, Venezuela, en 1957. La mayor parte de su formación la recibe en Francia, donde es­tudia Escultura y Grabado en la Escuela de Artes De­­co­ra­tivas de Niza y en la Escuela de Artes Decorativas de Pa­rís, siendo becado en Artes Gráficas por el gobierno fran­cés. También en París asistirá a los talleres impartidos por los artistas Etienne Martín y Carlos Cruz Diez. En su ciudad natal, Caracas, estudiará en el Instituto de Di­­­se­ño Neumann, concurrirá a los talleres de Antonio La­zo, Ali­rio Palacios, Edgar Sánchez, Luisa Palacios, Manuel Es­­pi­noza y Luisa Richter. Actualmente es miembro directivo de la asociación Ve­ne­ z­ o­­­lana de Artistas Plásticos, (AVAP), del taller de Artistas Grá­­­­ficos Asociados (TAGA) y del Museo de la Estampa y del Di­­seño Carlos Cruz Diez, de Caracas. Muy reconocido en Ve­­nezuela, trabaja como artista exclusivo para la Ga­le­ría Me­­di­cci. Escultor y pintor, ha mostrado su obra en numerosas oca­ sio­­nes y lugares, como, Venezuela, Colombia, Cuba, Es­pa­ ña, Francia y Estados Unidos, obteniendo siempre elogios

y aceptación para su obra escultórica o pictórica. La creación de Enrico Armas actualmente, y desde 1992, es­tá enfocada hacia la pintura, en la que hace gala de un es­tilo personal y homogéneo, que lo hacen fácilmente iden­tificable. Gusta de mezclar el color, investigar con sus posibilida­ des, fun­dirlo, crear gamas cromáticas que parten de un color y se convierten a lo largo de su desarrollo en otro, extendién­ do­­se como un fondo pictórico sobre el que Enrico coloca es­quematizados elementos hacia los que cae la atención, ca­ballos, árboles, letras, manchas geométricas que cons­tru­ yen la composición como las piezas de un mecano. Y co­lorido. Azules, amarillos, naranjas, rojo, y rojo y rojo... Una pintura de gran valor plástico, que se modela con la pin­celada, sobre la que también incide y dibuja, graba, has­ta que va tomando cuerpo, más allá de los límites geo­ grá­ficos del lienzo, que queda sumergido en este mar de co­­lor, como si nunca hubiese existido.‡

Enrico Armas Ponce enricoarmas@hotmail.com Av. Tuy con Calle Ocumare . Quinta Lejarazu, Colinas de Bello Monte (Municipio Baruta) Caracas 1041, Venezuela

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ARRICIVITA, Inmaculada. Pintora española natural de Mélida, Navarra. La vida de Inmaculada Arricivita viene marcada por su vo­­­­ca­ción por la enfermería, estudios que cursará en Za­ra­go­ za y que más tarde la llevarán hasta Madrid para ejercer su pro­fe­sión. Así obtendrá una beca profesional gracias a la que pa­­­sará tres años en Argentina, la que considera su segunda pa­­­tria, recorriendo el país hasta establecerse en Buenos Ai­res. Su formación pictórica es autodidacta. Así es como ha de­sa­­rrollado su propia técnica, a base de empeño e investiga­ción personal, con la que elabora su obra. Inmaculada pinta a base de técnicas mixtas y pintura al agua, principalmente so­bre seda y papel. Cuenta con importantes premios entre los que podemos mencionar algunos de los muchos recibidos en Italia, como el Delfín de Oro 1999 en el IV Gran Premio por el Arte de Ro­ma o el Primer Premio Selección de la Crítica en la I Muestra Internacional de Pintura Contemporánea de Rímini, Flo­rencia, y también en Argentina, el Primer Premio de Pin­ tura en Técnicas Mixtas "Diógenes Taborda" del VI Salón Mer­cosur Internacional de Buenos Aires, en el 2001. Sus numerosas exposiciones han mostrado su obra por to­da Italia, Francia y España, y forma parte de colecciones pú­blic­as y privadas no sólo de estos, sino también de Gran Bre­ta­ña, Egipto, Finlandia, Bélgica, Turquía y Estados Unidos. La pintura de Inmaculada Arricivita es un magnífico ex­po­­nente de la abstracción. Su personal uso del color, sus com­­bi­­naciones y mezclas parecen surgir de la inmersión del lien­zo en una insondable laguna multicolor. No faltan grandes contrastes lumínicos que contribuyen a re­saltar las creativas e imaginativas escenas que Inmaculada nos ofrece, como paisajes de un universo de ensoñadora at­mós­fera. Luz y color recogen todo el protagonismo, se desli­zan, se mezclan, se funden, se empapan en sí mismos y dan lu­gar a complejas composiciones de gran viveza donde el agua, sin ser representada ni dejarse ver, es una constante. Esa sensación de humedad colma la composición y hace que parezca fluir ante nuestros ojos, por medio de unas evo­ca­­doras formas líquidas que invitan al espectador a nadar en ellas, a dejar teñir su espíritu.‡

Inmaculada Arricivita Plaza San Francisco 12 - 3 Dcha. (50006) Zaragoza España

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ASTORGA Ruiz, Javier. Escultor nacido en la ciudad de Méjico en 1964. Li­cenciado en arquitectura por la Universidad Ibe­ro­a­me­ ri­cana de Ciudad de Méjico, se especializó más tarde en la Uni­versidad Central de Los Ángeles (UCLA), California Es­ta­dos Unidos. En su labor como docente, ha impartido cátedras de es­cul­tura urbana, así como conferencias sobre escultura y la in­teracción de esta manifestación artística en el contexto ur­bano contemporáneo en distintas universidades de Mé­ji­ co y del extranjero. Ha realizado más de cuarenta exposiciones individuales y colectivas en Méjico, ciudad en la que también cuenta con obra pública, y otras tantas muestras en el extranjero, en países como Francia, Noruega, España y China, para los que también ha realizado obra pública, entre los que pode­ mos destacar China, para el que realizó la escultura "Song of Spring Time", patrocinada por el gobierno de Chang­ Chun, durante el Simposio Internacional de Escultura Ur­bana, y las esculturas de Beijing "Horse of the Wind" y "Urban Tótem". Este mismo año, 2003, el gobierno munici­ pal de Fou-Zhou en China, le invitó de nuevo a realizar una escultura pública. También en Noruega cuenta con la obra pública "El Rey", expuesta de manera permanente frente al edificio de gobierno de la Comuna de Jorpeland. La obra de Javier Astorga se engloba formalmente en la abstracción, en la que prima el juego de la curva y la orga­ nicidad en ocasiones contrastada con planos más lineales que compaginan un ambiente compensado y lleno de con­ trastes. Se decanta por el trabajo en metal, material al que sus estudiados volúmenes dotan de gran plasticidad. Sus esculturas públicas, como buen conocedor de la teoría del espacio urbano, tienen la propiedad de integrase como un elemento intrínseco del entorno, sin romper en ningún caso la estabilidad espacial. En ese estudiado equi­ librio, sin embargo, sus obras no pueden evitar su protago­ nismo, en lo que respecta a la armonía que crean y a su propio valor, que inevitablemente hacen que la atención se centre sobre ellas, como la obra de arte que son.‡

Javier Astorga Ruiz jastoruiz@mexico.com Pedro Ramirez del Castillo n. 59 Bº de Sn. Pedro- Xochimilco.- Mexico D.F., CP16090 Mexico

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AZOFEIFA, Rafael. Pintor nacido en Costa Rica, en 1971. Su formación artística se centra en los estudios de Diseño Grá­fico, conocimientos que han influido en buena parte de su obra, contribuyendo a la formación de su estilo perso­ nal. Así mismo, Rafael también ha recibido formación pictóri­ ca en diversas Escuelas de Arte, entre las que se incluye la Ca­sa del Artista. Su viaje a Chile en 1985 será decisivo a la hora de estable­ cer su carrera artística, integrándose en el ambiente artístico del país, y realizando estudios de Bellas artes junto a recono­ ci­dos artistas locales, perfeccionándose y estableciéndose co­mo una destacable figura en el panorama chileno. De ese modo, inicia una fructífera relación con la galería Bor­de Río, en la que expone en exclusiva entre 1991 y 1995. A su regreso a Costa Rica, en 1996, funda su propia em­pre­sa de Diseño Gráfico e Internet, obteniendo el reco­ nocimiento de la revista Newsweek, CNN y de distintos diarios y televisiones nacionales e internacionales. Ha realizado numerosas exposiciones colectivas e indivi­ dua­les entre 1991 a la actualidad, en las que su obra ha reci­bi­­do elogios como los que le ha dedicado Fernando Be­ttan­court "el raciocinio y el prestigioso trabajo de años como di­se­ñador gráfico salen a flote como una larva que duerme y es­pera, y despierta sin quererlo, por el sol o por la estación del año". La obra de Rafael Azofeifa encierra no sólo influencias de su relación profesional con el diseño gráfico, sino que el ar­tis­tas deja de manifiesto que domina la pintura y que , al igual que el teclado, el pincel no encierra secretos para él. Así crea, compone, dibuja, dando lugar a obras donde la ima­gen es un fantasma que se filtra en el lienzo, a través del co­lor, con el que elabora sugerentes atmósferas que nacen de este, de su pincelada y de su juego de fundidos, de las cro­máticas brumas que lo colman. Rafael nos presenta su personalidad a través de su obra, su talento y su empeño por crear y expresarse, de ir más allá de

Rafael Azofeifa www.azofeifa.com

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AZUAJE, Eduardo. Pintor nacido en 1968 en Pariguán, Estado Anzoátegui, Ve­ne­zuela. Estudia en la Escuela de Artes Visuales "Cristóbal Rojas" de Ca­­­­racas, Venezuela, al tiempo que va desarrollando su in­­te­­­­rés por la pintura, volcando su talento en una investiga­ ción personal acerca de las diferentes técnicas y po­sibilida­ des, dando lugar a una completa obra que comienza a formar parte más de diez años de sucesivas exposiciones que dan comienzo en 1990 con varias muestras colectivas, rea­li­­­­zando en 1991 su primera exposición individual bajo, el tí­­­­­tulo "Reflejos Indígenas", en la Galería 125 de Caracas. Po­­co a poco, su obra recorrerá Venezuela, a medida que es­­­­­­te artista se va consolidando, y llegará hasta Brasil, Fran­ cia y Estados Unidos. Entre los premios y recompensas que Eduardo Azuaje ha re­­ci­­bido, podemos destacar la Mención Especial en el Sa­­ lón Mu­­nicipal de Caracas, y el Premio Especial Armando

Re­­ve­rón para un Artista Joven, también en Caracas. La obra de este artista es evocadoramente simbo­ lista, tanto en el tratamiento que otorga a la pintura como en los motivos que representa y que pueblan sus cuadros, sombríos y a la deriva en un mar de sensaciones quizás soñolientas o tal vez perdidas en las brumosas lagunas de la memoria. Eduardo Azuaje posee un manejo de la pintura suel­ to y tra­ba­­­­jado, de quien sabe lo que hace y conoce el camino al que quiere dirigirnos. Sus fondos podrían ser por sí mismos la propia obra, por la ca­­­lidad con la que son realizados, mezclando el color, fun­dién­dolo y creando uniformidad en la textura... pero la apa­­rición del motivo central aporta riqueza lumínica, intro­du­­­­ce modeladas sombras que contribuyen al onírico realis­mo de la escena, invitán­ donos a un recorrido por la atmós­fe­ra del sentimiento, a veces nublada y otras serena, pero siem­­pre de la mano de una pintura bien realizada y suma­men­­­­­te

Eduardo Azuaje Galería Millenium (Venezuela) gonzalomontero@supercable.net.ve Av. Luis de Camoens Ctro. Clover . (1081) Caracas, (Venezuela)

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BALAGURA, Saúl. Pintor nacido en Cali, Colombia, en 1943. Médico por la Universidad del Valle, Doctor en Psi­co­lo­ gía por la Universidad de Princeton y Neurocirujano por el Al­­bert Einstein Medical Center, Saúl Balagura da rienda suelta a su afición por la pintura en 1994, desde su estudio en Te­­suque, Nuevo Méjico. Di­vidido entre la ciencia y el arte, Saúl también escribe poe­­­­­mas, con los que explica sus pinturas, formando am­bos, pintura y poema, un tándem inseparable a la hora de acer­­­carnos al universo artístico de Balagura. Se reconoce influido por Oswaldo Guayasamín, Willem de Koo­ning y El Greco. Entre las numerosas exposiciones de las que su obra ha for­­ma­­­do parte, cabe destacar la muestra "Pinturas y Poe­ mas so­­­bre el Holocausto" expuesta en los distintos museos so­­bre el holocausto de estados Unidos, entre los que pode­ mos mencionar el Museo del Holocausto de Florida, mu­­ seo que editó un catalogo recogiendo la importante labor de este artista, "Clinging to Humanity: In Search o Ho­pe", un canto a la libertad humana desde el expresionis­mo de la obra de este creador, donde cada pintura es acom­pa­ña­ da de un poema. La obra de Saúl Balagura es directa, expresiva y colorista, a ve­­­ces dura, sin remilgos. Hace uso de los valores de la obra de arte como reivindicación, testimonio del pueblo, como do­­­­cumento que narra la verdad, que delata la in­justicia, y lu­­­­­cha por el ser humano. Y para eso es objeti­ vo, no enmas­ca­­­­­ra la tragedia: la delata, la lleva a sus cua­ dros y la trans­for­­­­­­ma en colores vibrantes, agresivos, de pin­ce­­lada violenta con la que narra el caos, en la que des­ carga su ira. Cuer­­pos que sufren, vencidos, fantasmas creados sobre lo que un día fueron cuerpos llenos de vida, mensajes crudos, el color de la muerte que todo lo entinta, que se derrama por el lienzo sin que nadie lo frene, con el dominio del pincel, la destreza y las ganas de crear que este artista po­see. Su obra ataca al sentimiento, lo conmueve, lo revuelve pa­ra hacerlo reaccionar, manifestando así como el arte es ca­paz de provocar herir la sensibilidad para al mismo tiem­ po sen­­­­­sibilizarla.‡

Saúl Balagura saulbala@cybermesa.com P.O.Box 508, 35 Camino Sabio (Los Caminitos) Tesuque (New Mexico) 87574, USA.

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BARCONS, Anna Mª. Pintora catalana nacida en Ripollet provincia de Bar­ce­lo­ na, España, en 1941. Se forma artísticamente cursando estudios de Arte y Pin­tu­ ra al Óleo con el profesor Víctor Esteban Ripaux, pero sin du­da su experiencia artística reside en los más de treinta y cuatro años que se ha dedicado a pintar al óleo, a investigar en sus po­­sibilidades y a dominar esta técnica pictórica en las va­­­riantes de retrato al natural, composiciones y paisajes. Además de impartir clases particulares en su estudio de La Lla­­­gosta, Barcelona, también es maestra de pintura su ca­sa del mismo Pueblo y en la Escuela de Pintura Toranto de Bar­­celona. Cofundadora y miembro de la Asociación "Grup Crea" de ar­­tis­tas plásticos vinculados a Mollet del Vallés, es también so­­cia de la Asociación de Artistas Plásticos de Cerdanyola del Va­llés. En su extensa trayectoria pictórica ha realizado numero­ sas ex­­posiciones en toda Cataluña, en las que ha cosecha­ do me­­recidos premios, así como en Argentina, Italia y Es­ta­dos Uni­­dos, concretamente en Miami, como partici­ pante en el Ho­­menaje a Frida Kahlo, y en la exposición "Ca­ta­lo­nia Me­di­­terrània", ambas muestras en el año 2002. Cuenta con obras permanentes en instituciones públicas co­­­­­mo el Ayuntamiento de Canet de Mar, el Instituto del Ci­ne­­­­ma Català de Barcelona, o el Archivo Municipal del Ayun­­­­­­­tamiento de la Llagosta, y otro gran número de obras Ana María Barcons mariangels.domenech@nike.com Escoles 40, La Llagosta 08120 Barcelona (España)

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en colecciones particulares. El crítico de Arte Ramón Casalé, miembro de la Aso­cia­ ción Internacional de Críticos de Arte, resumió la obra a Anna Barcons como "sinónimo de sentimientos, de emo­ cio­nes y de intimidades, y cada espectador que no conoz­ ca su trabajo podrá descubrirla, y el que ya la conoce, se emo­cionará igualmente". La obra de Anna Barcons se adscribe al realismo, pero no se estanca en él, de vez en cuando suelta las riendas de su pincel y deja que se adentre por los caminos del surrealis­ mo. Y entonces, de su cuidada pincelada y de su antigua amistad con el óleo, surgen composiciones mágicas, seres que salen de la fantasía y posan para esta artista. Magia que también flota en sus paisajes, en sus cielos y sus mares, en todo el ambiente que recrea y que reside en un tratamiento del color personal e inimitable. ‡


BASOLA, Carlota. Pintora argentina, nacida en Buenos Aires en 1945. Con una amplia formación pictórica, a base de trabajo e in­­vestigación, patente en su pintura, Carlota Basola es fun­ da­­dora del grupo de artistas plásticos "Tendencia", con el que ha organizado cinco Bienales de Pintura, Dibujo y Gra­­bado en el Centro Universitario de Villa Ballester. En 1997 fue nominada Artista Representativa de la Mu­ni­ ci­­palidad General de San Martín, por la exposición itine­ rante con la que su obra recorrió las distintas municipalida­ des de Buenos Aires. Su obra ha sido expuesta en numerosas ocasiones desde 1987, en exposiciones municipales, provinciales, naciona­ les e internacionales, así como ferias, entre las destacan Ar­te BA 95 Recoleta, en Buenos Aires, la feria Internacional Li­­bramont de Bélgica o la Bienal Internacional de Arte Con­­temporáneo de Firenze, Italia. Entre los merecidos premios y reconocimientos que esta ar­­tista ha obtenido, podemos mencionar los primeros pre­ mios obtenidos en el Círculo de Periodistas Gral. San Mar­ tín "Cuna de la Traición" con el Grupo Tendencias, en 1993, en el Salón de la Casa de La Pampa, en 1994 o en el Sa­lón Nueva Figuración, entre un gran número de premios y menciones que suman cerca de cuarenta. Su obra forma parte de importantes colecciones e institu­ cio­­nes en Argentina, Lituania, Estados Unidos, España y Gre­­cia. La obra de Carlota Basola, en su mayoría confeccionada a base de óleo sobre lienzo, remite a una abstracción de plan­­teamientos figurativos, en la que, al margen del tema a tra­­tar, destaca su pincelada suelta y atrevida con la que mo­dela las formas, aportando dinamismo a la composición. Los colores son trabajados, fundidos, dando lugar a un aca­ ba­­do oscuro, envejecido, pero ágil, temática y com­po­­si­ti­va­ mente. Sus gamas marrones, rojizas, cálidas y apa­ga­das, saben muy bien contrastar con azules, o verdes, y re­cor­tarse sobre fondos discretos y estudiados que aportan la profun­ didad de un horizonte lejano. Pura mancha que en su liber­ tad, tiene a bien organizarse para formar escenas, aparente­ mente improvisadas, pero indudablemente me­ditadas.‡

Carlota Basola Corrientes 1501 Villa Ballester (1653) Buenos Aires Fax: 54 11 4768-4584 Argentina

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BELLO, Graciela. Pintora argentina nacida en 1957. Su inclinación por el arte viene desde su infancia, conti­ nuando en su juventud para llevarla a formarse, al tiempo que estudiaba Letras en la Universidad, en Dibujo, Pintura y Grabado con Julio Muñeza. Esta formación se hará cada vez más intensa, y durante diez años, Graciela se forma tanto práctica como teórica­ mente, realizando cursos de Aerografía, Historia del Arte y Fotografía, asistiendo además a diversos talleres. Sus conocimientos la llevarán a trabajar como creadora de di­­seños y estampados textiles, y ejercerá la docencia im­partiendo talleres de Plástica para niveles infantil y adul­ to. A partir de 1992 inicia una larga carrera expositiva que lle­va su obra a más de ciento veinte exposiciones en su país y fuera de éste, siendo mostrada en Uruguay, Brasil, Italia, Sui­za, España, Perú y Estados Unidos. Ha sido reconocida con variados premios como el Primer Pre­mio del Centro Cultural Catedral, el Primer Premio "Sa­lón Aniversario" de la Galería Núcleo Arte, el Primer Pre­ mio "Arte Naïf Argentino" de Madrid, España, entre otros mu­chos. Aparece también en múltiples publicaciones, prin­ cipalmente relacionadas con el arte argentino y el arte In­genuo, y ha donado la edición de tarjetas de sus obras a fa­vor de entidades benéficas. Afir­mando "experimentar entre lo lúdico y lo mágico", la obra de Graciela Bello adopta la estética naïf para tomarse las concesiones de jugar con el puro cuento de hadas, el mun­do de la infancia, de los sueños y trasladarlos al lienzo en una regresión hacia la inocencia. Po­seedora de una técnica depurada y de una absoluta de­ci­sión en lo que quiere mostrarnos, nos envuelve con es­tre­lla­­­das estelas en un universo en el que todo es posible, pe­ro que a la vez, en su aparente ingenuidad, sabe ser crí­ tico. Recrea el onirismo a base de inquietantes fondos que son ilu­minados, en su oscuridad, con haces de luz, esparcidos a modo de texturas que introducen luminosidad y aportan ma­gia, resaltando el contenido de la escena, que a menudo na­ce del claroscuro, como una dulce aparición. Enig­má­ti­ cas mujeres que miran directamente al espectador, que aú­nan el retrato dieciochesco y la ilustración de cuentos, mo­deladas con la cuidada pincelada de una artista que no Graciela Bello gbello@arnet.com.ar Sucre 2099 Piso 1º A (1428) Capital Federal, Argentina

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BENAIM, Ricardo. Pintor nacido en 1949 en Caracas, Venezuela. Su formación artística tiene lugar a partir de 1972, cuando ingresa en el instituto de Diseño Fundación Neumann, de Caracas, para estudiar Diseño. Más tarde, en 1980 estudia Técnicas de Grabado en el Ate­­lier 63 de París, Francia, concluyendo estos estudios en 1983. En ese momento ya inicia su trayectoria expositiva: en 1982 realiza su primera muestra en Caracas, y un año des­­pués su obra se expone en La Petite Seine de París. En 1986 llega hasta Japón para mostrar su obra en la Christie´s Con­­temporany Art Gallery de Tokio. Igualmente sus exposi­ ciones se sucederán por todo Estados Unidos, además de Ve­­ne­zuela, Puerto Rico, Bogotá, Argentina, Italia, Cuba, Ecua­­dor, Brasil, donde en todo momento encontrará acep­ ta­­­ción y elogios para su obra. A medida que Ricardo Benaim ha ido avanzando y cono­ ciendo de manera más profunda las técnicas pictóricas, se ha ido también descubriendo a sí mismo. Es por esto que su pin­tura ha sufrido evidentes cambios con el paso del tiem­­ po, tendiendo cada vez en mayor medida hacia la sin­te­­ti­za­ ción de la forma, en un intento de alcanzar no tanto su for­ma exterior como su esencia interior. La base de su crea­ ción, explicada por él mismo, reside en "la repetición de la mis­ma forma, con diferentes tintas, pigmentos, ceras, óleos, re­lacionándola una y cien veces como un mantra has­ta de­jar que esa forma pintada y repintada llegue a inte­rio­­ rizarse en el alma. Luego esa forma es expresada en la te­la de una manera orgánica, intuitiva y cercana a su esencia". Es por eso que lo figurativo en la obra de este artista se pierde en un sfumato de pintura que apenas esboza una som­bra lejana de algo que fue y de lo que sólo nos ha que­ da­­do el rastro. Su técnica es ágil, domina el pincel y hace uso de una pa­leta centrada en un juego de grises que saben fundirse con marrones y verdosos, muy ligeramente, mediante el jue­go de texturas que dan lugar a los sombreados y a la ten­ sión de esa imagen latente que parece querer jugar con el espectador, susurrarle, hacer notar su presencia, para lue­go escapar entre sus dedos, sin dejarse capturar. ‡

Ricardo Benaim Galería Millenium (Venezuela) Av. Luis de Camoens Ctro. Clover (1081) Caracas, Venezuela

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BIGATTI, Alfredo. Artista plástico nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1898 y fallecido en 1964. Con tan sólo once años comienza a recibir formación artís­ti­­­ca en Dibujo y Modelado, en la "Unione Bene­vo­len­ za", en la Academia "Salvador Rosa" de Tobías Palese y en la So­cie­­­dad Estimulo de Bellas Artes, Buenos Aires. En 1915 ini­cia los estudios de profesor en la Escuela Nacional de Be­llas Artes, titulándose en 1918. En 1923, tras haber ganado dos premios nacionales, viaja a Europa, recorriendo Inglaterra, Italia y Francia, donde es­tu­­­diará con Antoine Bourdelle en “La Grande Chaumiere”.­ Co­­­mienza ahora un imparable periodo creativo en el que se suceden continuos e importantes premios. En 1926 reci­ be el Primer Premio Nacional y el Segundo Premio Mu­ni­ci­ ­­pal del Salón Nacional de Bellas Artes. Dos años más tar­de será nombrado profesor de dibujo en la Escuela In­dus­trial de la Nación y en la Escuela Nacional de Bellas Artes, mien­tras su creación no para de aumentar. Tras obtener el Gran Pre­mio Municipal de Escultura en el XV Salón de Ro­sa­­rio, via­ja por segunda vez a Europa, Visitando Francia, Ita­­lia, Gre­cia, España. Bélgica, Holanda e Inglaterra. En 1932 funda, junto a la que será su esposa en 1936, Ra­quel Forner, y con Alfredo Guttero y Pedro Domínguez Nei­ra, los Cursos Libres de Arte Plástico, donde ejerce co­mo do­cente. Al mismo tiempo seguirá cosechando éxitos has­ta ob­tener el Gran Premio de Escultura en la Exposición In­ternacional de París de 1937, Exposición para la que eje­ cu­ta un relieve para el Pabellón de su país. En 1941 es designado presidente de la sociedad Argentina de Artistas Plásticos, y ese mismo año se publica la primera mo­nografía sobre este artista. Al año siguiente comienza a tra­bajar en el proyecto del Monumento a la Bandera, de Ro­s­ar­ io, inaugurado en 1957. La extensa obra de este artista no cesará de recibir reco­ no­­­cimientos, hasta el día de su fallecimiento, el 25 de Mar­ zo de 1964 y póstumamente, por medio de sentidos home­ na­­jes a este maestro que trabajó el bronce, el relieve, la piedra, la escultura funeraria..., dando vida a una creación úni­ca, en la que quedó encarnada su genialidad para que for­ma­­se merecida parte de la Historia del Arte. ‡

Alfredo Bigatti (Fundación - Argentina) casa@forner.bigatti.com.ar Bethlen 443m, Buenos Aires (Argentina)

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BLAZQUEZ, Francisca. Artista plástica nacida en 1966 en Madrid, España. Ingresó en la Facultad de Bellas Artes de Madrid, perma­ ne­­ciendo en ella entre 1981 y 1983, y posteriormente con­ ti­­nuó sus estudios en el Estudio Arjona, también en Madrid, en el que también ha disfrutado de becas de formación ar­tís­tica en diferentes técnicas pictóricas. Igualmente, ha realizado diferentes cursos intensivos so­bre arte: de Pintura, con Dña Maria Luisa Esteban, cursos in­tensivos en París, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, en el Estudio Kassel Documenta, de Arte Contemporáneo con John Armleder, y de Imagen en 3D con Joaquín Car­ni­ cer. Francisca Blázquez, además de sus creaciones pictóricas, realiza animación artística, fotografías digitales y distintas producciones en medios electrónicos. Ha realizado numerosas exposiciones de pintura, escul­ tura, instalaciones, etcétera, en su país y fuera de este, en Suiza, Colombia y Japón. Muchas de sus obras se encuen­ tran en colecciones privadas en España, Francia, Suiza, Alemania, Colombia y Estados Unidos. Distintos críticos y demás entendidos han reparado en es­ta artista multidisciplinar, y así podemos citar, por ejem­ plo, a Javier Aiguabella, Conservador del Museo Marugame Hi­rai de Japón, quien se pronunció "cuando sus lienzos "can­tan" y juega con sus formas esenciales, contenidas, aquello es chispa. Cuando necesita expresar algo más se­rio, su arrebato se desborda con la misma facilidad; y aquello es un volcán andino auténtico". La pintura de Francisca Blázquez es mancha de color, co­lor bruto, tratado en toda su pureza, plano y directo. Sus for­mas abstractas, impregnadas de geometrismo y a grandes tamaños, casi intimidan por su arrojo y decisión. Y a un tiem­po, contiene perspectiva, enunciada por medio de la com­posición, de la disposición de los distintos planos de co­lor, sin duda resultado del conocimiento, y sobre todo del trabajo, de la seguridad en su obra rotunda y arriesgada. Un estilo de gran personalidad y fuerza; una obra sincera mediante la que Francisca transmite su energía, la expulsa y hace que la retengamos, que no quedemos impasibles, que nos llevemos algo de sí misma.‡

Francisca Blázquez franciscablazque@eresmas.com Avenida Ciudad de Barcelona 31, 5 Izq. 28007 Madrid España

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BOFFI, Alicia. Artista argentina nacida en Buenos Aires en 1956. Desde un inicio, su formación ha estado vinculada a re­co­­no­­cidos maestros y al taller. Así, ha estudiado Paisaje con Mar­­cos Borio, Acuarela con Lola Frexas, Retrato con Wa­shington Rivière y Dibujo y Acuarela junto a Ernesto Pes­­ce. El estudio al lado de maestros, la investigación y el tra­bajo per­sonal, serán los que hagan que Alicia Boffi se in­cli­ne, hasta manejar con la soltura de la que hace gala, al pai­saje. A partir de 1995, ella misma optará por la docencia, en primer lugar a cargo del Taller de Paisaje en la Fundación Ca­sa de Palermo, y posteriormente, desde 1999, colaboran­ do co­mo profesora en el taller de su propio maestro, Marcos Bo­rio. Ha realizado numerosas exposiciones en Argentina y también en Italia, país donde también su obra ha tenido reconocido éxito. Entre los premios que ha recibido podemos destacar el Segundo Premio en el "Salón 75 Aniversario" del Club Uni­ ver­sitario de Buenos Aires, el Premio "Italia Per L´Arte", en

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la Vetrina Degli Artisti Latinoamericani, Florencia, Italia, o el Tercer Premio "Helikonides" de la Fundación Kalíope, en Buenos Aires. La obra de Alicia Boffi es de gran realismo. Elige prin­ cipalmente el acrílico, técnica que domina y con la que sabe sacar la mejor parte de la naturaleza para plasmarla en sus cuadros. Así de sus pinceles surge una pintura ágil y sensitiva con la que recrea los colores del paisaje y sus efectos, las diferentes tonalidades de las estaciones, los anaranjados otoños, los ríos de frías aguas azules. Ofrece cabida a la figura humana, al animal domésti­ co, aunque de manera discreta, como una parte más del todo. Recoge su presencia en las construcciones rurales, los tranquilos pórticos de las casas, los caminos, trata­ dos como elementos que se integran en el entorno, y que hablan de una vida tranquila en contacto con la Alicia Boffi alicia.boffi@arnet.com.ar Bulnes 1973 piso 6, Dto. A. 1425 Buenos Aires Argentina


BOSCÁN, Nelson. Pintor nacido en Caracas, Venezuela, en 1951. Su formación artística da comienzo en 1970, con la realización de un Curso Libre de Escultura, Pintura y Dibujo en la Escuela Cristóbal Rojas, de dos años de duración. Ya anteriormente, en 1965, se había sentido inclinado por la fotografía, reali­ zando actividad como fotógrafo. Tam­ bién ha trabajado como Técnico en Mi­cro, y ejercido la docencia como pro­ fesor de Educación Artística, de Dibujo y de Estética en el Instituto Pedagógico de Ca­racas. Así mismo, ha participado co­mo ilustrador para el diario "El Na­cio­nal". Su extensa obra ha sido expuesta en nu­merosas ocasiones, y premiada con la Men­ción Honorífica del Salón de Dibujo y pintura IPASME en 1994. Nelson Boscán dice "estar convencido de que las obras de arte son producto de la integración del hombre con su univer­ so (...) por lo que son puntos que se

complementan para describirlo y comprenderlo" de algún modo su obra parte de esta idea de equilibrio, y se mani­ fiesta así, añadiendo: "hoy tenemos excesiva información y muy poca interiorización de esta(...) Por eso me preocupo por "lo nuevo" hundiéndome en la modificación que el tiempo ha ido haciendo de las imágenes primitivas tratan­ do de comprender la compleja relación, creación y tiem­ po". Realiza, ciertamente es un proceso de investigación de la imagen, tomando principalmente el caballo como elemen­ to. Re­trocede en el tiempo hasta la prehistoria, se recrea en la Edad Media y sus fantasías caballerescas, avanza hasta la mayor actualidad descubriendo la invariabilidad y la co­nexión de la esencia, la ver­dadera representación, más allá del motivo. Así, aun cuando no trate el tema del ca­­ ballo. Nelson aporta por medio de diferentes técnicas, acaba­ dosque sugieren atmósferas ensoñadoras, que nos sitúan en algún punto más allá de lo temporal o lo espacial, en la fantasía del puro concepto y el estudio de la forma racio­ nalizada por medio del simbolismo. De ese modo, Nelson Boscán crea una pintura en la que el espíritu de este animal es el hilo conductor hacia la atemporalidad, y lo hace con un excelente dominio de la forma y de la sencillez del trazo, cubiertos siempre por la pátina del tiempo. ‡

Nelson Boscan Galería Millenium (Venezuela) gonzalomontero@supercable.net.ve Av. Luis de Camoens Ctro. Clover 1081 Caracas (Venezuela)

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BOSCO, Roberto. Pintor argentino nacido en 1939. Su formación artística da comienzo en el Taller Estímulo de Bellas Artes, y en el Taller MEBA (Mutual de Egresados de Bellas Artes), en Buenos Aires, Argentina, en los que se for­ma en Dibujo. Su formación en Pintura la recibe en el ta­ller del Maestro Urruchúa. En la actualidad ejerce como maestro en un taller de Arte Plás­tica, Dibujo y Pintura, desde el que imparte distintas téc­nicas pictóricas. Roberto también se dedica a la elaboración de cerámicas, a las que aplica distintas técnicas, pastas acrílicas y ma­te­ria­ les novedosos, así como a la creación de monocopias, me­­ dian­te la incorporación de la fotografía junto a viejas técni­ cas de grabado que después pasan por un proceso de la­quea­­do. Mediante este sistema, Roberto Bosco con­fec­­ ciona li­bros de imágenes, de colección, numerados y en­cua­der­na­dos artesanalmente, entre los que cabe destacar "Tangos", aus­piciado por la Academia Nacional del Tan­go, donde se en­cuentra y declarado de Interés Na­cio­­nal. Ha participado en numerosas muestras individuales y co­lectivas a nivel nacional, y fuera del país, exponiendo su obra en Chile, Brasil y Estados Unidos, donde podemos des­ tacar tres recientes exposiciones, en 1998, 1999 y 2001, en la Euroamerica Gallery de Nueva York. De igual mo­do su obra forma parte gran número de colecciones pri­va­­das en Ar­gentina, Bolovia, Chile, Venezuela, Estados Uni­dos y Bra­ sil. La obra pictórica de Roberto Bosco, en su mayoría reali­ za­da a base de óleo y de carácter figurativo, encierra mu­cho de su interés personal por el impresionismo, palpa­ ble prin­cipalmente en su pincelada y en el tratamiento del co­lor, así como en la captación del instante, de manera rápida, que da lugar a una pintura suelta y dinámica. Encierra, no obstante, mucho de sentimiento en cada per­ sonaje, tr­a­ta­­dos con expresiva teatralidad, viviendo un momento que el artista capta como un espía para llevarlo a su lienzo. Cuadros que parecen tener una historia, o ser momentos sa­cados de una vida, instantáneas que encierran dentro de sí su propia leyenda, para explicársela al espectador que de­­see escuchar en la forma, en el color, en el gesto.‡

Roberto Bosco T. 54 11 4432-0890 Bogotá 856 4ºA(1405) Buenos Aires Argentina

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BOSQUE, Marcelo "MARCELLUX". Artista plástico argentino. Marcellux se auto define como "pintor, escultor, hedonis­ ta y fan de Leonardo Da Vinci. En ese estricto orden". Sus primeros acercamientos al mundo del arte dan co­mienzo de manera vocacional ya en su infancia, y con tan só­lo diez años de edad, realiza esculturas en cerámi­ ca. Después de cursar el bachillerato estudia Artes Plásticas en la Universidad de Buenos Aires, Argentina, en la que se li­cen­cia en 1987, y en la que actualmente ejerce la docen­ cia. Su extensa obra ha formado parte de múltiples exposicio­ nes y muestras colectivas e individuales, con las que se ha da­do a conocer en Argentina y fuera de este país. Entre las más recientes, podemos mencionar su presencia en la ArtExpo Internacional de Nueva York, en la Galería Ágo­ra Soho de Nueva York, y este mismo año, 2003, en el XXX Aniversario Batik, organizada por el Grupo de Arte Ba­tik en Barcelona, España, y en el gran Festival Internacional de Bellas artes acontecido en la isla de Creta, Grecia, entre otras importantes muestras donde la particular creación de es­te artista no ha pasado indiferente. La modestia como artista de Marcellux le lleva a conside­ rar­se a sí mismo "sólo una persona que impregna colores so­bre el lienzo", sin embargo, Pablo Villar Mariscal, quien atri­buye a su obra la influencia de Kandinsky, Man-Ray y Mi­ró, ha definido sus creaciones como "la interacción de la mente con el trabajo artístico". La obra de Marcellux bebe de los manifiestos abstractos de Kandinsky, pero los firma con su propio estilo. La hete­ ro­­geneidad de formas que toman presencia en sus creativas composiciones, se mueven en torno a una melodía surgida de la conjugación forma-color. Los racionales trazos evi­ den­cian un intenso ejercicio mental, así como el acabado pro­viene de un excelente conocedor de las técnicas pictó­ ri­cas, de un creador incansable que en cada una de sus pro­­ducciones deja una parte de sí mismo, para que flote en el ambiente interno del lienzo, como un elemento más.‡

Marcelo Bosque (Marcellux) marcellux@uolsinectis.com.ar España

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BRUNÉS, Josefina. Pintora nacida en 1941, en Barcelona, España. Contando tan sólo trece años de edad, inicia su forma­ ción artística en la Academia particular de Víctor Esteban Ria­puxe, a la que asistirá durante un periodo de cinco años. En 1958 ingresa en la Escuela de Artes Aplicadas y Ofi­cios Artísticos de Barcelona y en 1964 se titula Pro­fe­ sora de Dibujo por la Escuela Superior de Bellas Artes de Sant Jordi. Al año siguiente, acude a diversos cursos de Es­mal­tes, Joyería y Cerámica, en la Escuela Massana de Bar­ce­lona. De esa manera su vida va dirigiéndose sin mar­ cha atrás, camino de una imparable trayectoria artística, definida ya en su juventud y que culmina, en 1982, con la Li­cen­cia­tura de Bellas Artes, en la Universidad de Barcelona. Josefina Brunés condujo durante veinte años su taller de es­maltes al fuego para joyería y decoración. Así mismo, tam­bién trabajó de manera particular como retratista, cum­ pliendo un gran número de encargos, que todavía cultiva y que hace los deleites de la crítica. Actualmente, y desde 1970, es profesora en la Escuela de la Mujer de la Diputación de Barcelona. Dada su amplia tra­yectoria y sólida formación, es inevitable que cuente en su poder con importantes premios, entre los que destaca­ mos el Premio "Lorenzo Il Magnífico", 2001 en la Bienal de Ar­te de Florencia, Italia. La obra de Josefina Brunés se divide principalmente en­tre los retratos a base de pastel, técnica que trata de manera rigurosa y expresiva y la producción al óleo, al acrílico y gouache con la que traza racionalizados paisajes, vistas y composiciones con amplio protagonismo de la línea y los vo­lúmenes geométricos. Los colores son trata­ dos en gamas afi­­nes, tendiendo hacia la calidez inundada de luz, en oca­sio­nes contrastada con gélidos azules para cielos y mares. La introducción de líneas que cortan la escena es una in­no­­vación que introduce dinamismo y movimiento. Josefina tie­ne un gran dominio de la pincelada, que desen­ vuelve con gracia y soltura la composición, una pincelada que cons­truye volúmenes y que cuando se lo propone,

Fina Brunés f.brunes@menta.net Avda. Sarria 125,(08017) Barcelona España

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CAPELLINI, Nélida. Artista plástica argentina, nacida en Buenos Aires. Pintora y escultora, se graduó en la Escuela Superior de be­llas Artes "Ernesto de la Cárcova". Completa su forma­ ción asistiendo a distintas cátedras impartidas por los pro­ fe­­sores Mi­guel Bengoechea, Miguel Santamaría, Horacio D´Ale­ssan­dro y Carlos Cañas. Así mismo ha participado en talleres artísticos junto a An­sel­mo Pícolli, Jorge Mello y Felipe Noe. Sus obras han sido exhibidas en importantes salones, que su­­man más de sesenta y dos tanto provinciales como na­cio­ nales, en lo que le serán otorgados numerosos premios y men­ciones. También ha formado parte de múltiples expo­si­ cio­nes y muestras. Sólo en Argentina ha mostrados su obra en más de treinta y dos, además de las realizadas a ni­vel in­ter­nacional, en con las que tanto de forma individual co­mo co­lectiva, ha recorrido España, Brasil, y Estados Uni­ dos. Forma parte de variadas publicaciones entre las que des­ tacan, "Arte Trascendental Argentino del Siglo XX" (1999), "Ar­gentina en el Arte" (2002) y "Catálogo de Maestros & Con­temporáneos Loft Espacio Alfa" (2002). Su llamativa obra ha dado lugar a reseñas de diversos críticos, entre los que podemos citar a Silvia Pellegrini, quien comentó acerca de esta artista: "su libertad concep­ tual es un epílogo de composiciones constructivistas, es fruto de aquellas raíces, pero la originalidad se respira en su obra". Y es que la pintura de Nélida Cappellini no sólo atrae a la vista, sino también al tacto. La textura se convierte casi en ter­cera dimensión. Partiendo de una construcción domi­ na­­da por el geometrismo, introduce eclécticos elementos que pa­recen brotar del propio lienzo, cargándolo de dina­ mismo y originalidad, acercándolo casi al relieve. Con una gama de colores cálida, vinculada a la tierra, tra­­ba­­jada con pureza y determinación, conforma el lienzo co­­mo un mosaico, a base esquemas cuadrangulares, para des­­­pués alcanzar el deterioro de la forma por medio de una su­­perposición de elementos que se funden y se con­ vierten en las entrañas de la obra. Composiciones estudia­ das y ex­ce­lente tratamiento de los materiales, que dan lugar a una obra de cuidado acabado en la que los mate­ riales se someten a la mano creadora y a la mente que los

Nélida Cappellini nellycappe@ciudad.com.ar Callao 1371 . 8ºB 1023 Capital Federal Buenos Aires (Argentina)

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CARUSO, Fernanda. Pintora nacida en 1968 en Olavarría, provincia de Buenos Aires, Argentina. Su formación pictórica da comienzo en 1989, en diversos ta­­lleres junto a reputados artistas plásticos como María De­lia Barbato, Germán Amiama y Juan José Wlly entre otros. Desde ese momento, inicia una extensa carrera como pin­ tora en la que no faltan premios, como la Mención en el 2º Par­cial del Concurso "I Premio Planeta de Dibujo y Pin­tura" con­vocado por la Editorial Planeta, en 1999, en Bue­nos Ai­res. Fue también seleccionada en 1999 para la mue­stra en ho­nor al Vicepresidente de la República Orien­tal del Uru­ guay, Don Fernández Fogwil, en la Galería de Ar­te "Kuns­ thaus", en el Savoy Hotel de Olavarría. Fernanda Caruso cuenta con una amplia trayectoria ex­po­ sitiva, de manera tanto individual como colectiva, que se ini­­cia en 1991 y se desarrolla principalmente en su locali­ dad natal, en la que cuenta con merecido reconocimiento y acep­­tación. Ha realizado ilustraciones para los libros "Solamente Si­len­cios" de la poeta Graciela Mónaco, ex presidenta de la So­ciedad Argentina de Escritores (S.A.D.E.), y "Entre Espinas y Soles", de la poetisa Graciela de la Vega. Su obra forma parte de colecciones privadas, y de manera pública ha realizado un mural convocada por la Aso­cia­ción de Periodistas de Olavarría, en el 2001. La obra de Fernanda Caruso se enmarcaría dentro de la co­rriente de la abstracción, mostrando siempre unas conno­ ta­ciones muy personales. Destaca su investigación e interés por la textura, que combinada con un cromatismo trabajado, da lugar a composiciones en las que ambos, color y textura, se entremezclan y juegan un papel primordial y de gran simbolismo. Los colores en la obra de esta artista se funden a la perfec­ ción, valiéndose unos de otros para conformar un todo de equilibrio, donde la luz es introducida sabiamente para ilu­ minar y dar protagonismo a aquellas zonas que se desean destacar. Con una pincelada suelta y atrevida en la que no hay lugar para las limitaciones, Fernanda Caruso da rienda suelta a su creatividad y nos emociona con una obra rica y bien elabo­ rada.‡ Fernanda Caruso enzobata@yahoo.com.ar Giovanelli 3020 (7400) Olavarría Provincia de Buenos Aires Argentina

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CASANOVA, Patricia. Pintora nacida en 1955 en Tandil, provincia de Buenos Aires, Argentina. Cuenta con una amplia formación a base de una amplia va­­­riedad de cursos y estudios realizados en Buenos Aires. Se gradúa en el Centro Polivalente de Arte, en Tandil asiste a Cursos y Talleres de Dibujo y Pintura en la Escuela Mu­ni­ ci­­­pal de Artes, y de Historia del Arte con la profesora Marta Gia­­chetti. Se forma también en los talleres de los profeso­ res Mery Perera, Norma Villabona, Jorge Melo, Ponciano Cár­­­denas y Kazu Takeda, y de nuevo en Tandil, recibe un Cur­­­so de Educación para la Creatividad con el profesor Ig­na­­­cio Crespo. Ha participado en gran número de exposiciones, de las cuales una mayoría se han llevado a cabo en su ciudad na­tal. En­­tre los premios y distinciones con los que ha sido galar­do­­­nada, podemos destacar la Medalla y Diploma obtenidos en el Salón Nacional de Arte Sacro de Tandil, o la también Medalla y Diploma del XVIII Salón Nacional de Artes Plás­­ticas de Azul. Pa­tricia Casanova y su obra no han pasado desapercibi­ das an­­te la crítica. Así, Ángeles Unzué crítica de arte y también ar­­tista plástica, afirmó, refiriéndose a la variedad de es­tilos que Patricia conjuga en sus creaciones: "ha bebi­ do de mu­chas fuentes... y ha fermentado en su ser íntimo múl­ti­­ples se­­ñales". Las creaciones de Patricia Casanova, ciertamente aúnan una variedad de estilos que hacen posible el suyo propio, ca­­­racterizado por el surrealismo y la ensoñación. Una pin­ tu­­ra tratada con sensibilidad en el uso del color, con una sua­vidad cromática que permite que estos se fundan entre sí por medio de la luz que inunda la composición y hace po­­sible perfectos degradados tonales. Pero existe en su obra el perpetuo contraste entre la suavidad y la agresión, la obsesión por las grietas, por resquebrajar la representa­ ción, introduciendo profundidad de planos ocultos, nuevas com­posiciones que aparecen bajo aquellas que se quie­ bran. Un tejido que llega a tomar connotaciones viscerales, por medio de crudos rojos, por texturas orgánicas, por el do­­lor carnal que sufre el lienzo, dejando insinuar los pro­ pios conflictos de la artista camuflados en el estallido colo­ ris­­ta que todo lo envuelve. ‡

Patricia Casanova Mitre 578 Piso 10 B, Tandil Provincia de Buenos Aires Argentina

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CASARAVILLA, Luis. Pintor natural de Montevideo, Uruguay. Inicia su formación el 1954, tomando lecciones privadas en el taller de Miguel A. Pareja, en Uruguay. Posteriormente in­gre­sará en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Monte­ vi­deo, Uruguay, en la que se gradúa. En 1968 acudirá al Cor­coran School of Art de Washington, Estados Unidos, y en­tre 1972 y 1973 formará parte de la Art League de Virgi­ nia del Norte, Estados Unidos. Sus numerosas exposiciones y muestras dan comienzo en 1970, y se debaten principalmente entre su país, Uru­ guay y diversas ciudades de los Estados Unidos, destacan­ do Washington, exponiendo reiteradas ocasiones en el World Bank, concretamente en 1975, 1977 y 1981. Más recientemente, en el año 2001, participó en la Bie­ nal Internacional de Arte Contemporáneo de Florencia, Ita­lia, donde obtuvo notable éxito. Su obra forma parte de numerosas colecciones privadas a lo largo del mundo. La obra de Luis Casaravilla se ha movido por diferentes fa­­ses tales como la abstracción o el surrealismo, hasta la de­fi­ni­tiva: el expresionismo abstracto, para advocar, en ade­lan­­te, sus creaciones a esta corriente, cultivando tam­ bién el gé­­­­­­ne­ro del retrato. "Casaravilla desarrolla una labor de investigación y de bús­queda que abarca por igual sus estados interiores y pro­ ­ce­­di­­mientos técnicos" afirma, acertadamente, Juan Per­do­ mo Coll. Lo cierto es que la obra de este artista manifiesta una cui­ da­­­da labor intelectual presente en la manera de resolver la com­­posición tanto como en el uso del color, que puede ser cal­­­culado y geométrico, o bien envolvente, suelto y diná­ mi­­­co. En cualquier caso sus composiciones son complejas y racionales, con una hábil superposición de planos que se de­­­bate entre orden y geometrismo. Con una pincelada suelta, que sabe domesticar el color, hermanándolo con la luz, da lugar a una obra homogénea en su estilo, y siempre en continuo avance.‡

Luis Casaravilla (Uuguay - USA) casafynn@comcast.net 8408, Tuxkerman Lane Potomac MD, 20854 Estados Unidos

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CASCARINI, Roberto C. H. Roberto Cascarini nació en Buenos Aires, Argentina en 1985, falleciendo en 1990, tras una intensa vida dedicada a la pintura hasta el último momento. Ini­ció su formación artística en el taller del pintor italiano Pa­blo Parisi, ingresando posteriormente en la Academia Na­­cional de Bellas Artes, donde recibió clases de Alberto M. Rossi, Reinaldo Giúdice y Carlos Ripamonte. Titulado pro­­­fesor de Bellas Artes en 1916, continuaría su formación ar­tística con maestros como Cesáreo Bernaldo de Quirós, en­tre otros. Participó en numerosas exposiciones, más de 200, y salo­ nes, en los que obtuvo merecido éxito, destacando el Salón Na­­­cional de 1939, en el que su obra presentada, "Ro­man­ ce", llamó la atención del Ministro de Instrucción Pública, quien, al observar su talento, lo recomendó como profesor de Dibujo y Pintura de la Escuela Superior de Artes Plás­ti­ cas de la Universidad Nacional de Cuyo, lo que hizo que se trasladase a Mendoza junto con su familia. Fué galardonado con gran número de premios, como el Se­­gun­­­do Premio de Pintura del "Salón de Otoño" de la Pla­ ta en 1924, el Segundo Premio del "Concurso de Afiches", Ex­­po­­­­sición Nacional del Libro, 1928, el Premio de la Cá­ma­ra de Diputados del Salón Provincial de Mendoza, 1941 o el Pri­­mer Premio de Pintura del Concurso Municipal de Arte de Mendoza, 1949, entre otros. Su obra puede ser admirada en numerosas instituciones y or­­­ganismos públicos, nacionales y extranjeros, así como en co­­­lecciones privadas. En el año 2001 la Universidad de Cu­­­­­yo publicó un libro para su homenaje, realizado por su hi­­­ja Silvia y una serie de especialistas. Su obra, de carácter figurativo, asciende a más de mil cua­dros, entre los que predomina el uso del óleo, pero tam­bién encontramos acuarelas, pasteles, carboncillo, etc. La te­­­mática está protagonizada por los paisajes y la figura hu­ma­­­na, destacando la temática costumbrista, que narra es­­ce­­nas del trabajo en el campo, con magníficas composicio­­nes tratadas con una técnica muy personal en la pincelada, en el uso del color en gamas muy naturales, y sobre todo en el trabajo de cada detalle. Evolucionó en el tra­tamiento pictórico, quedando patente en el ca­da vez ma­yor dominio de la forma y la técnica, con una pin­celada que se va haciendo más suelta, más abocetada, ma­ni­fes­ tan­do que el pincel se ha rendido ante el maestro.‡

Roberto Cascarini robertocascarini@ciudad.com.ar José Fco.Moreno 2238, Mendoza 5500 Argentina

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CASTILLO Arvayo, Ignacio "Natchío". Artista plástico mejicano, Ignacio "Natchío" destaca por su trabajo pictórico y como fotógrafo. Licenciado en Ciencias de la Comunicación por la Uni­ ver­­si­dad de Sonora, Méjico, estudió dibujo junto al profe­ sor Oswaldo Contreras en un curso impartido en la Casa de Cul­­tura de Sonora. También ha realizados cursos y talleres sobre "Ten­den­cias Pre­dominantes en el Arte y la Fotografía Con­tem­po­rá­nea, im­partido por Abraham Cruz Villegas y sobre Museo­lo­gía. Sus primeros trabajos en el mundo del arte fueron como ca­ricaturista, el suplemento "La Roña" del "Semanario de Acá", labor que continuará el la "Revista Crítica". En relación a su licenciatura, tiene una amplia experien­ cia en producción de Televisión Educativa, realizando nu­me­­ro­sos proyectos y programas infantiles para la Secretaría de Edu­cación y Cultura del Estado de Sonora. En el año 2002 le fue otorgada una Beca por el Fondo Estatal para la Cul­­­tu­ra y las Artes de Sonora, de un año de dura­ ción. Des­de el 2003, es profesor del Taller de Fotografía y del Taller de Tele­­visión en la escuela de Comunicación de la Univer­si­­­dad de Sonora. Ha realizado numerosas exposiciones, de caricatura, pin­tu­­ra, fotografía y fotografía periodística, y organizado y coor­di­­nado otras tantas para otros artistas. Cuenta con una larga trayectoria de premios, que co­mien­za en 1994, con el Segundo Premio Regional de Pe­rio­­­dis­­­mo en la categoría de Caricatura, y que continuará con otros como el Primer Premio Estatal de Artes Plásticas 1998 del Instituto Sonorense de Cultura o más reciente­ mente, en el 2001, el Primer Premio de la Octava Bienal de Ar­tes Plás­­ticas del Noroeste. La obra pictórica de Natchío está dominada por sepias y ocres en todas sus gamas. Esto le proporciona un aspecto an­ti­guo que el artista sabe muy bien aprovechar, junto a su do­mi­nio de dibujo, para emular cuando se lo propone, los di­bu­jos anatómicos renacentistas. Pero Natchío no necesita re­currir al pasado para expresarse. Tiene una creación per­­so­ nal, de crudos retratos fantasmagóricos y formas de­­sen­­fo­ca­ das, de contrastes lumínicos que aportan dramatismo. Y una pin­celada suelta que funde el color y lo envejece. Una obra de carácter homogéneo, de unidad estilística, que pone de ma­nifiesto la calidad pictórica de este creador.‡

Ignacio Castillo Arvayo Natchío Privada Rieti Nº 5 Villa Residencial Bonita, Hermosillo (83280) Sonora, México

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CASTRO, Elena. Pintora nacida en 1938 en la localidad de Chos Malal, aunque residente en Zapala desde 1957, ambas localida­ des pertenecientes a la provincia de Neuquén, en La Pa­ta­ go­nia Argentina. Comienza su formación artística a una temprana edad, contando tan sólo nueve años, en un colegio religioso. Allí las Hermanas italianas la instruyen estrictamente, enseñán­ do­­le las bases del realismo y naturalismo europeos. En 1958 finaliza sus estudios de maestra, e inicia su carre­ ra docente, a la que se dedicará hasta su jubilación, en 1991. A lo largo de su vida continúa pintando, investigando y realizando cursos de perfeccionamiento, y en 1972 abrirá su primera academia de dibujo y pintura donde imparte cla­ses a niños y adolescentes. Su constante dedicación a la pintura lleva a Elena Castro a en 1987 a inaugurar una larga trayectoria expositiva en su pro­­­pia ciudad y provincia, recibiendo una calurosa acep­ta­­ción, realizando también murales tanto en Zapata como en Neu­quén. Igualmente, realiza las ilustraciones para el li­bro de antología poética de Zapala "Zapala, Semilla y Sur­co". En el año 2000 ocupará el cargo de miembro del Concejo Asesor de Cultura de su ciudad. Pese haber contado con los elogios de diferentes críticos, sus propios testimonios son los que mejor ilustran su obra. "Yo pinto sin presión, pinto porque al hacerlo materializo la pasión por el arte que llevo en el alma y me siento libe­ ra­­­da de algo sublime..." Su pintura es de un asombroso naturalismo, en los colo­ res, en los trazos, de una exquisitez extrema, patente en ca­da uno de sus numerosos detalles, en su delicada pince­ lada, en el primor con el que elabora esas entrañables escenas que retoman el campo y sus trabajos, sus herra­ mientas, sus animales, sus gentes. Escenas de suma modes­ tia que nos hablan desde la memoria, desde la humildad, y se re­­crean en un marco paisajístico de gran belleza. Ca­mi­nos y cam­­pos por los que dejar correr la imaginación, donde res­­pi­rar el olor de los pinos y sentir el viento en el rostro. "Los cie­los de mi querida Patagonia no los he visto en nin­gu­­­na otra parte...", afirma Elena Castro. Cu­rio­sa­men­ te, esos cielos existen en otro lugar: en su pintura.‡

Elena Castro Asmar 19, Zapala (8340) Provincia de Neuquén Argentina

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CASTRO, Telma. Artista nacida en 1948 en Tigre, provincia de Buenos Aires, Argentina. Formada en el arte del grabado, técnica de la que actual­ mente es profesora nacional, Telma además estudia la li­cen­ciatura de Artes Visuales en la Universidad de San Mar­tín, Argentina. Su función como docente le ha permitido investigar per­ ma­­nentemente e ir descubriendo nuevas técnicas de graba­ do no tóxico con excelentes resultados, así como la elabo­ ra­­ción del propio papel que utiliza como soporte en la gran ma­yoría de sus obras, elaborado a base de fibras naturales y que ofrece muy buenos acabados. A lo largo de su carrera artística como grabadora, ha par­ ti­­cipado en numerosas exposiciones, en las que ha obteni­ do ro­tundos éxitos traducidos en premios que avalan la ca­lidad de su obra. Entre estos premios podemos mencio­ nar el Di­ploma a la Creatividad y la Mención Especial de la Sa­la de Arte Scheking Argentina, Centro Universal de las Ar­tes, en el año 1993 y 1994 respectivamente, la Mención Es­pe­­cial del Salón Centro Universal de Las Artes en Chubut, en 1995, La Mención Especial de la Asociación Sueca del Cen­­tro Universal de las Artes, 1995, o el Primer Premio de Gra­­bado de la Escuela Superior de Bellas Artes "Regina Pa­cis", en 1997, entre otros. Telma Castro aúna en su obra el grabado tradicional con las nuevas tecnologías, como por ejemplo, la utilización de la sobreimpresión y el grabado Digital, tecnologías que dan lugar a imágenes novedosas, que le permiten avanzar en el tema y ofrecer nuevas composiciones. Haciendo de trazados urbanos, de plantas y de referen­ cias arquitectónicas, Telma establece una simbología de la co­lectividad humana, en la que introduce como tema recu­ rrente el laberinto, con sus connotaciones de camino ini­ ciá­­tico que debemos seguir y descifrar para llegar a nuestra meta. La ciudad y su trazado, en su vista aérea no son más que otro laberinto en el que la humanidad se pierde sin llegar a encontrar el hilo de Ariadna. El mensaje, en todo caso, dentro de su apariencia caótica es esperanzador, de vez en cuando, entre la maraña del caos humano, Telma suelta una paloma y aboga por la paz.‡

Telma Castro telmadetrigre@hotmail.com R. Fernandez 367 (1648) Tigre, Buenos Aires Argentina

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CARRERA, Charo. Artista plástica española, nacida en Herrera de Pisuerga, Pa­lencia, en 1959. Es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Com­plu­ tense de Madrid, España. realizando también un curso de "Pro­cesos Fotográficos Aplicados a la técnicas Gráficas" en el Cen­tro Internacional de la Estampa Contemporánea de La Co­ruña, Galicia, España. Ha mostrado su obra en diferentes exposiciones a lo largo de la geografía española, la cual cuenta con numerosos ejem­plares de esta artista, repartidos entre ayuntamientos, fun­daciones y universidades en los que puedes ser admira­ da. Así mismo, cuenta con premios en fotografía y pintura, co­mo el Primer y Segundo Premio en el VI y V Certamen de Fo­to­grafía Joven Politur de Madrid, el Segundo Premio del I Cer­tamen de Pintura de la Mutualidad General Judicial de Ma­drid, y más recientemente, la Mención de Honor en el VII Cer­tamen UNIPUBLIC de Madrid. También le han sido con­ ce­­didas Becas como la Beca Valdearte, en la provincia de Oren­se, Galicia, o la Beca de la Fundación Valparaíso en Mo­­­jácar, Almería. Además de formar parte del "Diccionario de Pintores y Es­cul­­tores Españoles del Siglo XX", a aparecido en varias de las más importantes publicaciones del país, como en el "ABC Cultural", "El País de las Tentaciones" o "La Voz de Ga­­ li­cia", y ha recibido críticas como la de Juan Antonio Tinte, pa­ra "El Punto de las Artes", quien afirma que su obra "argu­ men­­ta el mundo de las relaciones y enfrentamientos desde el renglón de la vida misma". La obra de Charo Carrera refleja en gran medida el interés de esta artista por la fotografía, traspasando sus imágenes al lien­­zo para desarrollar un alfabeto propio plagado de símbo­ los. Sus cuadros profundizan en la imagen humana, en el gesto, en la dificultad del alma encerrada en un cuerpo. Un cuerpo que se esconde y se protege, huye de sí mismo para encerrarse, literalmente, en el caparazón, para cubrirse, afe­ rrándose a todo aquello que tiene cerca de sí como la mejor de las armaduras. Armadura también del alma, que se prote­ ge de la soledad. Esta artista ofrece una creación novedosa que investiga en las posibilidades de la imagen, y que ahonda en la misma, para provocar al espectador y llevarle a la reflexión y análisis de sus propios complejos, sus angustias.‡

Charo Carrera www.gratisweb.com/charo_carrera C/ Arroyo 24. 4ºD 28029 Madrid España

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CAYMES, Elsa. Pintora argentina nacida en 1953 en Río Cuarto, Córdoba. Tras graduarse como Profesora de Historia por la Uni­ver­si­ dad de Río Cuarto, iniciará una amplia formación artística. Realiza estudios de Arte en la Escuela Panamericana de Ar­te de Buenos Aires y se forma en diversos talleres con los pro­fesores Nora Mugaburu, Heriberto Zorrilla y Jorge Iber­ lu­­cea. Del mismo modo, asiste a numeosos cursos y semi­ na­­­rios mediante los que se especializa con maestros y críti­cos de gran renombre en Argentina, como Carlos Cañás, Ro­­sa Faccaro y Fabiana Barreda. Miembro Honorario de The Florida Museum of Hispanic and Latin American Art de Miami, Estados Unidos, ha for­ma­ ­do par­te de más de 120 exposiciones en Argentina y en de­­ más paí­ses, como Estados Unidos, España, Alemania... y su obra for­ma parte de numerosas colecciones en estos países. Cuenta también gran número de valiosas distinciones, en­­tre los que se incluyen, entre otros, los primeros premios del "Salón EncuentrArte 2000", del "Salón Buenos Aires 1988, Premio Alianza Francesa", o del "Salón Artistas Ga­­ na­­­­dores EncuentrArte 1996". Decenas de publicaciones se han hecho eco de esta artis­ ta y de su obra. Elogiada por la crítica, la revista neoyorki­ na "FAMA", en su edición marzo-abril de 1999, afirmaba que "la obra de Elsa Caymes es un canto a la liberación de la na­­­­­­turaleza encarcelada en una visión". Daniel Oddone, en la revista "Arte y Vida", editada en Buenos Aires, ejem­ plar de Noviembre del 2000, también se pronunció: "en su obra la realidad y la fantasía se vuelven una sola verdad". Las creaciones de Elsa Caymes son un estallido de masa pic­­­­tórica, que se expande a lo largo del lienzo como un tor­­­­bellino, a base de gruesa pincelada, de uso de espátulas y cuanta herramienta sea necesaria para dar forma a una pin­­­­tura cargada, rugosa, que salpica el cuadro y casi al es­pec­­tador. Recoge el contenido sublime de los más brus­ cos efec­­tos naturales en un perpetuo contraste cromático que se funde creando atmósferas brumosas y ensoñadoras. Elsa do­­mina la pintura y la maneja a su antojo, haciendo una la­­bor de alquimia mediante la que saca lo mejor del material y de sí misma Una impresionante obra que se adentra en los sentidos y araña el alma.‡

Elsa Caymes dellerad@sinectis.com.ar Sanabria 790, (1407) Buenos Aires Argentina

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CINAT, Mariano. Pintor nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1970, y residente en Los Ángeles, Estados Unidos. Graduado por la Universidad de Los Ángeles y por la Uni­versidad Dominguez Hills de Santa Mónica, Mariano Ci­nat se forma artísticamente en las Escuelas Nacionales de Bellas Artes Manuel Belgrano y Prilidiano Pueyrredón en Buenos Aires, Argentina. Actualmente es Director de Arte en la Asociación de Pro­ fesionales de Argentina, y Asociación desde la que coordi­ na exhibiciones de arte y otros eventos especiales para pro­mo­­ver la cultura de su país. Ha mostrado su obra en numerosas ocasiones, de mane­ ra individual y colectiva, en galerías y museos y exposicio­ nes en otras instituciones, en los que ha logrado grandes éxi­tos, como el Museo de Arte Latinoamericano de Florida, en 1999, la Galería de Arte San Telmo en Buenos Aires, 2001, la Exposición Benéfica de la Organización Para Los Ni­ños, en Los Ángeles, 2002, y en Europa, en la Galería de Ar­te Napoli Nostra de Nápoles, Italia, 2002. La obra de Mariano Cinat aparece en el libro "Arte Ar­gen­tino Actual" y cuenta también con un CD ROM. Sus pinturas, confeccionadas principalmente en acrílico, par­ten de lo figurativo de la imagen humana para insertarla en oníricos paisajes que se alejan del naturalismo y se in­tro­ducen en la parte más abstracta de la imaginación de es­te artista. Destaca su delicado y luminoso uso del color, tratado con ligereza y vaporosidad, mediante el que introduce con­trastes lumínicos que nacen de la aguada y aportan esa ma­gia que destilan sus obras. Paisajes de gran expresividad por los que vagan estilizadas figuras, de extrema languidez, co­mo espíritus de la naturaleza, como retazos de alma. Una obra trabajada, con dominio de la pincelada suelta y vibrante. La exquisitez de sus composiciones, su homo­ ge­­neidad temática y formal, crean representaciones de un sen­timiento en el que existe ruptura, por medio de elemen­ tos que producen desasosiego: la forma evolvente, espiral, se­res que caen en picado, como un rayo, rostros que sufren y se arrastran... todo en equilibrado contraste que no gene­ ra desestabilidad ni resta belleza al resultado final.‡

Mariano Cinat (Argentina – USA) cinatm@hotmail.com 7701St. Bernard St 6 Playa del Rey, California CA 90293 USA

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CIRIZA, Carlos. Artista plástico nacido en Navarra, España, en 1964. Se inicia en las artes plásticas de la mano de la pintura, redescubriendo con el tiempo una vocación que le llevaría de manera imparable hacia los caminos de la escultura. Así, en 1984, tras instalarse en Pamplona, instala allí su es­­tudio y comienza a participar en exposiciones, en las que ob­tiene grandes éxitos que pronto se reflejarán en premios, co­mo la Medalla de Plata del Concurso Internacional "Eco­ lo­­gía, Medio Ambiente y Natura", en Salerno, Italia, y será se­leccionado en París para participar en la I Muestra de Pin­tores Jóvenes. Así mismo, realiza diversos viajes y expo­ siciones fuera del país, donde obtiene rotundos éxitos, por Europa y Estados Unidos. En 1996 es nombrado miembro del Consejo Navarro de Cultura, y Presidente de la Co­mi­ sión de Actividades Artísticas y Culturales, cargo que ocu­ pará hasta finales de 1999. En 1998 pasa por un mo­mento álgido de gran reconocimiento artístico, que de­sem­­boca en la ampliación de su taller y crea su propia Ga­­le­­ría de Arte. En estos momentos, su creación se compone de pinturas y esculturas, que pronto empiezan a ocupar dis­­tintos entor­ nos urbanos, y que le llevarán a ser seleccio­na­­do para el Tercer Premio Navarra de Escultura, en el 2002. Ese mismo año realiza una gran exposición de escul­tu­­ra monumental en diferentes parques y espacios públicos de Burdeos, con un total de 103 obras. "Su escultura, tanto en pequeño como en gran formato, po­see un sentido claro de la monumentalidad", sentenció Ro­sa Martínez de la Hidalga, Secretaria General de la Aso­ cia­ción Española de Críticos de Arte. Esa monumentalidad parte de la propia mente del artista, de su gran talento, que es plasmado en una obra de gran plas­ticidad donde la forma abstracta es una extracción de la naturaleza que invita a traspasar los umbrales de la vista, a sentirla con nuestro tacto, a hacerla parte de nosotros, y de nuestra experiencia ante el arte. Sus volúmenes son las pie­zas de un macrocosmos donde todo ha sido realizado con precisión, donde todo encaja, donde las formas se abrazan unas a otras, buscándose, dotando al metal de una ca­lidez que lo integra en el mundo de los vivos.‡

Carlos Ciriza carlos-ciriza@jet.es Nueva 123 Bajo, (3100) Pamplona España.

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Clemente. Artista italiano, nacido en 1923 en Bivonggi, provincia de Re­­ggio Calabria, pero afincado en Buenos Aires, Argentina. Cur­­só estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de la Uni­versidad Nacional de la Plata. Así mismo se ha formado jun­to a numerosos y reconocidos maestros, como Emi­lio Pe­tto­ruti, Cleto Ciocchini, Faustino Brughetti, Raúl Bon­gior­ no y Car­los Aragón. Por su parte ha ejercido como profesor de Dibujo Técnico, Pro­­yección y Forma, Dibujo y Pintura Artística. Igualmente do­­t­­ado de talento para la música, ha impartido clases de Di­rec­c­ión de orquesta, tras su propia formación junto a im­por­tantes virtuosos. Artista polifacético, ha escrito y publicado varias novelas con ilustraciones propias, como "los Patriarcas", "Ambición y Ti­nieblas", escrita en colaboración con Lea. R. Wein, y otra lar­ga lista que esperan su próxima publicación. Tam­bién sus cua­dros a menudo van acompañados de poéticos co­men­ta­ rios del autor, lo que facilita su comprensión y nos acerca al uni­verso personal de Clemente. Ha realizado diseños de escenografía, vestuario para ópe­ ras y ballets, de moda, de iconografía religiosa para el Va­ti­ ca­no... Su obra se encuentra en exposición permanente en las pinacotecas de A/M International de Bivongi y Stilo, Ita­ lia, y en Perth, Australia, en la delegación de Las naciones Uni­­das de Buenos aires y en la St. Augustine Church de Nue­ ­va York. Reconocida personalidad, ha recibido condecoraciones co­­mo la Orden al Mérito en 1940, en La Plata, la Orden de la Monja Blanca por el Gobierno de Guatemala y nombrado Ciudadano Ilustre en la diáspora por el Gobierno Ita­lia­no. La obra de Clemente es una sinfonía a la belleza de la vi­da, manifestada en los rostros, en los paisajes, en las calles, en las puestas de sol. Clemente se acerca para escuchar su len­­guaje y transmitírnoslo con lápiz o pincel, con imagen o pa­labra. Su depurada técnica, la comunicación que es­ta­ble­ ­ce con el color y la composición, son el fruto de su ex­tensa ex­periencia y dedicación, que queda patente en la más leve pin­celada o trazo. Creador también de obras puntillistas, todo en este artista de­­nota la minuciosidad y el entusiasmo que vierte en su pro­ fun­da necesidad de crear.‡

Clemente (Italia- Argentina) clemente-vm@sion.com Posadas 1301 Piso 13º, Buenos Aires Argentina

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COCERO, Pilar. Artista plástica natural de Madrid, España. Su formación artística tiene comienzo en la Es­cue­la de Montelar, Madrid, donde estudiará Dibujo, apren­ diendo a desenvolverse con el grafito y al car­bon­ cillo. Posteriormente llegará hasta la también madrileña Escuela de La Moncloa, para especializarse en el arte del Esmalte. A raíz de esto, llegará a la presidencia, en 1987, de Aso­cia­ción Nacional de Esmaltistas, des­ de la que impulsará enor­me­­­mente esta poco co­no­ cida técnica. Comenzará además una intensa la­bor de investigación en las posibilidades ar­tís­­ticas y plás­ ti­cas del esmalte, hasta llegar a alcanzar un asom­­ broso grado de similitud con este a base de uti­li­­zar pin­­tura al óleo o acrílica sobre una gran variedad de so­portes que abarcan desde la tela a planchas me­tá­­ li­cas. Con es­­to conseguirá introducir la estética y los acabados propios del esmalte en su obra pictórica. Pilar Cocero ha realizado múltiples exposiciones en Es­­pa­­ña, Europa, y EE.UU. Su obra for­ma par­te de co­lec­ciones y mu­seos espa­ño­­­les, entre los que se pue­ ­de des­tacar la co­lec­ción privada de S. M. la Rei­­na Do­ña So­­fía de Es­pa­­ña, pero también puede ser

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admira­da en EE.UU, Japón, Ale­­ma­nia o Bélgica en la co­lec­ ción de S. M. la Reina Do­ña Fa­bio­­­la. Entre los premios y menciones que ha obtenido, se encuentran las Menciones de Honor de la Cámara de Co­mercio y de Industria de Madrid, de Artesanos- Ex­por­ta­ do­res y de Ti­tu­lares y Talleres de Artesanos por la Dirección Ge­neral de Em­presa, otorgadas por el Ministerio de In­dus­ tria de Ma­drid, o los Diplomas en Pro de la Difusión del Es­mal­te otor­ga­­dos por el Correo del Arte y por la Cámara de Co­mercio e Industria de Madrid. La obra de Pilar Cocero toma la abstracción como el len­ gua­­je del alma, y mediante este se expresa sólo con la su­ge­ ­rencia derramada sobre el cuadro. Hablan sus colores en to­­­das sus gamas, se funden cuerpo con cuerpo para com­ par­tir su esencia y descubrirse. Su obra lleva escritas las pa­la­­bras trabajo, laboriosidad, investigación. Su obra deja al des­­cubierto a una creadora que descubre el secreto de crear, de manifestarse en un idioma propio.‡ Pilar Cocero pcocero@hotmail.com Macor Gallery, c/Venezuela 8 Mahadaonda, (28220) Madrid España


COHEN, Sara. Artista plástica argentina de sólida formación, Sara Co­hen se gradúa en la Escuela Nacional de Artes Visuales Ma­nuel Bel­grano, en La Escuela Nacional de Bellas Artes Pri­lidiano Pueyrredón, y en la Escuela superior de Bellas Artes Er­nesto de la Cárcova. Ha asistido también a múltiples talleres y cursos, que le han aportado valiosa experiencia: como los talleres de Emi­lio Renart y de Vázquez Málaga. Cuenta con una amplia experiencia en la docencia en dis­tin­­­tos centros educativos, como la Escuela Nacional de Ar­tes Visuales Manuel Belgrano, la Escuela Normal Mixta de San Fernando, o los colegios nacionales Sarmiento y B. Ri­va­­­­­davia. En 1980 realiza un viaje de estudios a Europa, donde tiene la ocasión de visitar las más importantes colecciones ar­tís­ti­­cas y museos de España, Italia, Francia, Alemania, Sui­za y Aus­tria. Ha recibido numerosos premios y mostrado su obra en múl­­­­tiples exposiciones y salones, entre los que podemos des­­tacar la exhibición "Ocho Mujeres Artistas Argentinas en Soho", en la Euroamérica Gallery de Nueva York, en una crí­­tica de su obra, Andrew Mc Donnel, nos dice que existe una vinculación de su pintura con la Escuela de París, so­bre todo con Matisse. Es influencia fauvista se encuentra principalmente en el uso del color, que Sara maneja de manera atrevida, pero no tan puramente como lo utilizó esa corriente artística. La pin­celada de Sara es más compleja, como su elaboración del co­lor, que aunque se use de manera imaginativa y origi­ ­nal, apa­recen trabajados tonos que se van fundiendo hasta crear ági­les texturas que añaden valores plásticos al acaba­ do. Sus composiciones son peculiares en su manera de ata­ car el lienzo por medio de la curva, en la que introduce imá­genes, texturas y añade contrastes entre los motivos cen­trales, desviando la atención del espectador hacia don­ de ella desea, ayudándose de la utilización de la luz y del juego cromático. Es una obra en la que fluye el simbolismo junto a la calidad técnica y la sabia utilización de todos los recursos de la artista, de forma colorista y a la vez ínti­ ma.‡

Sara Cohen Avda Independencia 2135 Piso 3ºB (1225) Buenos Aires Argentina.

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COLOMBO March, Jorge. Artista plástico nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1939. Jorge Colombo es Doctor en Medicina, profesor Univer­ si­­ta­rio Científico e Investigador Principal del CONICET. Cuen­ta con una larga trayectoria a base de trabajos científi­ cos, be­cas y conferencias, llegando a ejercer la docencia co­­mo pro­­fesor titular en Estados Unidos y Argentina. Ac­tual­­mente Di­­rige la Unidad de Neurobiología Aplicada, y es Pre­­si­den­te y Director Científico de la Fundación Conec­­tar. Pe­ro además de esta vocación científica, también desta­ca por su gusto y talento por la pintura y la escultura, ini­cian­­do su for­ma­ción en el taller de Dibujo de Jorge Podestá en 1957. Ya des­­de ese momento comienza a mos­ trar su obra en exposi­cio­­nes, al tiempo que continúa for­ mándose en el ar­te, ahora de forma teórica. Asiste a un Curso sobre Con­cep­tos Vi­sua­les en arte, en la Universidad de Florida del Sur, Es­tados Uni­dos, universidad en la que también rea­li­­­­za un Curso so­bre Arte del Siglo XX. Ha participado en numerosas exposiciones en Buenos Ai­­res, Florida, Uruguay, y participó en la "Vetrina degli Ar­tis­ti La­tinoamericani" de Florencia, Italia. Reiteradas veces premiado, obtiene en Buenos Aires las si­­guientes distinciones: Primer Premio en el I Salón de Pin­ tu­­ra de la Galería Acuario, el Segundo Premio en el Salón de Pin­tura de la Scala de San Telmo, y el Primer premio en el Sa­lón de Otoño de la Galería de Arte San Telmo, entre otros. Podría decirse que Jorge Colombo trabaja la técnica mixta en una obra mixta de estilo mixto: porque juega con la pin­tu­­ra y la escultura, y las mezcla, y gusta de confundir­ nos a ve­­ces. Y otras parece sereno y firme, como su mancha pic­tó­­­rica, y crea estables composiciones de vistoso colori­ do. A ve­ces toma los derroteros de la geometría, encerrando su obra entre volúmenes cúbicos, que a su vez, son ence­ rrados en su obra. Otras huye del cromatismo y opta por lo acro­­má­tico, entonces nos muestra un distante universo geo­ mé­tri­co y gris. Pero la búsqueda de una tercera dimensión siempre aparece patente, en la textura que forma con su cargada pincelada, los juegos visuales con los que intro­du­ ­ce sensación de profundidad, o escapando de la pintura pa­ra alcanzar el relieve. Pintura y escultura entran en una equi­­librada conexión en la obra de Jorge Colombo March.‡

Jorge Colombo March, colombo@pruna.gov.ar Program Unidad de Neurobiología Aplicada CEMIC – CONICET – Av. Galván 4102 (1431) Buenos Aires Argentina

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CONTI, Marly. Pintora nacida en Timbó, Brasil, en 1958, descendiente de ita­lianos. Pasa sus primeros años de vida en Blumenau, Bra­sil, y reside en Argentina desde 1979. A los diecisiete años hace sus primeras in­cur­­siones en el ar­­te, realizando cuadros ta­lla­dos en madera, pinturas sobre te­­la y alfa­ re­­ría. Con el tiempo perfeccionará esta afición artística, asistiendo a cursos de Alfarería con el profesor Hugo Cas­te­lla­no, es­tu­­­diando con Cristina Ghetti, y el los talleres de He­ri­­ber­to Zo­rrilla y Rafael Seguí. De esos estudios y del cono­ci­mien­to de dis­tintas técnicas artísticas, Marly extrae su vo­ca­­ción pictórica, deriván­ dola hacia la Pintura Abstracta y el Cons­truc­ ti­vis­mo. Sus exposiciones y muestras, desde 1996, fecha en que tie­ne lugar la primera, hasta la actualidad, ascienden a más de cincuenta, con las que su obra ha recorrido no sólo Ar­gen­tina, sino que ha llegado hasta Italia, con la Mostra D´Arte Contemporanea en la Ga­le­r­ía La Pigna de Roma.

Tam­bién ha recibido múltiples premios, como el Primer Pre­mio y Medalla en el Salón "Viejo Buenos Aires", el Se­gun­ do Premio en Pintura del IV Salón Fin del 2000, Fin del Mi­lenio", el Premio de Honor con Medalla de Oro del Sa­lón Casa de la Rioja en Buenos Aires, o el Segundo Premio del Sindicato Argentino de Televisión. La obra de Marly Conti delata la imaginación de esta artista, por medio de los extraños elementos que pueblan sus com­posiciones, como planetas, partículas del cosmos, que flo­tan en la ingravidez de sus fondos nebulosos, en una sen­sación de movimiento rítmico. Geometrismo y forma or­gánica contrastan entre sí, se aúnan, aportando equili­ brio. El color es trabajado, crea texturas y se esparce por los fon­ dos neutros, ligeros, impalpable, contribuyendo con su su­ti­­le­ za a crear profundidad y a resaltar los elementos de la com­­ po­sición, en los que se introduce mayor intensidad cro­­­má­ti­ ca. Un obra homogénea, que se desenvuelve a la perfección en esa gran homogeneidad compositiva y cromática con la que aflora el personal estilo de Marly, en un ejercicio inte­lec­ ­­­tual, que se aleja de lo real, para centrarse en la pura for­­­ Marly Conti ma.‡ Juncal 1188 Piso 5º. Buenos Aires .Fax. 54 11 4342 1036. Argentina

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CORBALÁN, María Alejandra. Pintora argentina, nacida en Buenos Aires en 1962. Cursará estudios sobre caricatura, publicidad gráfica, y ar­­tís­tica en el Instituto Universal Center de Buenos Aires. Más tar­de, se gradúa en la Escuela Nacional de Bellas Artes Pri­­li­diano Pueyrredón, ha realizado cursos, seminarios y con­fe­­­rencias, impartidos por prestigiosos maestros, como ta­lleres de pintura con Marino Santamaría, Cristina Darti­ gue­lon­gue, Miguel Bengoechea, Domingo Florio, Norberto Ono­frio o Magdalena Beccarini, dibujo con Jorge Meijide, Mar­cia Schwartz, Roberto Paez, Raúl Ponce, y aerografía con Manozzi. Posteriormente estudia la carrera de caracterización en el Ins­tituto Superior de Arte del Teatro Colón, así como la Li­cen­ciatura en Arte Visuales en el Instituto Nacional de Arte, en Buenos Aires, e ingresa en la Escuela Superior de Bellas Ar­tes "Ernesto de la Cárcova" donde seguirá formán­ dose pa­ralelamente, mediante la asistencia a cursos y semi­ narios de dibujo y pintura. En el año 2002 toma parte en el Laboratorio Intensivo de Téc­nicas Escultóricas con Materiales no Tradicionales, con la profesora Claudia Aramovich, donde se adentra en el co­no­cimiento y manejo de los más novedosos materiales es­cul­tóricos. Ha realizado numerosas exposiciones y ha aparecido en otras tantas publicaciones, donde ha recibido el interés y la aprobación de la crítica. Maria Alejandra cuenta con premios como el de la Edi­­ to­­rial Atlántida, por el tema "Buscando al Niño Billiken", o los el Primeros Premios de Pintura en Técnica Mixta del Cen­tro Naval Salón "Los Contemporáneos", del Salón TU­BA´95, o del Salón "Arte Vida". Obtuvo la Beca del Banco de la Provincia de Buenos aires para estudiar en el taller del maes­tro Hermenegildo Sabat. La pintura de Alejandra Corbalán es expresionista en to­das sus facetas, tanto figurativas como abstractas, y en todas ellas destaca ese gusto de investigar con las texturas y con el color. Un color que aparece en sus gamas más puras y ra­bio­sas, o en su faceta monocroma, pero siempre con una pin­­celada de trazo seguro y firme. Sus composiciones son enér­gicas y de gran expresividad, cargadas de un movi­ miento en tensión, que lucha por salir del formato.‡

María Alejandra Corbalán mariaalejandracorbalan@tutopia.com Belgrano 747, Morón (1708). Provincia de Buenos Aires Argentina

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CORRAL, Santiago. Pintor mejicano nacido en Valle de Bravo, en 1964. De formación autodidacta, Santiago Corral se ha labrado un importante hueco con su particular pintura y visión para con los objetos que nos rodean, a base de observación, in­ves­tigación y conversación con la pintura. Cuenta en su carrera con galardones y reconocimientos que avalan su obra, entre los que podemos destacar su se­lec­ción para Art-e-mail Mac 21 en Zaragoza, España, para la exposición "2000 Reasons to Love the Earth", en Ho­lan­da, y para el Gran Premio Omnilife de Guadalajara, Mé­ji­co, en el que obtuvo una Mención Honorífica en el año 1999. Más recientemente, en el año 2002, fue becado por el Instituto Estatal de Cultura de Guanajuato (INBA), en la ca­tegoría de Creadores con Trayectoria. Santiago Corral lleva a cabo una extensa participación en exposiciones individuales y colectivas, con las que ha mostrado su obra principalmente en Méjico y Estados Unidos, pero llegando incluso hasta Israel. Ha pintado mu­rales particulares en Estados Unidos y Francia, y su obra for­ma parte de distintas colecciones en Francia, Alemania, Es­tados Unidos y Méjico. Este joven creador ha sido objeto de críticas como las de An­tón Castro, quien dijo que "revierte la pintura en su cla­ si­­cismo o en su realidad a un estado operativo que siempre lo­gra superar los códigos prefijados por la reproductibili­ dad, a fin de adentrarse en su vida". La obra de Santiago, en su mayoría a base de óleo sobre lienzo y centrada en la figuración, toma por protagonistas si­lenciosos retazos de vida, de mundo, que se han quedado grabados en sus viejas maletas, bolsas de viaje, botas gas­ tadas, viejos teléfonos... la memoria de una vida. De es­ta­ ciones recorridas, recuerdos encerrados, caminos tortuo­ sos, llamadas sin contestar. Objetos que encierran su histo­ ria, y de los que Santiago sólo es el transmisor, para ponerlos antes nuestros ojos y que ellos mismos narren su propia le­yenda, la que los hizo viejos, la que los olvidó. Su trazo es suelto, pero firme y preciso. Su color desgastado, juega con la escena, aporta ese tiempo que la ha rozado, mellado, dando a cada lienzo una personalidad única. En­ri­que­cedoras representaciones de una memoria dormida que só­lo este artista es capaz de despertar.‡

Santiago Corral santico@prodigy.net.mx La Cañadita 9 Col. Centro San Miguel Allende 6to. (31100) México México

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COSTA, María Estela. Pintora argentina, nacida en Buenos Aires. Su formación en artes plásticas comienza en 1968, to­man­do clases de pintura en el taller de Alicia Hernández Do­­four durante siete años. Estos estudios los continuará mas tar­de en, 1979, en el taller de Carlos Pacheco, donde ade­más de pintura, estudia Composición y participa tam­ bién en el ciclo de conferencias del profesor Amilcar Ga­nu­ za. Junto a Carlos Ovejero estudia un Curso de Títeres y bocetos, y en 1989 ingresa en la Facultad de Bellas Artes en la Li­cenciatura de Artes Plásticas, en la especialidad de orien­ta­ción Escenográfica. Vinculada al mundo de las artes escénicas, cuenta con una am­plia preparación y experiencia también en este te­rreno, es­pecialmente como bailarina. "La fragilidad de su imagen cor­poral contrasta con la firmeza de su espíritu, que no com­pra moda ni tendencias artísticas", escribió de ella Nu­ri Labanca, haciendo referencia a la conjugación de los va­lo­res artísticos que se aúnan en su persona. Ha participado en gran número de exposiciones y salo­ nes, en los que ha obtenido premios como el Diploma de Ho­­nor en el II salón de Arte del Magisterio, en La Plata, o el Di­ploma de Honor del I Salón Regional de Arte de la Mu­­ni­cipalidad de Florencio Varela. La obra de María Estela Costa es un homenaje al mar. Un re­­corrido por su territorio, por su mágico mundo subacuáti­ co. Nos sumergimos, literalmente, en frías aguas azules para to­parnos con composiciones equilibradas, gamas cro­má­­­ ticas que oscilan de azules a verdes, formas orgánicas que delatan vida... y salimos a la superficie para tomar aire. Y ese aire ha­ce que se agiten las olas, que salpiquen blanca espu­ ma, que nos acuna y nos sobrepasa en su inmensidad. La obra de esta artista es capaz de captar cuanto hay de abs­tracto en la naturaleza. Sus obras invitan a la soledad, nos abruman, y nos ofrecen un mundo tan real como de­s­ co­­nocido.‡

María Estela Costa estelacosta@uolsinectis.com.ar Calle 9 Nº 1231 (1896) City Bell. Provincia de Buenos Aires Argentina

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COSTUCICA, Raúl. Pintor nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1946. Su formación tiene lugar en la Escuela Técnica de Buenos Aires, donde se especializa en Dibujo Geométrico. Desde siempre muestra un particular interés por la pintura, comenzando a practicar de manera constante desde 1978, configurando poco a poco una extensa obra que co­men­zará a montar a partir de 1999. Desde entonces, ha participado en numerosas exposicio­ nes, entre las que podemos destacar la del Centro Naval, la del Salón Nacional de Pintura Marianistas, o la muestra en la Universidad Popular de Boca, todas ellas en Buenos Aires. En el año 2000, en el Salón de Arte sacro de la Galería Loft Es­pacio Arte, presenta un mosaico de la Mezquita de Omán de Jerusalén en acrílico y metal, con el que introduce un in­gre­diente novedoso en su creación: la iconografía islámi­ ca. Entre los premios con los que cuenta, podemos citar la Men­ción Especial del Jurado en Pintura, con el cua­dro "Bar­ cos en Reparación" en el año 2000. Su obra se encuentra en distintas colecciones privadas co­mo las de la Familia Bussetone de Woesester (USA), o la Fa­mi­lia Arnuphi, San Luis (Argentina). La obra de Raúl Costucica el alegre, colorista, colmada de em­pastes y texturas pictóricas que la enriquecen y en las que de­ja patente su conocimiento y dominio de la pintura. Plasticidad y color a partes iguales, recrean escenas figura­ ti­vas: marinas, bodegones con flores, escenas intimistas... to­das ellas formadas con su particular estilo, de influencia im­pre­sionista, por el que se mueve con seguridad y firmeza. Des­taca el minucioso trabajo de los fondos, en los que la pin­celada se mezcla elaborando sutiles atmósferas en las que la escena se recorta, dando lugar a una conseguida sen­ sa­­ción de profundidad entre los distintos planos. La obra de Raúl encierra significados espirituales en su tra­ta­­miento da la naturaleza, espiritualidad también presente en las referencias iconográficas de carácter islámico, que el ar­tista desarrolla con soltura, y con la belleza y personalidad con las que configura toda su obra.‡

Raúl Costucica raulchiud@hotmail.com Mendoza 1721 Piso 8ºB (1428) Buenos Aires Argentina

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CUENLLAS, Carlos. Artista Plástico español nacido en León (España), en 1969. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sa­la­man­ ca, a lo largo de su formación también ha cursado estudios en la Escuela de Diseño de Nuremberg, Alemania, adqui­ rien­­­do así novedosos planteamientos tomados del diseño, que Carlos traspasará a su obra escultórica. Su primera exposición tiene lugar en el año 1994, momen­ to a partir del cual obra ha ido aumentando imparablemen­ te, dándose a conocer en otras numerosas exposiciones a lo largo de toda la Península Ibérica y Alemania. Carlos Cuenllas ha recibido premios y galardones, entre los que podemos destacar el Premio Instala 99, por el que rea­lizó una instalación para la Facultad de Veterinaria de la Uni­­versidad de León, la mención de Honor del Premio Caja Ma­­drid de Escultura "Generación 2000", o el Primer Premio de Escultura del VII Premio Nacional de Artes Plásticas de la Uni­versidad de Sevilla, entre otros. Su obra se expone permanentemente en numerosas insti­ tu­­ciones y locales públicos entre los que podemos destacar el Ayuntamiento de El Limonar, Cuba, la Facultad de Bellas Ar­tes de Cartagena de Indias, Colombia o el Ayuntamiento de Alcorcón en Madrid. En la actualidad está vinculado a distintos colectivos artís­ ti­­­cos como el Colectivo Anel-Cuenllas-Morrondo, el Grupo de Villa Iris, el Colectivo T.A.I. y el Colectivo "La Voz de mi Ma­­­dre". La obra de este artista ha sido objeto de numerosos co­men­­­tarios, entre los que podemos destacar los de el pro­ fesor Ja­­vier Hernando, quien atribuye a sus esculturas unos "efectos ópticos responsables en buena parte del acentuado tono poético que les ampara". La personales esculturas e instalaciones de Cuenllas, sur­ gen desde una traspasada frontera minimalista, para alzarse triunfantes en toda la pureza de un material, el acero, que in­tro­­duce connotaciones industriales, y las entremezcla en un cú­­mulo de plasticidad y luz. En esta estética futurista subyace, sin embargo, un lenguaje íntimo con el que el creador se co­­­­munica con la materia, para sacar la latente forma que al­ber­­ga y que sólo él es capaz de hallar, como Miguel Ángel de­­cía encontrar sus esculturas encerradas en el propio bloque de mármol.‡

Carlos Cuenllas carloscuenllas@hotmail.com Avda. de la Constitución 223, 24010 Trobajo del Camino León. España

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DAVAROFF, Mariano. Joven artista nacido en Buenos Aires, argentina, en 1974, con cuadriparecia e hipo acucia acentuada. Esta discapaci­ dad no le impedirá formarse y destacar desde muy pronto por su talento pictórico y valía artística. En 1992 inicia su formación pictórica de manos de la ar­tis­ ta plástica Eva Castell. Más tarde, en 1998, ingresa en el Ta­­ller de Psicomotricidad de Dibujo y Pintura, en la Es­cue­la su­­ perior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova. Desde que sus primeros cuadros ven la luz, comienza una lar­ga serie de exposiciones y muestras donde Mariano Da­­va­ roff recibe merecida aceptación por parte del público y de la crítica, siendo recibido en el año 2000 por el Papa Juan Pablo II, en la Plaza de San Pedro de El Vaticano, Ro­ma, Italia, en una Audiencia Pública. Cuenta con numerosos e importantes reconocimientos, en­­ tre los que podemos destacar la Mención Estímulo del Cen­­tro de Arte "Trilogía", el Primer Premio del I Concurso In­­ter­na­ cional de Dibujo y Pintura para Discapacitados del Mu­­seo Saavedra, o el Premio "Interarte Internacional" de Di­­bu­jo y Pin­tura para Discapacitados del Museo de Mo­ti­vos Ar­gen­ti­ nos José Hernández, entre otros. Su obra ha recorrido además de su país, Italia, España, Si­ria, Estados Unidos, Venezuela, Méjico y Paraguay. Además apa­­­rece en gran cantidad de bibliografía en la que figura, en nu­­merosas ocasiones, como artista invitado. La obra de Mariano Davaroff es pura expresión plástica. En ella la carga cromática se libera como un torrente de pin­ce­ la­­das sueltas, densas, pobladas de ricas texturas. Tra­ba­ja el co­lor rápida y limpiamente en gamas de acuáticos azu­les o de turbulencias coloristas que se contrastan y funden entre sí, rít­micamente, envolviéndonos con su musica­li­­dad. Otras veces esas manchas dan lugar a cálidos paisajes, que aú­­­nan luz, color, como fruto del capricho de la propia pin­tu­ra. Con Mariano Davaroff el óleo pierde autoridad, se rinde al pincel, a la firme decisión del artista. Se convierte en su ar­ma, un arma solamente desenvainada para el triunfo.‡

Mariano Davaroff Estomba 1469, (1427) Buenos Aires T./F.: 54 11 4552- 3144 Argentina

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DEL RÍO, Paul. Pintor cubano nacido en La Habana, en 1943, y residen­ te en Venezuela desde 1945. Paul del Río, venezolano de adopción, será en ese país, y más concretamente en la ciudad de Caracas, donde de rienda suelta a su talento artístico, donde reciba formación tanto en pintura, como en dibujo y serigrafía, y donde so­bre todo, experimente hasta configurar su propio estilo, aquel en el que se siente lo suficientemente cómodo como pa­ra dar lugar a una obra, que se irá configurando poco a po­co para iniciar así un recorrido expositivo que lo dará a co­nocer. Su primera exposición tiene lugar en 1974, en la Galería Vi­va México de Caracas. Pese a llevar a cabo múltiples muestras en esta ciudad, y por toda Venezuela, Paul del Río lle­vará su obra también hasta España, Estados Unidos, Ale­ mania o Canadá. Entre estas exposiciones en el extranjero, po­demos mencionar de España, las exposiciones en la Ga­lería 16 de Madrid en 1979 y 1981, o diversas exposi­ ciones en Nueva York, destacando su participación en 1987 en la muestra de la Asociación de Artistas Americanos y en Art Expo, en 1988, así como otras muchas en Miami. Me­rece la pena mencionar, por su excelente acogida, la expo­si­ción llevada a cabo en la Galería Der Universitat Kons­tanz de Alemania, país donde este artistas goza de gran apre­cio. Así mismo, su carrera está repleta de premios y galardo­ nes y sus obras forman parte de importantes colecciones por todo el mundo. Su obra ha sido definida por Juan Calzadilla, quien ha apuntado acertadamente las relaciones e influencias de Paul del Río con la obra de Picabia, como "íntimamente ani­mada por la experiencia de un teatro secreto". Esta afir­ ma­­ción se debe al protagonismo que el artista concede a los espacios donde su mueven sus personajes, que contri­ bu­­yen a la animación de los mismos, creando un hábitat don­de emergen para posar ante su pincel. Así, ese juego de colores planos y de gran vistosidad con el que crea sus representaciones, da lugar a una pintura ex­pre­siva, sencilla y de gran viveza, que no necesita de artifi­cios para hablar por sí sola.‡

Paul Del Río Galería Millenium (Venezuela) gonzalomontero@supercable.net.ve Av. Luis de Camoens Ctro. Clover (1081) Caracas, Venezuela

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D´IPPOLITO, Norma. Escultora argentina nacida en Buenos Aires en 1943. Su completa formación artística se inicia en la Escuela Na­cio­nal de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en la que se gra­­dúa en Escultura y posteriormente en Grabado. Con­ti­ nua­­rá sus estudios de Escultura, en esta ocasión en la Es­cue­ la Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova. En Pa­rís, Francia, en 1970 obtiene el Diploma de Estudios Fran­ce­­ ses. Por su parte también ejercerá la docencia, en la Bi­blio­te­ ca del Concejo de Mujeres de Buenos Aires, en la Uni­ver­ si­dad de Belgrano, y en la Escuela Nacional de Bellas Artes Pr­i­­li­dia­no Pueyrredón. Ha mostrado su obra en numerosas exposiciones en su país y cuenta con más de veinte galardones recibidos. Fue seleccionada para participar en el Premio Fundación Ar­­ché, en la exposición "Arte Argentino Hoy" en la Galería Wil­­denstein, en el "Homenaje a Rembrandt" de la Galería Pa­­latina, y un largo etcétera de importantes muestras. Su obra se encuentra en múltiples colecciones e Ins­ti­tu­ cio­­nes públicas, así como privadas, a lo largo de to­do el mun­­do, y se exhibe, de manera permanente en la se­de pa­ri­sina de la UNESCO. Las esculturas de Norma D´Ippolito nacen del espíritu de la ma­teria, el majestuoso mármol de Carrara. Norma esta­ ble­­ce una comunicación directa con el bloque de mármol, a tra­vés de la que llega hasta sus entrañas más cálidas, para ex­­traer esas formas orgánicas que cobran vida y movimien­ to a través de sus manos. Palpita la figura humana en torsos que se retuercen, pre­ ten­diendo escapar, disolverse y trascender de la materia pa­­ra con­vertirse en formas fantasmagóricas de inaudito va­lor plás­tico. Composiciones abiertas y ligeras, pulidos acabados que in­­vi­tan a ser acariciados, como los caricia la luz resbalando por su superficie para destacar sus trabajados volúmenes. Un juego poético, una conversación con el material para do­­­tarlo de flexibilidad, de clasicismo fundido con moder­ ni­­dad, en una obra exquisita que nace del duro trabajo de la talla, más lejos de para ser vista: para ser abrazada.‡

Norma D´Ippolito ndippolito@tutopia.com.ar San Martín de Tours 2836 Piso 1, Buenos Aires Argentina

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DUBIN, Celina. Pintora argentina, nacida en Buenos Aires. De variada formación académica, estudió Arquitectura en la Universidad de Buenos Aires y es Licenciada en Psi­ co­­lo­gía. También estudió Historia del Arte con la profesora Eva Gar­­cía, y Dibujo y Pintura con el profesor Eduardo Ca­po­­ca­sa. Ha participado en numerosas exposiciones desde 1989, que suman más de cincuenta, tanto a nivel nacional como in­­­ternacional, recorriendo Argentina, Uruguay, Perú, Cuba, Ita­lia, España y Francia. Sus pinturas "La Zafra", "Plantación de Algodón", "Paisaje con Lago" y "Hacia la Luz", han cosechado reiterados éxi­ tos, obteniendo Primeros Premios en distintas ocasiones, Pre­­mio a la trayectoria y Premio por la Paz. Su obra ha merecido las críticas de reconocidos críticos de Ar­te, como Enrique Horacio Gene, quien dijo de ella: "nos des­lumbra con su visión personal, parecida a nadie; pin­ta to­cada por la gracia". Varias de sus obras se exhiben en la Secretaría de Cultura de Chubut, en el Museo de San Fernando del Valle Ca­ta­ mar­­ca, en la Honorable Cámara de Diputados de la Na­ción y en colecciones privadas a nivel internacional.

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Celina Dubin configura a base de un dominio rotundo del acrí­lico, cá­lidas escenas rurales, a modo de am­­plias pano­rá­­micas de profundas per­spectivas que nos introducen en la grandeza e inmensidad de los cam­pos y las plantaciones. La vida en el campo, el trabajo infatigable, son tratados con dignidad y belleza en un entorno bucólico, donde el sol se alza sobre despejados cielos, so­­bre lejanas colinas, en lugares por donde parece no pasar el tiempo. Minuciosas en detalles, sus esce­ nas son una evasión a la pri­sa, al asfalto, a las luces artificiales, para ha­­cernos retro­ce­­der a tiempos re­mo­tos y a la vez cercanos, tiem­ pos de ar­­tesanía y de trabajo huma­ no, donde la naturaleza es la más be­lla de las arquitecturas.‡

Celina Dubin hmschere@arnet.com.ar French 2328 6°A Capital Federal, Argentina.


ECHENIQUE, Inés Pintora argentina nacida en Córdoba en 1945. Titulada Profesora Normal de Jardines de Infantes, Inés Eche­­nique inicia su formación artístico en 1973, por medio de un curso de Expresión Plástica con el artista plástico Ne­ri Cambronero. Más tarde, en 1995 inicia durante cuatro años estudios de Di­bujo, Pintura y Color, Figura Humana e Historia del ar­te en el Taller de las Artes, de Salta, Argentina, a cargo de la pro­fesora y artista Mª Eugenia Pérez y en los últimos años, 2000-2002, ha estudiado Figura Humana con el artista Fa­bián Nanny. Cuenta con una extensa participación en exposiciones y sa­­lones para los que su obra ha sido seleccionada, como el V y VI Encuentro de Pintores y Dibujantes con Bollini, (Fun­ ­da­ción Bollini), Buenos Aires, o el Premio Eduardo Mi­lia­va­ ca, en el salón de Arte Sacro del Museo de Bellas Artes Clau­­dio León Sempere de Burzaco, provincia de Buenos Ai­res, entre otros muchos. Cuenta también con merecidos pre­­mios como el Segundo Premio de la Escuela Normal Na­cio­nal de Profesores "Alejandro Carbó", Córdoba, que fi­gura co­mo su primer galardón, en 1964, y más reciente­ men­te, el Primer Premio de Pintura del Salón Verano 2001 de la galería Núcleo arte de Buenos Aires, o la Distinción Es­pecial en el "V Homenaje el Día Internacional de la Mu­jer, 2001" en la Galería Loft Espacio Alfa, Buenos Aires. Su obra ha suscitado comentarios como los de Beatriz Zu­­ca­ro que la calificó como "una empatía entre el Ser y la Na­­tu­raleza". La obra de Inés Echenique es el puro ejemplo de cómo au­­nar las más vivas gamas cromáticas de la naturaleza en un só­lo lienzo, sin que el resultado sea, en absoluto, ago­ biante para el espectador, y sin que ninguna parte de la obra en­­sombrezca a las demás. Así, toda la composición goza de equi­librio, de expresividad, plasticidad y dinamismo. Aci­ dez y frescura, formas trabajadas, pincelada uniforme y jue­gos de lejanía a través del abocetamiento de formas. To­do ello recortado sobre un fondo neutro y cálido que revi­ta­­­liza los sentidos y hace apreciar la belleza de la sen­ cillez.‡

Inés Echenique manuellzambrano@hotmail.com Avda. Entre Ríos 416, Salta Capital (4400) Argentina

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EIDMAN, Mimo. Escultora argentina nacida en Buenos Aires en 1949. Des­­­de 1963 reside en la Ciudad de las Es­cul­tu­ras de Cha­ co, Argentina. Licenciada arquitecta, a un tiempo estudia técnicas e­s­ cul­tóricas en el taller de su maestro Fa­bri­cia­no. De ese mo­do comienza una completa obra es­cul­tórica que pronto la lle­vará a participar en nu­me­rosas muestras y concursos en los que obtendrá me­recidos reconocimientos. Mimo Eidman es miembro fundador de la Fun­dación Urun­day, de la Asociación de Escultores Cha­queños y de la Aso­ciación Internacional de Es­cul­tores en Nieve, modali­ dad en la que ha recibido va­rios premios, como el Premio de los Escultores del Concurso Internacional de Escultura en Nieve Grin­delwald, Suiza, el Segundo Premio del VI Con­­cur­so Internacional de Escultura en Nieve de Sarnia, On­­­taro, Canadá o el Gran Premio de Honor del IL Con­­cur­ so Internacional de Escultura en Nieve de Sa­pporo, Ja­pón, entre otro gran número de premios y reconocimientos que obtiene toda su obra. Ha si­do declarada también "Ciu­da­ dana Ejemplar" por la Mu­nicipalidad de Resistencia Pro­ vincia del Chaco. Ha formado parte de numerosas muestras y exposiciones co­­lectivas e individuales así como realizado monumentos, en­­tre los que podemos destacar el Monumento al Maestro, de la ciudad de Chaco, el primero de una larga serie de obras en museos y espacios urbanos.

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La obra de esta artista fue calificada por Mar­ce­lo Daniel Fer­­nández, miembro de la Academia Na­­ cional de Bellas Ar­­tes de Argentina, como "un es­­ pacio poblado de mensajes que surgen de la in­ti­ midad y de la fuerza de una artista cu­yo lenguaje expresivo se nutre de la abstracción para com­po­ner un micromundo simbólico y alusivo de las co­sas que la hacen palpitar y sufrir". Hemos hablado de la afición de esta artista por la creación en hielo y nieve, pero afortunadamente su obra se com­­­pone de piezas menos perecederas. Mimo trabaja el me­­tal, la madera la piedra, vidrios, cáñamos, resinas... jue­ga con la plasticidad de todos ellos y de sus contrastes, ob­tie­ne un personal y comunicativo lenguaje plástico que ha­ce de cada una de sus obras auténticos poemas en lo que es­­ta artista manifiesta su ímpetu, descarga su energía y va­cía su alma.‡

Mimo Eidman mimoeidman@arnet.com.ar Córdoba 676, Resistencia (3500). Chaco Argentina


EIZAGUIRRE, Juan. Artista plástico nacido en Madrid, España, en 1944. Juan Eizaquirre es Arquitecto desde 1971 por la Escuela Su­perior de Arquitectura de Madrid, dedicándose a esta pro­­fesión desde 1971 hasta 1990. Su formación pictórica la adquiere de manera autodidác­ tica, a base de dedicación, su conocimiento de la for­ma, y pla­cer en el ejercicio de pintar. Esto le llevará a for­jar­­se su pro­pio estilo y a desempeñar una intensa función crea­ tiva. Lle­va mostrando su obra más de veinte años, lo que le ha ido proporcionando el reconocimiento del público y de la crí­­tica, quien le dedicará numerosas páginas en algunas de las más importantes publicaciones de su país, como "El Se­ma­­nal", el "Diario 16" o el "ABC Cultural". Aparece tam­ bién en numerosos libros, entre ellos el "Dizionario En­ci­ clo­­pédico Internazionale d´Arte Moderna y Contem­po­rá­ nea" o "Arte y Artistas Vascos". Sus exposiciones han sido numerosas a lo largo de la geo­ gra­­­fía española, y también fuera de esta, donde sus pinturas han sido admiradas en los Estados Unidos: "Art Miami 93" (Mia­mi, 1993) y "Arte Expo 03", (Nueva York, 2003), en Ita­ lia: "Arte Padova 98" (Padova, 1998) y "Arte Padova 02" (Pa­do­va 2002), y en Francia: "Galería Art Brutal" (París, 2002). José Luis Abellán, Presidente del Ateneo de Madrid, quien ha presentado varias de sus exposiciones, ha dedica­ do elo­giadoras palabras a este reconocido artista: "la mira­ da pro­funda de lo auténtico se nos impone por encima de to­­do y hace que nos inclinemos con reverencia ante un ar­tis­ta de cuerpo entero". La pintura de Juan parte de una mirada en perpetua bus­ ca de la forma en la naturaleza, la analiza, hasta llegar al con­­cep­to que genera y da lugar a la composición abstracta. Es pues, una sintetización tan extrema que en ocasiones se ha­­ce irreconocible en sus pinturas, pero en las que no fal­ta un referente natural: un puñado de arena de sus playas de San Sebastián, un fleco de las cálidas sombrillas que se adi­vi­­nan bañadas por el sol. Sus composiciones alcanzan el geo­metrismo de la pura esencia formal, transformada en pla­no y reducida a síntesis cromática en la que la som­bra se introduce colaborando a la dimensión, al volúmen. Una obra que nos enseña, a través de la mirada de su au­tor, una nue­va forma de percibir la naturaleza.‡

Juan Eizaguirre juaneizaguirre@terra.es Goya 19. Bajo F. 28001 Madrid. España

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FALGUERAS, Nacho. Escultor nacido en 1955 en Málaga, y trasladado a La Lí­nea de la Concepción, Cádiz, España, a los seis meses de e­dad. Cursa estudios en el Instituto Méndez Tolosa de La Línea, para, tras finalizarlos, ingresar el la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Santa Isabel de Hungría en Sevilla. Se gradúa en Cerámica en la Escuela de Artes y Oficios de Se­villa. Ejercerá la docencia como profesor de Dibujo en diferen­ tes Institutos de la provincia de Andalucía, estableciéndose en La Línea en 1986 para dar clases en el mismo instituto don­de estudió. Nacho Falgueras es Académico Correspondiente de la Academia de Bellas Artes de San Telmo de Málaga. Desde 1978 inicia una fructífera carrera expositiva que le da a conocer en todo el territorio español, y pronto instala va­­rias de sus esculturas en lugares públicos, entre las que des­tacan el Friso del Éxodo de Gibraltar en la Aduana de La Lí­nea, la escultura de José Monje "Camarón de la Isla", el Mo­numento a la Paz en Medina Sidonia, y un largo etcétera de monumentos situados principalmente el la comunidad de An­dalucía, como bustos e imaginería policromada religio­ sa. Nacho Falgueras ha sido calificado por el Catedrático de Ar­te Mario López como "un escultor con un dominio técni­ co plural", considerando en concreto como "especialmente sig­nificativa su maestría en el modelado del barro". La obra de Nacho Falgueras es figurativa, adquiriendo to­ques de realismo que contribuyen a la caracterización del per­sonaje cuando se trata de retratos, y que aportan vigor y fortaleza en el gesto, donde se recoge toda la expresividad que es capaz de transmitir este artista. Asume el sentimiento del flamenco, del mundo de los to­­ ros, y lo transmite de forma magistral a la materia, para dejar que se exprese por sí mismo. No es de extrañar que haya in­mor­talizado a los grandes maestros de ambos artes, con el do­minio técnico y sabiduría con los que lo ha hecho posi­ ble, para que sigan palpitando sobre y bajo el pedestal en el que se alzan.‡

Nacho Falgueras nfalgueras@eresmas.com

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FARNELL, Gabriela. Pintora argentina nacida en 1967 en Lanús, Buenos Ai­res. Au­to­didacta, no cuenta con formación artística alguna, sal­vo su propio talento y trabajo personal, los únicos res­ pon­­sa­­bles de esta obra tan característica que halla su inspi­ ración bebiendo de las fuentes literarias y cinematográfi­ cas. Ha realizado numerosas muestras y participado en Sa­lo­ nes, tan­to a nivel nacional como internacional, en los que ha de­jado de manifiesto su valía e imaginación, destacan­ do por el éxito y las reacciones que inspiró, la exposición "Bo­r­­geanas by Farnell", llevada a cabo en la sala José Mau­ ro­­ner en La Manzana de las Luces, en 1995, en Buenos Ai­res, con una serie de obras inspiradas en la obra de Borges, ex­­posición de la que recogió palabras como las de Inma Agua­do "Gabriela Farnell es una interlocutora esen­ cial, por­­que establece un diálogo profundo entre las obras y quie­­nes la miran con una visión universal y cósmica y al mis­­mo tiempo particularizada". Cuenta con gran número de premios y menciones, entre los que podemos citar, entre otros, el Primer Premio de Di­bu­­jo del salón Fin de Año de la Galería Núcleo, los Pri­ me­ro y Tercer Premio del Salón del Pop Art a la Nueva Imagen 2000 de la galería de las Américas, o el Segundo Premio de Di­­bujo del Salón Unidos en el arte de la Galería GD, todos ellos en Buenos Aires. Así mismo su obra se ha editado en tarjetas navideñas (co­­mo donación de la artista), en el libro "Reflejos Ar­gen­ tinos" y en la Agenda Cultural de Buenos Aires del mes de Di­­ciem­bre de 1999, entre otras publicaciones. La obra de Gabriela Farnell destaca tanto por su estética no­­vedosa, muy vinculada al mundo del cómic y de la ilus­ tra­­­ción, como por su impecable dominio del dibujo. Con mu­­cho de surrealismo, onirismo y fantasía, recrea imáge­ nes muy trabajadas que parecen perderse en el tiempo, en el espacio, para alcanzarlo y asumirlo todo, como el Aleph que Borges encontró en la escalera de aquel sótano. Mez­ cla color, tinta y grafito, creando contrastes de gran riqueza tanto formal, compositiva, como expresiva, adentrándonos en mundos donde reinan mujeres anónimas de rostros sin rasgos y torsos desnudos, que transmiten sensaciones de soledad, de lo efímero de la existencia, por medio de cuer­ pos sometidos, destinados a vagar sin destino por su par­ ticular universo.‡

Gabriela Farnell gabifarnell@hotmail.com Resistencia 914, (1824) Lanús, Buenos Aires Argentina

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FLORES, Mario. Pintor nacido en la ciudad de Méjico en 1965. Con siete años emigra a Estados Unidos, situando su resi­ dencia en Chicago, Illinois, junto con su familia. Mario Flores, actualmente se encuentra en el corredor de la muerte de la Prisión de Alta Seguridad de Pontiac, Illi­ nois, acusado de homicidio, delito del que se declara ino­ cente, en un juicio en el que no se encontraron pruebas de­ter­mi­nan­tes que demostrasen su presunta culpabilidad. Du­rante 17 años de encierro Mario encontrará en la pin­ tu­­ra la libertad que le es privada, y, además de finalizar los es­­­tudios de leyes en la propia cárcel, se acerca a la Historia del Arte, a los maestros de la pintura, y al lienzo, para va­ciar su alma y trascender a su destino. Su obra pictórica da comienzo en 1993, y desde 1996 rea­­liza más de quince exposiciones, ayudado por el empe­ ño de sus padres, quienes encabezan una lucha por de­mos­ trar la inocencia de su hijo, solicitando un nuevo juicio. Por ci­­tar alguna de estas muestras, y sin restar impor­tan­­cia a nin­­gu­­na de las demás, podemos mencionar la ex­po­sición lle­­va­­da a cabo por la Universidad de North­wes­tern, en la Es­­cuela de Leyes de Chicago, en la que la obra de Mario Flo­res ilustró la Conferencia Nacional de Fallos Erró­neos y la Pe­­na de Muerte, en el año 1998. El caso de Mario tuvo especial eco en España a raíz de la ex­­posición que llevó su obra hasta Málaga, donde los prin­ ci­­­pales diarios del país dedicaron artículos y columnas ma­ni­­festando su solidaridad y el rechazo a un sistema que con­­­templa la pena capital. La obra de este artista, lejos de ahondar en el tormento en el que se ha convertido su existencia, aunque suene a pa­ra­ do­­­ja, es alegre y colorista. Trabaja con minuciosidad, con de­leite. Cree en lo que hace, quizá porque sea en lo po­co en lo que aún puede seguir creyendo, quizá porque se nie­ ga a perder la esperanza. Sus cuadros traspasan las ba­rreras de la cárcel para hablar al espectador, mirándole a los ojos con la sinceridad de la pincelada. Sus cuadros tras­pasan las barreras de la vida, viven por él y le hacen in­mor­tal. Son una espina que se clava en la conciencia de aque­llos que todavía tienen un ápice de sentimiento.‡

Mario Flores (Cárcel de Illinois) México, USA Ana Flores: info@salvadamarioflores.org D & S Communications, Inc. 1355 N. McLean Blvd. Elgin, IL 60123

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FORNER, Raquel. Pintora argentina, nacida en Buenos Aires en 1902 y fa­lle­cida en 1988. En 1922 obtiene el título de Profesora de Dibujo en la Aca­­de­mia Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. Dos años des­pués obtendrá en Tercer Premio de Pintura en el XIV Sa­­lón Nacional de Bellas Artes, al tiempo que dan co­mienzo las exposiciones y muestras de su obra. Entre 1929 y 1931, asiste a los cursos de Othon Friesz en la Academia Escandinava de París, donde también partici­ pa en el VIII Salón de las Tullerías, en 1930.

Raquel Forner Fundación - Argentina casa@forner.bigatti.com.ar Maestro Bethlen 443, Buenos Aires Argentina.

A su regreso a Buenos Aires, funda los Cursos Libres de Ar­te Plás­tico, junto a Alfredo Guttero, Pedro Domínguez Nei­ra y el escultor Alfredo Bigatti, con quien contrae matri­ mo­­nio en 1936. Entre los numerosos galardones que se le otorgan a lo lar­go de su extensa carrera, recibirá el Segundo Premio del XXIV Sa­lón Nacional de Bellas Artes, la Medalla de Oro de la Ex­po­sición Internacional de París, 1937, el Primer Pre­ mio Na­cio­nal de Pintura del XXXII Salón Nacional de Be­llas Artes, el Premio Palanza Otorgado por la Academia Na­cional de Be­llas Artes en el I Concurso Palanza, el Gran Pre­mio de Ho­nor del XLV Salón de Bellas Artes, el Gran Pre­mio de Ho­nor en la Bienal Americana de Arte de Cór­ do­ba, Ar­gen­­ti­­na, y un sinfín de reconocimientos, que des­ ta­can la valía de esta artista. Igualmente participó en numerosas exposiciones, con las que su obra recorrió gran parte de la geografía mundial, mu­­­chas de ellas de vital importancia para el momento, co­mo la "Women in Contemporany Art", (La Mujer en el Ar­te Con­­temporáneo), llevado a cabo en la Duke Uni­ver­ sity de Dru­­ham, Estados Unidos, reivindicando el pa­pel de la mu­jer en el arte, o la exposición "Arte Ar­gen­ti­no Actual". En 1982, dieciocho años después del fallecimiento de su es­poso,el escultor Alfredo Bigatti, crea la Fundación For­ ner-Bigatti. Ese mis­­mo año es galardonada por la Fun­da­ ción Konex. Ra­quel Forner fallece en Buenos Aires el 10 de Junio de 1988, tras una intensa vida dedicada al arte. En su memoria exposiciones homenaje y en 1992, volverá a ser ga­lar­do­­­­ nada por la Fundación Kodex. La obra de esta artista es un insuperable ejemplo de una mu­­­­jer que supo triunfar en un mundo difícil y en un época di­­­­fícil, a base de esfuerzo y tesón. Una artista en constante avan­­ce, innovadora y colorista; su técnica y buen hacer le abrieron caminos por los que ella supo dirigirse con paso fir­­me, dejando su sello en una obra cargada de simbolis­ mo.‡

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GARCÍA DE LA NUEZ, Carlos. Pintor cubano nacido en La Habana, en 1959. En 1979 se gradúa en la Academia de Artes Plásticas San Alejandro. Posteriormente, en 1983, lo hará en el Instituto Superior de Arte de La Habana. En 1988 realizará la maestría en Artes Visuales en el Mas­ sa­chusetts College of Art. Ha ejercido la docencia impartiendo clases en la Aca­de­ mia de Arte San Alejandro y el el Instituto Superior de Arte, am­­­­­bos en La Habana. En 1991 se establece en Mé­ji­co, y des­­­­de 1992 es Catedrático de la Universidad Ib­e­ro­ame­ri­ca­ na Plantel Santa Fé. Carlos Alberto es miembro de la Unión Nacional de Es­cri­­tores y Artistas de Cuba (UNEAC) y de la Asociación In­ter­­nacional de Artistas Plásticos (AIAP). Ha realizado más de sesenta exposiciones individuales y co­­lectivas, que han llevado su obra por todo Méjico, Cuba, Es­­­tados Unidos, España, Panamá, Italia, Argentina, Ale­ma­ nia, Brasil, Colombia, y Francia, donde en ningún caso ha pa­­­sado desapercibido. Así mismo, su obra forma parte de co­­lecciones públicas y privadas en todos estos países. Entre los premios y galardones que ha recibido, se en­cuen­tran el Premio Pintura 13 de Marzo por la Universidad de La Habana y el Premio Fundación Jaime Guash, en Bar­ce­­lona, España. De su pintura, dijo Antonio Eligio "Tonel" para el libro "Car­ l­os García: estar bien, seguir pintando": "Evidencia una pers­ ­­pec­tiva creadora desprejuiciada, un horizonte amplio que se sos­tiene no desde el pasado, sino sobre todo, desde la sorpre­ sa del presente y hacia las incertidumbres del futuro". La pintura de este artista es osada, atrevida. Carlos mane­ ja la pintura sin complejos, ahonda en la abstracción con­ ju­­­gándola en puro e intenso valor plástico. Aplica la pintu­ ra con solemne decisión, con seguridad, y sobre todo con fuerza, creando texturas y acabados que proporcionan en to­­­­do momento expresividad, sin estancarse en el motivo, li­­be­­rando la materia. Carlos cree en sus creaciones y estas creen en su artífice, am­­­bos están vinculados en alcanzar ese objetivo común, esa li­beración de la expresión que es el arte, ese ejercicio de co­mu­­nicación que habla con sus propias palabras des­de los lien­zos de Carlos García.‡ Carlos García de la Nuez c.g@prodigy.net.mx Héroes del 47, 121 Corpacon. México DF, (04000) México

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GARCÍA-ESPINA MARTÍNEZ, Agustín. Artista español nacido en 1959 en Ribadeo, provincia de Lugo. Tras cursar estudios de Bachillerato Superior, ingresa en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Ovie­­do, Asturias, en la que se gradúa, iniciando así una ex­ten­sa carrera como pintor y diseñador gráfico. Su obra se dará pronto a conocer tras participar en nume­ ro­­sas exposiciones en su propio país y fuera de éste, llegan­ do hasta Miami, donde es seleccionado por Artesanos Art Pror­motion tras la exposición colectiva Art and Poetry que da­rá a conocer su obra más allá de las fronteras españolas. Del mismo modo, en Iglaterra, este artista será destacado por Arts World News en el año 2003. Profeta también en su tierra, es reconocido por la Xunta de Ga­licia, incluyéndolo entre los artistas más meritorios de la pro­vincia en su publicación Artistas de Galicia. Gran parte de su obra estará vinculada a tierras castella­ no leo­­nesas y a sus Cámaras Agrarias, quienes verán en ella un sa­­bio reflejo de formas y elementos nacidos de la natu­ ra­­­leza. El interés de éstas es manifestado mediante adquisi­ cio­nes y encargos de ilustraciones para sus publicaciones. Al­­gu­­nos ejemplos de la labor de Agustín como ilustrador los po­­demos contemplar en las portadas Nº 42 y 45 de la re­­vis­­ta Cámaras Agrarias de Castilla y León bajo los títulos de "Cam­po de Girasoles" y "Castillo de Peñafiel", res­pec­ti­ va­­men­te. Seleccionado por el Salón Internacional de Artistas Con­ tem­­poráneos Independientes EUROART´97, en Barcelona, las creaciones de Agustín García-Espina parten de lo fi­gu­ ra­­­ti­vo, para adentrarse en una expresión surgida en la mi­nu­­­cio­­­sidad de su trabajo, y olvidar las fronteras de lo real tras­­­por­­­­tándonos a un entorno de ensueño, vitalidad y no­ble­­­za de materiales. El uso de la madera nos ofrece un vín­cu­­­lo con la tierra que el artista enriquece con labor de orfebre es­­capando de la forma por medio del exquisito tratamiento de los materiales y de la combinación de estos, ha­ciendo brotar de cada uno la belleza intrínseca conteni­ da en su pro­pia naturaleza. Colorista y vibrante, sus dibujos manifiestan un trazo se­gu­ro y la rapidez de una línea de apariencia abocetada que pue­­­de recordarnos en ocasiones a Schiele, pero que pre­sen­­­­tan una personalidad propia sólo fruto de años de in­can­­­sable trabajo.‡

Agustín García Espina Martinez agustinespina@telefonica.net C/ El Lagar, 11, bajo A 47193 La Cisterniga (Valladolid) España

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GANDSAS, Alberto. Nacido en Argentina, Alberto Gand­­­­­sas es fotógrafo pro­fe­­ sio­nal por elección. Sus continuos viajes por Ar­gen­ti­na, so­bre todo en el sur, La Patagonia, la maravillosa belleza de la mis­ma le per­­mite ir descubriendo un variado pai­­saje po­bla­do de simpares elementos: montañas, ríos, glaciares, pin­güi­ne­­ras, así como su variada flora y fau­na. Ante el pri­vi­ ­legio de esa inmensa obra de la naturaleza, y sus óptimas con­di­cio­nes lumínicas, Alberto siente la necesidad de cap­ tar los gran­des pa­no­ramas que se abren ante sí.

con­­tribución, ha­ciendo que la pre­sen­­cia del ar­tista se conju­­gue con el ex­cepcional me­­dio".

Miembro de la Asociación Interna­cio­nal de Fotógrafos Pa­­ no­­rámicos des­de 1998, ha participado en numerosas ex­­po­­ si­­­ciones y recibido numerosos pre­mios como el Cuarto Pre­­mio Lo­ren­zo Il Magnífico en la Bienal de Arte Con­tem­po­ ­rá­neo de Florencia, Italia.

Y es que la fotografía de este artista no tiene más truco que la paciencia, la espe­ ra y la observación para en­contrar el me­jor momento, aquel en el que cada elemento da lo me­jor de sí mismo, y es entonces cuando capta esas tomas in­su­ pe­ra­bles, con las que recorta las mejores estampas de la na­tu­ra­le­za. De ese modo, su obra tiene la capacidad de in­ter­nar al es­pec­tador por las perspectivas de sus paisajes, ha­cia un in­al­can­­zable ho­rizonte que sólo él y su objetivo son capaces de di­visar, y traernos así una porción de ese mun­do que a Al­ber­to ha fascinado y que guarda aún tan­to por descubrir.‡

Sus fotografías forman parte de re­vis­tas, diarios, y otras pu­­bli­caciones, en­tre las que cabe destacar los libros "A Te­lón Abierto" y "10.000 Kilómetros a Través de La Pata­go­nia, Un Via­­­je Panorámico". El Consulado de Argentina en Nueva York, en un comuni­ ca­­­­­­do de prensa durante la exhibición de sus Fotografías Pa­no­ ­­­rámicas, se refirió: "Gandsas tiene un gran conocimiento del poder descriptivo de su cámara panorámica para des­ple­gar con profundidad los elementos del paisaje. Una cons­tan­te del ritmo personal y la melodía con­tem­­plativa au­menta su

Para este artista, "la cámarapa­no­rá­­mica es ideal para trans­mi­­­­tir y plas­mar en negativo los sentimientos y sensaciones que a uno lo invaden an­te tanto esplen­ dor".

Alberto Gandsas gandsas@interlink.com.ar Freire 1756 Piso 4 Dto. 16 Buenos Aires, Argentina

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GONZALEZ , Adela. Artista plástica nacida en Holguín, Cuba, en 1969. Será allí donde inicie su formación en diversas disciplinas artís­ ticas para finalmente centrar sus creaciones en la pintura y la escultura. En Holguín se forma en la Escuela Raúl Gó­mez García, en la que se gradúa en dichas disciplinas. No obs­tante, en su constante necesidad de aprender, continua­rá sus estudios, graduándose también como Artista, Escul­to­ra y Dibujante en la Escuela San Alejandro, en La Ha­ba­na. Posteriormente, en Miami, estudia Restauración y Con­ser­vación de Pintura al Óleo, bajo la instrucción de Hor­ten­sia Gronlier. Así se completa su preparación académica, para aden­ trarse en una imparable carrera artística a base de trabajo y ex­­po­siciones, que se iniciarán en Cuba hasta llegar a los Es­­ta­dos Unidos y dar a conocer su particular estilo, un estilo arrai­gado en las tradiciones de su propio pueblo que vi­bra en cada una de sus creaciones. En su persona se aúnan dos corrientes diferentes para la pin­­tura y la escultura, aunque ambas parten de unas raíces co­­munes que de algún modo están siempre presentes, y que surgen de un cierto primitivismo ancestral embebido de rasgos y mística afrocubanos que fluyen y se manifiestan en las creaciones de esta artista. Su pintura se caracteriza por un apropiamiento de formas e imá­genes judeo cristianas que manifiestan la técnica y la es­­tética de los iconos bizantinos. Nimbos dorados y profu­ sión de colores, sencillez en el diseño y simbolismo. Este mis­­ticismo es enriquecido con formas propias, surgidas del pa­­ganismo y la mitología tribal. La mezcla de estos compo­ nen­tes bajo una estética iconológica asociada al mundo re­li­­­gioso, hace de la pintura de Adela una conjunción pic­ tó­ri­­­­ca de gran fuerza y originalidad. La influencia del primitivismo se aprecian en sus escultu­ ras de un modo más directo, quedándose en la propia forma co­­mo elemento transmisor. El refinado trabajo de la madera y la pureza de la línea, combinadas con materiales vege­ta­­les co­mo sogas unas veces, y otras contrastando con pun­tia­­gu­ dos y agresivos alambres, remiten a culturas primitivas, a ri­tos ancestrales. Formas puras, agresivas, de aparien­cia rudi­ men­­taria pero cuidadas y estudiadas con la precisión de un cui­dadoso artesano hacen de la obra de Adela Gon­zález un po­deroso ejercicio de acercamiento a los orí­ge­­nes.‡

Adela González buyart@quest.net Representada por Patricia Cameron Fine Art 105 S. Main St. Suite 204 Seattle WA 98104. USA

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GONZALEZ SOCA, Alejandra. Escultora nacida en Maldonado en 1973 y afincada en Mon­­te­vi­deo, Uruguay. La formación plástica de Alejandra co­mienza el Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes (Mon­te­vi­deo), en el que obtiene el título de Creadora Plás­ tica. A esta formación artística se añadirá su in­te­­rés por la peda­ gogía y la psicología, graduándose en esta úl­­tima en la Uni­ ver­sidad Católica del Uruguay donde fina­li­­­za sus estudios con un postgrado en niños y adolescentes. Su ya iniciada for­ma­ción artística será además enriquecida con la asisten­ cia a di­versos cursos y seminarios impartidos en su mayoría por prestigiosos maestros en el Instituto Es­cue­la Nacional de Bellas Artes. Pronto sus méritos contarán con el reconoci­ miento de diversas instituciones, desta­can­do la Uni­ver­­sidad de la República, para la que será be­ca­ria. El resultado de la vocación de esta artista-educadora ha­rá que aúne ambas actividades en una sola, para dedi­car­se a de­sarrollar una labor orientada a acercar el arte a di­ferentes sec­tores inadap­ tados de la sociedad, tales como ado­les­centes o an­cianos, encontrando así un método de es­ti­mu­la­ción y reinserción con interesantes resultados. Esta ac­ti­vi­dad se lleva a ca­bo, en su mayoría, en el marco del Cen­tro de Arte "La Casa del Berro", en Montevideo, del cual es di­rec­tora y en el que también ejerce labores de co­or­­dinación y docencia en los pro­yectos comunitarios que allí se desa­rro­llan. Al mismo tiempo, Alejandra González ha participado en dis­­tintas exposiciones y trabajado en variadas disciplinas, más allá de la escultura, tales como el diseño de carteles pa­­ra diferentes eventos o la serigrafía en talleres impartidos pa­­ra jóvenes, además de llevar a cabo un interesante pro­ yec­to de regeneración de pinturas a gran escala, también en­­focado hacia la juventud. Esta emprendedora artista ha re­­cibido distintas distinciones por su labor, tales como la Men­­ción en el concurso organizado por Bienestar Uni­ver­ si­tario 1996, con el proyecto "La Escultura como Ex­pe­ riencia Abierta a la Creatividad". La obra escultórica de Alejandra González destila gran sen­­si­­­bilidad formal, partiendo de una figuración expresiva en la que prima el buen conocimiento y trabajo de unos materia­les que abarcan desde las tradicionales cerámicas a los más novedosos materiales sintéticos, siempre con cui­ da­­dosos acabados. Alejandra crea seres que trascienden a la forma para adentrarse en el sentimiento. Personajes que se retuercen, sufren y padecen toman cuerpo en sus ma­nos pa­ra hablarnos desde el interior e invitarnos a co­no­cer­los, a comprender su gesto, al igual que esas minorías a las que es­ta artista se dedica y tan bien conoce.‡ Alejandra Gonzalez Soca dalelogo@adinet.com.uy Benito Blanco 3247 apto. 202 Montevideo,CP 11300 Uruguay

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GRÜNEISEN, Maria Isabel. Pintora argentina nacida en Buenos Aires en 1965. Sus primeros vínculos con el arte surgen curiosamente al tiem­po que cursa Administración de Empresas en la Asland Uni­­­­versity, en Ashlandi, Ohio, Estados Unidos. Allí, por exi­­­gencia curricular, deberá cursar otras materias comple­ men­­tarias, decidiéndose por las de contenidos más artísti­ cos como serán Canto, Piano, Teatro, Historia del Arte, Se­ri­­grafía, Grabado y Dibujo. Esto hace que se despierte en Isa­­bel la necesidad de crear, y optará por inclinarse hacia la pintura. De ese modo, en 1997 inicia su formación pictórica en el Ta­ller de Cristina Santander, en el que pasará dos años, al mis­mo tiempo que acude a un Curso de Pensamiento y Crea­­tividad impartido por Fermín Frèvre. En ese mismo año, 1997, empieza también a participar en ex­po­siciones, inicialmente en Argentina, para posterior­ mente llevar su obra hasta España, Rusia, Estados Unidos, e Italia, lugares todos ellos, donde cosechará éxitos que ava­­larán su personal pintura. La obra de Maria Isabel Grüneisen parte de la naturaleza, pa­­ra esta artista, según sus propias palabras "la natura­le­­za es como el oxígeno: indispensable para empezar a crear". Su pintura delata la observación a la misma, su ra­cio­na­ li­za­ción, conocimiento y comprensión. Asimilado este pro­ ce­­so puramente intelectual, se vuelca en la pasión por el co­­lor, inunda el lienzo con toques de pincel y crea una abs­­trac­ción que se mezcla con el expresionismo y con la ob­je­ti­­va realidad. Composiciones vitalistas y cuidadas que pueblan gran­ des for­matos donde la artista vuelca su creatividad hasta la ex­­te­nuación, generando armonía a base de un ritmo inte­ rior que palpita en la naturaleza y que es plasmado sobre el lienzo.‡

María Isabel Grüneisen igruneilsen@yahoo.net Bouchard 680, Piso 13, (1106) Buenos Aires Argentina

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GRÜNEISEN, Teresa. Pintora nacida en 1949 en Buenos Aires, Argentina. Interesada por el arte y más concretamente la pintura des­de su infancia, ha ido practicando y dando muestras de su talento a lo largo de los años. Actualmente estudia en el taller del maestro Ricardo Ga­ra­bito, mientras su ya establecido estilo avanza en la medida en que se centra en el trabajo y en el dominio de los ma­te­riales y las diferentes técnicas. Teresa Grüneisen viene mostrando su obra desde 1989, con­tando cerca de veinticinco exposiciones colectivas, con las que ha recorrido Argentina, Estados Unidos, Italia, Ale­ ma­­­nia, España y Bélgica. Sus también numerosas exposi­ cio­nes individuales han obtenido rotundos éxitos en Ar­gen­ ti­na, Alemania, Uruguay y Estados Unidos. Entre los premios que esta artista ha obtenido, podemos men­cionar le Premio del consulado Argentino en la "Ex­po­ si­ción de Arte Argentino Contemporáneo", llevado a cabo en el Museo de Arte Hispano y Latinoamericano de Coral Ga­bles, Florida. Así mismo, Teresa forma parte de una variada bibliogra­ fía entre la que destacan obras como "Arte Trascendental Ar­­­gentino" y "Arte Argentino del Siglo XXI", entre otras. La obra de Teresa Grüneisen, de pincelada impresionista y colorido casi fauvista, muestra el trabajo de una artista que ha ido creciendo con el tiempo, con la práctica, a me­di­da que se ha ido sintiendo más segura, manifestándo­ se en su trazo, en la soltura con la que arrastra la pintura sobre el lienzo, anunciando que hace mucho que dejó de tener se­cretos para ella. Vigorosas flores pueblan sus cuadros en unas coloristas composiciones donde los colores se complementan y con­ tras­tan por igual, mezclándose entre sí, fundiéndose, o apa­reciendo en sus gamas más puras y vistosas. Una obra ágil, que encierra mucho de sentimiento, y otro tanto de positivismo, de la viveza recogida de la propia na­tu­raleza, viva y apoteósica que nos grita desde el cuadro con una fuerza equivalente a la que le ha dado forma.‡

Teresa Grüneisen Bouchard 680, Piso 13, (1106) Buenos Aires Fax.4315-1136 Argentina

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GUAYASAMÍN, Oswaldo. Pintor ecuatoriano nacido en Quito, en 1919, en una hu­mil­de familia de diez hijos, de los cuales es el mayor. La tem­prana pérdida de su madre y la situación de pobreza en la que vive hacen que con sólo siete años comience a sen­ tir la necesidad de crear. Sin el apoyo de su familia, que no comprendía la profe­ sión ha­cia la que se encaminaba, en 1932 ingresa en la Es­cue­la de Bellas Artes, donde pronto destacará por enci­ ma de los de­más alumnos y de los mismos maestros, y en la que se gra­dúa en 1941. Afectado desde niño por la violencia de las calles, en las que su mejor amigo de infancia es asesinado, y a quien lle­ga a pintar en su obra "Los Niños Muertos", encuentra en el ar­­te una vía de comunicación en la que denunciar la injus­ti­­­cia social, militando siempre en cuantas causas soli­ darias se cruzan en su camino. Dos años después de su graduación, con el Premio de Pin­­tura del Salón Mariano Aguilera, inaugura una larga se­rie de triunfos artísticos y de reconocimientos, entre los que po­­de­mos destacar el Gran Premio de la III Bienal de Bar­ce­­lo­­na, España. y el Primer Premio de la Bienal de San Paulo, Bra­­sil. En 1942 sale por primera vez de su país invitado por el Área Cultural del Departamento de Estado de Estados Uni­ dos. Más tarde vendrán más viajes: Cuba, China, India, URSS, Egipto, Grecia y toda Europa, realizando más de 100 ex­­posiciones en todo el mundo. En 1977 crea la Fundación Guayasamín a través de la cual do­na todo su patrimonio a su país, con el que surgen tres mu­seos: Precolombino-Arqueológico, Colonial y Con­ tem­­po­ráneo. Entre su gran trayectoria como retratista y pintor de ros­ tros, ha pintado a personajes como Neruda, García Már­ quez, Juan Ramón Jiménez, Fidel Castro, S.M. D. Juan Car­los I Rey de España... pero cabe destacar su mayor obra, rea­liza­da en Quito, el espacio arquitectónico "La Capilla del Hombre", más de 2.000 metros cuadrados de murales, de­clarado por la UNESCO "prioritario para la Cultura". Sin du­da la obra de una vida ejemplar iluminada por el talento de un hombre de humildes raíces, generoso, altruista, sur­ gido del pueblo, y luchador incansable, ha sabido triunfar y dar a su país motivos de orgullo.‡

Oswaldo Guayasamín (Fundación - Ecuador) guayasamin@hoy.net C/ José Bosmediano 543, Quito Ecuador

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GURLEKIÁN, Torós. Pintor nacido en Armenia, en 1920 y nacionalizado ar­gen­­tino. Al poco de nacer su familia se ve obligada a dejar Ar­me­ nia, por la invasión tur­ca. Se establecen por un tiempo en el Lí­ba­no, donde escucha por primera vez ha­blar de Amé­rica, decidiendo llevar allí a su familia. Allí, en Argentina, cre­ce Torós Gur­lekián y comienza a involucrarse en el arte y la creación artística, que surge co­mo una vocación perso­nal y que poco a poco irá perfeccionando con distintos maes­tros, con los que aprende a dominar las distintas téc­ni­cas pictóri­ cas bajo su vo­­luntad personal. Además de conseguir prestigiosos galardones, a alcanzado el más valioso de ellos, que no es otro que la aceptación del pú­blico y el reconocimiento de su obra. Tras nu­me­rosas exposiciones colectivas, des­de 1973 Torós expone su obra de ma­nera individual, recorriendo no sólo su país de adop­ ción, y llegando hasta Ar­me­nia, Alemania y Brasil, y forman­ do parte de colecciones particulares de japón, Bra­sil, Armenia, Estados Unidos y Uruguay. En­­tre su obra pú­blica cabe destacar la realizada para la ciudad donde re­si­de, San Antonio de Padua, Argentina, en el Hos­­pital Eva Pe­rón, para el que realiza el mural "La Ar­gen­tina", o el "Mu­ral de la Vida", donado al cuerpo de Bom­beros de Merlo. Pese haber recibido innumerables y elogiosas críticas, pre­­ferimos quedarnos con las propias palabras del autor y su visión del arte como testigo y testimo­­nio de la historia:

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"en la humanidad tuvimos muchos malos ejemplos y el arte se nu­tre de esas trage­ dias (...) muestra el ho­rror de la guerra y los desplantes de los dictadores, para tra­ tar que la hu­ma­­­ni­dad sea un poquito más pensante". Si no tenemos en cuenta su cruda serie de obras dedicadas al genocidio, en la que pone de manifiesto la anterior sen­­tencia, el conjunto pictórico de Torós se cen­tra en escenas no sólo de la vida co­ti­diana y sus escenarios, sino que tie­­ne también la capacidad de inventar sobre el lienzo es­pe­­­ranzadores mundos de en­sue­ño, donde deja correr su fan­­tasía. Con un excelente dominio técnico, un cro­ma­tis­ mo vivo y vibrante y una pince­la­­da magis­ tral, su pintura tie­ne la capa­ci­­dad de emo­ cionar y de invadirnos con la luz que emana.‡

Torós Gurlekian sirelis@fullzero.com.ar Av. Pte. Perón 23.644 (1718) San Antonio de Padua. Buenos Aires, Argentina.


GUZMÁN, Olivia. Escultora mejicana. Olivia Guzmán comienza su formación artística en La Real Academia de San Carlos en el año 1976, de la mano de gran­des maestros de los que extrae todo el conocimiento de que es posible, para ir configurando su propia obra. Tras este acercamiento inicial, se graduará en Bellas Artes en la Escuela Nacional de Arte "La Esmeralda" de Méjico, don­de obtiene el título de Profesora. Ha formado parte de numerosas exposiciones nacionales e internacionales, de manera individual y colectiva, en las que ha cosechado importantes éxitos tanto por parte del pú­bli­co como de la crítica, sin pasar nunca indiferente y dejando mella en todos cuantos se acercan a su expresiva obra. Sus esculturas, fundidas en bronce por la propia artista, for­man parte de múltiples colecciones privadas e institu­cio­ na­­les en gran parte del mundo. Olivia Guzmán modela, funde y patina su obra con un es­pí­ritu creador que trasciende a la materia y embriaga cada una de sus piezas. Desde el inicio hasta el más mínimo acabado, se recoge la pre­sencia de su mano, de su intelecto, de su deseo de crear, de su fe en lo que crea. Así Olivia demuestra que conoce la anatomía, en recogi­ das composiciones de cuerpos majestuosos donde los mús­ cu­­los son suaves dunas que pueden contrastar con las más agrestes texturas, con fisuras que rasgan la carne aportando li­gereza y crean un llamativo contraste lumínico colmado de ex­presividad, pero encerrado en la timidez de la belleza que contiene. La figuración se rinde al poder técnico de esta artista, para ha­blarnos desde la intimidad de cada forma, de cada gesto, que habla por sí mismo, herido a veces, discreto otras, emo­ ti­­vo siempre.‡

Olivia Guzmán gzajarias@auragalerias.com Aura Galerias, S.A. de C.V.Amberes,38 Col. Juarez D.F. 06600 México

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HECHT Uriarte, Claudia. Artista plástica nacida en 1965 en Ciudad de Méjico. Licenciada en Administración en el Área de mercadotec­ nia en el ITESO, Guadalajara, Méjico, su vocación artística le vie­ne dada por la danza, expresión a la que pretende de­di­­car­se hasta que una lesión truncó su carrera. Fue entonces cuando Claudia comenzó a expresarse, primero me­diante la escultura, para que, nuevamente la casualidad, hi­zo que pi­tara un cuadro con el propósito de hacer un re­galo de cum­pleaños, que acabó siendo presentado a una ex­posición y vendido inmediatamente. De ese modo em­pieza a pin­tar, de manera autodidacta, siguiendo su propia in­tuición. Posteriormente asistirá a un Taller interdis­ ciplinario con Tony Guerra, y recientemente, en el 2001, a un La­bo­ra­torio Privado con el profesorado de la Academia de Be­­llas Artes de Roma, Italia. Su obra ha sido aceptada con entusiasmo en todas sus ex­­po­siciones, alcanzando rotundo éxito, tanto en Méjico co­­mo en Estados Unidos, Europa, y Asia. Ha recibido im­por­tan­tes reconocimientos, incluidos premios y las felicita­cio­­nes de la Secretaría de Relaciones Exteriores en Méjico, la del Gobernador del Estado de Jalisco, la del Instituto Cul­tu­ral Mejicano en Washington, y la del Museo de Arte Con­tem­poráneo en Morelia, Michoacán, esta últi­ ma concretamente por la calidad y creatividad de su obra. También re­ci­bido reconocimiento como fundadora y presi­ denta de la Aso­­ciación Cultural "Feminalia 2000" y por la presentación de la muestra pictórica en el Instituto ItaloLatinoa­me­ri­ca­no (ILLA) de Roma, por la embajada mejica­ na en Italia. La obra de Claudia Hecht está confeccionada por una no­­ve­­dosa técnica: la aplicación de pan de oro y plata ma­ti­ za­da con óleo y pigmentos en polvo sobre tela. Reconoce ad­­­­­mirar los modelos artísticos precolombinos, el arte afri­ ca­­no, y a maestros como Da Vinci y Gustav Klimt, pero sin ad­­­s­cribir su arte a ningún estilo. Sus representaciones son de gran sinuosidad, siguiendo líneas abstractas y orgánicas en las que el simbolismo luminoso del oro y la plata, com­ bi­­­nados con la madera, juega un papel fundamental, apor­ tan­do misticismo. De excelente manufactura, da lugar a una obra de extrema personalidad, de ricos, acabados que sur­­gen de los más nobles materiales.‡

Claudia Hecht Uriarte mhecht@protelnet.com.mx Ricardo Guiraldes 5555 Col. Vallarta Universidad Zapopan, Jalisco, 45110 México.

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HERRERO, Any. Pintora nacida en Colón, Entre Ríos, Argentina, en 1944. Su primera incursión en el mundo de las artes plásticas se­rá en 1984, comenzando un aprendizaje de la técnica del ta­piz, junto a Nora Aslán y Gracia Cutuli, a la que le de­dica­­rá varios años y que dará lugar a muestras y partici­ pa­­ción en salones, hasta volcarse de lleno en la pintura. Realizará diferentes viajes a Europa, principalmente por Fran­­cia, Italia y Suiza, recorriendo sus más importantes mu­­ seos y galerías, con el afán de acumular todo tipo de co­no­ cimientos útiles para su investigación y desarrollo pictó­ri­­ co. En 1990 se dedica exclusivamente a la pintura, conti­ nuando su aprendizaje y perfeccionándose en los talleres de maes­tros como Luis Fernández, Roberto Volta, Kennet Kem­ble y Rafael Seguí, con los que irá asimilando distintas téc­nicas y estilos, hasta volcarse de forma definitiva en el tra­bajo del óleo a espátula. Ha realizado numerosas muestras de su obra pictórica, en nin­gún caso pasando desapercibida, y recibiendo los elo­gios de importantes críticos de arte como los que le de­di­có Ro­sa Faccaro: "hace gala de su origen, tiene una ge­ne­alogía ilustre y un gran escenario natural que habla de una apertura desde niña a uno de los paisajes, tanto huma­ nos co­mo geográficos de subyugante encanto". Any trabaja la figura humana, destacando las variantes del des­nudo y el retrato en primer plano en su mayor es­plen­dor, extrayendo el sentimiento que se revela en el propio cuer­po transformado en gesto, para ser escuchado. Pa­radógicamente, pese a estar trabajada con espátula, téc­­ni­ca que genera inevitables texturas y empastes de pin­ tu­­­ra, la obra de Any Herrero no es en absoluto lo pesada que se po­dría pensar. Al contrario, el uso de colores suaves, de fun­didos entre el motivo y el fondo, y la luminosidad con la que puebla sus composiciones, dan lugar a acaba­ dos li­geros por los que la pintura discurre tenuemente dando for­ma a la escena, la cual parece salir del propio ca­pri­

Any Herrero cmh@comex.com.ar Mariano Pelliza 621, B1636FCC, Olivos Provincia de Buenos Aires Argentina

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JAIMES Larrarte, Alex. Fotógrafo colombiano nacido en Bogotá, actualmente a­fin­­cado en Nueva York, Estados Unidos. Su formación artística da comienzo en la Escuela de Artes de la Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia, donde es­­tudia Dibujo. En esta misma Escuela estudiará poste­rior­ men­te Fotografía y más tarde Animación y Artes Visuales. Será en la fotografía en la disciplina en la que Alejandro de­cida especializarse. Así, ingresa en El Colegio de Pro­fe­so­ res de la Universidad de Columbia, Nueva York, para estu­ diar Proyectos Avanzados de Fotografía, para, finalizado di­cho curso, continuar en la Escuela de Artes de dicha Uni­ ver­si­dad, en la que participa en un Seminario Avanzado de Fo­to­grafía. Aljandro Jaimes-Larrarte, establece una relación con el ob­jetivo que modifica su visión ante la vida, convirtiéndose en un apéndice a través del que captar otras realidades, testi­ mo­nios de la vida. De gran importancia fue su serie de foto­ gra­fías que inmortalizaron la tragedia neoyorkina del 11 de Sep­tiembre del 2000, pasando a formar parte de un valios tes­timonio histórico. Ha realizado numerosas exposiciones de manera indivi­ dual y colectiva, en Colombia, Estados Unidos y Japón, con­ vir­­tiéndose en un reputado profesional reconocido en todo el mundo. Además ha realizado films, entre los que pode­ mos destacar el más reciente: "Swerve", rodado en 8 mm., en blan­co y negro, y de tres minutos y medio de duración, reali­za­do en Mayo del 2003. La fotografía de Alejandro se empapa principalmente de los viajes que este realiza, y en los que capta a las gentes, en to­da su naturalidad: la de la gran ciudad y la de los rincones más rurales. Son escenas que recogen algo más que la ima­ gen, que saben captar una parte del alma, del ambiente que res­pira. La mirada, el gesto, el rostro, el movimiento, la tran­ qui­­lidad o el caos... sus equilibrados encuadres son fruto de una mente organizada y de una visión experimentada que sa­be captar en la más sencilla escena una obra de arte conte­ni­da, efímera de no ser por su presencia.‡

Alejandro Jaimes Larrarte (Alex) ajaimes@ee.columbia.edu Casa: 25-28 42 Street,4B Astoria, NY 11103. New York Shipping Address: Columbia University, 500 West 120 Street MC 4712 1312 SW Mudd-EE Dept. New York, NY 10027. USA

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KRAVCHIK, Laly. Nacida en Buenos Aires, Argentina, inicia su formación ar­­tística asistiendo a la Escuela Nacional de Bellas Artes Ma­nuel Belgrano entre 1950-1953, año en el que ingresa en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Puey­rre­ dón, permaneciendo allí hasta 1956. Retoma sus estudios artísticos años después, en 1977, con­curriendo a diversos talleres impartidos por reconocidos maestros. Estudió Cerámica, Pintura y Dibujo con los si­guientes Maestros: Mingo, Nojechovcz, Bentuya, Muñez, Ara­­ga, Pesce, Sapia, Gorriarena, Aníbal Carreño, Rosa Fa­c­ ca­ro y Marino Santamaría. Inicia su participación en muestras expositivas a partir de 1983, con las que ha recorrido importantes salones y expo­ si­­ciones. Ha cosechado distintos premios, entre los que po­de­mos citar la Mención del Salón Municipal de Artes Plás­ticas de Avellaneda, Buenos Aires, la Mención en el II Con­cur­so Puerto de Olivos, Vicente López, provincia de Buenos Ai­res, o el Segundo y Tercer Premio del Club Náutico Ha­coaj, Tigre, en 1983 y 1984 respectivamente. A su obra le han dedicado múltiples líneas los más afama­ dos críticos, como Rosa Faccaro, Fernando Díaz o Angélica Va­lenzuela, entre otros, destacando su maestro, el difunto Aní­bal Carreño quien afirmó: "...decir y hacer fundamenta­ les e interaccionales, están en su obra, no sólo la miremos, veá­­mosla..." La pintura de Laly Kravchik muestra la expresividad de una ciudad latinoamericana como Buenos Aires. Con su pin­cel recorre calles y rincones, y sobre todo personas, se­res que han perdido su individualidad para convertirse en fan­tasmas que vagan, en constante movimiento, por cami­ nos de asfalto, sin percatarse los unos de los otros. Su paleta es rica y vibrante, colorista pero también som­ bría. Crea contrastes cromáticos, en los que otorga gran im­portancia a la sombra, el lado oscuro, que aparece en la com­posición como un protagonista más de la escena. Poseedora de una osada pincelada con la que introduce mo­vimiento y dinamismo, Laly nos muestra la soledad ur­ba­­na, un paraíso artificial en decadencia. Una pintura con car­ga psicológica que invita a meditar, a comprender la so­le­dad que impera en medio del bullicio.‡

Laly Kravichck T. 54 11 4832-9439, Malabia 1424, (1424) Buenos Aires Argentina

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LAMBRÉ, Laura. Pintora argentina natural de Lanús y residente en Buenos Aires. Con una temprana vocación artística, comienza a pintar de ma­­nera autodidacta. Más adelante acudirá al taller de pin­tu­ ­­ra de Marcos Borio, y se perfeccionará en Fundamentos Vi­­ suales junto a Rosa Faccaro. También estudiará Arte Con­tem­ poráneo con Fabiana Barreda. Su formación artística la completará por medio de viajes a Ja­­pón, Estados Unidos, Europa y Latinoamérica. En el año 2002 su trayectoria es reconocida, siendo distin­ gui­­­da por la Transacademia, Instituto Universal de las Na­cio­ ­nes, y la OMHS: Obra Mundial Pro Humanidad Soli­da­ria, con la Estrella Académica Universal en carácter de Pa­tri­­cia de la Humanidad Solidaria. Ha realizado numerosas muestras y participado en múltiples sa­­lones en Argentina, Uruguay, Grecia, Estados Uni­dos, Bra­ sil, Italia, Rusia y Suiza. También ha cosechado variados premios como la mención Es­­­­pecial del Círculo de Bellas Artes de Buenos aires, en el LX Sa­lón Anual, o la Mención Especial del Salón Galería Di­­­­ men­­sión Arte, en Buenos Aires. En 1994 dos de sus obras se­rán seleccionadas por UNICEF Argentina para integrar la se­lec­­­ción de Ginebra, Suiza. De su particular obra, Jorge Páez Vilaró, Director del Mu­seo de Arte Americano de Maldonado, ha dicho "su fuerte mag­ ne­tismo y gran personalidad hacen que la obra de Lau­ra Lambré brille con luz propia". Rafael Squirru, Crítico de Ar­­­te del diario "La Nación" va más allá "Laura Lambré ya per­­­­te­ nece a la condición de los maestros". La obra de esta artista es particularmente única e inquietan­ te. Laura se rodea de formas vegetales que llenan sus cua­ dros como retazos de bosque, ni más ni menos que la "poé­ ti­­ca de un realismo mágico", como lo denominó Rosa Fac­ ca­ro. Exotismo poblado de misterio, a la espera de que un ha­­da o duende haga su aparición. Verdes hojas colmadas de plasticidad sobre fondos oscuros de vegetación incógnita, iluminados claros de bosque, todo ello tratado con la de­­­ purada técnica de la experiencia. Consigue hacer que es­­ cuchemos el sonido de la vida, en una impactante obra pic­­tórica con tintes de esa sublimidad que nos hace sentir in­­significantes.‡

Laura Lambré lauralambre@hotmail.com Sinclair 3151 Piso 1ºC, (1425) Buenos Aires Argentina

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LIBERTI, Juan Carlos. Pintor nacido en Buenos Aires, Argentina. Inicia su labor artística de manera profesional a partir de 1970, iniciando así una intensa trayectoria con la que Juan Carlos se abre un sólido hueco en el panorama pictórico ac­tual. Cabe destacar, además de su pintura, su faceta como ilus­trador. Así, ha realizado litografías para, entre otras, distin­tas obras de William Shakespeare, Jorge Luis Borges, Al­berto Guirri o Anna Emilia Lahitte. Ha mostrado su obra en más de veintisiete exhibiciones in­dividuales en prestigiosas galerías y museos de Argen­ti­ na, Estados Unidos, Puerto Rico, Paraguay y Venezuela, siendo también reconocido con importantes premios na­cio­nales y extranjeros. Sus pinturas forman parte de más de cin­cuenta museos de América y Europa, destacando la Ga­lle­ria degli Uffizi de Florencia, Italia, donde se encuen­ tra un autorretrato de este artista. Actualmente, y tras haber tratado diferentes temáticas, Juan Carlos Libertia a adoptado la imagen del tango, a partir de la que ha elaborado su propia iconografía y la ha lle­va­­do no sólo a la gran muestra del Tango del Palais de Gla­ce de Buenos Aires, sino también fuera del país, mostrán­do­­la en el Dans Museum de Estocolmo, Suecia, en el Pa­be­llón de la Feria de Hannover en Alemania o en el Palacio Me­dici de la Provincia de Luca, Italia. Esta variación en el tema que ha sufrido la obra de Juan Car­los Liberti, es eso, simplemente variación temática, o for­mal, y si de alguna manera incide en su calidad artística, no es sino a mejor, conforme al hecho de que la como­di­ dad y satisfacción del artista con su obra, sólo repercute en la mejora. Como bien dice el crítico de Arte Rafael Squi­rru, "debo destacar la calidad pictórica de sus óleos y se sus di­bujos sobre papel (...) en cada uno de sus logros obteni­ dos se manifiesta como lo que es, un gran pintor". La obra de este artista encierra conocimiento y soltura, contribu­ yen­do a la elaboración de unas formas modeladas con un na­turalismo que aporta seguridad a los contenidos surrea­ les e imaginativos del conjunto. Un mundo en el que se aú­nan fantasía y pasión, connotaciones arrabaleras, instru­ men­tos musicales y piernas que se mueven al compás de una música que emana del propio lienzo.‡

Juan Carlos Liberti Juncal 4735 (1425) T. 4775-3499 Argentina

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LUCERO, Santiago. Pintor argentino natural de Buenos Aires. Su formación ar­tística se inicia en una modesta escuela de barrio durante un periodo de seis meses. Pasado este tiempo, asiste a un ta­ller de pintura impartido por la artista Maggie Atienza Lar­son, con la duración de un año y medio. Este taller organizará dos muestras grupales, en las que fue se­leccionado, inaugurando así una larga trayectoria que du­ra hasta el momento, a base de ser seleccionado o re­cibir menciones en todos los salones y concursos a los que de­cide enviar su obra. Paralelamente a su carrera pictórica, Santiago Lucero es di­­rec­tor creativo de la agencia de publicidad J. Walter Thomp­­­son Argentina, con la que ha realizado varios anun­ cios publicitarios para la televisión que le han valido el re­co­ no­cimiento nacional e internacional, siendo premiado con el León de Oro en el festival de Cannes, el Clio de Pla­ta en Nue­va York, distintas Águilas de Oro en el Festival de Pu­bli­ cidad Mejicana, tres Lápices de Platino en reconocimiento al mejor comercial del año en Argentina, Grand Prix 1999 en el FIAP (Festival Iberoamericano de la Pu­bli­ci­dad), y oros en los FIAP 1998, 1999 y 2000. Una carrera en la que por am­bos lados emerge un sentimiento creativo im­parable. También lleva a cabo un seminario de creatividad en La Aso­­ciación Argentina de Agencias de Publicidad y en el año 2002 fue panelista en el Festival de Creatividad "El Ojo de Iberoamérica". La pintura de Santiago Lucero tiene personalidad propia. Es directa y sincera con lo que representa, con escasa va­ria­ ción cromática. En cada una de sus pinturas priman sen­ci­lla­ mente tres colores finales, obtenidos a base de trabajar otros, y con eso se basta para dar forma a unas particulares com­­ po­siciones a base de trazos que se entretejen, formando unas ve­ces estructuras homogéneas que brotan de la tierra y otras, ro­tas, esparcidas por el viento, huyendo del cuadro. Destaca el tratamiento que dedica a los fondos, neutros y muy trabajados, siempre en contraste cromático con el res­ ­to de elementos y aportando texturas que los enriquecen. Santiago Lucero nos muestra una obra incógnita, una abs­­trac­ción en la que no es necesario buscar significados, si­no apre­ciarla en su conjunto por la honesta forma con la que es creada, y por la buena técnica y buen hacer que es­te ar­­tista posee.‡

Santiago Lucero santiago.lucero@jwt.com Zapiola 3660 dto 8. (1429) Capital Federal Argentina

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LUEZA, Cecilia. Pintora natural de Misiones, Argentina. Su familia, muy sensibilizada con el mundo del arte, in­cul­có en ella la pasión por el dibujo y la pintura. De ese mo­do su formación ya da comienza en su época de esco­ lar, participando en diversos talleres de arte locales, donde irá obteniendo conocimientos básicos, así como un interés que la llevará hasta la Facultad de Bellas Artes de la Uni­ ver­sidad de La Plata, Argentina, de la que sale licenciada en 1994. Posteriormente se instala en Buenos Aires y co­mien­za a trabajar en el centro Cultural Borges, desarro­ llando la idea de crear una revista dedicada al mundo del arte por­teño, "El Laberinto" cuyo primer número saldrá publicado en 1996. Su trabajo en esta publicación pone a Cecilia en contacto con diferentes artistas, acerca de los que escribe y mantiene una enriquecedora amistad. Al mismo tiempo que desarrolla la revista, continúa con su carrera pictó­ri­ca, y realiza murales para lugares públicos y privados en La Plata y en Buenos Aires. Tras sus experien­ cias en la capital Argentina, acaba por fijar su residencia en Miami, Flo­rida, Estados Unidos, donde tiene ocasión de trabajar co­mo asistente y artista para el maestro Pérez Celis, quien a su vez influirá en su propia obra, contribu­ yendo a su ma­du­rez. Al mismo tiempo que desarrolla su obra pictórica, con­tinúa sus trabajos para distintas publica­ ciones en Lati­no­américa, Estados Unidos y España. Su obra, mostrada en reiteradas ocasiones desde 1993, dan­do lugar a más de veinte muestras en Argentina, Estados Uni­dos, Méjico y Puerto Rico, ha recibido comentarios co­mo los de Iván Ávila, quien recientemente afirmó: "la línea de la vida en la obra de Cecilia Lueza es a la vez arte y pen­sa­­miento que germinan de una postura espiritual, de una re­flexión de la capacidad interior del hombre". La pincelada de Cecilia Lueza contiene personajes que na­cen por sí solos de la propia mancha, del impecable traba­jo del color, en gamas contrastadas que aportan una car­ga simbólica capaz de adentrarnos en las entrañas mis­ mas de la vida, de los orígenes. Composiciones equilibra­ das que juegan con la figuración, en un acto de mimetismo con el fondo, con el puro color. Una obra que delata la ca­pa­cidad de comunicación y de evocación de una artista cre­cida y asentada.‡

Cecilia Lueza cecilialueza@yahoo.com 2220 SW 12 street, Miami, Florida 33135 USA

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LUNA, Carlos. Pintor cubano, natural de Pinar del Río. Su formación artística da comienzo de manera oficial en 1980, año en el que Carlos Luna ingresa en la Escuela Provincial de Artes Plásticas del Río, en Cuba del Pinar. Posteriormente, en 1983, se traslada a La Habana para es­­tudiar Arte en la Academia de San Alejandro. Un año más tarde, abandona esta academia e ingresa en la Escuela Na­­ cional de Artes Plásticas (ENA), también de La Habana, don­de finalizados estos estudios, en 1987, ingresa en el Ins­ tituto de Artes Superiores. Desde muy temprano, en 1985, Carlos Luna inaugura un lar­­ga y fructífera trayectoria expositiva que da comienzo en el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, como par­ti­cipante del Salón Nacional de Escuelas de Arte, y que has­ta el momento, ha desembocado en más de sesenta ex­po­si­ciones individuales y colectivas, con las que la obra de es­­te artista ha recorrido Cuba, Méjico, Estados Unidos, Puer­­to Rico, República Dominicana, India, Venezuela, Ni­ca­­ra­gua, y prácticamente todo África con una exposición iti­ne­rante de serigrafía. Entre los galardones que ha recibido, podemos mencio­ nar, entre otros, los primeros premios obtenidos en el Salón de la Ciudad, Galería Luz y Oficio de La Habana, en 1988, y en 1991, esta vez en el Salón de Profesores de esta misma ga­lería, el Primer Premio del IV Salón Pro­vincial del Salón provincial de Pin­tura de Pinar del Río, también en 1988, o el Premio en el IV Salón Na­cio­nal de Premiados del Museo Nacional de Be­llas Artes de La Habana, Cuba. La obra de Carlos Luna presenta una atractiva estilización formal, que en ocasiones remite al primitivismo, en su linealidad y sintetización, así como en la firmeza del trazo. Trabajada con gran intensidad del dibujo, el trazo cobra una importante presencia, configurando la escena y deli­ mitando los planos de color, un color dominado con des­ treza, que puede aparecer en los tonos más puros, y fundir­ se entre sí dando lugar a estudiadas texturas que emanan de la pincelada. Una obra de calidad, con guiños que dejan patente el sentido del humor con el que este artista configura sus creaciones: de manera directa y con absoluta sinceridad.‡

Carlos Luna claudiarl92@hotmail.com 8903 SW 69 str, Miami. Florida, fl 33173 USA

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MAC Entyre, Eduardo. Pintor nacido en 1929 en Buenos Aires, Argentina. Diseñador gráfico, su formación en las artes plásticas la ob­tiene de manera autodidacta. Forma parte del "Grupo Joven" junto a los artistas Vidal, Ma­­­gariños, Filievich y Martino. Más tarde será co-fundador del Movimiento del Arte Generativo, junto a Vidal y Pi­ro­va­ no, formará parte de la asociación "Arte Nuevo", que publi­ ca­­­rá la revista del mismo nombre, desde la que se pretende acercar al público a los nuevos movimientos artísticos no figurativos del momento. Mac Entyre realiza más de cuarenta exposiciones indivi­ dua­­les en toda América latina, Europa y Estados Unidos.. Sus obras forman parte de múltiples colecciones en impor­ tan­tes Museos, como el Museo de Arte Moderno y el Gug­ gen­heim de Nueva York, además de Embajadas, Fun­da­cio­ nes, Instituciones y colecciones privadas en todo el mundo. Re­­­cientemente, en el año 2000. su obra "Cristo, la Luz" fue ad­­­quirida por la Academia Pontificia de Ciencias de El Va­ti­ ­­cano, Roma, Italia. Cuenta con galardones como el Primer Premio de la UNESCO de 1961, el Premio por la Organización de los Es­tados Ame­­ricanos y el Museo de Arte Contemporáneo de Amé­ri­ca Latina en Washington en 1986 por su contribu­ ción al Ar­­te Contemporáneo, el Laurel de Plata a Dis-tin­ gui­da Per­so­nalidad en 1988, el Primer Premio de Honor de la Pri­me­ra Bienal de Pintura "Espíritu de Grecia" y el Primer Pre­­mio a la Trayectoria María Calderón de la Barca 1996, en Ar­gen­tina, junto a otros muchos. Entre la amplia bibliografía que existe sobre este artista, y los comentarios que sobre él han sido vertidos por presti­ gio­­­sos críticos, preferimos destacar sus propias palabras acer­ca de su obra, de la que dice manifestarse "como un con­­­junto de relaciones que terminan por incorporarse con flui­­­­dez en una misma constelación estética". La obra de Eduardo Mac Entyre, elaborada a base de acrí­ li­co sobre tela no parece obra humana, por la calidad, por su diseño, por el impecable desarrollo del que hace ga­la, así como el equilibrio, pulcritud, conocimiento de la for­ma y manejo de la pintura, llevados hasta términos pro­di­­giosos. En sus dinámicas composiciones, dominadas por la lí­nea curva, funde los colores, traza blancos sobre fondos os­curos, siempre llenándolos de una luz que parece sa­lir de la propia obra, para cargarla de absoluto misticismo.‡

Eduardo Mac Entyre T. 54 11 4301 9366 Brandsen 1498, C1287AAF, Buenos Aires Argentina

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MALDONADO, Elizabeth. Pintora Argentina nacida en 1960 en la provincia de Cór­ do­ba. Atraída desde siempre por el arte, concretamente el dibu­ jo y la pintura, la llevarán a cursar la licenciatura de Bellas Ar­­tes en la Facultad de Filosofía y Humanidades de la Uni­ ver­­si­dad Nacional de Córdoba. A medida que cursa sus estudios e investiga de manera in­­di­vidual, irá reuniendo una amplia obra pictórica que en 1993 mostrará por primera vez al público el la Casa de Cul­ ­tu­ra de Funes, provincia de Santa Fe, Rosario, exposición con la que inaugura una extensa serie de muestras con las que su obra irá recorriendo la Argentina, partici­pan­­do en Ex­posiciones como el Salón Arte Argentino Con­tem­­poráneo 2002 en la Casa de Rusia en Buenos Aires, Ar­gen­­tina, el I Sa­lón de Artes plásticas "Pequeño Formato" de la Mu­ni­ci­pa­ li­dad de Villa Carlos Paz, o el Salón "Pabellón Ar­­gentina" en la Ciudad Universitaria, ambos salones lleva­dos a cabo en Cór­doba. Paralelamente, Elizabeth Maldonado también realiza ilus­tra­ción, trabaja la escultura y diseña bajo relieves, ejer­ ce co­mo muralista, e investiga las posibilidades y técnicas del gra­bado. El la obra de Elizabeth destaca su dominio del dibujo, que se delata en el trazo pictórico con el que crea imagina­ ti­vas for­mas que parecen surgir de un insinuante mundo de fan­­ta­­sía donde las formas sólo son insinuadas, dejando que la ima­ginación corra por sí sola. Así, de entre la cargada atmósfera parecen asomar ten­tá­ cu­­­los, seres que serpentean en ritmo oscilante, que se fun­ den con el fondo, mimetizados como un camaleón al ace­ cho de su presa. Escenas intrigantes de composición bien re­­­­suelta, como salidas de una narración de H. P. Lovecratf, son trabajadas con la soltura de la pincelada con la que son mo­­­deladas. Su habitual cromatismo es un peculiar trabajo que parte de los verdes y azules, a veces contrastados con li­­­­­geros toques anaranjados que introducen luminosidad y ca­­­­­lidez, dando resultados de un oscurantismo y tiniebla que ge­­nera una innata tensión e incertidumbre ante lo des­co­­­­no­ ci­do, siempre presente en el género humano.‡

Elizabeth Maldonado elizabethmald11@hotmail.com Calderón de la Barca 230, B alta, (X 5001 AYE) Córdoba Argentina

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MANTEIGA Varela, Francisco. Escultor nacido en La Coruña, España, en 1964. Francisco Man­tei­ga se adentró en los caminos de la escultura habien­ do pa­sa­­do la treintena. Hasta entonces, su ocupación había estado vinculada al mundo de la informática, tras obtener el tí­tulo de Ingeniero Técnico Industrial, en la Universidad de Ovie­do, Asturias, en la especialidad de Estructuras e Ins­ta­ la­­­ciones Industriales. No obstante, algo se habría ido cua­ jan­do a lo largo de su formación. Algo que acabaría por ger­mi­nar, y nos referimos al primer acercamiento hacia los ma­te­riales que le ofreció el cursar Formación Profesional en la es­pecialidad de Estructuras metálicas en el U. L. Cru­ce­ro Ba­leares de La Coruña, donde aprendió soldadura, cal­de­re­ ría, etc. Un contacto con los materiales en sí mismos, que no con la propia manifestación artística que ac­tualmente de­sarrolla, siendo, por tanto, un artista autodi­dac­­ta con for­ ma­­ción de artesano. Quizás estas raíces fueron las que llevaron a Francisco a ins­talar un taller de fundición en el que él mismo maneja, prin­cipalmente, bronce y aluminio, los materiales básicos de su obra. Pese a su relativamente reciente incorporación al mundo de las artes, ha mostrado su obra en varias expo­ si­­ciones entre ellas en la Sala Barna (Batic Art) en Bar­ce­lo­ na, en la II Bienal Rincón de Ademuz, Valencia, y en la 54 Frank­furter Buchmesse. La escultura de Francisco Manteiga se debate entre di­fe­ ren­­tes estilos que oscilan desde lo constructivo hacia la fi­gu­ra­­ción, sin querer encasillarse en límtes formales y avan­zan­do hacia las sensaciones que transmite sea cual sea la for­­ma final obtenida. Así se interesa por la vida, por ex­­pe­rien­­cias cotidianas que transmiten el peso de lo orgá­ ni­­­co a tra­vés de la línea curva. Su escultura es racional, es­tu­­diada, un perfecto equilibrio en el que se sopesa lo pre­sen­­te y lo au­­sente, la forma y el hueco. Formas antropo­ mor­­fas macizas y pesadas, fundidas en arena, y constructi­ vas formas li­ge­­ras que juegan con el aire, lo acarician. Así es la obra de este artista redescubierto en el hombre o vi­ceversa, pero con suficiente técnica y ganas de co­mu­ ni­­car­­­se con los materiales para juntos, ofrecernos todo cuanto lleva guardado dentro.‡

Francisco Manteiga Varela fm@fmanteiga.com T. 667-049-042 España

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MARIÑO Belascoain, Consuelo. Pintora española nacida en 1945 en Ferrol, La Co­ru­ña, Galicia y residente en Ta­rragona, Cataluña. Su formación académica se inicia en 1998 mediante un cur­so de Técnicas Ar­tís­ti­cas en el colegio Pú­blico Jau­me I, en Ta­rrag­o­na. Este cur­so despierta en Con­suelo un gran in­te­ rés por la pin­tura que la llevará a buscar más formación al­­ter­nativa al tiempo que continúa perfeccionando e in­ves­­ ti­­­gando por su cuenta, apo­yándose y buscando ayu­da en li­bros y vídeos so­bre Técnicas Artís­ti­cas de Di­bujo y Pintura. Así mis­mo, visitará exposiciones, tan­to en Europa como en Amé­rica, de las que extrae todo cuanto pueda ofrecer el contacto con el arte y con sus creadores. Recientemente, en el año 2003, realiza un curso de Gra­ ba­do impartido por la Fundación La Caixa de Tarragona, ciu­­dad en la que reside. Ha realizado numerosas exposiciones en Cataluña y fuera de esta, participando en dos exposiciones itinerantes, la pri­­mera de ellas con el Grupo Marea, y la segunda "Ori­gi­ na­­­les Solidarios" con Stylusart. También ha expuesto en la Fe­­­­ria Internacional de Arte Contemporáneo de Marbella, y su obra fue seleccionada para la Muestra de Arte del VIII Fes­­tival Lesgaicinemad de Madrid.

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Consuelo Mariño aparece en distintas publicaciones, en­tre las que destacan varios números de la "RevistArt" y la "Guía Na­cional de Artistas del Siglo XXI". Confecciona su obra haciendo uso de distintas técnicas e in­­v­estigando con todo tipo de materiales que aportan parti­ ­cu­­laridad a sus cuadros. Se mue­ve en el terreno de la abs­­ trac­ción, reduciendo sus creaciones a la mínima ex­presión, en una obra sencilla y conceptual. Juega con las texturas y con el simbolismo del color, que par­te de una paleta poco va­riada y es manejado puro y sin ar­tificio, y se sirve de es­tos para reproducir efectos na­turales, en los que sin re­currir a la naturaleza la evo­ca y recrea sus sensaciones: la lluvia que salpica los cristales, las gotas de sangre... resultados de un efecto que es el concepto en sí mis­mo y que se intuye me­diante su forma, la mera ex­presión de su ser.‡

Consuelo Mariño Belascoain C/ Ixart, nº 7-2º 43003,Tarragona. España


MARTÍN Lozano, José Vicente. Pintor español natural de la localidad de Siles, Jaén. De temprana vocación artística comienza a pintar con tan só­lo diez años. A raíz de su toma de contacto con el pin­cel, desde sus primeros inicios mostrará su deseo de aprender, dedicándose a investigar y estudiar todo lo cuan­ to cae en sus manos referente al mundo del arte y de la pintura, has­ta descubrir a los maestros, Kandinsky, Mondrian, Mi­ró, Paul Klee y el Constructivismo. Estudiará Arquitectura Técnica Superior en la Uni­ver­si­ dad Po­­litécnica de Valencia durante tres años, para regresar de nue­vo a Andalucía, donde continúa sus estudios en Gra­ ­na­d­a, abandonándolos definitivamente tras el fallecimiento de su padre. Ha mostrado su obra en numerosas muestras y exposicio­ nes, cosechando el éxito de la crítica y del público. Recien­ te­­mente ha participado en la V Feria de Arte Con­tem­po­rá­­ neo de Sevilla ARTESEVILLA 2003, con la Galería Gaudí de Ma­­drid. Entre las críticas dedicadas a la obra de este artista, po­de­ mos citar a Adrián Cobos de Terra, quien manifestó "su obra es una evolución controlada desde el Expresionismo has­ta las más Abstractas explosiones de color", o la rotunda afi­­r­ ma­­ción firmada por el Equipo del Grupo Batik Art "su obra po­see calidad y particularidad". José Vicente traza sus creaciones a base de acuarela y tin­ta ch­ina, principalmente.

El dominio que posee sobre estas técnicas da lugar a una obra clara, concisa y de gran limpieza compositiva. De sus fon­­dos aguados brotan esos elementos geométricos, esa l­i­ne­­alidad funcional que dela­ tan su reconocida influencia del Constructivismo, con los que forma coloristas composi­ ­cio­nes asentadas en el más estudiado equilibrio. José Vicente crea desde el in­terior, tras un proceso de ra­­ cio­­­nalización de la forma, pa­ra derramarla sobre el papel co­­­­mo si fuese producto del ca­pricho de la propia pintura. Jue­­­­ga con la saturación y el contraste, dando lugar a una obra compleja colmada de vitalidad y dinamismo, la cual re­­sulta gratamente beneficia­ da por la ligereza que aporta la téc­­nica de la acuarela.‡

José Vicente Martín Lozano josev@ya .com España

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MATHEU, Leonel. Pintor nacido en Cuba en 1967 y afincado en Estados Unidos desde 1993. Su formación artística tiene lugar en el Instituto de Di­se­ño de La Habana, Cuba, en el que se gradúa Diseñador Grá­­­­ fico. Su pintura es fruto de la investigación e interés personal por el mundo de las artes plásticas, haciendo que Leonel Matheu desarrolle una particular obra que le valdrá reco­ nocimientos y selecciones, como la Mención de Honor del año 2001 de la Asociación de Artistas Individuales de Flo­rida, Estados Unidos, donde también recibe la Orden de Dis­tinción de Chival Regal en el año 2000. También en el 2000, Matheu recibe la Medalla de la Cultura de Ro­tter­ dam, Países Bajos. Su obra ha formado parte de numerosas exposiciones, muestras y salones, tanto de manera individual como co­lec­ tiva, gozando en todo momento de una grata acogida, así como la aceptación de la crítica, colectivo que se ha pro­ nunciado favorablemente para con las creaciones de es­te artista. Ejemplo de esto son los comentarios firmados por Ca­rol Damian, quien se refirió ante sus creaciones como "sím­bolos que se convierten en metáforas de la modernidad y en sustitutos de los léxicos primitivos que nos son fa­mi­ liares por su significación universal, tras siglos de His­to­ria del Arte". Y es que Matheu combina en su obra un léxico primitivo y actual, dando lugar a una mezcla de léxicos que hacen de sus creaciones un ejercicio de comunicación mediante el que el artista vuelca su postura hacia la vida. Sus compo­ si­ciones son equilibradas, compuestas por elementos sim­ pa­­res sin limitación cromática pero con una tendencia a la os­curidad que contribuye a dar forma a esa sensación claus­trofóbica del universo. Mezcla la abstracción con lo fi­gurativo en un mundo de aparente ingenuidad pero de gran contenido, con una dimensión social crítica. Un mun­ do en el que sitúa personajes perdidos que apenas atisban en­tre la soledad del caótico y bien delimitado paisaje. Matheu vacía su alma, en una obra racionalizada, con un men­saje suficientemente explícito para todos aquellos que op­ten por atreverse a mirar el mundo a través de los ojos de este artista.‡

Leonel Matheu 103 Westward Drive, Miami Springs, Florida, Fl. 33166 USA

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MATUS, Margarita. Pintora argentina nacida en 1926. Margarita Matus se gradúa en 1947 Dibujante Pro­fe­sio­nal en la Escuela Nacional de Bellas Artes "Manuel Bel­gra­no". Pos­teriormente asistirá a un taller de pintura con Horacio Butler, y en 1972 se gradúa de nuevo, esta vez como Pro­ fe­­sora Nacional de Pintura, y un año más tarde como Pro­ fe­sora Nacional de Grabado, en la Escuela Nacional de Be­llas Artes "Prilidiano Pueyrredón". En 1978 se gradúa Profesora Nacional Superior de Pin­tu­ ra en la Escuela Superior de Bellas Artes "Ernesto de la Cár­ co­­­va". En los años posteriores, entre 1980 y 1984, asistirá al ta­­ller de pintura de Aníbal Carreño, y en la actualidad cur­­sa la Licenciatura en artes Visuales en el Instituto Uni­ ver­­si­ta­rio Nacional de Arte. Ha participado en numerosos salones y exposiciones, que da­rán comienzo ya en su primera época de estudiante, con su primera exposición, en 1945, en la que obtendrá ade­más su primer premio, inaugurando así una intensa tra­ yec­­to­­ria de galardones como el Premio estímulo en el Con­ cur­so de Manchas de la Municipalidad de Buenos Aires, el Ter­­cer Premio del Salón Anual de Dibujo y Grabado del Cen­­­tro Cultural Catedral, el Tercer Premio de Pintura del Sa­­lón de Otoño de la Galería Núcleo de Arte, la Primera Men­­ción en Pintura de la Primera Bienal Internacional de san Telmo, entre otros. Su obra ha recibido los elogios de reconocidos críticos, en­­tre los que podemos citar a Osiris Chiérico "Margarita Ma­­ ­­tus ha asumido una fuerte, una vigorosa individualidad, una fortaleza afirmada en un acertado sentimiento cromáti­co". La obra de Margarita Matus es una amalgama de desbo­ ca­­das pinceladas entre las que se esconden sosegadas com­­po­­­siciones, que parten de una paleta básica y afín, y una téc­nica dominada hasta la extenuación durante largo tiem­po de estudio e investigación. Su pintura contiene gran­des va­lores plásticos, en ella, el firme trazo de un neo­ im­presio­­nis­mo del siglo XXI impregnado del carácter pro­ pio de su crea­dora, se mueve libre sobre el lienzo, sin reparo y seguro de sí mismo.‡

Margarita Matus matpre@fibertel.com.ar Mendoza 5049, Piso 9 Dto. 30. Buenos Aires Argentina

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MENDOZA ALARCÓN, Luis. Pintor peruano, nacido en Huancavelica en 1958. Luis Mendoza Alarcón se licencia en la Escuela Superior de Be­llas Artes de Trujillo, Perú, en 1984, y ejercerá la do­cen­cia en la Escuela Superior de Bellas Artes Macedonio de la Torre, también de Trujillo. Ha participado en más de cincuenta exposiciones tanto co­­lec­tivas como individuales, en las que ha dado a cono­ cer su obra por toda la porvincia de Perú, y en el exterior, co­­mo en Ecuador, Méjico, Marruecos, o Estados Unidos. Fue seleccionado para la muestra "Raíces Andinas en el Ar­­te Latinoamericano" realizado en la Sede de la ONU de Nue­va York, y ha recibido el Primer Premio Paramonga 2000, el Segundo Premio del Primer Salón de Pintura Con­ tem­poránea Latinoamericana realizado en Piura, Perú, el Pre­­mio Galería Borkas, por el VI Salón Ancón de Lima, Pe­rú, o la Medalla de Oro de la Municipalidad de Trujillo, en­­tre otras distinciones. Su personal obra ha calado hondo entre la crítica, y a su res­­pecto se han publicado palabras como las de el Ca­tá­lo­go Enigmas, firmadas por Hernán Miranda Cueto: "Alarcón, (...) ve surgir en la alquimia de su arte, como una revela­ ción, la piedra filosofal que convierte a un ser frágil e inse­ gu­­ro, cargado de dudas y temores, en el instrumento de una vo­luntad capaz de explicar en qué consiste la "imagen y la se­mejanza" bíblica, que no es otra que el atributo de crear." La obra de Luis Alarcón se entrega al simbolismo en cada uno de sus elementos. Sus personajes de rostros sosegados y serenos, como todo su gesto, viven con la cotidianeidad que sólo otorga la imaginación en mundos extraños, de trom­­­petas aladas, de máscaras, y de colores tan vivos como di­­fusos. Sus pinturas tienen el tono neutro de la pátina del tiem­po, envejecidas, con un cierto tenebrismo obtenido a ba­­se de trabajar el color, en el que se recortan vivos rojos o amarillos, formando especiales contrastes frente al juego de luces y sombras de esos extraños interiores propios de los viejos salones de un castillo iluminado por antorchas. La obra de este artista manifiesta sencillez en la línea, do­mi­­nio del color, firmeza en el trazo y decisión. Entusiasmo crea­tivo que da lugar a una iconología propia que sólo se pue­­de comprender liberando nuestros sentidos y respiran­ do en el interior de sus cuadros.‡

Luis Mendoza Alarcón luartemioalarcon@LatinMail.com José Inclán 140, Santa María V Etapa. Trujillo Perú.

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MOLINA Leal, Mirtha. Pintora argentina natural de Córdoba. Mirtha Molina siente desde muy joven un interés por el ar­te y en particular por la pintura, que remitirá en que curse es­tu­dios en esta rama artística para graduarse como profeso­ ra de Dibujo y Pintura. Ejerce la docencia de manera parti­ cular en su propio Taller, donde da clases de ambas discipli­ nas ar­tís­ticas. Desde 1998 ocupa el cargo de delegada de Artes Plásticas en la Asociación Cultural "La Solapa". Es además ilustradora de cuentos y poemas, entre los que po­­­demos destacar la ilustraciones realizadas para las obras de Ma­ría Amalia de Miranda "Cuentos de Monteazul", "Cuen­tos An­dariegos" y "La Flor del Lirolay y otros Cuentos pa­ra Ado­les­centes". Ha mostrado su obra en numerosas exposiciones en las que ha cosechado grandes éxitos, y su obra se encuentra en distintas colecciones públicas y privadas. Entre sus exposiciones más recientes podemos citar la lleva­da a cabo por la adhesión de la Asociación "La Solapa" al Ju­bileo de la Iglesia Católica en el año 2000, ocasión para la que Mirtha expuso sus obras el los Salones de M.A.S. en En­tre Ríos, Córdoba. En la pintura de Mirtha Molina existe un gran sentimiento re­ligioso presente en cada escena, por medio de las referen­ cias iconológicas que pueblan sus paisajes. Sus imágenes se des­componen en retículas de carácter geométrico y aspecto com­putadorizado en las que la artista centra su peculiar for­ ma de pintar, creándose una estética propia que se mueve con gran desenvoltura por los terrenos de la figuración. Es evidente su poder para racionalizar la imagen y sinte­ti­ zar­la en forma y color, de manera que los entornos bucóli­ cos que nos recrea parecen surgir por casualidad como las for­mas de un mágico calidoscopio cargado de vivos colores. Ri­queza formal y gran creatividad se conjugan en la figura de esta artista y dan lugar a una esperanzadora obra en la que los ángeles despliegan sus alas para sobrevolar nuestras ciu­dades y pueblos.‡

Mirtha Molina Leal (Argentina) molinaleal@yahoo.com Avellaneda 1134, (5000) Córdoba Argentina

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MONASTERSKY, Natalia. Pintora nacida en Buenos Aires, Argentina, en 1975. Su formación artística da comienzo cuando tan sólo cuen­ ta con seis años de edad, asistiendo a diversos talleres, pe­­ro su primer maestro lo tendrá a los nue­ve años, y será Luis Bottini. Pasado es­te precoz periodo de formación, Na­talia se des­vin­­culará en cierto mo­do del taller, para volver a retomar­ lo a los dieciséis años, junto a Ra­quel Gi­me­nez. Esta nueva etapa se completa con cursos de dibujo y pintu­ra con He­le­na Distéfano, y a los die­cio­cho años se une al grupo "Es­cen­­cia­ lis­mo", en el que permanecerá cuatro años, al mis­mo tiempo que re­ci­be clases de dibujo y pintura con Eduardo Giu­­siano. Paralelamente a es­ta intensa tra­­yectoria ar­tística, Na­ta­lia Monas­ters­ky se licencia en Me­di­cina. Su primera exposición individual tiene lugar cuando cuenta con veintidós años, a la que seguirá una larga carre­ ra de éxitos que llevarán su obra hasta Roma (Italia), Bar­ ce­lo­na (Es­­­paña) o París (Francia), ciudad en la que realiza va­rias muestras. Cuenta en su poder con el Tercer Premio del Salón de Arte Con­temporáneo de la Fundación Fiteco, la Men­ción del ju­rado en el Salón del Paisaje de la Fun­da­ción Yu­kio Mishima, o las Menciones Especial del Jurado y de Ho­­nor del Centro Universal de las Artes, todos ellos en Bue­nos Aires. Natalia participa en una amplia bi­blio­gr­a­fía, y su obra ha re­cibido palabras co­mo las de Blanca Monzón Wernly, "es­ta ta­lentosa artista viene comunicando no­só­lo con una for­ma

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de "hacer ver", sino una de "hacer vivir y sentir". Las pinturas de Natalia presentan una equilibrada com­po­­sición en la que se in­te­­gran a la perfección los juegos cro­ má­­ti­cos y lumínicos, dando lugar a una es­­ce­no­grafía muy sugerente trabajada con la pre­cisión y la técnica propios del tra­ba­­jo per­sonal y de una formación intensa. Su pin­­celada es sabia, como lo es la ma­nera con la que trabaja y trata el co­lor, en un aparente caos racionaliza­ do. Pue­­de rozar los límites de la abstrac­ ción o recrear im­pac­tantes pai­sajes donde las construcciones de amontonan haciendo uso de la ten­sión de las gamas frías, casi noc­tám­bu­las con las que intro­ duce una es­tu­dia­da profundidad. Sus obras cre­cen dentro del lienzo, abrién­ donos sus puertas e in­vi­­­tán­­donos a pasearlas... a recorrer sus me­­lancólicos rincones.‡

Natalia Monastersky nataliamonas@mail.com Ambosetti 104 1er piso dpto A (1405) Capital Federal. Argentina


MONTES DE OCA, An­to­nio. Antonio Montes de Oca nace en Carora, Estado Lara, Venezuela, en 1968. Su formación pictórica tiene lugar en la Escuela de Artes Plás­­ticas Martín Tovar y Tovar, en Barquisimeto, Estado La­ra, en la que ingresa en 1987 para espe­ cializarse en Arte Pu­­­ro. Allí aprende a mirar la realidad para racionalizarla y tras ese proceso, aportar su particular visión, dando lugar a una personal obra, que pronto se empieza a dar a conocer en múltiples exposiciones, con las que recorre su país, Ve­ne­zuela, llegando a Estados Unidos, Puerto Rico, Francia, Cu­ba..., lugares por los no pasa desapercibido. Así mismo, cuenta con numerosos premios y men­ ciones, co­­mo el Primer Premio de pintura en el VII Salón de Artes Plás­­ticas

Bolívar Conservacionista, en Caracas, el Segundo Pre­­m­io de Pintura en el I Salón Nacional de Arte Yaracuy, en el Estado de Yaracuy, el Premio "Joven Artista" en la I Bie­­nal Nacional de Artes Visuales del Museo de Bar­qui­si­me­­to, en la Ciudad de Barquisimeto, el Gran Premio "Salón de Arte Caribe" del Museo de Arte Contemporáneo de Co­­ro, Estado de Falcón, entre otros. Su obra forma parte de gran número de colecciones pú­bli­cas y privadas, como el Museo de Barquisimeto o la Em­ba­­jada de Méjico en Caracas. La obra de Antonio Montes de Oca, es una visión geome­ tri­­­­zada de la cotidianidad que nos rodea. Tiene la capaci­ dad de revivir la naturaleza muerta, de encontrar un paisaje en el rincón más insi­g­ni­­ficante. Para eso los filtra por su ca­pacidad de ob­servación, y se comu­ni­­ca con el pincel, dan­do lugar a composiciones sumamente coloristas y po­si­ ti­­vas donde com­­­bina los planos y las tex­­turas, las luces con los dis­tintos ángulos de vi­sión. Mediante la aparición en sus composiciones de una puerta o una ven­tana, Montes de Oca di­ce "establecer una relación entre el objeto y el pai­­ saje exterior". Rein­terpreta la realidad y la inyecta a base de ale­­gres pin­ce­­ladas y ­buen uso del dibujo y la geo­metría, encerran­ do, sin embargo, cierta dosis de soledad, de melancolía en los ob­jetos, que si­len­ciosos, esperan que al­guien los mueva, qui­zás para ser usados.‡

Antonio Montes de Oca Galería Millenium (Venezuela) gonzalomontero@supercable.net.ve Av. Luis de Camoens Ctro. Clover (1081) Caracas, Venezuela

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MUÑOZ, Luis. Artista plástico nacido en 1959 en Sto Domingo, Rep. Do­mi­ni­ca­na.Su formación artística da comienzo en 1975, momento en el que in­gre­­sa en la Academia Nacional de Be­­ llas Artes de la Rep. Do­mi­ni­ca­­­­na, donde le es galardonado con el Primer Pre­mio 1975 y 1976. En 1980 continúa sus estudios en la Aca­­­­demia Nacional de Artes Grá­fi­cas, en la que se gradúa co­mo Téc­ni­co en Ar­tes Gráficas. Ese mis­mo año comienza tam­bién estudios de Pu­­­blicidad y Marketing en el Ins­ti­tu­to Do­minicano de Pu­blicidad y Mar­ke­­ting, y en 1995 cursará, con el Cír­­culo de Be­llas Artes de Ma­drid, el ci­­clo "El Arte Ver­da­dero". Pintor y escultor, ha mostrado su obra en numerosas oca­ sio­­nes, tanto en exposiciones colectivas como in­di­viduales, lle­vándola, además de por toda la Rep. Dominicana, has­ta Francia, España, EE.UU, Alemania o Mé­jico, lu­­­g­ares donde en todo mo­mento ha c­osechado grandes y elo­gio­­­­­sas críticas, como los co­mentarios vertidos por la His­to­ria­­dora del Arte Patricia Fer­­di­­nand-Ude, a raíz de una de sus va­­rias exposi­ ciones en Ale­ma­nia: "si observamos las pin­turas de Luis Muñoz, nos da­mos cuenta de que nosotros, los observado­ res, somos al mis­mo tiempo sometidos a la observación. Nos sentimos vigilados por los numerosos ojos que e­­manan de sus lienzos". Luis Muñoz toma para su obra la obra de la naturaleza. Usa sus mate­ria­l­es, los admira, los representa, y con­firma: "la naturaleza crea las me­jo­res formas y no tenemos que

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com­­pe­tir con ella". Po­r eso él las toma pa­ra sí, y a un tiem­­po protesta contra el de­terioro natural, comen­ zando por ma­­­­­tanza de corales, que de forma sen­­cilla y sincera rescata, elevando só­­lo a la propia naturaleza a la cate­go­­­ría de ar­tis­ta, aunque el auténtico ar­­te se encuentra en los ojos del que mi­ra, y esa visión sólo le pertenece a él. Es Luis Mu­ñoz quien descubre esas creaciones y las lleva a los mu­seos, sin osar a modi­ ficarlas, res­pe­tan­­­do su forma capri­ cho­­sa, pero vien­do en cada momen­ to valores es­té­ticos ini­mi­tables, insu­ pe­rables y por tan­to, únicos. Y lo hace sin apro­piar­se, y es m­ás, res­ tando mérito a esa par­ticular capa­ci­ dad con la que ha si­do dotado p­­a­ra observar el mun­­do con los ojos del al­ma.‡

Luis Muñoz C/ Recodo Edificio Marimila Apt 1B Bella Vista. Santo Domingo. República Dominicana


NAKAUCHI, Julia. Pintora argentina, nacida en Buenos Aires. Destacable artista, Julia Nakauchi de inclina por la pintu­ ra orien­tal y sus laboriosas técnicas. Adquiere su formación pic­­tórica en el Taller "El Amanecer" junto a la profesora Ma­ría Elena D´Alessandro, con la que aprende el dominio de la acuarela con técnicas orientales. Más tarde, en el "Taller Diana C.", con a la profesora Dia­ na Car­delli, estudia óleo y acuarela. En los últimos años, ha participado en numerosas exposi­ cio­­­nes, comenzando a mostrar su pintura en el 2001 y con­tinuando imparable en la actualidad. Ha obtenido premios como la Mención Especial del cen­ tro Cul­tural Yukio Mishima, la Distinción Especial del Ju­ra­ do por la Modalidad Acuarela Oriental del II Concurso Li­bre Ex­presión Plástica RG en el Arte, o el Primer Premio del Con­­curso de Pintura Expresión Libre de las Organizaciones Cul­­turales GB. Sus obras integran colecciones y pinacotecas privadas en Ja­­pón, Caracas y en Cuba. "La lírica y la poesía están enmarcadas en el contexto plás­­ti­co de Julia Nakauchi, revelando una mística postura orien­talista", dictaminó, acertadamente, la crítica de arte Sil­­via Pellegrini. Julia Nakauchi rescata una técnica milenaria originaria de la Antigua China para obsequiarnos con sus obras, deli­ ca­­dos paisajes confeccionados a base de tinta china (sumi), tra­­bajada con pinceles de caña de bambú y pelo de carpin­ cho o jabalí, a los que posteriormente aplica el sutil color de la acuarela. El resultado es una impactante obra que nos remonta a tiempos y filosofías lejanas que hablaban de orden y equili­ brio, tan presentes en los paisajes de Julia, evanescentes co­mo un sueño, como la bruma del amanecer. Una pintura que parece desaparecer con un leve soplo de aire, y que sin embargo posee la solidez necesaria para llegar a afin­ car­­se en la memoria de todo aquel que ha mirado en el in­te­­rior de uno de sus cuadros. Ella misma explica su pretensión con la pintura: "llegar al cie­­lo que está aguardándonos detrás del cielo".‡

Julia Nakauchi Yerbal 1880, 5º P, Buenos Aires T. 54 11 4631-2423 Argentina

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NEYMAN Zerda, Alina. Pintora argentina nacida en Carmen de Patagones, Pro­vin­ ­cia de Buenos Aires, en 1934. Profesora de Bellas Artes (pintura) otorgado por la Es­cuela Pro­vincial de Bellas Artes "Tomás Cabrera" de Salta. También es titulada Maestra Normal Nacional por la Es­cue­la Normal Manuel Belgrano de Salta, y ha estudiado len­­­gua inglesa y francesa, contando con titulaciones en am­­ bos idiomas expedidos en Michigan, Estados Unidos y en París, Francia, respectivamente. Inicia su trayectoria expositiva en 1960 y ha participado des­­de entonces en gran número de salones y muestras, en su mayoría en su país, y recientemente, en el 2002, en la Ja­­dite Galleries de Nueva York. Ha obtenido multitud de premios, entre los que podemos des­­tacar el Primer Premio en el I Salón de Artes Plásticas pa­­ra el Ámbito Nacional otorgado por la Universidad de Sal­ ­ta, el Premio al Mérito Artístico instituido por ley Nº 6475 de 1998, otorgado por el Gobierno de la Provincia de Sal­­ta o el Gran Premio de Honor en Pintura en el XIV Salón de Artes Plásticas de la Provincia de Salta. Objeto de elogiosas críticas, la propia Alina resume su obra con sencillez y modestia: "lo mío es simplemente una fi­gu­ra­ción con gran abstracción". La obra de Alina Neyman toma la realidad para reducirla a pu­ra esencia, con limpieza lineal, claridad compositiva, y ab­­soluta desornamentación. Línea y color: no necesita más. Reconoce su único vínculo con la figuración en la ciudad de Salta, tema central de su obra, y asegura que, de no pin­tar su querida ciudad, se habría rendido a la abstracción. Esa abstracción se percibe, pero no llega a aflorar. Sus composiciones ensalzan la luminosidad de los blan­ cos, oponiéndolos a anochecidos cielos azules, rojos edifi­ cios que evocan el cálido sol del verano, y texturas que sur­gen del trabajo del color. Un homenaje a una ciudad que recoge en cada rincón, la historia de la que ha sido testi­ go.‡

Alina Neyman Zerda raul@zerdaprops.com Juramento 484, (4400) Salta Argentina

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NIERMAN, Leonardo. Artista plástico nacido en 1932 en la Ciudad de Méjico. Se gradúa en Bachillerato en Ciencias Fisicoma­te­má­ti­cas, rea­lizando posteriormente estudios sobre Psicología del co­lor y la forma de los cuerpos estáticos y en movimiento, con los que trata de fundamentar la relación entre el Arte Abs­tracto y el cosmos. En 1956 pinta un mural, su primera obra en una institu­ ción pú­blica, en la Escuela de Comercio de la Universidad Na­­­cio­nal Autónoma de Méjico, la cual le nombrará Miem­ bro Ho­norífico en 1960. En 1965 será nombrado Miem­bro Vi­­ta­licio de la Real sociedad de Artes de Londres, In­glaterra. Tras una larga serie de exposiciones en museos y galerías, sus esculturas, pinturas y tapices comienzan a ser coloca­ dos de manera permanente en museos, salas de uso públi­ co, universidades y ciudades, en ocasiones, como conse­ cuencia de su triunfo en concursos a nivel mundial. En 1989 realiza un tapiz para los Museos del Vaticano (Italia) y la escultura en bronce Flama de la Solidaridad, para la Ciu­dad de Monterrey, Nuevo León, Méjico. Su éxito se ex­­ ten­de­rá por todo Méjico, los Estados Unidos, y Europa, rea­li­­zando importantes obras y exposiciones, llegando hasta Ja­pón, con un políptico de seis imágenes para el Museo de ar­te de Nagoya y otro políptico de cuatro imáge­ nes para el Ins­­tituto de Arte de Tajimi. Entre sus numerosos premios y reconocimientos, pode­ mos ci­tar la Palma de Oro de las Bellas Artes de Mónaco, re­cibi­da en 1969 y de nuevo 1974 en la categoría de Mención Es­pecial, la medalla de Oro del Instituto de Arte de Chi­ca­­go, Illinois, de 1980, el Centauro de Oro de la Aca­ de­mia de Italia en Roma, la Medalla de oro del Parlamento In­­ter­na­cional de Seguridad y Paz de los Estados Unidos, la Me­­dalla al Mérito en Roma y muchas más distinciones y ga­lar­­dones. Pero sin duda, los más importantes fueron los pre­mios que hicieron posible que obras como Flama de la Es­pe­ranza o Flama de la Sabiduría puedan ser contempla­ das de manera pública, en Effingam, Illinois y en Mitchel, Da­ko­ta del Sur, respectivamente, poniendo al alcance de to­dos el genio y talento de este creador. Sus composiciones, do­mi­nadas por la abstracción y la vivacidad del fuego, aú­nan vi­talidad en una positiva línea sinuosa que asciende ha­cia los cielos, clamando importantes valores como espe­ ran­­­za o amistad.‡

Leonardo Nierman leonardonierman@hotmail.com Reforma 16-B San Angel (01000), México DF. México

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OLIVÉ, Tomás (El Joven) Nace en La Habana, Cuba, en 1958. Su vocación será la me­­jor herencia que le otorgue su padre, el renombrado es­cul­­tor Tomás Oliva, uno de los fundadores del grupo de Los On­ce. Se­rá en el taller de su padre donde desde niño tome con­ tac­­­to con el arte de la escultura, un interés con el que cre­ ce­­­rá hasta graduarse en la Escuela San Alejandro y más tar­de en el Instituto Superior de Arte, ambos en La Habana. Su va­lía será premiada con una beca de estudios que le llevará hasta Ucrania, donde se gradúa en el Instituto Estatal de Ar­­te de Kiev. La muestra escultórica de este reconocido artista se repar­ te por Cuba, Chile, Ucrania, Estados Unidos e India, donde se encuentran obras de gran escala. Trabajador incansable, lle­­gará a ocupar la cátedra de escultura de San Alejandro. Cuenta además con numerosas menciones y premios que re­­conocen su valía, como los primeros premios en el Pro­ yec­­to al Monumento a Alexander Pushkin y en el Mo­nu­ mento para el Hospital Salvador Allende, además de otros, va­­rios de ellos obtenidos en Kiev durante su estancia. In­culcado con el más absoluto rigor técnico, en su extensa tra­yectoria, Tomás Oliva ha experimentado con formas que van desde el realismo, dejándose conquistar más tarde por la magia del simbolismo y la abstracción hasta llegar a en­­ contrase a sí mismo, y abrir así las puestas a una fe católi­ca que tomará las riendas de su obra inclinándola hacia la te­mática religiosa. De sus manos nacerán formas poderosas de gran plasticidad y belleza que conectan con el es­pec­ta­ dor y le transmiten su mensaje, sus sentimientos en per­pe­tuo homenaje a la vida y a todo cuanto esta significa, que ya aparecen presentes en el más leve trazo de sus bo­ce­tos: una alegoría del dolor, el amor, la vida o la muerte, que rom­pe las barreras de un material para dominarlo y ha­blar­nos por medio de este. Dignas de mención son las puertas de caoba de la iglesia de Saint Andrew Parish, en Washington, un impecable tra­ ba­­jo de la talla y un esmerado estudio de perspectiva. Acostumbrado a comentar su obra, nos deja valiosos testi­ mo­­nios sobre sus creaciones y lo que a través de estas pre­ tende transmitir, "el propósito de mi arte no es placer, repo­ so, aceptación, reconocimiento; es lo ambiguo, lo in­quie­ tan­te. Es en esencia la autodescontextualización de una so­cie­dad "civilizada" en su intento por aparentar a ultranza una superioridad inexistente".‡

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ORTIGÜELA, Edelweis. Escultora nacida en Argentina, cuenta con un amplio cu­rri­­cu­­lum artístico. Poseedora de su propio taller privado des­­­de 1970, ha estudiado Esmaltes Cerámicos con Mirella Ba­­­glie­to, y ha realizado distintas investigaciones sobre His­ to­­­ria del Arte junto a Rosa Faccaro. Desarrolla también actividad docente como auxiliar junto a Mirella Baglieto y es profesora de escultura en la Ca­sa de la Cultura Marco del Pont. Más allá de su labor como artis­ ta, Edelweis ha enfocado su carrera en promulgar y dar a co­­­nocer la cultura artística en todos los medios divulgativos po­­sibles. Es conductora de su propio programa radiofó­­ni­co, "Edelweis y la Cultura", y ha hecho colaboraciones en tele­ vi­­­sión, enfocadas al mundo artístico. Así mismo ha par­ti­ci­ pa­do como crítica de Arte en los diarios "El Cóndor", "La Tri­bu­na", y "ACIM". Su valía ha sido objeto de numerosos y merecidos re­co­ no­­ci­­mientos, destacando los recibidos en 1991, que ascien­ den a once premios (cinco de ellos Primeros) en escultura en­­tre los que podemos citar el Primer Premio del En­cuen­tro Zo­nal de Artes Plásticas de Merlo, el Segundo Premio del Sa­lón de Invierno, Hurlingham, el Primer Premio del XXXIII Sa­lón Anual Centro Argentino de Arte Cerámico, el Pri­mer Pre­mio Secretaría de Educación y Cultura, Mu­ni­ci­pa­lidad Ge­neral Pueyrredón, por poner algunos ejemplos. Ese mis­ mo año sus obras fueron seleccionadas para nume­ro­sas ex­po­siciones destacando la Expo Sevilla 92, y para una muestra permanente de su obra por el Consejo De­li­be­ran­te de Bue­nos Aires, Argentina. Esta Institución le otorgó en 1993, una Gran Mención de Honor. Fundadora de la Asociación Maronense de Artistas Plás­ti­ cos de Morón, desde 1970 organiza muestras plásticas pa­ra artistas argentinos y americanos. La obra de Edelweis Ortigüela está muy vinculada al uso de la cerámica, además de trabajar metales y escultura en pie­­dra. Realiza una abstracción figurativa de asombroso re­fi­­namiento técnico y un exquisito acabado. El metal es tra­ta­do a modo de una armadura, configurando formas antro­po­morfas con ligereza de movimiento, siempre miran­ do ha­cia lo orgánico, en busca de una forma en la que prima la cur­va. Esta plasticidad en la curva aparece de nuevo en el tra­bajo del mármol, del que extrae pulidas formas que se aso­­man sin decidirse a escapar del bloque que las atrapa, en un contrate de texturas por las que resba­ la la luz, invi­tan­­­do a ser acariciadas.‡

Edelweis Ortigüela ortiguel@dynamo.com.ar Arias 2476 (1712) Castelar. Buenos Aires. Argentina

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OVIEDO, Ramón. Pintor nacido en Barahona, República Dominicana, en 1924. Ramón Oviedo, nombrado por el Congreso de la Re­pú­ blica Dominicana "Maestro Ilustre de la Pintura Do­mi­ni­ca­ na", se inicia en las artes pictóricas de manera autodidacta. Paralelamente a su carrera como pintor, destaca también por su compromiso político, por el que mantendrá amistad con el Profesor Juan Bosch, Presidente de la República, y se unirá al movimiento constitucionalista que reclama el retor­ no de la democracia de su país enfrentando a los invasores. A lo largo de su intensa carrera, ha cosechado importantes pre­mios, como el Primer Premio de Pintura que se realiza en me­dio de la Revolución, con su obra titulada "24 de Abril", considerada por muchos como la obra maestra de la pintura do­minicana. Entre otros reconocimientos, ha sido considera­ do por el Almanaque Mundial como el más cimero de los pin­tores dominicanos, condecorado por el Gobierno Do­mi­ ni­cano con la Orden al Mérito de Duarte, Sánchez y Mella, y más recientemente, en el 2002, como "Caballero de las Ar­­­­tes y las Letras" por el Ministerio de Cultura y de Co­mu­ni­ ca­ción del gobierno Francés. Su obra ha sido expuesta en importantes salas y museos en La­tinoamérica, Francia, España, Brasil, Estados Unidos o Ita­ lia, países en los que además forma parte de las más presti­ gio­­sas colecciones. Gran muralista, cuenta con diferentes monografías así co­mo vídeos dedicados a su obra, y ha recibido importantes ho­menajes, dada la admiración que suscita, siendo el último de ellos llevado a cabo por la Asociación de Pintores de San Cris­tóbal, República Dominicana, en el pasado año 2002, don­de más de 20 pintores de esa ciudad retrataron al Maestro en presencia de las autoridades civiles. El propio Maestro Oviedo se define a sí mismo como "un pin­tor humanista, ya que en todas mis obras trato del ser hu­ma­no o lo que le rodea". La obra de Ramón Oviedo es el más puro reflejo abstracto de los sentimientos humanos. La destreza de su mano y su ta­lento, hacen posible una obra donde la expresividad pal­ pita en cada color y pincelada, dando lugar a unas magistra­ les composiciones envolventes que nos arrastran como un re­molino hacia la imparable imaginación de este gran Maes­ tro y artista.‡

Ramón Oviedo antonio@ocana.com República Dominicana

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PEGO, Teresa Lucía. Artista plástica nacida en Buenos Aires, Argentina, ciudad en la que se licencia en Geología y Química en la Facultad de Ciencias Exactas. Interesada desde siempre por el mun­do del arte, y ante la necesidad de expresarse por medio de es­te, opta por recibir formación en las técnicas pictóricas. Así es­tudiará dibujo con el maestro Atilio Laguzzi, pintura jun­to a Luis Felipe Noé y José Iglesias, y finalmente grabado, espe­cia­­lizándose en aguafuerte, con Cristina San­tan­der. A raíz de es­tos estudios y del contacto con el taller de los artis­ tas con los que se forma, Teresa Pego inicia su propia obra pictórica, y en 1997 inicia una serie de exposiciones que se prolon­gan hasta la actualidad, a medida que su creación va en im­pa­rable aumento. Sus exposiciones se sucederán tanto de manera nacional co­­mo internacional, llegando hasta Italia, Suiza, Grecia, Bra­sil, Siria, España, Alemania, Estados Unidos... recorrien­ do un am­plio itinerario donde muchas de sus obras serán ad­qui­ri­das para formar parte de colecciones privadas. También galardonada con premios y menciones, cuenta en su haber con el Primer Premio Internacional Maimeri, o­tor­ga­do por la Muestra en Memorial de América Latina 2001 en San Paulo, Brasil. La obra de Teresa Pego pasa por el trabajo en papel, pero sin duda la técnica en la que más se ha centrado y que ocu­ p­a el más importante porcentaje de sus creaciones es la pin­tu­ra al óleo sobre lienzo. Se recrea principalmente en el gé­ne­ro del bodegón o naturaleza muerta, de manera realis­ta y equi­librada composición. Tradicional en el uso de elementos, destaca el naturalismo con el que trata los objetos, la diferenciación de materiales y texturas: el tratamiento del vidrio, de los pliegues, de los me­­tales, de las frutas y las flores... en todo momento se po­ne de manifiesto un ojo experto y observador en perfecta co­ne­ xión con el pincel. La luz que irradia el lienzo, la utili­­za­ción de blancos, la pincelada larga y suelta, se convierten en re­cursos que aportan gran modernidad permitiendo que el gé­nero avance y no quede anclado en el característi­­co cla­ ros­­­curo de tiempos pasados. Teresa Pego hace gala de una pul­cra técnica con la que saca lo mejor de sí mis­­ma, rein­ ven­tando un género agradable y sincero trabajado es­plén­di­ da­mente.‡

Teresa Lucía Pego teresapego@hotmail.com Beruti 4565 Piso 9ºB, (1425) Buenos Aires Argentina

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Durante su extenso periodo de formación, Pannier reali­ za distintas actividades que le ponen en contacto con re­­ nom­brados artistas, con los que tendrá ocasión de mante­ ner amistad e intercambiar impresiones. Así, entre 1973 y 1978, en la Escuela de Bellas Artes de Angers, mantendrá contacto con Gleb, Gau-Garriga y Morellet, y llega a reali­ zar obras bajo la supervisión de Gina Pan, Michel Parré (miembro del Grupo Malassis), o Christian Zeimert (Grupo Pá­nico). En esa época, siente un interés personal por la obra de Daniel Tremblay y la tendencia de las instalaciones ar­tísticas, que marca de algún modo sus creaciones en ese pe­riodo. A medida que Pannier colabora intensamente con el mo­vi­miento artístico del que se ve rodeado, su reputación irá for­jándose de manera estable, lo que le permite ejercer co­mo Jurado de Diploma, y colaborar en novedosas ex­pe­ rien­­cias como la lectura del Tarot con Alejandro Jo­do­rows­ ky, miembro del Grupo Pánico. En 1983, mientras se encuentra estudiando en La Sor­bo­ na, obtiene la distinción como mejor alumno de Paul-Ar­ mand Gette y de Jean Laude, distinción que pone de mani­ fiesto su innegable talento y su espíritu de trabajo. Durante esa época, no faltan lo contactos con el profesor Joël Stein

PANNIER, Luis. Artista plástico venezolano nacido en Madrid, España, en 1953. Con una amplia formación artística tomada a lo largo del mundo, sus estudios Superiores dan comienzo en la Uni­ ver­sidad Hebrea de Jerusalén, en 1972. Posteriormente, un año después, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de An­gers, Francia, en la que durante cinco años desarrolla gran par­te de su talento artístico, para continuar con su incansa­ble formación. Entre 1982 y 1984, estudia en la Universidad de La Sor­ bo­na, de París, estudios que compagina asistiendo también a la Facultad de Letras de la Universidad de Angers, entre 1983 y 1984. A un tiempo, Luis Pannier asiste a diversos cursos y talle­ res, entre los que podemos destacar los realizados en la Ro­yal Academy, Alexander Palace, Kingstone y Middelssex Po­litechnic School de Londres, el seminario en Alemania con Fritz Schleger, Lindhanrt Monkowitz y los artistas fran­ ce­ses Rolland Balladi y J. P. Cognée. Su valía artística además, le proporcionará el privilegio de entrar por concurso en el taller de dibujo de Edgar Sán­ chez. AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 108 -


(ini­ciador del cinetismo), Bernard Teyssèdre, Fred Forest y Mi­chel Journiac. Tras sus años de formación académica, obtiene tres de­s­ ta­­cables títulos: en 1978 el Diploma Nacional Superior de Ex­presiones Plásticas (DNSEP), en 1983 la Licenciatura en Cien­cias del Arte y Artes Plásticas y en 1984, la Tesis Doc­ to­ral sobre la Representación del Cuerpo, dirigida por Jean Ru­del y Annete Malochet. En la actualidad, Luis Pannier es profesor en la Escuela de Bellas Artes de Martinica, Venezuela. Ha realizado innumerables exposiciones y cuenta con im­portantes premios como la Mención del I Salón de Re­n­ nes o el Primer Premio de Pintura Cristóbal Rojas de Ca­ra­ cas, entre otros. Pannier define la pintura como "la repetición teatral de lo real, una manera de descender en sí mismo en busca de esa "otra" realidad que no logramos alcanzar". Su extensa obra navega en un continuo homenaje a las grandes figuras del Arte Contemporáneo, factible por ejem­ plo, en su Instalación "Sans Chau Sure", en la que nos in­tro­ ducía a un micromundo poblado de iconos contempo­rá­

neos. En su obra pictórica, también encontamos esa influencia, reflejada en ciertas afinidades con Toulouse Lautrec, con sus hombres rescatados del decadentismo. Su trazo pic­tórico presenta la soltura de su completa forma­ ción, de sus años de trabajo. Pannier sabe obtener texturas y enri­que­cer con ellas su obra, haciendo también uso de un co­lor en estado puro. Amigo de acompañar sus creaciones con lemas, que por otra parte, las enriquecen, se percibe en sus creaciones una cierta utilización de la memoria histórica y los mitos del pa­sado, para referirse al futuro. Así, en su serie "Memoria Ca­nibal", podemos percibir un tributo a los antepasados que delata una crítica ante la destrucción del hombre por el hombre, contenida en sentencias como "lo mío es des­ tro­zar mi ego con egoísmo" o "sigue soñando", en cual­ quier caso, una visión apocalíptica en la que este artista ha­ce que aprendamos la lección.‡

(Venezuela- Francia) luispannier@hotmail.com Association Artel 27 Bd. De Verdum 97200 Fort De France. Tel: 0596.60.64.94 / 0696.33.58.41

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PERDOMO, Félix. Pintor nacido en Santa Teresa del Tuy, provincia de Edo, Miranda, Venezuela, en 1956. Cursa estudios en la Escuela de Artes "Cristóbal Rojas", y pos­teriormente Arte en el Instituto Universitario Pe­da­gó­gi­ co, ambos de Caracas, Venezuela. Continuará su formación en Nueva York, en el Instituto de Arte Contemporáneo PS1. y tomará cursos de espe­cia­li­za­­ ción en Historia del Arte en Francia. Desde 1979 hasta la actualidad su obra pictórica ha sido mos­trada en más de cincuenta muestras y exposiciones in­di­­viduales y colectivas, dentro y fuera de su país, llegando has­ta Brasil, Suiza, Ecuador, Colombia, Italia, Argentina, Mé­jico o Estados Unidos. Así mismo, ha recibido premios y reconocimientos como el Premio de pintura Rafael Ramón González en la IV Bie­ nal Nacional de Artes Plásticas de Puerto La Cruz, An­zoa­te­ gui, Venezuela, ha sido galardonado con el Programa PS1, del Museo del Instituto de Arte Contemporáneo de Nue­va York, el Segundo Premio de la III Bienal Inter­na­cio­nal de Pin­tura de Cuenca, Ecuador, o el Segundo Pre­mio de la I Bie­nal de Artes Visuales Christian Dior de Caracas, en­tre otros. Su particular creación y su propio alfabeto de minúsculos objetos cotidianos, le han valido palabras como las de Víc­ tor Guédez: “sus tazas promueven un doble sentido de ano­ di­no objeto utilitario y de símbolo pictórico y polisémi­co. Es di­­fícil dejar de sentir una dosis de nostalgia e ironía en di­chos referentes”. Félix Pérdomo trabaja el lienzo con la dedicación de quien configura un firmamento en el que posteriormente clava sus pequeñas constelaciones de tazas y botellas, con las que forma composiciones. a veces esmeradas, y otras con el un sencillo trazo abocetado, como si se tratasen de un apunte que alguien decidió escribir sobre la trabajada su­perficie de su obra. Destacan las texturas, el uso de mate­ ria­­les variados que aportan siempre su carácter, que dejan su huella y confeccionan ese inmenso territorio donde los objetos aparecen tímidos e intensos, lejos del bodegón, ol­vi­dados en mitad de un desierto, quizás esperando que al­guien beba su contenido.‡

Felix Perdomo (Galería Millenium - Venezuela) gonzalomontero@supercable.net.ve Av. Luis de Camoens Ctro. Clover (1081) Caracas Venezuela

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PLA, Eduardo. Artista virtual nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1952. Interesado por las nuevas tecnologías, Eduardo Pla realiza nu­­­merosos estudios relacionados principalmente con las co­mu­­nicaciones audiovisuales y el cine. Esta formación se re­par­­te entre Buenos Aires, Los Ángeles (USA) y Milan (Ita­ lia). En Buenos Aires se diploma en Electrónica para las co­mu­ni­ca­­ciones, y realiza cursos de Arquitectura y Diseño Ur­ba­no, de Comunicación Audiovisual, Dirección de Teatro jun­to a Jai­­me Kogan y Creación de Guiones Cinema­to­grá­fi­ cos. Con­ti­­núa en Los Ángeles con cursos de Cine­ma­to­gr­a­fía, de Vi­deo­­­­graphics y Animación por ordenador. En Milan es­tudiará Mul­­timedia y ralidad virtual y un Máster en Di­­rec­ ción Artís­ti­­ca. En total podemos contar veinte años de for­ma­ ción com­pa­­­­ginados con variados trabajos siempre aso­cia­­dos a sus es­tu­­dios, que sin duda avalan la larga experiencia de este inno­va­­dor artista. Ha producido y dirigido pro­gramas de radio, films y vídeos, organizado conciertos de música contempo­rá­­nea, coordinado prensa, realizado vi­deo­pro­duc­ cio­nes, ha si­­do diseñador gráfico, y dado clases y conferen­ cias so­­bre di­­seño gráfico, y también ha sido or­ganizador de eventos cul­­turales. Cuenta además con una ex­tensa obra que ha mos­trado en multitud de exhibiciones y exposicio­ nes, imposibles de enumerar por falta de espacio, con la que ha obte­ni­­­­do distintos premios como el Pre­mio Imagine 1992, Cana­le 5, en Milán, Italia o el Premio Art Addiction de Estocolmo en el Autmn Annual en Venecia, Italia, por la obra "Damero". En su extensa e incansable trayectoria artística, ha re­co­rri­ do Italia, Francia, Estados Unidos y China. La obra propia obra de Eduardo Pla denota un infatigable y apa­­sionado creador que mira hacia el horizonte, para avan­zar en todo momento y hacer de sus creaciones pura in­no­­va­­­­ción. Amigo de los iconos: Jesucristo, Gardel, Evita Perón... con­ fec­­­­­ciona imágenes a base de mosaicos digitales que surgen de sí mismas, como si el destino final de todas ellas fuese dar for­ma a un espíritu. Destaca un profundo interés por el Op Art, rescatando un jue­­go visual que Eduardo estudia y explo­ ra, combinándolo con las nuevas tecnologías para otorgarle nuevas posibilida­des. Siempre investigando en las más novedosas técnicas artís­ ticas, tiene una amplia creación también en video, además de instalaciones. Creaciones en perpetuo desarrollo, fruto de un artista incombustible que crece día a día, al igual que los Eduardo Plá epla@eduardopla.com.ar J. M.Gutierrez 3967 (1425),Capital Federal. T. 4801-8453 Argentina

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POLESELLO, Rogelio. Pintor nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1939. Su formación artística da comienzo en la Escuela Na­cio­ nal de Bellas Artes Manuel Belgrano. Posteriormente, en 1958, se gradúa Profesor de Dibujo e Ilustración en la Es­cue­la Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredon, am­bas escuelas en Buenos Aires, Argentina. Ya en 1961 tiene lugar su primera exposición individual, con­cretamente en el Museo de Bellas Artes de Caracas, Ve­ne­zuela. a esta exposición le seguirá una larga trayectoria de muestras individuales y colectivas con las que su obra re­co­rre Argentina, Méjico, París, España, Colombia, Estados Unidos y Brasil, forjándose un merecido renombre artísti­ co. Ha obtenido galardones entre los que podemos destacar el Primer Premio George Braque, en el Museo Nacional de Be­llas Artes de Buenos Aires, el Primer Premio de Honor y Gran Premio de Honor del LXXVII y del LXXXI Salón Na­cio­ nal de Artes Plásticas, Salas Nacionales de Exposición, o el Pri­mer Premio Mural INET (Instituto Nacional de Educación y Tecnología) del Museo Nacional de Bellas Artes de Bue­ nos Aires, entre otros. Su obra forma parte de importantes colecciones, como el Mu­seo Guggenheim de Nueva York, en Museo Nacional de Be­llas Artes de Buenos Aires, el Museo de Arte del Bronx de Nue­va York, o el Museo Rufino Tamayo de Méjico. Su pintura ha cosechado comentarios y críticas como las de Lu­cas Fragasso, con motivo de su exposición en el Mu­seo Jo­sé Luis Cuevas, en Méjico: "Las obras plásticas de Ro­ge­lio Po­lesello, allí donde sorprendan la mirada, tienen siem­pre la peculiaridad de teñir nuestra experiencia estética de to­nos familiares". La obra de Rogelio es cuidada composición y excelente do­minio técnico. Dominada por la abstracción y el geome­ trismo, crea juegos ópticos de gran expresividad, donde los elementos se necesitan unos a otros, se ensamblan, para dar lugar a un ritmo único. El color contribuye a esta particular vi­sión y es dominado con la precisión de la que su obra re­quiere, para dar lugar a unos acabados que escapan de la con­c­iencia de la mano creadora.‡

Rogelio Polessello polesello@fibertel.com.ar Virrey Avilés 278, (1426) Buenos Aires Argentina

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POLOTO, Silvia. Artista plástica natural de Brasil. Licenciada en Ingeniería eléctrica por la Universidad de Sao Paulo, y tras trabajar como tal al mismo tiempo que ob­te­nía en segundo grado de esta licenciatura, Silvia se trasla­da a san Francisco, dejando de lado la ingeniería para vo­lar­se en su verdadera pasión: el arte y la creación artísti­ ca. Co­mienza así una intensa y prometedora carrera como pin­to­­ra y escultora, mediante la que esta artista da rienda suelta a su capacidad creadora. Ha ejercido la docencia como ins­tructora del departamento de Escultura del City College de San Francisco. Su obra se ha mostrado en cerca de cincuenta exposicio­ nes colectivas y en más de dieciocho individuales, y ha ob­te­nido premios como la Mención de Honor de la I Bienal de Escultura Santa Cara, llevada a cabo por la ciu­ dad de San­ta Clara, donde también recibió el Premio al Mérito del ju­rado en la exhibición de la Liga de Arte de Santa Clara y ha ganado el Concurso de Escultura de Estados Unidos pro­mo­vido por el comité de Artes y Cultura Foster City, entre otros galardones. Forma parte también de importantes colecciones públi­ cas y privadas, en Estados Unidos, Europa y Australia. Creadora de plásticas esculturas en metal, cemento, y otros materiales, que desafían la ley de la gravedad y con­ tie­­nen un ritmo interno, al compás del cual parecen mover­ se, sus obras pictóricas no tiene nada que envidiar. Silvia Poloto configura coloristas series de planos super­ puestos y viveza cromática sobre los que escribe y ensaya le­tras, atisbos de escritura experimental e infantil que dela­ tan su ávido espíritu. Un espíritu que no ha perdido las ga­nas de soñar, la capacidad de inventiva, la fresca imagi­ nación de la niña que vive en ella, que experimenta, que ob­ser­va con ojos audaces. Así sus lienzos retienen toda la frescura de unos trazos apa­rentemente espontáneos, pero que esconden una gran ca­pacidad de racionalización, de comunicación con la fo­r­ ma y de trabajo. El trabajo que ha hecho que Silvia Poloto triunfe con su vocación y talento más profundos y con los que mejor se sabe expresar.‡

Silvia Poloto (Brasil,USA) 442 Shotwell St, San Francisco. California, CA 94110 USA

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POMBAR, Marina. Escultora nacida en Detroit, Michigan, de padres cuba­ nos. Su formación artística da comienzo en Méjico, en primer lu­gar en la Escuela de Artesanías Mejicanas, y posterior­men­ ­te en la Academia de San Carlos. Comienza así una reconocida carrera artística que la lle­ vará a mostrar su obra en importantes exposiciones y even­ tos que pronto darán a conocer a la artista como una reputa­ da escultora, por lo que llegará a hacer retratos y bustos para dis­tintas personalidades de la política, el arte y esculturas pa­ra homenajes a celebridades del mundo taurino, como Eloy Ca­vazos o Arturo Gilio. Así mismo, cuenta con una escultura expuesta de manera permanente en el parque de Abraham Lin­coln, en Polanco, Mejico, y otra en el parque de Carol Ga­tes Throop en Missouri, Estados Unidos. Entre los premios con los que ha sido galardonada, pode­ mos destacar el premio Italia per l´Arte 2000 en la Vetrina In­ter­nacional de Artistas Latinomaericanos, de Florencia, Ita­ lia. De esta misma exposición será seleccionada para la Bie­nal del 2001. Marina Pombar trabaja sus esculturas en arcilla, que pos­ te­­riormente es fundida en bronce mediante la técnica de la ce­­ra perdida. Esta técnica le permite crear formas ligeras y de gran movimiento, con riqueza de texturas que el bronce re­pro­duce a la perfección. En su mayoría son obras de pe­que­ño tamaño, de estilo figurativo y muy detallistas, con cui­da­do­sos acabados. Gusta de jugar con las texturas, originando contrastes plás­ ti­­cos o dejando sensación de obra inacabada. Destaca su mo­­­­vi­miento y ligereza compositiva, y principalmente el tra­­­ ba­jo de los rostros, que evidencia su talento como retra­tis­­ ta. Se vuelca en los sentimientos, busca en cada gesto una ex­pre­­sión de estos, y así sus figuras se convierten en alego­rías que encarnan lo etéreo del sentimiento para darle for­ma, un sentido que el espectador comprende y siente afín a sí mis­ mo. La obra de Marina Pombar es grácil y expresiva, cargada de esa sutileza conmovedora que convierte una obra de arte, en al­go cercano y de fácil comprensión, por su captación de la be­lleza de cada momento o gesto que recrea con sus

Marina Pombar marina_pombar@hotmail.com Jalapa 51, Dept 804 Colonia Roma, 06700 Mexico DF (Entre Durango y Puebla) México

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PONCE HOFFMANN, Juan de Dios. Pintor mejicano nacido en Guadalajara, Jalisco, en 1969. Atraído por el arte en general y la pintura en particular, Juan de Dios, no conforme con su propio empeño creativo, siente la necesidad de recibir formación artística, para lo que, en busca de un aprendizaje individualizado, acude al ta­­ller de sus maestros, donde obtiene el más directo contac­to con el entorno de la creación. Estos maestros se­rán, en pri­mer lugar, Ramiro Torre Blanca, durante el periodo comprendido entre 1994 y su fallecimiento, en 1997, mo­mento en el que ingresa para continuar sus estudios, en el taller de la pintora Tony Guerra, permaneciendo a su la­do hasta 1999. Se concreta así un periodo de más de once años intensa crea­­ción, en los que se irán alternando las exposiciones en las que da a conocer su obra, destacando entre estas, la ex­po­­sición individual en la Galería Gora, en Montreal, Ca­na­dá, y la Exposición Colectiva Suma Pictórica, de carác­ ter in­ter­nacional, en el Museo de las Artes de Guadalajara. Juan de Dios Ponce trabaja los grandes formatos, con una obra expresiva y personal con la que se acerca a la caricatu­ ra y al mundo de la ilustración. Sus personajes son extraños, quizás sombríos interiormen­ te, por lo que son siempre introducidos en mundos coloris­ tas e imaginativos, rodeados de estrellas o de flores hum­a­ni­ ­za­das, como extraídos de la fantasía de Lewis Carroll, don­de la línea curva es una constante que genera dinamismo y aporta connotaciones oníricas. Con un estilo muy ca­rac­te­rís­ ti­co y reconocible, da forma a sus cuadros mediante una pin­celada suelta y expresiva, directa. Introduce tex­tu­­ras, de­ta­lles, estampados, a base de pureza de color y buen trazo en el dibujo. La obra de Juan de Dios Ponce Hoffmann tiene la capaci­ dad de desconcertar y conmover mediante la tragedia y la lo­­­cura, así como una gran capacidad imaginativa y crítica que refleja en su obra bajo apariencia ingenua, pero con car­ga interior.‡

Juan de Dios Ponce Hoffmann ponce@itesm.mx Frías 752. Esquina Jesús García.(44620) Guadalajara Jal. México.

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PRATS, Carina. Pintora nacida en 1972 en la ciudad de Rosario, provin­ cia de Santa Fe, lugar donde reside en la actualidad. Su formación académica se irá afianzando, a medida que Carina toma clases particulares de pintura y acude a diver­ sos talleres de artistas de renombre, así como profesores de Be­llas Artes, con quienes aprende el manejo de las técnicas para desarrollarlo, posteriormente y de manera individual en su propia obra. Carina Prats ha realizado numerosas exposiciones, en su ma­yoría en la ciudad de Rosario, dándose a conocer con una cuidada pintura a base de técnicas mixtas y óleo traba­ ja­do con pincel o espátula sobre lienzo. Aficionada también a las letras, Carina gusta de acompa­ ñar su obra pictórica con sus propios pensamientos, dando lu­gar a un complemento que contribuye a remarcar lo ex­pre­sado en sus cuadros. Así, podemos rescatar sus pala­ bras "mi deseo no es sólo que puedan llegar a mi mundo interior, sino a asomarme al del observador de mis cuadros para promover sus propias fantasías "sentires" y movimien­ tos". La pintura de Carina Prats, de pincelada impresionista y alegre uso del color, tiene la propiedad de retener la luz de la na­­turaleza, y emanarla posteriormente por sí misma ante

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el es­­pectador. Su cromatismo vi­vo y vi­brante, potencia los co­lo­res natura­ les y los carga de en­sueño, convir­ tiendo los cie­los azules en aún más azu­les, las playas de arena en ana­ ran­jados te­rritorios, los verdes cam­ pos en múl­tiples ma­tices co­loristas. In­tro­du­­­ce, además, un juego de lu­ces y som­bras que apor­ta na­tu­ra­lis­mo y pro­fun­­­­didad a la imagen, ha­cien­do que en ese contraste la luz re­­sal­te, se ha­ga aún más cálida y lu­­mi­nosa. Observando su obra, se com­­­ prenden los versos que de­­­di­có a esta artista Juan Pa­blo Fu­ria­sse: "...Los pinceles de tus de­dos por atriles van cantando las canciones de tu vida, los dolores, el talento y tu encanto..."‡ Carina Prats (Argentina info@carinaprats.com.ar Av. Guillermo Wheelwright Nº 1787 Piso 7 Dpto. 3 (2000) Rosario, Provincia de Santa Fé. ARGENTINA T. 0341-4402445


PUCHALT, Paco. Pintor español, nacido en Valencia en 1951. Aficionado al dibujo y la pintura desde su infancia, irá sa­can­do poco a poco su vocación de forma personal, al no te­ner opción de recibir formación académica alguna. El mo­ti­vo no es otro que los continuos traslados de domicilio a los que se ve sometido durante su juventud, que le obligan a mo­verse por distintas ciudades de la geografía espa­ño­­la: Ma­drid, Zaragoza, Ávila... impidiéndole el asentamiento nece­sa­­rio para llevar a cabo una dedicación profe­sio­nal enfocada hacia el arte. Finalmente fija su residencia en su ciudad natal, y allí centra su valía en investigar hasta dominar de manera autodi­dac­ta la pintura al óleo. Considerado por sí mismo un perfeccionista, se vuelca por completo en su obra hasta resolver el más mínimo detalle, lo que da lugar a una complicada y detallada pintura en la que se refleja el disfrute del autor. Desde 1993 ha realizado numerosas exposiciones, en su ma­­yor parte por tierras valencianas, donde ha participado en im­portantes eventos, como la Feria internacional del Ar­te de Va­lencia INTERART. También ha llegado hasta Cata­lu­ña, con muestras en Barcelona y Tarragona. La pintura de Paco Puchalt está realizada con minuciosi­ dad flamenca, con asombroso realismo y fidelidad al mo­de­ lo. Se recrea en la naturaleza muerta y la trata con gran rea­lismo. Derrocha capacidad técnica en el tratamiento de las su­perficies: lozas, cerámicas, vidrio, metal... increíble­ mente reales, como reales son sus afamados ta­pe­tes, la­bores

de artesanía fuera y dentro del cuadro, que Paco elabo­ra cambiando la aguja por el pincel, su me­jor ar­ma. Destaca el tratamiento de los fondos neutros, en cla­roscuro, que po­ten­cian la composición y son crea­ dos a base de una domi­ nada mancha pic­tórica. Su obra es intimista, so­se­gada. Habla de tiem­ pos pa­sados, tiempos sin prisas en los que cada labor re­quería su tiempo, a base de trabajo y esmero para obtener el mejor re­sul­­ta­­do. Un gran resul­ta­ do que este artista ob­tie­ne a base del ex­q­uisito ma­ne­ jo del pincel.‡

Paco Puchalt ppuchalt@hotmail.com c/ Oasis 14 , (48183) L´Eliana, Valencia España

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PUJIA, Antonio. Escultor nacido en Polia, Italia, en 1929, y residente en Ar­gentina desde 1937, adquiriendo la nacionalidad en 1956. Inicia su formación artística junto a los maestros Trioano Troi­­nani, Alfredo Bigatti y José Fioravanti. Posteriormente acu­­de a la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Puey­ rre­dón, en la que se gradúa Profesor de Dibujo, y a la Es­cue­ la Nacional Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cár­cova, en la que consigue el Título de Profesor de Es­cultura. Ejerce como docente, llevando las cátedras de Escultura de las Escuelas Nacionaled de Bellas artes Prilidiano Puey­ rre­dón y Manuel Belgrano, y como profesor privado desde la Es­­cuela Taller de Escultura de la que será fundador. Tam­ bién da­rá clases en la Escuela Superior Ernesto de la Cár­co­va y ejer­cerá como escultor escenógrafo en el teatro co­lón de Bue­nos Aires, además de presidir la Asociación de Ar­­tistas Pre­miados Argentinos. Gran viajero, recorre Italia, Francia, España y Portugal en dis­­tintas ocasiones, y llegará hasta Australia, trabajando y mos­­trando su obra en Sydney. Además de participar en diferentes e importantes exposi­ cio­­­nes por todo el mundo, Pujia cuenta con importantes dis­tin­ciones como el Primer Premio del Salón Anual Meeba de 1950, el Gran Premio del salón Municipal Manuel Bel­ grano en 1958, el Premio Fondo Nacional de las Artes Au­gus­to Pa­lan­za 1964, o el Premio adquisición Gobierno de San­­ta Fe, 1981, entre otros, siendo nombrado, en 1982 Ca­ba­llero de la Orden del Mérito de la República Italiana. Él mismo ha sido creador de importantes premios, trofeos y medallas para destacables acontecimientos llevados a ca­bo en la provincia de Argentina. Antonio Pujia aparece en sólo en una amplia bibliografía si­­no que también cuenta con dos cortometrajes documen­ta­ les: "Antonio Pujia" y "Pujia y la Danza". La obra de este artista se centra en la figura humana, den­ tro de la figuración, tratándola con gran expresividad. Parte del sentimiento, que es recogido por la materia: bronce, már­­mol... no importa, para dotarla de vida, de sufrimiento, de amor, de dolor o tragedia, pero siempre en una tensión dramática que extrae del material su propia alma, para in­tro­ ducirla en los seres que crea, para que habite en ellos y así nos hablen de tú a tú.‡

Antonio Pujía T./Fax 54 11 4671 8769 Gualeguaychú 16, (1407) Buenos Aires Argentina

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QUILICHINI, Patricia. Escultora nacida en Hato Rey, Puerto Rico, en 1955 y residente en Alpharetta, Georgia, Estados Unidos. Además de las Artes Plásticas, Patricia Quilichini siente gran inclinación por la música y la danza. Se forma en la Es­cuela de Arquitectura de la Universidad de Puerto Rico. Un año más tarde, parte a Méjico para estudiar Ciencias So­ciales, Políticas y Humanas en el Colegio Madrid. Tras su gra­duación, comienza a estudiar arqueología en el Instituto Na­cional de Antropología e Historia. Su formación plástica co­rre a cargo de los Cursos del Colegio de Arte de Atlanta, y posteriormente con la escultora Bárbara Rheingrover en el Instituto de Tecnología de Georgia. Pese a que la mayor par­te de su formación escultórica tiene lugar en Atlanta, otros cursos de escultura los recibe en Piedrasanta y en Tus­ ca­ny, Italia. Miembro del Club Artístico de Atlanta, su nombre está re­gistrado en el Registro Artístico de Atlanta y en el Museo de Ar­te Contemporáneo de Puerto Rico. Ha participado en numerosas muestras y exposiciones y su obra forma parte de colecciones privadas en Puerto Ri­co, Méjico, Francia y Estados Unidos. Patricia Quilichini da forma a sus creaciones, a partir de dos materiales principales que en ocasiones se combinan entre sí: el vidrio, soplado y moldeado, y el Mármol talla­ do. Formalmente tiende a la abstracción y a la figuración es­tilizada, trabajada con cierto primitivismo, especialmen­ te en el caso de la piedra, con la que se permite trabajar for­mas rotundas o dar el protagonismo a la no-forma: el hue­co. El vidrio, por el contrario, es un elemento más ver­ sá­­til del que Patricia extrae formas de mayor organicidad for­mal. tiene además la capacidad de introducir luz en la obra, así como dispersarla, favoreciendo a la plasticidad, y dan­do ligar a acabados de resultados espectaculares. No faltan en sus esculturas los juegos texturales, que surgen de la propia materia individualmente, o al combinar am­bas, una mezcla entre transparencia y opacidad muy evo­cadora de la que Patricia Quilichini obtiene óptimos re­sultados, configurando una obra fresca, novedosa y con una personalidad incapaz de dejarnos indiferentes.‡

Patricia Quilichini pquilichini@hotmail.com 3133 Long Indian Creek Ct. Alpharetta, GA 30022 USA

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RAMÍREZ Saavedra, Ricardo (Rasaa) Pintor peruano natural de Jayanca, Lambayeque. Graduado en Ciencias Contables por la Universidad Na­cio­nal Pedro Ruiz Gallo de Lambayeque, Perú, Ricardo Ra­mí­rez Saavedra, "Rasaa", estudió también piano en la es­cue­la Superior de Música especializada de Chiclayo, Lam­ ba­yeque. Su formación artística tiene lugar mediante su asistencia a dis­­tintos talleres de escultura, en el Instituto Nacional de Cul­­tura de Chiclayo, y de pintura en la Escuela de Bellas Ar­tes y Museo Nacional de Lima, Perú. También estudió Di­bu­jo, en un curso por correspondencia, impartido por la Es­cue­la Panamericana de Argentina, pero la mayor forma­ ción es la que obtiene, de manera autodidacta, a base de in­vestigación y de trabajo personal. Ha expuesto su obra en numerosas ocasiones, principal­ men­te en Lima, donde varias de sus obras se pueden admirar en el Gran Hotel de Chiclayo, en el Hotel Paracas y en el Ho­tel Joel. Muchas otras se encuentran repartidas en lu­ga­res co­mo Costa Rica, Paraguay, España y Alemania.

Su dominio del óleo se refleja en cuanto es capaz de realizar una ma­gis­ tral copia de la obra "Los Niños co­miendo Fru­ta" de Murillo, pintor por quien reconoce estar influído y al que no tiene necesidad de envidiar. Clasicismo y costumbrismo se aúnan en la pintura de este ar­­tista, para dar lu­­gar a escenas de un detallismo y pre­ cisión abru­madores. Se mueve con soltura por el paisaje, por los ros­­tros, por los in­teriores, en los que recrea luces y som­­bras con total naturalismo. Tam­­bién trabaja el bodegón, don­de una vez más refleja su gusto por los autores clá­sicos de cui­da­­­da pincelada y buena ob­servación de la naturaleza. Su pintura deja un regusto a tiempos pa­sados, rescatando esos valores clá­ sic­os que no debemos olvidar en estos tiem­­pos de vanguardia.‡

Actualmente es el pintor oficial del Rotary Club de La Mo­li­na en Lima. La obra de Rasaa está definida por su admiración y con­ tem­­­plación de la naturaleza, por su gusto por los pintores y li­teratos clásicos, y por su formación cristiana, manifestada en la inclusión de temas bíblicos.

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Ricardo Ramirez Saavedra rrasaa@yahoo.com Rufino Echenique nº434, Urbanización Meliton Carbajalm, Satélite Chicayo. Lambayeque Perú


RIEDEL, Verónica Pintora nacida en 1961 en Guatemala. Estudia Arte y Periodismo en la Universidad de Columbia, Ca­­rolina del Sur, estudios que finaliza en 1980. En 1985 se gra­­dúa en Fotografía y Cinematografía de la Universidad de Mia­­mi, Florida. Completa su formación tomando cursos sobre arte en la Uni­­versidad Central de Los Ángeles (UCLA), California, y en el Anderson Ranch Arts Center, en Colorado. Ha trabajado como fotógrafa y escritora para Miami Vice, de Universal Estudios en Miami, como Directora Creativa, pro­­ductora y fotógrafa para Cinescopio, en Guatemala, y co­mo Directora Creativa de tácticas de Publicidad, también en su ciudad natal. Ha realizado numerosas exposiciones y muestras de su obra, principalmente en Guatemala y en Florida, y ha for­ma­ ­do parte de gran número de publicaciones, como catá­lo­­gos, pe­riódicos, y el libro "Datos Dispersos de la Plástica Gua­te­­ mal­teca de 1982 a 1998". Así mismo, ha recibido premios y menciones, entre los que po­demos destacar el Segundo lugar en el Festival de Vi­deo de Montecatini, Italia, la Mención Honorífica en el festi­val de Video de Gramao, Brasil, la Mención Honorífica por li­­bre­to cinematográfico en el Premio Diane Thomas Award, Los Ángeles, California, o la mención de Honor de Robert Wes­­ton en Photowork, por la New Gallery, Universidad de Mia­­mi. Verónica Riedel dice de su obra que, "representa al Nuevo Mi­­­lenio y habla de lo que ha iluminado mi vida: Dios, la na­tu­raleza, las relaciones humanas y la sabiduría de nues­ tros an­tepasados". La obra de esta artista encierra una simbología de conteni­ do místico. Mares, barcas, peces y una destacada presencia del cielo, al que trata de llegar por medio de escaleras, de ima­ginativas estructuras... un deseo de ascensión, de ele­va­ ción, que se traduce a sus cuadros en la propia com­po­­ sición. Des­taca también la presencia de la escritura, mensa­ jes espe­ran­­zadores, sentencias, deseos y pensamientos mediante los que Verónica se expresa de forma aún más di­recta, complementando la propia expresividad de su pin­ tu­­­ra, luminosa y se­rena. Una pintura para ser leída con el co­razón, sin buscar ma­yor artificio.‡

Verónica Riedel cridel@guate.net P.O. Box 52-6150 Miami -Fl. 33152-6150

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RIERA, Máximo. Pintor español nacido en Gijón, Asturias, en 1951. De profesión empresario, actualmente dirige un grupo em­pre­sarial formado por más de 25 empresas internacionales de gran éxito. Su formación en las artes plásticas es de carácter autodidac­ ta. Entusiasmado con el aprendizaje y la investigación perso­ nal, dedica todo su tiempo libre a formarse y a avanzar con sus conocimientos y destreza. Así desde muy joven, se irá per­feccionando en pintura, fotografía y también en el arte de la escritura. Ha participado en numerosas exposiciones tanto de mane­ ra individual como colectiva, en Galerías de Arte, distintas Ins­tituciones, Centros de Cultura y Museos, entre las que po­de­mos destacar por su representatividad las celebradas en dis­tintas ciudades españolas como Gijón, en 1999, Vigo (Ga­­ li­cia), en el año 2000, Sevilla (Andalucía) en el 2002, y Bilbao (País Vasco) en el 2003. Su obra forma parte de importantes colecciones privadas de Es­paña, Reino Unido, Italia, Francia, Portugal y Bélgica. En el año 2002, Máximo Riera edita su primer libro, "Pla­ cer Ubérrimo", donde recoge una selección de su obra pictó­ ri­ca y escrita más representativa, en más de 250 cuadros y 90 poe­mas. La obra pictórica de Máximo Riera es un universo simbolis­ ta que aúna lo figurativo y lo abstracto para crear su propia ico­nología, un lenguaje mediante el que expresa sus senti­ mientos más directos traducidos en forma y color. Pre­do­mi­ nan sus creaciones a gran tamaño, en las que se expresa en voz alta, con colores vivos y contrastados, relajantes verdes y ai­rados rojos. La pintura es tratada como un elemento de comunicación con el espectador en una composición repleta de movimien­ to y dinamismo. De manera directa y a grandes trazos, el pincel crea actuales alegorías que toman el protagonismo, en las que las referencias picasianas y las crucifixiones se renue­ van, to­mando connotaciones de un nuevo siglo en la Historia del Ar­te.

Máximo Riera mriera.inc@mbagrupo.com MBA. Inc Enrique Martinez 27 33204 Gijón, Asturias España

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RIMONDA, Mimi. Pintora argentina, nacida en Buenos Aires en 1958. Con un in­terés innato por el arte, cursará estudios de arte al lado de diferentes maestros. Con María Pla se inicia en dibujo y pin­tura, con Washington Riviere se forma como retratista, Er­nesto Pesce le enseñará a dominar la figura humana así co­mo la técni­ ca de la acuarela. Junto a Marcos Borio en­con­trará el género con el que destaca su obra: el paisaje. Participa en numerosas muestras y ha sido objeto de co­men­­tarios críti­ cos y profesores especializados, así han di­cho de su obra que "rescata el sentido de espiritualidad, plas­mando la más pura esencia y el más íntimo compromi­so con la realidad", pala­ bras estas de Natalia Char­lam­pou­ los. La pro­fesora M. Tamara Revythis define sus retratos co­mo "totalmente corpóreos y llenos de vida".

Rimonda han sido premiados en variadas ocasiones. Le ha sido otorgado el Premio Italia por el Arte, en la Muestra Internacional de Artistas La­ti­no­americanos de Florencia, Italia, y la Primera Mención en Pin­­tura por el II Salón Nacional "Alianza Francesa" entre otros. Aparece también en distintas publicaciones sobre arte, co­mo en el Libro "Arte Agentino actual", o el "Annuario D´Ar­te Moderna: Artisti Contemporanei". Si algo llama la atención, a simple vis­ta mirando su obra, es el uso que ha­ce del color, con una paleta rica y brillante. Es en este donde reside la total luminosidad que destilan sus cua­dros, esa que habla de inmensidad que induce al sosiego y al reco­gi­­miento: a la reflexión. Domina el co­­lor, pero tam­ bién la textura, la com­posición, la perspectiva. Sus ho­­ rizontes invitan a recorrer sus cua­dros, a introdu­cir­nos en su mun­do de inigualables y comunicativos cie­los. Ríos de aguas claras y tran­qui­las a los que se inclinan los sau­ces para reflejarse, minuciosos campos de trigo, espigas me­cidas por el viento... todo ello llevado a la mo­­der­nidad de una pintura ágil que avan­­za con los tiempos. Un ejemplo de cómo la simple conjugación del óleo y el pincel puede llegar a sobrepasar la realidad.‡

El trabajo y la valía de Mimi

Mimí Rimonda mrimonda@elsitio.net Santa Fé 3721, 6ºB. Capital Federal, Buenos Aires, Argentina

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RISSO Mann, Jorge. Artista plástico nacido en Montevideo, Uruguay, en 1960. Desde muy joven siente una inclinación hacia el mundo del arte, particularmente del dibujo y la pintura. Así, con tan só­lo quince años, empieza su formación, en el taller de Juan Car­los Ferreyra Santos. Poco más tarde estudiará pintura con Edwin Studer. Su creación está enfocada principalmente hacia el género hu­­morístico, y ya en 1983 publicará historietas en la revista "El Dedo", con Mario Levrero como guionista. Esta carrera co­mo ilustrador continúa en la revista "Smog". Sus particulares creaciones, tanto de dibujo como pictóri­ cas serán expuestas en distintas salas y eventos, así en 1990 ex­­pone dibujos en la muestra "La Cultura es un Chiste", or­ga­ nizada por el Ministerio de Educación y Cultura de Uru­guay. Participa también en la Primera Muestra de Pintura La­ti­ noamericana en Beijing, China, siendo adquirida para di­­fe­ rentes colecciones privadas. La revista de arquitectura y diseño "Elarqa" se interesa por su obra y publica un artículo con un análisis y una muestra de esta, en Junio de 1998. También aparece en el vídeo "Mo­ni­tor Plástico" junto a otros artistas plásticos, en una ex­po­sición colectiva de "El Monitor Plástico" en el Cabildo de Mon­tevideo. La obra pictórica de Jorge Risso es colorista y mordaz. Re­pre­­sentaciones caricaturescas de gran expresividad inser­ tas en escenarios oníricos, personajes que hablan a través de un len­guaje gestual de gran fortaleza. Observamos el domi­ nio del dibujo, que late en cada figura y gesto, pero no de­be­ mos de­jar pasar desapercibida la capacidad pictórica de este ar­tis­ta. Su pincelada suelta, a veces agresiva, imprime ca­rácter a la representación, aporta veracidad y crudeza, así como el uso del color, en arriesgado contrate, trabajado unas veces y pu­ro otras, jugando con el sentimiento del es­pectador. Un es­pectador que se encarna en el propio per­ sonaje y por tanto, en el propio lienzo, para recorrer esos mundos, para su­frir, para enloquecer... como los propios protagonistas de la obra.‡

Jorge Risso Rissomann@adinet.com.uy Juan Paullier 1110/103. (11200) Montevideo Uruguay.

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RODRÍGUEZ Amat, Jordi. Artista plástico nacido en 1944 en Santa Coloma de Gra­ me­net, Barcelona (Cataluña), España. Su primer contacto con la pintura será trabajando con su pa­­dre desde los once años de edad como pintor de paredes, pe­ro su talento hace que por las tardes acuda a clases de Di­bu­jo y Pintura con el pintor y cartelista Joseph Alumà Sanz, en su escuela privada: "Liceo de las Artes". Aún por las noches acude a la Escuela de Maestros y Decoradores don­de aprende técnicas de acabados e imitaciones de ma­­­te­riales, dorados y policromados, titulándose como Pintor De­corador. Contando quince años, ingresa en la escuela Superior de Be­­llas Artes de Barcelona, donde se gradúa como Profesor de Dibujo. Posteriormente se licenciará en Bellas Artes y en Ar­­quitectura Técnica. Entre los años 1965 y 1969, reside en Barcelona, París (Fran­­­­cia) y Munich (Alemania, a medida que va conociendo el arte contemporáneo y este va influyendo en su propia obra. No obstante, en 1970, acabará por regresar, y desde 1994 hasta la actualidad reside en Les Olives (Garrigoles), pue­blo rural perteneciente a la comarca del Empordá, donde ha crea­do el centro de Arte Contemporáneo y la Fundación que llevan su nombre. Ha ejercido la docencia en la Escuela Universitaria de For­ ma­ción de Profesores de la Universidad de Barcelona y en la Es­cuela Técnica Superior de Ingenieros Industriales de Te­rra­ssa. Actualmente desarrolla sus actividades docentes en el ba­chillerato artístico del Instituto de educación Secundaria de la Bisbal d'Empordá. Rodríguez Amat ha realizado numerosas exposiciones a lo lar­go de su intensa carrera, y su obra ha cosechado gran­ des éxi­tos que han convertido a este creador en un autoridad re­co­­nocida en todo el territorio español. En su extensa obra ha dominado la totalidad de las técni­ cas pictóricas sacando de cada una de ellas los más óptimos re­sultados, mezclando la figuración con la pura forma y el co­lor, en unas complejas composiciones de gran equilibrio y fuerza donde se aúnan pasiones y buen hacer. Encontramos en la figura de Rodríguez Amat un creador de estética in­con­­­fun­­dible que deja mella, mostrando la visión del rico uni­­ver­so creador por el que este artista se mueve con la sol­ tu­­ra de quien conoce a la perfección el terreno que pisa.‡

Jordi Rodríguez Amat jrodri19@pie.xtec.es Les Olives, Garrigoles.Cataluña. España

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RODRIGUEZ Amiana, Enriquillo. Pintor nacido en Santo Domingo, República Dominicana en 1962. Sus primeros contactos con el arte y su formación en es­te, tienen lugar entre los años 1979 y 1985, en los que pa­sa por diferentes centros: el centro de Arte Nidia Serra, la Es­cuela Nacional de Bellas Artes, la Universidad autóno­ma de Santo Domingo y las Academias privadas de A. Bass y S. Frías. Más tarde, en 1993 y 1994 respectivamente, estudiará In­tro­ducción a la Restauración y Conservación del Papel, en la gallería Arawak, y el curso de Color sobre Papel "Me­tá­fo­ra de lo Efímero", junto a Carlos Cruz Díez en el Museo de Arte Moderno de Santo Domingo. Ejerce como docente, siendo profesor de Arte en escuelas privadas, y dando clases de pintura y de técnicas de acua­ rela en diversas instituciones y escuelas de Santo Do­min­go y la República Dominicana. Enriquillo Rodriguez ha participado en numerosas expo­ siciones tanto de manera individual como colectiva, con las que ha recorrido Estados Unidos, Canadá, Santo Do­min­go, Méjico, Venezuela o Puerto Rico, cosechando posi­ti­vas críticas para su obra. Ha obtenido premios y galardones en distintas ocasiones, en­tre las que podemos mencionar los Salones Arawak 1981 y 1982 o el I Centenario de San Pedro de Macorís. Su obra forma parte de colecciones en la República Do­minicana, Méjico, Honduras, panamá, Estados Unidos, Ca­na­dá, Francia, España, Alemania y Países Bajos. En la obra de Enriquillo destaca el dominio del color y la vi­veza de este, lo que contribuye a crear resultados de gran po­sitivismo y luminosidad. Figurativo, domina entre otros géneros el bodegón, al que dota de valores plásticos conseguidos a base del buen uso y aplicación de la luz en el juego de volúmenes, dando for­ma a cada elemento por sí solo, para conjugarlos des­ pués en perfecta armonía compositiva. Su pintura analiza la realidad, los efectos visuales la percepción del color y la for­ma, y los reproduce con maestría, con alegría, otorgán­ do­­nos un mundo donde una sencilla flor o una fruta se con­­vierten en el escenario de la calidez y el cromatis­ mo.‡

Enriquillo Rodríguez Amiana e- mail@amiama.com Florence Terry, 9 Torre Don Alfonso I Naco. Santo Domingo, República Dominicana

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RODRIGUEZ, Eugene. Artista plástico nacido en Oxnard, California (Estados Unidos), en 1957. Su formación artística tiene lugar en la Universidad Es­ta­tal de San Francisco, California, en la que se licencia en Be­llas Ar­tes, en 1992 para posteriormente, en 1994, titular­se Pro­fe­ sor de Bellas Artes en el Mills College de Oakland, Ca­li­for­ nia. Pintor y fotógrafo, Eugene también ha realizado vídeos e ins­­talaciones que le han aportado fama internacional. Entre los numerosos premios que avalan su trayectoria, po­de­mos mencionar el Primer Premio "Arts on Fire", del Cen­tro de Arte Sánchez de Pacifica, California, con un jura­ do com­puesto por importantes entendidos, como Marian Par­me­ner, Directora del Museo de Arte y Artistas Modernos de San Francisco, California, el reconocimiento Especial en Pin­tu­ra en la III Exposición de Arte Internacional de Period Ga­lle­ry, en Omaha, o el Tercer Premio de la Exhibición Anual de Artes Visuales de Houston, con Marisol Nieves, Coor­di­na­do­ra del Museo de Arte del Bronx, de Nueva York, co­mo ju­ra­do del premio. Eu­gene Rodríguez ha participado en numerosas muestras de arte en los Estados Unidos, en las que ha recibido la acep­ ta­ción del público y de la crítica por su particular for­ma de aso­marse al mundo, retratarlo y configurar así sus crea­cio­­ nes. La obra de este polifacético artista es un recorrido por el mun­­do que le rodea, tratado con una sensibilidad especial, mos­­trando la cultura de la generación en la que se mueve. Así crea manifiestos históricos que documentan su particular vi­sión ante la vida, en los que se mezclan sus propias in­fluen­ ­cias y la estética urbana y social en la que se ve in­mer­so. Todo ello es aliñado con una concepción mitad neorrea­ lista, mitad surrealista, con la que este creador introduce su ca­pacidad creativa y de ensoñación, mostrándonos un mun­ do a caballo entre lo real y lo imaginario, entre la calle y el sue­ño, donde todos los géneros tienen cabida a la hora de ha­blar de la humanidad, de las personas, y sobre todo, de la vi­da, con un lenguaje colorista, teatral, mediante el que lo

Eugene Rodriguez www.eugenerodriguez.com California. USA

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RODRÍGUEZ Gauna, Beatriz. Pintora nacida en Córdoba, Argentina. Beatriz Rodríguez Gauna es Licenciada en Administración de Empresas, se ha formado en las Artes Plásticas, en Fi­lo­so­ fía del Arte con el profesor Teodoro Craiang, Dibujo y pintu­ ra con Jorge Iberlucea y Pintura con Teodoro Craiang y Estela Si­di. Su obra ha obtenido rotundos éxitos en sus más de cin­ cuenta exposiciones y muestras, siendo galardonada con nu­me­rosos premios, como el Primer Premio de Pintura del Mu­seo de Bellas Artes Ramón G. Cornet, 1994, el Primer Pre­mio del Museo de Bellas Artes de Santiago del Estero, 1995, la Mención de Honor del Salón Nacional de Pintura, "Gran Pre­mio Raúl Sodi", 1999 y el Segundo Premio "La Casa del Ar­te 2001", entre otros. La crítica se ha pronunciado favorablemente hacia su obra, y le han sido dedicadas palabras como las de Jorge Glus­berg, director del Museo Nacional de Bellas Artes de Ar­gen­tina "su mensaje es decantado, sin impulsos grandilo­ cuen­tes ni arranques demóticos. La realidad entre en su obra co­mo entra en la vida cotidiana, tan lateralmente que a ve­ces ni siquiera nos percatamos de ella". La obra de Beatriz Rodríguez Gauna trata la realidad de una manera simbólica y preciosista. A base de acrílicos, co­llages y técnicas mixtas, ataca donde más duele: en el sufrimiento humano, ahondando en las miserias, sin escon­ derlas, sin hacer apología, simplemente como lo siente, con el me­jor de sus discursos: la pintura. Trabaja el color, lo curte, lo envejece, lo llena de conteni­ do hasta que es capaz de hablar por sí solo, anulado por el os­curantismo y la pincelada insinuante con la que da forma a insignificantes cuerpos que se pierden dentro del lienzo mientras este les ahoga. Sus obras poseen, sin embargo, una atmósfera en la que has­ta la mayor de la oscuridad se ve aplacada por la mística de la luz, que se introduce en la composición como un rayo es­peranzador, lo único que queda en los desolados seres que ha­bitan en sus cuadros.‡

Beatriz Rodríguez Gauna rolar@internet.siscotel.com México 1171 Piso 1 A, Buenos Aires Argentina

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ROLANDELLI, Susana. Artista plástica nacida en Entre Ríos, Argentina y residente en Buenos Aires. Ha cursado estudios de Artes Visuales, Pintura, Grabado, Ar­te Digital y Diseño Gráfico. De manera personal, realiza investigaciones sobre técni­ cas de fabricación artesanal de papel, y su incorporación a la obra de Arte. De ese modo, los aplica en la creación de es­­cul­turas y los utiliza como formato de su obras. En la actualidad preside la Asociación de Artistas Pa­pe­le­ ros de Argentina (AAPA) y es Representante Internacional del Club Latino de Artistas Papeleros (CLAP), con sede en Bra­ sil.

Susana Rolandelli susanarolandelli@fibertel.com.ar Santa Fe 3091, 4º Piso (1425) Capital Federal, Buenos Aires Argentina.

Su reivindicación de las técnicas de papel hecho a mano y sus investigaciones a cerca de estas, llevan a Susana Ro­lan­ delli a participar en seminarios e intercambios culturales y con­ferencias, así como a organizar y dirigir exposiciones. Sólo en los últimos años ha participado en más de sesenta muestras colectivas y más de una quincena de exposiciones in­dividuales en toda Latinoamerica y Estados Unidos, lle­ gando hasta China, en 1995, con la muestra "Beigin 95", en el foro Internacional de la Mujer. Entre los numerosos galardones que avalan su trabajo, po­de­­­mos destacar el Primer premio del Salón de Otoño del Banco Cooperativo de Buenos aires, el Segundo Pre­mio de Pin­­tura del Museo Histórico de Morón, Buenos Ai­res, la Men­­ción de la Embajada de Brasil "Artistas del Co­no Sur", o el Premio salón de Buenos Aires, de la Fun­da­ción An­dre­ ani. La obra de Susana Rolandelli ha sido objeto de elogiosos co­­­mentarios por parte de la crítica, como los vertidos por el crí­­tico de Arte y ensayista Vicente de Percia "tiene una obra abierta, permitiendo ser abordada en diversos puntos, don­de los medios materiales e instrumuentales se di­ver­si­fi­can". Susana trabaja la escultura, la pintura, hace uso de las ar­tes gráficas y las posibilidades digitales, dando todo lugar a una obra variada donde lo más importante son las con­no­ ­ta­cio­nes que encierra. Sus instalaciones se plagan de imá­ genes ex­trañas, donde plasma todas las posibilidades do­mi­ na a la ho­ra de crear. Juega e investiga dando lugar a com­­ posiciones nu­nca vistas, movidas por la organización, el empleo del co­lor y de la luz, de los que se sirve para crear tensión en el es­pec­tador. Con gran capacidad de comunicación, ahonda en las dis­ tin­­­tas experiencias humanas, de las que extrae la temática con la que elabora sus creaciones, para mostrarlas como fo­­ to­grafías tridimensionales del alma, del sentimiento.‡

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ROMERO, Ángela. (LA PINTORA DEL UNIVERSO) Pintora española nacida en Plasencia, provincia de Cá­ce­ res, Extremadura, en 1954, y residente en la localidad bar­ce­ ­­­lo­nesa de Mollet del Vallés. Diplomada en Enfermería, Podología, Fisioterapia y Me­di­ ci­­na del Trabajo, presta sus servicios en el Institut Catalá de la Salut. Sin embargo, en la persona de Ángela Romero también hay ca­bida para el talento artístico, para la necesidad de co­mu­­ni­­­car y sincerarse por medio de la pintura. Bajo el evoca­dor seudónimo de "La Pintora del Universo", se escon­ de un ar­­­tista, que a base de dedicación, encontró su propio estilo, así como su particular temática. Ha participado con éxito en gran número de exposiciones, no sólo en su lugar de residencia, Mollet del Vallés, sino tam­ bién en Madrid, Barcelona y Badalona, llegando a par­ti­­cipar en una exposición colectiva que llevó su obra hasta la Co­lec­ tiva Latin American Art Museum de Miami, Es­ta­dos Uni­dos. El crítico de Arte Eduardo Arboleda Ballén ha definido su pin­tura como "un hecho solitario, tiene momentos de an­gus­ tia, de sufrimiento, de soledad, pero al mismo tiempo es un acto en el que ella se revela a sí misma por sus sueños, por su experiencia vivencial". En la obra de Ángela Romero queda de manifiesto su pro­ pia sensibilidad, con la que se convierte en creadora de Uni­versos personales, tan lejanos como incógnitos. Por­cio­ nes de cosmos que alcanza con sus manos para depositarlos sobre el lienzo, llenándolo de luz, de inmensidad. Ángela sabe ver más allá de lo terrenal. Más allá de lo pe­re­­ce­­dero, encuentra lo primordial, lo eterno, el Principio y el Fin. La magnitud de sus representaciones se introduce de de­li­cada, pero despiadadamente en nuestros más ances­ trales te­mores, para enfrentarnos a ellos como ella se enfren­ ta con el lienzo, y mostrarnos la salida.‡

Angela Romero Luceño angelapintora@airtel.net angelaromero@telefonica.net T. 667.46.74.82 / 93.570.36.62 Avda. Libertad nº18, 6ºB (08100) Mollet de Valles, Barcelona España.

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ROSEL, Daniel. Pintor, Dibujante y Grabador, nacido en Mérida, Yucatán, Méjico, en 1986. Artista de renombre, Daniel Rosel cuenta con una exten­ sa carrera artística, en la que su obra ha obtenido numero­ sos logros con los que ha ido posicionándose de manera es­table en el panorama artístico actual. Podemos contar hasta el momento en su trayectoria, más de treinta exposiciones colectivas, así como más de diez in­dividuales por todo Méjico, Bolivia y Argentina, com­ puestas en su mayoría de dibujos y grabados, y con sitio también para la pintura. Forma parte además, de importan­ tes colecciones artísticas, así como de colecciones privadas en Estados Unidos, Holanda, Méjico, Argentina y Bolivia. Su obra ha sido premiada en eventos estatales, naciona­ les e internacionales, entre los que podemos destacar el Pri­mer Premio de Pintura del II Salón Fernando García Pon­ ce de Mérida, en 1993, mismo año en el que recibió el Pri­mer Premio de dibujo de la V Bienal de Artes Visuales de Yu­catán, o el Primer Premio de Dibujo-Grabado y Mención de Honor en Pintura del I Salón Internacional de Arte Siart99 en La Paz Bolivia, en 1999. En 1997 fue condecorado con la Medalla al Mérito Artístico en su ciudad natal. Daniel Rosel, calificado por José Luis Rodríguez de Ar­mas como "artista trashumante, que más que partir de raíces culturales abstractas y diluidas en el tiempo, no pierde su tiempo en busca de entelequias perdidas y bucea en lo con­ creto, rico y aún por explorar, es decir, el mestizaje, la hi­bridez de las culturas", hace gala de una visión un tanto me­dievalista en el arte. Esa es la primera característica que se aprecia al acercarnos a su obra, poblada de personajes apocalípticos, rescatados de antiguos bestiarios que se in­mis­cuyen ahora en nuestro mundo. No faltan los temas re­li­giosos, de gran simbolismo, tratados siempre bajo la presencia de la arquitectura, el templo de Salomón en el que sus columnas separan las distintas escenas generando una imagen de tríptico. Una estética perdida, a veces inge­ nua, pe­ro siempre crítica, creada con la imaginación y el co­no­ci­­miento, a base de un rigor técnico insuperable, ma­ni­fes­ta­do en el trazo de sus carboncillos o en la suelta pincelada con que elabora sus óleos.‡

Daniel Rosel danielrosel@yahoo.com Calle 57-b Nº6 x 56 y 58 frac. Francisco de Montejo (97200) – Mérida, Yucatán México

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ROSSIANO, Rita. Na­cida en una zona rural próxima a la localidad de María Jua­­­na, en la Provincia de Santa Fe, Argentina, esta pintora se gra­duará como Profesora Nacional de Dibujo en la Uni­ve­r­ si­dad Nacional de Rosario, Argentina. Tras esta graduación ejerce la docencia de la especialidad de dibujo a to­dos los ni­veles escolares. Su pasión por el arte hará que se centre en desarrollar un la­­bor no sólo como creadora, sino que también se involu­cra­ ­­rá en la formación de artistas y el acercamiento del arte a los es­tudiantes. Será directora del Taller de Artes Visuales y de la Es­cuela Provincial de Bellas Artes de San Francisco, Cu­ba, ciu­dad donde reside desde 1970. A lo largo de su carrera artística, iniciada en 1978, sus obras han sido seleccionadas en diversos salones de pintura. En­tre los premios que ha recibido podemos destacar el Se­­ gundo Premio del Concurso de Murales para el Auditorio de la Dirección Municipal de Cultura de San Francisco, o el Pri­mer Premio del III Salón Regional Tierras de Cuba, en­tre otros galardones, menciones y selecciones con los que su obra ha sido merecidamente reconocida. Por su experiencia como docente y su preparación teórica, ha dado charlas sobre Historia del Arte y temas afines, así co­­mo impartido cátedras sobre dibujo en las escuelas de la ciu­­dad de San Francisco.

más que simple estilo de vida". La obra de Rita Rossiano cons­­tituye un ejercicio de abs­ trac­­­ción formal en la que el color navega por un cosmos or­gá­­­ni­­co en cual late una vida que espera a ser descubierta. El de­­licado uso del color, de la pincelada que toma forma si­len­­ciosa, de la luz que nace del propio cuadro, dan lugar a una composición, llena de movimiento. Modelados volú­ me­nes tratados con limpieza técnica que denotan buen ha­cer y cla­ridad de ideas, se entre­ mezclan entre sí en una fu­sión de con­tornos que aporta carác­ ter a la obra y hace que des­­ taque por sus propios méritos dando lugar a un innovador resultado que hace que esta de la obra de esta artista un sello in­confundible que permanece en todos y cada uno de sus tra­ ba­­jos.‡

La crítica no ha escatimado elogios para esta artista, y de su obra, publicó el Diario La Opinión de Santa Fe, Ar­gen­ti­­na, "que se realiza con la conciencia de una vocación que no es

Rita Rossiano ritar@elpartenon.com 1º de mayo Nº24, San Francisco. Provincia de Córdoba Argentina.

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ROUSSO, Carola. Nace y vive en Buenos Aires, Ar­gen­ ti­na, donde primeramente cursa es­tu­ dios universitarios de Lenguas Vi­vas, aunque su innegable inclinación hacia el arte dará lugar a una ex­­­tensa forma­ ción posterior que se ini­cia en el taller de pin­tu­ra de Stella Sidi. Su talento se cen­trará pronto en la fo­to­gra­fía, y así co­mienza a es­tudiar en la Escuela de Fo­­­to­­gra­fía Crea­­­tiva de Andy Goldstein, que se­rá el co­mienzo de una in­can­ sable su­c­­­esión de estudios. Llegará hasta Mia­mi pa­ra es­­tu­diar junto a Nick Fow­ler, como también lo hará con otros im­portantes artistas de esa especiali­ dad, tales co­mo Jor­­ge Ve­ra, Kathleen Thorn­ton Carr o Cyn­tia Jhonson-Bian­c­ hetta. Así mis­mo, du­ran­­te su formación se su­ce­derán nu­me­ro­sas expo­si­­ciones de su obra, dan­do a co­nocer su tra­­bajo tanto en su Buenos Ai­res natal, como en EEUU. En el año 2000 obtiene el título de Fo­tógrafo profesional tras la exposición de sus tesis Transferencia de Imagen Po­­la­roid en Papel de Acuarela, en la que manifiesta su interés por la particu­

la­­ridad de la fotografía Polaroid y las po­sibili­da­­­des que esta ofrece, en las cuales investiga hasta crear un es­tilo y técnica muy personal que la hace destacar y brillar con luz pro­pia en el panorama fotográfico. El objetivo de Carola Rousso es una ventana a un mundo má­­­gico. Fotografía la realidad para transformarla en enso­ña­­­ ción, perdiendo los contornos y así crear imágenes que na­­ cen de la luz y se sumergen en el agua, para jugar con un mun­­do colorista y vivo. Sus conocimientos dan lugar a una com­­binación armoniosa de tonos y tex­turas, así como una acer­­tada va­rie­dad cromática que oscila desde la calidez de los naranjas hasta las ga­mas más frías y eléctricas del azul. La fotografía ha sido desde su des­­cubrimiento un factor de su­­­­ma in­­fluencia para la pintura, pero Ca­ro­la Rousso invierte los términos acer­cando sus imágenes a lo pictórico, creando tra­zos y pinceladas oscilantes, contornos difusos, colores vi­bran­­tes que nacen más allá del im­pre­­sionismo, y se alejan de la tan ex­tendida y tradicional fotografía rea­­­lista. Son imá­ genes que transmiten una sensación de alegría y vita­li­­dad, da ga­nas de vivir, de conocer ese universo que los ojos de la ar­tista sa­ben captar para regalárnoslo a quienes no tenemos la ca­pacidad de llegar hasta ese pa­raíso mitad real mi­tad imagi­na­rio que nos ofrece.‡ Carola Rousso carolarou@ciudad.com.ar Darwin 1154, 2ºE. Buenos. Aires. T. 4856-1760. Argentina

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RUWETTE, Cecilia. Pintora argentina nacida en Buenos Aires en 1956. Cuenta con una sólida formación que refleja magistralmente en su obra. Cecilia se graduó en 1983 en la Escuela Nacional de Be­­­llas Artes Lola Mora. Posteriormente, en 1989, vuelve a gra­­duarse esta vez como Profesora Nacional de Escultura y Pin­­tura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Puey­rredon, y en 1993 lo hace en la Escuela Superior de Be­llas Artes Ernesto de la Cárcova, donde se titula Profesora Su­pe­rior de Pintura. En la actualidad ejerce como profesora en la Escuela de Bellas Artes Lola Mora. Desde 1985 ha participado en muy numerosas exposicio­ nes, individuales y colectivas, no sólo dando a conocer su obra pictórica, sino también su escultura, con la que en 1986 obtuvo una Mención en el Primer Salón Benito Quin­ que­la Martín, en el Museo Arte de la Boca, Argentina. Sus pin­­­turas han sido premiadas en distintas ocasiones, como en la XXXIV y XXXV Edición del Salón de Manchas de la Ciu­ dad de Buenos Aires, en 1992 y 1993 respectivamente, en las que obtuvo un total de seis premios en diferentes ca­te­go­ rías, integrados por tres Medallas, dos premios Es­ti­mu­lo y un Di­ploma Premio Mención. Otros serán, el Pri­mer Premio de Pin­tura del Salón en Pequeño Formato en el 2001, el Tercer Pre­mio Pintura del Salón "Crisis Argentina" 2002, ambos or­ga­nizados por la Galería Edea, entre otros. Cecilia Ruwette utiliza el óleo y el acrílico para dar forma a una pintura figurativa con tintes de crudeza realista y ex­pre­ ­sionista. Sus creaciones no se quedan en la belleza, pro­fun­­­ dizan en mundos crudos de seres desolados que se man­tie­ nen ajenos al espectador o lo observan con firmeza, co­mu­ nicando su tragedia personal, siempre en soledad. Una so­ledad que envuelve al personaje hasta ahogarlo en sus pro­ pias miserias, soledad que impera aun cuando apa­re­­cen va­rios personajes: cada uno de ellos, individualmente está so­lo. Atmósferas cargadas de fondos trabajados, contrastes de cla­­roscuro y tenebrismo, con un buen ejecutado dibujo y ex­­­celente trazo pictórico. El color se apaga, se oscurece y res­­bala por el lienzo como un torbellino de pinceladas sa­bias y precisas. Y en medio de toda esta oscuridad, siem­ pre hay un lugar para la luz... una ventana, un faro en la no­che, un rayo de luz que se cuela en el bosque... una sali­ da.‡

Cecilia Ruwette cruwette@yahoo.com.ar Desaguadero 3818 D1 (1419) Capital Federal, Buenos Aires Argentina

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SALINAS, Marta Susana. Artista plástica, natural de Buenos Aires, Argentina. Marta Susana Salinas inicia su formación moviéndose por dis­­tintas Universidades Argentinas donde estudia Arte De­co­ ra­tivo. Posteriormente realiza diferentes cursos, Historia del Ar­te en el Museo Nacional de Bellas Artes, Pintura con Car­ los Cañas en el Museo de Arte Decorativo, Análisis de Obras en el taller de Claro Bettinelli, Estética de la Visión con Oscar Car­vallo en el taller de Antonio Berni, Dibujo con Sonia La­braña, y Pintura con Oscar Azpiri en el Es­tí­mu­lo de Bellas Ar­tes. Ha participado en cerca de cien exposiciones y muestras in­­dividuales y colectivas, en importantes galerías del País y otros tantos salones. Avalan su obra y su valía alrededor de cincuenta premios y menciones, entre los cuales podemos destacar el 1º Premio en Pequeño Formato de la Galería de Arte Tokio, 1993, Pri­ mer Premio en Pequeño Formato de la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos, 1996, el Primer Premio Salón de la Ga­le­ría Núcleo Arte, 1997, el Primer Premio Galats Arte Con­tem­poráneo, en el mismo año, y un largo etcétera. De su obra, Irma Aguado, Museóloga del Museo Histórico de La Manzana de las Luces, ha dicho que "tiene un espíritu de síntesis esencial en una invitación a un viaje de in­tros­ pección". La obra de Marta Susana Salinas es un alfabeto de pincela­ das coloristas con el que forma un lenguaje de pura expre­ sión, recreando paisajes imaginarios que sólo tienen sentido en la realidad de los sueños. El predominio de las gamas de azu­les no resta protagonismo a la calidez de los naranjas, a los sutiles violetas y rojos, que se funden entre sí por me­dio de una dinámica pincelada que domina la veladura y la agua­da para configurar los fondos y dar supremacía a una man­cha vibrante, atrevida y llena de movimiento. Un conjunto pictórico homogéneo en temática y paleta que pone de relieve la seguridad y decisión de esta artista, y nos abre sus puertas para profundizar en la magia de sus pai­sa­jes, a dejar correr nuestra imaginación y despertar los sen­ti­­d­os a leer en la poesía de su pintura.‡

Marta Susana Salinas Bartolomé Mitre 4392 Piso 5ºA, Buenos Aires T. 54 11 4981-7214 Argentina

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SALMERÓN Fernández, Manolo. Artista español, nacido en Sabadell, Barcelona en 1966. Su formación se inicia con los estudios de Artes Aplicadas, en la especialidad de Diseño Gráfico en la Escola Llotja de Bar­­celona, entre los años 1987 y 1992. Más tarde, en 1994, in­gresa de nuevo en la misma Escuela, para volver a es­pe­ cia­li­zarse, esta vez en Pintura. A partir de ese momento comienza una labor artística len­ ta pe­ro imparable mediante la que Manolo Salmerón se de­sa­­rro­­lla como creador. En su taller en Barcelona, su obra au­men­ta, el artista encuentra su estilo, y surgen interesantes crea­­ciones que presenta en distintas exposiciones en su pro­ pia ciudad natal: La Sala Almirall, La Sala Morgade, el Ta­ller To­rre de Papel... como también ofrece su colaboración para el 2º Maratón de Creación y Reciclaje, abriéndose camino po­co a poco a base de trabajo y constancia, pe­ro huyendo siempre de la pretensión. Pero no hay nada más que ver la obra de Manolo para com­prender su personalidad... o tal vez viceversa. Lo cierto es que partiendo del uso del óleo, y finalizando con la com­ bi­nación de gouache y rotulador, surge la particular pin­tura de un maestro con estilo propio. Colores puros y lu­mi­nosos, tra­bajados a base de espátula, lo que origina una pin­tura car­gada y de gran poder textural, que en ocasiones ol­vida retazos de lienzo blanco que se comunican con el to­do y contri­buyen a destacar la pincelada. Particulares guiños picassianos y cubistas, miradas hacia los dibujos infantiles, simbolismo, pasión, todo fluye por la obra de este artista. Un tema recurrente en su pintura será la tauromaquia. El mun­do del toro es sacado de su sangriento contexto para en­trar en lo caricaturesco, en lo humano de este animal. Así mis­mo, la figuras del toreo también poblarán su obra, des­ta­ cando la serie dedicada a Manolete, que quizás guarde más ana­logías con su propia persona además del nombre. Un conjunto pictórico de gran dinamismo, trazado sin com­plejos, que refleja una personalidad en la que priman el buen humor y sobre todo, las ganas de crear.‡

Manolo Salmerón Fernández manosalmeron@terra.es c/Montanyans, 6-8 4º 2º (08003) Barcelona España

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SÁNCHEZ Juárez, Juan. Pintor mejicano nacido en 1946. Descendiente directo del Presidente Benito Juárez, Juan Sán­chez Juárez siente una atracción por el arte desde su in­fan­cia, atracción que se convertirá en profesión tras for­ marse en la real Academia de San Carlos. Artista de fama internacional, ha realizado múltiples ex­po­ si­ciones individuales y colectivas en las más importantes ga­le­rías de Méjico y del extranjero, entre las que podemos men­cionar el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Mé­ji­ ­co o el Museo de Arte de Philadelphia, Estados Unidos. A estas exposiciones y los numerosos galardones, premios y reconocimientos que Sánchez Juárez ha recibido, se unen el interés y la aceptación por parte del público, y los elogios que la crítica. Sus obras forman parte de importantes colec­ cio­nes públicas y privadas alrededor del mundo, haciendo de este pintor uno de los artistas más conocidos y renombra­ dos de Méjico. El propio artista comenta su trabajo en torno a la importan­ cia de su relación con el color "El color ha sido siempre un fac­tor importante en mis obras y es a través del abstraccionis­ ­mo que he podido explorarlo. Mi mejor trabajo surge des­ pués de muchas horas de pintar, cuando me encuentro tan can­sado que cualquier movimiento deliberado es casi im­per­ceptible; es en este punto cuando todo se convierte en una especie de viaje mental". Vemos según sus palabras, cómo la obra de Juan Sánchez Juá­rez tiene su origen en un proceso de práctica inconscien­ cia, y así podríamos decir que su pintura es la manifestación de su intelecto sin limitación alguna, de una mentalidad to­tal­mente liberada que crea de manera casi automática. De ese modo sus creaciones encierran su espíritu libre, trans­formado en puro color, en escenarios de gran profundi­ dad por los que flotan formas geométricas y pinceladas sin rum­bo, sobre difusos fondos donde el color se funde con la ex­­periencia de la mano que domina el pincel y la pasión del al­ma que escribe sobre el lienzo.‡

Juan Sánchez Juárez (México – Galería Aura) gzajarias@auragalerias.com Aura Galerias, S.A. de C.V. Amberes, 38 Col. Juarez D.F. 06600 México

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SANTA Cecilia, María. Nace en San Fernando (Buenos Aires, Argentina). De­di­ca­ da en cuerpo y alma al dibujo, ha estudiado también Fi­lo­so­ fía y Letras y Guión de cine. Su formación artística se centra en el dibujo y la pintura, habiendo asistido a talleres imparti­ dos por diversas instituciones como el Museo de Ar­te De­co­ ra­tivo, el taller Keneth Kemble, el Museo Na­cional de Be­llas A­r­tes con el profesor Ariel Mlynarzewicz, la Uni­versidad de Mi­chigan, entre otros talleres particulares. Cuenta en su haber con numerosas muestras y exposicio­ nes principalmente de dibujo, disciplina en la que cosecha grandes éxitos, tanto en latinoamérica como en Estados Uni­ dos y en diferentes países Europeos. Su valía además ha sido reconocida con múltiples premios y menciones, entre los que podemos citar por ejemplo la Pri­me­ra Mención de la Casa de la Provincia de La Pampa, el Se­gundo Premio en el V Salón de la Mujer "Alicia Mo­reau De Justo", Gran Premio de la Galería de las Naciones, el Primer Pre­mio de dibujo en el II Salón Nacional Alianza Fran­cesa Gran Premio de Honor, o la Primera Mención del VI Salón Mer­cosur Diógenes Taborda, entre otros. Excelente dibujante, género imprescindible para cualquier ar­­tista y de algún modo poco reivindicado y hasta en oca­sio­ nes olvidado, Santa Cecilia hace gala de grandes dotes y do­minio del modesto lápiz, tratándolo de forma exquisita. Sus com­posiciones parten de la naturaleza muerta tratada a mo­do de collage, cortando los objetos y jugando con ellos me-diante la superposición de planos, creando lo que pue­de re­cor­dar a piezas de puzzle que dispone acertadamente en el for­mato. Santa Cecilia nos regala la minuciosidad de elaborados en­­tra­mados que se escapan de la capacidad humana y crean tex­­­turas armónicas y limpias. Trata cada detalle con su pre­ ci­so sombreado y pese a la ausencia colorista, a base de gra­­fi­to con algún ligero toque de sanguina, su obra dista mu­cho de lo sombrío que pudiera parecer. Sus composi­cio­ ­nes son in­timistas y sosegadas, aún con la rotura de planos que con­tie­­nen. Nos hablan de viejos instrumentos, em­pol­­ vadas par­ti­­turas o silenciosos paraguas plegados, que re­­ crean la belleza existente en cualquier objeto, convirtién­­do­ lo en obra de ar­te.‡

María Santa Cecilia mafrance@arnet.com.ar Hipólito Irigoyen 2854, Florida, (1602) Buenos Aires Argentina

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SAPORITI, Patricia. Patricia Sainz Miramón de Saporiti nace en Coronel Suá­ rez (Buenos Aires, Argentina). En su extensa preparación como creadora plástica y artís­ tica cuenta con estudios de arquitectura paisajista y semina­ rios de Historia del Arte en el Museo de Bellas Artes de Bue­nos Aires. Igualmente cursa estudios de dibujo y pintura en el Museo José Hernández, estudios que continúan en la Ga­le­ría de Arte El Intervalo, en la que también cursará se­mi­ na­rios. Esta preparación continúa hasta la fecha, siempre vin­cu­­lada a los talleres de los grandes maestros, donde de­sa­ rro­lla un ejercicio de aprendizaje que aporta a su obra lo mejor de cada uno. Ha realizado gran número de exposiciones y muestras en Ar­­gentina, así como en Uruguay, Brasil, París, Roma o Nue­va York. Su nombre figura en una amplia bibliografía, in­clui­dos libros sobre arte y artistas argentinos. Cuenta con prestigiosos premios y galardones, entre los que podemos destacar, por ejemplo, que fuese seleccionada pa­ra Arte Expo 2002 en Nueva York, o haber sido galar­do­­na­ da con la Banda a la Honra Pública Estrella Aca­dé­mica, Uni­ver­sal Título de Eminencia Académica de la Hu­ma­­nidad 2001. Ha colaborado también para programas de la televisión ar­­gen­tina como "Menú con Vida" o "Nutri Noticias". La pintura de Patricia Saporiti es una invitación a pasear la sen­sibilidad por los parajes que tan delicadamente repre­ sen­ta. Su pintura es sosegada y tranquila, para la vista y el al­ma. Una huída hacia la naturaleza en su estado más puro e idí­lico confeccionada a base de una pincelada suelta y se­gu­ra, fruto del trabajo y ensayo, que manifiesta su buena pre­pa­ración. En sus pinturas brilla en todo momento el es­plen­dor de la sencillez. De sus paisajes ha dicho Tamara Re­vilys que "atesoran secretos, están tan cerca del especta­ dor que qui­zá hasta se sienta el aroma de las tardes otoña­ les". Patricia hace de sus cuadros los escenarios de un apacible sue­­ño, a través de jardines, campos dorados o paisajes cu­bier­tos de nieve, irradiando un destello incapaz de dejar­ nos im­pasibles.‡

Patricia Saporiti Callao 1350 Piso 11ºA, (1023) Buenos Aires Fax. 54 11 4812-8128 / 6316 Argentina

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SERAFINI, María Concepción. Nace en Buenos Aires, Argentina, en 1962, aunque cuenta con doble nacionalidad: argentina e italiana. Se forma y es­­ pe­­cializa en el taller de Aníbal Carreño, para posteriormente obtener el título de profesora Nacional de Bellas Ar­tes, profe­ sión que en la actualidad compagina con la pintu­ra. Por medio de sus conocimientos y trayectoria en la docen­ cia tratará de involucrar a un público escolar en el mundo ar­­tístico, proyectando la obra "Desarmable", de Manuel Gon­­zález Gil y dirigida por Carlos Parrilla, de la que tam­ bién creará la escenografía, con la pretensión de desarrollar las posibilidades expresivas y creativas de la infancia. Tam­bién participará en el Programa de Inventario de Mo­nu­­mentos Histórico Nacionales, formando parte del equipo téc­nico en el relevamiento de los Monumentos Na­cio­na­les. A su vez, realiza exposiciones en Argentina e Italia, reci­ biendo la aprobación de la crítica, y participa también en con­­cursos y salones, donde obtiene premios como el Di­plo­ ma y Medalla de Honor en el IV Concurso del Tango ilus­tra­ do, organizado por la Municipalidad de Vicente Ló­pez, o el Di­ploma y Medalla de Honor en la creación del es­cudo de la Provincia de Tierra de Fuego, Antártida e Islas del Atlántico Sur, entre otros. Además de la pintura y su dedicación a esta, María Con­ cep­­ción también inclina su interés hacia la artesanía y crea­ ción de objetos artesanales tales como máscaras, y por la pro­ducción textil, bien sea como tapices, alfombras o di­se­ ños de bordados computadorizados. La obra de esta artista destaca principalmente por el uso que hace del color, compositiva y técnicamente. Su pa­le­ta es alegre y creativa, y se convierte en el elemento pri­mor­­dial a partir del cual se desarrolla la composición, pa­ra dar lu­gar a una explosión en la que aparecen formas im­plí­ci­tas o suge­ ridas que ponen en marcha la maquinaria ima­gi­na­­ti­va del espectador. Predomina el gusto por el díptico y el tríp­­tico, formando series narrativas que se comple­men­tan en ar­monía, en continuidad, dando lugar a un to­do cuya per­­cep­ción no es posible sin recurrir a la sensibili­dad, un sen­­ti­do más allá de la visión mediante el que poder es­cu­char la mu­sicalidad de esta artista, que en palabras de la es­cri­tora y poe­tisa argentina Rosalía Gil, "ha triunfado en la vi­da".‡

María Concepción Serafini conceserafini@hotmail.com Mendoza 4001, (1430) Buenos Aires Argentina

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SEMINARIO, Betty. Pintora natural de Lima, Perú. Inicia su formación artística en 1981, en la Escuela Na­cio­ nal de Bellas Artes en Lima Perú, continuando posteriormen­ te sus estudios artísticos en Italia. Será allí, en Italia donde comienza su carrera expositiva, rea­­lizado numerosas muestras individuales y colectivas, y ad­­quiriendo una soltura pictórica que se manifiesta en la con­secución de premios como la Medalla de Plata del Pre­ mio Pandosia 1991 de Marano Principato, Italia o la Medalla de Plata de la Academia Internacional de arte Moderna-Ro­ ma, Italia, también en ese mismo año. Su obra se encuentra en numerosas colecciones privadas y en­tre su obra pública podemos destacar el Mural para el Pa­la­ ­cio Municipal de Scalea "Vida y Folclore", realizado en 1994. Ha trabajado en Italia ilustrando libros, carátulas, y tam­ bién ha creado sus propios personajes. En 1991 Publica su propia tira comica "Beltrilda" en Roma, Ita­lia. Ilustrará también artículos para los diarios "L’Opiniome", "Co­rriere de lo Sport" y el diario "Il Tempo", además de otras re­vistas italianas, así como de programas en medios de co­mu­nicación, entre los que podemos mencionar la Radio Te­le­visión Italiana (RAI 3), en la que trabajó como ilustrado­ ra de los programas "Fantásticamente" e "Italia Mia Benche". La pintura de Betty Seminario es de carácter figurativo, y con­feccionada en su mayoría en óleo sobre lienzo. Toma referencias andinas en sus personajes, siguiendo sus tra­diciones, mostrando su indumentaria, artesanía costum­ bres populares, haciendo gala, a menudo, de un peculiar sentido del humor mediante el que refleja su refinado senti­ do crítico, que de algún modo entronca con su faceta de ilus­tradora. Sus colmadas composiciones manifiestan su técnica y buen hacer, así como un excelente dominio del dibujo, del gesto y los recursos pictóricos y paisajísticos que dotan de profundidad a la tela. El color es vivo en todos sus matices, siempre tomado de la naturaleza y de la realidad. Una obra de excelente factura en la que Betty Seminario cap­ta el puro momento, como si de una fotografía se tratase, de­jando patente su valía artística y el placer con el que crea ca­da una de sus elaboradas obras.‡ Betty Seminario

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SILBERSTEIN, Laura. Artista plástica argentina, nacida en la ciudad de Córdoba (Ar­­­gentina). Pasó dos años de su vida en Israel, y en la ac­tua­ li­dad reside en Buenos Aires, (Argentina). Vin­culada también a las artes escénicas, se forma como pro­­fesora de Arte Dramático en el Teatro General San Mar­ tín. Su formación pictórica la adquiere en el taller "La­ti­dos" de Loty Cuadrado. En los últimos años ha comenzado a mostrar su obra, prin­ ci­­­palmente en Argentina, aunque la exposición del Centro de Cooperación Internacional Científica y Cultural de Ru­sia "Ca­sa Rusia" en el 2002, en la República Argentina, le per­ mi­tió llevar su obra, a Moscú, con un proyecto de In­ter­cam­ bio Artístico y Cultural Argentino Ruso. Participa también en el libro "El Arte Argentino Actual". La pintura de Laura Silberstein es de gran originalidad. La prin­cipal característica que en primer lugar llama la aten­ ción al acercarnos a sus creaciones, es el tratamiento que otor­ga al soporte. Habitualmente utiliza técnicas mixtas so­bre unos par­ticulares lienzos sin tensar, en los que se crean pliegues y arru­gas con la propia tela, aportando textu­ ra. Es­ta textura en­tra en el juego, administrando a la obra de con­trastes lumíni­cos y es aprovechada con los diseños, dan­ do resultados tridi­men­sionales o contribuyendo a la com­ posición. Los pliegues del soporte ascienden por la es­ce­na, resquebrajándola y ge­ne­rando tensión. La obra esta artista se engloba dentro de la figuración, aunque es inevitable percibir cierto simbolismo en los moti­ vos y escenas, en las que es habitual la presencia humana pero vin­culada al paisaje, formando parte de este. Las repre­ sen­ta­­cio­nes se enmarcan en un mundo onírico habitado por se­­res tor­turados, que dan la espalda o se muestran ajenos al espec­tador, inmersos en su propia existencia. Utiliza gamas tonales sombrías, de escaso contraste, y aun cuando aparecen colores luminosos nunca lo hacen en es­ta­ ­do puro, sino enmarcados en una mezcla de gamas, en una pin­tura trabajada y compleja de contornos difusos y un tanto te­nebrista. Evocadora y transmisora de sensaciones, la obra de Laura Silberstein brilla con personalidad propia en el pa­no­rama actual.‡

Laura Silverstein laurasilberstein1347@hotmail.com

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SOCAS, Martha. Artista argentina natural de San Juan, lugar donde ha reci­ bi­­do todas su preparación y estudios, hasta llegar a ser pro­ fe­­­sora de la Facultad de Filosofía, Humanidades y Artes, en el departamento de Artes Plásticas de la Universidad Na­cio­ nal de San Juan. En su intensa carrera como pintora y grabadora ha realiza­ do multitud de exposiciones, la mayoría de ellas muy vi­n­cu­ ­la­das a su país, donde cuenta con un importante renombre ga­nado a fuerza de trabajo, pero también otras muchas fuera de este, como en Uruguay, donde su exposición de Mon­te­ vi­deo contó con gran éxito además de con el apoyo y la aprobación de la crítica, París o Brasil. Sus muestras han sido fruto de numerosas reseñas y co­men­tarios en la prensa, destacando siempre su importante pa­­pel y la valía de esta artista. A su obra, Leonor Rigaud de Ca­­rrieri ha atribuido una "fuerte y bien lograda estructura com­­positiva, logrando una serie de ideografías de exquisita emo­tividad". Según propios comentarios de la artista, sus trabajos "tien­ den a expresar un contenido de tinte poético, a veces de fuer­te carácter literario y otras veces se acentúa lo místico a tra­vés de la simplicidad de los planos. En las dos orienta­cio­ ­nes las imágenes se convierten en un pretexto o un me­dio pa­ra "idear un juego de espacios", donde el color cumple un pa­pel esencial, permitiendo que los planos se inter­pe­­netren pro­duciendo un efecto dinámico o estático en una compo­ sición estructurada". La pintura de Martha Socas se mueve en la abstracción, uti­­lizando como únicos elementos figurativos imágenes fo­to­ grá­ficas o motivos florales, que de algún modo nos sirven de re­ferencia para crear un contraste que realza el valor de la pro­pia composición, asentándola y aportando expresividad es­tructural. La línea como elemento en su obra, según la autora, no guar­da relación con el arte geométrico, sino que es utilizada co­mo una constante en su estructura compositiva. Esa lí­nea es la encargada de aportar vitalidad y dinamismo, pa­re­ja de un uso del color en fondos planos o en ligeras vela­du­­ras y trans­parencias, en perfecta combinación con todo el conjun­ to. Una obra en la que abstracción y figuración con­viven en pre­fecta armonía junto con un matiz surrealista, y se dan apo­yo mutuo generando un resultado estudiado e inteligen­ te.‡

Martha Socas T./Fax: 0264- 4231351 Argentina

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SORONDO, Alejandro. Artista argentino, nacido en 1946. Cursa estudios universi­ tarios en Finanzas y Administración de Empresas, viéndose obli­gado a abandonarlos a causa de problemas de salud. Tam­bién realiza estudios de arte escénico, filosofía y oratoria y latín. Su vocación pictórica se pone de manifiesto a partir de 1970, momento en el que empezará a pintar de manera es­pontánea y autodidacta para formarse posteriormente, estu­dian­do arte pictórico, pintura y grabado. Los primeros dos años de esta formación tendrán lugar en la Escuela Pa­na­ me­ri­cana de Arte, y en adelante se convertirá en discípulo, pri­me­ro del profesor Julio Muñeza, durante un año, y más tarde con el profesor Peter Malenchini, junto al que pasará dos años. Interesado también por la artesanía y artes manua­ les, se­rá discípulo de Andre y Jorge Lozzi, con los que apren­ derá el trabajo de la artesanía en madera, encabados de cuchillos de campo y orfebrería. De ese modo, la mayor parte de su formación se sucede siempre vinculada al taller de un maestro, lugar en el que se fa­miliariza con las herramientas y los más refinados recursos téc­nicos que poco a poco irá llevando a su obra. Entre su amplia muestra expositiva y el reconocimiento de sus méritos artísticos, cabe destacar la exposición en dos oca­siones de su obra en el Rotary Club de Buenos Aires, ob­te­niendo en ambos casos sendas primeras menciones, además de otras en la Galería D´arte Arte Hoy, con el Club de Leo­nes o en la galería de La Trinidad.

Entre su extensa obra pode­ mos encontrar diferentes técni­ cas, como el acrílico o el graba­ do, predominando, no obstan­te, el óleo, trabajado a pincel o a es­pátula. Alejandro califica su obra de "melancólica", y dice reflejar en ella su estado de ánimo y su deseo. Siempre en busca de la perfección, la obtiene a base de incansable trabajo. Re­presenta la naturaleza en su esplendor más cotidiano, con el recogimiento y sencillez de un campo espigado. Es­ce­­nas campestres que invitan al reco­ gimiento y la la tran­qui­li­dad, con gamas cromáticas afines y neutras, y un acer­ta­­do uso de la textura pictórica que otorga rea­lismo a la obra apor­tando tri­dimensionalidad y perspecti­ va. Bellas com­po­­si­cio­nes y cui­ da­da manufactura hacen de la obra de Ale­jandro Gus­­tavo So­rondo un puro deleite para los sentidos.‡

Alejandro Sorondo alejandrosorondo@fibertel.com.ar Gral. Paunero 1790, (1640) Martínez Provincia de Buenos Aires Argentina

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SOZZI, Marta. Pintora argentina, nacida en Buenos Aires. En su formación artística destacan importantes maestros co­mo Miguel Dávila, Emilio Renart, Jorge Iberlucea y Rosa Fac­caro, entre otros, con los que adquiere gran parte de los co­nocimientos pictóricos y teóricos que posee. Así mismo, ha cursado estudios de Historia del Arte, Di­se­ ño, estética y Análisis de Obra en Argentina, España y Nueva York. A lo largo de su extensa carrera, Marta Sozzi ha realizado más de 200 exposiciones en Argentina y fuera de su país, en las que ha mostrado su obra, labrándose un merecido pres­ tigio artístico. Este prestigio será el que le lleve a ser con­vo­­ cada como Jurado Internacional y ha coordinar numerosas muestras de artistas internacionales argentinos e interna­cio­­ nales de primer nivel, con las que ha contribuido a que gran­des artistas obtengan el reconocimiento merecido. Ha sido Representante en Buenos Aires durante cinco años del Museo de Arte La tinoamericano de Florida, y actual­men­­te es Representante en Argentina de Jadite Galleries, en Nue­va York. Cuenta con numerosos premios, entre los que podemos des­tacar los más recientes: en el año 2001 recibió el Premio a la Trayectoria en Artes Plásticas "Estrella Académica Uni­ ver­­sal" otorgado por la Transacademia (Instituto Universal de las Naciones) y la OMHS (Obra Mundial pro Humanidad Solidaria), mismas instituciones que le otorgaron un año después, en el 2002, la Carta Credencial de "Embajadora de la Humanidad Solidaria", con destino Italia. La obra de esta prestigiosa pintora forma parte de numero­ sas instituciones en todo el mundo, así como de innumera­ bles colecciones privadas en España, Italia o Nueva York. Marta Sozzi sigue los caminos de la figuración, por los que se mueve con la desenvoltura del talento y la experien­ cia. Su manejo del pincel es una comunicación continua de su intelecto y su sensibilidad. Una comunicación que tiene por resultado la manifestación en forma y color de la espiri­ tua­lidad que esta artista destila y con la que colma cada uno de sus proyectos.‡

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STADT KELLER, Rosita. Pintora natural de Buenos Aires, Argentina, donde también reside, es­ta destacable artista plástica se formó en el conoci­ miento de las técnicas pictóricas asistiendo a diferentes cursos de pin­tura y dibujo en los Museos Nacionales de Bellas Artes y de Arte Decorativo argentinos, además de estudiar en distintos talleres al lado de prestigiosos maestros, aprendiendo de su trabajo directa y dedicadamente. Sus creaciones han formado parte de decenas de expo­si­ cio­­­nes, tanto en las principales salas de Buenos Aires como fue­­ra de esta capital, en diferentes ciudades iberoamericanas y europeas. Su obra ha recibido el inevitable reconocimien­ to que merece, a menudo reflejado en premios y men­cio­nes, co­mo la Mención en Pintura del Salón "Crisis Ar­gen­tina 2002 de Pintura y Escultura", en el Estímulo de Be­llas Artes, la Mención de Honor del IIº Salón Nacional de Plás­tica "Gran Premio Raúl Sodi 2001", en el Museo Roca, o la Men­ ción en la Galería Núcleo de Arte "Gran Arte en Pe­queño For­mato". Algunos de sus cuadros pueden admirarse en distintas ins­ ti­­tu­­ciones, como en la Embajada de la República Argentina en Atenas. Así mismo su nombre aparece en gran cantidad de biblio­ gra­­­­fía, como una de las más destacadas artistas pictóricas ar­­gentinas. La obra de Rosita Stadt es una invitación a adentrase en un má­­gico paraíso de enormes y delicadas flores que crecen an­te nosotros de la semilla del óleo, sinceras y casi místicas. Es­te es el motivo predominante en su obra y que domina de forma magistral, con un tratamiento minuciosamente natura­ lista, pero inserto, sin embargo, en una atmósfera en­so­ña­do­ ra. Sus flores poseen la belleza de la propia natu­ra­­leza, hasta el punto de conmover. Sus flores hablan, ríen y lloran. Nos abren aterciopelados pétalos trabajados con un juego cro­ má­­tico y lumínico exquisito, a base de amplias ga­mas cro­ má­­ticas naturalistas y serenas que continúan en los fondos, tra­tados como abismos desenfocados que centran la aten­ ción en el motivo central: la propia flor. Una pin­tura reflexi­ va y estudiada que transmite la belleza de la na­­turaleza con una imposiblemente cierta fidelidad en to­dos sus detalles.‡

Rosita Stadt Keller rositakeller@latinmail.com Rep. Arabe Siria 2659 10ºB (1425) Buenos Aires, Argentina

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STORNI, Sol. Artista plástica argentina nacida en Buenos Aires en 1970. Pa­­­sará su infancia en las afueras de su ciudad natal, en un en­­­torno muy vinculado a la naturaleza, para a los 18 años partir a recorrer el mundo. Practicante de yoga y viajera in­can­­sable, ha vivido en diferentes lugares como Brasil, Chi­ le, Me­jico, República Dominicana, Estados Unidos e Italia, re­­co­rriendo más de 28 países e islas, lugares que junto a su nó­­ma­da estilo de vida han ido influyendo y marcando su obra ar­tística, que no sólo se centra en la pintura, sino que tam­bién busca la expresión por medio de la poesía. Artes en las que prima la comunicación, la necesidad de vaciar el alma y de narrar aquello que conoce por medio del lengua­ je con el que mejor sabe transmutar sus experiencias, el len­guaje del pincel y el verso, para ponerlas al alcance de to­­do aquel que sepa mirar más allá de lo que sus ojos ven. Su formación en la pintura y el dibujo ha sido de carácter au­­todidacta hasta conocer a la también artista Beatriz Pe­rei­ ra para pasar a convertirse en su alumna. Durante su es­tan­­ cia en Firenze, Italia, tuvo ocasión de estudiar con el maes­ tro Alessandro Berti. En la actualidad trabaja en su atelier de Carmen de Areco y en su estudio de La Lucila, en Buenos Aires. Las creaciones de Sol Storni han sido expuestas en nu­me­ ro­­­­­sos lugares, desde Buenos Aires a Praga, y forman parte de im­portantes colecciones privadas. Su obra se compone de técnicas que abarcan desde el óleo, al acrílico o las técnicas mixtas, siempre en constante in­vestigación y búsqueda, reflejo de lo que han sido sus pro­ pias experiencias vitales, del conocimiento de diferentes lu­ga­res, culturas y estilos de vida. Hace gala de un excelente dominio del pincel que da lu­gar a una obra de gran personalidad, en la que prima una cru­­de­­za bruta de enorme carga simbólica. Se inclina por to­na­­li­­dades oscuras y frías en las que la pincelada y los jue­ gos lu­­­­mínicos hablan por sí solos. Rostros difusos, asimétri­ cos, de expresión misteriosa nacen de la propia materia pictórica a medida que esta es dispuesta sobre el formato. Ojos que mi­ran sin pudor al espectador y le muestran su cruda rea­li­­dad en una pintura sincera que no se esconde, que se muestra tal y como es. Una ventana hacia el abismo, en el que flu­­ye sufrimiento y palpita la vida, a partes igua­ les.‡

Sol Storni storni@solstorni.com Rioja 3117, (1036) Olivos. Provincia de Buenos Aires Argentina

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SUAZNABAR Solari, Marcelo. Pintor nacido en Bolivia en 1970. Inicia su formación artís­ ti­­ca asistiendo a clase de pintura en la Escuela de Arte de Es­tu­­dios a Distancia en la Universidad Católica de Chile. Con una amplia trayectoria artística ha expuesto su obra en múl­ti­ ples galerías y centros, en diferentes ciudades Bo­li­via­nas y la­ti­noamericanas así como en países fuera de La­ti­noa­mérica, ta­­les como Canadá, Estados Unidos, Alemania, Ita­lia, Brasil, etc. A lo largo de su carrera ha contado con importantes distin­ cio­­­­­nes entre las que podemos citar la Mención Especial del SIART 99 en el Museo Nacional de Arte Internacional de La Paz, Bolivia, y con anterioridad, la Condecoración de la Me­sa Redonda Panamericana de Oruro, Bolivia, la Primera Me­dalla artística por el DIDEJU, también de Oruro, o el Di­plo­ma de Honor del centro de Estudios a Distancia de la uni­ver­si­dad Católica de Santiago de Chile, en la que se for­ mó, en­tre otros. Su obra forma parte de las principales colecciones y mu­seos de Bolivia y de países como Canadá, Estados Unidos, Ita­­lia, España. Francia, Argentina... Según comentarios del crítico de arte Pedro Quejerazu, "el ar­­te de Suaznabar es un discurso sin complejos, porque tra­ ba­­­ja con varios textos superpuestos. Aparentemente vincu­la­ ­da con el mundo onírico del superrealismo, es en realidad una construcción consciente de utopías en las que creer, mues­tra el pesimismo del fin de siglo y el inminente ca­ta­clis­ mo milenarista". Influenciada por artistas como Salvador Dalí y Frida Kalho, y a su vez tributo a estos creadores, la pintura de Marcelo Suaz­­nabar mezcla el mundo onírico con el medievalismo, creando una iconología simbólica a base de colores puros en los que priman los rojos en contraste con tonos neutros, apa­­gados. Destaca una esmerada profusión de detalles con la crudeza propia de los antiguos flamencos, pudiendo to­mar como referencia la simbología de El Bosco y sobre to­do, la fantasía daliniana en su máximo esplendor. Una obra de con­­notaciones casi religiosas, o cuanto menos mís­ ticas, que re­fleja cierta vinculación formal hacia los Siglos Os­cu­ros apre­ciable en el trazo, el color y la composición, la apa­­ri­ción de bandas con inscripciones, etc, del mismo mo­do, que se pueden apreciar cierta relación con la ilustra­ ción libraria de la época, y en especial con los Co­men­ta­rios al Apo­ca­­lip-sis, conocidos popularmente como Beatos. Nue­­vos comen­ta­­rios de un Apocalipsis que quizás el artista vea en estos nue­vos tiempos de cambio.‡

Marcelo Suaznabar Solari m_suaznabar@yahoo.com C. Petot Nº 1690 Sucre, Oruro Bolivia

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TADEY, Osvaldo. Artista argentino, pintor y diseñador gráfico. Nacido en Bue­­nos aires, en 1936, inicia su formación de la mano de re­co­nocidos maestros, empezando por Cecilia Marcovich y con­tinuándola posteriormente junto a Emilio Renant. Tam­ bién se formará teóricamente asistiendo a cursos de Es­té­tica y Artes visuales, con Oscar Massota, y de Intro­duc­ción a la Crea­tividad, con Emilio Renant. También él mismo ha participado como docente, en el Cur­­­so aplicado a las Artes Gráficas, en la Fundación Gu­tem­ berg. Desde 1969 su obra se ha dado a conocer en un sinfín de ex­­posiciones y muestras, y cuenta también con importantes pre­mios obtenidos a lo largo de los años, comenzando es­tos re­conocimientos en 1970, con la medalla de oro de la Aso­ ciación de Dibujantes, para continuar con una larga lis­ta de re­conocimientos hasta llegar al más reciente, el Pri­mer Pre­ mio de Pintura del Salón Mercosur en 1998. Sus creaciones han sido comentadas y elogiadas por dife­ ren­tes críticos de arte, entre los que podemos citar, entre otros, a Osiris Chiérico, Alfredo Andrés o Hugo Monzón. La pintura de Osvaldo Tadey es de una complejidad que sur­­ge en la propia idea y que permanece hasta la última pin­ ce­lada. Una pintura difícil, muy trabajada y meditada. Pa­re­ ce que el pincel fuese una parte más de su anatomía, una ex­tensión de su propio cuerpo: lo conoce y lo domina, lo mue­ve a su antojo y este responde siempre. Sus obras son tenebristas, pueden ser figurativas o abstrac­ tas, no importa, es un dominio de la pintura que trasciende gé­neros. Trabaja colores, unas veces puros, siempre en per­ fec­ta concordia. Cuadros que denotan sentimientos y pa­sio­ nes a través de una pincelada suelta, vibrante, de gran ex­pre­ s­­i­vidad que se entremezcla con estudiados contrastes cro­ má­ticos, con una oscuridad que a ratos combate con la luz, re­partiéndose el lienzo, creando equilibrio. Llaman la atención sus fondos: cae en estos el peso de la re­­presentación, y son estudiados y calculados para acogerla y proporcionar un marco incomparable que hacen resaltar la es­cena. Un conjunto pictórico de un maestro experimen­ tado que se comunica con la pintura de igual a igual y así lo tra­duce en su obra.‡

Osvaldo Tadei (Argentina)

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TARRAC, Ángel. Escultor nacido en Barcelona, España, en 1898 y nacio­ nalizado mejicano. Hijo de Josep Tarrac, escultor que trabajó en 1910 en la res­tauración de la catedral de Barcelona, ya en 1913 inicia su formación plástica junto al maestro Albert Atché en la Aca­demia de Bellas Artes La Lonja de Barcelona. Continúa sus estudios en Madrid y en París, asistiendo al taller del dis­cí­­pulo de Rodin Josep Clará. En su país natal, Ángel Tarrac for­­mó parte del Nou Ambient y del Grupo de las Artes y los Ar­tistas, siendo también fundador, y secretario administrativo del sindicato de Artistas, Escultores y pintores de Ca­ta­lu­ña. Durante su estancia en España, cosechó mere­ cidos éxitos y reconocimientos por su valía, llegando a participar en una novedosa exposición, en 1936, durante la Guerra Civil Es­pañola, en la que esculpió y modeló más de setenta es­cul­turas y retratos creados ante el público. En 1939 será retenido en un campo de concentración en Fran­cia y del que fue liberado por el gobierno francés para que realizara el Monumento a la República Francesa, en Ag­de, monumento para el que ya había sido seleccionado en 1936, tras recibir la Medalla de Oro de la Exposición Na­cio­nal Española y crear una fuente monumental en Bar­ ce­lo­na. Al finalizar dicho monumento, parte a Méjico, donde re­cu­pera su espíritu creador, y donde fallece, en 1979. La imparable carrera de Ángel Tarrac está poblada de triun­fos, premios, exposiciones y monumentos públicos, en­tre ellos la designación para producir "El Miliu", escultura monumental en bronce en honor a los estudiantes, para los jardines del Templo de la Sagrada Familia de Gaudí, Bar­ce­ lona, el Primer Premio en el Concurso Nacional del Par­ti­do Mejicano con un altorrelieve en piedra de 23 me­tros de lon­gitud bajo el título "El Nacimiento de Méjico", o la escul­ tura en bronce del Presidente de los Estados Unidos Abra­ ham Lincoln, de cuatro metros de altura en Ciudad Juá­rez, Chi­huahua, Méjico, por citar alguna de sus obras más co­no­ cidas, sin desprestigiar ninguna de las muchas otras. La gran protagonista de la obra de Ángel Tarrac fue la fi­gu­ra humana, tema que trató de manera realista o abstrac­ ta, pero que siempre ocupó sus obras: jóvenes, figuras fe­me­ninas y masculinas, bustos, retratos... dominando siempre una forma rotunda y voluptuosa, con movimiento y ex­qui­sitos acabados. Una forma viva que palpita dentro del ma­terial, dotándolo de gran calidez, haciendo que su obra res­pire, e invitándonos a respirar junto a ella.‡ Angel Tarrac (España- Cuba) angeltarrac@att.net 3556 Dorchester Dr. San Diego, CA 92123 USA

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B. DE TIANO, Alicia. Artista plástica argentina nacida en 1940. Dedicada profe­ sio­­nalmente al mundo de la justicia, ha sido escribana, abo­ ga­­da, ex fiscal nacional de primera instancia en lo criminal y ex juez nacional de primera instancia en lo criminal de ins­truc­­ción. Pese a estos antecedentes profesionales, no ha faltado en la vi­da de Alicia una sensibilidad artística que ha ido de­sa­ rro­­llan­do paralelamente a su carrera profesional. Podría de­cir­se que esta sensibilidad se materializa con su forma­ ción en los es­­tudios de dibujo y pintura al lado de la profe­ sora Ale­jan­dra Clerici Arias, y que ha ido creciendo para llegar a ser al­go más que una mera afición. Convirtiéndose en una reconocida pintora, su carrera artís­ti­­­ca le llevará a participara además en gran número de ex­po­si­­ciones muestras, como en el Salón Felix de Amador, de Pin­­­tura en Vicente López, en el Centro de ExBecarios de la O.E.A., y más recientemnte en el estudio Rich Espacio de Ar­­te. También aparece en el CD 2001 de pintores argentinos pa­trocinado por el Centro de Ex Becarios de la O.E.A., y en la edición del 2002 del libro "Argentina en el Arte". De la obra de esta artista, su propia profesora, Alicia Cle­ ri­ci Arias, dijo, en la presentación de la muestra realizada en el Cen­­tro de Ex Becarios de la O.E.A.: "en los cuadros de Ali­cia Tiano encontramos una sabia combinación de obser­ vación, creatividad y comunión con la naturaleza a la que tan bien y personalmente representa". Sus pinturas son la más viva representación del apogeo de la naturaleza. Paisajes boscosos, arboledas, montañas, es­ce­ na­rios llenos de luz y colorido, un estallido de color vi­bran­ te y cálido, repleto de rojos, naranjas, amarillos, verdes, ocres... con un excelente uso de la mancha pictórica, que con­tribuye al realismo de la representación. Trans­mi­ten el am­biente de cada momento representado: el otoño, una tor­ men­­ta, un atardecer... nos adentra en la escena, res­pi­­ramos en ella, sentimos la brisa, el crujir de las hojas bajo los pies. Series paisajistas novedosas, de acertada composición, ale­gres y sosegadas, que llenan los ojos y engrandecen el al­ma, llenándola de ganas de descubrir esos paisajes que Ali­cia Tiano nos acerca con su obra, y que sólo ella cono­ ce.‡

Alicia Tiano Segurola 1255 Piso 6ºA, 1638 Buenos Aires T. 54 11 4791- 2240 Argentina

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TORRES Borrego, José Rubén "TORREGO". Artista mejicano nacido en Monterrey, en 1973. Su formación en artes plásticas se inicia en 1999, diplo­ mán­­­dose en el Arte del Grabado, estudios cursados junto a Yo­­landa Mallorquín, y recientemente, en el año 2002, estu­ dia Bellas Artes en el California Collage of Arts, en San Fran­­cisco, California. Tam­bién participa en numerosos cursos y talleres: estudia Fi­­gura Humana con Marcia Salcedo, Técnicas Mixtas de Pin­­tura en el Taller de José Guerrero, Estudio y Expe­ri­men­ ta­­ción Libre de Pintura en Técnicas Mixtas, Museografía, Ar­­te Hispánico y Colonial, Arte Alemán, y Fotografía. Ha realizado exposiciones de fotografía, ha sido guía de ga­­lerías, asesor de Arte Contemporáneo, presentador y co­mi­­sario de exposiciones individuales y colectivas para las que también ejerció de crítico, fue galerista de la galería de Ar­te Pictör 202, en Méjico, y posteriormente Director de Sip (Servicios Integrales Pictör 202), en el que se ofrecen los servicios de distintos profesionales plásticos así como la or­­ganización de eventos masivos a nivel nacional e inter­ na­­cional. Además cuenta con una extensa formación en artes es­céni­cas: ha estudiado teatro, danza, canto, actuación... dis­ci­­pli­nas con las que tiene una amplia y exitosa experien­ cia pro­­fesional, a pesar de su juventud, que lo convierten, jun­to a sus inclinaciones plásticas en un polivalente y polifa­cé­­­­tico artista de óptima formación. La obra de José Rubén "Torrego", nombre artístico con el que gusta firmar, encierra una figuración de carácter sim­ bo­­­lista. Invita al silencio, a la ensoñación, es un medio de trans­­porte hacia tiempos pasados, de cartas amarillentas y ro­­sas, tiempos de romanticismo. Este carácter de antigüe­ dad es acentuado con unos colores que evolucionan en la mi­s­ma gama, trabajados, como si llevasen consigo la páti­ na del tiempo. Contribuye a esto la utilización de la escri­ tu­­­ra, que se superpone a la obra, o se transparenta sobre es­ta como si alguien hubiese dejado su misiva escrita en el re­­verso. Escritura que puebla los rostros, en los que Torrego ma­­nifiesta su dominio del dibujo, para que podamos leer en ellos, y que a un tiempo relata el gusto del artista por la li­­te­ratura y el teatro.‡

José Rubén Torres Borrego jrtorres_borrego@hotmail.com México

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TORRES, Berenice. Artista plástica mejicana. Nace en Arcelia Guerrero, en 1967, y reside desde los 5 años en Ciudad de Méjico. Allí es­­tu­dia danza y teatro en el centro cultural Ollin Yoliztli, y pos­­te­riormente se licencia en Artes Visuales en la Escuela na­­cio­nal de Artes Plásticas. Completa sus estudios asistiendo a ta­lle­res de narrativa, danza, pintura, xilografía y escul­tu­­­ra. Su obra ha sido mostrada en más de 20 exposiciones en dis­­tintos lugares, tanto en Méjico como en el extranjero, des­ ta­cando sus muestras en Estados Unidos: Chicago, Nue­va York o San Francisco. También forma parte de numerosos ca­tá­logos, libros y demás publicaciones. Cuenta con merecidos premios y distinciones, como el "Re­­­co­nocimiento al Talento", otorgado por el museo Gu­ggen­ ­­­heim de Nueva York al programa del que fue instructora "Aprendiendo a Través del Arte", el 3º premio del "In­ter­na­ tional Snowl Sculpting Competitions" de Fran­­ken­munth, USA) o la Mención Honorífica en la primera Bienal In­ter­na­ cio­nal de Juguete Arte-Objeto. Igualmente ha sido re­co­no­ci­ da con la beca "Jóvenes Creadores" (FONCA), en pintura y en obra gráfica. Ha colaborado como ilustradora infantil y juvenil, apare­ ciendo en varios catálogos que recogen artistas de este gé­ne­ro. La obra de Berenice Torres parte de un minucioso trabajo que comienza en la realización de las propias tintas, a base de tierra. Grabados y xilografías de cuidadosa factura e im­pe­­cable resultado. Su uso de las tintas y del papel, japo­ nés o ne­palés, es racional, equilibrado. Tiene algo de orien­ tal en la gra­fía, presente también en los materiales. Este orien­ta­­lismo se percibe en el equilibrio de los elementos y la dis­po­­­sición de estos, dando lugar a unas composiciones abs­ trac­tas hasta la mínima expresión, compensadas y armóni­ cas.

Su trabajo es cuidado y preciso, refinado. Presenta un gus­ to y un vínculo por y hacia la artesanía en los acabados que de­nota buen gusto y buen hacer, así como la seguridad de quien cree en lo que hace. Una obra cálida dentro de la rigurosidad y concentración en la propia forma, de la que extrae la esencia pura y sin artificios ni sobrecargas.‡ Berenice Torres bereta9@hotmail.com Departamentos Viky Nº7 La Loma, 61600 Pàtzcuaro, Michoacàn. T. 014 433 737 390 México

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VALTIER Zulma, Savio. Artista textil natural de la provincia de Mendoza, Ar­gen­ti­ na. Con talento y buena iniciativa, Zulma Savio supo valorar un antiguo e intenso legado familiar sobre técnicas de bor­ da­­­do, que de no ser por su propio interés posiblemente se hu­­bieran perdido con el tiempo, como suele ocurrir a me­nu­ do con las prácticas artesanas de nuestros antepasados. Zulma supo ver las posibilidades artísticas que el textil ofrece, y se decidió a perfeccionar esos conocimientos par­ ti­­ci­­pando en diversos talleres dentro y fuera de su país. Res­ ca­tó así el artesanal bordado y lo convirtió en arte. Ha participado en gran número de exposiciones, en las que nun­ca ha pasado desapercibida, a nivel nacional e in­ter­ ­na­­cio­­nal, destacando la llevada a cabo recientemente, en el 2002, en la Jadite Galleries de Nueva York. Así mismo, su obra ha recibido merecidos galardones otorgados por distintas instituciones, como el Diario del Via­ je­­ro, la Transacademia del Instituto Universidad de las Na­cio­­­nes, la OPYC (Organización de Pueblos y Culturas), y cuen­ta con el Premio Arte Textil de la galería Opus Alfa. La impresionante obra de Zulma Savio está confeccionada a base de hilo de lana trabajado sobre sarga, lino o algodón. Es­ta técnica tiene su inicio en el siglo XIV y está enormemen­ te enraizada con el arte y la artesanía latino­ame­­­ricana. La propia artista reflexiona sobre su obra "trato de llevar so­­bre la tela lo que la naturaleza me brinda con una perso­ nal in­­­­terpretación de formas y colores, respetando las anti­ guas téc­­­nicas". Con delicadeza y dedicación, Zulma recrea paisajes, aco­ ge­­­dores interiores, coloristas mujeres de indumentaria tra­di­ cio­­nal. Abre perspectivas que nos introducen en la escena, tra­za composiciones equilibradas y sosegadas, juega con el cro­­matismo y el brillo colorista que ofrece el hilo, do­mina va­riedad de puntos con los que va modelando las for­mas... to­do ello con el sumo detalle y realismo que ha­cen de su obra una labor de minuciosa entrega, una obra que encierra el buen hacer de quien cree en lo que hace y dis­fruta con ello.‡

Zulma Savio Valtier atripodi@argenfrio.com.ar Mendoza 1925, 1ºA (1428) Buenos Aires Argentina

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VAN DEN ELSAKKER, Elgen. Nacida en Haarlem, Holanda y residente en Buenos Ai­res, Ar­gentina, desde 1978, esta artista cuenta con una lar­ga ca­rrera artística que se inicia en 1970, cuando comienza sus estudios en la Academia Gerrit Rietveld, en Ámsterdam, Holanda, en la que se diploma en las especialidades de grabado y litografía. Sus exposiciones ya comienzan en Holanda, donde es pre­­mia­da con la adquisición de 3 de sus obras en el con­cur­ ­so Mu­nicipal de Ámsterdam, que serán expuestas en los mu­­seos Fodor y Stedelijk. Residirá en Nueva York, donde es­tudia pintura y escultura en la Universidad de Long Is­land. Tras su traslado a Buenos Aires, continúa con las muestras en diferentes salas argentinas, y recientemente ha ex­puesto en la Jadite Gallery de Nueva Yok. Ha realizado también ilustraciones para publicaciones tra­ ­ba­­jando como diseñadora de azulejos. Cuenta con multitud de premios y reconocimientos co­mo el Primer Premio de Grabado del II Salón "Nuevas Imá­ge­­ nes", la Mención de Honor de litografía en el III Salón Na­­ cio­nal de Arte Contemporáneo 1996 de la Casa de Cul­tura de San Isidro, o la Mención de Honor del Jurado en el I Sa­lón de Pintura y Dibujo Argentino, entre otros, que avalan la carrera de esta artista. La obra de Elgen Van Den Elsakker tiene un dulce carácter in­timista. Domina diferentes técnicas, pero en su con­jun­­to hay que destacar un excelente dominio de la acuarela, que es tratada con gran soltura, dando lugar a ricos y vis­tosos aca­bados con cierto toque mágico y sutil y una pa­­le­ta va­ria­ da de gamas afines para cada ocasión. El agua tiene gran protagonismo en su obra, tanto por vis­ tas marítimas como por representaciones de puertos y bar­ cos, tratada con ligereza, con luminosidad, por medio del acertado uso del color y de la capacidad técnica de la artis­ ta. Recrea reflejos e introduce vitalidad a la escena. Contemplamos una pintura rápida y tenue, de aspecto frá­ gil pero segura de sí misma, estudiada, que juega con la sa­­tu­ración y con la aguada, que se mueve libremente por el pa­pel formando escenas volátiles, tenues paisajes, como un apacible sueño del que no queremos despertar.‡

Elgen Van Der Elsakken (Holanda – Argentina) elgenv@yahoo.com Arenales 1696 (1061) Buenos Aires Argentina

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VASQUEZ, Jaime. Pintor peruano. Su formación artística tiene lugar en la Es­cue­la De Bellas Ar­tes de Lima, en la que se gradúa en dibujo y Pintura, disci­plinas en las que ejerce la docencia, siendo ac­tual­mente pro­fesor de Bellas Artes en Lima. En su formación pic­tórica tam­bién ha contado con maestros de la talla de Eduardo Gas­telú Maccio, discípulo de Dalí, con el que aprendió mu­chas de las técnicas que actualmente contem­pla­mos en su obra. Ha realizado numerosas exposiciones, mediante las cua­ les su obra se ha dado a conocer en toda Lima, Caracas, Bogotá y Puerto Rico. Entre sus exposiciones más destaca­ bles podemos mencionar la muestra titulada "Tres Artistas"llevada a cabo en la Galería Schwartz & Martínez, en Coral Gables, Mia­mi, Estados Unidos y la muestra desa­ rrollada en el Mu­seo de las Américas de San Juan, Puerto Rico. Su obra forma parte de importantes colecciones de ámbito público y privado, que sentencian la valía y aceptación de este artista por parte del público y de la crítica. Jaime Vasquez, creador de formas que navegan en el mun­do onírico del surrealismo. El propio artista resume su gus­to por la investigación en estas forma afirmando: "me gus­ta hacer reales visiones inexistentes". Esa peculiar sentencia explica cómo en la obra de este ar­tis­ta observamos la configuración de formas que nacen de la tra­dición y del ensueño, de la fantasía, del mito, traducién­ do­­se en algo tan real como la fotografía de un sueño, de una idea, de una creación. Cuidadoso en las composiciones, sus colores son trabaja­ dos con aplomo y pincelada grácil, para dar lugar a unos es­ce­narios donde la luz ilumina, donde la sombra oscurece y don­de el resultado es un todo equilibrado dotado de la plas­ti­­cidad y del volumen de una escultura clásica. Es inevitable apreciar rasgos dalinianos en la obra de este ar­tista, del mismo modo que es inevitables reconocer su propia personalidad que se manifiesta en cada imagen que con­fi­­gura su estilo personal, cada escena que configura su sue­ño, su deseo. Jaime hace gala de un excepcional dominio del dibujo, me­diante el que configura escenas a caballo entre lo legen­ da­­­­­rio y el futurismo, una modernización de mitos que son cap­­­turados e insertados en una atmósfera que avanza en el tiempo y toma connotaciones cercanas a la ciencia-ficción, imposibles pero a la vez tan posibles como este artista las crea, convirtiéndolas en realidad bajo los parámetros de la pin­­­­tura.‡

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VEGA, Mónica. Nace en Buenos Aires, Argentina. Estudia Técnicas de Di­bu­jo y Pintura Tradicionales en el taller de Stella Sidi, en el que actualmente continúa estudiando Análisis de Obras. Cuen­ta además con una variada formación general sobre ar­­­te, entre los que destacan cursos anuales de arte, tanto An­ti­guo como Medieval, Moderno y Contemporáneo, así co­mo de Estética, y otra gran lista de cursos más breves, en su ma­yo­ría realizados junto a la Asociación de Amigos del Mu­seo de Bellas Artes. La propia Stella Sidi le ha atribuido la capaci­dad de "relatar el dolor de la piel, de la carne, con gran canti­dad de materia lograda con arena". A lo largo de su trayectoria también ha realizado multitud de exposiciones tanto individuales como colectivas en las prin­­cipales salas y galerías de Argentina, para llegar hasta Ale­­mania, donde expuso en el Instituto de Arte St. Matthias Ko­­lleg. La obra de Mónica Vega parte de la técnica mixta, en la que cabe destacar el uso de la arena, así como otros elemen­ tos metálicos que son adheridos y dan forma a la composi­ ción. Estos novedosos materiales reciben también tra­ta­­mien­ to pictórico, dando lugar a aun resultado de suma ori­gi­na­li­ dad que puede adscribirse al movimiento neoin­for­malista. Encontramos así una mezcla de texturas y de colores que co­­munican con su aparentemente azarosa disposición y que con­trastan entre sí potenciándose. Las gamas cromáticas es­tán acorde con la materia, inclinándose por tonos y co­lores afi­nes con la tierra y con los pigmentos más afines a esta. El empleo de este tipo de elementos como tuercas, clavos, tor­­nillos, etc, se carga de una expresividad dura, frente a la sua­­vidad del grano de arena y de las naturales texturas que sur­­gen a partir de este. Observando su serie "Pieles", vemos có­­mo entran en la composición con la tensión y frialdad del me­tal, añadiendo también connotaciones industriales, y ha­blan de dolor, portando el peso de la parte más expre­si­­va. Un mundo mecánico que choca de lleno con la suavi­­dad y ho­mogeneidad de la composición, la quiebran y to­man pro­ ta­­gonismo, rompiéndola, hiriéndola, como a la pro­pia car­ ne, como a nuestros sentidos.‡

Mónica Vega vega@artea.com.ar Hipólito Irigoyen 1566 – 15ºB, Buenos Aires Argentina

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VILLALOBOS, Elsa. Pintora natural de Salta, Argentina. Ha cursado estudios de Dibujo y Pintura, así como de His­toria del Arte y Fundamentos Visuales, todos ellos lleva­ dos a cabo entre 1990 y 1995 en el Taller de las Artes de la Pro­fesora Maria Eugenia Pérez. Desde ese inicio, en 1990, hasta la actualidad, ha reali­ za­­do también distintos cursos de capacitación para artistas en el área de las Artes Visuales, a medida que ha ido con­ for­­mando su obra y su estilo pictórico. Elsa Villalobos ha participado en múltiples concursos na­cio­nales y bienales nacionales, regionales y provincia­ les, ade­más de mostrado su obra en numerosas muestras y ex­po­siciones, en las que ha contado con notables éxitos. Varias de sus obras forman parte de colecciones e institu­ cio­nes públicas, como el Museo Provincial de Bellas Artes "Arias Rengel" de Salta, o la Colección de Arte de la Fun­ da­ción del Canal 11 de Salta, y de colecciones privadas en Es­paña, Argentina y Estados Unidos. Su particular pintura y su gusto por la iconografía de tra­ di­­ción americana, le ha valido palabras como las de la pro­fe­­sora Sylvia Saez: "toda América emerge, en tiempos si­mul­táneos y pulsaciones rítmicas, a través del color espa­ cial y enérgico de la obra". La obra de Elsa Villalobos presenta la traza de una cos­ mo­­gonía propia, por la que la propia autora se adentra, y la recorre con la luz de su pincel. Animales y tótems, caminos celestiales y formas imaginarias pueblan sus composi­cio­­nes y recogen la estética de sus antepasados, su icono­gra­fía, para rescatarla y enriquecerse con su actualidad formal. El color de Elsa es trabajado, envejecido, cálido, aplica­ do con rapidez y con precisión, como si él mismo tomase la decisión de cómo y dónde situarse. Trazos geométricos se inmiscuyen y se reparten el lienzo, interrelacionándose y generando planos autónomos: una composición sobre otra composición, con validez propia, pero unidas, aunan­ do sus fuerza en la consecución de una pintura trabajada y personal, de gran simbolismo, que sabe tomar de tiempos pasados para crecer en los futuros.‡

Elsa Villalobos elsavillalobos@hotmail.com La Madrid 536, 4400 Salta Capital Argentina

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VILLANUEVA Blanco, Carlos. Artista plástico residente en Ma­drid, España, aunque na­ci­do en Buenos Aires, Argentina, en 1956. Será allí donde, muy pron­ to, en torno a los 10 años de edad, comenzará sus andanzas en el mundo de la pintura, prime­ ramente de for­­ma autodidacta y más tarde estudiando Bellas Artes en Bue­­nos Aires. En 1980 se tras­ lada a Madrid, donde continúa su preparación en la Academia Peña y donde también asis­­te a diferen­ tes cursos mientras continúa desarrollando su obra pictórica. Estudiará técnicas de Ilustración con ae­ró­­grafo en la Academia CEV de Madrid, diseño gráfico e ima­­gen digital, interesado por las nuevas técnicas aplicadas al arte, a la vez que realiza ilustraciones para editoriales y se prepara tam­ bién en publicidad y marketing. En 1999 decide centrarse en la pintura y desde ese mo­men­to su investigación formal y plástica es imparable, in­gre­san­­do en la Universidad Complutense de Madrid para es­tudiar Be­llas Artes. Es a partir de este reciente

momento, cuando co­mienza a sacar todo cuanto ha ido adquiriendo du­rante el paso del tiempo, para volcarlo en una obra pi­c­tó­­rica do­minada en su mayoría por el uso del acrílico, pero en la que también están presentes las técnicas mixtas. Igual­­men­te será ahora cuando empezará a dar a conocer sus crea­cio­nes por medio de exposiciones, configu­ rándose así la fi­gu­ra de un artista que ha estado guardado silencio, pa­ra em­pezar a gritar con un idioma bien estudia­ do y asi­mi­­lado du­rante todo ese tiempo. La pintura de Carlos Villanueva es madura y razonada, di­fí­ c­ il de catalogar por su variedad expresiva, pero homogénea en sí misma en cuanto a calidad compositiva y de tra­ba­­jo. Domina el color y sabe crear ex­­plosiones por medio de la sa­bia combinación de gamas cro­má­­ticas, pero también pue­ de uti­­lizarlo de modo más sobrio, qui­zás más íntimo. Sa­be jugar ade­más con la pintura, haciendo que se torne li­ge­ra o cargada en fun­ción del resultado pretendido, e intro­du­ ciendo luminosidad me­diante estos juegos de saturación y transparencia. De su pin­ce­­lada suelta y atrevida surgen com­ ­posiciones a veces un tanto sim­bólicas, que simulan uni­ver­ sos ajenos y se abren más allá de los geométricos en­re­jados que a menudo aparecen en sus pin­turas, aportando equili­ brio así co­mo serenidad lineal.‡ Carlos Villanueva Blanco (Argentina - España) carlosalbervill@eresmas.com C/ Sisebuto 9, 4 Iz, (28011) Madrid. España

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VILLEGAS, Olger. Escultor natural de Costa Rica. Atraído desde su infancia por el mundo del arte, a los ca­tor­ce años se inicia en los talleres de reconocidos maes­ tros co­mo Manuel Zuñiga, Néstor Zeledón, José Zamora (hijo), Fran­cisco Baez y Juan Rafael Chacón. Tras finalizar el bachillerato en la Academia de Ba­chi­lle­ rato por Madurez del Ministerio de Educación Pública, Ol­ger Villegas ingresa en la Universidad de Costa Rica en 1951, en la que se licencia en Artes Plásticas en la especiali­ dad de Escultura, y obtiene el título de "Profesor de Estado de Artes Plásticas". En 1962 viaja a Méjico, donde continúa su formación a ba­se de cursos. Así, realiza un curso de Escultura en la anti­ gua Academia La Esmeralda, Actualmente Escuela Nacional de Pintura y Escultura de Méjico, en la que en 1970 volve­ rá a estudiar Métodos Modernos de Talla con el maestro José Lo­renzo Ruiz Hernández. Los viajes a Méjico serán desde entonces una constante en su vida, en su perpetua búsqueda de conocimiento. Allí también estudiará Fundición en Bronce con el Maestro Mario Agurre Roa. Su experiencia como docente asciende a 28 años en dis­ tin­tas instituciones educativas, así como en las Facultades de Be­­llas Artes de la Universidad Nacional de Costa Rica y en la Universidad Autónoma de Centroamérica. Cuenta con importantes premios y su obra ha pasado por im­portantes museos, estando gran parte situada en espacios pú­blicos, como el Monumento a Daniel Oduber Quirós, de 4 metros, situado en San José, Costa Rica,, donde también se en­cuentra el Monumento "La Familia", en el Instituto Cos­ ta­rricense de Electricidad. También ha realizado bustos como el retrato de Nicolás Ulloa, situado en el Parque Central de He­redia, Costa Rica. La obra de Olger Villegas manifiesta el dominio de este ar­tista sobre la figura humana, tratada en todo su esplendor y do­tada de impecables acabados en los distintos materiales que trabaja: mármol, bronce, madera... siempre con la se­gu­ ri­­­dad y destreza del maestro que es y que se confirma en cada una de sus creaciones.‡

Olger Villegas info@dejairfinearts.com San José. Costa Rica

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VIVAR, Carlos. Pintor mejicano nacido en 1964. Carlos Vivar descubre su interés por el arte desde niño, a tra­vés de los libros de la biblioteca de sus padres, en los que conoció a los grandes maestros y aprendió de manera teó­ rica todas las técnicas que con el tiempo llegaría a utili­zar. Cursó estudios de Diseño Gráfico en la Universidad de Aná­huac, pero acabó por abandonar las nuevas tecnologías en el intento del rescate del trabajo manual que tanto le ha­bía entusiasmado de pequeño. En 1988, estando en Milán, comienza su andadura por el mundo de la pintura, de manera autodidacta, un camino que continuó a su regreso, en 1990 y que ya no ha abando­ na­do. Toma técnicas de artistas como Toledo, Rufino Tamayo o Ser­gio Hernández y las hace suyas, las lleva a su obra para crear sus propias innovaciones y acabados en la técnica del óleo. Sus obras han obtenido grandes éxitos, dando gran renom­ bre a este creador imparable, cuyos cuadros forman parte de las más prestigiosas galerías de Méjico, entre las que pode­ mos citar la Galería Misrachi o la Galería Hauss Mobel, así co­mo otras muchas en España y Estados Unidos. También interesado por el diseño, la música, la fotografía y la escultura, este incansable creador conforma sus obras en ba­se su propia sensibilidad y asegura que el secreto de su éxi­to está en "saber tocar las puertas sin temores, con la se­gu­ridad de que estás ofreciendo algo de calidad: la de la obra y la de ti mismo". La obra de Carlos Vivar, se divide entre temas figurativos y abstractos, con los que elabora escenas que nacen de su in­tensa necesidad de pintar y de aplicar todo aquello que aprende por medio de la lectura, afición que sin duda, ha contribuido a hacer de Carlos una persona de gran imagina­ ción. Su obra es racional y trabaja la pintura a modo de em­pastes, dando mayor cuerpo al óleo mediante combina­ ciones y mezclas con arenas, técnica aprendida de los maes­ tros a los que admira, como Tamayo. Sus colores se combi­ nan con viveza y expresividad, en un juego de contrastes en el que no faltan efectos lumínicos y texturales que hacen de la obra de este artista un valioso ejemplo a tener en cuen­

Carlos Vivar (México – Galería Aura) gzajarias@auragalerias.com Aura Galerias, S.A. de C.V. - Amberes, 38 Col. Juarez D.F. 06600 México

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VON LIPKA, Irene. Escultora argentina, tomará sus primeros contactos con el arte y la creación artística a través de práctica de la orfebre­ ría, sin­tiéndose desde siempre atraída por el trabajo del metal. En 1993 se gradúa como profesora de Bellas Artes en la Es­­cuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón bajo la especialidad de escultura, y más tarde vuelve a graduarse de nuevo como profesora, en esta ocasión de escultura, en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto Cárcova, am­bas es­cuelas en Buenos Aires, Argentina. Continuará incansablemente su formación tomando cur­ sos de escultura en el Corcoran School Art, con Schmutzhar, en Washington y asistiendo a talleres siempre vinculados a es­ta disciplina plástica, tales como el uso y manejo de la ce­ra perdida, talla de mármol, soldadura, etc, siempre jun­to a per­stigiosos maestros como Juan Carlos Distéfano, Ra­món Cas­tejón, o Raúl "Pájaro" Gomez, entre otros. Ha realizado numerosas exposiciones y recibido destaca­ dos premios y menciones no sólo en Argentina, sino también en Rusia, Atenas, Estados unidos, etc. La obra de esta ar­tista ha llamado también la atención de diferentes publi­ca­ciones y críticos, formando parte de distintas colecciones en su país y fuera de él, como Fortabart, Bengolea, San­tamarina, Krie­ ger Vasena, Aguirre Lanari, Wade, Homeyer, Sca­liter, etc. La propia artista divide su producción en dos etapas: la pri­me­ra, más centrada en el clasicismo formal, poco a poco irá ten­diendo hacia una estilización de formas que desem­ bo­­ca­rá en un segundo periodo en el que se mueve con sol­ tu­ra y en el que ha encontrado su propia identidad. La obra de esta segunda etapa de Irene von Lipka nace de la pulcritud de un diseño innovador aunado al exquisito tra­ tamiento del material en toda su pureza, destacando el uso del aluminio y el acero, materiales que contribuyen a otor­ gar a su obra, un aspecto muy actual y acorde con las pers­ pec­tivas del diseño. Trabaja el aluminio con la delicadeza de la orfebre que fue y sigue siendo ahora en cada obra que sale de sus manos. Nos dice de su obra el Profesor Cesar Fioravanti, Director del Museo de Escultura "Luis Perlotti": "Sólo cuando uno tie­ ne un excelente oficio que lo respalda, puede hacer lo que se le ocurra y cuando quiera, así ocurre con von Lipka. Su pro­­fusa producción realizada con seriedad y racionalidad es­partana, fue producto del denodado esfuerzo de preparar­ se con lo mejor que tuvo a su alcance, maestros de heterogé­ nea concepción estética, pero de altísimo nivel, la formaron para tener hoy la talla artística que evidencia."‡

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Irene Von Lipka dagnino.pastore@fibertel.com.ar Av. Alvear 1491 Piso 20C C/Frente (1014) Capital Federal. T. 4815-0268 Argentina


WEISZKOPF, Paula Andrea. Artista plástica argentina, nacida en 1976 y afincada Or­lan­do (Florida), Estados Unidos. Esta joven pintora tomará contacto con el mundo del arte rea­­lizando un curso técnico en Publicidad. Sin embargo, pron­to una vocación e inte­ rés interior necesitarán salir a flo­­te, para autoafirmarse a sí misma como la creadora que es. Se­rán estos los senti­ mientos que la lleven a dejar atrás el mundo de la publicidad para proceder a formarse en Pin­tura y Composición, estudios que realiza, en un principio, de la ma­no de Heriberto Zorrilla. Continuará su forma­ción inte­lec­­tual estudiando Historia del Arte junto a Helena Dis­te­fa­no, con la que sigue desarrollando su ya iniciada im­parable tra­yectoria en el dominio de la pintura y la com­po­­sición. Ha expuesto su obra en distintos salones, galerías y centros cul­­turales tanto en Argentina como en Brasil, Paraguay, Puer­to Rico, Méjico Estados Unidos... inaugurando así una pro­me­

tedora carrera artística. Su obra destaca por un excelente dominio de la pin­ tura en ge­­­neral y del uso del acrílico en particular, con una técnica suel­­ta y arriesgada. Sus estudios y conocimientos sobre la composición se re­fle­­­­jan constantemente en su obra y en la manera de entender el formato, en el que plasma una estudiada mancha pic­­tó­rica que se reparte de forma equilibrada dando lugar a un rit­mo frenético de gran viveza y fuer­ za. Tan­to la vitalidad de sus colores, como la rapidez de trazo, aportan fortaleza, así como la introducción de la luz, de ma­nos del acertado uso de las gamas cromáticas cálidas o frías, pe­ro siempre en contraste, generando tensión y dina­mis­­mo. Paula domina la abstracción, pero esa abstracción tiende a de­sa­pa­re­cer al asimilar los títulos de sus obras y tratar de com­­­prenderlos. Es en­­tonces cuando vemos que se en­­cuentra más cerca de la realidad, y es enton­ ces cuando podríamos de­cir que la pintura de esta artista no es abstracta: son abs­­tractos los mo­­mentos y las escenas que ella quie­re trans­­mi­tirnos, consiguiéndo­ lo de una forma tan asombrosa­men­­te ve­rí­­dica.‡

Paula Andrea Weiszkopf estimulo@yahoo.com 7168 Somersworth Dr. Orlando FL (32835) USA

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WEST OCAMPO, Alfredo. Nace en 1947 en La Plata, Argentina. Se forma desde ado­ les­­­­cente junto a los más prestigiosos pintores platenses: Dal­ ­mi­ro Siravo, Tony Trotta, Alejandro Puente, Juan An­to­nio Si­tro, Enrique Torroja, Gabriel Messil y César Paternosto en­tre otros, que en aquella época desarrollaban su obra en tor­no al Instituto Di Tella, dirigido por el historiador y crítico de ar­te Romero Brest. Sus primeros pasos serán ayudan­do a montar la obra de estos artistas, que a menudo hacían uso de las más novedosas técnicas y materiales, con los que va to­man­do contacto para posteriormente desarrollar sus pro­ pias crea­­­­ciones. Al lado de estos, Alfredo adquiere una ba­se y un am­plio conocimiento sobre el arte que le llevará a dar rienda suelta a su talento. Así pasará a estudiar en la Es­cuela de Be­llas Artes de Ciudad de La Plata mientras continúa asis­ tien­do al taller de Jorge Periano. En el taller "Viejo Mo­lino" de Ciudad de La Plata se adentrará en el estudio del Arte Con­temporáneo, donde conocerá la Bauhauss, el cu­bo­fu­tu­ ris­­mo de Malevich y las composiciones de Kan­dins­ky y Paul Klee. En esos momentos comienza a mostrar su obra en un gran número de exposiciones vinculadas a su ciu­dad natal. Caracterizado por no mostrar demasiado interés por los pre­mios, renegando de la competición artística, Alfredo ha ob­­­te­­nido varios e importantes galardones, como la Men­ción de Ho­­nor del año 1999 de la Casa de Cultura de Hur­lin­ gham, Bue­­nos Aires, o las diferentes menciones en el Ho­­­me­ naje al Maes­­­tro Emilio Brughetti. Desde 1997 su pintura sigue las tendencias del cubismo sin­­­tético, estilo en el que se mueve con gran soltura y en el que desarrolla estudiadamente lo figurativo y la cuarta di­men­­­sión, siguiendo la obra de artistas como Picasso, Bra­ que, Juan Gris o Malevich, entre otros. El trabajo de Alfredo Wets Ocampo es preciso y calcula­ do, de­notando racionalidad en el desarrollo formal, que par­te de un meditado ejercicio intelectual, para dar lugar a una ex­­­­plosión de color en el que predomina el uso del acrí­ lico co­­mo elemento destinado a complementarse con la geo­me­tría de la forma. Un trabajo creativo y original en el que pese a las influencias que asume crea su propia perso­ nalidad, do­mi­nando un particular género en el que se siente có­modo y lo manifiesta en cada una de sus telas.‡

Alfredo West Ocampo alfredow@sanidad.org.ar Calle 13 Nº 818 City Bell ( 1896) Provincia de Buenos Aires Argentina.

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 164 -


ZAGAGLIA, Hilda. Nacida en Alta Gracia, (Córdoba), Argentina, en 1950, Hil­­da Zagaglia es licenciada en Pintura por la Universidad Na­­cio­nal de Córdoba, con Mención de Honor en 1984, des­ de ese momento, su creación se desarrolla hasta alcanzar ese es­tilo pictórico talentoso y de gran personalidad que hace im­­posible que pase inadvertida. Sus primeras obras se centran en un expresionismo que evo­­lucionará hacia una pintura de gran carácter simbolista pa­ra la que Hilda crea sus propio lenguaje iconológico. Ar­tis­ta de reconocida valía ha realizado muchas exposicio­ nes y muestras colectivas, siempre compaginando su voca­ ción ar­­tística con el estudio de otras materias, entre las que des­ta­­­ca la mitología, tanto americana como universal, que tan­to influirá en su obra. Tras haber recibido numerosos pre­ mios y menciones a lo largo de su infatigable salinas, re­cien­ temente, le ha sido asignada la Distinción Medalla de Bron­ ­ce de Pintura en la Trienal de Arte Contemporáneo de París 2002. Un merecido premio otorgado por un jurado com­ puesto por reconocidos académicos de Bellas Artes y miem­ bros de prensa artística de París. La pintura de Hilda Zagaglia es la pura representación del co­­­­nocimiento teórico y de la técnica. En base a estos dos ele­­mentos; desarrolla un alfabeto a base de motivos que os­ci­lan desde la sencillez primitivista a la compleja recrea­ ción de mitos ancestrales, que nos hablan de perros mágicos y ser­­pientes emplumadas, ángeles guardianes, todos ellos acom­­pañados de símbolos propios; como la nube o el árbol que invitan a leer en sus creaciones. El empleo del color, acompaña a la representación y con­ tri­­buye a enardecer su contenido, aportando una esceno­gra­ ­fía mágica y colorista, de cielos pálidos y tierras oscuras, de masas saturadas de rojos, amarillos, azules, siempre tra­­ bajados con gran soltura, con fuerza, y rapidez, creando tex­turas que aportan dinamismo a la obra. Merece la pena nombrar sus cajas-objeto, pintadas o de­coradas con simpares elementos y que se encuentran a mi­tad de camino entre la pintura, la escultura y el tradicional trí­­p­­ti­­­co. Una amplia obra que combina tradición y futuris­ mo, mi­to y religión, siempre en perfecta combinación y sin ol­­vi­dar ese importante legado cultural, que es capaz de trans­­mi­­­tir transcribiendo la leyenda con pincel.‡

Hilda Zagaglia hildazagaglia@hotmail.com Avellaneda 360. Alta Gracia. Córdoba. cód. 5l86 Argentina

AUTORES


ZANON, Marisa. Nacida en Padua, Italia, aunque residente en Argentina des­­de 1960, esta artista plástica se forma junto a prestigiosos maestros con los que conoce, experimenta e investiga con variadas técnicas pictóricas, para finalmente centrarse en la pintura al óleo y el acrílico aplicados sobre tela, con los que realiza la práctica totalidad de sus creaciones pic­tó­­­­ricas. Dará a conocer su obra bastante recientemente, siendo su pri­­mera exposición en 1997, en el Ministerio de Eco­no­mía de Buenos Aires, Argentina, para iniciar así una larga tra­­yec­ ­toria con un gran número de muestras tanto en Italia co­­mo en Latinoamérica o Estados Unidos. Ha recibido ade­más prestigiosos premios y críticas, como el Premio Ita­lia por el Arte, donde su obra fue elogiada por el crítico de ar­te John Spike, quien la calificó de "maravillosa", adjetivo que igual­­ mente se lo aplicó Rosa Faccaro "sus obras son real­­men­te maravillosas y su pincelada muy nítida y precisa". Tras dominar diferentes técnicas y alcanzado el inevitable per­­­feccionamiento que otorgan el empeño y el trabajo, aca­ ­ba­rá por especializarse centrando su obra en la temática pai­sa­­jística, en la que desarrollará un estilo peculiar y de­­ purado que la hace inconfundible. La pintura de Marisa Zanón tiene el poder de contagiar gran­des dosis de sosiego al espectador. Es calmada, íntima, apa­­­cible, no sólo por las escenas que representa, sino por la for­ma en que estas son tratadas. Y es que no sólo recrea el pai­saje, sino que es capaz de pintar el aire que lo en­vuelve, siempre presente en lagos y escenas marítimas, pe­ro también en las entrañables pinturas de soleada cam­ piña. Sus cielos y su agua cargados de luz, su pincelada suelta y pre­­cisa, fruto de la experiencia y sensibilidad de la artista, sus anaranjados ár­boles otoñales... todo en su obra destila ar­monía y sencillez.‡

Mariza Zanón mzanon@sinectis.com.ar Crámer 1960/64 Piso 8A, 1428 Buenos Aires Argentina

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 166 -


ZAPATA Castellanos, Giovanni. Artista natural de Quito, nacido en 1978. Pese a su ju­ven­tud cuenta con una amplia formación en la que cabe des­ta­car su reciente licenciatura, en el año 2002 en Artes Plás­­ti­cas por la Universidad Central de Ecuador. Su forma­ ción ade­más ha ido enriqueciéndose a base de múltiples cur­sos y seminarios sobre arte, como los cursos de dibujo im­parti­dos por el Centro de Promoción Artística Casa de la Cul­tura Ecua­toriana, y otros dedicados al Arte Conceptual, co­mo el Se­minario de Dibujo y Arte Conceptual impartido por Jai­me Valenzuela y los Seminarios-Taller de Arte Con­ ceptual por Manuela Rivanedeira y por Ángel Vincench, to­dos ellos or­ganizados por la Universidad Central. Su obra ha sido mostrada en gran numero de exposicio­ nes, to­­das ellas de variado contenido, tanto pintura, como gra­ba­­do y escultura, así como nuevas tendencias artísticas, en­tre las que encontramos instalaciones, cortometrajes, videos, etc, que denotan el interés de este joven artista por el arte con­ceptual y la renovación del arte. Ha sido premiado reiteradas veces por sus innovadoras pro­­puestas, siendo galardonado como el Primer premio en el concurso de cortometrajes Francophonie 2002, en la Alian­­za Francesa, o el Premio Alberto Coloma Silva 2002, en el que recibió una Primera Mencion por una instala­ ción. La obra de Giovanni Zapata es innovadora y fresca. Re­fle­ja la mente despierta y observadora del artista, ade­ más de sus ganas de comunicar, de transmitir todo aquello que flu­ye de sus ideas. Su puesta en escena es evocadora y sim­bo­­lista, cada imagen habla por sí sola, cada encuadre en­cierra una estudiada composición siempre equilibrada, con ex­celente uso de la luz y sacando partido a todos lo elementos. Sen­­cillez, buen gusto y un mensaje claro y conciso, que hu­­ye de añadidos innecesarios, centrándose en esa expre­ sión que engloba y huyendo de la mera y fácil provocación tan frecuente en este tipo de tendencias. Giovanni Zapata en­­tra en el arte conceptual por la puerta grande, sin más ar­ma que el talento de un joven creador con muchas ganas de mostrarnos esos universos que él encuentra en el más sen­­cillo objeto, esa particular manera de configurar sensa­ cio­­­­nes de una manera sencilla y sobre todo directa en toda su dificultad.‡

Giovanni Zapata giovannoz@homail.com Conocoto, Urb. 6 de Diciembre C/ La Colmena 71,1 y 2 de Agosto, Quito Ecuador

AUTORES


ZUCARO, Beatriz. Nacida en Argentina pero ciudadana italiana, esta artista cuenta no sólo con una sólida formación en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano, y en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Puey­rre­ dón, sino que además, su interés por la filosofía la llevó a ti­tu­larse Experta en Metafísica por la Escuela de Metafísica Cri­­sol Ciencias. Miembro de la asociación Argentina de Ga­­ le­rías de Arte (A.A.G.A.), es creadora y directora de la ga­­lería Loft Espacio Alfa, que tan importante papel artístico de­­sa­ rrolla en Buenos Aires. Sus trabajos como asesora y coor­di­ na­dora cultural la llevarán a escribir en distintas pu­bli­ca­cio­ nes, así como a participar en prestigiosos eventos ar­tísticos. En su absoluta dedicación al arte, es también miembro del Mu­seo de Arte Latinoamericano de Miami y so­­cio efectivo de la Unión Católica de Artistas Italianos (U.C.A.I.), de la que se­rá seleccionada como representante en su muestra colecti­va en el Vaticano. Ha participado en más de 80 exposiciones en diferentes paí­­­ses entre los que destacan Argentina, Uruguay, España, Ita­­­lia, Israel, Brasil, Estados Unidos, etc. Su obra comienza y parte de la realización de retratos y cris­­­tales con laca y oro. De esta delicada especialidad to­me tal vez la sutileza que manifiesta en su obra pictórica, por la cual ha obtenido numerosos premios y distinciones. Sus pinturas de algún modo reflejan grandes influencias de la metafísica, a través de escenas figurativas que evocan uni­ ver­sos incógnitos. Maneja el pincel con delicadeza y pre­ci­ sión, la misma que le permite jugar con unas veladuras que con­­tribuyen de forma exquisita a la creación de esas escenas en­soñadoras. Viveza del color en todas sus ga­mas, entre las que destacan los azules y violetas pero en las que no faltan sa­bios contrastes anaranjados que proporcionan lumi­no­­si­ dad. Este color a menudo se expande en líneas ho­ri­zon­ta­les que dotan a la obra de perspectiva y de una mag­ni­tud que ro­za lo sublime en su más amplio significado. Sus en­cua­dres nos ofrecen un amplio horizonte que se abre y nos muestra impactantes cielos por los que navegan etéreos pé­ta­los de ro­sa traspasando la realidad para buscar el sentimiento, ha­ciéndonos sentir pequeños ante tanta mística gran­­deza ‡.

Beatriz Zucaro info@loftespacioalfa.com.ar Uriburu 1219, 3ºC (1114) Capital Federal, Buenos Aires Argentina.

AUTORES Enciclopedia Iberoamericana de Artistas Plásticos Contemporáneos 168 -


El arte no reproduce lo visible, sino que hace visible lo que no siempre lo es. Paul Klee


Artistas Latinos  

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