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Noviembre 2011 - Nツコ 21

Octubre 2011 - Nツコ 20 Aテアo II

LOBO SUELTO PORTADAS POLEMICAS segunda parte edward wood homenaje El werever el fenomeno mexicano CINE: SI FUERAS YO + SUPER 8 + RUBBER

TV RETRO: LA BANDA DE LOS GOLDEN ROCKETS

DISCOS NUEVOS/CLASICOS

DISCO:

LED ZEPELIN IV 40 Aテ前S:


LOBO SUELTO

Lobo Suelto Revista Digital


Dirección Gereral, Diseño Gráfico y Diagramación: Victoria Clementi Redacción: Victoria Clementi Marina Miguel Ariel Britos Eugenia Ceballos Guido Cambareri Manuel Montali CC. Ivana Lorenzo Emanuel Sanabria Martín Ghisio Fotografía: Lila Martínez CC.. Nicolás Rojas

STAFF


INDICE 4 16 20 22

Las portadas censuradas. Parte 2 Edward Wood Si fueras yo

Super 8

24 26 28 32

Rubber

El fenómeno Werevertumorro Tv retro: La banda de los Golden Rockets Melomano’s hearts: A 40 años de Led Zeppelin IV Discos nuevos / clásicos


ARTE Y DISEテ前 CIAL EGA ESPE ENTR A D N SEGU

S A D A PORT K C O R DEL RTIDAS:

CE

E Y CONTROV S A D A R U S N


Nota: CC.

“basura gráfica” cos calificaron de íti cr s ho uc m e qu lo cas y disputas Y seguí hurgando porquerías ideológi de n tó on m un n s monetarios y me encontré co e, con sus interese pr m sie de s ia or st ismas hi al fondo me comerciales, las m Pero rascando más g. tin ke ar m l de as idad s luch página con la final ta y las más candente es a st ha je tra s tas negras y la bajo una di con algunas perli bliminal que existe su o to ul oc si ca n mensaje ede tener: de mostrarles algú que una banda pu ón ci ta en es pr de cartas de las más eficaces su portada.

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LYNYRD SKYNYRD, Y UNA RARA PREMONICIÓN Un caso muy particular. Poco se sabe de la autoría de este diseño, lo que si está claro es que algún demonio anduvo vivito y metiendo la cola en el proceso. Mirá lo que pasó, 3 días antes de que esta portada fuera lanzada al mundo como un meteorito humeante, la banda sufre un accidente que se lleva a varios de sus integrantes, lo cual produce un escalofrío indiscutible y un revuelo en las finanzas de la disquera. Finalmente deciden publicarla sin las llamas de fondo, aunque mantienen el nombre “Street Survivors”; un nombre que sin querer queriendo, remite de manera muy curiosa a la tragedia que deja a esta banda en situación de riesgo. Sin embargo, este año volvió a editarse con el fuego original que data de 1977. Un mito más en la historia del rock.


PANTERA, FAR BEYOND DRIVEN Este es el caso en que uno no sabe si es mejor el remedio que la enfermedad… Originalmente esta portada contaba con la imagen de un torniquete introducido en el trasero de una persona de tez blanca y un cálido tono amarillo coronando tremendísima figuración. Entonces para darle un “giro” visual y bajar un poco la temperatura, se propuso cambiar el color dominante y enfriar la gráfica con un sobrio y frío azul, retirar al ser blanco y su trasero para ser reemplazado por un negro de raza con el torniquete introducido en su cráneo (¿) Si bien la despojaron de cierta agresión sexual, parece que las panteras no escatimaron recursos y se las rebuscaron para seguir transmitiendo la indiscutible furia salvaje de la voz principal.


SLAYER, GOD HATE ALL US Slayer, una banda que arrastra censuras gráficas desde varios discos antes que “God hates us all”, lanzado en el 2001. Castigados por el sector puritano de la sociedad americana, esta portada intenta reflejar una especie de agonía bíblica, algo así como la dolorosa muerte de un imperio de ideologías católicas que por supuesto no eran dignas de estar exhibidas en una vitrina. Además en el interior del booklet aparecen imágenes que parecen páginas arrancadas de un legendario texto sagrado, pero tachadas y sobre-escritas con mensajes anti-cristanos. Quizás la virtud de este trabajo es salir en un momento adecuado en el que el ambiente estaba podrido de grupetes con posturas y portadas atormentadas que no lograban diferenciarse unas de otras, con un atributo capaz de enloquecer a la gente. Como se sabe, todo lo que ponga en tela de juicio a las creencias religiosas de la sociedad es un gancho especial para el escándalo y el revuelo. Como broche de oro, la rúbrica “Dios nos odia a todos”, y te lo firma con su propia sangre, Slayer.

Espero haberte dejado una serie de recursos visuales para que el día que tengas que diseñar tu disco o tengas la suerte de encontrar un especialista en el tema que tenga ganas de seguirte en tu locura, sepas hacia donde encarar el proyecto si tu idea es poner de los pelos a los demás. Ya sabés, nada funcionará mejor que una buena dosis de violencia sexual explícita, un par de niñitos semidesnudos, un discurso antirreligioso, un touch de mística, chorreras de sangre, etc. No te olvides, el diablo siempre está en los detalles.


Son varios los dichos populares que advierten sobre las secuelas, acusándolas incluso de volverse como una marea sobre la trama original para atentar contra su legado. Mucho de mareas y este tipo de defectos se encuentran en “Pirates of the Caribbean 4: On Stranger Tides”, dirigida por Rob Marshall. La originalidad de los personajes que tantas buenas críticas le valió en principio, como el particular carácter etílico del pirata principal, Jack Sparrow (Johnny Depp), tras cuatro episodios termina perdiendo la gracia y convirtiéndose en un hecho predecible, como lo son otro cameo de Keith Richards y el juego de seducción-rechazo que entabla el Capitán del Perla Negra con un antiguo amor de su pasado y nuevo personaje de la saga, la pirata Angélica (Penélope Cruz), quien ha venido a reemplazar a la

histérica Elizabeth Swann (Keira Knightley), con quien se ha ido también -por suerte- el inútil de Will Turner (Orlando Bloom). No obstante, esta cuarta aparición cuyo eje principal es la búsqueda de la tan ansiada fuente de la juventud, tiene el atractivo de regresar precisamente a sus fuentes, es decir, a los parámetros del primer episodio, “La Maldición del Perla Negra”, tratando el capítulo como un unitario que, si bien deja la escotilla abierta para una próxima secuela, resuelve la mayoría de sus conflictos, sin incursiones por terrenos intrincados y no del todo firmes como “El cofre del hombre muerto” y “En el fin del mundo”. La revisión de misterios y hallazgos clásicos en los mares del mundo siguen siendo uno de los fuertes de la saga de Walt Disney, en este caso a partir de

Nota: Manuel Montali

V T y Cine


director

edward wood ¿El peor director de toda la historia? Nota: Manuel Montali

La mayoría lo conocimos por el clásico de Tim Burton, en la piel de un joven Johnny Depp, quien interpretó con maestría al simpático y abnegado director, que iniciaba su aprendizaje en el mundo del celuloide hollywoodense. Esta suerte de biografía-homenaje acaso sea el marco ideal para acercarse a la figura del fracasado cineasta devenido en héroe de culto. El desprecio por las formas mientras no interfieran con el contenido, temáticas controversiales y

la innovación de géneros son algunas de las piezas del legado de Edward Wood (1924-1978, Estados Unidos). La película de Burton precisamente muestra a Wood en sus primeras incursiones en el séptimo arte, que son sin embargo las más recordadas. Uno de sus puntos fuertes es el modo en que exhibe la relación entre el personaje principal y Bela Lugosi (una suerte de transferencia de la propia relación entre Burton y Vincent Price, voz principal del corto


“Vincent” y personaje secundario de “Edward Scissorhands”). Wood, como admirador del ícono del terror que inmortalizara a Drácula, logra rescatarlo de su ostracismo de decadencia y adicción a la morfina para sumarlo al elenco de “Glen or Glenda”. Entre el optimismo ingenuo y la ambición, tras una serie de modestos trabajos y luchando siempre contra la pesada corriente de la escasa financiación, el director había obtenido en 1953 el encargo de tratar un tema que descollaba en los titulares periodísticos a partir de un caso emblemático: el cambio de sexo de Christine Jorgensen. Pese a ello, “Glen or Glenda” apenas si se refiere a este tema para abordar en cambio el travestismo y el sufrimiento de quienes se animaban a asumirse “diferentes” ante el conservadurismo de la


sociedad de la época (tema que, como puede verse, mantiene una gran cuota de actualidad). El precepto que subyace a la trama (motivado en parte de manera autobiográfica, ya que Wood gustaba de probarse de vez en cuando alguna prenda femenina) apunta a la libertad de elección y el respeto a los derechos de todo ser humano. Claro, hoy no dudamos en aplaudir la postura del temerario director, ello explica la revalorización de su nombre. Además, la cinta se vale de una mixtura de géneros bien vanguardista, pasando por las narraciones en primera persona, reflexiones de contexto de un personaje omnisciente (un bizarro “científico” interpretado por Lugosi), los segmentos documentales y secuencias oníricas del protagonista. No obstante, a la crítica no le gustó


para nada y pasó el nombre de su realizador al libro negro de los indeseables de Hollywood. Lo que siguió a este filme no ayudó a que Wood revirtiera dichas opiniones. Antes bien, las películas de terror y ciencia ficción en las que apareció por última vez Lugosi (“Bride of the Monster” y “Plan 9 From Outer Space”, la segunda obra cumbre del director), terminaron por condenarlo a los estratos más bajos de la producción de la meca del cine. Hay que reconocerlo, algo de razón tienen quienes lo denostaron por las malas actuaciones, los errores de montaje o peores elementos de utilería, advertir las cámaras en la pantalla o el hilo del cual pendían las naves espaciales, y aún más por la insolencia de reemplazar al fallecido Lugosi (que sólo llegó a grabar unos minutos de Plan 9)

por un doble que no se le parecía y que por ello en cada aparición debía cubrirse el rostro con una capa. Pero el legado del distinguido como “el peor director en la historia de Hollywood” merece el homenaje de Burton y el revisionismo que lo ha situado como un autor de culto, en

función de sus ideas de avanzada y la capacidad de sobreponerse a la falta de recurso y las estigmatizaciones. Ya sea para debatir en una clase de psicología o para divertirse un rato con una cuota de malogrado terror, los clásicos de Wood son siempre un material valioso para tener a mano.


cine

Nota: Victoria Clementi

“Si fueras yo”, no pretende ninguna trama original, ni muy creativa, pero sí un conjunto de elementos que te harán reír en sus dos horas de extensión.

si fueras yo

La película se basa en argumentos cinematográficos ya super vistos en Hollywood y el mundo, me refiero al famoso cambio de cuerpo (justamente el nombre en ingles es ese: “Change-up”). Podemos recordar con respecto a este pequeñísimo sub-género a películas como: “Hay una chica en mi cuerpo”, con el formidable Steve Martin; “Este cuerpo no es mío”, con Rob Schneider y hasta se puede comparar tranquilamente con, “Viernes de locos”, protagonizada por la polémica Lindsay Lohan y Jamie Lee Curtis. En esta ocasión, como en otras,


el cambio de cuerpo no tiene ninguna carga sumamente lógica, pero al menos para divertirse funciona. Se trata de una fuente donde los dos protagonistas van a orinar y… zas! Pronunciando las palabras mágicas, todas las luces de la ciudad se apagan derepente, haciendo el cambio del cuerpo un hecho. El film esta dirigido por David

Dobkin (“Los Rompebodas”, 2005) y cabe destacar que fue escrita por Jon Lucas y Scott Moore, los mismos que guionaron “¿Qué pasó ayer?” y la secuela de esta. Además, se halla encabezada por Jason Bateman (que también este mismo año lo vimos en “Quier matar a mi jefe”) y Ryan Reynols (recientemente presente en “Linterna verde”). Estos dos protagonistas en el film encarnan, respectivamente, a Dave y Mitch, dos amigos con caras opuestas: uno abogado, responsable, casado y padre de tres hijos pequeños; y el otro, un completo desastre, irresponsable, vago y atorrante. Dave esta cansado de su super-estable vida, quiere más pasión, extremo y cambio, mientras que Mitch no sabe que hacer con la suya pendiendo de un hilo, entre las drogas, las mujeres y viviendo a

costillas de su padre. Cuando por arte de magia cambian cuerpos cada uno tendrá en las manos la vida del otro, lo que los hará crecer y madurar, dándose cuenta de lo buena que era su vida sin ningún traspaso de alma.


cine

super 8 Nota: Santos Vargas

“Filmar es fácil” sugería el slogan de la Eastmann Kodak, compañía responsable de la popularización del formato cinematográfico super 8 allá por la década del setenta. Tan fácil era filmar que “cualquier” niño norteamericano con un poster de “Dawn Of The Dead” en la pared de su dormitorio podía registrar el avance de una epidemia zombie en 8 mm junto a sus amigos. Afortunadamente sigue siendo “fácil”, aun más para J. J. Abrams, escritor y director de Super 8, quien luego del éxito

de “Lost” se ha transformado en hombre de confianza para cualquier proyecto destinado al gran público, prueba de esto es la ‘S’ gigante de Spielberg que aparece en los créditos como productor. Al igual que en la pirotécnica Cloverfield (2008), Abrams buscó nuevamente generar una epidemia de intriga sobre su proyecto a través de estrategias publicitarias de infección masiva (a veces lo consigue como en el caso de Cloverfield, ni hablar de la fiebre-Lost). Para esta ocasión, redes sociales, páginas de internet y demás, replicaron hasta el hartazgo un tráiler en el que Abrams prometía soltar otro de sus monstruos. El avance dejaba ver una camioneta que a toda velocidad provocaba el rabioso descarrilamiento de un tren propiedad de la Fuerza


Aérea norteamericana, que en uno de sus vagones alojaba una criatura desesperada por escapar. Éste será el hecho bisagra del filme, el vagón fundamental. De allí para atrás, la historia trata sobre un grupo de niños felizmente envueltos en la filmación de una película de zombies en un pequeño pueblo de Ohio a fines de los setenta, aprovechando la novedad de la década para el cine doméstico, el super 8. Precisamente, será este proyecto fílmico el que los lleve a ser testigos involuntarios del brutal accidente de tren y registrar la liberación del bicho en cuestión. Del vagón argumental para adelante, lo previsible, y una sucesión de homenajes de parte de Abrams a su productor, que seguramente provocarán emociones intertextuales en aquellos paridos en la época del

walkman, emociones que nada tienen que ver con las que el filme genera per se. Referencias a Encuentros Cercanos del Tercer Tipo, ET y Los Goonies no sólo remiten a aquella época en que la butaca nos quedaba grande, sino que parecen un tirón de orejas para tío Spielberg que hace buen tiempo sólo busca reflexionar sobre la Segunda Guerra Mundial. Lo difícil es escribir y por más que Abrams se tome mucho tiempo para construir sus personajes, todavía le debe un “homenaje” a Steven en este aspecto, sin embargo los mocosos de Super 8 a pesar de sus caras de comercial de jarabe para la tos, resultan menos bidimensionales que los cuatro gansos digitales de Cloverfield. Como uno de los niños de la película, Abrams es fanático de la pirotecnia (visual) lo cual se

revela en un gran despliegueno muy super 8- para contar una historia pequeña. Resulta curioso –y contradictorio- como con mucho menos presupuesto y aprovechando el contexto de conmoción social los niños de su relato logran contar una creíble historia de zombies dentro del filme. Jota-jota es muy celoso de sus bichos, no los muestra ni los presta. A veces la maestra le pregunta que tiene en las manos y nos sorprende a todos con una misteriosa columna de humo negro (Lost), pero la mayoría de las veces sólo está jugando con algún bicho.


cine

rubber Nota: Santos Vargas

Si ostenta usted esa envidiable destreza para entrar al cine una vez empezada la película, cuando termine de ver Rubber (2010) de Quentin Dupieux quizá sienta que le deben una explicación. O no. Esto se perdió en los primeros cinco minutos: un hombre de gafas grandes, camisa blanca y corbata se encuentra parado en medio del desierto sosteniendo en cada mano un puñado de binoculares. No muy lejos un coche se acerca lentamente atropellando un buen número de sillas dispuestas en el

camino. Ésta escena no adquiere sentido hasta que el auto frena y se abre el baúl dejando salir al Teniente Chad, de impecable uniforme, quien caminando hacia la cámara y mirando directamente al espectador advierte que este filme puede no tener sentido alguno. Rubber (goma), al igual que un neumático de caucho girará varias veces sobre esta idea del ‘sinrazón’, haciendo del noreason su estilo. “¿Por qué ET es marrón?” se pregunta el Teniente Chad en este monólogo inicial,

“por ninguna razón” se responde concluyente, y agrega, “todos los films sin excepción contienen una parte importante de sinrazón, porque la vida misma está repleta de sinrazón, ese es el elemento de estilo más poderoso”. Dupieux parece no animarse a atropellar al espectador que demanda explicaciones y prefiere prevenirlo mediante un manifiesto del sinsentido. “Deje de perder el tiempo explicando esa basura!” le grita alguien al Teniente Chad. Tomaremos su sugerencia. Rubber tiene lugar en ese áspero desierto de California que Quentin Dupieux captura hasta el close up de manera similar al otro Quentin (el rey Leone puede pasar a cobrarles a los dos). En ese paisaje desnudo de labios paspados, un objeto inanimado (un neumático de


automóvil) adquiere entidad y se levanta, girando sin motivo, sin ruta, completamente despojado de razón, aplastando botellitas de plástico, descansando por la noche, frenando para tomar agua, detonando pequeños animales con su poder telekinético ( detonando pequeños animales con su poder telekinético, leyó usted dos veces bien). Si esto le parece absurdo remítase a los primeros cinco minutos de metraje. “I Just Don’t Wanna be Lonely” de Ronnie Dyson musicaliza su eterno rodar, hasta que entra en escena el binomio que le ha dado sentido al cine desde siempre, la chica y el auto. De aquí en adelante el filme tomará algunas características del subgénero slasher, pero reemplazando en la ecuación al asesino de carne y hueso por uno de caucho, muy poco

preocupado en no dejar huellas. El soundtrack excelente corre por cuenta del mismo Dupieux bajo el alias ‘Mr Oizo’ de Miráacompañado el trai l e r Gaspard Augé (el 50% de Justice), perfecto complemento para la comprometida performance de Stephen Spinella (un Teniente Chad que desborda el clase B) logrando un relato de gran adherencia y sin derrapes. ¿Rubber o rubbish? Demasiadas razones para ver una película que se manifiesta a favor del sinrazón en tiempos de cine ultraexplicado. Mientras pateamos espejismos que dicen ser oasis en medio de la ruta, mal no nos vendría parar a mojarnos la cabeza en una gomería.


youtube

el fenomeno de werevertumorro Nota: Victoria Clementi

“¡¿Qué pedo K-chorros?!” Seguramente, así encabezaría estas líneas Gabriel Montiel, y ciertamente en este preciso instante te estás preguntando de quién estoy hablando. Este chico junto a su pandilla, son un boom en Youtube de la mano de los videoblogs y series propios. Gabriel tiene tan sólo 21 años recién cumplidos y con la denominada “Crew” (todo el grupo de productores y actores

que conforman Werevertumorro), escribe filma y produce un verdadero fenómeno que mantiene conectado a millones de mexicanos. Parece ser que a Argentina la fiebre no ha llegado, pero ya se ha visto por ahí algún me gusta en Facebook que reza: “Que Werevertumorro venga a la Argentina”. En este momento, el canal en Youtube superó el millón de suscritores, junto a millones y millones de visitas a todos sus

videos. Además el proyecto, en principio improvisado, se encuentra entre los 50 más vistos de la red de videos más grande del mundo, tanto que así que solamente abrís el Youtube y el mismo servidor te lo recomienda. Sumado a todo esto, en Facebook, ya lleva superado los 2 millones de “Me gusta”. Todo comenzó el año pasado muy de abajo, cuando de pronto millones de visitas invadían los videos. Es así que despiertos


productores se percataron del suceso y llevaron estos videos a la vida real con las “Werevertumorro Fest”, cosa que actualmente siguen haciendo, girando por todo México. Básicamente, los videoblogs del carismático Gabriel Montiel están dirigidos a un público joven y retratan hechos de la vida cotidiana, es decir esas cosas que suelen suceder diaria o esporádica pero con las cuales nos sentimos identificados. Se pueden mencionar: las peleas de novios, los celos, los amigos, las festividades, las situaciones incómodas, los profesores, etc. Especialmente llama la atención y entretienen, por todas las frases graciosas y divertidas que Gabriel tira al más descarado estilo mexicano y funcionan de nexo entre chiste y chiste. Además se subraya el talento de este “cuate”,

para interpretar varios personajes a la vez y que al mismo tiempo resulten creíbles y verosímiles. Además del famoso videoblog, se destacan otras producciones, como lo son series. La primera creada fue “Adulscentes”, luego vinieron “Mexican power”, “Mexmen” y “Los niños del campo”. Si ya los conocés, sabés de qué estoy hablando, y si todavía ni te suena hacele un clic para enterarte un poco más.


TV serie RETRO

la banda del golden rocket (1991 - 1993) Nota: Ariel Britos

La dupla creativa MaestroVainman fue una de las más prolíficas de la TV argentina de las décadas 80-90, y así como cosecharon varios éxitos, también probaron las mieles de la derrota televisivamente hablando, con ciclos como “Estado civil” o Sueltos” de los que nadie se acuerda.

Pero también fueron los responsables de clásicos de la televisión, programas que quedaron grabados a fuego en el imaginario colectivo, esos que comentabas con tus amigos, compañeros de trabajo o de escuela al día siguiente. Más en esa época donde parecía que cada día de la semana estaba asignado a un programa diferente. En este caso, el día asignado para “La Banda” eran los lunes

a las 21, donde arrancaron allá por marzo del 91.La historia era bastante simple, sin temas tabú ni controversias, pero que pegó muchísimo por entonces y fue el trampolín donde por ejemplo despegó definitivamente la carrera del hoy dueño de canal 13 Adrián Suar, quien por entonces ni se imaginaba un presente como el de hoy. Sólo le importaba consolidarse en el medio después de su debut actoral en “Pelito” y conquistar a su compañera de elenco Araceli González. Los tres protagonistas eran, un joven de pocas luces sobreprotegido por su madre (Suar), un Diego Torres que prometía mucho rock (se quedó en eso) y Fabián Vena, un locutor de radio. Hasta entonces tres desconocidos para la mayoría de la gente. Ellos encarnaban a los primos Conejo, cuyo abuelo murió


y les deja de herencia un Golden Rocket modelo 1959 en torno del cual giran todas sus historias. El programa estuvo dos años al aire por Canal 13 con mucho éxito y finalizó paradójicamente al comenzar su tercera temporada a comienzos de 1993. Precisamente el caso de Suar es una constante en los ciclos de Maestro y Vainman, el lanzamiento al estrellato de por entonces desconocidos actores que gracias al gancho que ofrecían sus personajes quedaron en la memoria de la gente y pudieron desarrollar una dilatada trayectoria en la TV. Despiece:

Elenco: Diego Torres Adrián Suar Fabián Vena Gloria Carrá Araceli González Marisa Mondino Germán Palacios Eleonora Wexler Carolina Fal Lara Zimmermann Alicia Aller Hugo Arana Nelly Beltrán


M

o n a elom

t r a e ’s H


v i n i l e p p e z d e l e d s o o l e ñ i c a l a 40 a escale r DISCO HOMENAJE

y la

Nota: Manuel Montali

Fue a principios del 2000. El violero me pasó por teléfono la lista de covers a practicar para un recital que teníamos en vista, encomendándome “especialmente” prestarle atención a los últimos. No recuerdo con precisión, pero eran piezas de los primeros tres discos de Led Zeppelin, probablemente “Communication Breakdown”, “Living Loving Maid” e “Immigrant Song”. En aquellos tiempos donde aún no había llegado la banda ancha, con Napster y Emule en ciernes pero lejos de You Tube y demás, casi la única forma de

acceder a material de la mítica banda inglesa, en mi ciudad, era a través del disco de una biblioteca popular que poseía la discografía completa en MP3. Tenía algo contra Zeppelin, uno de esos prejuicios que según atribuyen a Einstein son más difíciles de desintegrar que un átomo. Acaso porque en alguna revista pedorra había leído que Queen -mi banda inglesa fetiche- era una “mala copia” de ellos. De tal forma, ni quería acercarme a un acorde de Jimmy Page y compañía, por el tonto temor quizás de confirmar dicha


Nota: Marina Miguel sentencia. Es más, sin haberla oído nunca, decía abiertamente que la tan mentada “Stairway to heaven” era una cancioncilla en Midi al lado de, por ejemplo, Bohemian Rhapsody. Cosas de pibe.

Lo cierto es que, tras sacar las bases que me habían indicado, mientras le daba en la computadora al solitario, buscaminas, carta blanca y otros juegos en mute, seguí escuchando los discos con bastante mayor


interés del que me hubiera gustado confesar, y llegué así al nunca titulado “Led Zeppelin IV”. ¿Qué decir de ese disco que se había publicado el día de mi cumpleaños, pero en un ya cuarentón 1971? “Black Dog” y “Rock and Roll” me dieron dos bofetones que me dejaron bien despierto para lo que se venía, ese magnífico himno épico a lo Tolkien y en mandolina que es The Battle of Evermore... y sí, Stairway to Heaven, ocho minutos de éxtasis para frustrar de por vida al melómano con la conciencia de que nunca volverá a descubrir algo semejante. “Misty Mountain Hop”, “Four Sticks”, “Going to California” y “When the Levee Breaks” cumplieron luego con la premisa de completar un álbum ferpecto, reservando en ese momento el término correcto por si los discos que me faltaban escuchar eran


perder ahí los dientes. Después de ese esotérico cuarto trabajo de Zeppelin -que en otra lejana tarde, por esas maravillas todavía mejores (bueno, Physical de la vida, lo conseguí nuevo y Graffiti forma parte de otra historia). El aura de oscurantismo original a tan sólo 10 pesos en la Terminal de ómnibus cordobesa-, que recorre todas las pistas pude reconciliarme con mis incluso deja la sensación de que fantasmas y ganar en Bonzo un nosotros, tristes mortales, somos maestro de por vida. Y sí, Stairway demasiado idiotas para terminar de comprender -y merecer- música to Heaven es lo que su nombre indica y ha ganado largamente la de una solidez como la que en fama que la precede. Cada vez ese disco nos regaló la banda “más pesada que un puto zeppelin que la vuelvo escuchar, pese a que “la canción es la misma”, siento de plomo” (de ahí el origen del que estoy un peldaño más arriba, nombre), manzana prohibida que se puede morder, pero a costa de más cerca. Alabado sea Zoso.


s o ic s a l c / s o v e u n s disco


nuevo

ica

ll a t e m / d e e r u o l lulu

La primera impresión al escuchar este crossover bizarro entre los ases del trash metal y el abuelo del noise es de extrañeza. La voz de Lou Reed parece pegada encima del transfondo sonoro creado por Hetfield y los suyos. Ambas piezas parecieran no funcionar en conjunto, un poco como pasaba con las cuerdas en el disco de Metallica “M&S”, solo que en aquel caso había una intención explícita de contraste. Por el lado de las canciones – que son más bien largos poemas musicalizados-, todas llevan la marca estilística del ex-lider de la Velvet Underground: directos al grano y sin complejidades armónicas. Metallica pareciera apenas limitarse a reinterpretarlas en clave hard-rock y sumarse en las improvisaciones monotonales, tan caras a la tradición del newyorkino. Estas flaquezas, sumadas a la atmósfera sofocante y tortuosa - que en sus picos de mayor tensión (“Mistress Dread”, “Pumping Blood”) recuerda en parte a los inquietantes experimentos sonoros de Scott Walker en “The Drift”- y a la kilométrica extensión del disco y de algunos tracks en particular (“Cheat on me”, “Junior Dad”), hacen de “Lulu” un desafío espinoso para el escucha inadvertido que se acercó tentado por los nombres en la marquesina. Eso sí, los fans - sobre todo los de Reed-, seguro sabrán perdonar. Nota: Emanuel Sanabria


nuevo

biophilia - bjork

El ciclo de la vida. Nacer, crecer y morir. Y, como el caso de Björk, volver a nacer. No sin algo de ironía el año pasado, esta cándida amante de la naturaleza, estuvo a punto de perder la voz –y suponemos el alma también - por culpa de un hongo llamado… Cándida. Por fortuna, la cantante islandesa se recuperó y emprendió la

producción del que quizás sea uno de sus proyectos más ambiciosos, un álbum conceptual que dialoga con toda su obra anterior y que desborda lo estrictamente musical, incorporando una serie de aplicaciones y juegos para móviles como extensiones interactivas y, claro, vivas del disco. Y vale decir que este recurso no intenta compensar una flaqueza de su núcleo principal, es decir las canciones. Todo lo contrario, “Biophilia” es de por sí solo un gran disco. Pero gracias a la didáctica tecnológica, este ensayo poético y experiencial sobre nuestra relación con la madre naturaleza, se completa y expande, retratando el amor incondicional por la vida a través del amor por el sonido.

Utilizando instrumento creados especialmente para la ocasión (uno de ellos, el Gameleste, una especie de clavicordio con conexión MIDI, omnipresente durante todo el disco), Björk, confecciona un recorrido musical por diferentes estados sensoriales, entregando iguales dosis de ternura, sadismo, ironía y honestidad artística y emocional. Tracks destacados: “Crystalline” –con final a puro Drum ‘n’ Bass- , “Virus” – una melodía celestial para hacer las paces con la madre natura- , “Sacrifice”- una atmosfera y melodía digna de Cocteau Twins- y “Mutual Core”.

Nota: Emanuel Sanabria


nuevo

mylo xyloto - coldplay

Luego del éxitoso “Viva la Vida”, la banda Chris Martin parece haber querido ponerse a tiro con los sonidos del momento. Y la verdad es que no les ha salido tan mal: “Mylo Xyloto” suena sumamente diferente a todo lo que la banda hizo hasta el momento. Desde la indietrónica de “Hurts Like

Paradise”, al techno noise popero de “Princess of China” (con la nueva sex-bomb afro Rihanna como invitada), pasando por el balearic-beat del primer corte difusión “Every Teardrop is a Waterfall” (si, la de la intro igualita a “Ritmo de la Noche”) y el tono soulero (casi un dupstep a la James Blake) de “Up in Flames” - que actualiza el baladismo lacrimoso de “The Scientist”-, los chicos sensibles del rock, se las arreglan para mantener una trama estética coherente sin abandonar sus cualidades de hitmakers, ni tampoco, y he aquí un problema, algunos vicios compositivos: los falsetes gancheros, las letras

de manual escolar, la épica que muchas veces es pura pompa y artificio, la reiteración de motivos musicales, etc. Sin embargo, hay que reconocer que el abordaje elegido para cada composición hace que estas marcas estilisticas suenen renovadas y potentes. Un paso significativo para los ingleses hacia un estadio creativo, sin dudas, más interesante.

Nota: Emanuel Sanabria


nuevo

THIS IS GONNA HURT – SIXX AM

diaries: soundtrack” de 2008 que dejó joyas del del rock duro contemporáneo como “Accidents can happen” “Tomorrow” o “Life is beautiful” ya está ala venta en Estados Unidos y en su primera semana en las bateas vendió 30 mil copias. Esto en parte porque suena como un álbum que va a trascender la época en la que fue editado, un disco sin tiempo, con todos los clichés del rock clásico Segundo disco de esta banda que deriva en una fórmula simple, que ya dejó de ser el proyecto pero efectiva para todos los que alternativo de Nikki Sixx,el legendario bajista de Motley Crue, somos amantes del estilo en su para convertirse en una banda con máxima pureza. peso y nombres propios dentro del El primer single es el que le da su circuito hardrockero y demuestra nombre al álbum: “This is gonna hurt”, uno de los temas con más que el género está en su mejor agite, elegido estratégicamente momento de los últimos años. para inmortalizarlo en un video El sucesor de “The heroin

lleno de fenómenos frikies. Otras canciones destacadas son las baladas. “Skin”, con una intro de piano, es toda una declaración de principios para los prejuiciosos que nos juzgan por las apariencias y la casi sinfónica “Smile”. En canciones como “Are you with me”,”Live forever” y “Goodbye my friends” se destacan los solos del guitarrista del momento, el polifacético DJ Ashba , quien es además integrante estable de los nuevos Guns N Roses. La edición japonesa del disco cuenta con un bonus track de lujo: la intensa “Codependence”.

Nota: Ariel Britos


nuevo

audio video disco - justice

¿Quién podría haber previsto que debajo del disfraz techno del dúo francés se escondían dos fans de la música progresiva? Al menos así parece a juzgar por esta segunda entrega de los alumnos ilustres de Daft Punk y del french touch: un tour de force de 11 tracks, moldeados con clichés del prog rock de los 70’s y comprimidos con el sonido grandilocuente y épico de Justice. Dejando de lado “Civilization” y “Helix”, dos hits en potencia que cabrían sin problemas en el debut de los franceses (“†” 2009), las canciones de “Audio Video Disco” sorprenden por su virtuosismo instrumental y las complejas progresiones melódicas que componen su trama. Allí están las

armonías vocales de “Ohio” (con la voz de Vincent Vendetta de los australianos Midnight Juggernauts, una banda cuyo segundo disco se acerca bastante a estos “nuevos” Justice) que recuerdan a Yes; “Newlands”, que remite a unos Supertramp hard-rockeros y electrificados, y “Canon”, que despliega un fanfarria de cortes con toda la épica de Deep Purple. Otras novedades son la omnipresencia del uso de guitarras (“Brianvision” pareciera un velado homenaje a la viola cargada de harmonizer de Brian May circa “Queen II”), las melodías disputándose el trono con el ritmo (“Ohio”, “Audio Video Disco”, “Brianvision”) y también el tratamiento de las voces, que

dejaron de ser simples arreglos para tomar el centro de la escena. Es previsible que esta renovación sonora pueda decepcionar a más de un fan del electro rabioso y anguloso del primer Justice, pero no deja de ser loable la decisión de los franceses de abandonar la opción segura de clonar su exitoso debut y abrir, en cambio, nuevos y prometedores horizontes. Nota: Emanuel Sanabria


Review’

s Teleg

ráficas

Tim Hecker – Dropped Pianos El canadiense se decidió a editar los resultados del proyecto original que animó la concresión del exitoso “The Ravendeath” (2011) - un tour de drone eléctrico sorprendente. Esta continuación tiene como protagonista a un piano fantásmagorico, grabado a puro reverb natural, en una iglesia abandonada. Menos caótico y más melancólico que su sucesor, “Dropped Pianos” sirve como contrapunto ideal y como señal de aterrizaje para aquel viaje sensorial espiralado. James Blake – Enough Thunder - EP Sin descansar ni un minuto, y aprovechando el éxito (un poco armado por la prensa) de su primer largo (“James Blake” 2011), el británico volvió a editar en el formato que mejor le sienta a su curiosidad artística.Un cover de Joni Mitchell y cinco canciones originales que abordan el concepto de dubstep de salón, con dosis similares de ambient y soul, forman este nuevo EP de uno de los artistas más prometedores de los últimos años. Matthew Herbert – One Pig Un disco envuelto en polémicas (la organización PETA estuvo a punto de hacer prohibir su edición), esta tercera parte de la trilogía experimental del polifacético músico inglés se muestra inquietante desde el inicio. El concepto es simple: sonidos tratados tomados del recorrido vital de un cerdo, (“desde la cuna


nuevo

days- real estate

¿Quién dijo que el indie guitarrero estaba desfalleciente? Estos chicos de New Jersey se pusieron al hombro el legado del indie “old school” de guitarras (R.E.M., Pavement y sus coterráneos The Feelies, como mayores referentes) y produjeron un disco redondito, como hacía tiempo no se escuchaba. Al igual que el último de Arcade Fire, el segundo

como lo expresan en “Wonder Years”: “No, no estoy bien/ pero supongo que está todo bien”. Las autopistas, las pequeñas ciudades y pueblos, son los escenarios LP de Real Estate, discurre sobre desde los que Martin Courtney la idea del paraíso perdido de la nos confiesa en un suspiro “Todas juventud y el inevitable paso del las millas recorridas/ Todos esos tiempo. Pero a diferencia de “The paseos sin rúmbo/ atravesando Suburbs”, aquí la evocación de tiempos mejores no conduce hacia pasajes verdes/Nuestro la desesperanza o la desconfianza despreocupado estilo de vida /no era tan insensato”. Ah, la verdad en el futuro. El espíritu relajado es que no lo era. y bucólico de las composiciones induce un estado de nostálgia Nota: Emanuel Sanabria azucarada y despreocupada; tal


clasico nuevo

ty Beplayachesaerosmith justDirpush – Badlands(2001)

los 80s como “Get a Grip”, “Nine lives” o “Pump”, el disco les sirvió para mantenerse en lo más alto y ser noticia durante casi quince años ininterrumpidos en base a la fórmula sencilla y repetida que tantos buenos resultados les dio en lo que fue el “segundo tiempo” de la banda, de 1985 para acá. La trilogía infaltable de baladas dulzonas (“Fly away from here”, Disco de estudio número trece “Luv lies” y “Jaded”) los hits para la banda que está de vuelta radiales, en este caso “Sunshine”, de todo, y para no desentonar las canciones más poderosas empezaron el nuevo siglo con como “Outta your head”, “Just todo. Recibieron el 2001 con nuevo disco y con ingreso incluido push play” o “Under my skin” y lo que podría llamarse la “novedad” al Salón de la Fama del Rock n en Aerosmith: El coqueteo con Roll. Nota: Emanuel Sanabria la electrónica en la lisérgica y Aunque no hay grandes envolvente “Light inside”. diferencias con sus álbumes predecesores de los 90s y fines de Por supuesto, no podía faltar el

himno, la canción de las fiestas de 15, casamientos o cualquier otro evento social de importancia: en este caso “Avantgarden”, la canción que cierra el disco y que suena a despedida, al cierre de una etapa, a un cambio de ciclo. Si bien Aerosmith en la actualidad sigue más vigente y vital que nunca, “Just Push Play” fue su último disco de estudio con canciones nuevas hasta hoy, y “Avantgarden”,esa última canción que sonaba a despedida, ala distancia parece estratégicamente colocada.

Nota: Ariel Britos


nuevo

ashes & fire - ryan adams

a las bases con un disco sereno de paso, cambia de dueño cada y de instrumentación minimalista, dos por tres), este emulo folkie de enfocado en la voz como hilo Cobain, demostró ser al menos conductor de las canciones. tan prolífico como su referente, Cómo bien sugiere el título, se respaldado por una producción trata de una obra que reflexiona desmesurada (13 discos oficiales, sobre las consecuencias de la más otros tantos piratas, en poco pasión, pero no desde el cálculo más de 10 años), que contuvo de la racionalidad, sino desde algunos hitos (el satírico “Rock ‘n’ las llagas de la experiencia. Y si Roll”, el desgarrado “Love is Hell” bien puede que no alcance las y, junto a la banda The Cardinals, cumbres de su debut, “Ashes & A comienzos de siglo, merced el más maduro “Easy Tiger”) y Fire” nos permite apreciar las a un álbum debut profundo y claro, algunos lógicos altibajos mejores facetas de este artista sorprendente, este hombre de de la catarsis emotiva en estado Carolina del Norte cosechó elogios (el desparejo “Cold Roses” y el deshabrído “29”). puro. Algunos momentos para profusos de la crítica e incluso Ahora, dejadas atrás las atesorar: el country blues cansino se ganó el mote máximo para un comparaciones, algunas relaciones de “I love you but i don’t know cantautor de country-folk: con what to say”, el pop epifánico en “Heartbreaker” (2000), Adams fue, estelares (Wynona Ryder, Alanis “Chains of Love”, y esos lamentos al menos por un tiempo, “el nuevo Morrisette, entre otras) y una enfermedad que amenazó con trasnochados de base etílica en Dylan”. Pero más allá del rótulo de coartar su carrera, Adams, vuelve “Come Home” y “Do I wait”. feria de talentos (que dicho sea Nota: Emanuel Sanabria


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the year of hibernation – youth lagoon Un disco más de dream-pop de habitación, lleno de encanto y melancolia. Con apenas 22 años, Trevor Powers, se cansó de regentear el círculo de bandas escolares de Idaho y decidió dedicarse a escribir, según sus propias palabras, música “que significara algo”. Y a pesar que se trata de un trabajo solista, “The Year of Hibernation” suena como si fuera el producto de un esfuerzo colectivo. Las canciones están repletas de detalles y cambios en la dinámica, y hasta podría decirse que se siente cierta química entre “los integrantes”. El sonido de Youth Lagoon puede rastrearse entre lo más pop The Flaming Lips (“Afternoons”), la atmósfera opaca de The Clientele (“Montanta”) y por supuesto, el romanticismo etéreo de Cocteau Twins, referente número uno del género. A toda esta mezcla, Trevor le suma una dosis justa de indietrónica para subrayar los crescendos y poco más. Un debut prometedor. Nota: Emanuel Sanabria


noviembre 2011

LOBO SUELTO

Lobo Suelto Nº 21b Noviembre 2011  

Revista digital Córdoba capital

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