Issuu on Google+

Septiembre Nº 10

Abril 2011 - Nº 14

LOBO SUELTO : HEART O’SARTE

AN MELOM OW: HE SH T O T BACK

TS E PILO

TEMPL STONE STOMB TV: CINE Y

L TAP SPINA INTO T J LABER ROBER R O F ON SESSI

RVEY PJ HAROCK

Y DISEÑO:

H.R. GIGER

DE CORDOBA:

OS: Y PAJAROS DADPECES COMEN

E CD’S R

ROCK DE CORDOBA: sónicPECES , BabYaPAJAROS v a F y v a S na, Les La Renga,, Led Zeppelin, Nirva os, Cream e CINE: DAVID LYNCH Whitesnak

ROXETTE + THE CULT: DOS GRANDES EN CORDOBA

PELICULAS RECOMENDADAS DISCOS

RECOMENDADOS


LOBO SUELTO


Dirección Gereral, Diseño Gráfico y Diagramación: Victoria Clementi Redacción: Victoria Clementi Marina Miguel Melina Galli Lila Martínez Ariel Britos Guido Cambareri Tavo Ledesma Rocío Marruco Eugenia Ceballos Roberto Beluzzo Manuel Montali

Fotografía: Lila Martínez

INDICE 1014

Pappo The Cult

6

Roxette

STAFF

16

14 Peces y Pajar H.R. Giger


2622

ros

32

Alejandro Medina

David Lynch

Rock y Dictadura

28

El Cisne Negro

32

36

10 38


Debe haber sido amor lo que conectaba a estos suecos con Córdoba. A casi 20 años de su última visita a nuestra ciudad con un estadio Chateau Carreras que desbordaba, en aquel ya lejano 1992 cuando Per Gessle y Marie Frederikssen estaban en la cumbre de todos los charts, superando a monstruos de la época como Michael Jackson o los mismísimos Guns N Roses, regresaron ahora a una ciudad que siempre los recibió de maravillas.


DOS GRANDES EN CORDOBA:ROXETTE +THE CULT

De Suecia Con Amor Notas: Ariel Britos

Una nueva gira y un nuevo disco los trajo nuevamente a este rincón del planeta que los acogió por última vez en la gira de “Joyride” su disco más exitoso y con el que batieron récords en todo el mundo. Previo a eso, el desembarco de Roxette en las grandes ligas de la música se dio casi por casualidad hacia fines de los ‘80 cuando un estudiante estadounidense de intercambio en Suecia, llevó la copia de un cassette a una radio de Phoenix con el disco “Look

sharp!”, el segundo de estudio. La canción “The Look” obtuvo una avalancha de pedidos en esa emisora y la canción se transformó en número uno para abril de 1989. El esperado regreso a nuestro país 16 años después se concreta luego de una carrera sinuosa e irregular después de aquel memorable “Joyride”. Le siguió un disco igual de bueno y con una cantidad innumerable de hits radiales, pero que extrañamente solo vendió 5 millones de copias, un número notablemente inferior al de su antecesor. En Estados Unidos parecían haberse cansado de Roxette, ya que hasta la

edición del disco fue diferente, aunque ellos pegaban en todo el resto del mundo, tocando en china 10 años después de que una banda occidental pisase su suelo por última vez. Festejando el día del trabajo en Rusia, la primera celebración de un día del trabajador desde 1917 en ese país o convocando 130 mil personas en Sudáfrica. Precisamente esa exitosa gira: “Crash Boom Bang tour” los trajo por segunda vez a nuestro país en ese 1995, pero en esa ocasión no pasaron por Córdoba. Luego de innumerables discos recopilatorios y algunos pocos


más de estudio, parecía todo acabado cuando en 2002 en plena gira de “Room Service”, su trabajo discográfico del año anterior, Marie sufre un desmayo por el cual se tuvo que suspender el tour, la causa parecía el fin del dúo. Un tumor en la cabeza de la notable cantante la llevó a una operación y un descanso obligado. En ese tiempo su compañero, Per, se dedicó a proyectos solistas y con una banda paralela. Precisamente en una de esas giras de Per como solista, Marie es invitada a cantar con él en una actuación en Holanda, la recepción del público fue tan

positiva que ambos empezaron a creer en la posibilidad de que Roxette podría llegar a resurgir como dúo 7 años después de haber brindado su último concierto como tal. Así fue que se pusieron en campaña para lo que sería el sucesor de aquel disco del 2001. A mediados de 2010 Per anuncia a través de las redes sociales Facebook y Twitter que “Charm School” el nuevo trabajo de la banda estaba listo y que saldría a la venta mundialmente el 11 de febrero de 2011. Con un primer single “She´s got nothing on (but the radio)” que trae reminiscencias

de las fórmulas más exitosas de aquellos primeros años de Roxette sonando en todas las radios. También como en los viejos tiempos, la gira mundial de “Charm School” los trae de regreso a Córdoba en donde nuevamente y como hace 20 años, las localidades del Orfeo Superdomo están completamente agotadas para disfrutar de todos sus clásicos y sus temas nuevos el 7 de abril. Una nueva fiesta musical para disfrutar en nuestra ciudad, en lo que será un año en que las visitas de artistas de calidad van a ser moneda corriente.


ETERNOS Y DEMOLEDO R

ES

Nota y Fotos: Ariel Britos


Difícil es saber en que anda The Cult, hasta que se confirmó su presencia en nuestra ciudad por primera vez. Este último tiempo habían vuelto a hacer una recorrida por Canadá y Estados Unidos, pero sin noticias acerca de nuevo material discográfico. Su último trabajo había sido “Born into this” de 2007.


La Docta Le Rinde Culto El hecho que su último disco de estudio hasta la fecha haya pasado desapercibido, no significa que The Cult no corresponda a una visita de las más importantes que podríamos tener en nuestros escenarios en los últimos años. La cita es para el 8 de mayo en la Vieja Usina, un reducto donde el sonido a veces resulta un problema, pero no apaga las expectativas de lo que será un grandioso show de una de las bandas pioneras del hard rock inglés ochentoso. La formación con la que arribarán a nuestra ciudad está conformada por el legendario Ian

Astbury en voces, Billy Duffy en guitarras (ambos fundadores de la banda), Chris Wyse en bajo, John Tempesta en batería y Mike Dimkitch en guitarra rítmica. The Cult arrancó en sus comienzos como una banda más al estilo new wave inglés, aquella corriente de post punk gótico que tenía como principales referentes a Madness, Joy Division o Bauhaus, todos contemporáneos suyos. Ya con el correr de los ‘80, su sonido fue virando hacia el hard rock en discos como “Love” (1985) o “Electric” (1987), aunque todavía conservando sus raíces góticas con toques

psicodélicos de los ‘70. Radicados definitivamente en Estados Unidos con un sonido 100% hard rockero acorde a la época y al contexto, les llegó el éxito con “Sonic Temple”. Una máquina de hits y buenas canciones, como “Sweet soul sister”, “Edie (Ciao baby)”, “Sun King” y “Fire Woman”. “Ceremony” de 1991 fue otro gran álbum que seguía la línea de su predecesor, pero salió a la venta justo en el momento en que el hard rock le cedía espacio al grunge en radios y cadenas musicales. Tuvo tan poco éxito (se vendieron sólo un millón de copias) que MTV no quiso pasar


el video del tercer single “White”. Después de peleas por diferencias musicales entre Astbury y Duffy, más otro disco intrascendente para el público, llegó la separación en 1995.

Ya en 2001, volvieron a reunirse con Matt Sorum, el famoso baterista que dejó la banda en 1990 para unirse a Guns N roses (reemplazando a Steven Adler) y grabaron “Beyond good and evil”, el séptimo disco de estudio

más el exitoso single “Painted on my heart” para la película “Gone in 60 seconds”. Gracias a esto, The Cult había vuelto a tener un singular éxito a principios de siglo. Pero luego Sorum dejaría definitivamente la banda y se uniría a Velvet Revolver, Astbury a una banda tributo a The Doors. Hasta que con nuevos miembros, pero con la dupla pionera Astbury y Duffy, lanzaron “Born into this” hace 4 años, con toda esa trayectoria llegan por primera vez a nuestra ciudad… a disfrutarlos!


ROCK DE CORDOBA lugar donde tuve la oportunidad de escucharlos y llevarme una agradable sorpresa. La banda tiene de todo un poco, Nota: Melina Galli una conjunción de sonidos suaves, potencia rockera, riffs eléctricos y El escenario musical de Córdoba crece y se expande voces hipnóticas, que recuerdan rápidamente. Por eso, urge la necesidad de brindarles un quizá a un Yorke entonando las espacio de difusión para todas aquellas bandas que, en algunos estrofas de High & Dry. casos, dan sus primeros pasos y en otros tienen una amplia Se puede volar con sus melodías, trayectoria musical que avala genialidades, sonidos únicos y en en sus canciones aflora un definitiva que reúnen todos los requisitos que históricamente sentimiento poco habitual, latente han formado a muchos de los grandes músicos de nuestro país. en temas como “Bosque (hombre Es justamente debido a ello, escucha, conocida y sacada a bueno)” que reza: “No hace mucho que surge la idea de formar relucir. tiempo que amanecí siendo un ser este espacio, desde donde Inauguramos con Peces y Pájaros, que ama y no teme tanto ser feliz, pretendemos tirar abajo la una banda de rock alternativo que sólo es que a veces me pierdo premisa de que el rock nacional se configura allá por el año 2009, en el bosque de mis miedos”. El es equivalente únicamente al en cuya formación se encuentra placer es doble cuando la buena rock de Buenos Aires y lugares Agustín en guitarra y voz, Adrián música va de la mano de letras aledaños. Pretendemos demostrar guitarra y voz, Augusto en el bajo que te ponen la piel de gallina. que en Córdoba hace tiempo y Lucas en la batería. En su música se puede notar una se viene gestando una movida Recientemente, se estuvieron clara influencia del rock al estilo under importante que merece ser presentando en Club Belle Epoque, de los 80 y los 90, con algunos

Peces Y Pajaros


toques de dark, indie, folk y matices psicodélicos. Cuando uno escucha sus canciones, no es difícil imaginárselos es un estadio lleno de personas coreando sus

temas. Si es agradable escucharlos grabados, en vivo tienen un efecto potenciado: con buenos puntos de apoyo, sonidos prolijos y voces que se dejan escuchar a la perfección. Podemos sumergirnos o volar al ritmo de la música de estos Peces y Pájaros. Pero este es solo un vistazo, una

aproximación a una banda que pisa firme el acelerador y de la que estoy segura, escucharemos mucho más… 


ARTE Y DISEÑO

H.R. Giger, La Pesadilla Biomecanica. Nota: CC.

Hans Ruedi Giger, artista gráfico, diseñador de interiores y escultor, creador de bichos raros, amigo personal de Tymothy Leary, seguidor de Sigmund Freud y dueño de un estilo que marcó un antes y un después en la historia del cine-ficción. El nene raro Como tantos otros de su especie, desde chiquilín miraba de afuera. H.R. Giger fue terriblemente tímido, agresivo, gustó vestir de negro, frecuentar lugares insólitos y jugar en solitario con armas creadas por él mismo. Rodeado de un contexto que en gran medida

alimentaba sus extraños intereses, como el laboratorio de su padre farmacéutico o la escuela católica en la que fue formado (con todo lo que eso puede significar a nivel ideológico), tuvo mucho a favor para desarrollar durante 30 años de intenso trabajo, obras que dieron y siguen dando que

hablar, tanto en el ámbito artístico como en el comercial. Para muestra sobra un botón: Giger es el diseñador de las criaturas y los escenarios de la película “Alien”. Under, surrealista y biomecánico Sigo camino. Atrapado por el fascinante mundo de los sueños, y particularmente por las pesadillas, en su adolescencia es tentado por las teorías freudianas y lleva consigo un diario íntimo donde apunta sus sueños más intrincados, sustento de su estilo onírico. Extasiado por el


Ilustración de su primer Alien

Nota: Melina Galli inconsciente, comienza a pintar

oscuros paisajes surrealistas, cargados de simbologías sexuales, de fetiches y temores insospechables. Por aquel entonces traba una íntima amistad con Timothy Leary, un psicólogo muy particular, abocado a la investigación del uso del drogas psicodélicas y famoso por haberse proclamado a favor del empleo

terapéutico del LSD, allá por los 60’s. A partir de 1966, Giger se toma las cosas más en serio y comienza a trabajar como diseñador de interiores, a la vez que pinta con entusiasmo. En 1969 debuta como ilustrador para revistas clandestinas como “Clou” o “Agitation”, actividad que deriva en el desarrollo gráfico de portadas para discos, y entonces diseña para Emerson Lake and Palmer y Debbie Harry, vocalista de Blondie, quien desde su lugar de musa inspiradora o su “reina punk”, se hace presente en algunas de sus obras. Por aquellos años colabora en la producción de una serie de cortometrajes underground y conoce a Li Tobler, artista plástica con la que comparte su afición por el cine, además de una relación

“Pas

sang

en-T

empe

l” (19

75)


Giger´s Bar, NY city

sentimental. El suicido de Li en 1975, marca para siempre su carrera, su estilo artístico y su vida misma. Parece que en el ámbito cinematográfico encuentra un refugio y una manera de perpetuar a su querida Li, por lo

que un par de años más tarde, en pleno auge del cine zombie de los 80’s, es bien recibido como colaborador en diversos films y así es como llega a formar parte del equipo de Ridley Scott, entre otros. Produce para las películas “Postergeist”, “Alien” y “El octavo

pasajero”. Su catarsis lo lleva a la fama y se cumple la trillada profecía del “no hay mal que por bien no venga” y recibe un Oscar al mejor diseño de escenarios en 1980 gracias a estos bichos raros. La prensa define su estilo como biomecánico; fusión de


máquina y cuerpo humano, dando como resultado criaturas tan estrambóticas como sensacionales. Y te digo más: en el 2006 Ibanez lo contrata para idear una línea

estilística de 5 guitarras y un bajo… Diseño un portamicrófonos para el cantante de Korn, y en su imperiosa necesidad de exorcisarse a tarvés del arte, va y mete mano en el desarrollo de

Arte de tapas para el disco “KooKoo” de Debbie Harry (vocalista de Blondie).

gráficas para videojuegos... Si no te alcanzó con eso, una tarde te invito a tomar un café en cualquiera de los 3 Giger’s bar que hay dispersos en el mundo. Elegí: Suiza (su lugar de origen), Japón o New York (donde también está su museo, eh, pará un poco!).

Diseño de guitarra Ibanez, 2006.

Ediciones de libros de arte para la editorial Taschen y se fue todo al carajo. Necronomicon. Amén y amén. 


V T y Cine


DIRECTOR


David Lynch, y sus enigmas domésticos Nota: CC.

Infancia de nómade Lejos de ser un alma torturada, David Lynch arroja esa imagen típica del buen chico americano de clase media, soñador, cordial y optimista. Proveniente de una familia convencional y trabajadora, se ve obligado a llevar una vida de nómade debido a las tareas que desarrollaba Donald Lynch, 1

1

Inquieto y multidisciplinario, se consagró como uno de los cineastas de culto que dio nuevas perspectivas a las experiencias sensoriales de su público, transformando los hechos cotidianos en misterios irresueltos. su padre, un biólogo investigador. David conecta desde temprana edad con el desapego terrenal y emocional, lo comprende y lo adopta como un filosofía de vida. Quizás sea esa una de las razones por las cuales se vuelve adepto a la meditación trascendental, disciplina que practica desde hace 30 años. Así pues, transcurre gran

parte de su infancia viajando a lo largo de todo Estados Unidos, explorando y desarrollando un gusto particular por aquellos mundos hormigueantes que existe bajo la superficie. Una década marcada por el nacimiento del rock and roll, el consumismo, el diseño… el idilio de los años 50’s, que definitivamente marcan


estudiar más en profundidad. Habituado a su condición de nómade, y tan sólo 2 semanas después, Europa lo desilusiona y regresa a casa, argumentando Para empezar, pintor. Y que aquel no es un sitio para él. después cineasta. Con las mandíbulas por el piso, Una vez establecida la familia, sus padres deciden recortarle Lynch adolescente, saca a relucir su costado artístico y expresa sus los víveres por considerarlo un pretencioso. Sin chistar, se ansias de pintar, de aflorar todo muda a Filadelfia con un amigo ese bagaje visual que le dejaron los viajes y el cambiante contexto. y comienza a ganarse el pan como asistente en un gabinete La pintura será su forma de expresión durante años, medio que de arquitectura del que pronto es no abandona a pesar de dedicarse despedido por su inconstancia. El verdadero cambio llega un año profesionalmente al cine. Pero después, cuando convencido de recién a sus 20 años, en 1964, sus dotes artísticas, ingresa a se inscribe en la Boston Museum la Academia de Finas Artes, en School, con la idea de conocer Pensilvania, para formarse como la obra de sus pintores favoritos (cabe mencionar a Francis Bacon) pintor con todas las de la ley, y tomar de ellos su legado. Pronto además de casarse y tener su primera hija, todo con la velocidad abandona la escuela por una de un rayo. Curioso y movedizo razón valedera. Europa lo tienta por naturaleza, toma conciencia y sin dudar, viaja a Viena para su estética cinematográfica (“Terciopelo azul” es un buen ejemplo).

Gráfica de “Six Men Getting Six”. (19


967)

“Terciopelo Azul” (1986)


de la falta de dos dimensiones en sus obras: el movimiento y el sonido. En su afán de producir, y luego de trabajar en diferentes tareas alienantes, compra una cámara de 16 mm, filma sus propias pinturas y produce algo de música dando como resultado su primer corto animado, “Six Men Getting Six”, que según sus palabras son “57 segundos de desarrollo y pasión, y 3 segundos de vómito”.

Rodando la escena final de “Corazón Salvaje”

Esta micro-película en apareciencia descabellada, trae consigo galardones; gana un premio en la exposición de fin de año de la Academia. De ahí en más su producción artística y él mismo, se ven fortalecidos y bajo una constante fusión de diversas disciplinas artísticas (pintura, fotografía, sonido, diseño) se lanza entusiasmado al mundo del cine.


Gustoso de urgar los recovecos del inconsciente humano, logra representar la vida oculta que existe detrás de lo doméstico y lo tradicional de una manera estilizada y ezquizoide, todo engamado bajo una atmósfera de angustia sorda y de cambiantes estados físicos y anímicos. En 1970 ingresa al “Center for Advanced Film Studies” de Los Ángeles, donde adquiere la destreza necesaria para romperle la cabeza a unos cuantos y dedicarse de lleno a la industria cinematográfica. Luego de algunos tropiezos, se inicia su gran carrera como cineasta. Tan es así, que en los 90’s llega hasta la televisión, desafiante y efervescente con la serie “Twin Peaks” emitido por la cadena ABC. Galardones y algo más

Y esto no termina acá. También dirigió algunos comerciales de TV como el de la fragancia “Obsession” de Calvin Klein (por mencionar una de las más conocidas), produjo videoclips, discos y organizó concursos para lanzar a la fama a sus aficionados. Un amor de tipo. En 1980 recibe 4 nominaciones al Oscar como mejor director y una buena cantidad de premios con nombres raros en diferentes países del mundo. No puedo decirte más. Tendrías

que ver algunas de sus películas más taquilleras y sacar tus propias conclusiones. No te pierdas, en este orden, “Wild at heart” (Corazón Salvaje, 1990) mi película del corazón, “Blue Velvet” (Terciopelo azul, 1986) “Inland Empire” (Imperio, 2006) y “Eraser head” (Cabeza borradora, 1977). Y si te copaste tanto como yo, conseguíte el libro “Atrapa el Pez Dorado: Meditación, Conciencia y Creatividad” gran libro, corto y conciso acerca del proceso creativo y las experiencias personales de este loco lindo .


DESTACADA

El Cisne Negro Nota: Manuel Montali

“Todos conocemos la historia: Chica virginal, pura y dulce, atrapada en el cuerpo de un cisne. Desea la libertad y sólo el amor verdadero puede romper el encanto. Su deseo es casi concedido en la forma de un príncipe. Pero antes de que él pueda declarar su amor, la lujuriosa gemela, el Cisne Negro, le engaña y seduce. Devastada, el Cisne Blanco se lanza desde un precipicio, matándose. Y en la muerte... encuentra la libertad”.


Palabras más, palabras menos, con esa breve reseña Thomas Leroy (Vincent Cassel) -en el rol de director de la compañía de Ballet que interpretará “El Lago de los Cisnes”- introduce de manera casi casual el argumento de “Black Swan” (El Cisne Negro), que desde entonces será un juego de alternancias y simbolismos entre su propio tema y el de la obra de Ballet compuesta por Tchaikovsky, anticipando desde su título el derrotero que seguirá el filme dirigido por Darren Aronofsky, la persecución hacia ese costado oscuro y sombrío que la bailarina Nina (Natalie Portman) debe aprender a desplegar como en una moderna versión de “El retrato de Dorian Gray”. En “Black Swan” (todavía en cartelera en los cines cordobeses), la chica virginal, pura y dulce en la piel de Portman deberá

desentrañar una metamorfosis, recorriendo su propio laberinto oscuro si desea estar a la altura de las exigencias de su perturbado director, quien ha decidido dar un vuelco en una obra muy trillada, como es “El Lago de los Cisnes”, a través de un recurso extremo: tanto el cisne inmaculado como su gemelo siniestro deberán ser interpretados por la misma bailarina. De tal forma, la protagonista será el vértice de un torbellino de imágenes esquizofrénicas, sangre y erotismo creciente en su carrera hacia la dualidad, transmitiendo a los espectadores la tensión de saber sobre su cabeza los filos de varias espadas de Damocles, como son su propia edad, su madre, el director Leroy y la aparente competencia de Lily (Mila Kunis), la bailarina oscura que, en principio, parece más apta para empollar un


cisne negro. Aronofsky (director de “Réquiem para un sueño”, “Pi” y “El luchador”) se introduce con este filme en el tema del doble, del doppelgänger, largamente explotado en todas las ramas del arte, pudiendo mencionar en literatura “El doble” de Dostoievski, “El hombre duplicado” de Saramago, “Demian” de Hesse, “El otro” de Borges, “Lejana” de Cortázar e -inevitable mención- “El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde” de Stevenson, a los que se suman “El Club de la Pelea”, la serie “Lost” -que recientemente abusó de los simbolismos del tipo Yin y Yang- y hasta los Caballeros del Zodíaco (para los más nostálgicos) tenían su reverso infernal. No obstante, hay un detalle original en “El Cisne Negro” que diferencia al filme de la mayoría

de tratamientos que se han dado al tema del doppelgänger, y esto es que, tal como el director Leroy se lo explica a Nina, no hay amenaza oscura en ciernes, no hay falsa compañera que pretenda robarle el protagonismo y la gloria largamente esperada. No, la única persona interpuesta en el camino de la espléndida bailarina blanca que se desea negra es… ella misma. Mila Kunis es apenas una actriz de reparto cuyo personaje, lejos de conspirar contra Nina, incluso la ayuda a dar los giros necesarios para su conversión. La epopeya de Natalie Portman, la actriz, no es menor que la de Nina. Tras algunos roles algo más comprometidos (“Closer” o “V de Venganza”), la artista llega con este papel a un nivel que será el molde -tan delgado y estrecho como se ve ella en pantalla- con el que de ahora en más se medirán sus


futuras actuaciones. El trabajo de Portman es formidable y permite entrever un trasfondo de sacrificio y ensayo descomunal, que bien vale por sí mismo el Oscar a mejor actriz y la consideración del filme completo como el mejor del año, galardón en el que competía con otra gigantesca producción de Hollywood, como es la borgeana “El origen”, y con “El discurso del rey” (finalmente consagrada como ganadora). La producción de Aronofsky -quien lleva conceptos explorados en “El luchador” hacia algo sutil y hermoso- es Natalie Portman/ Nina en una doble totalidad y esplendor, transformando una frígida figura en el ser de luces y sombras capaz de llevar a todo el público a la rastra hacia a la redención final. 


CINE NACIONAL

Cordero de Dios Nota: Rocio Marruco

Apostando a nuestro cine argentino y conmemorando los 35 años del golpe militar del 76, les presento “Cordero de Dios”, un drama familiar que se presenta indisociable del drama histórico argentino. Dirigida por Lucía Cedrón y con las actuaciones de Mercedes Morán, Jorge Marrale, Leonora Balcarce, Malena Solda y Juan Minujín.


La opera prima de la joven realizadora argentina Lucía Cedrón, propone un análisis en doble dimensión ya que por un lado el film se contextualiza en el luego de la crisis del 2001, mostrando la gran inseguridad vivida en el país y por el otro se ocupa del pasado más doloroso y reciente, el último golpe de Estado. En 2002, en plena crisis económica argentina, Arturo (Jorge Marrale), un veterinario de 77 años, es secuestrado en Buenos Aires. Su nieta Guillermina (Leonora Balcarse) de 30 años, debe negociar con los secuestradores el pago del rescate. Para ello, pide ayuda a su madre, Teresa (Mercedes Morán), quien aún vive en Francia, a donde se exilió en la década del ‘70 junto con su hija pequeña, a raíz de la desaparición de su marido.


En el presente y ante las circunstancias, Teresa se ve obligada a retornar a la Argentina a pesar suyo. Guillermina y Teresa llevarán adelante las negociaciones para la liberación de Arturo. A raíz de ello, ambas reviven dolorosos hechos del pasado cuando Teresa (Malena Solda) fue secuestrada por fuerzas para-policiales, el padre de Guillermina es asesinado y Arturo queda entonces a cargo de su nieta. Poco a poco, Guillermina, ahora adulta, va a ir descubriendo la intervención de su abuelo en 1978 en la liberación de su madre. La narración luce un eficaz contrapunto entre la Argentina del 2002 y la de 1978, año del secuestro temporario de la madre y asesinato del padre de Guillermina, en medio de la euforia social por el campeonato mundial de futbol en plena dictadura.


Año también en que Guillermina cumplía 5 años y el abuelo le regalaba un blanquísimo corderito de lana el mismo día en que asesinaron a su padre. Para presentarnos esta otra parte de la historia, la directora utiliza el recurso del flashback, recreando la estética de la época de los setenta en Argentina y en este caso es la actriz Malena Solda, quien hará de una Lucía jovencísima. Cordero de Dios transita un mismo camino, sinuoso, en el que conviven el sacrificio, el ocultamiento y la justicia; no apunta solamente a revalorar la memoria colectiva, sino que se propone indagar y cuestionar las causas y los efectos de la Historia. 


INDEPENDIENTE

Le Refuge Nota: Melina Galli

El cine francés actual, nos trae una variedad exquisita de producciones cinematográficas, de gran calidad y estética, generalmente abordando temáticas complejas de la sociedad contemporánea, con enfoques diferentes, ideológicamente comprometidos, que nos deja algo más que una historia que quiere hacer mella en el mercado. Le Refuge, es un perfecto ejemplo de ello.

Del renombrado director François Ozon, de la mano con actores de alto calibre, nos cuenta una historia cargada de sus tópicos preferidos: Amores desencontrados, tragedias, el deseo sexual en sus más insospechadas manifestaciones, y finalmente el reencuentro con uno mismo a través de la reflexión y el balance de las vivencias de los protagonistas. Mousse (Isabelle Carré) y Louis (Melvil Poupaud) son dos jóvenes de París, que parecen tenerlo todo: encanto, dinero, y un amor fuera de serie, de esos que solo peden


verse en la pantalla grande. Pero las drogas invaden su vida, y sus sueños entran en caída libre. Louis muere de una sobredosis, dejando a Mousse embaraza y perdida, quien decide huir fuera de la cuidad para tratar de volver a reunir los pedazos de su vida, para recomponerse física y mentalmente de esta inesperada tragedia que sacudió su existencia y que la dejo parada en media de la nada, preguntándose como es posible seguir adelante cuando sentimos que todo a nuestro alrededor esta roto. Encuentra “Su refugio” en una casita cerca del mar, donde intentará salir adelante, acompañada por el hermano de Louis, quien además de intentar ayudarla, le revelará un secreto… Una historia con atmósfera bucólica, donde una mujer vive

su proceso de desintoxicación, lejos de la opresión de su entorno burgués y una sociedad que prefiere condenar a entender. Relatado con crudeza, Ozon nos muestra el mundo de las adicciones con una lírica impactante, que sin llegar a hacer un abordaje propiamente dicho de la problemática, alude a ella con maestría y lucidez. Una película llena de matices, con la brillante actuación de Carré y un final impactante… 


ROCK MOVIE

R Fantasia Nota: Victoria Clementi

El director, Stephen Herek (el mismo de “Critters” en 1986), curiosamente se inspiró para realizar este film, en el cantante Tim “Ripper” Owens, que ingresó a Judas Priest en 1996 como reemplazo de Rob Halford. Lo llamativo de este personaje, es que la entrada se debió a su actuación anterior en una banda tributo a Judas, por lo que pasó de ser un simple fanático, a forma parte de la historia del grupo. Así es que en “Rockstar” se refleja esta historia, pero con otra vuelta de tuerca, ya que se creó una banda ficticia de


Rockstar: hecha realidad

ar

Los ‘80 fueron tiem pos donde el denom inado “Hair metal” de las estaciones de se había apoderado radio y crecía como epidemia en la TV co gritaban “Sexo, drog n video clips que as y rock & roll”. La película “Rockstar” años, se enmarca en rodada hace 10 este contexto de ha rd rock rabioso y la s famosas power ballads.

hard rock apodada Steel Dragon contextualizada, como se dijo anteriormente, en los coloridos ‘80. El film cuenta con las actuaciones estelares de Mark Wahlberg como Chris “Izzy” Cole el cantante de “Blood Pollution”, banda tributo a Steel Dragon y Jennifer Aniston como Emily, novia y manager de este. Otra característica llamativa, es que en la película las bandas

están formadas por verdaderos músicos y rockeros, ya que desde la dirección se quería mostrar realmente el espíritu del género. Es así que Steel Dragon está formado por Jeff Pilson, ex bajista de Dokken y actualmente colaborador habitual en Foreigner; Zakk Wylde, guitarrista de Black Label Society; y el batería Jason Bonham , hijo de John Bonham ex integrante de Led Zepellin. Agregando que la voz en las


canciones es interpretada por el fabuloso Michael Matijevic, cantante de Steelheart. La banda tributo Blood Pollution, también se compone de reconocidos artistas Ark integrante de The Verve Pipe. musicales, incluyendo el guitarrista Nick Catanese, de Back Label Para la cinta se crearon canciones Society, el baterista Blas Elias de originales con nada menos que Slaughter, y el bajista Brian Vander la ayuda de músicos reconocidos como Sammy Haggar (Van Halen), Peter Beckett (Player), Steve Plunkett (Autograph); Twiggy Ramirez (Marilyn Manson), Desmond Child, entre otros. “La música original que se creó para esta película muestra la tendencia real de aquella época, pero la sensibilidad es totalmente moderna”, explica Robert Lawrence, guionista y productor de “Rockstar”. “Tratamos de equilibrar nuestro respeto por la integridad de la música de los 80 y, al mismo tiempo, proporcionarle

un sonido actual y fresco” concluyó Lawrence. Según notas del director, el mayor reto fue la realización de la escena del concierto de rock, donde Izzy Cole, el protagonista, actúa con Steel Dragon en un gran recital lleno de fervientes fanáticos. Para esto no se les ocurrió mejor idea que captar esa emoción en un verdadero show realizado en el 13 de mayo del 2001 en vivo para 10.000 fans en el Sports Arena de Los Angeles, con las actuaciones de C.C. DeVille de Poison, Metal Shop, Great White, WASP y Metallica. Si sos fanático del rock y adorás esas épocas ochentosas de los batidos y los jeans rotos no te podés perder esta película y su banda sonora, una verdadera joya. 


ALGO PARA LEER

La Literatura Rabiosa

Del Callejero De Boedo Nota: Manuel Montali

“Cuando tenía catorce años me inició en los deleites y afanes de la literatura bandoleresca un viejo zapatero andaluz que tenía su comercio de remendón junto a una ferretería de fachada verde y blanca, en el zaguán de una casa antigua en la calle Rivadavia entre Sud América y Bolivia”. Con esta frase que es también una declaración de principios se inicia la primera novela de un escritor eminentemente argentino, nacido hace un rosario de más de 100 abriles. Con esa misma frase nos iniciamos tantos jóvenes aviesos de la literatura rabiosa de un tipo cuya primera seducción era el rumor de que “escribía mal”, entendiéndose por ello que

narraba como hablaba, en un lenguaje coloquial adquirido entre jergas inmigrantes y lunfardas, términos de los arrabales porteños a los que se incorporaban conceptos de folletines y pésimas traducciones hispanas de los clásicos, conformando un cúmulo de léxicos entre los que se contaban cocottes, garrones, jaquetones, otarios y pelafustanes,


expresiones que algunos editores juzgaban merecedoras de un vocabulario al final de la novela, para que nosotros termináramos de entender lo que decía ese tipo, un tal Roberto Arlt. “El juguete rabioso”, aparecido en 1926 a la par de “Don Segundo Sombra” de Ricardo Güiraldes, un teóricamente contrario de Arlt que sin embargo actuó como su mecenas, fue la primera estocada que este callejero de Boedo por excelencia, oscuro de suburbios frente a la palidez arrogante de la torre marfileña de Florida, asestó a la literatura erudita y pulcra, el puntapié inicial de una escritura argentina que se asumió como tal porque, como dijo Ricardo Piglia, “Arlt transforma, no reproduce”, aludiendo con ello a los intelectuales que, previamente, demostraban a sus lectores que también podían “escribir como se

habla en la calle”. “La vida puerca” (tal era el nombre original de “El juguete rabioso”) embiste además con su argumento, con la sublimación rufianesca de un aprendiz de canalla como Silvio Astier que, a último momento y embadurnado


de fango tras su infame delación, logra romper el círculo que lo llevaría de regreso al principio de la obra: el hampa y el mundo del delito. Homenajeada por Borges en su cuento “El indigno”, esta novela sentó el precedente que magnificarían “Los siete locos” y “Los lanzallamas”, con su entramado de tragedia kafkiana y humilladas confesiones desde

el subsuelo de Dostoievski, pero fundando con este bagaje una nueva literatura argentina. El autor de “Respiración Artificial” (título cuyas siglas alentaban el murmullo de que, tanto como podrían referirse a “República Argentina”, también podrían homenajear a “Roberto Arlt”), incluso va más lejos en su elogio, asegurando que la literatura argentina murió en 1942, “con la muerte de Arlt”, quien es descrito como “el único escritor verdaderamente moderno que produjo la literatura argentina del siglo XX”. Comprendimos de esta manera, en nuestra juventud de ediciones baratas de 4 pesos y textos comprimidos en 100 páginas de una letra con cuerpo nº 6, que el creador de “El juguete rabioso” escribía “mal” porque la aparición de esta novela corrompió lo que se consideraba literatura


noble y culta, emergiendo su autor como el fundador de una escuela que desde entonces se ha esforzado por legitimar la calle, nuestra calle, con su acervo multicultural, de influencias varias y contradicciones. Arlt, el callejero de Boedo y pupilo de Güiraldes, se fue como quien se desangra, pero la vida puerca sigue allí para demostrarnos que, muerto el perro, afloró la rabia. 


Nota: Guido Cambareri

M

o n a elom

t r a e ’s H


Aerosmith

“Get a Grip”

CLASICO


Por Ariel Britos Hablar de Aerosmith me genera una particular emoción, puesto que fue la primer banda internacional que escuché y precisamente con este disco.  Los cinco de Boston se cruzaron por mi camino allá por 1994 cuando el video de “Crazy” era rotado hasta en los canales de aire, la banda se hacía más popular que nunca, tanto así que llegaba a este rincón del universo con la misma frecuencia que hoy en día vemos cambiar de look a Lady Gaga. Precisamente “Get a grip” fue el disco más comercial de la etapa post-reviente de Aerosmith. Con tres baladas que incluirían videos con chicas lindas, entre ellas la misma hija adolescente de Tyler que no duda en venderle su alma al diablo cuando de la banda se trata. No dudó

en exponerla en el video de “Crazy” retorciéndose como una perra en celo contando solo con 17 años y acompañada por una bellísima chica rubia llamada Alcia Silverstone que también aparecería en los videos de “Cryin” y “Amazing”, lo que le serviría de espaldarazo para su futura carrera de actriz y modelo, sin dudas ella era la “chica aerosmith”. La placa cuenta con además de las trilogía de baladas, dos himnos hard rockeros lanzados también como sencillos con mucho poder y guitarras distorsionadas donde se luce Joe Perry. Estamos hablando de “Eat the Rich” y “Livin on the Edge”, o viviendo al límite, algo que los gemelos tóxicos sabían y de sobra lo que significaba. Finalmente el disco se completa con poderosas canciones, algunas más pegadizas como “Shut up and dance” o “Gotta love it” y otras más pesadas

como “Fever” o “Cant stop messin”. Este álbum fue el que marcó una época para Aerosmith, donde ganó una cantidad innumerable de nuevos seguidores alrededor del mundo, una nueva generación. Sus fans de la vieja escuela se vieron un tanto decepcionados al notar que habían perdido hasta el último vestigio de aquel rock clásico donde se los comparaba con Zeppelin o The New York Dolls. Para otros, entre los que me incluyo, la transición que significó para la banda el periodo 1986-1993, sirvió para destacar que no eran una bandita comercial, sino que estamos ante una de las bandas más grandes del mundo con ya 40 años de trayectoria, que puede sonar tanto a actual como a clásico sin perder jamás sus raíces hard rock, con permanentes guiños hacia el blues.


CONTEMPORANEO


Arcade Fire

“The Suburbs” Por Marina Miguel

Cuando a veces pensamos que en la música todo está agotado, no tenemos razón. Sólo hace falta abrir un poco los oídos, leer más críticas, buscar y aceptar que la música sigue viva. Ya no con forma de rock crudo, sino con el agregado del Indie. Ahí está Arcade Fire, que no hace falta quemarnos los ojos para encontrarlos, porque son un boom mundial y no por su belleza ni por andar vestidos de manera extravagante, sino por su excelente manera de tocar. Además de ganarse un Grammy con esta placa en febrero de este año, se ganaron el lugar de ser una de

las mejores bandas de los últimos tiempos. Son siete miembros que incluyen en sus melodías instrumentos como pianos, violas, violonchelos, violines, mandolinas, acordeones, xilófonos, ukeleles y todo tipo de rareza instrumental, que no son interpretados por el mismo miembro, sino que van haciendo rotación en el transcurso de sus canciones. Para empezar con esta banda es una buena opción hacerlo con “The Suburbs”, pero no la mejor, el que se lleva los laureles es el primero, llamado “Funeral” y salió en el 2004.

Este tercer disco de los canadienses mezcla muchas melodías, voces dulces en algunos momentos y apocalípticas en otros. Ciertas partes eléctricas, canciones alegres, llevaderas y lo épico que los suele caracterizar. Lo mejor de todo es escucharlo completo y sin saltearlo, porque plantea una verdadera película en la mente que puede dar para cualquier cosa dentro de los infinitos alcances que tiene la imaginación.


DE BIBLIOTECA


Depeche Mode

“Violator” Nota: Marina Miguel Más allá de ser el disco más vendido de toda la trayectoria de Depeche Mode, este es sin dudas el que contiene los mejores y más reconocidos temas de esta banda de música electrónica que se encuentra en el corazón de más de un melómano. Sea del palo que sea. Con sólo mencionar “Policy of truth” creo que ya está todo dicho. La elegancia que tiene el presente se puede encontrar reproducida en cada una de sus canciones, y el comienzo lo demuestra con “World in my Eyes”, pieza que contiene atmósferas envolventes e incita a la seducción completa. Todo el disco es seducción. Es el séptimo álbum de estudio, y

salió en el año 1990, con un portuario de canciones escritas por Martin Gore, a quien se le debe todo el honor por lograr que nosotros los escuchas lleguemos a estados sentimentales especiales con cada una de las melodías que contienen temas como “Sweetest Perfection” y “Waiting for the Night”, donde los grooves, pianitos y cada efecto sonoro que se distribuye de un auricular a otro, empiezan a toquetear lo más profundo del corazón, hasta mandar señales al cerebro que permiten que una gota de nuestros ojos tome contacto con la realidad. Y por supuesto, allí está el hit total de Depeche Mode, el que todos conocen… el que todos disfrutan… el

que todos bailan: “Enjoy de Silence”. Pero eso no termina ahí. “Personal Jesus” ¿Lo tienen? Tocado por un montón de bandas que le rinden homenaje a Depeche, y grabado, hasta diríamos “apropiado” además por Marylin Manson. Johnny Cash también hizo lo suyo con este tema, logrando una versión a lo “country-music” que merece todo el respeto. Resumiendo (y exagerando), es imposible morir sin haber escuchado “Violator”, e imposible no tenerlo en tu discografía si de verdad aprecias la música. Desde ya, descartalo si no es lo tuyo la música “gay”, como dice la gilada. 


DICIEMBRE 2010

LOBO SUELTO

ABRIL 2011


Lobo Suelto N14b Abril 2011