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Año 0, Núm. 5 Mayo, Junio y Julio/2011


LARrevista

Directora Catalina Restrepo Leongómez catalina@livingartroom.com Directora de arte Textos Rebeca Durán Aetzel Griffioen http://reckss.blogspot.com Sylvia Navarrete David Gremard Romero Alessia Armeni Editor Fotografías: Daniel Vega Cortesía de los artistas serapiu@hotmail.com Agradecimientos: Adriana Restrepo Arturo Medina Adrián de la Garza

Colaboradores Octavio Avendaño Trujillo Valeria Farill Alejandra Baltazares Portada Peeping Sarajevo, 2004 Kanako Hayashi

www.livingartroom.com 0


EDITORIAL

EDITORIAL Las revistas

Los medios impresos de difusión y divulgación han sido -y serán siempre- un buen síntoma del crecimiento de la escena del arte contemporáneo. Se podría decir que el nivel de calidad de las exposiciones y eventos culturales de un país es directamente proporcional a la calidad de sus publicaciones. La cantidad, en cambio, no es tan determinante, y sin embargo amplía el rango de posibilidades de encontrar buenas cosas.

curador independiente Octavio Avendaño Trujillo realizó a Rosa Olivares, editora de la revista EXIT. Ella es una mujer a quien personalmente admiro por su inteligencia, su forma clara y directa de escribir y su gran conocimiento, que transmite un contagioso gusto por el arte y la fotografía.

Otra de nuestras colaboradoras, Valeria Farill, nos cuenta su percepción sobre los pros y contras de la popularización del arte, Esta quinta edición de LARrevista está y la huella que esto deja en el campo editorial dedicada a las publicaciones, comenzando de un lugar como el Distrito Federal, donde con una gran entrevista que el crítico y se publican una gran cantidad de revistas de arte, diseño, moda y arquitectura. 1


EDITORIAL

Entre otras cosas, les queremos compartir que este número tiene una cualidad, y es que es la edición más internacional hasta ahora. Presentamos artistas de varios países: Jasper de Gelder (Holanda), Alessia Armeni (Italia), David Gremard Romero (Estados Unidos), Kanako Hayashi (Japón) -quien además está en portada-, y Sofía Echeverri y Jeanne Saade Palombo (México). También presentamos las actualizaciones de los portafolios de Jorge Carrera, Antonio Ibarra , Alejandra Baltazares y Javier Areán.

A propósito de Alejandra, en esta ocasión escribió un artículo para LARrevista, sobre su experiencia al haber participado recientemente en una residencia artística en Bolivia. Sin decir si considera rica o pobre la escena del arte contemporáneo en ese país, nos muestra que no es inexistente, y que hay varios artistas que vale la pena revisar. Ojalá disfruten esta edición tanto como yo.

Catalina Restrepo Directora Living Art Room www.livingartroom.com

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COLABORADORES

COLABORADORES Valeri Farill

Alejandra Baltazares

(México, 1980) Escultora con diploma cum laude de la Accademia di Belle Arti di Firenze, Italia, con la tesis: “Dopo Frida, ultime tendenze nelle artiste messicane” (Después de Frida: Últimas Tendencias de las Artistas Mexicanas). Actualmente se desempeña como curadora y gestora independiente de arte contemporáneo, después de un largo recorrido laboral en renombradas galerías de arte contemporáneo nacionales e internacionales. Residió en Florencia, Italia, por más de siete años. Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México.

(1985) Fotógrafa y videoartista mexicana. Estudió la licenciatura en Artes Visuales en La Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” de México y en L’ Ecole des Beaux Arts, Villa- Arson en Niza, Francia. Fue becaria del Fondo Nacional para la Cultura y las artes (FONCA) durante el periodo 20102011. Recientemente participó en una residencia artística en La Paz, Bolivia En 2009 se presentó su pieza “Je t’aime moi non plus” en el festival de video VIDEO DUMBO en Nueva York.

http://www.valeriafarill.com/

livingartroom.com/alejandra_baltazares 4

Octavio Avendaño Trujillo

(1985) Crítico de arte, investigador y curador. Ha colaborado para los principales suplementos culturales de México. En 2010 fue miembro del equipo curatorial del Museo de Arte Moderno de México y actualmente publica su columna Cubo negro todos los lunes en Eje Central. Ha sido gestor en España, Canadá, Estados Unidos y Turquía. Fue productor y conductor del programa radiofónico Los Colores del Arte, coordinador del Centro de Investigación de Lugar Cero, proyecto de Casa Vecina, colaboró para TEVE UNAM. http://www.octavioat.blogspot.com/


CONTENIDO

CONTENIDO Nuevos Portafolios de Artista P:09 Kanako Hayashi UN LUGAR DONDE JUGAR P:20 Sofía Echeverri SOSPECHOSA VISIÓN/FALSA CEGUERA P:032 David Grerand Romero MI STATEMENT P:44 Jeanne Saade Palombo MÁSCARA O MASACRE P:058 Jasper de Gelder INSTINTOS NATURALES P:70 Alessia Armeni EXPERIMENTOS DE LUZ Entrevista P:82 ROSA OLIVARES por Octavio Avendaño Trujillo Actualización de portafolios P:94 Alejandra BaltazaresP:106 Antonio Ibarra P:118 Jorge Carrera P:128 Javier Areán Artículo P:140 ARTE CONTEMPORÁNEO HOY EN BOLIVIA por Alejandra Baltazares Opinión:P:148 LA POPIZACIÓN DEL ARTE por Valeria Farill Invitada Especial P:154 Mariele Williams Recommended P:162 Revistas impresas y web del Mundo

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NUEVOS PORTAFOLIOS DE ARTISTA


KANAKO HAYASHI

Jasper de Gelder (Países Bajos) (Italia) Alessia Armeni David Gremard Romero (Estados Unidos) (Japón) Kanako Hayashi Sofía Echeverri (México) (México) Jeanne Saade Palombo

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KANAKO HAYASHI

Paysages do Aich iestrela, 2010

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KANAKO HAYASHI

KANAKO HAYASHI Un lugar donde jugar

amigos para meterlos -como fichas de Tetris- en arcos de puertas, barandas y tropezaderos publicitarios. Por supuesto, tomando el registro de estas acciones.

Kanako Hayashi nació en Osaka, Japón, en 1981. Durante muchos años practicó el nado sincronizado de manera profesional, lo cual influenció su forma de concebir proyectos. Al estar bajo el agua sin escuchar nada, ni siquiera la propia respiración, los pensamientos surgen para ella desde una postura muy personal, de una forma solitaria y reflexiva. No obstante, en su trabajo hay una fuerte búsqueda de contextos dentro de las sociedades en las que vive, interactuando constantemente con personas y lugares.

Para Street Practice (2009), Kanako tomó fotografías cenitales de ella misma, en las que aparece escalando un muro cuando en realidad está gateando en el suelo. Para esta misma serie, puso pétalos de flores entre las líneas de las aceras. De una forma inocente y lúdica, la artista consiguió que los caminantes desprevenidos terminaran Realizó sus primeras intervenciones en jugando con ella a “no pisar las rayas”. la ajetreada ciudad de Tokio, en donde se dio cuenta de una casi total falta de Más adelante, durante una residencia en lugares de juego. Para contrarrestar esta Sarajevo percibió que las calles tenían falencia, Kanako aprovechó cada esquina, agujeros de balas y que estos, además, pared y agujero para realizar acciones que estaban señalados con un borde rojo, cambiaran la rutina de los transeúntes. Un como cicatrices indelebles de la guerra. buen ejemplo es la serie Fitter (2008), en Sin embargo, también notó que existían la cual busca rendijas en los muros de la agujeros que no eran heridas, ni tenían ciudad para meterse en ellas, o convoca que ver con balas. De ahí nació Peeping 9


KANAKO HAYASHI

Sarajevo (2004), un proyecto en el que dispuso una gran puerta con agujeros y, en estos, pequeñas miras para que la gente pudiera observar hacia el interior del recinto. Dejó dos cosas claras: la primera, que un extranjero jamás conocerá toda la realidad de un país, si acaso la pequeña porción que puede ver a través de un agujero; la segunda -la más contundente-, que Sarajevo no es solo guerra.

La postura de Kanako no quiere ser activista ni busca cambiar el mundo a partir de su trabajo. Su objetivo –sencillo y honestoes desviar la mirada cuadriculada e individualista de la sociedad y, por instantes, marcar acentos que hagan reflexionar a algunos sobre la manera de apropiarse de sus ciudades. A otros tantos, por lo menos, intentará cambiarles su rutina cotidiana camino al trabajo.

STREET PRACTICE:03 –Road Climbing-, 2009 10


KANAKO HAYASHI

Paysages do Aich iestrela, 2010

Paysages do Aich iestrela, 2010

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KANAKO HAYASHI

FITTER –Acrobatic Fitter-, 2008-2009

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KANAKO HAYASHI

FITTER –Acrobatic Fitter-, 2008-2009

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KANAKO HAYASHI

Look in Sarajevo, 2004

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La! Alegria de Mexico!, 2006


STREET PRACTICE:02 -Camellia japonica.2009


KANAKO HAYASHI

FITTER – Kiyoshima-Apartment-, 2010 18


KANAKO HAYASHI

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Cells, 2010


SOFÍA ECHEVERRI

SOFÍA ECHEVERRI Sospechosa visión / falsa ceguera

maneras. En especial, su temática suele ser política frente a los medios de comunicación, la publicidad y las jerarquías sociales. También habla de la relación del ser humano con respecto a la naturaleza, y los seres con los que cohabita la tierra. Por ejemplo, en su serie Requiem (2009), aparecen animales acostados: es inevitable pensar si están dormidos o muertos. En otra de sus series llamada Verdugas (2009), aparecen mujeres encapuchadas que, por sus posturas o atuendos, recuerdan a protagonistas de reconocidas pinturas de la antigüedad, en periodos en los que los artistas eran hombres y las mujeres un objeto de culto. Ya que sus cabezas y rostros están cubiertos, la figura femenina parece quedar como víctima, aunque al mismo tiempo como verduga o victimaria.

Sofía Echeverri es una de las artistas jóvenes más reconocidas de México, becaria del FONCA en el 2004 y 2006. En diciembre de 2010 presentó una exposición individual en el Museo de Arte Raúl Anguiano en Guadalajara, Jalisco, en la que se incluyeron piezas de diferentes momentos en el desarrollo de su carrera. En su obra hay un marcado interés por el dibujo y la pintura, sin embargo en sus últimas piezas se puede ver una experimentación con otro tipo de formatos bidimensionales, como el corte láser sobre lámina de acrílico. La sencillez y delicadeza en el trazo es un gesto que siempre está presente en su obra. Conceptualmente, Sofía suele crear imágenes que hablan de la idea del poder, manifestado de diferentes 21


SOFÍA ECHEVERRI

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SOFÍA ECHEVERRI

The shapeless evil, 2010 23


SOFÍA ECHEVERRI

None of us, 2010

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SOFÍA ECHEVERRI

None of us, 2010

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SOFÍA ECHEVERRI

Requiem, 2009 26


SOFÍA ECHEVERRI

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Requiem, 2009


SOFÍA ECHEVERRI

Verdugas, 2009 28


SOFÍA ECHEVERRI

Hybrid-girls, 2009 29


SOFÍA ECHEVERRI

Blindness Catalogue, 2009 30


SOFĂ?A ECHEVERRI

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DAVID GREMARD ROMERO

DAVID GREMARD ROMERO Mi statement la lucha libre mexicana, y la confluencia de culturas que se produjo durante la conquista y la emigración en las Américas, tanto de la era antigua como moderna. Máscaras, capas, medias se convierten en accesorios importantes del luchador como un súper héroe de hoy en día, un guerrero. Mi trabajo trata sobre el sincretismo de los trajes de lucha libre y la mitología pre-hispánica

La preocupación central que unifica todo mi trabajo es un compromiso con la práctica de los viejos maestros, en particular los de los períodos barroco y rococó. Su perfección del arte, su exploración de los modos de narración, y su conexión explícita con la historia y la política son una fuente de fascinación e inspiración para continuar mi trabajo. En mi trabajo existe una incorporación de la iconografía contemporánea y los temas en una clásica representación figurativa; trato de desentrañar las relaciones ocultas y continuidades entre el arte clásico y la cultura actual.

y colonial. Las obras también tocan en las connotaciones homoeróticas de las actividades de hipermasculinas como la lucha y la unión masculina en los eventos deportivos. Lo más importante, mis piezas brindan una perspectiva chicana contemporánea de la pintura colonial y las tradiciones textiles de las Américas, habla sobre los grandes problemas de la multiculturalidad; nuestra historia común y la dolorosa política de identidad.

Como un artista gay, católico, méxicanoestadounidense, los temas complejos de la raza, la sexualidad, la subjetividad y la identidad se encuentran entrelazadas en la imaginería barroca de mis pinturas, esculturas, textiles y videos. Los temas unificadores detrás de mi cuerpo de trabajo actual son 33


Metamorphisis, 2006


DAVID GREMARD ROMERO

Self-portrait as Xipe-Totec ,2010

Portrait of Jody in the embrace of Amleia Earhart, 2010

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DAVID GREMARD ROMERO

Triple portrait of Amanda as Three manifestation of Virginia Dare, 2010

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DAVID GREMARD ROMERO

Luchadores with cherubim, 2006

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DAVID GREMARD ROMERO

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Pink milk,2007


JEANNE SAADE PALOMBO

JEANNE SAADE PALOMBO Máscara o masacre Las sevicias (in)voluntarias de Jeanne Saade Palombo Por Sylvia Navarrete

¿Qué es lo que incomoda, pues? El dejo de caricatura latente en la interpretación. En uno de sus dibujos, por ejemplo, aparece ella envuelta en una toalla de baño, la boca abierta en un bostezo de león poco favorecedor. Aunque no haya indicios de erotismo en sus autorretratos, curiosamente las resonancias que distingo me llevan a autores dedicados al dibujo de lupanar: Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Jules Pascin, José Luis Cuevas e, influencia reivindicada, el fallecido Eduardo Cohen, quien en sus clases le heredó la economía de recursos plásticos, una pequeña debilidad por la obscenidad de la carne y, sobre todo, “la experiencia de la mirada sin filtros embellecedores”, como señaló Andrés de Luna. Jeanne se afea y se envejece en sus autorretratos. En persona, es una rubia joven, alta y atractiva. Lo único que sale de la norma en su físico son los ojos, de un azul glacial y opaco que parece desmentir la cordialidad de la sonrisa.

La primera vez que tuve oportunidad de ver con detenimiento una obra de Jeanne Saade Palombo fue en 2005, en la VII Bienal FEMSA de Monterrey. De los dos dibujos que envió la autora, los miembros del jurado (del que formé parte) seleccionaron Oculto expuesto (2004), un autorretrato que intrigó de golpe: ¿quién era esta artista capaz de tal tensión en la expresividad del trazo, de tan lapidario impacto en la imagen? La impresión inmediata que produce una obra de Jeanne Saade Palombo es de turbación. No que haya confusión en ella, sino una ambigüedad muy desconcertante. La línea del lápiz es trémula, sincopada y algo febril, pero la mano se adivina suelta, segura de sí misma. La composición no varía: la pose del modelo es de tres cuartos, y de busto completo. El cuerpo se mantiene erecto, como a la defensiva, sin ondulaciones que sugieran el abandono. La mirada, seria y acaso melancólica, está fija en el espectador. 45


JEANNE SAADE PALOMBO

Lo que vemos en los croquis ―una mujer madura, de actitud circunspecta, con un rictus que anticipa la amargura―, nos hace presentir un temperamento suspicaz, algo atormentado. Paradoja: no hay gusto por la congoja en la personalidad de Jeanne Saade Palombo sino, al primer contacto, alegría, sencillez y afabilidad. En efecto, cuando se le pregunta, por ejemplo, cuáles son sus complejos físicos, responde chispeante: “Mis pies, me apena muchísimo que se me vean los pies (ya lo estoy superando), de niña nadaba con calcetines. Tengo uno peor: yo entera, sufro cuando tengo que estar en público, incluido ir al súper o caminar en la calle... Directo al psicólogo con esta confesión.” ¿Serán acaso sus retratos una catarsis, una terapia vengativa de las fobias propias?

que la irreverencia es el antídoto a su buena educación? Bien portada y desgraciada; dulce y cruel… Más allá de una travesura probablemente sin consecuencias ―y del fugaz agasajo de la masacre visual―, me quedo persuadida del sólido talento de Jeanne Saade Palombo para el dibujo y convencida de que sabrá acaudalarlo en el futuro, con o sin los subterfugios de la sevicia (in)voluntaria.

Jeanne Saade Palombo es poco indulgente con ella misma. Cuando retrata a los demás, tampoco lo es. Pero en este caso el (mal) trato y la severidad ceden ligeramente, bajo el efecto de un sentido del humor más bien ácido. Un indudable don del detalle y del gesto se manifiesta en todos los retratos. Jeanne Saade Palombo asegura no tener ningún afán de pitorreo. ¿Habrá que pensar, entonces,

Oculto expuesto, 2004

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JEANNE SAADE PALOMBO

Tres cuerditas, 2005 47


JEANNE SAADE PALOMBO

SINESTESIA por Leonel García

Oculto expuesto, 2004

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JEANNE SAADE PALOMBO

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Retrato de familia, 2011


JEANNE SAADE PALOMBO

De zorros y erizos, , 2006 52


JEANNE SAADE PALOMBO

De zorros y erizos, , 2006 53


JEANNE SAADE PALOMBO

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De zorros y erizos, 2006


JEANNE SAADE PALOMBO

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De zorros y erizos, , 2006


JEANNE SAADE PALOMBO

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De zorros y erizos, , 2006


JEANNE SAADE PALOMBO

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Series morphology,2003


JASPER DE GELDER

JASPER DE GELDER por Aetzel Griffioen

serie de perros sangrando perfectamente retratados- enfrenta al espectador con la misma contundencia que experimenta el consumidor desprevenido cuando descubre que sus productos “naturales” son en realidad el artificio de un agente de marketing. Han pasado tres años desde su graduación, y de Guelder no sólo ha cambiado su técnica hiperrealista con óleo por una más abstracta, de trazos libres al temple; también su profundidad se ha multiplicado. Sin embargo, el tema permanence: naturaleza.

El trabajo de Jasper de Gelder es sobre ubicación. Pero no es esto lo primero que uno concluye al enfrentarse a la mayoría de sus pinturas y obras tridimensionales. Camino por el estudio de de Gelder y escucho el burbujeo de dos grandes acuarios, al tiempo que siento la brisa que hace crujir las tejas en el alto techo. El aroma de temple al huevo penetra por mi nariz y veo sus más recientes pinturas en la pared: cráneos de pescados depredadores que me miran –parecen aún más amenazantes por el hecho de estar muertos. Al ver su portafolio descubro una profunda fascinación por la naturaleza que le rodea, y cómo ésta es alterada por la gente que vive en ella y la utiliza. Pero, ¿qué significa la naturaleza en un país donde se cultiva el cien por ciento de la tierra? ¿Queda todavía algo de naturaleza en los Países Bajos, uno de los países de mayor desarrollo económico del planeta? Esta debe ser la pregunta que inspiró a de Gelder en 2006, su último año en la Academia de Artes Rotterdam Willem de Kooning. Su trabajo en ese tiempo -la

Un ejemplo es su más reciente trabajo – inconcluso al momento de escribir este texto-, donde algo tan natural como un ave marina se convierte en un ser político. Tres cormoranes -uno comiendo un pescado, otro vomitando el carrete de un pescador, otro de pie junto al bote- representan la batalla que los pescadores holandeses están librando: por un lado, la población de peces disminuye, y por el otro, el aumento en las acciones legislativas europeas. Aunque los estudios muestran que el cormorán no tiene impacto negativo alguno en la población 59


JASPER DE GELDER

de la anguila, los pescadores desmienten su propio impacto sobre el medio ambiente -así como su conflicto con Bruselas- culpando a estas negativas aves de la escasez de anguilas.

de ser segura, tal como la potencia con la que una naturaleza escondida a veces puede revelarse, como durante la subida de las mareas, o una gran tormenta. Pero la creciente ambigüedad que durante los últimos tres años ha incorporado asegura que su trabajo traspone la idea de una naturaleza distanciada con la de una realidad de complicidad, de la cual el ser humano ya no puede darse el lujo de sustraerse. Somos nuestro medio.

Así, mientras que los sujetos de de Gelder podrían igualmente ser protagonistas en documentales sobre la vida silvestre, su manejo lúdico de la realidad natural golpea las consecuencias del estilo de vida occidental contra un lienzo. Su obra está lejos

Sardine,2006 60


JASPER DE GELDER

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Series Morphology, 2003-2004


Series morphology,2003


Regal Python, 2009


JASPER DE GELDER

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JASPER DE GELDER

Conjoined Twins, 2005 67


JASPER DE GELDER

Sardines, 2005 68


JASPER DE GELDER

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Sogni Urbani II, 2009


ALESSIA ARMENI

ALESSIA ARMENI Mi statement

lenguajes pictóricos, una perspectiva de múltiples puntos diseñada para representar la mente humana, hecha de recuerdos, las elaboraciones y las conexiones repentinas. Al mismo tiempo, comencé un proyecto performático llamado 24 hour painting, durante el cual caprturé y representé la luz Mi búsqueda comienza como algo durante un día entero en un cuarto blanco. descriptivo, un homenaje a la luz que habita en los parques de Roma y a la gente que En mi trabajo más reciente usé el ángulo como toma el sol de ella en un día deslumbrante el ingrediente elemental de la configuración de primavera o en la fresca sombra de espacial, un sistema de referencia de la luz verano; algunas veces también en un ligero relativa natural, elemento constructivo del invierno. A partir de esta idea, mi trabajo espacio, mental y real al mismo tiempo A se trasladó a hacer frente a estructuras más través de la luz, el símbolo supremo de la complejas, desarrolladas en diferentes vida y un elemento indefinido y cambiante, niveles: la comparación entre la luz interior busco la forma más sencilla de representar y exterior, la yuxtaposición de múltiples a nuestra complejidad. Siempre me he sentido atraída por la luz como una fuente reveladora y pieza fundamental del mundo visible. Para mí, esto se convierte en una herramienta en la que una nueva realidad mental se genera, un dispositivo que revela la complejidad espiritual.

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ALESSIA ARMENI

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ALESSIA ARMENI

A cosa stai pensando?, 2009-2011 73


Sogni Urbani II, 2009


ALESSIA ARMENI

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ALESSIA ARMENI

W le vacanze, 2008

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ALESSIA ARMENI

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ALESSIA ARMENI

Ne ha tal donde di siffatte ciufole,2010 79


ALESSIA ARMENI

Ne ha tal donde di siffatte ciufole,2010 80


ALESSIA ARMENI

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ROSA OLIVARES

ROSA OLIVARES Entrevista por Octavio Avendaño Trujillo

Rosa Olivares (España, 1955) es una de las personas más relevantes de la escena del arte contemporáneo, por sus aportaciones al campo de la crítica de arte, la promoción de la fotografía y la difusión. Actualmente encabeza un proyecto que ideó con el comienzo del siglo 21: EXIT, revista especializada en fotografía que plantea una discusión visual de la cultura actual. Con motivo de su visita a México para participar en Zona MACO, Living Art Room invitó al crítico y curador Octavio Avendaño Trujillo (México, 1985) a entrevistarla, obteniendo interesantes opiniones sobre la fotografía, crítica de arte, curaduría y el arte mismo.

Bordo Póniente, fotografías cortesía RESIUDAL 82


ROSA OLIVARES

OAT: Rosa, me gustaría que comenzáramos esta entrevista con una genealogía de dos proyectos editoriales que fueron esenciales para el arte contemporáneo; uno de ellos, en su momento, fue Lápiz. Ahora EXIT, para poder ir después con la aportación que has hecho al arte.

propietario y director ahora. Yo venía del mundo de la información especializada. Había hecho arte y literatura, y él me pidió que le hiciera un proyecto de revista –había hecho un estudio de las revistas que existían en el mundo- porque no había ninguna revista de arte en España en aquel momento. No existía ni el Reina Sofía -estamos hablando de hace 30 años, tú no habías nacido. La gente joven que ahora trabaja conmigo me leía en la universidad. Son dos vidas, es como la gente que se separa que tiene dos matrimonios, dos hijos.

RO: Lápiz se inicia cuando era muy joven. Tenía 21 años y cuando miro hacia atrás parece una locura, porque éramos todos muy jóvenes. Era el primer proyecto fuerte para todos los que lo integrábamos, un proyecto de Alberto López que es el 83


ROSA OLIVARES

Entonces, con mucho entusiasmo y con muy pocos medios, Lápiz inició, en un país en el que no había una tradición de arte contemporáneo, que salió de una dictadura y que no tiene museos de arte contemporáneo, no hay galerías; un país muy cerrado al exterior. Lápiz tiene varias etapas. Lo primero que hicimos fue informar en español lo que sucedía en el mundo, porque en España no había exposiciones; la segunda fue mezclar el arte español con el internacional; la siguiente fue más de teorización y normalización. Para todo esto hay que decir que en Lápiz siempre tuvimos muchísima atención e interés por el arte latinoamericano, la fotografía y la arquitectura. En este sentido, a la revista le fue muy bien, se empezó a traducir al inglés y a salir a todo el mundo.

Cuba con Silvia Gruner, pues decidí que lo mío era hacer revistas; de hecho se la ofrecí al director de Lápiz y dijo que era una locura. Entonces decidí hacer una revista de foto de tema que no tenga toda esta necesidad de estructura de redacción, sin tanta gente, una cosa trimestral con profundidad, pues los tiempos han cambiado. EXIT es diferente, es una revista europea que habla de todo lo que está sucediendo en el mundo. Debo reconocer que EXIT ha tenido una recepción internacional brutal, en Europa somos la revista de fotografía más importante y mejor considerada, y eso es muy importante porque tal vez no somos ricos, pero sí somos respetados. Por otra parte, me di cuenta que tenía muchos tiempos muertos con una revista de tiraje trimestral, que no ganabas nada, entonces comencé a ampliar el equipo e hicimos EXIT Book, que es una revista dedicada a la teoría y libros de arte contemporáneo, y ha tenido un éxito increíble. En EXIT escribe gente muy específica, uno o dos por revista, mucha gente americana, alemana, y pensé que necesitaba una revista que me permitiera seguir en el oficio, entonces con EXIT Book comenzaron

Yo dejé Lápiz porque fueron 20 años, porque era un proyecto al que había que hacerle cambios radicales y la estructura del país había cambiado mucho. Ya habían pasado dos generaciones de lectores y había que renovarse; la propiedad de la revista no estaba de acuerdo, era más conservadora y yo decidí irme antes de crearme mala sangre. Estuve un año dando vueltas, realicé curadurías con bastante éxito y viajé mucho. Entonces, dando vueltas y pensando viajar a 84


ROSA OLIVARES

(fuimos) los primeros en dar la noticia de que el MUAC renueva al curador en jefe, que será María Inés Rodríguez que deja el MUSAC. Ningún periódico lo ha dicho. Esto no se puede hacer en papel ya y para nosotros está muy bien. El equipo es muy joven, me gusta dar cancha a gente nueva. Además están en venia con su generación, hacemos un equipo bien, que interesa a la gente. Son productos muy trabajados que le gustan a la gente. Procuramos que el lenguaje sea accesible y como tenemos tres revistas, vamos a públicos muy complementarios, muy diferentes también. México, Latinoamérica es un público muy bueno, por eso estamos reforzando nuestra parte online. Nuestro siguiente paso es que la revista sea una aplicación para el iPad, para que pueda descargarse sin tener todo este trajín tan complicado y caro del papel, la mensajería. Estamos planteando que en verano ya tengamos las revistas en iPad. Ahora también estamos renovando la página electrónica de EXIT de fotografía, que tendrá elementos muy interesantes para la gente en general, gratuitos, y bueno tal vez una galería virtual de foto. Ya se verá.

SIEMPRE PROCURAMOS QUE EXIT SEAN COMO LAS BODAS: ALGO VIEJO, ALGO NUEVO... a escribir todos los académicos y teóricos, lo que nos lanzó otra vez a una popularidad local mucho más fuerte. Pasaron cinco años y decidimos hacer EXIT Express que, como bien sabes, es una revista con entrevistas, con una red de colaboradores de todo el mundo, textos propios, secciones de cine, de arquitectura, de concursos; dirigido a generaciones muy jóvenes y muy cosmopolita con artistas que, debo reconocer, muchas veces no conozco, porque yo soy una persona ya con años. Tengo una redacción con gente muy joven, muy capacitada, que eso si quiero que quede bien claro, no hay proyecto que salga bien sin un equipo: tú puedes tener la idea pero tienes que tener un equipo. Hemos abierto una web que es EXITexpress.com, que lleva dos meses abierta, pero ya empieza a generar lectores, dinero, porque se actualiza diario; por ejemplo, 85


ROSA OLIVARES

OAT: Ahora que hablas de la galería virtual, este proceso curatorial -por decirlo así- que hay en cada número de EXIT me interesa como parte de la relevancia que tiene el proyecto.

imagen. Siempre procuramos que EXIT sea como las bodas, algo viejo, algo nuevo. Sí, fotografía histórica, moderna, muy joven. Con toda esa mezcla tratamos de aportar nombres nuevos, respetando una tradición, muchas cosas juntas. Como bien dices, cada EXIT es como una exposición, pero en papel. Se ha hablado mucho del lugar del arte: es el museo, la calle, pero también es el papel. Una revista es un espacio visual. En ese sentido es hacer la exposición imposible, juntar artistas que nunca podrías juntar, obras que nunca podrías conseguir.

RO: EXIT tiene un subtítulo que es imagen y cultura. Antes era la revista del siglo 21 porque nace con el siglo, entonces nosotros lo que planteamos son temas de interés general, de cultura y social. Es decir, si hablamos de la adolescencia es un tema que está en todo mundo, desde Japón hasta los países árabes, es algo que está vivo en todos, pero nosotros lo tratamos desde la parte visual contemporánea, que es la foto. También incluimos cine y video, todo lo que es imagen post-fotografía, pero donde los textos no son necesariamente de teóricos del arte, sino también sociólogos, historiadores y escritores; y con una imagen fotográfica muy fuerte, en que cada número hay aproximadamente entre 20 y 30 artistas de todo el mundo. La revista se hace en España, pero no tiene ninguna denominación de origen; es una revista que en cualquier parte del mundo funciona, primero porque se publica en inglés y español, que son los idiomas más hablados en todo el mundo -junto con el chino- y sobre todo porque utilizamos un lenguaje universal que es la

OAT: Y sobre todo en la fotografía por su carácter de posibilitadora de diversos estilos RO: La fotografía tiene una historia muy documental, historicista, toda esa idea de la foto en blanco y negro, y luego una creatividad plástica brutal. Todo esto ha madurado en años y ahora la fotografía es un campo abierto de posibilidades, al igual que lo

“YO CREO QUE SÍ LA FOTOGRAFÍA ES UN MUNDO EN CAMBIO PERMANENTE, ESTÁ PARA QUEDARSE” 86


ROSA OLIVARES

es cualquier otra expresión artística. No olvidemos que la fotografía ahora es un lenguaje nada más, es la herramienta con la que te expresas, por lo cual se ha convertido en algo mucho más abierto. Hay todo tipo de fotografía: abstracta, subjetiva, narrativa, figurativa. Yo creo que sí, la fotografía es un mundo en cambio permanente. Está para quedarse.

manejo del lenguaje que tienes; sencillo y claro ante otro sector de la crítica de arte que ha recaído en la penumbra de barroquismos y que tiene que ver con el lector.

RO: Esto es una cuestión cultural. Cuando yo doy un máster sobre crítica de arte, siempre digo lo mismo cuando la gente pregunta qué hace falta para escribir de arte: primero hace falta saber escribir; OAT: Sin duda EXIT, por otra parte, ha después debes de saber arte -que lo vas sido una plataforma para muchos artistas RO: Hay algunos artistas españoles que han salido de la revista, artistas que ni siquiera habían tenido galería y que han tenido mucho respaldo. Yo no tengo ninguna pretensión de lanzar nombres, pero EXIT sí les da mucha presencia; hay artistas que son como los de casa, como Thomas Ruff, que ha crecido con nosotros y que para mí es uno de los artistas más importantes contemporáneos. Yo sigo mucho a esta generación que nació entre las décadas de 50 y 60, artistas de media carrera, ya aceptados. En ese sentido EXIT ha sido como boxes, es un sitio donde ha salido repetidamente alguien como Cindy Sherman.

“...Un crítico joven es un crítico ignorante, con todo mi respeto y cariño; yo también fui joven, no lo digo como insulto.”

aprendiendo como vas viviendo-, (pero) lo que tienes que saber es de la vida. Por eso es un gran problema esta tendencia hacia lo joven, porque un artista joven es un artista inmaduro, un crítico joven es un crítico ignorante, con todo mi respeto y cariño. Yo también fui joven, no lo digo como OAT: Esto es referente a los artistas, insulto. El crítico joven de ahora será el pero por otra parte me gustaría resaltar el crítico de mañana, pero no puede pretender 87


ROSA OLIVARES

que lo sabe todo. Son como los curadores: ahora todo mundo es curador.

“EL CRÍTICO DEBE DE MUY INTELIGENTE,

Un curador es alguien que tiene una visión propia del arte y lo quiere expresar; como la exposición de Gerardo Mosquera en el Museo del Palacio de Bellas Artes, es una exposición espléndida con obras que casi no conocemos de los 50, 60, 70. Eso es una curaduría, no sólo escoger a tus tres amigos y ponerlos en una exposición. Una curaduría es un grado superior del conocimiento artístico. Olvidamos a los pioneros: Pontus Hulten, son personas que han innovado la manera de ver el arte que es lo que debe de hacer un curador. Ahora todo está curado, todo está y nada, no te está diciendo nada. Ese es un problema y es el problema que tú apuntas en el lenguaje: en el arte hay un lenguaje profesional; un lenguaje técnico es el que tienes que emplear en un texto teórico, un ensayo, algo que estás analizando que van a leer profesionales. Cuando estás en un medio o en un catálogo de una exposición te va a leer un público general al que le gusta el arte, pero que no tiene que sufrir tu texto; todo lo que escribimos es para que otros lo lean y en este caso, el crítico debe olvidarse

de que es muy inteligente, que sabe mucho. Lo que tiene que hacer es ser un mediador entre la obra de arte y el público, no puede alejar al público. Porque uno de los problemas esenciales del arte contemporáneo es que se hace cada vez más a espaldas de la sociedad. No puedes pensar que eres un artista político cuando tu obra no le interesa a nadie; no puedes pensar que eres un artista exitoso cuando tu obra no la entiende nadie o cuando nada más les gusta a cinco coleccionistas que la compran porque ha salido en ARTFORUM, o porque la tiene tal galerista. Todas esas son manipulaciones del mercado o mediáticas, pero el arte siempre es para la gente. Ojo, para una gente selecta, no nos engañemos. El arte también tiene un componente de comunicación de la problemática que se vive. A mí siempre me sorprende que a la 88


ROSA OLIVARES

Por eso yo escribo para que me entiendan y escribo como hablo, no tienes que poner hándicap. Cuando eres joven -porque también yo lo he hecho- una de las bases de por qué tienes que escribir es para demostrar todo lo que sabes y lo listo que eres; pones muchísimas citas, haces muchas tonterías que después, con un poco de suerte, dejas de hacer. Esa es mi idea, sé escribir claro y sobre todo cuando tengo que decir algo, porque cuando no tienes nada que decir, pues ese es un problema.

OLVIDARSE DE QUE ES QUE SABE MUCHO.” gente de la calle le guste el arte antiguo y no le gusta el arte de su época, sin embargo les gusta el arte del renacimiento: Goya, no lo entienden, pero lo pueden ver porque lo que ven es narrativo, figurativo. Por eso ha tenido mucha fuerza la fotografía, porque la gente la ve, la reconoce, la tiene cercana; tiene una estructura figurativa, una estructura narrativa que en un principio reconocen fácilmente -aunque cada vez menos. Pero no olvidemos que la fotografía, la pintura, el dibujo que se hace ahora, es de lo que el artista está viviendo en su sociedad. El lenguaje es más abstracto más críptico, pero el arte -lo estuve hablando con Osvaldo Sánchezes algo que te mueve por dentro, que te repugna o te enloquece, pero algo te mueve, no una cosa que te deja frío o que tienes que sentarte a leerlo o estar cinco horas estudiando lo que te está diciendo. Eso es otra cosa.

OAT: Tú siempre has tenido algo que decir, por qué no me dices ahora sobre de ti. RO: Todos tenemos un gran ego: yo también, pero mi misión es hacer lo que quiero como quiero. Uno de los problemas y unas de las características mías es estar en contra de lo establecido. Yo nunca trabajo para el poder, para el gobierno; muy circunstancialmente hago una exposición, pero siempre trabajo independientemente, soy muy crítica con la gestión política de 89


ROSA OLIVARES

la cultura. Yo nunca voy a ser un comisario de moda, nunca voy a ser un personaje tipo Cuauhtémoc Medina, esa gente que sube y hace grandes comisariados para el país. Los respeto, los aprecio, pero ese no es mi papel. Yo soy una persona que hace, que genera proyectos, que genera cosas. Me gusta el territorio de la empresa cultural, me gusta la edición. Estar viviendo 30 años en el arte, en el mundo del arte, y que te siga gustando, ya te digo que es un gran mérito, y cuando diriges una revista de arte y tienes un equipo de más de 15 personas, el arte es un producto. A veces tienes que salirte de esto para ir a un museo y disfrutar como un espectador más. Nunca voy a ser la estrella de moda y no lo he pretendido nunca, pero espero que se me respete y valoren el trabajo que hago, que ya me parece bastante.

Octavio Avendaño Trujillo, Crítico y curador www.octavioat.blogspot.com 90


ACTUALIZACIÓN PORTAFOLIOS DE ARTISTA


Alejandra Baltazares (México) (Bélgica) Antonio Ibarra Jorge Carerra (México) (México) Javier Areán

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ALEJANDRA BALTAZARES

ALEJANDRA BALTAZARES

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Beauty Queens (Bolivia), 2010


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Beauty Queens (Bolivia), 2010

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Beauty Queens (Bolivia), 2010

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ALEJANDRA BALTAZARES

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Hairstyles for a beauty queen, 2010

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Orphanage for girls, 2010


Orphanage for girls, 2010


Orphanage for girls, 2010


ALEJANDRA BALTAZARES

www.livingartroom.com/alejandra_baltazares

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ANTONIO IBARRA

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ANTONIO IBARRA

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ANTONIO IBARRA

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ANTONIO IBARRA

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ANTONIO IBARRA

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ANTONIO IBARRA

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ANTONIO IBARRA

www.livingartroom.com/antonio_ibarra

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JORGE CARRERA

JORGE CARRERA

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The memory project, 2011


The memory project, 2011


The memory project, 2011


JORGE CARRERA

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JORGE CARRERA

Citoplasma/Mozaic, 2009

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JORGE CARRERA

Astromozaic, 2010

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JORGE CARRERA

www.livingartroom.com/jorge_carrera

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JAVIER AREAN

JAVIER AREAN

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White paintings 2010


White paintings 2010


Family buisness, 2007-2008


JAVIER AREAN

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JAVIER AREAN

Family buisness, 2007-2008

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JAVIER AREAN

Imรกgenes de archivo de los planos de barcos que transportaban esclavos a Venezuela

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MĂşltiplos, 2011


JAVIER AREAN

Múltiplos, 2011

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JAVIER AREAN

www.livingartroom.com/javier_arean

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Julio Gonzรกlez


ARTE CONTEMPORÁNEO HOY EN BOLIVIA por Alejandra Baltazares


Escribo este texto desde mi experiencia en una de las residencias artísticas que ofrece Kiosko Galería en la ciudad de Santa Cruz, Bolivia. La intención de este comentario es abrir la puerta de un país cuyo arte no ha sido muy explorado y generar en los lectores el interés y la vinculación con los artistas bolivianos, que sin duda ofrecen propuestas atractivas, pero que desafortunadamente son poco incluidas en el arte de hoy.

artistas bolivianos y 24 artistas de más de 13 países han participado. Raquel Schwartz, directora de Kiosko Galería, además de ser una de las exponentes más destacadas del arte boliviano realiza un importante trabajo en la difusión de artistas locales. Ha llevado Kiosko a ferias como CH.ACO (Chile Arte Contemporáneo) y ArteBA entre otras. Ahora, en su papel de

Viajar a un país sudamericano del que poco se sabe por su arte contemporáneo es aventurado, sin embargo en mi experiencia resultó una grata sorpresa. Durante mi estancia conocí un pequeño pero efervescente grupo de artistas. Mencionaré algunos -que sin duda son pocos-, aquellos con los que pude relacionarme más, conocer de cerca su trabajo y que, sobre todo -desde mi visión- representan la producción del lugar en el que residen. El programa de residencias del que fui parte tuvo como antecedente KM0 workshop, dirigido a artistas bolivianos e internacionales para realizar un proyecto en la ciudad de Santa Cruz de la Sierra. El workshop se transformó algunos años después en un importante programa de residencias artísticas auspiciado por las fundaciones Hivos y Stichting Doen, donde hasta el momento 13

curadora realiza la exposición Miamicito, que abrió sus puertas al público el 9 de abril de 2011 en la galería Dot Fiftyone, en la ciudad de Miami. Como artista, su obra ha participado en importantes bienales, como la de Sao Paulo o La Habana. Sin duda es importante mencionarla, ya que su trabajo es un buen ejemplo de una formación


internacional, abordando al mismo tiempo temas relevantes del contexto boliviano; permitiendo la libertad de interpretaciones -mediante algunos elementos sutiles y otros más enérgicos- encara realidades actuales y controvertidas de su país, que al mismo tiempo encajan con las del resto del mundo. Por otro lado, también existen artistas cruceños emergentes. Uno de ellos es Julio González, quien incorpora su propio

Raquel Schwartz

desnudo en diferentes contextos y situaciones cotidianas. En algunas ocasiones forma parte de la escena, acompañado de personajes que no parecen incomodarse con su presencia. Julio habla de su cuerpo como: “un objeto formal, donde éste siempre es tan propio como extraño”. Destaca una de sus fotografías donde retoma al personaje de

“la cholita” (cuyo símil mexicano podrían ser las “marías”), pero en este caso una perteneciente a la Asociación de Trabajadoras Sexuales Cholitas Travestis. En contraposición con Santa Cruz y sus artistas está La Paz, una ciudad altamente politizada y cuya presencia indígena es avasalladora. No pasan desapercibidas las bardas con los grafitis del colectivo Mujeres Creando, una agrupación que no se autodenomina artística, pero cuya principal representante, María Galindo, es sin duda un importante referente de la cultura paceña. De un feminismo radical, busca por medio de sus acciones luchar contra el machismo y la homofobia. Estos actos pueden catalogarse ya sea como arte contemporáneo o activismo, y nos llevan a la vieja pregunta sobre qué es arte y quien lo legitima. Quizá la respuesta nos la pueda dar el Museo Reina Sofía, el cual ha albergado su trabajo. Otro artista paceño es Andrés Bedoya. Aunque radicado en Nueva York desde hace varios años, en su trabajo persiste la cultura boliviana. El performance e instalación Ultramadre, realizado en el Museo Nacional de la Paz en 2009, es un claro ejemplo. La ciudad de La Paz se caracteriza por la


Colectivo Mujeres Creando

presencia de las cholitas, mujeres de trenzas largas y sombreros peculiares, son las madres de todos y de nadie así como Ultramadre. La pieza parte de la introspección y la relación con su madre –fallecida durante la adolescencia del artista-; es un muro de cabello formado por las mismas cholitas, quienes sólo en la intimidad desatan sus trenzas, pues el cabello es de gran importancia en su cultura, como lo es en la obra de Andrés. Entre Santa Cruz y La Paz está Cochabamba, otra de las ciudades artísticamente activas en donde destaca mARTadero, un espacio dedicado a la producción, gestión

cultural y experimentación artística. Radican también artistas como Alejandra Alarcón quien también aborda a la mujer pero en sus diferentes etapas. Utiliza el imaginario de los cuentos de hadas conjuntando técnica y concepto para llevar un medio poco utilizado como el de la acuarela a la escena del arte contemporáneo. Después de este pequeño recorrido por las ciudades principales y algunos de sus artistas, quiero dedicar un breve espacio para hablar sobre la producción artística en este país. Producir arte en Bolivia efectivamente es difícil, como lo es en cualquiera de los países llamados en desarrollo. Un reconocido


artista boliviano afirmó: “un entorno como el boliviano impide la creatividad, la bloquea, la inhibe, la mata”. Y es que efectivamente, Bolivia destaca por sus contrastes -que para algunos resultan anclas pesadas- que no ayudan a la cultura, pero que para otros (donde me incluyo) está lleno de detonantes para la creación artística, de espacios casi vírgenes ávidos de nuevas propuestas y que desafortunadamente pasan casi inadvertidos por la sociedad, los mismos artistas o las instituciones culturales. Pero no todo es inspiración o voluntad. Por supuesto que la situación económica es un lastre duro de arrastrar, como el poco interés de las instituciones o pequeños detalles, como la falta de material básico de dibujo o impresiones fotográficas de calidad. Pero al mismo tiempo se puede tener acceso a lugares o personajes que difícilmente se podría tener en México o en cualquier otro país. En mi caso por ejemplo, bastó una llamada para fotografiar a la actual Miss Bolivia, o realizar todo un proyecto con un legendario estilista encargado de arreglar a las reinas en los certámenes de belleza más importantes del país.

Andrés Bedoya

Los espacios oficiales para exponer son pocos y en una ciudad de alrededor de


dos millones de habitantes, los espectadores son casi siempre los mismos. Pero sorprendentemente en una ciudad como Santa Cruz (que pareciera estar alejada de las redes del mainstream) se pueden generar valiosos lazos, tanto con artistas como con instituciones locales e internacionales. Un buen ejemplo de ello fue la Bienal Internacional de Arte Santa Cruz, donde gracias a los curadores Cecilia Bayá y Roberto Valcárcel, se dieron cita artistas invitados como Nicola Constantino y Bill Viola. En esta que pareciera ser una pequeña Bienal, el segundo premio lo obtuvo Ricardo Lanzarini (Uruguay) artista que al poco tiempo estaría también en el Armory Show de Nueva York.

Los problemas que aquejan un país como este no son diferentes de los demás. Es cierto que hay limitaciones serias y que, como dice Andrés Bedoya: “como artistas bolivianos nos hemos sentido victimizados por nuestro entorno”. Pero las oportunidades están ahí, y más cuando se tienen propuestas interesantes, de calidad y sobre todo a la altura de cualquiera. Sin temor a equivocarme, es el mejor momento para voltear la mirada al arte boliviano y apoyarlo, siendo tan crítico como incluyente.

Menciono lo anterior para apuntar lo factible que puede ser para un artista “joven” no sólo convivir, sino exponer su obra al lado de personajes destacados del medio, y abrir puertas para futuras colaboraciones, situación que en otros países sería complicado, o cuyo proceso tomaría más tiempo.

LINKS DE INTERÉS

replicantelabc.blogspot.com | www.martadero.org | www.kioskogaleria.com | losartistasdicen.blogspot.com | replicantelabc.blogspot.com | www.andresbedoya.com | www.manzanauno.org.bo


http://www.youtube.com/livingartroom


POPIZACIÓN DEL ARTE

LA POPIZACIÓN DEL ARTE y su rastro editorial en la ciudad de México. por Valeria Farill The notion that the public accepts or rejects anything in modern art is merely romantic fiction. The game is completed and the trophies distributed long before the public knows what has happened. Tom Wolfe

Y de repente, cuando más concentrados estábamos en quejarnos de la falta de apoyo a la cultura, de la marginalización del arte, de su inaccesibilidad y su elitismo, justo en ese momento, cuando nos distrajimos con nuestra grillera satisfacción de quejarnos contra el sistema, fue que el arte se puso de moda. Sin que nos diéramos cuenta empezaron a abrir, uno tras otro, nuevos espacios en la ciudad, dictando cuales serían los nuevos barrios chic, famosas personalidades de la alta sociedad

eran fotografiadas mientras atendían alguna importante inauguración internacional, y marcas de cualquier producto de consumo masivo anunciaban sus nuevas colecciones de arte contemporáneo. Y otra vez, mientras nos emborrachábamos con las burbujas de este nuevo fenómeno, que sin duda en el futuro alguien llamará el periodo de oro del arte contemporáneo en México, mientras nos agasajábamos yen-

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POPIZACIÓN DEL ARTE

do de una inauguración a otra, de una demostración de arte urbano a una conferencia de algún artista con apellido del este europeo, mientras nos deleitábamos en descubrir que podíamos pronunciar el nombre de tres artistas chinos, fue entonces que el arte contemporáneo en la ciudad cambió de cara. Caemos en cuenta que durante todo este proceso nuestra actitud, nuestra vestimenta y nuestras relaciones dejaron de ser aquellas que identifican a un ser marginal de la sociedad, el incomprendido, el original, el arriesgado, y sin saber cómo, nos transformamos en socialités. Y es que el arte contemporáneo se puso de moda. ¡Por fin!, nos dan ganas de gritar. ¡Hemos logrado lo inimaginable!, exclamarán otros. Y es interesante interrumpir el júbilo y detenernos un segundo a observar el panorama: ahora el arte contemporáneo forma parte de una identidad hipster, junto con la música comercial (incluyendo la underground comercial), el diseño y la moda. No estoy segura, pero me dan ganas de decir que Andy Warhol tuvo algo que ver con esto. Desde entonces, y cada vez más, encontramos a los curadores vestidos de ultimísima tendencia, y descubrimos con estupor que la feria de arte contemporá-

neo del país es definida “el evento cumbre de la alta sociedad mexicana” en todas las revistas de sociales. ¿Eh? ¿Cuándo sucedió este cambio? El cliché del artista bohemio, asocial y arriesgado pasó a ser el de un personaje que viste lo que dictan las revistas, que participa en todos los eventos importantes y que en muchas ocasiones se convierte en un art star. Aunque no puedo evitar sentir una especie de celos (los sentí también cuando mis grupos favoritos de música se convirtieron en ídolos de la alta sociedad), es evidente que este fenómeno conlleva muchas ventajas. En su más pura y utópica esencia, el arte debería de pertenecer a todos. Que el arte se ponga de moda puede acarrear una marea de consecuencias frívolas, pero primordialmente impulsa a llevar el mensaje a un público más amplio. La popización (1) del arte (que, atención, no es lo mismo que la popularización del mismo) estimula el coleccionismo, y el coleccionismo estimula el mercado y la cantidad/calidad de la oferta. Y si, la popización también tiene un rol importante en la popularización del arte. Un claro

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POPIZACIÓN DEL ARTE

ejemplo de esto son las revistas de sociales que incorporan entre sus páginas evetos artísticos, provocando que más gente voltee sus miradas a las actividades de índole artística. Se sabe que la mayor parte de las veces las tendencias inician en la parte más alta de la pirámide social y con el tiempo van bajando los escalones y adaptándose al gusto de las masas. Otra consecuencia también editorial de este proceso, y seguramente un esfuerzo más serio y concreto de promover la cultura, han sido las revistas de arte/diseño/ moda - e incluso otros temas al parecer más distantes, como el gastronómico y recreativo - que han poblado poco a poco los anaqueles de tiendas, librerías y centros comerciales y culturales. El mes de abril fue especialmente prolijo ya que, debido a la feria ZONA MACO muchos espacios cambiaron sus programaciones y ofrecieron en exposición su carta fuerte, y algunas revistas populares, como Chilango y el suplemento del periódico Excelsior: Tomo, dedicaron su número mensual al arte contemporáneo en el país.

niveles sociales que previamente no eran considerados por el viejo mundo cultural. La relación que establecen con el público general, que quizá de otra forma no estaría implicado, se vuelve más directa y sencilla. Y no sólo estamos hablando de gente con recursos, sino de cualquier persona que tenga una suscripción a un determinado periódico o que compra una revista para ver qué películas hay en el cine, y en una feliz coincidencia descubren que hay algo interesante en un museo. Y sin embargo, a pesar de una aparente sencillez, estas revistas no descuidan su seriedad editorial, incorporando muchas veces a su equipo críticos, curadores y demás estudiosos que tocan y tratan temas sin subestimar el nivel intelectual de sus lectores.

Existe también otra categoría de revistas y publicaciones que presumen la palabra “arte” en sus títulos y portadas. Éstas se distinguen, ahora sí, por estar dedicadas a un público joven que tiene dinero para gastar en moda, en viajes y en arte. O sea, hipsters, fashionistas, condechis, romechis Este tipo de publicaciones ha tenido gran (¿todavía no existe un adjetivo para la tribu aceptación y han vestido un rol fundamental que está poblando las calles de la Colonia en la difusión del arte contemporáneo a Roma?) y socialités. 150


POPIZACIÓN DEL ARTE

Dichas revistas son la consagración de la popización del arte. El arte se mezcla con objetos de diseño, con boutiques de lujo, diseño gráfico, música indie, arquitectura y demás temas más “digeribles”. Su diseño, por obvios motivos, se enfoca en las imágenes, normalmente tomadas por fotógrafos invitados. Manejan formatos o muy amplios y delgados (Spot, Taxi Art Magazine) o pequeños y robustos (Código 06140) y están impresas en papel grueso mate de buena calidad. Sus hojas están invadidas de publicidad de objetos de lujo y cierran con broche de oro insertando una discreta sección de sociales. La vida de estas publicaciones no suele ser extremadamente larga, ya que son objetos caros y preciados, además de que el mercado al cual están dirigidas es restringido. Son fáciles de leer, porque tienen muchos dibujitos, los artículos son cortos y el diseño es llamativo. Están rellenas de eye candy, como se dice en inglés, o delicias visuales. Hay dos o tres que han logrado colocarse y permanecer en los gustos de un selecto grupo de lectores incluso por hasta diez años, pero la mayor parte de ellas tiene, desafortunada pero predeciblemente, un número de publica-

ciones limitadas; sus lectores/observadores siguen siendo un porcentaje pequeño de la población. En el caso de estas revistas, que yo misma leo con placer cuando las encuentro, me pregunto si el hecho de asociar el arte a objetos de diseño, a ropa de marca y alta alcurnia le hace bien al arte. Su neocarácter de “accesorio en boga” lo convierte en un objet du désir cazado por aquellas personas que se apegan estrictamente a las últimas tendencias. Se vuelve más apetecible. Pero ¿qué no flanquear al arte de objetos de lujo le contagia su frivolidad? Nadie puede negar que el arte sea un objeto de lujo per sé, pero nos aliviaba pensar que se trata de un lujo que respondía a las necesidades más complejas y profundas del alma. ¿Se puede realmente equiparar con un bolso de Chanel con una silla ergonómica de bambú fabricada por un diseñador noruego? ¿No será que estamos despojando al arte de su esencia primordial, mientras nos congratulamos por haberlo disfrazado con un abrigo de pieles? Es verdad, el arte en las ciudades más cosmopolitas está más cerca que nunca de la gente. Los últimos treinta años han activado un proceso muy interesante por

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POPIZACIÓN DEL ARTE

el cual el quehacer artístico y todos sus componentes se han acercado más a la población a través de un reposicionamiento de imagen. El arte pasó de ser, para un espectador promedio, de algo escolar, incomprensible y aburrido a una divertida aventura, todavía difícil pero inexplicablemente chic e interesante; algo en lo que vale la pena invertir.

pop que, si bien han acertado al aproximar el arte a un público nuevo, también han creado alrededor de éste un halo banal, por llamarlo de alguna manera. ¡Pero no es mi intención demonizarlas! Es justamente este halo banal uno de los causantes de la explosión de nuevos talentos y la apertura de una gran variedad de espacios nuevos con sólidas propuestas en la ciudad. Y aceptémoslo: quizá sólo de esta forma lograUno de los frutos de este cambio, pero remos crear una cultura contemporánea que posiblemente también uno de sus oríge- tapice la sociedad actual. A final de cuentas, nes, es el nacimiento y difusión de revistas el fin justifica los medios.

1.) Para mejorar el entendimiento de este artículo voy a utilizar el vocablo “pop” para describir un fenómeno comercial, frívolo pero bien estudiado para resultar atractivo a un gran porcentaje de la población. No me refiero a pasadas corrientes artísticas ni a la abreviación de la palabra “popular”.

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invitada especial

mariele williams ww.mariele-ivy.com


MARIELE WILLIAMS

Para Mariele Williams los accesorios no son sólo objetos que existen para adornar un atuendo; para ella cada collar, relicario, anillo, etcétera, habla de recuerdos, lugares, historias, personas que no están cerca pero de alguna manera siguen estando presentes. 153


MARIELE WILLIAMS

Mariele es hija de un constructor de barcos y una jardinera, sus piezas siempre están inspiradas por la simbiosis del hombre y su entorno. Cada una de sus creaciones es única e incluye elementos básicos como astas, plumas, fósiles, madera o cuero. Materiales que son durables y delicados, antiguos y nuevos. Sus accesorios están fabricados con una tenacidad que rinde homenaje a los lugares de donde vinieron. Los elementos naturales incluidos en sus diseños vienen de su familia y amigos en los alrededores de Montana. Como su entorno, los materiales cambian según la estación, disponibilidad o temporada de caza; también lo hacen sus diseños, es por eso que en su producción no existan dos piezas iguales. Su conexión innata con el medio ambiente y todo lo que la rodea también se puede ver en muchas de sus ilustraciones, instalaciones y proyectos en los que se involucra constantemente.

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MARIELE WILLIAMS

“Yo soy del oeste de Montana, un paisaje muy hermoso y montañoso. Ser de este estado ha influenciado mi trabajo enormemente. Yo me crié en una casa en el campo cerca al río, jugando con orquídeas en los bosques toda mi vida. Siempre me ha inspirado y emocionado trabajar con la naturaleza. Yo crecí viendo a mi padre fabricar barcas hermosas que le permitieron a la gente a explorar e interactuar con los bellos ríos y la naturaleza en Montana. Creo que mis joyas hacen una cosa similar para las personas. Les permite tener la belleza de la naturaleza e incorporarla en su vida cotidiana. Es por eso que digo que darle celos a la naturaleza es el lema de mi diseño.”

“Los viajes siempre han sido una parte fundamental en mi vida y he tenido la suerte de que mis diseños se benefician inmensamente de mis viajes.” 158


MARIELE WILLIAMS

“El colmillo de cerdo fue encontrado en un mercado en Laos, la cadena la compré en Japón y las plumas las encontré durante una caminata de 5 la noche en la jungla del norte de Laos. Una guía y un traductor me llevaron al corazón de la selva y nos quedamos cada noche en un pueblo diferente con tribus que vivían en diferentes montañas.

Fuimos los primeros occidentales en viajar a la zona, ya que no se había desarrollado como un destino turístico hasta hace poco. Yo fui la primera mujer blanca que estas mujeres y los niños habían visto en persona. Caminé ocho horas el primer día, mirando un pollo vivo que los traductores llevaban atado a la espalda. Aquella noche disfrutamos del pollo para la cena y las plumas que recolecté esa noche se han incorporado a muchas piezas de joyería que he hecho desde entonces.” 159


MARIELE WILLIAMS

“Los dientes cubiertos con lámina de oro provienen de una granja orgánica en Idaho. El pequeño cordero no logró sobrevivir sus primeras horas de vida, pero ahora su vida se sigue apreciando por mucho más tiempo que lo que duró en el mundo.”

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SOFÍA ECHEVERRI

“Cada pieza es cortada a mano y de manera muy singular. Los tipos de madera que utilizo son: madera de la cebra, marfil, rosa, tulipán de madera, madera de encaje, el corazón púrpura, rojo corazón, bolo de coco, bubinga, palo de rosa y madera de rey. Vengo de una familia llena de carpinteros y ebanistas, mi abuelo hizo cuerpos de escopetas, mi tío es un luthier (constructor de guitarras) y mi padre es fabricante de instrumentos musicales y ha construido más de 100 barcos de río. Por mi parte, estoy feliz de continuar con la tradición y la artesanía.”

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Identitytheory (US)

Arte y Parte (Spain)

Blind Spot (USA)

BT / Bijutsu Techo (Japan)

Esfera Pública (Colombia)

FUSE (Canada)

Springerin (Austria)

Art (Spa

Arte (Colomb

BT / Bijutsu Techo (Japan)

ARTGUIDE Moscow (Russia) Contemporary Visual Art CVA (UK) Area Zinc (Spain)

Wallpaper (UK)

Lápiz (Spain)

Cabinet (USA) Brazil Contemporary (Brazil)

piktogram (Poland) Apollo Magazine (UK) Flux News (Belgium)

Art (Ge

Flash A (Italy)

Art Signal (Spain) Bordercrossing (Canada)

Art (German

Metropolis M (Netherlands) TATE magazine (UK)

Recomendado

Revistas impresas y web de arte contemporáneo en diferentes países del mundo

deja tu comentario en el blog de LAR con los nombres de tus favoritas, que est


eria bia)

o )

Artension (France)

Bola de Nieve (Argentina)

Notes ain)

ARTECONTEXTO (Spain)

Asterisco (Colombia)

Frog (France) Curare (Mexico)

juxtapoz (USA)

Circa (Ireland)

Frieze (UK) Art

Neuroblasto (Mexico) Art & Australia (Australia)

Interview magazine (USA)

tforum ermany)

Codigo 06140 (Mexico)

Kunstbulletin (Switzerland)

Beaux-Arts Magazine (France) Parachute (Canada) EXIT (Spain)

Artcritical (USA)

ny)

Art & Auction (USA)

Artnexus (Colombia/USA) Ramona (Argentina)

Papers d'Art (Spain)

Revue Noire (France- about Africa)

Art Bites (Japan) Replica 21 (Mexico)

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