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Introducción ¿QUE ES LA ACUARELA?

E l t é r m i n o « a c u a r e l a », etimológicamente, deriva del latín «aqua». El diccionario define este vocablo como «pintura realizada con colores diluidos en agua». Esta definición no resulta para nada casual ni azarosa si se considera que el agua es el medio a través

del cual se transmite al papel la cualidad y calidad del color de los distintos pigmentos diluidos y aglutinados con otras sustancias como por ejemplo goma de Senegal o goma arábiga, por mencionar algunas. Las personas muy puristas de la técnica suelen añadir otros componentes a las acuarelas como glicerina, miel,

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hiel de vaca o algún agente conservador como puede ser el fenol o el ortofenilfenato de sodio. A estas disoluciones se las conoce como tintas y los baños con los que se baña el papel usando el pincel u otro medio, se llaman aguadas.


¿LA IMPORTANCIA DEL COLOR EN LA ACUARELA?

Los colores de las acuarelas se forman a través de un compuesto de pigmentos secos, en polvo, mezclados con goma arábica y solubles en agua. En la práctica, los colores ya preparados se disuelven, en el mejor de los casos, en agua destilada y se aplican al papel por medio de un pincel. La característica principal de los trabajos en acuarela es la transparencia que generan estos pigmentos diluidos.

a la acuarela interviene el agua junto a una pequeña cantidad de pigmento que, una vez evaporada el agua, queda depositado en una capa diáfana. Esto es justamente

Desde finales del siglo XIX, la pintura a la acuarela ha gozado de una gran popularidad. Y fue justamente esta enorme popularidad la causante de cierto desprestigio de la técnica ya que, el termino pintar «a la acuarela» se asociaba primeramente a los más altos estratos de la sociedad que transformaban su afición por la pintura en un pasatiempo ameno haciendo uso de las acuarelas como medio de expresión, ejecutando de forma repetitiva paisajes delicados donde se utilizaban mayormente los tonos pastel.

¿PORQUE EL AGUA ES PROTAGONISTA DE ESTA TÉCNICA?

El agua es la protagonista de la pintura a la acuarela y la causante de su típica transparencia y luminosidad, dos características imposibles de conseguir casi con ningún otro medio. En la pintura 7

lo que permite que el color blanco del papel quede a la vista bajo la pintura, proporcionando esta cualidad de transparencia propia de una buena acuarela.


¿PORQUE ES LA TÉCNICA MÁS ADMIRADA?

Es interesante mencionar la transformación que experimentan las obras ejecutadas con esta técnica. Se trata del paso de la presentación de un aspecto muy vivo, cuando están húmedas, a una presentación atenuada, clara una vez que la obra está seca. Esta transformación de aclarado que, evidentemente cambia el aspecto de la obra final, puede llegar, aproximadamente, a un 50% dependiendo de la cantidad de color con la que se haya cargado el pincel al ejecutar las aguadas. Es justamente por esto que se debe tener en cuenta este proceso durante la realización del trabajo para poder conseguir el aspecto deseado.

A pesar de que algunos puristas defienden que existe una forma correcta de pintar con acuarela, es decir un modo que «respeta» las normas establecidas en tiempos de antaño, en la actualidad, cada vez son más los artistas que, persiguiendo un resultado final, utilizan y mezclan diversas técnicas en la misma obra.

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Las chicas cambian de color, Agnes Cecile


La técnica de la acuarela es la más seguida por los que tienen la intención de empezar a introducirse en el bello arte de la pintura. Aunque para la mayoría de expertos es la técnica más compleja, es precisamente este y otros aspectos la que la hace más interesante. Con acuarelas el artista puede pintar obras de colores muy vivos. Desarrollar paisajes y marinas con esta técnica, es la mejor manera para la representación del agua. Debido a su condición acuosa, la fusión entre los distintos colores termina dando a la obra una belleza que no se consigue con las otras técnicas. Su luz, cuando el manejo es ya avanzado termina siendo radiante y potente en cualquier práctica. El soporte donde se pinta con la acuarela también le proporciona al artista una ventaja sin igual. Normalmente se trabaja sobre papeles con grano semi-grueso o grueso, lo que le aporta a la obra una gran cualidad plástica. Todos estos argumentos es lo que hace de la acuarela, la técnica pictórica más atrayente.

para aquellas personas ya sean niños, jóvenes y mayores, que cada dia dedican un poco de tiempo a la pintura. Para los más profesionales en este arte, pintar cada día supone una dinámica para desarrollar su habilidad y creatividad de forma correcta. UNA ACUARELA UN DIA, le da al lector 365 trucos y consejos ilustrados por obras de más de 70 artistas reconocidos en el

mundo. El lector conocerá en las páginas de este libro los materiales necesarios y su correcto uso, las bases para pintar los temas más importantes, trucos para un buen manejo de la técnica, consejos para seguir avanzando y en definitiva todas las herramientas necesarias para disfrutar y desconectar practicando el arte de la pintura. Sueño, Ayşe Eylül Sönmez

¿PORQUE NOS GUSTA PINTAR CON ACAURELAS?

¿PORQUE UNA ACUARELA UN DIA?

Si en algo coinciden todos los terapeutas del mundo es que una buena manera para liberarse del estrés diario, es pintar. La pintura se ha ido transformando desde un hobby, a una terapia con resultados sorprendentes 9


Los materiales Los materiales son una parte muy importante al momento de pintar al acuarela. En este capítulo encontrará los materiales o elementos más relevantes para la ejecución de esta técnica y les enseñaremos cómo cuidarlos para que puedan ser mantenidos en perfecto estado a lo largo del tiempo.


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 ACUARELAS, UNA APROXIMACIÓN QUÍMICA

El principal atractivo de la pintura a la acuarela se basa en la transparencia de sus colores, hecho que la convierte en una pintura fresca, luminosa y espontánea. Esta forma de pintar ha sido ideada para ser trabajada con agua y aplicada sobre un soporte de papel. De todos modos, hoy la acuarela se aplica a otros soportes como cartón o arcilla entre otros.

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 COMPOSICIÓN DE LA ACUARELA

La pintura a la acuarela se encuentra compuesta de pigmentos naturales molidos, sustancias aglutinantes, como la goma arábiga, que la convierten en una masa.

Antes de empezar un cuadro con acuarelas, hay que elegir bien los colores que vamos a emplear. En la etapa de principiante es mejor reducir la paleta de colores.

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 PIGMENTOS

Los pigmentos son pequeñas partículas que dan el color. Cada uno de ellos tiene un origen específico por lo cual es lógico que reaccionen de manera diferente. Los hay con mayor o menor poder de tinción, algunos son de por sí transparentes y otros son ligeramente opacos. Es justamente por esto que es necesario prestar mucha atención a la hora de recomendar combinaciones de colores en una composición.

Los distintos colores tienen mayor o menor tinción.

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 PIGMENTOS INORGÁNICOS

Se trata de pigmentos derivados de compuestos que nunca fueron parte de la materia viva y que no contienen carbón. Este grupo incluye los cadmios, el cobalto, el ultramar, los tierra y una amplia gama de otros colores tradicionales.

Apariencia de la acuarela líquida sobre recipiente especial para este tipo de pinturas.

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 PIGMENTOS ORGÁNICOS

Son pigmentos derivados de sustancias vivas o de sustancias que en algún momento fueron parte de algo vivo. Dentro de este grupo se incluyen numerosos pigmentos modernos conocidos por su claridad y transparencia. Algunos de ellos son ftalocianina, quinacridona, perileno y bencimidazolona. Estos pigmentos contienen carbón.

También está disponible la acuarela en tubos.

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 PIGMENTOS ÚNICOS

Todos los pigmentos difieren en forma, tamaño, color y «personalidad». Los pigmentos, especialmente en las acuarelas, son la caja de herramientas o los elementos a través de los que «dicen» los artistas, los elementos que los ayudan a manipular la obra y alterar su expresión. Es por esto que muchas marcas tratan de crear formulaciones con pigmentos únicos. Las formulaciones con pigmentos únicos tienen tonos más puros y colores más limpios que las mezclas de pigmentos, lo que facilita la realización de un mayor número de mezclas cromáticas y retrasa la aparición de los efectos de emborronado. 13


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 PIGMENTOS MIXTOS

Detalle de Carmesí de Alizarina permanente

Aunque los pigmentos mixtos pierden inevitablemente algo de intensidad cromática o viveza, existen numerosas razones por las que marcas como Winston & Newton todavía los utilizan en las formulaciones. En algunos casos, es posible lograr un nivel de permanencia superior con un pigmento mixto; por ej.: Carmesí de alizarina permanente y Verde de Hooker. En otros, es preciso mezclar varios pigmentos para conseguir una formulación determinada, por ejemplo: Oro de quinacridona, cuyo pigmento ya no está disponible.

Detalle de Verde de Hooker

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 PIGMENTOS TIERRA NATURALES

Los pigmentos tierra son los materiales colorantes más antiguos del mundo. En las cuevas de Altamira y Lascaux aún se encuentran obras de arte de hace al menos 15.000 años que los han utilizado. Los tierras naturales son esenciales debido a su escaso poder colorante y sus tonos naturales. Además son esenciales porque no se pueden obtener a partir de mezclas de tonos negros o blancos. Los tierras son depósitos de color que suelen haber adquirido su tono por haber estado en contacto con hierro durante millones de años. Son algunos de los pigmentos más inertes y permanentes que se pueden encontrar. Los pigmentos tierra se extraen del suelo y se limpian y lavan posteriormente.

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Muestra de un cuadro hecho en su totalidad con colores de tonos tierra


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PIGMENTOS TIERRA SINTÉTICOS

PIGMENTOS CADMIO

Los pigmentos tierras sintéticos representan al grupo de pigmentos que han sustituido a los pigmentos tierra naturales dada su falta. Se trata de óxidos de hierro sintéticos. Estos últimos son atractivos por sí mismos dado que su carácter tiende a ser bastante resistente y opaco. Los primeros datan de mediados del siglo XIX. Aunque los óxidos de hierro sintéticos poseen buenas características propias, no reemplazan totalmente a los pigmentos tierra. Por lo tanto, es recomendable que el artista cuente con pigmentos tierra naturales y tierra sintéticos.

Los colores que contienen pigmentos de cadmio constituyen una importante gama cromática en la paleta del artista. Sus singulares tonos, su buena cobertura y su escaso poder colorante son cualidades que ningún otro pigmento disponible iguala. Además, cuentan con una excelente solidez a la luz y son muy opacos. Se trata de los rojos y amarillos más populares de la paleta de los artistas.

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 PIGMENTOS ALTERNATIVOS

Como se expresó, los cadmios son los rojos y amarillos más populares de la paleta y, como son las pinturas para artistas que se usan de forma normal, no suponen un peligro para la salud del usuario. A pesar de esto ha habido preocupación pública por los compuestos de cadmio utilizados en otras industrias y por su impacto en el medio ambiente. Tomando esto en consideración, algunos artistas que no dependen de las singulares características de los cadmios pueden optar por usar alternativas. No hay sustitutos directos de estos tonos, pero existen alternativas que poseen algunos de sus atributos.

Detalle de Amarillo Cadmio

Detalle de Rojo Cadmio

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Los pigmentos tierra son muy útiles para dar color a paisajes, retratos y animales


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 QUINACRIDONAS

Son un grupo de pigmentos muy importante originado en la década de 1.950. Las primeras fueron introducidas por Winsor & Newton, como el Rosa permanente y el Magenta permanente. Con la gran transparencia y solidez a la luz de sus tonos, estos colores transformaron la sección del rosa y del malva de la paleta, una zona que siempre había estado signada por su escasa solidez a la luz. Con el correr del tiempo fue posible disponer de muchos otros tonos en esta gama.

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 TRANSPARENCIA Y OPACIDAD

La transparencia es la característica clave de la acuarela. Cuanto más fina sea la capa de acuarela, mejor. Gracias a esta característica, los colores resultarán transparentes sobre papel, lo cual a su vez permite que brille el blanco reflectante. Sin embargo, es importante que los pigmentos sean capaces de mantener sus características naturales hasta cierto grado. Por ejemplo, los pigmentos transparentes refractan la luz de forma muy parecida al cristal vidriado, creando resplandores metálicos y mezclas limpias. Por su lado es probable que los colores opacos, como los cadmios, cubran mucho más que los transparentes. La distinta transparencia y opacidad de un pigmento afectará al carácter óptico del color individual así como al modo en que el tono se mezcla con otros. Los colores más transparentes permitirán al artista crear un efecto de veladura puro aplicando una serie de aguadas superpuestas. Los colores más opacos producen aguadas con mayor uniformidad y cobertura sobre aplicaciones anteriores. También son útiles para suavizar las mezclas cromáticas. 16


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 GRANULACIÓN

Algunos pigmentos poseen una característica llamada granulación. La granulación es el modo en que las partículas del pigmento se asientan en el papel dando lugar así a un efecto moteado. Para muchos artistas, la granulación es un atributo muy atractivo, ya que es capaz de incorporar textura visual a sus pinturas. Incluso entre los colores con granulación pueden aparecer efectos distintos cuando se aplican en papel con un pincel. Algunos pigmentos finos se amontonan en grupos, lo que se conoce más comúnmente como «floculación», mientras que otros pigmentos pesados se introducen en los huecos de la superficie del papel. Como regla general, los pigmentos tradicionales muestran granulación (por ej.: cobaltos, tierras, ultramar, etc.) mientras que los orgánicos más modernos no presentan esa cualidad. Si se desea evitar la granulación en las pinturas, se recomienda el uso de agua destilada. Este elemento puede reducirla, particularmente en zonas donde el agua sea dura.

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 EL TEÑIDO AZUL PRUSIA

La estabilidad de la acuarela depende de la relativa absorbencia de la superficie del papel. Es justamente por esta característica que los colores más fuertes, como el Azul de Prusia, el Carmesí de alizarina y los pigmentos orgánicos modernos, formados por partículas muy finas, penetran o tiñen más que otros colores. Estas pinturas no se pueden eliminar completamente con una esponja húmeda. Los colores inorgánicos tradicionales y los tierra tienden a eliminarse con mayor facilidad del papel.

Vista de 2 tonos del Color Azul de Prusia.

Detalle de pinceladas que forman la granulación en una pintura.

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 ELIMINAR UN COLOR

Para eliminar o remover un color se debe proceder a retirarlo con ayuda de una esponja. La eliminación también puede realizarse lavando totalmente la acuarela bajo el agua corriente. A su vez, la esponja también puede utilizarse como recurso técnico como por ejemplo para obtener un fondo «ahumado». Por otro lado el mercado ofrece preparados especialmente formulados para la realización de esta tarea. El Preparado eliminador de Winsor & Newton, por ejemplo, facilita la eliminación de los colores del papel, incluso de los que tiñen, con una esponja o un cepillo húmedos. El preparado eliminador se debe aplicar en el papel en primer lugar y dejar secar antes de pintar sobre la superficie. La estabilidad de la acuarela depende de la relativa absorbencia de la superficie del papel. Es justamente por esta característica que los colores más fuertes, como el Azul de Prusia, el Carmesí de alizarina y los pigmentos orgánicos modernos, formados por partículas muy finas, penetran o tiñen más que otros colores. Estas pinturas no se pueden eliminar completamente con una esponja húmeda. Los colores inorgánicos tradicionales y los tierra tienden a eliminarse con mayor facilidad del papel.

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 GOMA ARÁBICA

Es uno de los principales componentes de la pintura y funciona como aglutinante de los pigmentos.

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 EL AGLUTINANTE

Detalle de la Goma Arábiga que se utiliza para la fabricación de acuarelas.

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Es una sustancia con la que se mezcla el pigmento para hacer el color. La tarea del aglutinante es favorecer la adhesión del pigmento al soporte. La goma arábiga es el aglutinante que se utiliza con mayor frecuencia en la elaboración de acuarelas, pero no es el único.


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 ACUARELA SECA

Este tipo de acuarelas se presenta en el mercado en pastillas, también llamadas gódets. Es una masa sólida que precisa ser humedecida para desprender color. Se puede conseguir, por lo general, dispuestas en cajas-paleta con colores surtidos o en pastillas individuales por color.

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 ACUARELA CREMOSA

Estas son presentadas en pomos. A diferencia de las pastillas, este estado pastoso se obtiene debido a que posee una mayor cantidad de humectantes, lo cual hace que la pintura se seque con menor rapidez. Los pomos pueden ser comprados sueltos o en cajas surtidas. La principal ventaja que ofrece esta clase de presentación es que permite mezclar colores sin ensuciar uno con otro.

Acuarela seca es otra variedad de pinturas para esta técnica.

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Vista de «gódets» en tres colores puros en estado inicial.


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 ACUARELA LÍQUIDA

Presentación de la acuarela líquida.

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 MEDIUM PARA ACUARELA

Se trata de una mezcla de goma arábiga, ácido acético y agua. Se utiliza disuelto en el agua para pintar, unas gotas por medio litro es suficiente para eliminar restos de grasa, dar mayor intensidad, brillo y transparencia al color aumentando también la adherencia. En líneas generales se puede utilizar este accesorio para espesar la pintura. Para ello se debe mezclar directamente con ella.

Preparar el papel para conseguir un mejor resultado de la pintura.

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Presentadas en frasco, llamados ta mbién botellines. E sta presentación es más indicada para técnicas de pintado con colores planos. De hecho este tipo de presentación de la acuarela se utilizan más para trabajos de grafismo e ilustración que en la pintura artística. Ofrecen colores transparentes y de un brillo y luminosidad excepcional. Además no tienen pigmentos, y se mezclan inmediatamente entre sí. Se diluyen con agua y no se depositan. Entre otras cosas, la acuarela líquida es el producto perfecto para el aerógrafo, ya que es completamente soluble al agua, y no contiene aditivos que puedan obstruir la válvula del instrumento.


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HIEL DE BUEY

GOMA LÍQUIDA

Esta sustancia es depurada y es capaz de variar la tensión superficial del agua consiguiendo, por ello, que la pintura se seque en un tiempo medio. Por esto, si se utiliza en invierno, la pintura tardará menos en secarse y en verano se prolongará el tiempo de secado. Se puede añadir al agua de uso o mezclar directamente con la pintura. También favorece la fluidez y la adherencia de la misma.

Se trata de una solución cremosa de látex natural y amoníaco. Se extiende sobre el papel y forma una película impermeable que lo protege de la pintura. De esta forma el artista puede reservar zonas de papel en blanco para sugerir brillos y destellos o bien los objetos que son de este color. La goma de reserva se desprende fácilmente del papel frotando suavemente con el dedo o con una goma de borrar. A pesar de esto se recomienda no dejar la goma líquida sobre el papel durante largos períodos de tiempo ya que puede adherirse demasiado y estropear el papel después al intentar despegarla. Para aplicar esta sustancia se aconseja utilizar un pincel viejo dado que la goma puede dañar el pelo del pincel, también se puede usar pluma si la parte a reservar es una fina línea o un pequeño detalle.

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 BARNICES

Se utilizan para proteger los colores y darles un ligero brillo. Se pueden encontrar en estado líquido para ser aplicados con pincel o en aerosol. En el caso de aplicarse con pincel es imprescindible asegurarse de hacerlo cuando la acuarela esté totalmente seca para evitar el arrastre de la pintura lo cual puede ensuciar algún otro color en la obra. Si se abusa del uso de barnices puede generarse un empobrecimiento y enmascaramiento de los tonos. Esto último sucede sobre todo en los tonos suaves o pálidos en los que se puede llegar a generar una distorsión en el efecto principal.

La máscara o goma líquida la podemos aplicar con el pincel y sirve para resguardar las zonas deseadas.

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 SAL

Este elemento se utiliza para conseguir efectos y texturas originales. Para lograrlo se debe añadir la sal por encima de las aguadas.

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 GLICERINA

Se utiliza vertiendo una pequeña cantidad en el recipiente del agua y sirve para retardar el secado. Se emplea sobre todo en los días de mucho viento o de mucho calor en verano. Es un elemento a tener en cuenta cuando se pinta con la técnica de acuarela húmeda.

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Muestra del efecto que se consigue con la utilización de sal en una pintura.

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ALCOHOL

BOTES DE AGUA

Al contrario de la glicerina el alcohol se utiliza para acelerar el secado. Se usa con frecuencia en los días de mucho frío o humedad o ante cualquier otra circunstancia por la que se quiera acelerar el secado. Es vital utilizar siempre alcohol puro, de 96º.

Son utilizados para tener a mano el líquido que ayudará a disolver la pintura a la acuarela. Además se utiliza para limpiar los pinceles cada vez que se cambia de color. Es importante que la capacidad de los botes sean de al menos medio litro. Esto se debe a que en frascos menores se hace más denso el contenido de pintura y se ensucia más el agua. 22

El agua es un elemento muy importante para pintar con acuarelas.


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POCILLOS

MEZCLADORES

Se trata de pequeños recipientes donde se disuelve la pintura en agua para obtener un tono concreto que no debe variar durante su aplicación.

Son bandejas que contienen celdillas donde se deposita la pintura para su uso y preparación. Se los puede encontrar en muchos tipos y tamaños. Algunos le dan más protagonismo a la paleta y otras a las celdillas. El más frecuente es el que combina celdas redondas y rectangulares, ya que resulta muy útil para jugar con las densidades de la pintura. En las redondas es posible tener la pintura más aguada, mientras que en las rectangulares la pintura permanece más pastosa.

Muestra de diferentes tipos de pocillos y paletas para las pinturas de acuarela.

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 PALETAS

Es el instrumento que utiliza el artista para mezclar colores. Están hechas o recubiertas de materiales que repelen el agua. Además en ellas la pintura debe resbalar con facilidad. Pueden estar dotadas de un agujero donde se introduce el dedo pulgar para sostenerlas. Básicamente son de metal esmaltado, de cerámica o de plástico y de color blanco para evitar distorsionar los colores. Esta caja además de guardar las pinturas, es especial para mezclar los colores.

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 EL PAPEL

La historia de la acuarela se encuentra íntimamente vinculada a la historia del papel convirtiéndose en un importante elemento que acompañó y documentó el desarrollo de gran cantidad de sociedades y culturas del mundo. 34

 DISTINTOS TIPOS DE PAPEL ACUARELA

El mercado actual ofrece una gran variedad de marcas y calidades de papel para pintar con acuarela. El papel acuarela se clasifica de acuerdo con su peso o espesor. El peso del papel se determina por el peso de una resma (es decir de 500 hojas). 24


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 DIFERENCIAR LOS GRAMAJES DEL PAPEL

Los gramajes de los papales acuarela más usuales son: 185 gr./ m2, 200 gr./m2, 240 gr./m2, 250 gr./m2, 280 gr./m2, 300 gr./m2, 350 gr./m2, 356 gr./m2, 650 gr./ m2, 850gr./m2 y algún otro de características especiales como por ejemplo el denominado «torchón», que no presenta un grano definido sino unas ondulaciones más amplias y menos profundas.

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 UTILIDAD PAPEL ACUARELA

La mayor parte de los papeles acuarela se pueden utilizar por las dos caras, teniendo en cuenta que una será más granulada que la otra. Existen papeles prensados en caliente y en frío.

Es importante antes de empezar a pintar con acuarelas escoger bien el tipo de papel.

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 PAPELES PRENSADOS EN CALIENTE

Los papeles prensados en caliente tienen como resultado superficies satinadas y suaves que al usar las acuarelas no absorben bien las aguadas, dejando una impresión opaca y sucia.

Materiales básicos para tensar el papel.

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PAPELES PRENSADOS EN FRÍO

TEXTURAS DEL PAPEL ACUARELA

PREPARACIÓN DEL PAPEL

Los papeles prensados en frío dan una superficie con una muy buena textura para la absorción y el flujo del agua, dando como resultado unos bordes y contornos muy bien definidos.

El grano o textura del papel es un factor determinante en la técnica y el efecto pictórico. Las irregularidades del grano dotan de profundidad al tono y color de la acuarela. Los granos más usados son los medio y fino. Algunos acuarelistas más experimentados, prefieren el papel de grano grueso, sobre todo a la hora de pintar temas florales.

Una buena parte de la tarea de pintar con acuarela está relacionada con la preparación del papel. Habitualmente, si el papel tiene un gramaje inferior a 300 gramos, comienza a ondularse al momento de tomar contacto con el agua. Es por eso que la utilización de un soporte, preferiblemente de madera, para colocar, tensar el papel y deslizar libremente el pincel con los pigmentos, resulta ser una excelente opción.

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Presentación de un papel tensado.


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 EL BLOC

Otra opción es utilizar un bloc encolado por los cuatro lados. En este tipo de bloc, se pinta directamente sobre el papel y una vez seca la hoja, se separa del resto introduciendo una espátula plana en la pequeña abertura de uno de los lados.

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 PINCEL

El cuaderno es importante para empezar a practicar el boceto de la obra.

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El pincel es el elemento o herramienta más utilizada por la inmensa mayoría de los pintores que trabajan acuarelas. Hoy en día en el mercado existe una enorme variedad en materia de pinceles. De todas maneras es importante mencionar que para los trabajos en acuarela es posible resolver los trabajos con dos o tres pinceles. Tomando una posición que puede juzgarse algo extrema, los puristas sostienen que con un solo pincel es suficiente. Sin embargo no podemos dejar de notar que esto es cierto y posible pero sólo cuando se llega a obtener un nivel alto en la práctica, sólo en ese momento será posible utilizar un único pincel tanto para hacer retoques precisos y delicados como para rellenar y dar capas de fondo.


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 PINCELES DE PELO NATURAL

Se trata de los pinceles más suaves que ofrece el mercado. Están hechos de pelo natural de diferentes animales siendo la marta, el de mejor calidad. El pelo de marta se utiliza mayormente para hacer pinceles para acuarela debido a que su fibra es suave y tiene la propiedad de almacenar mayor cantidad de agua y de color que un pincel sintético. Existen diversos tipos de pinceles de marta. Además es posible encontrar pinceles elaborados con el pelo de otros animales como la ardilla, la cabra o el buey, por sólo mencionar algunos.

Pinceles de punta redonda y de pelo natural.

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Hay muchas variedades de pinceles. Es importante elegir bien el pincel que vamos a utilizar, antes de empezar una obra.


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PINCELES SINTÉTICOS

QUE PINCELES ELEGIR

Están hechos de filamentos de nylon o poliéster. Una buena característica es que se los puede modificar de muchas maneras para conseguir pinceles más suaves, porosos o duros. Estos pinceles son alternativas económicas a los de pelaje natural, tienen una absorbencia media sin llegar a la de las marta Kolinsky o de ardilla. Asimismo liberan el pigmento de manera menos gradual, su sensación es firme y pueden puntear bien. Son una alternativa aceptable, aunque aún no se produce un filamento sintético que pueda igualar todas las propiedades de los mejores pelos naturales como el de marta Kolinsky y los mejores de marta roja.

Una persona que ha decidido iniciarse en la pintura con acuarelas necesitará para comenzar dos o tres tipos de pincel. Lo mejor es contar con un pincel para dar lavados de pigmento a largas áreas del papel, con otro para áreas medias y por último con uno más para los detalles. Decimos que pueden ser dos o tres ya que un mismo pincel puede ser utilizado para áreas medias y detalles. Hay que recordar que los pinceles para acuarela deben ser blandos. Asimismo hay que tener presente que cuanto más largo sea el haz de pelo, mayor absorción de agua proporcionará el pincel. Otras características deseables son la buena resistencia y elasticidad como así también la gran capacidad de absorción. Un truco para saber si un pincel es absorbente o no es humedecerlo y pasarlo por la uña del pulgar. En este proceso el haz de pelo no debe gotear sino deslizarse y volver a su forma original.

Pinceles de pelo sintético y de punta plana.

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El color y la acuarela El color en la acuarela es un tema de suma importancia. Gracias a los colores será posible pintar todo lo que quiera siendo la propia imaginación del artista el único límite. Hoy en día en el mercado existen alrededor de 120 pigmentos distintos para la acuarela. Resulta más que claro que los artistas no van a adquirirlos todos. De hecho, sólo con unos pocos será suficiente. Esto se debe a que mezclando algunos tonos será posible obtener otros.


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 EL COLOR

El color en realidad no existe. Existe la luz, y el color es un resultado de ella. Sin embargo, nuestra vida está rodeada de colores, siendo dichos más que usuales expresiones como cielo azul, nieve blanca o tomate rojo, aunque en realidad las percepciones de (azul, blanco y rojo) no son más que la captación y el procesamiento por el ojo y el cerebro humano de un determinado haz de luz. Por todo esto se sabe que los colores no existen, sino que en realidad se trata del fenómeno de reflexión de la luz.

Latas de color, Hsin-I Kuo 47

 VARIABLES DEL COLOR

Existen cuatro variables básicas que tienen la capacidad de intervenir y modificar los colores. Ellas son el matiz, el valor o luminosidad, el tono, y la saturación.

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Detalle de las variables de los tonos básicos cuando pintamos con acuarela.


El matiz nos permite distinguir el rojo del azul y se refiere al recorrido que hace un tono hacia un lado u otro del círculo cromático.

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MATIZ

VALOR O LUMINOSIDAD

Refiere a cada una de las gradaciones que puede recibir un color sin perder el nombre que lo distingue de los demás.

Es una de las cualidades intrínsecas del color. Ella es la que indica el grado de claridad u oscuridad que posee. Dentro del círculo cromático, el amarillo es el color de mayor luminancia y el violeta el de menor. Los colores se pueden alterar a través de la adición de colores más claros. Si se quiere oscurecer un color, será necesario agregar porciones del color complementario de manera que éste pueda quitarle luminosidad.

El valor y la luminosidad en el color es lo que nos indica el grado de claridad ó luz contra el grado de oscuridad o sombra.

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 TONO

Se trata de la resultante de la mezcla de los colores con blanco o negro. Esta variable tiene referencia de valor y de matiz. Por ejemplo, el amarillo mezclado con negro modifica su matiz hacia el verde y se oscurece.

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 SATURACIÓN

Se refiere al grado de pureza de un color y se mide con relación al gris. Los colores muy saturados poseen mayor grado de pureza y se presentan con más intensidad luminosa en relación con su valor. Los colores con menor saturación se muestran más agrisados, con mayor cantidad de impurezas y con menor intensidad luminosa.

Animados, Hsin-I Kuo

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Detalle de los tonos desde el color negro al blanco.


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 SIMBOLOGÍA DEL COLOR ROJO

Es el símbolo de la pasión ardiente y desbordada, de la sexualidad y el erotismo.

La idea del verano, Hsin-I Kuo

Después de la lluvia, Laurin McCracken

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 SIMBOLOGÍA DEL COLOR NARANJA

SIMBOLOGÍA DEL COLOR AMARILLO

Representa la alegría, la juventud, el calor, el verano.

En muchas culturas, es el símbolo de la deidad y es el color más luminoso, más cálido, ardiente y expansivo.

Siete patitos, Hsin-I Kuo

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 SIMBOLOGÍA DEL COLOR VERDE

Simboliza la esperanza, la fecundidad, los bienes que han de venir, el deseo de vida eterna. Representa la naturaleza.

Tierra mágica, Hsin-I Kuo

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Excesivos, Hsin-I Kuo

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 SIMBOLOGÍA DEL COLOR BLANCO

Su significado es asociado con la pureza, la fe y la paz. Representa el misterio.

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 SIMBOLOGÍA DEL COLOR PÚRPURA

Representa el misterio.

Berenjenas entre tazones, Laurin McCracken

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 SIMBOLOGÍA DEL COLOR AZUL

Es el símbolo de la profundidad.

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Botes de conserva sobre negro, Laurin McCracken


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 SIMBOLOGÍA DEL COLOR NEGRO

Tradicionalmente el negro se relaciona con la oscuridad, el dolor, la desesperación, la formalidad y solemnidad, la tristeza, la melancolía, la infelicidad y desventura, el enfado y la irritabilidad. Asimismo puede representar lo que está escondido y velado. Su significado es asociado con la pureza, la fe y la paz. Representa el misterio.

El granjero vuelve a casa, Hsin-I Kuo

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 SIMBOLOGÍA DEL COLOR GRIS

Iguala todas las cosas y no influye en los otros colores.

Latas aplastadas sin color, Hsin-I Kuo

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 PALETAS DE COLOR

No hay que confundir los términos paleta de pintor con paleta de color. El primero se refiere a un instrumento, es decir a la herramienta donde se depositan los colores para hacer la mezcla. Por su parte, se llama paleta de color al conjunto personalizado de colores que cada pintor utiliza con más frecuencia.

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 COLORES FRÍOS

Vista de una paleta de colores para pintar con Acuarela

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Los colores fríos son los de la gama azul-verde. Son una parte vital de la paleta. El azul marino francés es un sólido y básico azul. El azul cobalto es un pigmento más intenso. También es un poco más ligero. Un verde básico es el verde hierba o pasto. El verde hoja es un poco más suave. Una buena alternativa es intentar con el azul de Prusia o Ftalo, que tiene un tinte metálico o turquesa de cobalto para los que busquen un tono diferente. Agregar un violeta, como el malva, también es una excelente opción.


Variedad básica de la paleta de colores fríos.

Cuadro realizado completamente con paleta colores fríos.

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 COLORES CÁLIDOS

Variedad básica de la paleta de colores cálidos.

Los colores cálidos están conformados por la gama del amarillo hasta la gama del rojo. Los tonos de cadmio son los más fuertes. Son también los más tradicionales. El amarillo de cadmio, rojo de cadmio y cadmio naranja son un buen comienzo. El bermellón es un color rojo claro. Tiene un brillo vibrante. El naranja translúcido es también una buena alternativa porque matiza con el blanco muy limpiamente.

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 BLANCO Y NEGRO

Cuadro realizado completamente con paleta colores cálidos.

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El blanco y el negro son colores que no pueden faltar en la paleta. Esto se debe a que, aunque no se apliquen de forma directa, son necesarios para crear matices y mezclas neutrales. El blanco de titanio es el estándar. El blanco chino es menos fuerte. El negro estándar tiene un tinte caliente.


El asesino, Joan Iaconetti

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 TONOS TIERRA

Los colores tierra son útiles para desarrollar una gran cantidad de temas, no sólo los relacionados con los paisajes. Son ideales para mezclar y combinar. Pueden ser usados para las áreas menos brillantes de la pintura y ayudan a crear contrastes. El tono tierra tostada es marrón oscuro. El tierra de Siena tiene un ligero tono chocolate. El ocre es más ligero y amarillento. El tierra natural es un marrón que se puede utilizar para oscurecer los tonos más claros.

Principios de otoño, Hsin-I Kuo

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PARA LAS VARIEDADES DE PAPELES

COLORES QUE NO SE DEBEN MEZCLAR

Los cadmios con el verde esmeralda • El violeta de cobalto con los ocres. El azul ultramar con el verde esmeralda. • El azul ultramar con el amarillo de cromo • El azul de ultramar con el alizarina. • El bermellón con colores de plomo. • El rojo de cadmio con el Viridiana o con el azul de Prusia.

El papel de acuarela está disponible en variedad de pesos y texturas, y escoger el papel correcto dependerá tanto de la técnica como del gusto personal.

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 ¿CÓMO MEZCLAR UN COLOR CARNE EN ACUARELAS?

Mezclar los colores para obtener un tono carne con pintura de acuarelas es un desafío para muchos artistas. La naturaleza poco piadosa de las acuarelas y la dificultad para corregir los colores una vez que se aplican al papel pueden intimidar a un artista cuando esté trabajando en un retrato o en una pintura de figuras. Los tonos carne deben contener una mezcla de rojo, amarillo y azul ajustados a lo largo de la pintura para capturar de forma realista las sombras, luces y variaciones en el color carne. Las paletas con tonos carne también varían de acuerdo con el tono de piel y la etnia del sujeto que va a ser pintado.

Carmín de Alizarina y Siena, son los colores desde donde podremos empezar a crear los tonos de piel

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 CÍRCULO CROMÁTICO

Se denomina círculo cromático a la representación gráfica sobre un círculo con los seis colores reflejados en la descomposición de la luz visible del espectro solar, según el siguiente orden: púrpura, rojo, amarillo, verde, azul cian y azul oscuro. Por lo tanto, en principio se encontrarían tres colores primarios; púrpura, amarillo y azul cian y tres secundarios: rojo, verde y azul oscuro. Estos colores se completan con otros seis resultantes de las mezclas de los primarios con los secundarios más próximos, con lo que el círculo cromático quedaría compuesto por doce colores: tres primarios (P), tres secundarios (S) y seis terciarios (T). Es importante advertir que los colores acuarela no coinciden exactamente con los colores luz por lo que cada artista adapta su círculo cromático. 70

 COLORES PRIMARIOS

Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran absolutos, únicos. Son el amarillo, el azul cian y el magenta. Es importante advertir que el azul cian es un color que no existe en las cartas de colores para artistas, ya que se trata de un color propio de las artes gráficas y de la fotografía. Es justamente por esto que los colores primarios considerados por el pintor, normalmente no coinciden con los colores primarios usados en la teoría del color. Frente a este inconveniente se pueden adoptar varias soluciones y entre ellas, una de las posibles, sería usar, como colores primarios en acuarela, un amarillo medio, el azul cerúleo y el carmín de garanza. No obstante, el azul cerúleo, en la práctica de la acuarela, resulta opaco y sucio, por lo que, algunos pintores lo sustituyen por el azul ultramar o el azul ftalo, el amarillo por el amarillo cadmio claro y el magenta por el Alizarín crinson.

Círculo cromático extraído del libro «Teoría de la sensibilidad a la luz» de Ewald Hering (1878).

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Hay que intentar evitar poner colores puros en los fondos de las obras.


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 COLORES SECUNDARIOS

Se trata de los colores que se obtienen mezclando los dos colores primarios al 50 %. De esta manera se obtiene: verde (S), violeta (S) y naranja o anaranjado (S). Si se comienza por el amarillo y se continua según la dirección de las manillas del reloj, el primer secundario que se encuentra es el verde (resultado de la mezcla, a partes iguales de amarillo y azul). Mezclando estos dos colores (Primario = amarillo + secundario verde) se obtiene el color terciario Amarillo verdoso (T). El siguiente color primario (P) que se encuentra es el azul, que tendrá un secundario por parte del amarillo, el verde, cuya mezcla (Primario = azul + secundario = verde) dará un azul verdoso y otro secundario por parte del rojo, el violeta, cuya mezcla (Primario = azul + secundario = violeta) dará el azul violáceo.

Dado que los colores primarios son tres, una de las figuras más utilizadas por los científicos para clasificar el color es el triángulo.

Esquema de la vista de los colores secundarios.

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 COLORES TERCIARIOS O INTERMEDIOS

Se denominan colores terciarios o intermedios a los que se obtienen de la mezcla de un primario y un secundario. En realidad no son más que matices de un color. Los colores terciarios se consiguen al mezclar partes iguales de un primario (P) y de un secundario (S). Se trata de amarillo verdoso (T), azul verdoso (T), azul violáceo (T), rojo violáceo (T), rojo anaranjado (T), amarillo anaranjado (T). Los colores terciarios son los más abundantes en la naturaleza y por lo tanto los más usados en la pintura, ya que por ellos brillan los colores más exaltados y cobran vida los colores de intensidad media.

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PARA EL GROSOR DE PAPELES

COLORES CUATERNARIOS

Son los que se obtienen mediante la mezcla de los terciarios entre sí: rojo terciario + amarillo terciario da un naranja neutralizado, amarillo terciario + azul terciario da un verde muy neutro (verde oliva) y rojo y azul terciario da un violeta neutro parecido al de la ciruela.

A diferencia de los papeles de dibujo y grabado, el papel de acuarela posee cierto grosor, hecho que reduce la absorción de la pintura en el mismo papel. Los pigmentos se quedan en la superficie del papel, para que los colores permanezcan brillantes.

Regresando del pastoreo, Hsin-I Kuo

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 INTERACCIONES DEL COLOR – ARMONÍA

La armonía significa coordinar los diferentes valores que el color adquiere en una composición. En otras palabras, cuando en una composición todos los colores poseen una parte común al resto de los colores componentes. Armónicas son las combinaciones en las que se utilizan modulaciones de un mismo tono, o también de diferentes tonos, pero que en su mezcla mantienen parte de los mismos pigmentos de los restantes.

Tabla de distintas combinaciones armónicas. 76

 CONTRASTE DE TONO

Cuando se usan diversos tonos cromáticos.

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 

Botellas sobre caja de madera, Laurin McCracken

CONTRASTE DE CLARO/OSCURO

El punto extremo de este tipo de contraste está representado por blanco y negro. 46


 Estanque de loto y koi, Hsin-I Kuo

Maquina de escribir Underwood, Laurin McCracken

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 CONTRASTE DE SATURACIÓN

Se genera por la modulación de un tono puro saturado con blanco, con negro, con gris, o con un color complementario.

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 PARA EL TIPO DE PAPEL A UTILIZAR

El papel de acuarela puede resultar bastante caro. Si bien esto es cierto, también hay que considerar que si se quieren obtener los mejores resultados, habrá que obtener los mejores materiales si es que el trabajo a realizar lo amerita. Si en cambio se trata de un boceto o de un trabajo de práctica o de principiantes se podrá escoger un papel de menor costo. Es importante tener presente que el papel para imprimir o dibujar, la cartulina, el cartón u otros tipos de papel y superficies artísticas no se deben usar con acuarelas ya que el resultado no será el esperado. 47


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 CONTRASTE DE CANTIDAD

Contraposición de lo grande y lo pequeño, de modo tal que ningún color tenga preponderancia sobre otro.

Vendedor de frutas, Kwan Yuen Tam

Ejemplo de combinaciones del contraste simultáneo.

Detalle de combinaciones de contraste entre los complementarios.

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CONTRASTE SIMULTÁNEO

CONTRASTE ENTRE COMPLEMENTARIOS

Se produce por la influencia que cada tono ejerce sobre los demás al yuxtaponerse a ellos en una composición gráfica.

Si se quiere lograr algo más armónico conviene que uno de ellos sea un color puro, y el otro esté modulado con blanco o con negro. El tono puro debe ocupar una superficie muy limitada, pues la extensión de un color en una composición debe ser inversamente proporcional a su intensidad.

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 CONTRASTE ENTRE TONOS CÁLIDOS Y FRÍOS

Se trata de un contraste donde unos tonos pertenezcan al grupo de los cálidos y otros al de los fríos.

Vista del resultado de la combinación de colores cálidos y fríos.

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 RESERVA DE BLANCO

Sobre un papel apto para el trabajo con acuarela limpio y seco se deberá aplicar y dejar secar la máscara líquida o líquido de enmascarar por completo antes de pintar por encima. Según sea la «escuela» a la que pertenezca el artista se utilizará de manera más formal o más creativa. 

La reserva de blanco es una manera creativa de conseguir resultados muy atractivos.

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 PARA EL PAPEL DE PRENSA EN CALIENTE

El papel de prensa en caliente presenta una superficie lisa. Es la mejor opción para trabajar con detalles finos tanto en la acuarela o con el lápiz y la tinta. También es recomendable para la utilización de las acuarelas como base para un lápiz de color.

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 COMO SE APLICA LA MÁSCARA LÍQUIDA

La máscara líquida se puede utilizar de forma directa, es decir desde el bote o frasco para crear formas irregulares, o bien se puede aplicar con la ayuda de un pincel. Para realizar este trabajo es recomendable hacer uso de un pincel viejo, ya que la composición de la goma de enmascarar puede dañar el pincel. En el caso de no contar con ningún pincel viejo, se puede utilizar un pincel en buen estado pero para ello es recomendable protegerlo antes con un baño de vaselina o bien, como ya se explicó más arriba, lavarlo muy bien luego de su utilización. Este punto es muy importante ya que por su composición, el líquido de reserva resulta ser permanente una vez seco.

Desde el boceto es el momento donde aplicar la máscara líquida.

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 TEMAS PICTÓRICOS CON USO DE MÁSCARA LÍQUIDA

Este producto resulta ser muy idóneo cuando se quiere pintar perfiles rectos, netos y muy precisos. Formas definidas como edificios, velas de barcos, hierbas, figuras con blancos, o cualquier perfil que se quiera contrastar del fondo. Uno de los usos más importantes de este líquido se desarrolla cuando el color claro se quiere destacar sobre un fondo oscuro, tales como escenas nocturnas, bodegones o cosas similares con perfiles nítidos y color claro.

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Iris, Chung-Wei Chien


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 APLICACIONES DE LA MÁSCARA LÍQUIDA

Su función principal, es mantener el blanco del papel. Con este producto, correctamente aplicado, el artista podrá pintar con total tranquilidad consiguiendo que los blancos del soporte permanezcan inalterados. Este líquido es también utilizado para poder delimitar zonas de un cuadro u obra, es decir para poder trabajar por zonas como así también para poder conseguir efectos y destellos de luz y también para realizar pintados de negativo.

Diferentes vistas de la aplicación de la máscara líquida.

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 COMO RETIRAR LA MÁSCARA LÍQUIDA

Una vez seca la máscara, y realizado el trabajo de pintura deseado, se debe retirar la máscara líquida. Para ello sólo será necesario frotar con una goma o con los mismos dedos. Otra opción es retirarlo de forma directa si es que el grosor de la capa lo permite. No habrá que temer respecto a retirar partes de la obra que se quieran mantener dado que, como se comentó, el líquido de reserva presenta un color característico que lo hace fácilmente identificable al momento de retirarlo de la obra.

Muestra de la diferencia entre la máscara líquida permanente y removible.

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 PARA EL PAPEL DE PRENSA EN FRÍO

El papel de prensa en frío tiene una textura notable que puede no resultar apropiada para trabajos con muchos detalles. Sin embargo, en otros casos puede ser una superficie sumamente versátil ideal para la mayoría de técnicas en acuarela. Los papeles elaborados con la prensa en frío son los más usados por quienes recién se inician. No hay una superficie estándar de papel de prensa en frío.

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Técnicas secas y húmedas En este capítulo se repasarán las cuatro técnicas «madre». Se trata de las más importantes o destacadas. Son las técnicas de acuarela sobre húmedo y las técnicas de acuarela sobre seco y sus variantes.


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FABRICA TU PROPIA MÁSCARA LÍQUIDA

MEDIO ENMASCARADOR PERMANENTE

Tal como mencionamos, el líquido de enmascarar es un adhesivo flexible de látex aplicado a un lienzo o papel antes de la pintura de acuarela. Una vez que la pintura esté seca, el líquido de enmascarar se puede quitar con ayuda de una goma de borrar blanda o sólo con los dedos, revelando así el lienzo blanco que ha quedado debajo. Si bien muchas marcas de líquido de enmascarar están comercialmente disponibles, es posible que el mismo artista prepare su propia fórmula a base de cualquier adhesivo de látex. El cemento de caucho también funciona bien como un líquido de enmascarar, en particular sobre lienzo.

E l med io en m a sc a r ador permanente se utiliza para cubrir determinadas áreas del papel haciéndolas resistentes al agua. Este medio puede mezclarse también con acuarelas y es perfecto para aislar áreas de mucho detalle. Las secciones que se hayan tratado con el medio enmascarador permanente deben dejarse secar antes de pintar encima. Puede utilizarse un secador de pelo para acelerar el secado de ser necesario. Una vez secas, estas áreas quedan protegidas y las capas subsiguientes no podrán penetrar.

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 COMO UTILIZAR EL ENMASCARADOR PERMANENTE

El medio enmascarador permanente puede aplicarse de forma directa sobre el papel blanco, sobre capas secas en el papel o mezclado primero con acuarelas. Todas las capas de acuarelas mezcladas con el medio enmascarador permanente persisten inacabadas y manejables mientras que la capa esté aún mojada. Una vez seca, el área se convertirá en un área aislada.

En Moscú, Chung-Wei Chien

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La noche de Moscú, Chung-Wei Chien

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 PINTAR CON LA TÉCNICA SOBRE HÚMEDO

Una de las técnicas más usadas es la de la acuarela sobre húmedo. En este caso se parte de un papel mojado. La técnica consiste en mojar o humedecer el papel sobre el que se va a pintar y, a continuación, pintar con el pincel bien cargado de color. Si se quiere conseguir por ejemplo un efecto en degradé, se deben dar pinceladas, horizontales, suaves, inclinando el papel para que corra el color y se pueda obtener así el degradado. También es posible conseguir un color totalmente plano, sin ningún degradado, simplemente dejando el papel totalmente plano y cargando el pincel en cada pasada con la misma cantidad de tinta o color. A estas capas de pintura se les denomina aguadas, baños o capas de lavado. Después, y una vez seca la primera capa, se pueden superponer distintos baños. Hay que tener especial cuidado con el secado de las acuarelas ya que si los baños anteriores no se han secado correctamente es muy usual que se mezclen los colores, produciendo, la mayoría de las veces, efectos no deseados.

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Mejores amigos, Linda Doll


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 PINTAR CON LA TÉCNICA HÚMEDO SOBRE HÚMEDO

Por lo general esta técnica suele llamarse la técnica del «papel mojado». Esto se debe a que para lograr los efectos deseados es preciso humedecer mucho el papel con el pincel y diluir bastante los colores en el agua. La técnica en sí misma consiste en aplicar un color sobre otro cuando el primero aún se encuentra húmedo. En este caso los colores se fundirán y se dispersaran en la dirección del trazo que se haya efectuado con la ayuda del agua. Con este recurso es posible dejar fluir la soltura del gesto o conducirlo y guiarlo. Se puede llevar a cabo esta técnica con el pincel, con un gotero, a través de salpicaduras, etc. Pueden servir para generar diferentes efectos en un paisaje, en un fondo, etc. Esta técnica resulta perfecta para suavizar la transición de colores diferentes.

Corriendo por la mañana, Linda Doll

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 PINTAR CON LA TÉCNICA VARIACIONES DEL BAÑO POR FUSIÓN

Esta práctica tiene que realizarse sobre un color aún húmedo. Su finalidad es la de cambiar o variar el tono o color original en aquellas partes que el trabajo requiera. En otras palabras, se trata de una especie de superposición sobre húmedo que ofrece grandes posibilidades para múltiples efectos en paisaje, arquitectura, cielos, ropajes, etc. 57


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COMO UTILIZAR EL ENMASCARADOR PERMANENTE

PINTAR CON LA TÉCNICA DEL GOTEADO

El goteado consiste en aprovechar el momento en que una tinta está aún húmeda para depositar sobre ella una o varias gotas de un pincel bien cargado. Puede estar cargado con agua pura, con la misma tinta sólo que aplicada en intensidad diferente o con otro color de manera tal que la gota se funda casualmente aunque siempre guiándola inclinando el papel hacia uno u otro lado teniendo en cuenta el grado de humedad que en ese momento tenga.

El medio enmascarador p e r m a n e nt e p u e d e aplicarse de forma directa sobre el papel blanco, sobre capas secas en el papel o mezclado primero con acuarelas. Todas las capas de acuarelas mezcladas con el medio enmascarador permanente persisten inacabadas y manejables mientras que la capa esté aún mojada. Una vez seca, el área se convertirá en un área aislada.

Detalle de como se ve el papel con la técnica del goteo.

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 BUEN MANEJO DE LA TÉCNICA DEL GOTEADO

Evidentemente no se conseguirán los mismos resultados si el papel está muy cargado de humedad y el pincel con el que se «gotea» deposita poca cantidad de pigmento que, si por el contrario, el papel tiene poca humedad y el pincel lleva una carga considerable. Mientras que en el primer caso se diluirá con el color de fondo, en el segundo se mezclará con él pero conservando unos bordes radiantes bien definidos.

Las gotas resbalan por el lienzo

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 MEZCLA DE COLORES EN LA TÉCNICA DEL GOTEADO

Un color mezclado con otro por medio de la técnica del goteado y siempre que no se los toque después, determina una composición desintegrada y desigual, en la que los dos colores, aunque mezclados, se aprecian distintamente. Es un recurso técnico perfecto para cielos, follajes o carnes. Además es una excelente opción para la resolución de nubes. Así goteando los colores dorados y cálidos, en intensidades claras sobre las partes iluminadas, y los fríos y más intensos en las zonas de sombra se logra dar vida a diferentes tipos de nubes.

Esta es la imagen que presenta una pintura mezclando los colores con la técnica del goteado

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 EL RESULTADO EN LA TÉCNICA DEL GOTEADO

El color goteado puede modificar cualquier baño y dar calidades más ricas y excelentes efectos de textura. Si se quiere aplicar el goteado sobre un baño ya seco, es necesario humedecer con agua limpia que sea capaz de ablandar el color aplicado previamente. Cuando el color esté lo suficientemente blando, sin que el papel se halle excesivamente saturado de humedad, es el momento de aplicar las gotas del color. 

Un buen resultado, de un buen manejo de la técnica del goteado

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 TRANSICIÓN ENTRE COLORES

Este es el efecto cuando se realiza la transición entre colores

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Si lo que se busca es pasar de un color a otro de forma gradual, sin que exista una divisoria clara entre los mismos se debe recurrir a esta técnica. Así, luego de haber depositado el primer color en el papel con una cantidad de humedad suficiente, se deberá extender el segundo color inclinando unos 15º el tablero. De esta manera se irán mezclando los colores. Una vez obtenida la mezcla en la zona escogida se debe volver a situar el tablero de forma horizontal y continuar depositando el segundo color. Por este método se obtienen unas bellas fusiones que resultan útiles y de gran efecto en cielos, reflejos, paisajes, etc.


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PINTAR CON LA TÉCNICA SECO SOBRE HÚMEDO

PARA EL PESO Y GRAMAJE DEL PAPEL

El peso del papel se mide en gramos. Mientras más elevado sea el número de gramos, más pesado es el papel y también más grueso. El peso que se utiliza con mayor frecuencia es el de 300 gramos. Esto se debe a que funciona bien para la mayoría de propósitos de los artistas. Si se planea trabajar ampliamente o usar varios lavados, hay papeles mucho más pesados disponibles.

Dia en la playa, Matej Jan

En este caso se trata de una base húmeda a la cual se le agrega un color en seco. El tono seco se fundirá pero no de manera completa.

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 PINTAR CON LA TÉCNICA HÚMEDO SOBRE SECO

En la técnica de acuarela húmeda sobre seco, la acuarela húmeda se aplica sobre una superficie seca. Una vez aplicada, la pintura se mantiene en su sitio sin correrse y los contornos secos resultan ser bien nítidos. De hecho, sólo se fundirá si se insiste con agua sobre sus límites. Se puede mantener control sobre la pintura. En la acuarela húmeda sobre seco se trata de aplicar al papel diferentes baños tenues superponiendo un color sobre otro siempre y cuando esté seca la capa inferior. De esta manera se pueden agregar colores mucho más intensos con el pincel seco.

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 PASOS PARA LA TÉCNICA HÚMEDO SOBRE SECO

Es importante tener presente que primero hay que elaborar el boceto con lápiz para definir bien las capas de la pintura y comenzar a superponer las capas. En las superposiciones de colores es vital considerar que si se van a combinar colores cálidos directamente en la pintura, se debe en todos los casos utilizar el color más cálido al principio. Por ejemplo, si se quiere obtener un color naranja, entonces primero se debe colocar una capa de color rojo y una vez que esté seca será momento de colocar el amarillo. En los colores fríos el proceso es a la inversa ya que primero se coloca el color más frío y después el menos frío.

Visita, Linda Doll

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Granja cerca de Panguitch, Ian Ramsay

Bajo el puente, Ian Ramsay

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 CARACTERÍSTICAS MÁS IMPORTANTES EN LA TÉCNICA HÚMEDO SOBRE SECO

A lg u na s de la s mejores características de la acuarela húmeda sobre seco son que es fácil de dominar y que además resulta muy útil al momento de obtener mayor precisión en los detalles. Para intensificar un color, bastará aplicar una nueva mano sobre las anteriores, una vez que esté seca. 63


Primavera en las montañas, Irina Sztukowski

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 PINTAR CON LA TÉCNICA SECO SOBRE SECO

Se conoce como acuarela seca a la técnica de aplicar el color en el papel acuarela totalmente seco, con un pincel seco y los pigmentos o pinturas casi sin diluir. Una vez que se ha secado una zona ya pintada o sin pintar sobre el blanco de la hoja, se deben hacer trazos o pinceladas con la acuarela pero casi sin humedecerla, lo que dará un efecto como raspado. Esta técnica permite llevar adelante una superposición de colores generando distintas transparencias cuando se superponen los mismos.

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 SUPERPOSICIÓN DE COLOR EN LA ACUARELA SECA

La aplicación de un color sobre otro ya seco, es decir las superposiciones, tienen una gran importancia en la acuarela. Se considera uno de los procesos necesarios para añadir calidades abstractas al color. El color básico, color general o de fondo, influirá en todos los colores transparentes que se le superpongan. En las superposiciones secas, tal como sucede con las superposiciones sobre húmedo, se debe aplicar primero el color más cálido. De hecho, si se actúa al revés, es decir, se coloca primero el color frío y a continuación el cálido, el resultado es totalmente diferente. Esto se debe a que el color frío neutraliza al cálido ensuciándolo.

Disfrutar a solas, Hsin-I Kuo

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 PINTAR CON LA TÉCNICA DEL PINCEL SECO

El pincel seco es una de las técnicas más difíciles de llevar a cabo. Agitar el bote, tarro, o recipiente donde se encuentre la pintura muy bien para que se haga homogénea antes de verter unas gotas sobre el lugar que se utilice como paleta. Tomar el pincel de punta recta y untar una cuarta parte de su cerda en la pintura. Descargar el pincel sobre una superficie porosa dando pinceladas muy rápidas hasta que las últimas pinceladas no dejen huella.

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 PINTAR CON LA TÉCNICA DEL PINCEL SEMI-SECO

La técnica del pincel semiseco es la que se utiliza con mayor frecuencia. Muchos la confunden con la técnica del pincel seco. La diferencia reside a la hora de descargar la pintura que se ha tomado con la punta del pincel. Cuando se aplica la técnica del pincel semiseco, la zona se resalta mucho más rápido por lo que aquello que era un error en la técnica del pincel seco se convierte en el modo de ser de la técnica del pincel semiseco. Aquí si se observa que con las primeras pinceladas se resalta la zona. Una de las grandes utilidades del pincel semiseco se encuentra a la hora de pintar grandes extensiones.

Primavera, Hsin-I Kuo

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 PARA LA DECISIÓN DEL PAPEL

Pueblo de Ilwaco Dock, Ian Ramsay

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Una vez que se conocen los diferentes tipos de papeles disponibles y su peso será necesario decidir qué tamaño y formato resultará el indicado. En este sentido habrá que escoger entre cuadernillos, blocs, hojas y rollos.

PINTAR FONDO UNIFORME EN PAPEL SECO CON PINCEL

En un papel seco aplicar el color directamente con el pincel. Conseguir un fondo uniforme de este modo es complicado, hay que hacerlo muy rápidamente, y generalmente no se coloca la misma cantidad de acuarela en todas las partes. 66


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 PINTAR FONDO UNIFORME EN PAPEL SECO CON ESPONJA

Con la esponja es más fácil conseguir un tono uniforme en un papel seco, ya que permite repartir la acuarela por el papel de manera más homogénea.

Este es el aspecto que presenta un fondo pintado con esponja sobre papel seco.

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Pequeño sol, Hsin-I Kuo


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 PINTAR FONDO UNIFORME EN PAPEL HÚMEDO CON PINCEL

Es la técnica húmedo sobre húmedo, el papel se humedece previamente y se usa el pincel con el color sobre la superficie húmeda.

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 PINTAR FONDO UNIFORME EN PAPEL HÚMEDO CON ESPONJA

Se trata de utilizar la técnica húmedo sobre húmedo sólo que con esponja en lugar de pincel. La esponja permite homogeneizar muy bien el color en la superficie.

Trazo del pincel húmedo para pintar sobre el papel humedecido previamente.

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 DEGRADADOS

Un degradado es una transición de tono y/o color. Puede ser monocromático, o con distintos colores.

Detalle de manchas con degradado de diferentes colores.

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 DEGRADADO MONOCROMÁTICO

Mismo color con distintos grados de opacidad, de más oscuro a más claro o viceversa.

Imagen donde se presenta una pintura utilizando el degradado de un solo color.

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El fondo de esta pintura ha sido pintado con esponja sobre papel húmedo.


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 DEGRADADO CON DISTINTOS COLORES

La transición se hace de un color a otro.

Muestra del aspecto que presenta cuando se utiliza el degradado con diferentes colores.

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PARA LA PROTECCIÓN DE LOS PINCELES

TÉCNICAS DEL DEGRADADO

Paisaje por la mañana, Hsin-I Kuo

Evitar la acumulación de partículas de pigmentos en la base del pincel. Si esto sucediese hay que proceder a separar los pelos y evitar que se forme la punta.

Es posible trabajar degradados con el mismo sistema de los fondos uniformes: técnica húmedo sobre seco o técnica de húmedo sobre húmedo. En este último caso se recomienda elevar o inclinar un poco el tablero para que la pintura escurra un poco. Para que queden más suavizados se puede pasar el pincel limpio de pigmento y mojado en agua para extender mejor la pintura, especialmente en húmedo.

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 FONDO DEGRADADO DE OSCURO A CLARO EN PAPEL SECO CON PINCEL

En este caso las franjas se verán bastante desiguales. Aplicar el color con mucha carga de pigmento y poca de agua en el extremo. Ir disolviéndolo y aclarándolo con agua mientras ocurre un desplazamiento hacia abajo.

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 FONDO DEGRADADO DE OSCURO A CLARO EN PAPEL HÚMEDO CON PINCEL

Aquí se realiza el mismo proceso que en el paso anterior humedeciendo previamente el papel.

Colores de otoño, Hsin-I Kuo

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 FONDO DEGRADADO DE CLARO A OSCURO CON PINCEL

En el caso de degradado de claro a oscuro se recomienda empezar en la mitad del papel con el tono más claro. Primero hay que humedecer la parte superior del papel, aplicar el tono más claro en la mitad y extenderlo por la parte que ha sido humedecida previamente, degradando así el tono hasta lo más claro. Después se debe hacer lo mismo pero con un tono más medio y hacia la parte inferior del papel degradando a oscuro. 71


Vista de una pintura donde se ha humedecido el papel previamente para realizar un degradado.

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 FONDO CON SUPERPOSICIÓN DE COLORES

Aquí hay que humedecer previamente la mitad del papel. En la parte seca aplicar un color y extenderlo. Dejar secar y repetir el proceso con otro color. Es posible repetir este proceso varias veces, dependiendo del número de colores que se quieran superponer.

Detalle de la vista de pincelada cuando realizas un degradado de claro a oscuro.

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Sueño de verano, Hsin-I Kuo

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 TÉCNICA PARA PINTAR CIELOS

Los cielos se deben pintar siempre en húmedo, mojando con agua la parte del papel que ocupará el cielo y soltando mucho color. Es buen consejo no tener miedo en la aplicación de color en el cielo.

Detalle de la imagen que presenta un cielo en su fase inicial.

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 PINTAR CIELOS

Los extremos se encuentran en los cielos despejados y los nublados. En el medio se ubica una enorme cantidad de posibilidades.

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 CIELOS DESPEJADOS

Si el cielo va a ser totalmente despejado y por lo tanto sólo azul, lo mejor será variar con dos o tres tonos de azul la superficie a colorear, ubicando los tonos de azul más cálidos en las zonas más altas.

Transbordador, Hsin-I Kuo

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 CIELO CON NUBES

Crepúsculo en la Iglesia de San Marcos, Chung-Wei Chien

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Si se tratara de un cielo con nubes tipo cúmulos, que son nubes de aspecto algodonoso, habrá que pintarlas quitando color a la superficie inundada de azules mediante la aplicación por tamponado (contacto sin desplazamiento lateral) de un trozo de esponja natural o artificial levemente humedecida, papel secante, o simplemente papel de celulosa de uso higiénico personal.


Vista típica de un cielo despejado.

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 PARA CUIDAR LOS PINCELES

Evitar guardarlos a la luz solar directa.

Un camino en invierno, Ian Ramsay

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RECURSOS TÉCNICOS

EL RECURSO DE AGREGACIÓN DE COLORES

EL RECURSO DE LAS CAPAS GRADUALES

Es importante tener presente que no se trata de todos los recursos o técnicas posibles ya que el único límite en este campo no es otro más que la imaginación. Asimismo tampoco hay que olvidar las técnicas «madre» como son húmedo sobre húmedo, húmedo sobre seco, seco sobre húmedo o seco sobre seco.

Este recurso técnico refiere a la agregación de colores en zonas aún húmedas. El control reside en humedecer tan sólo las zonas en las cuales se desea provocar la mezcla de color.

Refiere a uno de los métodos para pintar acuarelas altamente emparentado con la técnica del «húmedo sobre húmedo». Aquí, la humedad base es justamente la que permitirá la fusión de colores. Se utiliza en zonas que no precisen definición o detalles.

Vista de una pintura donde se ha utilizado el recurso de agregación de colores.

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 EL RECURSO DE LAS CAPAS MULTICOLORES

Cuando se aplica más de un color este recurso recibe el nombre de capas multicolor. Las pinturas de paisajes a menudo comienzan con una capa multicolor, con azul o un gris por arriba, que suele ir modificándose a amarillos y verdes hacia el primer plano. Las puestas de sol son otro tema típico de la utilización de este recurso.

Rubia, Matej Jan

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Follaje de otoño, Nancy Melton


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EL RECURSO DE LAS CAPAS SUPERPUESTAS

PARA GUARDAR LOS PINCELES

Es otro modo de aludir al método «húmedo sobre seco». En este caso cada capa debe secarse antes de pintar la siguiente. Es una técnica perfecta para crear texturas y detalles en el primer término.

Granja, Ian Ramsay

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Si se guardan los pinceles durante un tiempo largo es necesario asegurarse de que estén bien limpios y perfectamente secos. Sólo luego de confirmar estas cuestiones será posible dejarlos en una caja hermética.


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 EL RECURSO DE LOS CORRIDOS

Al comenzar a pintar acuarela se producen diferentes errores que dan lugar a formas del aspecto de una coliflor. Lo interesante de estos errores es que sirven para crear texturas. Si se pinta una mancha con un color fuerte y estando ésta aún húmeda se aplica encima un color con más agua, el pigmento se alejará del agua hacia los bordes. Es justamente esta característica la que brinda el nombre de «corridos». La idea básica es que si se producen los corridos sea con la intención del artista. Puede ser un método efectivo para pintar flores.

Dramatización, Jean Gill

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 EL RECURSO DE LA GRANULACIÓN

Otra forma de aprovechar los errores. Algunos pigmentos, por sus características mecánicas, son los colores llamados «sedimentarios». Ellos tienden a precipitarse cuando se mezclan con agua. El resultado es una superficie texturada, muy útil cuando se pinta cortezas o superficies de piedra. 

Caminando bajo el sol, Chung-Wei Chien

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 EL RECURSO DE LOS DEGRADADOS

Es la transición suave de un color o tono a otro. Cada movimiento debe ser más ligero en tono de color que el anterior. Se aplica el pincel con la carga por el borde inferior de la mancha. Es aconsejable aplicar los movimientos en el mismo sentido y no volver a pasar por el mismo sitio. La técnica más usada para conseguirlo es la del húmedo sobre húmedo, aunque existen más formas para hacerlo. Es muy utilizado para las nubes.

Puente cubierto, Ian Ramsay

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 EL RECURSO DE LOS BORRONES

Pueden aparecer cuando se aplica una capa sobre otra que todavía no se encuentra correctamente seca. Los borrones se pueden controlar con el papel, el más absorbente dificulta la aparición del borrón. Este error puede convertirse en un generador de texturas, por ejemplo de reflejos en agua en calma. Se puede corregir un borrón aplicando agua y empezando de nuevo.

Detalle de la vista de borrones

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 EL RECURSO DEL DIBUJO CON PINCEL

Este recurso es un arte entre los acuarelistas chinos y los japoneses. En occidente es el dibujo tradicional con pincel. La condición imprescindible es utilizar un pincel duro. Según la presión aplicada al pincel será posible realizar desde líneas hasta la huella del pincel. Se emplea para crear movimiento.

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El dibujo con pincel necesita de una técnica depurada por parte del artista


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 EL RECURSO DE LAS MANCHAS

Este recurso se utiliza con acuarelas líquidas. No son demasiado controlables al intervenir el azar, pero aporta nuevas formas visuales, interesantes para comenzar temas. Aquí los factores que intervienen son: altura de caída de las gotas y del pulso, la inclinación del papel, el grado de disolución de la gota y de la humedad del papel. Se puede utilizar para texturizar árboles, piedras pequeñas. 

Berlín, Elena Romanova

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 OTRAS RECOMENDACIONES PARA EL CUIDADO DE LOS PINCELES

Se recomienda usar repelentes de polillas al guardar los pinceles. De todas maneras hay que tener presente que no se puede confiar totalmente en que esta sea una medida de prevención segura contra el daño que causan las polillas.

Londres, Elena Romanova

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 EL RECURSO DE LOS MÉTODOS COMBINADOS

Se trata de obras que utilizan más de un recurso. De hecho, la mayoría de las obras suelen ser combinadas. Así, es posible realizar una acuarela entera en húmedo sobre húmedo la cual produce -en general- obras blandas y/o desenfocadas. Para realizar los detalles y la definición es bueno recurrir al húmedo sobre seco.

Fondos, Jean Gill

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 EL RECURSO DE LA MEZCLA EN SUPERFICIE

Habitualmente los colores se mezclan en la paleta, pero se pueden conseguir efectos más sutiles si los tonos se mezclan o se continua la mezcla de colores en la superficie del papel.

Un dia de viaje, Linda Doll

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Sierras altas, Tony Couch

Viaje hacia la vida, Tan Suz Chiang

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EL RECURSO DE LAS PINCELADAS DIRIGIDAS

EL RECURSO DE LA RESERVA DEL PAPEL EN BLANCO

Se trata de utilizar las pinceladas como evocadoras de algo real. El follaje agitado por el viento se puede lograr con pinceladas largas que sigan una dirección determinada, aportando la noción de movimiento y dinamismo necesaria.

Se utiliza para conseguir efectos muy luminosos. Para hacerlo, lo mejor es utilizar el propio papel en blanco. Esto implica planificar la obra con anterioridad para saber que sitios han de estar secos, antes de realizar aplicaciones alrededor.

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 EL RECURSO DEL ENMASCARADOR

Se aplica sobre el papel seco y se deja secar por completo antes de aplicar la pintura por encima. Se utiliza para mantener el blanco del papel, de modo que se pueda pintar libremente sin destruir el blanco. El color del enmascarador ayuda a identificarlo para ser retirado con facilidad al finalizar. Las aplicaciones más comunes son: la elaboración de un cuadro por partes, la inclusión de toque de luz y el pintado en negativo. Como la máscara líquida es permanente al secarse, se recomienda utilizar un pincel viejo para la aplicación o recubrirlo de vaselina antes de mojarlo en la máscara.

Moscú después de la lluvia, Chung-Wei Chien

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 EL RECURSO DE LA EXTRACCIÓN DE REFLEJOS

Cuando hay que obtener pequeños reflejos suaves es más recomendable la extracción de pintura que dejar el papel en blanco o utilizar la máscara líquida. Para llevar a cabo este recurso se utiliza un pincel ligeramente humedecido al final del proceso.

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 MÁS CUIDADOS PARA LOS PINCELES

Aclarar el haz del pincel en un recipiente de agua limpia.

Iglesia de Santa María de la Visitación, Michele Clamp 151

 EL RECURSO DE LA EXTRACCIÓN DE PINTURA

Su primera función fue corregir errores. Sin embargo hoy en día se utiliza para producir toques de luz, difuminar contornos, producir movimiento cuando se utiliza junto a un lavado. La clave para el control de esta técnica reside en el papel y el color a extraer. Como utensilios se puede utilizar: una esponja, un pincel, un bastoncillo de algodón y la goma de enmascarar. Para realizar líneas rectas se puede utilizar un papel absorbente doblado en el grosor deseado. 86


Anocheciendo en Venecia, Chung-Wei Chien 152

 EL RECURSO DEL PINCEL SECO

Esta es una técnica de sumo detalle, se trata de utilizar muy poca agua en el pincel, aplicando el color con el pincel casi seco. Este método ofrece un nivel de control mayor por lo que se aconseja su utilización para texturas y detalles. Por otro lado se desaconseja para estructuras grandes como por ejemplo un cielo o un fondo.

Feliz picoteo, Hsin-I Kuo

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 EL RECURSO DE LAS SALPICADURAS CON UN CEPILLO DE DIENTES

Sumergir el cepillo dental en pintura. Raspar con el dedo pulgar sobre las cerdas para obtener salpicaduras de color.

El recurso del cepillo se ha utilizado para darle textura al fondo de la pintura

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 EL RECURSO DE LAS SALPICADURAS CON UN ROCIADOR

Puede llevarse a cabo con pintura o con agua. En este caso se puede extraer color o poner color en el agua arrojada, la pintura seguirá la forma de la gota por la hoja.

Vista de las texturas que se pueden conseguir con el juego de las salpicaduras

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 EL RECURSO DEL ESTARCIDO

A través de este recurso será posible dar vida a texturas de gran efecto. Para plasmarlo hay que utilizar un cepillo de dientes o un pincel corto de pelo duro. El paso siguiente es cargar el cepillo o pincel de color bastante diluido y darle unos golpecitos bruscos consiguiendo así unas manchas aleatorias. Seguidamente se deberá cargar el pincel o cepillo con otro color y con menos agua se deberán rascar las cerdas de tal manera que se pueda manchar por encima de las primeras manchas, siendo las manchas nuevas más pequeñas. Se podrá utilizar este recurso tantas veces como convenga hasta obtener el resultado perseguido.

Detalle de la vista de un estarcido

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 EL RECURSO DEL RASPADO

Con la pintura todavía húmeda se puede rascar con un pincel de pelo duro para poder levantar o aclarar los colores. Este recurso también sirve para iluminar. Una vez seca la pintura y con ayuda de una cuchilla de afeitar o una tarjeta de crédito se deberá realizar un movimiento enérgico, sobre determinadas zonas, sobre todo en papeles con mucho grano, y así eliminar el color de las partes más salientes del papel, creando unos efectos de luz y textura interesantes.

Noche en Venecia, Chung-Wei Chien

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 PARA PROTEGER LOS PINCELES

Eliminar el exceso de agua que pudo haber quedado en los pelos del pincel sacudiéndolo e n é r g i c a m e nt e c on pequeños movimientos secos de la muñeca. 

Monólogo, Hsin-I Kuo

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 EL RECURSO DE LOS CRISTALES O EFECTO DE NIEVE

Para dar un efecto de la cristalización del agua o efecto nieve, ideal paisajes nevados, se podrá utilizar la sal. La misma se deberá usar mientras los colores todavía se mantengan húmedos sobre el papel. Se deberá calcular el momento en que se vayan a depositar los granos de sal para que tenga la suficiente humedad aunque ésta no debe ser demasiada. Para conseguir otros efectos similares, se pueden utilizar bolitas de celulosa de la misma forma que la sal. Otra variante es utilizar hilos cuando todavía los colores estén húmedos y luego dejar que sequen. Una vez seca la acuarela se retirará los restos de sal, papel o hilo.

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 EL RECURSO DEL ESTAMPADO CON CARTULINA

Para conseguir líneas rectas, es muy útil utilizar una cartulina gruesa lo más rígida posible. La idea es impregnar una de sus aristas. Esa arista será la que posteriormente se estampará sobre el papel. 90

Glorioso azul, Karen Faulkner


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 EL RECURSO DE PINTAR CON PULVERIZADOR

Aunque no es muy frecuente, algunos acuarelistas usan un pulverizador para conseguir algunos efectos en cielos y suelos. Con una esponja mojada, se debe humedecer el área de cielo que se quiera pintar. Luego habrá que rociar algunos de los bordes de dicha área con un pulverizador. Cuando se añada el color, se obtendrán algunos bordes muy interesantes que sólo se pueden conseguir mediante el uso del pulverizador.

Imagen de texturas realizadas con un pulverizador

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 EL RECURSO DEL EXCESO DE COLOR EN EL BORDE

En ocasiones en algunos planos se puede registrar exceso de agua. Ante esta situación se puede generar un depósito en los bordes de exceso de color creando unos bordes duros e inconvenientes. Este problema se puede corregir cuando el papel todavía conserve la humedad con un pincel seco o semi-seco retirando o reduciendo tal exceso. También se puede reducir este exceso de agua con la esponja, con un paño limpio o con papel secante.

Motivos florales realizados con un pincel seco y exceso de agua

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 EL RECURSO DE LOS LAVADOS PLANOS

La base de la pintura a la acuarela pura es el lavado, lo cual significa aplicar color sobre una zona demasiado amplia como para cubrirla con una sola pincelada. Para llevar a cabo esta tarea es aconsejable humedecer primero la zona que se va a pintar, escoger un pincel grande y en buenas condiciones y mezclar más pintura de la necesaria. Si el lavado presenta un borde complicado, entonces se debe colocar el papel de manera tal que el lavado comience en dicho borde. Esto puede significar colocar el dibujo de lado o cabeza abajo. Las primeras pinceladas deben seguir el dibujo complicado para que el lavado acabe de forma plana y transparente.

Ejemplo de lavados planos y graduales en una misma pintura

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 EL RECURSO DEL LAVADO GRADUAL

Este recurso es similar en realización al lavado plano. La diferencia en este caso es que el color se va haciendo progresivamente más oscuro. 92


165 164

EL RECURSO DE LOS LAVADOS VARIADOS

ALGÚN CONSEJO PRACTICO PARA LOS PINCELES

Alisar delicadamente el mechón entre el pulgar y el índice para colocar todos los pelos en su sitio.

Aquí intervienen varios colores. Se aplican en el papel humedecido, uno junto a otro, dejando que se fundan y encuentren sus propias formas en la zona que se va cubrir. Hay que dejarlos solos, sin corregir ni manipular nada hasta que estén secos. En ese momento si se desea, se pueden hacer adiciones o delecciones.

Lavados variados de un mismo color, pero diferentes tonos

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 EL RECURSO DEL PUNTEADO

La tarea consiste en aplicar puntos de color sobre la superficie del papel. Este recurso suele ser usado para describir texturas, en cuyo caso puede aplicarse encima de lavados.

Pájaro, Hsin-I Kuo

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 EL RECURSO DEL RESTREGADO

Se trata de aplicar el pigmento al papel con un movimiento de frotación, con lo que el papel se cubre en todas direcciones. Este recurso resulta ser útil para resaltar la textura del papel.

El sol de la Toscana, Chung-Wei Chien

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 EL RECURSO DEL LAVADO Y LÍNEA

La línea sola es útil para añadir detalles finos y tonos oscuros cuando es necesario. El recurso técnico de lavado y línea es algo muy distinto: se emplea la línea para dibujar toda la escena o figura, y los lavados para amplificar o unificar la pintura. A veces se aplican los lavados sobre la línea, y otras se emplea la línea para definir los lavados, acentuando las formas y reforzando el dibujo. Muchos artistas realizan apuntes en línea y lavado monocromos. De todos modos, se pueden obtener muy buenos resultados empleando lavados de color y línea negra, o incluso lavado negro y línea coloreada. 94


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 EL RECURSO DE LA ESPONJA SOBRE PAPEL SECO

Sobre el papel seco con un color no muy diluido se podrán realizar texturas interesantes.

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 MÁS CONSEJOS PARA EL CUIDADO DEL PINCEL

Luego de haber alisado el mechón del pincel, hay que limpiar el color en los dedos. Algunos pigmentos, como la alizarina, resisten al aclarado por lo que si los dedos salen sucios del proceso, esto significa que el pincel no está limpio. 

Cosecha, Hsin-I Kuo

Solo salida, Joan Iaconetti

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171

 EL RECURSO DE LA ESPONJA COMO SELLO

Si se utiliza la esponja tal como si fuese un sello sucesivamente con dos o tres tintas, se podrán conseguir unos matorrales de gran efecto pictórico. 172

 EL RECURSO DE LA ESPONJA SOBRE PAPEL HÚMEDO

Reflejos de otoño, Behrooz Behadori

También es posible utilizar la esponja sobre el papel todavía húmedo para sacar o aclarar algunas partes.

La esponja sirve para aclarar algunas de las zonas

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 EL RECURSO DE LA ESPONJA PARA ELIMINAR LAVADOS

Con la esponja perfectamente limpia, se debe empapar en agua, después se escurre la mitad del agua y se aplica la esponja sobre la pintura que se quiere eliminar. Si la primera vez el lavado no queda eliminado o reducido suficientemente, se puede repetir el proceso hasta que la eliminación sea completa o el tono esté bastante reducido.

Matutina, Pablo Gallardo

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 EL RECURSO DE LA ESPONJA CON PINTURA SOBRE PAPEL

Otro recurso que brinda la esponja es la aplicación de este elemento cargado de pintura sobre el papel, produciendo un efecto moteado, donde se intercalan la pintura y el papel blanco.

Acaba de llover, Chung-Wei Chien

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 EL RECURSO DE LA GOMA DE BORRAR

Este elemento puede ser usado para reducir la intensidad de un lavado o de una zona que haya quedado demasiado oscura. Para su realización es importante que la pintura se encuentre seca y la goma limpia.

Florecer, Hsin-I Kuo

Paseo por Cambridge, Chung-Wei Chien

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 PARA LIMPIAR EL PINCEL CON JABÓN

En el caso de que el pincel continúe sucio puede utilizarse un jabón para artista (o regular) para limpiarlo. Para hacerlo hay que mojar el pincel, aplicar el jabón en el mechón, frotar en el hueco de la mano generando espuma de manera que el jabón penetre bien hasta la raíz en la base de la virola y aclarar con agua corriente.

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 EL RECURSO DE LA CUCHILLA

Este instrumento puede servir para raspar de manera tal que se puedan producir líneas y manchas blancas en la pintura seca.

Escaleras profundas, Joan Iaconetti

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 EL RECURSO DE AÑADIR PINTURA BLANCA AL AGUA

Esto cambia el aspecto de la pintura y resulta apropiado para algunos temas.

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 EL RECURSO DE AÑADIR GOMA ARÁBIGA A LA PINTURA

Raspar una pintura tratada de este modo antes de que se seque genera otros efectos que pueden ser deseables para una obra. Como resultado los colores se apartan rápidamente, dejando paso al instrumento y revelando el papel blanco.

Dejar espacios donde se vea el papel blanco, es un buen recurso para crear efectos de luz en la pintura 180

 EL RECURSO DEL JABÓN

Añadir jabón a la pintura es un truco que permite pintar sobre superficies que de otro modo no aceptarían la pintura, como hojas, flores, vidrio, etc, recubriendo luego la misma superficie con pintura no muy húmeda. Aplicando presión por el lado opuesto, se transfiere la imagen al papel o tablero. 100


Desde la técnica de la acuarela, añadir elementos es un buen recurso para la creatividad.

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 EL RECURSO DEL ALMIDÓN Y LA ARENA

Estos elementos añadidos a la pintura son capaces de crear efectos extraños con los que vale la pena experimentar.

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 PARA EL SECADO DE LOS PINCELES

Dejar secar el pincel en posición plana, sobre un papel absorbente o una toalla vieja. Una vez secos, deben ser guardados en un bote de pinceles, con el mechón orientado hacia arriba.

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 EL RECURSO LA IMPRESIÓN OFFSET

Aquí se trata de extender pintura sobre una superficie impermeable, como vidrio, plástico o un cartón o papel resistente, y después se aplica al papel apretando por el dorso. Otra alternativa es echar borrones al azar sobre una superficie y transferirlos ejerciendo cierta presión. Las manchas pueden transformarse, añadiendo marcas, lavados, líneas, punteados, etc,.

Acuarela Burgos, Hermenegildo Lomas

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 EL RECURSO DE LAS GOTAS SOPLADAS

Soplando vigorosamente sobre gotas muy húmedas desde arriba, se producirán ramificaciones que serpentean en todas direcciones. Después, esta s imá genes accidentales pueden elaborarse. 

El fondo de esta pintura ha sido realizado con el recurso de las gotas sopladas.

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 LÁPICES ACUARELABLES

El lápiz acuarelable es un lápiz de color que mezclado con agua, permite imitar la técnica de la acuarela pero a través de un procesamiento mucho más rápido, sencillo y seguro.

Árboles en otoño, David Tripp

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 TÉCNICA DEL LÁPIZ ACUARELABLE

Este lápiz puede ser utilizado tanto en seco como en húmedo. Es decir, una vez realizada la ilustración con el lápiz de color, es posible dejar el lápiz en esta fase previa al humedecido, quedando un dibujo realizado en técnica seca o es posible realizar posteriormente el humedecido para «acuarelar» la obra. 

Detalle de una pintura realizada con lápices acuarelables, tanto en mojado como en seco.

Con los lápices acuarelables se consiguen tonos más variados que en los de color permanente.

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 COMO UTILIZAR LOS LÁPICES ACUARELABLES

Lo habitual, cuando un artista desea pintar un dibujo, es que use lápices de color permanente. Esta es quizá la técnica más utilizada y habitual para realizar este trabajo, pero no es la única. De hecho una de las tantas alternativas es la que ofrece el lápiz acuarelable.

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 LA TÉCNICA DEL EFECTO ACUARELABLE

Si se realiza el dibujo, se lo pinta en seco y luego se desliza el pincel mojado con agua se logra el efecto acuarelable.

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 PARA PREPARAR UN COLOR EN 3 PASOS

1) Elegir el color más parecido al que se quiera imitar o preparar. 2) Mezclar ese tono con su complementario hasta encontrar la intensidad deseada. 3) Aclarar el color, sólo si hace falta, hasta encontrar el valor deseado. 

Intimidad Bajo el Agua, Christina Papagianni

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LA TÉCNICA DEL EFECTO DIRECTO

LA TÉCNICA DEL LIJADO

LA TÉCNICA DEL LIJADO MIXTO

Si se desliza el pincel mojado con agua sobre la punta del lápiz de color acuarelable, se logra «cargar» el pelo del pincel con color, por lo cual después es posible pintar directamente con el pincel sobre la superficie.

Tomar una lija de grano fino y frotarla sobre la punta del lápiz acuarelable. Este polvo, puede ser utilizado para ser espolvoreado en las zonas de la obra a las que se desee dar color. Después, con el pincel húmedo, se debe disolver este polvo.

Se trata de repetir el procedimiento anterior, pero utilizando varios colores para conseguir una gama de mezclas amplia.

Castillo de Aracena, Luis Lomelino

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La flor es una figura muy aconsejable para la técnica del lijado.

Los paisajes son propicios para jugar con varios colores

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La aguada

Tradicionalmente para realizar aguadas se utilizan colores de acuarela o, como variante, tinta china, aunque este producto puede resultar poco dĂşctil y producir saltos o manchas en el trabajo final. En las siguientes pĂĄginas daremos todas las pautas necesarias para un buen manejo de esta tĂŠcnica tan similar a la acuarela.


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 LA AGUADA COMO DEFINICIÓN

Tanto la acuarela como la aguada utilizan el color disuelto en agua, al que se añade un aglutinante (formado en su mayor parte por goma arábiga). Una de las mayores diferencias que se encuentran entre la aguada y la acuarela es que el color utilizado en la aguada es más pastoso y viscoso.

Dibdos, Luis Arturo Tobar

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 EL COLOR BLANCO EN LA AGUADA

Otra diferencia es que el color blanco y la luz en la aguada no se obtienen por la transparencia de la tinta sobre el papel, sino a través del empleo de color blanco. Esta técnica permite la utilización de una amplia gama cromática a partir de un único color de base, el cual se trabaja a partir de difuminaciones.

En esta hermosa pintura se puede apreciar los diferentes tonos de la paleta desde el blanco al negro.

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 APLICACIÓN DE LA AGUADA

Se aplica en general con pincel. La dificultad y a la vez la belleza de esta técnica consiste en saber diluir correctamente la tinta y plasmar sobre el dibujo las distintas franjas entre la luz directa y la sombra total.

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PARA EL COLOR

Pez, Jesús Fernández

El color es relativo en sí mismo, ya que siempre está influenciado por el color que lo rodea.

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 LA PRÁCTICA DE LA AGUADA

Tradicionalmente para realizar aguadas se utilizan colores de acuarela o, como variante, tinta china, aunque este producto puede resultar poco dúctil y producir saltos o manchas en el trabajo final. Se sugiere comenzar pintando desde lo más brillante hacia lo más oscuro, ya que las capas se acumulan unas encima de otras. Por otro lado, las aguadas suelen utilizar el mismo papel que se hace uso en la acuarela. Esto quiere decir que se tiene que usar un papel de grosor suficiente para no combarse.

Pez multicolor, David Lobenberg

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 EL ENCAJE DE LAS FORMAS EN LA AGUADA

La aguada parte de un fondo completamente transparente en el cual el trabajo de valoración se realiza siempre de menos a más, es decir siempre permitiendo que los tonos más claros vayan hacia los más oscuros. Esto se debe a que son los tonos claros los que admiten adiciones tonales y no al contrario. Por este motivo resulta vital dejar establecido desde un primer momento cuales van a ser las principales zonas de trabajo en el dibujo. Esta será la única forma capaz de determinar con exactitud que tonalidades responden a cada zona.

Ejemplo de como encajar las formas teniendo el fondo como foco principal.

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 EL MODELO EN LA AGUADA

El modelo que se utilizará en la obra se debe analizar desde un punto de vista completamente sintético, sin recaer en ningún tipo de valoración de tonos. Para lograr esto, se sugiere utilizar un lápiz del mismo tono de la aguada que se va a plantear, encajando cada una de las formas de manera exacta. 

Mujer sentada en la silla, Charles Reid

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 COMO MODIFICAR EL FONDO EN LA AGUADA

La aguada parte siempre de tonalidades más claras, que se pueden ir oscureciendo a medida que se avanza el dibujo, pero no se puede realizar la tarea contraria, es decir, trabajar un tono claro sobre una base de color oscuro.

Mañana de luz en Venecia, Ronald Hazell

Camino a Aldea de Portillo, Tayete Garcia

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 LA PLUMA EN LA AGUADA

El trabajo de la pluma sobre la aguada se debe realizar cuando la aguada se encuentra completamente seca. De otro modo la carga de la pluma se expandiría por toda la zona humedecida.

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 PARA EL COLOR EN LAS SUPERPOSICIONES

En las superposiciones se debe aplicar primero el color más cálido.

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 DEFINICIÓN DE ¿COMO HACER UNA AGUADA?

La clave de una buena técnica de la aguada se encuentra en una buena estimación del reparto de la luz en el dibujo, que debe ser enseguida plasmada con una aguada más o menos diluida. 

Gato, Jesús Fernández 204

 PRÁCTICA DE ¿COMO HACER UNA BUENA AGUADA?

Al poseer una amplia gama de tonos, el éxito dependerá de una evaluación y de una comparación meticulosa de los matices observados en el tema como así también en todo el dibujo. Por lo tanto, siempre conviene actuar prudentemente. Es decir que se aconseja aumentar la intensidad tonal de tal o cual parte sólo luego de una detenida reflexión.

Paisaje rural, Richard Hahn

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 COLORES MÁS APROPIADOS PARA UNA AGUADA

Todos los matices de pardo, nogal, bistre, índigo, caolín verde, tinta neutra, sanguina, negro de carbono, son apropiados para la aguada, así como la acuarela parda, los diferentes colores de gouache y la tierra de Siena. Se puede aplicar sin problemas en los dibujos a lápiz y a pluma y con precaución sobre el pastel, la tiza y el carboncillo.

Pintura realizada con los tonos más característicos de la aguada.

Paisaje, Eduardo Marticorena

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 LA TÉCNICA DE LA AGUADA

La aguada es una técnica acumulativa, se comienza por aplicar capas pálidas y transparentes, añadiendo capa sobre capa hasta obtener los tonos más oscuros. Es difícil rebajar la intensidad de un tono aplicado ya sobre el dibujo, por lo que el exceso de tinta habrá siempre que evitarlo. La aplicación de capas sucesivas, gradualmente más oscuras, pero siempre transparentes, produce ese efecto de sombras aterciopeladas. El procedimiento requiere mucha paciencia, ya que hay que esperar que una capa se seque antes de aplicar la siguiente. 114


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 COMO PREPARAR EL PAPEL PARA UNA AGUADA

Hoy en día el mercado ofrece centenares de papeles excelentes para trabajar la técnica de la aguada. Los más recomendables son los papeles de acuarela. Sin embargo es aconsejable experimentar con todo tipo de papeles. Sólo así se podrán descubrir las opciones más adecuadas para cada caso.

Luz del mediterráneo, Antonio Sánchez Serrano

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 PARA LA LUMINOSIDAD EN EL COLOR

La luminosidad se obtiene cuando se aplican baños bien mezclados con pocas pinceladas y de la manera más simple. 115


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 AGUADA UNIFORME SOBRE PAPEL HÚMEDO

El primer paso es humedecer el papel de acuarela. Con una brocha plana de 4 ó 5 cm se moja el papel. Con otro pincel algo más pequeño se van añadiendo pinceladas de color diluido en agua. Como el papel está mojado se repartirá el agua de forma sencilla. Estas aguadas, por ejemplo, sirven para degradados de fondo.

Atardecer en el mar, Jesús de la Cruz

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 AGUADA MOJADO SOBRE MOJADO

Para crear aguadas se debe antes de empezar a hacer las franjas de color, humedecer el papel con la brocha. 

En esta pintura se aprecia de forma muy clara la técnica del húmedo sobre húmedo.

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 AGUADA MOJADO SOBRE SECO

Este tipo de aguadas se realizan cuando la pintura ya está seca y se vuelve a humedecer con el pincel o se aplica más pintura. Esta técnica es útil para suavizar un perfil ya seco. Así se puede mojar el pincel en agua limpia y pintar sobre la zona. Se escurre el pincel y a continuación se recoge el agua, que se lleva el color antes seco. 

Las gotas cayendo por el lienzo, se consigue con la técnica de mojado sobre seco.

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 CÓMO PERFILAR UNA AGUADA

Cuando se habla de un perfilado se refiere a un marco natural formado por el propio papel alrededor de la aguada, es decir de la pintura en sí. Para lograrlo hay que pegar la cinta adhesiva (especial para papel) sobre el área que se desea cubrir. Frotar con fuerza para que se pegue bien y evitar que la pintura se deslice por debajo.

Hermosa pintura de perfiles muy claros y contrastados.

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 AGUADA LISA

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Para crear una aguada lisa hay que colocar agua limpia en un pocillo. Añadir el color, hasta la intensidad deseada. Tener presente que la acuarela, cuando seca, pierde intensidad y se ve más desvaída que cuando está húmeda. Es recomendable preparar una buena cantidad de mezcla, para no quedarse sin color a mitad del trabajo. Aplicar con pinceladas a un lado y otro, como un péndulo.

POR EL ARTISTA CARLOS DE HAES

Carlos de Haes, maestro de la pintura, siempre recomendaba a sus discípulos entornar los ojos para ver sin detalles, apreciando así todas las partes del cuadro simultáneamente.

Mujer, Dámaso Carrillo

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En esta pintura observamos el degradado tanto en el agua como en la tierra. 215

 AGUADA DEGRADADA

Comenzar la aguada con el color más saturado e ir cargando el pincel cada vez con más agua limpia. 216

 AGUADA VARIADA

Mezclar varios colores, pasando con sutileza de uno a otro.

Mezcla de varios colores en toda la pintura.

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 AGUADA CON EFECTO ESPONJA

Aplicar la acuarela con esponja.

Caida de hojas, Nancy Melton

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 AGUADA CON EFECTO SALPICADURA

Crear salpicaduras usando un cepillo de dientes (o un pincel viejo y despuntado). Levantar el exceso de color con un trapo limpio.

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Vista de una pintura realizada casi por completo con la técnica de la salpicadura.


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 AGUADA CON EFECTO CON SAL

Aplicar sal sobre la acuarela húmeda. Este elemento absorberá el agua, quedando un aspecto jaspeado. Es imprescindible retirar la sal sólo cuando se encuentre bien seca.

Indiana, Leslie White 220

 PARA EL COLOR EN GENERAL 221

Como regla general hay que hacer notar que todos los colores, a medida que se alejan, tienden a fundirse en un gris neutro.

 AGUADA CON TINTA

La aguada es una técnica húmeda de dibujo a pincel. Una de las formas en las que se puede llevar a cabo es con tinta china diluida en agua. La aguada gris se obtiene con tinta china negra y la aguada llamada «de color» resulta del empleo de tintas de diversos tonos. La distinta intensidad y la variedad de matices se consiguen diluyendo con mayor o menor cantidad de agua la tinta.

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Lobo 9, Frits Ahlefeldt


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 LA TINTA PARA LA AGUADA A PRUEBA DE AGUA

Se trata de las mejores para dibujar por su densidad. Ofrece tonos como el blanco y el negro y 18 colores transparentes y brillantes que son dueños de una menor fotoestabilidad que los primeros. El aspecto una vez seco del producto es satinado.

223

 LA TINTA PARA LA AGUADA NO RESISTENTES AL AGUA

Existen algunas tintas especiales para dibujo, en varios colores que son similares a la acuarela diluida. Penetran en el papel en mayor medida que las tintas de dibujo, se diluyen con facilidad y secan con acabado mate.

Castillo Hardegg, Colin Maxwell

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 TÉCNICA DEL LAVADO EN LA AGUADA

Se trata de la tonalidad o matiz aplicado en una delgada capa trasparente. Se puede realizar por medio de pinceladas amplias y anchas o con toques pequeños y ligeros. El juego sutil de la aguada consiste en crear contrastes más o menos oscuros. Para aclarar una parte de alguna tinta -siempre antes de que la misma se haya secado- se pasará un pincel limpio y seco, esponja o trapo con el fin de absorber la cantidad de la misma que se quiera. 122


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 PARA OSCURECER UN COLOR

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La Toscana, Marc Taro Holmes

Para oscurecer un color, jamás se debe añadir negro, ya que esto resultaría en una modificación del color. En su lugar se debe agregar un color de la misma tendencia siguiendo el orden del círculo cromático. Así para oscurecer un amarillo claro, se agrega un amarillo oscuro o naranja o rojo, pero nunca negro.

El paseo de la mañana, Vinita Pappas


Acuarela por temas A la hora de pintar con acuarelas las opciones son infinitas. Es por esto que en este apartado nos centraremos en algunas de las mรกs usuales y se brindarรกn algunas herramientas para poder plasmarlas.


Paisajes 226

 EL INICIO DEL PAISAJE

Antes de comenzar a pintar el paisaje se recomienda probar los colores en un soporte que no sea el cuadro. De esta manera se podrá tener una idea más acabada respecto a la forma final de los mismos.

En los paisajes caben una infinidad de colores y tonos. Podríamos decir que es uno de los temas donde la elección de los colores es más sencilla.

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227

 EL PAISAJE TEMA RECOMENDADO

Los paisajes representan uno de los motivos más recomendados para quienes se inician en el mundo de la acuarela. Resultan muy aconsejables por su sencillez. Esto se debe, en gran medida, a que suelen contener formas poco específicas, que no requieren demasiada precisión. 

Otoño en Monte Wilson, Joe Cartwright

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 INICIO DEL BOCETO EN LOS PAISAJES

Los elementos más grandes como las montañas, deben ser prioridad en cualquier pintura de paisajes. 229

Se aconseja partir desde la línea del horizonte, luego se deben bosquejar los elementos más grandes como las montañas, las rocas, los árboles y la vegetación. El siguiente paso es pintar el cielo. Para ello se puede pintar de color azul oscuro la parte superior del plano del cuadro e ir degradando el color hasta llegar al azul más claro que debe ir acercándose al horizonte.

 EL COLOR EN LOS PAISAJES

Si el paisaje tendrá una superposición de colores, siempre habrá que aplicar primero el más cálido. Y continuar con esta premisa de forma sucesiva. 126


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 LAS SOMBRAS EN EL PAISAJE

Si se desea oscurecer una parte del paisaje, no se debe aplicar negro. Lo que se debe hacer es añadir una tonalidad más sombría dentro del círculo cromático de color a oscurecer. De este modo, se podrá equilibrar la luminosidad sin mayores inconvenientes. 231

 LOS REFLEJOS EN EL PAISAJE

 Pintura donde predominan los colores cálidos

Muchas veces los paisajes deben plasmar reflejos o transparencias. Esto ocurre por ejemplo cuando hay que pintar vidrios o algún espejo de agua. Para lograr un buen efecto de reflejo, nada mejor que recurrir a una gama de grises o blancos, sobre todo para indicar que allí se halla un elemento transparente. 232

 

EL AGUA EN EL PAISAJE

Esclusas Río Manzanares Javier Fuentes

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Si el paisaje tendrá un lago o espejo de agua que reflejará, habrá que tener en cuenta que el tono azulado deberá ejercer un efecto sobre las figuras que se hallan detrás. Así, por ejemplo, si hay algún elemento en el fondo de color amarillo, se deberá pasar a un tono verde suave.


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 LAS FIGURAS EN EL PAISAJE

Al momento de realizar un paisaje, la percepción visual es uno de los puntos donde más cuidado se debe tener. Las figuras del fondo no tienen que mostrar matices fuertes o colores muy llamativos. Por mucho que se quieran resaltar elementos como las montañas, lo mejor será difuminarlas o degradarlas según corresponda.

Volviendo a casa, Tito Fornasiero

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 EL PUNTO FOCAL EN EL PAISAJE

Todo paisaje debe contar con un centro de interés o punto focal. Si a todos los objetos que componen un paisaje tienen la misma importancia, se crearán paisajes recargados y confusos. Para evitar que esto suceda hay que elegir un área determinada o elemento de la pintura que dominará al resto capturando la atención del espectador, y podrán encontrarse por ejemplo otros dos elementos secundarios que apoyen al primero.

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En esta pintura el punto de foco está situado en la torre


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 LA COMPOSICIÓN EN EL PAISAJE

Las reglas de composición ayudan a crear un paisaje armonioso. Esto se debe a que todo en la naturaleza obedece a ciertos patrones geométricos – matemáticos, de esta premisa han surgido las diferentes reglas de composición. 

Pintura donde la composición y la mezcla de colores la convierten en un cuadro muy armonioso

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 COMO APLICAR LA COMPOSICIÓN EN EL PAISAJE

Pintura de composición y colores muy originales

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Existen va ria s regla s de composición que han sido utilizadas desde la antigüedad: sección áurea (divina proporción o proporción áurea), espiral dorada, regla de los tercios, etc. Y se usan no sólo para la pintura sino también en la arquitectura y otras artes, pero para aplicarlas se requieren de algunas operaciones matemáticas, algunas muy sencillas, otras más complejas.


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 LA REGLA DE LOS TERCIOS EN EL PAISAJE

Los árboles y las construcciones, son los puntos de interés en esta delicada pintura

La regla de los tercios consiste en dividir la imagen por medio de dos guías horizontales y dos verticales que generan una división en nueve partes iguales. Al realizar esta división se podrán ubicar los puntos de interés justo en la intersección de alguna de estas guías horizontales y verticales. El resultado de este truco es el equilibrio. Así se conseguirá una composición más armónica.

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 VISUALIZAR LA REGLA DE LOS TERCIOS EN EL PAISAJE

Actualmente algunas cámaras fotográficas y de celulares ofrecen la posibilidad de visualizar la cuadrícula de la regla de los tercios. Esto ayuda a tomar interesantes imágenes para pintar paisajes y lograr una mejor composición de la obra. De igual forma, algunos programas gráficos como photoshop también permiten recortar una imagen aplicando la regla de los tercios entre otras.

Invierno, Jane Ward

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 LA PROPORCIÓN ÁUREA EN EL PAISAJE

Es la fórmula que distintas civilizaciones utilizaron como inspiración para las artes. Ella rige ciertos patrones de la naturaleza. Se trata de un patrón basado en un rectángulo, el cual, circunscripto en si mismo se repite con unas proporciones determinadas hasta el infinito. 

En la ruta con árboles, John Haywood

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 EL VERDE EN LOS PAISAJES

El verde es uno de los predominantes en los paisajes. Si se precisa que sea menos intenso, habrá que agregar un poco de rojo. Con sólo una pequeñísima parte se controla el color sin afectar mucho su calidad, pero se debe tener cuidado ya que a medida que se agrega más rojo se va logrando colores terrosos.

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Paisaje, Dolors Barberan


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 PREPARACIÓN DE LOS DISTINTOS TONOS VERDES EN LOS PAISAJES

Si se necesita aclarar el verde para hacer por ejemplo las luces en el follaje de un árbol o en el pasto, quizá no sólo alcance con agregar blanco, sino que habrá que agregar también amarillo, si es que se desea conservar el carácter cálido del color.

Colores claros para un paisaje de invierno

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 PREPARACIÓN DE LOS DISTINTOS TONOS VERDES EN LOS PAISAJES (2)

Para oscurecer un verde se puede agregar siena tostada o sombra tostada conservando el carácter cálido, también se pueden usar rojos complementarios, que suelen ser rojos oscuros.

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Río Mandeo, Manuel Gandullo


Vista de diferentes tonos de verde

Paz en soledad, Wilhelm Kloden

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EL VERDE MÁS OSCURO EN LOS PAISAJES

BUSCAR ARMONÍA EN LOS PAISAJES

Si se busca un verde más oscuro pero frío, muy apropiado para algunas sombras, es buena idea oscurecer con un azul oscuro, y en las zonas más oscuras agregar también sombra tostada y/o negro.

Utilizar el azul del cielo para crear los verdes puede ayudar a lograr que el cuadro quede con mayor armonía. 245

 VISUALIZAR LOS COLORES EN LOS PAISAJES

Buscar diferentes fotografías de paisajes. Esto ayudará a ver cómo son los verdes (además de amarillos y azules) de un día soleado, cómo son en un día nublado, en la mañana, al mediodía, a la tarde, en las diferentes estaciones, etc. El color del cielo debe guardar correlación con el pasto, vegetación y otros elementos del paisaje.

Casa Konkan, Sanjay Dhawale

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Marinas 246

 EL INICIO PARA PINTAR MARINAS

En las marinas, pintar el horizonte de forma rectilínea es casi una obligación. De hecho es casi el único paisaje donde es fundamental mantener esta línea lo más recta posible y por supuesto horizontal.

Junto al Mar, Cornelius Dragan Targoviste

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 TRAZAR LA LÍNEA EN LAS MARINAS

Existen diversas formas de trazar una recta con acuarelas. Una de ellas es utilizando una regla. Otro es a través del uso de cinta de enmascarar o de carrocero, que se pega al papel cuando éste está seco. 248

 TÉCNICA PARA TRAZAR LA LÍNEA EN LAS MARINAS

Es posible realizar una recta con acuarelas en húmedo. Este procedimiento consiste en absorber color húmedo con una tira de papel de celulosa, provocando un corte de forma intencionada lo más recto posible.

La Coruña, Rubén de Luis

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 CÓMO COLOCAR LA LÍNEA EN LAS MARINAS

Marina Real, Antonio Sánchez Serrano

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Una de las mejores formas para colocar la línea del horizonte en una marina, es dividir la altura del lienzo en tres partes y ubicar la línea del horizonte bien en la línea superior o en la inferior pero nunca entre ambas, es decir, en el medio. Pintar una marina colocando la línea del horizonte en el centro del lienzo no se considera armónico.


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EL MAR COMO PROTAGONISTA EN LAS MARINAS

COMO PINTAR EL MAR EN LAS MARINAS

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Si lo que se busca es darle protagonismo al mar habría que situar el horizonte en la parte superior y si por el contrario, el protagonista fuera el cielo se debería elegir la inferior.

La perspectiva del mar es un punto de vital importancia al momento de pintar la marina. Se debe tener presente que el mar y sus olas deben ser pintadas con su debida perspectiva si no se quiere incurrir en un auténtico caos visual y estético.

LAS OLAS EN LAS MARINAS

Barco, Damián Cebrián

En una marina donde directamente el espectador esté ubicado en perpendicular observando la línea del horizonte, las líneas que forman las distintas olas que sucesivamente se acercan a la costa se verán también horizontales. En cambio, si su posición es oblicua al horizonte se verán esas líneas guardando idéntica perspectiva que la de la línea de la costa.

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 EL COLOR DEL MAR EN LAS MARINAS

La mejor manera de conocer con qué colores se pinta o hay que pintar el mar es echando un vistazo a las obras de los grandes maestros.

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LA PALETA DE COLORES PARA EL MAR EN LAS MARINAS

Ria gallega, Antonio Feijó

Pinta el mar con «la propia paleta de colores». El mar puede ser azul, pero en realidad admite millones de colores y combinaciones.

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 DIFERENCIAR LOS COLORES PARA EL MAR EN LAS MARINAS

Los verdes, los azules (ultramar, prusia, cerúleo, cobalto), los violetas, los añil, los ocres, incluso los naranjas, amarillos y rojos pueden utilizarse en el mar. El límite cromático es infinito a la hora de pintar una marina.

Hojas sobre el agua, Hsin-I-Kuo

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 EL COLOR DEL HORIZONTE EN LAS MARINAS

Respecto a los colores en el horizonte de la marina es muy común observar cómo en el cielo, cuando se une a la línea del horizonte, los tonos se vuelven más cálidos y más claros. Por supuesto que hay excepciones y esto es muy relativo pero observar este detalle al pintar la marina es fundamental.

Mar Cantábrico, Marene Lasagabaster 257

 AZUL VERDOSO PARA EL MAR EN LAS MARINAS

El mar tiene un «color normal». Para evitar equivocarse lo mejor es pintar el mar partiendo de un azul verdoso.

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 COMPLETAR LAS OLAS DEL MAR EN LAS MARINAS

Si se va a pintar espuma en las olas es preciso no utilizar sólo blanco. Jugar con el resto de los colores agregará dramatismo y consistencia a la obra.

Costa Oeste Glitter, Ronald Hazell

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 EL BLANCO EN LAS MARINAS

En la naturaleza no se encuentra nunca un cuerpo opaco blanco «perfecto» porque siempre se verá alterado por el color dominante de la fuente de iluminación que reciba. Por eso un cuadro donde se ha utilizado el blanco puro, sin matices, resulta inverosímil. 260

 LA LUZ EN LAS MARINAS

Si se quiere dar puntos de luz a la obra hay que mezclar siempre el blanco con algo de color del círculo cromático. 261

 ENCONTRAR EL COLOR PARA LA LUZ EN LAS MARINAS

Invierno Veneciano, Carlos Martín

Buscar siempre el color dominante de la fuente de iluminación y ese será el color del círculo cromático que habrá que mezclar con el blanco para conseguir puntos luminosos. 262

Barco en el mar, Teobaldo Nina

EL LAVADO EN LAS MARINAS

Cuando se trata de zonas amplias es recomendable realizar un primer lavado con algún tono o color muy trasparente para iluminar el blanco del papel. Este truco es fundamental cuando se pintan las olas del mar. 139


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 MEZCLAR EL BLANCO EN LAS MARINAS

Es importante tener presente que el blanco de china es un color muy opaco que no se lleva muy bien cuando se lo mezcla con cualquier otro color. Es por esto que utilizarlo para dar puntos de luz puede producir precisamente el efecto contrario, es decir, agrisar el color en vez de iluminarlo. 

Resplandor de la mañana, Brienne M. Brown

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Playa, Francisco Peral Bárcena

 CONSEGUIR EL MAR EN MOVIMIENTO EN LAS MARINAS

El movimiento del mar es lo más importante que hay que conseguir en cualquier marina, y esto, sólo se obtiene dibujando cada pincelada con sumo detalle. Cuidar la dirección y longitud de cada pincelada es sencillamente fundamental.

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EL CLARO-OSCURO EN LAS MARINAS

Jugar con el claro-oscuro es uno de los factores más determinantes para conseguir volúmenes, luminosidad, reflejos, sombras etc. Este detalle es imprescindible al momento de pintar una marina.

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Desnudos 266

 EL COLOR DE LA PIEL EN LOS DESNUDOS

El color de la piel puede variar considerablemente dependiendo de la edad o el origen de la persona a pintar. Por lo tanto, a la hora de pintar se debe tener en cuenta esta diversidad, estos matices más o menos oscuros o la luz para lograr el resultado más realista posible.

Poses desnudo, Gary Korlin

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 

EL TONO DE LA PIEL EN LOS DESNUDOS

El tono de la piel es determinante cuando se pinta un desnudo

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 APLICAR EL TONO DE LA PIEL EN LOS DESNUDOS

Probar el tono de piel base mezclado en un pedazo de papel para acuarelas de desecho. Aplicarlo fuerte y ligero con el pincel, humedeciéndolo en el agua para aclarar el color. Ajustar la mezcla mientras sea necesario y concentrarse en el valor del tono primario y medio de la piel únicamente. 

Formas, tamaños y edad, Ron Vilim

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Determinar el tono de piel base del sujeto que se pintará es vital. Estos tonos son, en general: pálido, negro, oliva o rojizo. Lo más aconsejable es intentar mezclar el tono base en la paleta para acuarela utilizando una combinación apropiada de carmín de Alizarina, siena crudo, amarillo ocre y tierra quemada. No siempre se necesitan los cuatro colores.


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 PALETA DE COLORES PARA LOS DESNUDOS

Los diferentes pintores cuentan con paletas distintas para pintar la figura humana. Si bien hay coincidencia en ciertos colores como el rojo o el amarillo, lo cierto es que las posibilidades son infinitas. 270

 LUZ PARA LOS DESNUDOS

Cuando se trata de un tipo de piel clara o se deben pintar zonas iluminadas, una buena mezcla es: ocre amarillo + blanco + un poco de bermellón. Cada pintor debe tener su propia paleta de colores para pintar una figura desnuda

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 SOMBRAS PARA LOS DESNUDOS

Cuando se trata de un tipo de piel más morena o de zonas poco iluminadas o en sombra, una buena opción es siena natura + bermellón.

Marianna, Sylvie Guillot

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Sombras y formas, Marc Taro Holmes

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REFLEJOS PARA LOS DESNUDOS

DESNUDOS REALISTAS O IMPRESIONISTAS

EL VOLUMEN EN LOS DESNUDOS

Se recomienda no utilizar nunca el blanco solo para los reflejos o puntos máximos de luz. Es mejor probar con la adición de ocre amarillo, o amarillo, o cualquier otro color sin importar que sea cálido o frío, pero nunca blanco solo.

Los tonos de la piel no varían en función de que la obra sea más realista o más impresionista. De hecho son los mismos, la diferencia consiste sólo en el trazo de la pincelada.

Es mejor dominar el claro-oscuro que conseguir los colores exactos de la piel. En otras palabras, lo importante es conseguir el volumen propio de la figura humana y no tanto el color. Amanda 20 min con gotas, Keene Wilson

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Figura durmiendo, Pauline Adair


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INTENSIFICAR LAS SOMBRAS EN LOS DESNUDOS

LOS LAVADOS EN LOS DESNUDOS

LOS TONOS EN EL INICIO DE LOS DESNUDOS

Otro buen truco para pintar desnudos es añadir el azul ultramar o cualquier otro tono frío pero muy trasparente para enfriar los lavados cálidos anteriores.

Se recomienda empezar a pintar un desnudo en medios tonos para posteriormente aplicar las sombras y las luces al mismo tiempo que para definir la forma y el volumen de la figura.

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 DETALLES Y ERRORES EN LOS DESNUDOS

Observar detenidamente la pintura a través de un espejo. De esta forma se podrán descubrir detalles y errores que posiblemente no se puedan ver a simple vista. Hay quienes utilizan esta técnica cuando el dibujo del desnudo está terminado, es decir antes de comenzar a pintar con las acuarelas.

Cuando se trata de desnudos, un buen truco es añadir un tono sombra tostada para intensificar las sombras cálidas.

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Realista o no, cuando pintamos un desnudo humano, los tonos de la piel es parte primordial


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 UN DESNUDO HIPERREALISTA

Si se trata de hacer una pintura hiperrealista, será necesario contar con una gran variedad de tamaños y tipos de pinceles. Es imposible pintar cada aspecto de una pintura hiperrealista sin el pincel exacto necesario para el trabajo.

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 CONTRASTES PARA LOS DESNUDOS

Resulta un buen consejo probar con distintos contrastes de colores, sólo así el pintor podrá encontrar su propia armonía.

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EL MOVIMIENTO PARA LOS DESNUDOS

De espaldas, Magdalena Romero Gil

Existen siete tipos de contrastes que han sido estudiados, es aconsejable probar una obra solo con colores puros y otra con grises suaves. De esta forma se podrá observar que los colores cambian totalmente la sensación de movimiento.

Desnudo uno, Consuelo Córcoles

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 EJERCICIO PARA PINTAR UN DESNUDO

Un buen ejercicio es imaginar una persona desnuda recostada casi durmiendo en colores suaves y grises. En este caso se acentuará la sensación de paz y quietud. Contrariamente si se imagina la misma escena con colores contrastados y fuertes, animarán la obra y parecerá que la mujer está a punto de moverse. 146


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 PROBLEMAS COLOR Y VOLUMEN EN EL DESNUDO

Si surgen problemas con el color y el volumen entonces se deberá empezar a pintar solo en grisalla es decir solo con un color, así la preocupación será sólo el volumen. Luego se dará color. 284

 LA PROPORCIÓN EN EL DESNUDO

En los desnudos, sobre todo realistas, la proporción es fundamental. La proporción, es simplemente el tamaño de un objeto en relación con otros objetos a su alrededor. La forma más fácil de conseguir una buena proporción es aprender a medir. 

Estudio desnudo, Mariló Carranza 285

 LA CABEZA EN EL DESNUDO

La mejor unidad de medida en el dibujo de una persona (desnuda o vestida) es la cabeza. No se trata de la mayor parte del cuerpo ni la más pequeña, por lo que es una parte muy útil para comparar con otras áreas del cuerpo. 

Gladiador cansado, Marc Taro Holmes

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Frutas 286

 LUCES Y SOMBRAS EN LAS FRUTAS

Las luces y sombras juegan un papel vital al momento de pintar frutas. Sin una buena iluminación se pierde la esencia de los colores, contrastes, efecto de profundidad y sombras.

Frutas jugosas, Jorge Mato Huelves

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 LUZ NATURAL O ARTIFICIAL PARA LAS FRUTAS

Es posible utilizar luz natural o artificial al momento de pintar. El hecho de que sea un tipo de luz u otra incidirá directamente en la preparación de los colores. 288

 LUZ NATURAL PARA LAS FRUTAS

Ciruelas, Manuel Gandullo

Si se va a utilizar luz natural será necesario tomar en cuenta la posición del sol, ya que a medida que va avanzando el día el sol va cambiando de posición de manera tal que se alterarán las sombras.

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 UNA FOTO PARA LAS FRUTAS

Pintura de una rodaja de sandía pintada con luz natural

Una buena idea es tomar una foto y utilizarla como referencia de las sombras que recibía la fruta o el conjunto de frutas en ese instante del día. 290

 LUZ ARTIFICIAL PARA LAS FRUTAS

La luz artificial, a diferencia de la natural, es más manipulable y controlable, ya que es posible moverla para estudiar las sombras. También se puede controlar su intensidad para analizar como modifica los colores y permite así un mayor análisis de como conviene iluminar la obra. 149


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 CON MUCHAS FRUTAS

Si la obra tendrá muchas frutas, lo mejor es probar con diferentes frutas y en distintas posiciones. Se pueden acomodar las frutas en cuestión tantas veces como se crea necesario. El objetivo es siempre lograr una composición que resulte agradable a la vista.

La foto le da al pintor una idea mucho más detallista de la figura a pintar

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 Ramas de melocotones, Gretchen Kelly

DISTINTOS ÁNGULOS PARA LAS FRUTAS

Visualizar la obra desde diferentes ángulos. Observarla de cerca y de lejos, hasta que se obtenga una composición lo suficientemente balanceada y agradable a la vista. El fin es lograr que la composición sea atractiva para el artista y el espectador, jugando con las formas y alturas de los objetos que la componen.

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 EL FONDO PARA LAS FRUTAS

El color de fondo juega un papel fundamental en este tipo de obras. Esto se debe a que con él se puede crear el contraste para todas las piezas de la obra.

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 VARIOS FONDOS PARA LAS FRUTAS

Original pintura con el fondo en fusión con el cuerpo de la figura

Existe una enorme variedad de fondos. Se puede utilizar como color de fondo una pared, una tela, o un papel. La imaginación es otra gran fuente de fondos. Con ella se puede dar vida a cualquier tipo de fondo.

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 COLORES DIFERENTES PARA LAS FRUTAS

Es imprescindible tener presente el color de los objetos a utilizar. Éste debe ser de un color contrario al fondo. De otra forma se perderán los contrastes y el efecto de profundidad. Así, si por ejemplo las frutas son rojas, el fondo no puede ser rojo.

Melón y ciruelas, Lillian Yeh

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Una misma fruta, con colores diferentes 296

 EL PUNTO DE APOYO PARA LAS FRUTAS

Contar con un punto de apoyo ayudará a darle vida a la obra. Puede ser que las frutas reposen sobre una mesa. En ese caso lo mejor es cubrir el mueble con una tela de brillo para poder crear algún tipo de reflejo.

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 DINAMISMO PARA LAS FRUTAS

Otras opciones para crear dinamismo e interés es usar algún elemento que acompañe a la fruta como un recipiente.

La sombra ubica el punto de apoyo cuando pintamos frutas

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 LA COMPOSICIÓN PARA LAS FRUTAS

Es importante establecer una interesante composición en una obra de estas características. Un buen ejemplo es crear un punto focal en su configuración mediante un elemento grande o intrincado y organizar otros elementos más pequeños alrededor de él. 299

Pintura donde podemos ver muchas frutas diferentes en un mismo plano

EL CONTRASTE PARA LAS FRUTAS

Es posible crear un sentido de drama y contraste a un elemento de la obra. Así, por ejemplo, se puede colocar una fruta de gran tamaño al lado de una mucho más pequeña, o equilibrar la imagen con elementos de igual tamaño.

El orden en la posición de las frutas es muy importante para lograr una buena composición

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 LOS MATICES PARA LAS FRUTAS

Un buen consejo para observar los diferentes matices de una fruta en particular es cortar un pequeño rectángulo en el centro de un pedazo de cartulina o papel para crear un visor. Este visor ayudará a explorar posibilidades interesantes de imagen sin tener que reorganizar los objetos de la obra. 301

 LA VARIEDAD PARA LAS FRUTAS

La variedad es una gran aliada de este tipo de pinturas. Al poner en juego diferentes tipos de texturas y objetos se enriquece la obra. Se puede recurrir al uso de distintas combinaciones de objetos hechos de materiales como metal, madera, papel, plástico, piedra y vidrio.

Los contrastes dan a la pintura movimiento y proporción 302

 PROFUNDIDAD PARA LAS FRUTAS

Si se quiere generar mayor profundidad en la escena se pueden colocar objetos reflectantes cerca de superficies planas. Otra opción es disponer objetos coloridos para introducir colores adicionales y ocultar parcialmente los objetos más grandes.

Media pera, Sharon Watts

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 NATURALEZA MUERTA Y FRUTAS

Las frutas son un buen ejemplo de pinturas de naturaleza muerta. Se trata de una excelente opción para los artistas principiantes. Se utilizan para estudiar la forma en que la luz y la sombra se comportan en la naturaleza.

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 

Utilización de un solo color y diferentes tonos para completar la pieza

EL PRINCIPIO PARA LAS FRUTAS

Es aconsejable comenzar a pintar frutas y otras naturalezas muertas como flores antes de pasar a figuras más complejas como personas o animales.

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 EJERCICIO CON FRUTAS

El bodegón o naturaleza muerta con frutas es un buen ejercicio para quienes se inician en el trabajo con acuarelas. 

Manzanas dulces, Donna Maclure

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Animales 306

 INICIO PINTAR ANIMALES

Pintar animales con acuarelas se considera un trabajo con cierta dificultad. Al tratarse de una figura realista no se recomienda para principiantes sino para pintores con algo de experiencia.



Caballo, Syman Kaye

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 EL PELO DE LOS ANIMALES

El pelo del animal es una de las cuestiones más difíciles de pintar. Aquí juega un papel muy importante la textura. De hecho, el pelo de los animales es una de las texturas de mayor dificultad, pues debe mostrar el sentido del pelo, marcar el cuerpo y la musculatura del animal, así como las distintas tonalidades que adopta el pelambre frente a la luz. 308

 EL PROCESO PARA EL PELO DE LOS ANIMALES

Estudio de un lobo, Mentiradeloro Pintar animales con acuarela, es un trabajo para avanzados.

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 EL PRIMER COLOR PARA ANIMALES

El primer paso es dar color de fondo a la piel. Este puede variar de acuerdo a cada parte del animal. 310

 A TENER EN CUENTA PARA EL PELO

Es importante tener en cuenta el sentido de crecimiento del pelo, desde la raíz hacia las puntas y su largo. Todo esto determinará el largo de la pincelada. 157

El proceso de pintado del pelo de animales se realiza por capas, para representar las sucesivas hileras de pelo que el animal posee. Debe utilizarse un pincel especial para este trabajo.


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 PINTAR LA MUSCULATURA DE LOS ANIMALES

La musculatura es otro factor de vital importancia a tener en cuenta. Esto se debe a que produce movimientos en el pelo y efectos de luces y sombras sobre el mismo. 312

 LOS TONOS PARA EL PELO DE LOS ANIMALES

Es aconsejable utilizar varios tonos de cada color para crear un pelaje más realista. Al momento de dar vida a las sombras, se irán agregando detalles en tonos más oscuros.

Tigre blanco, Leslie White 313

 EL INICIO DEL PELO DE LOS ANIMALES

Tobi, Hermenegildo Lomas

Se aconseja comenzar a pintar el pelaje desde las patas y la cola, hacia arriba, capa por capa, de modo que se superpongan y la capa final, la del lomo, será la que esté más afuera.

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 NATURALEZA MUERTA DE LOS ANIMALES

Los animales son considerados parte del universo de la naturaleza muerta. Sin embargo, resulta ser mucho mayor el grado de dificultad de otras naturalezas muertas. 158


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LAS ZONAS PARA EL PELO DE LOS ANIMALES

En las zonas donde se marca la musculatura, se comenzará la hilera de pelo en el nacimiento del músculo para dejarlo en evidencia. 316

 El lince, Alarie Tano

LAS PINCELADAS PARA EL PELO DE LOS ANIMALES

Las pinceladas siempre deben ser en la dirección del crecimiento para que se afinen hacia la punta del pelo. Be-Be, Elizabeth Way

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 LA COMPOSICIÓN DE LOS ANIMALES

A la hora de pintar animales la composición es vital. Por ejemplo si se tratara de un pájaro será necesario saber si estará volando o si estará sobre una rama. En el caso de un animal doméstico habrá que ver si se encontrará en alguna parte del hogar o del exterior. De esta manera se podrán crear interesantes juegos de colores, contrastes, etc. 159


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 EMPEZAR POR EL FONDO DE LOS ANIMALES

Lo más recomendable es comenzar por el fondo. Así, por ejemplo si se tratara de un pájaro en vuelo, primero habrá que pintar el cielo. Humedecer el pincel, aplicar pintura azul, comenzar a limpiarlo a través del papel y dejar que el agua natural se disperse por el papel. Así se obtendrá un cielo lavado al que se podrá añadir más azul y luego nubes.

Los animales deben pintarse en su entorno natural, para lograr una composición más correcta 319

 PINTAR PÁJAROS

A la hora de pintar pájaros se recomienda comenzar por la cabeza. Luego habrá que establecer la forma del cuerpo.

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 TONOS PARA PINTAR PÁJAROS

Utilizar diferentes tonos de color ayudará a resaltar las texturas de las plumas del ave. Esto puede lograrse a través del uso de diferentes tonos de color o mediante la aplicación de trazos de pintura color negro con un pincel muy pequeño para llevar a cabo el aspecto de capas de las plumas.

Búho, Frits Ahlefeldt

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 MEJORAR LAS PARTES DEL PÁJARO

Una buena forma de mejorar la calidad de las plumas es mojando un pincel y difuminando la acuarela en cada pluma para crear una graduación de color en las plumas que se destacan sobre las capas creadas por las líneas finas negro. 322

 PINTAR PARTES DEL PEZ

Si se quiere pintar escamas de peces se recomienda elegir un tono claro para los espacios de mayor tamaño y otro más oscuro para los detalles. De esta forma se podrá otorgar una mejor textura a la obra. 323

PINTAR EL FONDO DEL PEZ

Pájaros, David Scheirer

Peces, Antonio Gómez

Se sugiere que en la pintura de peces el fondo sea más claro que la figura (pez). De esta forma se creará un buen contraste en el que se destacará el animal y sus detalles.

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 PERSPECTIVA PARA EL PEZ

Si la pintura del pez será vista desde una perspectiva superior, tomarán gran importancia algunos aspectos como los reflejos en el lomo del pez o sus ojos.

Pez Angel, Lori Jeremiah 325

 EL AGUA PARA EL PEZ

El agua es el segundo elemento en la escala de importancia en la pintura de un pez. Es relevante jugar con sus diferentes matices. Luces, sombras, movimientos y colores juegan un papel primordial al momento de crear una obra capaz de transmitir sensaciones.

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Pez, Líneke Zubieta


Flores 326

 INICIO PINTAR FLORES

Una buena forma de comenzar una acuarela de flores es a través de un dibujo con líneas simples, suaves y no muy definidas que sirva como guía.

Líneas simples para empezar una pintura

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UN MODELO PARA PINTAR FLORES

LOS COLORES PARA PINTAR FLORES

LAS SOMBRAS EN LAS FLORES

Hay que tener presente que se puede partir de un modelo natural pero que el resultado final no tiene porqué ser una copia fiel. De hecho, lo más factible y esperable es que el resultado final se asemeje más a una interpretación del pintor respecto a aquella flor que ve.

Los colores son una parte fundamental del trabajo con flores. Lo más recomendable es decantarse por un tono medio para la base. Así por ejemplo si se trata de una flor roja, la base no debe ser un rojo muy oscuro ni demasiado claro.

Para pintar las sombras de una flor se recomienda utilizar el color más oscuro de la gama en cuestión. Hay que tener presente que las zonas más oscuras se encuentran entre los pétalos y en las áreas cercanas a los tallos.

 330

 LAS LUCES EN LAS FLORES

Es importante reservar áreas de luces para las flores. Pueden ser dejadas sin pintura. Si esto resulta muy difícil de practicar se puede recurrir al líquido de enmascar. 331

 LAS HOJAS EN LAS FLORES

Las hojas son parte muy importante cuando se trata de pintar flores. Antes de comenzar a pintarlas se aconseja jugar en un papel aparte con los diferentes tipos de verdes hasta conseguir el o los tonos acertados.

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Flores divertidas, Jodi


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 EL VERDE EN LAS HOJAS DE LAS FLORES

Para pintar hojas hay que comenzar plasmando el verde más claro. Dejar que la primera capa se seque un poco y aplicar el segundo tono más claro. Aquí se aplica otra capa del mismo color y mientras la pintura esté todavía húmeda se debe inclinar el papel ligeramente para permitir que la pintura se deslice a la punta de la hoja. Así una parte queda más oscura. 333

 LAS FLORES COMO NATURALEZA MUERTA

Las flores son consideradas una variante de naturaleza muerta. Al igual que las frutas son ideales para quienes comienzan en el arte de la pintura con acuarela.

Jarrón con flores, Isabel María Sánchez Gómez

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 LA CUADRÍCULA PARA LAS FLORES

Ejemplo del método de la cuadrícula

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Para pintar una flor se puede recurrir al método de la cuadrícula. Consiste en dibujar una cuadrícula sobre la imagen de referencia y luego dibujar otra cuadrícula de igual proporción sobre la superficie de trabajo. Luego se traza en dicha superficie lo que se ve en cada uno de los cuadros de la imagen original, uno a uno, hasta que vistos en conjunto forman la imagen completa.


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 LA ACUARELA PARA LAS FLORES

No hay que olvidar que la acuarela es una técnica, algo más difícil que otras como el óleo, ya que se requiere tener bien claro que color se va a usar. Es por esto que tener bien presente el color de la flor antes de pintarla es vital.

Intimidad de las flores, Beatriz Ooms

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 LAS LUCES Y LAS SOMBRAS PARA LAS FLORES

Las luces y sombras juegan un papel vital en este tipo de obras. Se puede tratar de una luz natural o artificial. En caso de que sea natural habrá que considerar muchos factores como el momento del día o del año. De esta forma se le imprimirá más realismo a la flor. 337

 LAS ROSAS, LAS PIONERAS

Las rosas representan una de las flores más pintadas. Los pétalos de una rosa son pequeños para que las transiciones de luz a oscuridad sean bruscas y se puedan crear líneas de oscuridad y luz donde se juntan.

Flores, Karin Johannesson

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 LUZ ARTIFICIAL PARA LAS FLORES

Las luces artificiales sobre las flores ayudan a crear ambientes mucho más controlados y fáciles de pintar.

Las rosas al ser las flores más comunes, también han sido las más pintadas

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 LOS PÉTALOS CON LUCES Y SOMBRAS

Las luces y sombras de los pétalos juegan un papel esencial en este tipo de obras. Es necesario asegurarse de que la pintura sea lo suficientemente clara como para agregar sombras suaves que representen los contornos y sombras de otros pétalos.

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 UN MODELO PARA PINTAR FLORES

Hay que tener presente que se puede partir de un modelo natural pero que el resultado final no tiene porqué ser una copia fiel. De hecho, lo más factible y esperable es que el resultado final se asemeje más a una interpretación del pintor respecto a aquella flor que ve.

Amapolas, Domantas Didžiapetris

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 EL TALLO Y SUS HOJAS

Es recomendable pensar en el tallo mismo como otro cilindro y las hojas debajo de la flor como pétalos verdes. Las hojas deben verse menos translúcidas que los pétalos.

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 EL MODELO Y LA FOTO PARA LAS FLORES

Si se trabaja a partir de un modelo o foto habrá que revisar cada pétalo comparándolo con el original. Así aparecerán detalles como luces o sombras que no han sido tenidos en cuenta y se podrán agregar.

El tallo muchas veces podemos transformarlo como base para el resto de la flor

Jardines verticales, Juan Falcón

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 TONOS CLAROS PARA LAS FLORES

Es importante asegurarse de que la pintura sea lo suficientemente clara como para agregar sombras suaves que representen los contornos y sombras de los diferentes pétalos. 

Vista de una flor pintada con tonos claros en su totalidad

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 FIGURA/FONDO PARA LAS FLORES

Como en cualquier otra naturaleza muerta, la relación figura – fondo es fundamental. Para que se destaque la figura, en este caso la flor, es necesario contar con un fondo sencillo que no robe la atención a la flor.

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 TEXTURAS PARA LAS FLORES

Para enriquecer el cuadro de una flor se recomienda recurrir al uso de diferentes texturas que pueden ser aportadas por la colocación de distintas flores u otros elementos como un mantel sobre una mesa o un florero.  Amapolas rosadas, Karin Johannesson

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Retratos 346

 EL INICIO PARA PINTAR RETRATOS

La composición del retrato es esencial. Cuando el retrato es el centro de importancia es básico que ningún otro punto de la obra rivalice, y para ello se pueden seguir los conceptos básicos de la regla de los tercios o la de sección áurea.

Perfil, Ángela Barreiro Ruiz

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LAS PROPORCIONES PARA PINTAR RETRATOS

LOS MODELOS PARA PINTAR RETRATOS

UN PUNTO IMPORTANTE PARA LOS RETRATOS

Respetar las proporciones es esencial. Es normal que el pintor principiante amplíe ciertos elementos como por ejemplo los ojos o la boca y reduzca otros como orejas, cuello, frente o cabello.

Si se trabaja con modelos, se aconseja representarlo hasta los hombros. De esta manera se podrá apreciar mejor la personalidad y actitud del retratado.

La mirada es un punto muy importante en cualquier retrato. En un retrato de perfil, o de tres cuartos, es preciso dejar la mayor parte del «aire» en el lado hacia donde mira la persona, cuidando así mismo de dejar suficiente espacio por encima de la cabeza, de este modo, la composición se torna equilibrada. 350

 MÁS REALISMO PARA LOS RETRATOS

Un buen retrato suaviza el contorno de las sombras para darles más realismo. Con sólo aplicar el color y pasar el pincel limpio pero aún húmedo sobre los bordes de la zona en cuestión se consigue el efecto.

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 LA BOCA EN LOS RETRATOS

Para pintar la boca se deben aplicar pinceladas más o menos diluidas en función de la reflexión de la luz. Para dar una impresión de brillo, dejar una zona sin pintar en el centro del labio inferior.

Cosas Salvajes, Robyn Pees

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Niña, David Lobenberg

LOS OJOS EN LOS RETRATOS

Si se quiere otorgar redondez a los ojos hay que resaltar el párpado superior y colocar una sombra sutil en el párpado inferior.

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 PARTES DE LOS OJOS EN LOS RETRATOS

Definir el párpado inferior es de vital importancia. Esto ayudará a que el ojo se vea bien ubicado y no «flote».

Consumir, Ali Cavanaugh

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 OJOS EXPRESIVOS EN LOS RETRATOS

Para crear ojos expresivos hay que definir muy bien la línea en la que el párpado superior se pliega cuando el ojo está abierto.

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 LUCES Y SOMBRAS EN LOS RETRATOS

Observar y plasmar con detalle y dedicación las figuras, luces y sombras dentro del ojo. Este truco le brindará mucha más profundidad a la mirada. 172


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 LA PIEL EN LOS RETRATOS

Las mezclas de colores para la piel en el retrato pueden y deben variar de artista en artista y de obra en obra. 357

 TONOS EN LA FRENTE DE LOS RETRATOS

Hay algunos detalles que suelen permanecer invariables en los distintos retratos como por ejemplo que en la frente predominan los tonos más ocres o que en las zonas oculares suelen aparecer tonos fríos ligados a los violetas.

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 LAS MEJILLAS EN LOS RETRATOS

Otras constantes en los retratos se pueden ver en la zona de las mejillas (en general asociadas a los rosados), en la nariz (donde suelen incrementarse los rojos o naranjas) o en la mandíbula en la que suelen aparecer tonos grises para las mujeres y verdes para los hombres.

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Bajo un sueño, Ali Cavanaugh

 LA CARNE EN LOS RETRATOS

El color carne se consigue a base de ir intercambiando tonos cálidos y fríos. Un buen método para no olvidar esto es trabajar todo el rostro con sólo colores cálidos y tras ello trabajar sólo con los fríos en sólo las zonas donde se supone que deberían estar.

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 361

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Dejando ir Christina Leta

 EL BLANCO EN LOS RETRATOS

TONOS EN LA PIEL DE LOS RETRATOS

CLAROS-OSCUROS EN LOS RETRATOS

No utilizar nunca el blanco solo para los reflejos o puntos máximos de luz. Se deben añadir otros tonos como el ocre amarillo, o amarillo, o cualquier otro color (normalmente el color de la luz que ilumina el rostro) sin importar que sea cálido o frío.

Los tonos de la piel no varían en función de que el retrato lo hagas más realista o más impresionista, son los mismos, la diferencia consiste sólo en el trato de la pincelada más o menos difuminada.

Dominar la técnica del clarooscuro ayudará a conseguir los colores exactos de la piel. En otras palabras, lo importante es conseguir el volumen propio de un rostro y no tanto el color.

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 Retrato mujer, Thomas Cian

PRIMERO LOS CLAROS EN LOS RETRATOS

Iniciar los retratos con los tonos claros y proceder a oscurecer de forma progresiva.

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 EL FONDO EN LOS RETRATOS

Hay que tener en cuenta que las tonalidades o colores del fondo suelen reflejarse en los extremos de las mejillas.

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Pecas, Guilhem Sals

LA ROPA EN LOS RETRATOS

El color de la ropa tiene su reflejo en el mentón y en la zona inferior de la mandíbula.

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Aprende a Pintar con Acuarela cada dia  

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