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ÉRICO

BORGO FORLANI HESSEL MARCELO

ÉRICO

MARCELO

MARCELO

BORGO

FORLANI

HESSEL

MARCELO

O OMELETE começou de certa forma no final da década de 1980, com a amizade de ÉRICO BORGO e MARCELO FORLANI, que se conheceram na oitava série. Nerds da classe, passavam as tardes na banca perto do colégio ou no cinema do bairro, sem a menor ideia de que todas aquelas sessões de Caça-Fantasmas e De Volta Para o Futuro um dia renderiam o maior site de entretenimento do Brasil. A faculdade, porém, fez com que seguissem caminhos diferentes – Érico foi fazer design gráfico e Marcelo seguiu a carreira de publicitário. Eventualmente, acabaram no mesmo ramo, a criação de sites para a nascente internet, e se reencontraram. Com o desejo de trabalhar juntos, começou oficialmente em 2000 o site OMELETE.COM.BR. Pouco mais de um ano depois, MARCELO HESSEL, jornalista e crítico, começou a colaborar para o site, graças a um convite feito em um curso

HISTÓRIAS, CURIOSIDADES E GRANDES NOMES DA SÉTIMA ARTE

de crítica, e foi “bromance” à primeira vista. Com os três na edição do Omelete, o que era um projeto independente e feito nas horas vagas começou a render frutos. Hoje o mundialmente reconhecidos pela indústria do cinema, o Omelete tem 1 milhão de leitores por mês, ganhou um programa em vídeo semanal e agora gera um livro, este Almanaque do Cinema que você tem em mãos. WWW.ALMANAQUEDOCINEMA.COM.BR

9 788500 023729

maior website do gênero do país e um dos poucos

A INTERNET MUDOU NOSSO JEITO DE VER CINEMA. Se antes as informações chegavam pelas poucas revistas especializadas e pelos jornais, hoje é possível acompanhar passo a passo a criação de um filme. Nesse cenário, há poucos sites que oferecem o que o Omelete dá a seus leitores: uma cobertura que nada deve aos principais sites de entretenimento do mundo. Desde o início, no entanto, quando Érico Borgo e Marcelo Forlani tocavam o Omelete de suas casas, ficou claro o que tornava o site tão distinto: o gosto pela coisa. Mais que meramente um trabalho feito por fãs e para fãs, os editores do site, agora ao lado do crítico de cinema Marcelo Hessel e de uma onda de colaboradores que foram chegando, elevaram o trabalho a outro patamar. A soma disso tudo é o livro que você tem em mãos. O resultado é um impressionante e detalhado passeio pela história do cinema, em que descobrimos fatos inusitados, mistérios não resolvidos, grandes personagens e, além disso, um vislumbre privilegiado dos mecanismos internos da indústria cinematográfica, década por década, dos irmãos Lumière ao mais recente blockbuster hollywoodiano. Os autores nos conduzem por uma trama tão bem amarrada que renderia – e por que não? – um belo documentário em longa-metragem. Há duas maneiras de encarar este volume. Uma é seguindo página a página, cronologicamente, o fio proposto pelos autores. A outra maneira, de acordo com a tradição dos melhores almanaques, é aleatória: abrindo o livro num trecho qualquer, o leitor encontrará curiosidades, números, dados e, quem sabe, um novo filme favorito. De ambos os jeitos, o resultado será o mesmo: ótima diversão. Alan Smithee, cineasta


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A NOITE DOS MORTOS-VIVOS (Night of the Living Dead, 1968) direção GEORGE A. ROMERO. roteiro GEORGE A. ROMERO E JOHN A. RUSSO. com JUDITH O’ DEA, RUSS STREINER, DUANE JONES, KARL HARDMAN, KEITH WAYNE, JUDITH RIDLEY E MARILYN EASTMAN.

O primeiro longa-metragem do pai dos zumbis modernos, feito com apenas 100 mil dólares, era agressivamente realista se comparado com a inspiração gótica e barroca da maioria dos filmes B de monstros de então. A ideia de George Romero era mostrar como um fenômeno inexplicável, sobrenatural, pode afetar qualquer pessoa normal a qualquer momento. Os irmãos Barbara (Judith O’Dea) e Johnny (Russ Streiner), por exemplo, estavam simplesmente visitando o túmulo do pai em um cemitério quando mortos-vivos saem do chão e matam Johnny a dentadas. Barbara se refugia em uma casa e lá percebe que outros também estão sendo vítimas do misterioso evento. As ousadas insinuações sociais propostas por Romero estão na sua forma de filmar – o realismo nos aproxima do terror, tanto que depois do relançamento do filme, em 1969, ele começou a ser visto como um libelo contra a Guerra do Vietnã – e também no roteiro, como a escolha de fazer do ator Duane Jones o primeiro herói negro de que se tem notícia no cinema americano. A crítica social se inflamaria na quase-continuação Amanhecer dos Mortos (Dawn of the Dead, 1978), que rivaliza em importância com o clássico de 1968.

O BANDIDO DA LUZ VERMELHA (1968) direção e roteiro ROGÉRIO SGANZERLA. com PAULO VILLAÇA, HELENA IGNEZ E JOSÉ MARINHO.

O Brasil vivia o auge do Cinema Novo quando, aos 22 anos, Rogério Sganzerla realizou o seu primeiro longa-metragem – que imediatamente verbalizou o descontentamento de outros cineastas que, no ano do AI-5 e da intensificação do regime militar, não acreditavam mais na ideia de nação (e de um cinema nacional unido e instituído) que os cinemanovistas pregavam. Com O Bandido da Luz Vermelha surgiu, então, o Cinema Marginal, originado na boêmia e violenta região do centro de São Paulo, conhecida como Boca do Lixo, e não havia figura mais emblemática desse abandono à própria sorte do que o matador de mulheres (vivido no filme por Paulo Villaça) inspirado no verdadeiro João Acácio Pereira da Costa, o bandido que abordava suas vítimas com uma lanterna vermelha. A exemplo de outro clássico, O Demônio das Onze Horas (Pierrot le Fou, 1965), de Jean-Luc Godard, Sganzerla usou seu filme para colecionar referências – da música erudita, da cultura popular, do gênero policial – e ordená-las de forma desestruturada. Era, nas palavras do diretor, um faroeste do Terceiro Mundo. O filme encontrou impensável repercussão entre o público, apesar do discurso de Sganzerla (e depois de todo o Cinema Marginal) deixar claro já no texto do filme que sua arte não fazia concessões: “Quem não pode nada tem mais é que avacalhar”.


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O PODEROSO CHEFÃO (The Godfather, 1972) direção e roteiro FRANCIS FORD COPPOLA. com AL PACINO, MARLON BRANDO, JAMES CAAN, JOHN CAZALE, ROBERT DUVALL, TALIA SHIRE, ABE VIGODA E DIANE KEATON.

Que o maior filme americano dos últimos quarenta anos tenha um dia saído do papel foi um feito. A Paramount já estava sem opções quando entregou a direção ao novato Francis Ford Coppola. Pelo menos meia dúzia de atores foi cogitada para o papel de Michael Corleone, até que outro novato, Al Pacino, pegasse a vaga. Marlon Brando não facilitava – o próprio reconhece que atuou o filme inteiro lendo cartões com suas falas, às vezes colados no peito de seus coadjuvantes – e o diretor, por vezes, tinha um substituto pronto ao seu lado caso ele, Coppola, fosse sumariamente demitido. O que se vê na tela, porém, não é esse equilíbrio limítrofe, mas uma afinação insuspeita. A história do caçula da família mafiosa (Pacino) que, depois de uma ameaça à vida do Don (Brando), precisa manter a casa de pé contra o assédio das famílias nova-iorquinas rivais é genial sob todas as leituras: tradição versus modernidade, drama íntimo versus vocação épica. Ah, e tem o maior número de cenas e falas lembradas e imitadas da história do cinema.

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TUBARÃO (Jaws, 1975)

NOIVO NEURÓTICO, NOIVA NERVOSA

direção STEVEN SPIELBERG. roteiro CARL GOTTLIEB E PETER BENCHLEY (LIVRO). com ROY SCHEIDER, ROBERT SHAW,

(Annie Hall, 1977)

RICHARD DREYFUSS, LORRAINE GARY E MURRAY HAMILTON.

Tubarão foi o primeiro filme a superar os 100 milhões de dólares em bilheterias nos Estados Unidos, marca batida dois anos depois por Star Wars, e pensando hoje é incrível constatar que a obra-prima de Steven Spielberg era, acima de tudo, insinuação. O espetáculo, de fato, está na construção do suspense, desde a trilha mínima de John Williams até a decisão de esconder o peixe, o máximo possível, simplesmente porque o monstro mecânico de 3 toneladas mal funcionava. O contexto familiar que se tornou uma das marcas do diretor já estava presente: o chefe de polícia Martin Brody (Roy Scheider) acaba de se mudar com a mulher e dois filhos de Nova York para a litorânea Amity Island, onde acha que pode fazer a diferença como homem da lei. Pena que seja hidrófobo, porque uma ameaça com uma mandíbula forrada de caninos está avançando nos veranistas (entre eles, claro, um dos filhos do chefe Brody). O herói e pai supera seus medos com a ajuda de dois parceiros de pescaria – não por acaso, dois opostos, o oceanógrafo racional com seus sonares e o lobo do mar passional com suas cicatrizes de guerra. Aos 80 minutos de filme, enfim, o tubarão bota os olhos para fora da água pela primeira vez, e sabemos que Brody vai precisar de toda ajuda, além de um barco maior.

direção WOODY ALLEN. roteiro WOODY ALLEN E MARSHALL BRICKMAN. com WOODY ALLEN, DIANE KEATON, TONY ROBERTS, CAROL KANE, PAUL SIMON E COLLEEN DEWHURST.

Já virou clichê dizer que o melhor da carreira de Woody Allen está nos anos 1970, e não é difícil entender o porquê vendo uma das cenas de Noivo Neurótico, Noiva Nervosa, quando Alvy Singer (Allen) começa a discutir com um sujeito, na fila do cinema, que se diz especialista na obra semiótica de Marshall McLuhan e, para prová-lo errado, Alvy puxa McLuhan em pessoa para a discussão! Que comédia, hoje em dia, se aventuraria em algo assim? De certa forma, Allen estava ciente da atual banalização da arte e da discussão intelectual, tanto que boa parte das suas piadas no filme está voltada contra a indústria da TV, do cinema e dos gurus existenciais da Califórnia. Essa imagem do judeu neurótico e estudado que, sufocado por seu conhecimento, não consegue relaxar e gozar (não consegue sequer pôr uma lagosta dentro da panela...) é definidora de uma parcela da sociedade de Nova York e o grande legado de Woody Allen à comédia hollywoodiana. Aliás, antes de ganhar a presença luminosa e espontânea de Diane Keaton, cuja personagem se impõe a ponto de dar nome ao filme, Annie Hall se chamava Anhedonia (de anedonia, a incapacidade de ter prazer ou se divertir).

“Gort! Klaatu barada nikto!” HELEN BENSON (PATRICIA NEAL) O Dia em que a Terra Parou (The Day the Earth Stood Still, 1951)

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GUERRA NAS ESTRELAS (Star Wars, 1977) direção e roteiro GEORGE LUCAS. com MARK HAMILL, HARRISON FORD, ANTHONY DANIELS, CARRIE FISHER, PETER CUSHING, ALEC GUINNESS, KENNY BAKER, PETER MAYHEW E DAVID PROWSE.

Poucos filmes são tão importantes para o cinema de massa como o conhecemos hoje (uma disputa de cifras entre produtos colecionáveis voltados para adolescentes) quanto o longa depois renomeado Star Wars: Episódio IV – Uma Nova Esperança. Dos faroestes, George Lucas cunhou o pistoleiro solitário Han Solo. Das tragédias gregas, tirou um jovem aspirante a herói com contas freudianas a acertar com o pai. Dos samurais de Akira Kurosawa (influência confessa de George Lucas), pegou o design do capacete de Darth Vader e sua habilidade como espadachim. Adicione aí a construção de uma mitologia toda particular e um esforço quixotesco para criar efeitos especiais à frente de seu tempo e temos uma salada sem igual. Que essa salada tenha resistido ao tempo (ao contrário das aventuras espaciais da literatura pulp dos anos 1930) e definido o chamado filme arrasa-quarteirão – aqueles que geram expectativa antes da estreia e muito dinheiro com licenciamentos depois dela – é uma dessas combinações de fatores que só mesmo as estrelas explicam.

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“Eu sou grande! São os filmes que ficaram pequenos” NORMA DESMOND (GLORIA SWANSON) Crepúsculo dos Deuses (Sunset Blvd, 1950)


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ALIEN, O OITAVO PASSAGEIRO (Alien, 1979) direção RIDLEY SCOTT. roteiro DAN O’BANNON E RONALD SHUSETT. com SIGOURNEY WEAVER, TOM SKERRITT, VERONICA CARTWRIGHT, YAPHET KOTTO, HARRY DEAN STANTON, JOHN HURT E IAN HOLM.

O pôster deste misto de ficção científica e filme de terror já traz, naquela que é uma das mais famosas frases de marketing da história do cinema, o aviso fundamental: “No espaço, ninguém pode ouvi-lo gritar”. Se a corrida espacial estimula em muita gente o medo do desconhecido, então o diretor inglês Ridley Scott lhes dá mais um motivo para o pânico: de volta para a Terra, depois de uma missão espacial, os tripulantes da nave Nostromo são despertos de sua hibernação para atender a um sinal de um planeta próximo. Sem saber, o capitão Dallas (Tom Skerritt) traz uma bizarra criatura que agarra o rosto de Kane (John Hurt). A tenente Ellen Ripley (Sigourney Weaver) já avisava: não é seguro trazer Kane de volta à nave. Ninguém a escuta e, momentos depois, irrompe da barriga do hospedeiro um monstro alienígena, naquela que é uma das cenas mais famosas (e medonhas) do gênero, e o horror está instalado na Nostromo. Scott trabalha a criação de expectativa de forma exemplar com luz baixa – como se Steven Spielberg um dia ousasse fazer um Contatos Imediatos de Terceiro Grau (Close Encounters of the Third Kind, 1977) com o suspense de um Tubarão (Jaws, 1975) – e ainda dá espaço a uma interpretação interessante: nesta ficção, é um homem que pariu o “bebê”, e é uma mulher, a heroica Ripley, que cuida de “educá-lo”.

TOURO INDOMÁVEL (Raging Bull, 1980) direção MARTIN SCORSESE. roteiro MARTIN SCORSESE, MARDIK MARTIN, PAUL SCHRADER, JOSEPH CARTER (LIVRO), PETER SAVAGE (LIVRO) E JAKE LAMOTTA (LIVRO). com ROBERT DE NIRO, CATHY MORIARTY, JOE PESCI, FRANK VINCENT, NICHOLAS COLASANTO, THERESA SALDANA E JOHNNY BARNES.

Em documentários e livros, Martin Scorsese sempre reitera seu lado cinéfilo. Touro Indomável, à parte a evidência de ser um dos melhores filmes de esporte da história, pode ser visto como uma compilação dessas referências que ajudaram a moldar o estilo de Scorsese – desde a fotografia em preto e branco e os barracos em família típicos do neorrealismo até citações literais, como o monólogo final de Jake La Motta, tirado do personagem de Marlon Brando em Sindicato de Ladrões (On the Waterfront, 1954). Diante de um espelho, bem depois do fim da sua carreira, o La Motta de Robert De Niro, com muita maquiagem e 22 quilos mais gordo (é lendária a história de que a produção foi suspensa por meses para que o ator engordasse, uma das transformações físicas mais famosas e radicais de Hollywood), repete para si mesmo que “poderia ter sido alguém”. Scorsese pega a história real desse boxeador que não soube administrar o próprio temperamento e a transforma em um de seus dramas violentos sobre um ítalo-americano marginalizado em Nova York em busca de redenção – outra referência fundamental na obra do diretor. No caso, uma autorreferência.

“O senhor é um fanfarrão!” CAPITÃO NASCIMENTO (WAGNER MOURA) Tropa de Elite (2007)

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OS CAÇADORES DA ARCA PERDIDA (Raiders of the Lost Ark, 1981) direção STEVEN SPIELBERG. roteiro WILLARD HUYCK, LAWRENCE KASDAN, GEORGE LUCAS E PHILIP KAUFMAN. com HARRISON FORD, KAREN ALLEN, DENHOLM ELLIOTT, PAUL FREEMAN, WOLF KAHLER, JOHN RHYS-DAVIES, RONALD LACEY, ANTHONY HIGGINS E ALFRED MOLINA.

Ao conceber o arqueólogo que, quando não estava dando aulas, preferia colocar a própria vida em risco em expedições no meio do nada, o produtor George Lucas e o diretor Steven Spielberg tinham em mente homenagear os filmes seriados da Republic Pictures dos anos 1930 e 1940. Como tais, a ideia era criar aventura barata, entretenimento sem compromisso. Por que não começar o filme, pensaram, já com uma cena de ação? O que era ousadia em 1981, já que a regra exigia que se apresentassem os personagens apropriadamente, hoje se tornou lei – sob pena de perder o interesse do espectador antes da marca de dez minutos de metragem. Aliás, a expressão em inglês “cut to the chase” (algo como “vamos ao que interessa”) foi tirada do cinema e literalmente quer dizer “corta para a perseguição”. Como narrador, Spielberg tem a paternidade inconteste do pique dos filmes de Indiana Jones, mas a série não existiria sem Lucas. Foi ele que, quando Spielberg estava cogitando dirigir um filme de James Bond, no fim dos anos 1970, convenceu o amigo dizendo que tinha criado “um herói melhor, um James Bond sem toda aquela tralha tecnológica”.

CURTINDO A VIDA ADOIDADO (Ferris Bueller’s Day Off, 1986) direção e roteiro JOHN HUGHES. com MATTHEW BRODERICK, ALAN RUCK, MIA SARA, JEFFREY JONES, JENNIFER GREY, CINDY PICKETT, LYMAN WARD, EDIE MCCLURG E CHARLIE SHEEN.

Como Ferris Bueller (Matthew Broderick) diz diretamente para a câmera logo ao perceber que o sol matinal está bonito demais para ser desperdiçado na escola, ele não acredita em “ismos”, ele crê em si mesmo. Naquela manhã teria uma prova sobre socialismo europeu, “mas eu não sou europeu, nem pretendo me tornar”, defende-se. Não é por acaso que o roteirista e diretor John Hughes é tido como o grande historiógrafo da geração 1980. O fim das ideologias, o processo pós-1968, que culminaria na queda do Muro de Berlim, em 1989, está todo contido no moicano punk que Ferris Bueller faz com o xampu de zoeira no banho. Esse subtexto não é discreto – entre a hora em que pega a Ferrari do amigo e a que rouba a cena cantando Twist and Shout, o gazeteiro sempre fala diretamente à câmera para tecer seus comentários “sérios”. O fato é que Hughes está, no fundo, mais interessado em acompanhar como esse pensador infalível influencia seu amigo fraco e pessimista, Cameron (Alan Ruck), um tipo muito mais interessante, dramaticamente, do que Bueller. É Cameron a grande síntese dos enfermos anos 1980, e a luta de Hughes é justamente por animá-lo a aproveitar a vida, não importando o dia ou o momento.

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“Carpe diem. Aproveitem o dia, rapazes. Façam de suas vidas algo extraordinário” JOHN KEATING (ROBIN WILLIAMS) Sociedade dos Poetas Mortos (Dead Poets Society, 1989)


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O OMELETE começou de certa forma no final da década de 1980, com a amizade de ÉRICO BORGO e MARCELO FORLANI, que se conheceram na oitava série. Nerds da classe, passavam as tardes na banca perto do colégio ou no cinema do bairro, sem a menor ideia de que todas aquelas sessões de Caça-Fantasmas e De Volta Para o Futuro um dia renderiam o maior site de entretenimento do Brasil. A faculdade, porém, fez com que seguissem caminhos diferentes – Érico foi fazer design gráfico e Marcelo seguiu a carreira de publicitário. Eventualmente, acabaram no mesmo ramo, a criação de sites para a nascente internet, e se reencontraram. Com o desejo de trabalhar juntos, começou oficialmente em 2000 o site OMELETE.COM.BR. Pouco mais de um ano depois, MARCELO HESSEL, jornalista e crítico, começou a colaborar para o site, graças a um convite feito em um curso

HISTÓRIAS, CURIOSIDADES E GRANDES NOMES DA SÉTIMA ARTE

de crítica, e foi “bromance” à primeira vista. Com os três na edição do Omelete, o que era um projeto independente e feito nas horas vagas começou a render frutos. Hoje o mundialmente reconhecidos pela indústria do cinema, o Omelete tem 1 milhão de leitores por mês, ganhou um programa em vídeo semanal e agora gera um livro, este Almanaque do Cinema que você tem em mãos. WWW.ALMANAQUEDOCINEMA.COM.BR

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maior website do gênero do país e um dos poucos

A INTERNET MUDOU NOSSO JEITO DE VER CINEMA. Se antes as informações chegavam pelas poucas revistas especializadas e pelos jornais, hoje é possível acompanhar passo a passo a criação de um filme. Nesse cenário, há poucos sites que oferecem o que o Omelete dá a seus leitores: uma cobertura que nada deve aos principais sites de entretenimento do mundo. Desde o início, no entanto, quando Érico Borgo e Marcelo Forlani tocavam o Omelete de suas casas, ficou claro o que tornava o site tão distinto: o gosto pela coisa. Mais que meramente um trabalho feito por fãs e para fãs, os editores do site, agora ao lado do crítico de cinema Marcelo Hessel e de uma onda de colaboradores que foram chegando, elevaram o trabalho a outro patamar. A soma disso tudo é o livro que você tem em mãos. O resultado é um impressionante e detalhado passeio pela história do cinema, em que descobrimos fatos inusitados, mistérios não resolvidos, grandes personagens e, além disso, um vislumbre privilegiado dos mecanismos internos da indústria cinematográfica, década por década, dos irmãos Lumière ao mais recente blockbuster hollywoodiano. Os autores nos conduzem por uma trama tão bem amarrada que renderia – e por que não? – um belo documentário em longa-metragem. Há duas maneiras de encarar este volume. Uma é seguindo página a página, cronologicamente, o fio proposto pelos autores. A outra maneira, de acordo com a tradição dos melhores almanaques, é aleatória: abrindo o livro num trecho qualquer, o leitor encontrará curiosidades, números, dados e, quem sabe, um novo filme favorito. De ambos os jeitos, o resultado será o mesmo: ótima diversão. Alan Smithee, cineasta


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