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Índice      

El dibujo técnico y la tecnología del momento………………………Pg. 1 El dibujo artístico…………………………………………………………………………Pg. 4 Las técnicas de trazado y boceto………………………….………………..Pg. 10 La perspectiva (Su influencia en el período)………..………………..Pg. 11 Alberto Durero (1471 – 1528). Artista Alemán…….………..…….Pg. 16 Las técnicas del grabado en madera y cobre………….……….…...Pg.18


Dibujo Técnico

utilicen las mismas prácticas si el dibujo a de servir como medio confiable de comunicar ideas y teorías técnicas. Por medio de los representantes de los diferentes gobiernos y de la industria se recomienda el uso de ciertas normas de dibujo para que el mismo tenga carácter universal. En nuestro país rige el manual de NORMAS PARA DIBUJO TÉCNICO, editado por IRAM (Instituto Argentino de Racionalización de materiales), cuya tendencia es precisamente, hacia la unificación internacional.

Desde los primeros tiempos, el hombre ha usado dibujos para comunicar ideas a sus semejantes y para registrarlas, de modo que no caiga en el olvido. Las primeras formas de escritura, tales como los jerogrificos egipcios, fueron formas gráficas. Un dibujo es una representación gráfica de algo real, siendo además un lenguaje gráfico para comunicar pensamientos e ideas. Por esta razón se considera al dibujo como el "lenguaje universal" entre los hombre.

Como un dibujo es un conjunto de instrucciones que tiene que cumplir el operario, debe ser claro, correcto, exacto y completo. La habilidad para dibujar no es requisito suficiente para hacer un dibujante de cualquier persona; un dibujante debe poseer habilidad creativa, ampl ia variedad de conocimientos técnicos y los especializados en su propio campo.

Existen fundamentalmente dos ramas distintas de dibujo: el artístico y el dibujo técnico. Al primero le concierne principalmente la expresión de ideas reales o imaginarias de naturaleza cultural. En cambio al dibujo técnico le atañe la expresión de ideas técnicas o de naturaleza práctica y es el método utilizado en todas las ramas de la industria. Aún los lenguajes altamente desarrollados son inadecuados para describir el tamaño, la forma y al relaciones entre los objetos físicos. Para cualquier objeto manufacturado, existen dibujos que describen su forma física completa y exactamente, y comunica las ideas del dibujante al operario. Por esta razón el dibujo técnico es considerado como el "lenguaje de la industria". A través de lo largo de la historia del dibujo, han llegado a ser de uso común muchos símbolos, términos, abreviaturas y prácticas. Es esencial que los diferentes dibujantes

Los campos especializados del dibujo técnico son tan distintos como la rama de la industria. Algunas de las principales áreas del dibujo son: mecánico, construcción de edificios, eléctrico, etc. A su vez cada una estas áreas abarcan una serie distinta de especialidades como lo son, por ejemplo, el dibujo arquitectónico, el de estructuras metálicas, instalaciones de obras sanitarias, instalaciones eléctricas, 1


circuitos eléctricos, construcciones navales, agrimensura, topografía, etc.

que el objetivo comunicación.

principal

es

la

El término "dibujo técnico" se aplica a cualquier dibujo que se utilice para expresar ideas técnicas. Cuando los dibujos, se realizan con la ayuda de instrumentos, son llamados dibujos instrumentales; si no se utilizan instrumentos, los dibujos se conocen con el nombre de dibujo a mano alzada o croquis. La habilidad para bosquejar ideas y diseños, así como para hacer dibujos exactos con instrumentos, es parte fundamental de este lenguaje gráfico que nos ocupa.

En una organización industrial el Dibujante Técnico es el profesional responsable de la comunicación y su función es la de ejecutar documentos de fabricación. Que la materia de dibujo técnico ha cambiado en los últimos años no es una novedad, hemos aparcado los estilógrafos y sus desesperantes manchas de tinta gracias a que también han avanzado las técnicas de diseño en los estudios de arquitectura o ingeniería. Desde hace tiempo el plóter y el CAD han sustituido las interminables mesas de dibujo y aunque no debemos descuidar la práctica del trazado manual, la comprensión de las construcciones y los trazados los podemos visualizar mejor y más rápidamente con herramientas como estas. Ya presentamos en Educacontic una entrega de aplicaciones online para el aprendizaje del dibujo técnico; hoy aumentamos la oferta con tres más, del ya citado José Antonio Cuadrado Vicente*: Tangencias, curvas cónicas y curvas técnicas y cíclicas.

Solamente un porcentaje reducido de estudiante que reciben instrucción sobre dibujo técnico, hacen de esta una ocupación permanente pero necesariamente todos requiere una comprensión a fondo para ser capaces de interpretar planos o dibujos relacionados con su actividad.

Comunicación tecnológica

Como es habitual en sus trabajos la aplicación didáctica en el aula de dibujo es digna de elogio y, si no lo han hecho ya, los editores deberían tomar nota para desarrollar sus materiales. Las aplicaciones que os mostramos se caracterizan, por la sencillez de manejo, atractivo visual e interactividad total. La fórmula es sencilla pero muy efectiva.

La idea del Dibujo Técnico se puede describir más exactamente con el concepto de Comunicación Tecnológica, ya que el objetivo primero como se ha definido, es el de comunicar ideas técnicas.

La denominación de Dibujante Técnico no define exactamente a la labor que desempeña este profesional en la industria, aunque si bien es cierto, el dibujo o las representaciones gráficas, son el recurso más importante en la comunicación tecnológica, pero también es cierto, tal como se ha señalado, es solo un recurso ya

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Presentación teórica, justo lo necesario, sin exceso de información que podrá completar el profesor en clase o el propio alumno con los enlaces que el autor le proporciona. Demostración de los ejercicios, paso a paso y con parámetros variables para observar en tiempo real los resultados. Resolución de ejercicios,


con aplicación de herramientas cad muy sencillas, el alumno tiene a su alcance el trazado de puntos, rectas, circunferencias, puntos medios, etc. A estos ejercicios se le suma la corrección del mismo. Evaluaciones finales, para comprobar los conocimientos generales del tema. Aplicaciones de los ejercicios en la vida cotidiana o en el diseño industrial, algo muy agradecido por los alumnos que constantemente se preguntan para qué sirve aquello que están dibujando de una forma un tanto abstracta. Guías didácticas, tanto para alumnos como para profesores, muchas veces necesarias para aquellos que lo utilizan por primera vez y que les ayudarán a entrar en el aula con más seguridad.

sin necesidad específico.

de

ningún

software

Curvas cónicas Es la aparentemente más sencilla de las presentadas, también la más limpia en cuanto a su diseño y uso. Hace un repaso de las construcciones de las curvas cónicas, elipse, parábola e hipérbola, desde una visión gráfica animada, ayudado por los mencionados nodos móviles y un estudio analítico más detallado matemáticamente, que cuenta incluso con una calculadora para no tener que salir de la aplicación para realizar operaciones.

Tangencias Una cuidadosa pantalla de presentación (el reloj está compuesto por ejemplos de tangencias entre circunferencias y además marca la hora exacta) nos ofrece todas las herramientas necesarias para el aprendizaje de estos contenidos de una forma directa y clara. Abarca de forma completa los contenidos necesarios sobre la materia para los niveles de E.S.O. 3º y 4º y Bachillerato. En mi opinión para los alumnos de 3º y 4º es una herramienta muy útil para usar en el aula, y para los alumnos de bachillerato, con más autonomía, como complemento y guía de estudio en casa, algo que ayudará enormemente a avanzar en un currículo tan apretado como el de Dibujo Técnico I y II. Es destacable la inclusión de herramientas que facilitan su uso con PDI

Curvas técnicas Al abrir esta página nos encontraremos con una locución, que si deseamos nos puede acompañar durante los ejercicios haciendo la explicación mucho más amena. Con la claridad característica de este autor nos encontraremos los tipos de curvas, su definición y trazado, así como las aplicaciones que tienen en la vida real y los razonamientos matemáticos asociados. Destacable es también la posibilidad de modificar los parámetros, tanto matemática como gráficamente, a través de nodos móviles interactivos. Pero si todo este material nos fuese insuficiente, podemos contar con los

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ejercicios en PDF con tan sólo tocar un botón.

universal y interculturales.

Finalmente, mencionar que existe una versión accesible para invidentes de todos estos contenidos a través de enlaces en las propias webs.

En definitiva, el dibujo artístico es el lenguaje de las formas, que sirve para expresar visualmente las ideas. Distinguimos entonces una dimensión objetiva del dibujo, que tiene intención analítica, basada en la observación y representación del objeto. Y la dimensión subjetiva, que pretende manifestar ideas y despertar sentimientos y emociones, por medio de la representación gráfica.

Dibujo artístico El dibujo artístico es la representaci ón gráfica al servicio de las ideas. Es una rama del dibujo que nos permite la representaci ón bidimension al y racionalizada de los objetos, para expresar sentimientos e ideas, por medio de la intelectualización de la observación.

facilita

las

relaciones

Para emprender esta vertiente del dibujo, es necesario conocer y dominar los recursos procedimentales, los instrumentos, los materiales y técnicas que permiten la expresión de un pensamiento en forma visual. Este procedimiento implica un proceso de intelectualización de lo percibido visualmente que permita una síntesis descriptiva y una representación objetiva y racional. Procedimientos del dibujo artístico: Para realizar dibujo artístico, es necesario profundizar en el conocimiento y representación de las formas complejas. También requiere de un dominio importante de los materiales y técnicas, para lograr una intencionalidad en la interpretación de dichas formas. Los productos deben estar basados en conceptos teóricos que impliquen una intelectualización de la observación.

El dibujo artístico es la representación gráfica bidimensional, de aquello que el ojo percibe tridimensionalmente. Es una técnica que permite representar la forma y el volumen empleando la línea como manifestación de sentimientos y pensamientos. Se realiza mediante técnicas gráficas sobre un soporte bidimensional, y representa de manera objetiva y subjetiva, la realidad y los conceptos.

Las técnicas deben emplearse al servicio de las ideas, y el trabajo debe abordarse de manera racional y ordenada. Es necesario conocer los principios básicos del signo visual y de la forma, para emplearlo en la representación analítica de los objetos. También hay que comprender las características formales de los objetos,

Es el lenguaje de las imágenes, empleado para la comunicación y expresión del ser humano, transmitiendo ideas, descripciones, mostrando los sentimientos. El lenguaje del dibujo supera las barrearas idiomáticas, pues tiene un carácter 4


respecto a su organización estructural y sus relaciones espaciales.

cuales desarrollan una alta relación entre cerebro-mano para poder plasmar las imágenes que conciben en la mente. Este último grupo es considerado como el de los verdaderos dibujantes, ya que abarcan famosos personajes de la historia y a aquellos que crean famosos personajes animados, mundos irreales, paisajes y seres de fantasía e incluso artefactos que podrían ser útiles en la vida real, aunque también son los más criticados y señalados a diferencia del primer grupo que es bien aceptado, sobre todo a aquellos dedicados al dibujo del retrato y paisajista.

El conjunto de los datos visuales nos ayuda a formar el conglomerado de las formas, para poder representarlos en forma prioritaria, según su importancia, para llegar al resultado deseado. Cualidades del dibujo artístico El dibujo artístico es la representación gráfica bidimensional de objetos o ideas. Es el lenguaje de las imágenes y se utiliza para comunicar sentimientos, ideas, descripciones.

Características del dibujo artístico

Psicología del dibujo artístico:

Elementos considerados en el dibujo artístico.

El dibujante artístico dibuja aquello que no puede expresar con palabras, por decirlo así: "tele transporta su imaginación y pensamientos" a un lienzo que puede ser de papel u otro material. Todos los trazos hechos sobre el lienzo, en conjunto representan la idea del dibujante, la cual alcanza bastante aceptación si todo el delineado fue trazado con técnica, soltura y originalidad. Dicho delineado implica el saber manejar tanto el instrumento de trazo con que se está trabajando, como los trazos que se pretenden realizar, pues un buen dibujo se caracteriza por sus trazos seguros y sueltos. No existe un procedimiento establecido para aprender a dibujar, cada dibujante perfecciona su dibujo a su forma de pensar, pero cabe destacar que el arte del dibujo a mano alzada solo se consigue dominarlo con práctica y dedicación.

"Cualquiera puede ser dibujante, pero no cualquiera puede ser un buen dibujante", es un dicho muy conocido entre los artistas, esto es debido a que quien quiera dibujar, debe conocer muy bien no solo las técnicas y procedimientos de dibujo sino su entorno y cada elemento que hay en él, por esto mismo hay que ser muy observador, pero sobre todo paciente, pues no todo dibujo sale a la primera. Entre los elementos que se debe dominar para ser un dibujante artístico están los siguientes. Proceso en el dibujo artístico Apunte: es el dibujo rápido que se usa para captar y recordar las características de lo que se va a dibujar después. Es especialmente útil cuando se dibujan exteriores o figuras en movimiento.

Dentro del campo del dibujo artístico, algunos críticos dividen a los dibujantes en dos grupos: aquellos que solamente copian un dibujo o modelo ya existente, los cuales hacen uso de su capacidad de observación y motricidad para copiar la imagen tal cual es; y aquellos que dibujan a partir de su capacidad imaginativa y creadora, los

Boceto: es la prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para ayudar a decidir el encuadre, la composición, qué elementos se incluyen… Encajado: son las líneas generales que se trazan en el papel definitivo (se tapan o 5


borran después) que sirven como base del dibujo.

encuadre del dibujo, es colocar esté frente a un espejo, de esta manera descubriremos si nuestra obra se encuentra bien proporcionada y si guarda la simetría correspondiente; esto es muy útil en especial con los dibujos del rostro y en retratos. En ocasiones nuestro ojo suele "engañarnos" al momento de dibujar y resulta que al terminar un trabajo, desde nuestra mirada puede parecernos correcto y bien encajado, mas al colocarlo frente al espejo se descubren algunos errores de proporción y, es conveniente no olvidar que es así como lo verá el espectador. Esto se corrige con la práctica constante y recordando que es muy importante la observación para que podamos relacionar correctamente todos los elementos del objeto a dibujar y lograr así una representación correcta. Otras formas de evaluar si nuestro dibujo es correcto son, colocarlo al revés, mirarlo a contraluz por el reverso de la hoja y, colocar nuestra hoja un poco más abajo para cambiar nuestra perspectiva al mirarla.

Línea: es el dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo más general y después el detalle. Valorización: para conseguir más realismo y volumen, se sombrean las zonas más oscuras. Las zonas de luz se pueden aclarar borrando o usando un lápiz de color blanco o similar. Color: un dibujo puede llevar color, especialmente si está destinado a ser una ilustración (dibujo que acompaña a un texto en libros, carteles, etc.). El color se puede aplicar con varias técnicas: acuarela, tinta, lápiz de color, ordenador... El color puede ser plano (homogéneo) o con textura (apariencia irregular que se puede conseguir con el material, el papel, la técnica, etc.). Correcciones: los errores se pueden corregir, borrando, cubriendo una zona del dibujo con pintura o un trozo de papel y dibujando sobre él, o escaneando el dibujo y modificándolo en un programa de retoque fotográfico (ej.: Photoshop). Con estos programas de retoque se pueden eliminar, añadir o resaltar cosas, mejorar contrastes y colores.

Instrumentos, técnica y materiales                     

Un modo de dibujo a mano alzada es el realizado sobre la marcha, sin correcciones posteriores, por viajeros, exploradores, científicos. A este tipo de dibujos se les conoce como cuadernos de campo. Como ejemplo se pueden citar al colombiano Juan José Gutiérrez, al alemán Wilhelm Filchner y al español Julio Caro Baroja. Proporción: la proporción en el dibujo es muy importante, ya que está dará al objeto representado la armonía necesaria al relacionar correctamente todos los elementos que lo conforman. Un consejo útil y práctico al momento de realizar el 6

Palotes Figuras básicas geométricas Texturas Claroscuro Distancia y Posición Perspectiva Escala Proporción Volumen Encuadre Contraste Armonía y unidad Objetos y detalles Cuadros sencillos Plantas Animales Objetos Arquitectónicos Paisajes Medios de transporte Efectos Especiales Animación e Historieta


     

Antropometría Manos y pies Rostro y gestos Posición y movimiento Escenas Teoría del color

 

El dibujo a mano alzada. Trazado de líneas rectas horizontales, verticales e inclinadas.

Este procedimiento se puede aplicar al trazar las líneas verticales con la salvedad que estas se deben trazan de arriba hacia abajo. Con las líneas inclinadas solo es preciso inclinar el papel y mantener el mismo procedimiento.

Es importante poder ejecutar un dibujo técnico a mano alzada, es la manera de expresar una idea técnica de forma rápida y objetiva. Para lograrlo se hace necesario tener dominio sobre la realización de determinados trazos que obligatoriamente algunos de ellos están formando parte de un dibujo técnico determinado, les estoy hablando de:    

Marque el punto de partida (inicio) y punto final de la línea deseada. Realice algunos ensayos de trazado, sin marcar, entre las marcas realizadas. Al realizar el trazo definitivo observe desde donde debe iniciar y mantenga la vista en el punto final mientras realiza el trazo.

Para el trazo de circunferencias pequeñas se puede proceder de la misma forma que se les explico en el rotulado para lograr algunos tipos de letras por lo que puedes consultar en la Unidad 1 el acápite El rotulado y el alfabeto de las líneas.

Líneas rectas horizontales Líneas rectas verticales Líneas rectas inclinadas Líneas curvas

Cuando se desea trazar circunferencias algo mayores se puede seguir el procedimiento que se le muestra en la figura siguiente:

Antes de dar algunos consejos y proponer ejercicios para lograr determinada habilidad en el trazo de los diferentes tipos de las líneas mencionadas es necesario conocer y saber las condiciones del instrumento de trazado a utilizar, les estoy hablando del lápiz. Para el trazado a mano alzada se utiliza un lápiz de mina blanda (B) o de dureza media (HB), afilado con punta cónica. El lápiz debe agarrarse entre el pulgar y el índice apoyado en el medio,sin mucha presión y a una distancia aproximada de la punta entre los 25 y 35 milímetros.

Se trazan algunos ejes y se realizan marcas equidistantes del centro (radio) que limitaran el contorno de la circunferencia. Se unen las marcas hasta obtener la circunferencia deseada.

Para el trazado de óvalos se realiza mediante un procedimiento similar al anterior y que puedes observar en la figura que se muestra a continuación.

Algunos consejos útiles para el trazo de las líneas rectas:

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Técnicas para el trazado a lápiz Técnicas para el uso de las escuadras

Para lograr un buen trazo se debe:  

El manejo de las escuadras para el dibujante reviste gran im portancia y la forma de hacerlo es con gran soltura y suavidad.

Colocar el lápiz con una inclinación aproximada de 60º hacia la dirección del trazo. Girar el lápiz durante todo el recorrido, a fin de que la punta se mantenga afilada y se desgaste uniformemente.

- Trazado de líneas horizontales

Las escuadras deben sostenerse sin excesiva presión, sólo la necesaria para que no se muevan. El modo de usar las escuadras puede ser: por separado, en combinación y apoyándolas sobre la regla T.

Para trazar líneas horizontales a mano alzada, el lápiz debe moverse de izquierda a derecha. El movimiento se realiza en una sola ejecución. - Trazado de líneas verticales Para trazar líneas verticales a mano alzada, el lápiz debe moverse de arriba hacia abajo. El movimiento se realiza en una sola ejecución.

Cuando las escuadras se utilizan en combinación, una sirve de apoyo y guía, y la otra se desliza hacia los lados. Mientras la mano izquierda sostiene una escuadra la mano derecha mueve la otra escuadra sobre el borde de la anterior para realizar el trazo.

- Trazado de líneas oblicuas Para el trazado a mano alzada de líneas oblicuas inclinadas a la derecha, el trazo se realiza hacia arriba.

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Técnicas para el uso del compás Para realizar el trazado de circunferencia se debe proceder de la siguiente manera: 

Técnicas para el uso de la regla "T" Para trabajar con la regla T debes apoyar la cabeza sobre el borde izquierdo del tablero de dibujo, deslizándola hacia arriba y hacia abajo.

Se abren las patas del compás y tomándolo por el cabezal con los dedos del índice y el pulgar, se lleva la punta de acero con la otra mano hasta colocarlo en el centro establecido. Se inclina ligeramente el compás en el sentido de avance, haciendo girar el cabezal entre los dedos para iniciar y concluir el trazado de la circunferencia. La mina debe permanecer perfectamente afilada. Se recomienda afilarla en forma de bisel. Las puntas de metal y la de grafito deben quedar del mismo largo al usarse, ya que la punta de metal penetrará el papel.

Técnicas para el uso del transportador. El uso del transportador es sumamente sencillo. Con él se realizan lecturas de ángulos ya trazados y se divide una circunferencia en el número de grados deseados. Es indispensable en la construcción de polígonos estrellados. Para construir un ángulo, el número de grado puede contarse a partir de cero grados colocado en el extremo del transportador o a partir de 90 grado, es decir, de la parte media del transportador.

El trazado se hace de izquierda a derecha con el lápiz ligeramente inclinado. Entre trazo y trazo el lápiz se hace girar sobre su propio eje para que la mina del lápiz se desgate uniformemente.

Para medir un ángulo ABC, basta con disponer el transportador de modo que el centro del semicírculo coincida con el vértice B del ángulo, y que la recta que pasa por B y por el cero de la escala, coincida con el lado AB. El valor del ángulo

La regla T nos permite hacer trazos horizontales, verticales, inclinados, perpendiculares, paralelos y oblicuos, entre otros.

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está dado por el número de grados correspondiente al lado BC. El ángulo de la Figura es 39º.

particular manera que tiene esta persona de responder ante experiencias nuevas y ante formas que le son familiares. En el dibujo de bocetos, la habilidad técnica tiene una cierta importancia – no porque de ello dependa la competencia o la excelencia del artista – porque con la ayuda de la técnica se aprenderá a manejar el medio, y se podrán asumir ciertos rasgos cuando el trabajo los exija. El boceto, es también, el campo de pruebas para el uso de la línea, valores tonales, masas, textura, formas y color – elementos de composición – que después pueden ser traducidos a otros medios pictóricos y que asimismo pueden formar la base para proyectos mucho más ambiciosos.

Técnicas de bocetaje

Realizar bocetos tiene un buen número de funciones diferentes, y existen tantas maneras distintas de hacerlo como formas de manchar el papel, y tantos tipos diferenciados de boceto como artistas que los realizan. Uno de los aspectos básicos del boceto es su utilidad en cuanto a método de recogida de información visual acerca del mundo que nos rodea. El boceto puede constituir un fin en sí mismo ya que representa una variedad artística versátil y gratificante, accesible a cualquier persona. Los bocetos se realizan para obtener habilidad, y obtener una guía para el resultado final de un proyecto. La habilidad técnica aumenta con la experiencia; no hay otra manera de llegar a conocer los materiales con que se trabaja que utilizándolos con frecuencia para saber cuáles son sus capacidades y limitaciones. La vitalidad de un tema se puede transmitir, tanto con una descripción lineal como a través de trazos y manchas. Pero si el color real del dibujo es de la mayor importancia, se puede recurrir a las notas escritas en el dibujo y a la introducción de valores tonales a lápiz o carboncillo, que

Resulta muy difícil dar una definición precisa de lo que es un boceto; en realidad, no se trata del tiempo empleado en su ejecución, ni de la técnica ni del nivel de acabado que se haya logrado. Normalmente los mejores bocetos tienen unainmediatez que sugiere un trabajo rápido y espontáneo; pero, por el contrario, algunos dibujos muy detallados y extensos, cuya elaboración ha exigido mucho tiempo de trabajo mantienen la frescura que generalmente se asocia con los apuntes rápidos y ágiles. Un boceto, hablando en términos visuales nos comunica algo de las preferencias y placeres personales del artista, acerca de la 10


ayudan

a

recordar

lo

observado.

En un sentido general, la perspectiva es la representación de la profundidad sobre una superficie de dos dimensiones. Es la forma que han desarrollado los artistas para conseguir una imagen en dos dimensiones del mundo tridimensional que habitamos. Esto puede conseguirse utilizando diversas técnicas, una de ellas es la perspectiva lineal. Es un tipo de perspectiva basada en esquemas. Aunque pueda parecerlo, la perspectiva lineal no se corresponde con la forma natural de ver las cosas, es una abstracción, una elaboración cultural que ha pasado a lo largo de la historia por diversas etapas de desarrollo antes de adoptar la forma actual. En el arte, cada época artística ha desarrollado medios distintos de representación, ajenos e incluso contrarios a la perspectiva lineal, pero no por ello menos válidos, ya que responden a las necesidades de la época, y todas las formas de representación son válidas.

El dibujo de bocetos como método de registro de experiencias y observaciones personales es una práctica común a todos los artistas, sea cual fuere su nivel de actividad. Pero para algunos de ellos, los bocetos son un medio para alcanzar un objetivo muy diferente; un método de viajar a través de posibilidades imaginativas que hagan factible una visualización concreta de algo que todavía no existe. Los artistas que trabajan en los más variados campos de las artes y del dibujo –bellas artes, actuaciones, decoración, artes industriales, arquitectura y diseño gráficosuelen dibujar bocetos para desarrollar ideas que puedan ser traducidas a medios totalmente diferentes, gracias a técnicas materiales muy diversos. La relación entre el boceto y el producto final sólo existe en la mente del artista: en algunos casos, las relaciones visuales entre uno y otro son bastante evidentes; en otros, lo son mucho menos para el observador, aunque resulte albo obvio para el creador.

Desde un punto de vista técnico, es el método más eficaz de representación gráfica de cuerpos en el espacio. Las leyes de perspectiva buscan la veracidad en la relación entre el dibujo y el modelo. Para ello se utilizan sistemas que crean la ilusión de profundidad en el papel, de modo que el espectador puede deducir las distancias reales entre los objetos.

¿Qué es la perspectiva?

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En la representación artística de la perspectiva los artistas se conceden un amplio margen de libertad sin que ello perjudique a la obra. Para comprender cuáles son los fines y la justificación de la perspectiva aplicada al dibujo y a la pintura, hay que distinguir entre su uso técnico y su uso artístico.

en una relación espacial coherente; que los más alejados en la realidad parezcan los más alejados en la pintura, y los más cercanos parezcan estar más cercanos. El objetivo por tanto es que la escena se asemeje a la realidad. La perspectiva artística no tiene por qué ser reversible, porque no es un modelo a escala de la realidad con vistas a un fin práctico, simplemente a de ayudar al artista a representar la realidad de una forma aproximada y convincente. Hay que conocer las leyes que rigen a ambas, asimilando unas nociones básicas y unas reglas de aplicación práctica. Por muy exacto que pueda ser el cálculo de la perspectiva de una obra pictórica, el artista no puede conformarse con la apariencia abstracta y esquemática de la perspectiva técnica. La perspectiva debe ser el esqueleto de otros valores artísticos, (forma, color, sombreado, etc), que se le superponen Elementos principales de la perspectiva

La perspectiva técnica debe ser reversible: las leyes que permiten dibujar una caja, una calle ó una catedral a partir de unos datos básicos (altura, longitud y anchura del objeto) tienen que permitir a cualquier espectador que estudie dibujo en perspectiva reconocer los datos originales que han hecho posible su representación. El ejemplo más evidente de perspectiva técnica es el dibujo arquitectónico. La función primordial de una perspectiva arquitectónica no es otra que construir un modelo a escala de la realidad, de manera que el constructor pueda deducir las medidas reales a partir de las medidas del dibujo.

¿Ha viajado por una carretera recta alguna vez? Te darás cuenta que al ver al frente, hacia el horizonte, los objetos se observan más pequeños, lejanos... Hay artistas que en la pintura y en el dibujo logran hacer este efecto de lejanía de los objetos. Para ello, utilizan diferentes tipos de líneas: Líneas paralelas, van una al lado de la otra y, aunque sigan en un plano, nunca se encontrarán. Líneas oblicuas, son líneas que parten de puntos distintos una al lado de la otra, pero que en su recorrido se encontrarán en algún punto.

La perspectiva artística no se basa en números y medidas precisas. Las leyes de la perspectiva en la pintura o el dibujo artístico tienen como finalidad que los objetos representados de la escena estén 12


Líneas convergentes, partes de dos partes distintas para luego encontrarse en un punto.

Ejemplos de esto son "La Última Cena", de Leonardo da Vinci, y "La Anunciación", de Fra Angélico.

Líneas divergentes, parten de un mismo punto a distintas direcciones.

La perspectiva lineal en "La Anunciación"

Con la unión de estos tipos de líneas podrás lograr efectos interesantes ya que la perspectiva consiste en representar las cosas como se ven. Como sabrás, las líneas son un conjunto de puntos unidos, si vemos una línea con una lupa se vería así: El punto es un elemento importante dentro de la perspectiva porque las líneas pueden partir de un punto a otro.

En la “Anunciación”, de Fra Angélico, pintada a fresco en el pasillo del convento de San Marco en Florencia, la perspectiva lineal es construida con una precisión geométrica hasta en los mínimos detalles arquitectónicos. El espacio así creado da a los personajes una "presencia" pacífica y armoniosa pero éstos quedan en un lugar cerrado. El punto de fuga, colocado en la pequeña ventana, llama irresistiblemente la atención del espectador que debe "entrar" en el cuadro para impregnarse de la belleza del acontecimiento.

Para lograr la perspectiva se mezclan los diferentes tipos de líneas y el punto, aunado al cambio en el tamaño de los objetos. Tipos de perspectiva Algunos tipos de perspectiva son: perspectiva lineal, perspectiva aérea, perspectiva invertida, perspectiva de importancia y perspectiva axonométrica.

Dentro de lo que se llamaría perspectiva artística tenemos:

Perspectiva lineal: Consiste en que las líneas paralelas que van de más cerca a más lejos, convergen en un punto de fuga, lo que crea una ilusión de profundidad. En rigor, el punto de fuga está situado en profundidad dentro del cuadro.

Perspectiva aérea La perspectiva aérea, perfecciona la perspectiva lineal, representando la atmósfera que envuelve a los objetos, esfumando las líneas convergentes, eliminando los límites de forma y color, lo que da una impresión muy real de la distancia.

Utilizando esta perspectiva, entonces, el pintor sitúa las figuras, de más cerca a más lejos, en diferentes planos, que son paralelos al fondo, e interpone el vacío entre unas y otras.

Ejemplo de esto es el cuadro "Las meninas", de Velázquez.

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En un cuadro, dibujo o pintura con perspectiva aérea, las condiciones climáticas y atmosféricas (humo, neblina) proporcionan una sensación de profundidad, ya que los colores y la tonalidad de la imagen se amortiguan según aumenta la distancia. Los diferentes cambios cromáticos facilitan a que la perspectiva aérea sobresalga y destaque.

En la perspectiva invertida el punto de fuga está situado adelante, al exterior del cuadro.

Perspectiva paralela Se llama perspectiva paralela a la que consta de un solo punto de fuga que además deberá estar justo frente a nosotros o desviado solo ligeramente; lo más simple de representar en perspectiva paralela es, por ejemplo, un cubo.

La utilización frecuente, aunque no en forma exclusiva, de la perspectiva invertida en el arte del ícono desorienta al hombre de cultura europea moderna cuyos ojos están acostumbrados a la perspectiva lineal reintroducida en el arte entre los siglos XIII y XIV.

Perspectiva oblicua

Perspectiva de importancia

Se llama así a la que dispone de dos “puntos de fuga” de las diagonales del objeto, los cuales se encontrarán como es lógico sobre la Línea del Horizonte (recordad que corresponde a nuestro “punto de vista”).

La perspectiva de importancia es un método de representación que permite resaltar a un personaje con relación a otros sobre el mismo icono. Es decir, el tamaño de los personajes determina su importancia jerárquica entre los presentes en un mismo ícono.

Perspectiva invertida

Buen ejemplo lo tenemos (figura a la derecha) en el Icono de San Juan Clímaco

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(en el centro) rodeado de san Jorge (a la izquierda) y de san Blas. Rusia, siglo XIII.

Para obtenerla, primero se realiza a mano alzada lo que se quiere, para ver si se puede realmente desarrollar la pieza, el espacio, el lugar u objeto que se va a proyectar. Los interioristas utilizan bastante esta modalidad para dar dibujos con medidas exactas a los industriales como carpinteros, herreros y todos los oficios de una obra.

Perspectiva en el dibujo Existen tres tipos de perspectivas importantes que podemos manejar para expresar volumétricamente los espacios:   

Los ejes deben realizarse con escuadra y cartabón. Marcaremos una línea vertical, llamada eje Z y posteriormente dos líneas con un ángulo de 120º. Para realizar esta medida utilizaremos el cartabón por el vértice más estrecho, que es el de 30º. Así nos quedara el ángulo antes mencionado.

Perspectiva axonométrica Perspectiva caballera Perspectiva cónica

La perspectiva axonométrica se utiliza mucho para realizar los diseños previos. Es una representación neutral, fuera del espacio, las líneas del objeto quedan paralelas y acercan el abjeto hacia el espectador.

Una vez realizados los ejes de coordenadas solo nos quedará ir dibujando la pieza con las medidas dadas. Todo el dibujo se debe realizar paralelo a los ejes principales.

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Alberto Durero

La perspectiva caballera Contiene los objetos pero éstos tienen deformidades más acusadas. Teniendo los ejes principales X, Y, Z (figura a la derecha) utilizaremos una reducción para una buena representación espacial. La escala que debemos reducir solo será en el eje Y, aplicando la mitad de la dimensión del objeto que hay que dibujar.

(Albrecht Dürer; Nuremberg, actual Alemania, 1471-id., 1528) Pintor y grabador alemán. Fue sin duda la figura más importante del Renacimiento en Europa septentrional, donde ejerció una enorme influencia como transmisor de las ideas y el estilo renacentistas, a través de sus grabados. Se formó en una escuela latina y recibió conocimientos sobre pintura y grabado a través de su padre, orfebre, y de Michael Wolgemut, el pintor más destacado de su ciudad natal.

Es utilizada cuando una pieza, por su complejidad, no es fácil de interpretar a través de sus vistas como, por ejemplo, la de los manuales de instrucciones de todo tipo de maquinaria.

Como era habitual en la época, al concluir sus estudios realizó un viaje, que lo llevó a diversas ciudades de Alemania y a Venecia (1494), ciudad a la que regresaría entre 1505 y 1507 y en la cual recibiría las influencias de Mantegna y Giovanni Bellini, además de asimilar los principios del humanismo. Previamente había contraído matrimonio y abierto un taller en su Nuremberg natal, donde se dedicó a la pintura (Retablo Paumgärtner) y sobre todo al grabado.

La perspectiva cónica es la más compleja de representar gráficamente, pero la más utilizada en arquitectura y decoración para representar grandes edificios y volúmenes. Ésta es la que más se aproxima a la visión real, equivale a la imagen que observamos al mirar un objeto con un solo ojo. La vemos muchas veces en carteles de complejos y edificaciones inmobiliarias que están en construcción. Es el resultado de cómo va a quedar la nueva obra, zona edificada, ajardinada y piscina. De esta manera los compradores pueden tener una idea de lo que van a adquirir.

A esta época pertenecen las series de grabados El Apocalipsis, La Gran Pasión y la Vida de la Virgen, convencionales en cuanto a temática pero revolucionarios por 16


lo que se refiere a su concepción y su complejidad técnica. Las figuras, plenas de expresividad, son esculturales y están definidas por una multitud de detalles. La minuciosidad es precisamente uno de los rasgos destacados del estilo de Durero, carácter que es probable que heredara del oficio paterno.

texturas, que rivalizan en perfección con los Autorretratos, quizá lo más conocido de su obra pictórica. Alberto Durero gustó de retratarse a sí mismo desde la temprana edad de trece años y mantuvo siempre esta costumbre, reflejo del nuevo interés renacentista por el hombre, y en especial el artista.

Después de su segunda estancia en Italia, pintó algunas obras de grandes dimensiones como El martirio de los diez mil, en las que incorporó la riqueza del colorismo veneciano en composiciones de gran dinamismo y repletas de figuras. También por entonces pintó las figuras de tamaño natural de Adán y Eva, pieza clave de su creación artística.

Sin embargo, son los grabados las realizaciones en que dio una muestra más cabal de su genio; destacan los de 15131514, sobre temas imaginativos y que permiten varios niveles interpretativos: El caballero, la muerte y el diablo, San Jerónimo en su estudio y la triste Melancolía I, su obra cumbre como grabador, que constituye una compleja alegoría sobre las dificultades con que tropieza el artista en la realización de su obra creativa. Durante los últimos años de su vida, Durero se centró en la ejecución de un retablo para su ciudad natal: Los cuatro apóstoles. Esta obra, de grandes dimensiones e intenso colorido, refleja el trabajo de toda una vida, en particular los numerosos estudios que había hecho sobre las proporciones y la monumentalidad de la figura humana. Se recuerdan también como obras de un maestro alguno de sus dibujos de plantas y animales, así como las acuarelas pintadas por puro placer a partir de paisajes que había contemplado durante sus viajes, y los dibujos de gentes y lugares de los Países Bajos, que constituyen un testimonio histórico inapreciable. Erasmo de Rotterdam le dedicó la mejor alabanza que un humanista podía hacer de un pintor, al definirlo como el «Apeles de las líneas negras».

Adán y Eva (1507), de Durero Tal era su fama que fue nombrado pintor de corte del emperador Maximiliano I (1512); también Carlos I lo reclamó. De Maximiliano realizó retratos de carácter, animados por la riqueza y variedad de las 17


Grabado en madera

Grabado en madera es una técnica en la obra gráfica y de impresión tipográfica en la "matriz" trabajado por el artista es un bloque de madera. Funcionalmente una variedad de grabar en madera, se utiliza la impresión en relieve, en el que se aplica la tinta a la cara del bloque y se imprime usando una presión relativamente baja. Por el contrario, el grabado de ordinario, como un grabado, tiene una placa de metal como una matriz y se imprime por el método de huecograbado, donde la tinta se llena los "valles". Como resultado, los grabados de madera deteriorado mucho menos rápidamente que los grabados de cobre y la placa de blanco y tenía un carácter distintivo en negro. La técnica de grabado en madera fue desarrollada a finales del siglo 18 por Thomas Bewick, cuyo trabajo diferenciado de grabados anteriores en dos aspectos fundamentales. En primer lugar, en lugar de utilizar las herramientas de talla de madera, tales como cuchillos, Bewick utiliza buril de grabador. Con esto él fue capaz de crear líneas delicadas muy delgadas, a menudo con grandes áreas oscuras en la composición. En segundo lugar, el grabado de madera utiliza tradicionalmente el grano del extremo de la madera, mientras que en la técnica anterior de grabado se utiliza el

grano lado más suave. La mayor dureza y durabilidad que resultó permitió para obtener imágenes más detalladas. Bloques de madera grabados podrían ser utilizados en las prensas de impresión convencionales, que fueron ellos mismos haciendo mejoras mecánicas rápidas durante el primer cuarto del siglo 19. Los bloques se hicieron la misma altura, y compuesta junto con el tipo movible dentro de un diseño de página y, como tal, miles de copias de una página de ejemplo ilustrado se podrían imprimir con casi ningún deterioro de los bloques de ilustración. La combinación de este nuevo método de fabricación de bloques de impresión en relieve e impresión mecanizada permitieron una rápida expansión de las ilustraciones en todo el siglo 19. Además, los avances en los estereotipos y galvanoplastia permitidos madera-grabados para ser reproducidos en el metal, donde podrían ser producidos en masa para la venta a las impresoras. A mediados del siglo 19, muchos grabados en madera rivalizaron los de grabados en cobre. Grabado de madera fue utilizado con gran efecto por los artistas del siglo 19 tales como Edward Calvert y su época de esplendor duró hasta principios y mediados del siglo 20, cuando los logros notables fueron hechas por Eric Gill, Eric Ravilious y otros. Aunque menos utilizado ahora, la técnica aún está apreciada en el siglo 21 como una técnica especializada de alto nivel de la ilustración de libros, y es promovido por la Sociedad de Grabadores de madera que tienen una exposición anual en Londres y otras sedes regionales británicos. Historia En Europa, 15 y 16 del siglo, grabados en madera son una técnica común en el grabado y la impresión, sin embargo, su uso como medio artístico comenzó a 18


declinar en el siglo 17. Todavía se están realizando para el trabajo de imprenta básica, como periódicos o almanaques, que requerían bloques simples impresos en relieve en el texto, en lugar de las formas de huecograbado más elaborados que predominaron en las ilustraciones de libros y grabado artístico en ese momento, aún no se había se va a imprimir con placas y técnicas separadas.

La técnica fue introducida en Estados Unidos por el Dr. Alexander Anderson que, habiendo sido impresionado por las obras de Bewick, ingeniería inversa e imitó su técnica, usando el metal hasta que se enteró de que Bewick lugar utiliza madera. Allí se amplió a por sus alumnos, Joseph Alexander Adams, Crecimiento de las publicaciones ilustrada Además de su uso para la interpretación de los detalles de luz y sombra, el método se ha encontrado otro uso desde la década de 1820 como un medio para reproducir dibujos a mano alzada. Esto fue en muchos aspectos una aplicación natural, ya que los grabadores se vieron obligados a cortar casi toda la superficie del bloque con el fin de dejar imprimir las líneas negras del dibujo del artista, sin embargo, llegó a ser, con mucho, el uso más común de grabado en madera . Algunos ejemplos son las caricaturas de la revista Punch, las imágenes en el Illustrated London News e ilustraciones de sir John Tenniel para las obras de Lewis Carroll, el último grabado por la firma de los hermanos Dalziel. En Estados Unidos, las publicaciones de madera grabado también comenzaron a tomar fuerza, como Harper semanal.

Las modernas técnicas de grabado en madera desarrollaron a finales del siglo 18 y principios del siglo 19, con las obras del inglés Thomas Bewick. Bewick general hizo su grabado en maderas más duras, tales como madera de boj, que los que se habían utilizado en grabados en madera, y que sería grabar el final de un bloque en lugar de un lado. Encontrar un cuchillo de cortar madera no apta para trabajar contra la corriente en maderas duras, Bewick utiliza un buril, buril el que tiene una punta de corte en forma de V. Desde el principio del siglo XIX, las técnicas de Bewick llegaron poco a poco en un uso más amplio, sobre todo en Gran Bretaña y Estados Unidos.

Frank Leslie, un grabador de origen británico que había dirigido el departamento de grabado del Illustrated London News, emigró a los Estados Unidos en 1848, donde desarrolló una forma de dividir el trabajo para hacer grabados en madera. Un solo diseño se divide en una cuadrícula, con cada grabador trabajando en un cuadrado de la cuadrícula. Los bloques fueron ensamblados entre sí para formar una imagen de gran tamaño singular. Este proceso sirvió de base para su Periódico Ilustrado de Frank Leslie, que compitió con Harper para ilustrar escenas de la Guerra Civil Americana.

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Nuevas técnicas y tecnologías

creativa por derecho propio, un movimiento prefiguró a finales de 1800 de artistas como Joseph Crawhall II y los Hermanos Beggarstaff.

A mediados del siglo 19, se desarrolló la técnica de la galvanoplastia, lo que permitió un grabado en madera que se reproduce en el metal. Por este método, una madera-grabado solo podría ser producida en masa para su venta a imprentas, y el original retenido sin desgaste.

Técnica

Hasta 1860, los artistas que trabajan para el grabado tuvieron que pintar o dibujar directamente en la superficie del bloque y de la obra de arte original fue destruido de hecho por el grabador. En ese año, sin embargo, el grabador de Thomas Bolton inventó un proceso para la transferencia de una fotografía sobre el bloque.

Bloques de grabado de madera suelen ser de madera de boj o de otras maderas duras como el limonero o cerezo. Ellos son caros de comprar porque la madera de testa debe ser una sección a través del tronco o rama grande de un árbol. Algunos grabadores de madera modernos utilizan sustitutos hechos de PVC o resina, montada en MDF, que producen resultados igualmente detalladas de un carácter ligeramente distinto.

Casi al mismo tiempo, grabadores francesa desarrolló una técnica modificada en la que la cruz-trama fue eliminado casi en su totalidad, en su lugar, todas las gradaciones de tono fueron prestados por líneas blancas de espesor variable y la cercanía, a veces roto en puntos para las zonas más oscuras. Esta técnica se puede ver en los grabados de los dibujos de Gustave Dor.

El bloque se manipula en un "saco de arena", lo que permite líneas curvadas u onduladas a ser producidos con un mínimo de manipulación de la herramienta real que se está utilizado.

Hacia el final del siglo, la combinación de Bolton de 'foto en la madera "proceso y la mayor virtuosismo técnico iniciado por la escuela francesa dio grabado en madera de una nueva aplicación como medio de reproducción de dibujos en la colada del agua-color y fotografías reales. Esto se ejemplifica en las ilustraciones para la revista The Strand durante la década de 1890. Con el nuevo siglo, las mejoras en el proceso de medio tono prestan este tipo de grabado reproductiva obsoleta, aunque en una forma menos sofisticada que sobrevivió en los anuncios y catálogos comerciales hasta cerca de 1930. Con este cambio, el grabado de madera fue dejado en libertad de desarrollar una forma

Madera grabadores utilizan una serie de herramientas especializadas. La pastilla más grave es similar al utilizado por el buril de grabado de cobre de días de Bewick, y viene en diferentes tamaños, también hay distintos tamaños de forma de V más grave utilizados para la eclosión. Otras herramientas más flexibles incluyen el spitsticker, que producirá líneas onduladas finas; scorper la ronda, que es excelente para las texturas que implican curvas, y la

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scorper plana que es útil para la limpieza de las zonas más grandes.

semejante; haciendo surcos sobre la plancha, de manera que cuanto mayor es la presión que ejerce, más profunda resulta la incisión realizada, lo que provocará que se aloje en ella una mayor cantidad de tinta.

Grabado de madera es generalmente una técnica de blanco y negro. Sin embargo, hay un puñado de grabadores de madera que también trabajan en el color, usando tres o cuatro bloques de colores primarios, un principio similar al proceso de cuatro colores en la impresión moderna. Para ello, el impresor debe registrar los bloques.

A ambos lados de los surcos se levantan limaduras metálicas, que se aplastan con herramientas específicas llamadas rascador y bruñidor. El grabado a buril es la técnica artística más difícil para plasmar un dibujo, enlace o letra; está relacionado con la joyería por ser una gran fuente de grabados. Se graba principalmente sobre plata y oro, por ser materiales más blandos, aunque también se puede grabar materiales más duros incluso en el acero.

Recientemente, el láser ha comenzado a ser utilizado para el grabado de madera.

Grabados en cobre La imagen se consigue arañando una matriz metálica, por medios mecánicos o químicos, de modo que las partes oscuras de la imagen correspondan a las incisiones, donde se depositará la tinta, quedando en blanco las partes del papel que queden en contacto con las zonas no vaciadas, exactamente al contrario de lo que sucede con los grabados en relieve. Los procedimientos en hueco se clasifican, a su vez, en procedimientos de método directo, si el grabador interviene sobre la plancha realizando incisiones para trazar la imagen, o de método indirecto, si la huella sobre la plancha se logra utilizando productos químicos.

Punta seca Esta técnica toma su nombre de la herramienta utilizada, un punzón fino y afilado que se emplea arañando una plancha de cobre con mayor o menor presión en función de la intensidad de línea que se desea. La punta de este instrumento puede ser de acero, diamante o rubí, tiene forma de aguja y con ella se trabaja a pulso, como si se tratase de un lápiz, siendo las líneas producidas más finas que las del buril. Igual que con el procedimiento anterior, a ambos lados de la línea quedan limaduras o rebabas, que pueden quitarse con el rascador; sin embargo, a menudo se dejan, de modo que la impresión aparece ligeramente difuminada, dejando en las estampas un característico velo. Puesto que la rebaba acaba aplastándose con la prensa, es difícil realizar ediciones largas.

Procedimientos de método directo Al buril Es la técnica en la que se construye el dibujo excavando líneas sobre una matriz de metal ayudándose exclusivamente con el buril, que es una herramienta compuesta de un mango en cuyo extremo se ha sujetado una barra de acero de sección cuadrada, a la que se le ha tallado oblicuamente la punta, de modo que deja una marca en forma de "V". El buril recuerda en su forma a un arado, y el grabador lo utiliza de una manera

Mezzotinta El nombre viene del italiano "Mezzatinta", y también se llama "grabado a la manera negra". Consiste en conseguir un tono oscuro y uniforme en la totalidad de

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la plancha, que se va matizando hasta conseguir el blanco, mediante un proceso de bruñido de la superficie. La plancha se prepara utilizando la herramienta llamada berceau (o raedor) y se consiguen los blancos sobre el negro utilizando el "bruñidor". También se puede conseguir el negro utilizando repetidamente la técnica del aguatinta sobre la plancha hasta conseguir un tono negro profundo. Esta última técnica es llamada frecuentemente "Falsa Manera Negra". Procedimientos de método indirecto Grabado de 1853

Aguafuerte

Es el proceso según el cual la matriz se protege en su totalidad con un barniz compuesto de betún de Judea y cera de abeja que se puede aplicar en estado líquido o sólido, y que se deja secar. Cuando está seco, se levanta con un punzón u otro utensilio capaz de retirar el barniz, siguiendo el dibujo que se quiera realizar, y dejando la superficie de la plancha al descubierto. Una vez levantado el barniz con la forma del dibujo, se introduce la plancha de metal en una solución de agua y ácido nítrico, que actuará corroyendo la plancha en las zonas donde se ha retirado el barniz y grabando la superficie del metal, que será más profundo cuanto mayor sea el tiempo que actúe el ácido, y la concentración de la solución empleada sea mayor. Aguatinta

Retrato de Luca Giordano aguafuerte del siglo XVIII

en

un

Esta técnica es empleada generalmente en combinación con otras y se utiliza para conseguir tonos planos y texturas, el proceso es similar al del aguafuerte. La plancha se protege espolvoreando sobre su superficie polvo muy fino, de resina de colofonia. A continuación se calienta la plancha hasta que el polvo de colofonia se funde y queda adherido a la superficie de la matriz. La

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plancha así preparada se introduce en la solución de ácido, que excava alrededor de los granos de resina. Al igual que en la técnica del aguafuerte, mayores concentraciones de ácido y mayores tiempos de exposición al mismo, significan que más cantidad de tinta se alojará en el grabado.

Cuando el conjunto está seco, se introduce en agua y se diluye en esta la tinta china y el agua, quedando al descubierto la plancha y la resina en las zonas que habíamos dibujado con la tinta china y el azúcar. Al introducir la plancha en el ácido, este actuará en las zonas donde se había aplicado la tinta china con azúcar y que ahora estarán desprotegidas por el barniz.

Otras técnicas indirectas Litografía Barniz blando Está técnica consiste en emplear un barniz que al secar mantiene una textura pegajosa y que se cubre con un papel muy fino, de los denominados "de seda", sobre el que se dibuja apretando con un lápiz de grafito. Con esto se consigue que el papel de seda se quede especialmente pegado al barniz en las zonas donde se ha dibujado sobre él, de manera que cuando se ha terminado de dibujar, se retira el papel, y pegado a él el barniz de las zonas donde se ha dibujado, quedando la plancha sin protección. A continuación se introduce la plancha en el ácido, consiguiéndose el grabado sobre la superficie de la plancha. Esta técnica se emplea básicamente para obtener líneas suaves que imitan la textura del lápiz. Tinta china con azúcar Esta técnica es una variación del aguatinta y constituye un artificio para poder dibujar sobre la plancha utilizando tonos planos. Surge para resolver la dificultad que representaba el tener que dibujar sobre la plancha, preparada para el agua tinta, reservando las zonas donde no se desea que actúe el ácido. Para utilizar esta técnica es preciso preparar la matriz de metal cubriéndola con resina de colofonia. A continuación se prepara una solución de tinta china con azúcar, con la que se realiza el dibujo sobre la plancha, aplicándola con un pincel. Se deja secar la tinta china con azúcar y se cubre la plancha con barniz.

La Goulue, poster litográfico de ToulouseLautrec. Técnica empleada para conseguir la reproducción de una imagen, en la que la matriz es una piedra caliza pulida. En esta técnica no se graba la piedra, sino que se emplea la característica que tiene cierta variedad de caliza para reaccionar

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químicamente ante la presencia de las grasas. La imagen se realiza sobre la piedra dibujando con un lápiz graso que recibe el nombre de "lápiz litográfico" o con tintas especiales para litografía. Una vez realizado el dibujo se procesa la piedra con una solución de ácido y goma arábiga, consiguiendo que el dibujo quede fijado a la piedra y estable. Se humedece la piedra y la tinta se aplica con rodillo, el rechazo que ejerce la zona dibujada (grasa) sobre el agua, y el rechazo del agua sobre la tinta aplicada (también grasa) hace que la tinta solo se deposite sobre el dibujo. Para obtener las copias se utiliza una prensa litográfica. Monotipia Se trata de un procedimiento de impresión que permite una sola reproducción, aunque puede considerarse una técnica de grabado porque utiliza como base una plancha con la que, al igual que sucede con la litografía, se trabaja sobre plano. La plancha debe ser una superficie lisa y no absorbente, generalmente porcelana, cobre pulido o cristal. El dibujo se hace con óleo, tinta de impresión o acuarela, y sobre él se coloca el papel, presionando después con la prensa de grabado para obtener una imagen invertida. Esmaltografía La esmaltografía es una técnica de producción de obras gráficas mediante la aplicación de esmalte de baja temperatura sobre láminas de acero, cobre o cinc, lo que permite lograr diferentes texturas susceptibles de ser aprovechadas para la impresión de estampas.

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