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Estrenos, la cosa va de estrenos. Con mucha ilusión estrenamos logotipo, imagen y aspecto en la revista, todo ha sido fruto de un mes durísimo de trabajo, que gracias a la paciencia de nuestro editor, diseñador e ilustrador, Jacobo Garcia, ha sido toda una revolución. Una vez más el resultado de un gran esfuerzo es tangible en un número exquisito en el que el 100% del equipo ha dado todo, un equipo que cada vez es más grande y competente. La reciente confirmación como Dj set en el Independance Club, es otra evidencia más que recoger el fruto de lo plantado es algo grandioso. Solo podemos agradecer a los oyentes, followers, curiosos y adictos vuestros apoyo, vuestra difusión. Convertís LVC en un proyecto maravilloso. Ojo que esto no acaba aquí, cada día, cada semana, cada mes veréis como esto evoluciona, al menos yo estoy orgulloso y feliz de poder regalar a cada uno de vosotros este pedazo de nosotros. Que siga sonando la música, que comience La Voz en Color. Álvaro Cobarro, co presentador de LVC.


Analizamos el nuevo trabajo, de la banda de Brigton. Raíces Garageras para uno de los grupos más interesantes del panorama alternativo actual.

Una de las bandas fetiches de LVC, no solo nos invita a su concierto junto a Grushenka y Cosmen Adelaida, nos regalaron una fantástica entrevista.

Un estreno más, lo nuevo de esta banda, que no dejará indiferente a nadie.

!LVC se fue de concierto, os lo contamos¡

Presentadores: Luís Torrijos, Santy Otero, Álvaro Cobarro. Guionistas: Luís Torrijos, Santy Otero, Álvaro Cobarro. Técnico de Sonido: Santy Otero Contenidos Revista: Kike Martinez Diseño y maquetación: Jacobo García Peñalver Colaboradores: Tolo Nadal, Lagartoon Música Alternativa, Dj Enemiga. Redactores en este número: Luis Torrijos, Álvaro Cobarro, Kike Martinez, Dj Enemiga, Lagartoon Música Alternativa, Haydee Fayos (PN)

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Analizamos a fondo el nuevo disco de esta exhuberante banda de Tenesse.

Ambros Chapel/ O Valient HeartsEl “Ojo Con...” de este mes, encantados de recibir cada mes grupos y grupos a nuestro mail.

La banda gallega anuncia su regreso a los escenarios y a los estudios, desde luego una gran noticia que no podía pasar desapercibida a ojos y oídos de LVC.

Punto y final a una triologia que nos descubre el Berlín más vanguardista, underground. Desde luego una exquisitez que ponemos a disposición de todos los lectores de LVC.

Agradecimientos: Odio París, El genio equivocado, Pániko Nuclear, Imagono, IndependanceClub y a todos vosotros, que hacéis posible este ambicioso proyecto.

De nuevo Dj enemiga nos trae un fantástico lanzamiento, lo nuevo de Mujeres!

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nuevo albĂşm

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in time to voices In Time To Voices es el tercer álbum de estudio del dúo inglés Blood Red Shoes, que viene a confirmar el buen hacer de los británicos y la tendencia melódica aunque con buenas dosis del sonido cortante que nos habían ofrecido en sus anteriores trabajos.

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Ya hemos recogido los datos suficientes para evaluar los pasos que llevan a la construcción de un tercer álbum de estudio en nuestro Top Ten de la semana. El de Blood Red Shoes supone un cambio considerable en la línea marcada por la banda británica tanto en su debut en un largo, Box Of Secrets de la “Miramax” de la Universal, la V2 Records, 2008, como en su segundo álbum Fire Like This (V2 Records, 2010).

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Cuatro años han pasado desde que la pareja británica lanzase al mercado Box Of Secrets una propuesta mucho más agresiva que este In Time To Voices, al margen de nuestros gustos musicales y de la considerable perdida, quizá, de ambición que hayan podido tener tras dos discazos el dúo ha cuajado un disco muy compacto aunque la estructura del mismo indica un escalón gigante entre los sonidos y el ritmo de la primera parte del disco y los de la segunda. De primeras nos encontramos con unos temas donde el registro, la altura, de los sonidos rara vez llega al agudo cosa que para nada ocurría en los otros discos. Puede esto llevarnos a pensar, junto con la más que resaltable bajada del ritmo en todos los temas del álbum, que la carga melódica iba a ser igual que en otros trabajos, donde con total seguridad afirmamos que aparecía como un elemento ajeno o extraño, pero no es así. El elemento distintivo de este In Time To Voices persiste en la carga melódica del disco y salva a este, sin ser nunca un elemento negativo en otros casos, de convertirse en un álbum repleto de oscuridad. Pero lo cierto es que aunque muchos esperasen una rítmica más potente y un sonido más sucio, para que vamos a tardar más en decirlo, garage, la combinación entre el sonido “Shoes” de raices gargeras puras y este juegecito melódico que nos han ofrecido la parejita para su nuevo disco no se ha quedado en una absurdez obviable, que bastante música tenemos ya para escuchar, si no que ha transformado su sonido ofreciendo una versión diferente y divertida. Pero atención señoras si el tiempo que llevan leyendo el artículo es el mismo que llevan escuchando el álbum adivino que no han llegado al tercer tema todavía por lo que pueden ir guardando el cotillón y los cartones de bingo e ir sacando los pañuelos seguramente bien escondidos debajo el sujetador. Y es que este álbum recuerda a todas luces a los altibajos, escalones los llamábamos anteriormente, que se producen últimamente en la economía mundial. In Time To The Voices arranca con tres temas que desprenden una fuerza memorable, pero nunca sabremos quien echó el freno: Steven Ansell o Laura-Mary Carter, ¿Quién cometió el delito?, ¿Quién disparó con su Magnum en el centro de cada uno de los Compact Disc en cuyo interior se había grabado In Time To Voi-

ces? Es más ¿Quién de los dos, chico o chica, mujer u hombre hundió bajo el abismo el aliento y la senda marcada por estos tres primeros temas?. Me puse la gabardina, mi tiempo mensual en Spotify acababa de expirar, mi tarjeta de crédito se había quedado sin fondos y llamé a mi viejo amigo Álvaro Cobarro para que me dejase su cuenta y contraseña del servicio sueco de música por streaming, accedió, allí estaba delante nuevamente de este In Time To Voices, mi tiempo se había agotado junto con la tercera canción del álbum y reconozco que la gabardina no me la había puesto para salir a la calle como un detective si no porque esa gabardina, mi única compañera fiel de fiestas, había estado presente en todos mis eventos musicales memorables y había intuido que este iba a ser uno de ellos. Nada más lejos de la realidad, casi al instante de presionar el botón play para escuchar “Two Dead Minutes” me quitè perplejo la gabardina para guardarla en el fondo del armario. No, es cierto, no estaba escuchando mala música pero durante el tiempo que duraron estas “Two Dead Minutes”, “The Silence And The Drones” y “Night Light” tomé la decisión de tumbarme y olvidar por un momento que más tarde tendría que valorar el disco. Como si de un despertador se tratase actuó sobre mi conciencia “Je Me Perds” un tema que nos devuelve por la vía rápida a los orígenes del género, te coge de los pelos y te sumerge por la fuerza en una piscina hasta que pierdes el conocimiento y así continúa esta tendencia hasta el final del disco, pero no con tanta violencia, deja el teléfono y no llames a la policía. Lo cierto es que después de este “Je Me Perds” aparecen cuatro temas que conducen a un gran final donde “7 years” corona la etapa en los altos del Col de la Madelaine. Todavía no sabemos quien usó su arma y lo que es peor, quien conducía la bicicleta-tándem que los guió hasta el puerto de montaña francés, pero hemos disfrutado tanto...

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Por Haydee Fayos (PN)

Hace ya unos meses que ando haciendo una especie de lista de grupos que me encantan y que no podré ver en directo. Algunos porque se separaron y otros porque me quedan un poco lejos (ya sabéis como anda la economía del becario…), pero cuando has perdido la esperanza llega la sorpresa y como agua de mayo, nunca mejor dicho y ahora os contaré por qué, un grupo que idolatras anuncia su vuelta. The Blows nunca llegaron a separarse, ni mucho menos, se tomaron con calma su regreso y su segundo álbum, con tanta calma que me hizo presagiar lo peor. Con cuentagotas nos iban dejando entrever que nunca habían dejado de trabajar en ello, pero que por jugadas del destino, ese segundo trabajo iba a tener que esperar. The Blows se ganaron a pulso un merecido reconocimiento en el panorama indie nacional con la publicación de primer y único álbum hasta la fecha,“Upskirts”  (Pupilo Records, 2008). Sonaron y tocaron en una interminable lista de locales nacionales y festivales, entre los que están Low Cost Festival, BBK Bilbao Live, Paredes de Coura, MTV Weekend, Tremendo Pop o Festival do Norte. En 2009 nos dan una nueva muestra de lo que son capaces de hacer con el single Berlín, que se iba a editar en 7” pero nunca supimos si llegó a salir publicado. La otra cara de este single fue “Catwalk”, elegido por una famosa marca de jeans para una de sus campañas publicitarias. Ambas pueden escucharse en suMySpace. El pasado año salió un video con un nuevo tema, cantado en castellano, “Mujeres que corren con los lobos”. Poco después desapareció de la red (temazo por cierto).

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En diciembre os contábamos en una noticia que su bajista, Álex Lago, sufría desde 2010 cáncer de colon y que algunos amigos de la escena musical nacional se habían volcado para ayudarle a recaudar los casi 60.000 euros que costaba su tratamiento. Subastas de objetos donados por los mismos artistas, donaciones particulares y un concierto benéfico pusieron el granito de arena a la lucha de Alex y todos los componentes de The Blows contra la maldita enfermedad. No sabemos cómo anda el tema ahora mismo pero tienen nuestro apoyo incondicional, ¡muchos ánimos, tíos!. Bueno, pues aquí viene la gran noticia del día, The Blows vuelven a los escenarios gallegos en mayo con nuevos temas. No hay más datos todavía, pero solo saber que podremos volver a verles es toda una alegría. Desde aquí le mandamos a Alex un abrazo enorme y les damos la enhorabuena a todos por su vuelta a los escenarios. Como dije antes, esperamos ese trabajo como agua de mayo, que muchos mayos han pasado ya desde la última vez que les vi.


Apago la luz, desconecto el teléfono. Enciendo mis auriculares y decido sumergirme de lleno en el nuevo disco de Beach House con grandes expectativas. Me siento dispuesto a bailar, a saltar o a menear mi cabeza como un epiléptico. No lo sé. No sé qué me voy a encontrar. No sé si me va a gustar. Simplemente me introduzco únicamente en él. No tengo que pensar en nada más. 10 canciones. 50 minutos. Recuerdo haberme sentido así cuando lo escuche por primera vez, sorprendido, puesto que las primeras noticias era una posible publicación para el mes de mayo. Nunca pensé que lo tendría machacado y rayado a finales de marzo. Y ya hablando de música, y de “Bloom”, tenemos que decir que la bienvenida primaveral con la que nos ha deleitado el dúo de Baltimore ha resultado cubrir mis expectativas. Siento que los norteamericanos siempre cantan con el freno echado. Siempre parece que aminoran la marcha y siempre puedes llegar a suponer que el ritmo de sus canciones puede ser más acelerado. Pero después de varias escuchas, entiendes que es ahí donde está el encanto. Donde el combo norteamericano muestra todo su potencial. Combina su misterio con grandes raciones de sensualidad, aportadas sobre todo por la voz de la desaliñada Victoria Legrand.

¿Y a qué sensualidad nos podemos referir? Por supuesto, no hablamos de nada grotesco. Se trata de algo más inocente. Ritmos de tiempos soleados, de los primeros días de calor. Y de los primeros días de la propia pareja, puesto que no se alejan demasiado de la línea que marca su carrera. No vamos a descubrir una nueva faceta de ellos. No han probado con nuevos sonidos y con riesgos innecesarios. Les gusta la música que hacen, y quieren seguir sonando a modernos. Modernos que algún momento viajan al espacio exterior (“Wild” me parece el mejor ejemplo), no para hacer música futurista, si no para llevarnos a un viaje melódico más avanzado y desarrollado. Una exquisitez de tema, y una exquisitez de estilo que convierte a “Bloom” en una combinación de gardenias, estrellas, nebulosas y margaritas, relativamente fácil de encontrar en nuestros días en el mundo de la música,

pero difícil de disfrutar a tan alto nivel como el que nos demuestran. Y para finalizar también quiero destacar ciertos toques de grandilocuencia en algunas de sus canciones, los cuales agradezco infinitamente. El adelanto “Myth” o “The Hours” denotan grandes dosis de altisonancia. Otros temas parecen ciertamente altivos, y se pueden encontrar un énfasis en recrearse que a veces no cuadra demasiado bien con el resto de una discografía. Estos últimos patrones los he notado, mayoritariamente en “New Year”. “Bloom” es un gran trabajo que llega en el momento justo de la carrera y en el momento justo del año 2012. Arranca un sol que podrás ver en una casa en la playa, en tu casa escuchando buena música, o en el Primavera Sound, puesto que Beach House forma parte del gran cartel del festival catalán.

Por Lagartoon

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Por luis torrijos

¿Quién dijo que el rock sureño es hermético? Generalmente existe la creencia de que todo aquello que huele a rock, y proviene del sur de los Estados Unidos, está basado en los mismos sonidos desde hace unos cuarenta años. Pues bien, esta banda formada por tres mujeres y un hombre, desmonta por completo ese avinagrado complejo. Como digo, son cuatro, son de Tennessee y han hecho un disco redondo. Desde los primeros acordes de el primer corte “Screws Get Loose” -una diabólica combinación de guitarras y percusión- contemplamos una dosis de lo que el resto del disco nos ofrecerá: Un compendio de guiños a sonidos genuinamente sureños y apegados al country, bajo el más auténtico envoltorio de garage americano y refinados toques de dulce pop.

Una vez avanzamos en el set list de estos trece temas, nos damos cuenta de que estamos ante algo más importante que a lo que una mera etiquetación se pueda referir. Se trata de una orientación contemporánea desde el sur de E.E.U.U. a su idiosincrasia sonora tradicional, y que a su vez consiguen postular su fórmula musical como un prototipo de garage ardiente y actual. Actual y novedoso a partir de conceptos de décadas anteriores -he ahí lo curioso del asunto-. Podemos decir que Those Darlins consigue esta auténtica revitalización hecha LP, de la mano de conceptos emanados del muro de sonido de Phill Spektor o de la new wave de la mano de bandas como The Go go’s.

Ciñéndonos al cancionero resaltamos, además de la joya que da título al disco, canciones como “Be your Bro”, “Mystic Mind”, “Fatty Needs a Fix” o “BUMD”. Todas y cada una de ellas parecen sacadas de una banda neoyorkina, cuales componentes se hayan transformado en eléctricos recepcionistas de motel de carretera americana. En definitiva, una brillante mezcolanza entre el pasado sureño y la energía y modernidad de toda américa plasmada en un disco que te conquista tema a tema. Tocan en Santander el 24 de Abril, el 25 en Madrid, 26 en Granada y 28 en San Sebastian. Permaneced atentos.

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Desde Sahm 69 o New York Dolls hasta la Velvet Undergorund pasando por The Stooges o Buzzcocks, “Mujeres” nos proponen once temas sin desperdicio llenos de ritmos crecientes. El disco comienza de una manera brutal con el tema que le da nombre, “Soft Gems pt1”, con sonido garajero, guitarrero, un poco esquizoide. Como a mí me gusta. Es el típico tema que te agita como una batidora. Continuamos con ritmos salvajes, como el nombre del siguiente tema. Esta vez en español. Un tema con la misma fuerza que la anterior. En el siguiente corte, “Far away” bajan un poco el frenetismo. ¿Cómo? bueno, solo un poco, ya que suenan ritmos guitarreros aunque esta vez más melódicos con toques de Surf. Continuando con el disco encontramos“I’m waiting for the man” de la Velvet Underground. Perdón, quería decir “How I am” de Mujeres. Una cree estar escuchando al mismísimo Keith Richards a la guitarra, incluso me atrevería a decir que este tema tiene algún cambio Kinks, con eso os lo digo todo. Cambio de tercio. En el corte número cinco “Seattle Waves”, nos ponemos el vestido ye-ye y meneamos las caderas, aunque la guitarra sigue siendo inconfundible. En “Ride a river”, como ellos mismos dicen, parten de un tema de Wanda Jackson ralentizado. Me imagino conduciendo por largas y solitarias carreteras con este tema. Como si fuera la protagonista de una film de Quentin Tarantino. “Heat & Shame” quizá sea la que menos me gusta de este disco, quizá porque me evoca demasiado a entornos musicales mas countries. Cuestión de gustos. “I’m Over With You” es la balada del disco, lo que no significa que la guitarra no siga martilleando sin parar, sobre todo al final del tema. “Calabrese fingers” es puro ritmo, mucha aceleración viniendo de la balada anterior, muchos riffs guitarreros y seguramente que en directo algún escupitajo, seguido de empujones y uso de martens si continúan con “See the light”. Ésto es punk y mucho rock and roll chicos/as. Para terminar la segunda parte del primer “Soft Gems pt2”. Un tema tranquilo, como una sesión de spa, en señal de agradecimiento por haberlo dado todo disfrutando del disco. Ellos dicen que “El equilibrio entre estos dos temas define el sentido del disco”. CONCLUSIÓN: Disco altamente recomendado para los amantes de los ritmos que coquetean con el Underground, melodías guitarreras y el garaje más animal. Estoy deseando escucharlos en directo y por supuesto no faltarán en mis sesiones para ver cómo la gente no puede parar de bailar.

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Por kikecube

De los artistas que conozco que hayan introducido música sintetizada en base a lenguajes de programación, pocos, Apparat y Aphex Twin resaltan por encima del resto, de Aphex Twin no toca hablar ahora pero si lo haremos de Apparat ya que su música proviene directamente del estudio de la música culta existente en la capital alemana. Bienaventurada Ellen Allien quien fichó su proyecto para su sello B-Pitch Records asegurandose así el bombazo que Sascha Ring estaba a apunto de conseguir y que ha catapultado su sello hasta convertirlo en uno de los más importantes del momento, con el permiso de Modeselektor quienes también han colaborado para elevar B-Pitch a la categoría que se merece. Pero lo cierto es que la magia que se esconde detrás de la música berlinesa no se encontrará entre la colección de presets, samplers, loops y/o plug-ins VST que ofrecen empresas de la talla de Apple, Steinberg, Ableton o Native Instruments. Los sonidos que se ofrecen en los paquetes de estos softwares se han quedado pequeños e insignificantes ante las infinitas posibilidades que ofrecen los lenguajes de programación musicales.

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Son estos los que han conseguido equiparar la música hecha con ordenador a la altura de la música compuesta por instrumentos no digitales, donde la creación del sonido depende de la afinación y timbre del instrumento y no del número de bits que procese el microprocesador. Existe una red mundial de artistas que están empezando a usar para con su música estos lenguajes de programación, es en este momento donde Berlín se nos queda pequeña y ampliamos nuestra visión de la cuestión, desde Barcelona a Tokyo pasando por Tel Aviv, Sidney, Birmingham o Buenos Aires pero siempre con la mesa de mezclas orientada hasta nuestra capital mundial, Berlín.


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Por luis torrijos

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En medio de una abarrotadísima sala But – el sold out había sido colgado casi dos meses antes- Guille Milkyway y sus secuaces comenzaban el show en medio de un entorno galáctico y estelar, afín al aparato promocional y escénico de su último trabajo “La Polinesia Meridional”. La entrada en contacto fue concisa, ciñéndose en la primera parte del concierto a presentar los temas del popular último trabajo de la banda. La fiesta comenzó con “los chicos hoy saltarán a la pista”, y seguiría con “Sucumbir, “La fiesta universal”, “La polinesia meridional” “Colisión inminente” o “¿Qué se siente al ser tan joven?” engarzados a dos clasicazos como “Chicle Cosmos” o “El momento más feliz”. No obstante, pese a que el directo no perdía ni un ápice de frescura y limpieza respecto al cancionero, la noticia no residía en la calidad o no de la ejecución musical. Lo relevante del asunto no se refería al virtuosismo del artista que comandaba el escenario. La noticia estaba en la gente. Una auténtica horda de jóvenes y no tan jóvenes viviendo la emoción del buen pop en toda su esencia. Un público enfervorizado dedicado no solo a pasárselo en grande, sino también a corear, redescubrir y expresar el furor de las melodías cálidas y luminosas de este Barcelonés que devolvió, y ha devuelto al pop el sonido, las referencias y sus significados más burbujeantes. Llegados a este punto, el punto de inflexión entre la

primera y la segunda parte del concierto fue una deliciosa y sorprendente versión de “Take on me”. La sala But era Petrogrado, y la escena de pop pueril e insulso que inundan las salas de Madrid desde no hace mucho, el abominable Zar. La segunda mitad del espectáculo desembocó en una senda de cortes más clásicos que seguían intercalándose con los tracks restantes de su último trabajo “Terry, Peter y yo” o como. En estos precisos momentos, la escenografía, así como las proyecciones acumulaban guiños a figuras muy representativas de la historia del soul y la música popular, añadiendo énfasis a las pasiones de Milkyway respecto de sus canciones. A partir de aquí, el encuentro adquirió un tono más melódico e intimista bajo canciones como,”Cerca de Shibuya” o “Superguay”. Un cuarto de hora en el cuál el concierto -dicho sea de paso- perdió algo de ritmo y colorido, con el cantante catalán rendido a su piano, pero en constante fusión con un público a buen seguro memorable para él. “No sé como darle final”, aseguraba conmovido. Y era verdad. La hora y tres cuartos que duró el concierto bien pudo resultar la sublevación de las propias sensaciones pop que durante casi 15 años se ha encargado de instaurar en el sentir colectivo. El final vino de la mano de obras maestras de su discografía como “La revolución sexual”, “Como un fan” -a solas con su piano en medio de nostalgia generalizada- y su último éxito “Todas tus amigas”. En definitiva, la noche del sábado 24 de Marzo en la Sala But sirvió para zanjar muchos aspectos. Por un lado, mantener obsoleta la perpetua crítica a la ingenuidad y la originalidad respecto a ellos y los demás grupos propios de la elefant records. Y, por último, regocijarnos con el hecho de haber podido cantar, ver y vivir todas las historias de este genial combo, de las cuáles nunca hemos podido evitar esbozar una sonrisa de complicidad.

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Por luis

torrijos

El 17 de Marzo estuvimos con Odio París, minutos antes del comienzo de la fiesta de El Genio Equivocado en la cuál tocaban también Grushenka y Cosmen Adelaila junto a ellos. Aprovechamos la gran fiesta del shoegaze español para conversar a fondo con sus exponentes actuales más importantes. Ellos han arrasado a nivel de crítica con el lanzamiento de su disco, sus canciones están en lo más alto de las listas de lo mejor de 2011, y por supuesto, La Voz en Color estuvo con ellos. 22


Como ya sabemos, a nivel de crítica lo habéis petado este año, un a vez estábais grabando el disco, ¿Os figurábais que iba a dar tanto que hablar por parte de la crítica?¿Había ganas de que saliese un grupo así en España?

Las ganas, sí. Sabíamos que cuando sacamos la primera demo (primera y única realmente), tuvo ya una repercusión mucho más grande de lo que nos esperábamos. Entonces ya sí que nos dió una pequeña pista de lo que podía pasar. Nos dio la sensación de que, de alguna forma, la gente estaba esperando un grupo que volviera a algo que es tan clásico en España como es el noize-pop. Era algo que estaba olvidado. Se estaban haciendo cosas más ar-

ties por decirlo de alguna manera, u más arriesgadas, unas historias un poco más frikies de cantaurores extraños y mezclas raras. Y repentinamente, venir nosotros y hacer pop del que siempre se ha hecho aquí, tan bien como podíamos, notábamos en seguida que había algo. Pero evidentemente, lo que podíamos intuir de que igual la gente estaba esperando, y se hablaba mucho de que había expectativas para ver cuándo sacábamos disco. Pero de ahí, a lo que ha pasado en realidad, hay un trecho. Porque salir en prácticamente todas las listas de lo mejor del año es increible. Salir en todas las revistas las cuáles llevas comprando durante diez años y de repente estás ahí... Mísmamente hemos salido en el CD de lo mejor del año de Rockdeluxe, elegido por los lectores, y todo ésto ha sido impensable. Por mucho que pongas mucha ilusión, te esfuerces mucho y veas que hay una expectativa, evi-

dentemente queda muy lejos de lo que ha pasado realmente. Claro porque durante años anteriores habían salido muchas bandas con sonido e influencias un poco semejantes a las vuestras pero no tuvieron la misma acogida porque se achacaba que tenían un sonido muy americano o tan shoegaze como el vuestro, no tenía opciones en España. Entonces, ¿Habéis demostrado que esa idea es obsoleta? ¿España está preparada para que haya grupos de shoegaze? Yo creo que simplemente hubo una etapa realmente muy buena en los primeros noventa de noize pop, y realmente todo va y vuelve, ésto es así. Nosotros justamente pillamos la vuelta de este sonido sobre todo en Estados Unidos que estaba volviendo a saco todo lo que es el shoegaze y todo lo que se ha etiquetado ahora como lo-fi. Y un poco haciendo lo mismo y siendo coetáneos de repente a nosotros sí que nos han hecho caso. Y a nosotros nos gustan los grupos que hacían ésto, y que lo están haciendo actualmente al igual que nosotros. Igual con nosotros ha empezando a funcionar la cosa, pero detrás de nosotros hay un montón de peña que está apostando por lo mismo y que son grupos absolutamente cojonudos como pueden ser Esponja o Grushenka que son muy jóvenes, tenemos también a Pingüino que es un grupo genial... Existe un underground detrás lleno de grupos cojonudos. Igual nosotros hemos sido los primeros que han tenido repercusión pero estoy seguro, y esperemos, que seamos el grupo que haya abierto un poco la puerta. Hablando de sellos pertenecéis a El Genio Equivocado que, al igual que Discos Humeantes, es un sello con un gusto por el garage similar al gusto de El Genio Equivocado por el Shoegaze. ¿Crees que este tipo de discográficas independientes especializadas en una rama musical ajenas a lo que se ha cultivado mucho en España favorece al desarrollo el país en el rock y en el pop? ¿Es una trampo-

lín estable para bandas que hacen cosas diferentes a las que se suelen hacer en España? Creo que básicamente la única oportunidad de hacer algo que no estar super de moda -sobre todo cuando empiezas-, que no saben seguro si va a funcionar -que prácticamente no funciona nada- lo mejor es irse a una discográfica pequeña que apueste por el corazón. Es decir, cuando entramos en contacto con El Genio Equivocado, eran dos tíos, Joan y Rafa, que acababan de empezar, que habían sacado dos grupos medio de rebote porque eran colegas y realmente fue la primera vez que nos sentábamos con un sello y que ellos se sentaban con una banda rollo “venga, os vamos a fichar”. Creo que es la única manera. Sobre todo, algo que hemos hecho con ellos es trabajar con ellos codo con codo. Son gente con la cuál compartimos una filosofía parecida, y con la que los dos podríamos crear algo mano a mano. De hecho, así a pasado. Cosmen Adelaila se lo presentamos nosotros, Grushenka les pasamos nosotros la demo. Y también hay este feedback, ellos también nos presentan a bandas y tal. Es un poco hacer un algo, no te digo una escena que igual eso es hablar demasiado, pero sí nuestra movida que nos guste e intentar tirarlo adelante mano a mano con los pequeños sellos y las bandas. Bueno y el verano a nivel de fechas y actuaciones, ¿va a ser un buen colofón para el gran año que se os ha presentado? ¿Faltan todavía fechas y apariciones por estimarse? Tenemos algunos festivales, pero tenemos el pequeño problema y la suerte a la vez de que el guitarra de nuestro grupo va a ser padre en Agosto. Con lo cuál hemos empezado a decir que no a prácticamente todo. Es decir, tenemos tres festivales cerrados que serán cojonudos -ésto sí que te lo puedo decir- pero que podemos pillar mucho más. Ya se verá, aunque ya nos han pasado dos ofertas de puta madre y hemos tenido que decir no porque lo primero es lo primero.

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Y si ahora sale un bolo en París, ¿aceptáis? (risas) Si pagan bien... Es una de las bromas que hemos hecho desde el primer momento, el día que realmente triunfemos será el día en el que nos inviten a tocar a París. Al contrato de lo que la peña se piensa, nos llevamos de puta madre con los franceses y tenemos muchos colegas de Francia. En El Día de la Música vino un francés a decirnos que le encantaba el nombre del grupo, y a mucho parisinos también les encanta. Tengo un muy buen amigo parisino y siempre me dice lo mismo: “Te adoro París, pero lo odio. No lo soporto y no puedo vivir ahí”. Lo adoro con toda mi alma pero somos incompatibles. Es un clásico. A lo que has comentado tú, que presentaste a Grushenka a El Genio Equivocado y Cosmen Adelaila, y estuve pensando cuando vi el cartel del concierto y pensé: ¿No puede ser que estos tres grupos que se llevan tan bien, unidos a El Genio Equivocado, no puedan significar culturalmente algo parecido a la Factory de Tony Wilson o algo no tan exagerado? A lo mejor no tan exagerado. Ojalá que sí. Y aparte, grupos como Montevideo que es genial o Las Ruinas que es un grupo de noize-pop y de punk de puta madre de los que soy un fan absoluto. De hecho están tocando hoy también, es la putada de tener un concierto y no poder verlos. De estar compitiendo siendo super colegas. Nosotros lo vivimos como si fuésemos una gran familia, siempre estamos hablando de haber qué hacemos juntos, de haber cuándo tocamos juntos...y no solo con nosotros, también somos colegas de Discos Las Palmeras, hemos montado algún concierto con Reina Republicana en Zaragoza que también son colegas... Y ya te digo, tanto la gente del sello como otra gente con la que tenemos similitud y le gustan los mismos tipos de grupos. Esperemos crear una escena, es un sueño que creemos una escena y un circuito en condiciones para rodar por España no con condiciones con las que se está rodando ahora mismo. Da-

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mos por supuesto que los grupos no vamos a ganar pasta o ganar muy poca. Pero al menos no perder, y a partir de ahí crear una ruta para rodas. Es imprescindible a la hora de pensar un poco más allá, al fin y al cabo somos un grupillo indie super humilde y pensar que podríamos hacer algo nosotros solos sería de una pedantería que ni siquiera nosotros nos podríamos permitir, y mira que somos pedantes de cojones. (risas). Ahora viendo la aceptación tanto fuera como dentro de cataluña, lo que en La Voz en Co-

lor titulamos la temporada pasada como “La Nova Nova Canció” en el que hablamos del boob que había tenido Manel, Els Amics de les Arts o Antonia Font, ¿No os habéis encontrado nunca nadie decir, “¿Por qué ahora que está en auge el indie en catalán vosotros no habéis creado nada?” Lo hemos planteado sin pensar en eso. De hecho, lo planteamos hace tres años pero salió así y ya está. Comenzamos a traer temas, y también hemos trabajado con cosas en Inglés. El tema es que si algún tema en catalán lo vamos a cantar. Tampoco nos gustaría entrar evidentemente en una cosa de apuntarse al carro, porque entre otras cosas lo que viene se va, y luego vuelve. Pero bueno, ahora es un momento en el que fuera de las fronteras de Cataluña está funcionando pero creo que no va a ser una cosa perpetua. Es cojonudo que los grupos puedan cantar en lo que quieran y ojalá sea así. Lo hablábamos muchas ve-

“el día que realmente triunfemos será el día en el que nos inviten a tocar a París.”


ces, versionar una canción popular catalana, que son experimentos que nos molan y, en definitiva, no nos cerramos. Igual que cantamos en castellano podemos también hacerlo en catalán. También cuando empezamos los primeros temas eran en castellano, también todos tenían grupos antes y versionábamos canciones de antes. Es para darle una unidad.. Además el castellano es más fácil que el catalán para ello, hay que reconocerlo. Se suele caer en que el catalán suena muy de pueblo. Somos un poco de pueblo (risas). Aprovechando que estamos en Madrid y que sois de Barcelona, hablando entre nosotros, hicimos un programa de lo que pasaba en Galicia, y vemos como por ejemplo Novedades Carminha actuaba en Barcelona y no en Madrid, y ve

mos cómo pasa eso con muchos grupos. Estábamos hablando de la escena de Barcelona con salas como Apolo, Razz o Sidecar...¿Está Barcelona en tan buena forma en la escena indie? Escuché ese programa. Es lo de siempre, si te consigues subir al carro de los promotores, sí. En definitiva, funciona para algunos, para otros no. Si te metes dentro de un circuito que sí que funciona, no hay problema. El resto es complicado. Los grupos realmente indies nos vamos a Huesca, lo petamos -que dices, ¿cómo puede venir tanta peña en Huesca?- y luego haces un concierto en Barcelona y el público es mucho más duro. Lo que pasa en Barcelona es que la gente no se mueve si no tienes un cierto nombre.

También hay mucha oferta, tienes cada fin de semana cuatro conciertos para escoger y entonces convencer a la gente para que vaya al tuyo es difícil. Supongo que aquí la cosa también está igual, pero vemos que aquí funcionamos mejor que en Barcelona. También es cierto que en Madrid tocamos dos veces al año y en Barcelona cada dos meses. Tocamos en la mitad de los festivales, y si en un festival ya me han visto porque han ido todos los indies de Cataluña, pues a las dos semanas cuando tocamos en Apolo es más complicado. Sin embargo, en Madrid las dos veces que tocamos, siempre nos fuí super bien. En el día de la música se juntaron los astros, fuimos trending topic en twitter y se petó.

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Las sorpresas que nos da nuestro email (lavozencolor@ gmail.com) cada día son increíbles, son un ejemplo de que en este país se hacen las cosas bien, tenemos un creciente panorama cultural alternativo que para nada tiene que envidiar a otros países, ojo, hablo de grupos no de promotoras o de grandes multinacionales.

En este disco en el que nos parecen indicar que las constancias están cambiando, por el titulo del disco, podemos apreciar unos ritmos duros, cuadrados y casi mecánicos. Influencia del post punk más new wawero. Un sonido casi constructivista que bien seguro dará que hablar.

Ambros Chapel, con su segundo trabajo es el ejemplo perfecto para demostrar que hay esperanza y una vez más es la demostración de que en Valencia se está trabajando bien, muy bien.

Por alvaro cobarro

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O Valiant Hearts es un proyecto iniciado en Sabadell a finales de 2009 por Germán (Guitarra y voz) y Xavi (Bajo y voz), al que posteriormente se le unieron Jaume (guitarra), Joan (Batería) y Pol (sintetizadores). El proyecto se consolidó en verano de 2010 componiendo la primera maqueta en Tremp (Lleida). Ésta primera maqueta fue grabada en los estudios BSO de Barcelona, pero nunca fue publicada. Después de bastantes conciertos se les brindó la oportunidad de tocar en el Festival Embassa’t junto a bandas como Manel, French Films, Odio París o The Amplifetes. Dos semanas antes del festival empezaron a grabar la que sería su primera maqueta publicada, el “First EP”, la cual se publicó el mismo día del festival.

ahora mismo están inmersos en conciertos por Barcelona (BeGood, la 2 de Apolo, Sidecar, BeCool, etc.) y pendientes de empezar a grabar el que será su primer álbum autoeditado, que verá la luz a finales de 2012.

Fue autoeditada.La buena crítica les proporcionó varias entrevistas en la radio (radio Sabadell, COM Radio), y

http://ovalianthearts.bandcamp.com/

Mientras esperamos ese primer disco, nos quedamos con la maqueta que nos envió esta banda de Sabadell. First EP es un regalo para los amantes del Post Punk. Sonidos oscuros, que se entremezclan entre sí creando un matiz muy “smithiano” y es que desde la redacción de LVC solo podemos desear suerte y mucha suerte a esta banda. Su primer disco promete ser una gran oda al Post Punk que al menos nosotros tenemos ganas de escuchar y siempre que sea posible, verlo en directo.

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La voz en color (abril2012)  

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