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Software

para

estampación

textil

Laura Peña Pérez


Índice 1. Historia de los tejidos 2. Diseño textil 3. Interpretar los diseños 4. Principios del diseño textil 5. Estilos de estampados 6. Métodos de estampación textil 7. Estampación digital 8. Presentación del muestrario textil y predecir la tendencia 9. El color 10. Diseñadores textiles emergentes - Hanna Werning - Florence Manlik - Moniquilla 11. Cómo creé un estampado digitalmente 12. Mi estampado 13. Conclusiones 14. Bibliografia

historia

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de los

tejidos

Si miramos hacia atrás, a la historia, podemos ver los textiles que gozaron de popularidad en determinadas épocas. Generalmente estaban relacionados con algún avance tecnológico o con alguna tendencia existente en la sociedad. En la historia de los textiles, algunos tejidos y estampados se han ido repitiendo. Estos textiles se convierten en clásicos y algunos de estos clásicos no pierden popularidad y van adoptando una u otra forma; por ejemplo: los lunares, las rayas y los motivos florales.   Otros clásicos van y vienen, como es el caso del estampado del cachemir. En este aspecto, resulta interesante tomar un dibujo textil clásico, analizar que lo hace intemporal y luego intentar reinventarlo.

siglo XVII El gobierno francés apoyó el desarrollo de la industria de la seda en Lyon. Se investigaron nuevas tecnologías para aplicar a los telares y nuevas técnicas para teñir que dieron lugar a sedas de gran calidad que se pusieron por delante de las sedas italianas que habían dominado el siglo XVI. El periodo rococó, en el siglo XVIII, asistió a la moda de los vestidos muy decorados. Un apéndice de esto fue la chinoiserie o inspiración de los diseños en las culturas y las técnicas de oriente. Los dibujos eran asimétricos y muchos retomaban motivos orientales y exóticos en las combinaciones de color. Los quimonos japoneses se hicieron muy

populares y fueron importados por la compañía holandesa de las indias orientales. Dicha compañía también importaba de la india un algodón estampado artesanalmente, denominado chintz. Era una tela muy popular debido a su bajo precio, su brillo y que sus colores no desteñían La popularidad de la tela supuso una amenaza para las industrias textiles francesas e inglesas, hasta tal punto que se impuso la prohibición de importarla y llevarla.


siglo XVII A principios del siglo XVIII las sedas pesadas se pusieron de moda. Las formas de plantas exóticas que aparecían estampadas en ellas eran el resultado de la influencia de la cultura oriental. Dieron paso a los motivos de los encajes, y luego, en la década de 1730 a grandes y lujosos motivos florales, intercalados con delicados ramilletes de flores. En 1759 la prohibición sobre el algodón indio o chintz se levanto y la industria textil francesa de nuevo gozó de prosperidad. Una fábrica de Jouy se hizo famosa por su algodón estampado, Toile de Jouy. La amante de Luis XV, madame de Pompadour, vestía un tipo de seda denominada chiné a la branche o tafetán pompadour. La seda presentaba un dibujo que recordaba al papel secante y que se conseguía estampando la urdimbre antes de tejer la tela. Durante el siglo XVIII Inglaterra dominó la moda masculina debido, sobre todo, a la superioridad de su industria de manufactu-

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ra de la lana y a la destreza de sus sastres, mientras que Francia dominó la moda femenina. A finales del siglo XVIII, triunfó entre las mujeres una moda mas sencilla que el estilo rococó. Se adoptó un fino vestido de algodón blanco, con escasa o nula ropa interior, inspirado en la antigüedad griega y romana. Para aquel diseño lo mas adecuado era la muselina o gasa porque ofrecían un sencillo drapeado en lugar de amoldarse al cuerpo. Los chales de cachemira se llevaban encima de estas prendas en invierno. Los chales los introdujo napoleón al volver de la campaña egipcia en 1799. El chal de cachemira provenía de la región de Cachemira, situada al noreste de la india. La lana de la cabra montesa se hilaba para fabricar un tejido ligero, suave y cálido de la mas alta calidad. Por ello, esos chales eran muy caros. En Paisley, Escocia, se producía un chal un poco mas barato y se acabó por identificar el dibujo con aquella región.

siglo XIX Una vez mas, la popularidad del algodón en la moda francesa creció hasta tal punto que volvió a suponer una amenaza para la industria de la seda y para la economía francesa. Así que cuando napoleón se convirtió en emperador en 1804, decretó que los vestidos de ceremonia tenían que ser de seda y no de algodón. El periodo romántico o a principios del siglo XIX asistió al uso de pequeños motivos florales. Gozaban de popularidad debido a su estética, pero además, los dibujos pequeños disimulaban una manufactura barata. En 1834, se inventó la estampación con la perrotina o estampación con matriz, que fue utilizada para la confección masiva de prendas de vestir. Dicho proceso consistía en la mecanización del bloque (tampón de madera) de estampación y permitía obtener diseños multicolores.   Los dibujos policromos que anteriormente se

producían al tejer la tela, ahora podían producirse utilizando un método de estampación barato. En el siglo XIX la manufactura de encajes también se mecanizó. El más reciente método para estampar textiles es el estampado digital por inyección de tinta. Desde el punto de vista de la técnica, este proceso es idéntico a una impresora de inyección de tinta usada con casi todas las computadoras. Sin embargo, para telas, estas máquinas son de 60 a84 pulgadas de ancho. El estampado digital ofrece tremendas capacidades de diseño. Diseños con imágenes de calidad fotográfica son posibles con esta técnica. Por supuesto, este método usa un sistema CAD con imagen digitalizada.  Presenta la oportunidad de  cambiar de un  diseño a otro inmediatamente sin desperdicio de tela estampada. Este método ha sido usado con el scanner de cuerpo para producir telas estampadas que están hechas a la medida

de la persona. También se ha usado para producir pruebas rápidas de estampado para su venta o evaluación. Muchos individuos pronostican este método como una técnica del futuro. Hay muchos descubrimientos tecnológicos asociados con este método. La velocidad actual va de las 30-70yardas por hora para tejidos planos comparados con máquinas de pantalla rotativa con una salida de 50-120 yardas por minuto. El factor limitante en la velocidad del estampado  es la tecnología de las cabezas de impresión. Los reportes indican que estas velocidades de producción no aumentarán a menos que haya un invento en los mecanismos de las cabezas de impresión. Otra de las limitaciones del equipo de impresión incluyen los altos costos de las cabezas de la impresora, cabezas de inyección de tinta, el reciclado de la tinta de inyección, sistemas de re uso,y las limitaciones a lo ancho.

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1900 En el primer cuarto del siglo XX se inauguraron los talleres Omega de Londres y el atelier Martine de París, taller y escuela de artes decorativas. El atelier fue fundado por el modisto Paul Poiret, que se inspiró en una visita a la Wiener Werkstätte. El Atelier empleaba a muchachas jóvenes que carecían de experiencia en diseño y que producían textiles muy ingenuos. Ese enfoque y esa apariencia se correspondían con los movimientos artísticos fauvista y cubista de aquellos años.

1920 Tras el descubrimiento de la tumba de Tutankamon en 1922, se aplicaron motivos egipcios a los diseños textiles. El estilo art decó surgió de la Exposición Internacional de las Artes Decorativas e Industriales organizada en París en 1925. Las prendas suelta se pusieron de moda, bajo la influencia de la forma del quimono y de las prendas orientales sin estructura. Madame Vionnet desarrolló el corte al bies, mientras que Mariano Fortuna se inspiró en las prendas clásicas y creó el vestido Delphos, plisado y des estructurado Durante los locos años 20 y la era del jazz, los nuevos bailes exigían vestidos realizados con tejidos que se movieran sobre el cuerpo o dieran esa impresión bajo la luz. Telas ligeras y finas, pedrería, lentejuelas y flecos conseguían ese efecto. 5


Los encajes, las pieles y las plumas también eran muy populares para los atuendos de la noche en aquella excitante y glamurosa época. La tela de rayón viscosa gozaba de gran popularidad en la década de 1920. Estos años asistieron también a la introducción del proceso de serigrafía.

1930 En las décadas de los años veinte y treinta, Coco Chanel utilizó el tejido de punto para vestidos de calle. Fue algo revolucionario ya que hasta entonces solo se había utilizado para ropa interior. Los motivos florales, abstractos y geométricos estaban muy de moda y se estampaban utilizando dos o mas colores contrastados. El desarrollo del cine estuvo acompañado de tejidos lujosos utilizados por su brillo en la pantalla. El nailon se se inventó en 1935. También se desarrollaron tejidos de doble faz elásticos. El surrealismo tuvo influencia en el ámbito textil. El primer jersey de Elsa Schiaparelli expuesto en su escaparate causó sensación: estaba tejido con lana de color negro con un lazo blanco en trompe l’oeil. Era muy amiga de artistas como Salvador Dalí, Jean Cocteau y Christian Berard y les encargaba que diseñan estampados textiles y motivos para los bordados de sus vestidos. Schiaparelli experimentó con tejidos poco habituales, como, por ejemplo, los textiles modernos: el rayón, el vinilo y el celofán.

1940 Las telas fueron racionadas durante la II Guerra Mundial, de tal forma que la cantidad que se podía utilizar para cada prenda estaba limitada. Por ejemplo, las faldas eran rectas, no tenían ni vuelo ni tablas, y eran mas cortas. Las chaquetas no eran cruzadas y los pantalones tenían una longitud determinada. Fue la era del hazlo tu misma y remienda, la gente reciclaba, sus propias prendas. Se hacían vestidos a partir de cortinas, las prendas se modificaban y los jerséis se deshacían y se volvían a tejer. La importación de seda desde Japón fue interrumpida desde la guerra , así que el nailon se convirtió en un sustituto muy popular. Durante la ocupación de Francia , el pa-

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pel de París como capital de la moda estuvo amenazado, lo que propició el aumento de popularidad de la moda estadounidense. El denim y las telas de algodón a cuadros típicas de las prendas de trabajo, invadieron el mercado estadounidense del pret a porter.

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1950 Al acabar la guerra se produjo una reacción en contra de las formas decorativas. Los productos textiles pusieron en escena una imaginaria futurista, diagramas científicos y formas brillantes y abstractas que se hacían eco de la era atómica. También estuvieron de moda los tejidos con dibujos lineales para objetos domésticos cuyos diseños fueron renovados. Con el final del racionamiento, la cantidad de tela utilizada para las faldas fue aumentando. Faldas de capa con mucho vuelo que a menudo estaban pintadas a mano y decoradas. La influencia en Estados Unidos en Europa hizo que se vieran camisas de estilo hawaiano y que se popularizaran estampados americanos. Algunos modistos, como Balenciaga , crearon prendas con siluetas que no se amoldan alcuerpo. Les interesaba el espacio entre el cuerpo y la ropa. Los tejidos con una cierta rigidez eran los mas apropiados.

1960 Los nacidos con el baby boom se convierten en adolescentes y quieren ser distintos a sus padres, así que deciden vestir faldas mas cortas y modas modernas. Los tejidos eran estrafalarios, de colores brillantes. Se desarrollan estampados audaces, nuevas fibras sintéticas y nuevos tintes bajo la influencia de los viajes al espacio. Pierre Cardin y Paco Rabanne experimentaron con confecciones modernas nunca vistas hasta entonces. Los pantalones se convirtieron en una prenda de uso diario para las mujeres. También los vaqueros se volvieron muy populares, sobre todo entre los adolescentes, fruto de la influencia de las películas del oeste americano y de alguna estrella de cine, como, por ejemplo, James Dean. Hacia finales de la década, de 1960, volvió a mirarse con nostalgia los periodos de art deco y art nouveau. Los dibujos aumentaron de tamaño y se estamparon en colores brillantes y psicodelicos. Los motivos florales eran representados planos y colores vivos, y se acuño el termino flower power. Los diseños de la marca finlandesa Marimekko ilustran esto a la perfección.


1970

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El movimiento hippie, unisex, y folclórico, fue una reacción a la modernidad y al consumo masificado de los años 60. La guerra de Vietnam actuó como detonador. La antisistema se interesaron por culturas distintas a la occidental y por otras religiones en busca de la inspiración y sabiduría. Los varones a la moda vestían con brillantes colores, encajes y volantes. La crisis pretolifera de la década de los setenta contribuyó a la reducción del mercado de fibra sintética en el Reino Unido. Los tejidos naturales cada vez gozaban de mayor aceptación. Laura Ashley fabricó telas de algodón con motivos florales victorianos estampados artesanalmente.

1980 El Reino Unido era política y económicamente mas estable y a la moda lo reflejó, adoptando un enfoque mas conservador. En 1979, Margaret Tatcher se convirtió en la primera mujer que se ocupaba del cargo de primer Ministro del Reino Unido. El número de mujeres que trabajaban había aumentado y muchas habían elegido vestir trajes sastre con grandes hombreras. Se acuñó el término power dressing (vestidas para el poder). También existía una tendencia que mostraba su conciencia del cuerpo mediante el uso de prendas de ropa interior como exteriores. Azzedine Alaïa y Bodymap crearon con la fibra elástica elastán diseños que moldeaban el cuerpo. También surgió una nueva tendencia impulsada por los diseñadores japoneses Kawakubo y Yohji Yamamoto. No eran prendas que resaltaban las lineas del cuerpo, pero jugaban con un corte muy interesante. Los tejidos eran monocromos, sin adornos, en algunos casos con algún desgarro y bastante burdos.

1990 Prosiguió la tendencia iniciada por los diseñadores japoneses y también fue adoptada por algunos diseñadores belgas. Martín Margiela fue uno de ellos, trabajaba siguiendo una linea conceptual y quería que sus prendas parecieran hechas artesanalmente y no de fabricación masiva. Aplicó la deconstruccion y el reciclaje a sus colecciones. El denim rasgado y la customización pasaron a constituir la corriente principal.

2000 Los materiales textiles se vuelven cada vez mas decorativos a medida que la producción se desarrolla en Extremo Oriente y en China. Allí las fábricas pueden aumentar el valor de los materiales textiles a través de bordados y otras aplicaciones, los operarios son hábiles (a menudo utilizan talleres locales de artesanía) y cuesta menos dinero fabricar las telas. La investigación desarrolla textiles modernos, sensibles a la luz y que permiten la transpiración. El diseño y la confección asistidos por ordenador son habituales.

el

diseño textil

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El primer paso es recopilar la investigación que se ha ido reuniendo. Este conjunto de datos, desde textiles clásicos y de otras culturas junto con otras fuentes de inspiración, puede presentarse en forma de mood-boards (paneles) o de cuadernos de bocetos (sketch books). Todo ellos documenta la investigación y establece relaciones para crear una historia que se desarrollará y dará lugar a ideas de diseño. Es importante, entonces, encontrar el modo para expresar esas ideas de diseño mediante el dibujo, el collage, la fotografía o quizá trabajando con CAD. Es aconsejable pensar en la superficie que se elige para diseñar ¿empezaremos a trabajar sobre papel para después desarrollar la idea en tela y punto o empezaremos trabajando directamente con el tejido? Para diseñar hay que conocer los principios básicos del diseño textil: la escala, la textura, el color, el patrón del estampado, la repetición, la colocación y el peso. Se debe reflexionar en como estos principios actúan en un ejemplo y como varios ejemplos funcionan juntos como gamas, también en como los diseños se traducirán en textiles funcionales, originales o comerciales, adecuados para su uso en el ámbito del diseños o de moda contemporáneo y la confección de la prenda.


Interpretar diseños

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los

Collage y Diseño en 3D

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Ahora es necesario pensar en qué se intenta diseñar y cual es la mejor manera para conseguirlo. Determinar el medio mas adecuado para interpretar los diseños es muy importante, independientemente de que se trabaje sobre papel, pintando, con lápices o con el ordenador. Hay que pensar en los que se necesita y en el tiempo del que se dispone. No olvidemos que quizá tengamos que aprender nuevos recursos para realizar los diseños que deseamos crear. Siempre debe estar presente la necesidad de experimentar y de disfrutar con el proceso.

Dibujo En casi todas las disciplinas de diseño es fundamental ser capaz de comunicar las ideas a través del dibujo. Sin embargo, es posible hacerlo también por otros medios, por ejemplo, el collage y la fotografia, como instrumentos de comunicación. Es bueno experimentar con el dibujo, mediante la utilización de distintos tipos de materiales, y conseguir expresar a través de la línea y el color. Las formas y las masas de colores son otros elementos en los que tenemos que pensar si queremos realizar una presentación de manera precisa o por el contrario, con un enfoque mas abstracto.

Trabajar con distintos tipos de papel e ir construyendo superposiciones para crear texturas permite obtener ideas con las que hacer punto o tejer. Hay que intentar encontrar texturas inusuales para combinarlas entre si, pero sin olvidar la función que debe cumplir la tela que estamos diseñando. Para experimentar, podemos realizar una muestra con un material parecido al hilo que utilizaremos.

CAD (computer-aided-design)

CAD significa computer-aided-design (diseño asistido por ordenador). El uso del ordenador acelera el proceso del diseño porque el color y la escala se combinan con mayor rapidez en un proceso manual. Sin embargo, los colores que aparecen en la pantalla del ordenador son distintos de los que después aparecen estampados porque la pantalla trabaja con luz y no con pigmentos. El escaneado de dibujos originales y su posterior combinación con otras imágenes puede funcionar bien. Hay que evitar el uso de filtros y de efectos de diseño incluidos en los programas.


Fotografía

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El uso de la fotografía resulta beneficioso para plasmar ideas rápidamente y las texturas y las formas se pueden documentar con gran detalle y de forma inmediata, sin tener que dibujar durante horas y horas. Los programas como por ejemplo, Photoshop, reproducen con éxito las imágenes y los diseños. Tambien permiten la realización de superposiciones. Una de las mayores fuentes de inspiración para los estampados es la naturaleza.

principios diseño textil 13

del

Es importante que el diseñador comprenda los principios básicos del diseño textil para así explorar a fondo el proceso de diseño. Algunas muestras se acomodarán mejor que otras a determinados principios; por ejemplo, podemos producir una gama de muestras negras centradas en la aplicación de superficies brillantes sobre tejidos mates. En este caso, la yuxtaposición de superficies y la colocación del dibujo es el punto central y no tanto el color.

Escala Observemos la escala de nuestro diseño dentro de la pieza de tela. Es posible que resulte demasiado pequeño o repetitivo o tal vez esté aumentado demasiado hasta el punto de que se ha vuelto abstracto. Si deseamos añadir contraste, una opción es combinar un dibujo grande con un motivo pequeño. En cualquier caso, pensemos en cómo funcionara el dibujo sobre el cuerpo y en las distintas piezas de la prenda. Un motivo grande y audaz quizá no tenga el impacto deseado si la tela debe ser cortada en múltiples piezas para construir la prenda final.


Dibujo y repetición

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Si se desea que la muestra aparezca en toda la pieza de tela, hay que tener en cuenta cómo se repite. La repetición puede ser algo muy sencillo o bien muy complicado cuando se trata de una superficie grande. Cuanto mas grande sea el motivo que debe repetirse, mas difícil resulta verlo en una tela. Es importante tener en cuenta el modo en que el diseño influye a través de los metros de la tela. Cuando un dibujo se repite en bloque es posible ver donde se repite el motivo. En algún caso puede funcionar, pero en otros puede resultar bastante basto. También hay que fijarse en si el dibujo marca una dirección. ¿Hay un lado superior y otro inferior? Puede presentar un efecto interesante, pero recordemos que ese diseño limita el uso de la tela, ya que las distintas piezas del patrón de la prenda se tendrán que colocar en la misma dirección. Si se trabaja con ordenador es muy fácil ver como funcionará el diseño, basta con cortar y pegar y también existen programas que realizan la repetición del motivo rápidamente.

Para comprobar de forma manual si el motivo funciona sobre toda la tela, hay que cortar el dibujo por la mitad y colocar la parte superior debajo de la parte inferior y así ver posibles espacios que es necesario rellenar.

Colocación y manipulación de los motivos

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La colocación funcionará su antes se ha elegido la posición que debe ocupar el motivo en la prenda. La colocación mas obvia es la que sitúa el motivo en la parte delantera de una camiseta. Resulta interesante ver en que modo un diseño puede ser manipulado para que funcione colocado en varios lugares de la prenda. Se puede mover una costura para permitir que el diseño viaje de la parte delantera a la parte posterior de la prenda? ¿Puede funcionar un motivo colocado alrededor del cuello o de la sisa de una manga? ¿Puede un diseño encajar en una pieza especifica? Si trabajamos de este modo, deberemos tener en cuenta como el motivo con el que jugamos debe reducir o aumentar su tamaño según la talla de la prenda. Una talla 38 tendrá un cuello menor que el de una talla 42. Tendremos que producir un motivo de tamaño distinto para cada talla si pretendemos que funcione. Si trabajamos con ordenador, esto se simplifica ya que los motivos se pueden escalar rápidamente y pueden colocarse en piezas con formas determinadas. Una colocación inteligente influye en la construcción de la prenda final. Por ejemplo, un bloque de color puede ser tricotado directamente en una prenda; esto significa que no será necesario recortar una pieza para coserla a continuación sobre dicha prenda. Un tejido que incorpore una fibra elástica hará innecesarias las pinzas para que la prenda final se amolde al cuerpo. El smock aplicado a un tejido puede realizar la misma función.

Color y estrategias de color A menudo, antes de empezar a diseñar, da buen resultado elegir una paleta de color que nos guste y que sea apropiada para el tema. Un buen inicio puede ser encontrar una imagen, una fotografiá o una pintura en la que los colores se combinen adecuadamente. Otra posibilidad es la de empezar seleccionando varios colores y ver qué tal funcionan juntos, para lo que nos servirán unas tiras de papel de distintos colores, muestras de tela o dibujos en el ordenador. La paleta de color puede ser mas o menos extensa, aunque es preferible no complicarla incluyendo demasiados colores. Comprobaremos ademas el equilibrio de color y tono de la paleta. Es importante pensar para que se va a utilizar el color y en qué proporción Un color aplicado en una pequeña mancha tie-


ne una apariencia muy distinta que utilizado después en una pieza de tela de varios metros.16 Al diseñar, hay que tener en cuenta los distintos tonos y los grados de saturacion de un mismo color. Cambien experimentaremos con distintos matices de una misma tonalidad. Por ejemplo, el color negro puede ser negro azulado, negro cálido, negro descolorido, negro mate, negro brillante o negro transparente. La paleta cambia según los distintos tipos de iluminación (la luz natural, según la hora del día y los diferentes tipos de luz artificial producen efectos cambiantes).

estilos

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de

estampados

A lo largo de la historia, los diseños textiles se han ido catalogando en estilos. Es importante conocer dichos estilos para poder comunicarse con otros diseñadores o con los posibles clientes. Los estilos muestran también la amplia variedad de motivos disponibles.

s e l a r o l f s o v i Mot

Los motivos con flores constituyen el estilo mas popular y cada temporada se reinventan. Hojas y hierbas tambien se incluyen en esta categoría, pero no las frutas, las verduras y los árboles. Los estampados con ramos se denominan rameados y los ramos representados pueden ser mas o menos compactos. Tambien existen motivos que representan florecillas sueltas.

z t n i h C

Es un tejido de aspecto brillante. Originalmente, el tejido se frotaba con cera, almidón o resuna porque se creia que así se repelia el polvo y la suciedad. Mas recientemente, el brillo se consigue con un calandrado mecánico. Los motivos florales son los que se asocian tradicionalmente al chintz.

y u o J e d e l i To

Durante el Siglo XVIII, la ciudad francesa de Jouy producía telas de algodón estampadas, en especial una tela que representaba mediante un motivo seriado el proceso de estampación realizado al aire libre. El nombre ahora se asocia con un motivo que representa de manera seriada un paisaje o una escena pastoral. En general, el estampado tiene un estilo que recuerda los grabados en color sobre un fondo claro.


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l i e o ’ l e Tromp

Tartán

Dibujo que consiste en bandas horizontales y verticales de múltiples colores que se entrecruzan. Los colores se mezclan allí donde las bandas se cruzan. Este dibujo de cuadros se repite en toda la pieza de tejido. Su origen está en los textiles tejidos, aunque ahora se utiliza en muchos otros materiales. El tartán se asocia sobre todo con los países celtas, especialmente con Escocia.

Estampado que crea una ilusión tridimensional.

Rayas

s e l e i p e d n ó i Imitac

Estampados que imitan pieles de animales, en general felinos y reptiles.

Lunares

y e l s i a P

Los estampados paisley se desarrollaron a partir de la forma estilizada de una planta que aparecía en los siglos XVII y XVIII en los chales indios de cachemira. Durante el siglo XIX, la ciudad de Paisley, Escocia, fabricaba chales de cachemira con estos motivos. Hoy, estos estampados reciben el nombre de la ciudad de origen.

e j a l f u Cam Este estampado se inventó para mimetizar a las tropas militares con el entorno durante el combate.

Folk Motivos procedentes de culturas europeas que a menudo representan un estilo campesino.

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Vichy

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Psicodelico

Estampados con colores ĂĄcidos que se desarrollaron en la dĂŠcada de 1970.

i c c u yP

b

& e c l o by D a n a b b a G

Degradado

Cambio gradual de tono para pasar de un color a otro.

l a b a r by P g n u r u G

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Étnico

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Métodos

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de

estampación textil

Dibujo realizado con un estilo exótico o propio de otra cultura. Casi siempre se aplica a los dibujos procedentes de África o de India.

Teñido en tina

Geométricos Dibujos con lineas y ángulos, a menudo abstractos.

Cotidianos Motivos que describen objetos cotidianos o animales de forma seriada o con un hilo narrativo. Los estampados de fantasía que se utilizan para los calzoncillos boxers están dentro de esta categoría A menudo, la elección de los objetos permite una clara identificación del periodo en el que se creó el tejido, ya que los objetos representados estaban de moda en esa época.

se realiza atando la tela sobre algún objeto con un hilo fuerte o unas gomas elásticas. Se pueden probar objetos diversos, como semillas de fruta, caniEl teñido en tina o recipiente es una de las for- cas, guijarros o incluso llaves, para obtener un disemas mas sencillas de dar color y diseño a un ño mas elaborado. Después del teñido se desata la trozo de tela. En esta técnica se sumerge una tela y aparecen los diseños creados por las ataduras. tela en un recipiente de metal junto con el tin- Algunos métodos relacionados son: doblate y mucha agua, para asegurar una distribu- do, pliegues, retorcido, atornillado y shiboción regular del color del tinte. Se puede usar ri, una antigua técnica japonesa en la cual se la técnica del tie-dye para obtener diseños en la tela. realizan unos hilvanes en la tela, y luego se Con este método se pueden usar tanto tintes na- fruncen con fuerza, formando así la reserva. turales como sintéticos. Los naturales producen una calidad de color extraordinaria, desde el brillo cristalino del amarillo camomila a la sutileza de la corteza del roble y las bellotas. La amplia gama de tintes sintéticos disponibles le permi- Practicado durante mas de 2000 años por todo el tirá teñir casi cualquier tela con cualquier color. sur de Asia, el batik es un método tradicional de estampar las telas usando la cera como reserva. Hoy en dia todavía se siguen usando muchas técnicas de estampado de batik diferentes, como el estilo del punteado fino propio de Java. En la técnica del batik se aplica cera caliente líquida en la tela meEl tie-dye (literalmente atado y teñido), es uno de diante una herramienta conocida como tjanting, los métodos mas antiguos para producir un diseño, para formar el diseño con reservas. O bien la tela creando una barrera física para evitar la penetración se sumerge en un recipiente con tinte, para colodel tinte en algunas zonas. En esta técnica, la reserva rear las zonas sin cera, o se pinta con tinte la zona entre las reservas de cera, formando un diseño de

Batik

Tie-dye


colores. Mediante la aplicación repetida de cera y el teñido se puede conseguir una gama de colores en la tela que formen un diseño multicolor. Uno de los aspectos mas bonitos del batik es la adicion de capas de color y diseños, que sólo aparecen después de eliminar toda la cera de la tela, al final.

Estarcido La técnica del estarcido, en la cual se aplica un tinte o una pasta de reserva a la parte recortada de una plantilla de estarcir, es una forma primitiva de serigrafiado. Los estarcidos se pueden usar de muchas formas: se puede formar un diseño coloreado recortando múltiples plantillas, de forma que cada una cubra una zona coloreada, o bien se puede reutilizar la misma plantilla como motivo repetido, y crear asi un estampado en toda la tela. Se pueden usar tambien plantillas de estarcir de acetato ya preparadas que se encuentran en tiendas de manualidades y especializadas. Sólo hay que limpiar y secar bien cada plantilla antes de usarla con un tinte distinto. También se puede hacer uno sus propias plantillas con un papel grueso, encerado o de acetato, para darle un toque mas personal.

las reservas con goma y con cera para formar24 la imagen que se debe estampar. En esta técnica se aplica tinte en pasta de forma regular, firmemente, a través del bastidor con su malla mediante un racle de goma.

Monotipo Se puede pintar con tintes líquidos directamente en una pantalla de seda y luego transferir ese diseño a una tela usando pasta de estampacion transparente y un racle. Esta técnica la suelen usar los diseñadores textiles, porque les permite probar una amplia gama de diseños y colores rápidamente en la tela, sin usar los métodos costosos y y lentos de la produccion normal con pantalla de seda. También se usa para producir efectos pictóricos en la tela. Como se trabaja en la malla y no directamente en la tela, se pueden cambiar elementos del diseño, si fuese necesario.

Estampación con cera

Se puede usar cera y goma arábiga para realizar una pantalla de serigrafia para crear monotipos. Por ejemplo: con un lapiz de cera, se dibuja algo en la pantalla. Luego se cubre la pantalla con una capa de goma arábiga y se elimina la cera. Entonces, aparecerá una imagen en positivo ya dispuesta para el estampado. La ventaja de esta técnica, Este método se ha usado durante siglos para trans- conocida como estampacion con lápiz de cera, es ferir escrituras o imágenes al papel o la tela. Todavía que el diseño que dibuje es el que estampará luese usa mucho en la India como técnica para decorar go, en lugar de ser el negativo reservado, como telas, y las telas estampadas con este método pue- en las otras tecnicas con cera y goma arábiga. den resultar tan delicadas y llenas de colorido como los percales, chintz y toile de Jouy que exportaba la India a todo el mundo en los siglos XVIII y XIX. Hay pequeñas industrias textiles y de papel decorativo que siguen usando todavía esos moldes, que se pueden encontrar en mercadillos de antigüedades. Son unos El la técnica del devoré se usan pasta química y el moldes muy valiosos porque sus detalles son muy calor para destruir o quemar una de las fibras en una difíciles de reproducir con los moldes modernos. tela compuesta de dos fibras. El tipo mas común de tela para realizar el devoré es un terciopelo de seda y viscosa. Aquí se elimina el pelo de la viscosa, dejando el fondo de chiffon de seda, con lo cual se crear un relieve en la tela. Esta técnica se puede aplicar La serigrafia es una forma muy versatil de estampar también a otros tipos de tela mezclados, como los de diseños en una tela. Se pueden usar los estarcidos y poliester y algodón, o bien el raso de seda y viscosa.

Estampación con moldes

Devoré

Serigrafia

estampación

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digital

La estampación por chorro de tinta para textiles difiere mucho de las técnicas ya comentadas, debido a que no se produce un contacto mecanico con el cabezal de impresión, pero tambien debido a la forma en que se producen los colores del dibujo. La tinta se dirige a través de unas boquillas que, de forma controlada, dejan que esta otee sobre la superficie del tejido, imprimiendo línea a línea. En general se utiliza un conjunto de tintas compuesto por al menos tres o cuatro colores primarios: cian, magenta, amarillo y negro (opcional). Es decir, las llamadas tintas CMYK. Como la mayoria de las impresoras por chorro de tinta se diseñaron para imprimir sobre papel, las especificaciones técnicas están mas relacionadas con las que se aplican a la industria reprografita que a la de la estampación textil. Es normal hablar de tintas en lugar de colorantes, pigmentos o pastas para estampación. Del mismo modo, la resolucion del dibujo se define utilizando el termino de puntos por pulgada (dpi) o de líneas por pulgada (lpi). Las dos impresoras para textil mas utilizadas actualmente son la Stork, fabricada en Holanda, y la Mimaki, procedente de Japón. Los avances tecnologicos están permitiendo a los fabricantes el uso de pigmentos en lugar de colorantes en la producción de tintas para la estampación textil con tecnología digital. Los pigmentos poseen una mayor solidez a la luz y al lavado que los colorantes, y a menudo, resultan mas baratos. Desgraciadamente, las tintas pigmentadas son menos fluidas que las tintas hechas a base de colorantes. Este detalle es importante cuando la tinta pasa a través de las boquillas. Además, los avances tecnologicos en estampación digital han llevado a mejorar la forma en la que las tintas pigmentadas se adhieren a la superficie del tejido. Las tintas pigmentadas pueden imprimirse en gran variedad de fibras y tejidos, mientras que las tintas a base de colorantes solo se pueden

utilizar con determinados tipos de fibras y tejidos. Para utilizar tintas a base de colorantes, primero debe aplicarse al tejido una imprimacion química. A continuación, el tejido estampa y luego se aplica vapor para asegurar la adherencia de la tinta a la tela. Finalmente, el tejido se lava para eliminar la imprimacion. Las tintas pigmentadas no requieren un proceso de fijado, lo que abarata la estampación. A diferencia de las tintas a base de colorantes, las tintas pigmentadas no necesitan disolver el color. A menudo, los disolventes se fabrican con componentes orgánicos volátiles, lo que significa que las tintas a base de colorantes son mas dañinas para el entorno que las tintas pigmentadas.   La estampación digital permite al diseñador trabajar desde el ordenador directamente a la tela, sin necesidad de diseñad sobre papel. Se pueden obtener dibujos con altisima definición y es posible estampar muchos colores sin tener que utilizar numerosas pantallas. Se pueden aplicar infinitas capas en un mismo dibujo y, además, conseguir imágenes con un efecto tridimensional. El diseño se puede repetir para cualquier medida y no existen limitaciones impuestas por el tamaño de las pantallas. En la estampación, ademas de la impresora se necsesita un software eficiente para la gestión del color. El software permite la gestión del color creando perfiles o caracterizaciones especificas, ajustandoi las caracteristicas de la impresion a cada tipo de tinta, soporte, y eventual tratamiento posterior a la estampación La tecnologia digital aplicada a la impresion textil avanza abriendo mercados y posibilidades de negocio. Actualmente el grado de penetracion se concreta sobre todo en los sectores publicitarios y promocionales, pero progresivamente la impresion digital


posibles o, en su caso, para que quede centrada26 en el punto exacto donde tú deseas (el ancho máximo del tejido dependerá de la máquina ¿Qué tenemos que hacer para impri- que vayamos a usar, pero como referencia solemos mir un estampado en tela? Texknit Digital trabajar con un estándar de 155 cm.) nos explica los pasos que hay que seguir: . 1. El proceso de producción empieza cuando 3. Se realiza una primera prueba de la que obtenos haces llegar en soporte digital la imagen a nemos resultados inmediatos y si es necesario imprimir (CD, DVD, e incluso por correo electró- corregimos al instante cualquier eventualidad nico si la imagen lo permite), pero si lo prefieres también te ofrecemos la posibilidad de digi- 4. La materia prima puede ser cualquier tipo de talizar la imagen a partir del original. Toda la tejido o piel, pero existe la posibilidad de trabajar configuración inicial se realiza con PC median- con otros materiales. Consúltanos al respecto y te los programas ADOBE PHOTOSHOP CS y estudiaremos exhaustivamente la mejor solución FREEHAND 11, por lo que las imágenes deberían técnica para cualquier otro sustrato. En el tener preferiblemente la extensión .TIF o .EPS. caso de tejidos, tanto si los aportas tú como si Para un mejor servicio es necesario que la imagen prefieres disponer del completo stock de nuestra final disponga de todos los acabados: tamaño, empresa, es necesario que éstos estén en crudo que es muy importante premarcas de corte, raport, color etc. En cuanto a re- ya la tela para la estampación. solución, para imágenes pequeñas (dirigidas a parar productos de moda, baño, etc.), ésta debería ser de 300 dpi y para imágenes grandes 5. Tras la impresión propiamente dicha (similar al (publicidad, decoración...) debe- de una impresora doméstica), se hace un lavado ría oscilar entre 100 y 200 dpi. de la tela con el que desaparecen residuos no deseados y permanecen las imágenes definitivas 2. A continuación preparamos las máquinas para con el acabado de la tela que tú hayas escogido. que la tela incluya el mayor número de imágenes va encontrando su lugar tores como la moda

en y

otros secel hogar.

Presentación del

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muestrario textil

Las muestras textiles suelen presentarse en colgadores o sobre cartón. En este útimo caso, no hay que pegarlas totalmente al cartón, sino sujetarlas solo por un extremo, pues es necesario comprobar el tacto y la caida de las muestras. Se aconseja un montaje sencillo para que la atencion se centre en el diseño textil. Por lo general, se deben evitar las carpetas con fundas de plastico que impiden tocar facilmente la tela.

Predecir

la

Predecir las sentencias se ha convertido en un enorme negocio que influye en numerosas areas de diseño, especialmente en moda y textiles. Un gabiete de tendencia se centra en un determinado ámbito del mercado e intenta predecir lo que va a suceder en ese sector en el futuro. Puede dedicarse a predecir lo que ocurrirá la próxima temporada o en años venideros. Esta información es vendida por estas empresas a otras que no tienen tiempo o recursos para llevar a cabo sus propios sondeos y predicciones.

tendencia

Mas a menudo, esta informacion se vende a compañias que realizan un cierto tipo de prediccion de tendencia a nivel interno. Lo que hacen es comparar sus resultados con los de la empresa de prediccion para asegurarse de lo que están diseñando está en la onda, que el mercado esta preparado para sus diseños, lo entenderá y finalmente los comparará. Los gabinetes de tendencia observan la evolucion de tendencias. Identifican y estudian lo que ha tenido éxito durante cierto tiem-


po y evaluan si esa tendencia seguirá y crecerá o si ha llegado el momento de reaccionar con-28 tra ella y hacer algo distinto. Estos gabinetes analizan muy diversas fuentes para luego realizar sus informes. Observan lo que sucede en la sociedad, la economia, las artes, la moda, la ciencia, la calle y la alta costura, por ejemplo. Es mas facil identificar una tendencia una vez se ha producido; si miramos atrás, es posible reconocer las tendencias que historicamente han tenido importancia determinando cambios en la moda. Las tendencias resultan mucho mas contempladas retrospectivamente. Algunas empresas de diseño prefieren no seguir las tendencias y en cambio, ser vistas como creadoras de tendencia. Estas empresas trabajan con sus propias predicciones. En cierta forma, actúan como los buenos artistas y desarrollan personalmente ideas y conceptos. Estos diseñadores tienen que hallar su hueco en el mercado y un publico no influido por las tendencias, lo cual no es nada fácil. La base de la predicción de la tendencia es la intuición, aquello que se percibe como adecuado y como nuevo.

el color

Para diseñar con éxito una colección de textil y moda, hay que tener en cuenta el color. Es un elemento fundamental en la definicion de una colección y es lo primero que ve el consumidor. La eleccion del color está sujeta a varios motivos. Está relacionada con la temporada, con el perfil del consumidor, con el tipo de tejido disponible o con el concepto del diseñador. El color tambien se ve influenciado por la información sobre la tendencia. El diseñador puede decidir producir una colección que se adecue a los colores predichos para una determinada temporada.

Color y diseño La eleccion del color en el ámbito del diseño es algo muy personal. Todos tenemos nuestras paletas de color personales con las que nos gusta trabajar: son colores que consideramos apasionantes, agradables, elegantes o divertidos. Sin embargo, el diseñador a menudo tiene que trabajar con colores que no son los de sus paletas preferidas y con los que no se siente muy cómodo. Por lo tanto es importante probar y comprender en qué modo los colores se combinan y experimentar con ellos. Algunos diseñadores son conocidos por el uso que hacen del color. Los diseñadores japoneses Comme des Garçons y Yohjo Yamamoto utilizan generalmente colores oscuros. Sus colecciones son intemporales y centran mas su trabajo en un corte inteligente de las prendas que en colores extravagantes. Versace, sin embargo, se decanta por colecciones llenas de color para seducir a sus clientes. Marni y Dries Van Noten utilizan con gran acierto el color y

sus paletas son sofisticadas y poco corrientes. Calvin Klein es conocido por sus tonos neutros y apagados y Tommy Hilfiger por utilizar audaces colores primarios.

Textura

Evidentemente en la moda el color no funciona por si solo. El diseñador debe contemplar el color en relacion con una superficie textil, y en el contexto de una silueta o prenda. Todo ello puede cambiar la percepcion del color. Por ejemplo, la calidad de un color varia en determinados tejidos (el rojo en el plastico parece de baratillo y desenfadado, en cambio en una seda de alta calidad paracerá lujoso y rico Los colores claros muestran mejor la textura que los colores oscuros.

Proporción Hay que tener en cuenta tambien la proporcion del color en la prenda. A veces, colores difíciles o poco habituales dan mejor resultado si se utilizan en pequeñas proporciones, pero todo depende del cliente y de las tendencias de color del momento. Un nuevo color de moda (que no lo haya sido antes) puede empexar a introducirse en pocacantidad en el estampado o en un tejido de punto multicolor, o utilizarse en poca cantodad en el estampado o en un tejido de punto multicolor.

Contexto También es importante tener en cuenta el contexto en el quee el color va a utilizarse y que es lo que quiere comunicar. Por ejemplo, en Occidente un vestido de boda rojo transmite un mensaje totalmente distinto al convencional vestido blanco.

Referencias de color A menudo, los colores tienen que ser los mismos aplicados a distintos tipos de fibras o tejidos, que a su vez requerirán diferentes tipos de tintes y que quizá incluso se fabriquen en distintos paises. Para que el color permanezca fiel al que se diseñó, desde el principio hasta el final, a menudo las empresas utilizan un sistema de referencia. Los sistemas Pantone y Munsell son los mas utilizados para determinar el color adecuado. En dichos sistemas, cada color tiene un numero de referencia. Las cartas Pantone se disponen cromáticamente por familias de color y contienen 1925 colores.

El color y el consumidor.

El color es un elemento importantisismo en el diseño de moda y de textil. Cuando un cliente entra en una tienda, en principio, se siente atraido por el color de una prenda. A continua-

cion se acercará y la tocará, por último qui-29 zá se la pruebe para ver si le queda bien. En una colección de moda, generalmente los colores seguros son el negro, el azul marino, el blanco, el color piedra y el caqui. Los clientes a menudo compran prendas de estos colores ya que constituyen los colores basicos de muchos guardarropas. Puede ser una buena idea ofrecer alguno de estos colores básicos junto con otros mas de temporada y experimentales. Estos colores añadirán vida a la colección e idealmente, seducirán al comprador para que cada temporada compre prendas con los nuevos colores, ademas de las de colores básicos e intemporales.


diseñadores textiles emergentes

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Hanna Werning Aunque Hanna werning reside en estocolmo, su trabajo se puede encontrar fuera del continente europeo. “Mis estampados reflejan el mundo en el que vivo hoy”“Para mi el mundo es como un gran mosaico de culturas diferentes y, en ocasiones, veo mi propio trabajo como un gran collage visual o como el sonido fe un dj que combina sus propios ritmos con otros. Tras licenciarse como diseñadora gráfica en el Central St. Martins Collage of Art & Design de Londres, estableció su propio estudio, tras su regreso a Suecia en 2004. Desde entonces, se ha dedicado al diseño de tejidos para interiores para empresas como IKEA y Boras Cotton, de estampados urbanos para Eastpack y de motivos exclusivos para Marcas como Anna Sui.   Werning ha lanzado además su propia gama de papel decorativo, a la que denominó AnimalFlowers.

A diferencia del papel decorativo presentado en rollos, el papel de werning se ha diseñado en formato de poster. Animal Flowers ofrece a los consumidores la libertad para adquirir el número de pósteres individuales que necesiten en lugar de comprar un rollo completo o un único poster para emmarcarlo. Debido a su formación en Diseño grafico, Werning tiende a describir su trabajo en términos de dos dimensiones “por lo general me considero diseñadora, porque trabajo con numerosos medios diferentes, sin embargo, creo que se ve fácilmente que mi trabajo tiene su origen en el diseño basico mas que en el diseño de tejidos.   Werning descubrió el diseño de tejidos cuando aún estaba en la universidad, donde aprendió la estampación por paneles y se decantó pot los patrones repeti-

dos en lugar de hacer uso de un unico diseño grafico. “Siempre he sentido fascinación por los estampados, ya sean sencillos u otros mas elaborados y decorativos”. La naturaleza ha constituido una constante fuente de inspiración para Werning, quien mantiene un continuo diálogo con el mundo natural en su trabajo. Sus representaciones de la vida animal y vegetal, así como de sus paisajes, están dibujadas con lineas organicas y fluidas, y se caracterizan por una espontánea yuxtaposición de  flora y fauna. “ Los motivos que representan a la naturaleza nunca pasarán de moda y seguirán siempre a nuestro lado, aunque el desarrollo técnico se torne mas popular”   Los diseños de Werning para la marca sueca Dagmar transforman elementos del mundo natural en varguandistas motivos para la moda urbana. Di-

señado en seda, así como con dos colores, el31 estampado Salmiak Pine de la colección O/I 2006 repite el contorno de una piña en secuencias que recuerdan los diseños del art decó. Todos sus diseños se producen de forma particular para los clientes para los que ella trabaja.


Florence Manlik La artista gráfica afincada en París Florence Manlik se mueve del arte a la moda y al diseño, y al revés. Para ella, un dibujo es un espacio de pensamiento, un lugar en el que puede expresar sus ideas con libertad, primero sobre papel, para luego conferirles vida en otro medio. El trabajo de Manlik es exclusivo en cuanto a sus síntesis de temas, estructuras y estilo, una cualidad que informa tanto acerca de su formación artistica como de su naturaleza de espíritu libre. “Me considero mas artistas que una diseñadora porque dibujo lo que quiero, sea lo que sea”. Consciente de que su trabajo tiene numerosas aplicaciones distintas. Manlik no se considera una diseñadora textil en sí, y describe los medios en los que trabaja en términos de plataformas en lugar de productos. “Existen numerosas plataformas para lo que hago, porque mis dibujos se pueden adaptar fácilmente a numerosas superficies distintas. Pueden adquirir forma de modernos estampados en camisetas, abrigos, sombreros y zapatos, pero tambien pueden decorar portadas de CD, fundas de discos, tapas fe libros, papel para decoración e incluso los escaparates de Selfridges, donde se me encargó diseñar una campaña publicitaria para el establecimiento de Londres. Me pidieron que estructurara mis dibujos de acuerdo con sus instrucciones, pero la mayoria de mis clientes prefieren el trabajo que ya he realizado”.   Muchos de los trabajos de Manlik son paraísos etéreos que trasladan al que los contempla a otra dimensión, y sus estampados parecen ofrecer una via de escape de la cruda realidad de la vida urbana, cuando se llevan por las calles de París. Manlik describe parís como un ruedo, en el que

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el arte está en continuo movimiento y viaja por la ciudad junto con la gente en la vida cotidiana. Manlik nunca sintió la necesidad de especializarse en diseño de moda, pero lo descrbe como un aspecto de su carrera del que disfruta mucho. Su estilo gráfico ha sido demandado por firmas como Frenchurch, por el modisto parisino Robert  Normand y otros como Graniph en Japón. “La moda ha sido para mi una fantástica plataforma, siempre me ha encantado la ropa y la moda, pero cuando acudí al desfile de Robert Normand ( en el que los diseños de los tejidos de Manlik se estamparon en casi todas las piezas de la colección) sentí una enorme emoción” Normand utiliza los diseños y motivos de Manlik para incorporar toques abstractos, atrevidos y sorprendentemente surrealistas a sus creaciones, que de manera alternativa, oculta en un detalle insignificante o amplia a proporciones a mayor escala. “A Robert le encanta imaginar asociaciones extrañas, la primera vez que trabajamos juntos se le vinieron a la mente esas ideas disparatadas sobre tiburones voladores que se ahogaban en el mar durante una tormenta, con cestos de flores tejidos con pelo…para mi, visiones como estas me resultan tan familiares que ni si quiera me doy cuenta de que han sido fruto de la fantasía de otra persona.   Mientras que los seguidores del trabajo de Manlik celebran la precisión, casi obsesiva, que su trabajo parece transmitir, ella lo describe como un proceso espontáneo y que fluye libremente. “Mi forma de dibujar no está predeterminada, es orgánica. Un dibujo crece y se desarrolla, se ramifica como si de una planta se tratase. Resulta abstrac-

to decir que un dibujo es la suma total de pequeñas coincidencias, oportunidades y sucesos afortunados, pero el dibujo se conforma mediante numerosos detalles y giros inesperados. Los hago mios, reconociendo el valor de dejar que las cosas evolucionen en lugar de intentar controlar cada detalle. Cuando está terminado, un dibujo puede acabar plagado de setas y monstruos, aunque quizas no constituyeran la principal inspiración.

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Moniquilla Pattern design made in Spain Mónica siempre sintió una pasión especial por el arte y el dibujo. Desde antes de saber escribir, ya pintaba los cojines y las paredes de su habitación. Por otra parte, la moda es algo que siempre había estado presente en su vida: su madre hace años daba clases de corte y confección. Y su casa siempre estaba llena de revistas de moda. Por eso, hubo un momento en el que lo vio bien claro: ella quería unir su experiencia en el arte con la moda. Y la mejor forma de hacerlo era creando estampados. Mónica vivió su primer contacto con el mundo de la moda en el workshop de La Casita de Wendy. Y luego, hizo un curso especializado en estampación, en el Círculo Textil. Esto la impulsó a dejar su trabajo de diseñadora en otra empresa y a crear su propia marca: Moniquilla. Moniquilla, es una muy especial marca de diseño de ropa, ilustraciones y estampados. En ella, Mónica vuelca su amor por el arte en la moda: plasma en las prendas sus coloridas ilustraciones y patterns. Y el hecho de que muchas de las prendas estén pintadas a mano, les da un toque más artesanal y exclusivo. Mónica estudió de todo: se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Salamanca. También ha estudiado dibujo clásico, artes plásticas, escultura y grabado. Después vino Diseño gráfico y luego Moda. También ha realizado un Master en branding en el IED. Allí ha impartido ahora clases de ilustración: “Me ha gustado la experiencia de pasar de alumna a profesora” cuenta Mónica.

trabajo, una especie de portfolio online que poder enseñar en una entrevista. Iba subiendo mis dibujos y diseños y entonces la gente me pedía los productos que ni siquiera tenía producidos. Ahí nació la marca, el nombre y cuando ya tenía unos cuantos seguidores era imposible cambiarlo. Pero puedo decir que Moniquilla comienza por la ilusión de hacer algo que nace de dentro y que no sabes donde va a llegar. ¿Cómo definirias el estilo de tus prendas? Diseño y produzco mis telas. Hago pocos metros de cada estampado, produzco bajo pedido y gran parte tiene un proceso hecho a mano con lo que cada prenda está cuidada al detalle siendo muy personales y exclusivas ¿A qué tipo de mujer viste Moniquilla? Eso es difícil de decir: hay de muchos tipo y muchas edades, sobre todo en el caso de los fulares, eso los llevamos todas! pero creo que son chicas que buscan algo diferente, el detalle que te distingue del resto. ¿En qué te inspiras para crear tus ilustraciones y diseñar las colecciones de cada temporada? ¿Sigues algún proceso en particular para crear? Tengo un proceso un poco personal. Hago antes los estampados que el diseño de la ropa. Me inspira mucho la naturaleza, los árboles, hojas, flores…Comienzo dibujando y pintando en un cuaderno y después elijo y elaboro el pattern.

¿Tienes algún referente al que admiras en el ¿Cómo comienza Moniquilla? mundo de la moda? ¿Y un ilustrador/a preferido? Comenzó gracias al blog: lo abrí para enseñar mi Hay muchísima gente a la que admiro, me gusta

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cómo creé un estampado

Una vez que tenemos el estampado, creamos un rectángulo transparente y enmarcamos nuestro estampado.

1.

Seleccionamos las capas de nuestro estampado y le damos a crear nueva muestra, para así tener a mano nuestro estampado y usarlo cuantas veces queramos.

2.

Una vez que los tenia situados, como algunos de ellos se salían de la mesa de trabajo, los seleccioné para copiarlos en lado opuesto, para que así, al unirse el estampado, coincidiera. Esto lo hice pulsando en objeto, transformar y mover.

¿Qué consejo le darías a quienes recién comienzan en el mundo de la ilustración o de la moda? Que no imiten a nadie, que hagan lo que les sale de dentro, no se puede forzar nada, y cada uno -aunque cueste- tiene que encontrar su camino y su propio estilo.

digitalmente

Tras ponerme en contacto con varios diseñadores de estampados, vi que todos coincidían en lo mismo, realizaban sus estampados con Photoshop y/o Illustrator, asi que viendo este tutorial en youtube, me puse a ello (http:// www.youtube.com/watch?v=NR8esZ4nn6c). En primer lugar, dibujé con Illustrator los motivos de mi estampado, y los coloqué en un A-4 aleatoriamente.

especialmente marcas como Chloé, MiuMiu, Paul & Joe… Y españoles: Miriam Ocariz y TCN. Los lustradores de moda que me admiro son: ohgushi y garrance dore

5.

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3.

Una vez que se nos abre la ventanita, como ahora estamos copiando horizontalmente, rellenaremos la medida horizontal que tiene nuestra hoja y le daremos a copiar. Así vemos que se nos copia en el lado opuesto lo mismo que nos sobresalía. Si se nos montan los motivos, los recolocamos, siempre sin mover aquellos que sobresalen.

4. pero

Ahora

hacemos

lo mismo verticalmente.

6.


Mi estampado

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conclusiones

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Este trabajo es un estudio profundo de los estampados, desde cómo se realizaban al principio de los tiempos hasta ahora, abordando lo que mas nos interesa, que es la estampación digital. Pienso que para un diseñador es muy importante poder crear sus propios estampados y no limitarse a las telas que puede encontrar, pues en muchas ocasiones, los estampados son lo que distingue a un diseñador de otro o a una colección de otra. La mayor satisfacción de este trabajo es haber aprendido como realizar un estampado con Illustrator (aunque haya sido básico). En mi opinión, aunque hayan personas que se dediquen exclusivamente a la creación de estampados, siempre es mejor que el diseñador tenga una noción básica de todo, para saber las posibilidades que tiene y porque puede que no podamos permitirnos pagar a una persona para que nos realice los estampados.

“La libertad consiste en confeccionar el propio tejido mientras trabajas” Sandra Backlund Este es el estampado que he creado, realizando una interpretación del tradicional estampado de paisley, en el que las alas de los pajaritos tienen forma de cachemir. Para elegir los colores que iba a usar, realicé una tabla en Illustrator con las distintas tonalidades.


bibliografía -

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Diseño textil: tejidos y técnicas. Jenny Udae. GG Textiles. Diseñadores de Vanguardia. Bradley Quinn. Blume. http://masmoniquilla.blogspot.com printpattern.blogspot,com www.patternpeople.com www.texknitdigital.com Volver al índice

Laura Peña Pérez

Software estampación textil  

Trabajo sobre cómo diseñar estampados para tela digitalmente.

Software estampación textil  

Trabajo sobre cómo diseñar estampados para tela digitalmente.

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