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Laura Ximena Daza

Diez pinturas que impresionaron al mundo


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Lanocheestrellada

LasobrasmásfinasdeVanGoghfueronproducidasenmenosquetres años por una técnica que crecía más y más apasionada en brochada

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Vincent van Gogh La noche estrellada es una de las imágenes más conocidas en la cultura moderna además de ser uno de los grabados más reproducidos y deseados. De la canción de Don McLean “Vincent” (“Estrellada, noche estrellada”) (basada en la pintura), con el número eterno de productos que representan esta imagen, es casi imposible a evitarse de esta pintura increíble. Uno empezaría pedir sobre los rasgos dentro de la pintura que son responsables para su popularidad. Hay muchos aspectos fundamentales que intrigan a las personas que miran a esta imagen, y cada rasgo afecta cada individuo en una manera diferente. Los aspectos

por quien el color era el símbolo principal de expresión, nació el 30 de marzo de 1853 en Groot-Zundert de Holanda. El hijo de un pastor, criado en una atmósfera religiosa y refinada, Vincent era muy emocional

serán

descritos

de

abajo.

Hay el cielo nocturno llena de nubes con movimiento giratorio rápido, estrellas ardiendo con su propia luminosidad, y una luna creciente brilla. Aunque los rasgos son exagerados, esto es una escena podemos relatarnos, y también una que hace la mayoría de individuos se sienta cómoda.

y no tenía confianza en sí mismo. Entre 1860 y 1880, cuando decidió finalmente ser artista, Se disparó a sí mismo “por el bien de todo.”

El cielo mantiene el movimi ento en los ojos de la audiencia, siguiendo las curvas y creando una imagen punto a punto con las estrellas. Este movimiento capta la audiencia mientras que los otros rasgos tienen efectos también.

Durante su carrera breve vendió solamente una pintura.

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Las meninas Diego Velázquez es también la figura culminante del arte español, sin rival hasta los tiempos de Goya.

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Diego Velázquez La escena transcurre en una de las estancias del Alcázar de Madrid. La infanta Margarita se encuentra en el centro de la composición, un factor que, junto a la luminosidad que le ha dado el pintor, la convierte en el personaje más relevante del cuadro. A sus lados, Isabel Velasco y Agustina Sarmiento son las “meninas”, junto a las que se encuentran los enanos de la corte, en actitud lúdica con el perro que hay a sus pies. En un segundo plano, en la penumbra, vemos a Marcela de Ulloa y a un hombre anónimo. A la izquierda aparece el autorretrato de Velázquez, realizando su labor como pintor de la corte y, al fondo de la estancia, se encuentra José Nieto, apo-

(Diego de Silva Velázquez; Sevilla, 1599 - Madrid, 1660) Pintor español. Además de ser la personalidad artística más destacada de su tiempo, Diego Velázquez es también la figura culminante del arte español, sin rival hasta los tiempos de Goya. Diego Velázquez realizó su aprendizaje en Sevilla, en el taller de Pacheco, con cuya hija casó en 1617. Cuando todavía era un adolescente, pintó algunas obras religiosas (La Inmaculada Concepción, La Adoración de los Reyes Magos) con un realismo inusual y pronunciados efectos de claroscuro. A la misma época pertenece una serie de obras de género con figuras de prodigiosa intensidad y una veracidad intensísima en la reproducción tanto de los tipos humanos como de los objetos inanimados; entre otros ejemplos se pueden citar Vieja friendo huevos y El aguador de Sevilla.

sentador de la reina, en una posición que destaca por ser el centro de la perspectiva del cuadro. Finalmente, podemos ver dos personajes más de máxima importancia: en la pared del fondo, junto a la puerta, se reflejan en el espejo las figuras de Felipe IV y Mariana de Austria. Si no fuera por el toque de luz que el pintor da al espejo no repararíamos en ellos, e incluso parece que sea un cuadro más dentro de la estancia. Este juego visual, un tanto enigmático, nos permite obtener más información de las personas que hay

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La transfiguraciĂłn

Rafael contaba once aĂąos; para ganarse la vida, a los diecisiete aĂąos trabajaba ya como artista independiente.

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Rafael Constituye un resumen de toda la evolución artística de Rafael. Inicialmente, la Transfiguración se había pensado de modo distinto: la primera idea era representar una teofanía (aparición de Dios), pero influido por Sebastiano del Piombo divide la escena, adoptando una composición original. Las dos partes, bien distintas, en las que se divide, narran episodios sucesivos del Evangelio de Mateo: capítulo 17, versículos 1 a 13. La parte superior de la pintura muestra la transfiguración de Jesucristo en el monte Tabor, con Cristo transfigurado flotando en frente de nubes suavemente iluminadas, perdiendo la materialidad para transformarse en Espíritu Santo entre los profetasMoisés y Elías con quienes

(Raffaello Santi o Sanzio; Urbino, actual Italia, 1483 - Roma, 1520) Pintor y arquitecto italiano. Sus obras representan el paradigma del Renacimiento por su clasicismo equilibrado y sereno basado en la perfección de la luz, la composición y la perspectiva. Su padre, que fue el pintor y humanista Giovanni Santi, lo introdujo pronto en las ideas filosóficas de la época y en el arte de la pintura, pero falleció cuando Rafael contaba once años; para ganarse la vida, a los diecisiete años trabajaba ya como artista independiente. No se conoce con exactitud qué tipo de relación mantuvo Rafael con Perugino, del que unos lo consideran discípulo y otros socio o colaborador. Sea como fuere, lo cierto es que superó rápidamente a Perugino, como se desprende de la comparación de sus Desposorios de la Virgen con los de este último. Desde 1504 hasta 1508.

está conversando, según el relato del evangelista Mateo. Debajo de él hay tres discípulos, en tierra, asustados (Pedro, Santiago y Juan). En la parte inferior, Rafael representa a los Apóstoles intentando, sin éxito, liberar a un niño poseído de los demonios o epiléptico. Son incapaces de curar al niño enfermo hasta la llegada de Jesucristo, recientemente transfigurado, quien lleva a cabo el milagro.

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La novia judĂ­a

Sus primeras creaciones manifiestan una evidente influencia del estilo de Pieter Lastman.

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Rembrandt La novia judía (en holandés: Het Joodse bruidje) es una obra del pintor holandés Rembrandt pintada en 1666. Está expuesta en forma permanente en el Rijksmuseum de Ámsterdam. A la pintura se le dio el nombre actual a principios del siglo XIX, cuando un coleccionista de arte de Ámsterdam identificó el tema como el de un padre judío que regala un collar a su hija el día de su casamiento. Esta interpretación ya no es aceptada, y la identidad de la pareja es incierta.1 La ambigüedad es sobre todo por la falta de contex-

(Rembrandt Harmenszoon van Rijn; Leiden, Países Bajos, 1606 - Amsterdam, 1669) Pintor holandés. Nacido en el seno de una acomodada familia de molineros, Rembrandt van Rijn recibió una esmerada educación y llegó a ingresar en la Universidad de Leiden, donde estudió un curso, ya que por entonces decidió dedicarse a la pintura. De los dos maestros que tuvo, uno en Leiden y otro en Amsterdam, fue este último el que más influyó en el artista y el que le transmitió las tendencias italianizantes en boga.

to anecdótico, y sólo deja claro el tema universal del amor en una pareja. Las especulaciones en relación a la identidad de la pareja se extendieron al hijo de Rembrandt, Titus y su novia, o al poeta Miguel de Barrios junto a su mujer. También se ha considerado la posibilidad de que fuesen parejas del Antiguo Testamento, incluyendo Abraham y Sara, o Boaz y Rut. La identificación más probable es la de Isaac y Rebekah como son descritos en Génesis 26:8, identificación que se sostiene además con un dibujo del artista sobre el mismo tema.

De hecho, sus primeras creaciones (como la Lapidación de san Esteban) manifiestan una evidente influencia del estilo de Pieter Lastman.

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Almuerzo de remeros Renoir ofrece ci贸n m谩s sensual

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una del

interpretaimpresionismo


Renoir Para la creación de El almuerzo de los remeros (Le déjeuner des Canotiers) Auguste Renoir pasó todo un verano ambientándose en Chatou. El artista comenzó a trabajar en este cuadro en abril de 1881 y lo concluyó en julio del mismo año. Para llevarlo a cabo, reunió a sus más cercanos amigos y modelos en la terraza de "L'Auberge du Pére Fournaise", un restaurante famoso por su cocina ubicado en la isla de Chatou, al oeste de París y a orillas del Sena. El establecimiento se encontraba cerca de una zona de baños, La Grenouillére, entonces muy frecuentada por los parisienses que huían de la gran ciudad para pasar un día al aire libre. . El establecimiento se encontraba cerca de una zona de baños, La Grenouillére, entonces muy frecuentada por los parisienses que huían de la gran ciudad para pasar un día al aire libre. Con sombrero adornado con flores, en primer plano a la iz-

Pierre-Auguste Renoir (25 de febrero de 1841 - 3 de diciembre de 1919) fue un pintor francésimpresionista, que en la segunda parte de su carrera se interesó por la pintura de cuerpos femeninos en paisajes, inspirados a menudo en pinturas clásicas renacentistas y barrocas. Renoir ofrece una interpretación más sensual del impresionismo, más inclinada a lo ornamental y a la belleza. No suele incidir en lo más áspero de la vida moderna, como a veces hicieron Manet o Van Gogh.

quierda, la joven costurera Aline Charigot, que más tarde se convertirá en esposa de Renoir, juega con su pequeño perro. A su lado, de pie y con sombrero de paja Alphonse Fournaise, propietario del restaurante. Detrás de él, a la derecha, su hija Alphonsine escucha atentamente, apoyada en la baranda, al barón Raoul Barbier, antiguo oficial de la caballería e íntimo amigo de Renoir, que se halla sentado de espaldas.

Mantuvo siempre un pie en la tradición; se puso en relación con los pintores delsiglo XVIII que mostraban la sociedad galante del Rococó, como Watteau.

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La mona lisa Cuando Leonardo cumpli贸 los catorce a帽os, ingres贸 como aprendiz en el taller de Andrea del Verrocchio

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Leonardo DaVinci La Mona Lisa es una de las pinturas más famosas, misteriosas y relevantes en lo que se refiere a obras pictóricas; esta obra nunca ha sido tasada, es decir, nunca ha tenido valor comercial. Obra que se le atribuye a Leonardo Da Vinci, uno de los grandes pintores en la historia del arte. Actualmente localizada en el Museo del Louvre en Francia, de donde fue robada el 21 de agosto de 1911 por Vicenzo Peruggia, quien al parecer, desempeñaba un cargo laboral en el mismo museo donde cometió el delito. Características

de

la

obra

El cuadro de La Mona Lisa es una obra hecha sobre una delgada tabla de madera de Álamo de 77x53 cm, en el que se retrata a una mujer florentina llamada Monna Lisa di Antonio Maria. Según Giorgio Vasari, gran teórico del renacimiento,

Nació en 1452 en la villa toscana de Vinci, hijo natural de una campesina, Caterina (que se casó poco después con un artesano de la región), y de Ser Piero, un rico notario florentino.

Mona Lisa nación el 15 de junio de 1479 en el barrio del Espíritu Santo en Florencia (Italia), y murió el 15 de julio de 1542 a los 63 años de edad en el Convento de Santa Ursula de Florencia (Centro del Norte de Italia). Vasari comenta también que la

Consciente ya del talento de su hijo, su padre lo autorizó, cuando Leonardo cumplió los catorce años, a ingresar como aprendiz en el taller de Andrea del Verrocchio, en donde, a lo largo de los seis años que el gremio de pintores prescribía como instrucción antes de ser reconocido como artista libre, aprendió pintura, escultura, técnicas y mecánicas de la creación artística.

Gioconda, apodada así por haber contraído matrimonio con un comerciante llamado Francesco di Bartolommé di Zanobi, Márquez del Giocondo, hija de

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La Última Cena es una de las obras más famosas de Leonardo da Vinci y la representación más famosa del episodio de la Última Cena. Esta obra maestra del Renacimiento se encuentra en el refectorio de Santa Maria delle Grazie, una etapa importante para todos los visitantes amantes de la pintura renacentista de Leonardo da Vinci y de su impulso innovador. El Cenáculo de Da Vinci representa el momento dramático de Jesús con los apóstoles, como se describe en el Evangelio de Juan (13:21), cuando Cristo anuncia la traición de uno de ellos. A su alrededor los 12 apóstoles, visiblemente conmovidos por las palabras del Profeta. En la representación de las emociones en los rostros de los 13 personajes de la pintura está la magnificiencia de la obra de Leonardo, en hacer visibles "los movimientos del alma", característica esencial para un artista, como Leonardo mismo es-

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cribe en su Trattato ttura (Tratado de la

Su casa de Amboise se cie de museo, plena de della Piteniendo las ideas de e Pintura).

De hecho, la Última Cena también ha tenido importantes problemas de conser vación y ha sido restaurada varias veces viendo una atenuación gradual de las características típicas de la pintura de Leonardo. Sobrevivida a los bombardeos que en la Segunda Guerra Mundial golpeó el refectorio de Santa Maria delle Grazie, en 1977 se empezó un importante trabajo de restauración que duró más de 20 años.

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La ultim


convirtió en una espepapeles y apuntes coneste hombre excepcional

ma cena

Leonardo DaVinci A partir de 1517 su salud, h a s ta entonces inquebrantable, comenzó a desmejorar. Su brazo derecho quedó paralizado; pero con su incansable mano izquierda Leonardo aún hizo bocetos de proyectos urbanísticos, de drenajes de ríos y hasta decorados para las fiestas palaciegas. Su casa de Amboise se convirtió en una especie de museo, plena de papeles y apuntes conteniendo las ideas de este hombre excepcional, muchas de las cuales deberían esperar siglos para demostrar su factibilidad e incluso su necesidad; llegó incluso, en esta época, a concebir la idea de hacer casas prefabricadas. Sólo por las tres telas que eligió para que lo acompañasen en su última etapa, la Gioconda, el San Juan y Santa Ana, la Virgen y el Niño, puede decirse que Leonardo poseía entonces uno de los grandes tesoros de su tiempo. El 2 de mayo de 1519 murió en Cloux; su testamento legaba a Melzi todos sus libros, manuscritos y dibujos, que éste se encargó de retornar a Italia. Como suele suceder con los grandes genios, se han tejido en torno a su muerte algunas leyendas; una de ellas, ins-

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Dios es representado como un hombre anciano y con barba envuelto en una alborotada túnica color púrpura, la cual comparte con unos querubines. Su brazo izquierdo está alrededor de una figura femenina, normalmente interpretada como Eva, quien no ha sido creada aún y, en sentido figurado, espera en los cielos a que le sea dado un lugar en la Tierra. El brazo derecho de Dios se encuentra estirado, para impartir la chispa de vida de su propio dedo al de Adán, cuyo brazo izquierdo se encuentra en idéntica posición al de Dios. Es famoso el hecho de que ambos dedos están separados por una mínima distancia. La pintura tomó de tres a cuatro años en ser completada. El fresco se divide en dos partes: a la izquierda está Adán, desnudo e inmóvil; parece no tener fuerzas y sólo puede apenas estirar un poco el brazo y levantar el dedo para hacer contacto con su Creador. Precisamente es Dios quien se encuentra del lado derecho de la obra. Lo acompañan algunos ángeles y querubines cubiertos por lo que parece ser un manto que simula una concha. Dios está estirando su brazo y juntando su fuer-

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za en su dedo para transmitirle vida al ser que acaba de crear. No es la obra de Miguel Ángel solo, sino de muchos pintores. La Creación de Adán ha marcado la mirada del hombre desde el momento en que se pintó hasta nuestros días. Esta imagen ha sido determinante en la formación del arte tal y como hoy lo entendemos, y es considerada la alegoría más sugerente y poética del origen del ser humano como ser que participa en la divinidad, sea cual sea ésta. La Creación de Adán sigue el mismo método de representación que la Creación de Eva, fingiendo dos planos de realidad, uno de los cuales es la misma realidad del espectador. Dios, tras haber creado luz y agua, fuego y tierra, a todos los animales y seres vivos, decide crear un ser a su imagen y semejanza, crearse de nuevo a sí mismo.

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Un hombre cuya excep tica dominó el panora

La creació


pcional personalidad artísama creativo del siglo XVI

ón de Adán

Miguel Ángel La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo. (Miguel Ángel Buonarrotti, en italiano Michelangelo; Caprese, actual Italia, 1475 Roma, 1564) Escultor, pintor y arquitecto italiano. Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias. La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcio-

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Esta obra fue la primera pintura hecha en gran escala en el tiempo del renacimiento con un motivo exclusivamente secular y mitológico. Esta es considerada una de las pinturas mas famosas en la historia del arte. Celebra la idea fundamental de la apariencia de la belleza en la tierra. Aqui encontramos representados los tres elementos esenciales de la materia: aire, tierra y agua. El nacimiento de Venus retrata uno de los más pintorescos mitos clásicos que nos transporta en un mundo de sueños y poesía. Antiguamente el único cuerpo desnudo femenino pintado por muchos artistas había sido EVA. Sus típicas escenas incluían la famosa serpiente que la tentaba o expulsaba del paraíso por desobedecer a Dios.

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za

del

pecado

original.

En El nacimiento de Venus, por primera vez, se muestra lo opuesto. Venus se encuentra radiante y su imagen esta llena de vitalidad. Boticcelli invita a sus espectadores a considerar una armonía entre la mente y el cuerpo.

Muy valorado en la actuali cuenta entre los grandes inn

Aqui vemos una Diosa Venus transportada sobre las aguas en una concha gigantesca. Venus se encuentra en el centro, a su derecha una pareja formada por Céfiro y su consorte Cloris. A su izquierda se encuentra la Hora Primavera.

El nacimien

Su desnudo se asociaba mas a un acto de vergüen-

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Sandro Boticelli

idad, Sandro Botticelli no se novadores del Renacimiento

nto de Venus

(Alessandro di Mariano Filipepi; Florencia, 1445 - id., 1510) Pintor italiano. Muy valorado en la actualidad, Sandro Botticelli no se cuenta entre los grandes innovadores del Renacimiento, sino que se inscribe más bien en un grupo de pintores que rehuyó el realismo a ultranza y se inclinó por un estilo basado en la delicadeza, la gracia y un cierto sentimentalismo. Uno de ellos fue Filippo Lippi, maestro e inspirador de la obra de Botticelli. Éste comenzó su trayectoria artística con obras de temática religiosa, en particular vírgenes que, como la Virgen del Rosal, denotan un gran vigor compositivo. En 1470, Botticelli, que contaba ya con un taller propio, se introdujo en el círculo de los Médicis, para los que realizó sus obras más famosas. Un primo de Lorenzo el Magnífico, Pier Francesco de Médicis, le encargó la alegoría de La primavera y también, al parecer, El nacimiento de Venus y Palas y el centauro. Eclipsado por las grandes figuras del siglo XVI italiano, Botticelli ha permanecido ignorado durante siglos, hasta la recuperación de su figura y su obra a mediados del siglo XIX. Su estilo se perpetuó en cierto modo a través de los artistas formados en su taller, entre ellos el hijo de Filippo Lippi, Filippino Lippi.

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Los nenúfares (en francés Les nymphéas) es un ciclo de pinturas al óleo que ejecutó el pintor francés Claude Monet al final de su vida, sobre amplios paneles, como el de la ilustración, que mide 219 × 602 cm, y que actualmente se exhiben en el Museo de la Orangerie de las Tullerías, en París, Francia. Estos inmensos paneles representan un lago con nenúfares. Monet los pintó para que quedaran suspendidos en círculo (dentro de una estancia circular) así sería como si fuera un día que transcurría o bien siendo las cuatro estaciones que se descubrían. En el Museo de la Orangerie están suspendidos en dos estancias ovales y alcanzan ocho piezas. Los motivos le fueron proporcionados por los nénufares del estanque de su jardín en Giverny. Desde entonces y hasta el final de su vida pintó una y otra vez estas plantas acuáticas.

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éxito en 1909, y profundizó en el estudio de estas plantas, con toda una serie de cuadros como Nenúfares en el crepúsculo (1910), que puede verse en la Kunsthaus de Zúrich.

Figura

clave

del

mo

Esta serie de composiciones cromáticas culminaron con el conjunto monumental pintado para estas dos salas de la Orangerie de París. El 12 de abril de 1922Monet donó al estado 22 pinturas sobre este tema, que se realizaron entre 1920 y 1926.

Nenú

Los nenúfares obtienen un g r a n

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ovimiento

Monet impresionista.

úfares

(Claude Oscar Monet; París, 1840 - Giverny, 1926) Pintor francés, figura clave del movimiento impresionista. Sus inclinaciones artísticas nacieron del contacto con Boudin en Le Havre, y las excursiones al campo y la playa durante su adolescencia orientaron el posterior desarrollo de su pintura. Después del servicio militar en Argelia, regresó a París, donde en el estudio de Gleyre conoció a jóvenes artistas como Renoir, Sisley y Bazille, y en el popular café Guerbois contactó con un grupo de intelectuales, literatos y pintores como Zola, Nadar,Cézanne y Degas, que junto con Manet comenzaban a oponerse al arte establecido. Durante los últimos treinta años de su existencia, el artista trabajó en torno a su jardín de agua de Giverny. En un prado vacío por el que pasaba un pequeño arroyo construyó un exuberante jardín en el que un gran estanque, colmado de nenúfares de todos los colores y rodeado por sauces y árboles exóticos, se cruzaba por un pequeño puente, de forma ovalada, que aparecería en numerosas pinturas de la época, como en El estanque de las ninfeas (1900, Museo de Orsay, París) o la lírica composición titulada El puente japonés (1918-1924, Museo de Orsay, París).

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