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Invierno 2013 Londres número 6

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el mundo amarillo de

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Albert Espinosa GraffitiMundo Carloscolores Núñez celtas Especial Arte Efímero

graffiti en bs as © ever

ideas I musica I opinion I arte I libros I psicologia I mundos


editorial

contenidos

invierno EN LA TUNDRA

Lo EFIMERO © las manos que crean- silvia demetilla

diciembre enero febrero 2013

La Tundra PRESENTA

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MICRO Agenda

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MAGDA SAYEG graffiti de lana

El mundo amarillo

ALBERT ESPINOSA

en escena DANIEL MELINGO

La Tundra Revista- Dirección creativa y editorial .Silvia Demetilla silvia@latundra.com Asistencia editorial .Paz Regidor paz@latundra.com

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Colores Celtas

CARLOS NÚÑEZ

La Tundra ISSN 2047-0851 Número 6- Invierno 2013 Londres

Marketing, publicidad y distribución marketing@latundra.com / 079 6891 5627

www.latundra.com

Columnistas y colaboradores en este número .Therese Bann.Mercedes Cicchero

Contacto info@latundra.com Revista online www.issuu.com/latundra Publicidad marketing@latundra.com / 079 6891 5627

.Brunela Curcio .Herenia González .Ana González Ledesma .Isabel Marazina .Luz Martí .Vivian Pantoja Ortega .Pablo Peña .Marta Pino .Mientras Leo .Federico Roldán .Paula Rodríguez Pardo .Carolina Sawney Portada .Ever- graffiti en Buenos AiresAgradecimientos .Sapo de otro pozo, Argentinos en Londres, .Alexandra de Amisiq .Ana Ramos.a nuestros colaboradores y anunciantes por hacer posible esta gran aventura... Diseño gráfico Daga daga@latundra.com Impresión Evonprint

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Buscanos en @latundramag latundrarevista

Los artículos y anuncios publicitarios, así como las opiniones de los entrevistados y columnistas, no reflejan necesariamente la opinión del editor. Se prohíbe la reproducción parcial o total del contenido de esta revista sin previa autorización por escrito del editor. Todas las fotografías e ilustraciones son publicadas con permiso de sus correspondientes autores. La información es correcta al momento de la impresión. Revista trimestral impresa con papel de medios sustentables. All rights reserved. No part of this publication may be reproduced in whole or part without permission from the publisher. The views expressed in La Tundra Revista are those of the respective contributors and are not necessarily shared by the publisher. The magazine welcomes ideas and new contributors. The information is correct at the time of printing.


ESPECIAL ARTE EFIMERO |

©rundontwalk

Graffitimundo

G

raffitimundo es una organización fundada por Jonny Robson, un inglés radicado en Buenos Aires. El proyecto se inició en el 2009 cuando el gran despliegue de arte urbano en la ciudad lo impulsó a organizar tours guiados para mostrar esa faceta en constante cambio que no formaba parte de los circuitos normalmente destinados al turismo y locales. De ahí en más la relación con los artistas y la gran complejidad de diseños y diferentes trasfondos del mundo del graffiti despertó el interés de un mayor número de interesados en participar de su proyecto, desde artistas, ONG’s, galerías y museos hasta universidades y medios periodísticos. Finalmente surgió la idea de documentar a través de un film y un libro-White Walls Say Nothing -todo ese gran valor artístico que estaba siendo en cierta forma desatendido, sobre todo considerando que el arte urbano y graffiti en general tienen una duración relativa.

“Las paredes blancas NO dicen nada” escribe: silvia demetilla

Luego de una exitosa campaña internacional en Kickstarter para recaudar los fondos necesarios, el proyecto que será dirigido por Robson y el director independiente Gates Bradley de New York se encuentra en plena marcha. Los artistas de la escena porteña recurren a diferentes técnicas para expresar su mensaje. Graffiti tradicional con aerosol y una fuerte tendencia en el uso del esténcil y plantillas. Algunos de los nombres más reconocidos dentro del ambiente son Ever (foto de nuestra portada), Jaz, Malatesta, Gualicho, Larva, Defi, Corona, Chu, Cabaio, Stencil Land, Bs. As. Stencil, Doma, Larva, Stencil Land, Parquerama, P3dro, Tester... Muchos de ellos comenzaron a pintar durante la crisis económica del 2001. Sus mensajes son variados. De índole política, de protesta, icónicos, subversivos e incluso los que buscan embellecer la ciudad con mensajes poéticos y reflexivos instando a un cambio de postura social y personal. latundra.com

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2 Arte de tapa: Ever 1-rundontwalk (pág 3) 2- Bs.As.Stencil 3- Ever, mural en Puerto Rico 4- Stencil Land 5- rundontwalk

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4 Buenos Aires Stencil (2) es un colectivo de artistas que tuvo sus inicios en el 2002 y es reconocido como uno de los grupos pioneros luego de la crisis del 2001 |bsasstencil.org | El colectivo rundontwalk ( fotos 1 y 3) se inició también en el año 2002. Combinan creaciones de mensajes políticos y sociales con imágenes exóticas, domésticas y animales. |rundontwalk.com.ar | Ever (foto de tapa y 5) comenzó a pintar graffiti en los años 90's. Con el correr del tiempo fue moviéndose del estilo tradicional y hoy sorprende con enormes murales y piezas conceptuales tanto en Argentina como en otros países. Muchos de sus trabajos son distintivos por los rostros de donde emanan lágrimas o nubes de sus ojos . Uno de sus últimos murales fue realizado en un edificio de seis pisos en Puerto Rico. “En esa obra trato de hablar de la situación de Puerto Rico, dado que es un estado libre y asociado de Estados Unidos. En las calles se puede sentir que es una tierra latinoamericana pero bajo las sombras dominada por Estados Unidos, es un caso interesante por sus movimientos revolucionarios de independización en los años 20' que fueron digamos apagados por el FBI en esa época. En esta obra trato de representar a la "libertad" con forma de una mujer desnuda y la "revolución" en el rostro de Pedro Albizu Campos, un político que puso una bomba en el congreso de los EEUU y que luego fue enviado a una cárcel en Puerto Rico donde la CIA experimentó con radiación en su cuerpo. El cuerpo del centro es la representación de un Puerto Rico libre construido gracias a la revolución y a los deseos de libertad” relata el artista.|eversiempre.com| Stencil Land, (4)| flickr.com/stencilland | utiliza como principal medio el esténcil. Algunos de sus trabajos retratan a gauchos tocando la guitarra, siendo tal vez uno de los pocos que recurren a imágenes folklóricas dentro del graffiti. (continúa en Pág. 30) | Graffitimundo.com |

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Fotos cortesía de los artistas y Graffitimundo

Más Arte Efímero en Pág. 20


www.garufa.co.uk


escena la tundra |

Daniel Melingo TANGUERO EXCENTRICO 8,15PM

Rich Mix nov 2012

8,19PM 8,23PM 8,27PM 8,31PM 8,35PM 8,39PM 8,43PM 8,47PM 8,51PM 8,55PM 8,59PM 9,03PM 9,08PM 9,12PM 9,16PM 9,20PM 9,24PM 9,29PM

La banda fue impecable. Hubo un despliegue casi irrespetuoso de letras atemporales con valores muy actuales y mucho mรกs provocativas que las de un tango tradicional.

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latundra.com

Federico Roldรกn fotos y texto


9,45PM

E

n el epicentro creativo de Londres, Shoreditch, y casi solapado a una milonga comenzó el espectáculo de Daniel Melingo.

Poco antes, con los ecos de voces, taconeos y barridas, ya se percibía la naturaleza terrenal del sonido de la banda que seguiría. A partir de ahí, y sin percusiones, más que las de las manos contra sus instrumentos, el ritmo no se perdió nunca. Un delicado y a veces innecesario juego de luces peinaron el aire vintage de la escena minimalista en la que se precipitó su protagonista. Así todo, como sin darse por aludidas, las parejas continuaban bailando el 2 x 4 en la oscuridad.

Enjoy the Christmas festivities with some premium Argentinian wines.

Fue un espectáculo íntimo, limpio, directo, puro y muy claro. Melingo no despegó la mirada de su público en ningún momento, como dedicando así todas sus canciones. De carácter histriónico y una soltura en escena regularmente confundida con una borrachera fue llevando de forma humorística cada gesto del lenguaje corporal con el que acompañó sus canciones. No tocó poco, tampoco fue mucho. Fue lo justo. Repasó el repertorio que su público esperaba, los hizo aplaudir, cantar y hasta callar. La banda fue impecable. Hubo un despliegue casi irrespetuoso de letras atemporales con valores muy actuales y mucho más provocativas que las de un tango tradicional. La reacción en la sala fue también medida, no se mostró aburrida o perdida en ningún momento. Así, y sobre actuando una locura, pero sin perder la cordura, este porteño nos hizo parte de su humor clásico, el de un clásico porteño.

9,55PM

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bajo la lupa|

espacios más humanos

Amantani

Lon-art

El largo camino a la escuela en Perú

Miradas de género

En noviembre del año 2011, Amantani, una organización en el Reino Unido que trabaja con las comunidades del sur de Perú, dio inicio a un taller fotográfico con los niños andinos de Ccorca, entregándoles cámaras desechables para que ellos mismos sacaran fotos de las cosas de las que estaban orgullosos en sus comunidades. El resultado fue asombroso y se decidió no sólo organizar una exposición en Londres sino poner a la venta las fotografías con el fin de recaudar más fondos para la tarea social de la organización. Cada foto es una invitación a entrar en el mundo de estos niños, permitiendo una mirada a través de sus propios ojos. “Conocer mi mundo” es una colección de observaciones sinceras sobre la cultura quechua y su maravillosa gente. Amantani, animó a los invitados a concurrir a la exposición para aprender de un grupo de expertos inesperados: hijos e hijas de campesinos auto-suficientes en los altos Andes en Perú, quienes muchas veces caminan hasta 8 horas para llegar a su escuela. Ahora que estos niños han aprendido una lección de las más valiosas – que ellos también tienen algo que enseñarnos. Si bien hay historias tristes y duras nos enorgullecemos en contar las buenas noticias de las comunidades en las que trabajamos, no todo es malo, relató el co-director de la organización Fred Branson. | www.amantani.org.uk |

De Límites y delimitaciones...

Brunela Curcio

E

n el imaginario el vivir en tierra extranjera puede ser sinónimo de superación, abandono, deslealtad, elección, entre tantos otros conceptos. La verdad es que como muchos de los que vivimos en otras tierras todas estas distinciones o categorizaciones no representan la experiencia. Es sólo el imaginario el que habla cuando la realidad escapa a estas descripciones. Uno puede sentirse en casa en cualquier sitio, lo que determina un hogar como tal es el amor y las costumbres. Extraño tocar la puerta de la casa de una amiga un día por la tarde sin tener que resolver con anticipación una reunión, hay un vacío en la inexistencia de la posibilidad concreta de vernos con el otro cuando necesitamos hacerlo. Pero también es verdad que los sitios son lo que hacemos en ellos, que las personas son lo que conocemos de ellas y las situaciones no son más que las elecciones que actuamos y determinamos verdad en el momento de la concretización del acto.

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© lon-art

© amantani

escribe: Ana González Ledesma

Miradas de Género en la National Gallery es un taller cultural presentado por la empresa social Lon-art dedicada a la educación por medio de las artes visuales de comunidades londinenses con escasos recursos a la cultura y a la educación artística. El presente taller busca redefinir el museo, convirtiéndolo en un espacio de discusión, donde a través de un recorrido transversal de las pinturas que tienen como tema principal la representación de la mujer y su imagen, se reflexiona sobre la evolución del rol social de la mujer desde el siglo XIII hasta el siglo XIX: mujer virgen, mujer esposa, mujer artista, mujer bella, mujer objeto, son algunas de las representaciones sociales que se tratan en esta estupenda oportunidad para repensar los temas de género, derechos humanos y derecho de acceso a la cultura, sobre todo en los grupos sociales con menos oportunidades como son las mujeres o las comunidades latinoamericanas en Londres. Tras la visita al museo, los participantes tienen la oportunidad de asistir a una segunda sesión del taller, denominada De la ReConstrucción, a desarrollarse en otras organizaciones que trabajan estrechamente con Lon-art (LAWRS- IRMO) y donde los usuarios del taller construyen sus propias imágenes sociales de la mujer, por medio del collage, con recortes de las obras de arte visitadas en el museo y con fotos de mujeres de revistas actuales. | www.lon-art.org | Somos seres y no sólo ciudadanos- si es que la palabra ciudadanos tiene un peso-creemos que podemos cambiar o hacer cosas embanderándonos en naciones y limites geográficos, pero no dejamos de ser hombres y mujeres en medio de un mundo que gira y nos invita a crecer y superarnos unos con los otros. Amo mi país y cada vez que escucho nombrarlo mi pecho siente su nombre propio, pero se que es un amor que nació y creció en la costumbre pues lo más respetable del amor es ese que no distingue en base a colores y símbolos, es ese que los supera. Marx hablaba de que no debían existir las instituciones, tales como la Iglesia o la familia, que no debían existir limites geográficos, pero cuando se habla de comunismo muchas veces se confunde con patriotismo. Entonces ante todo esto me pregunto: ¿Cuán más difícil es el dominio cuando hay unión?. Maquiavelo dijo: “Divide y reinarás” por lo tanto, si una de las partes está cada vez más dividida y por ello con menor fortaleza, ¿quién es la parte que reina?


De Libros artista: Mónica Fierro Jaggedart Gallery hasta el 22 de diciembre

El arte de Mónica Fierro, artista nacida en Córdoba, Argentina, reside en un habilidoso manejo del papel de forma tal que sus libros intervenidos pueden convertirse en verdaderos mundos, a veces muy diferentes de los que fueron planeados por las letras de sus autores. Las escenas tridimensionales que Mónica logra a través del plegado, recorte e inserción de pequeñas piezas transforman viejos libros en escenas tridimensionales donde los caracteres cobran vida casi mágicamente brindándoles un componente que remite a lo inocente y de cierta fragilidad.

www.spanishbookshop.co.uk

Para disfrutar de sus obras basta con dejarse llevar de la mano de los sueños y de aquellos vaporosos libros de diseños de muñequitas que veían nuestras abuelas. Los más curiosos tratarán de leer o adivinar las palabras entre los múltiples recortes y encontrarán una nueva vida dentro de estos objetos que, libros una vez, fueron olvidados hace mucho tiempo.

© monica fierro

| www.jaggedart.com |

Concurso: “El mundo amarillo” de Albert Espinosa ¿Cuántas vidas lleva vividas Albert Espinosa? - La respuesta en página 11 -

Envíanos tu respuesta a concursos@latundra.com para ganar un ejemplar del best seller “El mundo amarillo” - edición en español o en inglés Tienes tiempo hasta el 20 de diciembre. Los libros son gentileza de The European bookshop.


“Que se publique un libro en otro idioma, es como si un hijo se hiciera mĂĄs listo. Y me encanta ver como aprenden idiomas y hacen nuevos amigos amarillosâ€?. Albert Espinosa

foto: david ruano

foto: david ruano

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Albert Espinosa

entrevista: Mientras Leo http://entremontonesdelibros.blogspot.com

EL MUNDO AMARILLO Los desconocidos son tus aliados. Eso dice Albert Espinosa, reconocido autor y guionista catalán, quien se inspiró en su supervivencia al cáncer para escribir “El mundo amarillo”, el libro más vendido del 2011 y últimamente éxito en la televisión dictaminado por tres millones de televidentes que lo siguen a través de la serie Pulseras Rojas, ciclo que a su vez será producido por Steven Spielverg en USA. En ocasión de la publicación de su libro en Reino Unido a través de Penguin UK. Mientras Leo conversó en exclusiva para La Tundra con el autor que nos roba una sonrisa en cada capítulo de su vida. ¿Cómo recuerda aquellos años de lucha contra el cáncer en su adolescencia? De manera feliz, tuve 10 años cáncer, perdí una pierna, un pulmón y medio hígado pero fui feliz. Forma parte de mi vida. Yo estuve enfermo 10 años y teníamos un pacto en el hospital. Con 14 años tuve la sensación que podíamos transformar la muerte en vida si nos repartíamos la vida de los otros. Así que en los 10 años de hospital me tocó vivir 3,7 vidas que es lo que me tocó en el reparto, más la mía, vivo 4,7 vidas. Así que tengo la sensación que nos dividimos la vida para multiplicarla dentro de nosotros. Cuando escribo tengo la sensación de vivir 4,7 vidas, los sueños y los anhelos de esas personas que tengo dentro de mí. Siempre he vivido con el consejo de un hombre de 93 años que conocí en el hospital y me dijo “no es triste morir, lo que es triste es no vivir intensamente”. Y sigo esa frase ... ¿Cómo le ha marcado su experiencia con una enfermedad que su simple nombre hace que muchos se estremezcan? Positiva, siempre he creído que las pérdidas se pueden transformar en ganancia, no tenía la sensación de que me faltara una pierna sino que tenía un muñón. Aprendí mucho. Hay una frase que me gusta que dice: cuando crees que conoces todas las respuestas, llega el universo y te cambia todas las preguntas. Para mí ese fue el motor de esta historia. Pienso que la vida es eso, que te cambien todas las preguntas y encontrar nuevas respuestas. Y eso fue mi vida en el hospital. ¿Y cómo surge la posibilidad de escribir Pulseras Rojas que, además está teniendo un éxito arrollador? ¿En cuántos países se estima que se va a emitir? Se ha vendido ya a 14 países, habla de mi vida en el hospital, de esos 10 años llevados a una serie. Es la historia de unos chicos en el hospital que forman un grupo y se ayudan para vencer el cáncer, la anorexia, el autismo y otras enfermedades. Spielberg vio la serie porque se la pasó Marta Kauffman - la creadora de Friends-, y la ha comprado para hacer una adaptación en la cadena ABC americana. La verdad es que es un pasote que Kauffman haga de showrunner del espectáculo y Spielberg la produzca. ¡Emoción máxima! Es como pasar de una pequeña habitación a la gran pantalla. Da mucha importancia a la palabra, la conversación, los sueños, ¿es así Albert Espinosa en su vida diaria? Lo intento, creo que me parezco a mis libros, pero eso lo deberían decir las personas que viven conmigo.

Según sus propias palabras: “Que se publique un libro en otro idioma, es como si un hijo se hiciera más listo. Y me encanta ver como aprenden idiomas y hacen nuevos amigos amarillos” ¿Cómo se siente con sus libros traspasando cada vez más fronteras? Felicidad completa y más en inglés porque “El mundo amarillo” es el primer libro de un autor español vivo que publica Penguin UK. Es una gran felicidad. Sólo intentaré seguir vivo... El amarillo siempre fue vinculado a la mala suerte en el mundo de las artes, y llega usted y lo convierte en un color especial, el de las personas especiales. ¿Cree que “vemos” a los “amarillos” cuando se nos acercan o vivimos en una sociedad demasiado pendiente de uno mismo? Hay maneras de encontrarlos, el libro te enseña como. Siempre he creído que los desconocidos son tus aliados. ¿Ha pensado que usted puede ser un “amarillo” para muchos lectores a través de sus palabras? La verdad es que es un honor, recibo 9.000 e-mails diarios y que la gente te cuente su vida es algo muy personal e increíble. Supongo que de alguna manera somos amarillos. Transmite siempre un positivismo tremendo, casi sorprendente en sus libros. ¿Cómo se sienta uno delante de una página en blanco y se desnuda de esa manera? Me gusta escribir. No me importa si es para cine, televisión o libros. Y creo que es una pasión. Ahora estamos en un momento de desánimo en la sociedad y cada vez hay más personas que se asoman a sus libros. La mayor parte de nosotros, salimos con una sonrisa y repetimos. ¿Esperaba este éxito? Jamás lo esperas. Creo que el éxito de los libros puede ser debido a que se leen rápido y acabas sintiendo que te tocan algo, o eso dicen. Siempre intento hacer libros que me gusten a mí, esa es la clave. La verdad que ser el libro más vendido del 2011 no se porqué fue exactamente ni porqué se han vendido un millón de libros, y tengo la sensación que nunca lo sabré.

| albertespinosa.com |

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úsica

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© dj scratchy © errol linton

| PABLO PEÑA

Otro Invierno en Londres

The Coya Collective Durante los meses invernales el nuevo espacio Coya celebra la cultura Latinoamericana y su influencia en el mundo. Wara London, Katy Prado y Trío Farouche, DJ Natty Bo, DJ Scratchy, Errol Linton - ecléctico British blues fusionado con los sonidos de New Orleans e influencias de ritmos del Caribe-, Native Sun, entre tantísimos otros talentos. Prometen además fechas con Jardanes Coya por fuera, Megumi Mesaku - artista Dic/ Enero/Febrero japonesa con influencias de ska- y coyarestaurant.com El Farabute.

. |http://pablomorzza.blogspot.co.uk|

Carlos Núñez La música celta del futuro, tal como él mismo se describe. El aclamado artista gallego se presenta en Londres y el festival Celtic Connections en Glasgow para deleite de sus miles de seguidores. Ver entrevista exclusiva en página 16.

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Guillermo Rozenthuler

Queen Elizabeth Halll

1 de Febrero carlos-nunez.com Tour en Birmingham, Glasgow, Manchester, Basingstoke y Chipping Norton

Southbank Centre

23 Diciembre Hastings Tango Society

15 Febrero Kings Place

13 Abril Royal Albert Hall

22 Abril guillermo.co.uk El músico argentino Guillermo Rozenthuler lleva largos años viviendo en Londres y tiene la voz cantante a la hora del tango y la música rioplatense. Su múltiple agenda lo lleva a escenarios de todo tipo incluso internacionales. Su voz expresiva y personal atrapa a las audiencias que buscan reconocerse en un músico auténtico y comprometido con sus raíces. Una visita a su sitio web nos dará un mayor entendimiento de su amplia carrera, donde conviven las presentaciones en vivo, los círculos de canto y el compromiso con la enseñanza de canto a aquellos que deseen transitar similares destinos musicales. agenda@latundra.com Agenda La Tundra responde a nuestra voluntad de difusión de eventos que creemos pueden ser de de interés de nuestros lectores. Cualquier error es involuntario. La Tundra no se responsabiliza por cambios ocurridos luego de la publicación de esta revista, por lo cual recomendamos siempre verificar los mismos con los organizadores.


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© israel martinez

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microAGENDA

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DICIEMBRE ENERO FEBRERO

Israel Martínez - Surrounded

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© fuerzabruta

Arte México presenta el trabajo de Israel Martinez, que se desarrolla sobre múltiples propuestas, buscando generar una reflexión de parte de la sociedad a través de sonidos y música. Cuatro instalaciones (dos de video y dos de sonido) forman parte de la hasta el 8 DICIEMBRE The Tin Tabernacle muestra. En los años 90's Martínez artemexico.org comenzó a expresarse a través de grabaciones de campo, conceptos de espacialidad, silencio e imaginería a lo que los críticos definieron como “música visual”.

© voodoo love orchestra

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Voodoo Love Orchestra

Una invasión de instrumentos en este show de euróficos músicos. Megáfonos, cumbia colombiana, comparsa cubana, ska jamaiquino y afrobeat nigeriano entre otros ritmos que despiertan todos los sentidos. Gratis, para toda la familia.

Southbank Centre

29 de Diciembre southbankcentre.co.uk

eatro

Fuerzabruta 27 de diciembre al 26 de enero Roundhouse Fuerzabruta, la compañia iniciada por Diqui James y Gaby Kerpel donde todo es real. El éxito de Fuerzabruta reside en un cautivante y sorprendente despliegue de talento escénico, imágenes que resultan increíbles, luces, movimiento por doquier y una gran habilidad física de todos sus integrantes. Regresan a Londres por tan sólo cuatro semanas de presentaciones en el mismo espacio que reinauguraran en el 2006. roundhouse.org.uk

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Tango Fire Flames of Desire 30 de enero al 24 de febrero Peacock Theatre Un viaje a través de la historia del tango, rescatando sus raíces en Buenos Aires hasta su transformación en una danza de carácter contemporáneo. Diez bailarines en escena, incluyendo cinco campeones mundiales de tango, coreografías de Germán Cornejo y acompañamiento musical en vivo del Quarteto Fuego. peacocktheatre.co.uk

CONFERENCIA| Plantas medicinales de la comunidad Yanomami Luego de quince años desde que se diera inicio a las Canning House investigaciones del uso y conocimiento de plantas canninghouse.org medicinales de los Yanomami en el norte de Brasil, los verdaderos dueños de esta tradición toman control de su propio legado. William Milliken, director del grupo de trabajo de la región tropical de Sudamérica en Kew Gardens relata su nuevo proyecto mediante el cual generaciones jóvenes de la comunidad Yanomami son instruídas por sus mayores con la finalidad de publicar un trabajo en su propia lengua y para su propio provecho.

© tango ©fire tango fire

5 de DICIEMBRE

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SOCIEDAD |

Fostering

Es importante concientizar a la comunidad para encontrar más interesados en acoger niños latinoamericanos en hogares de crianza. Muchos de ellos permanecen durante años en hogares de tránsito sin que nadie les brinde esa posibilidad.

Familias de acogida y crianza

foto: la tundra

escribe: Mercedes Cicchero

F

ostering es el término que se aplica en inglés y que significa acoger o brindar un hogar de crianza temporal o permanente a un niño que no es hijo propio, porque su familia no puede hacerse cargo de él por diferentes circunstancias. Es una situación en la cual el sistema legal de Inglaterra se concentra en la situación del niño pero también brinda asistencia permanente a los cuidadores. Puede tratarse de unas semanas, meses o incluso un término prolongado hasta que los niños crezcan y se independicen. No debe confundirse con la adopción ya que en este caso los niños pueden regresar con sus padres o familia de origen una vez transcurrido cierto lapso, aunque no se descarta que algunos de ellos puedan ser adoptados por sus cuidadores con el correr del tiempo. En general se buscan personas y/o familias sin importar su estado civil o situación de empleo, pero que tengan algún bagaje similar al niño, sea cultural, idiomático, religioso o racial entre otros.

En los departamentos de Fostering de cada council hay niños de todas las edades, desde bebés hasta adolescentes, algunos con requerimientos especiales por ejemplo idioma, dieta o religión. Cuidar un niño ajeno en estas circunstancias requiere valor y empeño, algunos de ellos provienen de hogares con problemas u otras circunstancias por las cuales que no pudieron permanecer con su familia de origen. Pero esto no implica que sea una tarea imposible de realizar, los cuidadores que se hacen cargo de un niño reciben asistencia de los trabajadores sociales en el momento que así lo requieran.

Siendo este un tema que no es tan común en los países hispanoparlanes muchas personas desconocen que exista esta posibilidad, mediante la cual además de ayudar y hacer una notable diferencia en la crianza de un niño se percibe un pago para poder llevar a cabo tamaña tarea. La familia de acogida o crianza recibe en promedio £816 por niño por quincena dependiendo de la edad y/o situación del caso en particular. Es importante concientizar a la comunidad toda para encontrar más interesados ya que hay muchos casos de niños latinoamericanos que permanecen durante años en hogares temporales sin que nadie les brinde un hogar de crianza a largo término.

ueremos llamar la atención sobre un caso en particular de dos niños de origen latinoamericano que necesitan un hogar permanente en Londres. Estos hermanitos son un niño de 13 años y una niña de 6 años, y su asistente social los describe como seres amorosos que reflejan tanto la cultura latinoamericana como la británica. Es ideal que la persona/ familia de acogida viva en el sur de Londres y disponga de un dormitorio exclusivo para los niños. Además deben ser hispanoparlantes, sin importar de qué país provengan. Los interesados pueden solicitar mayores informes por e-mail escribiendo a Monyka.Crafford@hounslow.gov.uk o telefónicamente al 0800 731 8558

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“ Aceptación, paciencia y amor ”

en enormes dosis son imprescindibles... Fostering es la mejor forma de hacer una diferencia en la vida de los niños que lo necesitan.

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Carlos Núñez fotos: javier salas - turismo de vigo

entrevista

Silvia Demetilla

Los colores de la música celta

review

Therese Bann

La gaita es un animal salvaje. Puedes tocarlo intentando domar al animal o tu convertiéndote en un médium dejando que el animal hable por sí mismo. Esa es la forma que a mí me gusta más. Carlos Núñez

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L

a vida de Carlos Núñez puede pensarse como el ideal del músico que comienza de muy pequeño y llega a tener el mundo en sus manos. Como él mismo describe, lo suyo es la música celta del futuro, y no duda en llevar a cabo cuanto proyecto sea necesario para lograr ese fin, desde ayudar a músicos alrededor del mundo a descubrir sus propias raíces o vivir 3 años en Brasil para conocer y establecer una conexión entre la música celta y la música brasilera. Conocedor de sus orígenes e historiador de su propio camino, descubrimos el abanico de colores que nos ofrecen sus sonidos celtas. El día que tocó por primera vez la gaita en público a los 8 años en una fiesta de la aldea de su padre su propia historia dio un vuelco que no tendría retorno. “La verdad es que la gaita me enamoró desde el principio, de la misma forma en que también me enamoró la flauta. De la gaita lo que más me llamó la atención era la energía que desprendía, la energía positiva - relata - Recuerdo una fiesta de la aldea de mi papá, por la noche, y ver que toda esa gente respetable y mayor - cuenta con énfasis - caía bajo los efectos de la música de mi gaita, se volvían como locos bailando, dando vueltas y me decían: ¡Carlinhos no pares, no pares! De pronto la gente adulta y normal se convertía, entraba en trance con aquella música que yo tocaba con la gaita. Notaba que tenía un poder entre las manos, era un niño, pero de allí emanaba una energía misteriosa, y eso me fascinó”.


Diferencias en la música celta

El imaginario popular

Apasionado por la historia celta, y en especial de Galicia, Carlos Núñez aprovechó para contarnos las diferencias entre las músicas celtas de los diferentes países. “Hace mil años ya existía la tradición de gaita en Galicia, es increíble, una tradición ininterrumpida. Ese instrumento medieval, de pronto, pues hace doscientos o trescientos años empezó a desarrollar formas diferentes. En Escocia, por la British Army, desarrolló una morfología más de gaita para tocar en el ejército, de gaita de guerra con un sonido muy potente para la actividad militar. En Irlanda casi podemos decir que es una gaita secreta, es una gaita que los irlandeses la hicieron muy suave dice la leyenda que para que los ingleses no les escuchasen, una gaita casi de cámara, muy dulce. Y la gaita gallega está para mí entre la una y la otra, la gaita gallega es una gaita de fiesta, es la que se ha conservado en un sistema más antiguo y la más cercana a la gaita medieval. Por eso va íntimamente ligada a la fiesta y a una energía positiva misteriosa, casi tiene propiedades curativas”- sonríe. ¿Cómo se construye una gaita hoy en día? Las mejores siguen siendo las de artesano, mano a mano, el artesano con ese mito del Stradivarius que no hay dos iguales. Aunque la tecnología esté como nunca sigue fascinándonos esa cosa de lo único y auténtico. Mi gaita está hecha por un artesano, un maestro al que conozco desde niño. Yo siempre estoy con él en todo el proceso. Tengo dos instrumentos uno es la gaita o la flauta, entonces yo tengo que estar ahí cuando se está realizando para que tenga mi estilo, mi personalidad, que sea una parte de mi cuerpo. Y el otro instrumento es mi cuerpo precisamente. Los músicos tenemos que aprender a conocer nuestro cuerpo.

Mito o realidad. Quien escucha música celta no puede ser ausente de las sensaciones que se disparan en nuestra imaginación. “La música celta tiene un tipo de imaginario de sueños, de misterio, la música celta va muy ligada al Atlántico, al escenario provocado por el infinito del mar, la sensación de ver la puesta de sol en el Occidente, ese viaje hacia América. Para nosotros, los celtas, el paraíso está en ese nuevo mundo misterioso, para nosotros el paraíso está en el oeste. Lo que es fascinante de ese imaginario es que se ha ido ampliando. Cuando yo era pequeño la música celta era Irlanda, Escocia, los siete países celtas, Isla de Man, Galicia, Gales... Hoy por hoy la música celta es mucho más universal y entonces de alguna forma yo estoy ayudando a gente joven que toca música celta en muchos países en que no se conoce su propia cultura, como decís en Argentina de provincias, de pequeños lugares recónditos que se encuentran tapados por una cultura oficial, exactamente lo que nos pasó en España. La música celta a mí me ha ayudado desde pequeñito a valorizar la música de Galicia porque Galicia no existía. Existían los toros, el flamenco, la España de Franco. Lo oficial, el tópico del turismo”. ¿Estuvo prohibida la música celta? Sí, todo lo que era autóctono de Galicia desde siempre, desde la época de los Reyes Católicos. Se dice también que Cristóbal Colón era gallego y judío además, y por eso se cambió la personalidad y nunca dijo que era judío y menos que era gallego, sino que decía que era italiano, es una teoría.

La gaita es un animal salvaje

Galicia, la sabiduría de la mezcla

Para muchos la gaita sigue siendo un instrumento enigmático e hipnótico. Quien lo toca se hace eco de variadas sensaciones. “Hay dos formas de tocar la gaita- nos cuenta Carlos- La gaita es un animal no domesticado, salvaje, y sigue siéndolo. No es un instrumento concebido para tocar en los salones de la corte, aunque yo lo haga- aclara-, puedo tocar en el Teatro Real sin problema, pero la verdad es que por naturaleza la gaita fue inventada para tocar en los montes y al aire libre. Puedes tocarlo intentando domar al animal o tu convertiéndote en un médium dejando que el animal hable por sí mismo. Esa es la forma que a mí me gusta más. Cuando te dejas llevar e inicias casi como un viaje, tocas, pero realmente a veces tienes la sensación que tu caes en manos del animal, tiene el poder ahí y tu le das vida con tu inspiración, con tu aliento, pero es la gaita la que habla”.

“Lo que yo quiero es ayudar a jóvenes en sus países, sea Argentina, sea Uruguay, sea Brasil, México, que les pasa lo mismo que a nosotros. ¡Ah! ¿Tu eres de Argentina? Tango - exclama - ¿Tu eres de Brasil? Bossa nova, samba. En todos esos países hay cantidad de culturas interiores que no son reconocidas y no se han valorizado. Muchas de esas culturas conectan con el imaginario medieval, con las músicas que llegaron de la antigua Europa y se han ido fusionando. Es una música celta mezclada con elementos indígenas, africanos, una especie de nueva música celta latinoamericana. Eso a mí me fascina” cuenta entusiasmado. A lo largo de su carrera y en todos sus trabajos discográficos la norma de Carlos Núñez ha sido invitar a artistas de géneros parecidos y otros disímiles para colaboraciones logrando una maravillosa integridad musical. “Es un poco la filosofía que procuro seguir. Algo propio de Galicia seguramente es la capacidad de adaptarse, tal vez porque hemos sido como los irlandeses de España, la parte más pobre que tenía que emigrar más, entonces de la misma forma que en Estados Unidos se decía “No dogs no Irish no Blacks”, pues en Latinoamérica para los gallegos era lo mismo, los chistes de gallegos, era la gente que hacía los trabajos más bajos. Ese mundo rural, esa filosofía de tener que viajar y ser como un camaleón que para buscarse la vida tiene que mezclarse y adaptarse, yo creo que es lo que ha hecho que nuestra música haya sido como una esponja. Tenemos esa sabiduría de la mezcla”.

A medida que uno escucha los sonidos de la gaita se traslada, a Irlanda o a tu país... Es como ver una película. Es curioso que cada música tiene unos imaginarios asociados. Por ejemplo el flamenco tiene el imaginario del sufrimiento. Recuerdo un flamencólogo amigo que me decía que había un cantador de flamenco que decía en los años veintes “cuando canto mi boca sabe a sangre” y le decía un amigo “eso es mentira, ¡cuando tu cantas la boca te sabe a JV con hielo!” era todo puro romanticismo.

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Discover/ Carlos Núñez Sony Music escribe: Therese Bann*

* La autora Therese Bann es música, vive en Belfast. Estudia música irlandesa y es flautista de alasVALS.

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© Miguel

Muñiz

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iscover, el nuevo álbum de Carlos Núñez es un proyecto de gran envergadura. A través de dos cd's Núñez se atreve a combinar ejemplos de las muchas tradiciones y países que han influido en su vida brindando una muestra asombrosa de versatilidad y habilidad para lograr colaboraciones con músicos donde quiera los encuentre. Un álbum que nos lleva a dar una vuelta al mundo recorriendo el diario de viajes de Carlos Núñez, revisitando las múltiples asociaciones que ha realizado con diversos estilos musicales. Durante su carrera Núñez ha tenido una enorme influencia de The Chieftains, y son estos titanes de la música irlandesa quienes aparecen en varios tracks del álbum. Ellos también son notables por sus colaboraciones en distintos países, siendo el primer grupo irlandés en visitar China, rompiendo barreras y probando que la música celta tiene un magnetismo que va más allá de sus raíces en Reino Unido, Irlanda, Francia o España. Núñez presenta su homenaje a los irlandeses que pelearon en la guerra civil española a través de Viva la quinta Brigada, mientras que Sinead O' Connor canta la famosa canción rebelde “The Foggy Dew” y Sharon Shannon, la reconocida acordeonista irlandesa también tiene su participación en el disco. Un trío de gaitas, irlandesa, escocesa y gallega, no deja de sorprender en The three pipers por la rareza de estos tres instrumentos tocando juntos en principio. Pero Núñez, el pacificador musical ¡lo ha logrado de alguna forma! Ry Cooder, es otra figura clave, uno de sus asociados en sus proyectos musicales en Cuba y quien fuera responsable del redescubrimiento de los músicos de Buena Vista Social Club. Originario de Galicia en el norte de España, Carlos Núñez, se ha encomendado a lo largo de su vida a la tarea de explorar la música celta lejos de su hogar en incontables ocasiones, rescatando la riqueza y los aportes de diversas culturas de forma positiva. Asímismo ejecuta varias piezas tradicionalmente de guitarra en gaita e invita a músicos de flamenco a tocar con él, rompiendo con los antagonismos entre la España del Sur y la del Norte. Hacia el final del primer CD atravesamos un homenaje a los gallegos que emigraron a Latinoamérica, y es allí donde surgen otra vez ritmos y fusiones, por ejemplo ritmos que eran propios de los esclavos africanos. Ante la diversidad e inmensidad del número de tradiciones y combinaciones incluidas es difícil sacar conclusiones. Los escenarios a los cuales se acceden pueden cambiar en cuestión de minutos. Resulta imposible analizar o categorizar esta asombrosa creación por lo ecléctica, resumiéndose como un homenaje a un músico y su genialidad para lograr colaboraciones con grandes nombres de la música del mundo. Un verdadero “quien es quien” en la inmensidad del género de World music y una muestra indudable de la virtuosidad de Carlos Núñez más allá del proyecto que lleve a cabo.

Descubriendo el Brasil celta Uno de sus bisabuelos había emigrado a Brasil y se decía que había muerto, pero Carlos no creía totalmente la versión. Así que emprendió un viaje de tres años donde no sólo rescató memorias de la segunda vida de su bisabuelo en tierras brasileras sino que se hizo tiempo para recabar información y establecer una conexión de Brasil con la música celta. “Fue una experiencia personal, mi bisabuelo era músico, tocaba el bombardino- una tuba pequeña- y era director de una banda de música en un pueblecito de Galicia llamado La Mezquita. Se había ido a Brasil y había desaparecido. Siempre nos habían dicho que lo había matado otro músico por celos. Pero yo siempre pensé que él se había quedado, que se había hecho brasileiro y efectivamente lo encontramos. No se había muerto sino que tuvo una segunda vida en Brasil. Una experiencia increíble, hemos encontrado todo un mundo gallego que vive en el interior de Brasil. Por ejemplo el brasileiro es como la lengua gallega antigua, el galego, como el gallego medieval, porque Portugal no existe como cultura única antiguamente eran dos países, Lusitania,el sur, y Gallaecia el norte, unido a Galicia. De esa Gallaecia vino una lengua del latín que fue el gallego de Gallaecia. Cuando Portugal se independiza de España lleva a Brasil esa lengua antigua y la gaita, el primer instrumento que llega de manos de los portugueses en el 1500. Los portugueses bajaron del barco y tocaron la gaita a los indios, y los jesuitas y franciscanos la utilizaban para aproximarse a ellos”.


Nadie compone algo a partir de cero, la idea del compositor genio es parte del mito de la propiedad privada, la privatización de la música y los derechos de autor, las grandes ciudades y la cultura urbana. Carlos Núñez

Celtas vs Flamencos

Embajador de creaciones colectivas

Carlos Núñez admite que siempre tuvo una obsesión con la música celta, por eso no tomó de buen agrado cuando alguno de sus maestros le sugirió que debía tocar flamenco. “Desde el principio cuando yo empezaba a tocar con mis maestros de The Chieftains estaba muy obsesionado con esa conexión de lo celta. Mi obsesión era que la música de Irlanda y la de Escocia era prácticamente como la música de Galicia. Pero ellos lo que veían en mi música era que si bien era celta tenía unos colores y unos modos que les recordaba al flamenco. Claro, yo no estaba preparado con dieciocho años para escuchar eso, lo que quería escuchar era: Carlos tu música es como música irlandesa y me decían ¿por qué no tocas con flamencos? Y de pronto tocar con flamencos era como tocar con el enemigo, era otra vez vuelta a la España de Franco. Pero curiosamente y lo increíble era que tenían razón. El flamenco es una tradición del sur de España que bebe más del mundo mediterráneo pero es cierto que comparte muchas cosas con la música del norte de la península Ibérica, muchos ritmos y armonías, cosas que no habíamos explorado porque el norte de España tiene más instrumentos melódicos como la gaita, en cambio el flamenco, como tiene la guitarra y tiene acordes, ellos habían explorado muchas armonías que podían ser novedosas e interesantes para nuestra música y así lo hicimos”- cuenta el artista.

Carlos Núñez se reconoce un embajador de la música celta y siente que es un verdadero privilegio poder crear nexos en todo el mundo. “Es un sueño. La vida de la música es una vida muy dura y sacrificada. Es casi como un deportista pero que tiene que morir con las botas puestas, hasta el final tienes que estar ahí. Pero la verdad que el poder estar viajando por el mundo como un trovador y poder estar saltándote todo el tiempo esas fronteras que están ahí entre países y lenguas, entre culturas, es una suerte poder llegar directo al corazón. La gente me dice: Ojalá consiguieses hacer funcionar el mundo como conseguís hacer los músicos, que tocan en armonía, gente de países diferentes, de culturas diferentes, creando un mundo único de armonía, de color, de paz y de amor. Es realmente maravilloso. Pero también es cierto que pude hacerlo porque he mamado desde pequeñito una tradición, y yo creo que eso es muy importante. Cuando tienes unas raíces sólidas en una tradición como dice mi amigo Ryuichi Zakamoto- el compositor japonés- que ningún compositor sea Mozart sea Bach puede en una sola vida estar a la altura de la sabiduría de una comunidad, de un pueblo que crea un sistema musical que crea una tradición, una música. Por eso para mí la música tradicional es lo más grande que hay porque no es la creación de una persona sino una creación colectiva. Yo creo en la composición como un trabajo colectivo”concluye. - La Entrevista completa en www.latundra.com Carlos Núñez tour UK 2013 | www.carlos-nunez.com | latundra.com

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especial arte efimero|

escribe: Silvia Demetilla

Arte efímero

©soledad bustos- sweet smell of success

El arte es tan único como el individuo que lo ejecuta. Basta con abrir bien los ojos para encontrarse con ejemplos a diario, sobre todo en arte urbano. Algunas obras son exhibidas en galerías consolidadas y otras simplemente aparecen a la vuelta de la esquina. No se proponen ser muestras de arte, simplemente existen buscando la reflexión del individuo y es la mirada del transeúnte lo que las transforma o les da un significado. Hablamos con algunas artistas que manifiestan su arte desde distintos frentes. Obras y creadoras fuera de serie, desde arte en casas tomadas y yarn bomb -graffiti de lana- hasta arte edible.

haunted mansion collage de diapositivas fotos s.demetilla

S

oledad Bustos llamó a su obra de arte edible “Sweet smell of success” - título de una película en blanco y negro de 1957 protagonizada por Burt Lancaster-. Su trabajo, producto de un taller realizado durante dos fines de semana en Londres, se propuso retratar una parte del testimonio de Rebekah Brooks, periodista y figura clave en el proceso por el caso del diario News of the World. En la pieza de Bustos el discurso de Brooks aparece cubierto por caramelos que los concurrentes a la muestra deben ir comiéndose para poder llegar a leerlo. Las palabras de Brooks describen su calidad como periodista y fundamenta el porqué de su accionar. La búsqueda de Soledad Bustos mediante esta obra es lograr que el visitante reflexione acerca de la naturaleza de las noticias y su rápido consumo sin ningún tipo de análisis. | www.solebustos.com | Ver más fotos y ejemplos de arte efímero y yarnbombing en www.latundra.com

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la piscina cubierta fue acondicionada como un jardin con una pasarela flotante


londres: arte en squats

E

n el mes de septiembre y a pocos días que comenzara a aplicarse la Ley de Evicción en Inglaterra “La Tundra” tuvo la oportunidad de visitar Haunted Mansion, una casa ocupada en Avenue Road en el exclusivo barrio de St John's Wood. Encabezado por la artista argentina Mariela Bocanegra, diez artistas, músicos y estudiantes provenientes de diferentes squats fueron parte del proyecto. Mariela Bocanegra es una artista plástica argentina que recorre el mundo junto a otros artistas manifestando su obra en casas abandonadas. Trabaja con un grupo desde hace doce años. “En el pasado he trabajado con diversos grupos de artistas tanto en Europa como en Latinoamérica” Con respecto a la elección de la casa que denominaron Haunted Mansión en su proyecto ella nos cuenta “Avenue Road es una cuadra bastante larga, llena de mansiones, la mayor parte de ellas en desuso, de propietarios muy adinerados. Muchos de ellos tienen intenciones de lograr que los lugares se pudran para conseguir permiso de demolición. Es un juego bastante interesante que realiza mucha gente rica en este país considerando que estamos pasando por un momento de recesión, la gente no tiene trabajo, no accede al alquiler de espacios. En realidad hay mucho espacio en la ciudad que podría ser utilizado para diversos proyectos, y no te hablo de mi pequeño caso particular de artista, estoy hablando de una realidad general. Durante todos estos años Inglaterra se ha valido de una ley que era la ley de ocupación o la ley de squatting, que permitía asentarse en un espacio que estaba en desuso con la condición de transformarlo en un espacio de vivienda siempre y cuando el ocupante se encontrara en una situación de falta de trabajo, ausencia de salud, etc. Hay muchas razones por las que la gente ocupa o ha ocupado. En nuestro caso somos bastante afortunados porque somos jóvenes y podemos en cierta forma construir un futuro con nada. ¿Por qué? Porque somos artistas, creativos y locos” relata la artista que no pierde la esperanza de que ocurra un cambio en la sociedad actual, e incluso se produzca una revisión en la nueva ley.

Para hacer arte en una sociedad como esta hay que ser muy creativo, hay que saber caminar en la cuerda floja. Mariela Bocanegra

Según Mariela la mayor parte de los que que se han valido de esta ley durante todos estos años era gente que no tenía otra salida. Por eso la existencia de esa ley que los amparaba. “Nosotros reclamamos hoy en día que esa ley sea revista ya que su ausencia afectaría a distintos grupos sociales, inclusive en una tierra tan rica como es la inglesa. Nuestra pregunta es qué es lo que el gobierno intenta proteger y de qué. Nuestro accionar es siempre desde el lado legal. Antes del cambio de ley para ocupar legalmente un lugar el ocupante debía, en caso de conectar electricidad hacer una cuenta personal y ocurre lo mismo con todos los servicios”. Con respecto a la nueva ley que comenzó a aplicarse desde el pasado mes de septiembre la artista explica “La ley S144 comenzó a regir desde el 1°de septiembre del 2012. En principio no fue muy clara y decían que su destino era proteger a los propietarios que querían hacer algo con sus tierras, quienes están en todo su derecho, evitando que gente asocial se instale en propiedades que no los corresponde, aunque en lugares no residenciales todavía estaría autorizado ocupar”. La propiedad de Avenue Road no era residencial según Mariela ya que tenía un estado de deterioro importantísimo. “Residencial en estos casos no se refiere al uso de la tierra sino al uso del espacio mismocontinúa -. En este momento esta casa no es residencial, es una galería para nosotros- aclara- ya que lo hemos convertido en un lugar de creación y supuestamente debería ser legal nuestra ocupación”. ¿Cuál es la realidad de esta artista que no oculta sus convicciones a la hora de manifestarse? “Estoy muy orgullosa de lo que estoy haciendo, soy muy clara con respecto a eso. En este período de tiempo- 3 meses aproximadamente- esto es lo que pudimos llegar a hacer. Cuando comenzamos este proyecto sabíamos cual era nuestro territorio y las consecuencias antes y después del cambio de ley. Siempre se depende del dueño y de la insistencia que ponen en la corte para echarte. Te pueden dar un IPO lo que implica que hay que salir ya mismo porque el espacio es peligroso, por ejemplo una propiedad con asbestos. En la actualidad han habido algunas evicciones en otras propiedades con intervención de la policía porque ahora se considera un crimen”. En Inglaterra existe una organizacion llamada Squatter que se dedica al asesoramiento legal de aquellas personas que ocupan. El número de squats en Inglaterra es considerablemente alto. Hay todo tipo de grupos pero pocos son artísticos. La causa de ocupación sigue siendo diversa. “No existe en Inglaterra un estudio específico de los squats. Yo lo veo porque me dedico a esto, y puedo darme cuenta de las diferencias culturales en cada país en el que he vivido” nos cuenta.

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Nuestro reclamo es a la ceguera de la gente que sólo aspira a ver hasta donde le da la nariz. Nuestro reclamo es a un gobierno que se olvida que los recursos se están acabando. Mariela Bocanegra

haunted mansion- fotos s.demetilla

la piscina cubierta recrea un jardin. abajo cuadros con tecnica de café por mariela bocanegra.

link sugerido

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squatter.org.uk latundra.com

A la pregunta si un squatter tiene un domicilio fijo Mariela nos responde de forma personal. “Mi filosofía es bastante nómade, vivo en todos los países donde viajo. Es una respuesta desde mi costado de artista a como enfrentar una realidad diaria. Necesito inspiración para crear. Es la forma en la que yo absorbo las artes y la vida. Siendo nómade tengo acceso a ver muy diversas realidades y al mismo tiempo similitudes en muchas cosas, según el país, el idioma, el clima... Todo cambia y todo vuelve a ser lo mismo. Si hablamos de un domicilio legal vivo en Argentina, en Mendoza, en Las Heras en un depósito de una fábrica que dejó de funcionar y pertenece a mis padres. El mundo gira y yo con él. Para mí la obra en general no tiene fincontinúa- y no puede definirse tampoco porque es trabajo en proceso. Tiene que moverse, es esporádica. Lo que queremos cuando nos vayamos es advertir que se está abusando de territorio humanitario porque es así como yo considero las tierras, las ciudades, el mundo... Todos necesitamos agua, comer, dormir. Nuestro reclamo es a la ceguera de la gente que sólo aspira a ver hasta donde le da la nariz. Nuestro reclamo es a un gobierno que se olvida que los recursos se están acabando, todos los recursos y que el dinero, ese papel que han inventado como una forma de justificar esto es tuyo y esto es mío, no los va a salvar del hecho que el agua esté toda contaminada”. Estos espacios, si bien son efímeros tocan emocionalmente a muchas personas. En este caso a veinte personas, incluyendo a los artistas, con distintas realidades y dificultades. “Cuando un proyecto se abre es una caja de Pandora sin adivinar cual será la reacción de cada uno. Desde que me levanto mi vida es una creación permanente. No sólo soy constructora, soy pintora, escultora, amiga, mujer. Creo que cuando uno se dedica a la creación estamos hablando de forma general, uno esculpe, uno pinta, pero para hacer arte en una sociedad como esta hay que ser MUY creativo, hay que saber caminar en la cuerda floja, hay que poner juntas las palabras... Creo que tengo una vida maravillosa” concluye

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especial arte efimero|

Yarn Graffiti

El Yarn bombing o graffiti de lana es una intervención urbana que si bien modifica el entorno no genera reacciones de enojo como su hermano el graffiti. La Tundra habló con su fundadora, Magda Sayeg quien nos explica sus motivos personales y el crecimiento de este movimiento internacional.

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magda sayeg

agda Sayeg es una artista de Texas, Estados Unidos, y a quien se le atribuye la maternidad del yarn bombing o graffiti de lana. “Comencé cubriendo con lana el picaporte de mi negocio en Texas. Al tiempo estaba envolviendo señales de tránsito, luminarias y todo tipo de equipamiento urbano que estuviera a mi alcance- nos cuenta-. La gente sacaba fotos y el buzz sobre mi obra se hizo viral rápidamente. Lo que yo quería, tal vez egoístamente- confiesa- era hacer mi mundo mejor. Cuando vi la respuesta positiva de la gente me dispuse a salir de mi propio entorno para cambiar el ambiente urbano, y mis logros fueron aún mayores”.

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nitta Please es el nombre original del colectivo de tejedores con el que Magda Sayeg inició sus intervenciones urbanas en el año 2005 –si bien su primer trabajo individual tiene fecha anterior-. Se podría decir que el graffiti de lana es una especie de intervención pacífica porque no genera reacciones de enojo en el público en general. “Técnicamente necesitamos de todos modos de un permiso de las autoridades para cualquier cambio urbano. Yo uso mis agujas en vez de un aerosol” relata la artista que vistió de tejidos al crochet desde un autobús en México, puentes y edificios históricos alrededor del mundo hasta puestos de ventas de tortas de sangre de cerdo (foto superior). El tiempo que lleva armar un graffiti de este tipo requiere muchas veces de trabajo que se realiza con anticipación y todo depende del mensaje a transmitir. En general las obras son aceptadas y la duración in situ también es temporaria. Las obras de Sayeg, según su propia autora, son bien recibidas, duran mucho en el exterior y algunas de ellas permanecieron por más de un año.

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magda sayeg junto a sus obras © magda sayeg

¿Es el yarn bombing un arte vinculado a las mujeres exclusivamente ?

“El tejido es un arte asociado primariamente a las mujeres y el graffiti a los hombres. Para mí sólo se trata de romper estereotipos con lo que se espera de ambos. Es algo bueno. En la actualidad el Yarn bombing es un movimiento mundial que se lleva a cabo cada vez en más ciudades. Es un arte colectivo e internacional” finaliza Magda

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williamsburgh bridge, brooklyn- plan ahead © magda sayeg

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PSICOLOGIA |

pensando el malestar de la epoca

La dimensión imaginaria Lic. Isabel Mazarina

“Siempre existe más a la vuelta de la esquina, los objetos se descartan porque no vale la pena invertir mucho. Todo lo prometido puede ser mejor... lo que nos lleva a un lazo frágil y precario con el otro.”

© Herenia Gonzalez

En este momento precisamos preguntarnos si esa forma de conexión no implica por otra parte una explosión de la dimensión imaginaria, donde la psicosis y la perversión no son más un contenido encubierto y reprimido sino que estallan en la dimensión cotidiana como factores de constante disminución de la actividad imaginativa y del propio deseo.

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na de las grandes cuestiones que interrogan a cierto tipo de psicoanalista es comprender por donde pasa el malestar de la cultura donde vivimos. Siguiendo la preciosa indicación freudiana, cada época y cultura traen una forma de vivir, por lo tanto, formas de sufrimiento y gozo que le son propias. Franco Berardi, un sociólogo italiano que trabaja con semiótica, acuñó el concepto de Semiocapitalismo. Este sería un estadío de la producción capitalista en el cual, los bienes producidos no son más los bienes físicos, individualmente consumibles, sino los bienes inmateriales, de origen semiótico, informativo, afectivo, informático, etc. Esta producción de mercancías semióticas provoca una expansión y aceleración de la Infosfera o la esfera de la información confluyendo a su vez directamente sus efectos en la Psicosfera, o sea, en la dimensión colectiva sea sexual, afectiva e imaginaria. La relación entre proceso de producción e inconsciente se vuelve más inmediata y compleja de lo que era en la época industrial, cuando la producción y el consumo incidían en la esfera psíquica colectiva solamente de manera indirecta.

La gran novedad de la época semiocapitalista tal vez sea ese carácter pánico del deseo, el carácter infinitamente fugitivo y prolífico de un deseo que moviliza constantemente las energías con la promesa de un placer inmediato y siempre renovable. Siempre existe más a la vuelta de la esquina, los objetos se descartan porque no vale la pena invertir mucho, siendo que todo lo prometido puede ser mejor esto nos lleva a un lazo frágil y precario con el otro, a una evanescencia que por otro lado, busca compensarse con formas de pertenencia a territorios compactos, dados por las formas más rígidas de la identificación: el fascismo, el racismo, las bandas totalitarias, etc. Hoy se quiere todo, ahora y se piensa que es posible obtenerlo. Y sin duda, el efecto más inmediato de esta nueva condición que invierte la comunicación, el lenguaje y la producción, es el pánico. La vibración del ritmo del deseo es demasiado intensa para que el sujeto se reencuentre en su ritmo singular, en una sintonía cuerpo/mente que permita una vibración propia. El ritmo del deseo se acercó demasiado al ritmo de la impulsión, a su feroz aquí y ahora, tan bien representado por la imagen de un bebé que al no encontrar su objeto de satisfacción sólo puede frustrarse sin construir respuestas que le permitan el trabajo del deseo. Pero esa tarea es cosa de gente grande… Por todo esto, propongo como una de las tareas más relevantes para una clínica actual, que es precisamente, la de ayudar a un sujeto a construir un tiempo de demora propio del deseo, tiempo que permita el reencuentro con lo propio, su historia y su tiempo. Desde ese lugar, él podrá negociar con las urgencias de su tiempo, sin confundirse con ellas. Ref. bibliográfica: Berardi, F. Una nueva lectura del Antiedipo en la época del deseo pánico. Buenos Aires, 2011. Revista El Psicoanalítico no.6. On-line. Agosto de 2011.

Isabel Marazina Psicoanalista. Maestra en Psicología Clínica. Analista Institucional. Vive y trabaja en San Pablo, Brasil. Herenia González Ilustradora. http://herenia.blogspot.mx

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PLANETA ALEPH |

escribe Carolina Sawney

“... por las noches estudio astrología, que es indispensable para entender mitología. Dibujo cartas natales para hallar la clave de la verdad psicológica, los emplazamientos planetarios en la carta natal son símbolos de la líbido en un momento determinado” carta de Jung a Freud (1911)

ilustracion vivian pantoja ortega

El escriba La motivación principal de Carl Jung fue elaborar su teoría de los arquetipos que el describió como moldes autónomos primordiales en la psiquis, que estructuran la experiencia humana, y que son expresiones del inconsciente colectivo, compartidos por todos, pero que forman también parte de una matriz mayor de sentido que también informa el mundo material. Así le dió una vuelta de tuerca a la historia de la filosofía, ya que con él, los arquetipos no estaban sólo asociados al despliegue del tiempo en el cosmos vía los planetas, como en la cosmovisión griega, y no se hallaban sólo en estructuras interpretativas subjetivas de psiquis, como en las categorías a priori de cognición y percepción de Kant, si no que ahora había una correspondencia entre ambos, el mundo interior y el exterior. En la carta natal de Jung, Urano, que en griego significa cielo estrellado y es el planeta que en la mitología se asocia con la idea primordial antes de la creación, gobierna el ascendente en Acuario, es decir que marca el camino a seguir para alcanzar su destino, y se ubica en la casa 7, que representa la restauración del balance y la armonía relacionada con El Otro. Según la carta natal, el lema de Jung fue ahondar en las ideas universales que “te constituyen y me complementan”. Urano está emplazado en Leo, signo que significa la expresión creativa y profunda de la identidad, idea sobre la que Jung desarrolló su teoría de la individuación o el desarrollo de la integral de personalidad de acuerdo a un patrón inteligente de crecimiento a la vez creativo y con sentido.

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cARL jUNG según su carta natal

El visionario Volviendo a las fuentes de la historia de la cultura en Egipto, Babilonia, Grecia y Fenicia, Jung rescató los símbolos universales que han quedado plasmados en las creaciones artísticas del hombre, para describir el contenido de los arquetipos del inconsciente colectivo. En su carta natal, Neptuno, el planeta que representa el agua, que se asocia a la creación, los orígenes, la unidad, la imaginación, los sueños, la mitología, los ancestros y todo aquello que nos conecta con la fuente, está en cuadratura con el Sol, o su identidad. Uno de los conflictos mayores de Jung fue conciliar la ciencia con la imaginación, que el paradigma filosófico de la modernidad separa. Él fue el creador de la técnica de la imaginación activa, que consiste en concentrarse en una emoción traumática hasta que se forma una imagen que surge del inconsciente. La persona luego lo plasma en un dibujo, una escultura, un baile, un escrito. Luego el ego reacciona y se produce un diálogo entre el consciente y el inconsciente. Este movimiento de algo que previamente estaba estático, es el comienzo de la curación: “el efecto terapéutico es casi mágico”, dijo Jung.

El psiquiatra-astrólogo Las imágenes, sueños, fantasías y las visiones son símbolos que contienen energía psíquica con sentido que son creadas por el inconsciente como una forma de comunicación. Es la fuerza vital que con intención busca transformarse de forma inteligente en una dirección. En la carta natal de Jung la Luna, el planeta del pasado emocional junto a Plutón, que representa transformaciones profundas que demandan autenticidad. Fue con su libro Símbolos de Transformación que quedaron marcadas su diferencias con Freud y se inició un nuevo capítulo en la historia de la psicología profunda. | www.planetaaleph.com |


| La Tundra | guía

bienestar e identidad | La identidad de la voz entrevista a Marta Fongi escribe: Paula Rodríguez Pardo

C

onocer lo que nos comunican nuestros sonidos personales es reconocer facetas importantes de nuestro inconsciente. La fonoaudióloga Marta Fongi explica porqué es importante mantener una voz saludable que defina nuestra identidad. Consideramos a la voz como una relación entre el individuo y sí mismo, y entre sí mismo y la sociedad. Por lo tanto toda disfunción vocal es una alteración en la comunicación, que compromete a la persona que la sufre en todas las áreas de manifestación de sus conductas. Esto es: cuerpo, mente y mundo externo; y en todos sus ámbitos: individual, psicosocial e institucional. Mantener la voz saludable y prevenir su deterioro, debe ser requisito indispensable para nuestra comunicación oral adecuada. Y no estoy involucrando en este concepto sólo a los profesionales de la voz -actores, locutores, docentes, etc.sino a toda persona que a través de su palabra, manifieste sus emociones con la exacta dimensión que le confiere al contenido de su mensaje. Intento destacar que a través del sonido y de sus matices, la voz puede manifestar en el discurso una Personalidad Vocal definida, que no solamente la hace inconfundible para reconocer su identidad, sino que el mensaje puede ser comprendido o no, aceptado o no, confuso, amable, sincero, emotivo, irritado, etc. De la misma manera que la ausencia de voz - el silencio- muestra una especial comunicación, el sonido de la voz permite descubrir en el mensaje diferentes emociones: voz agudizada en una discusión violenta, voz grave y opaca en situaciones de angustia, etc.

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Vemos, entonces, que la voz como expresión de la comunicación oral, es un elemento que más allá de sus cualidades específicas - altura, intensidad y timbre - nos ofrece una compleja gama de variaciones, que permite que sea un instrumento valioso, para transmitir lo que deseamos, pensamos y sentimos. Conocer lo que nos comunican nuestros sonidos personales, es reconocer en ellos facetas importantes de nuestro inconsciente. AQUI RESIDE LA BELLEZA DEL SONIDO DE LA VOZ.

Marta Fongi es Fonoaudióloga. Docente en Institutos de Locución y Teatro. Actríz y Cantante. Vive en Rosario, Argentina.

Tel: 079 31 208 532 potencialcreativo.coaching@gmail.com www.potencialcreativocoaching.com


LA BOBA SE MURIÓ |

Un desafío para recuperar los sentidos

escribe Luz Martí

DIY

Hágalo usted mismo. Con un poco de ingenio gaucho todo es posible. O casi...

“Mirá, no te preocupes- dijo mi marido con total convicción y certeza - si el arquitecto no aparece y se sigue haciendo el difícil, esta obra la dirijo yo”. Quiero aclarar, ante todo, que mi marido es médico y, para empezar, no tiene siquiera la menor idea de por dónde se sube a la terraza. Vive por y para sus pacientes, lo cual me alegra por ellos pero me aterra si pienso en qué manos dejo la construcción de nuestro futuro estudio, el bañito y la cocinita que tanto soñamos. A él no lo asusta. Como muchos, está seguro de poder enfrentar cualquier tarea que se presente supliendo con buena voluntad e imaginación nuestros limitadísimos conocimientos. Un poco empujados por las circunstancias, la ineficiencia y la falta de responsabilidad de los “especialistas” y otro poco convencidos que en algún lugar de nuestro cerebro se han ido alojando a lo largo de la vida las experiencias necesarias para acometer cualquier trabajo por más específico que parezca. Pensamos que con algo de información básica, y esa gran dosis de sentido común que imaginamos tener, estamos habilitados para todo.

En Latinoamérica en general - no tenemos países del Hágalo Usted Mismo – Do it yourself - a la manera americana o europea, del kit para colocar ventanas o remendar zapatos. Todavía contamos con artesanos que vienen a tu casa y solucionan todo. El problema es que se anuncian pero no llegan nunca y entonces aparecen el ingenio local, el coraje gaucho y la imaginación rioplatense para suplirlos y hacerse cargo de lo que haga falta. Somos además falsos psicólogos que aconsejamos cómo tratar conflictos familiares aunque nos hayan abandonado todas nuestras parejas, no nos hablemos con padres y hermanos y nuestros hijos se crucen de vereda para no saludarnos.

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Somos falsos médicos que recetamos sin pudor con la complicidad del empleado de la farmacia No hay rubro que se salve. En la cocina también todo lo reformamos y adaptamos a nuestra conveniencia y nuestro presupuesto haciendo, por ejemplo adaptaciones libres de platos de trucha ahumada reemplazándola por cualquier otra cosa y alterando la reducción de cabernet sauvignon de la salsa por un engrudo de vino barato y harina. En moda y peluquería podemos arreglárnoslas con bastante gracia, o eso creemos. Desde la aparición de la máquina para depilar eléctrica y de la gran variedad de tinturas podemos jugar a la peluquera sin temor a quemarnos con la cera ni gastar una fortuna en un retoque de raíces. Los resultados no son los mismos que con los profesionales pero son rápidos y sacian nuestra curiosidad y creatividad desbordada. Hasta los hombres se han lanzado a las tinturas caseras sin entender que el color es casi un arte y que, además, en el caso femenino va acompañado de maquillaje en ojos, labios y mejillas, y cremas en la cara para suavizar arrugas desde tiempos inmemoriales. Con sólo teñir el color del pelo y del bigote parecen unos muñequitos de caras gastadas y peluquitas oscuras, unos Playmobil gigantes. Otro personaje temible dentro de los que se atreven a todo es el falso profesor de teatro. Se trata generalmente de algún actor fracasado y pésimo que un día, acuciado por el hambre, siente que tendrá que ponerse a trabajar aunque sea en una cerrajería o decir que las musas le han encomendado instruir con su arte a las generaciones venideras y, orgulloso y equivocado, elige lo segundo y arma un grupo con cinco o seis que, reunidos en un sótano húmedo, siguen sus consignas para terminar en un acto de fin de año representando, con un descaro a prueba de bala, y frente a toda su familia, una obra de Bertol Brecht. Existe, al menos, una profesión a la que nadie se anima a falsificar y es la de Contador Público Nacional. Es aburrida, endemoniadamente complicada, hay mucho impuesto con qué lidiar y los riesgos de la equivocación pueden tener consecuencias tremendas que deparen horas intentando rectificarlos en los laberintos de mil oficinas públicas, frente a la computadora o llamando a esos 0800 que nunca responden. Todo el mundo sabe - menos nosotros al parecer - que lo lógico sería que cada uno se ocupara de lo suyo, pero así perderíamos parte de la gracia y de la adrenalina que curiosamente todavía nos hacen falta para vivir en sociedad y para saciar nuestra ilimitada y constante sed de aventura.

Luz Martí es escritora. Autora de “Como madre sos una bestia” de Editores Asociados y del blog La boba se murió. Vivian Pantoja Ortega Ilustradora |http://behance.net/vivianpantoja |

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escribe: Silvia Demetilla

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(viene de pág. 4) Graffitimundo no sólo reúne artistas del graffiti, sino del diseño y arte en general, siendo un punto de referencia para muchos artistas internacionales que desean participar en obras colectivas mientras visitan el país. En general existe un clima de aprecio mutuo y reciprocidad. Es muy común que estos artistas se desplacen y deseen dejar su huella en otros muros. Un caso muy reconocido es el de Blu, un artista italiano del que se dice desconocer su verdadera identidad y que comenzó a pintar en Bologna en el año 1999. Blu realizó varios murales en Argentina, de sorprendente dramatismo y postura social. En uno de ellos representó a varias personas que son asadas en una parrilla mientras por debajo arden billetes de pesos argentinos. Otro muy controvertido (foto superior) es un mural en la Avenida Independencia, en el centro de la ciudad de Buenos Aires, donde cientos de siluetas se encuentran con los ojos tapados con la bandera argentina, y en la cima otra silueta con la banda presidencial. Este mural fue vandalizado en los ultimos tiempos. Como otra forma de manifestación se encuentra Prensa La Libertad, una imprenta tradicional que recurre a la tipografía y armado de sus productos de forma similar a como se hacía antes de la era digital. Sus posters (foto a la derecha donde tambien se aprecian trabajos de Ever y Stencil Land durante una exposición de Graffitimundo en Londres) producen un llamado de atención, son mensajes simples que bien podrían haber salido de libros de autoayuda y sin embargo llegan a donde tienen que llegar, todos somos parte de esta realidad que muchas veces pareciera ser sólo de los otros. |prensalalibertad.com.ar |

¡Feliz 2013! La Tundra vuelve en MARZO cierre de edición: 1 de FEBRERO 2013


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Marta Pino

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La Tundra - Issue 06  

Desde Londres en español. Invierno en La Tundra. Especial de Arte efímero. Colores celtas de Carlos Núñez- Albert Espinosa y El mundo amaril...

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