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Ω COMENTARIOS MUY CLOWNESCOS Analizamos espectáculos de Síndrome Clown, Industrial Teatrera y el Cirque du Soleil

Ω PRODUCCIONES SINGULARES Sala Cero es también una compañía con una sólida y extensa trayectoria

Ω EMPRESAS INNOVADORAS Día a día de empresas con servicios innovadores como GNP o Danza Mobile

Nº 31 | OCTUBRE / DICIEMBRE 2011

CALIDAD E INNOVACIÓN ENFESTIVALELESCÉNICO feSt

CONTEMPORÁNEO DE SEVILLA

DEL 14 AL 23

DE OCTUBRE

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Ω EN PORTADA:SEVILLA FEST LLega un feSt renovado, más contemporáneo e innovador, y con nuevas fechas Ω MÁS FESTIVALES Mes de Danza, Titiriteros Solistas de Écija, Perfopoesía, MITIN, CENIT, FIT de Cádiz

Ω ESPECIAL FLAMENCO Miradas renovadoras en torno al arte flamenco


Una provincia de exposici贸n

CIUDADANIA, PARTICIPACION Y CULTURA

Estas exposiciones se podr谩n visitar en distintos Municipios de nuestra provincia.

LATEATRAL


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VENTA POR INTERNET: en www.generaltickets.com (excepto abonos) y www.teatrolopedevega.org


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04 EDITORIAL

Staff

DIPUTACIONES

LA NECESIDAD DE LAS REDES DE PROXIMIDAD Texto» Gonzalo

EDITA: Noletia, S.L. Parque Empresarial Los Llanos C/ Castilla y León, nº 251, Planta 1ª CP: 41909 Salteras (Sevilla) Tel: 954711166 (comunicacion@noletia.com) Dirección: Gonzalo Andino Lucas (director@lateatral.com) Publicidad, suscripciones y distribución: Luis Martín (luis.martin@noletia.com) Cartelera y Formación (LaExpress) Lidia Gamero (lidia.gamero@noletia.com) Diseño y maquetación: Pablo Álvarez (correo@penkorama.com) Newsletters info cultural SIC-NO: Berto Cáceres (berto.caceres@noletia.com) Administración: Mª Esperanza Torres (esperanza.torres@noletia.com) Colaboradores para este número: Juan Vinuesa, Antonio Rincón Cano, María González, Danza Mobile, Elena Carrascal, Javier Berger, Miguel Ángel Vieira, Luis Castilla, Emilio Ballesteros Foto portada: Clash 66 en el Festival feSt de Sevilla Tirada: 15.000 ejemplares Imprime: Tecnografic Logística: Susme DEP LEGAL: SE-46363 ISSN: 1887-8709 Descárgala en pdf,infórmate y suscríbete en: www.lateatral.com * www.facebook.com/lateatral.noletia. Sigue nuestra página en Facebook para estar al corriente de nuestras sensaciones. También estamos en Twitter: @noletia ** También puedes buscar en Facebook los proyectos de Noletia: Festival Circada o Anura Teatro *** Si quieres que te enviemos información cultural y participar en sorteos, envía un email con el asunto “suscribirse” a sic-no@noletia.com **** Con nueva vinculación con la revista, que esperamos sea cada vez más intensa, un gran abrazo para Ángela Morón, nuestra mejor redactora.

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Justo antes de cerrar este número de LaTeatral un trabajador de un ayuntamiento andaluz me comentaba que se había encontrado por la calle con un concejal para el cual había trabajado en el pasado y que ahora era diputado. Al preguntarle por su vida, el flamante diputado no le contestó sobre la oportunidad que se le abría para ayudar y trabajar por la provincia. Simple y claramente le expuso que estaba estupendamente, ya que mientras antes ganaba treinta mil, ahora ganaba sesenta mil. Punto y final a la conversación. No sé cuánto peso han podido tener actitudes como ésta en el debate político reabierto acerca de la eliminación de esta centenaria institución. Sí intuyo que personajes como el que acabamos de retratar son muy responsables de que la respuesta social ante el adelgazamiento de la administración sea cada vez más positiva. No sabemos si funcionaremos mejor sin instituciones, pero al menos sí sabemos que no habrá nadie robando. Y esa certeza, en los tiempos que corren, se antoja sumamente atractiva. Yo no voy ni a realizar una defensa a ultranza de las diputaciones ni a proponer su inmediata disolución. Voy a poner en valor, eso sí, el trabajo que realizan y, sobre todo, el podrían realizar, en un ámbito tan concreto y, probablemente, tan ridículamente poco significativo (¿o tal vez lo contrario?) como la cultura en vivo. En las comunidades autónomas grandes, en número de provincias o extensión, tienen una oportunidad como ninguna otra administración de trabajar por lo que es una herramienta demasiada escasa: las

Andino

redes sinérgicas y efectivas, entendiendo por éstas aquellas que son capaces de generar ahorro en la inversión y mayor productividad en sus resultados. Por poner un ejemplo, los gastos de desplazamiento y dietas de una compañía estándar que viaje de norte a sur (o viceversa) suelen resultar un 40 o incluso 50 por ciento del precio final. Simplemente dos funciones de la misma compañía en pueblos cercanos hacen que ese porcentaje de dinero invertido en cuestiones no artísticas baje al 20-25 por ciento. Y esto sin entrar a negociar el precio de ese caché, que obviamente desciende con la segunda y sucesivas funciones. Por conocimiento del territorio y cercanía con los gestores municipales, las diputaciones han tenido la llave para optimizar giras y racionalizar situaciones. En Andalucía, por ejemplo, no es posible girar si una función la realizas en Huelva y la siguiente en Almería. La protección de la compañía local, la coherencia de programación sobre un territorio o la mayor capacidad de contratar, por presupuesto y conocimiento -el técnico de cultura municipal no siempre puede dedicarse a desarrollar sus conocimientos en todas las materias que abarca-, son otros servicios públicos que deberían replantearse y reubicarse en caso de una fulminante supresión de la administración provincial. Y todo eso sin entrar en los programas propios. Sea como sea, la cultura no puede permitirse más pérdidas de recursos, y ahora vemos una nueva amenaza, una nueva excusa, para continuar con esta salvaje desprotección.

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INDICE

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Programación septiembre, octubre, noviembre y diciembre Ópera 29 de septiembre, 1, 3 y 5 de octubre, 2011

Las bodas de Fígaro (Le nozze di Fígaro) de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Dirección musical, Pedro Halffter Dirección de escena, José Luis Castro Principales intérpretes: Roberto Tagliavini, Paul Armin Edelmann, Yolanda Auyanet, Olga Peretyatko , Jana Kurucová, Carlos Chausson Real Orquesta Sinfónica de Sevilla Coro de la A. A. del Teatro de la Maestranza Producción, Teatro de la Maestranza, 1999

CiCLo Listz (sala Manuel garcía) 23 de noviembre, 2011

Miguel ituarte, piano

Doce estudios trascendentales

danza 26 y 27 de noviembre, 2011

ballet Contemporáneo del teatro san Martín de buenos aires

grandes intérpretes

Director artístico, Mauricio Wainrot Las 8 estaciones Coreografía, Mauricio Wainrot Música, Antonio Vivaldi y Astor Piazzola

Luz Casal, La pasión

piano 28 de noviembre, 2011

danza (sala Manuel garcía)

Maria João pires, piano antonio Meneses, violonchelo

15 y 16 de octubre, 2011

Mes de danza 18

Organiza Trans-Forma Producción Cultural www.trans-forma.es 2 y 3 de noviembre, 2011

Compañía arkadi zaides (Israel). Quiet

L. van Beethoven, Sonata para violonchelo y piano nº 4 / Sonata para violonchelo y piano nº 5 / Sonata para piano nº 31 / J.S. Bach, Suite para violoncelo nº 2

9 y 10 de noviembre, 2011

FLaMenCo 10 de diciembre, 2011

Otra manera de encontrarse

Recital flamenco

Compañía teresa navarrete (Sevilla). Ópera

11, 14, 17 y 20 de noviembre, 2011

La VaLquiria (die Walküre) de Richard Wagner (1813-1883) Dirección musical, Pedro Halffter Dirección de escena, Carlus Padrissa (La Fura dels Baus) Principales intérpretes: José Ferrero, Petra Lang, Michael Volle, Evelyn Herlitzius, Iris Vermillion, Svetla Karsteva, Cornelia Ptassek, Mercedes Arcuri, Alexandra Rivas, Mª Luisa Corbacho, Manuela Bress, Anja Schlosser, Yaroslava Kozina. Real Orquesta Sinfónica de Sevilla Coproducción, Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia y Maggio Musicale Florentino grandes intérpretes

19 de noviembre, 2011

pat Metheny trío

Larry Grenadier, bajo / Bill Stewart, batería

teatro de la Maestranza. paseo Cristóbal Colón, 22. 41001. sevilla

teléfono de información: 954 22 33 44. www.teatromadelaestranza.es

Miguel poveda JÓVenes intérpretes (sala Manuel garcía) 15 de diciembre, 2011

sara requena, piano Obras de J.S. Bach, Beethoven y Chopin ConCiertos 18 de diciembre, 2011

Concierto de navidad

Orquesta de Cámara de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla Concertino y Director, Vladimir Dmitrienko Programa Villancicos populares Ópera en naVidad 29 y 30 de diciembre, 2011

Hänsel y gretel de Engelbert Humperdinck (1854-1921) Dirección musical, Pedro Váquez / Dirección de escena, Maribel Macías Producción, Teatro de la Maestranza en colaboración con la Delegación Provincial de Educación de la Junta de Andalucía añonueve nº30


LATEATRAL


ESTRENOS

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FOTO: Cristina Capilla

VAIVÉN, EN LÍNEA RECTA

a punto de estrenar Do not Disturb, No Molestar

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aivén, compañía granadina formada a principios de 2008 por Raquel Pretel y Miguel Ángel Moreno “Bolo”, presenta su tercer espectáculo (sin contar la preparación de números circenses y experimentos varios), en lo que es ya una de las trayectorias de circo contemporáneo más consolidadas de Andalucía. Este tercer trabajo probablemente incidirá en la línea, absolutamente recta en contradicción con el nombre de la compañía, que han marcado desde su origen: fusión de danza con circo, lenguajes contemporáneos, humor, sobriedad en escena y búsqueda del ritmo escénico, todo ello en pos de una dramaturgia clara. Do not Disturb, No Molestar se estrenará en el Teatro Alhambra de Granada, tal y como ya hicieran con Cayuco, su

anterior montaje, hace un par de años, los días 9, 10 y 11 de diciembre. Para este espectáculo, Vaivén mantiene el equipo base de Cayuco, en lo que parece el asentamiento definitivo de una trouppe fundamentalmente acrobática con un enorme potencial, con Emilio López y Chema Martín, así como la asistencia coreográfica de Celia Sako. Pero sin duda la mayor apuesta de Vaivén para Do not disturb... es el fichaje de Rosa Díaz, de La Rous (ex La Sal) en la dirección del espectáculo, una creadora de enorme prestigio en toda España que aportará sabiduría y sensibilidad al montaje. Según la compañía, Rosa Díaz “hace el trabajo más fácil, tiene la capacidad de ver lo que los demás no vemos y una concreción que hace

fácil el proceso creativo”. Do not disturb... se sitúa en la cadena de montaje de una industria. A partir de aquí, los personajes observarán lo que nos molesta de los demás, dónde cada cuál pone sus límites, o cómo lo que para unos es un paraíso para otros es un infierno. Convenciones sociales, rutinas y establecimiento de roles, en mitad del frenesí productivo en el que no se puede parar, ni molestar. Y, según intuímos, un trabajo concienzudo para sacar partido a la singular escenografía de este nuevo montaje que, según se rumorea en los círculos circenses, acercará aún más a Vaivén a las corrientes más contemporáneas del circo europeo

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MÁS INFO: www.vaivencirco.com añonueve nº31


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08 ACTUALIDAD

Atalaya siempre ha cuidado especialmente la puesta en escena con imágenes muy potentes

DE SEVILLA A CHINA ATALAYA COMIENZA EL CURSO VISITANDO CHINA Y TRAYENDO AL CENTRO TNT LO MEJOR DEL TEATRO DE INVESTIGACIÓN A NIVEL INTERNACIONAL CON EL MITIN.

Texto»

Antonio Rincón-Cano

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Qué pensaría Valle-Inclán si alguien le dice en vida que su obra será traducida al mandarín? No sé si es rizar el rizo del esperpento, pero lo cierto es que el autor gallego se merece ya un reconocimiento internacional a nivel escénico, no solo literario, y Atalaya, con un gran esfuerzo, lo está consiguiendo. Cuando se cumple el 75 aniversario de la muerte del creador de “Luces de Bohemia”, el Instituto Cervantes de Pekín, que cumple 20 añitos de vida, consigue que un maestro de la palabra llegue al Extremo Oriente a través del trabajo de una compañía que centra su lenguaje en la investigación teatral, las nuevas posibilidades del lenguaje escénico y el compromiso social. “Divinas Palabras”, dirigida por Ricardo Iniesta, alma mater de la

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compañía, aterrizó en el país nipón a mediados de septiembre para participar en el Fringe Festival de Pekín y posteriormente el Teatro Nacional de Taipei invitó a la compañía a visitar Taiwán en cuatro funciones que fueron todo un éxito, los días 23, 24 y 25 de septiembre. Este montaje, que se estrenó en 1999, tiene el mayor recorrido que nunca ha tenido un texto de Valle. Como el propio Iniesta reconoce, “Treinta y tres países de los cinco continentes son una cifra que nos resultaría inimaginable hace años, sobre todo porque, aunque en nuestros montajes resultan importantes las imágenes, la acción y energía de los actores, los cánticos, la música..., por debajo hay un texto dramático”, un texto en castellano. Es evidente que es motivo de alegría, satisfacción pero también de


ACTUALIDAD

responsabilidad. “Por vez primera el país más poblado del mundo y la lengua más hablada oficialmente van a conocer al gran dramaturgo español de los últimos siglos.” Atalaya visitó con este espectáculo 150 ciudades de Europa y América, a la que se le suman estas dos plazas asiáticas, siendo por ello un referente del teatro actual, dentro y fuera de nuestro país.

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La obra Divinas “ Palabras se ha traducido expresamente al mandarín

Pero no es el único motivo por el que Atalaya es un referente del teatro actual. Una vez de vuelta a España se meten de lleno en MITIN. La compañía sevillana, que también gestiona el centro de creación y exhibición TNT, presentará del 28 de octubre al 13 de noviembre la Muestra Internacional de Teatro de Investigación. Como nos asegura Patricia Aguilera, una de sus responsables, “es una muestra que se ha consolidado desde la primera edición, pasando por nuestra sala compañías de la envergadura de Odin Teatret”. En esta edición destaca Amarillo de Teatro Línea de Sombras y la visita de la maestra colombiana Beatriz Camargo, pilar del teatro de investigación en Latinoamérica”. Cierra la programación de MITIN el III CENIT organizado por CICUS, de la Universidad de Sevilla, un certamen de investigación teatral que recogemos en la página siguiente, y la reposición de “El sueño de una noche de verano”, un montaje dirigido por Pepa Gamboa que sigue la línea de teatro de inclusión que ya llevaran a cabo en TNT con la versión de “La casa de Bernarda Alba” con mujeres gitanas del Vacie. Nuevas ciudades repartidas por el mundo disfrutarán de los espectáculos de Atalaya, aunque su responsable de distribución Masé Moreno no quiere adelantarnos más, y el estreno en marzo del próximo año de “Celestina”, la tragicomedia, será algunas de las novedades de la compañía en esta próxima temporada

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MÁS INFO: www.atalaya-tnt.com añonueve nº31


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10 ACTUALIDAD

El compromiso artístico es una de las pautas del CENIT

EL TEATRO COMO INDAGACIÓN CENTRA EL III CENIT EN SEVILLA CICUS y TNT vuelven a apostar por “otro teatro posible” del 3 al 6 de noviembre.

Texto»

LATEATRAL

Antonio Rincón-Cano

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no de los ejes centrales del centro de investigación TNT es la búsqueda de compañías que realicen su trabajo de forma periférica a las normas dictatoriales del mercado. Por su parte, el Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla tiene entre sus prioridades el apoyo a compañías y artistas emergentes, así como mostrar un teatro basado en la búsqueda de nuevas formas. Así, nace el matrimonio entre TNT y CICUS creando en 2009 CENIT, que cumple este noviembre tres años. CENIT es una pequeña botella de agua en el desierto teatral actual. Son pocas las instituciones y organizaciones privadas que miran a compañías definidas por la trasgresión, el compromiso artístico, la búsqueda de nuevas coordenadas creativas. Estas compañías parecen que incomodan, pero son, sin duda alguna, las que motorizan la máquina teatral, hacen reflexionar sobre la forma, la técnica y los modos de expresión escénica. MITIN, organizado por TNT, como ya hemos hablado en las páginas inmediatamente anteriores, es un referente

de este tipo de teatro. Por este motivo, su programación es la ideal para incluir este III CENIT que arranca el 3 de noviembre en el nuevo espacio de CICUS con el espectáculo “Locos. Le llamarán Tito” de Claudio Trina. Los franceses Trosiéme Gènèration o los lusos Ponto Teatro dan un carácter internacional a un certamen que ha recibido más de trescientas candidaturas, de las que finalmente se han programado a Alberto Velasco y su Mademoiselle Monarquía, donde sus personajes se tienen que enfrentar a no ser lo que eran, o la compañía Bailarinas Parabólicas que centran su trabajo en estados y emociones inconexos, ante “la imposibilidad de una narrativa racional”. La identidad del hombre, la muerte, la revisión de los clásicos, una mirada a las cosas pequeñas… son los temas y puntos de encuentro entre las 7 compañías programadas. Cierra el certamen la ganadora de la edición anterior, Carme Teatre, con su espectáculo Antígona 18100

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MÁS INFO: www.atalaya-tnt.com


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12 ACTUALIDAD

APRENDER ESCRITURA DRAMÁTICA

El CICUS lanza un taller que mira al texto y a la realidad del teatro Texto» Redacción

Hasta el 25 de octubre estará abierto el plazo para participar en el taller de Escritura Dramática impartido por Antonio Rincón Cano y organizado por el CICUS, que se realizará los días 14, 16, 21, 23, 28, 30 noviembre y 2 de diciembre de 2011. Un taller con el que se pretende “adquirir los conocimientos teóricos y prácticos básicos para la escritura de los diferentes tipos de textos dramáticos”, pero yendo más allá: examinando la realidad del teatro, sus salidas naturales, sus circuitos de difusión. Se trata de un taller de escritura en el que tratar temas como la creatividad, la inspiración, el enfoque de las tramas, estructuras de los textos, técnicas del diálogo o construcción de personajes, pero que también pretende asomarse a cuestiones tangibles. Así, el objetivo final del curso será la creación colectiva de un texto que pudiera desembocar en un espectáculo viable, desde todos los puntos de vista: calidad, formato, interés... Por ello, sus autores, es decir, los alumnos, que serán guiados por Rincón Cano hasta una lectura dramática final, LATEATRAL

LaTeatral

vivirán un acercamiento a las diferentes funciones de las personas que crean el hecho escénico, y deberán aprender a realizar anotaciones y a trasladar los suficientes elementos como para que un director y unos actores sepan trasladar las intenciones del autor a la puesta en escena de una obra. Para un taller tan ambicioso solo se puede contar con alguien cercano al día a día de la escena y que cuente con un amplio currículum. Antonio Rincón Cano, ganador del premio Romero Esteo en 2009, es licenciado en Comunicación Audiovisual y tiene una completísima formación, en la que se incluye su paso por Laboratorio William Layton de Madrid o por la Escuela de Cine de San Antonio de los Baños (Cuba). Además, es gran conocedor de la escena actual, como fundador de la compañía Blablabla o experto en comunicación cultural, además de ser redactor habitual en las revistas LaTeatral y LaExpress. Más info: www.cicus.us.es


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14 PESPECIAL FLAMENCO

ESPECIAL

INNOVACIÓN NOS ACERCAMOS A UN FENÓMENO QUE TRASPASA FRONTERAS ENTRE LAS ARTES ESCÉNICAS Y EL FLAMENCO

Texto introducctorio por

Gonzalo Andino

LATEATRAL

Mezclar, remezclar, fusionar, influirse, inspirarse, romper, innovar, reinventar... Esta es la primera vez que abordamos el mundo del flamenco desde LaTeatral, lo cual supone cierta responsabilidad o incluso vértigo, aunque incomparable con lo que sintieron en su momento los artistas que vas a ver en las próximas páginas. Todos ellos, en determinada ocasión, se propusieron a hacer algo que no había sido hecho, dando un paso más allá. Caminaron por nuevos senderos, probando nuevas experiencias, en las que la mezcla, la remezcla, la fusión o la ruptura, jugó y juega un papel fundamental. Teníamos que tener una óptica concreta desde la que abordar el flamenco en una revista como ésta. Y esta óptica no puede ser otra que la de la irrupción de elementos y conceptos escénicos en la creación flamenca, o la aparición del talento de los flamencos en propuestas escénicas, ya sean teatrales, circenses, dancísticas, titiriteras... Tanto monta, monta tanto. Una nueva forma de crear flamenco, o de crear espectáculos “con” flamenco, que probable-

mente lo haya cambiado todo para siempre o, al menos, haya creado una nueva pata que irá desarrollándose en paralelo a las otras vertientes del flamenco más clásico. Es más, ¿existe el flamenco contemporáneo o el nuevo flamenco? Sea como sea, dentro de este ir y venir de artistas a un lado y a otro de sus respectivas fronteras, hemos podido disfrutar ya de un buen puñado de excelentes espectáculos. Espectáculos que, más allá de innovar el flamenco o de aportar nuevas ideas a la danza o al teatro, han supuesto, en muchos casos brillantes perlas escénicas, independientemente de las cuestiones sobre el género. Ése es nuestro punto de partida. Para este especial hemos optado porque sean algunos de los protagonistas de este fenómeno los que nos cuenten su visión sobre lo que está sucediendo en el mundo del flamenco y, sobre todo, su perspectiva desde el punto de vista de la creación. No están todos los que son, y lo sabemos, pero sí un razonable reflejo de esta realidad tan apasionante que estamos viviendo... y disfrutando

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ELENA CARRASCAL

LA IMPORTANCIA DE HACER LAS COSAS BIEN

Sus primeros pasos como empresaria escénica, desde la empresa de producción y distribución 8co80, la llevaron al mundo de la danza y el flamenco, gracias al talento de profesionales como Marco Vargas,

Chloé Brûlé o Manuel Cañadas. Con una amplia perspectiva, al conocer bien el mercado para este tipo de creaciones de fusión, estrena en la Bienal de Flamenco de Sevilla de 2010 “Alejandrías, la Mirada Oblicua”,

una apuesta que ella misma escribe y dirige, y que ahora también encuentra algunas dificultades, propias del momento económico que vivimos y que sufren especialmente los espectáculos de gran formato

LATEATRAL: ¿Cómo está resultando la experiencia de Alejandrías?

común a la compañía de seguir creando. Nosotros aportábamos el apoyo empresarial y cubríamos las necesidades de producción y distribución de la compañía, velando por la viabilidad de sus proyectos y su difusión; al mismo tiempo, la empresa obtuvo una enorme proyección gracias a sus talentos artísticos. Al empezar a convivir con el flamenco muy de cerca hace que, cuando imaginas, lo que estás creando se canalice, contagie o contamine de lo que estás viviendo, de lo que tienes más cerca y de lo que disfrutas.

tiempo, de agitar al público para dejarlo reposar un segundo más tarde. El flamenco provoca sensaciones con una maestría propia del mejor contador de historias.

ELENA: Con Alejandrías recorremos un paisaje muy difícil de asimilar. Por un lado está la estupenda acogida en los diferentes lugares donde se ha presentado, con momentos muy especiales como el cálido entusiasmo en Marruecos; por otro, el paisaje es desolador, vivimos un momento muy complicado para grandes producciones que cabalgan solas, sin nadie que te coja de la mano. Es contradictorio que se valore tan positivamente y que no podamos ir a donde se nos invita porque no hay seguridad económica. ¿En esta producción propia de 8co80, ¿por qué os decidisteis por el flamenco? Nos iniciamos en el mundo de la producción con la compañía de Marcos & Chloé y la propia distribución nos llevó a una necesidad

¿Qué puede aportar el flamenco a la hora de contar historias? Indudablemente tiene un poder de transmisión brutal, si hablamos de danza flamenca, como lenguaje escénico que es, tiene la capacidad de expresar con creces sentimientos y emociones. Como espectadora, siento que se expande la energía. Este lenguaje tiene la capacidad de desbordarse y contenerse al mismo

Como distribuidora, ¿qué posibilidades ves a los espectáculos que fusionan flamenco con otras técnicas y disciplinas? Más allá de un estilo u otro, está el “cómo”. Al igual que sucede en el circo, en el teatro, en la música, en la danza en general, donde existe la fusión con otras técnicas, en el flamenco también se hace y la aceptación va en función del trabajo bien hecho. Como distribuidora, no veo más sencillo un producto que otro según la técnica empleada siempre que esté cuidada y bien desarrollada en escena; lo importante es una “buena provocación”, hacer sentir, disfrutar, sufrir, llorar, reír, imaginar, sentirte cómplice de lo que está sucediendo en escena y, si eso sucede, el producto es fantástico

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FOTO: Una escena de ALEJANDRÍAS LA MIRADA OBLICUA

Gerente de la productora y distribuidora 8co80 y creadora del espectáculo “Alejandrías, la Mirada Oblicua”.


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16 ESPECIAL FLAMENCO

DANZA MOBILE

nos habla de sus experiencias más flamencas.

DIVERSIDAD FLAMENCA

En la última Bienal de Flamenco se presentó la producción de Danza Mobile y José Galán Cierra los ojos y mírame. Era la tercera vez que esta compañía, especialista en arte integrado, colaboraba con la Bienal, y lo hacía con un espectáculo que cuenta con artistas con y sin discapacidad, capaz de poner en pie a cualquier patio de butacas, por ternura, por chispa y pasión, por profesionalidad y por calidad. Danza Mobile habla ahora para LaTeatral para explicarnos cómo abordan ellos la creación artística en flamenco desde su particular perspectiva.

FOTO: DANZA MOBILE con CIERRA LOS OJOS

“El flamenco es perfecto para contar historias” LATEATRAL

LATEATRAL: Independientemente del trabajo con artistas con discapacidad, en “Cierra los ojos y mírame” contáis una historia sobre la pérdida progresiva de visión de una persona. ¿Cómo se enfoca el hecho de tener que contar una historia desde el flamenco? DANZA MOBILE: El flamenco tiene la misma capacidad narrativa que cualquier otra disciplina escénica o incluso mayor, por su alta carga expresiva y

por la pasión. Tiene los recursos necesarios para contar una historia, siempre y cuando esté bien dirigido y no se traicione traicionar las señas propias de identidad del flamenco. ¿Cómo influye la puesta en escena de una dramaturgia tan marcada en una coreografía flamenca? Es un esfuerzo que a priori ata el proceso creativo, pero va despojándose de “vendas” que


ESPECIAL FLAMENCO

liberan tanto la puesta en escena como a los personajes en su interpretación. Partimos de esa idea como fuente de inspiración y llegamos a la conclusión que la vida es un continuo de pérdidas o ganancias según se mire. Perdemos juventud, belleza e incluso capacidades, pero aprendemos, maduramos y en definitiva “sentimos” durante el camino. Al igual que el personaje en el que nos inspiramos “el Ciego de la playa” fue capaz de superar su deficiencia, nosotros trasladamos esa barrera en una oportunidad para hacernos soñar en un mundo que no es negro a pesar de la oscuridad. La puesta en escena junto a la coreografía conforman el relato que le da un sentido global a la obra. Marcada gradualmente por distintos palos flamencos, cambios de luces y vestuario. Que va del negro espeso al color más vivo. De la incertidumbre y la desesperanza al optimismo y la superación. ¿Podéis explicar a quien no haya visto el espectáculo qué es lo que tiene de especial? De especial tiene el entusiasmo de dar a luz el primer espectáculo de José Galán. Compañía flamenca compuesta por artistas con y sin discapacidad, donde cada artista ofrece con generosidad todo su ser. Participando como pieza indispensable para construir una obra de arte. Y una “autenticidad” mágica. ¿Qué experiencia tiene Danza Mobile con el flamenco? En nuestro Centro de Formación impartimos un taller de danza española para personas con discapacidad intelectual. Además, hemos colaborado con la Bienal

de Flamenco: en 2004 con un taller de danza contemporánea y flamenca donde se integraron alumnos del colectivo gitano y bailarines de Danza Mobile; en 2008 con el estreno del espectáculo “Descompasaos” de Danza Mobile y “30 decibelios” de la Niña de los Cupones; y en 2010 organizamos el estreno del espectáculo “Cierra los ojos y mírame” y un taller-coloquio sobre Flamenco y discapacidad. ¿Qué aporta el flamenco a estos artistas y viceversa? Los artistas con discapacidad que participan en esta obra toman el flamenco con total naturalidad. Unos lo conocían de una forma más superficial y otros ya eran profesionales del flamenco. El flamenco ofrece lo mismo para

En el espectáculo flamenco de la Cía José Galán “Cierra los ojos y Mírame”, Danza Mobile trabaja con artistas con y sin discapacidad, como en el resto de sus espectáculos todos y según el caso escogemos lo que más nos interesa para manifestarnos artísticamente. Unos el baile, el cante o la música. Como a todos, nos facilita como medio comunicativo y la mejor forma que tiene una persona que siente el flamenco para expresarse con su cuerpo o su voz. Dentro del concepto de “Arte Integrado”, en

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este caso no solamente se trata de integrar artistas con y sin discapacidad sino también de integrar distintos géneros escénicos, equipos multidisciplinares, etc. Desde Danza Mobile habéis trabajado con muchos artistas de distintas disciplinas. ¿Qué tal la experiencia con el flamenco? Haciendo un paralelismo es lo mismo que le sucede a un profesor novato el primer día de clase cuando se enfrenta a unos alumnos que no conoce y son todos distintos. No por ello es condicionante, es cuestión de dedicación y valorar la diferencia. Por ello es una ocasión enriquecedora como coreógrafo, que no es lo mismo a que sea sencilla. No se trata de un ballet flamenco que busca la homogeneidad de un cuerpo de baile, es una compañía con diversidad que busca la heterogeneidad. El flamenco como lenguaje es múltiple, donde nadie habla igual aunque en el mismo idioma. Es personal e individual y es lo que lo hace rico en sabores. ¿Cómo es la aceptación por parte del público? ¿Y de los circuitos, festivales, etc? ¿Es fácil salir de gira con este montaje? El espectáculo “Cierra los Ojos y Mírame” ha sido muy bien acogido por el público que lo ha visto; hemos confirmado que el espectáculo se entiende perfectamente y llega al espectador. Y aunque actualmente no es nada fácil formar parte del cartel de un festival, y menos de un circuito, es algo que venimos haciendo con espectáculos de danza contemporánea desde hace ya años, y sin duda esperamos conseguirlo también con este espectáculo y con otros que puedan venir

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18 ESPECIAL FLAMENCO

LA SENSACIÓN DE LA TEMPORADA

CHONI DISFRUTANDO DE SU ÉXITO Y SU CREATIVIDAD

Se veía venir que Choni se deslizaría al territorio escénico. Quizás sea el caso más claro de una artista que, viniendo desde el flamenco, ha entendido el cruce de fronteras como algo natural. Tras colaboraciones memorables con otros proycetos (como “Malgama” de Varuma), montó su compañía, con la que ya cuenta con dos espectáculos. El último “La Gloria de mi Mare” es una de las senaciones de la temporada. ¿temporada flamenca, dancística, teatral? Da lo mismo, Choni ya ha roto todos las barreras.

LATEATRAL: Sin duda tu despegue como artista ha sido deslumbrante. ¿Cómo fueron tus primeros acercamientos al mundo de las artes escénicas?

Me hizo especial ilusión ver al Lope de Vega de Sevilla en pie

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CHONI: A mí misma me gustaría tener recuerdos más claros de esos comienzos, ya que llevo desde los seis años subiéndome a los escenarios. Bailaba en verano en el bar Alfonso, en el Parque de Mª Luisa, con mi primer maestro Antonio Zarandilla. Cuando estaba en el conservatorio hacíamos finales de curso bajo la dirección de Juan Morilla y nos salían actuaciones. Desde el principio siempre me ha llamado la atención hacer cosas diferentes, tenía curiosidad y muchas ganas de aprender de todo. Ya hice mis primeros pinitos en el teatro-danza con Cécile Apsara que me ofreció un papel en “Secret Arias”. Ahí descubrí que me gustaba “interpretar” el baile y contar cosas.

La gloria de mi mare es sin duda uno de los espectáculos de la temporada. De todos los sitios donde has estado, ¿hay alguno que te haya hecho especial ilusión? A mí me hace ilusión subirme al escenario siempre, en cualquier teatro, cualquier circuito… y disfruto mucho haciendo de Estrellita Jiménez. Es cierto que hay sitios que tienen cierta repercusión en cuanto a la crítica y o la distribución, y por tanto quizás tengas más responsabilidad, como la Bienal de Flamenco de Sevilla, el Festival de Jerez o la Muestra de Teatro de El Puerto. O el Teatro Lope de Vega de Sevilla, un sueño para toda bailaora sevillana que ya había pisado como miembro del cuerpo de baile de otras compañías, así que hacerlo con mi propia compañía… Ese Lope de Vega en pie aplaudiendo me hizo especial ilusión.


ESPECIAL FLAMENCO

Es fácil si se deja conocer. Por lo general el artista de flamenco es más cerrado, es como si tuviéramos más prejuicios y más miedo a lo desconocido, a tambalear si se nos saca de lo que nos sale bien. El artista flamenco siente admiración por lo se hace en otras disciplinas, pero le cuesta meterse de lleno a trabajar en ellas. Pero hay que dar con personas de las otros ámbitos que te hagan ese encuentro fácil y esa búsqueda sea gratificante. Yo he tenido la suerte de cruzarme y conectar con Manuel Cañadas y Juanjo Macías y ese viaje al contemporáneo y al teatro ha sido una gozada.

Empecé a bailar con seis años, y siempre me interesó hacer cosas diferentes. ¿Qué fue lo que te llevó a investigar un lenguaje mixto? Mi objetivo siempre ha sido avanzar personal y profesionalmente, aprender más, con todo el riesgo que ello conlleva. La vida ha ido poniéndome en mi camino a personas inquietas y afines como Jorge Barroso “Bifu” (director de mi primer espectáculo “Tejidos al Tiempo”) y Raúl Cantizano (mi guitarrista y director musical). Conocer a Raúl Cantizano ha sido un sido un antes y un después en mi carrera. No he conocido a una persona más inquieta e inconformista y más aficionada al flamenco y a la música en general. A través de Raúl conocí a Bifu, que estaba buscando bailaora para su

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espectáculo “Malgama”. Y ya a partir de ahí no he podido evitar tener un lenguaje mixto porque me cruzo con personas que son mixtas... Colaboras con otros proyectos, artistas y compañías... Sigo colaborando con “Bifu” en Sinónimos Flamencos, por ejemplo con la “Pieza nº9”, junto a la cantaora Rosa de Algeciras, que está dentro de una serie de performances de “El Síndrome Stendhal” (en noviembre en el Mes de Danza). También he colaborado con Manuel Lombo en su espectáculo “Lombo Flamenco”, donde hago unas alegrías con bata de cola y mantón. Y no hago más cositas porque estoy liada con mi gira si no, yo suelo apuntarme a un bombardeo. Todo ello me aporta experiencias, emociones, sensaciones nuevas que me sirven para enriquecerme personal y profesionalmente. ¿Y qué crees que aportas al mundo del flamenco y/o de las artes escénicas?

FOTOS: Felix Vázquez

¿Crees que es fácil que un artista flamenco comience a trabajar en nuevas líneas?

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Me gusta trabajar en equipo y pensar en los espectáculos en su conjunto.

Aportar han aportado todos los grandes, desde Vicente Escudero a Mario Maya. No sé si yo aporto algo. Me gusta trabajar en equipo y pensar en espectáculos que sean espectáculos en su conjunto. Me gusta la honestidad, la sinceridad, la verdad, la sencillez, la humildad. Quiero emocionarme y emocionar. Si esto les sirve de guía a compañeros me sentiría muy dichosa. Con estos ingredientes tengo el equipo que tengo y dos espectáculos “Tejidos al Tiempo” y “La Gloria de mi mare”. Tengo el Giraldillo Revelación 2008 con el primero y el Premio Público de Chiclana de la Frontera con el segundo y unas críticas increíbles en los dos. Creo que entonces no ha salido muy mal, ¿no?

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20 ESPECIAL FLAMENCO

FOTO: B&M en EL MAGO DE OZ

La unión de las compañías BUHO TEATRO Y TEATRO DE LAS MARAVILLAS hoy en día es sinónimo de espectáculos de flamenco con títeres, para todos los públicos, sobre todo a partir de la enorme aceptación de Los músicos de Brenes. Ahora, con su nueva creación El Mago de Oz esperan repetir éxitos. Sus directores Juan Luis Clavijo y Jesualdo Díaz contestaron a nuestras preguntas.

“ BUHO & MARAVILLAS

EL FLAMENCO GUSTA A TODO EL MUNDO Y TAMBIÉN A LOS NIÑOS

LATEATRAL: ¿Cómo empezasteis a trabajar con flamenco? B&M: Fue algo un poco casual. Coincidió una época en la que ciertos profesionales nos habían sugerido, o dejado caer, que por qué no trabajábamos en esa línea y al mismo tiempo empezamos a conocer gente del mundillo del flamenco fusión. Además, vimos que podíamos presentar un espectáculo no a las ayudas de producción de espectáculos teatrales, sino a las ayudas de flamenco, una nueva e interesante vía. ¿El hecho de trabajar para niños supone una diferencia? La clave es saber contar teatralmente una historia que les llegue y que el flamenco no esté metiLATEATRAL

do con calzador, sino que fluya dentro de ella. Las letras de las canciones, por ejemplo, siempre cuentan parte de la historia y los palos flamencos se van eligiendo en función de la dramaturgia del espectáculo. El flamenco tiene que ser muy cercano y en cierto modo “suavizarlo” de vez en cuando. Para ello hemos contado con Esperanza Rueda, que nos decía cosas como “quita tanto quejío”, nuestra asesora pedagógica especialista en flamenco.

¿Cómo perciben los niños el flamenco?

¿Cuál es vuestra mayor preocupación a la hora de introducir flamenco?

Cuando viene un flamenco a vernos lo habitual es que le encante la propuesta. Normalmente, eso sí, nos movemos en circuitos más teatrales que flamencos, pero para el año que viene por ejemplo vamos a Mont de Marsan, uno de los festivales flamencos más importantes de fuera de España

Lo más importante fue que el flamenco estuviera buen cuidado, que hubiera rigor y calidad de modo que “pasara la prueba” de los puristas.

El flamenco tiene algo especial, que le gusta a todo el mundo y no es casualidad... y a los niños también les gusta. Si das buen flamenco, gusta en Andalucía... pero fuera gusta igual, en toda España y en el extranjero. No es una cuestión territorial. ¿Qué opina el mundo del flamenco de vuestras propuestas?

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22 ESPECIAL FLAMENCO Director de Varuma Teatro.

JORGE BARROSO BIFU

REBELDÍA FLAMENCA La conexión personal de Bifu con el flamenco lo llevó a Malgama, uno de los primeros espectáculos que fusionaron circo y flamenco, y sin duda uno de los espectáculos más recordados de la última década. Desde hace unos años tira del carro de Sinónimos Flamencos, que entre otras cosas produce y distribuye todo un catálogo de piezas flamencas de especial ubicación, abriendo la puerta a otros creadores que, junto a él, coquetean con la performance, el arte de acción, el humor, el teatro o... las artes marciales. Verídico.

Lo raro es que yo haya salido saltimbanqui y no flamenco

LATEATRAL: ¿Esperabas el éxito de Malgama? BIFU: Nunca espero el éxito de ninguna de las obras que dirijo. Aunque sabía que el espectáculo daría que hablar, o para bien o para mal, porque abríamos nuevos caminos. Lo cómodo sería estar haciendo siempre lo mismo, pero me aburre. Para mí, el arte debe ser subversivo y estar en continuo movimiento. ¿Por qué metiste flamenco en el circo? Vengo de una familia flamenca y se me inculcó desde muy pequeño y lo raro es que saliera “saltimbanqui” y empezara por el teatro de calle y el circo y no por el flamenco. Entonces vi claramente varias imágenes en mi cabeza que me hicieron idear una fusión de estos dos géneros, a priori tan

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dispares. Los espectáculos surgen del conocimiento de lo vivido, de las circunstancias del individuo… Y mi circunstancia era que estaba cerca de estos dos gremios. Parecía una locura, pero estamos en un mundo globalizado y encontrar este tipo de fusiones no es extraño. Finalmente salió una “amalgama” maravillosa que pareció agradar a todos y que hasta la fecha ha obtenido 7 premios y más de 160 representaciones. ¿Qué es Sinónimos Flamencos? Sinónimos Flamencos es una productora/distribuidora de flamenco. El concepto surge, curiosamente, en una rueda de prensa, en la que me comentaron que eso que yo hacía no era flamenco, a lo que contesté que si no era flamenco, era claramente un sinónimo de éste. Y en rebeldía, se quedó como nombre de la productora. De esa manera


ESPECIAL FLAMENCO

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FOTOS: MALGAMA

El flamenco nunca pierde su esencia, lo pongas donde lo pongas Varuma Teatro no se encasillaba en el flamenco, ésta debía ser multidisciplinar y abierta a cualquier género de las artes escénicas o movimiento artístico. Sinónimos Flamencos es un rincón donde puedo investigar y trabajar sin recortes, mostrarme tal y como soy, sin ningún tabú, sin ninguna acotación, sin ningún texto ni pretexto… simplemente mostrar lo que siento con plena libertad. ¿Los artistas flamencos se prestan a todo tipo de propuestas de riesgo? Imagino que es como en cualquier otro arte. Algunos sí y otros no. He conocido algunos de los que “no” para convertirse en los que “sí” porque entendieron la propuesta. Es muy duro comenzar de nuevo, y quiero decir con esto que cuando ciertos artistas quieren salir de su cotidianidad y para ello deben

aprender otras disciplinas, estudiar y demás, y ven que no les sale a la primera, se vienen un poco abajo y deciden no entenderlo y seguir con lo suyo que saben hacerlo muy bien. U otros que simplemente no están interesados. Pero, y esto ya es una cuestión personal, creo que el artista, cualquier tipo de artista, debe comprender, admirar y aprender otras ramas artísticas. No será mejor persona, ni mejor artista, pero sí más completo. ¿Es más fácil que un teatrero juegue con el flamenco o que un flamenco trabaje desde una perspectiva escénica? En ninguno de los casos es fácil. Si a un flamenco le pedimos que recite o interprete un texto, seguramente lo hará igual de mal que si a un actor le pedimos que dé “una pataita”. La cuestión es en qué grado nos introducimos en

campo ajeno, y éste debe ser leve, si antes no hay una preparación y estudio de lo que vayamos a tratar, ya sea flamenco, o interpretación, pantomima o danza contemporánea… Debemos trabajarlo desde el respeto y la honestidad. ¿Crees que el flamenco es compatible con todas las artes? Es un género muy moldeable y adaptable. Además tiene una cosa innata, y es que lo pongas donde lo pongas, no pierde su esencia. Su arte es continuo, evolutivo y cambia con el transcurso del tiempo. ¿Qué es lo puro en el flamenco? El flamenco viene del extenso mestizaje cultural que se dio en nuestra comunidad, así que es un poco de todos ellos, y a la hora de volverlos a unir, para nada es complicado. Su riqueza conecta claramente con otras artes, por su diversidad.

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24 ESPECIAL FLAMENCO El atrevimiento de

FOTO: LUIS CASTILLA

MARCO VARGAS Y CHLOÉ BRÛLÉ

PIONEROS EN LA VANGUARDIA

Sorprendieron en el mundo de la escena hace seis años con Las 24, un espectáculo para espacios singulares que visitó todo tipo de festivales: de artes de calle como Valladolid o de danza contemporánea como

el Mes de Danza de Sevilla; daba igual, la sorprendente irrupción de un flamenco diferente, narrativo y contemporáneo, con una estética sobria y pasional, rompió esquemas y sirvió de plataforma de despegue

para una compañía que desde entonces solo ha hecho crecer artísticamente. Con esos momentos iniciales y pioneros en nuestra mente, nos dirigimos ahora en este especial a estos dos creadores.

LATEATRAL: En cierto sentido habéis sido pioneros. Muchos de los “teatreros” vieron propuestas de fusión con flamenco y danza contemporánea por primera vez gracias a vosotros. ¿Cómo fueron las primeras reacciones?

Para nosotros “lo contemporáneo” es crear, aportar algo personal en el lenguaje artístico, no solo reproducir. La contemporaneidad nos permite contar y transmitir nuestras propias ideas y preocupaciones. Una vez que uno empieza, da la sensación de que la investigación hacia lo contemporáneo es imparable. Para nosotros el flamenco no es una atadura, sino un campo abierto; nos alimenta y nos orienta, nos da libertad. A partir de él vamos a cualquier lado.

con calle. ¿Esa ambivalencia tiene alguna intencionalidad concreta?

M y C: Es verdad que no teníamos ninguna referencia cuando empezamos nuestra búsqueda juntos en 2005, pero quisimos que los movimientos estuvieran al servicio de nuestro discurso, de la dramaturgia, de lo que queríamos contar, y quizás esto es lo que nos une al lenguaje teatral. Las reacciones fueron positivas, la gente se identifico con nuestras propuestas y fue un aliciente para seguir nuestra linea de trabajo. ¿Por qué dais el paso hacia lo contemporáneo desde el flamenco? LATEATRAL

¿Cuáles son los principios creativos en los que os basáis y en los que creéis? Curiosidad, honestidad, intuición y libertad. Fuera prejuicios, y ¡¡¡muchas ganas!!! Combináis trabajos de interior

Trabajar en espacios singulares es parte importante de nuestra búsqueda artística: nos saca de una cierta comodidad y nos provoca sensaciones distintas a las de un interior convencional. Es un reto físico y creativo. Es enriquecedor a todos los niveles. ¿Tenéis nuevos proyectos en preparación? Siempre tenemos proyectos en el tintero esperando la oportunidad de realizarlos. Actualmente estamos colaborando con una compañía francesa en una adaptación para danza de una obra de Bernard-Marie Koltès que se estrenará en Francia en enero 2012

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26 ESPECIAL FLAMENCO Un icono vivo en movimiento

ISRAEL GALVÁN

Si pensamos en un artista flamenco rompedor, en un balaor inclasificable, innovador, en el talento y el sentimiento personificados, sin duda estaremos ante Israel Galván. Precursor de este nuevo flamenco transfronterizo, pero siempre desde el propio flamenco; creador inteligente, pero siempre desde la emoción. Con Israel Galván no existen los límites, ni geográficos (hace poco lo aclamaban en Australia), ni artísticos, aunque nunca pierde el equilibrio y, aunque mire de frente cualquier disciplina, desde la danza butho al hip-hop, siempre, siempre sabe dónde está su sitio.

FUNAMBULISMO FLAMENCO LATEATRAL: ¿Cres que existe el nuevo flamenco o el flamenco contemporáneo? ISRAEL: Yo creo que existe la palabra “flamenco” y que cada crítico es libre de buscar etiquetas. Lo grande del flamenco es que cada artista flamenco es o puede ser un mundo aparte, lo que sí es cierto es que algunos pueden convertirse en fuentes y abrir nuevos caminos. También es verdad que hoy en día casi prima más la dirección escénica que la interpretación, pero al mismo tiempo hay muchísima libertad de movimientos y muchas nuevas vías en sí, pese a que lo más importante no son esas vías; lo más importante sigue siendo la capacidad de transmitir. Hablas de que algunos flamencos LATEATRAL

se convierten en fuentes o influencias. ¿Cuáles son las tuyas? Está claro que Enrique Morente ha señalado nuevas formas de hacer las cosas. Aunque yo pienso que me nutro de todas las personalidades. Hay grandes fuentes de las que beber, pero hay otros artistas con los que te alimentas, digamos, con un “chorrito”. Mi estilo es fruto de beber de muchas aguas para luego sudarlas desde mí mismo. ¿Y esas aguas de las que bebes están también fuera del flamenco? En el propio flamenco surgen cosas nuevas o descubres nuevas cosas que antes no veías en los flamencos, pero es cierto que de todos los artistas de otras disciplinas puedes llevarte cosas y

En el flamenco cada artista puede ser un mundo aparte traerlas a tu terreno. A mi me da igual ver un movimiento integrable en mi trabajo que venga del butho, de la danza hindú o del hip-hop, lo importante es que la tradición esté presente en mi arte, al fin y al cabo los movimientos son solo eso, movimientos. ¿Crees que un artista flamenco ha de conocer de otras artes para poder arriesgar? Creo que lo interesante es que se vean muchas cosas y no se opte por hacer malas copias, sino por hacer algo desde dentro que sea


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FOTOS: ISRAEL GALVÁN en distintas situaciones

diferente, pero no diferente a lo visto en flamenco, sino diferente a cualquier otra creación artística, del género que sea. En el caso del uso de la escena, yo opto por utilizarla solo si es necesario para que un espectáculo crezca, pero no creo que sea imprescindible siempre trabajar con conceptos escénicos. ¿Alguna vez has sentido rechazo a tus propuestas? Tal vez un poco en los comienzos, pero ahora me siento aceptado en todos los contextos: flamencos y no flamencos. También pienso que ahora transmito mejor y bailo muy cómodo tanto en un tablao como en un festival de danza contemporánea. Otra cuestión es que también hay que saber elegir el espectáculo de

mi repertorio que va mejor en cada sitio. ¿Alguna vez has temido perder el espíritu o la raíz flamenca? Lo cierto es que hay que estar alerta para guardar siempre el equilibrio, y no por el qué dirán de críticos o compañeros, sino porque yo soy bailaor, y solo siendo bailaor sé hacer bien mi trabajo. Y claro, cuando haces un movimiento nuevo hay una línea muy fina que te puede llevar a otro terreno que no es el tuyo. Hay que ver esa línea para no traspasarla, aunque al mismo tiempo hay que estar abierto a que te salgan cosas que ni tú esperas. En parte es como un funambulista que parece que se va a caer, pero siempre vuelve al equilibrio

Lo interesante es hacer cosas diferentes, no a lo que se haya hecho en flamenco, sino cosas que no se hayan hecho nunca, desde ninguna disciplina artística

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28 ESPECIAL FLAMENCO

ROSALÍA GÓMEZ Nueva directora de la Bienal de Flamenco de Sevilla, ante las nuevas tendencias

“EL FLAMENCO SE JUEGA EN LOS TEATROS”

En apenas una hora de conversación salen a la palestra Peter Brook, Bob Wilson, Eugenio Barba o Grotowski. Rosalía Gómez, primera mujer al frente de la Bienal de Flamenco, es una experta en Flamenco, pero sobre todo es una amante de la escena, de la danza y del teatro. Por eso, nuestro tema acerca del abordaje escénico del flamenco no le suena a nuevo. Más bien todo lo contrario. Por» Gonzalo

Pastora Galván Archivo Fotográfico Bienal de Flamenco FOTÓGRAFO: Luis Castilla

LATEATRAL: ¿Crees que ha cambiado algo en el flamenco? ROSALÍA: Por supuesto que sí. Pero es algo que viene sucediendo desde finales de los setenta y principios de los ochenta. Salvador Távora, con “Quejío”, ya mostró un flamenco telúrico y simbólico, cargado de imágenes potentes y de contenido. Mario Maya utilizó el teatro hablar de los gitanos y Gades se centró en coreografías que buscaban la esencia del movimiento. Y podríamos hablar

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Andino

del papel de Teatro Lebrijano, con Juan Bernabé a la cabeza. Son todos pioneros al mostrar que el flamenco forma parte de la identidad andaluza, tras una utilización superficial y folclórica durante el franquismo. ¿En los últimos años hay cambios? También, porque el Flamenco es un arte vivo y pese a tener semejantes raíces no se ha fosilizado. Los propios flamencos ya no responden al cliché de per-


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QUEJÍO, de La Cuadra, un espectáculo pionero. FOTÓGRAFOS: Miguel García, Mario Abate y Barceló

sonas desastrosas, metidas en el underground y con problemas. El artista flamenco, sobre todo si es joven, escucha de todo, ve de todo, usa las nuevas tecnologías, etc. Entonces ese cambio no solo es en lo artístico...

“El baile flamenco está en auge en todo el mundo y muchos quieren subirse al carro”

Efectivamente. Es un cambio en gestión, estructuras, perfiles profesionales, mentalidad... Ahora hay empresas distribuidoras, diseñadores de iluminación (antes era imposible que te pasaran un diseño de luces), profesionales de la comunicación, vestuaristas... Y todavía queda mucho por hacer.

etc. Obviamente se han perdido cosas, como en todos ámbitos de la vida, pero así es el tiempo, que no podemos pararlo. Pero el nuevo flamenco también tiene cosas positivas.

Y respecto a lo artístico, a esa evolución hacia la escena, ¿qué opinión te merece? Porque hay flamencos que critican que sin un director de escena en muchos sitios ya ni te atienden.

La Bienal reflejará la situación del flamenco en ese momento con la gente que esté en activo y haciendo cosas interesantes. También habrá ecos del pasado, por supuesto, pero el flamenco, como decía Enrique Morente, es y será “lo que los flamencos quieran que sea”.

Hoy en día el flamenco se juega en los teatros; un escenario tiene sus reglas, y hay que cumplirlas. Tiene que haber un responsable de esa puesta en escena, tiene que haber una iluminación profesional y artística, hay que vestir bien... Es cierto que esto está costando mucho a ciertos artistas, aquellos no acostumbrados a trabajar con constancia, a ensayar, los reacios a los cambios,

¿Cómo reflejará la Bienal esta realidad?

¿Ves algún riesgo en esta nueva manera de enfocar el arte flamenco? Básicamente veo dos peligros: la confusión y la banalización. Algunos artistas han confundido las cosas, dedicándose a lo que no son, pero de una manera muy

superficial y sin creerse lo que se están haciendo. Otros, han cosiderado que, al ser buenos cantaores o bailaores, tienen capacidad para montar compañía y contratar a los directores, compositores o coreógrafos adecuados, y a veces esto no es así. El baile flamenco está en auge en todo el mundo, y muchos se quieren subir a este carro. Por otro lado, se está vendiendo mucho humo, como digo, se está banalizando en lugar de evolucionando. Por ejemplo, cuando se quiere contar una historia a través del flamenco, si no se tienen las ideas claras lo que se termina haciendo es sobreactuar, no emocionar. ¿Qué papel juega la Bienal en esta evolución? Sin abandonar la lucha por la dignificación del flamenco y por ponerlo en su sitio, lo cierto es que ya hay mucho caminado en ese sentido y ahora hay que plantear nuevos retos. Que la Bienal sea un punto de encuentro, donde los creadores y los artistas puedan ver qué se está haciendo, donde surjan nuevos proyectos in situ, por ejemplo. El artista flamenco ha estado aislado durante mucho tiempo, y solo ahora, y solo algunos, empiezan a interesarse por ver el trabajo de los demás, o por ir más allá y ver de todo: teatro, danza, música...

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30 ESPECIAL FLAMENCO Directora del Mes de Danza.

MARÍA GONZÁLEZ

FLAMENCO CON LIBERTAD O LA TRADICIÓN DEL FUTURO Queríamos finalizar este especial de flamenco y escena con las palabras de alguien experto en la materia, alguien que lo viva de cerca pero con objetividad. Teniendo en cuenta que el Mes de Danza, que además está a punto de llegar (del 28 de octubre al 20 de noviembre), ha sido uno de los festivales pioneros en introducir a toda una nueva hornada de creadores flamencos con amplitud de mira, María González, su directora, nos pareció una invitada de lujo. Ella nos acompaña ahora para, con sus sabias palabras, rematar este completo repaso por los nuevos lenguajes que van incorporándose al arte flamenco.

FOTO: MARÍA GONZÁLEZ presentando el MES DE DANZA Autor: Luis Castilla

El baile flamenco está revolucionando las artes escénicas LATEATRAL

No cabe duda de que en los últimos años el baile flamenco está revolucionando el panorama de las artes escénicas y del flamenco. Del cante, del toque y del baile, este último es el que, con mayor fuerza, sin complejos ni tabúes, se ha apropiado de un gran espacio de libertad tanto en las nuevas formas para el movimiento como en el estar en el escenario. Y en ese nuevo estar en el escenario ha arrastrado al toque y al cante. El baile mira al flamenco con libertad.

Esta ya no tan nueva generación de bailaores/coreógrafos se autoafirma como creadores de su tiempo. Afirman que el Flamenco es un arte que también puede y debe transformarse. Con estas premisas, se han abierto a nuevos horizontes ampliando su formación flamenca con otras técnicas coreográficas e interpretativas. Especialmente seducidos por la danza contemporánea, que les ofrece un campo de experimentación y de libertad acorde a esta nueva visión del flamenco, ya es


ESPECIAL FLAMENCO

habitual ver espectáculos fruto de la colaboración entre contemporáneos y flamencos. El bailaor, en este nuevo modelaje del cuerpo con forma de flamenco rompe con su baile frontal y baila de perfil, de espaldas y como sea necesario para expresar. Ampliando este espacio de libertad, nutren su imaginario no sólo y exclusivamente de la tradición. Cuestionan estos códigos que conforman la tradición para encontrar nuevos significados acordes a cada una de sus personalidades. La tradición entendida como transmisión pretende ser liberada y liberadora. En este buceo por las raíces y los orígenes en búsqueda de nuevas formas y movimientos, también viene siendo habitual la colaboración entre el baile flamenco y otras formas coreográficas arraigadas a sus raíces como pueden ser el katakali o la danza derviche. El conocimiento como medio para incorporar libertad de expresión en el baile y enriquecer el Flamenco Nutrido de estos nuevos elementos, el baile incorpora poética, estética y conceptos artísticos que requieren de una nueva dramaturgia. Un nuevo uso de la escenografía, del vestuario, de la música y de la iluminación o la incorporación de elementos visuales y de espacios sonoros se convierten en herramientas para la elaboración de la dramaturgia. Los guitarristas, cantaores, palmeros (¡¡a veces aún a su pesar!!!) ya no son meros acompañantes del baile sino que forman parte íntegra de esta nueva dramaturgia. Y las figuras del director de

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Guitarristas o palmeros ya no son meros acompañantes, participan de la dramaturgia escena, del iluminador, del escenógrafo etc.. se hacen cómplices imprescindibles en la construcción de estos nuevos códigos. Otra novedad aportada por el baile flamenco a las artes escénicas ha sido el empezar a pensar el espectáculo flamenco para espacios singulares, para espacios urbanos. Las especificidades técnicas o espaciales del espacio singular en lugar de convertirse en limitadoras se hacen liberadoras para conformar un nuevo espacio escénico y un lenguaje coreográfico específico. El entorno y los elementos arquitectónicos ofrecidos por el espacio se incorporan a la pieza como un valor añadido. Marco Vargas y Chloé Brûle convierten una mesa en un tablao, el colectivo Flo 6x8 hacen de los cajeros y los bancos su escenario en una reivindicación social, Ángeles Gabaldon se acompaña del DJ Dr. Guassa, La Choni convierte un armario en un espacio de baile e Israel Galván recrea una y otra vez su solo en función del espacio singular que se le proponga y los elementos que allí encuentre.

ARRIBA: MARÍA GONZÁLEZ en una ponencia ABAJO: Apuestas del MES DE DANZA por el flamenco contemporáneo y en espacios singulares

Con esta nueva mirada, en un viaje desde lo interior a lo exterior y viceversa, el baile flamenco de hoy cuestiona y genera una mirada diferente sobre el Flamenco. Hace estallar todos los tópicos en una urgencia por estar en el mundo

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32 ACTUALIDAD

TITIRITEROS SOLISTAS EN ÉCIJA A la Sombrita Teatro lleva al MITSOL a su cuarta edición en diciembre

El compromiso artístico es una de las pautas del CENIT

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a está confirmado, habrá cuarta edición de MITSOL, la Muestra Internacional de Titiriteros Solistas Ciudad del Sol de Écija, del 9 al 18 de diciembre. No se ha cerrado aún la financiación al 100%, pero Luz Riego, de la compañía A la Sombrita afirma contundentemente: “de la forma que sea, habrá festival, no se perderá”. A falta de recibir numerosas respuestas por parte de distintas entidades colaboradoras, Luz Riego nos cuenta que “el festival lo visitarán compañías andaluzas y nacionales, y algún componente internacional”. La programación de espectáculos, que se desarrollará en

dos fines de semana, también se acompaña de un taller para familias. Además, para este año ya hay tres importantes actividades confirmadas. La primera, la inauguración de la nueva Salita Pocas Luces, que se traslada de una nave a las afueras de Écija al Centro Comercial Las Torres, más céntrico. Será el 9 de diciembre, coincidiendo con el arranque del festival. Además, UNIMA Andalucía celebrará un congreso, en el segundo fin de semana del festival, en las mismas fechas que el II encuentro de emprendedores de artes escénicas

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DIRECTORIO DE COMPAÑÍAS

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DIRECTORIO DE COMPAÑÍAS

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34 REPORTAJE

DANZA MOBILE Y SU UNIVERSO “MOBILE”

CÓMO LLEGAR AL ARTE INTEGRADO

DANZA MOBILE NO ES UNA COMPAÑÍA MÁS. PERO ADEMÁS, NO SOLO ES UNA COMPAÑÍA. ES UN CENTRO DE FORMACIÓN, ES UN ESPACIO PARA LA INTEGRACIÓN, EL CORAZÓN DE UN FESTIVAL, EL MOTOR DE INNUMERABLES PROYECTOS. Texto»

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lego al local de Danza Mobile y parece la Torre de Babel. “Es un intercambio europeo con nuestro grupo, uno italiano y otro griego”. Un grupo de alumnos, con síndrome de down, salen de un aula y entran en otra. Dos monitores hablan en inglés. Bullicio. Los proyectos internacionales son uno de los fuertes de Danza Mobile. Esmeralda Valderrama y Fernando Coronado, quienes me atienden en un despacho inusualmente ordenado, hacen LATEATRAL

LaTeatral

continuas referencias de proyectos, compañías, festivales y colectivos extranjeros. “Pero este centro es muy particular”. Se refieren al concepto de grupo estable y al centro de formación. 23 alumnos con discapacidad intelectual, casi todos desde hace más de una década, pasan 30 horas a la semana formándose en distintas materias artísticas. Salen del total sedentarismo -grave problema para los que padecen síndrome de downo de los trabajos mecánicos para

crecer como personas en un entorno artístico. O incluso para crecer como profesionales de la escena, ya que para Danza Mobile este centro es un “cásting continuo” que les permite tener artistas en plena forma y en evolución y aprendizaje constante. De ese cásting continuo también participa la escuela de danza, que funciona por las tardes y que cuenta con alumnos desde los tres años, edad con la que “ya empiezas a ver bailarines en potencia”. Algunos de los alumnos


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La integración de artistas con y sin discapacidad es una de las máximas de Danza Mobile En el centro y en página izquierda: José Manuel Muñoz, mencionado en este reportaje

de la tarde terminan en el centro ocupacional, dedicando su tiempo y su vida a un objetivo artístico. “Al principio, cuando solo éramos escuela, formábamos en cuatro meses y más que un espectáculo hacíamos un final de curso en escena”, cuenta Esmeralda. Ahora, sin embargo, reivindican a su elenco, porque los han visto crecer y saben que los montajes de Danza Mobile están a la altura de cualquier otro proyecto profesional y por ello entran en circuitos, festivales y teatros “normales”. José Manuel Muñoz, por ejemplo, es un artista nacido con la propia Danza Mobile. 17 años acompañando cada paso, cada nueva idea. Ha subido al escenario más de 350 veces. Ha viajado con la compañía a Gales, Italia, Turquía o Francia. Pasa más tiempo con su familia “Mobile” que con cualquier otra persona. Da consejos a los nuevos

directores o actores. Textos suyos forman parte de un espectáculo de la compañía. Da la bienvenida al local a quien no conoce. Su vida no se entendería sin este proyecto. Para llegar a los niveles de calidad las colaboraciones son de absoluto lujo. “Aquí hay quien llega y plantea una línea de trabajo nueva, un nuevo espectáculo, una nueva locura”, nos dice Fernando. Así pasó con Nicolás Nishiky, creador y encargado de la sección de artes plásticas. Juanjo Macías, Javier Osorio, Javier Leyton, Manuel Calleja, Ramón Perera, Arturo Parrilla, Julio Fraga o Manuel Cañadas, son algunos de los profesionales de la escena que han trabajado en los montajes de Escena Móbile. Dos de ellos, “Cierra los ojos y mírame” y “Dame un segundo” los mantienen en cartel, junto con “Descompasaos”, que se despide de las tablas justo ahora, con la gira por el circuito Abecedaria. El

próximo espectáculo llevará el sello del bailarín y coreógrafo Fernando Lima, algo que ya le añade muy, muy buena pinta. Con la idea de diversificar, porque el mundo es diverso, como las personas con discapacidad, tantas veces tratadas como conjunto y tan pocas individualizas y entendidas como personas con sus características propias, Danza Mobile se expande también a otras áreas. Además del conocido festival Escena Mobile, o del certamen de cine y discapacidad Cine Mobile, han desarrollado un área audiovisual, con la producción de varios cortos y hasta la edición de un disco, realizan exposiciones y expanden su actividad formativa, colaborando con universidades, realizando cursos de todo tipo (incluso de “Lenguaje de signos coreografiados”) y por todas partes. Normalizando, integrando y superándose a sí mismos y a las circunstancias

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36 REPORTAJE

OFRECIENDO SOLUCIONES SIMPLIFICANDO LA GESTIÓN GESTORA DE NUEVOS PROYECTOS, SERVICIOS INNOVADORES PARA AYUDAR AL ARTISTA

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a lo dice el refrán: no conviene empezar la casa por el tejado. Para evitar ciertas situaciones poco deseables, como la creación de estructuras más grandes de las necesarias o, lo que es peor, el trabajo en situación irregular, nace GNP (Gestora de Nuevos Proyectos SL), hace ya cuatro años. La filosofía general de la empresa, según Montse Pérez, es bien simple: “ayudar a dar estabilidad a los artistas, al mundo del espectáculo”. Y los servicios concretos con los que conseguirlo LATEATRAL

más tranquilo respecto a la gestión de sus resultados creativos.

tienen mucho que ver con la regularización del sector y con evitar los quebraderos de cabeza que tantas veces provocan el desaliento en los creadores. Con GNP el artista puede dedicarse a lo suyo, y vivir un poco

GNP basa buena parte de su trabajo en actuar, literalmente, como empresa para compañías, artistas, músicos, etc. Es decir, un artista o colectivo de artistas, por ejemplo una compañía teatral, tiene básicamente tres opciones: hacerse empresa, intentar “trampear” o trabajar con servicios como los que se propone, que no son ni más ni menos que actuar como empresa


REPORTAJE

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GNP SON: DE IZQUIERDA A DERECHA: MUJERES: Cristina Borras, Toñi Sánchez, Montserrat Perez, Marivi Martínez, Eva Araujo y Belén Morales. HOMBRES: Luis Román, Julio Erostarbe Ballesteros, Gonzalo Soto y Julio Erostarbe Pérez.

GNP ACTÚA COMO EMPRESA PUENTE Y DA DE ALTA A LOS ARTISTAS EN LA SEGURIDAD SOCIAL, FACTURA POR ELLOS, CUBRE CON SEGUROS DE ACCIDENTES Y RESPONSABILIDAD CIVIL, ETC. puente. Así, si la compañía o artista consigue vender una función, GNP aporta toda la cobertura legal y administrativa dando de alta a los actores, cotizando en la seguridad social, pagando a la AEAT las retenciones de IRPF, asumiendo el riesgo empresarial de firmar los contratos de representación o actuación en nombre de los propios artistas, cubriendo con un seguro de responsabilidad civil, otro de accidentes y un plan de prevención de riesgos laborales, cualquier riesgo

asociado, emitiendo y presentando las correspondientes facturas con el consiguiente seguimiento de cobro. Y todo eso, una vez cubiertos los costes de seguridad social y de Hacienda derivados de la contratación del personal, con un recargo para el artista de apenas un 3%, sin cuotas de inicio o mantenimiento ni ningún otro gasto de carácter periódico. Por eso pueden afirmar “que si el artista trabaja, todos trabajamos, y si no, los gastos desaparecen”.

la propia administración pública”. Por tanto esta larga trayectoria de cercanía y conocimiento de esta realidad, no ha supuesto sino ventajas para el artista, pues en GNP se habla su mismo lenguaje, y se tienen referentes comunes. “Cuando un artista viene a nosotros, apenas empieza a contarnos sus problemas sabemos lo que necesita, y si no se le puede dar respuesta por GNP, es GU la que le ofrece la solución, o al contrario”.

Montse Pérez incluso bromea con un aspecto que, en el fondo, es bien serio: “Desde GNP estamos regularizando la situación de un grupo muy importante de artistas que han confiado en nosotros, estamos sacando de la economía sumergida mucha, mucha actividad”. Casi, se podría decir, que hacen un servicio en el que todos salen beneficiados, pues se consigue que el cliente contrate con seguridad, los artistas salgan de la precariedad e inestabilidad propia de las situaciones irregulares, el Estado aumente su recaudación por Irpf y las cotizaciones a la seguridad social, y por último la sociedad entera haciendo posible la difusión de la cultura de un modo sencillo y sostenible. En definitiva “conciliando dos mundos con realidades casi enfrentadas, la del sistema y la del artista”.

Montse incluso hace referencia a la lealtad de la gente de la cultura-, pues indica que son “gente noble”, y que ya quisieran otros muchos gremios tener la calidad humana que tiene el mundo de las artes escénicas.

Cabe preguntarse cómo se llega a montar una empresa de este tipo. Montse nos da la clave, afirmando que “llevamos 25 años en esto como GU (Gestiunión Asesores SL), una asesoría que pronto se especializa en el servicio a las empresas del sector de la cultura, y desde la que se conocen y detectan las peculiaridades y necesidades que les son propias al mismo. Así se crea GNP, como respuesta necesaria ante una realidad desconocida u olvidada por

Así, trabajan con empresas con mucha trayectoria en el panorama artístico son clientes de GU , como son La Imperdible desde sus inicios , cuando se denominaban Teatro La Pupa, o la Compañía Síndrome Clown y otras algo mas recientes como 8c080 o Mopa Producciones. También otras compañías más jóvenes, como Por Inercia o Incubo Teatro de Arturo Parrilla, trabajan con GNP, respondiendo al perfil habitual: “compañías que inician, y que antes de convertirse en empresas dan sus primeros pasos con nosotros”. Pero también otros artistas que llevan más de dos décadas en activo, como Joserra Muñoz o Moncho Sánchez-Diezma, utilizan a GNP para gestionar sus actuaciones. Pese a llevar tantísimo tiempo en la profesión... o precisamente por eso, porque saben lo que significa mover papeles, dar de alta, presentar una factura, estar al corriente.. Quita, quita....

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MÁS INFORMACIÓN: www.nuevosproyectos.net añonueve nº31


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“ESTO ES DANZA” ES EL CONTUNDENTE ESLOGAN DE SU 18 EDICIÓN

EL MES DE DANZA REIVINDICA SU MADUREZ Con atrevimiento es como el Mes de Danza (28 de octubre al 20 de noviembre) se enfrenta a su mayoría de edad. Una osadía que aplaudimos y que está fundamentada en su trayectoria impoluta y su evolución escrupulosa. El Mes de Danza se propone simple y llanamente no ser un evento facilón y estancado, con reflexiones superficiales de base cero, sino partir de su situación real, la de contar con un bagaje importantísimo y haber evolucionado, muy de la mano del público y seguidores, sabiendo trasladar los principales debates en torno a la danza en cada momento. Huir de la repetición para poder seguir avanzando y seguir, 18 años más tarde, con una salud envidiable, en la que ya no caben preguntas manidas como “¿esto es danza?”, sino que se establecen otras cuestiones de mayor profundidad y exigencia, como el por qué y el cómo las propuestas artísticas nos llegan, nos conmueven o nos emocionan. Exigencia para la organización, los artistas y el público. Eso es madurez. Texto»

DESCUBRIENDO ESPACIOS. El Mes de Danza quiere descubrir espacios públicos para la danza y para los propios espectadores. Espacios a veces no demasiado conocidos o no utilizados como contendores de proyectos culturales. Para ello, este año ha elaborado una extensa y LATEATRAL

LaTeatral

gratuita programación de “Danza en Espacios Singulares”, los días 29 al 31 de octubre. Ya el 28 y solo con invitación, una de las piezas, que también estará con libre acceso al público los días 29 y 30, será la encargada de inaugurar esta edición. Se trata de “Del estado natural”, de Víctor Zam-

brana, el bailarín sevillano afincado en Barcelona. Los siguientes tres días la danza invadirá la ciudad con hasta seis espectáculos, tanto al mediodía como por la tarde, para dar la bienvenida a un nuevo Mes de Danza, en lugares como la plaza Virgen de los Reyes, el Metropol Pa-


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rasol, Casa de la Ciencia, el Jardín Americano, Convento de Santa Clara o incluso estaciones de Metro (la de Puerta Jerez con la cubana Maura Morales: “Ella”, 30 de octubre, 18h; y la del Prado con Bikini Ducc y Dos Proposiciones: “Breve historia de un largo acontecimiento”, 31 de octubre, 12h) y hasta un hotel, el Corregidor, para “El síndrome de Stendhal, Pieza Nº 9” de la compañía Sinónimos Flamencos. Ertza del País Vasco, Elías Aguirre y Manuel Rodríguez de Madrid, Arkadi Zaides de Israel o la coproducción vasca de Ertza con Asier Zabaleta son los nombres de algunas de las compañías y artistas participantes en este apartado. PROGRAMACIÓN EN TEATROS. El Central, Fundición, caS-Endanza, Maestranza y el Alameda, en este caso con la función para público infantil “Río de Luna” de Date Danza

(función familiar 13 noviembre), vuelven a ser los espacios escénicos cómplices del Mes de Danza. El caS tendrá un programa doble el 4 y 5 de noviembre, con la propuesta tecnológica del Colectivo Malab y la coreógrafa / performer Noemí Martínez Chico. Se continúa el interés iniciado el año pasado por el área balcánica, con el solo “Bug’s” del macedonio Kire Miladinoski, la presencia de países como Rumania con Paul Dunca y su divertida pieza “Fuimos con estos cuerpos tan lejos como pudimos” o Grecia con la Compañía Oktana Danza y el dúo “Dressed Undressed”. Otras compañías, habituales en Mes de Danza, como Pisando Ovos de Galicia, la sevillana Teresa Navarrete o Mal Pelo, en este caso con coproducción con María Muñoz, completan el apartado dancístico en espacios escénicos.

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ACTIVIDADES. Un año más, las actividades complementarias serán uno de los puntos fuertes del Mes de Danza. Talleres, una instalación interactiva de Proyecto Uno en CICUS (C/ Madre de Dios), proyecciones sobre Pina Bausch en colaboración con el Festival de Cine, el seminario “Aprendizaje Conciencia y Movimiento: Método Feldenkrais” o la entrega de los 2º Premios de la asociación de danza PAD más que complementar completan los contenidos y el propio sentido de la muestra. Un Mes de Danza que, para respetar las tradiciones, se cerrará el 20 de noviembre con el clásico “Ahora Bailo yo”, una cita con los más marchosos que este año se estructurará en 4 disciplinas: Flamenco, Contemporáneo, Samba y Danza Zíngara

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MAS INFO: www.mesdedanza.es

DE IZQUIERDA A DERECHA DE ARRIBA ABAJO: Arkadi Zaides, Elias Aguirre & Manuel Rodriguez, María Muñoz (Foto de Jordi Bover) y Pisando Ovos

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EN LA FOTO: CLASH 66

n topo emergiendo del mundo subterráneo. Así es el cartel del feSt 2011. Un “topo” que también es decir “lugar” en griego. Muchos lugares desde los que las artes escénicas emergen a la llamada del festival que integra todas las artes escénicas en Sevilla: el feSt. Este año el topo quiere sacar del underground, si es que alguna vez lo estuvieron, a las salas privadas de Sevilla que, junto con algunas empresas significativas, forman Escenarios de Sevilla, la asociación que organiza el feSt y que lucha por defender la posición de esta iniciativa en la cultura actual: en un año organizan más de mil actividades, mueven más de tres millones de euros, generan decenas de puestos de trabajo directo, dan salida al trabajo de cientos de artistas... Ese topo azul que este año es la imagen del feSt recarga de sentido un festival que se ha propuesto una pequeña revolución.

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49 COMPAÑÍAS Y 70 FUNCIONES ENTRE PROGRAMACIÓN OFICIAL Y ACTIVIDADES PARALELAS Ahora queda por ver si esa revolución, propuesta y de propiciar el “codeo” con artistas y profesionales por Isabel Blanco, nueva directora del feSt en susdel festival, se podrá disfrutar de las actuaciones de titución de Pedro Álvarez-Ossorio, es propicia en las distintas iniciativas y artistas de contrastado interés nuevas fechas otoñales del festival. A priori octubre para el público sevillano: Juanjo Macías, Os Reverendos, (del 14 al 23) se antoja un mes mucho más teatral y Impro K.O., Indian Food o Chica Fábrica. menos complicado que el folclórico abril en el que se venía LAS SALAS. En cuanto a la enmarcando en sus primeras programación de sala, recinco ediciones. Quien conozca flejará la adecuación de los a Isabel Blanco, directora del espectáculos a las diferentes proyecto Endanza, podrá imagilíneas de programación y canarse que este año el feSt será racterísticas de los distintos más contemporáneo, apostará espacios, eso sí, con los critepor los lenguajes emergentes e rios de innovación, emergenimpondrá la calidad y la visión cia y contemporáneidad que personal de esta profesional dan sentido al feSt 2011. Este de gusto exquisito y pasión año es más internacional, con desmedida por su trabajo. compañías como las francesas El feSt, consciente de la inteHors Serie y Cie L´yeuse, los rrelación actual entre todas franco alemanes Clash 66, los las disciplinas escénicas, no ingleses The Graffiti Classics, se preocupa por clasificar sus los mexicanos Entrepiernas y 49 compañías y 70 funciones, Camerino 4 y las chilenas La como tampoco distingue entre Resentida y La Mona Ilustre. programación oficial y activiTambién este año hay más dades paralelas, quedando la presencia andaluza, con Ataexposición “Escenoygrafías” laya (“Ricardo III”), Chinabaus de la compañía Vaujaus o los (“Upper”) y Espejo Negro (“Jotalleres al mismo nivel que los nás el espermatozoide”), que espectáculos. El apartado forse suman a Tomás Pombero mativo, precisamente, estará y a los artistas del punto de formado por las compañías perencuentro. La representación tenecientes al ciclo “Entornos nacional la tenemos en ProARRIBA: L A CORCOLES Y LA RE-SENTIDA / ABAJO: HORS SÉRIES Domésticos”, encargado de rejects in Movement (Madrid/ flexionar sobre nuevas relaciones entre espectador Israel), Carme Teatre (Valencia), Organik (País Vasco) y arte, en el que distintas compañías actuarán en la o Societat Doctor Alonso (Cataluña). Casa de la Provincia y darán los talleres en el CICUS (C/ Madre de Dios), concretamente Pablo Iglesias + LA CALLE. Finalmente, la calle este año se cenporpurodespecho, LOSQUEQUEDAN, Los Torreznos, trará en la inauguración de a cargo de la compañía María Jerez y el sevillano Tomás Pombero. holandesa Tuig -Monasterio de la Cartuja, 14 y 15 de octubre- y en una programación centrada en el CÁPSULAS Y PUNTO DE ENCUENTRO NOCTURNO. domingo 16 en la Alameda de Hércules, con circo y Otro de los bloques más experimentales y de invesdanza principalmente: Corcoles (equilibrio en cable), tigación de la programación será el formado por el II Laura Bolón (circo aéreo) y los hiphoperos Circle of Certamen de Cápsulas, potenciado este año desde Trust harán cada uno dos pases, a las 13h y las 18h. el feSt, en el que se programarán piezas cortas y Además, en la calle Juan Rabadán tendrá lugar la propuestas en estados iniciales de creación, todo ello instalación urbana “Bosque Sonoro”, del colectivo de en el CICUS. Por último, como novedad para 2011 se arquitectura y sociedad [espacioelevadoalpúblico] sitúa el punto de encuentro nocturno, que será en la Sala el Cachorro. Además del buen ambiente habitual MÁS INFO: www.sevillafest.com

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EN LA FOTO: FUNDACIÓN JULIO BOCCA

UN TEATRO QUE RASGA LIMITES Texto»

Juan Vinuesa

VUELVE EL FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO A CÁDIZ

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orillas del Mediterráneo, pero con miras al Atlántico, en Cádiz. Ahí nació un festival que a día de hoy, y tras 25 ediciones, se ha convertido en un referente de las artes escénicas internacionales. Su intención, ser un revulsivo cultural y de proyección mundial para la ciudad a través del hermanamiento del teatro español e iberoamericano. El Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, conocido popularmente como FIT de Cádiz, celebrará su próxima edición del 18 al 29 de octubre. Este año cuenta con la participación de 11 países, entre los que el invitado será Chile, en un intento más para estrechar los lazos entre la ciudad de Cádiz y los países iberoamericanos, con motivo de la celebración del Bicentenario de la Constitución de 1812 el próximo año. Agrupaciones teatrales de Argentina, Brasil, Colombia, Costa Rica, Cuba, Guatemala, México, Portugal, Uruguay y España participarán en LATEATRAL

esta edición. Un total de 32 grupos (20 latinoamericanos y 12 españoles) ofrecerán 33 espectáculos: 10 de teatro de calle, 4 de danza contemporánea, 2 de títeres, y el resto de teatro de sala con diversos lenguajes, ofertándose en total 51 representaciones de muy diversa índole. Las creaciones realizadas mediante la investigación con lenguajes contemporáneos son un ejemplo de esta heterogeneidad artística. En esta rama Argentina traerá “El viento en un violín”, de Claudio Tolcachir, México, “Amarillo” de Jorge Vargas” y Chile estará presente con “Villa” y “Discurso”, de Guillermo Calderón. La escrituras colectivas serán las protagonistas en montajes como “Cao que morre nâo ladra”, de Chapitô, de Portugal o el guatemalteco “Las poderosas”, de Las Poderosas Teatro. Este último, según Pepe Bablé, director del festival, representa un “capítulo singular” dentro de la programación. La obra sido realizada por “un grupo de mujeres, víctimas

y supervivientes de la violencia extrema en su país, que utilizan el teatro como herramienta de combate contra la barbarie de la violencia en cualquiera de sus expresiones”, apuntó Bablé en la presentación de la programación que tuvo lugar el pasado 21 de septiembre. Los nuevos lenguajes de la danza contemporánea y danza-teatro estarán presentes en espectáculos como “Zona-Cuerpo”, de la Cía. Rosario Cárdenas- Danza Combinatoria, de Cuba. El mundo del títere llegará con propuestas como “Chef”, de Viajeinmóvil, de Chile y “Delirando” de Ato Teatro, de Cuba. Compañías de primer nivel de la geografía española se darán cita en el próximo ciclo. El grupo Els Comediants llegará con “Perséfone. Varietés Mortales”, La cuadra de Sevilla traerá “Rafael Alberti. Un compromiso con el pueblo”. Paco de La Zaranda, agrupación con una especial complicidad con el FIT, dirige a su compañía en “Nadie lo quiere


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ESTE AÑO EL PAÍS INVITADO, E INMEJORABLE CÓMPLICE CON EL FIT, ES CHILE

creer. La patria de los espectros” y Producciones Imperdibles, otro de los habituales en Cádiz, pondrá en escena “Los /peca2 capitales”. La participación española se completa con “Bestiario” de Teatrapo Cía de Teatro, “The Wolves” de Deabru Beltzak, “Rojo” de Cía Industrial Teatrera, “Tacita a tacita” de Teresa Nieto en Cía y la doble participación de Uroc Teatro: “La madre pasota” y “Cosas de nosotros mismos”. Por otro lado, en el apartado de actos complementarios, teniendo en

cuenta que el FIT es de los festivales que más cuida sus actividades paralelas, destaca la exposición “Después del diseño”en Stand Nacional de Escenografía en la Cuatrienal de Praga de 2011, el XII Premio FIT de Cádiz-Atahualpa del Cioppo, otorgado a Nuria Espert o el homenaje del Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, a María Dolores Pradera. Arranca así un festival que ha recibido más de una decena de premios (incluida la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2003)

y que, debido a la crisis, ha visto mermado su presupuesto, hecho que “no enturbia la programación de actividades ni menoscaba la calidad de los trabajos que se presentan”, según señaló Pepe Bablé. Unas jornadas de las que de la unión de raíces árabes y criollas resulta un mestizaje que demuestra que, en el arte, el que advierte fronteras es porque quizás las posee en su mirada

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MÁS INFO: www.fitdecadiz.org


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PERFOPOESÍA RESISTE

ARRIBA: PERFOPOETAS POR LAS CALLES DE SEVILLA DERECHA: MARTA FERNÁNDEZ PORTILLO Y CARLOS EDMUNDO DE ORY

La dirección del festival mantiene la cita pese a las turbulencias

Más información»

festivalperfopoesiasevilla.blogspot.com

C

uando a principios de verano salta la noticia de que una buena parte de la financiación del Festival Perfopoesía desaparecería debido a un problema interno del Ayuntamiento de Sevilla ajeno al festival, muchos se echaron a temblar. Ni uno ni dos quebraderos de cabeza más tarde, sus responsables, con Antonio García Villarán (el “Cangrejo”) y Nuria Mezquita como cabezas visibles, decidieron afrontar con valentía esta IV edición, que se desarrollará del 10 al 15 de octubre casi con la misma actividad frenética que en años anteriores. Valentía también ante un reto: conseguir repercusión y respaldo popular con muchos menos recursos, con objeto de salir reforzados y reclamar su espacio para 2012. LATEATRAL

A estas alturas no hace falta decir que la poesía escénica, según reivindica Perfopoesía, es un arte escénico. Ni que Perfopoesía trabaja en la dignificación y posicionamiento de la poesía, el fomento de la lectura, la promoción de las editoriales independientes... en definitiva trata de “masificar” la poesía. Para ello, este año vuelven a arrancar con su tradicional cabalgata poética, en esta ocasión con cabezudos encarnando a Antonio Machado y Miguel Hernández. También en espacios público se desarrollará “Poetas de calle”, en las mañanas del jueves, viernes y sábado. Este año, el epicentro de Perfopoesía se sitúa en el Centro Cultural Santa Clara. Allí, además de una

pequeña feria del libro en “el Patio de la Bibliodiversidad” como gran novedad, habrá charlas, conferencias y perfo-recitales: Cristina Rosenvinge, Andrés Neuman, Fernando Mansilla o Marta Fernández Portillo, entre otros. El día inaugural también se centrará en el homenaje al recientemente fallecido poeta Carlos Edmundo de Ory, en el que participarán Juan José Téllez, Fernando Polavieja, Jesús Fernández Palacios, José Ramón Ripoll, Alejandro Luque y Os Reverendos. Y para el trasnoche, cómo no, la poesía baretera, una actividad que sigue gozando de extraordinaria salud en Sevilla, sobre todo en torno al pub El Perro Andaluz, y que se reforzará durante estos tres días

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32 46 CRONICAS CRÓNICAS CRÓNICA DEL XVI FESTIVAL DE TÍTERES DE CAZALLA DE LA SIERRA (SEVILLA)

QUEREMOS

UNO ASÍ EN CADA

PUEBLO Texto» Gonzalo

LATEATRAL

Andino


CRÓNICAS

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A POSADA DE LOS TÍTERES es el nombre de uno de los festivales escénicos más veteranos de Andalucía, con dieciséis ediciones. Un festival enclavado en Cazalla, en la Sierra Norte de Sevilla, nacido de la mano de Jesualdo Díaz (Teatro de las Maravillas) y Alcides Moreno, el ya fallecido titiritero argentino que tanto hizo por el arte de la marioneta en Andalucía, entre otras cosas: fundar UNIMA España, crear varios festivales -como la Feria del Títere de Sevilla- e inventar distintas escuelas de las que han nacido buena parte de las compañías de títeres que hoy en día perduran tras dos o tres décadas.

de Buho y Maravillas. Estas propuestas pasan, por ejemplo, por los títeres para todos los rangos de edad y de todas las técnicas, estilos y formatos, incluyendo una decidida apuesta por los títeres para adultos, como los de Anita Maravillas, con su existencial “Los Sueños de Leonor” o el terror de Corsario con “La Maldición de Poe”. Si hay que ser un poco picante, recurrimos a Espejo Negro con su “Jonás el espermatozoide” o a el “Retablo de Don Cristobal” de Teatro de las Maravillas, pero en cualquier caso nada, ni el susto que se llevaron los más pequeños con el pasacalles inaugural de La Baldulfa y su espectacular “Drago”, detiene este afán por realizar un gran muestrario titiritero en Cazalla. Un abanico de propuestas que por supuesto no dejan atrás ni a los niños ni al público familiar, con espectáculos como “Contando Jorobas” de Buho Teatro o “La Flor del Parque” de Albero Títeres, dos compañías con varias décadas de existencia que son un ejemplo PÁGINA IZQUIERDA Y FOTO ARRIBA EN ESTA PÁGINA: “La Maldición de Poe”, de Corsario (Fotos de Marta Vidanes” de pulcritud técnica y belleza en EN ESTA PÁGINA: la construcción de marionetas y CENTRO: Teatro de las Maravillas ABAJO: Anita Maravillas elementos escenográficos.

Tras alguna ida y venida, hace ya varios años la dirección del festival volvió a Teatro de las Maravillas, compartida con sus inseparables Buho Teatro, y entre ambos dotan de una enorme consistencia a todo lo que tiene que ver con los contenidos. Esto, junto a una visible implicación del ayuntamiento, desemboca en un compacto y coherente festival en el que el pueblo se vuelca con una propuesta enriquecedora, en un magnífico ambiente y dentro de un pueblo bien abordado en el uso de los distintos espacios y las cuestiones logísticas como cortes de calle, desvíos, etc. Coherente también por el ajuste del presupuesto (30.000 euros) a la idiosincrasia del municipio, ni muy grande ni muy pequeño, y con un potencial turístico más que contrastado; y coherente por la oferta del proyecto: ocho espectáculos durante tres días, todos en espacios públicos, sin entrada o con una “entrada voluntaria” de un euro, talleres infantiles, cursos para profesionales, encuentros y exposiciones. Es decir, siendo un festival sólido y con una enorme respuesta popular, tampoco es un proyecto ficticio construido sobre un discurso vacío, sino todo lo contrario, gracias sin duda a una participación ciudadana que responde a las propuestas

Después de pasar el fin de semana en Cazalla, cualquiera se va con una idea clara en la cabeza sobre este tipo de festivales. Su incondicional público ya se ha hecho al festival, y tiene un nivel de exigencia y criterios muy superiores a los de cualquier persona que no haya podido disfrutar de un evento similar. El pueblo espera con pasión este momento del año, como lo haría cualquier otro lugar en el que se trabajara duro y con continuidad, respetando y amando la tarea como solo lo saben hacer los titiriteros, evolucionando y creando una sociedad más habitable, sostenible y deseable. La sorpresa no es encontrarse este oasis cultural en la sierra de Sevilla, sino el pensar por qué demonios no existe algo parecido en cada municipio. Si así fuera, otro gallo nos cantaría...

EL FESTIVAL DE TÍTERES DE CAZALLA SE ADAPTA PERFECTAMENTE A LA REALIDAD DEL PUEBLO

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48 CRÓNICAS Crónica de la Fira de Tárrega por»

FOTO: CIRC PANIC

Gonzalo Andino

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n año más acudimos a una calurosa edición de la FIRA DE TÁRREGA, una Fira que estrenaba dirección artística (Jordi Durán) y algunos espacios nuevos, como el de La Maleta del Espectáculo o la asociación de distribuidores ADGAE, el fantástico parque Sant Eloi, la zona de instalaciones infantiles Zoolar (muy buenas instalaciones en una explanada horrorosa) o el estreno de un flamante espacio profesional para la Llotja en un pabellón deportivo, más espacioso, limpio y funcional que la carpa anterior. En el caso de los dos primeros, nos dimos el gustazo de “inaugurarlos” a primera hora de la tarde del jueves 8 de septiembre, con la esperanza de que sean espacios que se consoliden, como por ejemplo ya ha hecho el de la distribuidora 23 Arts, sin duda el “espai de empresa” con más aceptación; multitudinaria, de hecho. La Maleta fue evolucionan-

do de forma muy positiva durante la fira, mientras que el espacio de ADGAE, al otro lado del río, tiene un importante reto de cara a la atracción de más público, pero cuenta con unas instalaciones óptimas y una dinámica muy interesante, con numerosos espectáculos en continuo por muy poco dinero (5€). Por su parte, en el parque de Sant Eloi pudimos disfrutar de lo nuevo de Efímer, compañía que acostumbra a utilizar potentes infraestructuras y novedosos recursos técnicos. En este caso, con “El pianista de agua” mostraron un atractivo espectáculo musical en el que una fuente se sincronizaba con un piano, planteando distintas acciones que aportaban teatralidad y dinamismo al montaje. Tárrega, que sigue manteniéndose como el referente profesional del sur de Europa y que en sus números apenas se ha resentido

EL TEATRO DE CALLE ESTABA DE PARRANDA (POR NO DECIR QUE ESTABA MUERTO)

LATEATRAL


CRÓNICAS

de la tremenda crisis del sector -lo cual conlleva una reflexión aparte: ¿acaso estamos ante una selección natural?-, ha destacado este año, desde el punto de vista de la programación, por consolidar una tendencia que ya veníamos apreciando desde años anteriores y en otros festivales de programación afín: la pérdida progresiva de peso del teatro de calle. Otras manifestaciones, como la danza y el circo, o incluso manifestaciones performática de difícil clasificación (instalaciones, arte de acción, etc), han llegado a copar el programa de tal manera que para ver “teatro” hay que asomarse a alguno de los espacios cerrados de la fira, donde también se programa, por cierto, danza y circo. Obviamente, todo esto con las excepciones de ciertas compañías, como Markeliñe, y teniendo en cuenta que los lenguajes transfronterizos que predominan

hoy en día en la creación escénica difuminan esa capacidad de clasificar claramente un montaje. En cuanto a trabajos destacados, nos quedamos, además de con Efímer, con el circo de Chabatz D’entrar, fabuloso y poético, o Pakí Paya, sorprendente y descarado, ambos en 23 arts, demostrando que en ocasiones estos espacios de empresa ofrecen la misma calidad o más que la programación oficial. Circ Panic o Mumusic Circus dieron buena cuenta del circo al aire libre para todos los gustos, aunque mención aparte en esta categoría merece “Entropic”, el espectáculo inaugural, que no por casualidad por vez primera era claramente circense, dirigido por Galindos, hábil y dinámico, aparte de espectacular en la selección de números. Teatro Necessario dio una clase magistral de teatro de humor y clown comedido,

TÁRREGA SIGUE MANTENIÉNDOSE COMO EL REFERENTE PROFESIONAL DEL SUR DE EUROPA, EN SUS NÚMEROS APENAS SE HA RESENTIDO DE LA TREMENDA CRISIS DEL SECTOR.

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con la inauguración de una loca y musical “Barbería Carloni”.Varias piezas dancísticas llamaron nuestra atención, como los holandeses Tragic o la danza urbana y virtuosa de Kulbic. El circo de interior tuvo una excelente representación con “Plecs”, que fascinó, un funcional y marchoso “Call me María”, la siempre especial Alba Sarraute con su nuevo montaje “Yo soy la otra (la diva)” y “Circunstances”, para quien pudo ver el último trabajo del Ateneu Nou Barris, eso sí, porque el que suscribe estas líneas tenía entradas para una función que se tuvo que suspender por enfermedad. Y terminamos el repaso por lo mejor -recordamos que no es posible verlo todo en Tárregatal y como terminamos la fira: disfrutando con el recuerdo de “De Paso”, la última maravilla de La Industrial Teatrera, que mereció, según nuestro criterio, detenernos particularmente en esta misma revista (página 50)

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MAS INFO: www.firatarrega.com

ABAJO DE IZQUIERDA A DERECHA: LOS GALINDOS, MARKELIÑE, TRAGIC y CALL ME MARIA

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EN LA FOTO: Síntesis Producciones

CRONICAS

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52 COMENTARIO

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Gonzalo Andino

FOTO: Mamen Olías y Jaume Navarro

ARRIBA: Foto de familia de los premiados

Texto» Gonzalo

Andino

De Paso, emocional repaso por el ciclo de la vida

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os espectáculos en los que Jaume Navarro y Mamen Olías, o lo que es lo mismo, la Industrial Teatrera, aparcan los zancos para centrarse en su particular lenguaje clownesco y teatral son, infaliblemente, una prueba emocional para los corazones más acorazados. Un lenguaje que mantiene coherencia y linealidad, hasta el punto de provocar “autohomenajes” y guiños de un montaje a otro, pero que, por fortuna, al mismo tiempo sufre una evolución en forma y contenido que consigue no solo aportar nuevas visiones, en ocasiones sobre los mismos temas, sino la ansiedad por querer saber más, por ver el siguiente espectáculo, contemplar el próximo desnudo espiritual, el nuevo derroche de hoLATEATRAL

nestidad y sensibilidad. Jordi Portí, el director habitual de la compañía, probablemente tendrá una buena cuota de responsabilidad en ello. De Paso, como su nombre sugiere, es un repaso por el ciclo de la vida por parte de una entrañable (¿habíamos dicho ya antes que estos dos payasos son entrañables?) pareja. Una propuesta vital cargada de símbolos, empezando por el título del espectáculo o la propia concepción circular del espacio y la escenografía, que además es giratoria. Símbolos que nos llevan también a la metafísica del clown, con dos payasos sin narices, expuestos y dispuestos, que hacen del juego la declaración más fantástica sobre la felicidad que podamos imaginar o de la velocidad

la base del aturdimiento que tanto nos aleja de nosotros mismos. Amor, trabajo, aprendizaje, azar, compañía y soledad... Existencialismo tratado desde la emoción y la sencillez, sin alardes ni petulancias, cuidando todos los detalles y haciendo partícipe al público, que siempre está presente, simbolizando, tal vez, a todos los compañeros de viaje que vamos incorporando, y a veces, soltando por decisión propia o ajena. Nadie que haya vivido algún momento de su existencia con cierta intensidad, y que entre emocionalmente en la dinámica de la Industrial, puede quedar impasible. El que ha visto De Paso ha vivido una vida entera

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INFO: www.industrialteatrera.com


COMENTARIO

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FOTO: LAS ESTRUCTURAS DE CORTEO PERMITEN “VOLAR” A LOS ARTISTAS

SON ELLOS, PERO HAN CAMBIADO Corteo, del Circo del Sol, de gira por España

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legó el Cirque du Soleil a Sevilla, una vez más, para presentar Corteo, un montaje que se anunciaba como “el más teatral” de la multinacional canadiense del espectáculo. Por la insistencia en “el ritual” de esta compañía acudimos con cierto recelo ante la posibilidad de “lo diferente”. No dejaba de ser el Circo del Sol, con toda su parafernalia mercadotécnica, con su espectácularidad y brillo cegador, sus tiempos medidos -más de dos horas, media hora de intermedio, también “mercadotécnico”-, y todo lo demás, pero el contenido sí es sustancialmente diferente. No decimos que lo anterior no sea válido o que hubiera que cambiar: decenas de miles de personas disfrutan una y otra vez con el mismo patrón. Pero para nosotros, para qué negarlo, suponía un aliciente porque, en parte, nos habíamos aburrido de la “Fórmula du Soleil”. Corteo plantea un espectáculo más sobrio. Curiosamente en su carpa más grande y con unos medios técnicos e infraestructura con todo tio de poleas y raíles para volar, suelo giratorio y con trampillas, maquinas circenses únicas, etc. Pero no hay tanto colorido chillón, ni tanta lentejuela, elfos brincando o fantasía exótica aturullante. La estética, sin llegar a ser propia del circo europeo, a punto está de parecerlo por momentos, cuando los pijamas o los colores pálidos predominan en escena. Incluso la música abandona por momentos los paisajes sonoros saturados del Soleil. En Corteo encontramos números apabullantes. Nos

quedamos con los trapecios coreanos o con el cuadrilátero de barra utilizado por más de diez acróbatas, por ser éstos números impensables sin el poderío e infraestructura de la compañía. Las camas elásticas, la báscula o los malabares también aportan un alto nivel técnico. Como siempre, algunos números mucho más discretos: dúo de acróbátas, aéreos o equilibrio en escalera apenas raspan el aprobado, aunque el Soleil sabe como acompañar bien estos momentos y provocar una excitación suprema. Mediocres, como casi siempre, los payasos y momentos específicamente cómicos del espectáculo, aunque en esta ocasión, aunque se mantiene el error de sacar payasos descontextualizados que rompen el ritmo para mostrar algún gag con poco éxito, Daniele Finzi ha conseguido en Corteo dar mucha presencia constante al humor, sobre todo a partir del personaje protagonista, ese actor entre la vida y la muerte que en su delirio provoca toda la magia. En definitiva, se trata del espectáculo con más empaque y continuidad que hayamos visto, en el que se percibe una trouppe más compacta y versátil (en lugar de una sucesión de especialistas y números “corta-pega”), un auténtico entretenimiento que, sin salirse de las proporciones químicas del Soleil, apunta hacia una mayor diversión y emoción. Corteo estará, que se sepa, hasta el 16 de octubre en Sevilla, para marchar a París y volver a Barcelona el 19 de enero

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54 COMENTARIO

Síndrome Clown estrena “Mejor... es posible”

MENOS ES MEJOR

FOTO: SÍNDROME CLOWN Web de la cia» www.sindromeclown.com

SÍNDROME CLOWN HA CREADO DOS ESPECTÁCULOS EN APENAS TRES MESES, “CINECLOWN 3D” Y DEL QUE AHORA TE HABLAMOS, “MEJOR... ES POSIBLE”, UNA CONFERENCIA SIN VERGÜENZA, FRESCA Y DESCARADA

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legaban los Síndrome Clown a la Feria de Palma del Río con mucha guasa y con alguna excusa: “no... si en realidad esto es un espectáculo sencillo, con pocos ensayos, muy de andar por casa...”. En definitiva, para qué ocultarlo, un espectáculo anti-crisis, un “yo me lo guiso yo me lo como” de Víctor Carretero y Práxedes Nieto transportable a casi cualquier lugar, adaptable a momentos y a espacios no convencionales, como la hora del café en la Hospedería de San Francisco, el hotel más carismático de la veterana feria cordobesa. Así, despojados de cualquier artificio, aparecían los Síndrome para desarrollar una especie de sesión LATEATRAL

de coaching, ahora que están tan de moda, en la que explicaron cómo encontrar la felicidad y pasar de los malos rollos, especialmente a partir de la relativización de todo lo que nos rodea y de nosotros mismos. Pulguitas en el universo, así se sintieron los Síndrome, que olvidando presiones, obviando la carga que supone tener una trayectoria como la suya y centrándose en un payaso desnudo (nunca mejor dicho), puro y muy, muy caradura, protagonizaron una hora de absoluto delirio. Y es que nadie como un payaso para relativizar las cosas, cuando además el reírse de sí mismo juega un papel tan importante.

El buen rato vivido se amplifica si tenemos en cuenta que el aforo era 100% profesional, y ya sabemos lo difícil que es arrancar las risas cuando el respetable es del mundillo... Pero más que un puñado de risas pudimos presenciar un hilarante retorno al mejor de los absurdos, llevados por la frescura de dos payasos que, estando a gusto, rozan lo sublime. Nos quedará siempre la duda de si nos gustan más así, desprovistos casi de todo, o en su faceta más sofisticada, la de los espectáculos más “formalitos”, con sus vestuarios, sus escenografías y sus largos periodos de ensayo

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PRODUCCIONES CIRCULARES, LA COMPAÑÍA DE SALA CERO TEATRO

HACER REIR ES

LATEATRAL


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FOTO: El espectáculo CALLE DAKOTA

COSA SERIA Texto» Juan

Vinuesa

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os grandes proyectos llegan sin avisar. Esto quiso limitarse a la producción de espectáculos. debieron pensar Ángel López y Elías Sevilla- Campañas de prevención de riesgos laborales, no, dos jóvenes que no esperaban convertirse giras teatrales o, incluso, encuentros de teatro en importantes figuras del teatro indepen- como la III Muestra de Teatro y Danza Contempodiente andaluz. Pero esto ocurriría a raíz de la ráneos de la Red de Teatros Alternativos llevan fundación de PRODUCCIONES CIRCULARES su sello: el de la inconformidad escénica. Ésa S. L., entidad que ofrece soporte legal a las que sacude lo establecido en el teatro y abre a actividades desarrolladas zarpazos nuevos horizontes. por Cía Sala Cero Teatro. El principio profesional de esta El éxito del local lo avala aventura se sitúa al término más de una década de trade la década de los 90 pero, bajo. A lo largo de la primera como toda gran historia, es temporada, en el año 1999, casi más importante su ori2.697 espectadores acudiegen simbólico que, en este ron a la Sala Cero, cifra que caso, se remonta al teatro aumentó vertiginosamente universitario, del ambos que hasta alcanzar las 33.586 enformaban parte. Lo hacían tradas vendidas el pasado como afición, como comaño. FOTO: Piscina de SWIMMING SWING-EL MUSICAL plemento a sus carreras de Física y Matemáticas. PosteEl primer espectáculo riormente inspirarían el apetuvo lugar en 2002, bajo llido a su proyecto: “Cero”, un el nombre de “Insólito número que eligieron como Sindicato”. Esta creación símbolo del origen y su filocolectiva del género Stand sofía: desde ahí sólo se puede sumar, dar pasos Up Comedy se estrenó en la Feria de Palma del hacia delante. Río, en la edición del mismo año. Los propios actores idearon unos monólogos, frescos y La compañía comenzó su actividad teatral originales, dirigidos por Antonio Campos, con un proyecto simultáneo a la fundación de director y actor de la compañía Bastarda Esla sala, y ambas iniciaron así un camino en el pañola. El apoyo de Campos y su colectivo, que madurar juntas gracias a una férrea entrega en este montaje inicial, supuso un primer a las artes escénicas. Una entrega frontal, sin impulso para la prometedora trayectoria de concesiones al miedo, en la que el colectivo no Producciones Circulares S.L.

EL ORIGEN DE SALA Y COMPAÑÍA ESTÁ EN EL TEATRO UNIVERSITARIO

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“Calle Dakota”, función estrenada dos años después, fue su primera apuesta por autores contemporáneos vivos. Jaime J Velázquez encabezó el proyecto dramatúrgico y, además, firmó la dirección del espectáculo. Su aportación consistió en el análisis del arte y cultura de las últimas décadas gracias a un original argumento, una trama llena de preguntas tan absurdas en forma como abismales en fondo. El éxito de esta primera colaboración se tradujo en que Velázquez se puso al timón del siguiente proyecto: “Tontos, al paredón”, en el que volvió a firmar la dirección y el texto. Este montaje abordó una reflexión sobre la estupidez humana y supuso un punto y aparte en la efervescente trayectoria de Producciones Circulares S.L.

Fraga para originar tiernas y frescas comedias que, en realidad, esconden un profundo infierno interior. “Recalificados” narra la historia de cuatro payasos que se buscan la vida como artistas-estatuas. Lo hacen en una tragicomedia de esas que provocan una sonrisa tan amarga como frágil: la que se dibuja en un rostro a pesar de los golpes de la vida. El equipo artístico sorprendió en 2008 con una novedosa producción: “Swimming Swing- El musical”. Violeta Llueca aportó el texto y Mariona

Javier Berger se encargó del texto del siguiente espectáculo: “Elena y el fenómeno Borbély”, en 2005. Berger, que fue el primer ganador del Premio Romero Esteo en 1997 por su obra “Doctor, ¿es cierto que el hombre está compuesto de un 70% de agua?”, asumió la dirección del montaje. Esta comedia invitó al público a observar la problemática de la FOTO: “Recalificados” y “Tontos al paredón” sociedad a través de los ojos de una niña; un prisma de doble filo que hizo contemplar la realidad en Blanch la dirección de este trabajo. su más pura esencia; sin los matices Una investigación criminal sirve de que otorga la vida con la edad a esta pretexto para hacer reír al público envilecida humanidad. mediante la mezcla de diferentes géneros teatrales. Esta vez el esOtro autor ganador del certamen cenario fue tan impactante como Romero Esteo, Sergio Rubio, dio voz original: una piscina. a los personajes de “Recalificados”, montaje de Producciones Circulares Su última comedia, “Se alquila S.L. estrenado en marzo de 2007 con sofá cama”, se estrenó el pasado año. la dirección de Julio Fraga. En esta Julio Fraga repitió como director con obra, el malagueño Sergio Rubio, texto de Juan Alberto Salvatierra, un hizo gala de su habilidad para aden- polifacético artista andaluz también trarse en los extremos del ser huma- galardonado con el Romero Esteo. no. También quedó al descubierto “Se alquila sofá cama” nace de la la conocida maestría escénica de lectura de un artículo en prensa soLATEATRAL

bre la dificultad de la juventud para encontrar un hogar. Este argumento invita a la reflexión sobre la capacidad del ser humano para adecuarse a las circunstancias materiales o espirituales. Este éxito volvió el pasado 16 de septiembre por tercera temporada a la Sala Cero. Precisamente Julio Fraga es el director de contenidos de la última iniciativa de Sala Cero Teatro: el Centro de Entrenamiento Teatral. Al frente de esta iniciativa están los fundadores del colectivo, Ángel López y Elías Sevillano. El talento multidisciplinar de Fraga y su constante afán por reinventar los caminos del aprendizaje actoral llevó a Sevillano y a López a situar al director como cabeza visible del proyecto. El Centro de Entrenamiento Teatral inició su recorrido el pasado 26 de septiembre con un taller sobre Stand Up Comedy impartido por Salva Reina y Álvaro Carrero. El abanico de talleres o profesores está repleto de prestigio profesional, como atestiguan los cursos de poesía escénica, clown, o escritura dramática y los nombres de Miguel Zurita, Pepe Quero o el propio Sergio Rubio al frente de los mismos. Estas enseñanzas suponen un paso más para Producciones Circulares S.L. que, a lo largo de esta década, ha contado con una lista de colaboradores de más de 70 personas en los diferentes campos. Han pasado 12 años desde que aquellos jóvenes convirtieron su afición en profesión. Más de una década que ha servido a todo este equipo para promover el teatro independiente y reírse de la vida. Al fin y al cabo, sólo así es posible tomarse en serio la comedia

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MÁS INFO: www.salacero.com


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EMILIO BALLESTEROS Albolote (Granada). Poeta, narrador, ensayista y dramaturgo, como autor dramático ha recibido el Premio de Teatro del Ministerio de Eucación y Ciencia (Madrid) por su obra El kiosco ´e Benito y el Premio de Teatro del Patronato de Cultura de Alcázar de San Juan (Ciudad Real) por Las estrellas no tienen puntas. También tiene publicada la obra La eternidad y el vampiro en Ed. Carena (Barcelona). Dirige la revista internacional de Teatro y Literatura: Alhucema. elimilio@mixmail.com

EL PARACAIDISTA PERSONAJES:

EL PARACAIDISTA EL BUITRE (actor disfrazado de tal) EL COPILOTO DEL HELICÓPTERO Para provocar o amplificar las reacciones del público, habrá actores y actrices diseminados entre el público, que griten o rían cuando sea necesario.

ESCENARIO:

Hay un precipicio que tiene un arbusto sin hojas un poco más abajo de su borde, en plena pared vertical.

ACTO ÚNICO Escena única

(Todo el recinto está a oscuras. Se oye el motor de un avión y el fragor de un paracaídas en el viento. Después el sonido de un paracaídas enredándose en las ramas de un arbusto. Se enciende un foco que ilumina al paracaidista, colgado por su paracaídas del arbusto en el precipicio. Bajo sus pies está el vacío). PARACAIDÍSTA: ¡Bueno va! ¡Ay, la leche! ¿Dónde he ido a caer? ¿Pero en qué piensa el gilipuertas del piloto que me ha dicho que saltara aquí? ¡Me cago en...! ¡Joder!, también que he tenido suerte... No he podido caer un pelín más para atrás, encima del precipicio o al otro lado de la garganta, o en lo hondo, allí al fondo (señala bajo sus pies)... ¡Pero ca!, he tenido que caer aquí, en el mismo borde del abismo, colgando como un pelele y con los pies en el vacío...

el mío. En mi caso, además, bajo mis pies. ¡Acojonaíto me tiene! ¡Como se desgarre la tela del paraca voy dao! Y no puedo ni menearme (hace un esfuerzo inútil por acercarse a alguna rama o por ascender por su paracaídas, pero éste se desgarra un poco y el PARACAIDISTA cae un tramo dejando escapar un grito, acompañado de más gritos entre el público –los actores y actrices del público procurarán chillar con especial virulencia, para reír a continuación cuando la situación del PARACAIDISTA se estabilice). ¿Lo veis, lo veis? Como me mueva un poco más de la cuenta me voy al garete... Así que mejor me estoy quietecito y espero a que vengan a ayudarme. ¡Ya que vosotros no hacéis nada!

(mira hacia los espectadores)

(a los espectadores, de nuevo)

¡Eh! ¿Y vosotros? ¿Qué hacéis ahí..., al otro lado de la garganta, eeh? ¿No podéis hacer nada por ayudarme? Sí, ya sé que tenéis un precipicio a vuestro lado y yo tengo otro en

¿No podéis hacer nada de verdad? ¡Coño, alguno de vosotros!, dejad de mirar y haced algo. ¿No habrá por ahí cerca un puente o una vereda o una cañada o algo por donde podáis cruzar

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TEXTO TEATRAL sección coordinada por Javier Berger

para echarme una mano? ¡Echadme un cable aunque sea, cojones! O tampoco tenéis cables por ahí... Algo podréis hacer, ¿no? Me mata la angustia... Como empiece a soplar el viento verás tú... Porque hay un relente por aquí que corta el forrillo los güevos...(risas entre el público) Sí, vosotros reíos, pero ya os querría ver yo aquí, con los bebes colgando a la intemperie y sin poder hacer na..., que se me están queando como granillos de arroz. ¡Pa echar un polvo que estoy yo ahora, vamos! ¡Mentes calenturientas! ¿De eso os reís? ¿Os hace gracia pensar en lo que estoy pasando o es que sois tan morbosos que os imagináis no lo que me pasa, sino lo que no me puede pasar... Sea como sea, sois unos morbosos, porque si os reís de mi situación..., ¡ya me diréis! Y si es de lo otro... Entonces es que sois más morbosos que echar un polvo en el cementerio. ¡Por cierto!, ahora que lo pienso bien, a lo mejor eso de polvo viene de ahí... ¡Qué cosas! Bueno, pero me vais a ayudar o qué... (risas) Ya podíais hacer algo en vez de tanto reír... Seguro que si fuera un negrito que pasa hambre o una víctima de una catástrofe en un país subdesarrollado os conmovería y ya estaríais haciendo algo. Aunque fuera meter dinero en una cuenta corriente solidaria. Pero como soy blanco y europeo, y encima un pijo que se tira en paracaídas..., ¡entonces no!, ¿verdad?, entonces que lo zurzan al tío... Que no se hubiera tirao... ¿A que sí? ¡Quién le manda! Tendrá dineros pa buscarse ayuda cuando los tiene pa alquilar una avioneta y un paracaídas y to esos rollos... ¡No te jode! Pues sí. Sí que tengo dinero, pero ¿pa qué me sirve ahora si no me atrevo ni a llevarme la mano al bolsillo no me vaya a caer de este puto paraca? Además, no creeréis que iba a llevar los bolsillos llenos de dinero. No llevo ni pa tabaco. ¡Apiadaos de mí, por favor! ¡Que alguien me ayude! (hace pucheros. De repente, en el borde del precipicio aparece el BUITRE, da unos cuantos aletazos y se va acercando a saltitos hacia el arbusto del que cuelga el paracaidista obser-

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vándolo con atención y movimientos siniestros de cabeza) ¡Ea, el que faltaba! ¡Date biiiiiicho! ¡Fuera! Ntch ntch (chasquea con la boca) ¡He dicho que te vayas! (sacude los brazos con tal fuerza que el paracaídas sufre otro desgarrón y el PARACAIDISTA cae otro trozo hacia abajo. Chillidos entre el público) Sí, vosotros chillad en vez de ayudarme... (risas) Sí, reíos, reíos..., que es lo único que hace falta (más risas) Me vais a cabrear... ¡En vez de tanto reírse echadme una mano, coño! ¡Es que no os da na de mí! ¡Ayuarmeeee! ¡La puta que lo parió! (el BUITRE saltito a saltito se habrá acabado colocando sobre el arbusto que, bajo su peso, cede, se inclina y cruje tétricamente) ¡Ay, tus muertos! ¡Que lo partes! ¡Claro!, como tú vuelas te da igual... Si se parte echas a volar y a mí que me den por culo, ¿no? ¿O es que es eso lo que quieres? ¡Que te vayas por ahí, cacho cabrón! (fuera de sí. Risas entre el público) Y esa maná gilipollas ahí venga a reírse... ¡Haced algo, cojones! ¡Yo que sé! Pegadle un tiro... ¿No hay algún cazador por ahí?, ¿tanto que os gusta ir dando por culo por ahí con los tiritos que no puede uno ni pasear tranquilo por el bosque y ahora que hacéis falta no hay güevos? ¿O es que es una especie protegía? ¡Y aunque lo sea, a mí qué pollas! ¿Es que yo no merezco protección? Los paracaidistas son una especie en peligro de extinción (risas). No, no os riais, coño. Al menos los paracaidistas gilipollas, como yo, que contratan servicios a cuatro locos que no tienen ni puta idea de dónde tienes que tirar al paracaidista y luego se olvidan de ti. ¿Dónde coño estarán esos subnormales? Vendrán luego..., a recoger mis restos y ponerme una medalla... Ya lo estoy viendo: “Al paracaidista más heroico”, lo de gilipollas se lo callarán, claro. ¡La puta que...! (el BUITRE picotea la tela del paracaídas, que suena con desgarros amenazadores)

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¡Chisst! ¡Deja eso, capullo! ¿No tienes bastante con subirte al arbolito? Eso no se come. ¡Buitre de mierda! ¡Qué estás, esperando a que me caiga y me despanchurre para comerme!, ¿no? ¡Pues no! ¿Qué te comes primero, los ojos? Pues mira lo que te vas a comer... (hace un gesto grosero con el dedo corazón, pero al esfuerzo hay otro desgarrón del paracaídas y otro descuelgue, acompañado de gritos en el público) ¡Tus muelas, niño!, cacho buitre, cabrón... (el BUITRE se acerca cada vez más hasta el borde del arbusto, que sigue cediendo) ¡Quita, quita, quita...! ¡Que te quites, te digo! Vete p´atrás que nos caemos...¿No ves que esto no para de ceder? (el BUITRE sigue avanzando a saltitos y el árbol cede cada vez más sin partirse. Cede tanto que los pies del PARACAIDISTA casi dan en un saliente del precipicio) ¡Un momento! Si casi llego al paredón... ¡Coño!, si al final hasta me vas a servir de ayuda. ¿Qué clase de árbol es éste que cede y cede sin quebrarse? ¡Qué flexibilidad! Un poquito más, pajarito guapo, ¡venga!, ven a por mí... ¡Mira qué güeno estoy! ¿No ves? (hace poses sexys) ¿Te enseño esto, que es de lo más gustoso que tengo? (se agarra el paquete y hace como que se va a desabrochar el pantalón, pero hay otro desgarrón de tela con descuelgue y gritos incluidos) ¡Dejad ya de chillar, cojones! Ya que no hacéis na, al menos no me asustéis... Me estáis poniendo el corazón en la garganta, coño... ¡Venga, venga, pajarito bonito! (el BUITRE da otro saltito y el árbol cede tanto que el PARACAIDISTA consigue tocar con la punta de los pies el saliente del precipicio. Se esfuerza por apontocarse en él, hasta que consigue un precario equilibrio entre la tensión de los pies y de sus hombros colgados en las correas del paracaídas.

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Mira con aprensión hacia abajo cuando hay otro desgarrón y aprovecha el descuelgue para aferrarse con las manos a unas rocas que sobresalen. En ese momento acaba de desgarrarse el jirón que aún le unía al árbol y queda, libre de ataduras, aferrado a las rocas y apoyado en el saliente. Resoplando y con múltiples esfuerzos, asciende poco a poco escalando con ayuda de rocas y salientes hasta que consigue subir al borde del precipicio. (el BUITRE al verlo libre y cerca, echa a correr dando aletazos hasta perderse del escenario). Sí, vuela..., ¡vuela, pajarraco!, que te creías que que me ibas a comer y me has salvado la vida, ¡so mamón! (se oye el motor de un helicóptero que se acerca. El viento de la hélice empieza a empujar al PARACAIDISTA) Sí, ¡tiradme ahora, encima! ¡A buenas horas, mangas verdes! (aparece el COPILOTO DEL HELICÓPTERO) COPILOTO: ¿Aquí estabas? PARACAIDISTA: ¡Y yo me voy a cagar en to los muertos del faraón! COPILOTO: ¡Deja al faraón tranquilo, que llevamos buscándote un rato y no te veíamos por ningún lado! PARACAIDISTA: ¿Es que el piloto de la avioneta es gilipollas? ¿No sabe dónde me dejó? COPILOTO: Pues por aquí..., pero no te veíamos. Hasta que nos dimos cuenta de que había un buitre acechando algo colgado de un árbol... ¡Valiente pajarraco! PARACAIDISTA: Sí, pues si no llega a ser por ese pajarraco no lo cuento... COPILOTO: Bueno, vámonos. PARACAIDISTA: Pa pajarraco el piloto de la avioneta. ¿No había otro sitio donde dejarme? ¡Cuando lo coja! COPILOTO: Venga, venga... ¿Y quién te manda? (se alejan mientras hablan). PARACAIDISTA: ¿Quién me manda? ¿A mí? ¡Vaya mierda de agencia, con el dineral que cobráis...! (Se pierden sus voces entre el estruendo del helicóptero. Se oye alejarse su motor y cede el viento en el escenario). (Oscuro)


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LaTeatral #31  

Revista de Actualidad Teatral

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