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Diseño gráfico

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Ilustración y arte urbano

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Moda y textil

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41

Diseño de producto

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51

Artesanías

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Arquitectura e interiorismo

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63

Fotografía

P. 69

Artes visuales

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Naturalia

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Delicatessen

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Diseño gráfico

Latino Gráfico Tapa dura 24 x 28 cm 224 páginas Gestalten, 2010 Inglés / Español 9783899553116 $2180 $1350

América Latina está llena de creatividad. Como las economías de esta región prosperaron durante la primera década del nuevo siglo, la deman05 da de trabajo por el talento creativo local ha crecido. En este contexto, una generación nueva de diseñadores y artistas ha estado evolucionando y refinando su propio lenguaje visual. Latino Gráfico presenta una colorida selección de diseño gráfico, ilustración y tipografía que explora una de las culturas de diseño más dinámicas y singulares del mundo. Las impresionantes imágenes, un DVD incluido con una selección inspiradora de imágenes en movimiento, y textos perspicaces en inglés y español hacen de este libro una documentación completa del diseño latinoamericano de hoy.


How to Be a Graphic Designer Without Losing Your Soul

Tapa Blanda 19 x 1.6 x 23.2 cm 176 páginas, Princeton Architectural Press, 2010 Inglés 9781568989839 $980 $550

Publicado con reconocimiento inmediato en 2005, nuestro best seller How to be a graphic designer sin perder tu alma se ha convertido en un recurso confiable para diseñadores gráficos de todo el mundo, combinando consejos prácticos con orientación filosófica para ayudar a jóvenes profesionales a emprender sus carreras. Esta nueva edición ampliada actualiza este texto esencial con nuevos capítulos sobre habilidades profesionales, el proceso creativo y las tendencias mundiales que incluyen responsabilidad social, ética y el surgimiento de la cultura digital. How to be a graphic designer ofrece una guía clara y concisa, junto con estrategias enfocadas y sensatas para la configuración, ejecución y promoción de un estudio; encontrar trabajo; y colaborar con clientes. El libro también incluye nuevas e inspiradoras entrevistas con diseñadores líderes, como Jonathan Barnbrook, Sara De Bondt, Stephen Doyle, Ben Drury, Paul Sahre, Dmitri Siegel, Sophie Thomas y Magnus Vol Mathiassen.


Diseño gráfico

Typography : Weingart Tapa Dura 23.4 x 4.8 x 28.2 cm 520 páginas, Lars Müller, 1999 Inglés 9783907044865 $3200 $1600

Tanto como docente como cuanto diseñador, la influencia de Wolfgang Weingart en el desarrollo de la tipografía desde la década de 1970 no tiene parangón. Como sucesor de Emil Ruder en la mundialmente famosa Schule fur Gestultung en Basilea, mejoró el rigor de la tipografía suiza con brío y creatividad experimental; también puso sus ideas innovadoras a trabajar para Typografische Monatsblutter. Innumerables diseñadores en América del Norte y Europa se han inspirado en sus enseñanzas y conferencias. En Typography, Weingart resume un impresionante trabajo de vida en 500 páginas que describen su propio desarrollo y los fundamentos de sus enseñanzas. Este es un libro largamente esperado, de decisiva importancia para nuestra época.

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Handwritten Expressive Lettering in the Digital Age

Tapa blanda 25.4 x 2 x 25.1 cm 192 páginas Thames and Hudson, 2006 Inglés 9780500285954 $1610 $920

Aclamado por la Semana del Diseño, Handwritten ofrece una visión completa de tipografías manuscritas, basándose en una amplia gama de ejemplos internacionales. Esta colección excepcional de diseños inusuales, meticulosamente trabajados y ocasionalmente impresionantes, conforma un libro de inspiración deslumbrante para estudiantes y artistas gráficos de todo el mundo.


Diseño gráfico

Drawn to Enchant Original Children’s Book Art in the Betsy Beinecke Shirley Collection

Tapa dura 24.9 x 2.4 x 30 cm 196 páginas Yale University Press, 2006 Inglés 9780300126730 $1860 $1150 Betsy Beinecke Shirley, una de las grandes coleccionistas de literatura infantil estadounidense, reunió una colección inigualable de libros, ilustraciones originales, manuscritos y ephemera. Este libro magníficamente ilustrado presenta más de 200 obras de arte originales seleccionadas de la encantadora colección que legó al Beinecke Rare Book and Manuscript Library de la Universidad de Yale. Guiando al lector en un recorri- 09 do animado a través de las etapas de la lectura de la niñez, este volumen comienza con el abecedario y libros infantiles. Continúa a través de historias de aventuras, revistas y otras publicaciones, y luego concluye con una sección de misceláneas de maravillosos trabajos inclasificables. Las imágenes deliciosamente variadas demuestran cómo evolucionaron los libros infantiles, desde los primeros días de la independencia hasta nuestros días. Los artistas cuyas obras están representadas incluyen a muchos de los más amados por el gran público de pequeños lectores en este género, entre ellos Ludwig Bemelmans, Maurice Sendak, A. B. Frost, Wanda Gag, Peter Newell, N. C. Wyeth, Tony Sarg, Robert Lawson y Johnny Gruelle. Desde ilustraciones variadas para Goodnight Moon y Where the Wild Things Are hasta bocetos poco conocidos para publicaciones periódicas del siglo XIX que deleitaron a generaciones de niños, Drawn to Enchant ofrece una oportunidad única para estudiar la lectura viviente de los niños a lo largo de la historia estadounidense. Igualmente importante, invita a cada lector a recolectar imágenes favoritas de los libros preciados de su propia infancia.


Art of Mc Sweerney’s Tapa dura 23.2 x 16.7 x 2.8 cm 263 páginas Chronicle Books, 2010 Inglés 9780811866231 $2150 $1250

Una novela con cada portada ilustrada a mano por el autor. Revistas literarias unidas por imanes, o diseñadas para parecer correo basura. El ingenio agudo, el diseño atractivo y lúdico (¿y por qué no la invención?) de la editorial independiente McSweeney, le han valido una gran cantidad de fieles seguidores y ha convertido sus diarios, libros, la revista The Believer y Wholphin DVD en artículos coleccionables, entre los favoritos de lectores y diseñadores gráficos. Creado por el personal de McSweeney para conmemorar su decimoprimero (o decimosegundo) aniversario, este libro muestra su multipremiado arte y diseño a través de todas las producciones de la compañía. Cuenta con cientos de imágenes, entrevistas con colaboradores como Chris Ware y Michael Chabon, y docenas de ideas sobre el peculiar proceso creativo y la experiencia visual de la lectura de McSweeney.


Diseño gráfico

Menus for Chez Panisse The Art and Letterpress of Patricia Curtan

Tapa dura 29.2 x 2.5 x 25.4 cm 184 páginas Princeton Architectural Press, 2011 9781616890292 $1740 $850

Chez Panisse, un pequeño restaurante en Berkeley, California, abrió sus puertas en el verano de 1971. Durante cuarenta años, el restaurante y su fundadora, la legendaria chef Alice Waters, han tenido una profunda 11 influencia en el mundo de la comida, la agricultura, la cocina y la gastronomía. el mundo. Al principio, Waters vio la belleza y la estética de la impresión fina como una forma de comunicar desde el principio de la experiencia de los comensales el cuidado y la atención prestados a la preparación de su cena. La artista Patricia Curtan, de Berkeley, comenzó a imprimir menús a mano para el restaurante durante sus primeros años, mientras trabajaba como cocinera en la cocina de Chez Panisse. Los menús de Curtan, obras de arte por derecho propio, capturan el espíritu único del famoso restaurante con impresiones tipográficas y de linóleo en precioso papel. En Menus for Chez Panisse: The Art and Letterpress of Patricia Curtan se presentan cuatro décadas de menús, que incluyen cenas para invitados especiales como Julia Child, Hillary Clinton, Mikhail Baryshnikov y James Beard con notas sobre los menús, las obras de arte, las ocasiones y, por supuesto, la comida.


The Complete Engraver Monograms, Crests, Ciphers, Seals, and the Etiquette and History of Social

Tapa Dura 15.9 x 2.5 x 22.2 cm 208 páginas, Princeton Architectural Press, 2012 Inglés 9781616890674 $1380 $690

The Complete Engraver es una guía sobre la historia y la etiqueta de los grabados utilizados como papelería y artículos de escritorio en Estados Unidos de América. Este es el primer libro en explorar el grabado como una forma de arte venerable y artesanal, sus tradiciones estéticas y sus nuevas posibilidades visuales. El libro está ilustrado con magníficos y originales ejemplares de papelería social, tarjetas telefónicas y monogramas, e incluye una sección instructiva que guía al lector a través del proceso de grabado y los pasos necesarios para encargar el trabajo de grabado en la actualidad. Las contribuciones introductorias de Ellen Lupton, diseñadora gráfica, educadora y autora, y Marjorie B. Cohn, experta en historia de la impresión reconocida internacionalmente y Curadora de Grabados Emerita de losHarvard University Art Museums, completan el libro. Bonificación adicional: dos fuentes digitales creadas por la reconocida compañía de fuentes Monotype y basadas en las tipografías de estilo del grabador estarán disponibles gratuitamente para lectores del libro (a través de un enlace web o similar).


Diseño gráfico

Sensation Theme Promo & Campaign

Tapa Dura 21.3 x 2.8 x 29 cm 256 páginas, Gingko Press, 2012 Inglés 9789881570482 $2110 $1320

SENSATION - THEME PROMO & CAMPAIGN GRAPHICS contiene el diseño promocional más impresionante para eventos culturales y campañas de marca en todo el mundo, desde tarjetas de presentación y volantes hasta folletos y carteles, y gráfica a gran escala para exteriores. Una serie de imágenes visualmente poderosas no solo estimula la percepción de las personas, sino que también genera atención publicitaria y aumenta el prestigio y la popularidad del evento y la marca a nivel internacional.

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On Air : MTV Tapa dura 30 x 24 cm 224 páginas Gestalten, 2005 Inglés 9783899550610 $2030 $1000

Desde su creación, MTV ha generado una explosión de producción creativa, y ha definido la cultura visual en las últimas dos décadas a escala global. On Air documenta lo mejor del reciente diseño de MTV, trailers y clips de campañas en todo el mundo, incluyendo entrevistas con los creadores de MTV, dando una idea de cómo han evolucionado de la “televisión musical” a un imperio multimedia mundial. Esta colección definitiva muestra la amplia gama de arte visual creado para MTV, y está acompañado por un DVD de 9 minutos que contiene una amplia selección de los gráficos de movimiento sin precedentes de las estaciones de MTV en todo el mundo.


Diseño gráfico

We Are Friends With You Tapa Dura 24.8 x 2.9 x 32.4 cm 240 páginas, Rizzoli, 2014 Inglés 9780847842377 $2330 $1300

Fundado en 2002 por los artistas Samuel Borkson y Tury Sandoval III, FriendsWithYou es un colectivo de bellas artes que ha difundido su mensaje de marca registrada de Magic, Luck, and Friendship (TM) en todo el mundo a través de sus cabezas inflables de dibujos animados e instalaciones de arte con guiños. Juntos han forjado su admiración con 15 Takashi Murakami, Yayoi Kusama y Arturo Herrera y han inculcado en sus obras de arte la poderosa capacidad de provocar pensamientos de felicidad y curiosidad incluso en los públicos más hastiados. Este completo libro explorará una década de FriendsWithYou, desde sus primeras intervenciones en arte callejero en Miami hasta sus recientes colaboraciones con mega marcas como Target, y su trabajo en videos para Pharrell Williams. Originado en la encrucijada entre el arte, el diseño, la cultura popular y el conocimiento de la calle, la producción de FriendsWithYou es bastante única. Al jugar con las diferentes disciplinas, es decir, el arte callejero, el diseño y el arte, y al utilizar cada una como un elemento en el otro, estos artistas están revolucionando el mundo del arte y ampliando las definiciones sencillas de cada una de estas disciplinas. Lujosamente ilustrado con más de 250 bocetos, representaciones conceptuales y fotografías, el libro presenta el prolífico trabajo de FWY en su lenguaje gráfico único. Con las contribuciones de Pharrell Williams y Takashi Murakami, este libro revelará una visión nunca antes vista sobre el dúo de Miami responsable de difundir el amor.


Graphic Candy 256 páginas Gingko Press, 2012 Inglés 9789881797148 $1170 $700

GRAPHIC CANDY invita a artistas, diseñadores y estudios creativos de todo el mundo a compartir con los lectores su creatividad. Este libro va a explorar más posibilidades distintivas en la aplicación gráfica en las ideas promocionales en la actualidad, por lo que es una mercancía preciosa y memorable para la gestión de identidades de marca.


Diseño gráfico

Outside the Box Hand-Drawn Packaging from Around the World

Tapa Blanda 20.3 x 2.5 x 25.4 cm 256 páginas, Princeton Architectural Press, 2015 Inglés 9781616893361 $1870 $1150 Un libro para diseñadores, aspirantes a diseñadores y seguidores de las tendencias del consumidor, Outside the Box pretende ser el primero de su tipo: una celebración de un estilo de packaging que se ha convertido en parte de nuestra lengua vernácula. Incluye el estudio de 30 casos, un historial de diseño de envases y entrevistas con empresas de diseño y agencias de todo el mundo.

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1000 Packaging Structure Tapa dura 24.1 x 17.5 x 7.1 cm 1008 páginas Design Media Publishing Limited, 2011 Inglés 9789881950819 $1760 $950

Con planes y modelado en 3D, este nuevo título demuestra los últimos estilos y técnicas de envases utilizados para muchos productos diferentes en una variedad de industrias diferentes. La gama de ejemplos y el asesoramiento informado hacen de este un recurso valioso y práctico para los diseñadores y abre nuevas formas de acercarse al campo del diseño y la presentación de productos.


Diseño gráfico

Absolute Stationery Design Identity and Promotion

Tapa dura 23.4 x 19.3 x 3.6 cm 384 páginas Gingko Press, 2013 Inglés 9781584235057 $1870 $990 Si bien el diseño de estos artefactos de marca generalmente justifica el presentarlos en volúmenes especialmente enfocados, los proyectos presentados en Absolute Stationary Design incluye campañas que son tan sólidas y cohesivas que ninguna de las partes individuales necesita eliminarse. El contexto mejora la visión general, proporcionando aliento 19 para las generaciones futuras. Las organizaciones artísticas, los diseñadores de moda y los desarrolladores de software por igual tienen ahora acceso a este conocimiento a través de las manos expertas de un elenco internacional de brillantes diseñadores.


Printer’s Devil The Life and Work of Frederic Warde

Tapa dura 15 x 1.8 x 23.1 cm 160 páginas David R Godine, 2008 Inglés 9781567923674 $850 $500

Hoy en día, el editor y el diseñador de tipo Frederic Warde es principalmente recordado por su colaboración con Stanley Morison, (diseñador de la fuente Times New Roman) por su creación del singular tipo Arrighi. Aunque su vida fue corta (murió en 1939 a la edad de sólo 45), había seguido una carrera peripatética, de montaña rusa, que lo vio entrar en contacto con casi todos los principales jugadores en el campo incluyendo a Bruce Rogers, Mardersteig, Updike, Ruzicka, George Macy y, por supuesto, Morison. Printer’s Devil se basa en una amplia gama de documentación que sobrevive para reunir una fascinante imagen de la vida a menudo compleja de Warde durante un período crítico en la historia del diseño, el tipo y la impresión.


Diseño gráfico

Book-Art : Innovation in Book Design Tapa blanda 25.9 x 22.6 x 1.8 cm 160 páginas RotoVision, 2009 Inglés 9782888930884 $850 $500

21 Tras el éxito de CD-Art, DVD-Art, Mag-Art y Poster-Art, Book-Art presenta una colección internacional de diseño de libro ejemplar e innovador. Desde publicaciones en el mercado masivo hasta una lujosa mesa de café y libros exclusivos para artistas, Book-Art explora tanto la inspiración creativa como la logística detrás del trabajo. Presentando los ejemplos más cautivadores del diseño de libros, junto con entrevistas perspicaces con diseñadores, Book-Art explora soluciones para crear impacto, dirigiendo a los lectores a través de capas de información, y proporcionando una publicación utilizable y un objeto deseable. Examina el uso del color, las ilustraciones y la tipografía para lograr portadas y diseños de interiores exitosos; utilizando principios de diseño de información; creando un elemento tridimensional mediante el uso de ventanas emergentes, desplegables e inserciones; y agregar valor mediante el uso oportuno de métodos de impresión y acabado.


Tres Logos Tapa dura 19.7 x 4.4 x 24.8 cm 508 páginas Gestalten, 2006 Inglés 9783899551587 $2430 $1250

Tres Logos es una enciclopedia visual de vanguardia de diseño de logotipos que investiga desarrollos recientes como la influencia de la ilustración y el arte callejero. Con más de 4,400 ejemplos, el libro explora el lenguaje visual excepcional de los logos y los enfoques estilísticos para su creación por diseñadores de todo el mundo. Tres Logos está estructurado para establecer conexiones entre las aplicaciones y los campos para los que fueron creadas. Además de la selección rica y completamente indexada de logotipos y sus aplicaciones, Tres Logos también presenta entrevistas con diseñadores que proporcionan información valiosa para trabajar con éxito en el diseño de logotipos en la actualidad.


Diseño gráfico

Echoes of the Future Tapa blanda 24 x 28 cm 176 páginas Gestalten, 2012 Inglés 9783899554137 $1910 $990

Echoes of the Future es una impresionante compilación de diseño e ilustración gráfica reciente, inspirada en nuestra memoria visual colectiva. Los jóvenes diseñadores de hoy en día no están copiando elementos del modernismo clásico, la tipografía y otros estilos de diseño del pasado, sino que los están sintetizando para crear una nueva estética que emane calidad, intemporalidad y sostenibilidad. Este libro muestra una tendencia de estilo al minuto que promueve la impresión de longevidad visual en estos tiempos de incertidumbre económica, y contrasta fuertemente con los estilos rápidamente cambiantes de años anteriores que parecían anticuados casi de inmediato. Mientras que el trabajo que aparece en Echoes of the Future parece deliberadamente más antiguo, uno se da cuenta de lo claramente diferente y contemporáneo que es cuando se enfrenta con ejemplos genuinos del pasado.

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Supersonic Tapa dura 24 x 28 cm 336 páginas Gestalten, 2007 Inglés 9783899551860 $2180 $1450

Supersonic presenta más de 300 páginas sorprendentes de los productos de música mejor diseñados de hoy, con un enfoque en rock independiente y alternativo, así como electronica. Además de abundantes imágenes, el libro presenta retratos de diseñadores y empresas seleccionadas, que están creando un trabajo excepcional en estos campos musicales. Con sus impresionantes imágenes de la música más excitante de hoy, Supersonic es una fuente de inspiración para todos los músicos, artistas gráficos que crean música y cualquier persona interesada en visuales de vanguardia.


Diseño gráfico

Healt for Sale Tapa blanda 20.7 x 27.8 cm 60 páginas Yale University Press, 2011 Inglés 9780300171174 $710 $500

Desde finales de la década de 1960, William H. Helfand ha donado más de 1.000 carteles, estampas y objetos efímeros a la Ars Medica Collection del Museo de Arte de Filadelfia, la única colección de grabados médicos del mundo alojada en un museo de arte. Este fascinante volumen presenta unos 50 de los cerca de 200 carteles de la reconocida Helfand Collection, e incluye obras de destacados artistas como Jules Cheret y Leonetto Cappiello. Las grandes y coloridas litografías de Cheret elevaron el rótulo comercial al rango de arte, mientras que las sorprendentes figuras de Cappiello revolucionaron el diseño del cartel del siglo XX. Otros ejemplos demuestran la amplia gama de composiciones producidas por artistas no identificados que trabajan en Europa y los Estados Unidos entre finales del siglo XIX y el siglo XX. Datados desde mediados del siglo XIX hasta finales del siglo XX, estos carteles -a veces extraños o sorprendentes pero a menudo divertidos- abarcan una amplia gama de temas, incluyendo higiene, conferencias médicas y espurias curaciones milagrosas.

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Noah IX Tapa dura 23.5 x 2.9 x 31 cm 320 páginas Azur Corporation, 2010 Inglés 9784931154308 $2320 $1200

El libro muestra un impresionante surtido de los mejores diseños de envases de todo el mundo.


Ilustración y arte urbano.

Part-Time Ink Create Your Own Stylish Henna Designs and Temporary Tattoos

Tapa Blanda, 96 páginas, Hardie Grant, 2016 Inglés 9781784880354 $710 $500

Agrega un toque de glamour a tu aspecto con una de las mejores tendencias en tatuajes temporales. En Part-Time Ink, el artista experto en henna, Pavan Ahluwalia, te enseña a crear increíbles obras de arte para lucir en tu cuerpo, que pueden ser borradas o reemplazadas, y utilizan- 27 do herramientas tan simples como delineador de ojos, lápices de gel y pintura corporal. Pavan comparte 30 diseños contemporáneos perfectos para festivales, fiestas y ocasiones especiales. Los tutoriales abarcan desde motivos simples hasta patrones más intrincados, que incluyen hermosas pulseras y anillos con forma de joya, impresionantes collares, piezas especialmente diseñadas para la espalda y brazaletes geométricos. Con instrucciones sobre cómo hacer una transferencia con materiales disponibles, podrás copiar diseños con facilidad, ayudándote a dominar las formas y técnicas necesarias para crear tus propias piezas de henna personalizadas. Hermosa, a la moda, divertida ... ¡la henna es un accesorio imprescindible!


Japanese Animation Tapa Dura 23.9 x 2.6 x 28.2 cm 248 páginas, Flammarion, 2010 Inglés 9782080301536 $1980 $1250

Un viaje arrollador a través de la historia de la animación japonesa, rastreando este fenómeno cultural desde sus orígenes en el arte tradicional hasta nuestros días. Una fuerza dominante en su país de origen desde la década de 1970, la animación japonesa se ha convertido en un fenómeno global en los últimos años. Pero lejos de ser una invención contemporánea, el anime recurre a las mismas tradiciones artísticas de siglos que forman la base del manga. Muy desprestigiada cuando apareció por primera vez en Occidente, hoy se reconoce el valor real de la animación japonesa, que ha inspirado a directores de cine internacionales. Cuento de hadas, romance, aventura, fantasía, ciencia ficción: el anime abarca muchos géneros y su creatividad actual no conoce límites. El autor estudia la evolución de la animación japonesa a través de los siglos, volviendo sobre su historia desde los rollos pintados a los grabados en madera, pasando por películas animadas, primero en blanco y negro y luego en color. Se incluye la obra de varios artistas destacados, entre ellos Tezuka Osamu, el “padrino del anime” y Hayao Miyazaki, fundador del mundialmente reconocido Studio Ghibli y creador de películas como Spirited Away, la primera película de anime en ganar un Premio de la Academia. Ilustrado con más de quinientas imágenes, muchas pocas vistas en Occidente, este libro cierra la brecha entre la historia del arte y la cultura pop.


Ilustración y arte urbano.

Little Paper Planes 20 Artists Reinvent the Childhood Classic

Tapa blanda 25.4 x 1.3 x 30.5 cm Chronicle Books, 2012 Inglés 9780811879071 $930 $500

Con una impresionante celebración de un pasatiempo intemporal, este libro recoge aviones de papel construibles, y algunas otras artesanías inspiradas en aviones, creadas por algunos de los artistas más populares de la actualidad. Con obras de estrellas en ascenso y proyectos indie del 29 colectivo de artistas llamado apropiadamente littlepaperplanes.com, que incluyen a Gemma Correll, Michael Hsiung, Julia Rothman, Alyson Fox y Lisa Congdon, estos patrones llevan el diseño de aviones de papel a un nivel completamente nuevo. Impreso en páginas perforadas para facilitar su extracción y montaje, cada patrón está acompañado de instrucciones, y hay también entrevistas con artistas, y cantidad de imágenes geniales. Desde aviones formato tiburón hasta planeadores, esta encantadora colección está repleta de ideas creativas que lanzarán al vuelo la imaginación.


Fifty Years of Illustration Tapa dura 20.3 x 3.8 x 26 cm 384 páginas Laurence King, 2014 Inglés 9781780672793 $1730 $950

Este libro ilustra la rica historia de la ilustración contemporánea: el idealismo desenfrenado de la década de 1960, el sombrío realismo de la década de 1970, el consumismo generalizado de la década de 1980, la explosión digital de la década de 1990, seguido de la creciente diversificación de la ilustración a principios siglo XXI. El libro explora los contextos en los que la disciplina ha operado, y en él se atiende histórica, sociológica, política y culturalmente a los factores clave en cada década. El impacto e influencia de la ilustración contemporánea en el diseño y la cultura popular se investigan a través de ensayos introductorios y perfiles de profesionales en esta especialidad, ilustrados con ejemplos de sus mejores trabajos. La Paragráfica envíará gratuitamente a los compradores de este libro, ofrecido en su versión original en inglés, la traducción integral de los textos en español, en formato PDF.


Ilustración y arte urbano.

A life in illustration The Most Famous Illustrators and Their Work

Tapa dura 24 x 28 cm 256 páginas Gestalten, 2013 Inglés 9783899554854 $2180 $1230

La ilustración ya no es sólo ilustración. Hoy en día, los ilustradores escriben y crean libros ilustrados para niños y novelas gráficas; Estructuran información a través de infografías; Diseñan logotipos, fuentes y otras aplicaciones tipográficas; Contribuyen al diseño editorial de periódicos y revistas; Aplican sus talentos a la publicidad y la moda; Y desarrollan y producen sus propios productos sobre la base de sus creaciones. A pesar de que todas estas actividades se basan en la ilustración, cada una de ellas tiene sus propias reglas y sus propios especialistas, tareas y descripciones de trabajo para ir junto con ellos. En este contexto, A Life in Illustration da una mirada privilegiada a las diversas facetas de este medio creativo a través de extensos retratos de los principales ilustradores actuales. Los textos y las imágenes perceptivas describen el trabajo y las actividades diarias de talentos excepcionales, incluyendo a Christoph Niemann, Andrea Ventura, Jan Van Der Veken, Peter Grundy, Jessica Hische, entre otros.

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All Allure Tapa blanda 24 x 28 cm 168 páginas Gestalten, 2006 Inglés 9783899551006 $1340 $750

Allure extiende el mundo clásico de los motivos eróticos y ofrece un enfoque contemporáneo sobre la cultura visual erótica, presentando obras de diseño gráfico, ilustración de moda, fotografía y arte de performance. Las obras cautivadoras recogidas en este libro son la mejor indicación de la tendencia del erotismo fuera de las corrientes principales. El encanto sexy, romántico, seductor, provocativo, sensual y a veces ingenuo de estas imágenes es sorprendente, fresco y original. Allure no solo es una fuente de inspiración para creativos y diseñadores, sino también una documentación única de una nueva era de arte erótico.


Ilustración y arte urbano.

Pulled A catalog of Screen Printing

Tapa blanda 21 x 3.2 x 26 cm 256 páginas Princeton Architectural Press, 2011 Inglés 9781568989433 $1670 $890 Popularizada en la década de 1960 por artistas pop como Andy Warhol, la serigrafía sigue siendo una de las favoritas de los artistas debido a su notable versatilidad y su costo relativamente bajo. En Pulled, el autor de best-sellers Mike Perry (Hand Job, Over and Over) recoge el trabajo de más de cuarenta de los diseñadores más talentosos de la actualidad, que están, a su manera, superando los límites de este medio dinámico.

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Book of Skulls , The Tapa blanda 14.6 x 18.4 cm 160 páginas Laurence King, 2011 Inglés 9781856697002 $710 $500

El cráneo es uno de los símbolos más reconocibles de la cultura visual contemporánea de hoy. Desde su renacimiento de los años 70 en los diseños icónicos del álbum de bandas tales como el Grateful Dead, el cráneo ha encontrado su manera en el vocabulario visual de la vida urbana, adornando las camisetas, las insignias y los memorabilia del rock como el símbolo máximo de la anarquía y de la rebelión. Reutilizada y refundida por artistas, ilustradores y diseñadores, se ha convertido en uno de los símbolos culturales más emblemáticos de nuestro tiempo. En respuesta a este fenómeno cultural, el libro de cráneos presenta una guía visual fresca, trazando su renacimiento a través de la música y de la manera de la calle para convertirse en el icono último del anti-establecimiento. De Black Sabbath a Cypress Hill, patinador punk graffiti a tatuajes góticos, de alta costura a Hello Kitty y de Dali a Damien Hirst, este libro es la última colección de frescos e icónicos motivos de cráneo. Dibujo de obras de arte de la música, la moda, arte de la calle y diseño gráfico The Book of Skulls es una celebración de uno de los símbolos culturales más emblemáticos de hoy.


Ilustración y arte urbano.

Usugrow Works 2007 - 2013 Tapa Dura 17.1 x 1.9 x 22.9 cm 180 páginas, Gingko Press, 2015 Inglés 9780996074209 $1380 $670

Usugrow comenzó su carrera artística creando volantes en el underground punk y escenas de música hardcore a principios de los 90. Desde entonces, ha estado involucrado en varios diseños de portadas de álbumes para bandas y músicos en varios géneros, dirección de arte, merchandising y también colaborando con muchas grandes marcas de skate y moda. Además de sus propias exposiciones recientes, Usugrow también ha curado exposiciones colectivas y proyectos de libros con artistas japoneses desde 2009.

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Kitchen Art Studio, The Tapa blanda 10.8 x 1.9 x 15.2 cm 240 páginas Princeton Architectural Press, 2015 Inglés 9781616893651 $580 $350

Este nuevo libro de la serie Learning to See convierte el llamado familiar a no jugar con la comida en la cabeza y alienta a los lectores a mirar sus comestibles de una nueva forma, como objetos que pueden convertirse en arte. El autor Peter Jenny hace la escultura del brócoli, coloca los tallos de la cereza en filas atractivas, y es inspirado por los montones de tazas o de pedazos rotos de cristal. Bajo su dirección los lectores verán los objetos cotidianos de sus cocinas de una manera nueva e imaginaria.


Ilustración y arte urbano.

Unlearning to Draw Tapa blanda 10.8 x 15.2 cm 216 páginas Princeton Architectural Press, 2015 Inglés 9781616893736 $580 $350 Unlearning to Draw es el nuevo título de nuestra exitosa serie Learning to See, que enseña a los lectores no sólo a tomar una pluma y empezar a dibujar, sino a ver el mundo que los rodea con ojos frescos. Cada libro de la serie presenta una breve introducción de Jenny y veintidós ejercicios fáciles, con cada libro centrado en un aspecto diferente. En Unlearning to Draw, Jenny anima a los lectores a regresar al tipo de dibujo 37 despreocupado que los artistas y los niños realizan, y concentrarse en la alegría de dibujar en lugar del resultado final. Deshacerse de la meta de hacer que sus dibujos parezcan 'reales', ayudará a los lectores a descubrir su estilo individual.


Ilustración y arte urbano.

Feng , Eric : Fevolution: The Art of Feric Tapa blanda 20.3 x 1.9 x 29.2 cm 80 páginas Last Gasp, 2005 Inglés 9780867196313 $1310 $750

El aclamado arte ilustrativo de Eric Feng, también conocido como Feric, está presentado aquí por primera vez, revelando su mezcla de arte 39 surrealista y hermoso, oriente y occidente, pasado y presente, natural y mecánico. Al pasar entre la fantasía y la realidad, Fevolución desarrolla posibilidades evolutivas. Las capas translúcidas de Feric proporcionan una ventana a ambas, la claridad y complejidad escondida debajo de la superficie de sus creaciones híbridas.


Paper Captain Tapa dura 20.6 x 2.1 x 25.4 cm 208 páginas Universe, 2008 Inglés 9780789318091 $850 $500

Diseñado por el autor y diseñador de Paper Pilot, este título es un viaje ilustrado en el mundo de los barcos modelo, que reúne impresionantes fotografías de archivo y dibujos técnicos de colores con modelos de troquelados diseñados por expertos, que los lectores pueden cortar y pegar juntos.


Moda y textiles

Fashionize 2 Tapa Blanda 24.8 x 1.3 x 27.9 cm 184 páginas, Happy Books, 2008 Inglés 9788886416696 $1060 $550

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Cómo el diseño de moda ha entrado en nuestras vidas; un amplio estudio que muestra las habilidades de la moda y cómo usarlas en una variedad de campos, desde zapatillas de deporte hasta camisetas, desde fondos de pantalla hasta ropa, desde muebles hasta productos para el hogar . . . El diseño descarado y sofisticado, irónico y inusual. Con su encanto y su carácter nos conducen a mundos imaginarios, desde donde hacemos un regreso fulgurante. Este libro incluye obras de Catalina Estrada, Sophie Toulouse, Teis Albers, Sophie Griotto y muchos diseñadores japoneses.


Coty Tapa dura 30.7 x 23.9 x 2.5 cm 240 páginas Thames and Hudson, 2004 Inglés 9782843236228 $1520 $650

Coty Inc. celebra su centenario en 2014 con una operación global en más de 25 países. Con ingenio, espíritu e imágenes luminosas, Orla Healy cuenta la historia inspiradora de Coty, tanto el hombre como la compañía.


Moda y textiles

À la Cour du Grand Turc Tapa Blanda 28 x 1.3 x 22 cm 160 páginas, 5 Continents, 2009 Francés 9788874395330 $2240 $1400

Este libro invita al descubrimiento de algunas obras maestras de la colección de prendas imperiales del Palacio de Topkapi, Estambul, colección única en el mundo, con más de 3.000 piezas. Las obras maestras presentadas aquí abarcan desde finales del siglo XV hasta principios del XVIII, un período durante el cual la ropa del sultán evoluciona poco y todavía no copia las modas europeas. Entre otras maravillas, kaftanes,cubrecabezas, adornos y accesorios se reproducen magníficamente y se documentan en los retratos oficiales. Además, hay algunas ropas talismán adornadas con una profusión de fórmulas religiosas caligrafiadas en tinta y destinadas a proteger al sultán en situaciones peligrosas. Estos artículos, que evidencian la longevidad de la dinastía otomana (12991922), han sido conservados durante siglos en los mausoleos imperiales de Estambul o almacenados en el antiguo palacio privado del Tesoro, y nos hacen revivir el esplendor de la corte otomana y el esplendor de las ceremonias oficiales.

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Art is Flowering Floral Motifs in Jewellery and Contemporary Art

Tapa dura 17.9 x 1.9 x 24.9 cm 192 páginas Arnoldsche sanstalt, 2007 Inglés 9783897902770 $1800 $900

Las flores son un motivo generalizado y frecuentemente recurrente en los anales del arte e indisolublemente entrelazados con la historia humana. El simbolismo floral y su significado religioso abundan en todos los estilos de época. En joyería, los períodos abarcados van desde las joyas florales de oro de la antigua Grecia a través de broches de flores barrocas suntuosamente engastadas con piedras preciosas y, en arte, desde extravagantes motivos florales de Jugendstil / Art Nouveau a las tendencias actuales de la joyería de arte contemporáneo. Flowering fomenta un diálogo interdisciplinario, comenzando con las joyas, para abrir nuevas perspectivas para los lectores y espectadores sobre el tema floral: la joyería de arte se enfrenta a obras de vanguardia de alta calidad de destacados artistas contemporáneos de los ámbitos de objeto, instalación, dibujo, fotografía y video. Con Mandrake y otras plantas místicas como ejemplos, se rastrean las flores silvestres en su contexto cultural e histórico y se revelan los vínculos entre la magnificencia floral y la cultura cristiana de festivales. Una entrevista con la galardonada florista Karin Engel informa sobre las tendencias pasadas y presentes en su campo. Y en el capítulo dedicado a flores en la literatura, el célebre novelista Beate Rygiert atrae con exquisitas muestras de sensualidad floral en ese campo.


Moda y textiles

Fashion Hantag Tapa blanda 21.4 x 2.5 x 25.3 cm 290 páginas Azur Corporation, 2011 Inglés 9781584234432 $1870 $900

Hangtags, como tarjetas de visita, son a menudo la primera impresión que un diseñador puede hacer; Pero a diferencia de las tarjetas de visita, que deben entregarse, el hangtag se conecta literalmente a un producto. Un hangtag debe presentar la identidad de una marca en un instante. 45 Este extenso volumen es el primero en explorar los más creativos de la moda contemporánea, el diseño, la artesanía y los hangtags de paquetes, y en presentar estas obras de arte funcionales y de pequeña escala como inspiración para el lector.


Pattern Factory

Tapa blanda 27.2 x 1.8 cm 176 páginas HarperCollins, 2009 Inglés 9780061885730 $1250 $820


Moda y textiles Pattern Factory arroja una luz sobre los patrones contemporáneos no convencionales creados por los ilustradores de vanguardia y diseñadores gráficos y mostrando cómo estos patrones únicos se crean, se aplican a los productos y se presentan en tiendas. Con ilustraciones a todo color, muestra más de 100 imágenes de artistas y diseñadores que crean patrones y gráficos distintos y únicos. Cuenta con diseñadores y artistas seleccionados que han demostrado originalidad en la gama de sus productos, así como en sus diseños de impresión, y ofrece una visión de sus procesos creativos con entrevistas y fotos de sus entornos de trabajo. El libro será un recurso útil para los artistas, ilustradores, diseñadores de moda / entusiastas y diseñadores gráficos, y atraerá a los amantes del textil y la artesanía a un área sub-representada de la cultura visual contemporánea popular. Cuando escuchamos la palabra pattern en el mundo del diseño, a menudo lo asociamos con textiles. Pero en este libro no se trata sólo de diseño textil, sino tambíen de cómo los patrones comenzaron a ser reconocidos como arte o iconos gráficos individuales, especialmente en la última década. Esto se debe en parte a la reciente tendencia hacia la colaboración 47 comercial que se produce cuando los artistas son invitados por las marcas a aplicar sus obras de arte a diversos productos como bolsas, botellas de agua mineral y coches. También refleja cómo las marcas de streetwear como Supreme y Stussy han tenido una fuerte influencia sobre los adolescentes y sobre subculturas, como la escena de skate de los años 90. Muchos de los que crecieron con estas influencias ahora tienen ingresos disponibles que les permiten comprar productos exclusivos para el hogar, ropa, juguetes de diseño y otros productos de edición limitada, visualmente únicos. Pero con estos nuevos diseños viene una reapreciacion de los artículos hechos a mano y del artesanado, que se pueden ver en la manera que algunos de los diseñadores modernos más influyentes trabajan usando métodos tradicionales. Y los consumidores han respondido positivamente a este tipo de estilo intransigente y personalizado.


Over & Over Tapa blanda 20.3 x 2.5 x 25.4 cm 250 páginas Princeton Architectural Press, 2008 Inglés 9781568987576 $1670 $990

Si bien los patrones han existido desde siempre, hay un movimiento reciente, una tendencia entre los diseñadores, que utilizan patrones para animar su trabajo con una complejidad colorida y exuberante. Over & Over: un catálogo de patrones dibujados a mano, recoge el trabajo innovador de cincuenta de los diseñadores más talentosos de la actualidad, que crean patrones y los utilizan en su trabajo de maneras creativas e innovadoras. Desde los patrones de Deanne Cheuk que adornan la moda actual hasta los de Robin Cameron que exploran su interés en el arte, y los patrones de Garrett Morin que surgieron de un ejercicio para un personaje llamado Eloie, los ejemplos de este libro traspasan los límites del concepto tradicional de qué es el patrón. Las obras seleccionadas a menudo no son un resultado final, sino el comienzo de otra cosa, de algo más grande y más amplio. Si bien la computadora a veces participa en la producción de patrones, el elemento dibujado a mano es siempre evidente en la singularidad de estos trabajos. Con más de 250 patrones vibrantes y emocionantes, Over and Over explora esta magia en cada página, e inspirará a los diseñadores de todo el mundo.


Moda y textiles

Pretty Patterns Surface Design by 25 Contemporary Artists

Tapa dura 21.6 x 1.9 x 21.6 cm 108 páginas Chronicle Books, 2013 Inglés 9781452112152 $830 $650

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Este hermoso libro de regalo presenta hermosos estampados de los mejores artistas y diseñadores independientes, entre ellos Julia Rothman, Jill Bliss, Junzo Terada, Rifle Paper Co., Amy Butler, Sukie y muchos más. Incluye una variedad ecléctica de diseño de patrones de artistas destacados que resulta divertida y rotundamente imaginativa, y pone énfasis en florales, botánicos y en todo lo bonito.


Diseño de producto

Fantastic Plastic Tapa Blanda 21.6 x 1.9 x 29.2 cm 185 páginas, Black Dog, 2008 Inglés 9781906155407 $1570 $850

Fantastic Plastic es un estudio exhaustivo de las cualidades ecológicas, 51 tecnológicas y estéticas del plástico. Fantastic Plastic explora la evolución de este material ubicuo e infinitamente maleable, observa cómo la función y la reputación del plástico ha cambiado a lo largo de su vida, y considera el futuro de lo que se convirtió en el material definitorio del siglo XX. Presenta una amplia gama de artistas, entre ellos: el icónico diseñador del siglo XX Charles Eames; Eero Aarnio, inventor de la pelota hueca suspendida o silla de burbujas; el diseñador multipremiado Phillipe Starck; y otros como Christo y Jeanne, Tatty Devine, Cake y Neave, y Patric Coyle. El libro también explora los usos clásicos de los plásticos en el diseño y la medicina, desde Dunlop, LEGO y Biro, hasta la sangre plástica, los reemplazos de cadera y las extremidades artificiales. En muchos sentidos, la historia de los plásticos es la historia del diseño industrial contemporáneo, y Fantastic Plastic proporciona una mirada fascinante sobre cómo los diseños que utilizan plásticos pueden considerarse obras de arte, tanto como objetos de nuestra vida cotidiana.


Diseño de producto

Rad Rides: The Best BMX Bikes of All Time Tapa Blanda 21.6 x 1.9 x 26 cm 160 páginas, Laurence King, 2012 Inglés 9781856697262 $1180 $650

Las bicicletas BMX son icónicas. Hay algo sobre ellas que atrae a niños, adultos y ciclistas. Y, por supuesto, BMX ahora se ha convertido en un deporte olímpico. Rad Rides es la exploración más profunda del mundo 53 de las bicicletas BMX a través de sus ciclistas y la cultura que los rodea. La introducción explica y contextualiza el nacimiento de la cultura BMX y su actual estado, mientras que el cuerpo principal presenta bicicletas que van desde las más desgastadas a través de los años de la equitación hasta bellas obras de arte escultóricas, resplandecientes, repertorios construidos pero nunca cabalgados. Las bicicletas presentadas se organizan década por década, con BMX extraídas de las mejores colecciones del mundo. También hay detalles pormenorizados de las especificaciones y entrevistas con algunos de los coleccionistas, y una cantidad notable de cantidad de fotografías de bicicletas que han sido tomadas exclusivamente para el libro. Este es el compañero indispensable para cualquier persona que ama el BMX.


Artesanías

Scottish Vernacular Furniture Tapa dura 24.9 x 3.3 x 31.8 cm 304 páginas Thames and Hudson, 2008 Inglés 9780500238578 $2540 $1630

Este libro representa treinta años de investigación sobre las tradiciones de los muebles vernáculos de Escocia desde finales del siglo XVII hasta el siglo XX. Como en el resto de Gran Bretaña y Europa, tales muebles formaban parte de la cultura distintiva de un lugar, de manera similar a la arquitectura local, los dialectos y las costumbres. Si no es a menudo de alto arte, las piezas de este libro demuestran que los limitados recursos y requisitos funcionales no necesitan excluir la belleza y el encanto. Los autores hicieron del ver piezas en sus contextos, conocer a las personas que las usaron y entender cómo se hicieron su prioridad. La historia de su búsqueda, que los llevó tan lejos como Nueva Zelanda, es en sí misma una aventura, y los objetos fotografiados representan la vida y la muerte de una comunidad, las reliquias vitales de una cultura desaparecida.

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Yearning for Beauty Tapa dura 32.5 x 24.5 x 4.2 cm 448 páginas Hatje Cantz, 2006 Inglés 9783775717786 $3700 $1800 En 1903, Josef Hoffmann y Koloman Moser, con el apoyo del empresario Fritz Wärndorfer, fundaron la Wiener Werkstätte, una agrupación integrada por artistas visuales, arquitectos y diseñadores, establecida en Viena en con la finalidad de formar a gente en diferentes disciplinas artísticas. Primero ubicaron su sede en un espacio reducido, para pronto trasladarse a un edificio de tres plantas adaptado para poder trabajar y formar a gente interesada en el oficio de la carpintería, del cuero, de la encuadernación, de la metalurgia o de la pintura. Su historia se narra en este volumen bellamente diseñado, que presenta fotografías de sus creaciones (algunas de ellas publicadas aquí por primera vez), documentos y textos originales seleccionados por expertos del MAK (donde los archivos de Wiener Werkstätte han sido mantenidos desde 1955). Muchas ilustraciones de página completa muestran ejemplos sobresalientes de piezas de la Wiener Werkstätte, que abarcan arquitectura, muebles, cerámica, vidrio, libros, carteles, postales, alfombras, joyas, moda y diseño de impresión. El libro también se centra en el innovador ideal de la Gesamtkunstwerk u obra de arte total, un entorno coordinado en el que todo, hasta el último detalle, era diseñado conscientemente como una parte integral del entero proyecto, utilizado por la vanguardista Wiener Werkstätte para establecer una temprana ‘cultura del consumidor’, ya que la Werkstätte fue una de las primeras organizaciones en desarrollar una identidad corporativa que siguió a un producto en cada etapa, desde el concepto y el desarrollo hasta el marketing. Con una sección especial ricamente ilustrada dedicada a la Stoclet House de Josef Hoffmann.


Artesanías

Master Artisans of the Grands Ateliers de France Tapa dura 29.2 x 4.6 x 33.5 cm 396 páginas Thames and Hudson, 2013 Inglés 9780500517154 $6580 $3850

Los Grands Ateliers de France, conforman una asociación de élite dedicada a promover la excelencia en la artesanía. Fundada en 1993, ahora reúne a 68 artesanos y talleres, representando más de 90 diferentes disciplinas artesanales. Especialmente seleccionados por sus componentes, 57 sus miembros comparten una pasión por las artesanías, una suprema atención al detalle y un deseo de preservar el patrimonio cultural de Francia para las generaciones futuras. Estos notables hombres y mujeres son reconocidos por haber dominado todos los aspectos de su campo elegido, produciendo obras únicas o ediciones limitadas de la más alta calidad. Conservación y restauración son pilares de sus carreras, pero también lo son la creación y la innovación. Este libro presenta su diversa gama de talentos, y los captura en el trabajo en sus estudios y talleres.


History in the Making Renwick Craft Invitational 2011

Tapa Blanda 22.9 x 0.9 x 30.5 cm 104 páginas, Scala Publishers, 2011 Inglés 9781857597035 $1040 $650 History in the Making: 2011 Renwick Craft Invitational presenta obras de cuatro artistas extraordinarios que exploran las raíces profundas de la artesanía y las artes decorativas estadounidenses contemporáneas. Ubaldo Vitali, platero de cuarta generación y maestro en la conservación de platería histórica, utiliza técnicas clásicas aprendidas en los gremios de Roma, las que estos utilizaban para crear obras luminosas para papas, reyes y presidentes. Cliff Lee, neurocirujano por formación, crea elegantes vasijas de porcelana con el cuidado y la exactitud de un galeno, a menudo utilizando su conocimiento de la química para recrear esmaltes chinos medievales cuya composición se ha perdico hace tiempo en la historia. Judith Schaechter aporta una gran cantidad de conocimientos sobre las prácticas tradicionales de vitrales a sus cambiantes e innovadoras ventanas, que reflejan diversas influencias, desde el arte gótico hasta el punk rock. Matthias Pliessnig combina técnicas tradicionales de construcción de embarcaciones y tecnología de diseño en 3-D para crear muebles de asientos con tiras de roble dobladas al vapor que pueden tener hasta 7.000 puntos de contacto sin ayuda de hardware. El Renwick Craft Invitational es una serie de exposiciones bienales establecida en 2000 para honrar la creatividad y el talento de los artistas artesanales que trabajan actualmente. Nicholas R. Bell, Ulysses Grant Dietz y Andrew Wagner examinan cómo cada artista explota y trasciende la tradición en plata, porcelana, vidrio y madera para crear obras muy originales, de consumada artesanía .


Artesanías

Gallé Lamps Tapa dura 24.5 x 2.5 x 30.6 cm 240 páginas Antique Collectors Club, 2013 Inglés 9781851496716 $4660 $2990

A pesar de ser reconocido por su trabajo como verrier, las lámparas no formaron parte significativa del repertorio de Gallé en vidrio hasta inmediatamente antes de 1900. De hecho, sólo en los últimos años de su vida parece haberse dado cuenta del pleno potencial estético de opalescente del vidrio visto por la luz transmitida. En un contexto Art Nouveau, las creaciones de Gallé llegaron a su apogeo entre 1900 y su muerte en 1940, un breve período durante el cual adaptó la forma de gran parte de su cristalería a su tema. Este amplio catálogo incluye toda la gama de luminarias producidas por la cristalería de Gallé, desde las fabricadas durante su vida hasta aquellas fabricadas durante más de veinticinco años después de su muerte. Incluyendo los modelos de mesa, cabecera, colgantes y de pared, Gallé Lamps revela la extraordinaria variedad de combinaciones temáticas de sombra y base introducidas por la firma: mariposas, polillas, libélulas, golondrinas y águilas flotantes, paisajes montañosos, en una interacción aparentemente interminable de motivos decorativos de la naturaleza.

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Götter, Helden und Grotesken Tapa Dura 30.6 x 24.6 x 2.8 cm 320 páginas, Hirmer, 2006 Alemán 9783777431956 $2130 $1350

Este catálogo publica obras de arte de la mayólica del Staatliche Kunstsammlungen Dresden, bajo el sugestivo título de Dioses, Héroes y Grotescos. Las brillantes ilustraciones y los incisivos ensayos que las acompañan se ocupan de piezas únicas de cerámica del este de España, Italia y otros lugares, y brindan el trasfondo histórico cultural de la Edad de Oro de la Mayólica. Texto en alemán.


Artesanías

Tiffany, Louis Comfort Artist for the Ages

Tapa Blanda 28.1 x 26 x 1.8 cm 240 páginas, Scala Publishers, 2008 Inglés 9781857594140 $1710 $880

Pocos artistas estadounidenses han sufrido cambios en la opinión crítica 61 como Louis Comfort Tiffany. Inicialmente como pintor, luego como diseñador de interiores y experimentador en el medio del vidrio, Tiffany alcanzó una posición de gran prestigio en las artes. Sin embargo, cuando Estados Unidos intervino en la Primera Guerra Mundial, muchos críticos consideraron su arte superficial y obsoleto, y luego durante los años 30 y 40, en general fue olvidado. En 1946, su renacimiento había comenzado con una exposición en el Museum of Contemporary Crafts de Nueva York, organizada por Edgar Kaufmann Jr., Lillian Nassau y Edward Wormley. Este encantador libro, publicado para acompañar la exposición itinerante que se inauguró en el Museo de Arte de Seattle en octubre de 2005, exhibe 120 objetos, ilustrando sus amplios intereses y colocándolo en contexto con otros artistas significativos de su época.


Arquitectura e interiorismo.

Palladio , Andrea The Buildings and Designs of Andrea Palladio

Tapa dura 24.1 x 3.2 x 31.8 cm 328 páginas Princeton Architectural Press, 2014 Inglés 9781616892647 $3740 $2310

Andrea Palladio es, sin duda, el arquitecto más importante en el mundo occidental: sus diseños cuidadosamente ordenados y con frontones son los cimientos de la mayoría de las casas unifamiliares y edificios públi63 cos en los Estados Unidos y Europa. En 1776, el arquitecto y erudito Ottavio Bertotti Scamozzi comenzó a documentar y analizar los diseños de Palladio, que se publicaron en cuatro volúmenes como Le fabbriche e i disegni di Andrea Palladio. Reunidos aquí por primera vez en inglés en un solo volumen, The Buildings and Designs de Andrea Palladio ofrece las obras completas de Palladio, desde sus famosas villas del Véneto hasta sus estructuras de ingeniería menos conocidas, como los puentes. Con una impresión y encuadernación de la más alta calidad, este volumen de gran formato presenta más de doscientas reproducciones y muestra los diseños de Palladio para villas, iglesias y edificios cívicos y, por primera vez, la traducción al inglés de la introducción de Scamozzi a la notable obra de Palladio.


Becoming an Architect in Renaissance Italy Tapa dura 25.4 x 2.5 x 28.6 cm 240 páginas Yale University Press, 2015 Inglés 9780300203950 $3160 $1750

Un importante arquitecto del Renacimiento italiano, Baldassarre Peruzzi (1481-1536), ha sido hasta ahora una figura enigmática, muy poco conocida. La escasez de documentación biográfica y un número modesto de edificios sobrevivientes, junto con una evaluación inmerecidamente crítica de Giorgio Vasari (1511-1574), han echado a perder la carrera de Peruzzi. Especialista en arquitectura de la Italia del Renacimiento, Ann C. Huppert hecha mano a un recurso conocido, pero descuidado, los dibujos autógrafos de Peruzzi, y revela el alcance total y el dominio artístico del trabajo de Peruzzi y su influencia perdurable. Extraordinarios no solo por su belleza e ingenio de diseño, sino también por las variadas técnicas de representación y matemática práctica que se observan en ellos, los dibujos de Peruzzi registran un proceso artístico en evolución. Volviendo a evaluar sus obras maestras arquitectónicas, Huppert también explora trabajos menos conocidos: sus estudios de la antigüedad romana, pinturas realizadas y edificios no realizados, así como proyectos de ingeniería. Huppert muestra que Peruzzi anticipó los métodos modernos de representación y los enfoques científicos en la arquitectura, y señala el momento en que la arquitectura comenzó a emerger como una profesión distinta de las otras artes.


Arquitectura e interiorismo.

Baroque Architecture of Sicily , The Tapa dura 27.7 x 3.1 x 33.4 cm 288 páginas Thames and Hudson, 2007 Inglés 9780500342398 $3350 $2050

Las maravillas del barroco siciliano, el poder dramático de su arquitectura y la fuerza emocional de su arte decorativo, son bien conocidas. Se han realizado numerosos estudios, desde un enfoque en las principales ciudades sicilianas o en temas arqui65 tectónicos como iglesias y villas, hasta un examen de su cronología, pero ninguno de estos ofrece una visión completa. El estilo del barroco siciliano es reconocible no sólo por sus curvas y sus ornamentos ostentosos típicos, sino también por sus máscaras y angelotes, y una extravagancia particular que ha dado a Sicilia una identidad arquitectónica única. Este libro analiza el tema desde la perspectiva de la diferencia y define lo que distingue al Barroco de Sicilia. ¿En qué se diferencia del Barroco en otros países y en otras regiones italianas, como Roma y Piamonte? ¿Cómo fue posible imponer ese carácter particular sobre iglesias y palacios, esculturas y pinturas? ¿Cuál fue el papel de ciudades como Palermo y Catania, y ciudades más pequeñas como Noto? ¿En qué medida absorbió estilos del exterior? ¿Qué tan decisivo fue un factor de cambio y renovación en el terremoto siciliano? Todas estas preguntas van al corazón de una arquitectura que estaba abierta al mundo del Barroco europeo y, sin embargo, tercamente protectora de su propia identidad única. 272 ilustraciones a color acompañan este recorrido inolvidable.


Decorative Arts and Architecture of the 1920s Le Arti d’Oggi with 796 Duotone Illustrations and 12

Tapa dura 5.2 x 24.5 x 33.5 cm 480 páginas Thames and Hudson, 2005 Inglés 9780500512272 $3240 $1990

Le Arti d’Oggi presenta una deslumbrante colección de obras de arte europeas de los años veinte. Este libro fue publicado originalmente en Italia en 1930, y desde entonces se ha vuelto extremadamente raro. Esta nueva edición, que sigue el formato del original, tiene más de 800 ilustraciones organizadas en seis secciones: arquitectura, interiores y muebles, metalistería y joyería, cerámica, cristalería, textiles y otros materiales. Se incluyen los edificios más interesantes, jardines, pabellones, interiores y muebles, así como una serie de objetos exquisitos - cristalería, juegos de té, puertas de hierro forjado, jarrones, vajilla, encajes, encuadernaciones - diseñado y producido por artistas de la década de 1920. Entre los arquitectos y artistas que trabajan se encuentran Edgar Brandt, Josef Hoffmann, Le Corbusier, Gio Ponti, Emile-Jacques Ruhlmann y Eliel Saarinen. También se incluyen proyectos de empresas destacadas como Baccarat, Cartier, Daum, Moser y Royal Copenhagen. Las obras de arquitectos menos conocidos ayudan a ilustrar las características estilísticas y los movimientos de la época. El texto es de Roberto Papini, que contempla una ciudad utópica llamada ‘Universa’ donde todas sus ideas futuristas se hacen realidad. Los títulos que acompañan las ilustraciones se ponderan con las opiniones personales de Papini y arrojan luz sobre las preocupaciones de la época.


Arquitectura e interiorismo.

Florence Broadhurst Tapa Dura 18.5 x 2.3 x 25.9 cm 230 páginas, Chronicle Books, 2007 Inglés 9780811859370 $1200 $700

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En un volumen tan cautivador como su tema, Florence Broadhurst pinta un retrato inolvidable de una mujer adelantada a su tiempo. Hasta el día de hoy, el misterio envuelve a su miríada de personalidades (estrella, modista, pintora) así como su asesinato no resuelto. Una cosa, sin embargo, es cierta: el lugar de Broadhurst en la historia de la decoración de interiores. Reconocida en todo el mundo por sus innovadores diseños de papeles pintados, esta enigmática australiana dejó atrás un tesoro de trabajo exquisito, exhibido brillantemente aquí en la primera biografía autorizada de esta icono del diseño. Los empapelados para pared de Broadhurst que estuvieron fuera de circulación por casi 20 años ahora están siendo restaurados y vendidos mundialmente con gran fanfarria. Este increíble volumen presenta más de 100 patrones nunca antes publicados y estampados populares, como los de Marc Jacobs, Stella McCartney y Carly Simon, junto al fascinante misterio de su asesinato.


Ornament A Social History since 1450

Tapa Dura 22.2 x 2.5 x 27.9 cm 232 páginas, Yale University Press, 1996 Inglés 9780300064551 $2550 $1350

Esta amplia gama de estudios de la tradición occidental de adornos, desde interiores del Renacimiento y las caravanas gitanas a la decoración de los aviones. Colocando el diseño ornamental en un contexto social, rastrea las diversas formas en que se ha usado el ornamento, las reglas de decoro y etiqueta asociadas con él, y los valores sociales, morales y espirituales que el ornamento ha transmitido y representado durante los últimos cinco siglos. Michael Snodin y Maurice Howard comienzan mirando cómo se creó una visión autorizada del ornamento: los objetivos implícitos en la decoración de la arquitectura desde el Renacimiento en adelante y la manera en que las imágenes impresas transmitían un vocabulario común de adorno en todo el mundo occidental. Luego estudian cómo se ha usado el adorno para la decoración personal, analizando cómo se adornaba el cuerpo con el vestido y las joyas y el lugar del adorno en el interior de la casa. Luego exploran el lado más popular del ornamento, discutiendo los temas comunes que se esconden detrás de los motivos heráldicos de las ceremonias y festivales religiosos y los logos adoptados por las corporaciones. Los autores concluyen con un relato de las formas en que la tradición occidental del ornamento ha respondido y ha absorbido motivos africanos y asiáticos.


Fotografía

Bailey , D. : East End Tapa Blanda 31.8 x 11.4 x 39.4 cm 464 páginas, Steidl, 2014 Inglés 9783869305349 $5200 $3350

La idea de un libro sobre el East End se formó en los años ochenta. Los muelles de Londres ya habían cerrado o estaban empezando a hacerlo. Elegí fotografiar principalmente en los distritos de Silvertown y Canning Town. A lo largo de los años he pasado muchos fines de semana captan69 do lo que sea que me apetezca. Las otras dos veces que tuve ráfagas de energía fotográfica en el East End fueron en la década de 1960 y aproximadamente de 2004 a 2010. Estos fueron mis tres periodos clave para tomar imágenes, en lugar de simplemente recorrer los últimos cincuenta años de archivos. A fines de la década de 1940 y principios de la de 1950, escuché una cita en la radio, “Ve al oeste, joven”. En ese momento no pensé demasiado. Más tarde asumí que la consigna era para Norteamérica, y que se remonta a mediados del siglo XIX, cuando la costa oeste de Estados Unidos se estaba abriendo a grandes riquezas y oportunidades. Los cockneys (gente de la clase obrera del este de Londres) deberían haber escuchado, pero no lo hicieron. Fueron al este como sus antepasados antes que ellos. Los que se mudaron al este de ‘Old Nichol’ fueron a Whitechapel, luego a Stepney y Bow, luego a lo que ahora se llama Newham y luego a Barking, Dagenham y Essex. Mi madre era de Bow, mi padre parece ser de Hackney, mi abuelo de Bethnal Green. Antes de él, todos eran de Whitechapel en la medida en que lo muestran los registros . David Bailey


Blackmore , Paul At Water’s Edge

Tapa Dura 31.8 x 2.5 x 26 cm 132 páginas, T&G PUBLISHING, 2012 Inglés 9780987079091 $3690 $1950

Water’s Edge, la tan esperada publicación del fotógrafo Paul Blackmore, explora la relación entre la humanidad y su recurso natural más vital. Este extraordinario cuerpo de trabajo, que abarca 11 años y 14 países, ofrece una visión global de cómo fluye el agua a través de la vida diaria, espiritual y física, de personas de todo el mundo. Las fotografías ilustran de manera conmovedora el drama que se desarrolla en la crisis mundial del agua y cómo está afectando a las personas atrapadas en él: mil millones de seres humanos sin acceso a agua potable, otros cuatro mil millones sin un suministro adecuado. Con este telón de fondo, el trabajo también celebra la conexión silenciosa pero esencial con la naturaleza que el agua nos ofrece. Paul Blackmore pertenece a una nueva generación de reporteros fotoperiodistas de la realidad. Sus observaciones elegantes, coherentes e impresionantes funcionan igualmente bien como valiosos registros de cambio social e imágenes de bellas artes. Su fotografía, representada por la agencia francesa exclusiva Rapho, ha sido ampliamente exhibida internacionalmente. Su prominencia como fotógrafo establecido y con trabajos atractivos para coleccionistas ha ganando impulso gracias a su inclusión en la Biennale D’Limage France 2011, exposiciones en Camera One, Nueva York, Stills Gallery, de Sydney, y el Centre of Contemporary Photography, de Melbourne.


Fotografía

Cohen - The high & lonesome sound Tapa Dura 20.3 x 3.2 x 26.7 cm 264 páginas, Steidl, 2012 Inglés 9783869302546 $2650 $1400

En 1959, John Cohen viajó al este de Kentucky buscando lo que él llama “old music”. Pidió los nombres en las estaciones de servicio locales, pero pronto se quedó sin pistas y se fue de la carretera hacia el próximo camino de tierra. Aquí tropezó con Roscoe Holcomb tocando el banjo 71 y cantando en el porche de una manera, dice Cohen, “que me puso los pelos de punta”. Con el tiempo, Holcomb, un pobre minero del carbón, se convirtió en una figura habitual en los circuitos de conciertos y festivales estadounidenses. La “extraña belleza y la dificultad de encillamiento de un género” de su música -una mezcla de blues, baladas e himnos bautistas, únicos a través de su voz tensa- se expuso a un público más amplio. High & Lonesome Sound combina las fotografías antiguas, nuevas tomas y grabaciones musicales de Cohen, así como un texto anecdótico en un tributo multimedia a esta leyenda subestimada de la música estadounidense cuyas interpretaciones fueron en palabras de Cohen “no solo una interpretación de la música, sino una prueba de algo que esta incluso más allá de ella”. John Cohen, nacido en 1932 en Nueva York, es fotógrafo, cineasta y miembro fundador de “New Lost City Ramblers”. Graduado de maestría de la Universidad de Yale, Cohen participó activamente en los círculos artísticos de finales de los 50 y principios de los 60 en Nueva York, y trabajó con Robert Frank en su película Pull My Daisy (1959). Steidl ha publicado ya, de este fotógrafo, Past Present Peru (2010).


Voit , Robert : The Alphabet of New Plants Tapa dura 26.2 x 2 x 31.5 cm 160 páginas Hatje Cantz, 2015 Inglés 9783775740463 $3170 $1700

Un álbum con las flores más bellas: pero algo no parece estar bien, ya se trate de los contornos desaliñados de un tallo de plástico, o de la estructura de la tela utilizada para las hojas. Se trata de flores artificiales, como las que se producen en masa hoy en día, y disponibles en innumerables variedades para fines de decoración. Haciendo referencia directa al Alfabeto de las Plantas (Urformen der Kunst) de Karl Blossfeldt de 1928, Robert Voit (* 1969 en Erlangen) monta un archivo de nuevas flores, y las retrata sobre un fondo neutro. Expone juguetonamente el impulso del hombre a imitar la naturaleza. Los nuevos árboles de Voit también abordan la imitación de la naturaleza, presentando fotografías de gran formato de antenas de telefonía móvil que se mezclan en el paisaje camuflado como árboles, cactus o palmeras. Robert Voit asistió, como estudiante, a las clases magistrales de Thomas Ruff, en la Academia de Arte de Düsseldorf.


Fotografía

Subotzky : Retinal shift Tapa Dura 21.6 x 5.1 x 29.8 cm 492 páginas, Steidl, 2012 Inglés 9783869305394 $2350 $1350

Retinal Shift es el catálogo de la exposición Standard Artist Young Exhibition de Mikhael Subotzky de 2012, que recorrió todos y cada uno de los principales museos de Sudáfrica. Retinal Shift investiga la práctica y la mecánica de mirar, en relación con la historia de Grahamstown, la 73 historia de los dispositivos fotográficos y la propia historia de Subotzky como artista. Las obras se basan en retratos de archivo del siglo pasado, videos de vigilancia encontrados, así como las propias fotografías de Subotzky de varias series que él recontextualiza. El trabajo de apertura en el libro es un autorretrato hecho por Subotzky con la ayuda de un optometrista. Las imágenes de alta resolución de sus retinas izquierda y derecha se colocan una al lado de la otra. Dice Subotzky: “Me fascinó este encuentro. En el momento en que mis retinas, partes de mis órganos esenciales de la vista, fueron fotografiadas, fui cegado por el aparato que creaba las imágenes”. Mikhael Subotzky nació en 1981 en Ciudad del Cabo y actualmente tiene su sede en Johannesburgo. Subotzky adopta la franqueza del modo documental de carácter social, al mismo tiempo que cuestiona el medio fotográfico. En los últimos ocho años, su trabajo se ha centrado en el interior y el exterior de las famosas prisiones de Sudáfrica, la pequeña ciudad de Beaufort West y Ponte City, un edificio de singular iconicidad en Johannesburgo.


Cohen : Walking in the light Tapa Dura 23.5 x 1.4 x 24.1 cm 96 páginas, Steidl, 2015 Inglés 9783869307725 $2020 $1320

Walking in the Light es el viaje fotográfico de John Cohen hacia y a través de la música gospel. De 1954 a 1964, fotografió en las iglesias negras del este de Nueva York, en las calles de New Haven, en la casa del reverendo ciego Gary Davis, así como en la oscuridad de un gimnasio de boxeo y la negrura de los paleadores de carbón en un emplazamiento industrial. De todas estas imágenes, las de los fieles en una pequeña iglesia en Harlem forman la pieza emocional central del viaje de Cohen, donde la música lleva a la liberación espiritual en trances y danzas. El último destino de esta odisea es Johns Island, Carolina del Sur, donde los niños de Gullah se conectan con antepasados africanos a través de juegos y juegos. Las fotografías de Cohen de actuaciones musicales en contextos religiosos reflejan el sonido interior expresado en la cara de un cantante, una expresión conmovedora, la calidad de la luz que ilumina la cara de un niño, o la intensidad de una oración. El sonido, la canción y el sentimiento religioso se representan permanentemente en blanco y negro.


Fotografía

Colin , T. : Paris Fugues Tapa Dura 29 x 1.8 x 30.3 cm 133 páginas, Snoeck Publishers, 2012 Francés 9789461610508 $2180 $1500

Este libro reúne material crédito fotográfico correspondiente a un período de treinta años (1982-2012). El autor se propone construir un 75 diario de viaje accesible a todos, en una ciudad única, en movimiento perpetuo, que se transforma, creciendo o acurrucándose. A través de una ciudad que cultiva sus secretos, las imágenes de este libro también nos hacen descubrir un París que se divierte, un París travieso, un París que se mueve, un París que intriga y fascina, París susurrando en todas partes. Entre París despertando y el que se duerme, hay otro París, que ante una puerta anónima, una habitación bajo el techo, una escalera que se desvanece en la niebla, una pieza de pavimento cuyo brillo anuncia el amanecer. La ciudad de la luz, evanescente para innumerables visitantes de los cinco continentes a lo largo de las cuatro estaciones, mantiene en cada uno de nosotros la llama de la curiosidad y la evasión.


Dewitz : Politische Bilder Tapa Blanda 24.2 x 2 x 27.8 cm 250 páginas, Steidl, 2009 Multi L. 9783865219329 $1850 $1050

Bodo von Dewitz - Fotografías soviéticas 1918-1941. La Colección Daniela Mrazkowaestá integrada por una gran cantidad piezas de importantes fotógrafos de la Unión Soviética que adscribieron sus trabajos a la “Nueva Visión”, un lenguaje visual al servicio de los procesos revolucionarios. En la transformación social y política radical, la fotografía jugó por primera vez un papel prominente, como un medio artístico de la vanguardia, como la fotografía documental, y de modo notable como medio periodístico de propaganda - de suma importancia en un país con una alta tasa de analfabetismo. Desde finales de la década de 1920, el potencial creativo de esta vanguardia fue regulado y forzado a la estilística del realismo socialista. El material original de los fotógrafos soviéticos apenas está disponible en las colecciones alemanas. Daniela Mrazkowa muestra aquí su excepcional colección - con fotos de Arkadi Schaichet, Georgy Zelma, Boris Ignatovich, Max Alpert, Georgy Petrussov y Alexander Rodchenko - para dar una voz a la “Otra Rusia”. Esta colección de 234 piezas fue adquirida recientemente por el Museo Ludwig y se presenta aquí completamente documentada. La exposición se realizó en cooperación con el Museo Ludwig Colonia.


Fotografía

Frank , Robert : Films Tapa Blanda 16.8 x 2 x 23.9 cm 304 páginas, Steidl, 2009 Inglés 9783865218155 $1590 $990 Robert Frank recurrió al cine a finales de los años cincuenta. A pesar de que ha realizado 27 películas, el trabajo es en gran medida un secreto bien guardado. Frank aborda cada proyecto cinematográfico como una nueva experiencia, desafiando en todo momento al medio y sus posibilidades. Ha amalgamado el documental, la ficción y la autobiografía, abarcando géneros. Este libro ofrece una aproximación visualmente única a las películas de Frank: solo se han usado imágenes fijas tomadas de videocintas y se suman a un ensayo visual sobre el cine de Frank que 77 establece un diálogo atractivo con su trabajo fotográfico. Cada película se presenta con un análisis detallado, discutiendo la historia y la estética del trabajo cinematográfico de Frank. Una entrevista con el poeta Allen Ginsberg proporciona la perspectiva de un calificado conocedor de la obra de Frank. Juntos, los textos y las imágenes ofrecen un enfoque innovador y profundo de la obra de uno de los artistas más grandes e inquietos del siglo XX. Robert Frank nació en Zurich, Suiza en 1924 y se fue a los Estados Unidos en 1947. Es mejor conocido por su libro seminal The Americans (1958), que dio lugar a una nueva forma de arte distinta en el álbum de fotos, y por su la película experimental Pull My Daisy (1959), ambas reproducidas por Steidl en The Robert Frank Project. Brigitta Burger-Utzer es miembro fundador de Sixpack film Distribution, el que desde 1992 es directora general. En 2004 fundó la etiqueta DVD INDEX junto con Medienwerkstatt Wien. Stefan Grissemann es el jefe de la sección cultural de la revista semanal “profil”. Ha curado varias retrospectivas de cine en Europa y ha publicado libros sobre cine austriaco moderno.


Munkacsi , Martin Martin Munkacsi nunca perdió confianza en sí mismo y estaba orgulloso de ser el fotógrafo mejor pago de su tiempo. Como uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX, Munkacsi dio forma a los inicios del fotoperiodismo moderno y puso en movimiento a la fotografía periodística como práctica, previamente estática. Supo combinar la precisión periodística con un estándar estético altamente formal, y fue un Tapa Dura destacado representante de Neues Sehen, quizás 24.6 x 4.1 x 30 cm la contribución más grande a la fotografía como 416 páginas, arte de vanguardia. Desafió las convenciones Steidl, 2012 incorporando movimiento, ángulos de cámara Inglés dramáticos y extravagancia en su trabajo, crean9783865212696 do una fotografía de moda y deportes que fue $3420 pionera e inigualable. Desafortunadamente, el $1950 trabajo de Munkacsi no permaneció intacto: disperso por todo el mundo, hasta cierto punto se perdió. Solo el Archivo de Ullstein en Berlín mantiene una colección bastante extensa de su trabajo desde sus días en Hungría y Alemania. Esta segunda edición de Martin Munkacsi combina imágenes de todas las fases artísticas del artista con imágenes y trabajos que no se han visto desde su publicación inicial en revistas. El trabajo de Munkacsi revela una época tensa, tecnológicamente obsesiva, glamorosa y contradictoria. Martin Munkacsi nació en Koloszvár, Hungría, publicó sus primeras fotos deportivas en 1921, y en 1927 se mudó a Berlín, donde trabajó para Berliner Illustrirte Zeitung, Koralle, Uhu, Die Dame, Vu, Modern Photography y otras revistas internacionales. Cuando emigró a los Estados Unidos, en 1934, había revolucionado ya la fotografía de moda. Trabajó bajo contrato para Harpers Bazaar, publicó trabajos en Life que causo gran revuelo, y fotografió la influyente serie How Americans Live para el Ladies Home Journal. Munkacsi también trabajó como fotógrafo publicitario y camarógrafo en producciones cinematográficas. En gran parte olvidado, murió en Nueva York en 1963.


Fotografía

Nádas , Péter : Own Death Tapa Dura 19.3 x 3 x 27.7 cm 288 páginas, Steidl, 2006 Inglés 9783865210104 $2170 $1200

Miré inquisitivamente a sus ojos vidriosos y vi que era el miedo del cuerpo, no el mío, el del alma, y por lo tanto era miedo a la muerte. Me di cuenta de que podía distinguir entre mi yo interior y mi cuerpo físico ... Una superficie helada cubría mi calor interno”. Péter Nádas. En esta historia corta, un hombre relata sus pensamientos más íntimos 79 mientras sufre un ataque al corazón en la calle y luego vuelve a la vida después de tres minutos y medio. Es una historia convincente de algo espantoso y completamente común, de dolor, miedo y aceptación, mientras recorre la delgada línea entre la vida y la muerte. En contraste con la velocidad de esta experiencia cercana a la muerte, Own Death incluye una serie de fotos en las que el paso del tiempo es apenas visible. En el transcurso de un año, el autor fotografió un peral silvestre en su jardín a diferentes horas del día, registrando sus cambios bajo un rango de condiciones de iluminación. La propia muerte contrasta las percepciones del aquí y el ahora con el más allá, y su compleja composición alude al paso del tiempo mortal. Péter Nádas, nacido en Budapest, Hungría en 1942, trabajó como fotógrafo de prensa antes de convertirse en escritor. Su primer libro de cuentos fue publicado en 1967 y su exitosa novela, Un libro de recuerdos, fue publicada en 1986. Nádas es uno de los autores más importantes de nuestro tiempo y ha recibido numerosos premios, incluido el Premio estatal austriaco de literatura europea, Leipzig. Premio del Libro para el Entendimiento Europeo y el Premio Kossuth.


Neshat , Shirin : Escrito Sobre el Cuerpo Tapa dura 21.6 x 1.5 x 27.2 cm 104 páginas La Fábrica, 2013 Inglés 9788415691310 $1200 $750

Este libro explora el trabajo de la renombrada artista / fotógrafa Shirin Neshat, relacionado con el cuerpo. A lo largo de su extensa carrera, desde que irrumpió en la escena artística internacional en 1994 con su serie Women of Allah, el trabajo de Shirin Neshat se ha desarrollado en torno a la condición de las mujeres musulmanas, oscilando entre una búsqueda de identidad cultural y las contradicciones que surgen de la inmersión histórica en la compleja existencia del exilio. Este volumen magníficamente ilustrado aborda aspectos del trabajo de Neshat en relación con el cuerpo, mostrando las tensiones entre la experiencia de las mujeres y los significados culturales que están inscritos en el cuerpo femenino. De hecho, para Neshat y muchos otros escritores y artistas feministas, el cuerpo femenino es un símbolo y un campo de batalla donde se discuten diferentes concepciones retóricas y políticas.


Fotografía

Wall , Jeff. : Transit Tapa Dura 28.6 x 1.9 x 31.1 cm 136 páginas, Schirmer/Mosel, 2010 Inglés 9783829604789 $2740 $1600

81 Jeff Wall: Transit acompañó una exposición de 26 obras únicas de este artista canadiense. Jeff Wall se hizo un nombre con una invención especial: cajas de luz con enormes transparencias en color de imágenes fotográficas cuidadosamente calculadas que oscilan entre las composiciones pictóricas y la fotografía directa. Su trabajo conceptual le dotó de una posición especial en el mundo del arte, y sus imágenes, que también sirven como objetos luminosos, lo hicieron famoso durante las últimas tres décadas. El libro acompaña a una exposición en Staatliche Kunstsammlungen, de Dresde. Incluye textos de los historiadores del arte Ulrich Bischoff, Mathias Wagner, Thomas Weski y Laszlo Glozer.


Shahn , B. : American Scene Photographs, 1938

Tapa blanda 25.4 x 1.3 x 21.6 cm 208 páginas University of Illinois Press, 2010 Inglés 9780252077159 $1380 $850 La aguda lectura de Raeburn de las fotografías de Shahn, y su análisis de lo que el fotógrafo excluyó, ofrecen un modelo de cómo los historiadores pueden usar las fotografías como documentos primarios”. - Indiana Magazine of History ”La verdad inherente en estas fotografías profundamente sentidas es una prueba más de la perdurable relevancia de Ben Shahn como artista”. Adelante ”Hablando hábilmente de la compleja dinámica visual en la fotografía de Ben Shahn de las pequeñas ciudades de Ohio, Raeburn ofrece una lectura útil y convincente de un importante pero descuidado grupo de imágenes”. - Cara Finnegan, autora de Picturing Poverty: Print Culture y FSA Photographs Con claridad y gracia, John Raeburn analiza el trabajo menos conocido de Shahn como fotógrafo y agrega una dimensión importante a nuestra comprensión de la fotografía y la cultura de los años 30. Miles Orvell, editor de John Vachon’s America: Photographs and Letters from the Depression to Segunda Guerra Mundial.


Fotografía

Rautert ,T. : Josef Sudek Prague 1967 Tapa Dura 25.4 x 1.3 x 30.5 cm 96 páginas, Steidl, 2016 Inglés 9783958291188 $2350 $1530

Timm Rautert conoció a Josef Sudek por primera vez en un viaje de estudios a Praga en la primavera de 1967. El estudiante de fotografía y Sudek, de setenta y un años, posiblemente el más importante fotógrafo checo de paisaje y naturalezas muertas del siglo XX y una figura de culto 83 en su país natal - instantáneamente congeniaron, y Rautert comenzó a fotografiar al artista en su estudio y su hogar. Lo acompañó en sus paseos por parques en la Pequeña Praga, en la orilla izquierda del río Moldava, mientras buscaba perspectivas adecuadas y documentaba su proceso de trabajo dentro y fuera del cuarto oscuro. La serie Sudek es una crónica extraordinaria de una personalidad fascinante, y se situa en el período previo a la Primavera de Praga, marcando el comienzo de la carrera de Rautert durante la cual el retrato y la gente en su trabajo resultaron luego, para él, de una importancia decisiva.


Becoming Disfarmer Tapa Dura 22.2 x 1.9 x 30.5 cm 240 páginas, Neuberger Museum of Art, 2014 Inglés 9780979562983 $1870 $1050 Becoming Disfarmer usa una convincente secuencia de más de 100 imágenes para contar la historia de los retratos vernáculos realizados por Mike Disfarmer, y su transformación en arte. Esta monografía presenta sus impresiones vintage junto con una selección de ampliaciones hechas de sus negativos en la década de 1970, a través de los cuales su trabajo se hizo conocido por primera vez. Las fotografías antiguas tamaño postal de Disfarmer se reproducen a todo color para transmitir con precisión sus diversas superficies, y la mayoría de los ejemplos se muestran en la condición en la que se encontraron, sin efectos de restauración. El libro también reproduce el reverso de fotografías vintage seleccionadas y proporciona transcripciones de todas las notas manuscritas que se encontraron.


Fotografía Además, la monografía contiene reproducciones de alta calidad de páginas de periódicos en las que aparecieron las imágenes de Disfarmer, revistas históricas producidas localmente que incluyen imágenes de otros fotógrafos que trabajaron al mismo tiempo y en la misma región que Disfarmer, y páginas de álbumes como aquellas para las que sus fotografías fueron hechas originalmente. Estos fascinantes suplementos de caracter erudito fueron recopilados por el editor, como investigación de base, durante un período de tres años, y proporcionan un contexto histórico para los retratos de Disfarmer. Incluyendo también tres ensayos académicos, una bibliografía y un historial de exposiciones, esta monografía califica como la publicación dedicada a la obra de Disfarmer más completa realizada hasta la fecha. Mike Disfarmer (1884-1959) nació Michael Meyer en Indiana, y comenzó a trabajar como fotógrafo en Heber Springs, Arkansas en 1914. Además de vender retratos en su estudio, procesó películas, vendió postales y trabajó por contrato. Fue considerado una figura mítica en su propia vida por cambiar su apellido a Disfarmer en 1939, y afirmando que se originó de un tornado. Sus retratos, comúnmente considerados como sinceras representaciones de una población rural hecha por un extraño 85 excéntrico, han sido comparados con el trabajo de maestros como August Sander e Irving Penn.


Impressed By Light British Photographs from Paper Negatives, 1840 - 1860

Tapa dura 4.4 x 29.8 x 25.4 cm 450 páginas Yale University Press, 2007 Inglés 9780300124057 $2930 $1830

Cuando apareció la fotografía, poco antes de 1840, el daguerrotipo de placa de metal, inventado en Francia, fue el primero en alcanzar popularidad. Pero el proceso desarrollado simultáneamente en Inglaterra para capturar una imagen negativa en un papel, del que se pueden imprimir muchos positivos, proporcionó la base sobre la que se construiría la fotografía durante los próximos 150 años. Este hermoso libro presenta más de 120 fotografías impresas de negativos en papel, o calotipos, la mayoría nunca antes publicados. Se describe todo el curso de la “edad de oro” del periódo negativo, de su laboriosa invención, de William Henry Fox Talbot a la competencia con fotógrafos franceses y profesionales comerciales. Estéticamente ambiciosos, estos calotipos ricamente texturados fueron creados por fotógrafos eminentes y prácticamente desconocidos. También se incluye un invaluable diccionario biográfico de más de 500 calotípicos británicos.


Fotografía

Sea , The. Das Meer: Hommage a Jan Hoet Tapa dura 23.6 x 3.8 x 29.5 cm 368 páginas Hatje Cantz, 2014 Inglés / Francés 9783775739535 $2740 $1750

Más que un paisaje marino romántico, un paisaje de ensueño o una promesa de libertad: el océano como tema en las obras de arte contemporáneas. En su último proyecto a gran escala, el conservador y director de museo Jan Hoet (1936-2014), que se hizo famoso por su edición polémica de Documenta IX en 1992, se dedicó al fenómeno del mar fascinado por las impresiones constantemente alternas, el juego vibrante del clima, los elementos y la luz. La belleza relajante de esta fuerza de la naturaleza encuentra expresión en su selección de obras, al igual que su amenaza de imprevisibilidad. Hoet murió antes de completar su tributo marítimo, que también se convirtió en un homenaje al “Papa del arte”belga. THE SEA mira hacia atrás en la historia del arte occidental desde mediados del siglo XIX hasta la actualidad, y en la forma en que retrata e interpreta el mar. La publicación comienza donde el pensamiento académico es arrojado por la borda, donde los artistas van más allá del género marítimo dramático, a menudo narrativo, con sus típicas escenas de tormentas y naufragios, en busca de la visión artística amplia y libre de agua interminable, que se difumina en el horizonte.

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American Photography 30 Tapa dura 3.8 x 24.8 x 32.4 cm 384 páginas Amilus, 2015 Inglés 9781886212428 $2550 $1275

Para su volumen número 30, American Photography vuelve a las bases en un tomo de tela de lujo con más de 350 de las mejores fotografías del año. En un guiño sutil a los libros anteriores de la colección, el volumen se presenta con elegancia directa en una funda de tela y sobrecubierta de tela genuina. Diseñado por Robert Newman, ex director creativo de Reader’s Digest, y con fotografías de tapa de David Butow de una serie realizada en Sudáfrica durante las ceremonias que siguieron a la muerte del presidente Nelson Mandela, American Photography 30 contiene imágenes elegidas por un distinguido jurado de fotos y profesionales del arte de entre las 9,644 fotos enviadas para consideración de fotógrafos, revistas, agencias, editoriales y escuelas. La colección representa el mejor trabajo creado por los mayores talentos de hoy en día y honra la relación entre el fotógrafo y el cliente que juntos buscan soluciones visuales inteligentes y únicas para revistas, publicidades y libros, a pesar de la disminución de presupuestos y las desafiantes limitaciones de tiempo. En una era de redes sociales e imágenes de stock que amenaza homogeneizar aún más la creación y distribución de la fotografía, la fotografía estadounidense se presenta más allá de lo ordinario para celebrar no solo el poder de la imagen estática bien elaborada en su mejor forma, sino para honrar a su creador y el personal creativo que insiste en crear solo las imágenes más originales, reflexivas y convincentes.


Fotografía

Past from Above,The Aerial Photography of Archaeological Sites

Tapa dura, 29 x 3 x 23.6 cm 416 páginas J. Paul Getty Museum, 2007 Inglés 9780892368754 $1840 $950

Durante más de 40 años, Georg Gerster ha viajado por todo el mundo fotografiando sitios arqueológicos desde el aire. En The Past from Above, la arqueóloga Charlotte Trumpler presenta 250 de sus fotografías, 89 tomadas en más de 50 países en Europa, América del Norte y del Sur, Asia, Australia y África. Cada una está acompañada por una descripción explicativa detallada. Los temas de Gerster varían desde el complejo del templo en Karnak hasta la Gran Muralla de China, desde la Acrópolis en Atenas hasta los templos de Abu Simbel, desde lugares de culto aztecas en México hasta diseños monumentales en el desierto californiano. Estas fotografías a color no solo son logros técnicos precisos, a menudo producidos en circunstancias espeluznantes, sino también vistas fascinantes y únicas de nuestro mundo. El resultado es un espectacular libro fotográfico y una historia visual de la humanidad que se remonta a los inicios de la civilización.


Gardens of Sand Commercial Photography in the Middle East 1859 - 1905

Tapa Dura 24.8 x 1.3 x 28.6 cm 144 páginas, Turner, 2010 Inglés 9788475068985 $1870 $950

Entre 1859 y 1905, varios fotógrafos, trabajando desde el Magreb hasta Turquía, acumularon colectivamente una vasta documentación del paisaje, las ciudades y los monumentos de la región. Gardens of Sand reúne 90 fotografías originales, en su mayoría inéditas, de fotógrafos como James Robertson, Wilhelm Hammerschmidt, G. Lekegian, Antoine Beato, Félix Bonfils, Otto Shoefft, Emile Béchard y Sulayman Al-Hakim de Damasco.


Fotografía

Picturing the South : 1860 to the Present Tapa blanda 2.5 x 2.5 x 2.5 cm 216 páginas Chronicle Books, 1996 Inglés 9780811813433 $1140 $750

El sur de Estados Unidos es la región más misteriosa y fascinante de los Estados Unidos. Ha dado lugar a una historia particular, que ha sido 91 documentada en los últimos ciento treinta años por algunos de los fotógrafos más ilustres, entre ellos George N. Barnard, William Eggleston, Walker Evans, Arnold Genthe, Frances Benjamin Johnston, Clarence John. Laughlin, Sally Mann, Charles Moore y Carrie Mae Weems. En Picturing the South: 1860 to Present, el High Museum of Art de Atlanta ha reunido más de 160 fotografías tomadas desde la época de la Guerra Civil. Esta antología documenta el patrimonio cultural y la identidad psicológica del Sur, así como su transformación de una tierra diezmada por la guerra al bullicioso Nuevo Sur de hoy día.


Utopia Dystopia Construction and Destruction in Photography and Collage

Tapa blanda 20.7 x 1 x 24.3 cm 124 páginas Yale University Press, 2012 Inglés 9780300179606 $1170 $700

Desde el momento de su invención, la fotografía ha permitido a los artistas no sólo capturar el mundo que les rodea, sino también crear mundos propios. Utopia / distopía investiga cómo los artistas de finales del siglo XIX hasta el presente han utilizado fragmentos o técnicas fotográficas para representar estados políticos, sociales o culturales de utopía o distopía. Las fotografías, los collages, los fotomontajes y otras creaciones resultantes cuestionan la validez de imágenes pictóricas transparentes e intentan desmantelar la noción de fotografía como medio objetivo. Esta publicación cuenta con aproximadamente cuarenta y cinco obras ejemplares de artistas como Herbert Bayer, John Heartfield, Hannah Hoch, Arata Isozaki, El Lissitzky, Carter Mull, Laszlo Moholy-Nagy, Vik Muniz, Man Ray, Okanoue Toshiko y muchos otros. También se incluyen ensayos que ofrecen nuevas formas de pensar sobre los usos y las implicaciones de la fotografía.


Fotografía

A Village Lost and Found Tapa dura 24.8 x 4.1 x 32.7 cm 240 páginas Frances Lincoln, 2009 Inglés 9780711230392 $2820 $1950 Este libro es el antídoto perfecto para el estrés de la vida en el siglo XXI. Retrata el idilio de la vida en un pueblo de 1850, ”lejos del sonido del silbato del tren”. La identidad del pueblo se perdió en el mundo durante 150 años, y sólo por un milagro sobrevivió este mágico conjunto de vistas estereoscópicas, reunido por primera vez por Brian May y su coautor, la fotohistoriadora Elena Vidal. Su investigación es increíblemente profunda, pero 93 el libro es completamente legible, y las imágenes saltan a un glorioso 3-D, visto en el nuevo estereoscopio de enfoque que May ha diseñado y producido, para llevar los estéreos a la vida, y luego doblar cuidadosamente el slip-case del libro. El libro da una visión extraordinaria de la vida cotidiana de la aldea en el momento - con una mujer en su rueda giratoria, el herrero fuera de su herrería, tres hombres en la piedra de moler afilando una herramienta, los aldeanos en los campos, trayendo la cosecha también como a menudo tomando tiempo para disfrutar de un buen chisme. En todos los casos se reproduce el verso original que acompañaba a la vista. Además, May y Vidal han investigado y anotado todos los puntos de vista, revelando otra capa de significado, explorando la historia de estos personajes reales, esta aldea idílica y sus vínculos con la actualidad. El resultado es un conjunto de fotografías poderosamente provistas de atmósfera local y temporal, y de este modo conmovedoras. Una aldea perdida y encontrada trae pionero maestro estereógrafo T. R. Williams apasionado escenas de vida en nuestra aldea a una nueva audiencia - en glorioso 3-D, como nunca antes.


Architecture of Resignation Tapa Dura 29.8 x 1.5 x 26 cm 80 páginas, University of Chicago Press, 2011 Inglés 9781935195139 $3260 $1650 De 2000 a 2007, Jay Wolke fotografió el sur de Italia para capturar la complejidad de una región que se conoce coloquialmente como Il mezzogiorno. Lo que encontró en este paisaje histórico y a menudo problemático fue un complejo conjunto de fuerzas físicas, sociales y políticas que se manifestó en un extraordinario tapiz de información visual. A la vez referenciales y sugestivas, las fotografías de Wolke revelan las marcas de una larga línea de invasores, conquistadores y variados ocupantes, desde los griegos hasta los españoles y la Camorra. Aunque el paisaje está marcado por capas de disfunción y codicia, no podemos dejar de verlo a través del lente de la creencia atemporal en el bel paese: el hermoso país. “Lejos de su casa en Chicago, Jay Wolke ha encontrado material documental profundamente fascinante de las colisiones entre lo viejo y lo nuevo, lo natural y lo artificial, lo restaurado y lo ruinoso en el sur de Italia. De forma silenciosa pero directa, sus imágenes se abren a una visión de la vida contemporánea que es tan conmovedora y aleccionadora para quienes vivimos en los Estados Unidos, cuanto reveladora para los habitantes de los lugares que él representa. Este es un trabajo de primer orden, de un fotógrafo de inmenso talento “. (Andy Grundberg, titular de la cátedra de fotografía en Corcoran College of Art and Design).


Fotografía

Lost Worlds Ruins of the Americas

Tapa dura 26.5 x 2 x 29.6 cm 160 páginas Antique Collectors Club, 2011 Inglés 9781851496747 $2450 $1545 Lost Worlds: Ruins of the Americas es una exploración visual única que captura vívidamente el misterio y la poesía visual de ruinas históricas en las Américas. Esta colección extraordinaria retrata perfectamente la importancia arquitectónica, geográfica e histórica de las ruinas que 95 son consideradas maravillas del mundo, y gemas poco conocidas. Se incluyen templos monumentales de la civilización maya de México, un palacio de época colonial en la isla de Haití, devastado por el terremoto, catedrales en Guatemala, y ciudadelas incas sorprendentes en Valle Sagrado del Perú - que culminan con la impresionante belleza de Machu Picchu. . Esta publicación sin precedentes transporta al lector en un viaje a templos antiguos, palacios abandonados y elevadas ciudadelas. Evocador e iluminador, Lost Worlds despertará la imaginación de aquellos con pasión por la fotografía, los viajes, la historia, la arquitectura y la arqueología. Disparadas en formato infrarrojo en una cámara digital especialmente adaptada, estas imágenes exponen desmoronamiento, paredes cubiertas de vegetación, columnas rotas y arcos agrietados en formas que la mayoría de los lectores nunca han visto. Ofrecerán a los lectores una nueva forma de ver el paisaje, así como una visión mejorada de la identidad colectiva de las Américas. Incluye un prólogo del destacado escritor de viajes Pico Iyer y el texto de Arthur Drooker explicando el ascenso, caída y significado duradero de cada uno de los sitios documentados.


Sea, The : A celebration in photographs Tapa blanda 24.1 x 27.2 x 22.5 cm 300 páginas Flammarion, 2011 Inglés 9782080200853 $1170 $750 Un álbum de grabados clásicos y contemporáneos dedicados al mar, visto a través de la lente de los mejores fotógrafos del mundo. Las velas de lona se estiran contra el viento y propulsan un barco a lo largo de su curso, verdes olas translúcidas rompen rocas dentadas, y los puertos se agitan con el ir y venir de los barcos de cruceros y de los barcos comerciales, un horizonte gris acero corta una franja sin límites a través de la costa - tales imágenes cautivan la imaginación y manifiestan el carácter siempre cambiante del mar. Pierre Borhan ha tomado este tema duradero y seductor, y ha trazado un viaje fotográfico único a través de imágenes que reflejan la majestuosidad de esta poderosa fuerza de la naturaleza. Con 300 fotografías históricas, documentales y de arte, el mar es un objetivo registrado desde la primera hora de la fotografía hasta nuestros días. The Sea: A Celebration in Photographs da vida a la furia de las olas rompiendo, a la calma infinita de un día sin viento, a la belleza desolada de un paisaje helado, la almenara estoica y solitaria de un faro, y a los retratos de hombres y mujeres que navegan sus vidas alrededor del flujo y reflujo de la corriente del océano. El mar sirve como telón de fondo magnífico a las obras maestras de algunos de los fotógrafos más finos del mundo, incluyendo Alfred Stieglitz, Henri Cartier-Bresson, Man Ray, Walker Evans, Joel Meyerowitz, Roberto Frank, Hiroshi Sugimoto, Jacques Henri-Lartigue, André Kertesz, Elliott Erwitt, Sebastián Salgado, David Parker, Michael Kenna, Josef Koudelka y otros. Este exquisito volumen, ganador del Motovun Best Illustrated Book of the Year 2009 y del Prix du Salon Nautique, es una fuente de inspiración y un deleite para cualquiera que, estando en una costa, haya sucumbido a la belleza infinita que se despliega ante sí.


Fotografía

Shoot : Photography of the Moment Tapa blanda 24 x 1.9 x 29.3 cm 208 páginas Rizzoli, 2009 Inglés 9780847831937 $1820 $1200

Shoot reúne a más de 20 fotógrafos cuyo trabajo se centra en capturar un momento en lugar de elaborar configuraciones de iluminación o escenarios controlados y fabricados. Empleando las herramientas fotográficas más básicas (una cámara réflex de una sola lente y luz natural) 97 deben confiar en sus instintos y en su capacidad de interactuar con una situación para crear una imagen dinámica. Este enfoque informal refleja una era en la que las imágenes nos bombardean cada vez más, y la resonancia emocional de las imágenes se ha convertido en una parte importante de nuestro vocabulario visual. El libro documenta la influencia de una generación anterior de fotógrafos de arte, como los legendarios Nan Goldin y Wolfgang Tillmans, y amplía la generación de fotógrafos más jóvenes, incluidos Tim Barber y J. H. Engstrom, para mostrar cómo este estilo ha ganado actualidad y trascendencia.


Album of the Damned Snapshots from the Third Reich

Tapa dura 20.3 x 2.5 x 25.4 cm 400 páginas Academy Chicago Publishers, 2009 Inglés 9780897335768 $2330 $1300

Las casi 400 fotografías de la Segunda Guerra Mundial en este libro fueron tomadas principalmente por soldados alemanes; algunos por civiles; algunos por profesionales integrados con las tropas. En consecuencia, muchos de ellos describen la vida cotidiana: trabajos, bodas, cenas, eventos musicales y otros eventos sociales: hombres y mujeres en el trabajo y el juego, así como en la guerra, una guerra que casi consume a Europa. Es precisamente el aspecto aparentemente ordinario de estas instantáneas, tomadas para álbumes familiares y amigos, lo que las vuelve tan inquietantes, porque algunos de los sujetos que sonríen benignamente a la cámara son las mismas personas que participaron en el asesinato de millones de europeos. civiles: judíos, católicos, protestantes, romaníes, homosexuales, clérigos, intelectuales de izquierda, adultos, niños y bebés. Y mataron con aparente ecuanimidad, sin titubear, sin duda, sin remordimiento.


Fotografía Album of the Damned contiene imágenes que nunca antes se habían visto, la mayoría de las cuales integraron álbumes familiares y se muestran aquí con sus marcos de papel originales. Su impacto es profundamente perturbador, precisamente porque son muy elementales. Por lo tanto, en este libro, las preguntas surgen una vez más, como lo han hecho durante tantas décadas: ¿Cómo podría semejante gente común cometer actos tan brutales? ¿Cómo fue posible? Las preguntas siguen siendo incontestables, como siempre lo serán. El autor adquirió estas fotografías en unos quince países diferentes, durante un trabajo de investigación de cinco años, revisando más de 100.000 imágenes, de las cuales hizo su selección. Hizo una oferta en subastas de museos y de coleccionistas privados, para crear una historia fotográfica de la Segunda Guerra Mundial que la diferencia de cualquier otra. 99


Likes of Us America in the eyes of the farm security administration

Tapa dura 23.6 x 2 x 30.7 cm 208 páginas David R Godine, 2008 Inglés 9781567923407 $1380 $700

Con 175 fotografías duotonos, este libro no sólo ofrece la oportunidad de ver una selección de imágenes famosas y poco conocidas, sino también de ir tras bambalinas de uno de los proyectos más originales y creativos patrocinados por el gobierno de Estados Unidos.


Fotografía

Bird Hand Book, The Tapa Dura 23.5 x 1.9 x 30.5 cm 128 páginas, Graphis Press, 2001 Inglés 9781931241045 $2130 $1200

Encuadernado en el paño gris original del editor Graphis. Texto por A.S. Byatt. 87 fotografías de Victor Schrager. 101


Bori Healers of the Soul

Tapa dura 24.1 x 1.9 x 24.1 cm 128 páginas 5 Continents, 2011 Inglés 9788874395651 $1640 $900

El Bori es una especie de chamanismo africano, un culto animista centrado en la posesión por los espíritus de los antepasados, que se ha extendido a través de África Occidental. Sus seguidores, los sacerdotes (también conocidos como bori) y los asistentes, son clarividentes o curadores de la fe, realizan danzas rituales extáticas para evocar a los djinns -espíritus- que esperan protejan a la sociedad y a sus miembros individuales de los poderes malvados. Los curadores de la fe (boka) emplean plantas tradicionales para sanar a los enfermos. Aunque viven en sociedades que son en su mayor parte islámicas, las mujeres desempeñan un papel importante en el bori, y en ocasiones ocupan posiciones clave. Los retratos en blanco y negro de Caroline Alida no se ocupan por presentar las ropas y los multicolores trajes seductores de los boris, ni los objetos utilizados en las prácticas rituales. La tenue luz natural, que apenas se filtra en los espacios confinados, hace que todos los detalles periféricos desaparezcan, revelándonos sólo los elementos esenciales, imbuyendo de una atmósfera contemplativa a sus fotografías.


Fotografía

Common Ground German Photographic Cultures Across the Iron Curtain

Tapa Dura 19.7 x 2.5 x 26.7 cm 320 páginas, Yale University Press, 2013 Inglés 9780300184440 $1340 $845

Esta publicación ambiciosa es el primer libro en evaluar a fondo la fotografía que surgió durante la división geopolítica de Alemania desde 103 la década de 1950 hasta la década de 1980. Con análisis exhaustivamente ilustrados e investigados de proyectos fotográficos de Alemania Oriental y Occidental, que incluyen exposiciones, ensayos fotográficos, archivos privados y fotolibros, Common Ground construye una perspectiva comparativa, examinando cómo se movilizaron la secuencia, la serialidad y la repetición para producir formas de solidaridad y agencia política. La autora Sarah James coloca la fotografía alemana de posguerra en el contexto de desarrollos fotográficos soviéticos, estadounidenses y europeos; las experiencias culturales específicas de la Guerra Fría; y la política cambiante de la identidad alemana. Al reconsiderar la relación entre las culturas divergentes del período de Weimar antes de la guerra y la era de la Guerra Fría, Common Ground impulsa nuevas lecturas de figuras importantes como Bernd y Hilla Becher, Karl Blossfeldt y August Sander, así como figuras históricamente descuidadas como Karl Pawek, Evelyn Richter y Rudolf Schafer. El resultado es un estudio pionero de las funciones políticas y pedagógicas de la fotografía documental.


Birnbaum , Lillian : Transition Tapa dura 26.2 x 22.4 x 1.8 cm 128 páginas Hatje Cantz, 2008 Inglés 9783775722858 $1640 $990

Lillian Birnbaum, nacida en Nueva York y criada en Europa, ha sido aclamada internacionalmente como fotógrafa retratista. Su libro Vier Frauen (Cuatro mujeres), con sus retratos de las actrices alemanas Hanna Schygulla, Barbara Sukowa, Katharina Thalbach y Sunnyi Melles, atrajo una gran cantidad de atención sobre su obra. Las fotografías concebidas como un diario de su nuevo proyecto, Transition, tomadas durante un período de cinco años, representan a un grupo de chicas jóvenes, en un lago cerca de Nueva York, en el calor del verano, por ejemplo, en los parques y jardines de París, o en paisajes del sur. Mientras que el sutil poder de observación de Birnbaum está en sintonía con el fenómeno de la infancia, también examina el despertar inicial de una feminidad aún no definida: un juego de inocencia y atractivo que se revela en el camino de la infancia a la adolescencia. La cámara se convierte en un elemento en la vida de estas chicas, una especie de cómplice del acto de autodescubrimiento, de forjar su propia identidad como mujeres


Artes visuales

Balthus : Cats and Girls Tapa dura 24.1 x 2.3 x 25.7 cm 176 páginas Thames and Hudson, 2013 Inglés 9780500093788 $2080 $1090

Balthus era un maestro de transmitir la ambivalencia que es parte de la adolescencia femenina. Las niñas, en sus pinturas, se suelen retirar, ensimismadas y adustas; ellas, mientras pasan su tiempo en cuartos cerrados al mundo exterior, tienen a los gatos como sus únicos compañeros. Este libro reproduce decenas de pinturas de Balthus que datan de mediados de la década de 1930 hasta la década de 1950.

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Baziotes, W. : Paintings and Drawings Tapa dura 24.6 x 1.8 x 28.7 cm 136 páginas Skira, 2005 Inglés 9788876240514 $1870 $1200 William Baziotes, destacado pintor expresionista abstracto estadounidense, expuso por primera vez en 1936 en una exposición colectiva en la Galería de Arte Municipal de Nueva York. Sesenta años después de que Peggy Guggenheim dedicara por primera vez una exposición individual a William Baziotes, la Colección Peggy Guggenheim de Venecia montó la primera retrospectiva de Baziotes que se presentó en Europa. El catálogo de la exposición, publicado junto con la Colección Peggy Guggenheim, reúne 45 pinturas y 20 dibujos en acuarela de importantes colecciones privadas y públicas, incluido el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Arte Americano Whitney, el Museo Solomon R. Guggenheim, la Galería Nacional de Arte, Washington DC, Minneapolis Institute of Arts, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Detroit Institute of Arts, Tate Modern y Tel Aviv Museum of Art. Baziotes conoció a los emigrados surrealistas en Nueva York a fines de la década de 1930 y principios de la de 1940, y en 1940 conocíó a Jimmy Ernst, Matta y Gordon Onslow-Ford. En 1941, Matta presentó a Baziotes a Robert Motherwell, con quien formó una estrecha amistad. André Masson invitó a Baziotes a participar con Motherwell, David Hare y otros en la exposición Primeros papeles del surrealismo de 1942 en Whitelaw Reid Mansion, en Nueva York. En 1943, participó en dos exposiciones grupales en Art of This Century, Nueva York, de Peggy Guggenheim, donde se realizó su primera exposición individual al año siguiente. Con Hare, Motherwell y Mark Rothko, Baziotes fundó la escuela Subjects of the Artist en Nueva York en 1948.


Artes visuales

Beckmann & America Tapa dura 23.6 x 3 x 28.2 cm 280 páginas Hatje Cantz, 2011 Inglés 9783775729857 $2670 $1850

El catálogo que acompaña la exposición de Max Beckmann en el Museo Städel, de Frankfurt. 107 Max Beckmann (1884-1950) se mudó desde Amsterdam, donde se había refugiado a partir de 1933, cuando fue expulsado por los nazis de su cátedra en Frankfurt, a los Estados Unidos a fines del verano de 1947, residiendo primero en Misuri y luego en New York. Pasaría los últimos tres años de su vida lejos de Europa, años que significaron un nuevo comienzo, liberador e intenso para él. La inmensidad del continente extranjero, sus costas, la atmósfera de sus paisajes salvajes y sus grandes ciudades formaron una fuente de inspiración palpable para Beckmann, que nunca antes había tenido este tipo de experiencia física del espacio. Trabajando con energía y productividad increíbles, Beckmann produjo numerosas obras importantes en estos pocos años. Desde la perspectiva de hoy, la independencia de Beckmann es aún más impresionante cuando se la ve en relación con el desarrollo del arte abstracto que, al mismo tiempo, estaba teniendo lugar en Estados Unidos. Beckmann conservó su vínculo con el representacionalismo y sus temas metafóricos, pero aún así logró afirmarse como un pintor europeo de estatus internacional.


Artes visuales

Beuys , Joseph : Actions, Vitrines, Environments Tapa dura 23.4 x 2.4 x 31.3 cm 224 páginas Yale University Press, 2004 Inglés 9780300104967 $2700 $1350

Joseph Beuys (1921-1986) - un escultor alemán y artista de performance - se convirtió en una de las figuras más influyentes en el arte moderno y contemporáneo. Su presencia carismática, su vida extraordinaria y su estilo artístico no convencional (incorporando movimiento y sonido ritualizados, y materiales como grasa, fieltro, tierra, miel, sangre, deposiciones de animales, e incluso animales muertos) le dieron fama internacional durante los años 60, 70 y 80. La influencia innovadora de Beuys 109 es particularmente sentida en el campo de la escultura, cuya definición se amplió para abarcar el arte de la performance, vitrinas e instalaciones y entornos específicos. Este libro bellamente ilustrado investiga la escultura de Beuys, posiblemente la parte más fundamental de su obra artística, así como su extraordinaria influencia. Los objetos destacados incluyen una impresionante selección de vitrinas de Beuys - furtivo origen de las presentaciones estándar de museos, con objetos hechos a mano y encontrados, que sirven como “”exposiciones”” sobre temas propios de Beuys; pizarras en las que grabó sus conferencias y actuaciones; ambientes del tamaño de una habitación; y muchos otros proyectos escultóricos que con frecuencia sirvieron como documentación física para las actuaciones de Beuys. Con una cronología integral de las actividades de Beuys como artista y activista, este libro es esencial para aquellos interesados en la vida, el trabajo y el legado de una de las figuras más fascinantes del mundo del arte.


Da Vinci , Leonardo : Complete Paintings Tapa blanda 17.8 x 3.2 x 20.7 cm 384 páginas Harry N. Abrams, 2003 Inglés 9780810991590 $850 $500

En este libro compacto, Pietro C. Marani vuelve a examinar la obra completa de Leonardo, basándose en la investigación archivística que ha descubierto importantes documentos relacionados con la obra y la carrera del artista. Todas las pinturas de Leonardo aparecen aquí, junto con dibujos relacionados y muchos detalles ampliados que revelan el extraordinario sentido de la luz y la sombra, el color y la atmósfera del pintor. Marani, que co-dirigió la restauración de La Última Cena, realiza una investigación exhaustiva de las pinturas, establece sus fechas y la probable sucesividad, y determina qué obras se realizaron con la participación de asistentes y cuáles solo por el maestro.


Artes visuales

Degas Impressionism , and the Paris Millinery Trade

Tapa Dura 24.9 x 3.1 x 30.2 cm 272 páginas, Prestel, 2017 Inglés 9783791356211 $3810 $2150 Repleto de bellas obras de Edgar Degas, Mary Cassatt y otros pintores impresionistas, este libro ricamente ilustrado muestra representaciones artísticas del comercio de sombrerería de Francia durante la Belle Époque. Aunque mejor conocido por sus representaciones de bailarines y bañistas, Edgar Degas volvió varias veces al tema de la sombrerería en 111 el transcurso de tres décadas. En obras maestras como The Millinery Shop (1879-86) y The Milliners (alrededor de 1898), capturó escenas de sombrererías de moda y mujeres con sombreros elaborados y coloridos. Con pinturas suntuosas, pasteles y dibujos preparatorios de Degas, Cassatt, Manet, Renoir y Toulouse-Lautrec, entre otros, este libro generosamente ilustrado examina la industria de las sombrererías del París del siglo XIX. Salpicado de fotografías, pósters y grabados de sombreros franceses, este libro incluye ensayos que exploran el interés particular de Degas en el oficio de la sombrerería; la tensión entre la moda moderna y la reverencia por la historia y la gran tradición histórico-artística; una crónica de los sombrereros parisinos de Caroline Reboux a Coco Chanel; y ejemplos de cómo se describe el comercio de la sombrerería en la literatura. Brillantemente vinculando a los mundos de la industria, el arte y la moda, este innovador libro examina el papel fundamental de los sombreros y los sombrereros en la cultura del siglo XIX. Publicado en asociación con los Museos de Bellas Artes de San Francisco.


Degas , Sickert and ToulouseLautrec Tapa Dura 24.1 x 2.2 x 30.5 cm 224 páginas, Tate Publishing, 2006 Inglés 9781854376343 $2700 $1590

El diálogo crucial entre artistas británicos y franceses a fines del siglo XIX y principios del siglo XX se explora por primera vez en esta excepcional publicación. Las figuras fundamentales de Edgar Degas, Henri de Toulouse-Lautrec y Walter Sickert se examinan junto a las de Pierre Bonnard, Henri Fantin-Latour, Sir William Rothenstein, James Tissot, Edourd Vuillard y James McNeill Whistler, reuniéndose así los más grandes nombres de vanguardia de la época. Organizado cronológicamente, este libro increíblemente ilustrado examina la presentación de la obra de Degas en el mundo del arte británico; su influencia en un círculo de artistas más jóvenes, lo más significativo de Walter Sickert; la creciente influencia de la cultura francesa en la sociedad británica, y las primeras exhibiciones de Toulouse-Lautrec, la quintaesencia de París, en Gran Bretaña. Finalmente, se examina la escena artística en París y Londres en la apertura del siglo XX, con especial referencia a la unión creativa de Sickert, Bonnard y Vuillard, todos ellos contratados por los marchantes de arte Bernheim Jeune de París . Con obras expuestas en Gran Bretaña o propiedad de coleccionistas británicos en este momento, Degas, Sickert and Toulouse-Lautrec: London and Paris 1870-1910 incluye obras nunca antes vistas, así como suntuosas reproducciones de algunas de las más grandes obras maestras de la época.


Artes visuales

Dumas , M. : Measuring Your Own Grave Tapa dura 25.1 x 3.3 x 30.7 cm 288 páginas The Museum of Contemporary Art, Los Angeles, 2008 Inglés 9781933751085 $2620 $1650

En sus dibujos y pinturas expresionistas de las últimas tres décadas, la aclamada artista sudafricana Marlene Dumas se ha centrado en la figura 113 humana, explorando temas de amor, desesperación, deseo y confusión, para criticar las actitudes sociales y políticas hacia las mujeres, los niños, las personas de color y otros que han sido históricamente victimizados. Este volumen sustancial, totalmente ilustrado, publicado con motivo de la primer gran exposición estadounidense de Dumas, presenta un ensayo recientemente encargado por el renombrado erudito Richard Schiff, colocando la obra del artista en relación con la pintura figurativa estadounidense desde la década de 1980 y el expresionismo abstracto. El libro también incluye el examen de la curadora Cornelia H. Butler de las fuentes fotográficas de Dumas y textos más cortos de Lisa Gabrielle Mark y Matthew Monahan. Los escritos de la artista, así como una extensa historia ilustrada de la exposición y la bibliografía, completan este examen exhaustivo de la obra de unx de lxs artistas más reflexivxs que trabajan en la actualidad.


Fischl , E. : The Bed the Chair Tapa Blanda 38.9 x 20.1 x 11.3 cm 68 páginas Jablonka Galerie, 2002 Inglés 9783931354190 $2740 $1490

En estas nuevas pinturas y acuarelas del consumado neoexpresionista de Nueva York, la misma habitación escasamente amueblada, habitada por varios modelos, a veces solos, a veces acompañados, aparece una y otra vez, transmitiendo una sensación de desconexión e inquietud mundana consistente con la obra de Fischl. Acompañado por un poema del Premio Nobel polaco Wistawa Szymborska. Tapa flexible con dustwrapper 70 páginas con 23 reproducciones en color 31,5 x 24 cmEssay by Bruce Ferguson - Poem by Wislawa Szymborska


Artes visuales

Floyer , Ceal: A Handbook Tapa dura 25.9 x 21.1 x 1.8 cm 208 páginas Hatje Cantz, 2015 Inglés 9783775740777 $2110 $1255

Aquellos que experimentan la obra de Ceal Floyer (* 1968) por primera vez, inicialmente pueden sorprenderse, irritarse y, finalmente, deleitar- 115 se. Juega con los patrones convencionales de percepción de una forma altamente sofisticada, atravesándolos con un agudo sentido de la ironía y el más simple de los medios. Sus obras son irritaciones productivas, cuya lógica inherente provoca un proceso abierto de ver y pensar. Con su trabajo Light Switch (1992) nos engaña mostrándonos la fotografía de un interruptor de luz en un lugar en la habitación donde uno podría estar ubicado. Ligeras ilusiones de engaño y decepción que también aparecen en trabajos posteriores como Overhead Projection (2006). En este caso, una bombilla de luz suspendida del techo, unida a él por un tosco cable visiblemente atado a un soporte, emite una luminosidad que sólo es resultado de proyectores que la enfocan. Esta es la primera publicación que documenta sistemáticamente sesenta y tres obras seleccionadas por la propia artista. Mark Godfrey y Sergio Edelsztein, dos autoridades reconocidas en el arte de Ceal Floyer, y su compañera artista y amiga Tacita Dean, examinan su obra y nos invitan a reflexionar sobre ella.


Gysin, B. : Tuning in to the Multimedia Age Tapa blanda 24.5 x 1.8 x 25.2 cm 240 páginas Thames and Hudson, 2003 Inglés 9780500284384 $2080 $1300

Esta biografía completa presenta los logros de Brion Gysin, un artista de múltiples facetas, cuyo trabajo ha influenciado a artistas como David Bowie y Mick Jagger. Recordando la embriagadora atmósfera del llamado Hotel Beat en París a finales de los años 1950 y 1960, presenta reminiscencias de primera mano de los contemporáneos, además de un ensayo biográfico y listas cronológicas. El libro explica la invención de la técnica de corte (más tarde desarrollada y refinada por William Burroughs). Además de considerar su obra como la de un poeta del sonido y artista de performance, cuenta con reproducciones de sus pinturas y gráficos, y ejemplos de sus poemas permutados, y otros escritos.


Artes visuales

Hesse , Eva : Spectres 1960 Tapa Dura 19 x 1.3 x 26 cm 130 páginas, Yale University Press, 2010 Inglés 9780300164152 $1660 $900

En 1960, Eva Hesse (1936-1970) creó un grupo inusual de pinturas al óleo que, cuando se lo considera en contraste con sus ensambles escultóricos de 1965 a 1970, predice su deseo de encarnar estados emo117 cionales en forma abstracta. Contrariamente a la erudición disponible sobre esta artista, que sugiere que estas obras representan una forma de autodesprecio, este libro busca considerar estas pinturas ‘espectrales’ como manifestaciones de una interioridad obsesionada en el contexto de la creciente madurez del artista. Las pinturas del ciclo de espectros comprenden dos categorías distintas. El primero, una selección de óleos de pequeña escala en pinturas sobre masonita, representa dos o tres figuras sueltas colocadas en espacios pictóricos vacíos. Estas formas descarnadas describen una aparente desconexión entre un cuerpo y otro; y sin embargo, el drama pictórico de las obras estaría incompleto sin la presencia de cada figura. El segundo grupo de pinturas proporciona un estado psicológico más desconcertante, ya que los personajes alternativamente toman la forma de criaturas alienígenas o se asemejan mucho a la artista misma. A través de una evaluación esclarecedora de estas obras infravaloradas, los lectores obtendrán una nueva percepción de su papel fundamental en la obra de Hesse.


Hodgkin , Hodgkin Tapa dura 24.1 x 2.5 x 27.9 cm 232 páginas Thames and Hudson, 2001 Inglés 9780500092989 $1890 $990

Este libro de Howard Hodgkin, obra de Andrew Graham-Dixon, uno de los principales críticos de arte de Gran Bretaña, fue publicado por primera vez con gran éxito en 1994. Incisivo y bellamente escrito, ilumina el rico y complejo arte de Hodgkin a través de sus temas rectores y aclara las pasiones y preocupaciones que yacen detrás de sus pinturas. A diferencia de la mayoría de las monografías, Graham-Dixon se centra en la esencia emocional e intelectual de las pinturas, mientras explora sus estrategias. El uso complejo de Hodgkin de la escala y el color, la naturaleza de su lenguaje pictórico y la sutil evocación en su pintura del erotismo, el tiempo y la experiencia revelan una tensión entre la exuberancia y la melancolía. Esta nueva edición revisada y ampliada incluye más de veinte reproducciones de color adicionales respecto a la primera, y se actualiza con un nuevo capítulo en el que Graham-Dixon analiza las pinturas creadas desde mediados de la década de 1990, obras más libres y más fluidas, y con frecuencia en un formato mucho más grande.que las anteriores. El entusiasmo por las pinturas de Hodgkin entre críticos de arte e historiadores, coleccionistas de arte y público en general nunca ha sido tan grande. Y está confirmado por este estudio ricamente ilustrado como un maestro de la naturaleza vacilante y huidiza de la vida y la emoción, un artista cuyo gran logro es haber creado equivalentes en la pintura para la textura de la memoria misma. 121 ilustraciones en color y 22 en blanco y negro.


Artes visuales

Hodler, F. : View to Infinity Tapa dura 24.1 x 2.5 x 29 cm 240 páginas Hatje Cantz, 2012 Inglés 9783775733809 $2180 $1240

El trabajo tardío de Hodler busca respuestas a preguntas fundamentales 119 del arte y la existencia. Esta publicación reúne una cantidad importante de obras de Ferdinand Hodler (1835-1918). Presenta una selección de los más importantes entre los últimos trabajos del artista, junto con una serie de obras sobresalientes en papel, demostrando la función que juegan series y variaciones en la obra de Hodler. Se incluyen pinturas con figuras, paisajes, autorretratos y la serie de obras en movimiento que narra la enfermedad y la muerte temprana de la amante del artista, Valentine Godé-Darel. Una sección documental muestra cartas, cuadernos de bocetos y fotografías que ilustran la relación entre Hodler y Godé-Darel. El volumen brinda la oportunidad de abordar algunas de las cuestiones más importantes planteadas por el arte moderno: las obras en serie, el problema de la identidad, la búsqueda de la obra de arte absoluta y esencial, y la relación entre los seres humanos y la naturaleza.


Horn, R. : Fata Morgana Tapa dura 30.5 x 24.6 x 2 cm 144 páginas Charta, 2009 Inglés 9788881587537 $1910 $1250

Este título ofrece una mirada única al último trabajo de la aclamada artista alemana Rebecca Horn, mejor conocida por su trabajo en instalaciones. A lo largo de su carrera ha experimentado con nuevas técnicas para combinar la pintura y la fotografía, la última de las cuales, incluida en Fata Morgana, incluye la pintura en la escenografía de una ópera, Luci mie traditrici, y en una realización cinematográfica, Fata Morgana, ofreciendo posibilidades prácticamente infinitas para una nueva imaginería. Con texto informativo y una entrevista entre Horn y la historiadora del arte Doris von Drathen, este volumen magníficamente ilustrado presenta una visión inigualable del proceso creativo de una de las principales figuras femeninas del arte contemporáneo.


Artes visuales

Indiana , Robert : New Perspectives Tapa dura 25.1 x 2.8 x 31 cm 240 páginas Hatje Cantz, 2011 Inglés 9783775731355 $2130 $1100

121 Una reevaluación de las obras del pintor estadounidense de signos y símbolos. Aunque mejor conocido por la icónica LOVE, Robert Indiana (* 1928 en New Castle, Indiana) ha creado una gran obra en los últimos cincuenta años que, además de varios géneros, abarca diferentes movimientos artísticos, tales como ensamblaje, hard edge, abstracción y Pop Art. Este libro reúne la visión académica reciente sobre este importante artista, que se ha referido a sí mismo como un “pintor estadounidense de signos”. Aborda temas que van desde las obras políticamente comprometidas de Indiana, sus años formativos en la comunidad artística única de Coenties Slip (un parque del sur de Manhattan), a su lugar dentro del discurso pop, y sus representaciones alegóricas de género y familia. Este libro vuelve a evaluar algunas de las obras más significativas de Indiana, y arroja luz sobre su lugar en la historia del arte.


Kitaj : Confessions Tapa Dura 16.2 x 3.2 x 23.6 cm Schirmer Mosel, 2017 Inglés 9783829608138 $2180 $1350

Después de muchos años de rumores, las Confessions of an Old Jewish Painter de R. B. Kitaj están finalmente disponibles en su primera publicación. Una joya entre las autobiografías de los artistas, relata su apasionada vida como marino y comerciante de libros, su espléndido ascenso y amarga caída en la escena artística británica.


Artes visuales

Koons Conversations with Norman Rosenthal Tapa dura 17.8 x 3.6 x 24.9 cm 296 páginas Thames and Hudson, 2014 Inglés 9780500093825 $1390 $750

El más exitoso de los artistas vivos, Jeff Koons, ha sido un foco de fascinación creativa y significación durante más de treinta años, pero 123 siempre ha permanecido reservado en lo referido a su vida intelectual, influencias y motivaciones. El distinguido curador y antiguo amigo y colaborador de Koons, Sir Norman Rosenthal, ha retirado por primera vez ese velo. Este importante libro ofrece el retrato más revelador de Jeff Koons, su singular personalidad y su visión artística. Las entrevistas magistrales de Rosenthal, llevadas a cabo durante cuatro años, dan un acceso incomparable a los pensamientos de Koons, revelando al artista sin distorsión y en sus propias palabras. Además de examinar todas sus series principales, desde sus primeros inflables a su última serie sobre antigüedades, estas entrevistas arrojan nueva luz sobre el interés de los artistas por otras obras de artistas, revelan el significado de su juventud y vida familiar en su arte, y explican los conceptos clave de su práctica, tales como sus ideas sobre la autoaceptación, la banalidad, el éxtasis y el sexo.


Klee Fulfillment in the Late Work

Tapa blanda 30 x 24 cm Fondation Beyeler, 2003 Inglés 9783905632248 $2180 $1350

La exposición se centró en un gran tema general que tiene importancia no solo para el arte del pasado, sino también para el modernismo: el del “trabajo tardío”. Deberíamos recordar que fue el último trabajo importante de los artistas del siglo XIX menguante -Cézanne, Van Gogh, Monet- lo que proporcionó impulsos cruciales al arte moderno. Cuando en el segundo tercio del siglo XX unos pocos representantes importantes de la siempre joven vanguardia se enfrentaron repentinamente a las ”últimas cosas”, las preguntas fundamentales de la existencia, a menudo se produjeron giros notables. Surgieron expresiones estéticas de gran compenetración: los precursores del “trabajo tardío moderno”. Las de calidad especialmente sobresaliente incluían, además de Matisse, el trabajo tardío de Klee, que al mismo tiempo representaba uno de los primeros “inventarios” en el mundo del arte moderno.


Artes visuales Después de una larga y exitosa carrera docente en la Bauhaus, en Weimar y Dessau, Klee recibió una cátedra en la Academia de Düsseldorf. Esto marcó el comienzo de su famosa fase “puntillista”, en la que su colorismo alcanzó un ápice de sutileza y concisión. Sin embargo, este estilo soberbio y finamente articulado tuvo un abrupto final cuando, después de que los nazis llegaran al poder, Klee fue suspendido de su cargo en abril de 1933. En diciembre de ese año, emigró a Berna, la ciudad de su infancia y juventud, a la que luego rara vez volvería a dejar. Con un impresionante esfuerzo artístico, Klee abandonó el mundo de los sueños del período de Düsseldorf por un lenguaje visual que era duro, condensado, como en reacción a una lesión. Los patrones pulsátiles, míticamente evocadores de la fase puntillista dieron paso a las cicatrices de una percepción bajo coacción. Esta ruptura podría rastrearse en la exposición, en aquellos puntos donde las principales obras de los años de Düsseldorf se enfrentan con las del fatídico año 1933 y posteriores. La siguiente cesura llegó en 1935. Klee cayó gravemente enfermo. Sus síntomas, que empeoran continuamente, se diagnosticarían póstumamente como esclerodermia progresiva incurable o endurecimiento de la 125 piel. A partir de ese momento, cada pintura podría considerarse como perteneciente a un trabajo tardío emergente. Al principio, los poderes creativos de Klee colapsaron: solo se realizaron 25 trabajos en ese año especialmente difícil de 1936. La exposición reunió una serie de obras clave de los dos años 1935 y 1936, en las que la catástrofe política en toda Europa fue seguida por la tragedia privada de Klee. . Dos aspectos del año 1936 merecen énfasis: por un lado, encontramos un interés renovado en la construcción de formas, del tipo especialmente característico de los años anteriores de Bauhaus. Las huellas gráficas, a menudo frágiles y entrelazadas, de la década de 1920 se congelaron en campos de significado de un nuevo patetismo. Algunos ejemplos son la amenazadora flecha negra que yace pesada sobre las líneas de la Ciudad Afectada, o la Puerta Negra a la Profundidad que de repente se abre en un campo de rectángulos coloreados. Por otro lado, empezaron a aparecer sugerencias de esas líneas de barras negras que, junto con los motivos de colores luminosos, se volverían características de las fases finales, desde 1937 en adelante.


Unas tres cuartas partes de las obras expuestas provienen de los años 1937-40, en las que el estilo de Klee experimentó una condensación final y su productividad alcanzó su punto máximo (1253 obras solo en 1939). El año 1937 ya había traído un marcado aumento. La condición de Klee se estabilizó y fomentó la visión de una nueva y frágil libertad sub specie aeternitatis. En este momento, el estilo tardío, con sus líneas oscuras y barras en un campo de color, estaba llegando a la madurez completa. En cierto sentido, mostró a Klee traduciendo la movilidad y la facilidad de dibujar en los términos más permanentes de la imagen pintada. Algunas de sus líneas comenzaron a sugerir figuras, otras permanecieron en gran parte abstractas, mientras que otras se convirtieron en símbolos y signos con potencial referencia lingüística o cargadas de significado codificado. Las pinturas y los dibujos de Klee ahora reflejaban una sutil interacción entre una evocación de la condición humana en toda su ridiculez, sabiduría y tragedia, y aspectos metafísicos de la existencia que permanecen inaccesibles para el intelecto. Los siguientes años trajeron un aumento adicional y sorprendente en la producción de Klee. En 1938, especialmente, ejecutó muchas pinturas de gran formato, incluida la más grande que haya hecho alguna vez. Este fue el período de plena madurez dentro del trabajo tardío. La exposición incluyó varias de estas obras destacadas, que también ocupan un lugar destacado en la obra en conjunto Brujas del Bosque, El hombre gris y la costa y Puerto suntuoso. Con una soberanía consumada, el artista comenzó a abordar los grandes temas de la mitología, el viaje interior del hombre y el papel del artista como mediador entre la forma estética y las fuerzas elementales del ser. Después de las grandes obras “sinfónicas”, el año 1939 estuvo marcado especialmente por una actividad de dibujo febril. Esto incluía una preocupación intensa con una categoría especial de seres mediadores: los ángeles. Estos están representados en la exposición sobre todo por una de esas secuencias de dibujos que fueron característicos de los últimos años de Klee.


Artes visuales Si los años 1938 y 1939 trajeron un desarrollo emocionalmente conmovedor de una abundancia final, el año 1940 se situó bajo el signo de acercarse irrevocablemente a las “”cosas últimas””. Usando una paleta a menudo dramáticamente elevada, Klee ahora evocó ideas sobre el oscuro reino de la transición. Muerte y fuego, Yendo al lado y Viaje en bote en la oscuridad muestran, cada uno a su manera, este aspecto final y despiadado que se interpuso entre el artista fatalmente enfermo y su liberación. La exposición se cerró con tres de las famosas obras de la propiedad que Klee dejó sin título, pero que se han hecho conocidas por títulos tan reveladores como El ángel de la muerte. En general, la presente exposición proporcionó una visión sin precedentes de este último trabajo, uno de los primeros y más convincentes en todo el modernismo. Mientras que otras exposiciones recientes de artistas tardíos han tendido a centrarse en alguna faceta especial de la técnica o en la producción de un solo año, la exposición de la Fundación Beyeler dio la primera reseña del último trabajo de Klee en toda su amplitud. Sin embargo, el énfasis, como raramente sucedió en las últimas décadas, 127 no se colocó intencionalmente en los dibujos frecuentemente expuestos, sino en las pinturas y las principales obras en color sobre papel de este período. Aún así, los dibujos también estuvieron representados, en forma de hojas y series seleccionadas. La exposición reunió los principales préstamos de algunas de las mejores colecciones de Klee en Europa y los Estados Unidos. Entre ellos destacan Paul-Klee-Stiftung en Berna y las colecciones familiares de Livia Klee y Alexander Klee. Las obras principales también han sido generosamente puestas a disposición por el Museo de Arte Moderno y el Museo Metropolitano de Nueva York; el Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf; el Museo Sprengel, Hanover; el Öffentliche Kunstsammlung, Basilea; la Emanuel-Hoffmann-Stiftung; el Kunsthaus, Zurich; y otros prestamistas públicos y privados..


Michelangelo : Drawings Closer to the Master

Tapa blanda 22 x 2.3 x 27.6 cm 320 páginas British Museum, 2006 Inglés 9780714126487 $1670 $990

Michelangelo fue uno de los artistas más creativos y admirados del Renacimiento italiano, famoso por su trabajo como escultor, pintor, arquitecto y poeta. Pero su genio solo puede apreciarse realmente fuera de Florencia y Roma a través de su trabajo como dibujante. Este libro, escrito para acompañar una gran exposición, combina las mejores obras de tres colecciones destacadas de sus dibujos en el Museo Británico de Londres, el Museo Ashmolean de Oxford y el Museo Teyler en Haarlem, para contar la historia de la extraordinariamente larga y activa vida de Miguel Ángel. Un capítulo introductorio analiza la fama que en su contemporaneidad adquirió Miguel Ángel, su formación y sus elecciones de técnicas de dibujo, y el papel del dibujo en la génesis de sus obras, , y la historia de sus dibujos después de su muerte. El libro está estructurado cronológicamente en torno a los diversos proyectos importantes que puntuaban la carrera del artista, ilustrando la forma en que sus ideas evolucionaron en la creación de obras tan emblemáticas como los dos frescos de la Capilla Sixtina. Cada etapa de su vida se muestra en el contexto de la situación política en constante cambio, informándonos acerca de los mecenas de Miguel Ángel y los alumnos y artistas contemporáneos sobre quienes influyó tan fuertemente. El libro incluye ilustraciones en color de 90 dibujos de la muestra, así como ilustraciones comparativas de las obras terminadas y estudios relacionados que muestran su evolución.


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Munch, Edward : 1863-1944 Tapa Dura 25.9 x 3.6 x 29 cm 418 páginas, Skira Rizzoli, 2013 Inglés 9780847841783 $3040 $2150

Con motivo del 150 ° aniversario del nacimiento de Edvard Munch (1863-1944) en 2013, el Museo Munch y el Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño de Oslo organizaron una exposición sin precedentes. Este importante libro nuevo es la retrospectiva más completa y 129 ambiciosa de la obra artística de Munch que se haya presentado nunca. Incluye una cantidad excepcional de obras maestras de renombre, así como muchas obras menos conocidas de colecciones públicas y privadas de todo el mundo. Con unas 350 ilustraciones, el volumen ilustra bellamente todo el desarrollo del arte de Munch desde la década de 1880 hasta su muerte en 1944, incluyendo pinturas, grabados y dibujos. Textos de importantes académicos cubren diversos aspectos del trabajo del artista: autopresentación y autorretrato, lugares y percepción, retórica visual, la serie El friso de la vida como un proyecto de toda su existencia, Munch y la vida pública, narración y abstracción, figura y representación, y la puesta en escena del género. Con textos que dan cuanta de la investigación erudita más reciente acerca de Munch, así como cronología, una biografía y un índice de nombres y lugares, este completo libro proporciona una nueva comprensión de la contribución innovadora de Munch a la pintura modernista.


Oppenheim , Dennis : Public Projects Tapa Blanda 21.6 x 1.9 x 27.9 cm 144 páginas, Charta, 2009 Inglés 9788881586950 $1280 $700

Esta es una exploración magníficamente ilustrada de las últimas obras a gran escala del aclamado artista contemporáneo Dennis Oppenheim. Dennis Oppenheim (nacido en 1938) es uno de los artistas americanos contemporáneos más experimentadores que trabajan en la actualidad. Durante más de cuatro décadas, ha utilizado todos los medios artísticos disponibles (escritura, performance, video y cine, fotografía, land art e instalación) para presentar su singular visión creativa. Este volumen magníficamente ilustrado explora la última obra escultórica de Oppenheim, centrándose en sus modelos e instalaciones a gran escala para espacios públicos, incluida una estación de autobuses con aspecto de gusano, caravanas voladoras y torres habitables. Dennis Oppenheim Public Projects también analiza la extraordinaria instalación de tres partes del artista “Tumbling Mirages”, en la Galería Marta Herford, Alemania.


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Orlan : Carnal Art Tapa Dura 26.9 x 2.8 x 26.2 cm 264 páginas, Flammarion, 2004 Inglés 9782080304315 $1450 $890

Esta es la primera monografía completa dedicada a las obras y teorías de Orlan, sin duda el artista de performance más desafiante y estimulante de la actualidad. Comenzó su carrera poco convencional a la edad de 17 años con una serie de trabajos que utilizan fotografías de su propio 131 cuerpo, que se ha convertido en su “”médium”” artístico, su principal voz creativa. Trabajando más allá de los límites del arte corporal, en su manifiesto sobre Carnal Art, Orlan escribió que sus interpretaciones son un autorretrato en el sentido clásico, pero realizadas a través de la tecnología de su tiempo. Yaciendo entre desfiguración y figuración, son una inscripción en carne. En 1999, utilizando el quirófano como estudio, se sometió a una serie de operaciones de cirugía plástica filmadas para modificar su propio cuerpo - su tela - incluida la colocación de implantes de pómulos debajo de la piel de su frente. He aquí un texto detallado y analítico que incluye una biografía, una cronología de sus exposiciones y estudios críticos sobre la importancia de sus interpretaciones de Carnal Art: una lectura obligada para cualquier persona interesada en las corrientes del arte contemporáneo.


Polke , S. : Posters Collection Ciesielski Tapa dura, 24.7 x 3.3 x 29.2 cm 320 páginas Snoeck , 2013 Inglés 9783864420542 $2640 $1750

Axel Ciesielski es un coleccionista entusiasta de las obras de Sigmar Polke, y probablemente el único en el mundo que posee ediciones de todos los carteles realizados por el artista. Estas piezas se exhibieron en el Museo de Arte Contemporáneo de Siegen, y en la primavera de 2014 en Les Abattoirs, en Toulouse. Por supuesto, las intensas actividades de Axel Ciesielski como coleccionista se basan en numerosos dibujos y trabajos sobre lienzo, pero también incluyen siempre los carteles que fueron creados por el artista para diferentes exposiciones. Por primera vez, el presente volumen presenta el conjunto completo de carteles sobre exposiciones realizadas por Sigmar Polke. Estos están casi exclusivamente definidos por una mirada irónica, basado en un humor anárquico y el mundo de la creación artística de este extraordinario artista.


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Pero hay algo especial en esta colección de carteles, escribe Claus von der Osten, editor del catálogo razonado de las ediciones, en su texto introductorio, más allá de su carácter integral y en el hecho de que el coleccionista ha conservado todos los carteles en calidad impecable, y es el caso de que fueron incluidos en ese catálogo razonado como carteles de artista, por el propio artista. Además, este libro es también un viaje en el tiempo a través del mundo del arte desde la década de 1960. Al hojearlo, rápidamente queda claro dónde y por quién estaban ya acompañados los inicios de Polke, a través de una gran cantidad de presentaciones compartidas o colectivas, pero también qué grandes salas de exposiciones institucionales (retrospectivas) promovieron la fama mundial del artista. Por lo tanto, el volumen es un Who’s Who del arte contemporáneo, ya sea presentado por galerías, asociaciones de arte o museos de renombre mundial. No solo se utilizaron los motivos bien conocidos, sino también enigmáticos de la obra del artista, lo que hace que este volumen sea una muestra representativa de las diferentes facetas de su trabajo.

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Pousette-Dart, Richard - Full Circle Tapa dura 24.8 x 2.2 x 28.2 cm 160 páginas Yale University Press, 2014 Inglés 9780300207972 $1700 $950

Richard Pousette-Dart (1916-1992) es mejor conocido como un pintor estadounidense de mediados del siglo XX en la corriente del expresionismo abstracto, aunque su trabajo fue distinto por su contenido espiritual y su elaborada estratificación de materiales. Sus obras sobre papel son notables por su variado uso de materiales y técnicas, y reflejan el cambio del artista desde la representación figurativa a formas semi-abstractas que surgen del dibujo caligráfico libre, y hacia una forma de puntillismo y un retorno al dibujo espontáneo. Las últimas obras de Pousette-Dart incluyen dibujos evocadores de grafito tocados con pintura blanca, audaces pinturas en blanco y negro, grabados coloreados a mano y coloridos acrílicos sobre papel hecho a mano. Los autores emplean un estrecho análisis estilístico y técnico para trazar por primera vez la descripción de la carrera de Pousette-Dart como dibujante. Generosamente ilustrada con casi 200 imágenes en color, esta publicación reveladora presenta un examen sin precedentes de las obras del artista sobre papel, centrado en su experimentación dinámica con medios y estilos durante casi siete décadas.


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Raphael Tapa Dura 25.7 x 3.2 x 29.5 cm 240 páginas, Phaidon, 2007 Inglés 9780714847863 $2780 $1400

Esta monografía explora la vida y la obra de uno de los artistas más importantes de la historia de Occidente, Rafael (Raffaello Sanzio, 1483- 135 1520). Su alcance abarca los orígenes de Raphael, sus influencias tempranas, su importante período Urbino, y posteriormente la serie extraordinaria de frescos y retratos de su última fase en Roma. Se ilustran más de doscientas de las mejores pinturas y dibujos de Rafael, acompañadas por un texto accesible pero altamente informativo del distinguido erudito del Renacimiento Bette Talvacchia. El autor también explora las relaciones artísticas de Rafael con maestros renacentistas tales como Leonardo y Miguel Ángel, que culminan en un relato brillante de sus obras maestras realizadas en Roma bajo el patrocinio de los Papas Julio II y León X.


Neo Rauch & Rosa Loy Tapa Dura 24.1 x 3.2 x 30.5 cm 160 páginas, Prestel, 2011 Inglés 9783791351421 $2450 $1630

Neo Rauch y Rosa Loy viven y trabajan como una exitosa pareja de artistas en el escenario internacional. Han estado casados desde 1985 y cada uno de ellos produce obras independientes que se benefician de las diferencias y las similitudes entre los dos artistas. Las obras de Neo Rauch hacen referencia a gráficos publicitarios, la estética de la comedia y el teatro. Por el contrario, Rosa Loy centra su atención en sus pinturas sobre el misterio de la mujer, una nueva feminidad y un nuevo romanticismo. Por primera vez, los trabajos de la pareja se presentan en una exposición conjunta. La exposición y el catálogo que presentan trabajos no mostrados anteriormente fueron diseñados por los mismos artistas.


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Renoir : The Genius of Renoir Paintings from the Clark

Tapa dura 23.7 x 1.8 x 28.3 cm 140 páginas Yale University Press, 2011 Inglés 9780300111057 $1870 $1120

Con gran entusiasmo por las pinturas de Pierre-Auguste Renoir (18411919), el coleccionista de arte Sterling Clark reunió una de las mayores colecciones privadas de la obra de este artista durante la primera mitad 137 del siglo XX. Hoy, las obras maestras que tanto admiraba forman una parte vital del patrimonio de obras del impresionismo del Sterling and Francine Clark Art Institute. The Genius of Renoir: Paintings from the Clark ofrece una mirada fascinante y fresca de las treinta y dos pinturas de Renoir de la colección Clark, con hermosas reproducciones digitales en color, creadas especialmente para este volumen. El libro trae a luz una nueva y notablemente reveladora investigación sobre la importancia de cada pintura, tanto dentro de la obra de Renoir como dentro de la colección Clark. Entre las pinturas ricamente variadas, que abarcan retratos, paisajes y naturalezas muertas, figuran obras clave como Marie-Thérèse Durand-Ruel cosiendo, Un palco en el teatro (En el concierto), Cebollas, y Venecia, el Palacio del Dogo. John House, una autoridad destacadísima en Renoir, ofrece un análisis en profundidad de cada una de las obras de la colección y el curador y ensayista James A. Ganz se basa en una extensa investigación de archivos sobre las actividades de Sterling Clark como coleccionista de arte y fundador de museo, para iluminar la obra de este hombre, visionario y a menudo enigmático.


Richter, G. : War Cut Tapa Dura 21 x 1.9 x 24.8 cm 344 páginas, Walter Köning, 1999 Inglés 9783883757575 $2220 $1300

En 1988, Gerhard Richter creó uno de los ciclos de pintura política más controvertidos y fascinantes de todos los tiempos, con su serie Baader-Meinhof. En 2002, volvió al tema de los medios y la verdad política con su libro de artista War Cut. Para este proyecto, Richter fotografió 216 detalles de su pintura abstracta “No. 648-2” (de 1987) y, trabajando en una mesa larga durante un período de varias semanas, combinó estos detalles de 4 x 6 pulgadas con 165 textos acerca de la Guerra de Iraq, publicados en el diario alemán Frankfurter Allgemeine Zeitung sobre las fechas del estallido de la guerra (20 y 21 de marzo de 2003). “Mi método consistía en adjuntar textos a las imágenes, sin tener que pensar si algo estaría mejor posicionado a la izquierda o a la derecha, arriba o abajo”, dijo Richter a un entrevistador, para una entrevista realizada por el New York Times sobre la publicación alemana. “Puse estas imágenes para que se desarrolle una conexión en términos de colores, estructuras y otras características . . . Algunas imágenes coinciden con la crueldad y la locura descrita en los textos sorprendentemente bien. Y otras incluso pueden servir como ilustraciones, cuando los textos hablan de desiertos y otros paisajes.


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Saura , Antonio : Über sich selbst Tapa dura 25 x 23.2 x 5 cm 424 páginas Hatje Cantz, 2012 Alemán 9783775734103 $2740 $1850

Sobre la obra del pintor, ilustrador y grabador, en una extensa colección de textos e imágenes. Glosario monográfico con iconografía. Como sucesor de Diego Vélasquez, Francisco de Goya y Pablo Picasso, Antonio Saura (1930-1998) continuó la tradición artística española multifacética a través de su colorida y expresiva obra, que está llena de alusiones críticas contemporáneas y un vocabulario formal independiente e influyente. Esta publicación despliega, para el lector, el universo de este artista de múltiples talentos. Todos los textos son del propio Saura, algo que da por resultado un auténtico glosario de los aspectos centrales de su obra. El artista explica sus técnicas preferidas, como grattage, así como varias referencias iconográficas en sus obras, usando palabras clave como narración, acertijo o cóctel. También discute la génesis de numerosos retratos y sus relaciones con sus temas, el proceso de representar la cabeza y la cara en general, y describe su exploración de las obras literarias y su ilustración.

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Scharf , Kenny Tapa Dura 28.8 x 3.3 x 28.7 cm 272 páginas, Rizzoli, 2009 Inglés 9780847831500 $2500 $1250

Como uno de los artistas más fascinantes de la actualidad, Kenny Scharf saltó a la fama en la escena artística de Nueva York en los años 80 integrando un grupo dinámico e influyente de artistas que incluía a Andy Warhol, Keith Haring y Jean-Michel Basquiat. Desde entonces ha regresado a California, pero ha conservado la alegre estética Pop por la que es reconocido internacionalmente. Este nuevo volumen completo cubre la ilustre carrera de Scharf y sus experiencias y actividades en la escena artística del centro de la ciudad. Su trabajo es instantáneamente reconocible, con criaturas idiosincrásicas de dibujos animados apareciendo en los lugares más extraños: en pinturas, en objetos funcionales, o amontonados unos encima de otros para formar enormes tótems. Richard Marshall ayuda a navegar al lector a través de las décadas de la carrera de Scharf. El ensayo de Carlo McCormick se centra en los fantásticos autos e instalaciones personalizadas de Scharf. Ann Magnuson recuerda los happenings de Scharf en East Village, aportando una escena del mundo de los clubes que entonces frecuentaban juntos.


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Titian to Tiepolo Tapa Blanda 271 páginas, Skira, 2002 Inglés 9788884912107 $3090 $2250

Ofrece una mirada panorámica de los 300 años más ricos del arte italiano: los siglos XVI, XVII y XVIII, que vieron la creación de una constelación de obras maestras de la pintura y la escultura que ha influido en la 141 historia del arte por generaciones. Los años 1500 presentaron la era de los grandes maestros renacentistas da Vinci, Rafael y Miguel Ángel, así como los innovadores del estilo manierista, del Sarto y Pontormo, y brillantes pintores de la escuela veneciana como Giorgione, Ticiano y Lotto. Las escuelas artísticas del norte surgieron en el siglo XVII, dirigidas por Carracci, Reni, Guercino y Domenichino. Aquí se incluyen obras del revolucionario Caravaggio. La Roma Papal está bien representada por Bernini y Pietro da Cortona. Los años del 1700 cuentan con artistas del paisaje como Canaletto, Bellotto y Guardi, y del período Rococó, Tiepolo y Gandolfi con esculturas de Canova y Giani.


Tuttle , Richard I Don’t Know the Weave of Textile Language

Tapa blanda 26 x 2.2 x 27.9 cm 204 páginas Tate Publishing, 2014 Inglés 9781849763196 $1980 $1120

I Don’t Know. The Weave of Textile Language es un proyecto único del reconocido artista estadounidense Richard Tuttle. Esta fue la más grande exposición de su trabajo realizada en el Reino Unido, que incluyó una gran exhibición de la carrera de Tuttle hasta la fecha, en la Whitechapel Gallery, y una escultura especialmente comisionada, que se presentará en el icónico Turbine Hall del Tate Modern. Con una altura de más de doce metros, esta es la obra más grande jamás creada por el artista. Richard Tuttle saltó a la fama en la década de 1960, combinando escultura, pintura, poesía y dibujo. Se hizo de una venerable reputación por su enfoque delicado y lúdico, a menudo usando materiales humildes y cotidianos como tela, papel, cuerda y madera enchapada. Para este proyecto, Tuttle ha tomado como punto de partida a uno de los héroes anónimos de la vida cotidiana: el textil. El textil se asocia comúnmente con la artesanía y la moda, sin embargo, el lienzo tejido se encuentra detrás de muchas de las obras de arte más aclamadas del mundo, y los textiles son cada vez más interesantes para los artistas de hoy en día. La exposición investiga la importancia de este material a lo largo de la historia, a través del notable cuerpo de trabajo de Tuttle y en los últimos avances en su práctica. Incluye fotografías de su colección, textos sobre el valor histórico, estético, social y material de los textiles, imágenes de obras de la exposición de la Whitechapel Gallery y documentación de la escultura presentada en el Tate Modern.


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Vanmour , J.B. A Journey into the World of the Ottomans

Tapa Dura 24.7 x 2.6 x 28.6 cm 240 páginas, Skira 2009 Inglés 9788857206424 $2180 $1350

Jean-Baptiste Vanmour fue uno de los artistas “orientalistas” más importantes: esta publicación es la recopilación más completa de sus obras. El orientalismo se puede definir como un evento histórico y cultural, que ha estado uniendo varios aspectos de la vida cultural durante varios si- 143 glos: literatura, bellas artes, arquitectura, música y filosofía. Una “visión” de Oriente, positiva o negativa, basada en la imaginación o en hechos históricos, ha generado una imagen exótica en nuestra conciencia, que tiene su propio derecho a la existencia. El artista franco-flamenco Jean Baptiste Vanmour (1671-1737) fue el biógrafo artístico del Imperio Otomano del siglo XVIII. Dejó un legado muy importante: evidencias pictóricas que pueden considerarse ilustraciones históricas de todos los aspectos de la vida otomana del siglo XVIII: desde ceremonias diplomáticas en la corte otomana hasta acontecimientos cotidianos de la sociedad multinacional de Estambul.


Zhu Wei Album of Ink Paintings

Tapa Blanda 16.5 x 3.8 x 22.2 cm 576 páginas, Victionary, 2008 Inglés 9789881747310 $2390 $1400

Zhu Wei (nacido en 1966) es reconocido mundialmente como uno de los artistas más destacados de China después de los acontecimientos de Tiananmen, y como el principal exponente de la tradición china de la pintura con tinta (aunque también trabaja en escultura y grabado), usándola para representar escenas contemporáneas de la vida cotidiana en Beijing, con una inflexión política silenciosamente escéptica, y un tacto de extraordinaria ligereza.


Artes visuales

Zurbarán : Selected Paintings 1625 - 1664 Tapa Dura 31 x 26.8 x 2 cm 131 páginas, Schirmer/Mosel, 2010 Alemán 9783829605106 $2050 $1100

145 Francisco de Zurbarán (1598-1664) es uno de los más grandes pintores españoles del Barroco. En la dimensión estéticamente religiosa de su trabajo, la suya es una profundidad y severidad única. Sí, uno podría hablar de una especie de implacabilidad de sus imágenes e ideas. En cualquier caso, estamos tratando con un fundamentalista para quien la pintura y la absorción religiosa eran dos caras de un mismo ejercicio espiritual. Quizás es precisamente este aspecto de su trabajo el que vuelve a poner de relieve las pinturas de Zurbarán. De las obras completas reunidas en los grandes museos de España y de todo el mundo, hemos seleccionado las cuarenta pinturas más famosas para esta monografía. Es el primer libro de Zurbarán en alemán desde hace mucho tiempo. Cees Nooteboom, el famoso escritor holandés, erudito conocedor de la historia de España y admirador elocuente de la pintura de Zurbarán, ha escrito un ensayo, que aquí se incluye, sobre este enigmático artista, en cuyo mundo se sumerje y trabaja de manera única.


Many Faces of Nefertiti, The Tapa Dura 11.9 x 1 x 18.8 cm 128 páginas Hatje Cantz, 2012 Inglés 9783775734851 $570 $350

En celebración del centenario del descubrimiento de Nefertiti. Lo que hasta ahora ha obstaculizado una apreciación artística del busto de Nefertiti en el Museo Egipcio de Berlín es su popularidad, el interés de los medios en supuestas demandas de restitución y la pobre presentación del original. Una década de familiaridad con el busto de Nefertiti ha permitido al autor, que fue director del Museo Egipcio de Berlín desde 1989 hasta 2009, rastrear la historia moderna de esta escultura de 3.300 años de antigüedad, famosa en todo el mundo, desde su descubrimiento y su recepción en el arte y la literatura del siglo XX a las reevaluaciones actuales, y presentar sus hallazgos. Convierte a aquello que fue tratado como una cover girl en una obra maestra profundamente conmovedora, un ejemplo de una de las épocas más interesantes del arte y la historia del Antiguo Egipto.


Artes visuales

City of Gold Tapa Blanda 24.1 x 3.8 x 28.6 cm 400 páginas, Yale University Press, 2012 Inglés 9780300174397 $2570 $1600

147 La moderna ciudad chipriota de Polis Chrysochous, City of Gold, se encuentra por encima de la ciudad de Arsinoe y del anterior reino de la ciudad de Marion. En 1885 los excavadores comenzaron a explorar los extensos cementerios de estas ciudades. Desde 1983, la Expedición de Princeton a Chipre se ha centrado en los restos de santuarios, edificios públicos, talleres y residencias privadas que abarcan desde lo geométrico hasta los periodos clásicos de Marion y el período helenístico hasta los períodos romano, cristiano primitivo y medieval de Arsinoe. Combinando investigación arqueológica y análisis histórico, City of Gold relaciona los descubrimientos que establecen que estas ciudades tenían estrechos vínculos con Grecia y con regiones desde Egipto hasta Anatolia, hallazgos mejor representados por jarrones pintados y esculturas de terracota de Marion y la arquitectura de Arsinoe. Casi la mitad de las 110 piezas incluidas en el catálogo no se publicaron anteriormente, y otro tercio se publica aquí en detalle por primera vez.


Greeks on the Black Sea Tapa Dura 29.7 x 2.5 x 23.1 cm 384 páginas, J. Paul Getty Museum, 2007 Inglés 9780892368839 $2720 $1400

Los antiguos griegos eran uno de los pueblos de navegación más temidos y respetados de su época: viajaron mucho y fundaron colonias en muchos lugares lejanos. Una de esas áreas era la costa norte del Mar Negro, donde los griegos comerciaban y se entremezclaban con la población escita local. “Greeks on the black sea” es una colección de ensayos ampliamente ilustrada que explora la arqueología griega de la región norte del Mar Negro y su historia, cultura y arte, que incluyen escultura, cerámica, gemas y joyería. Este volumen presenta una mirada curiosa y fascinante de un mundo antiguo que fue a la vez civilizado y bárbaro.


Artes visuales

Splendour of Iran , The Tapa dura Tres volúmenes en caja 24.8 x 15.2 x 32.4 cm 1550 páginas Booth-Clibborn, 2001 Inglés 9781861540119 $13720 $7000

149 Aquí se presenta la experiencia combinada de muchos de los más respetados historiadores del arte y comentaristas culturales de Irán, cuyo conocimiento del país y sus tradiciones aporta una dimensión totalmente nueva al estudio de sus tesoros arquitectónicos y artísticos.


Canticle of the Birds Tapa dura 25.7 x 5.3 x 35.3 cm 462 páginas Diane de Selliers, 2014 Inglés 9782364370319 $6180 $3200

Más de doscientas obras persas, turcas, afganas e indo-pakistaníes, elegidas entre los más bellos manuscritos del siglo XIV al XVII, desde las márgenes del Bósforo hasta las del Ganges, de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, acompañan al poema, una obra maestra de la literatura persa escrita en el siglo XII, The Canticle of Birds es la expresión poética de una búsqueda iniciática universal del amor, la verdad y la unidad. El viaje de las aves más allá de los siete valles para encontrarse con Simorgh, el pájaro legendario y alegoría del Ser Supremo, simbolizando el viaje de cada alma humana. La traducción de Dick Davis y Afkham Darbandi, publicada por Penguin Classics en 1984, fue la primera realizada del versículo al inglés de la obra de Attar. El apasionado y erudito trabajo de ambos traduce fluidamente el pensamiento del poeta, así como la belleza y musicalidad de su lenguaje. Para esta edición, Dick Davis ha traducido el prólogo y el epílogo, y también ha reelaborado varios pasajes.. La elección de las obras se benefició de la inestimable contribución de Michael Barry; quien ha escrito más de doscientos comentarios sobre las obras incluidas, presentadas junto a cada una de ellas. Estos comentarios proporcionarán al lector las claves para la comprensión y la interpretación del poema.


Artes visuales

Light of the Sufis The Mystical Arts of Islam

Tapa Blanda 22.9 x 1.3 x 30.5 cm 160 páginas, Yale University Press, 2010 Inglés 9780300164640 $1170 $700

Light of the Sufis: The Mystical Arts of Islam nos introduce en el complejo y multifacético tema del sufismo, o misticismo islámico, al concentrarse en su expresión en las artes visuales y ofrece nuevos conocimien- 151 tos sobre la naturaleza integradora y fluida de la experiencia sufí que ha suscitado reacciones fuertes, tanto negativas cuanto positivas - en musulmanes y no musulmanes por varios cientos de años. El sufismo se estableció desde el siglo IX al X y alcanzó su apogeo entre el siglo XII y el XIII. Desde su inicio, el sufismo reconoció las tradiciones y prácticas de otras religiones y culturas con las que entró en contacto, adaptándose e incorporando elementos de las filosofías griegas, el misticismo cristiano, el judaísmo, el zoroastrismo, el maniqueísmo y el budismo. Esta diversidad se ha reflejado no solo en las palabras y las vidas de célebres místicos sufíes, sino también en algunas de las mejores obras de literatura, música, actuación y artes visuales producidas en el mundo islámico. Profusamente ilustrado, este catálogo de la exposición presenta obras excepcionales en diversos medios de diversas áreas del mundo islámico, incluyendo el norte de África, Turquía, Irán e India, y que datan desde el siglo IX hasta el presente.


Sultan’s World, The Tapa dura 24.4 x 3 x 31.5 cm 303 páginas Hatje Cantz, 2015 Inglés 9783775739665 $2740 $2130

Una mirada al Oriente: las obras maestras del Renacimiento evocan el Imperio Otomano. Las noticias de la caída de Constantinopla el 29 de mayo de 1453 se extendieron por toda Europa como un reguero de pólvora. La aproximación geográfica del Imperio Otomano coincidió con la emergencia de una fascinación por esta cultura altamente desarrollada y su conocimiento científico innovador. Artistas de todos los rincones de Europa viajaron a las costas del Bósforo; el comercio floreció, al igual que el intercambio cultural, dando lugar a un gran número de obras de arte que reflejan este dinamismo intercultural. Este opulento volumen presenta ejemplos seleccionados de este temprano entusiasmo por Oriente, e ilustra el atractivo que ejerció Oriente Próximo sobre los artistas occidentales, llamando la atención sobre la influencia del mundo islámico en el pensamiento renacentista. Obras maestras de Giovanni Bellini, Vittore Carpaccio, Albrecht Durero, Tiziano y otros artistas enriquecen esta elaborada publicación.


Artes visuales

Goa and the Great Mughal Tapa Blanda 23.4 x 1.8 x 28.4 cm 240 páginas, Scala Publishers, 2011 Inglés 9781857596939 $1710 $1000

Las diversas y ricas formas artísticas del Imperio mogol se han constituido en una fuente de inspiración internacional. Si bien las relaciones entre el mundo de Mughal y otras potencias europeas se han estudiado 153 muchas veces, este es el primer libro que explora la influencia mutua en el arte, el gusto y el estilo entre los imperios de Mughal y Portugal. Goa and the Greath Mughal se centra en el período de la década de 1570, el momento del primer contacto directo entre los portugueses y el Imperio mogol, abarcando hasta la primera mitad del siglo XVIII, cuando tuvieron lugar las últimas relaciones diplomáticas directas. Esta asociación que duró más de doscientos años se expresó en varios campos: en el comercio, la política, la diplomacia, la religión, el arte y la cultura. Los diez ensayos escritos para este libro por un equipo internacional de expertos destacan diferentes facetas de esta relación y están ilustrados por una gran cantidad de espectaculares miniaturas de Mughal, pinturas europeas y otros objetos contemporáneos.


Tang Treasures from the Silk Road Capital

Tapa Dura 22.9 x 1.9 x 27.3 cm 160 páginas, The Art Gallery of the New South Wales, 2016 9781741741223 $1390 $800

Situada al principio o al final de las famosas rutas comerciales conocidas como la Ruta de la Seda, la antigua capital china, Chang’an, floreció durante la dinastía Tang (618-907) para convertirse en la ciudad más grande y cosmopolita del mundo. Tang: Treasures from the Silk Road Capital presenta maravillas y diversos artefactos de Chang’an y sus alrededores, desde los templos y las tumbas de los ricos y la élite. Vigente durante más de 300 años, la dinastía Tang es considerada la edad de oro de las artes, la ciencia y el comercio en China. Antes de los viajes de Marco Polo, la gente venía de todas partes a China, donde los bienes e ideas extranjeras eran bienvenidos, donde las mujeres tenían mayores oportunidades para moverse libremente, educarse e incluso tomar el poder. La única emperadora de China, Wu Zetian, gobernó durante este tiempo. También fue un momento de rebelión, guerra e intriga de la corte. La influencia de Tang sigue siendo fuerte hoy, y todavía es evidente en la ciudad de X’ian (actual Chang’an). Los espectaculares hallazgos arqueológicos, extraídos de diez museos en la provincia de Shaanxi, incluyen oro, plata, vidrio, cerámica, esculturas y pinturas murales que demuestran los altos logros artísticos de esta Edad de Oro de China. Con pocas publicaciones disponibles en inglés sobre el arte de la dinastía Tang, este será un libro bienvenido por igual por lectores generales y especialistas.


Artes visuales

Presence of Spirits , In the Tapa Dura 30.2 x 23.8 x 2.2 cm Snoeck , 2000 Inglés 9780945802280 $1620 $950

In the Presence of Spirits reúne tipos de máscaras, figuras y otros objetos esculpidos de África que son conocidos, poco conocidos e incluso desconocidos, muchos de ellos nunca antes vistos de este lado del 155 Atlántico. Incluye obras de África occidental y central, Angola y Guinea Bissau.


Miniature Size , Magical Quality Nasca Art from the Glassell Collection

Tapa dura 22.2 x 1.9 x 28.6 cm 104 páginas Yale University Press, 2008 Inglés 9780300137477 $810 $500

Un extraordinario grupo de objetos en miniatura de la cultura Nasca, obras exquisitas producidas en la antigua América Central y del Sur para adornos personales, usos rituales y residencias funerarias en la famosa Colección Glassell de Arte Precolombino. Datando de alrededor de A.D. 600, las miniaturas de Nasca se encontraron juntas en el Valle de Ica, en la costa sur del Perú actual. Bellamente elaborada con oro, plata, concha y piedras semipreciosas, la mayoría de estos objetos fueron tallados o tienen elementos de concha de spondylus, un raro molusco. Frances Marzio da vida a la cultura Nasca vívidamente a través de su perspicaz discusión sobre diversas obras de arte de la colección, desde guerreros y cabezas de trofeos hasta mujeres, y una colección notable de animales, centrándose por primera vez en estos fascinantes tesoros, considerándolos como conjunto unitario.


Artes visuales

Make a Joyful Noise Tapa dura 1.9 x 19.7 x 31.1 cm 104 páginas Yale University Press, 2014 Inglés 9780300209181 $1450 $850

La catedral de Florencia, conocida como Il Duomo, es una obra maestra 157 arquitectónica y sede de célebres obras de arte. La interrelación entre el arte brillante y la arquitectura y el programa musical de la Catedral se explora en profundidad en este hermoso libro. Tal vez el ejemplo más querido es el programa escultórico de Luca della Robbia para el pabellón de órganos, que consta de diez paneles escultóricos de relieve que representan a niños cantando, bailando y haciendo música. Las encantadoras esculturas de Luca son examinadas junto con los lujosos manuscritos iluminados, y encargados de actuaciones musicales. Los ensayos de distinguidos eruditos proporcionan nuevas penetraciones en la función y el significado originales de las esculturas de Luca; órganos y organistas durante el siglo XV; los papeles que desempeñan las mujeres y las niñas, así como los hombres y los muchachos, al hacer música en todo el Renacimiento de Florencia; y los libros iluminados del coro de la catedral.


Premiers Retables , Les Une mise en scène du sacré

Tapa Dura 22 x 2.3 x 29 cm 280 páginas, Officina Libraria, 2009 Francés 9788889854327 $1820 $950

El elemento central de la liturgia cristiana, el retablo, colocado encima del altar, es una obra de arte tradicional: un panel colocado arriba y detrás del altar, generalmente en forma rectangular, y hecho de los más variados materiales y técnicas, como la escultura en piedra, mármol, alabastro, madera, marfil, metalistería, y pintura en piedra o madera, etc. En sus colecciones, el Museo del Louvre posee algunos ejemplos notables de los primeros retablos, que se complementan con obras de otros museos y iglesias. Son principalmente retablos franceses: un reflejo de la importancia de Francia, y especialmente de París y Saint-Denis, en la génesis de estas obras de arte. Aunque central a la decoración litúrgica cristiana, los retablos no emergieron hasta el siglo XII. Este libro recuerda los orígenes del género y sigue su evolución hasta principios del siglo XV, cuando los retablos asumieron sus formas más familiares.


Artes visuales

Visual Object of Desire in Late Medieval England Tapa Dura 15.9 x 2.5 x 24.8 cm 304 páginas, University of Pennsylvania Press, 2007 Inglés 9780812240382 $3040 $1750

En este libro altamente revelador, Sarah Stanbury explora el comercio de imágenes en la Inglaterra medieval tardía y su impacto en autores y 159 artistas contemporáneos. Para Chaucer, Nicholas Love y Margery Kempe, todo lo envuelto en la quererlla de las de imágenes, proporciona un lenguaje urgente para explorar las demandas de una cultura devocional material, aunque estos escritores de ninguna manera están de acuerdo con la ética de esas demandas. El cronista Henry Knighton invocó una estatua de Santa Catalina para ilustrar una historia espeluznante sobre iconoclastas lolardos. Más tarde, John Capgrave escribió una larga leyenda de Katherine en que se da cuenta, a través del drama de un santo en acción, de los poderes y usos de las imágenes religiosas. Como afirma Stanbury, Inglaterra en la Baja Edad Media estaba profundamente familiarizada y preocupada por su ”cultura del espectáculo”, ya sea que este espectáculo tomara la forma de una reina recién compuesta en El cuento del dependiente de Chaucer, o del Cristo animado en el retablo de la Catedral de Norwich. Al aludir a imágenes e íconos, estos textos respondían tanto a las controversias reformistas como a las demandas sociales y económicas de esta clase de objetos provocativos, que conformaban el tejido de la vida ritual.


Medieval Maps of the Holy Land Tapa Dura 22.9 x 2.5 x 30.5 cm 208 páginas, British Museum, 2012 Inglés 9780712358248 $3180 $1620

Descuidado desde la década de 1890, los ocho mapas regionales medievales de Tierra Santa que se conocen son interesantes, pintorescos y sobre todo atractivos. Muchas de las copias y fragmentos que sobrevivieron se reproducen aquí por primera vez, incluidos tres grandes mapas que se encuentran entre los mejores monumentos cartográficos medievales de Europa. El minucioso trabajo de los investigadores sobre los manuscritos revela muchas novedades: dos mapas escondidos, casi al acecho, detrás de otros dibujados sobre ellos, un mapa transformado en fantasía erótica por un falsificador del siglo XIX, el origen del misterioso patrón de cuadrícula en algunos mapas, y mucho más . Este libro de gran formato y bellamente producido es una contribución importante a nuestra comprensión de la cultura medieval, el mapeo temprano y a la Europa de las cruzadas.


Artes visuales

Emperor Maximilian I Tapa dura 24.5 x 29.5 cm 432 páginas Prestel, 2012 Inglés 9783791363868 $2960 $1820

Uno de los legados más importantes de Maximiliano es la obra creada en su honor por algunos de los más grandes artistas de su tiempo, sobre 161 todo Albrecht Dürer. Hoy en día, muchas de estas obras residen en el Museo Albertina de Viena, y se presentan en este elegante volumen. Además de las obras de Durero, el libro incluye reproducciones de la extraordinaria procesión triunfal de Albrecht Altdorfer y su taller, y el monumental grabado en madera Arco de Honor. Este libro explora la cultura artística de la época de Maximiliano, con numerosos ejemplos de la propia colección de Albertina, así como retratos pintados, exquisitos manuscritos iluminados, preciosas esculturas y espléndidos tapices de algunos de los principales museos del mundo. Reunidos en este elegante volumen, estos trabajos ofrecen información valiosa sobre la maquinaria de relaciones públicas de Maximiliano. El libro también presenta artículos académicos dedicados a los complejos proyectos artísticos de Maximiliano que se convertirán en la clave de la literatura sobre el emperador y el arte de su tiempo.


Emperor ‘ s Private Paradise, The Tapa Dura 24.8 x 3.2 x 31.9 cm 300 páginas, Yale University Press, 2010 Inglés 9780300163896 $2310 $1700

Durante siglos, la Ciudad Prohibida de China ha capturado la imaginación del mundo. Partes de la Ciudad Prohibida han estado abiertas al público desde 1925, y casi 8 millones de turistas se congregan allí anualmente. Sin embargo, el elegante e íntimo Qianlong Garden, en sí mismo dentro de una mini-Ciudad Prohibida dentro de la Ciudad Prohibida, ha permanecido aislado de la vista del público. Data del siglo XVIII, el jardín Qianlong fue construido como un retiro de descanso para su emperador homónimo, un visionario patrón de las artes que diseñó su jardín para reflejar una perfecta unión de arte, arquitectura y naturaleza. Ahora en proceso de restauración como resultado de una colaboración internacional innovadora, está previsto que esté totalmente abierto a los visitantes en 2019. Mucho antes de esta fecha de inauguración, The Emperors Private Paradise ofrece un análisis en profundidad del jardín, el más refinado y elegante de los jardines imperiales chinos, que contiene algunos de los interiores imperiales más extravagantes que aún existen.


Artes visuales Este volumen también interpreta las muchas obras de arte encargadas para el jardín por el emperador como expresiones de valores culturales antiguos y nuevas perspectivas. Los ensayos que ofrecen una visión general de la historia de los jardines chinos y el extraordinario reinado del emperador Qianlong complementan y contextualizan la importancia del Jardín Qianlong y sus obras de arte. Este volumen profusamente ilustrado se publica para acompañar una exposición sin precedentes de noventa objetos del Jardín Qianlong, muchos de ellos nunca antes vistos, e incluyen ejemplos superlativos de murales, pinturas, revestimientos de paredes, muebles, elementos arquitectónicos y jades de Qing. Al iluminar esta área poco conocida pero arquitectónicamente significativa de la Ciudad Prohibida, este volumen representa una gran contribución a los campos del arte, la historia, la arquitectura y los jardines chinos.

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Hope and Healing Painting in Italy in a Time of Plague, 1500-1800

Tapa Blanda 27.9 x 1.8 x 21.6 cm 272 páginas, Worcester Art Museum, 2005 Inglés 9780936042053 $1380 $950

La peste bubónica devastó la Europa moderna a partir de mediados del siglo XIV hasta principios del XVIII, golpeando tan a menudo y en tantas localidades que la gente estaba constantemente en guardia contra el flagelo. Hope and Healing explora la respuesta de las artes visuales a este aura omnipresente de muerte, decadencia y tragedia en la experiencia europea temprano-moderna, centrándose en Italia entre los siglos XVI y XVIII. Un estimado grupo de colaboradores recurre a una amplia gama de materiales, incluidos diarios, tratados médicos y devocionales, poesía, sermones, cartas e impresos descartables, los chapbooks, para iluminar las diversas inquietudes estéticas, sociales y religiosas que preocupaban a los artistas, a sus clientes y a la población en general. Este atractivo y fascinante volumen, ofrece finalmente una perspectiva fresca y aguda sobre las fuerzas y preocupaciones que dieron forma al arte italiano temprano-moderno.


Artes visuales

Robert Lehman Collection , The Fifteenth- to Eighteenth-Century European Drawings

Tapa blanda 3.2 x 22.9 x 28.6 cm 488 páginas Metropolitan Museum of Art (New York , 2013 Inglés 9780300203349 $1450 $850

El temprano arte europeo despertó el interés tanto de Robert Lehman como de su padre, Philip Lehman, un interés que se reflejaba en el notable número y calidad de los dibujos que poseían desde el siglo XV y 165 principios del XVI. Además de un grupo importante de dibujos antiguos alemanes, la colección incluye un Saint Paul de una serie asociada con Jan van Eyck y el famoso Scupstoel del círculo de Rogier van der Weyden, el único diseño para una escultura decorativa sobreviviente desde el siglo XV. Los grandes artistas del siglo XVII, Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens, Claude Lorrain y Rembrandt entre ellos, también están representados. Rembrandt por siete dibujos, incluyendo el gran estudio de La Última Cena de Leonardo, que se quedaría en su mente a través de su carrera. Los dibujos de Antoine Watteau, de Jean-Honoré Fragonard, de Gabriel de Saint-Aubin, de Thomas Gainsborough, de Paul Sandby y de George Romney están entre los muchos del siglo XVIII Francia e Inglaterra. El volumen discute los 153 dibujos en detalle, colocando cada uno en su contexto histórico de arte y complementando la exposición escrita con ilustraciones comparativas de obras relacionadas. [Este libro fue publicado originalmente en 1999 y se ha agotado. Esta edición es una versión impresa, a pedido, del libro original.


Becoming Venetian Immigrants and the Arts in Early Modern Venice

Tapa dura 23.5 x 3.2 x 29.2 cm 256 páginas Yale University Press, 2010 Inglés 9780300148817 $3040 $1990

Pocas, si acaso alguna, son las ciudades europeas de principios de la época moderna que contaban con una población tan diversa desde el punto de vista racial, étnico y religioso como la Venecia del Renacimiento, desde los mercaderes alemanes que vivían en el Fondaco dei Tedeschi hasta los habitantes judíos del ghetto. Este libro innovador y cautivante se centra en la elite adinerada de esa población inmigrante. Desde palacios monumentales hasta ciclos pictóricos, Blake de Maria examina el mecenazgo artístico que procedía por encargos, y asociado con mercaderes inmigrantes ricos, que se mudaron a Venecia con el objetivo de convertirse en cittadini venecianos. Situado entre el patriciado y las órdenes populares,el cittadini ocupó el nivel medio de la jerarquía social tripartita de Venecia. A diferencia de la nobleza, la ciudadanía no era una casta cerrada, y las personas extranjeras que no tuvieran la fortuna de nacer en Venecia podían convertirse en ciudadanos naturalizados siempre que cumplieran ciertos requisitos. Como recién llegados a la ciudad, las familias de comerciantes inmigrantes tenían que adquirir los bienes materiales necesarios para la vida cotidiana, y pronto la necesidad de establecer una identidad espiritual apropiada resultó igualmente apremiante.


Artes visuales

De Maria investiga aspectos importantes de las actividades artísticas, comerciales y familiares de las familias ciudadanas naturalizadas. Gran parte de la documentación relativa a sus intereses comerciales, desarrollo inmobiliario, gestión del hogar, decoración de la capilla y afiliaciones de confraternidad no se ha publicado previamente, lo que permite ampliar el contexto y la interpretación de la pintura y la arquitectura veneciana del más alto calibre, incluyendo las comisiones cursadas a Tiziano, Tintoretto y Veronese. De Maria aborda, además, cuestiones más allá de los límites del análisis histórico-artístico, y considera las funciones comunales de este clan mercante, su identidad social como ciudadanos naturalizados, sus contribuciones al tejido de la Venecia moderna y su compleja relación con la población nativa de Venecia. El resultado es un estudio extremadamente importante, rico en material nuevo pionero y lleno de interés humano, que arroja luz sobre un sector significativo, hasta ahora poco conocido, en el mecenazgo artístico veneciano. 167


Die Poesie der venezianischen Malerei Tapa dura 24,1 x 2,5 x 27,9 cm 304 páginas Hirmer Verlag, 2017 Alemán 9783777427461 $2350 $1620

Venecia fue el centro vibrante de las grandes innovaciones artísticas en el siglo XVI. Usando nuevos pigmentos de color, los pintores de la escuela de Tiziano se dedicaron a nuevos temas pictóricos, en una concepción poética y sensual sin precedentes. Riquísimamente ilustrada, esta edición transmite la fascinación de virtuosas realizaciones pictóricas, desde representaciones alegóricas y escenas mitológicas, a retratos eróticos femeninos ideales, y retratos masculinos, así como a la recepción de la arquitectura antigua. Con alrededor de 90 obras, la atención se centra en la obra de Paris Bordone, cuyo trabajo se puede descubrir aquí, en todas sus facetas, a la generosa sombra de Tiziano .


Artes visuales

Legacy of Leonardo , The Painters in Lombardy 1490 - 1530

Tapa Dura 25.1 x 3.6 x 28.7 cm 416 páginas, Skira, 1999 Inglés 9788881184637 $3970 $2540

La creciente atención histórica de arte que se le presta a la Escuela de 169 Leonardo se encuentra en la raíz de este volumen publicado casi sesenta años después del tratamiento clásico de Suida sobre el tema. Esta es la primera vez, desde entonces, que el arte lombardo de inspiración leonardista ha sido objeto de un análisis sistemático que abarca un período de alrededor de medio siglo a partir de 1490. El día 22 de septiembre de ese año, de hecho, Leonardo registró la presencia de Marco d’Oggiono en su taller en Milán: para nosotros, esto es la primera pista sobre la existencia de una escuela asociada al maestro florentino, y el punto de partida para la aventura de los Leonardistas. Los ensayos que abren el volumen proporcionan una visión general sobre el entorno, la organización y las prácticas de trabajo del taller de Leonardo y los problemas que enfrentan los historiadores, mientras que cada uno de los artistas se presenta en un perfil crítico que, teniendo en cuenta la investigación académica más reciente, coadyuva a la conformación de breves monografías actualizadas.


Traditions Unbound Groundbreaking Painters from Eighteenth Century Kyoto

Tapa Blanda 22.2 x 1.9 x 29.8 cm 208 páginas, University of Washington Press, 2005 Inglés 9780939117321 $2110 $1300

Traditions Unbound se centra en el trabajo de ocho pintores innovadores que abrieron nuevos caminos en el arte japonés. Liberados de las restricciones represivas del shogunato en Edo e inspirados por un nuevo mercado mercantil, crearon a veces un trabajo radical que expresaba la nueva libertad disfrutada en la próspera escena artística del siglo dieciocho en Kioto. Los artistas son Watanabe Shiko, Yosa Buson, Matsumura Gekkei (Goshun), Ike Taiga, Maruyama Okyo, Nagasawa Rosetsu, Soga Shohaku y Ito Jakuchu. Traditions Unbound es un proyecto de colaboración del Museo de Arte Asiático de San Francisco, la Agencia de Asuntos Culturales de Japón y el Museo Nacional de Kioto.


Artes visuales

Journeys of Casanova , The Die Reisen des Casanova

Tapa dura 1.9 x 33.7 x 48.3 cm 128 páginas Hatje Cantz, 2014 Inglés 9783775738576 $5340 $2900

Un magnífico volumen de gran formato envuelto en la seda más fina, recordando la frivolidad del día Europa en los chaquetones de Casanova: el Rococó tardío se encuentra 171 con la fotografía temprana. Después de haber vivido en ciudades como Viena, París, Roma, Londres, Berlín, San Petersburgo y Madrid, Giacomo Casanova (1725-1796) podría describirse como el primer cosmopolita. En sus incansables excursiones por la Europa del siglo XVIII, no solo se encontró con las bellas y eróticas figuras sino también con las grandes personalidades, los artistas e intelectuales de su tiempo. Voltaire, Benjamin Franklin, Federico el Grande, Johann Joachim Winckelmann, y probablemente incluso Mozart . . . Casanova los conoció a todos. El volumen ilustrado de gran formato sigue los pasos de este conocido libertino e incluye fragmentos de sus aventuras amatorias extraídos de sus memorias, notables en muchos aspectos, con magníficas fotografías tempranas coloreadas a mano y encantadoras ilustraciones de antiguas ediciones. Aunque no fue hasta casi un siglo después que los primeros pioneros de la fotografía deambularon por los callejones de Venecia o intentaron capturar el estilo de París, estos documentos contemporáneos dan una impresión de las maravillas que el gran seductor encontró en su Grand Tour.


Im Schein des Unendlichen Romantik und Gegenwart

Tapa Dura 22 x 2.8 x 28.9 cm Wienand Verlag, 2013 Alemán 9783868321265 $1400 $800

Un anhelo por la naturaleza y un retorno a los valores que van más allá de los del mundo contemporáneo, agitado y orientado al consumo, está profundamente enraizado en todos nosotros. La necesidad de algo misterioso para contrarrestar la funcionalidad, de algo profundo para contrarrestar la banalidad, ha sido un compañero constante de la existencia humana al menos desde la era romántica. Sobre la base de las posiciones artísticas contemporáneas, este catálogo ilustra en qué medida el movimiento romántico del siglo XVIII y principios del siglo XIX sigue siendo tan relevante como siempre.


Artes visuales

French Art at Ordupgaard 18th and 19th Centuries

Tapa dura 30.2 x 24.6 x 3.6 cm 544 páginas Hatje Cantz, 2010 Inglés 9783775726719 $4270 $2550

173 Las principales pinturas francesas, reunidas en un volumen ilustrado de gran formato. El Museo Ordrupgaard en Charlottenlund, un suburbio en la parte norte de Copenhague, alberga una de las colecciones de mayor calibre del arte francés de los siglos XIX y XX en todo el mundo. Su fundador, el magnate de seguros Wilhelm Hansen, quería promover el conocimiento de la pintura francesa. Sus primeras adquisiciones fueron obras de Alfred Sisley, Camille Pissarro, Claude Monet y Auguste Renoir. Como coleccionista, Hansen se centró en el impresionismo, pero también exploró las corrientes artísticas que se desarrollaron tanto antes como después del período impresionista. Por lo tanto, las obras en el Ordrupgaard representan una variedad de estilos: romanticismo (Eugène Delacroix), la Escuela de Barbizon (Théodore Rousseau), realismo (Gustave Courbet), modernismo (Édouard Manet) y simbolismo (Paul Gauguin). Esta publicación proporciona una descripción completa de esta colección excepcional.


Art and the Empire City New York, 1825-1861

Tapa Dura 24.8 x 4.4 x 31.8 cm 650 páginas, Yale University Press, 2000 Inglés 9780300085181 $2390 $1400

En 1825 se completó el Canal Erie, que conecta el Atlántico con el corazón de Estados Unidos a través de los Grandes Lagos, y en 1861 comenzó la Guerra Civil, quebrando el proceso de unidad estadounidense. Este volumen examina el estimulante período entre estos dos eventos de largo alcance. El Canal Erie convirtió el puerto de Nueva York en la puerta de entrada a los Estados Unidos, dando paso a un momento de enorme crecimiento y cambio para la ciudad de Nueva York. En pleno proceso, Nueva York se convirtió en un centro económico y cultural internacional: se transformó en lo que los observadores contemporáneos denominaron varias veces Empire City, Great Emporium y Empress City of the West.


Artes visuales

El componente cultural de esta transformación fue tan significativo como su aspecto económico. Los artistas y artesanos altamente calificados que trabajan en Nueva York, tanto nativos como inmigrantes, crecieron en número, y las instituciones dedicadas a las artes surgieron y florecieron. Con Broadway en su corazón, el Gran Emporio se convirtió en el principal centro de fabricación y venta minorista de la nación, el depósito de artículos de lujo fabricado en la ciudad y sus alrededores e importado de Europa. La historia compleja de la proliferación de las artes en Nueva York y la evolución de una audiencia cada vez más exigente para esas artes durante el período prebélico, constituyen el enfoque de este libro, que acompañó a una gran exposición en el Museo Metropolitano de Arte. En ensayos que interesarán tanto a los estudiosos como a un público más general, especialistas del Museo Metropolitano, el Museo de la Ciudad de Nueva York y la Universidad de California en Berkeley aportan nuevas investigaciones y perspectivas para abordar 175 una amplia gama de temas. Sus textos ofrecen contextos tanto históricos como culturales, y exploran el desarrollo de la ciudad como un nexo para el mercadeo y la exhibición de arte, así como para el coleccionismo privado; la pintura de paisaje vista en el contexto del turismo; los nuevos desarrollos en escultura, arquitectura e impresión; el nacimiento de la fotografía; Nueva York como un centro de moda; el lugar donde comprar decoraciones para el hogar; cambiar estilos en muebles; y la evolución de las industrias de cerámica, vidrio y plata. Este volumen está profusamente ilustrado en color y en blanco y negro, proporcionando reproducciones de más de trescientas obras de la exposición, así como material comparativo. Se incluye una lista de verificación de los trabajos en la exhibición, una bibliografía y un índice.


Art of the Actual Naturalism and Style in Early Third Republic France, 1880-1900

Tapa Dura 22.2 x 3.2 x 28.6 cm 256 páginas, Yale University Press, 2012 Inglés 9780300179880 $3120 $1600

La República Francesa, con su llamado a la libertad, la igualdad y la fraternidad, surgió en 1870, y hacia 1880 había desarrollado una ideología republicana coherente. El régimen siguió políticas seculares y enfatizó su compromiso con la ciencia y la tecnología. El naturalismo era un partido estético ideal para la ideología republicana; hizo hincapié en que el arte debe extraerse del mundo cotidiano, que todos los temas merecen tratamiento, y que debía haber flexibilidad en la representación para permitir diferentes voces. El arte de lo real examina el uso del naturalismo en el siglo XIX. Explora cómo las imágenes de artistas como Roll, Lhermitte y Friant podrían leerse como igualitarias y republicanas, evalúa cómo pintores bien conocidos como Degas, Monet y Toulouse-Lautrec sitúan su pintura frente al naturalismo dominante, y abre nuevos argumentos sobre el estilo caricatural y popular. Al iluminar el papel del naturalismo en una amplia gama de imágenes a finales del siglo XIX en Francia, Richard Thomson ofrece una nueva interpretación del arte de la época.


Artes visuales

Tale of Cupid and Psyche , The Tapa Dura 24.1 x 1.9 x 29.8 cm 224 páginas, George Braziller, 1999 Inglés 9780807615126 $1570 $880

La apasionada historia de amor de un dios y una mujer mortal exquisitamente hermosa, el mito de Cupido y Psique, ha fascinado a la cultura occidental desde la Edad Media. Apareciendo por primera vez en el texto de Apuleyo titulado El Asno de Oro, en el siglo II d. C., este ro177 mance ha inspirado innumerables obras de arte en una asombrosamente amplia gama de medios. Aquí se reúne una selección de estas numerosas obras, desde ciclos de frescos monumentales, cuadros de caballete y cofres de boda, pasando por miniaturas, tapices y vidrieras, hasta esculturas de mármol y porcelana. Muchos son considerados obras maestras del arte europeo. El gran número y la belleza de las obras que este mito ha inspirado constituyen un testimonio del poder y la riqueza de la narración. Los amantes a menudo son retratados como niños para sugerir su eterna juventud e inmortalidad. En algunas escenas se les muestra besándose, en otras atormentados, expresando los extremos de alegría y sufrimiento que acosan a todos los amantes. Los cambios en los gustos y las sensibilidades de los diferentes períodos se reflejan en la apariencia de Psyche, que evoluciona de cortesana y barroca a neoclásica y prerrafaelita. Para la edad moderna, es la naturaleza dual del amor de Cupido y Psique, por un lado profundamente espiritual, y por el otro intensamente sensual, aquello que ha resonado más poderosamente.


Symbolism Tapa Dura 22.1 x 3.1 x 29.5 cm 320 páginas, Flammarion, 2005 Inglés 9782080304926 $2220 $1420

Resultado de más de diez años de investigación, este trabajo ofrece un nuevo análisis del arte simbolista europeo. Sitúa el movimiento artístico simbolista en su contexto histórico -la Europa industrial a fines del siglo XIX- y vuelve sobre sus vínculos con la evolución de las ideas, particularmente en la literatura. Este trabajo incluye entre sus fuentes documentos de archivo nuevos, raros y no publicados anteriormente, junto con una gran cantidad de imágenes de pinturas simbolistas emblemáticas y menos conocidas, todas cuidadosamente analizadas y bellamente reproducidas en color. El simbolismo tuvo un gran impacto en las artes y la literatura de su día, pero también prefiguró numerosos aspectos del arte moderno, de la abstracción al surrealismo. Los artistas simbolistas buscaron fusionar las esferas culturales del arte, la pintura y la poesía a través del color y la línea. Las obras de figuras clave, como Pierre Puvis de Chavannes, Gustave Moreau, Ford Madox Brown, Edward Burne-Jones, Dante Gabriel Rosetti y Paul Gauguin, ilustran la fascinación de los simbolistas por el erotismo, la perversidad, el misticismo, la religión y lo oculto.


Artes visuales

Japonisme In Fin de Siecle Art in Belgium Tapa blanda 17.7 x 2.5 x 24.1 cm 320 páginas Pandora , 1999 Inglés 9789053251447 $1720 $990

Japonisme fue el término acuñado por el crítico de arte francés Philippe 179 Burty para describir la moda europea atenta a todas las cosas japonesas que ocurrieron en la segunda mitad del siglo XIX. Debido a las relaciones lingüísticas y geográficas cercanas, la moda del japonismo se trasladó de Francia a Bélgica, especialmente desde París. Una corriente de Inglaterra bajo el nombre del estilo Victoriano y del movimiento Arts and Crafts también introdujo japonismo en el continente. Los ornamentos originalmente japoneses incluidos en las obras de Monet, Manet y Degas, los fuertes tonos planos de Van Gogh y el arte decorativo estilizado de Gustav Klimt; estas son todas las respuestas personales descubiertas en el arte japonés por artistas fin de siecle. Este estudio académico aborda las principales cuestiones relativas al japonismo en el arte belga entre 1880 y 1914. Explora la forma en que el arte japonés entró en Bélgica, y cómo penetró colecciones públicas y privadas. Y describe cómo los comerciantes de arte japoneses ayudaron a llevar el gusto japonés a la decoración de interiores y expusieron el ukiyo-e ante el público.


Divisionism : Mastery of Color? Effusion of Color! Tapa blanda 2.5 x 17.8 x 25.4 cm 304 páginas Hatje Cantz, 2013 Inglés 9783775735797 $2090 $1150

Del color mixto al puro: el triunfo del Neoimpresionismo sobre el método tradicional de la pintura. Los representantes del neo-impresionismo liberaron permanentemente la pintura de la mezcla en la paleta, así como de su método tradicional de aplicación, tal como había sido revivida a través del ilusionismo atmosférico de los impresionistas. Comenzando en Francia, la revolución pictórica del nuevo movimiento, también conocido como puntillismo o divisionismo, se extendía desde las orillas del Sena hasta las laderas cubiertas de nieve de los Alpes, desde George Seurat hasta el artista suizo Giovanni Giacometti. Sin mezclar, y siguiendo las leyes visuales, los pintores colocan puntos, manchas y líneas de color uno al lado del otro de forma tan precisa que el ojo humano finalmente realiza el trabajo de mezclar los colores durante el proceso de visualización. Con textos de distinguidos especialistas internacionales, este es el primer catálogo que presenta una visión completa y arroja nueva luz sobre las obras y las facetas del neoimpresionismo europeo.


Artes visuales

Realisme : Le Symphonie des contraires Tapa blanda 24.1 x 2.2 x 29.6 cm 250 páginas Hatje Cantz, 2014 Francés 9783775738941 $2310 $1350

A principios del siglo XIX, cuando el arte se caracterizaba por el contraste entre el romanticismo y el clasicismo, el realismo abrió un nuevo 181 camino: mostró la realidad sin idealizarla y, por tanto, abordó cuestiones políticas y sociales. El realismo, sin embargo, no es lo mismo que la imitación. No sólo imitaba la naturaleza, sino que, como decía Gustave Courbet, se trataba de retratar las costumbres, las ideas y el orden visual de una época, al destacar su propia individualidad’. La publicación enfatiza la ambivalencia fundamental del realismo en la pintura; lo presenta como una dirección artística que oscila entre idealismo y naturalismo, protesta y reacción, modernidad y melancolía, género y pintura histórica. Las obras de Gustave Courbet, Ernest Biéler, Albert Chavaz, Rudolf Schlichter, Mario Sironi, Gustave Jeanneret o André Derain ilustran las diferentes variedades de este movimiento multifacético.


Family Resemblance, A Surrealism and Non-Western Art

Tapa blanda 18 x 2.5 x 23.9 cm 336 páginas Hatje Cantz, 2014 Inglés 9783775737593 $1470 $990

Un encuentro fascinante: trabajos espectaculares de los surrealistas en un diálogo con el arte tribal no europeo. Los surrealistas buscaron puntos de referencia para el nuevo universo artístico que querían crear y los encontraron en los objetos de culto de los pueblos indígenas, que en ese momento aún no se habían explorado completamente como obras de arte. Auténticos, inspirados en sueños, con un poder místico de expresión y potencial mágico: los artistas surrealistas reconocieron una actitud relacionada con la potencia de lo imaginario en los objetos fantásticos de la Amazonia, Oceanía y África, en esculturas indias y de los indígenas del Ártico, o en hallazgos precolombinos, y los usaron para su propia creatividad. Esta publicación multifacética coloca objetos indígenas espectaculares y obras únicas de alrededor de cincuenta surrealistas en diálogo con ellas, y también investiga cómo ha evolucionado la percepción del arte étnico en las últimas décadas. En su ensayo, Ingrid Beytrison Comina destaca la importancia que la amplia colección etnológica de André Breton, en su estudio, tuvo para los surrealistas.


Artes visuales

Youth and Beauty : Art of the Twenties Tapa Blanda, 27.6 x 23.8 x 2 cm Brooklyn Museum Bookshop, 2011 Inglés 9780872731677 $2130 $1380

Acompañando a una exposición itinerante a nivel nacional, esta historia crítica del arte estadounidense de la década de 1920 ofrece una nueva perspectiva sobre las imágenes modernistas sorprendentemente 183 originales de la Edad del Jazz. Youth and Beauty: Art of the Twenties es la primera visión amplia del arte estadounidense durante el período posterior a la Gran Guerra y antes del inicio de la Gran Depresión. Este volumen ilustrado captura una visión de la vida estadounidense durante una década, cuando la urbanización, la industrialización y la mecanización estaban revolucionando a los Estados Unidos. Con más de 200 ilustraciones, el libro reúne a una serie de artistas y lenguajes visuales, con obras icónicas y sorprendentes de Edward Hopper, Georgia O’Keeffe, Stuart Davis, Marsden Hartley, Aaron Douglas, Alfred Stieglitz, Isamu Noguchi, Charles Sheeler, Man Ray, Walker Evans y otros.


Nur Papier , und doch die ganze Welt 200 Jahre Graphische Sammlung

Tapa blanda 21.6 x 3 x 28.5 cm 308 páginas Hatje Cantz, 2010 Alemán 9783775726580 $1340 $750 Conmemorando el bicentenario de la Graphische Sammlung en la Staatsgalerie de Stuttgart Desde el grabado en madera de una sola hoja hasta la bola de papel arrugado, del folleto al cartel, del blockbook al libro como objeto raro: con sus cerca de cuatrocientas mil obras de doce mil artistas, el Graphische Sammlung en la Staatsgalerie Stuttgart está abierto a todas las formas de arte hechas en y con papel. Fundado por Frederick I como Königliches Cabinett der Kupferstiche und Handzeichnungen (Gabinete Real de Grabados de Cobre y Dibujos a Mano), nuevas adquisiciones, legados de fundaciones y obsequios han ampliado su acervo para convertirlo en una de las colecciones internacionales más importantes de obras en papel. La Graphische Sammlung celebra su doscientos aniversario presentando un nuevo catálogo de la colección que incluye una excelente selección de la amplia gama de obras, desde el gótico hasta el contemporáneo, y que no se concentra únicamente en obras maestras. El volumen proporciona una idea de la gran participación privada y pública en la preservación y expansión de esta importante sección de la colección en la Staatsgalerie Stuttgart.


Artes visuales

Société Anonyme , The Modernism for America

Tapa Dura 25.4 x 2.5 x 30.5 cm 280 páginas, Yale University Press, 2006 Inglés 9780300109214 $1570 $850 Este libro bellamente ilustrado destaca la historia única de The Société Anonyme, Inc., una organización fundada en 1920 por los artistas Katherine S. Dreier (1877-1952), Marcel Duchamp (1887-1968) y Man Ray (1890-1976) . Como primer “museo experimental” de América para el arte moderno, la Société Anonyme proporcionó un medio para que los 185 artistas, en lugar de los historiadores, hicieran una crónica del ascenso del modernismo. Dirigido por Dreier y Duchamp, el grupo finalmente reunió una colección de más de mil obras de arte, que presentó al público en una variedad de programas, publicaciones y exposiciones inspiradoras. La increíble colección de Société Anonyme ahora pertenece a Yale University Art Gallery, un obsequio de Société and Dreier. Cuenta con el trabajo de más de cien artistas, muchos de los cuales se encuentran entre los más famosos del siglo, entre ellos Jean Arp, Marcel Duchamp, Max Ernst, Wassily Kandinsky, Paul Klee, El Lissitzky, Piet Mondrian, Man Ray, Kurt Schwitters y Joseph Stella, así como obras de artistas menos conocidos cuyas contribuciones al modernismo son sustanciales. Con nueva información de archivo, incluida la correspondencia personal entre Dreier y los artistas cuyo trabajo ella reunió, una serie de imágenes inéditas, ensayos de destacados académicos y una entrevista con los artistas Robert y Sylvia Mangold sobre el significado contemporáneo de esta colección, este fascinante libro es esencial para nuestra comprensión de la recepción e interpretación del modernismo en Norteamérica.


Cabinet of Rarities, A Antiquarian Obsessions and the Spell of Death

Tapa dura 21.8 x 2 x 28.7 cm 110 páginas Thames and Hudson, 2012 Inglés 9780500516348 $2450 $1500

Para bibliófilos, coleccionistas de impresos y conocedores, y para cualquiera cuya imaginación sea disparada por lo macabro y lo arcano: aguafuertes contemporáneas que recrean interiores, estudios, paisajes urbanos, paisajes y composiciones fantásticas de un mundo piranesiano La manifestación del apetito de un coleccionista por descubrir y dominar el mundo -representado por elementos singulares de historia natural, geología, arte o reliquias-, gabinetes de curiosidades y rarezas, se popularizaron en el Renacimiento y fueron precursores del museo moderno. Inspirado en gran parte por el científico y anticuario del siglo XVII Sir Thomas Browne, cuyos escritos esotéricos han atraído durante mucho tiempo a los estudiosos, este extraño y reciente trabajo es una delicia para el bibliófilo. Los grabados contemporáneos de Erik Desmazieres muestran un gabinete de rarezas que presenta una colección de lo recóndito, raro y extraño, repleto de emblemas de la vanidad de la vida terrenal e insinuaciones mortuorias. La muerte y la decadencia son los temas favoritos: una calavera recuerda las representaciones de Sir Thomas Browne, desenterrada y exhibida en un museo local hasta la década de 1920. Estos objetos abstrusos y espectrales de la muerte, materia que una vez fue considerada reserva exclusiva de especialistas, han ingresado a la corriente principal de la cultura, encontrando una amplia audiencia.


Artes visuales

From Beckmann to Warhol Tapa dura 3.8 x 24.8 x 31.8 cm 368 páginas Wienand Verlag, 2013 Inglés 9783868321470 $2180 $1500

Este catálogo reúne 240 obras de 95 artistas, incluidos los famosos Max Beckmann, Georges Braque, Gerhard Richter, Ernst-Wilhelm Nay, Ernst Ludwig Kirchner, Joan Miró, Pablo Picasso, Sam Francis y Andy War187 hol. El foco principal de la notable colección Bayer es el expresionismo alemán y el modernismo clásico, la École de Paris y el arte informal, y su acervo incluye más de 2.000 obras de artistas famosos.


Swiss Made : Precision and Madness Swiss Art from Hodler to Hirschhorn

Tapa dura, 31.5 x 24.7 x 1.9 cm 160 páginas Hatje Cantz, 2007 Inglés 9783775719636 $1880 $950

Con Swiss Made hay, finalmente, una publicación que establece estándares, que describe los movimientos y artistas individuales del arte suizo del siglo XX, y rastrea su desarrollo hasta nuestros días. Oscilando entre la precisión y la locura, obras de antiguos artistas suizos distinguidos se comparan con obras contemporáneas de los últimos cuarenta años, de artistas como Max Bill y John M. Armleder, Ferdinand Hodler y Urs Lüthi, Alberto Giacometti y Rémy Zaugg, Louis Soutter y Martin Disler. Oponerse a la famosa tendencia suiza hacia la precisión y el orden es la visión del mundo, respaldada por la falta de espacio (según Paul Nizon), que tiende a la obstinación y el caos. La era de la globalización agrega un significado nuevo y diferente a un examen de las características regionales y la reevaluación del término “patria”. Otras parejas de suizos que entablaron un diálogo sobre los tiempos son Robert Müller y Sylvie Fleury, Paul Klee y Silvia Bächli, Adolph Wölfli y Ugo Rondinone.


Artes visuales

Chikaku Tapa Blanda 22,2 x 1,9 x 27,3 cm 236 páginas, Walter Köning, 2005 Inglés 9783883759661 $1220 $850

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Los artistas incluidos en esta selección son Masaki Fujihata, Rieko Hidaka, Takashi Ito, Emiko Kasahara, Tadashi Kawamata, Yayoi Kusama, Trinh T. Minh-ha, Hiroyuki Moriwaki, Daido Moriyama, Takuma Nakahira, Tetsuya Nakamura, Motohiko Odani, Taro Okamoto, Yoko Ono , Yutaka Sone, Yoshihiro Suda, Hiroshi Sugimoto, Makoto Sei Watanabe, Masaaki Yamada y Miwa Yanagi. Publicado en oportunidad de una exposición organizada conjuntamente por Kunsthaus Graz, Camera Austria y The Japan Foundation en 2005/6, se exploran temas clave de percepción, tiempo y memoria en un amplio espectro de formas artísticas. Este título refleja la sutil diversidad de la producción artística japonesa, e incluye artículos teóricos de Ryuta Imafuku, Toshiharu Ito, Makoto Sei Watanabe y Krystyna Wilkoszewska, además de un ensayo literario de Yoko Tawada.


Riotous Baroque : From Cattelan to Zurburan Tributes to Precarious Vitality

Tapa blanda 24.4 x 1.2 x 30.4 cm 176 páginas Snoeck , 2012 Inglés 9783864420115 $2180 $1350

La época del Barroco del siglo XVII está asociada a la sensualidad, la extravagancia y la teatralidad. Este catálogo de exposiciones a todo color de Kunsthaus Zürich, abundantemente ilustrado, yuxtapone el trabajo de luminarias contemporáneas como Cindy Sherman, Maurizio Cattelan y Juergen Teller con las de maestros de la época del Barroco como Pieter Aertsen, Valentin de Boulogne y Jacob Jordaens. Esta exposición destaca obras que abordan la vida con una concepción sensualista, proclaman una exuberancia vital y un vínculo a preguntas sobre lo que constituye el arte mismo a través de las conexiones con el arte contemporáneo. Textos de Bice Curiger, Elfriede Jelinek, Eileen Myles y Raoul Vaneigem y una discusión con Nike Bätzner, Bice Curiger, Victoria von Felmming, Michael Glasmeier y Tristan Weddigen.


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Gods in Exile / Die Gotter Im Exil Salvador Dali, Albert Oehlen y otros

Tapa Blanda 27.7 x 21.6 x 2 cm 234 páginas, Walter Köning, 2006 Inglés 9783865600561 $1730 $990

Este trabajo incluye ensayos de Peter Pakesch, Katrin Bucher, August 191 Ruhs y Heinrich Heine. En las obras de Albert Oehlen, Salvador Dalí, Arnold Bocklin, Christian Ludwig Attersee, Karel Teige, Philippe Halsman y Max Klinger la mitología se convierte en una constante decisiva, como un principio tradicional de ordenar el mundo en sus ídolos. En las obras de Bocklin es muy evidente, aunque en línea con la comprensión de “Dioses en el Exilio” de Heine. En el trabajo de Dali ya está encriptado y distorsionado, transformándose en el trabajo de Oehlen en un sistema de referencia disparado que pone los mitos modernos bajo el escrutinio del ojo crítico, por así decirlo. En todas estas obras, es la figura del artista, independientemente de su estado frágil y cuestionable, aquello con lo cual medimos todos los posibles mitos. La figura del artista como punto de anclaje central aparece como la creadora del orden y como la creadora de sí misma. Este catálogo acompañó a la exposición Die Gotter im Exil / Gods in Exile en Kunsthaus Graz, e incluye una entrevista a Albert Oehlen realizada por el crítico de arte Daniel Baumann. Versión biligüe, inglés y alemán.


Who’s Afraid of Red, Yellow and Blue? Tapa Blanda 21.6 x 1.3 x 26.7 cm 168 páginas, Walter Köning, 2007 Inglés 9783865602954 $2050 $1025

Tomando una inspiradora pintura de Barnett Newman de 1966 como punto de partida, este catálogo de la exhibición recoge el trabajo de 14 artistas internacionales de importancia monumental, incluido el propio Newman, que fueron los responsables de llevar el minimalismo al primer plano. Comenzando con las obras de neón de Dan Flavin, e incluyendo monocromos, pinturas del Color Field y estudios de contraste de Günther Förg, Ellsworth Kelly, Imi Knoebel, Yves Klein, Morris Louis, Kenneth Noland, Blinky Palermo, Stephen Prina, Ad Reinhardt, Gerhard Richter, Mark Rothko y Heimo Zobernig, este volumen también incluye declaraciones personales de o sobre cada uno de los artistas, todos agudamente escogidos, e inusualmente íntimos. Trascendentes, exuberantes, sobrias, poéticas, ingeniosas, sublimes o dogmáticas: las obras recogidas aquí responden a la pregunta principal de Newman con un rotundo ¡ YO NO !.


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Book of Books, The - dOCUMENTA 13 Tapa dura 28.4 x 24.1 x 6.1 cm 750 páginas Hatje Cantz, 2012 Inglés 9783775729512 $2870 $1750 Lista completa de participantes de la A a la Z, con biografías e información sobre los artistas y sus obras, de esta megaexposición. Los 100 cuadernos de la dOCUMENTA 13, más ensayos programáticos. Índices completos de palabras y temas clave. Este volumen es el libro de todos los libros: el catálogo reúne ensayos, proyectos de artistas y una guirnalda de los temas centrales de dOCUMENTA 13. Reproduce la serie de publicaciones 100 Notas - 100 193 Pensamientos, como facsímiles o en diseños nuevos, y contiene contribuciones de la Directora Artística Carolyn Christov-Bakargiev y Chus Martínez, Jefe de Departamento y Miembro del Grupo de Agentes Principales. Los autores contribuyentes de los cuadernos van desde el antropólogo Michael Taussig y los filósofos Donna Haraway y Christoph Menke, hasta la teórica cultural feminista Griselda Pollock y la filósofa política Susan Buck-Morss, el poeta Romaine Moreton y el científico Anton Zeilinger, y destacadamente a numerosos artistas. Las biografías breves ilustradas de todos los participantes, combinadas con las obras expuestas, ofrecen una visión global de dOCUMENTA 13. Una extensa lista de lectura y un índice sustancial permiten la navegación a través del libro y un estudio en profundidad de temas en diferentes disciplinas en relación con la exposición. Este volumen profusamente ilustrado proporciona una idea del concepto de dOCUMENTA 13, con sus diversas ramas en diferentes campos de la investigación radical y el pensamiento experimental, y sirve simultáneamente como una referencia imprescindible del arte contemporáneo.


Happenings Tapa dura 25.4 x 27.9 cm 320 páginas Monacelli Press, 2012 Inglés 9781580933070 $2120 $1300

En 1959, Allan Kaprow, quien introdujo la primera obra de arte de performance en Estados Unidos, acuñó el término “Happening”. Casi inmediatamente, esta clase de acontecimientos comenzaron a presentarse en los espacios de las galerías - realizados por los artistas entrenados - a través del país. No hubo desarrollo de trama o personaje: los artistas y objetos, materiales y sonidos tenían la misma importancia. Era obras que no podían venderse, y que se colocaba a la cabeza del mundo del arte. Concurrente con una exposición del mismo nombre que tuvo lugar en la Galería Pace de Nueva York, Happenings: New York, 1958-1963 se centra en los años que vieron el nacimiento del movimiento en Nueva York, y en los artistas que hicieron del género una leyenda: Red Grooms, Allan Kaprow, Robert Whitman, Jim Dine, Claes Oldenburg, Simone Forti, Carolee Schneeman.


Artes visuales

Juntos, crearon una nueva e indignante forma estética con una actitud de “todo vale”, cambiando el rostro del mundo del arte contemporáneo. El autor Mildred Glimcher proporciona la primera mirada comprensiva en los acontecimientos con una extensa documentación y entrevistas personales con los artistas. Este volumen fascinante mira no sólo el género, sino también la cultura y la sociedad que lo rodearon. Las fotografías de la época de Robert L. MacElroy - muchas de las cuales nunca fueron exhibidas previamente - y el archivo personal del legendario artista Red Grooms ilustran los ensayos, actuaciones y el after-party con los artistas y sus fans - entre ellos Andy Warhol, Tom y Claire Wesselman, Ivan Karp, Walter de María, George Segal, y muchos más. Este Quién es Quién de los personajes del mundo del arte de los años sesenta atraerá a profesionales del arte y estudiantes por igual, y servirá como un testamento perdurable de este período vital en el arte norteamericano.

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Impressions of New York Prints from the New-York Historical Society

Tapa dura 23.6 x 3.3 x 28.7 cm 304 páginas Princeton Architectural Press , 2004 Inglés 9781568984926 $2330 $1300

Desde su nacimiento como un remoto puesto de comercio en las márgenes del imperio holandés hasta su estado actual como la llamada Capital del Mundo, Nueva York siempre ha cautivado a los artistas visuales. Las impresiones extraordinarias recogidas por la New York Historical Society a lo largo de su historia conservan vívidamente estas impresiones en papel. En este bello volumen, más de 150 de estas vistas de la ciudad -entre ellas dos espectaculares vistas panorámicas- hablan elocuentemente del poder creciente de este dinámico centro urbano. Al mismo tiempo, presenta un retrato íntimo de la vida cotidiana tal como se ha vivido y saboreado en esta gran ciudad durante más de tres siglos. Acompañando una exposición que celebró el bicentenario de la New York Historical Society, este volumen magníficamente impreso presenta una gama completa de imágenes históricas, desde 1672 hasta el presente. En la animada redacción y los titulares llenos de información, la curadora e historiadora Marilyn Symmes cuenta las historias únicas detrás de las personas y lugares, parques y edificios, calles y barrios, desfiles y eventos representados en cada imagen.


Artes visuales

Only in America Tapa Dura 25 x 2.4 x 28.8 cm 240 páginas, Skira, 2006 Inglés 9788876246623 $2550 $1650

Este libro reúne 100 pinturas de todas las escuelas, desde el siglo XV hasta principios del siglo XX, seleccionadas por el prominente historiador de arte, ex-director y actual presidente del Museo del Louvre. 197 Además de proporcionar el nombre del artista, el título del trabajo, las dimensiones y la fecha, aborda la procedencia y las condiciones de compra y de su entrada en el museo.


Being Modern : MoMA in Paris Tapa Dura 31.3 x 2.7 x 25.4 cm 288 páginas, Thames and Hudson, 2017 Inglés 9780500239797 $3120 $1980

Publicado para acompañar la primera exposición en París de los aspectos más destacados del Museo de Arte Moderno de Nueva York, Being Modern cuenta las historias detrás de 120 obras de arte y objetos de diseño seleccionados, adquiridos por el MoMA entre finales del siglo XIX y el presente, proporcionando una visión única de la gestión y desarrollo de una de las mejores colecciones de arte moderno y contemporáneo en el mundo. Con obras de los seis departamentos del Museo, desde House by the Railroad de Edward Hopper (1925) hasta el conjunto original recién adquirido de 176 emojis digitales, el catálogo destaca la diversidad y la actualidad de la colección del MoMA, y proporciona una nueva perspectiva del canon modernista. El libro está organizado cronológicamente de acuerdo con el año en que cada obra de arte ingresó a la colección de MoMA. Textos breves de los conservadores del museo acompañan cada trabajo, proporcionando una visión general de su significado, así como una mirada detrás de las escenas en el proceso de adquisiciones, a menudo un aspecto ignorado de la historia de un museo. En lugar de presentar la colección como una entidad estable y perfectamente estructurada, el libro revela su compleja evolución y amplio alcance, demostrando múltiples formas de ver la colección multidisciplinaria del MoMA.


Artes visuales

Contemporary Art in France Tapa Dura 18.3 x 3.5 x 25.7 cm 384 páginas, Flammarion, 2006 Inglés 9782080305244 $2130 $1350

Una revisión exhaustiva de los movimientos artísticos que han tenido lugar en Francia desde la década de 1960 hasta el presente. Dotado de una extensa referencia, este libro proporciona las claves para comprender el panorama internacional del arte contemporáneo en su conjunto, y 199 ofrece un análisis profundo de las tendencias y características predominantes del arte en los últimos cuarenta años.


Scheyer, G. & the Blue Four Correspondence 1924-1945

Tapa Dura 17.6 x 4.5 x 23.5 cm 380 páginas, Benteli , 2006 Inglés 9783716514382 $1270 $800

Galka Scheyer (1889, Braunschweig - 1945, Los Ángeles) fue una pintora, comerciante de arte, coleccionista de arte y maestra de origen alemán. Ella fue la fundadora de The Blue Four, un grupo de artistas compuesto por Lyonel Feininger, Wassily Kandinsky, Paul Klee y Alexej Jawlensky del que fue representante desde 1924. Esta publicación incluye una selección de cerca de un centenar de cartas y otros documentos existentes que cubren la historia de los Cuatro Azules, y la relación interacción entre estos artistas y su representante en Estados Unidos.


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Matisse, Picasso , and Modern Art in Paris The T. Catesby Jones Collections at the Virginia Museum

Tapa Blanda 22.2 x 1.3 x 27.3 cm 160 páginas, University of Virginia Press, 2009 Inglés 9780917046889 $1870 $1250

Abogado de Nueva York con raíces en Virginia, T. Catesby Jones adquirió una extraordinaria colección de pinturas, dibujos, grabados y escul- 201 turas de unos sesenta artistas que trabajaron en París a principios del siglo XX. La colección de Jones de casi trescientas obras, dividida entre dos instituciones de Virginia después de su muerte, se reúne aquí en un catálogo ilustrado con una lista de verifica todo color acompañada de entradas de veinticuatro de los artistas. Algunas son las figuras más conocidas de esta era crucial (Matisse, Picasso, Braque, Masson, Lipchitz); otros son ahora menos familiares (Lurcat, Bauchant, Marcoussis). Considerados en conjunto, brindan una visión integral del arte moderno en París hasta la Segunda Guerra Mundial y traen por primera vez el legado de Jones a una gran audiencia.


Paris Portraits : Artists, Friends, and Lovers Tapa dura 24.8 x 1.9 x 31.1 cm 224 páginas Yale University Press, 2008 Inglés 9780300145434 $1710 $990

El arte del retrato alcanzó un pináculo de logros expresivos a principios del siglo XX en París. Liberados por el advenimiento de la fotografía, los artistas pudieron volver a imaginar la naturaleza de la representación humana, produciendo diferentes estilos del retrato: fauve, cubista, dadaísta, surrealista y expresionista, a diferencia de cuanto se había visto antes. Este notable libro se centra en una rica variedad de estos retratos, presentando pinturas, esculturas y obras en papel de artistas como Picasso, Matisse, Chagall, Duchamp, Brancusi, Lipchitz, Gris, Rivera, Modigliani, Dubuffet, Laurencin y Soutine. Un importante ensayo explora la fascinante red de relaciones personales y estéticas que existían en ese momento, como los artistas que se representan a sí mismos y a sus amigos, coleccionistas, críticos, cónyuges y parejas románticas. También hay una discusión formal e iconográfica de cada trabajo presentado, así como información biográfica, cultural e histórica relevante.


Artes visuales

Museum Folkwang Print & Sculpture Tapa Dura 13.6 x 2.4 x 19.8 cm 304 páginas, Sieveking, 2015 Inglés 9783944874104 $1940 $1150

203 Museum Folkwang: Painting & Sculpture, 19th - 21st Centuries, conduce y acompaña a los visitantes a través en un recorrido cronológico de las colecciones del siglo XIX, XX y XXI del museo, y contiene una breve introducción a la historia del museo y su diseño arquitectónico. “Contribuir a la mejora del gusto del público” fue la intención declarada del coleccionista de arte Karl Ernst Osthaus. El hijo de un banquero nacido en Hagen, Osthaus, reunió una colección privada que más tarde se convirtió en la base del notable acervo de arte del Museo Folkwang. Situado en Essen, el museo es más conocido por sus distinguidas colecciones de obras maestras de la era de la vanguardia hasta mediados del siglo XX. La atención se centra en el período que se extiende desde Paul Cézanne hasta Max Beckmann, incluidos artistas como Paul Gauguin y Vincent van Gogh; reconocidos artistas contemporáneos como Martin Kippenberger y Lothar Baumgarten también están representados en la colección. Las esculturas y las instalaciones completan este volumen impresionante y sensiblemente diseñado.


Adventure of Our Collection , The Tapa Dura 22.2 x 5.8 x 28.6 cm 557 páginas, Wienand Verlag 2017 Inglés 9783868323290 $3710 $2150

Para la reapertura del Museo Kaiser Wilhelm en Krefeld en el verano de 2016, se presenta por primera vez a gran escala el grupo de obras más grande y más conocido de la opulenta colección “Arte después de 1945”: Desde Informel y Zero, a través del Pop Art y el minimalismo, al arte conceptual y al Land Art. Además de pintura y escultura, la fotografía, la instalación y el video también están representados. El catálogo de esta consistente colección ofrece una visión nueva e documentada sobre el corazón de esta fascinante colección.


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Art and Social Change : A Critical Reader Tapa blanda 19 x 3.2 x 24.1 cm 480 páginas Tate Publishing, 2007 Inglés 9781854376268 $1960 $1230

Esta lectura generosa reúne textos, manuscritos y propuestas de artistas y grupos de arte de todo el mundo desde hace 150 años, que han expresado su deseo de cambiar la sociedad. Incluye ensayos de Lucy Lippard, John Milner y Gerald Raunig.

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Berghain :10 Tapa blanda 25.9 x 1.8 x 28.4 cm 208 páginas Hatje Cantz, 2015 Inglés 9783775739818 $2030 $1150

El legendario club nocturno Berghain de Berlín celebra su décimo aniversario con obras de artistas de renombre como Norbert Bisky, Marc Brandenburgo, Ali Kepenek, Sven Marquardt, Sarah Schonfeld, Piotr Nathan, Carstel Nicolai, Friedrich von Rauch, Wolfgang Tillmans y Viron Erol Vert, instalado en las paredes de hormigón en bruto de una antigua central eléctrica.


Artes visuales

Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst Tapa Blanda 17.1 x 2.5 x 23.5 cm 384 páginas, Distanz, 2016 Inglés 9783954761555 $1210 $800

207 Curada por el colectivo DIS de Nueva York, la 9ª Bienal de Berlín es una plataforma para proyectos colaborativos, ideas, catástrofes y extremos. Busca materializar las paradojas que definen cada vez más el mundo de 2016: lo virtual como lo real, las naciones como marcas, las personas como datos, la cultura como capital, el bienestar como política, la felicidad como el PIB, y así sucesivamente. “The Present in Drag” se publica como un volumen acompañante de la 9ª Bienal de Arte Contemporáneo de Berlín. Proporciona una perspicaz información sobre las obras mostradas en la exposición, e incluye contribuciones de Roe Ethridge, Simon y Daniel Fujiwara, Boris Groys, Katja Novitskova, Chus Martínez, Bjarne Melgaard, Sean Patrick Monahan, Sabine Reitmaier, McKenzie Wark, y otros.


Between the Lines Volume 2 A Coloring Book of Drawings by Contemporary Artists

Tapa blanda 27.9 x 20.3 x 0.8 cm 112 páginas RxArt, 2010 Inglés 9780615309385 $930 $500

Si a Ed Ruscha, Lawrence Weiner, Sean Landers, Jim Lambie y Raymond Pettibon, les soltaran su niño interno y crearan el nuevo arte para un libro que se colorea, ¿qué imágenes asombrosas podrían subir? Eso es lo que descubrirás en Between the Lines Volume I I, el seguimiento de RxArt al primer volumen de su libro para colorear inmensamente exitoso. ¿Dónde más se le invitaría?, incluso alentó, a “completar” las obras de Olaf Breuning, Dan Colen, Dean Tacita, Sam Durant, Marcel Dzama, Robert Gober, Wade Guyton, Ben Jones, KAWS, Karen Kilimnik, Terence Koh, Jim Lambie , Sean Landers, Louise Lawler, Justin Lieberman, Adán McEwen, Sarah Morris, Matt Mullican, Takashi Murakami, Neckface, Jorge Pardo, Raymond Pettibón, Ed Ruscha, Alison Saar, James Siena, Matanza de Tom, Marc Swanson, Tats Cru , Rirkrit Tiravanija, Lawrence Weiner, Kehinde Wiley y muchos más de los artistas contemporáneos más conocidos de hoy? Between the Lines te invita a colaborar con ellos y muchos otros. Fans, entusiastas y artistas de todas las edades estarán encantados de añadir sus propios toques personales a las páginas de dibujos animados de más de 50 artistas, o divertirse con las pegatinas de colores vibrantes especialmente creadas para el proyecto por Mickalene Thomas y Nate Lowman.


Artes visuales

Hot Spots Tapa Blanda, 319 páginas, Steidl, 2009 Inglés 9783865219053 $1710 $880

Catálogo de la exposición celebrada en el Kunsthaus Zürich, Zurich, del 13 de febrero al 3 de mayo de 2009.

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Geschichten zeichnen | Drawing Stories Narration in Contemporary Graphic Art

Tapa dura 21.5 x 2.3 x 28 cm 320 páginas Steidl, 2012 Alemán 9783869304755 $1450 $990

Es el turno de contar historias, y por primera vez, una exposición está dedicada especialmente este fenómeno artístico. Se reúnen jóvenes artistas de Europa, los Estados Unidos y Canadá, que se encuentran entre los representantes más interesantes del dibujo narrativo. Con trabajos gráficos de Jenny Perlin (* 1970, EE. UU.), Pia Linz (* 1964, D), Danica Phelps (* 1971, EE. UU.), Marcel van Eeden (nacido en 1965, NL), Jana Gunstheimer (nacida en 1974, D), Kristina Bength (nacido en 1984, SV), Marcel Dzama (nacido en 1974, CAN), Amy Cutler (nacido en 1974, EE. UU.), Micha Payer y Martin Gabriel (* 1979, 1976, AUT), Andreas Seltzer (* 1943, D), Karen Scheper (nacida en 1963, D), Sarah Jane Lapp (nacida en 1972, EE. UU.), Karen Yasinsky (* 1965, EE. UU.).


Artes visuales

Partners Tapa Dura 24.1 x 1.9 x 30.5 cm 240 páginas, Walter Köning, 1999 Inglés 9783883757551 $1740 $950

Una de las personalidades más potentes en el mundo del arte, y la única canadiense en esa lista. Ydessa Hendeles es reconocida no solo como una de las principales defensoras del arte contemporáneo, sino también 211 como una brillante curadora y coleccionista. La colección de arte contemporáneo que ha reunido bajo los auspicios de la Fundación de Arte Ydessa Hendeles es una de las más originales, proféticas e internacionalmente prestigiosas, si bien es una de las menos conocidas. Grandes partes de élla se muestran por primera vez en Haus der Kunst en Munich, montada y organizada por Hendeles; este libro ha sido concebido por ella en ocasión de la muestra. Al estilo típico de Hendeles, Partners combina obras de arte, fotos de prensa, instantáneas anónimas y artículos cotidianos. El “HIm” de Maurizio Cattelan, una representación de Hitler de rodillas, juega un papel clave, al igual que una gran instalación de miles de históricas instantáneas de osos de peluche.


World Goes Pop , The Tapa dura 29.9 x 2.8 x 23.3 cm 288 páginas Tate Publishing, 2015 Inglés 9781849763462 $2380 $1300

World Goes Pop explora los compromisos contemporáneos con un espíritu de pop en todo el mundo, concentrándose no sólo en la actividad relativamente bien cubierta en los EE.UU., Reino Unido y Francia, sino también en los desarrollos de Europa Central y Oriental, América Latina, Asia, África y el Medio Oriente. A partir de finales de los años cincuenta, numerosos artistas y movimientos con estética pop se desarrollaron en estos continentes, entre los que destacan Nouveau realisme, Neo Dada, Nueva Figuración, Equipo Crónica, Crónica de la Realidad y Saqqakhaneh o Espiritual Pop. Con artistas de la talla de Oyvind Fahlstrom, Keiichi Tanaami y Erro. Estos artistas y movimientos diferían entre sí por su geografía tanto como por su presencia en las manifestaciones culturales, centralizadas o marginales, y fueron influidos por sus respectivas tradiciones, movimientos sociales y políticos. Este excepcional libro ofrece una oportunidad única para examinar los orígenes y el lado sociopolítico del Pop, abordando temas tales como el pop y la representación política; el pop y las nuevas políticas sexuales; el pop y la masa; serialidad, distribución y el papel de la producción de la impresión. World Goes Pop es el primer libro que se basa en las fuentes primarias para reevaluar el arte pop en todo el mundo, y cuenta con seis ensayos especialmente encargados de una amplia gama de colaboradores internacionales, y producidos en estrecha colaboración con los artistas involucrados.


Artes visuales

Compton Verney Tapa Blanda 21.4 x 1.2 x 25.4 cm 160 páginas, Scala Publishers, 2010 Inglés 9781857595604 $730 $500

Compton Verney, una mansión clasificada como Grado I en Warwickshire, Reino Unido, fue rediseñada por Robert Adam en la década de 1760 y se encuentra en un parque diseñado por Lancelot ‘Capability’ Brown. Compton Verney House fue comprada por el Compton Verney 213 House Trust con el apoyo financiero de la Fundación Peter Moores en 1993, momento en que la casa y los terrenos se habían deteriorado, y se decidió que la mansión se transformaría en una galería de arte. Abierto al público en 2004, hay seis colecciones permanentes, destacándose las áreas que están subrepresentadas en el Reino Unido. Las pinturas de Nápoles conforman una muestra representativa de las obras maestras de la Edad de Oro del arte napolitano de 1600 a 1800. El arte medieval alemán incluye obras de Cranach, Riemenschneider y Schongauer. Vermont también posee colecciones ejemplares de bronces chinos, arte popular británico, retratos y objetos británicos recogidos por la diseñadora textil Enid Marx del siglo XX, con la historiadora Margaret Lambert. Esta nueva y atractiva guía presenta los aspectos más destacados de las seis colecciones de Compton Verney, incluidas las últimas adquisiciones.


Lines of Discovery 225 Years of American Drawings - The Columbus Museum

Tapa Dura 23.8 x 3 x 28.7 cm 252 páginas, Giles, 2005 Inglés 9781904832126 $1380 $800 Este libro presenta un importante y nuevo catálogo temático y cronológico de las más importantes colecciones de dibujos y obras en papel del Columbus Museum, incluidos ejemplos en grafito, carbón, monotipo y pastel. En el corazón del Columbus Museum, y de este volumen, está el trabajo de un individuo notable, el Dr. Phillip L. Brewer, que ha reunido una colección realmente significativa de obras estadounidenses en papel, tanto en términos de profundidad como de amplitud. . Por primera vez, este volumen presenta casi 200 de estos dibujos magistrales, 120 de los más importantes se agrupan en seis capítulos, se ilustran a todo color y se acompañan con trabajos escritos por destacados expertos. Otras 79 obras se presentan como miniaturas de color y monocromos, intercaladas entre las imágenes de las obras clave. Se incluyen imágenes de Copley, West y Cole que datan de los primeros años de la nacionalidad estadounidense; obras de Oscar Bluemner, Arthur Dove y Morton Schamberg que anuncian el advenimiento del modernismo; mientras que otros de Hans Hoffmann, Yasuo Kuniyoshi, Blanche Lazzell y Rico Lebrun confirman su presencia continua a través de expresiones tan variadas como el realismo social, el surrealismo y la abstracción. Mientras artistas como Milton Avery, Jack Beal, Paul Cadmus, Philip Evergood, Nancy Grossman y Louise Nevelson exploran la fuerza y la belleza de la forma humana, James Valerio y Andrew Wyeth documentan los rostros cambiantes del mundo natural. En conjunto, estos trabajos y Lines of Discovery ofrecen una revisión exhaustiva de la historia del arte estadounidense.


Artes visuales

Unlearning to Draw Tapa blanda 10.8 x 15.2 cm 216 páginas Princeton Architectural Press, 2015 Inglés 9781616893736 $580 $350 Unlearning to Draw es el nuevo título de nuestra exitosa serie Learning to See, que enseña a los lectores no sólo a tomar una pluma y empezar a dibujar, sino a ver el mundo que los rodea con ojos frescos. Cada libro de la serie presenta una breve introducción de Jenny y veintidós ejercicios fáciles, con cada libro centrado en un aspecto diferente. En Unlearning to Draw, Jenny anima a los lectores a regresar al tipo de dibujo 215 despreocupado que los artistas y los niños realizan, y concentrarse en la alegría de dibujar en lugar del resultado final. Deshacerse de la meta de hacer que sus dibujos parezcan 'reales', ayudará a los lectores a descubrir su estilo individual.


Chinese opera Tapa dura 33.7 x 26.1 x 2.5 cm 152 páginas Abbeville Press, 2001 Inglés 9780789207098 $1570 $850

Durante siglos las compañías de ópera han hipnotizado al público con sus personajes elaborados y maquillados y la pompa de sus producciones, combinando música y voz con baile y gesto. Debido a su venerable tradición, muchas de las óperas tienen temas históricos y militares, que todavía se realizan hoy en día. Como en el pasado, el énfasis en estas producciones no está en paisajes o adornos, sino en los elaborados trajes y maquillaje usados por los personajes principales, que exhiben una variedad de estilos de actuación, y las más conocidas son las óperas Yue de Pekín, Cantón y Shanghai, que aparecen en este magnífico libro de fotografías. Los impresionantes retratos de Jessica Tan Gudnason se parecen más a esculturas pintadas que a fotografías. Sus imágenes fueron tomadas durante un período de diez años durante el cual ella frecuentó producciones de la ópera de Pekín y de Cantón, capturando a muchos actores en todas las etapas de la preparación para los papeles principales y de apoyo o completamente ataviados para la ejecución.


Artes visuales

Algunos de los personajes notables que ella presenta incluyen una guerrera femenina magníficamente disfrazada que usa plumas del pavo real en su tocado y banderas del estado en su traje voluminoso; un bufón hecho para parecer un mono, que, según la leyenda budista, acompañó a su amo en una búsqueda para el conocimiento de sí mismo; un varonil guerrero que llevaba un abrigo rojo bordado intrincadamente y un tocado tallado; un primer plano de una mujer hermosa que llevaba una parte de su cabeza adornada con las flores y las joyas, indicando su alto rango. El objetivo de Gudnason es recrear la emoción, la agitación, el sonido, el color y el movimiento del actor entre bastidores, desde una perspectiva íntima. Complementan las fotografías un texto perspicaz de la actriz Gong Li, en el que comenta estas poderosas fotografías y su significado. Los autores proporcionan información de antecedentes acerca de las compañías de ópera china, las obras de teatro y los principales tipos de personajes que se describen aquí. Este libro excepcional es ideal para cualquier persona que ame la ópera, la música, y el teatro. 217


Breaking the Rules The Printed Face of the European Avant Garde 1900 - 1937

Tapa Blanda 24.8 x 1.8 x 24.1 cm 160 páginas, British Museum, 2007 Inglés 9780712309806 $1160 $700

Entre 1900 y 1937, la vanguardia consistió en una serie de movimientos superpuestos, como el cubismo, el expresionismo, el futurismo, el dadaísmo, el constructivismo y el surrealismo. Debido a su propia naturaleza, a la vanguardia se le negaron los modos tradicionales de comunicación y exhibición, por lo que los participantes se volvieron expertos en encontrar salidas alternativas, publicando sus propios manifiestos, poesía, revistas y libros, y creando nuevos géneros, como el libro de artista y el foto-libro. Estos diseños y tipografías innovadores frecuentemente empleados, todavía son influyentes en la actualidad. Este libro se centra en el trabajo impreso de los participantes de las vanguardias, demostrando su importancia para los diversos grupos y la forma en que las obras impresas ayudaron a difundir información e ideas internacionalmente. La publicación coincidió con la gran exposición de otoño del mismo nombre en el Biblioteca Británica. Contiene alrededor de 100 ilustraciones de trabajos impresos vanguardistas, dando una visión única de un aspecto poco estudiado en los diferentes movimientos que la constituyeron. Se da cuenta de treinta ciudades que fueron de particular importancia para la vanguardia, y se presentan en profundidad las obras y contribuciones de sus artistas más notables.


Naturalia

Alpines From Mountain To Garden Tapa dura 19.7 x 2.3 x 26.7 cm 260 páginas Royal Botanic Gardens, 2010 Inglés 9781842461723 $1940 $950

Hay muchas maneras diferentes de cultivar una planta alpina y mucho depende del hábitat y el clima del hogar natural de una especie en particular. Alpines, From Mountain To Garden ofrece una nueva y refrescante perspectiva sobre estos irresistibles habitantes de las montañas al observar su descubrimiento e introducción en el cultivo, las regiones del mundo de donde provienen y cómo esto debe tenerse en cuenta al plantarlas en su jardín. Más de 300 plantas están descritas y bellamente ilustradas. Se cubren las floras alpinas más importantes: América del Norte, América del Sur, Japón, China y los Himalayas, Australia y Nueva Zelanda, Europa y África. Cada capítulo considera qué plantas crecen en cada región, desde grandes altitudes en condiciones de tierras bajas, hasta drenaje, clima, niveles de luz, temperatura y regado. Los capítulos introductorios incluyen el cultivo, la conservación y el impacto del coleccionismo indiscriminado en muchas especies actualmente en peligro de extinción.

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Heirloom Fruits and Vegetables Tapa dura 29 x 2.8 x 28.7 cm 224 páginas Thames and Hudson, 2012 Inglés 9780500516188 $2450 $1550

Frutas y verduras han sido una parte central de nuestras dietas desde tiempos inmemoriales, y la historia de su cultivo está llena de datos intrigantes: la entrada del diario de Samuel Pepys para el 22 de agosto de 1663 revela que ”el señor Newburne está muerto de comer Cowcoumbers”. Muchas variedades de tomate se criaron en los Estados Unidos y todavía están disponibles, del ”alemán a rayas” al ”ping-pong rosa” y al ”zapoteco”. Hoy en día, numerosas variedades de frutas y hortalizas tradicionales -las denominadas variedades de herencia o patrimonio- están desapareciendo, una pérdida catastrófica del patrimonio hortícola y de la diversidad genética. Pero los jardineros tienen razones para ser optimistas. Un grupo de cultivadores dedicados de todo el mundo está tratando de conservar las variedades supervivientes del patrimonio por sus ventajas significativas sobre los nuevos cultivares: son más adaptables, tienen buenas propiedades de almacenamiento y suelen tener un sabor superior. Presentado por temporada, este panorama narra la historia del cultivo de frutas y hortalizas a través de las edades, y luego se discute cada tipo: de dónde surgió, los usos indígenas y el folclore, cómo consiguió su nombre, leyendas y creencias que se han unido a él, y los usos singulares que los que se adoptaron.


Naturalia

Nest The Art of Birds

Tapa blanda 13.8 x 1.6 x 21.8 cm 192 páginas Allen & Unwin, 2014 Inglés 9781760110895 $590 $350

Tendemos a tomar las aves por algo sentado, en el paisaje o en nuestros barrios. La presencia de aves comunica la salud de un lugar. Cuando se han ido, es como si hubiera un agujero en el cielo, en el aire, una ausencia de belleza y gracia, y la charla viva o los gritos que de ellos oíamos se 221 sustituyen por un misterioso silencio. Como un aficionado naturalista y amante de la naturaleza, Janine Burke, historiador del arte y escritor, ha pasado muchos años observando las aves. Nest es la historia de su pasión, un libro personal, amplio e íntimo - parte historia natural, parte folklore, parte exploración de arte y estética, y en parte memoria biográfica - que será de interés para todos aquellos que aman la naturaleza, la literatura y el arte. ¿Qué son los nidos, si no el arte creado por la naturaleza? Si un nido no es arte, ¿cómo podemos dar cuenta de aquellas creaciones exquisitas y cuidadosamente construidas que están decoradas o tejidas con plumas o adornadas con objetos de un color o brillo particular? Nest revela el arte y el misterio que se encuentran en la naturaleza y los celebra con lirismo, perspicacia y gran afecto. En la tradición de Longitud, Cod o The Cello Suites, Nest es una breve lección que abarca la celebración y la teoría, la investigación y las memorias, lo familiar y lo revelatorio - tan sorprendente y seductor como cualquier hermoso e intrincadamente nido construido.


Songbirds of North America Tapa dura 16.5 x 2.5 x 20.1 cm 256 páginas Chartwell Books, 2016 Inglés 9780785833871 $1700 $850

Un directorio visual con más de 100 de las llamadas de aves más populares de América del Norte. Hermosas ilustraciones muestran los colores distintivos de cada ave y el plumaje, e información detallada revela sus hábitos de origen, comportamiento, alimentación y migración. Aprende cómo y por qué los pájaros cantan, y descubre la amplia gama de tonos y melodías. Un CD de canto de pájaros de la Biblioteca Macaulay del laboratorio de ornitología de la Universidad de Cornell está incluido, y te ayuda a identificar las llamadas que escuchas en tu patio trasero, mientras que con simples nociones, el libro denota el paseo rítmico y el tono de las canciones de cada especie. Averigua cuándo y dónde escuchar mejor a los pájaros cantores más queridos de Estados Unidos, y descubre cómo convertir tu patio en refugio de aves, con consejos prácticos sobre rutinas de alimentación y cajas de anidación óptimas.


Naturalia

Antartic Fishes Tapa dura 25.7 x 36 cm 136 páginas Johns Hopkins University Press, 2006 Inglés 9780801886102 $1510 $750

La desintegración del supercontinente de Gondwana, hace más de 250 millones de años, y la formación del Océano Austral, dió lugar a la aparición de algunas de las especies más extrañas imaginables: la fauna de 223 peces del Antártico. Las aguas que rodean el continente sur son el hogar de un enorme número de especies de peces raramente visto por nadie fuera de los mundos de la investigación antártica y la pesca comercial. Este libro describe las características físicas, hábitos y distribución de cincuenta y cuatro especies de estos fascinantes peces. Cada descripción va acompañada de una delicada ilustración de página completa ejecutada en el único método gyotaku empleado por el artista maestro Boshu Nagase. El resultado es un tributo impresionante a estos peces poco conocidos. Antarctic Fishes es una contribución importante a nuestro conocimiento de un ambiente único y especies extraordinarias equipadas con su propio “”anticongelante””. Un libro para todos aquellos que buscan comprender la diversidad de peces del mundo, Antarctic Fishes también encontrará un hogar acogedor entre los amantes del arte asiático y de la naturaleza, así como el creciente número de coleccionistas de gyotaku.


Audubon, J. J. : America’s Other Audubon Tapa dura 29.2 x 2.2 x 34.3 cm 144 páginas Princeton Architectural Press, 2012 Inglés 9781616890599 $2110 $1350

America’s Other Audubon narra la historia de Genevieve Jones, de su familia y de la realización de un extraordinario libro del siglo XIX, Ilustraciones de los nidos y huevos de aves de Ohio. A la edad de veintinueve años, Genevieve Jones, una artista naturalista aficionada e hija de un médico de campo, visitó la Feria Mundial del Centenario de 1876 en Filadelfia, donde vio las pinturas de Audubon de aves de América en exhibición. Su obra de arte la inspiró a emprender la producción de un libro que ilustrara los nidos y los huevos de las aves que Audubon no había incluido en su trabajo. Sus padres se mostraron reacios a apoyar la realización de un proyecto tan ambicioso y caro, hasta que Genevieve se desanimó, suplementariamente, por un compromiso roto. Preocupados por su frágil estado mental, la animaron a comenzar el libro como distracción reparadora. Su hermano recolectó los nidos y los huevos, su padre pagó los costos de publicación, y Genevieve y su amiga de niña aprendieron litografía y comenzaron a ilustrar los especímenes. El libro fue vendido por suscripción en veintitrés partes. Sucedió que Genevieve murió de fiebre tifoidea después de completar personalmente solo cinco de las ilustraciones. Su familia se ocupó de completar el trabajo en su memoria. Solo se produjeron 90 copias del libro y menos de 20 se han localizado hoy en bibliotecas o en colecciones privadas.


Delicatessen

1% Privilege in a Time of Global Inequality Tapa dura 29.5 x 1.3 x 29.7 cm 80 páginas Hatje Cantz, 2015 Inglés 9783775740944 $1910 $1100

Hermoso pero preocupante: fotografías del uno por ciento más rico de nuestro planeta. Ciertos placeres son para solo unos pocos . . . El de deslizarse en la 225 piscina de borde infinito en la terraza de la azotea del Hotel Marina Bay Sands de cincuenta y siete pisos, mientras, como fondo, se puede disfrutar del paisaje sonoro urbano del imponente mar de rascacielos de Singapur. O el consistente en ser bienvenido personalmente a una fiesta privada de champán, después de un largo paseo en globo aerostático sobre el desierto de Kenia. Los placeres extravagantes del uno por ciento más rico de la población de la tierra representan un contraste extremo con los de los noventa y nueve restantes. Describir las enormes disparidades en las imágenes es un desafío que han asumido Nina Berman, Peter Bialobrzeski, Guillaume Bonn, Mikhael Subotzky y muchos otros fotógrafos. El volumen reúne sus trabajos con el propósito de proporcionar evidencia visual a la evidente discrepancia entre las condiciones de vida de las personas, que puede ser tan fascinante como escandaloso.


Railroad Stations The Buildings that Linked the Nation

Tapa Dura 22.4 x 2.5 x 28.7 cm 336 pĂĄginas, W. W. Norton & Company, 2012 InglĂŠs 9780393731644 $1320 $780


Delicatessen

Cuando casi todas las líneas ferroviarias comenzaron a dar también servicios nocturnos,en los Estados Unidos, asumieron rápidamente un papel clave en su rápido crecimiento y desarrollo. Enlazando estas líneas que cruzaban el mapa estaban las estaciones mismas, las mismas piezas centrales -físicas y metafóricas- de la vida cívica y cultural en el país. Eran telones de fondo de idas y venidas comunes, así como de conferenciantes y evangelistas públicos, mítines y movimientos de tropas en tiempo de guerra; puestos de avanzada del asentamiento occidental; escenario de los recorridos presidenciales; y destinos para una nueva clase de turistas que surgió a finales del siglo XX. Como reflejo de una amplia gama de formas, estilos y tamaños, su diversidad arquitectónica los definió casi tanto como su lugar sagrado en la historia de Estados Unidos. Organizado por región, Railroad Stations: The Buildings that Linked the Nation capturan todas sus expresiones, de modestas a glo227 riosas. Aquí están los robustos depósitos del Oeste, las estaciones de los pueblos fantasmas en la llanura, una obra maestra del art deco en Ohio y los grandes monumentos urbanos. También se muestran características relacionadas como salas de espera y explanadas, algunas con lujosas exhibiciones de obras de arte; detalles elegantes que incluyen cornisas, cúpulas, campaniles y torres de reloj; cobertizos de trenes, barracas adyacentes y hoteles; carruajes y casas rodantes; carros de equipaje; y mucho, mucho más. En más de 600 sorprendentes planos de archivo, dibujos, mapas e imágenes, muchos de ellos desde perspectivas panorámicas y aéreas, y tomados por fotógrafos tan notables como Jack Boucher, Jack Delano y Jet Lowe, se grafican las historias de estaciones de ferrocarril grandes y pequeñas, una festín visual de imágenes que narran la historia y el carácter estilístico de uno de los tipos de edificios más icónicos de esta nación.


Vienna School Reader

Tapa dura 15.2 x 22.9 cm 488 páginas MIT Press, 2000 Inglés 9781890951146 $990 $500

Este libro presenta a un público de lengua inglesa los escritos de la llamada Nueva Escuela de Arte de Viena. En la década de 1930, Hans Sedlmayr (1896-1984) y Otto Pacht (1902-1988) emprendieron una ambiciosa extensión del proyecto histórico de arte formalista de Alois Riegl (1858-1905). Sedlmayr y Pacht comenzaron con una concepción esteticista de la autonomía y la irreductibilidad del proceso artístico. Al mismo tiempo, creían que podían leer culturas enteras y cosmovisiones en la obra de arte. El proyecto de Séller y Pacht llamó inmediatamente la atención de pensadores como Walter Benjamin, quienes estaban igualmente disconformes con el empirismo tradicional en boga. Pero el nuevo proyecto tenía su lado oscuro. Sedlmayr usó la historia del arte como un vehículo para una crítica radical de la modernidad, que pronto se convirtió en un argumento nazi-fascista, incluso cuando Pacht, un judío, se vio obligado a exiliarse. Sedlmayr y todo el proyecto académico de Strukturanalyse fueron fuertemente repudiados por Meyer Schapiro y más tarde por Ernst Gombrich. Después de un ensayo introductorio, el libro se abre con dos selecciones de Riegl. La siguiente sección incluye dos ensayos de Sedlmayr, dos de Pacht y uno de Guido Kaschnitz-Weinberg, y otro de Fritz Novotny, todos de la década de 1930. El libro se cierra con las respuestas divergentes de Benjamin (1933) y Schapiro (1936). La diferencia de opinión entre estas dos voces claves plantea nuevamente la cuestión de la legitimidad y la eficacia del método, y revela las analogías entre el proyecto de la Nueva Escuela de Viena y las historias culturales antiempiricistas de nuestro tiempo. El libro también contiene una extensa bibliografía.


Delicatessen

Artful Dog , The Canines from The Metropolitan Museum of Art

Tapa dura 14.5 x 1.5 x 16.3 cm 80 páginas Chronicle Books, 2006 Inglés 9780811855419 $470 $250 Este homenaje lúdico al mejor amigo del hombre presenta una gran variedad de obras maestras combinadas con contribuciones literarias de algunos de los escritores, humoristas y pensadores más importantes del mundo, como Edith Wharton, Groucho Marx y William Shakespeare. 229


Dogography: A Celebration of the Divine Canine Book, Journal, Cards

Tapa dura 23.9 x 3.6 x 22.6 cm 32 páginas Rizzoli, 2002 Inglés 9780847824526 $680 $400

La fidelidad tácita de los ojos. El saludo sincero de una cola meneando. El ansioso ladrido que nos atrae para correr, lanzar, saltar y jugar. Fiel, leal, cierto: más que cualquier otro animal, el perro es nuestro compañero en el largo camino de la vida. En Dogography, el renombrado fotógrafo de mascotas Jim Dratfield compiló una irresistible oda al perro en una caja perfecta para cada fan de estos amigos de cuatro patas. Dogography incluye: “Dogography”: un libro de recuerdo que combina imágenes entrañables de Dratfield con citas que celebran al perro, “Dog Days”: un diario ilustrado para registrar la historia de vida de su perro, seis tarjetas de nota. Todas con la aclamada fotografía de Dratfield. Una celebración de todo lo que nos encanta sobre nuestros compañeros caninos, “Dogography” captura lo mejor del mejor amigo del hombre.


Delicatessen

Amazing Book of Mazes , The Tapa dura 20.3 x 2.9 x 22.2 cm 264 páginas Harry N. Abrams, 2006 Inglés 9780810943117 $1060 $730

Los laberintos son más populares hoy de lo que nunca han sido; se dice que más de la mitad de los laberintos en el mundo se han construido en los últimos veinticinco años. Adrian Fisher es sin duda el diseñador de 231 laberintos mundialmente más destacado, y aquí presenta una historia completa, fascinante y divertida de la historia del laberinto, que tiene un elemento interactivo igualmente fuerte. Este impresionante volumen ha de deleitar a todos.


Keep Fresh Stay Rad Postcard Box

Tarjetas 11.4 x 15.9 x 8.3 cm 100 páginas Princeton Architectural Press, 2014 Inglés 9781616893019 $1050 $650

Friends of Type es un colectivo de diseñadores de gran renombre de Nueva York y San Francisco. Desde 2008, han estado colaborando en el trabajo comercial, así como en un proyecto en línea donde publican sus alentadores experimentos en la vanguardia de diseño de tipografías. Esta colección de 100 postales divertidas, con algunos de sus diseños más populares, desde saludos de cumpleaños a tarjetas del día de San Valentín, pleno de vibrantes colores y elgantes letterings. Subdividido en diez categorías temáticas (como estímulos, cumpleaños, referencias de cultura pop, afecto y lenguaje fuerte), esta caja de lujo también incluye una entrevista con los Friends of Type que detalla sus procesos, trabajos e inspiraciones.


Delicatessen

Paper Zoo Tapa dura 23.5 x 2.5 x 31.8 cm 20 páginas Princeton Architectural Press, 2015 Inglés 9781616894399 $930 $500

Este libro de actividades ingenioso y encantador hace posible que 233 cualquier persona, de tres años en adelante, cree coloridos collages de animales. Los jóvenes artistas rompen láminas decoradas de papel estampado, ya sean las propias o las que se encuentran en la parte posterior del libro, las pegan en tarjetas en blanco, también provistas, y luego las colocan en los bolsillos de papel inteligentemente diseñados del libro con ocho ventanas diferentes en forma de animal , incluyendo un león rugiente, un hipopótamo salpicado, un tucán colorido, un elefante que anuncia trompetas, un cocodrilo chasqueante, un mono travieso, un oso deslumbrante y un retrato grupal.


You Are Here Personal Geographies and Other Maps of the Imagination

Tapa blanda 17.8 x 1.9 x 25.4 cm 192 páginas Princeton Architectural Press, 2003 Inglés 9781568984308 $1170 $650

La cartografía cumple uno de nuestros deseos más antiguos y profundos: comprender el mundo que nos rodea y nuestro lugar en él. Pero los mapas no sólo tienen que mostrar continentes y océanos: hay mapas para el cielo y el infierno; de la felicidad a la desesperación; mapas de estados de ánimo, para guiarse en la vida conyugal y de lugares mitológicos. Hay mapas de la cultura popular, desde la isla de Gulliver a la isla de Gilligan. Hay mapas especulativos del mundo antes de que fuera conocido, y mapas a lugares secretos conocidos sólo por el mapmaker. Los mapas de los artistas muestran otro tipo de reino desconocido: la imaginación. Lo que todos estos mapas tienen en común es la voluntad de sus creadores de aventurarse más allá de los límites de la geografía o la convención. You Are Here es una colección de gran alcance de tales mapas magníficamente inventivos. Estos son los mapas de lugares que no se espera encontrar, pero un viaje que usted toma en su mente: una exploración de la finca ideal desde la perspectiva de un perro, una guía para el tesoro enterrado en la Isla Esqueleto; un viaje por el camino del éxito; o el mundo imaginado por un recluso de una institución mental. Con más de 100 mapas de artistas, cartógrafos y exploradores, You are Here le da al lector una impresionante vista de mundos, tanto reales como imaginarios.


Delicatessen

Amazing Book of Mazes , The Tapa dura 20.3 x 2.9 x 22.2 cm 264 páginas Harry N. Abrams, 2006 Inglés 9780810943117 $1060 $730

Los laberintos son más populares hoy de lo que nunca han sido; se dice que más de la mitad de los laberintos en el mundo se han construido en los últimos veinticinco años. Adrian Fisher es sin duda el diseñador de 235 laberintos mundialmente más destacado, y aquí presenta una historia completa, fascinante y divertida de la historia del laberinto, que tiene un elemento interactivo igualmente fuerte. Este impresionante volumen ha de deleitar a todos.


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