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EXPRESS

YOURSELF with

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Anna Parini › Italia, 26 años › Artista › ¿Qué es para ti el arte? › Un punto de vista. Anna fue portada de lamono en noviembre del 2008 › She’s up › She’s on › She’s it › And you, what do you do?

Consulta las bases del concurso en www.lamonodigital.net/converse y gánate ser portada de lamono del mes de mayo. Envía tus obras a expressyourself@lamono.net

www.converse.es


EXPRESS

YOURSELF with

¿Quieres ser el/la artista de portada de lamono de mayo?

YOU’ RE IT YOU’ RE UP YOU’ RE ON WHAT DO YOU DO?

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Cuando se unen dos mentes creativas, en este caso Converse y lamono, el resultado es la apertura de un nuevo camino para nuevas mentes brillantes. “Express Yourself with Converse” by lamono es una llamada al talento, a la expresión interior. Participa en Express yourself with Converse by lamono para que tu arte vuele sin restricciones. Si lo tienes, YOU’RE IT, si lo expresas, YOU’RE UP, si lo sientes, YOU’RE ON, what do you do? Expresa tu arte y utilízanos como canal mediador para ser uno de los artistas que ilustren nuestra portada. No hoy límites, ni reglas, sólo debes saber que nuestro monotema de mayo es ILUMINADOS, por eso tienes que manifestar tu interior en forma de luz, de sorpresa, de intuición, de personalidad llevada al límite.

!COMPARTE TU ARTE CON NOSOTROS, QUEREMOS CONOCERTE!

YOU’ RE IT, YOU’ RE UP, YOU’ RE ON!!!

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Consulta las obras recibidas hasta el momento en:

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f: nĂşria rius


staff

f: www.panchotolchinsky.com

Portada: Jean Paul Delaye Edita: Edicions La Nit., S.L.U. Bruc, 82 bajos (BCN) +34 93 272 49 80. Fax: +34 93 272 49 81 / Dirige: Eva Villazala > eva@ lamono.net / Editora Gráfica y coordinadora de contenidos: Núria Rius > fotografia@lamono.net / Dirección de Arte & Diseño: Hernán Verdinelli > hverdinelli@gmail.com / Diseño original: Iñaki Guridi & Pau Aguilar >bang-bang.ws / Redacción: Natalia Brovedanni > natalia@lamono.net / Moda: moda@lamono.net / Publicidad: Anthya Tirado +34 615 087 531 > anthya@lamono. net / publicidad@lamono.net / Fotos, vídeos, arte, crítica social & constructiva: Yuppi! eff productions (Fran Gallego & Julio Amores) / Redactan: Alba Agustí + Miriam Arcera + Virginia Arroyo + Txema Argente + Bayarri + Nati Brovedanni + Ceci Díaz + Clara Duch + Ana Himes + Ferenz Jacobs + Lucía Jiménez + Diana Mizrahi + David Moreu + Xavi Ocaña + Adrià Pagès + Raquel Ruiz + Patrícia Yagüe / Fotografían: Núria Rius + Jeremy Williams / Ilustran: Pablo Fernández + Miu Mirambell + Herman Plasencia + Alicia Villodres / www.lamonodigital.net / Imprime: Comgrafic S.A. / Depósito Legal: B 516664-03 / Distribuye: Tengo un Trato, S.L > www.tengountrato.com

www.lamonodigital.net www.lamonodigital.net/blog www.myspace.com/lamono_magazine twitter.com/lamonomagazine facebook.com/lamonomag >FRASE DEL CIERRE: “Nuria tiene el paquete en la cabeza” by Anthya >HIT DEL CIERRE: Mexico de Katrina & The Waves >LIBRO DEL CIERRE: Biografía de Frida Kahlo de Rauda Jamis Agradecimientos: A Clara y a Diana por darlo todo con la Faceyourstreet party! Lamono no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. No reproduzcáis los textos ni imágenes aquí presentes sin consultarnos.


actualidad invigente

t: txema argente / il: pablo fernández del castillo garibay

MEÉXICO LINDO Marelia nació y vivió hasta los 28 años en Ciudad Juárez. El día de su 17º aniversario se acercó por detrás al chico que le habían señalado y pegó todo lo que pudo el cañón de la pistola a su nuca creyendo, ilusoriamente, que así el estruendo sería menor. Tuvo tiempo de apretar tres veces el gatillo antes de que el chaval se doblara sobre sí mismo y cayera al suelo empapándose en su propio charco de sangre. Nunca pensó que tanto rojo circulara por ahí dentro. Llegó a casa y se lavó. Los 100 $ que había cobrado estaban limpios. Desde entonces, ha perdido la cuenta de la gente que ha matado. Cobraba más por los asesinatos en los que a la víctima se le sometía a torturas antes de darle el estoque final. Y ahí es donde se especializó. Podía vaciarle las tripas a cualquier chamaco mientras se encendía, placenteramente, un cigarrillo. No rehusaba, como sí sucedía con otros sicarios, el proceder con niños o embarazadas. La cuestión es que con 25 años, por circunstancias del destino, entró en una vorágine de reinserción guiada por una de esas escuelas de la vida que algunas manos buenas han implantado en ese territorio mexicano a la búsqueda del milagro. Y a los 28 decidió escapar de su país. Se fue de México con el convencimiento de que le había tocado nacer en un país extraño. Tan extraño, que cuando despegaba el avión, ya lo odiaba. Juró no volver en su vida. Aterrizó en Barcelona y encontró trabajo de camarera. Marelia es muy bonita. Hace medio año, mi amigo Héctor comenzó a frecuentar el bar de Marelia. Y como no podía ser de otra manera, se enamoró de ella. El día que decidió darse a conocer, recurrió al consabido “qué bonito es México, qué maravilla de país”. Marelia sólo pudo responder, casi mordiendo las palabras “¿y qué sabes tú de México? Mi amigo Héctor desplegó las alas. “¿Has estado en Michoacán?, No, pero me suena, Pues está al sur de Ciudad Juárez, a unos 400 km., es un estado de tu país y en sus montañas está el santuario de la mariposa monarca”. Marelia quería saber más. “Una vez al año, millones de mariposas cruzan todo el continente norteamericano desde Canadá hasta Michoacán para pasar el invierno en esa zona cálida y después volver a Canadá. Si ahora mismo estuviéramos allí, estaríamos envueltos de mariposas, casi no te podría ni ver”. Marelia, sin saber porqué, siempre había relacionado las mariposas con el amor. Dentro de un mes, Héctor y Marelia vuelan a México a ver las mariposas.


monotema

I’M A MEXICAN BOY,

yeah!

Roger nació en San Diego, California, hijo de padres mexicanos. Actualmente reside en Williamsburg, Brooklyn, donde trabaja de camarero en K&M y es dependiente de la tienda de muebles de segunda mano Junk. Es la voz cantante del grupo indie “Roger and The Nasties”. Rogelio es un claro ejemplo de una nueva generación de mexicanos nacidos en EEUU, con raÍces 1OO% mexicanas pero con una educación y una base cultural más cercana a Norteamerica que al país de los Aztecas. f: jeremy williams (www.photojw.com) · estilismo: patricia yagüe con ropa de “roger” · modelo: rogelio “alias” roger


sección

crèdito

lamono / núm. 62 / abril ’10


imperdibles

t: xavi ocaña

HAVAIANAS DESEOS ENCONTRADOS Nos cuesta decir no. La palabra renuncia hace tiempo que desapareció de nuestro diccionario, por eso la decisión correcta no es escoger entre una cosa u otra, sino hacer compatibles ambas opciones. Para hacernos más fácil ese proceso, Havaianas une dos universos aparentemente opuestos: trabajo y placer. Playa y ciudad se dan cita en las nuevas sandalias de la marca brasileña fruto de su colaboración con la firma parisina Paul & Joe. El resultado es un modelo estampado con loros azules, para ellos y otro de flamencos rosados, para ellas. Los amantes del detalle tienen su regalo en las tiras metálicas del modelo flip flop que se presentan decoradas con un delicado pin y un packaging a juego. Su diseño exclusivo nos muestra el trópico desde la perspectiva de la sofisticación europea. No renuncies, haz compatible todo lo que deseas y si lo hacen por ti, tan sólo disfruta. www.havaianas.com www.paulandjoe.com

CIRCA BACK TO BASICS A veces nos encontramos ante situaciones y sentimientos que nos resultan demasiado familiares. Dicen que la historia es como un péndulo que va y viene. La de Circa no iba a ser la excepción: otra vez hay que pensar una colección para la nueva temporada. Pero esta va a ser diferente. Tras diez años de ir adelante, la firma californiana decide avanzar volviendo atrás, a sus raíces, a los orígenes del skate. Sobre las ruedas del ayer nos llega su colección de hoy. Los chicos de Circa se reencuentran con un pasado libre de ornamentos y excesos, nos devuelven a diseños humildes, de líneas sencillas y colores lisos, una época en que lo que era, era, sin más. Una línea en que lo clásico se convierte en lo contemporáneo, en que lo que se hace es tan auténtico que se olvidan las pretensiones. Porque la historia siempre se repite, pero si evolucionamos con ella y aprendemos, la respuesta es distinta. www.c1rca.com


imperdibles

NUDIE JEANS MELANCOLIA TEJANA Cuando muestras lo que realmente sientes en tu interior al resto del mundo sin querer, te sientes desnudo. Pero si tu verdadera intención era expresarte, te sientes mejor. Desnudos y mejor es como se sienten los chicos de Nudie Jeans que en su nueva colección se inspiran en la melancolía sueca. La añoranza de una época en la que no se hablaba de moda y cada prenda era una inversión en el tiempo. Con esta filosofía la firma noruega nos lleva a la vida del granjero de camisas sencillas sin cuello, de cuadros y jerseys de manga larga que disponía de una única chaqueta y vestía chaleco y sombrero en las ocasiones especiales. Todo combinado con unos buenos jeans, ya sean arrugados, con acabados como antaño o desgastados de aires vintage. Porque la melancolía es el resultado de una despedida no deseada, Nudie Jeans nos trae prendas comprometidas con el medio ambiente, fabricadas para durar y formar parte de tu vida sin límite de tiempo. www.nudiejeans.com

t: xavi ocaña

KAWASAKI CAMBIOS PARA MEJOR Iniciamos muchos proyectos. Tenemos muy claro nuestro objetivo, pero a veces la vida nos depara un destino aún mejor. De cambios y mejoras sabe mucho Kawasaki. La firma danesa tenía claro lo que buscaba: la zapatilla perfecta para bádminton. Debía mantenerte pegado al suelo, ser ligera, adaptable al pie como un guante y resistente al movimiento. Con estas características, tardó poco en saltar de la pista deportiva a la pista callejera y a los pies de toda Dinamarca y Europa. Más de treinta años después nos presentan su nueva colección. Urbana, cosmopolita y protagonizada por su modelo retro, fiel a las líneas del primer original de la marca, reinventado a base de nuevos materiales y hecho siguiendo procesos naturales que cuidan el planeta. En un mundo cada vez más complejo, los clásicos y las líneas sencillas se convierten en la clave para aceptar el cambio y ser capaces de adaptar nuestros objetivos para exprimir hasta la última gota de aquello que la vida nos brinda. www.kawasakisko.dk


imperdibles

t: xavi ocaña

ADIDAS ORGINAL ROCK INSPIRATION Ante una gran idea el ser humano nunca dejará de sorprenderse, aunque lo realmente fascinante sea quién la llevó a cabo. Porque las grandes ideas están ahí, delante de nuestros ojos, esperando a ser descubiertas. El talento las desnuda y las transforma en arte. Adidas tenía grandes ideas, Jeremy Scott mucho talento y el arte ha llegado en forma de la nueva colección de Originals by Originals. El diseñador americano vuelve a convertir todo lo que toca en un nuevo icono: zapatillas, sudaderas, etc. El niño rebelde de la moda reinventa los clásicos de la marca a base de cultura pop y mucho rock. Un rock que suena en cada una de las piedras preciosas, flecos y estampados que decoran diseños como el universitario American Football Jersey o el deportivo vestido Zip Up Bustier Track Dress. Si normalmente el roce hace el cariño, en este caso, tal vez tengamos suerte y el roce haga el talento. www.adidas.com www.jeremyscott.com

LEVI’S USA STYLE Una mente creativa es capaz de hacer realidad lo imposible. Algo tan utópico como viajar en el tiempo y el espacio sin moverte. Esto es lo que consigue Levi’s® con su colección para esta Primavera/Verano 2010. El espacio son los USA y el tiempo, los años ’60. Con estas coordenadas, la marca de jeans logra devolver a la vida la rebeldía estudiantil y la renovación social de aquellos moviditos años. Un movimiento y energía que nos llegan a través de sus actualizados Engineered Jeans y de su línea Red Tab. En lo nuevo de la marca podremos encontrar camisetas plagadas de gráficos universitarios y moteros, cardigans de air college, jeans blancos, sudaderas con capucha y la estrella de la próxima temporada: las camisas de cuadros. Pero el espíritu no es lo único que revive Levis’s, los más nostálgicos están de enhorabuena porque la firma americana rescata la cazadora tejana del olvido y la trae al presente. Haz sitio en tu armario: ¡los USA están al acecho! www.levi.com


imperdibles

t: xavi ocaña

SHULONG SHOES CHINESE STRENGHT

VONZIPPER HAPPY ATTITUDE Actuamos siguiendo las normas que un desconocido creó. Adoptamos los comportamientos que un grupo de “expertos” tacharon de correctos. Vivimos bajo el autocontrol mientras entre líneas tratamos de dejar atrás el condicionamiento exterior y tan sólo, como decían The Beatles: let it be. VonZipper toma el testigo y se proclama abanderada de la filosofía de la buena vida, de aquella en que lo fundamental es gritar al mundo tu individualidad. Las nuevas camisetas de la marca, no gritan, pero sí enseñan. Sus ilustraciones muestran todo lo necesario para reaccionar hacia la felicidad: desde un cómic, hasta un monstruo, pasando por miradas provocativas y desafiantes. La firma californiana nos trae estampados con un marcado carácter vintage, tocados por los colores del arco iris que nos guían en el cambio. El cambio más difícil: el de actitud. Pero, tal vez, el primer paso hacia esa nueva actitud, sea simplemente llevarla puesta. www.vonzipper.com

Más vale maña que fuerza. Esta es una de esas verdades universales que comprobamos día tras día. Por si aún queda algún escéptico, aquí tenemos la prueba definitiva: Shulong Shoes. Esta marca llega de China para desvelarnos el secreto de su éxito: una doble suela interna de goma llena de burbujitas de aire que dan a nuestros pies un confort ancestral. Las Shulong están hechas siguiendo el método tradicional usado para crear las zapatillas empleadas en las artes marciales. Y como la maña, cuando se tiene, se tiene para todo, los chicos de la marca mandarina también son unos cracks del diseño. Nos presentan una colección para los próximos meses de líneas limpias, colores suaves, modelos low y high pero, por encima de todo, espíritu de ciudad para todos. Porque las pequeñas cosas son las que importan y es en ellas donde residen las grandes obras y las grandes zapatillas. Una cultura milenaria no puede estar equivocada. www.shulong-shoes.com


imperdibles

t: xavi ocaña

GOORIN BROS READY FOR THE STREET SUN Dicen que después de la tormenta siempre llega la calma. Si lo aplicamos al tiempo, después de un invierno tan, tan frío en el que por no faltar, no ha faltado ni la nieve en pleno marzo, estamos seguros de que este año el sol brillará más que nunca. Para poder disfrutar de su luz sin perder algún sentido en el intento, con un siglo de experiencia a sus espaldas, Goorin Bros nos presentan su nueva colección de sombreros. La línea masculina rescata lo retro a base de cuadros escoceses de los años cincuenta y de inspiración vintage de las corbatas de los cuarenta. Las chicas podrán decorar sus partes altas con modelos de paja trenzada, pamelas y románticos cloches de los años veinte. Pero la estrella de lo nuevo de la marca de Pensilvania es el modelo Cap, que reinventa la clásica gorra de Béisbol y cita en nuestra cabeza el pop y el street art. Para llevar un sombrero hay que tener arte, pero con la ayuda de los artistas adecuados, tal vez todo sea más fácil. Y visto lo visto, Goorin Bros son los reyes del mambo. www.goorin.com

LACOSTE SORPRESA EN COLOR Si alguien se encontrara entre las dunas de una playa desierta el Empire State Building, seguro que el estado de shock tardaría un rato en desaparecer. Así deja la nueva colección de Lacoste. Mientras la firma francesa nos envuelve de tonos cálidos, blancos y negros, líneas suaves y diseños que reinventan la moda tenista y playera, algo capta toda nuestra atención: las Niseko Hi. Las nuevas zapatillas de la marca huelen. Pero no os asustéis, en ellas se respira ciudad, creatividad y energía. Con un diseño sencillo pero cuidado, en las Niseko Hi se combinan el verde y naranja y el rosa y azul, llevando así el color a nuestros pies. Y como sería un pecado excluir a alguien de su goce y disfrute, las nuevas zapatillas de Lacoste llegan para él y para ella. Estas sneakers se convierten así en el calzado perfecto para los amantes de la moda sport-chic que lo mismo se mueven entre flores que entre edificios, pero siempre bajo la luz del sol. www.lacoste.com


en busca de…

CASTING ADIDAS STYLE BY FOOT LOCKER FECHA: Viernes 9 de abril. Casting de 15 a 21h. A partir de las 21h Exclusive Party. LUGAR: Córcega, 286 1º planta. Barcelona DJ: Pharm Beat Music Production / Andrés Buljat EXTRAS: ¡Livepainting de Anna Parini, exposición de artistas seleccionados por lamono y Foot Locker, catering y coctails para que te sientas como en tu casa! ¿Qué tienes que hacer? Sólo presentarte en el lugar de la cita a la hora que te indicamos para mostrarnos tu estilo. Te fotografiaremos luciendo la colección exclusiva de sneakers que Adidas Originals ha lanzado con Foot Locker. El/la participante que mejor demuestre su estilo irresistiblemente urbano se llevará a su casa un pack completo de la nueva colección.

ADIDAS STYLE BY FOOT LOCKER Lamono busca a la persona que mejor ejemplifique el Adidas Style de Foot Locker


imperdibles

t: xavi ocaña / f: markus rico

STUSSY FEEL SPECIAL, MY FRIEND Cuando nos encontramos ante algo especial lo reconocemos al momento. Sólo hay que estar abierto para que llegue como un flechazo directo a nuestros sentidos y nos invada la mejor de las sensaciones. Puede ser una persona, una prenda, un lugar o todo a la vez. En lamono somos adictos a esa magia y por eso el pasado jueves 18 de Marzo vivimos en primera persona cómo lo especial se reencarnaba en forma de la nueva tienda de Stussy en Madrid. La Stussy Chapter Store vibró en positivo al ritmo de Dj Chema Ama y entre cocktails y skaters, los chicos de la firma americana presentaron sus novedades para la próxima temporada. Mucha sudadera con capucha, camiseta y chaqueta, pero lo que más brillaba, la colección firmada por la street culture a manos del arte de Haze y la línea de sneakers fruto de su colaboración con Pro-Keds. En el momento y el lugar indicado, ante los ojos abiertos de lamono, lo especial sucedió y ahora puedes llevarlo puesto gracias a Stussy. www.stussy.com

REPLAY DERECHO A ESCOGER Puede que uno de los grandes males de nuestra generación sea el tener demasiadas opciones. Hay tanto donde escoger, que cuando lo haces, ya no estás seguro si quiera de si era eso lo que querías. Para que no nos invada esa extraña sensación, los chicos de Replay practican por nosotros su derecho a escoger en su nueva colección para la próxima primavera/verano. La firma italiana vuelve la vista atrás y selecciona lo mejor de cada época para pasarlo por su particular centrifugado de innovación y mejora. El resultado son prendas de todo tipo, espontáneas y que no entienden de tiempo. Un estilo entre bohemio, étnico y ochentero para ellas y un look relajado y sin pretensiones para ellos. Diseños positivos lleno de colores y detalles en los que descubrimos hasta efectos 3D. Todo impregnado con la mejor de las filosofías. Porque si al final vamos a tener que tomar aliento y escoger, mejor hacerlo bien vestidos. T. Xavi Ocaña. www.replay.com


posits

t: xavi ocaña

HUMAN BRAIN ARTE CEREBRAL

SAAKO TESOROS ESCONDIDOS Dicen que no todo es lo que parece, que las apariencias engañan. Esto mismo ocurre con las creaciones de Saako. A simple vista parecen bufandas, pero si vas más allá, descubres la realidad: los collares más increíbles de la ciudad hechos a mano a base de unir tiras de cuerda de punto y otros materiales reciclados. Saako es obra y gracia de las diseñadoras portuguesas Joana e Inés que desde Barcelona y con sus propias manos consiguen unas piezas únicas y vibrantes que inevitablemente se vuelven el centro de todas las miradas. El complemento perfecto para la vida urbana. Las creaciones de Saako son uno de esos tesoros del mundo de la moda. Una pieza única que aporta ese nosequé especial y marca la diferencia de cualquier look. Y como todo buen tesoro, si lo más inteligente es guardarlo a buen recaudo, lo mejor que puedes hacer con este es colgártelo al cuello y dejar que las apariencias hagan el resto. www.saakodesign.com

Hablamos de él, lo estudiamos, tratamos de conocerlo para, tal vez, entendernos. La cuestión es que lo usemos o no, todos tenemos uno. Sí, hablamos del cerebro humano. Ya era hora que la parte más importante de nuestra anatomía tuviese su propia marca. Human Brain es una firma catalana de camisetas que han hecho de la estampación su pasión y de su pasión un arte. Un arte firmado por ilustradores como Aleix Gordo Hostau, Rotor, Gualicho o Alberto Gabari, autores de su primera colección de t-shirts. El arte es abstracto y el cerebro, de momento, también. Y como lo abstracto no atiende a directrices, las ilustraciones y grafismos de Human Brain rompen esquemas y se salen de la norma mostrando los productos de nuestra mente (los buenos y los malos) en cada una de sus camisetas. Porque ya se sabe que con lo abstracto, lo entendamos o no, sólo se puede hacer una cosa: disfrutarlo, y ahora con Human Brain, vestirlo. www.issuu.com/humanbrain


imperdibles

t: clara duch

lamono/blog

t: lucía jiménez

LAURA SERRANO AKA SALTDROP EN LAMONOBLOG Surfea, hace un doctorado en Biología Marina y escribe deliciosamente bien, pero, ante todo, Laura Serrano de Pedro es fotógrafa. Su especialidad, la fotografía acuática, y es que creció tan cerca del mar que empezó a hacer fotos dentro del agua mucho antes que en el exterior. Pero su cámara también ha capturado instantáneas del mundo terrestre, muchas de ellas relacionadas con el arte urbano.

I AM NOT AN ARTIST PARANOIA GRÁFICA BY DISEÑADORES GRÁFICOS En una metrópolis de diseño como Barcelona, muy a menudo la figura del diseñador gráfico ondea como la raza autóctona de la ciudad. Hasta el punto que se le llega a considerar un artista. Ahora, desde la escuela barcelonesa de diseño Elisava se lanza una nueva edición del proyecto internacional “I am not an artist”. Este concepto cuestiona la idea del diseñador como artista definiéndolo como un trabajador y un profesional de su labor. Con esta iniciativa, Elisava pretende servir de escaparate y plataforma para jóvenes creativos y diseñadores de todo el mundo a través de GIF PARANOIA. ¿Cómo es, pues, la vida diaria de un diseñador? Johnny Kelly y Matthew Cooper lo han expresado de forma divertida en los 56 primeros gifs: la rutina diaria, la vida de oficinista, las jornadas interminables que los profesionales del sector también experimentan están cosidos en un patchwork animado que encontraréis en la web. Además, el concepto, la dirección creativa y el diseño lo han realizado Soon in Tokyo, una agencia de diseño formada por ex-alumnos y profesores de Elisava. La paranoia no está cerrada: para gustos, colores, y para paranoias, las personas. Así que los que se sientan identificados y quieran colaborar encontrarán como hacerlo en la misma web del proyecto. Con todo, “I am not an artist” también recuerda las frustraciones que el ilustrador Juanjo Sáez refleja en la vida de su personajillo Xavi Masdéu en la serie “Arròs covat”. Esta creación televisiva de animación que puede verse en TV3 o por Internet ya reúne un buen ejército de fans hambrientos de la segunda temporada. ¿Y qué se dice en ella? Pues que aún viviendo en Barcelona y siendo joven y diseñador, la vida puede ser dura. I am not an artist. Elisava. www.iamnotanartist.org

Su amor se reparte entre la fotografía y el océano. “La fotografía, como modo de expresarme y de buscar en lo que me rodea. El mar, como mi todo, como una locura, como el lugar donde encuentro mi calma”. Todo empezó cuando, con trece años, su padre le regaló una vieja cámara reflex. “Desde entonces empecé a pensar en imágenes de un sólo click sin darme cuenta. Hasta que sin quererlo, se convirtió en mi modo de expresión.” ¿Y por qué el mar? Muy fácil. Laura pasó gran parte de su infancia en el Mediterráneo, jugando entre tierra y agua, buceando... “Cuando los momentos más puros de tu vida, más auténticos, se han desarrollado de ese modo, empapada en sal, ese medio se convierte en el tuyo”. Sin duda, su medio natural es el mar, bien sea sumergida haciendo fotos o sobre una tabla. El surf es otra de sus obsesiones, aunque confiesa que empezó a coger olas casi por casualidad. Fue durante un verano que pasó en San Diego aprendiendo inglés. Tenía 16 años y, siguiendo los consejos de un amigo, se lanzó por primera vez a una ola. “Él me enseñó a creer que podía y a no rendirme”. Laura reconoce que la mujer aún tiene mucho camino por recorrer en los deportes de deslizamiento. “Hay ciertos cambios que aún no se han producido y son necesarios

para que exista una verdadera evolución. Los medios de comunicación y las marcas son los primeros que deberían planteárselo, ya que a mi modo de ver no están reflejando cómo nos sentimos muchas chicas al coger una tabla. Sigue habiendo demasiados estereotipos. Siempre he pensado que no somos iguales, pero esa diferencia tendría que ser un valor, no un inconveniente”. Laura surfea y hace snowboard desde hace años, por eso se siente comprometida con el deslizamiento femenino, y por eso ha girado el objetivo de su cámara también hacia este mundo. Recientemente ha tomado el timón de una sección del blog de Lamono, donde publica fotos, noticias y reflexiones sobre el tema. Pero eso no es todo. Ahora mismo también tiene entre manos otros proyectos... “Estoy empezando a organizar diferentes surfaris con gente distinta para hacer reportajes. El que es más inminente y me tiene más ilusionada ahora mismo, es un viaje con chicas surfistas del Mediterráneo a una isla cercana con una elevada frecuencia de olas de bastante calidad”. Yo quiero ir, ¿puedo? (Sonríe). “Si quieres, un día te llevo a bucear”. Hecho. Y así oiré la canción preferida de Laura: “Si tengo que escoger una, sería sin duda el rugir de las olas al romper”. Sigue las aventuras de Saltdrop en Ladies grip it: www.lamonodigital.net/blog


blackiebooks.org

lomospain.com

www.camper.com

hm.com

eu.wrangler.com

lee.com

protest.eu

replay.it

bazar il: alicia-villodres.blogspot.com

etniabarcelona.com

vans.com


disparador automático

t: eva villazala / f: núria rius

Tu obra puede verse de algún modo como un tratado de investigación emocional, subjetiva, es una reflexión sobre nuestros propios miedos, ambiciones, perversiones y delirios… ¿Te gusta poner al espectador frente a su propio espejo?

Sí, ¡me encanta! Los personajes en mis pinturas no lloran, no ríen, no te cuentan sus penas o glorias, sólo te miran, en silencio, y te invitan a reconocerte en sus existencias tragicómicas. Iván de la Nuez dice de los personajes en mis pinturas: “ellas nos desafían y ellos nos interrogan”. En su ensayo sobre lo bello y lo siniestro S. Freud describe lo inquietante como aquello que nos resulta familiar y extraño al mismo tiempo. Pienso que en el uso más o menos consciente de ese recurso psicológico mi trabajo sintoniza con el de autores mexicanos como Juan Rulfo, Frida Kalho o Remedios Varo.

Y casi siempre en espacios que, aunque estén abiertos, se perciben claustrofóbicos...

Me interesa esa densidad que tú defines como claustrofobia, sin embargo diría que esa sensación de incomodidad viene dada por muchos otros factores además de los espacios por sí solos. Siento que igual que el amor, la experiencia artística, viene precedida por una “molestia”. Parecería que antes de adorar o admirar debemos sentir rechazo, incluso menosprecio. Para todo ello utilizo los recursos que el lenguaje figurativo me ofrece: la perspectiva, la luz, el color, la proporción-desproporción, la ambigüedad sexual de los personajes.

¿Cómo definirías la tensión que producen dos opuestos? ¿Es motor de vida?

Entiendo lo masculino como aquello rígido, inteligente, cuadrado, y lo femenino como lo flexible, intuitivo, sinuoso. Es una dualidad, un ying yang presente en muchos niveles de nuestra vida, no sólo en las relaciones de pareja. Son dos inercias que funcionan dentro de cada cosa y que mueven el mundo.

Trabajas a partir de fotografías encontradas en mercadillos, pero también con rostros de tu entorno: tu pareja, tus amigos… ¿no te produce cierta inquietud pintar a personas cercanas a ti emocionalmente?

Utilizar retratos fotográficos es sin duda un juego perverso que se agrava cuando éstos son de gente próxima o de uno mismo. ¡Es como disfrazarse de niño-dios, y ejercer!

¿Tienes clavada alguna imagen o situación de tu infancia que reconozcas como un punto de inflexión en tu percepción de la realidad?

Una vez llamaron a mi madre desde el colegio para decirle que jugando en el recreo había matado dos palomos con una escopeta de balines. Mi madre, escandalizada, me preguntó cuando llegué a casa si eso era cierto. Le dije que no, no era cierto, pero pude apreciar por un cierto brillo en sus ojos que no me creía. Para mí eso fue un punto de inflexión importante. El mundo dulce y rosa, tal y como lo había conocido hasta entonces se vino abajo. A partir de ahí estaría solo.

Frida Kahlo, Remedios Varo, Leonora Carrington… ¿cómo definirías el carácter artístico mexicano y cómo te has sentido marcado por su cultura?

En la pintura mexicana siempre hay un desgarro, una visceralidad que quizás en parte tenga que ver con la geografía; la vegetación tropical, los desiertos y esos cielos enormes. Mi pintura se integra en esa tradición quizás en lo figurativo, en la poética, pero no me identifico con los elementos mágicos narrativos, intento que mi trabajo sugiera y no cuente o narre. Y así, no se “deje acabar” y siga inquietando y seduciendo por siempre.

La ambigüedad: una puerta entreabierta. / La apariencia: la primera piel. / La magia: aquello que nos guía. La suerte. Lo oculto: el miedo, lo más frágil. / Lo que vemos: la punta del Iceberg. / Una vida plena: una muerte en paz. La madurez: los niños. / México: “Dos besos llevo en el alma, llorona, que no se apartan de mí. El último el de mi madre ay llorona, y el primero que te di.”

GINO RUBERT

Juego de

espejos

Nació en México por deseo explícito de su madre. Se trasladó de niño y nunca llegó a vivir allí, pero los veranos que pasó en compañía de su tío Mario, pintor de Frankensteins y Vampiros, le influyeron sin querer en su forma de entender el arte. A través de la tensión que producen los contrarios, Gino Rubert se adentra en una reflexión social que incluye la infancia, la culpa, el sexo y la muerte. En definitiva, disecciona lo que percibimos como normal con la intención de (como dicen allá) “movernos el tapete” y así abocarnos al terrible y fascinante territorio del calor helado, de la sangre que chorrea hacia arriba. www.ginorubert.com


Irma’s room. Mixta / Tela. 130x120. 2009

Thesis. Mixta / Tela. 60x70. 2009

www.ginorubert.com

Love cake. Mixta / Tela. 60x70. 2009


vecinos

t: alba agustí

Como me ves, te verásl

Órale güey ¿Objeto típico mexicano? El sombrero. ¿Un producto? Los frijoles. ¿Una bebida? El tequila. Claro, esto es lo que uno puede pensar si se pasea por las Ramblas y va a comer a restaurantes barceloneses que se llaman mexicanos (a la catalana). Pero en México hay mucho más que los estereotipos, aquello siempre conocido a cientos de miles de kilómetros de distancia. Reliquias diríamos, auténticas herramientas culturales mucho más interesantes que una Coronita. ¿Más interesantes que una Coronita? En Barcelona, ya leerás donde. Sólo os avanzaremos que se trata de toda una cultura mexicana, plural como en cualquier país, y donde además se complementa con prácticas artísticas que van de lo más autóctono y popular a lo más contemporáneo. ¡Poca Madre!

Como me ves, te verás, a vuestro modo de ver, es… Un espacio único donde conviven distintas identidades artísticas, desde el arte popular mexicano hasta el arte contemporáneo. Si pudiéramos definir Barcelona diríamos lo mismo que de nosotros: multiculturalidad entendida de forma natural, interactuación de individuos de todo tipo, intercambio de ideas y convivencia del día a día. La empresa está compuesta por… Aimeé y Aitor (fundadores), Álvaro (exposiciones) y Yazmín (tienda). Nos definimos como 4 personajes luchando por encaminar este proyecto hacia ese espacio que queremos que sea. Nuestras profesiones nos permitieron seguir un camino en el podemos ofrecer lo mejor de nosotros. ¿Cuándo y por qué nace como me ves te verás? Los socios somos de procedencias distintas (México/ Eukadi) y el hecho de vivir en los dos continentes nos permitió crear nuestra propia idea y necesidad de establecer lazos entre dos culturas, dos identidades que pudieran convivir mediante un ciclo vital en el que el arte estuviera presente. Los artesanos de México necesitan difundir su trabajo y por otro lado Barcelona es una ciudad que acoge un gran número de artistas con mucho talento que quieren exponer sus trabajos. Nosotros vivimos para alimentar ambas ilusiones, unos están en México, otros estamos aquí y creemos que ambos proyectos pueden convivir en el mismo espacio… así un diciembre de 2008 se inaugura la tienda y en 2009 la Galería CMTV como parte de la misma idea.

¿Cuál es el objetivo de la empresa? Crecer y afianzarnos como galería para que nos puedan identificar como ese espacio en el que se puede encontrar desde un objeto curioso con historia y tradición hasta exposiciones de artistas emergentes u otros más consagrados con un estilo de trabajo definido. La persona que adquiere algo aquí sabe que se lleva más que un objeto, una pieza arte. Parece un eslogan publicitario, pero no lo es y para eso estamos, para hablar de lo importante de cada pieza y darle ese valor añadido. México es… un país tan grande y complejo como todo un continente. Barcelona es… un caos cuando nieva. La unión de los dos lugares crea… intercambios provechosos. ¿Una búsqueda de la real identidad mexicana? No estamos seguros de que exista una “real identidad mexicana”, más allá de los típicos clichés. En todo caso uno de los objetivos del espacio es que la gente sepa que en México existen más cosas que chiles, tacos, mariachi y tequila. TZOPELLI es… para nosotros una empresa de mujeres mexicanas con la que trabajamos series limitadas de artesanía contemporánea y con tintes kitsch. Pero Tzopelli también es una palabra procedente del náhuatl que significa dulzura. ¿Forma parte la artesanía de esta identidad? Sí, la artesanía es la expresión de todas las culturas. En el caso de México, cada artesano representa una forma de entender y comprender el mundo. Y esto cambia de región a región en nuestro país. ¿Cómo funciona vuestra galería en Barcelona? Cada mes y medio aproximadamente tenemos a un artista con una propuesta de exposición y de intervención del espacio a través de uno de nuestros escaparates. Siempre estamos abiertos a todo tipo de arte y técnicas, aunque nuestra identidad va por el camino llamado lowbrow, con mucha ilustración, color y ese punto de ironía y sátira en la obra que se identifica con el espacio. Y finalmente, una frase para lamono… ¡Híjole! Que vengan a conocer la tienda y la galería, ¡no es lo mismo verla en fotos que en vivo y a todo color! www.comomevesteveras.com


el de la portada

t: eva villazala

JEAN PAUL DELAYE

Remedios Varo no está tan lejos www.intelector.com/gallery

Creció bebiendo de esa fuente de inspiración llamada pop surrealista. Exageración, profundidad, belleza y detalles que se convierten en el centro del universo. Jean Paul Delaye vive el arte disfrutando de cada pincelada como si fuera su última oportunidad para comunicarse con un mundo interior auténticamente mexicano. Desgarro, tristeza, canto desesperado al amor y la vida: su arte y México son dos iguales que lejos de repelerse, se atraen sin descanso.

La influencia de la cultura mexicana en mi forma de entender el arte es total. Sin embargo, es difícil saber la fuente exacta de esta visión que se mezcla con costumbres muy marcadas, comidas y bebidas. Me cuesta separar la influencia de la cultura mexicana y la española, ya que para mí se están fusionando desde hace cientos de años. México es la raíz y la cultura española es el agua que hace crecer las margaritas en el jardín. Ambas se complementan; tomar tequila con una paella o agregar picante a la salsa romesco va de maravilla. Para mí el pop surrealista es la salvación, me gusta esta corriente y sería un privilegio pertenecer a ella, preparar exuberantes formas para cortejarla y ser uno de sus concubinos me proporciona una sensación exquisita. ¿Mi relación con el arte? Como tantos otros empecé con las crayolas y después cualquier dibujo valía para hacer feliz a mi madre que me cambió la teta por un color. Después mi padre llevó colores acrílicos a su observatorio, donde yo pintaba mientras el buscaba estrellas. Fue allí donde descubrí un libro de Remedios Varo. Ella es para mí una gran fuente de inspiración y un nexo para recibir amor. Aunque no haya nacido en México, la considero una paisana. Después llegaron los murales de Siqueiros y Diego R. para explicarme el impacto de las perspectivas visuales e idealistas, la fuerza de la expresión intelectual plasmada con formas y colores a gran escala. En realidad

hay cantidad de artistas mexicanos que anónimamente me llevan hacia algún lugar en el arte y forman parte del agua que llena la fuente de inspiración. Prefiero la heterosexualidad, así que “la” pintura y “la” ilustración son las que me llevan al nicho de amor dentro del arte, pero como “no sólo de amor vive el hombre”, algunas veces nos alejamos para después encontrarnos. El arte es aquello que siempre estará allí para estrecharme. Terminar una obra es una sensación gratificante, después alguien interpreta las formas y logra ver un punto místico o se identifica con ellas y la sensación es total, pero lo mejor es cuando pueden pagar y poseerlas, llegando de esta forma a ser parte de ellas. ¿Qué le diría a alguien que está planificando su primera visita a Mexico? Que antes de nada pase por la farmacia, ya que seguro pasará algo con su delicado estómago, Moctezuma prometió la revancha.


ilustración

t: clara duch

MÉéexico eligio Alderete JORGE ALDERETE

Yo soy un Don Nadie

Nacido en Argentina pero afincado en México desde hace más de una década, Jorge Alderete (Santa Cruz, 1971) es uno de los ilustradores y diseñadores más reconocidos del momento. Desde la animación a la editorial, pasando por discográficas, televisiones, periódicos y revistas, su trabajo se ha extendido en muchos campos revelando su imaginario inspirado por el cómic, el cine, la música, la calle o el pintor más anónimo que diseñó un anuncio ‘cualquiera’. Ilustrador y curioso, ha sabido retomar algunos de los iconos populares mexicanos dándoles una nueva vigencia pop. Esta es la historia de un creador que encontró su lugar cambiando el tango por la lucha libre. Sin prejuicios. Dibujo desde que me acuerdo, es algo que siempre estuvo ahí, incluso antes de pensarlo como profesión. El primer momento que vi posible dedicarme al diseño primero y luego a la ilustración fue al terminar la escuela secundaria. Estudié Diseño en Comunicación Visual en la Universidad Nacional de La Plata, pero ya antes de eso mi aprendizaje del dibujo fue bastante autodidacta. Muchas de mis influencias vinieron del cómic, mi ‘escuela’ con autores como Charles Burns, Gary Panter, Guido Crepax, Serge Clerc, Daniel Torres o Basil Wolverton por mencionar unos pocos. O la obra del mexicano Miguel Covarrubias, que para mí es de gran inspiración. Pero también muchos de mis estímulos proceden de la música, del cine, de la calle, del pintor anónimo que hizo el cartel para un puesto de comidas, del cartel anunciando el match de lucha libre del domingo, de la gente misma y de sus historias. Mi fuerte vínculo con México ocurrió casi sin querer; cuando llegué a la ciudad me aco-

modé. El plan inicial era estar sólo un año, cumplir el sueño de vivir fuera de mi país, pero de alguna manera México me atrapó. Siempre que me preguntan ‘¿Por qué elegiste México?’, sinceramente, no estoy seguro. Pero me gusta pensar que México fue el que me eligió a mí para quedarme. De la cultura mexicana he podido absorber muchas cosas, especialmente y sobre todo al principio. Todo lo relacionado con la lucha libre, con el Día de Muertos, con la gráfica callejera. Me gusta dejarme influenciar por el entorno, estoy fundamentalmente atento a las cosas de mi alrededor y dejo que se materialicen en mi trabajo. Al llegar a México recibí un bombardeo de estímulos, sobre todo visuales, que dejé que se mezclaran con mi obra. Desconocer los prejuicios mexicanos respecto a ciertos temas podía mostrar mi trabajo más naturalmente y eso de alguna manera funcionó, y el público lo recibió muy bien. Algo así como ‘Ahh, mira esto que todo el tiempo estuvo acá y no volteábamos a ver.


Tura Santana

I am hot

Twin Tones The Mutants

Enter the dragon

¡Qué interesante!’. A parte de eso, parece que fuera de México hablar de arte mexicano es decir Rivera, Kahlo, Siqueiros... Artistas que respeto mucho, pero hay muchísimo más y lamentablemente a veces se desconocen. Es como si llegara a España, me preguntaran por el arte y te contara de Goya, que está bien, pero desde aquella época han aparecido mil cosas más igual de interesantes. Mi trabajo no está muy influenciado por “aquellos artistas mexicanos”, creo. Por supuesto que miré a los muralistas, algo del arte precolombino, que eventualmente puede apreciarse en mi trabajo. Quizás estoy más en contacto con la obra de Covarrubias o la de Toledo, con la de artistas contemporáneos, grabadores, incluso de ilustradores actuales. Quizás no soy tan consciente de mis referentes argentinos, pero sin duda algunas influencias también han llegado desde el sur, Maradona por ejemplo [n.d.r su ilustración ‘Santa Maradona’ aparece en la anteportada de la antología de Taschen Latin American Graphic Design], muchos otros que tienen que ver con la nostalgia, con la infancia y sus recuerdos, el programa de televisión argentino de lucha libre Titanes en el Ring, los viejos cómics de Divito, etc. Cosas que están ahí, aunque quizás no de manera tan presente. Sin detenerme demasiado a pen-

sarlo, existe una evolución en mi trabajo, un movimiento. Ahora hago algunas cosas siendo más consciente de estar haciéndolas. Por ejemplo, si el entorno siempre fue parte de mi inspiración porque así salía, ahora me preocupo por dejar que eso siga sucediendo, sé que es así. Quizás diez años atrás lo hacía sin darme cuenta. Y me gusta estar en movimiento. Disfruto mucho lo que estoy haciendo, hasta que llega lo siguiente. Ultimamente tengo la suerte de poder seleccionar los trabajos que hago; por lo mismo me puedo comprometer mucho con aquellos que selecciono, y eso hace que los disfrute más. Estoy pensando en armar proyectos a largo plazo sobre un mismo tema, que funcione en forma de exhibición o publicación, y quizás esa temática atraviese distintos trabajos, para dentro de un tiempo tener forma propia, además de la forma individual... Jaja, lo digo y ni yo lo entiendo, pero en mi cabeza está claro, ya os lo mostraré cuando vaya tomando mejor forma. Por el momento, estoy a punto de viajar a Sudáfrica para una exposición. Hace varios años que estoy en contacto con algunos diseñadores de allí (y de muchos otros lados) e intercambiamos propuestas, colaboramos en algunas, vemos coincidencias y diferencias. Me parece una experiencia muy rica, que me ayuda a crecer en mi profesión. Por supuesto que hay fronteras o diferencias en el mundo de la ilustración, pero justamente es lo interesante: reco-

nocer que no todos somos iguales y aprender a convivir con esas diferencias que nos hacen mejores, incluso hablando más allá del diseño y de la ilustración. Ahora uno de estos amigos diseñadores sudafricanos está poniendo en marcha un festival de cultura popular (Toffie Festival, http://toffiepop.blogspot.com) y me invitó a exponer allá y dar una charla. Precisamente con la intención de ver esas coincidencias y diferencias a través de representantes de distintas disciplinas y de diferentes partes del mundo. Además, no creo que mis imágenes se lean igual en todas partes: lo que en México puede ser cotidiano, en Europa podría transformarse en exótico. Trato de no conflictuarme demasiado al respecto y jugar con distintos códigos. La verdad, no tengo un público muy en mente a la hora de ilustrar, más bien trato de complacerme a mí mismo... Y soy muy exigente. Trato de verlo desde el otro lado, de ponerme yo en el lugar de receptor, sólo en ese sentido podría decir que tengo clara una audiencia. Por ejemplo, mi libro ‘Yo soy un Don Nadie’. Una colección de retratos de amigos, músicos y gente que conocí a lo largo de diez años en un club underground de rock, una colección de retratos de perfectos desconocidos salvo un círculo íntimo. Al presentarlo en la ciudad de México funcionó de forma muy distinta a cómo lo hizo en Francia, dónde fue editado. Pero gustó igual, más

allá de lo que yo podía suponer o incluso controlar, y eso hace que el mismo proyecto cobre otra dimensión lejos de la mía como autor. Me gusta que así pase. A través de mi ilustración quiero transmitir cosas íntimas y cosas compartidas, que muchas veces van de la mano. Trato de seleccionar mis clientes o los proyectos en los que me involucro partiendo de la base que exista alguna afinidad. Y si eso sucede, el mensaje es personal, pero compartido a la vez. Es íntimo, pero público. En un mundo lleno de imágenes como el de hoy, siempre trato de acotar mi trabajo a algo de lo cual yo tenga el control. Entonces mi preocupación pasa por respetar yo mismo la imagen que haga; pasa por reconocerme en esa imagen. Lo demás llega solo, si tiene que llegar, pero no puedo ni trato de controlarlo. De esta forma también pasa que te sigues sorprendiendo cuando suceden cosas alrededor de tu trabajo que no suponías, y eso lo hace más divertido por decir lo menos. www.jorgealderete.com


arte

t: ferenz jacobs

Dr. Lakra

A FLOR DE PIEL

Manos, brazos, piernas, pies, escotes y curvas inundadas de tatuajes. Usar la piel como tela para crear arte. Hijo del reconocido pintor Francisco Toledo, Jerónimo López Ramírez, mejor conocido como Dr. Lakra, es uno de los artistas mexicanos más intrigantes de la escena actual. Representado por la galería de arte Kurimanzutto, Dr. Lakra transforma lo hermoso en macabro. Tatúa a sus pin-ups mexicanas de los años 40 y 50 con una sonrisa satírica. Luchadores mexicanos, muñecas y la reina de Inglaterra tampoco se salvan de la inserción permanente de tinta sobre su piel. Se convierten en los personajes de un sueño lúgubre, rodeados de demonios, calaveras y cobras. www.kurimanzutto.com Pag. Izq: Untitled (Mujer sobre buró), 2009. Pigmento natural negro sobre papel. 29.4 x 23.5 cm. Arriba Izq: Untitled (Mujer con cerdos), 2009. Pigmento natural negro sobre papel. 29.4 x 23.5 cm. Arriba Der: Untitled (Hombre con sombrero), 2009. Pigmento natural negro sobre papel. 29.4 x 23.5 cm


¿Me podrías explicar tu seudónimo? En México la palabra lakra es extremadamente peyorativa. Se le llama de esta forma a la escoria de la sociedad, pero también es algo así como un mal viviente que se aprovecha de las situaciones. Mezclado con el título de Dr. se vuelve un absurdo. El apodo me lo puso un amigo muy cotorrón y vacilador en parte porque usaba un maletín negro de esos que usan los doctores. Allí ponía mis utensilios de tatuar y recorría las casas de mis amigos. Esto fue por el año 1990. Tienes una familia muy artística; tu padre es pintor, una hermana poeta y otra que es fotógrafa. ¿Han sido una influencia? ¿Trabajáis juntos alguna vez? Sí, mi padre es un reconocido pintor. No trabajamos juntos casi nunca y sin duda él siempre ha sido una influencia. Intercambiamos constantemente información y opiniones y la educación artística que tengo me la dio él, pues nunca fui a una escuela. ¿Dónde encuentras las revistas, los postales y los objetos vintage que utilizas? Una parte de mi trabajo es también la recopilación de imágenes y objetos que utilizo en mis viajes. Recorro tiendas de antigüedades y mercados de pulgas, los de San Antonio y Encantes son rigurosos en mi itinerario. ¿Cómo empezaste a tatuar? ¿Ha sido auto-aprendizaje o alguien te lo enseñó? Empecé a tatuar con una máquina que yo mismo hice estilo taleguero. La vi por primera vez en manos del Piraña en el Tianguis del Chopo y años más tarde Mr. Ed Hardy me cambió por unos cuadros unas máquinas y unos tubos, pero en realidad fue un auto-aprendizaje. ¿Te acuerdas de cuál fue el primer tatuaje que hiciste? Me acuerdo como si fuera ayer. Fue a mi amigo Alejandro. Le tatué un diablito de José Guadalupe Posada. Es uno de los pecados capitales. Has trabajado en estudios de tatuaje por todo el mundo, desde Los Ángeles hasta Ámsterdam. Cuándo estuviste en Barcelona, ¿cuál fue tu estudio de tatuaje? En los años 80 mi padre vivió allí. Fue la primera vez que estuve en España. Después regresé en el año 1998. Y desde entonces voy y vengo constantemente. Empecé tatuando en casas de colegas como el Professor Angel Dust y en los últimos años en el LTW en el Raval. ¿Notaste alguna(s) diferencia(s) cultural(es) en cuanto a tatuajes se refiere? Me parece que cada vez hay menos diferencias. Lo cual lo hace uniforme; es una pena que haya pasado eso con los tatuajes pero es inevitable con la cantidad de información que se difunde por los medios de comunicación. ¿Usas algunos principios en tus trabajos? Sí, reciclar, encimar, repetir y deformar. En Art Basel, las Olimpíadas del mundo de arte, no sólo se vendió tu obra “Untitled (Emana)” a una institución,

también hiciste tatuajes a los visitantes de la feria. ¿Me podrías explicar un poco más? ¿A cuántas personas hiciste un tatuaje? ¿Cuál era el perfil de esas personas? Si, estuve en la sección de proyectos. En una parte de la feria había un cuartito donde reproducí un pequeño estudio de tatuajes. Tatué como a ocho personas. Tatuajes súper pequeños. Algunos eran coleccionistas, otros curadores, ayudantes de galerías y algún galerista también. ¿Cómo reaccionó el público de la feria? Gustó mucho. La gente tenía curiosidad. En 2005 el Walker Art Center en Minneapolis adquirió siete obras tuyas. He leído en Internet que la directora Kathy Halbreich tiene un tatuaje hecho por ti. ¿Es verdad? No lo recuerdo, soy malísimo para los nombres. Estuviste dos meses en Japón y participaste en la exposición Goth: Reality of the Departed World en el Yokohama Museum of Art. Ocho dibujos tuyos fueron censurados. ¿Esperabas una reacción así? No, se me hizo muy extraño. De hecho, fueron imágenes que conseguí allá, grabados shunga al parecer. En Japón no se pueden mostrar imágenes picantes en instituciones públicas. ¿Alguna vez más te censuraron? Es común que las instituciones públicas pongan restricciones, porque hay menores que las visitan. El Muralismo fue pensado como modo de enseñanza para la gente, sin importar raza y clase social. ¿Qué quieren enseñar tus murales? No me parece que mi trabajo sea didáctico o pretenda adoctrinar en el modo en que lo hacían los murales públicos. En mi obra no hay un guión definido. Se puede prestar a distintas interpretaciones. Según el critico de arte Edward M. Gomez tu mural en Kurimanzutto parece un viaje épico de ácido (o de hongos alucinógenos). ¿Algún comentario? Tal vez es cómo me gustaría que fuera un viaje o cómo me imaginaba de niño que sería este tipo de experiencias. Tiene que ver más con los sueños que con los viajes, pero sí me han influenciado los hongos, el peyote y el LSD. ¿Qué te gusta de la vida en Oaxaca? ¿Alguna vez has pensado en vivir en otra ciudad? Sí, me gustaría salir este año a Europa. Todavía no sé bien a qué ciudad. De hecho, Barcelona es una opción. ¿Cuáles son tus proyectos para el año 2010? El 14 de abril inauguro una exposición individual en el Institute of Contemporary Art/Boston, tengo todo preparado para una exposición colectiva de rollo de graffiti en el Museum of Contemporary Art San Diego en julio, que se llama Viva la Revolución: A Dialogue with the Urban Landscape, y otra individual en el Drawing Center de Nueva York al final de año.

Untitled (Shattered), 2009. Tinta sobre litografía vintage. 18 x 11 cm

Dr. Lakra


SnowyOwl

t: raquel ruiz diego

Playtime

ilustración

ALBERTO CERRITEÑO Monstruitos, motivos vintage, colores desaturados y un fuerte aroma a su país de origen son las características que marcan los diseños de Alberto Cerriteño y lo hacen inconfundible. Ya sea en ilustración, diseño o animación, su estilo es muy personal y surrealista, en ocasiones da la sensación que tiene la capacidad de mirar a través de los ojos de un niño. Durante más de diez años ha trabajado en diferentes agencias como director de arte en el área interactiva, lo que le ha brindado la oportunidad de colaborar con The Walt Disney Family Museum en San Francisco, un estudio de producción en Budapest o el Museo de Woodstock en New York. Hoy en día es freelance y se dedica de pleno a la ilustración desde Seattle, donde se acaba de mudar para colaborar en un proyecto “súper secreto” llamado NATAL, de Xbox.

Un mundo interior modesto, onírico e infinito


SoraTheWinterAngel

salpica con su ternura e inocencia, el hecho de ver cómo no duda en demostrar abiertamente sus sentimientos, cómo lo más importante para él y su mundo es dar y recibir amor, me hace recordar constantemente el propósito básico de la vida. Me gusta digerir y apreciar a cada artista por su mejor habilidad, pero sin lugar a dudas Ernesto “El Chango” Cabral, un dibujante mexicano que vivió durante la época de la Revolución Mexicana hasta los años 60’s, creó una obra visual impresionante y lo considero uno de los mejores dibujantes de todos los tiempos. Jeff Soto, Genndy Tartakovsky o Craig McCracken me han influenciado e inspirado a lo largo de mis años de trabajo. Sin lugar a dudas concretar una participación directa con alguien que alguna vez consideraste un pilar en tu carrera, por el simple hecho de admirar su trabajo, sería una culminación de uno de muchos sueños que todavía tengo por cumplir. Hoy en día tenemos en nuestras manos diferentes herramientas de comunicación globales que nos permiten estar en contacto con gran cantidad de personas de manera prácticamente inmediata y es una gran oportunidad para dar a conocer y promover tu trabajo, nunca sabes a quién o hasta dónde puede llegar tu información. Soy un hombre afortunado, me siento amado, estoy enamorado y eso hace que la inspiración sea mi vecina, por ello quizá sea que me la encuentro seguido. De hecho, la noche es uno de los momentos más estimulantes, en donde empiezan mis sueños, por lo que me gusta tener herramientas cerca para no dejarlos escapar.

Smile

mis personajes favoritos de la película fue el gato Cheshire, su encantadora, pero enigmática e hipnotizadora sonrisa quedó grabada en mi memoria. Por ello, sólo pensé en este personaje cuando me invitaron a crear una pieza para la muestra Curiouser and Curiouser. Por otro lado, llevo un tiempo con la idea de realizar una pieza animada donde el proceso creativo esté enfocado a las ilustraciones. Recientemente colaboré con el músico y diseñador de sonido Alemán, David Kamp, en el rediseño de su nueva identidad corporativa y hemos hablado sobre esta idea. Creo mucho en la colaboración con completa libertad creativa y pronto pondré en sus manos alguna idea visual para que él termine de darle vida con su maravilloso talento. Mirando atrás, un proyecto que me gustó mucho fue Suicycle, surgió como una oportunidad de expresar una inquietud personal. No me gusta señalar, ni echar culpas o buscar responsables, no me gusta ahondar en los por qué, ni en los quiénes o cómo, sino en las situaciones, en las realidades. Creo que como artistas visuales siempre tenemos la necesidad de expresar lo que nos preocupa y no sólo lo que nos hace felices, por eso participé en este proyecto: “Design Politics, ideologías visuales”. Me preocupa lo que pasa con nuestro mundo y me gusta que se hagan acciones para mejorar, pues sé que un cambio, por pequeño que pueda parecer, si es positivo, en algo ayudará y en algo mejorará. Aunque los resultados suelen darse lentamente y la vida pasa rápido, quizá les toque a mis hijos o a los hijos de mis hijos y a los descendientes de todo el resto de personas que ahora estamos aquí encargados de hacer o deshacer el futuro. El tema de Suicycle es uno de los muchos que me preocupan e inquietan, normalmente me centro en la parte iluminada de la vida, pero tampoco me encapsulo en una burbujita alegre, la vida tiene sus detalles desagradables, que muchas veces no son trágicos del todo y afortunadamente tienen solución en algunos casos. El ambiente donde dibujo suele ser armónico, no siempre puedo decir que cien por cien relajado, pues incluso los días más intensos de juego con mis hijos, entre sus gritos y carcajadas, al tumbarme me aborda la inspiración y me pongo a bocetar lo que me pasa por la mente. Las charlas con mi niño de seis años son sumamente enriquecedoras, esa imaginación tan inmensa, las historias que inventa, sus preguntas inesperadas, los comentarios ocurrentes y sus conclusiones sobre la vida, me llenan de una energía especial, me hacen reducir mis años y sentirme otra vez niño junto a él. También mi bebé me

The Power Of In Between

Crecí fascinado con los libros y series animadas que había a mi alrededor; la televisión, el cine y los cómics fueron parte activa de mi niñez. Actualmente vivo en un mundo de adultos que creció con esta particular cultura visual, que de algún modo continúa muy presente en todos nosotros, ya sea en forma de espectador o creador, al final somos el resultado “inconsciente” de esta evolución. La estética tradicional mexicana es una característica que nunca busqué, ni forcé, es algo que surgió y surge de manera natural. Me satisface e interesa que esas influencias visuales estén alojadas en mi subconsciente. Con el nacimiento de mi primer hijo, mi mujer y yo comenzamos a buscar alternativas para desarrollar una nueva vida como padres, en un lugar más seguro y relajado para nuestra familia. La ciudad de México es maravillosa, llena de muchas cosas interesantes y rica en cultura, pero lamentablemente somos muchísimos los que lo pensamos y está sobrepoblada, de ahí que nos fuéramos a vivir a EEUU. Ya en Portland, experimenté las diferencias entre trabajar en una agencia mexicana y una agencia americana. Los proyectos en EEUU suelen ser muy metódicos y generalmente existe un tiempo muy razonable para trabajar; en México, los tiempos son muy cortos y las entregas son “para ayer”. Además, la experiencia me dice que el brief creativo en EEUU suele estar montado cuando se arranca el proyecto, en Latinoamérica se tiende a estar más abierto a cambios durante el desarrollo. Hoy en día, debo ingeniármelas para ser papá de dos peques y al mismo tiempo colaborar en infinidad de proyectos, pero he de decir que ellos junto con mi esposa me motivan mucho en mi carrera, son mi inspiración y mi balance para seguir adelante cuando las cosas no parecen tan fáciles.  Este mes se publica Fussballhelden, un libro dedicado a los mejores jugadores de fútbol de la historia, donde colaboro junto a 50 dibujantes más. En realidad, únicamente conozco a los futbolistas más populares y dentro de estos quería ilustrar a los que me resultaran interesantes visualmente hablando. Diego Armando Maradona como representante latinoamericano y por sus facciones físicas; Ronaldinho por hacer algo distinto, ya que una de las premisas del libro era crear un retrato bajo el estilo de cada artista, evitando la sátira caricaturesca del jugador seleccionado y, sin duda, él es una de las personalidades del deporte más caricaturizadas. También comparto actualmente una exposición inspirada en el libro de Lewis Carol, Alicia en el país de las maravillas. Cuando vi la versión de Disney durante mi niñez, uno de

albertocerriteno.blogspot.com


t: ana himes

Vena2

Ojo de dios

arte

Confiesa que si algún día se reencarnara, le gustaría hacerlo en un venado azul alado. Un animal como ese sólo podría salir de la imaginación de alguien como Luis Díaz aka Vena2. Un treintañero que ha mamado la creatividad desde su primer día de existencia y es que, hijo de padre fotógrafo y de madre poeta e iluminadora, ha crecido en un ambiente de libertad creativa que le ha permitido desarrollar una mente y una filosofía de vida privelegiada. Ama la Naturaleza, sí, la Naturaleza con mayúsculas y no deja de mirar y admirar el mundo con ojos de lince. Este mejicano, que vive con un lápiz en la mano, fue nombrado hace dos años mejor diseñador gráfico del año por la revista Ambientes y la verdad es que viendo algunos de sus trabajos como los realizados para Puma, Nike o Molotov no me extraña que además su estilo haya saltado el charco y adquirido una merecida fama internacional. Disfruten de este cuerdo loco.


Vena2 y Luis Díaz son la misma persona pero diferentes, digamos que Luis Díaz vive y trabaja feliz y enamorado en la Ciudad de México, es el primer hijo de una familia de cinco hermanos y estudió diseño gráfico y fotografía. Vena2 es una forma de recibir información de la naturaza para compartirla con todos. El proyecto Vena2 como tal nació en el 2002 (aunque llevo diseñando exactamente la mitad de mi vida) y partió de la idea de mi simbiosis con el venado; es algo que he vivido desde la infancia, mis amigos y mi mamá me apodaban así. El venado tiene unos cuernos que me recuerdan las ramas de los árboles y funcionan como antenas para comunicarse con ellos; además de dos venas principales del corazón, la vida es dualidad. Para mí el venado tiene el poder de la ternura, la inocencia y nos conduce hacia la divinidad según diversas culturas, como para los indios huicholes; esos descubrimientos me han llevado a dibujar y crear historias con lo que voy aprendiendo día a día. Echo la vista atrás y siempre me recuerdo a mí mismo haciendo cosas artísticas. Realmente fue mi papá quien me incitaba constantemente a trabajar, colaboraba para su revista y algunos otros proyectos que hacíamos en León Guanajuato; he crecido frente a un MAC así que es un mundo en el que me siento muy cómodo. Por suerte a día de hoy puedo afirmar que me dedico a casi todo lo que soñé ser desde niño y eso es un lujo, ¡pero aún me faltan varias cosas que quiero hacer así que...! Admiro a muchos artistas, la verdad, pero sobre todo a todos los que han venido con la ilusión de regalar y esparcir su locura por este planeta, a los que viven y predican paz y también a los que son millonarios (risas). Y a parte del trabajo de esos artistas a los que admiro, la inspiración la encuentro en el conocimiento, el amor, los sueños, la diversión, la locura y sobretodo en la Naturaleza. Me siento muy unido a ella, de hecho uno de mis proyectos personales comenzó cuando un día quitaron un árbol que había muerto y que estaba frente a mi apartamento y al preguntar la causa, me enteré del altísimo índice de árboles que mueren por enfermedad en el DF. Decidí ir a donde los llevan, recuperar algunos, rebanarlos y hacerles un homenaje dibujándolos o usándolos para mis esculturas, que hablaban del reinicio del ciclo natural. Para llevar a cabo mis trabajos comerciales siempre cuento con colaboradores externos, afortunadamente no estoy solo en esto, en cada proyecto hay muchas personas diferentes involucradas, sin embargo llevo seis años colaborando con Edoardo Chavarin, con quien he desarrollado trabajos de diseño increíbles. O por ejemplo,

el proyecto que hice con Alejandra Quesada, que es un trabajo muy completo, diseñamos la imagen corporativa, las telas a partir de mis dibujos, los accesorios y colaboré en su presentación. Creo que cada proyecto tiene su propia personalidad, los procesos creativos para mí siempre son inesperados, y en el caso de este proyecto, comenzó con su amistad; nos pasábamos horas hablando de nuestros mundos internos y eso hizo que fluyéramos construyendo historias, ella llegaba y me decía “mira esta imagen, prueba este concepto”, y lo mismo yo a ella... empezó casi como un juego de niños y bueno, después la cosa fue formalizándose hasta materializarse en algo más sólido. Dentro de mi currículum está claro que lo relacionado con la música ocupa un lugar privilegiado, no sólo por los trabajos que he realizado sino porque ¡amo la música, me declaro melómano, sí! El 99% del día se puede escuchar música en mi estudio; me gustan todos géneros y tiempos, intento actualizarme constantemente, tengo muchos discos, pero además, no sólo hay música, también hay baile y canto (risas). He hecho otros muchos trabajos paralelos a esto, con clientes de todo tipo. No tiene nada que ver el trabajo para Juanes que el de “Por la infancia en México”, que es una fundación que ayuda a quienes más lo necesitan y son nuestro futuro; es un proyecto muy divertido en el que invitan a los que más tienen para que aporten y se puedan crear programas de ayuda, tuve la suerte de que me invitaran a rediseñar y llenar de vida su imagen. Creo que en cada proyecto hay un estilo diferente, una huella distinta, pero el toque personal es inevitable, por eso me buscan, intento adaptarme a cada cliente y a sus necesidades pero siempre dejando mi poso, yo mismo soy distinto según mi estado de ánimo o me vuelto loco por distintas cosas, aunque al final sigo siendo yo. Mi proceso de trabajo es el siguiente: observo, entiendo, me pongo a pensar, a ver cosas, a dibujar bocetos y de ahí todos los proyectos van cambiando pues la forma en la que se producen todas las cosas siempre son una aventura, puede ser un gráfico, una escultura, o un mural de madera, etc. Todos son procesos distintos para llegar a la pieza final. Aunque a veces todo empieza cuando me fumo un porro (risas). Ahora mismo tengo varias piezas en producción, murales, instalaciones, fotografías y dibujos, pero ahora estoy concentrado en hacer una marca de ropa para la playa, ya que amo el mar; y comenzando una firma de joyería, muy fuera de lo común, con un gran amigo y mi reyna, se llama AWA, estará pronto en mi web así que... ¡atentos!

www.vena2.com


arte

t: adrià pagès molina

lamono / núm. 62 / abril ’10

calexico Ana Serrano

Letys

Liquor store

“Alberto y Hermano en la senda del coyote, esquivando las sombras de la patrulla fronteriza; en tierra yerma, deambulando durante días…”. Las obras de Ana Serrano, mexicana nacida en Los Angeles, California, hace veintisiete años, desprenden un aroma similar al que reside en las letras del popular grupo de indie-rock chicano. En su mundo, Uno De Los Nuestros se fusiona con el spaghetti western en forma de estructuras y personajes tridimensionales que plasman una realidad de bigotes y sombreros, polis y bandidos, droga y revólveres. Siempre con espíritu colorista y perfeccionismo cinematográfico, Ana Serrano construye escenarios toscos en los que en cualquier momento pueden retumbar balazos al grito de ¡chingue su madre!


www.anaserrano.com

Chalino

Road to Malverde Cartonlandia

Creo que siempre me sentí atraída por el arte de una forma natural. En la escuela hacíamos salidas a los museos y tomábamos lecciones. Me encantaba trabajar en los proyectos que nos mandaban, como réplicas, dioramas y pósters. Aunque estas tareas se centraban básicamente en el trabajo manual en sí, me empezaron a introducir en los materiales y el proceso. Más tarde, durante el instituto, empecé a pensar en el arte ya de forma más seria y como posible carrera. La principal referencia a partir de la cual creo mis obras es la cultura mexicana contemporánea, en particular la cultura de Sinaloa, que es el estado de procedencia de mi familia. Se trata de una región donde el tráfico de drogas juega un papel muy importante, es parte de nuestro entorno. Yo soy, y definitivamente me siento, tanto americana como mexicana, por eso cuando me preguntan sobre mis raíces digo que soy mexico-americana. Técnicamente soy americana, pero no puedo negar mis orígenes. Eso inevitablemente se refleja en mis trabajos. Mis obras ilustran el estilo de vida de los capos de la droga. Pueden parecer algo peliculeras, y la verdad es que me encanta el cine, pero yo me baso en una realidad palpable. Por eso antes de empezar un proyecto me documento, utilizando material tanto escrito como visual. Para mí es muy importante el mensaje. Siempre estoy muy atenta al color y al diseño cuando trabajo, pero al final tiene que haber un mensaje, una historia que me interese y que pueda justificar. Por eso procuro crear un balance entre la estética y el concepto. Nunca hago bocetos, me gusta empezar a trabajar sobre el material que tengo e ir resolviendo sobre la marcha los problemas que puedan

surgir. Desgraciadamente, muchas veces he tenido que parar y volver a empezar desde el principio, pero ésta es mi forma de trabajar. Mi especialidad son las obras en tres dimensiones, en ese terreno me siento más cómoda. He utilizado muchos tipos de materiales en el pasado, como madera o papel. Ahora estoy trabajando con cartón, lo encuentro más accesible y fácil de manipular. En algunos de mis proyectos, como Cartonlandia, se percibe mi interés particular por la arquitectura. Lo cierto es que de pequeña solía decir a la gente que quería ser arquitecto, pero eso era antes de saber realmente lo que hace un arquitecto… Cuando me enteré de que había muchas matemáticas involucradas, dejó de interesarme el tema. Aún así, disfruto viendo arquitectura vernácula, especialmente latinoamericana. En estos momentos estoy trabajando en el Centro de Estudios de Investigación Chicana en la Universidad de California de Los Angeles (UCLA), en una exposición que se inaugurará en el Fowler Museum en otoño de 2011. Se centrará en la historia de los colectivos de artistas mexico-americanos en Los Angeles, y yo seré una de los cuatro artistas contemporáneos que expondrán su trabajo.


moda

t: miriam arcera

Nahum Villasana

La compleja arquitectura del cuerpo humano Nahum Villasana es un jovencísimo diseñador mexicano que con sólo 23 años ya cuenta con su propia marca de ropa masculina, además de ser profesor de Historia del traje en la misma escuela de diseño dónde estudió. Basándose en la forma y el volumen del cuerpo humano, dibuja siluetas fuertes con colores sobrios para el hombre del siglo XXI. He diseñado desde muy pequeño. Siempre me llamó la atención lo poco que alcanzaba a percibir a través de medios como la televisión y las revistas, la inspiración siempre me llegó por otras vías. Comencé a diseñar por mi cuenta durante un año y después entré a estudiar la manera de cortar, trazar y diseñar. Ahí reafirmé que me apasionaba esta práctica. Pero no fue hasta el 2007 cuando decidí hacer la primera colección para caballero, creando una marca como identidad, bajo el nombre de ARCHITECTURAL CLOTHES. Fue la primera vez que me lo propuse de manera más seria, fotografiando la colección y haciendo look-book, etc. Soy del noroeste de Mexico y en realidad toda la escena de la moda mexicana está ubicada en el centro del país, en Mexico D.F. Allí tienen una semana de la moda y existen muchos diseñadores, algunos ya establecidos y reconocidos, y otros nuevos e independientes, también con talento. Me gusta mucho el trasfondo de la cultura mexicana, ciertamente está lleno de colorido y es muy rico en detalles. Aprecio mucho la belleza de los colores vivos y el impacto visual que provocan, pero independientemente de eso, siempre me ha llamado la atención lo clásico y puro. Adoro observar imágenes de lugares lim-


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pios, sin muchos detalles, o bien cualquier objeto que sugiera una mínima particularidad en su construcción. En ocasiones lleno mucho de detalles mis prendas, pero los colores son siempre sobrios. Con estos tonos puedo desenvolverme mejor en la parte creativa, aunque no descarto meterme de lleno en una colección más colorida en algún momento. Desde que creé mi marca, he cumplido con dos colecciones por año. Cada proceso creativo a la hora de elaborar una colección es diferente, aunque técnicamente en cada ocasión hay cosas muy similares. No hago bocetos de las prendas. Las visualizo y luego corto directamente en la tela. En algunas ocasiones hago algún boceto rápido para tener un poco más clara la idea y así poder delinear. He trabajado con diferentes elementos, algunas veces con el plisado, otras con el uso de costuras dobles rellenas para hacer canales, también sastrería y en otras ocasiones con la prenda casual. Últimamente utilizo el metal para crear una nueva corriente. Quizás en el futuro use el plástico. Me inspiro en el cuerpo humano, ya sea el del hombre o el de la mujer, así las prendas pueden ser muy unisex, pero sin dejar de ser masculinas. La estética de la mayoría de las prendas de Architectural tiene la intención de dar un efecto de rigidez, estructuración y de aumentar la resonancia de las propias líneas del cuerpo humano. Para las tallas y las amplitudes de los espacios que varían en cada prenda, se toma en cuenta el tipo de cuerpo que pueden cubrir en determinado momento, para que sigan ofreciendo el mismo efecto. Podría decirse que mi ropa va dirigida a un hombre de carácter fuerte. El primer trabajo con el que comencé mi línea se

tituló Mechanical Connection, y lo dividí en dos partes, Vol. I y Vol. II. Este primer proyecto fue un estudio hecho con líneas, estableciéndolas y acomodándolas de diferentes maneras sobre el cuerpo para obtener distintos efectos. Incluso con algunas prendas, las telas se plisaron de manera uniforme para dar un efecto de columna. El segundo proyecto se tituló The Armored Body. Tomando como inspiración primaria la armadura, traté de jugar con un cierto sentido de protección. Es por eso que el modelo aparece cubierto por las prendas de forma exagerada, incluso tapando su cara. El último proyecto se llama Bisector Human. En este caso damos un efecto de musculatura usando líneas y cortes en la prenda. La bisectriz que estamos estableciendo es el espacio entre la prenda y la persona que lo lleva. Como si se tratara de una capa más que existe en el atuendo. Técnicamente la elaboración de piezas masculinas requiere de mayor habilidad de sastrería y costura que la confección de prendas femeninas, aunque en diseño puedo ver las dos vertientes con un mismo grado de dificultad. Por eso en el futuro tengo pensado trabajar en Arquitectural Clothes versión femenina. También me gustaría introducir nuevos elementos a la hora de hacer ropa. Por el momento mi idea es seguir trabajando en la identidad de la línea; que se establezca y vaya creándose un sello distintivo poco a poco, a modo de un ADN de AC. Pero sin duda, el objetivo es trabajar más para poder llegar a un público más extenso en más lugares. www.architectural-clothes.com


diseño

t: ceci díaz

Creer que las buenas ideas y los buenos conceptos pueden ser aplicados a cualquier cosa no es un ideal, es una realidad tan normal como la vida misma. El equipo que conforma el estudio Nrmal lo sabe y lo aplica como máxima a todos y cada uno de los proyectos que llevan a cabo, que por cierto, no son pocos, ni muy típicos. Sino todo lo contrario, se meten en berenjenales tremendamente constructivos, interesantes y especiales, que además han contribuido en gran medida a despertar culturalmente una de las ciudades más importantes de México, Monterrey. Incansables, enérgicos, entusiastas, cinéfilos, emotivos, transgresores, melómanos, excéntricos. La crew que conforma el estudio Nrmal, es de todo menos eso, normal, o bueno, quizás sí son normales y eso es lo que les hace diferentes. No sé, pero se tienen que divertir tanto que a todos nos entran ganas de formar parte de esto. Como dice Lucas, el director creativo, México está cabrón. Y a nosotros no deja de sorprendernos. www.nrmal.net www.nrmalstudio.net www.festivalnrmal.net

ROJO AZUL Y BLANCO Yo también quiero ser Nrmal

Nrmal nace en el 2007 en Monterrey, una de las ciudades principales de México. Es industrial, adinerada y rodeada por bellas montañas. Como en todo México existen fuertes barreras entre las clases sociales lo cual hace que la gente y la ciudad este dividida. Aunque últimamente se está produciendo mucha actividad cultural independiente muy interesante. Nosotros necesitábamos vivir y hacer cosas que no sucedían normalmente alli, así que empezamos con una fiesta pequeña, dedicándole una gran atención a la comunicación visual, y nos dimos cuenta de que un evento es un medio muy interesante para comunicar creatividad y arte con un público. Nrmal es un ente multidisciplinario compuesto por un estudio de creatividad, estrategias y diseño donde conceptualizamos y desarrollamos proyectos de iniciativa propia y trabajamos con marcas que se identifican con lo que hacemos. Somos alrededor de 15 personas fijas más gente que colabora por proyecto. Yo soy el director creativo. Nuestro modus operandi depende mucho del tipo de proyecto que se desarrolle. Las ideas surgen todo el tiempo y las más fuertes son las que sobreviven. Brainstormiamos mucho, desarrollamos ¨moodboards¨ con referencias diversas de lo que queremos generar y transmitir a nivel conceptual y visual. Por otro lado esta nrmal.net un proyecto en línea donde exponemos ideas y proyectos propios, así como el trabajo de mentes de alrededor del mundo, ligadas con la música, el arte, el diseño y la cultura, por medio de un blog, podcasts semanales, una galería de fotos, y próximamente un canal de televisión en línea. Por ejemplo desde un principio adoptamos el rojo, el azul y el blanco como nuestros colores distintivos, la gente nos empezaba a distinguir por esto. Y así nació Red Blue and white, un blog que compila imágenes con dichos colores. Nos encantan los blogs que sólo contengan imágenes, queríamos hacer uno y decidimos establecer la regla de publicar únicamente fotos con esos colores. La gente nos envía fotos y videos que encuentran y nos ayudan a que nuestra colección crezca. Por otra parte están los podcasts, nos encanta la música y estamos rodeados de gente que también la vive intensamente, hacer Podcast Nrmal nos permite compartir esto y mantener fresco lo que suena en nuestros itunes. Conceptualizamos cada


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≥ Estábamos buscando como bautizar esto que queríamos hacer, no queríamos un nombre NORMAL y como especie de sátira decidimos llamarlo así, con el paso del tiempo le quitamos la “o” para meterle algo de anormalidad.

mes bajo una temática distinta en cuanto a la onda musical, gráfica y vestiduras de audio. Es una excelente excusa para experimentar conceptos e ideas. Hacemos fiestas, conciertos y exposiciones de arte en Monterrey y el resto del país. Hemos trabajado con músicos como Sebastien Tellier, Yelle, The Rapture, Noze, Diplo y Matias Aguayo, entre muchos otros. Una vez al año celebramos Festival Nrmal, un espacio de expresión para la música y el arte actual, bajo una curaduría de proyectos artísticos que combina a reconocidos nombres de la escena alternativa e independiente con propuestas emergentes en vías de convertirse en las siguientes grandes. Estrenamos Festival Nrmal este 2010 con una experiencia intensa compuesta por más de 40 actos nacionales e internacionales en el ámbito de la música y las artes visuales. Montamos una galería y diversos proyectos artísticos dentro de las instalaciones del festival, un mercadito con expositores independientes, comidas y una sala de proyecciones, todo en un espacio íntimo y distinto a los espacios comunes para llevar a cabo un festival. Hemos trabajado un montón con Eltono, artista francés que reside en España. El primer proyecto que desarrollamos juntos fue una instalación grande para una versión del festival Mutek que hizo Nrmal (Mutek es como el Sonar de América). Después montamos una expo suya en Monterrey, y un año más tarde nos invitaron a desarrollar otra instalación para Mutek en México DF. También llevamos a cabo un proyecto llamado Residencia Tampiquito en donde invitamos a artistas de todas partes del mundo a vivir y trabajar en un barrio popular con mucha esencia Mexicana. La primera Residencia Tampiquito fue a cargo de Eltono en donde estuvo un mes viviendo y trabajando, haciendo más de 50 pinturas en sus calles. El Barrio de Tampiquito se convierte en una enorme galería de arte en donde todos son libres de disfrutarla. Nrmal loves Barcelona.


fotografía

t: roman bayarri

Por bagaje y por convicción, lo fronterizo es la piedra angular del quehacer de la fotógrafa Daniela Edburg. En medio del bombardeo de vacuas “multiculturalidades” y “fusiones” de medio pelo al que nos vemos sometidos, nos encontramos ante una grata excepción a tanta morralla, un caso auténtico de mestizaje: el de un arte que, sabiéndose criollo y orgulloso de serlo, usa su condición como lanzadera desde la que armar un potente discurso, crítico e irónico, vestido con las coloridas galas del rico imaginario sureño y nutrido sin ambages de lo gringo y de lo mexicano a partes iguales. Águila de dos cabezas, su híbrida encrucijada la sitúa en un enclave privilegiado desde el que disparar cual francotiradora y sálvese quien pueda. Algunas de sus plateadas balas: los trastornos alimentarios, los delirios paranoicos de la sociedad capitalista y cómo pueden causarnos una muerte surrealista y, en definitiva, el inminente fin del mundo.

DANIELA EDBURG

El fin del mundo


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Nací en Houston, Texas y crecí en México desde los seis meses en San Miguel de Allende, un pueblo bicultural donde la mayoría de mis amigos eran como yo, mitad gringos mitad mexicanos. Me siento muy cómoda ahora que he vuelto a vivir allí, después de trece años de estar en la ciudad de México, porque inglés y español se utilizan indistintamente y las referencias son siempre de ambas culturas. Entiendo que a la gente le moleste que las cosas sean tan “americanizadas”, pero es lo que me resulta familiar. Acabo de volver de Tijuana, donde he asistido a un curso y me sentí muy bien estando ahí, cruzando al otro lado de los museos y las tiendas, regresando a México a comer y a salir de fiesta. Me gustan mucho las fronteras, son lugares extremos, donde todo se vale. Fui a México hace trece años a estudiar Artes Visuales en la Academia de San Carlos, mi especialidad era la pintura. Para mi proyecto de tesis me propuse algo relacionado con el dibujo, pero pronto me di cuenta de que me sería imposible lograrlo dada mi falta de talento en este sentido. Fue entonces, terminando la carrera, cuando decidí hacer fotos. Mi fuerte nunca fue el

dibujo, pero sí el color y la composición. La fotografía me permite sacarle partido a mis limitaciones. Se me hace difícil concretar si mi influencia está más relacionada con la cultura mexicana o con la norteamericana, en realidad trabajo mucho desde lo personal. Empecé la serie Drop Dead Gorgeous hace nueve años y ¡ahora me parece muy obvio! Mi manera de conectarme es a través del humor y del color. En mi trabajo más reciente estoy trabajando desde un lugar más íntimo, por eso en mi última exposición ya no sólo hay fotos. El tejido se fue volviendo la parte central y terminó por convertirse en mi tema. Tenía una idea para la foto de Party Girl de una chava después de la fiesta parada en un pequeño prado tejido y floreado en un ambiente desolado. En ese momento tenía la beca del Fonca y entonces puse un anuncio en la radio diciendo que necesitaba mujeres que supieran tejer, para ese proyecto tuve mucha ayuda, de ahí salieron más ideas y cada vez empecé a tejer más y más rápido, fui recordando lo que sabía y ya en proyectos específicos, como el banquete, que era más complicado le pedí ayuda a mi abuela que es una experta, ella sabía como forrar copas y botellas e ideaba sin problemas como hacer un pastel. Otras cosas ya empecé a improvisarlas agarrando mucha confianza, como los candelabros, los cubiertos y el salero, por ejemplo. Es un medio muy flexible, me permite ir en cualquier dirección. En esta serie hay muchas cosas que se han juntado, por un lado me interesaba que los personajes fueran obsesivos, introspectivos, obstinados, para una de las fotos me inspire en la Srta. Havisham de la novela de Dickens “Grandes esperanzas”, me parece patética y entrañable a la vez, consumida por una fijación enfermiza. Mis mayores influencias no las tengo muy presentes... lo que más me inspira son las mañanas soleadas y el cine. Lo demás es todo lo del día que se va colando. Mis referencias son fáciles, universales: anuncios de harina para hot cakes y el camión de las nieves con su musiquita. Los muebles de mi abuela,  el olor a shampoo, cosas así, reconfortantes. Pero sí admiro a mucha gente. Por su trabajo, ahorita se me ocurren Pipilotti Rist, Tony Oursler, Sophie Calle, Yoko Ono, Tom Friedman, Chris Ware y por supuesto a Marcel Duchamp. www.danielaedburg.net 1. The atomics. 100 x 150 cm. 2009 2. Party girl. 100 x 150 cm. 2008 3. 14  de febrero. Fotografía digital.2007 4. Muerte por salvavidas. Fotografía digital. 2006 Doble pág. anterior. Jamón jamón. Impresión digital. 90 x 135 cm. 2007

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t: patricia yagüe / il: hermanplasencia.blogspot.com

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Centro Cultural de España en México www.ccemx.org

El Centro Cultural de España en México es considerado por muchos como uno de los más vanguardistas del DF, donde el visitante puede disfrutar de conciertos del más puro jazz hasta exposiciones que lidian con las artes electrónicas, talleres sobre sonidos con ‘Protoboard’ y conferencias que reflexionan sobre el papel de la arquitectura contemporánea. Hablamos con Eva Gómez Suárez, Coordinadora de Programación del CCEMx.

Tan lejos,

tan cerca

En primer lugar, felicidades. Es realmente imponente la variedad que hay en la programación, en los servicios y eventos que se llevan a cabo en el Centro. Gracias en nombre de todo el equipo del CCEMx, realmente es una tarea intensa la de programar tantas actividades. A veces nos llegamos a solapar teniendo varios eventos en el mismo día y hora. En estas ocasiones, y a modo de broma interna, solemos decir que tenemos “circo de tres pistas”. La programación se decide en base a una serie de líneas programáticas en diferentes formatos (cine, presentaciones de libros, conciertos, talleres, danza, teatro..) y son: “Formación”, “Reconocimiento de los Derechos Culturales y de la Diversidad Cultural”, “Patrimonio y Memoria”, “Promoción de la Identidad y la Creatividad Cultural Iberoamericana” y “Género y Derechos”. ¿Quién se encarga de la selección de artistas y eventos? Hay un equipo de programación donde una persona puede coordinar varias áreas. Internamente estas áreas son artes audiovisuales (música y cine), artes escénicas (música y danza), arte y nuevos medios (nuevas tecnologías), formación (adultos y talleres infantiles), género, humanidades y el laboratorio del procomún que es un proyecto que por sí mismo conforma un área. Las instrucciones de programación e itinerancias nos llegan de servicios centrales en Madrid, sobre todo de artes escénicas, artes plásticas y música. Alguien me dijo una vez que el Centro lleva a cabo uno de los programas más vanguardistas de toda la ciudad de México. ¿Cuál ha sido el evento que más repercusión ha tenido o aquel del que os sentís mas orgullosos? En siete años de vida han habido multitud de actividades que han calado mucho no sólo entre el público, sino también entre el mismo personal del centro cultural implicado en su desarrollo y puesta en marcha. Recuerdo ahora todo el desembarco de la cultura haitiana hace unos años acompañado de las fotos de Cristina García Rodero, o la exposición del CCCB “Literaturas del exilio” que recorrió diversos países de América Latina recuperando la memoria histórica de los exiliados españoles, o por ejemplo, el

taller “Interactivos” que llevamos a cabo con la colaboración del Medialab-Prado… los conciertos de Russian Red y Deff con Dos en nuestro último aniversario inaugurando el nuevo auditorio del centro cultural, o más recientemente el encuentro “La creatividad redistribuida” coordinado por Néstor García Canclini y Juan Villoro el pasado mes de enero, una actividad programada para 200 personas para la que recibimos más de 400 inscripciones, lo que nos forzó, de alguna manera a realizar nuestro primer streaming en vivo para ofrecer a aquellos/as que quedaron fuera la posibilidad de seguir el encuentro desde sus casas. Desde enero estamos implementando nuestra radio online y la emisión en directo de los eventos más destacados de la semana. ¿De qué manera está vinculado el Centro con España? El Centro Cultural de España en México, así como los otros 17 centros que conforman la red, dependen del Ministerio de Asuntos Exteriores de España. A parte de esta vinculación administrativa también hay una vinculación territorial, ya que de manera local, los centros culturales dependen de las Embajadas de España en el país. Por otra parte, la base de nuestra programación es una mezcla entre la cultura mexicana y la española, tratando de ser un punto de encuentro y diálogo entre estas dos culturas. ¿Algún proyecto común futuro en el que estéis trabajando actualmente? Hay varios proyectos que se desarrollan en red con otros centros culturales, como por ejemplo “Migraciones: Mirando al Sur”, sobre el paso de inmigrantes centroamericanos por la frontera guatemalteca a México en donde están implicados los CCE de Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua, Costa Rica y Miami. El laboratorio del procomún de México que ya lleva un año de trabajo y que poco a poco va consolidándose siguiendo como modelo el patrón iniciado en Madrid pero adaptado a la realidad e idiosincrasia mexicana. O el reto más cercano de la puesta en marcha de una radio online con contenidos actualizados e intercambiables con otros centros culturales, como por ejemplo el de Córdoba (Argentina) que están en el mismo punto de arranque que nosotros.


t: clara duch Elena Cañas

postits

Barcelona2159 Hasta junio de 2010 Barcelona www.barcelona2159.org

Alex Tramullas

Juan Crespo

Conteleta

Seguramente no os imaginábais que en el mundo hay más de 10.000 cápsulas del tiempo cerradas para que de aquí a muchos años los habitantes del futuro puedan saber cómo nos las ingeniábamos nosotros para vivir. Pues sí: estas cápsulas son unos dispositivos construidos con el fin de guardar mensajes u objetos del presente que serán descubiertos por las generaciones futuras para así, comunicarse con ellas. Sin duda, ¡todo muy digno de una película de ciencia ficción! Pero ahora hasta vosotros podéis participar en ello. Se trata de la iniciativa Barcelona2159 que, para conmemorar los 150 años del plan de reforma y ensanche de la ciudad de Ildefons Cerdà, cerrará en una cápsula del tiempo los testimonios y previsiones sobre el futuro de Barcelona hechos por los ciudadanos de hoy. Así como el mismo Cerdà fue un gran visionario en su plan del Eixample que hizo que Barcelona entrara en la Modernidad, ahora se nos pide a nosotros que seamos también visionarios. A través de mensajes, imágenes, dibujos y vídeos podremos dejar nuestro mensaje hasta el próximo junio, fecha en que se sellará la cápsula para abrirse dentro de otros 150 años. Personajes conocidos y desconocidos de la ciudad ya han dicho la suya. Acercaros a barcelona2159. org, sed fantasiosos y haced también un pronóstico de futuro. Probablemente, en 2159 los hijos de vuestros bisnietos se reirán mucho de vuestra imaginación. T: Clara Duch

Joaquim Ramos

BARCELONA 2159 UN VIAJE FUTURISTA DE 150 AÑOS

MISCELÄNEA THIS IS MUNHON. WHAT? MUNHON. AHHH.

SWALLOW GALLERY TREINTA Y TRES

Casi siempre nos inquieta más no saber que saber. Aunque, a veces, aún sabiendo es como no saber. Esther Miquel (Conteleta) ahora nos presenta Munhon. ¿Munhon? ¿Y qué es Munhon? Es el concepto de Conteleta y el concepto de Conteleta es la ausencia de concepto. Parece rebuscado pero es una honesta manera de explicar lo que a veces nos puede parecer demasiado abstracto. Miquel, en sus trabajos, emprende una búsqueda de la estética del espacio a través de formas equilibradas. Armada con rotuladores, lápices, plastilina y aironfix, esta improvisadora barcelonesa juega con las formas geométricas, las perspectivas y el color. Con This is Munhon, Conteleta enseña el resultado de sus experimentaciones con los trozos de líneas y de formas que levitan y se unen en un espacio de papel. Aleatorias, básicas y coloridas. Ingredientes que fácilmente nos pueden transportar al mundo de Kandinsky y su experimentación con líneas, puntos y colores. Kandinsky era sinestésico. A Esther Miquel dicen llamarla “disléxica de formas”. Llegados a este punto, quizás lo mejor sea acercarse al Raval y degustar personalmente esta propuesta sinfónica de colores y formas con espíritu naïf.

Abrimos la boca: aaaaaaaa. “Diga treinta y tres”. Y con el palito de madera del médico en la garganta, hacemos lo que podemos. Esta vez, sin palito en la boca, 33 artistas también dicen su treinta y tres particular a través de sus trabajos. Han tenido que responder a la petición de pensar en ese número, crear lo que les inspire y que esa obra no se pueda vender por más de 33 euros. ¿Curioso, no? Pues si a vosotros el desafío también os ha despertado inquietud, podréis acercaros todo un fin de semana a la galería Swallow para ver el resultado. Entre otros, participan Joan Saló, Ana García Pineda, Miguel Orcal, Pedro Torres, Lula Goce, Juan Crespo, Ale Formenti, Jesús Monteagudo, Ariadna Parreu, Pablo Lerma, Nuria Rius, Eva Solano, Katherinne Fiedler, Juan Diego Tobalina y Ariadna Serrahima. Serán los próximos sábado 10 y domingo 11 de abril cuando, de 10 a 22h non-stop, cuando podréis comprobar sus capacidades imaginativas. Habrá obras, conciertos, comida y bebida… Aunque, ¡daros prisa! ¡Quizás haya sólo 33!

Miscelänea. Guàrdia, 10. Barcelona Del 7 al 25 de abril www.miscelanea.info

Swallow Gallery. Argenter, 19. Barcelona 10 y 11 de abril www.swallowgallery.com


postits

t: diana mizrahi

Primavera Sound Enjoy the noise La primavera se asoma tímida por la ciudad. Al principio vacila, está indecisa, pero acaba por trepar exaltada por los bordillos de las aceras. Es entonces, de golpe, cuando suenan las primeras trompetas anunciando las novedades más frescas del festival por excelencia de estas fechas: el Primavera Sound. El cartel aún no está cerrado, pero lo que sabemos hasta ahora ya merece un paseíto hasta el Fnac, atrapalo.com o cualquiera de los puntos de venta que figuran en la web del festival, para hacernos con la respectiva entrada. Las últimas confirmaciones anuncian veteranos de lujo como Pixies, Pet Shop Boys o Van Dyke Parks, colaborador de los Beach Boy y responsable de joyas como Song Cycle o Discover América. Su concierto forma parte de la gira en la que se encuentra inmerso junto a Clare and The Reasons. Otra leyenda ya confirmada es el líder de los Neu!, Michael Rother, que actuará junto al supergrupo Rother/Shelley/Mullan del que forma parte junto con Steve Shelley, el batería de Sonic Youth y Aaron Mullan, miembro de Tall Firs. Además, se confirman formaciones frescas y actuales como Chrome Hoof, que tontean con el disco doomsters, Harlem y su pop lo-fi y los sevillanos Pony Bravo. Clare and The Reasons, además de colaborar con Van Dyke, nos deleitará con su propio directo. Tendremos ocasión de ver como este grupo, que ha debutado recientemente con The Movie, juega con el pop y el jazz luciendo un desparpajo de un niño travieso. Volveremos con más confirmaciones -que las habrá- a medida que avance esta estación de la música y el ritmo. T: Diana Mizrahi 27, 28 y 29 de mayo Fórum de Barcelona www.primaverasound.com

SÓNAR RAZONES DE PESO Los asistentes a la edición barcelonesa del Sónar están de enhorabuena. El festival ha anunciado la última incorporación de lujo al cartel del festival y aquí se nos cae la baba. Redoble de tambores, porque ni más ni menos que Roxy Music quemarán sus sintetizadores en los escenarios del festival. Su vocalista, un icono ya del pop contemporáneo, Bryan Ferry, estará acompañado por Phil Manzanera, Andy Mackay y Paul Thompson de la formación original en su única actuación en España, casi tres décadas después de su última visita a la ciudad Condal. Será el 19 de marzo cuando podamos disfrutar de la elegancia glam de esta banda británica. Por si a alguno le supiera a poco el festival ha confirmado las actuaciones de New Young Pony Club, Aufgang, Post War Years, Caspa feat. MC Rod Azlan y Cabo San Roque. Estos últimos presentarán en el Palau de la Música su nueva creación. La han llamado Orquesta Mecànica de la França Xica y son en realidad un conjunto de instrumentos construidos a partir del material sobrante de una fábrica de galletas. Delirante y delicioso. Estos son sólo algunos de los motivos para dejarse seducir un año más por esta gran fiesta. T: Diana Mizrahi www.sonar.es


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t: clara duch

Dry Martini / Documental, 24’ / España. 2009 / Director: Iban de Campo

postits

MECAL 2010 LARGA VIDA AL CORTOMETRAJE

HEINEKEN MUSIC SELECTOR PRIMAVERA MUSICAL

En los últimos tiempos parece que hablar de cortometrajes le hace a uno más interesante. Amigos os cuentan historias curiosas que han visto en cortos ra-rí-si-mos. Vuestros modernos vecinos hablan en el ascensor de las ideas que han tenido para rodar el próximo. Y, vosotros, que no os perdéis ni un evento dentro del recorrido cool de la ciudad, queréis saber qué está pasando. Nada mejor, pues, que acercaros este abril al Mecal, el Festival Internacional de Cortometrajes de Barcelona que este año llega a su doceava edición. Sin duda, una excelente ocasión para disfrutar con las experimentaciones audiovisuales de creadores que han sucumbido al deseo de hacer cine como los grandes pero a escala pequeña. Como cada año, el Mecal se mantiene y evoluciona a la vez, buscando siempre lo mejor y más novedoso en el campo del cortometraje. Además, en esta edición hay una sección dedicada a la creación corta del recién desaparecido Éric Rohmer. No os lo penséis, preparad los sentidos y dejaros llevar por el ingenio creativo de bajo presupuesto. ¡La democratización de la imagen ya es cosa de todos!

Cuando llega esta estación no nos hace falta pensar en verde porque, por suerte, todo empieza a verdear. Por ello, a Heineken no le queda más que añadir una buena selección musical para darle ritmo al color y al buen humor. Probablemente ya habréis adivinado de qué se trata: sí, es Heineken Music Selector. Tres palabras que hablan del compromiso que Heineken tiene con la música, yendo siempre a la búsqueda de los talentos creativos más destacados del panorama nacional e internacional. Por ello, esta primavera no podían faltar grandes nombres como el del neoyorquino Rufus Wainwright o el del francés Benjamin Biolay. Wainwright llegará a Madrid el próximo mes de mayo para presentar su esperado sexto álbum de estudio, “All Days Are Nights: Songs For Lulu”, con el que está reafirmando aún más su estatus de artista de culto en el mundo. Además, el que empezara a tocar el piano con 6 años y que a los 13 ya hiciera giras con su familia, nos ha sorprendido con la colaboración en el tema de Marlango The Answer de su nuevo trabajo Life In A Tree House. Por su parte, Biolay, heredando influencias francesas tan míticas como la del propio Gainsbourg, desde hace una década se está consolidando como el gran autor del pop francés del momento. Con trabajos como Negatif o La Superbe a sus espaldas, subirá también en mayo a un escenario de la capital para sorprendernos con su moderna Chanson. And last but not least, Yatch & The Straight Gaze, The Very Best, El Guincho o The Unthanks van a recorrerse también la geografía española tiñendo de verde todos los escenarios.

MECAL 2010 Del 9 al 18 de abril Barcelona www.mecalbcn.org

Rufus Wainwright. 5 de mayo. Teatro Circo Price. MAD Benjamin Biolay. 13 de mayo. Sala Heineken. MAD musica.heineken.es/hms2010


LOS BASTARDOS cine

t: david moreu

Por un puñado de dólares

Vivimos inmersos en la era de la comunicación, siempre escondidos detrás de nuestro Facebook, obsesionados con el Twitter y abducidos por la TDT, pero apenas sabemos qué sucede en el mundo que nos rodea. Esta afirmación es extensible a todas las manifestaciones culturales y cobra un sentido aún más trágico cuando hablamos del séptimo arte. Más allá de las películas de Hollywood y de los títulos que ganan Oscars, existe un cine arriesgado y transgresor que nos abre los ojos a la (cruda) realidad que se vive en otros rincones del planeta. Los Bastardos, dirigida por el mexicano Amat Escalante, es la última muestra de este cine hecho al margen de la gran industria, pero que nace con la vocación de gritar bien alto las injusticias que nadie parece ver en su vida cotidiana. Si Amores Perros os puso la piel de gallina, Los Bastardos os sentará como un puñetazo en el estómago. Un viaje sin retorno por el lado más amargo del sueño americano. La primera imagen que vemos es la de dos hombres andando por un canal de desagüe de las afueras de Los Ángeles. Silencio. Jesús va con gorra y lleva una mochila. Fausto, mucho más joven, está jugando con una vieja pelota de fútbol que debe abandonar para saltar un muro y adentrarse en la gran ciudad. Poco puede imaginarlo, pero dejar atrás aquella pelota es solamente el principio de una jornada que cambiará su vida para siempre. Después, la pantalla se tiñe con los colores rojo, verde y blanco de la bandera mexicana, acompañados por el sonido de una guitarra eléctrica distorsionada. Ya no hay vuelta atrás. Éste es el inicio inconfundible de Los Bastardos, la segunda película de Amat Escalante, una historia visceral que tiene como protagonistas a dos parias mexicanos que sobreviven como trabajadores ilegales en los Estados Unidos, hasta que un día reciben un encargo demasiado bien pagado para ser real: un hombre los contrata para que maten a su ex esposa. Por eso Jesús lleva una escopeta escondida en su mochila. “El punto de partida eran dos hombres trabajando por dinero y el sacrificio físico y moral que tienen que hacer al irse a Estados Unidos y perder lo que es su país y su origen”, explicó Escalante en una entrevista. “Mi inspiración fue también la guerra en Irak, lo que está pasando allí y algo que no enseñan en televisión, como es el daño físico y emocional que puede causar la violencia”. Cuando los espectadores se enfrentan por primera vez a esta película, tienen la extraña sensación de estar presenciado un fragmento de la vida cotidiana de dos personajes a la deriva. Como si el mañana fuera un simple espejismo en el horizonte. Los Bastardos es un título valiente e inconformista, que rompe los esquemas formales del cine de ficción y se adentra en el estilo del documental para mostrarnos el lado más oscuro de la inmigración ilegal. Planos exageradamente largos, silencios agónicos, personajes que andan sin rumbo apa-

rente y, de vez en cuando, un estallido de violencia extrema que nos recuerda que la ciudad es mucho más salvaje de lo que creemos. Toda esta transgresión (con ecos de Funny Games de Haneke), ha tenido su recompensa y la película ha salido galardonada en festivales de todo el mundo, además de considerarse un emblema del nuevo cine mexicano. Pero, sin duda, el gran acierto de Amat Escalante ha sido rodar en los Estados Unidos y contar con personajes reales para interpretar a los antihéroes de esta historia desesperada. El protagonista mayor, Jesús Moisés Rodríguez, trabajaba en una obra en Guanajuato (pueblo natal de Escalante), y al más joven, Rubén Sosa, lo descubrieron por la calle un par de días antes de empezar el rodaje. “Lo más interesante, a nivel personal, es trabajar con dos personas que no son actores, que no creen que van a hacer una película y después llegar hasta el Festival de Cannes”, afirmó el cineasta en el estreno. “Es una experiencia que te cambia la vida, tanto a ellos como a mí”. Precisamente éste es el mensaje que quiere transmitir la película, las ansias de cambiar de vida en un ambiente hostil. Aunque forma parte de la naturaleza humana cerrar los ojos ante aquellas cosas que nos repugnan y que nos asustan. Simplemente, si no miramos, no existen. Por este motivo es necesario que alguien se atreva a retratar las miserias humanas, sin concesiones ni tabúes, y que exorcice sus propios demonios en el proceso. “Mi padre cruzó la frontera ilegalmente antes de que yo naciera y se encontró con mi madre en California”, comentó Escalante. “Siempre supe que Los Bastardos iba a salir de mí, tarde o temprano, y espero aportar ambigüedad al tema”. www.bastardos.com.mx www.mantarraya.com


música

t: virginia arroyo / f: oscar duran

Le Butcherettes Las carniceras. Con un nombre así, ya os podéis imaginar que su música no es precisamente dulce ni complaciente. Este dúo mexicano, formado por la aguerrida Teri Gender Bender y el batería Normandi Heuxdaflo, pretende remover conciencias con su “rock carnicero”, una mezcla explosiva de garaje, punk y rock. Tras telonear a gente como los Yeah Yeah Yeahs y ganar el galardón al mejor nuevo artista y mejor álbum punk en los premios mexicanos Indie-O Awards 2009, hasta Omar Rodríguez se quiso poner el delantal para pegar hachazos dejando en su punto su primer disco, “Sin sin sin”. Teri nos cuenta de qué va eso de ser una carnicera del rock. Me gusta que se refieran a nosotros como una banda feminista. Lo que me disgusta es que lo hagan como si fuera una acusación, algo malo. Yo creo que el hombre y la mujer deberían tener una equidad en la sociedad. No quiero que la mujer sea tratada como un hombre, sino que se respete con sus diferencias biológicas y psicológicas. Mi meta es formar una conciencia sobre la problemática actual por medio de música, letras y performances. Nuestro “butcher rock” (rock carnicero) es una mezcla de distintas raíces y géneros musicales, con mucha sangre de la mujer oprimida como un grito de protesta indirecta y con carne cruda, que es lo que las personas misóginas ven en la mujer. ‘Le Butcherettes’ significa ‘carniceras’, y representa el apoderamiento de mujeres y hombres que “cortan la carne”, lo que simboliza romper con la opresión de la mujer. Está escrito ‘Le’ sin la ‘S’ porque la ‘S’ simboliza el sexo mutilado. Nuestras performances constituyen una parte muy importante de lo que hacemos. Los mandiles al cuello simbolizan al ama de casa que se dedica a la cocina y al hogar para servir a la familia, y a la vez una mujer carnicera ejerciendo un trabajo que es propio del hombre. Los maniquíes con los ojos cubiertos son la opresión, y el maniquí es a su vez una persona vacía, con un exterior bello pero sin fondo. Queremos mandar un mensaje y sacarle una reacción a la gente. ¿Qué cómo veo ahora, desde la

distancia, la marcha de Auryn? Bueno, no fue muy pacífica, ¡pero es que fue ella la que decidió dejar el proyecto de un día para el otro! Desde que salió de la banda todo fue mejorando extrañamente, la gente nos siguió apoyando. Si el grupo lo hubiera creado ella, entonces yo no habría seguido. Pero yo empecé Le Butcherettes e hice mis canciones, los conceptos, antes de conocerla; por eso puedo dormir bien todas las noches. Pero también le agradezco que haya formado parte del proyecto. Yo le di la libertad y el respeto que ella se merecía, lo malo es que, cuando salió de la banda, lo hizo para dañarme y no lo hizo con respeto. Desde la ruptura me siento mucho mejor porque puedo hacer música sin tensiones y sin discusiones. Trabajar con Omar Rodríguez (Mars Volta) para “Sin sin sin” ha sido increíble. Es una persona realmente trabajadora y sabe lo que hace, con pasión y sin pretensión. Entiende lo que yo quiero llegar a ser y nos está ayudando con las estructuras de las nuevas canciones, que están quedando hermosas. Es de las personas más honestas y creativas que he tenido el placer de conocer. No puedo pedir más. Un sueño hecho realidad. Personas como él me hacen creer más en lo que hago.

www.myspace.com/lebutcherettes

Le Butcherettes Rock carnicero www.myspace.com/lebutcherettes


música

THES SINIESTROS / Compadres del ritmo Desde lo más árido de la Patagonia, donde el agua sabe a mate, el viento afecta a la gente hasta ponerla del revés y el infierno cabalga junto al ganado, se esconden tres forajidos amantes del rock’n’roll y las melodías incendiarias. Thes Siniestros cría canciones que hablan en un idioma propio, corderos que beben del r&b de los sesentas, la psicodelia, el surf y la iconografía mexicana exportando gemas musicales tan intensas como delirantes. Estos argentinos acaban de editar su segundo disco, Campos de Satán (Scatter Records/ Universal), un trabajo imprescindible que te obligará a bailar hasta que la hoguera se apague.

Una máscara negra cubre la mitad de nuestros rostros. Todavía no nos explicamos cómo llegamos a eso, pero creemos que mantener el misterio es parte del juego. Somos de la ciudad de La Plata (Argentina) y mantener el anonimato en la escena fue un juego que se convirtió en estética y nos transformó. Enseguida todos empezaron a hablar de nosotros, y lo más importante fue que hablaban de nuestra música más que de nuestra estética. Suponemos que es porque gozamos demasiado subiendo a las tablas sabiendo que somos Thes Siniestros, una banda en constante dinámica que nos dio la posibilidad de vivir en nuestra propia piel aquella idea de directos que habíamos leído sobre las bandas de rock primitivo, cuando la rebeldía convivía con el baile y todo estaba por descubrirse. Fue en 2005 cuando nos unimos con la idea de encontrar un sonido que fuera bien propio pero que a la vez recuperara la frescura de las primeras bandas de rock’n’roll, aquella desfachatez que creíamos perdida en la escena del rock de nuestro país. Queríamos efervescencia sin dejar de lado la sutileza y el buen gusto. Crecimos escuchando bandas de rhythm & blues de los sesentas, los grupos de chicas de principios de década y la psicodelia que vino luego. Y como fuimos niños en los 90´s, también adoramos a bandas como Sonic Youth, Pixies o Blur. No es una mezcla común en los grupos de rhythm & blues, como sabrán. Con Campos de Satán, nuestro segundo disco, quisimos reencontrarnos con aquellas obras conceptuales de rock psicodélico de mediados de los sesentas, que gozaban de una ingenuidad fantástica y que a la vez eran todo un desafío, una explosión pop que invitaba al viaje. Y para nosotros, poder crear nuestra propia Opera Rock de psicodelia temprana representaba dejar atrás todo lo que en el primer disco había sido urgente. El desafío dio sus frutos porque de inmediato tuvimos gran repercusión en las más prestigiosas publicaciones de nuestro país (Rolling Stone, Inrockuptibles, Maxim, y muchas otras) y fuimos elegidos entre los mejores discos del año por nuestros colegas. Si tuviéramos que definir nuestra música creo que tendríamos que hablar de la búsqueda constante de un sonido propio, mezcla de las bandas que siempre escuchamos, el r&b y cierta estética entre mexicana y gauchesca. Siempre renegamos el hecho de que nos definan como una banda de rockabilly, porque estamos lejos de eso. El rockabilly nos sirve para darle color a

t: natalia brovedanni / f: verónica padrón

alguna de nuestras canciones, pero jamás podríamos ser una banda del estilo porque tenemos la exploración lisérgica como una de nuestras banderas. En nuestro sonido se destaca la presencia de México. Es un país que tiene mucho color y misterio en su historia. Es una de las culturas más ricas del mundo, sentimos mucho respeto y mucho cariño por su gente, eso es lo que más nos une. Lo mismo nos sucede con el campo argentino. Adoramos de ambos países la facilidad que han tenido para armar caudillos y personajes siniestros que nos inspiran para nuestras letras. Si tuviéramos que hablar de nosotros, lo más curioso es que nos movemos los tres como un bloque. Ni siquiera tenemos manager. Manejamos nuestra estética, diseñamos nuestra gráfica y somos nosotros mismos los que nos ocupamos de planificar las giras. Nos cuesta delegar cosas porque somos muy exigentes con lo que hacemos. ¿Nuestros ídolos? Muchos. Brian Wilson, Johnny Cash, Bob Dylan, The Ramones, Don Osvaldo Pugliese (maestro y santo de la música argentina) y Antonio “El Gauchito” Gil (santo casi pagano que cuida las carreteras del país del sur americano). Afortunadamente, compartimos escenario con grupos como Mars Volta, R.E.M., Kaiser Chiefs, Bloc Party y un sinnúmero de colegas increíbles a los que conocimos en nuestras giras dentro y fuera de Argentina. Nos gustaría tocar con bandas como Arcade Fire o Vampire Weekend, nos encantan. En los directos buscamos las buenas vibraciones. Algo que suelen decirnos es que desde que comienza nuestro show hasta que termina no hay respiro, somos anfetamínicos en nuestra manera de pensar la puesta en escena, como una orgía de sonidos que casi obliga al baile y a estar colocado. Nos queda pendiente visitar España. Recibimos muchos correos de amigos españoles que nos preguntan cuándo vamos a ir por allá. Sería un gusto enorme poder llevar nuestra música para aquellos sitios. No tenemos distribuidora en España, es algo que deberíamos resolver para que nos conozcan finalmente todos aquellos que todavía no lo han pirateado desde internet. www.myspace.com/thessiniestros


cd’s

>HOLA A TODO EL MUNDO >HOLA A TODO EL MUNDO (Promociones sin Fronteras/Popstock!) Como

t: natalia brovedanni

>MARIA RODES >UNA FORMA DE HABLAR (Bcore)

María parece haber encontrado su lugar en el mundo saludo inicial funciona y como banda también. Hola a musical. Empezó con Oníric, en un plan más bien tímido todo el mundo sobresalen en complejidad instrumental y contenido, dejando constancia de un potencial llamay melodías de esas que hacen sonreír. Si tuvieran que tivo en la escena local, abriendo camino con prudencia. apuntarse a un club deberían hacerlo junto a Arcade Ahora se atreve con un trabajo tan pulido como desFire: sus canciones sobrevuelan lo naif, atacan al garrador, con arreglos preciosistas y la colaboración oyente a pulso de violines, ukeleles y pianos; y se ve de Ricky Falkner. Hipnosis sonora y dulzura cautivante. que en directo la lían con flores, cadenas de luces y Queremos más. banderas. Ya podemos presumir de art-rock hecho en Madrid. Estaban tardando… >STEVE MUNAR & THE MIRACLE BAND >THE LANGUAGE OF THE BIRDS ( La Productiva Records) La voz de >TUNNG >…AND THEN WE SAW LAND (Full Time Hobby) Steve Munar es bastante particular. Primero cuesta Inmiscuirse en un trabajo de Tunng es como subirse a acostumbrar el oído pero a medida que avanza el disco, una montaña rusa sin final. Emocionante, cautivador, salta a la vista que estamos frente a un caso de nasaliinesperado. Cuando me enteré que Sam Genders dejó dad Dylanesca en comunión con Jayhawks. Americana, la formación, las sospechas acerca de nuevos hori- folk y melodías que se abrazan al pop sin abuso, hacen zontes no me dejaban contenta. Pero pisoteando ese de este mallorquín y su banda, una apuesta madura pensamiento, Tunng sigue sonando a Tunng aunque en que tiene todas las fichas para internacionalizarse. una versión más experimental y reveladora. La elec- Atención a “Travelling”, canción de domingo soleado y trónica gana terreno al folk y los paisajes se vuelven buena compañía. más desérticos y desoladores. Sin embargo es difícil pensar que superará al mother’s daughter and other >LA FAMILIA RÚSTIKA >SIN RUMBA FIJA (KasbaMusic) songs. Tiempo al tiempo. ¡Fiesta, que fantástica, fantástica esta fiesta! Este podría ser el título perfecto para definir Sin Rumba >LAS CULEBRAS >MARVELLOUS (Buenritmo) Las Fija, un disco carne de bailoteo en pareja y excesos en mujeres van ganando terreno y Las Culebras dan fe de la bebida. Exaltación de amistad, colgaito, la madruello. Las navarras hacen rock en la línea de grandes gada o el vino son sólo algunas de las referencias poébandas como MC5 o New York Dolls, estilo que las ha lle- ticas que La Familia Rústika deja caer entre rumbas vado al Azkena Rock 08 donde compartieron escenario y ritmos salseros. El diseño del disco va a cargo de con ases generacionales como Hanoi Rocks. Canciones Berberecho Producciones, una apuesta segura al buen anfetamínicas, riffs pegadizos y una clara aptitud para gusto por el colorismo vintage. currarse buenos coros convierten a Las Culebras en una buena opción cuando hay sed de guitarras afiladas. >THE HOMENS >CUARTA POTENCIA (Lixo Urbano) No está claro si es que en el norte la naturaleza hace lo >THE BITE >IN MY TOWN (Bip Bip Records) Barcelona suyo con la creatividad o si la lluvia invita a la música tiene mucho de revivals y Bip Bip los barre para casa. pero The Homens son otro grupo donde poner el ojo y The Bite es un ejemplo de irreverencia punk, melodías vienen batallando hace un buen tiempo desde su base dinamita, el fantasma de The Jam haciéndose cargo de en La Coruña. Sus canciones se debaten entre el pop la energía y un compendio de guiños al mundillo mod y punk 80´s, con letras en gallego y castellano, de fácil más rebelde. Son ese tipo de grupos que hacen himnos aceptación y frenesí independiente. Energía que han como caramelos, que nos hacen corear en sus directos sabido compartir con bandas como Nueva Vulcano, forabrazados al colega y desarmando los mejores pasos mación que les encaja a las mil maravillas. de baile cerca del suelo.


conciertos & sesiones

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1 > CHAIN AND THE GANG + FURGUSON Después de sus últimas visitas formando parte de Publicist, Weird War y Make Up, Ian Svenonius nos invita de nuevo a bailar con su último proyecto: Chain and the Gang. Down With Liberty… Up With Chains! es el título de su primer disco, está publicado por K Records y en sus sesiones de grabación el artista se ha rodeado de amigos como Calvin Johnson de Beat Happening, Aaron Hartman y Benjamin Hartman de Old Time Relijun, Brian Weber de Dub Narcotic Sound System y un largo etcétera. Sidecar. Jueves 8 de abril. A las 21.30h. 10/13 €. BCN 2 > YACHT Esta vez va en serio: tras su sonado paso como dúo por Boombox y Nasty Mondays, Yacht vuelve por fin con banda para presentar See Mystery Lights. Sus responsables, Jona Bechtolt y Claire L. Evans, forman la que probablemente sea la pareja más estupenda de la escena independiente, con una química asombrosa que estalla en sus conciertos. Sala Apolo. Jueves 8 de abril. A las 22.30. 12/15 €. BCN 3 > ANIVERSARIO LAS GUINDAS Uno de nuestros bares favoritos celebra su aniversario a lo grande. En directo tendremos a los macacos más representativos de nuestra ciudad desde Copito de Nieve, y a los platos a gran parte de los habituales de la cabina de Las Guindas, seleccionando los mejores ritmos añejos para solaz de tus piernas. ¡Felicidades chicos! [2]. Sábado 10 de abril. A las 22h. 13 €. BCN

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4 > DICK DALE Los orígenes de la música surf no están perfectamente definidos. Pero sí hay una figura a la que unánimemente se considera el padre de la criatura es Richard Monsour, artísticamente conocido como Dick Dale. De origen libanés se le considera el guitarrista pionero de este género por su particular manera de tocar la guitarra. Esto yo no me lo pierdo ni de broma. [2]. Miércoles 14 de abril. 22/25 €. A las 21h. BCN 5 > BEAR IN HEAVEN Bear In Heaven no se trata de otra banda más de Brooklyn, ese ecosistema tan poblado de formaciones con ganas de comerse el mundo, sino de uno de los que encabezan ese pelotón. Capas de efectos de guitarra y paisajismo ruidista han cedido el paso a latidos ambientales y ritmos más bailables, que encajan con una moderna definición de rock progresivo firmada por Animal Collective o Mercury Rev. Razzmatazz 3. Jueves 15 de abril. 15/18 €. BCN. Moby Dick. Viernes 16 de abril. MAD 6 > SONIC YOUTH Thurston Moore, Kim Gordon, Lee Ranaldo y Steve Shelley nos estarán presentando “The Eternal” (Matador Records, 2009) su decimosexto trabajo discográfico y que supone la vuelta de la banda a un sello independiente tras dejar Geffen con quienes estuvieron desde 1990 cuando grabaron “Goo”. Razzmatazz 1. Domingo 18 de abril. BCN. La Riviera. Lunes 19 de abril. MAD. 7 > TABOO Parece que fue ayer y ya ha pasado un año

BARCELONA > [2]. Nou de la Rambla, 111. +34 934 414 001. Heliogábal. Ramon y Cajal, 80. Sala Apolo. Nou de la Rambla, 113. +34 934 414 001. Razzmatazz 1. Almogàvers, 122. +34 933 208 200. Razzmatazz 3. Pamplona, 88. +34 933 208 200. Sidecar. Plaza Real, 7.

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desde el primer Taboo, la primera noche dedicada al burlesque en Barcelona con carácter mensual. Un espacio agraciado con una estética inmejorable y con una representación de artistas nacionales e internacionales que han pasado por la sala todo este último año. El equipo de lamono felicita esta iniciativa y os ayuda a soplar las velas. Sala Apolo. Jueves 22 de abril. 12/14 €. BCN 8 > PEPPER POTS Y yo es que alucino cada día más con mi pueblo. Esto de celebrar Sant Jordi en Sant Feliu con los Pepper Pots no me lo esperaba. La banda de Girona nos deleitarán con su último álbum, NOW! (Black Pepper/PIAS) entre varios hits de sus anteriores trabajos y alguna que otra esperada versión. Soul y ritmos jamaicanos que gozan de una salud envidiable para celebrar una de las fiestas más bonitas del año. Viernes 23 de abril. Sant Feliu de Llobregat. BCN. 9 > BILL KIRCHEN Bill Kirchen sobrepasa con creces la capacidad del coleccionista más aplicado, porque no habrá nadie que tenga su discografía completa, contando la infinidad de colaboraciones que ha hecho a lo largo de las cinco décadas que lleva viviendo de estudio en estudio de grabación. Esto ya es más que suficiente para que el bueno de Bill goce de su merecido sitio en el Salón de la Fama, pero si ha entrado en tan privilegiado santuario del rock es porque ha tocado con todo el que es alguien en los escenarios. Sala Sidecar. Viernes 23 de abril. BCN

10 > FRANCISCO NIXON + RICARDO VICENTE Francisco Nixon es el nombre artístico de Fran Fernández, líder de los desaparecidos Australian Blonde y La Costa Brava, formación en la que conoció a Ricardo Vicente. Después de colaborar juntos en el proyecte Nixon, presentan su último trabajo “Gloria y la belleza sureña” Bar Heliogábal. Viernes 30 de abril y sábado 1 de mayo. BCN 11 > GIL SCOTT-HERON Gil Scott-Heron es para la mayoría un gran especialista de la música negra, uno de los padres del spoken word y el precursor en la escena hip hop del rap y del slam. El jazz, el soul y el funk dan ritmo a sus producciones. Y esta voz, caliente y cautivadora, como en “Inner City Blues” o “Is That Jazz?”. Influenciado por Malcolm X, sus textos y su manera tan particular de recitarlos hacen de Gil un artista militante, temido por el gobierno americano. Bikini. Jueves 4 de mayo. A las 20.30h. 32/35 euros. BCN. Joy Eslava. Miércoles 5 de mayo. A las 20.30h. 32/35 €. MAD 12 > PENNYWISE + STRIKE ANYWHERE La banda punk rock estadounidense procedente de Hermosa Beach, California y fundada en 1988 por Jim Lindberg, Fletcher Dragge, Byron McMackin y Jason Thirsk, se convirtió en una referencia para los fans del hardcore y también de los seguidores de los deportes de acción. El mes que viene vuelven a pisar nuestra ciudad y nosotros que lo celebramos. Sala Apolo. Jueves 6 de mayo. 20/24 €. BCN

MADRID > La Riviera. Paseo de la Virgen del Puerto, S/N. Sala Moby Dick. Avda. Brasil, 5. +34 915 557 671. Sala Joy Eslava. Arenal, 11. +34 913 665 439


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