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f: nĂşria rius

Never Hide


staff

il: www.flickr.com/photos/elreinodelasandia

Portada: Ricardo Fumanal (www.ricardofumanal.com) para Edita: Edicions La Nit., S.L.U. Aribau, 15 1º1ª (BCN) / Directora: Eva Villazala > eva@lamono.net / Director adjunto: Julio Amores > julio@lamono.net / Editora Gráfica y coordinadora de contenidos revista impresa: Núria Rius > fotografia@lamono. net / Dirección de Arte & Diseño: Hernán Verdinelli > hverdinelli@gmail.com / Maqueta original: Iñaki Guridi & Pau Aguilar (bang-bang.ws) / Moda: Xavi Ocaña > xavi@lamono.net / Directora marketing y publicidad: Anthya Tirado +34 615 087 531 > anthya@lamono.net / publicidad@lamono.net / Redacción blog: David Moreu + Claudia Niubó + Itzel Mendoza + Aina Ruiz + Yuppi! eff productions (Fran Gallego & Julio Amores) / Fotografía blog: Thomas Williams + Nona Codina / Redactan: Txema Argente + Natalia Brovedanni + Clara Duch + Eunis Font + Adriana Giorcelli + Ferenz Jacobs + Andrea Jarales + Claudia Niubó + Oscar Nin + Aina Ruiz + Ana Paula Tovar + Lara Turner / Fotografían: Pedro Agustin + Rakel Benito + T. Ortega Gaines + Núria Rius + Eudes de Santana / Ilustran: Daniela de Carvalho + Srta. Putis Mayer / Imprime: Comgrafic S.A. / Depósito Legal: B 516664-03 / Distribuye: Tengo un Trato, S.L > www.tengountrato.com

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>FRASE DEL CIERRE: “Estoy depilada pero me tengo que retocar” >HIT DEL CIERRE: You’ve Got to Hide Your Love Away by The Beatles >PELI DEL CIERRE: A Love to Hide de Christian Faure Lamono no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. No reproduzcáis los textos ni imágenes aquí presentes sin consultarnos.


actualidad invigente

tx: txema argente / il: srta. putis mayer (www.flickr.com/photos/putismayer)

No te escondas Cuando sugirió a su hijo que jugaran al escondite, jamás creyó que tal proposición pudiera acarrear consecuencias tan extrañas e increíbles. El caso es que Juanito nunca había jugado al escondite y Juan, su padre, quiso sorprenderle en ese primer fin de semana que pasaban los dos juntos tras el divorcio. Cierto es que Juan tampoco conocía el piso como la palma de su mano, pero una superficie de 55 metros cuadrados no presentaba, a priori, demasiados entresijos ni complicaciones. Así que Juan le explicó a Juanito las reglas del juego y el niño salió lanzado hacia el fondo del pasillo. Juan contó hasta 39 y se levantó del sofá. Tras 1 hora y media de búsqueda, sudando a causa del terror que se había enganchado a sus venas, Juan se convenció de que tenía un problema. Juanito no aparecía por ningún sitio. Es más, Juanito no estaba. Llamó a su ex mujer y le comentó como pudo la situación. Obviamente la ex supuso que se trataba de una broma, pero cuando Juan comenzó a gritar, ella se asustó y le creyó. Acudió rápidamente y, tras una búsqueda conjunta de 2 horas y media, el ex matrimonio no sabía bien bien qué había pasado. Habían perdido a su hijo, pero no sabían en qué habitación. Se asustaron aún más, lógicamente, y tras unos meses en los que toda la familia aprovechaba los fines de semana para ir a buscar a Juanito al piso, Juan acabó exhausto de no poder disfrutar de la anhelada tranquilidad en su propia casa, siempre tan ocupada. Así que al cabo de medio año Juan dejó el piso y se fue a vivir al campo, sin esquinas.


monotema

il: “love me or leave me.” rubén b (rubenb.info)


monotema


imperdibles

t: xavi ocaña

SINÓNIMOS

LO QUE POINTER VES

Si dedicamos los primeros años de nuestra vida a aprender a comunicarnos e interiorizar los significados que nos permitirán expresarnos, el resto los empleamos en olvidar lo aprendido y poner patas arriba nuestro diccionario personal: un no se convierte en sinónimo de sí, un vete en quédate, un te odio en un te quiero y así es así como nos hemos mudado al mundo al revés y conseguimos complicar cualquier situación por sencilla que sea. En la ciudad pasa algo parecido. Cuando escuchas tendencia, distinción, inconformismo o icono, sabes que en el fondo la palabra que estás buscando es Ray-Ban. Esta temporada la firma vuelve a editar sus modelos clásicos en la colección The Icons y se dispone a dar un nuevo significado a nuestro verano con propuestas como esta nueva versión de la silueta Vagabond de los años 60. De aires retro, diseñadas para cubrir las miradas más cosmopolitas, llegan con sus líneas emblemáticas originales pero fabricadas en un material innovador: acetato de doble lámina en color natural. Puede que haya llegado el momento de entender que este verano es sinónimo de mirarse fijamente a los ojos, dejar de palabrear y actuar. www.ray-ban.com

Hay algo que nos cuesta digerir a todos de forma universal: las críticas. Aceptar que los demás pueden tener razón en lo que a nosotros se refiere, no es fácil. Aunque cada uno nos vea de una forma distinta, lo cierto es que todos ven algo real en nosotros. Seguro que algún insensato cambió de emisora cuando sonaba en la radio, pero Pointer vio en la canción Debaser de los Pixies el nombre perfecto para una de sus zapatillas. El modelo forma parte de su renovada colección creada por la familia de amigos y artistas de la firma para esta temporada de sol y calor. Inspirándose en el arte, la música, el skateboarding y un buen desayuno, desde Londres llega un nuevo arsenal de diseños originales en los que loneta, piel y una gran variedad de tejidos y colores se funden en cada silueta dotándola del carácter único que distingue a Pointer. Además, la Debaster incorpora un cuello acolchado y la plantilla EVA, garantizando así un confort exclusivo con el que llevan acompañando nuestros pasos desde 2004. Porque podemos ser algo más que el rey tuerto de un país de ciegos, puede que no sepamos quiénes somos realmente hasta que no aceptemos que los demás también lo saben. www.pointerfootwear.com

RAY-BAN


Zooom.at. Ulrich Grill

t: xavi ocaña

Zooom.at. Ulrich Grill

Artwork by Emil Kozak. www.emilkozak.com

Artwork by Emil Kozak. www.emilkozak.com

imperdibles

Emil Kozak Emil Kozak for BRAUN shaves with style Emil Kozak empezó a diseñar por culpa de una tabla de skate. Su pasión por rodar le hizo meterse de lleno en un mundo donde el arte es una extensión natural de la lija. Y ya no pudo parar, el diseño gráfico se adueñó por completo de su estilo de vida, que se define en cuatro palabras: street, surf, skate & graphic design. A pesar de todos los proyectos en los que siempre se encuentra inmerso, ha sacado tiempo para convertirse en embajador de la BRAUN trimmer cruZer6 precision, uno de los modelos básicos de Braun por su capacidad para definir los detalles de la barba, consiguiendo un afeitado apurado y creativo. Por eso Emil Kozak es el embajador perfecto, porque comparte algunos de los valores básicos que

definen este modelo: frescura, detalle y profundidad. Emil Kozak se detiene en códigos y juegos de palabras con los que consigue que un trabajo a primera vista sencillo y fácil de asimilar se convierta en una obra profunda, que guarda matices con muchos significados. Su visión de la vida, el trabajo y el ocio es muy clara: “Espero que mi trabajo pueda recordaros que la imaginación puede desafiar la gravedad y curvar el tiempo. Es nuestra responsabilidad disfrutar cada segundo del día. Nadie más puede hacerlo por nosotros. Diviértete, come bien, haz lo que amas, ama lo que haces…”. Todo ello luciendo un estilo que empieza por tu barba. www.braun.com/es


imperdibles

BURTON

EL JUEGO

A medida que vas creciendo, los días de colegio empiezan a convertirse en una utopía irrecuperable. Cada jornada se llena de más realidad y menos fantasía, pensamos más que sentimos y todo parece menos mágico. La nueva colección de Burton para esta temporada nos recuerda que debemos volver a disfrutar del juego y no sólo de la victoria, porque aunque a veces lo olvidemos, divertirse es la única regla. Por ello nos han preparado una de esas propuestas perfectas en lo que se supone debe ser la época más divertida del año y nos equipan para cualquier verbo que se nos antoje llevar a cabo: subir, bajar, entrar, salir, sudar, tiritar… Un buen ejemplo de ese espíritu polivalente apto para cualquier juego es su línea de camisetas. De todos los colores, con todo tipo de estampados y gráficos, fruto del brainstorming llevado a cabo por el equipo creativo y deportivo de la marca. Los que hacen del juego algo frío son aquellos que frivolizan pensando en la forma de ganar. Sólo aquellos capaces de restarle importancia, juegan y mantienen la ilusión, la creencia de que es posible, de que puede ser real. www.burton.com

t: xavi ocaña

IT’S RUSTY SIMPLE Si durante el año admiramos a aquellos que logran llevar a cabo complejos ejercicios de supervivencia en su día a día, en verano esa admiración es inversamente proporcional a lo complicado y seguimos con los ojos cerrados a la simplicidad que nos permite disfrutar. Este verano no sabemos adonde nos llevará, pero sí sabemos cómo vamos a llegar hasta nuestro destino: una tabla de surf. Rusty presenta su nueva colección de boards, de entre las que destacamos tres modelos. La Dwart, corta y con un ala doble en la cola, la herramienta perfecta para los peces de ciudad. La Hustler, la tabla de todos aquellos que buscan velocidad y disfrutan de las maniobras en alta mar. Y la Slayer, cuyas medidas te permitirán un mayor control y continuidad en los paseos sobre las olas. El lema es sencillo: simplifica, porque por fin ha llegado el momento de sentarse al sol en silencio, meter los pies en el agua, dejarse acariciar por la brisa del mar, que alguien te pregunte en qué estás pensando y tú contestar: en nada. www.rusty.com


imperdibles

t: xavi ocaña

DAKINE

PROTECCIÓN

¿Cómo sería nuestra vida si nunca nos hubiésemos equivocado? Aunque aprendamos de cada error, ninguno se negaría a poder evitarlos. En un mundo que a veces se vuelve (o al menos parece) demasiado hostil y confuso, la protección es un valor en alza que buscamos de forma encubierta, a menudo, en los lugares equivocados. Por suerte, esta temporada, la protección está servida con lo nuevo de Dakine, que presenta sus fundas para que nada malo pueda pasarle a tu tabla de surf. Fabricadas a prueba de bombas en punto acrílico de alta calidad, resistentes a los UV, con un cordón de cierre y de forma contorneada para adaptarse al board como un guante. Además de este derroche de técnica, cada una de sus nuevas creaciones llega en colores varios y estampados a rayas, protegiendo así también los ojos de quienes comparten campo visual con tu tabla. Si cada verano logramos sentirnos mejor que nunca vestidos simplemente con un bañador, puede que no tener miedo sea la única y mayor protección que necesitemos. www.dakine.com

TWOTHIRDS

ESFUERZO

El sudor puede ser señal de muchas: calor, ejercicio, nervios… Aunque todos tratamos día a día que el esfuerzo merezca la pena, hay ocasiones en que saberlo puede ser lo que más trabajo nos lleve. Porque cuando te esfuerzas demasiado por mejorar y estar un poco más cerca de lo que deseas, puedes olvidar lo que era natural en ti. Twothirds ama al planeta y sus creadores han encontrado en la moda la forma perfecta de cuidarlo. Su nueva colección Black&White para este verano vuelve a estar bañada por las olas del mar, por sus tonos fríos, profundos y azules. Prendas fabricadas con materiales y procesos sostenibles que convierten nuestros cuerpos en el punto de encuentro entre el surf y la ciudad. Sus diseños son un claro reflejo de sus más sinceros deseos: sencillez y claridad. Camisetas, polos, chaquetas, boardshorts y todo lo que puedas necesitar para sentirte arropado por la frescura infinita del océano. Puede que no saber cuándo invertir en el futuro o cuándo vivir el día a día, sea lo único que nos mantiene centrados en nosotros mismos, así saber lo que queremos orienta todas nuestras decisiones en esa dirección. Tal vez sea cierto y los errores no sean una realidad sino una percepción y no se trate de ganar o perder, sino de apostar sin más. Tu decisión definirá lo que eres hoy, el resultado, simplemente, formará parte de tu historia. www.2thirds.com


imperdibles

NIXON

INTERPRETACIONES Cada una de nuestras vivencias tiene varias lecturas. Podemos creer que somos orgullosos o que tenemos miedo al rechazo; que somos emprendedores o que necesitamos controlarlo todo. Las interpretaciones construyen o destruyen nuestra realidad. En el caso de Nixon, su lectura ha construido una de las mejores colecciones de accesorios para este verano: desde fundas para iPhone hasta auriculares, pasando por bolsos, carteras, cinturones, relojes y un largo etcétera de creaciones llenas de posibilidades, colores, texturas, formas, diseños y los mejores materiales. El resultado es sinónimo de carácter, estilo y un must have para desmarcarse del resto en la ciudad. El objetivo de la firma para este verano (y que cumple con nota una temporada más) no es otro que hacernos la vida un poco mejor poniendo a nuestra disposición las herramientas necesarias para dar nuestro toque personal al mundo que nos rodea (y que llevamos puesto). Un matiz que se ve, se siente y marca la diferencia. Y es que aunque tan doloroso como destruir la realidad es construir una falsa, al final puede que lo que realmente nos distinga no sea lo que interpretamos sino la fuerza con la que creemos en ello. It’s human nature. www.nixon.com

t: xavi ocaña

CAPACIDAD LEJANA AKOMPLICE Sin darnos cuenta, dedicamos la juventud a encontrar nuestros límites, a saber dónde empezamos y acabamos. Creemos que saber de lo que somos capaces nos ayudará a evitar los imposibles y disfrutar de los posibles. Más que nos pese, las demostraciones son la única forma que tenemos de averiguarlo. Tal vez por ello Akomplice vuelve esta temporada sabiendo mejor que nunca lo que es. En su nueva línea V.S.O.P. se aventura a descubrir los límites inexplorados de nuestra imaginación. Sus creaciones nacen de la emoción de la belleza y apuestan por la naturalidad. Sus prendas reúnen calidad, sofisticación, diseños limpios y puros en una colección que, sin pretenderlo ni saberlo, se ha convertido en una de las propuestas más interesantes de esta temporada. Y es que a veces estamos tan absortos en lo que hemos hecho que no nos damos cuenta de que ya superamos el límite y no vemos de lo que hemos sido capaces. Puede que no haya mayor demostración de capacidad que ser capaz de poner distancia entre ello y tú. www.akomplice-clothing.com


Ladies Come CONVERSE Together

La unión es el epicentro de lo mejor y lo peor que nos puede pasar. Tal vez por ello la buscamos en cada paso que damos. Si el en mundo normal la unión hace la fuerza, en el universo Converse va un poco más allá y fabrica zapatillas. En esta ocasión se une a Marimekko para presentarnos esta primavera 2011 su primera colección diseñada especialmente para mujeres. Tras adornar las portadas de las revistas internacionales de moda de los años 60 y ser uno de los referentes en el mundo de la moda, el diseño y el arte, el estilo audaz y vibrante de los estampados clásicos de la firma finlandesa bañan de color y forma tres modelos de Converse: reinventa sus famosas Chuck Taylor All Star High y Oxford, rescata de sus archivos y reedita puntada a puntada para las féminas las Jack Purcell Helen y presenta un nuevo diseño: las Chuck Taylor All Star PJ, concebidas del ADN de su antecesora. Esbelta, con una suela intermedia delgada, una sujeción reforzada en el empeine y un acolchado especial, se convierten en el estandarte del confort elegante de ciudad. Los estampados escogidos han sido el Tarha (original de 1963) en combinaciones de naranja/púrpura y azul/marrón, el Pikkusuomu (1965) y los triángulos en blanco/negro y blanco/rojo del Kirppu (1980). Además, ambas casas han lanzado un vídeo filmado en Helsinki y con Husky Rescue y Uusi Fantasia como BSO en el que nos muestran la historia que hay detrás de la colaboración entre Marimekko y Converse. Y es que sólo cuando te unes experimentas la magia de lo desconocido y lo inesperado te sorprende. www.converse.es


imperdibles

t: xavi ocaña

THE GAS WAY YOU Para aquellos que lleven toda la vida preguntándose qué les hace distintos al resto, tenemos la respuesta: la manera. En el fondo, no somos tan extraños, al final todos tenemos las mismas motivaciones, las mismas razones, las mismas aspiraciones, lo que siempre cambia es la historia, la forma en que las materializamos. Si en el mundo real el compromiso suele estar representado por un par de alianzas, en el universo de la moda esa unión puede sellarse con una colección de camisetas. Diseño y moda renuevan sus votos temporada tras temporada y esta vez lo hacen a través de las D-Shirts. Con este original nombre llega la colección de camisetas que Gas ha creado junto al grupo de diseñadores gráficos creadores de la exposición Graphic Design Worlds organizada con la colaboración de la firma en Milán. Y como para que una relación funcione, la comunicación es básica, innovación y creatividad consuman su unión en una serie de camisetas que mantienen un diálogo directo con el arte, la música, la moda, el cine y la arquitectura. De esta forma, la firma de jeans italiana reinventa y aporta un valor añadido a un básico de todo armario y todo verano: la camiseta, cuya tela blanca se llena de vida y significado a través de los códigos estilísticos de sus estampados. Las D-Shirts han sido presentadas en el espacio que el diseñador gráfico y director de arte Giorgio Camuffo ha creado para Gas en el Fuorisalone de Milán. www.gasjeans.com www.studiocamuffo.com

INSIGHT

CIRCUNSTANCIAS Nos han inculcado tan bien que tenemos el poder de hacer con nuestra vida aquello que deseemos y del mundo, un lugar hecho a medida, que nos cuesta sudor y lágrimas aceptar que a veces las cosas son como son, sin más, y nos toca ceder. Puede que una parte de nosotros sí sea producto de las circunstancias. La circunstancia de todos en breve va a ser la playa y si en tu caso además se suma a un amor incondicional a la originalidad, la frescura y la rebeldía urbana, Insight trae los bañadores que vas a llevar esta temporada. Prepara tus piernas porque te va a tocar enseñarlas. Los tiempos en que los boarshorts flirteaban con la rodilla se han acabado, son historia. Los nuevos diseños de la marca llegan en versión escandalosamente corta, dejando los muslos al sol. Modelos elegantes y arriesgados que bien podrían pasar por shorts de ciudad. Un derroche de creatividad en forma de básicos y estampados de flores vintage, denim rasgado o guerreras de pechos desnudos. A veces, aceptar que el mundo es como es, se configura como la única forma de empezar a cambiarlo y tu papel se reduce a abrazar lo de fuera sin renunciar a lo de dentro por el camino. Bienvenido al punto de encuentro entre tú y tus circunstancias. www.insight51.com


imperdibles

TODOPUKAS CUANTO SIENTES Aunque estar vivo es un hecho científico, a nivel emocional necesitamos recordárnoslo constantemente en cada paso que damos: trabajo, viajes, sexo, relaciones… El problema es que a veces esperamos sentirnos tan vivos, que no nos damos cuenta de que ya lo estamos. No saber con certeza qué nos pasa por el cuerpo es lo único que nos conduce al error. Para evitarlo, Pukas se une con Tecnalia y presenta un medidor de sensaciones. Los cerebritos vascos de ambas casas han logrado desarrollar un sistema que pone números a las vivencias que experimenta una tabla de surf en plena acción a través de unos sensores y un hardware instalados en el board. Las pruebas han sido llevadas a cabo por surfistas de élite como Aritz Aranburu o Mario Azurza, logrando medir parámetros como la rigidez, flexibilidad y resistencia. Un hecho que revolucionará la fabricación de tablas de surf, averiguando sus puntos críticos para crear las formas y materiales perfectos y mejorar su rendimiento. A través de los números, el surf y todos sus amigos logran sentirse más vivos que nunca (o al menos, saberlo). Y es que aunque cada uno tenga su fórmula secreta, la vida, como el surf, si no la practicas, no la sabes. Del uno al diez, ¿cuánto vivo te sientes? www.pukassurf.com

t: xavi ocaña

Kills BUBEL the towell El raciocinio es oficialmente el arma de los urbanitas del siglo XXI. Tratamos de entender la realidad para creer que la conocemos, que podemos controlarla y estar así a salvo. Por suerte, nunca podremos controlar lo que no entendemos. Cuando ya creíamos que habíamos aprendido la lección y distinguíamos a la perfección lo que es, de lo que parece, llega Bubel. Puedes pensar que se trata de una fotografía, una ilustración, un collage, pero no… es una pequeña gran toalla. Desde 2006, cada temporada Bubel vuelve para demostrar que permanece fiel al arte, la tecnología, la funcionalidad y la pasión. Si compartes este compromiso, sus toallas son tus toallas: gracias a un sistema llegado del más allá logran unas estampaciones digitales únicas. Sus artistas tienen absoluta libertad para dar forma a las últimas tendencias. Pero sus toallas no son sólo una cara bonita, sino que llegan dotadas con propiedades como una absorción 400% mayor que el resto, secado 25% más rápido, reciclables, ultraligeras y un largo etcétera. Así fue como el arte llegó a las toallas y las toallas al mundo. Lo entiendas o no, pronto todo el mundo llevará una Bubel, pero tranquilo porque que se escape a tu lógica, no significa que sea malo. Es más, las mejores cosas forman parte de ese complicado grupo. Y si no lo entiendes, te las pierdes. www.bubeldesigns.com


imperdibles

OUT OFBILLABONG THE BOX Dicen que hay una caja lógica en la que todos vivimos presos de lo establecido, de la normalidad. Sólo unos cuántos han sido capaces de volverse creativos y existir fuera de ella. Conseguir el pasaporte para disfrutar de la vida al otro lado es tan simple y complicado como dejar de juzgar, ampliar nuestras miras, abrir la mente y empezar a dar más opciones a la vida y a nosotros mismos. Eso, o vestirnos con la colección de Billabong para este verano, en la que toman la herencia de los boardsports, la funden con la esencia de la moda y la elevan a un nivel superior. Un nivel en el que además de sus líneas de jeans y vestidos, destaca la Artist Collaboration firmada por el arte alemán del tatuaje de Angeique Houtkamp y el objetivo californiano de la fotógrafa de surf Tyler Cuddy. El resultado son tres camisetas distintas inspiradas en los tatuajes de los años 30 y cinco modelos ilustrados con las cálidas instantáneas de una vida llena de sentimientos de sol, mar, tablas y olas. Ni bueno, ni malo, ni importante, ni insignificante… a veces, creer que hay otra posibilidad es lo único que necesitamos para empezar a llevarla a cabo. www.billabong.com

t: xavi ocaña

VOLCOM

SILENCIO

Hay de todo tipo y genera todo tipo de reacciones: el silencio. Para unos, origen de tensión y nervios, para otros, un síntoma de paz y para la mayoría, la manifestación de un mundo que a veces gira tan rápido que no nos da tiempo a descubrir qué sentimos, menos aún, qué pensamos. Por suerte, con el buen tiempo, el ritmo nos da una tregua y nos permite averiguar qué nos pide el cuerpo para que lo llevemos a cabo. Un ejercicio que ha llevado a cabo Volcom en su colección para esta primavera/verano 2011. Una declaración de amor al arte y a los boardsports que además de proclamar un estilo de vida, nos da las herramientas para vivirlo. De luchar contra lo establecido a base de creatividad, el resultado es una línea dinámica, ágil y fresca, llena de color (mucho color) que apuesta por la diversidad como forma de expresión individual. Una buena muestra de ello la encontramos en su nueva Featured Artists Series, que traslada la filosofía, la ilustración y el diseño de varios artistas a sus camisetas. Y es que el silencio puede que sólo sea incómodo para aquellos que aún deben darse cuenta de algo, porque el resto sabe en su interior que tiene algo que decir, aunque aún no lo sepa. www.volcom.com


imperdibles

CORTORVCA No vamos a entrar en debates acerca de si el tamaño importa o no, porque la respuesta podría resultar de todo menos imparcial. Pero sí vamos a desprendernos de prejuicios y desafiar a la lógica para proclamar alto y claro que a veces, corto es mejor. No hay más que echar un vistazo a nuestro alrededor para darnos cuenta de ese pequeño detalle: el sol brilla y los pantalones largos dan paso a los shorts. Señores, como cada año por estas fechas, empieza la operación show your skin y para disfrutar de ella sin miramientos, lo mejor que podemos hacer es conseguir un buen boardshort. Por ello os presentamos los nuevos diseños que el team de RVCA nos ha preparado para esta temporada. Fabricados en poliéster garantizando así la elasticidad y libertad de movimiento, cerrados con cordón para que te asegures de no ir más allá de la insinuación, bolsillos y cremalleras. Diseños, estampados y colores para todo tipo de cortos, empapados de la estética genuina a la que nos tiene acostumbrados la marca californiana. Ha llegado la hora de sacar a pasear al corto que llevamos dentro y dejarlo disfrutar en libertad. www.rvca.com

t: xavi ocaña

INvASION DVS TIME Dicen que todo lo que sube, baja y viceversa. Siguiendo esa norma universal, la lógica nos dice que todo lo que entra, debe salir. Tal vez por eso, por el miedo a que salga y tengamos que afrontar el vacío, sólo los más listos logran derribar nuestras defensas y entrar. Mientras averiguamos si existe una persona lo suficientemente lista, podemos conformarnos con unas zapatillas que sí lo son. De entre las novedades de DVS nos quedamos con las Rico, uno de esos modelos que nos entran a la primera, demostrándonos que menos es más. Un canto al minimalismo, a la belleza de lo sencillo y lo grande por dentro. Con una suela vulcanizada antideslizante y ultraligera, son flexibles, delgadas, cómodas y llegan dotadas con la Bruise Control Technology, un tratamiento especial para hacer frente a cualquier daño que haya sufrido el pie ayudando a su recuperación. Un modelo de líneas simples perfecto para pasear por la ciudad a pie o sobre tu skateboard. Creemos que si no abrimos la puerta estamos a salvo, pero nos equivocamos, porque no dejando entrar lo que no queremos que salga lo único que conseguimos es que entre lo que no nos importa, lo que no queremos. Time for an invasion? YES! www.dvsshoes.com


il: daniela carvalho (www.156centimetros.com)

l-r-g.com

lee.com

nudiejeans.com

protest.eu vans.com

laboiteacouture.blogspot.com fredflare.com

penfieldusa.com

burton.com

nixonnow.com

feiyue-shoes.com

emerica.com

lafabrica.com

loreakmendian.com

pepaloves.es

vonzipper.com


disparador automático

t: eva villazala / f: núria rius

Pudiera parecer que Alex no tiene miedo de nada. Se lanza a resbalar sobre la adrenalina de sus retratados con la satisfacción de estar él viviendo lo mismo. Alex Fakso nunca ha dejado de codearse con el mundo subterráneo, lo hizo desde cayó en sus manos una cámara con la que fotografió sus primeros trenes. Hasta hoy vive, respira y siente cada situación. En su nuevo libro Fast or Die nos lo muestra una vez más. A veces quien más enseña es quien más esconde…

Para este proyecto retrato a artistas que han dejado de hacer graffiti, por lo que no tienen inconveniente en ser retratados, ya que no corren peligro de ser identificados. De todas formas no hacen nada de lo que deban ocultarse. Si no puedo mostrar los rostros, no utilizo las fotos, pues el rostro es el que transmite la emoción, el miedo y la inseguridad.

¿Cómo definirías a grandes rasgos lo que muestras en tu libro “FAST OR DIE”, qué lado escondido de cada situación o personaje has querido sacar a la luz a través de tu objetivo?

No enseño ni oculto nada, las fotografías no muestran una historia, son sólo un frame, no intento crear una situación enseñando cómo la gente pinta o cómo es la vida del artista. Lo que quiero es que se pueda sentir la adrelanila.

¿Cuándo usas blanco & negro y cuándo color?

Uso diferentes cámaras por lo que antes de disparar descifro las condiciones que tengo frente a mí y decido en función de la luz, mis sentimientos y el tiempo para realizar la sesión, si utilizo blanco y negro o color. Normalmente si tengo poca luz utilizo blanco y negro.

¿Fast or Die, es el título del libro tu grito de guerra?

La gente se muda a grandes ciudades pensando que tendrán más oportunidades de vida. Pero realmente cuando llegas te das cuenta de que tienes que correr, porque si no pierdes. Lo mismo ocurre con Internet si no estás activo, la gente se olvida de ti. En esta época que nos ha tocado vivir hay que ir rápido.

En algunos de tus retratos enseñas al hombre desde su lado más animal, el que a la vez es el más natural. Consigues que una imagen fuerte y turbadora sea a la vez bella, ¿cómo lo consigues?

Mis imágenes son muy extremas y llego a ellas porque realmente siento esas situaciones. El miedo me hace reaccionar y lo hago a través de la cámara.

En Milan conociste a Os Gemeos y acabaron reproduciendo (de forma muy bonita por cierto) una de tus fotografías, ¿cómo te sentiste con este privilegio?

Los conocí en Manchester, donde hicimos nuestra primera exposición juntos y nos convertimos en muy buenos amigos. Hace tres años los puse en contacto en una galería de Milán y expusieron allí finalmente, yo no pude ir a la inauguración y como muestra de agradecimiento intervinieron una foto mía, fue un honor y un verdadero privilegio.

La belleza: La calle: Las reglas: Una vida al límite: La intuición: Directo al alma:

La espontaneidad La colisión entre diferentes culturas. Bullshit La muerte El arte La pobreza

www.fakso.com

› Fast or Die se ha publicado con la colaboración de 55 DSL.


Underground,

more underground ALEX FAKSO


vecinos

t: adriana giorcelli

PILPELED

DETRÁS DE LA REALIDAD Sus ilustraciones son simbólicas y provocativas. Mezcla paisajes, a veces desoladores otras paradisíacos, con personajes surrealistas. Pilpeled logra plasmar la unión entre lo bello y lo inquietante, y nos recuerda con ello, el verdadero significado de sublime.

Pilpeled es… Mi apodo, de alguna manera se ha convertido en mi nombre.

No representar rostros significa… Que puede haber cualquier persona en ese cuerpo, incluso tú o yo.

Pilpeled nace en… Tel Aviv, Israel.

Los animales exóticos en tus ciudades son… Cuervos negros que roban joyas de oro ¡¿de dónde las cogerán?!

Pilpeled vive en… Una malvada realidad, donde los sueños nunca se acaban.

No esconderse nunca es… Imposible.

Pilpeled hace… ¡Todo lo que puede para no sentirse per- Tu proyecto para el futuro es… Escribir un libro de dido! Siempre trato de mantenerme ocupado, de no pen- cómics sobre mi padre, la manera en la que él ve la vida sar demasiado acerca de la vida. y lo que me ha enseñado. Pilpeled quiere decir que… La vida es corta, cada Un sueño hecho realidad… En este momento estoy en momento que se va y no se disfruta, lo hemos perdido. Pequín, con la chica que más quiero, exponiendo mi primer trabajo en solitario. Creo que todo esto es un sueño La inspiración viene de… Todas partes, tengo hambre hecho realidad. de todo lo que me da la vida. La música, la tristeza, la belleza de las mujeres, incluso de la Biblia. Una música inspiradora… Hay alguien especial, Neil Young. Siempre me vuelvo a encontrar en su música. Es Tu trabajo más interesante es… Mi último cuadro en como un recuerdo de un pasado donde yo nunca estuve. blanco y negro llamado “agujero”. Hay algo en él que dice exactamente lo que siento. Es como siento el miedo. www.pilpeled.com


lamono / núm. 73 / mayo ’11


www.pilpeled.com


el de portada

t: claudia niubo

Sólo se esconde cuando trabaja RICARDO FUMARAL es la combinación perfecta de elegancia y explosividad. Nacido en Huesca en 1984, este joven artista ha revolucionado el mundo de la moda. Partiendo de un realismo sorprendente, sus ilustraciones consiguen cautivar todos los sentidos. Admirado y aclamado por las grandes firmas, ha trabajado ilustrando diversas marcas nacionales e internacionales, siempre desde una exquisita sencillez impactante. Él es el autor de nuestra portada y contraportada, para las que se ha inspirado en el concepto Never Hide que este año es la base de la campaña de Ray-Ban.


Ticket

“Después de colaborar con algunos estudios de diseño gráfico fui adentrándome en el mundo de la ilustración de forma autodidacta, publicando en diversos medios editoriales. Aunque mi formación comenzó en una Escuela de Artes de Lleida, concretamente en diseño gráfico y publicidad, más tarde me trasladé a Barcelona, donde trabajé como diseñador gráfico y continué mi formación en técnicas de impresión e ilustración. Después colaboré con una serie de estudios, directores de arte y algunas revistas en papel y online. Pero decidí centrarme más en el terreno de la ilustración cuando me mudé a Madrid. Ahora sigo trabajando en ese medio desde todos los formatos posibles desde Londres. En mis comienzos trabajaba únicamente con un bolígrafo negro “pilot 0,4” pero con el tiempo y la práctica he ido ganando en detalle e incorporando técnicas diferentes. Ahora mezclo bolígrafo y tinta, lápiz, acuarela y rotuladores, pero siempre desde una forma clásica y convencional. No uso ni Photoshop, ni vectores, ni retoque. Sólo papel, mano y escáner. Generalmente utilizo diversas técnicas y lenguajes, que van desde la línea pura del rotring al lápiz, la acuarela o el color plano. Por cuestiones prácticas siempre combino figura sobre fondo blanco. El resultado es más fácil de encajar en la maquetación de las revistas para las que trabajo y es más versátil para otro tipo de clientes. Es tan sólo una cuestión funcional. Mi auténtico reto es conseguir la misma calidad y detalle en todos los dibujos que realizo, sea mediante líneas, luces o sombras. Lo más importante es invertir muchas horas de trabajo, concentración y grandes toneladas de paciencia. En muchas ocasiones la estética de mi trabajo se identifica con composiciones explosionadas. Ese modo de hacer me fue dando una identidad personal, pero nunca me he anclado en ese estilo. Creo que mi profesionalidad consiste en saber adaptarme a cada uno de los encargos que recibo.

Eso sí, siempre desde la simplicidad técnica y una clara confrontación entre fondo y figura. Mi trabajo manifiesta intereses por la fotografía de moda, las artes gráficas, la publicidad, la música, las tendencias y un largo etcétera. Todo eso creo que se refleja en el que mira, creando cierta complicidad. Si él reconoce referentes, imágenes, elementos… se convierte en parte activa de mi proceso de trabajo.” Ricardo Fumanal consigue crear una empatía con quienes observan sus obras creativas. Una técnica que ha consagrado su estilo propio, reconocible, identificador de un joven artista que ha cautivado por estas mismas razones grandes firmas de moda. La clave de su estilo: la combinación de elegancia y explosividad. “La moda me atrae por su frescura, espontaneidad y ante todo por la actualización en los estilos, no solamente en lo que hace referencia a la ropa. Creo que el arte y la moda se complementan de forma espontánea. Yo me limito a entenderlo con toda naturalidad. El trabajo de que esos dos sectores convivan es de los editores de las revistas, blogs, y otras herramientas de consumo de moda y tendencias. Igual ocurre con el mensaje de mis ilustraciones. Casi siempre corren a cargo de mis clientes, los directores de arte o agencias que me encargan los proyectos. Sí recuerdo que algunos trabajos no han sido sólo ilustración y he tenido que hacer un gran esfuerzo. En el pasado realicé un proyecto de “moving image” para Mango en el que mediante las ilustraciones debía dar a entender las inspiraciones de la colección que además, darían paso a una película de animación que se proyectó como fondo de un desfile. Realmente el resultado fue muy impactante. Sin embargo, nunca he pensado en la provocación viendo o realizando mi trabajo”. Además de ser un reconocido artista en el mundo de la moda, Fumanal trabaja en otros formatos. Una actividad profesional que le mantiene alejado del ajetreo de las calles londinenses. “He trabajado como ilustrador para la portada de algunas revistas. A veces salgo ganando y mi trabajo se publica en “grandes” portadas y en otras ocasiones, luce un poco menos. Es complejo trabajar en equipo cuando siempre trato con clientes muy diversos. Solamente repito portadas para la revista Leer, que gracias a la confianza que depositan en mí y unos encargos muy claros y concretos, podemos colaborar de forma habitual, tranquila y efectiva. No suelo disfrutar mucho con los trabajos “a contra reloj”, que son la mayoría, o en los cuales el cliente me deja sin libertad de creación. Pero con quienes estoy más contento son todas las revistas que tratan mis ilustraciones con respeto y admiración, porque luego salen publicadas con muy buena calidad. Disfruté mucho con un retrato de Alexander


Alexander McQueen

McQueen para Vogue Homme Japan. Tuve la oportunidad de publicar un retrato suyo después de su muerte, fue muy emotivo, y editaron el resultado de forma muy elegante, acompañado por un texto de Incola Formichetti. Es una página maravillosa. La verdad es que muchísimos creadores han ido educando mi mirada. Generalmente encuentro inspiración en todos lados, sobretodo en la energía que desprenden otros creadores, tanto ilustradores, diseñadores de moda, artistas y comisarios. Siempre me gustó mucho el trabajo de Aurel Schmidt, John Kleckner, Mathias Augustyniak, el estudio M/M de Paris, las fotografías de Inez van Lamsweerde y Vinoodh Matadin, el trabajo personal de Carmen García Huerta, las ilustraciones de Charles Anastase… En fin, gente que hace que compartas cosas bonitas en la vida y consiguen que tu trabajo sea cada día

más fácil. Para la portada y contraportada de lamono me he inspirado en el concepto Never Hide de Ray-ban. Muestro una actitud en la expresión de la cara que refleja seguridad, esa convicción de que para ser uno mismo es imprescindible no esconderse, no aparentar, no ser otra persona de la que somos, con el convencimiento de que somos únicos e insustituibles. Lo que me “esconde” del mundo es tener que pasar muchas horas sentado frente a mi trabajo. Los procesos manuales necesitan su tiempo y eso hace que no pueda salir de mi estudio tanto como querría. La gente, la actividad, son lo que necesito, ya sean los amigos, los pubs londinenses, dosis de alcohol moderadas, ejercicio, cine… Así me aíslo del trabajo y la rutina.” www.ricardofumanal.com


they never hide

f: sebastián troncoso (www.sebastiantroncoso.tk)

EUDES DE SANTANA

Con vistas a una ciudad amable Eudes de Santana tiene un estilo propio. En sus fotos todos los retratados lucen naturales, ajenos a cualquier cosa fea y desagradable que ocurra en el mundo real. Ellos respiran la luz del sol, los destellos de una ciudad que se presenta amable, un puzzle que conforma el presente y el pasado, unido todo en unos rostros bellos e inocentes. En esta ocasión Eudes de Santana se nos muestra entero, porque lo que nunca ha hecho es esconderse, ¿para qué? Cuando empecé a fotografiar ya sabía que algo de mí se reflejaría en mis fotos de alguna manera. La formación del estilo, ese que dices que se transmite en cada una de mis fotografías, fue una consecuencia natural de ese reflejo. Busco transmitir mis experiencias de la vida en esas fotografías. Mi proceso creativo siempre está cambiando, a veces me gusta pensar bien la composición antes de disparar y en otras ocasiones la reflexión surge tras hacer la foto, me dejo guiar por una intuición que también enseña el camino. Nunca me escondo en el proceso creativo, lo considero parte de mí mismo. Todo lo que enseño es parte de mi mirada, ser honesto conmigo mismo me ayuda a comunicar lo que quiero de verdad. Disfruto todos los trabajos que realizo, pero siempre el próximo será mejor, estoy todo el tiempo excitado con producir cosas nuevas y vivir más experiencias, esto es lo que más disfruto de la fotografía. ¿Dónde me escondo para encontrar la inspiración? Me gusta la música, viajar y disfrutar de la vida. Al fin y al cabo la inspiración siempre viene de eso. www.eudesdesantana.com


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they never hide

f: sebastián troncoso (www.sebastiantroncoso.tk)

THE BIG HEAD TROUBLED BOY

Cuando las inquietudes queman hay que sacarlas Mia Salazar necesitaba a The Big Head Troubled Boy, es el alter ego con el que se redime en forma de acústico híbrido que camina entre el folkpunk, el jazz, la bossa y el indie. Mente portadora de una enorme cabeza llena de ideas, sentimientos y genialidad, Mia saca hacia afuera todo un mundo digno de la mejor road movie mediante la música, la escritura y el dibujo. Y se nos muestra inmensa y encantadora.

The Big Head Troubled Boy es un dibujo a lápiz con más corazón que cabeza, al que llaman bigheaded -que significa pretencioso- pero no es cierto: la gente confunde la apariencia con la esencia. En realidad tiene la cabeza enorme porque está llena de grafito, que algún día serán más dibujos o más letras, más canciones o más caminos… o quien sabe a lo mejor es un cabezón que se mete en líos, como su dibujante. ¿Cómo se desarrolla mi proceso creativo? Cuando escribes, hay canciones que viven en tus muñecas, otras viven en la yema de los dedos… otras simplemente aparecen en tu cabeza. Pero la creatividad se desarrolla trabajando, esas canciones no aparecen si no haces algo para que vivan fuera de ti. Nunca te estás escondiendo si estás expresando; crear con las manos es expresar… aunque sea al amasar pan, dejas de esconderte. El mensaje en la canción lo esconde el oyente, lo descifra el que tatararea. Yo los dejo todos muy claros (para mí). Para encontrar mi inspiración me escondo dentro de mi vieja guitarra. www.bighead.bandcamp.com


they never hide

f: sebastián troncoso (www.sebastiantroncoso.tk)

Conrad Roset

Lo que ves no es lo que es Tras esa imagen de inocencia que se esconde en las ilustraciones de Konrad Roset habita un mundo consciente, donde los sentimientos chorrean en forma de color y explotan en los pezones y en sus bocas. Las mujeres pecosas de Conrad son aparentemente un alegato a lo más naïf, pero al acercarte, algo impúdico se esconde en cada rincón de su cuerpo. Comenzar a ilustrar nunca fue una decisión premeditada, he dibujado desde que soy un crío, primero era mi hobby y más adelante se convirtió en mi profesión. Hago básicamente lo mismo que cuando tenía 3 años, con la única diferencia que ahora me pagan y espero que se mantenga así durante mucho tiempo (risas). En los proyectos personales como Cosas Íntimas o Princesas empiezo pensando el tema que englobará toda la colección. Siempre intento que la temática gire entorno a la figura humana. Una vez tengo decidido el tema busco fotos de artistas o las hago yo mismo. Esto me sirve de referente e inspiración para ilustrar las imágenes del proyecto. Busco que mis obras transmitan una cierta sensualidad, por esa razón no puedo caer en lo soez así que siempre intento que tengan el punto justo de misterio, para que el espectador acabe la historia, imagine, interactúe con el dibujo. Mi obra en general esconde un mensaje, me gusta difundir la belleza del cuerpo femenino, la sensualidad, buscar miradas profundas, intento que la gente se quede con un sentimiento de belleza muy puro y limpio. Disfruto con todos los proyectos, tanto en los encargos publicitarios como editoriales. Aún así, como todos los ilustradores y artistas, los que más disfruto son los momentos en los que puedo experimentar y crear lo que me apetece. La inspiración la encuentro en mi estudio, situado en el barrio de Gracia de Barcelona. Es pequeño, pero cada mañana entra el sol por la ventana y puedo ver toda la ciudad. Eso es impagable. conradroset.blogspot.com www.conradroset.com


I can’t hide

Photography: Rakel Benito Styling: África García Hair & Make up: Gabriela Irigoyen Model: Ángela Vargas @ Traffic Models Production: Primavera Ruiz


Camisa Converse by Carlos Diez 路 Falda Maria Escot茅 路 Botas Palladium


Camisa de Lotta Vintage 路 Falda Forever 21 路 Zapatos Diesel 路 Gafas de sol Ray Ban 路 Pendientes de Le Petit Vintage


Jersey H&M 路 Short Denim Gas 路 Botas Dr Martens


Camisa Converse by Carlos Diez


Vestido Alvarno 路 Anillo Love River Island 路 Anillos y pulseras de la estilista


Capa años veinte de Le Petit Vintage · Capa años veinte de Le Petit Vintage, vestido azul Diesel

CONTACTOS: ALVARNO: +34 915 238 806 · CONVERSE BY CARLOS DIEZ: +34 913 198 244 · DIESEL: +34 934 883 060 DR MARTENS: drmartens.com · FOREVER 21: forever21.com · GAS: 902 361 455 · H&M: +34 932 608 660 Le Petit Vintage: lepetitvintage.com · Lotta Vintage: lottavintage.com · LOVE RIVER ISLAND: riverisland.com MARIA ESCOTÉ: mariaescote.com · PALLADIUM: +34 913 669 517 · R AY BAN: +34 91 577 26 93


t: clara duch

Kate Moss

ilustración

Cuando era niña me lo pasaba bien dibujando, pero no era particularmente buena con ello. Podía estar horas sólo dibujando personas, creo que era para intentar entenderlas. Pronto lo cambié por la música y estudié piano hasta que terminé el instituto. Cuando en 1992 me fui a Londres a estudiar diseño gráfico, no tomé la decisión tanto por el diseño, sino porque quería estar en la ciudad de donde venía toda la música que me gustaba. Deseaba vivir en otro país, conocer gente nueva, explorar mi independencia. Empecé la carrera como diseñadora gráfica, por eso al cambiar mi trayectoria supongo que aún hay ciertos elementos de mi background que se revelan en el trabajo que hago. Lo que quería cuando empecé a estudiar ilustración en 2007 era liberarme de esa manera de pensar tan estric-

tamente estructurada del diseño gráfico. Por eso ahora, éste tiene un papel secundario en mi trabajo y sólo lo utilizo para presentar los dibujos de la forma más apropiada, por ejemplo para incluirlos en un póster o en un libro. El origen de mi proyecto Whose Hair? se encuentra en el póster The Band Hair-Portraits Poster que hice para mi trabajo final de ilustración en la universidad, aunque en ese momento no estaba pensado para ser nada más que eso. Hice esos dibujos en el comienzo de mi licenciatura en el Camberwell College of Arts, y mi tema era: bandas de rock e identidad. Empecé dibujando sólo pelo porque encontré interesante lo poco que hay que describir a alguien que nos es familiar para hacerlo reconocible a los demás. Fue un pequeño proyecto que duró sólo unos días, después continué con otros


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jugando al ¿quién es quién? Que la imagen no es sólo una cuestión de vestimenta, lo sabemos. En los últimos tiempos, el corte a lo ‘garçon’ se ha potenciado, las rastas han llegado hasta Eurovisión y Justin Bieber mueve masas gracias a su flequillo. Pero pocos habrán analizado tanto las características del peinado y sus rasgos identificativos como Christina Christoforou (Chipre, 1974). Formada entre el diseño gráfico y la ilustración, esta artista criada en Grecia pero afincada en Londres acaba de publicar el libro ‘Whose Hair?’ (Laurence King Publishing, 2011). En él recoge sus más de 200 dibujos de peinados de personajes conocidos, desde Lady Di hasta Andy Warhol o Michael Jackson. Christoforou nos propone un curioso juego de adivinanzas gráficas en el que, por lo general, lo que sorprende es la cantidad de aciertos del que somos capaces. Y es que por mucho que se escondan los rasgos faciales, un peinado nos da más pistas de las que creíamos.

Andy Warhol

CHRISTINA CHRISTOFOROU


1

trabajos pero fue por este póster que cuatro años más tarde apareció el libro que ahora presento. Después de dibujar más de 200 peinados de gente conocida, no estoy segura de si he aprendido algo nuevo sobre identidad. Creo que es un aspecto tan complejo que no se puede resumir por su peinado, sin embargo, como todo lo que se refiere a nuestro aspecto, el peinado ‘habla’, es una declaración. Desde luego he aprendido mucho más de lo que sabía sobre la gente que aparece en este libro, sobre todo mientras buscaba la imagen perfecta para dibujarlos. Y este trabajo supuso meses de una cercana observación, algo que disfruto haciendo. Mi objetivo fue mostrar cómo de influenciados estamos todos por la iconografía de las celebridades, y también me gustaba la idea de haber inventado un juego de adivinanzas que permitiera, a su vez, dibujar una cara nueva a cada peinado. No creo que ser reconocido por tu imagen quiera decir que estés más seguro de ti mismo y no necesites esconderte, pero significa que la gente va a sentir mucha curiosidad hacia ti y, inevitablemente, tu vida va a estar iluminada por un foco. También depende de aquello por lo que seas famoso. Por ejemplo, Albert Einstein, cuya imagen es identificable por casi todos, se convirtió en alguien conocido por su contribución a la ciencia, algo que es mucho menos glamuroso que ser Madonna y por eso sólo hay un par de fotos suyas que son ampliamente reconocidas. Por otra parte, Julian Assange es un hombre con una autoconfianza asombrosa, si no fuera por ella, no podría estar haciendo lo que hace. Su pasado está lleno de cambios, ha vivido en distintos países, ha hecho muchas y diferentes cosas a lo largo de su carrera, así que, que haya cambiado su peinado constantemente no es algo que me sorprenda. Assange ha parecido tantos tipos diferentes de hombre que creo que podría ser todos en uno: el de negocios, el intelectual, el excéntrico, el hacker, el luchador y

sucesivamente. Para Whose Hair? escogí a gente que había influenciado el mundo de alguna manera, positiva o negativamente. Quería que fuera una mezcla de celebridades con una cara casi grabada en nuestra memoria de tanto estar expuestos a ella. Personas de categorías poco glamurosas como la historia y la ciencia; gente que no creeríamos reconocer únicamente por su pelo hasta que nos damos cuenta de que sí. Busqué el peinado de cada personaje que me pareció más icónico, y para ello tuve que investigar mucho, con el fin de encontrar la imagen exacta a partir de la cual dibujar, porque no siempre fue igual de fácil u obvio. Intenté pensar por qué conocía yo a cada persona, qué escena, qué canción, qué póster, qué momento del tiempo me recordaba algo de ellos. Esa fue mi guía. Por ejemplo, en el caso de las parejas de las series de televisión, a pesar de que la imagen es sólo pelo, hay un lenguaje corporal que es visible y que funciona como pista adicional. Mi trabajo se concentra en un rasgo concreto por ilustración y, para determinarlo, sigo realmente mi instinto, pruebo de hacer cada página de acuerdo a lo que dicta cada personalidad. Algunas cabezas son más grandes que otras, algunas personas se caracterizan por más de un peinado, etcétera. Los dibujo con un rotulador muy fino, y a cada personaje le dedico un tiempo diferente que puede variar mucho. En algunos casos me ha bastado sólo una hora, en otros he necesitado un día entero, como por ejemplo con Jimmy Hendrix y Grace Jones. Pero en la mayoría de los casos he dedicado muchas horas a cada personaje. Whose Hair? es mi primer libro no autopublicado y estoy muy contenta con él, la gente está respondiendo bien y estoy recibiendo un montón de feedbacks interesantes. Por el momento estoy trabajando en el proyecto de la portada de un libro, que es una de las cosas que más me gusta hacer. Estoy siempre abierta a descubrir nuevos campos y de hecho ahora estoy trabajando en algunas ideas para proyectos de animación, en colaboración con otro artista. No tengo planes específicos para el futuro, ahora quiero seguir desarrollando mi trabajo y aplicar mis ideas allí donde pueda. www.christinachristoforou.com


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1 › Grace Jones 2 › Margaret Thatcher 3 › Tom Ford

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ilustración

t: lara tuner

Jeremy Fish

El cuentacuentos de San Francisco Una persona a la que le gusta contar historias no puede esconderse. Tiene que sumergirse en sus propias experiencias, en los relatos de los demás, en los viajes y en el espíritu histórico de su ciudad para encontrar la inspiración. A Jeremy Fish le gusta contar historias. Por eso, se esfuerza en absorber vivencias y deja que su imaginación construya un hilo conductor para sus piezas. El resto lo hacen su trazo grueso, su paleta de tonos tierra, la madera como material imprescindible y los animales como protagonistas indiscutibles. Eso sí, para crear prefiere esconderse en su estudio. No sea que tantas experiencias lo acaben despistando de su trabajo y de su propio cuento. www.sillypinkbunnies.com www.superfishalsf.com

Mi abuelo era carpintero y una persona muy artística. Mi padre era sastre. Somos los tres únicos miembros de mi familia que hemos desarrollado nuestra vida creativamente, utilizando nuestras manos. Realmente, no puedo considerar que haya habido influencias puramente artísticas en mi familia. Supongo que me introduje en el arte a través del sistema escolar público de Nueva York, la gráfica propia del skateboard, y el arte y la arquitectura de mi ciudad natal Saratoga Springs, una vieja localidad victoriana situada en el estado de Nueva York. A principios de los años noventa me trasladé a San Francisco atraído por el mundo del skateboard. Una vez allí, asistí al San Francisco Art Institute. La ciudad ha aportado mucho a mi vida y, a su vez, a mi trabajo. Considero que tu trabajo artístico es un reflejo, de lo que haces con tu tiempo y dónde lo empleas. Me encanta mi barrio, North Beach, y creo que éste consigue entrar sigilosamente en mis obras. En algunas ocasiones es muy obvio (como las referencias al puente Golden Gate o al edificio piramidal Transamerican), otras veces es más sutil (como el uso de imágenes que recuerdan la niebla con formas ondu-

lantes que cubre la ciudad). En realidad, vivo en una zona muy histórica de San Francisco. North Beach forma parte del viejo distrito de Barbary Coast, donde la ciudad nació durante la Fiebre del Oro californiana en la segunda mitad del siglo XIX. Esto ha inspirado algunas de mis obras, como la serie The Ghosts of the Barbary Coast que refleja el ambiente alocado de este barrio que creció repentinamente gracias a la llegada masiva de personas dispuestas a hacer fortuna a cualquier precio. Prostitutas, marineros, hombres de negocios, asesinos y predicadores eran algunos de estos personajes y, tanto sus historias particulares como lo pendenciero, despiadado y loco de su espíritu, me han servido para crear estas piezas. Creo que cuando estás rodeado de tanta historia, ésta consigue introducirse en tu imaginación y, a su vez, en tus trabajos. ¿Otras inspiraciones? Las historias que cuentas cuando estás con amigos. No hay nada más sugerente que la vida real. Algunas de las piezas de esta serie hacen uso de la madera. Se trata de un material que aparece de manera constante en mi obra artística y, evidentemente, en mis esculturas. Como ya


Pancho king

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Never more


tipos que me dieron el primer empujón como artista profesional. Desde entonces, he recorrido un largo camino y para este 2011 espero seguir trabajando tal y como lo estoy haciendo ahora. Estoy preparando una exposición individual en la Joshua Liner Gallery de Nueva York para este próximo mes de junio. El tema central de la muestra será la narración de cuentos. También tengo prevista otra exposición en Los Ángeles para el mes de noviembre, en la Mark Moore Gallery. Todo este trabajo lo organizo desde mi estudio, ubicado en la planta baja de un viejo edificio victoriano en North Beach. El propietario enseñó artes marciales allí en los años 70 y 80. Es un lugar muy especial, en el que logro esconderme. En realidad siempre me escondo. Si no lo hiciese, nunca conseguiría terminar nada. Quizás por eso tampoco me considero un buen blogger. Y es que, a pesar de tener mi propio blog, odio la tecnología e intento alejarme del ordenador tanto como puedo. La cuestión es que cuando no me estoy escondiendo me gusta salir, liarla, ir detrás de las chicas y emborracharme. Así que supongo que no esconderme nunca significaría dejar mi trabajo y salir de fiesta hasta convertirme en un vagabundo. Y eso, podría llegar a destrozarme.

Road hog

he mencionado antes, mi abuelo era carpintero. Cuando era niño pasaba mucho tiempo en su taller y creo que esto me condujo a amar su trabajo. A la hora de elegir los colores, mi paleta se acerca a los marrones. Me gustan los tonos tierra y generalmente mi trabajo tiende a ser bastante monocromático. También doy mucha importancia a la línea que suele ser muy gruesa y marcada, tanto en mis pinturas como en mis ilustraciones. Y a pesar de que no tengo unos temas fijos y recurrentes en mi obra, sí que otorgo siempre a los animales un rol protagonista. Conejos, tortugas, pájaros, caballos, ranas o castores se visten y actúan como humanos para contar una historia particular en cada pieza y en cada serie. Su presencia también me sirve para hacer referencias sencillas a los clichés propios de los rasgos humanos. Por ejemplo, el búho es sabio y el conejito es feliz, rápido y libre. Los animales conviven en mis obras con otros elementos gráficos como las calaveras y los puñales. Con esta combinación, a medio camino entre lo coqueto y lo espeluznante, consigo otorgar a mis piezas un cierto aire de intriga e introspección. También siento una cierta obsesión por los vehículos y me gusta que formen parte de mis composiciones. Además de mi trabajo más personal y artístico, también he diseñado camisetas, portadas de discos –en 2006 colaboré con el cantante de hip hop Aesop Rock–, complementos, zapatillas, tablas de skate y muñecos de vinilo para distintas marcas comerciales como Nike Skateboarding o Upper Playground, un proyecto que apoya a artistas independientes procedentes del street art. También en los últimos cuatro años he desarrollado mi propia línea de camisetas, bajo la marca Superfishal (producidas por Upper Playground). Estos trabajos comerciales vienen marcados por el cliente, mientras que mis propuestas artísticas están totalmente definidas por mi imaginación. A parte de esta diferencia, debo reconocer que me enfrento a todo tipo de proyectos con la misma energía. Viendo mi trayectoria es lógico, pues, deducir que el mundo del skate ha sido crucial para mí, tanto en lo personal como en lo profesional. De hecho, así es como empecé. Mi primer trabajo al terminar la escuela fue en un taller de estampado para la industria californiana del skate. Realicé algunas pequeñas intervenciones en el ámbito de la ilustración, diseñando gráficos para camisetas y tablas. Estos primeros proyectos me abrieron muchas puertas. Estaré eternamente agradecido al deporte del skateboard y a esos


arte 3.0

t: ferenz jacobs

EMILIO GOMARIZ

TRIANGULANDO LA TRIANGULACIÓN

Extremity 3

Para Emilio Gomariz, diseñador industrial y bloguero afincado en Londres, un triangulo es movimiento, cambio y adaptabilidad. Le fascina la infinidad de formas tan simples y diferentes que se pueden conseguir con la unión de tres puntos mediante tres rectas. No ve sólo un triangulo, pero se imagina muchos diferentes cambiando de una forma a otra. Hace un año y medio empezó Triangulation Blog, que se basa en un concepto triangular compuesto por la abstracción, la experimentación y lo contemporáneo. En este espacio virtual quedan reflejados sus gustos sobre el diseño y la creatividad para inspiración propia y de otros artistas y diseñadores.


Extremity 1

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Extremity 2

Es difícil hoy en día encontrar a alguien que no tenga un blog. Un blog dice mucho de la persona que hay detrás. Se ha convertido en una especie de seña de identidad. Dime tu blog y sabré como eres. O un sitio donde acumular ciertas cosas o referencias que nos atraen. Incluso nuestro muro de Facebook podría ser perfectamente nuestro blog personal, ya que se quedan reflejadas todas aquellas cosas que nos gustan. Cuando tu trabajo, pasión o hobby está relacionado con la creatividad creo que es bueno ver lo que otros de tu mismo entorno son capaces de hacer. Es una especie de investigación, comparación y aprendizaje al mismo tiempo. Si todo esto lo almacenamos, creamos nuestra propia base de datos y si además lo compartimos, nos ayudamos unos a otros a seleccionar y compartir informaciones. Durante 2009, casi al mismo tiempo que empezaba con mis proyectos, empecé a almacenar y compartir ciertas cosas siempre encontradas en Internet que me interesaban y podrían servir de inspiración. En 2010 decidí llevar todo eso un poco más allá, nacía Triangulation Blog y pensé que sería una buena idea complementar los posts con información de primera mano, así que empecé a contactar con los autores de los proyectos que quería publicar y así continuo haciendo. Twitter es una herramienta más. Todos conocemos sus normas. Son pocas y están muy claras. Pero son estas limitaciones las que hacen que la gente, ya sean diseñadores, artistas o programadores, busque en este nuevo medio una forma diferente de expresión. Es

una vía de información que ahora mismo está en auge y que si se utiliza bien tu información o arte puede ser fuertemente viral, por lo tanto es una gran herramienta de autopromoción. Si nos ceñimos exclusivamente al arte en Twitter o tweetart, no sé realmente hasta que punto podría dejar de ser un hobby. Dependerá del trabajo que estés realizando y a cuanta gente le interesa para poder compartirlo y así de alguna manera como ya he dicho, autopromocionarse, que al fin y al cabo éste es uno de los fines que hay detrás del intercambio de información o en este caso arte o diseño. Está claro que si ha llegado, se queda con nosotros, pero no creo que a este ritmo tan acelerado. Twitter está en su boom y no sabemos cuanto durará. Internet es impredecible y también existen las modas. Ésta es una de ellas ahora mismo, luego vendrán otras nuevas y diferentes y nos tiraremos de cabeza a probar y experimentar con ellas dejando estas de lado como ya pasó por ejemplo con lenguajes como el PETSCII o ASCII. Tengo la gran suerte de conocer a Oscar Ortega, más conocido como @l_I__I_l. Él es uno de mis tuiteadores favoritos. Disfruto mucho viendo sus creaciones en mi muro. Me gusta mucho su estilo y la clase con la que realiza esas composiciones geométricas, compuestas siempre por diversos caracteres y símbolos abstractos. De momento, no he encontrado a nadie que se le asemeje. Él estudia mucho la composición y la perfección en cada tweet. Esto lleva dedicación y se nota. Otro que sigo muy de cerca es @TodayandTomorrow. En este caso por el contenido e información de sus tweets. Al igual que su blog, las noticias, referencias y páginas web que pasan vía Twitter son muy buenos. Es un gran sitio donde coger inspiración experimental y sobretodo netart. Black triangle on Twitter es una pieza que disfruté mucho realizándola ya que fue a tiempo real. Fue gracias a un RT que llegó hasta mi muro de @RainbowTwtr, un japonés que se dedica a demostrar la vulnerabilidad de varios sitios y redes sociales en Internet mediante acciones en JavaScript. El tweet que llegó a mi muro era una banda ancha de color y me llamó mucho la atención, ya que Twitter está programado para escribir tan solo los conocidos 140 caracteres. Aprovechando la situación y viendo que el código era editable, cambié sus especificaciones, el color a negro y el tamaño de dicha banda para cada tweet creando una especie de medio triángulo o escalera que luego se vería reflejado en una cartulina


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hay hoy en día, YouTube, mejor dicho, a la gente que dedica su tiempo a realizar video-tutorías. Es sorprendente. ¡Está todo! Una formación totalmente autodidacta que me ha ayudado a conocer interesantes programas de animación, edición y modelación 3D. Con estos programas trabajo casi a diario, y voy en busca de nuevas estéticas digitales y todo es fruto de la experimentación. Parte de mi trabajo se basa en pulsar y clicar botones desconociendo cuales son sus funciones. Disfruto mucho haciéndolo. Muchas veces se obtienen resultados inesperados bastante interesantes. De esta forma han nacido varios de mis proyectos. www.emiliogomariz.com www.triangulationblog.com

Phases 1

reflectante para conseguir la otra mitad del triángulo y obtener de esta forma un triángulo negro mas o menos equilátero siendo éste el logotipo de Triangulation Blog. El equipo técnico de Twitter se apresuró bastante en solucionar este problema, ya que a las dos horas de lo sucedido había eliminado la cuenta del propio @ RainbowTwtr. Diseño y experimento desde hace relativamente poco, un par de años. A pesar de que mis estudios y mi carrera como diseñador industrial han estado siempre ligados al mundo del diseño, no le puse realmente interés hasta que me mudé a Madrid para cursar un master sobre creatividad publicitaria en 2009, donde me enseñaron una visión real de qué se estaba haciendo a nivel creativo y quienes eran los culpables. Allí empecé a interesarme por el trabajo de varios diseñadores, directores de arte y artistas y sobretodo como llevaban a cabo sus proyectos. En Madrid empecé a probar y a realizar mis primeros trabajos personales relacionados con la fotografía, modelación 3D y animación. Flags fue una de mis primeras animaciones realizadas con Flash, en la cual se aprecia como banderas de diferentes países se van uniendo y transformando en otras, formando así una pieza abstracta. Me gusta porque la animación está basada en el típico y primer tutorial de Flash, por el cual muchos hemos pasado, de como animar una bola. Siguiendo ese ejemplo y utilizándolo con muchos y diferentes pedazos de banderas se consiguió un interesante flujo y estética del error. Cuando empecé a crear y a probar cosas desconocía la cantidad de artistas y proyectos que conozco hoy en día y la inspiración surgía de la propia experimentación. Sí que puedo decir un artista al que sigo desde hace bastante tiempo y lo sigo haciendo casi a diario, cuyo perfil siempre me ha interesado mucho ya que compartimos gustos muy similares, es el holandés Rafaël Rozendaal. Defiende un estilo minimalista y muchas veces abstracto al mismo tiempo. Su trabajo nace de la experimentación en entornos digitales creando animaciones Flash y GIFs animados influenciados y creados en gran parte por y para Internet. Siempre me han atraído las estéticas digitales, la pureza de los colores RGB y el movimiento, así como los videojuegos y dibujos animados. Así que empecé directamente a intentar hacer mis propios bocetos y animaciones, a probar y a experimentar con programas que desconocía y que los he aprendido gracias a una de las mejores escuelas que


Se esconde

t: aina ruiz / f: all rights reserved. ©heidi lender 2010 & 2011

para MOSTRAR

Tire

fotografía

Heidi Lender

Heidi Lender es un enigma en sí misma. Un perro, un banco, espacios, la ropa… todo forma parte de un ritual y nada se deja al azar, cada pieza de sus fotografías está previamente estudiada con atención y siempre está allí por una razón de peso. Esconde su cabeza porque quiere dar importancia a sus vestidos. Si mostrara su rostro, habría tantas expresiones con una mirada, unos labios, que la atención del espectador se fijaría en ellos y no en lo que ella realmente quiere mostrar: una forma de expresarse con la ropa. El perro es la constante, es un “yo” que siempre es el mismo. Todo cambia menos él y nos hace recordar quiénes somos realmente, amparando nuestra identidad. www.heidilender.com


Tray

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Orb

Saddle

En un principio no era tanto el arte lo que me fascinaba, sino la moda. La atracción surgió a una edad muy temprana. Cuando era niña tenía una obsesión por las revistas de moda, me encantaba ver las imágenes, los diseños, no podía parar de comprar nuevas publicaciones para enterarme de las últimas novedades. Tenía claro que quería estudiar algo relacionado y así fue, cuando tuve la oportunidad inicié la carrera de moda en la universidad de Cornell. Una vez acabada, me inicié en el mundo laboral. Comencé trabajando con fotógrafos de diferentes revistas y me sirvieron de inspiración, pero, en realidad, en lo referente a la fotografía soy autodidacta. Empecé trabajando en revistas de moda. Estuve cinco años en Women’s Wear Daily y W magazine. Después de eso opté por ejercer de freelance para varias publicaciones de moda, interiores y viajes. Se podría decir que pasé mis veinte y treinta años trabajando en el universo del estilo, de una u otra forma. Pronto comencé a darme cuenta de que los elementos visuales del relato, el diseño de los artículos y la producción eran más interesantes para mí que la escritura en sí y en 2008 cogí mi primera réflex digital y me retiré del mundo de la pluma para dedicarme a la fotografía. La creación de la narración mediante imágenes, para mí, era la progresión natural de las cosas. Cuando era joven y me vestía para el día a día, me gustaba mirar mi armario y pensar “¿quién quiero ser hoy?”. En The Once Upon juego con este pensamiento: la libertad de expresión, la creación de una identidad y la idea de que no importa cómo nos presentemos en el mundo porque seguiremos siendo intrínsicamente lo que somos. Mi definición de moda es simple: ropa y accesorios. Tenemos que mirar más allá porque si no ponemos atención a las experiencias internas, la apariencia externa será superficial, carente de riqueza y sólo un pretexto para hacer algo a lo que no estamos atendiendo y ni

siquiera tratando de comprender. La India y mi experiencia vital allí han influenciado el desarrollo de toda mi carrera posterior. Vivir en India, donde estuve seis años estudiando yoga, me abrió la mente en todos los sentidos, ampliando mi visión con la cámara en mano, gracias al acercamiento de la gente, la nueva cultura y nuevas formas de vida. En The Once Upon aparezco en una serie de autorretratos, subida en un pedestal, posando en distintos contextos de mi vida cotidiana. El hecho singular es que escondo mi rostro en todas las imágenes, a veces aparezco de cintura para abajo, otras simplemente escondo mi cabeza con cualquier objeto. ¿Qué por qué lo hago? Hay muchas interpretaciones sobre este hecho. Simplemente escondo mi rostro porque la expresión de la cara es reveladora y en este caso significaría distraer la atención del espectador a lo que realmente me importa, el vestuario. Además, creo que ofrece una nota de objetividad y con una sonrisa o una mirada no sería lo mismo. Mi objetivo es esconderme para no esconder lo que quiero mostrar. La ropa es el hilo que enlaza todas las fotografías, en cada instantánea me visto para la ocasión. Tiene la doble función de esconder y mostrar a la vez. Vestirse ofrece escondites que ocultamos con la ropa pero un buen ojo y la mente pueden ver a través de lo que se pretende ocultar. Es un juego o un arma de seducción. Mi trabajo se basa en dos principios, armonía y simetría. La armonía es una sensación de paz, el sentido del equilibrio. La simetría, por otro lado, juega con el orden y la estructura, es igualdad. The Once Upon es un marco deliberado en el que exploro la idea de identidad. Es cierto que mi trabajo sigue una rutina extremadamente precisa y concreta: “Stand on a bench. Make sure it’s Monday. Wear something pretty.” Esto no son más que las reglas de un grupo de Flickr del que participo, se llama Bench Monday. Es un grupo popular y


Fireplace

divertido que tiene un principio básico: todos los lunes nos subimos a un banco o una banqueta, tomamos una fotografía y la subimos al grupo. Este proyecto fotográfico floreció gracias a mi participación ahí. Sólo hay estas dos reglas para participar y poder subir tus imágenes a flickr. Otro de los aspectos que llaman la atención de mis fotografías es que en la mayoría aparece un perro, es una constante junto con la simetría y la postura. Con él intento mantener un equilibro entre el interior y el exterior. Un equilibrio cambiante de personalidad e identidad. El perro simboliza la idea de que nuestro “yo” sigue siendo siempre el mismo, sin importar la decoración de los espacios o la decoración que

llevamos nosotros mismos en forma de ropa. El perro es la constante que se va cruzando por la vista del espectador, sin llamar la atención pero albergando mucha significación. Los espacios que aparecen son normalmente lugares donde resido, eclécticos, siempre cambiantes y mutables. Actualmente paso una vida tranquila entre Northern, California y Garzón, Uruguay. Creo que el equilibrio es un aspecto fundamental en mi vida, un equilibrio entre armonía y caos, entre lo que se muestra y se oculta, entre el interior y el exterior, el instinto y el raciocinio. Es necesario sentir y pensar y el tiempo me ha enseñado que el equilibrio es necesario para existir.


fotografía

t: eunís font


ROBYN HASTY Artista en todas sus facetas, Robyn Hasty se ha convertido en una de las grandes documentalistas gráfica de los Estados Unidos. Trabaja con una técnica tan antigua como la fotografía pero sus trabajos son de una brutal actualidad. Con sólo 25 años tiene una vida de lo más apasionante y unos valores bien fundamentados.


Tengo 25 años y una historia familiar más que peculiar. Nací en los Estados Unidos, en el estado de Florida y me mudé a la ciudad de Nueva York con 17. Estudié cuatro años en Parson School of Design, en el programa de diseño integral. Era un programa multidisciplinario y tuve la oportunidad de explorar una gran diversidad de técnicas. Creo que todos estos conocimientos aún inspiran mi práctica artística. Durante mis años de universidad estudié durante un semestre en Cuzco y después de graduarme viajé medio año por Sudamérica viviendo como okupa en Chile y Argentina. Mi familia tiene una larga historia en un pueblecito de las montañas de Italia. Mi mamá me contaba que mi abuelo se había escapado con una familia de gitanos con sólo ocho años y volvió un tiempo después, cansado

de rodar por Italia. ¡Creo que mi espíritu explorador y viajero me viene de estas raíces! Tengo ganas de volver a ese pueblo de donde viene mi familia para restaurar la casita y convertirla en un centro cultural para artistas. Mi experiencia en fotografía es más bien nueva; empecé a sacar fotos poco antes del inicio de “Homeland”. Un amigo fotógrafo profesional, Tod Seelie, me dijo una vez que “hay personas que tienen un ojo para la composición y todas sus fotos muestran una intuición artística”. En mi caso creo que es una mezcla de intuición y destreza con la técnica Wet Plate, dependo muchísimo del atento manejo del proceso químico. Cuando empecé me inspiraba mucho con las fotos de Sally Mann, que también trabaja con esta técnica. El foto-ensayo The Americans por Robert Frank fue tam-


bién una gran fuente de inspiración ya que compartimos la gran aventura de cruzar nuestro país en coche para construir conexiones entre sus distantes partes. Y me encanta también el trabajo de Dorthea Lange quien documentó el testimonio de la gente más oprimida de los Estados Unidos durante la gran crisis económica de los años treinta. Mi obra, caracterizada por multitud de técnicas e influencias, está unida por un tema transversal. Es la idea de que hay ciclos de colapso y de regeneración que se van siguiendo continuamente en el tiempo. Y en mi portafolio, la verdad es que no se ve la continuidad de una técnica singular; de hecho, ¡se me hace muy difícil resumir mi práctica artística! Trabajo con algunas cooperativas artísticas. Con ellos construí una flota de balsas para navegar el río Mississippi y parte del mar Adriático para llegar a la Bienal de Venecia en 2009. He sido graffitera y street artist y he dedicado dos años a hacer enormes stencils y esculturas de papel perforado. Mi último proyecto, fue Homeland; un proyecto fotográfico con el que viajé a través de Estados Unidos. Un país lleno de desigualdad e injusticia pero que presenta algunas condiciones únicas para el desarrollo de una contracultura fuerte. El país es enorme y abundan las cosas que apoyan la formación de alternativas culturales, como la tierra barata y las grandes cantidades de materiales de desecho, incluyendo la comida, los materiales arquitectónicos, los coches y la tecnología. Factores que apoyan la expansión de comunidades con intereses en el desarrollo sostenible, en la vida cooperativa o en el arte; y eso es lo que he plasmado en mis fotografías con la técnica Wet Plate. Una técnica que fue inventada al mismo tiempo que el daguerrotipo en el siglo XIX. Se trata de un proceso químico, en el que

una hoja de vidrio o metal está cubierta con “collodion” y después empapado con nitrato de plata, que la hace sensible a la luz. La hoja sensible está cargada en una cámara de gran formato y expuesta a la luz. Inmediatamente después de la toma viene el revelado y fijado con otras soluciones químicas. Todo esto tiene que hacerse en 15 minutos, mientras la hoja siga mojada. ¡A todas las sesiones hay que ir con un cuarto oscuro portátil donde pueda revelar las hojas! Fue una gran experiencia personal y profesional y durante todo el viaje nunca traté de esconderme de la serenipia, esos hallazgos inesperados que iban complementando el trabajo previsto. En mi vida, en general, trato de no esconderme de las cosas que me dan miedo. Inevitablemente esta costumbre me comporta algunas aventuras, riesgos y equivocaciones, pero al final, ¡la hace más apasionante! En el futuro me gustaría seguir con el proceso de wet plate, pero también estoy interesada en sacar fotos de entornos que yo fabrico con materiales desechables. Un proyecto más “still life” y menos documentalista como fue Homeland. www.robynhasty.org


literatura

MIGUEL NOGUERA

ULTRAVIOLENCIA, DEL NONSENSE AL ULTRASENSE

t: òscar nin / f: eudes de santana


lamono / núm. 73 / mayo ’11

Ultraviolencia (Blackie Books) confirma a Miguel Noguera como una de las mentes más lúcidas de Europa. Sus Ultrashows van más allá del humor, la eterna concreción del acto vanguardista en manos de un canario, la absoluta contextualización del pensamiento postmoderno en 310 páginas. La eterna conversación pendiente. Miguel Noguera: argumentos. El mundo da mucho miedo, soy consciente de ello. Igual la gente se piensa que vivo en un perpetuo Ultrashow. No es así, no salgo por las noches, prefiero quedarme en casa, leyendo, escuchando música, viendo la televisión, soy bastante introspectivo, a veces incluso depresivo. Tanto en Hervir un oso (mi anterior ‘libro’ con Jonathan Millán) como ahora en Ultraviolencia intento canalizar la tormenta de ideas que, a diario cae sobre mi cabeza. Trabajo sin guión, no predetermino estructuras narrativas, ni siquiera en los ‘discursos’ en directo, me preocupa mucho más que el receptor entienda lo que se le está transmitiendo, el razonamiento que hago de cada una de las cosas que explico en mis libros o en mis shows, ahí está el verdadero Ultrashow… En apariencia esas ideas que transmito a alguien le pueden parecer sonséense, para mi son ultrasense. Llevo muchos años haciendo mis shows, no me identifico ni con la Stand Up Comedy clásica ni con los monologuistas actuales, lo mío es otra cosa. Quizá tenga más en común con Bill Hicks, por aquello de poner toda la carne en el asador, aunque evidentemente sin tanto trasfondo político. La vuelta de tuerca a la cotidianidad, el razonamiento pesimista, el razonamiento en sí, la ‘actuación’ en sí misma, todo es pura inquietud. Tengo total control de mi obra, en Blackie Books no han cambiado ni una sola coma, aunque el proceso creativo ha sido bastante caótico creo que el resultado merece la pena, he aprendido la lección para futuribles. Soy conciente de que he traspasado la frontera del underground y estoy en las puertas del mainstream, no me asusta la integración en el Apocalipsis, de hecho ya hace tiempo que vivimos en una especie de post-Apocalipsis. ¿Qué si vale todo en esto del humor? Claro que sí. Me apasiona lo intrínseco de lo violento, no veo ningún drama en ello, el verdadero drama está siempre en ojos ajenos, lo que le pasó a Vigalondo en Twitter bien podría haber sido un desarrollo de una idea mía, desafortunadamente no se entendió y acabó de la peor manera posible. No tengo miedo a una posible multiplicación de ‘Nogueras’ en otros contextos… mis ‘ideas’, cómo surgen, qué son y qué pretenden bien podrían tener cabida en galas tipo ‘Murcia, qué hermosa eres’, sería una especie de Ultrashow dentro de otro Ultrashow. A veces veo ‘Sálvame’ y me parece algo tremendo, en positivo, claro, como la música y la puesta en escena de Rufus Wainwright, ese

histrionismo me fascina. Todas esas vinculaciones con la moral, el arte y la poesía me interesan muchísimo. No tomo drogas, no siento la necesidad de alterar químicamente las percepciones que tengo de las cosas, entiendo, eso sí, que otras personas vayan por ese camino y que incluso haya lecturas enriquecedoras de mi obra bajo ese prisma, yo estoy más por las croquetas, las patatas bravas y otro tipo de tapas más clásicas… www.ultraviolencia.com

Ultraviolencia. Ed. Blackie Books. 312 páginas.300 ideas. 20 € www.blackiebooks.org


postits

SWATCH GIRLS PRO FRANCE Surf Reality

Dicen que los sentimientos son fruto de la relación que mantienen nuestras expectativas con la realidad. Hay realidades para todos los gustos y sentimientos para todos los corazones y ante tanta diversidad, lo mejor es tener claras nuestras prioridades y no olvidar lo que nos importa. En las playas de Hossegor y Seignosse, del próximo 1 al 5 de junio lo primordial e imprescindible va a ser el surf: ya está todo listo para dar comienzo a la segunda edición del Swatch Girls Pro France. En esta nueva parada del tour internacional femenino de surf de la ASP (Association of Surfing Professionals) se darán cita las mejores riders del mundo, con lo que la competición, emociones fuertes y talento están servidos. Esta edición además, contará con la presencia de la cuatro veces ganadora mundial, Stephanie Gilmore. Además, para que la acción esté garantizada también fuera del agua, el team de Swatch ofrecerá actividades diurnas y nocturnas paralelas al torneo. No es para menos, dado que esta es la única parada del tour en Francia con categoría de 6 estrellas. Y es que a veces, nuestra lista de prioridades es más simple de lo que nos pensamos y la realidad más importante es la que tenemos delante. Swatch Girls pro France. Del 1 al 5 de junio en Hossegor y Seignosse. www.swatchgirlspro.com


Jon Spencer Blues Explosion

lamono / núm. 73 / mayo ’11

De todo para todos Primavera Sound

Un año más, mirar el cartel del Primavera Sound es volverse loco, música, música y más música se conjuga mediante un desorden ordenado de 194 nombres, establecidos alfabéticamente, ninguno es mejor que el otro. El Primavera Sound es música de culto, de gusto, desde indie de los 90 de la mano de Half Jamanese o Papas Fritas, el folk pop escocés de Belle & Sebastian, pasando por el rock alternativo de Grinderman, o los songwriters norteamericanos como M Ward o Sufjan Stevens. También es el post rock de Mogwai y Explosions in the sky y el clásico post punk de P.I.L hasta llegar al pop más exquisito de Caribou o los clásicos de Dj Shadow. Hay sitio para todos, nombres como The National, Animal Collective o Interpol se salen de las órbitas. No podían faltar tampoco los grandes The Jon Spencer Blues Explosion o Caribou, presente en la mayoría de las listas de mejores discos del 2010. Además, esperamos expectantes el nuevo LP de Low. Primavera Sound tiene de todo, desde pop, hardcore, post-rock, cruces entre música brasileña y el sonido más neoyorkino. Tanta buena música no se podía conjugar en un sólo sitio, la explanada del Forum se ha quedado pequeña esta nueva edición y el Poble Espanyol se convertirá en un segundo escenario para el aclamado festival. Durante el 25 y 29 de mayo la música reinará en una Barcelona que se reinventa a sí misma año tras año convirtiéndose y consolidándose como una de las capitales de la música. Y es que el Primavera Sound es un todo, son grandes nombres, pesos pesados de la música. Pero también, y, en esencia, nuevos grupos por descubrir, hypes por venir y buena música apartada de los grandes focos y las grandes discográficas. 25-29 de Mayo. Parque del Fòrum y Poble Espanyol, Barcelona. www.primaverasound.com


REC 3

El binomio perfecto entre moda y cultura

La vida se paralizó en un momento, las calles dejaron de oler a comida caliente, los niños ya no jugaron a la pelota, el humo se extinguió de las chimeneas y los avisos de las fábricas se apagaron para siempre. La vida de los barrios industriales se esfumó, el incesante ajetreo se convirtió en silencio y posteriormente en abandono. REC 3 se ha tomado muy en serio la desolación que sufre el barrio industrial de fábricas modernistas de Igualada y se ha propuesto revivir durante tres días esas casas vacías repletas de historias para llenarlas de moda. Más de 25 marcas de moda de reputación internacional como Custo Barcelona, Sita Murt, IKKS, Diesel, El Naturalista, Ash, TCN, Josep Abril o Pepe Jeans, entre otros diseñadores de Barcelona 080 como Juan Antonio Ávalos, Montse Liarte, Manuel Bolaño, Krizia Robustella o 9pm, ocuparán esos espacios por tres días. El objetivo de REC es unir moda, creatividad y patrimonio. Por un lado, dar a conocer la extraordinaria arquitectura modernista que ofrecen los edificios industriales olvidados y deshabitados y por el otro reunir las mejores marcas de moda y la gente más cool ya que REC además ofrecerá actividades paralelas como conciertos, recitales o proyecciones al aire libre. Las ediciones anteriores fueron un éxito, tanto de asistentes como de crítica. Así que estamos seguros de que esta vez se va a repetir, y es que el binomio moda y cultura es una apuesta segura. T: Aina Ruiz REC.03 (4ª edición). 2, 3 y 4 de Junio 2011. Barrio industrial del Rec. Igualada. Barcelona www.recstores.com

emergencia

Delphine Delas

postits

Aquello que sobrevive

Vivimos una vida llena de prisas, de cambios y de experiencias que nos rozan y las dejamos pasar. Queremos experimentarlo todo y necesitamos hacerlo rápido porque si no, no nos alcanza el tiempo. Eso hace que dejemos a un lado los detalles, miramos la vida de frente sin analizar los diferentes ángulos que nos ofrece. Nos empeñamos en no fijarnos en el presente, siempre intentando avanzar, ir más allá y buscar cosas nuevas sin centrarnos en lo que tenemos delante. Pero hay veces, en que nos paramos, miramos fijamente y vemos que lo que atisban nuestros ojos es importante de verdad, nos interesa. Emergencia, el showroom de arte contemporáneo que nos sumerge al arte pop barcelonés, es una de esas excepciones. Emergencia nos enseña una mezcla de pop, humor y necesidad de evidenciar los detalles más perturbadores de nuestra vida cotidiana. Es showroom porque responde a ese impulso de organizar algo rápido, cercano, ajeno a los formatos estándar. El proyecto lo componen diez artistas: Hanamaro Chaki, Delphine Delas, Eduardo Infante, Jonathan Millán, Miguel Noguera, Gabriel Salvadó, Marian Shambayati, Socatoba, Jaume Tutzó y Quitalomalo, que con plena libertad exponen su obra. Para ellos Emergencia es aquello que sobrevive, aquello que pone en alerta, lo perturbador y lo divertido, el humor, todo lo no se puede evitar. C/ de la Cendra 8 BIS, Barcelona. Del 5 al 9 de mayo. www.emergenciashowroom.com


lamono / núm. 73 / mayo ’11

‹ Emma 2. Madi Ju Milu and the sky. Sophie Van Der Perre.

Visual Diaries Mirada de mujer La fotografía ha sido siempre una forma artística de captar la realidad. Lo bonito de las instantáneas es que cada persona dispara atendiendo a un sujeto distinto. La luz, el color, el contraste, las sombras, un juego de combinaciones que componen una textura única y propia de todo el que observa a través del objetivo. Un conjunto de miradas íntimas es el nuevo proyecto fotográfico Visual Diaries/Girls. Once mujeres fotógrafos, cada una mostrando una pequeña parte de su mundo propio de una forma muy especial. Hijas de la era digital, trabajan con nuevos soportes vía web o blog, donde exponen de forma permanente sus trabajos. Sara Gomes, Madi Ju, Helen Korpak, Manuela de Laborde, Skye Parrott, Olga Perevalova, Nuria Rius, Florencia Serrot, Agnes Thor, Sophie Van der Perre y Harley Weir hablan un mismo lenguaje que ahora exponen para todos los mortales que miramos sólo con dos ojos. Lejos del entrometimiento y la vulneración de la cotidianidad individual, estas mujeres procedentes de todas las partes del mundo, usan sus cámaras como una forma de entender su propia realidad. El resultado, Visual Diaries, un conjunto de detalles y secretos que son, verdaderamente, auténticas obras de arte. T: Claudia Niubó Del 7 de mayo al 6 de junio Galería Stephanie Bender, München, Alemania. www.stephaniebender.de/current/aktuell


t:

Reviviendo la escena Kids of Grime

Algunos decían que el Grime estaba muerto pero estaban equivocados. Verena Stefanie está revolucionando la escena y lo demuestra con su nuevo proyecto Kids of Grime. Verena era una enamorada de la moda y los tacones altos. Tras mudarse a Londres y entrar en contacto con James-Pearson Howes decidió meterse de lleno en la escena Grime. Sus imágenes son fuertes y contundentes, MC’s en pleno duelo, luchas de Freestyle y rimas y más rimas en raves o directamente en la calle. Con un estilo claramente documental nos presenta una escena musical que sigue viva y evoluciona. La fotógrafa se esfuerza por mostrar parcialidad hacia cualquier persona. Sus instantáneas no sólo son importantes para la escena musical sino también para la cultura británica. Retrata un colectivo reducido con una música difícil y minoritaria, en parte desconocida por la mayoría fuera del Reino Unido. Por otro lado, la exposición cuenta con los diseños de Kara Messina, que presenta su primera colección de street wear Y’OH para hombres. Esto también es una novedad ya que Kara se ha dedicado siempre a la moda de alta costura y ahora da un giro de 180º con nuevas prendas inspiradas en el Hip Hop, Grime y la moda de finales de los noventa. Manteniendo el nivel de calidad, ahora se fija en las subculturas y busca una afiliación entre las marcas y una funcionalidad entre el lujo y la calle. Con un objetivo claro: que la gente real pueda pagarse la ropa que ella diseña. En la exposición, además, podremos ver una selección de los mejores vídeos de Freestyle y entrevistas exclusivas con JME, Durrty Goodz, P Money, Dirty Danger y otros veteranos hablando de la escena grime desde sus principios hasta hoy en día. T: Aina Ruiz La exposición de Kids Of Grime está esponsorizada por Skullcandy y Prosecco Valdoca. Pure Evil Gallery, 108 Leonard Street, London. Inauguración 28 de abril de 18.00 a 21.00h www.pureevilclothing.com


música

t: david moreu / f: kevin cooke collection & t. ortega gaines

curtis mcNair En los años 60, Motown se convirtió en la discográfica más exitosa del mundo. No en vano, sus artistas eran las mayores estrellas de la música soul y sus canciones hicieron bailar a blancos y negros por igual (en una época marcada por las tensiones raciales). Pero aquel sello de Detroit no era una burbuja hermética y, a finales de la década, la contracultura se filtró en su estudio de grabación. Este cambio de rumbo se vio reflejado en canciones con un mayor compromiso con la realidad social y política, además de materializarse en una imagen más acorde con los tiempos que corrían. Curtis McNair fue el director de arte de Motown durante el apogeo psicodélico y definió su estética inconfundible con sus portadas de álbumes. Aquellas obras de mil colores marcaron tendencia y algunas se han convertido en clásicos indiscutibles, como la de What’s Going On de Marvin Gaye que ahora cumple cuarenta primaveras.

The Ultimate

Motown Album

Covers


Cuando era pequeño acostumbraba a dibujar las cosas que veía en los periódicos y en los cómics, así fue como mi profesor del colegio se dio cuenta de que tenía talento y me encargó trabajos relacionados con el arte. Incluso habló con mi madre para que me animara y ella me apuntó a un curso de ilustración por correspondencia para que perfeccionara mi técnica. Después me reclutaron para el servicio militar y me destinaron a Europa, donde pude visitar los grandes museos. Formé parte del primer contingente de soldados negros que se integraron en el ejército norteamericano y eso tuvo una gran repercusión en la sociedad y en el propio estamento militar, porque convivíamos y trabajábamos junto a los soldados blancos. Después regresé a Detroit y fue un impacto enorme ver que el país seguía dividido por la segregación racial. Por ser negros no teníamos acceso a ciertas zonas de la ciudad, así que me uní a las protestas y a las sentadas que se hacían en espacios públicos, boleras, restaurantes y piscinas para reclamar la igualdad de derechos. El momento más tenso fue en los años 60, cuando arrestaron a muchos manifestantes y había una gran brutalidad policial en las calles. Por aquellas fechas trabajaba en el departamento gráfico de Chrysler y era un amante del jazz, hasta que un amigó me recomendó para el puesto de director de arte en Motown y, en 1968, empecé a diseñar las portadas de sus álbumes. Berry Gordy, el presidente del sello, se había mudado a California y todo el contacto que tuvimos fue a través del teléfono. Eso hizo que gozara de bastante libertad creativa, aunque siempre dependía de la visión artística de los productores. Ellos proponían ideas y yo tomaba notas, hacía bocetos y les presentaba una primera versión de la portada. Me gustaba escuchar las canciones y dejarme llevar por las sensaciones que me transmitían, pero no acostumbraba a hablar con los artistas. Sólo los veía en las sesiones de fotos. Cuando estaban de gira, tenía que improvisar, hacer ilustraciones o contratar a fotógrafos para que fueran a los conciertos en otras ciudades. Una parte esencial de las portadas era la creación de los títulos, pero en Detroit era imposible conseguir tipografías psicodélicas. Entonces contacté con una empresa de California que tenía un catálogo muy extenso, trabajaban de noche y me mandaban los títulos al día siguiente. En aquellos días hubo una gran explosión de creatividad y algunos productores, como Norman Whitfield y Barrett Strong, grabaron singles muy transgresores con The Temptations, Marvin Gaye y Gladys Knight & The Pips. Era muy excitante formar parte de aquel movimiento, estar en la vanguardia artística y poder expe-

rimentar con las portadas. Para crear la imagen del álbum War & Peace de Edwin Starr me pregunté “¿qué significa la guerra?” y la única respuesta que encontré fue la palabra “paz”, así que diseñé un signo de la paz enorme e inserté dos fotos del cantante, una vestido de soldado y otra de hippie. ¿Conoces una banda que se llama Rare Earth? Recuerdo su primer disco y el hecho de que, junto a ellos, llegaron muchos artistas nuevos a Motown. A pesar de todo, mi portada favorita es la del álbum What’s Going On de Marvin Gaye. Un día me pidió que fuera al estudio donde estaba grabando para que pudiera hacerme una idea de lo que quería transmitir con sus nuevos temas. Cuando lo vi con el resto de músicos y la Orquestra Sinfónica de Detroit, había un ambiente muy espiritual y me di cuenta de que ponía toda su alma en aquellas composiciones. Estaba sentado al piano y los dirigía a todos, aunque no sabía leer ni escribir música. Entonces, Marvin estaba pasando una época muy difícil por la muerte de Tammi Terrell y no quería ir a un estudio para hacerse las fotos de la portada, así que mandé a un fotógrafo llamado Jim Hendin a su casa para que lo retratara en su propio ambiente. Era un día lluvioso y lo inmortalizó en el jardín, entre los juguetes de sus hijos. Cuando me llegaron las imágenes, seleccioné las que mejor representaban la esencia del disco, pero mi supervisor eligió otras que no me gustaban. Discutimos un buen rato y le propuse ir a ver a Marvin para saber su opinión. Subimos a la segunda planta de Motown, le mostramos las fotos y él señaló la misma que yo había elegido. Un primer plano en el que aparece mirando al horizonte. Hice la portada y el resto es historia.


música

t: andrea jarales / f: juan carlos tomasi

La agitación del espíritu the excitements Viajamos en el tiempo y nos trasladamos a finales de los 50’s, donde la explosión de Soul y Rhythm and Blues emergía de las profundidades de Estados Unidos para hacerse hueco en la historia musical. Para hacerse hueco y llenarte el Alma, como bien saben hacer The Excitements, banda barcelonesa con poco más de un año desde su formación y con una envolvente aura añeja, que no deja títere en su asiento. Pocas bandas actuales salen ilesas en el intento de asemejarse a esos antiguos sonidos, pero después de escuchar la intensa voz de su cantante, los pronósticos se derrumban para dar paso a un claro ejemplo de que ese estilo no ha muerto y que sigue vivo en cada uno de los 12 temas que componen su primer LP, editado por Penniman en 2010.


lamono / núm. 73 / mayo ’11

Cada miembro de la banda es un mundo, hay algunos que empezaron de muy pequeños estudiando en conservatorios y escuelas de música, hay otros que fueron totalmente autodidactas. Cada uno proviene de tocar estilos que, dentro de lo que cabe, son bastante dispares: desde jazz y big bands hasta bandas de rock’n’roll y garage, pasando por combos de funk, o hasta breves flirteos con el hip-hop, como puede ser el caso de nuestra cantante Koko Jean. No hay una banda en concreto en la que nos podamos reflejar, tomamos de aquí y de allá, pero los primeros discos de gente como James Brown (antes de que inventara el funk), Ike Turner, los artistas de Chess como Bo Diddley, Etta James, Hank Ballard nos llenan mucho. Realmente, cuando empiezas a indagar, te das cuenta de lo fértil que fue esa época y sus estilos. Ha sido muy bonito poder compartir escena-

rio con grupos a los que admiramos, aún más teniendo en cuenta lo poco que llevamos sobre los escenarios. Un momento especial fue cuando conocimos a Booker T (de los Mg’s, banda de Stax), tocamos con él en el Purple Weekend. Para muchos de nosotros, este señor es uno de los principales culpables de que amemos y toquemos esta música. Antes de subir a un escenario la calma precede a la tormenta. En la cabeza sólo tienes un pensamiento: hay que darlo todo, la gente que venga a verte se lo merece. Nuestro plan es girar todo lo posible presentando nuestro primer LP, y seguir creciendo como banda, poniendo la vista ya en el segundo. Hay que tocar y sentir lo que haces dándolo todo, como si fuera el último día que pisas un escenario. www.myspace.com/theexcitements


música

Cápsula

DISTORSIONANDO HASTA LOS HUESOS

www.myspace.com/capsulaorg

t: natalia brovedanni / f: pedro agustín


lamono / núm. 73 / mayo ’11

Llenar un escenario de la forma que lo hacen Cápsula no es algo habitual. Sus directos arrebatan, condensan huracanes de sonido que se apoyan en capas amalgamadas de distorsión y lo mejor de todo es que suenan a un batallón cuando los artífices son sólo tres: Martin y Coni, células madre del proyecto, y Nacho, batería de ritmos profundos que pone los cimientos a un grupo intenso, que avanza en el camino de la música con las ideas bien claras. La psicodelia stoniana, el noise trabajado desde la experiencia, sin abusos, efectista y envolvente; son señales enviadas desde el centro de operaciones de Cápsula, un lugar donde conviven las paranoias de Suicide con la personalidad rock de un grupo de garage difícil de encontrar a la vuelta de la esquina. In the Land of Silver Souls (Bcore 2011) es su flamante tercer disco y esto es lo que nos cuentan. Desde que comenzamos en 1997 hubieron un par de constantes sobre las que vamos construyendo nuestro sonido y es que lo consideramos un ser vivo, lo alimentamos y en los directos dejamos que se expanda, que toque los huesos de los que están presentes. Haciendo un breve resumen, en los primitivos comienzos, como todo grupo, contábamos con muy pocos elementos y eso nos permitía explorar otros recursos para los sonidos, como las máquinas de ritmos. Aunque siempre nos consideramos un grupo de rock, las capas de guitarras nunca faltaron. Las primeras giras que hicimos a finales de los 90 por Europa eran con cajas de ritmos, a lo Suicide, sabíamos que a ellos cuando iban de gira con The Clash les tiraban botellas y seguían tocando igual, a base de distorsión, delays cavernosos y mucha actitud. En Berlin por ejemplo, esa cosa sudamericana vía Suicide con algo de los primeros Stones por ahí en el aire les parecía una propuesta del futuro. Al muy poco tiempo, ya asentados en Bilbao, incorporamos batería y el sonido de Cápsula tomó otra profundidad Pudimos sacar a relucir  nuestras obsesiones con The Kinks y The Velvet Underground. A partir de Songs & Circuits del 2006 toda la distorsión de las máquinas las transformamos puramente con sonidos de guitarra y bajo. En Rising Mountains nos fuimos sumergiendo en atmósferas kraut y más psicodélicas. In The Land Of Silver Souls es su continuación, pero también nos adentramos en territorios nuevos. El directo nos ayuda mucho para ir arañando ángulos de lo que nos rodea. Tenemos montado un estudio de grabación, donde ensayamos y nos grabamos diariamente. Al llegar de alguna gira nos ponemos a tocar, influenciados por sonidos que nos quedaron guardados. Esos sonidos no tienen nombre ni género, son cosas que nos sacudieron. En algún momento Martín comienza a grabar mientras seguimos tocando. Pasados los meses volvemos a escuchar esas grabaciones y es como escuchar los sueños de un

gigante. Luego le damos vueltas a las estructuras y por último aparecen las letras, que surgen normalmente del sonido que las sustenta. Rising Mountains e In The Land of Silver Souls están unidos por esa cadena de sueños. No se repiten, son muy distintos pero pertenecen al mismo mundo. Algo que se convierte en nuestra bendición y nuestra cruz al mismo tiempo es que los discos y las canciones salen de nuestras membranas. No es algo que podamos decidir conscientemente. In the Land of Silver Souls es una tierra inventada, con todos los personajes que aparecen a lo largo del disco. Cada uno tiene una personalidad propia, la mayoría de ellos son viajeros. Los temas del viaje y la velocidad están presentes a lo largo de todo el trabajo. Para las letras hacemos cut & paste de ideas y sueños. ¿Qué nos han dicho? Que es un volcán furioso explotando en Marte. La experiencia con Santi fue tremenda. Es un crack. Grabar en cinta con su Studer recién calibrada le da al disco una calidez  y una personalidad únicas. Los tres tenemos personalidades muy distintas y a la hora de grabar aportamos enfoques diferentes, siempre hay tensiones y comuniones, por eso en los escenarios nos entendemos casi telepáticamente. El disco está recién salido, aún así hemos visto mucho interés previo a la edición. La cosa va pintando bien. Lo que sucede en cada concierto es único. Nos alimentamos de la energía de la gente,  y ésta se retroalimenta con la adrenalina que te dan los amplis a mucho volumen. Ahora mismo estamos metidos en un proyecto que es hacer el Ziggy Stardust completo, desde Fiver Years hasta Rock N Roll Suicide. Lo estamos viviendo con mucha intensidad. De hecho soñamos mucho con Bowie, ya sentimos su presencia como parte de nuestra cotidianeidad. Tocar con él algún día sería un sueño hecho realidad. A partir de abril empezamos la presentación de In the Land Of Silver Souls por España, en junio haremos gira por Sudamérica y después de verano otra gira por Estados Unidos.


cd’s

BING JI LING · SHADOW TO SHINE (Lovemonk) Buen rollo. Sí. Muy buen rollo. La mezcla de soul, psicodelia y pop son la combinación secreta de esta caja fuerte de sonoridad vintage hasta la médula. Quinn Luke, productor y músico californiano, también miembro de Phenomenal Handclap Band, despliega un sinnúmero de clishés propios de los grandes artistas de la Motown y comienza a hacer circular su nombre entre la escena neo-folk dejando el listón bien alto. Shadow to Shine es muy completo y tiene unos falsetes de lujo. Al loro.

BOY & THE ECHO CHOIR · AND NIGHT ARRIVES IN ONE GIGANTIC STEP (Green Ufos) Este dueto francés insiste en hacernos la vida más bonita, como si todo lo que pasara mientras escuchamos el disco sea parte de una película de cine de autor. El piano y la voz se encargan de pincelar melodías llenas de sensibilidad y elegancia; adornadas por xilófonos y atmósferas cargadas de reminiscencias a Low o Cat Power. Este disco da cobijo a diez baladas inundadas de imágenes relajantes, donde nada, absolutamente nada está fuera de lugar.

t: natalia brovedanni

THE MARZIPAN MAN · ADVENTURES (Primeros Pasitos) El cantante de Satellites, Jordi Herrera es un tío de Mallorca que ha rebuscado en su interior creativo y ha dado con The Marzipan Man, un espíritu de cuentos tradicionales que lo conduce por sendas luminosas, llenas de laberintos de fantasía que saben dejarte flotando en las nubes a la primera escucha. El folk pop de este artista pone los pelos de punta, susurra canciones, experimenta como en su momento lo hizo Brian Wilson, con suavidad y un plus de personalidad siempre bienvenido en los tiempos que corren.

JOY · JOY (Green Ufos) No sé si es cuestión de edad pero los mantras indierock cada vez entran mejor. Marc, Françoise y Anja vuelven a entregar un trabajo de tiempos lentos y barroquismo sonoro que anima a pelear la batalla hasta el final. Ánimos triunfales y pasajes siniestros acentúan el gusto por la distorsión y las melodías vocales, adentrándonos en un universo regido por la perfección y las cuerdas. El trance es inevitable y se agradece enormemente. La velocidad crece por momentos en canciones como Cold and Storm, donde una sensación más apocalíptica se apodera del disco y las guitarras se atreven a cambiar su intensidad hacia algo más noise.


lamono / núm. 73 / mayo ’11

COMBO DINAMO · QUIETO MUERE RESUCITA!!! (Independiente) La Coruña parió hace algunos años a un grupo curioso. Power pop cantado en castellano, lleno de teclados vintage, puntos electrónicos y petardeo del bueno. Canciones como Causa perdida o Todo te da igual hacen las delicias de la nostalgia ye-yé. Hay ciertos estilos que no han sabido madurar y quizás bandas como Combo Dinamo, que bien te clavan un hit ochentero o se animan a algo más lisérgico, resucitan aires que se creían perdidos. DAN MATHEWS · DO IT ALL (Promociones sin Fronteras) El que fue cantante de los indie Yoghourt Daze hace más de siete ha lanzado su primer disco en solitario, un trabajo muy cuidado donde resaltan tracks como Cut your ropes, una de las canciones que muestran a un Dan bien anclado en las baladas desgarradoras de los noventas. La intimidad y el aura romántico que impregna su trabajo lo transforman en un hype para momentos especiales en los que buscamos despejar la mente y volvernos un poco ñoños. Aunque no agradezco el exceso de azúcar, las composiciones están creadas desde la sencillez y eso le aporta un saber hacer imposible de pasar por alto.

ELADIO Y LOS SERES QUERIDOS · ESTÁN USTEDES UNIDOS (Sonobox/Promoción Fronteras) Si eres de aquellos que reniega siempre que algo suena tan contenido y evidente, no recuerdes este nombre, no habrá nada interesante para ti. Un sonido instrumental ultra-pulido que acompaña el protagonismo pop de la voz principal forman un tándem de luxe para fans de lo último de Dorian, canciones en las que podrás corear algún trozo mientras fantaseas como si hablasen de ti. Lamentablemente, la elección del castellano no siempre se agradece.

CONNAN MOCKASIN · FOREVER DOLPHIN LOVE (Phantasysound) En cada edición de lamono, la banda sonora cambia muy radicalmente y este mes el premio a la originalidad es para este neo-zelandés, responsable de una obra ecléctica, vigorosa y arriesgada. El delay casi permanente y el uso del slide crean un sonido muy personal, alejado de lo que estamos acostumbrados, jugando con la experimentación y la psicodelia, sobre una base sólida que enseña un innegable talento para improvisar. El factor sorpresa está muy devaluado y encontrarse con un disco tan versátil, con músicos conscientes de sus capacidades y con deconstrucciones de jazz imposibles, es un verdadero placer.


conciertos & sesiones

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1· TOUNDRA El grupo madrileño de Post Rock instrumental se ha puesto las pilas para afrontar un nuevo periodo. Este año formarán parte del cartel del Primavera Sound, del DCode Festival y del Resurrection Fest. Ya llevan desde 2008 Experimentando con el sonido, cuando sacaron a relucir su primer trabajo. Desde entonces no paran, dos discos en el mercado y ahora reeditan su segundo trabajo (II) en vinilo. Sala Matisse. Sábado 14 de Mayo. A las 22.30h. Valencia 2· LA TERRRAZZA. SUPERNOVA + OSCAR AGUILERA El club más emblemático y legendario de la ciudad, La Terrrazza, vuelve a abrir sus puertas. Esto ya suena a verano, aire libre, buen rollo y sobretodo mucha fiesta. Los amantes de la mejor música house podrán disfrutar de una noche de apertura inolvidable con djs del nivel de Supernova y Oscar Aguilera. Después de 16 años de éxito, la discoteca más cañera e internacional del Poble Español mantiene la calidad y su estilo joven y vanguardista. La Terrrazza, Viernes, 20 mayo 23:30. 18 €. BCN 3· THE BRAND NEW HEAVIES Dicen que, a veces, descansar del éxito es positivo. Esto es lo que han hecho The Brand New Heavies que, tras años de paréntesis, vuelven al primer plano de la escena internacional para revolucionar las pistas de baile. Andrew Levy, Simon Bartholomew y Jan Kincaid liderados por la voz de N’Dea Davenport vuelven para mostrarnos su mejor directo y dejar claro que siguen siendo los pioneros del Acid Jazz. Sala Apolo. Martes 26 de Mayo.21.30h. 23€. BCN 4· JAMES BLAKE James Blake es pura vanguardia. El músico encontró un hueco en el mundo de la música con

su revolucionaria versión de Feist, Limit to you love. Con un estilo misterioso y estrambótico, su estandarte es el minimalismo y el juego de armonías creando una música intrigante e inteligente. A sus 23 años es uno de los artistas aclamados por todo el mundo y va a dar mucho que hablar en los próximos meses. Esta es su primera visita a Madrid y parece que va a reventar la capital. Joy Eslava. Lunes 30 de Mayo. 20h. 20-22€. MAD 5· IAM Hablar de rap en Francia es hablar de IAM. Philippe Fragione ‘Akhenaton’, Geoffroy Mussard ‘Shurik’N’, Malek Brahimi ‘Freeman’, Eric Mazel ‘DJ Kheops’, Pascal Perez ‘Imhotep’ y François Mendy ‘Kephren’ formaron su grupo en 1989 y crecieron como la espuma. En pocos años sus ventas alcanzaban los 600.000 ejemplares siendo el nº 1 varias semanas. Después de unos años disuelta, la banda se volvió a unir en 2003 y ahora aterrizan en Barcelona y Madrid para mostrar su mejor cara. Joy Eslava. Viernes 3 de Junio. 21h. 20.25€. MAD. Sala Apolo. Sábado 4 de Junio. 21h 20-25€. BCN 6· BILL CALLAHAN Bill Callahan regresa a nuestro país tras el rotundo éxito del año pasado. Y viene nada más y nada menos para presentar su nuevo álbum Apocalypse, un trabajo que lleva escasos días en el mercado. Callahan no vendrá solo, Matt Kinsey lo acompañará a la guitarra y Neal Morgan repite con la batería. El cantautor americano hace una profunda reflexión sobre sí mismo para orientar su talento al resto del mundo. Como es el hombre y cuál es su papel en el mundo son sus principales temas. Sala Bikini. Lunes 23 de Mayo. BCN. Sala Heineken. Martes 24 de Mayo. MAD

BARCELONA: La Terrrazza. Poble Espanyol. 687 969 82/ 93 272 49 89. Sala Apolo. Nou de la Rambla, 113. 934 414 001. Bikini. Avenida Diagonal, 547. 933 220 800. MADRID: Sala Heineken. Pricesa, 1. 902 15 00 25. Joy Eslava. Calle del Arenal 11. 91 366 37 33. VALENCIA: Matisse. Calle Campoamor 60 . 626032914


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