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CUTS LIKE STEEL T: BEA SALAS PH: MARK MURRMANN WWW.MARKMURRMANN.COM

Defíneme acero. Es el metal último, el elemento más sutil y firme, duro como ningún otro. Un material que resiste y ataca al mismo tiempo, inmóvil gracias al refugio de su frialdad. Si fuera persona, sería quien no duda. Define steel for me. It is the ultime metal, the most subtile and firm of elements, hard like no other. A material that resists and attacks at the same time, still inside its shelter of cold. Were it to be a person, it would be the one never to hesitate.

GEMMA O'BRIEN, NEW VOLCOM ADVOCATE X LAMONO

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De acuerdo. Espera: hay hombres, además, cuyas miradas cortan como el acero. Sus ojos no contienen torpeza, es más, no encierran sino astucia. Sus observaciones son sagaces, llegan a inquietar; sus reflexiones honestas, invitan a pensar. El acero es allí donde las manos de la resistencia estrechan con fuerza a las del saber. El respeto de lo físico hacia el intelecto. Alright. Hang on: there are also men whose looks cut like steel. Their eyes contain no clumsiness, in fact they hide nothing but cleverness. Their observations are so honest they can disturb; their reflexions so witty they invite thought in. Steel is where the hands of resistance strongly shake the hands of wisdom. Where the physical respects the intellectual.

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Savoir faire, savoir résister. Sí. El acero es la autoridad hecha química. El componente helado e intransigente, que responderá solo si es aproximado con cautela. Materia en efecto tangible, que espera sin embargo ser abordada mediante diplomacia y determinación. Savoir faire, savoir résister. Exactly. Steel is authority made chemical. The frozen and intransigent component that will only respond if approached with caution. A precisely tangible ingredient, however expecting to be accessed with both diplomacy and determination.

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Dos caras... De la misma moneda. La fuerza del acero no es gratuita, pues existe en tanto que hay algo que proteger. Su condición cuida miradas, vela por lo débil, custodia almas y su recurrente miedo a exhibirse. Camina junto a temores de niñez y ampara al eterno pánico hacia lo desconocido. El acero es el escudo que viste la fragilidad, el ímpetu que nos guía en la lucha por convertirnos en quien queremos y el afán gracias al persistimos en nuestros objetivos sin importar la dificultad. Two faces...Of the same coin. Steel’s strength should not be seen as gratuitious, since it will exist as long as there is something to be protected. Its condition cares for the eyes’ glance, looks after the weak, minds souls and their recurrent fear of being exhibited. It walks next to childhood fears and watches out for the eternal panic towards the unknown. Steel is the shield covering fragility, the vigour guiding our fight to become who we want to be and the eagerness that helps us pursue our objectives no matter their difficulty.

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Difícil de definir. Su definición es en sí misma la definición. La finura con que corta. El acero es el elemento que viste al humano sutil y firme. Ese que no duda. El que resiste y ataca al mismo tiempo. El que vive como ningún otro. Difficulty in defining. Its definition is definition itself. The refinement in which it cuts. Steel is the element that dresses a subtile and firm human. The one never to hesitate. The one who resists and attacks at the same time. The one who lives like no other.

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INNOVACIÓN RAY-BAN:

EVOLUCIÓN Y SENTIMIENTOS La evolución es un círculo que avanza teniendo en cuenta presente, pasado y futuro. Al final se genera una circunferencia más perfecta de lo que nos pueda parecer, ya que de forma inconsciente toma lo mejor de cada época, aquello que retuvimos en nuestra mente porque era importante. Ray-Ban llega esta temporada con una colección que es innovación absoluta (tanto en la forma –modelos- como en el fondo –materiales-), inspirada en iconos del pasado que se mantienen en el presente. Evolution is a circle that requires the past, the present and the future in order to move forward. Such process eventually generates a surprisingly perfect circumference since it has gathered the best of each time, including those facts and experiences which, even if unnoticed, we kept in our memories due to their relevance. Ray-Ban absolutely innovates with a new collection this season, both in shape -models- and background -materials, having found their inspiration icons of the past that still persist today.

www.ray-ban.com

Son varias las sorpresas que la marca tiene preparadas, no solo en la colección SS’14 sino también en la de otoño-invierno 2014 / 2015, pero por ahora solo podemos avanzar tres de ellas que son la presentación perfecta para lo que está por venir.

Many are the surprises the brand has planned, not only for the SS’14 collection but also for autumn-winter 2014 / 2015, although all we can do for now is present three of them which make a perfect introduction for what is yet to come.

CUTS LIKE STEEL.

CUTS LIKE STEEL.

Bajo este claim se presenta el icónico modelo Aviator realizado con hojas de acero plano cortadas con láser, consiguiendo así una montura elegante, de una extrema precisión en las líneas y muy resistente. En el pasado, este modelo se creó para proteger a los aviadores estadounidenses de los destellos a grandes alturas. De ahí pasaron a ser las gafas de sol preferidas de las estrellas de Hollywood y el siguiente paso es que llegaron para quedarse. Este es el novedoso modelo Highsreet que hemos elegido para nuestra portada en esta edición, basada en una fotografía de Elle Green realizada en los bosques de Sydney.

Under this claim is how the iconic Aviator model is now presented, made with flat steel blades cut with laser, hence creating an elegant frame of extreme precision in its lines and very resistant. This model was first created to prote ct American aviators from flashes while flying. Soon they became Hollywood celebrities’ favourite sunglasses until it was made clear they had come to stay. This is the new model Highstreet, which we have chosen for this issue’s cover, based on a photograph by Elle Green taken in the woods of Sydney. BLENDS IN LIKE CAMO.

BLENDS IN LIKE CAMO.

Quizá se deba a esa necesidad que tenemos en algunas ocasiones de pasar desapercibidos, camuflarnos con lo que nos rodea y desde la sutileza pasar a ser más nosotros mismos que nunca. Lo cierto es que este modelo con las varillas cubiertas de camuflaje es una muestra de que la tendencia y la inspiración van siempre de la mano. Las Ray-Ban Wayfarer Urban Camouflage.

It might be due our the necessity to sometimes go unnoticed, cover ourselves up in what surrounds us and silently turn into who we really are. Truth is this model with its ribs covered in camouflage is a proof of how trends and inspiration always go hand in hand. The Ray-Ban Wayfarer Urban Camouflage will help us walk thorugh the city camouflaging ourselves instead of hiding. TOUGH AS LEATHER.

TOUGH AS LEATHER.

La resistencia y el carácter de la piel, que se adapta como un guante a nuestra forma de vida; esos objetos de piel los que se convierten en muy nuestros, inseparables y nos acompañan hasta el final de nuestros días, desgastados y con el recuerdo de los años vividos en todas sus arrugas. Esa tenacidad de la piel viste a las icónicas Wayfarer en negro y marrón. Con lentes polarizadas este modelo está llamado a convertirse en un compañero de vida, que pasará de padres a hijos, a nietos y bisnietos.

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The resistance and character of leather make it fit our lifestyle like a glove. Those leather objects that become so personal, inseparable and close to us until the end of our days, when they are worn away and carry the memories of all those years drawn in their wrinkles. That leather persistence is the one dressing the iconic Wayfarer in black and brown, and with its polarised lenses threatens to become a life companion, going from parents to children, grandchildren and great-grandchildren.


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CUTS LIKE STEEL RAY-BAN X JÉRÔME ROMAIN & ELLE GREEN

Pintar una actitud cortante como el acero con un realismo extremo. Jérôme Romain ha desarrollado nuestra portada para Ray-Ban tomando como base una fotografía de la australiana Elle Green, realizada especialmente para la ocasión. Tanto la inspiración de la fotógrafa como el objetivo del artista ha sido transmitir la fuerza, la sutileza y la resistencia del acero combinada con la calma que da mantenerse fiel a uno mismo y no esconderse nunca. To paint with extreme realism an attitude that cuts like steel. Jérôme Romain has carried out our cover for Ray-Ban basing his work on a photograph by Australian Elle Green, specially taken for the occasion. Both the photographer’s inspiration and the artist’s objective are to transmit the strength, subtility and resistance of steel, combined with the calmness that remaining faithful to oneself and never hiding provides with.

‘Cuts like steel’ (Corta como el acero). ¿Qué te inspira esta frase? Como pintor para mí es la mirada la que

“Cuts like steel”. What does this expression evoke in you?

tiene que cortar como el acero, ser capaz de poseer una fuerza de cirugía. Lo que más me impresiona de esta imagen es que a pesar de su aspecto estereotipado, transmite una actitud serena. Citando un antiguo eslogan político francés, tiene una “fuerza tranquila”, la simple presencia, la impresión de que alguien es uno mismo sin esfuerzo. Este momento de calma viene también del placer de percibir la moto en ese momento de pausa en la ruta, casi podemos sentir cómo aún se escapa el calor del motor.

As a painter I think a look has to cut like steel and be able to own a surgical strength. What strikes me the most about this piece is that regardless of its stereotyped appearance, it transmits serenity. Quoting an ancient French political slogan, it has a “tranquil strength”, a simple presence, the impression that someone is being authentic without effort. This moment of calmness also comes from the pleasure of perceiving the motorbike in that pause while of the route, almost being able to feel the heat coming out from the engine.

¿Crees que la sutileza y la fortaleza es un trabajo interior? Muy probablemente requiere esfuerzos, perseveran-

Do you think subtility and strength require internal practice? They most probably require effort and persever-

cia, la capacidad de confrontarse con uno mismo y de luchar contra nuestros demonios para ser UNO sólo. “Un arbol no busca sus frutos, los produce”.

ance, as well as the ability to confront oneself and fight one’s demons in order to become a whole and unique being. “A tree doesn’t look for its fruit, it produces it.”

¿Cuándo a lo largo de tu vida te has sentido más fuerte? ¿Y más vulnerable? En este momento por ejem-

When have you felt the strongest throughout your life? And the most vulnerable? I feel quite strong right now

plo me siento bastante fuerte, después de una época de mi vida un poco difícil me encuentro otra vez sereno; mis miedos y mis debilidades están ordenados, tengo conciencia de la inutilidad de las cosas pero aprovecho al máximo cada instante, me considero a mí mismo sin tanta autocrítica tomando en cuenta mis cualidades. Además, empiezo a tocar ciertas cosas en pintura que me hacen sentir bien. ¿Cómo ha sido el proceso de elaboración de esta obra en colaboración con Ray-Ban? Lo primero que hice

fue observar la imagen de Elle Green hasta en los mínimos detalles para entenderla, para captar la inspiración Ray-Ban Cuts Like Steel en la mirada y en la actitud del modelo. Después realicé el dibujo a lápiz, más tarde pinté la grisalla (dibujo aumentado únicamente con diluciones de negro). Finalmente pinté en la capa coloreada y llevé a cabo varias etapas de correcciones y de pulir detalles.

actually, after a rather difficult time in my life I feel calm; my fears and weaknesses seem to be in order, I am conscious of the inutility of things but benefit as much as I can from every instant. I consider myself less self-critical and take my virtues into account. I also started playing with a few painting techniques that make me feel good. How was the process of developing this piece in collaboration with Ray-Ban? The first thing I did was to

observe Elle Green’s image to the smallest detail so as to properly understand it and catch the Ray-Ban Cuts Like Steel inspiration in the look and attitude of the model. I then drew it using pencil and later on painted the grisaille (a drawing only enlarged through dilutions of black). I finally painted on the coloured layer and went through a few stages of corrections and polishing details.

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T:T: VICKY VICKY NAVARRO NAVARRO

REALIDAD

AFILADA Jérôme Romain Esa expresión que dice que la realidad supera muchas veces la ficción tiene su razón de ser en los detalles. Es ahí donde se destapan los misterios, aquello que nos hace dar con la clave de la diferencia, de una fantasía que nos recuerda algo o un enigma que se desvelará en el futuro. Y cuando esos detalles se camuflan en un escenario sin artificio, tienen aún más gancho, juegan su papel de forma sutil, cortando pensamientos sin utilizar herramientas obvias. La obra de Jérôme Romain juega con la realidad, con la ficción y con la imagen perfecta para ofrecer algunas claves de la cultura contemporánea con notas positivas. A pesar de la rigurosidad, solo hace falta salir, ver, ser uno mismo y escoger lo que nuestro instinto nos dice que es para nosotros. The expression saying reality goes far beyond fiction comes from the where the details lie. Where mysteries are uncovered, making us us find the key to this slight difference, a reminding fantasy or a yet unrevealed enigma. And when these details hide in a scenery free of artificies they even gain charm and play their roles in a subtile way, cutting thoughts without the use of evident tools. Jérôme’s work plays with reality, fiction and the perfect image in order to offer some of the keys of contemporary cutlure. Besides accuracy, one must go out, see, be oneself and choose after listening to destiny: some things are meant to be for us.

romain-art.blogspot.com

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ME GUSTA ENCONTRAR LA MAGIA, ESO QUE ES INCOMPRENSIBLE, ESE LIGERO TEMBLOR DEL MUNDO, TAL VEZ EL IMAGINARIO QUE SE SITÚA EN ESA ZONA BORROSA.

Según tus propias palabras, en cada imagen (cine, fotografía, flash de la vida diaria) ves una pintura, ¿qué significa eso? Supongo

¿Necesitas un estado de ánimo preciso para ponerte a pintar? No necesito especialmente un estado de ánimo para pintar, pero me gusta empezar a trabajar temprano. Por la noche paso varias horas mirando lo que he hecho durante el día, es el momento en el que me planteo lo que sigue, como en una partida de ajedrez. Sin embargo, ciertas etapas, como los acabados me piden mucha más concentración, lo que hace que me canse muy rápido, así que solo puedo realizarlos con la mente despejada y descansada.

Una de las ventajas del arte es la posibilidad de crear mundos imaginarios, aunque tu arte sea puro realismo, ¿también caben esos mundos? No sé si hay un lugar preciso para un mundo imaginario en

¿Qué es lo más maravilloso de pintar a una persona, su rostro, su cuerpo, su expresión…? Lo más maravilloso es sobretodo la manera de

que es en parte una deformación profesional, el hábito de observar, de diseccionar, de considerar cada instante o imagen teniendo en cuenta su potencial pictórico. Es a la vez lo que esta toma visual puede representar y la forma en la que podría pintarla potencialmente. Todo es imagen. Después, la particularidad proviene de las elecciones que tomo.

mi trabajo, sin embargo me da la impresión de que mis pinturas, a pesar de ser reales y fijas, motivan historias, pequeñas mitologías, al final son instantes entre un pasado y un futuro fijados en un eterno presente. Me gusta encontrar la magia, eso que es incomprensible, ese ligero temblor del mundo, tal vez el imaginario que se sitúa en esa zona borrosa.

Dices que retratas las conexiones transitorias entre las personas, que “el hombre es un animal social”, ¿A qué conclusiones te han llevado estos años de contemplación de nuestra sociedad actual? De entre muchas cosas, ¿qué es lo que hemos aprendido a hacer bien y lo que seguimos haciendo mal? Es una pregunta muy amplia, no es

fácil contestar. Me gusta observar y detenerme en lo que las personas tienen de únicas y en la forma en la que interactúan con el tejido social. Lo que me sorprende muy a menudo es la incapacidad de mucha gente de ser ellos mismos, la manera en que se dejan guiar o influenciar por responder a las convenciones sociales. El mundo en el que vivimos es extraño, hasta puede ser detestable, pero tiene también muchas ventajas y es fácil vivir con la condición de coger sólo lo mejor (como por ejemplo el acceso ilimitado a la cultura). Tu temática principal es la vida contemporánea, ¿estás tal vez realizando el retrato de una era? En efecto se puede decir así. Es una

especie de mirada sociológica sobre el mundo plasmada a través de la pintura. Soy el testigo de mi época y presento una visión particular, la cual espero sobrepase el aspecto puramente personal.

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hacer las cosas, cuando todo fluye correctamente, cuando todo encaja. Los rostros y las manos, siendo técnicamente más complicados, resultan de lo más gratificante para pintar, aunque a veces un trocito de metal o un zapato pueden serlo igual.

¿Los objetos revelan nuestra personalidad? Muchas cosas revelan la personalidad, los objetos deben formar parte de ello. Los detalles de una prenda, los accesorios (reloj, pulsera, tatuaje…), las actitudes, las miradas, dan mucha información sobre la gente. Todo está en los detalles. Para pintar como tú lo haces debes ser muy perfeccionista, ¿es así? ¿Lo eres también en tu vida diaria? Oigo a menudo esta palabra sobre

mí, así que puede que sea cierta. Me gusta hacer las cosas correctamente, ya sea pintar, patinar, conducir o cualquier otra acción, busco destellos de perfección.

Estás relacionado con el mundo de los boardsports, ¿Qué te aporta esa cultura? ¿Cuándo comenzaste a estar en contacto con ella? La

expresión “mundo de los boardsports” es muy amplia y no me identifico con ella. Patino desde que tengo catorce años, mucho antes de que comenzara a pintar. Me encanta, lo practico muy a menudo y lo enseño desde hace más de diez años durante el verano en campamentos para jóvenes motivados, también me he encargado del club de Montpellier durante tres años. Forma parte de mi vida, la mayoría de mis amigos son skaters y es así, me hace salir, utilizar mi cuerpo de otra manera, sudar, tomar el sol, es un placer inmediato, me procura bienestar.


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I LIKE TO FIND THE MAGIC, AND THAT IS INCOMPREHENSIBLE, THAT SLIGHT SHAKE OF THE WORLD, MAYBE THE IMAGINARY DOES LIE IN THIS BLURRY ZONE.

According to your own words, you see a painting in every image – cinema,photography, daily life flash. What does that mean? I guess it

somehow is a professional deformation, the habit of observing, dissecting, considering every instant or image taking its pictorial potential into account. This is at the same time what this visual shot can represent and the way in which I could potentially paint it. Everything is image. Then, details come from the choices I make along the way. One of the advantages of art is the possibility of creating imaginary worlds, even if your art is absolute realism, do they also fit in those imaginary worlds? I’m not sure whether there’s a precise imaginary world

for my work. However, I have the impression that my paintings, even if real and still, they motivate stories, small mythologies, without ending up being an instant between a past and a future set in the present. I like to find the magic, and that is incomprehensible, that slight shake of the world, maybe the imaginary does lie in this blurry zone. You say you portray temporary connections between people, since “the human being is a social creature”. What conclusions have you reached after all these years of observing our current society? Among many things, what have we learnt to improve and what do we still do wrong? That’s a

very wide question not easy to answer. I like to observe and take a minute in what is unique in people and the way they socially interact. What I’m often surprised by is the inability of many people of being themselves, the way in which they allow others drive them, or have an influence in order to obey to social standards. The world we live in is strange, sometimes obnoxious, but it also has advantages and it’s easy to live with the condition of staying with the best only –like the illimited access to culture. Your main theme is contemporary life, are you possibly portraying an era? Indeed it could be said so. It’s some sort of sociologic look on the world,

shown through painting. I’m a witness of my age and time and I present a particular view, which I hope goes beyond what is purely personal.

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Do you need to be in any concrete mood to paint? It doesn’t have to be a concrete one, but I do like to start working early. In the evening I spend quite a few hours looking at what I’ve done throughout the day, which is the moment when I plan what comes next, as in a chess game. However, some stages like when I work in the finishing touches require much more attention, which makes me tired very fast, so I can only make them with a very unwind and relaxed mind. What’s the most wonderful thing about painting someone, their face, their body, their expression? The most beautiful of all is the way of doing

things, when everything flows, when everything fits. Faces and hands, being technically more complicated, they are the most grateful ones to paint, although sometimes a piece of metal or a shoe can be too. Do objects reveal our personality? Many things reveal our personality, objects should inform of a part of it. The details of a garment, accessories –a watch, bracelet, tattoos, etc.– attitudes, looks. Those give a great deal of information about people. It’s all in the details. To paint the way you do, you must be a perfectionist. Are you? Also in your daily life? I often hear this expression about me, so it may be true.

I like doing things correctly, may it being painting, skating, driving or in any other action, I seek flashes of perfection. You’re related to the world of boardsports, what does this culture bring to you? When was your first contact with it? The expression “world of

boardsports” is very wide and I don’t feel too related to it. I skate since I’m fourteen, way before I started painting. I love it, I do it often and have been teaching it for over ten years during summer in camps for motivated youngsters. I also took care of the Montpellier club for three years. It’s part of my life, the majority of my friends are skaters and I like it the way it is, it makes me go out, use my body in a different way, sweat, sunbathe. It’s an immediate pleasure, it provides me with well-being.


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A L E X FA K S O * Touching the forbidden * T: INÉS TROYTIÑO

Es la fuerza prohibida. Al ver la obra de Fakso uno reconoce una fortaleza que roza la magia. El espectador se siente ahí, presente, prácticamente sujetando la cámara. Alex Fakso ha estado viajando a través de sí mismo y de otros en busca de las sensaciones que transmiten hombres cuyo valor principal es la falta de miedo. Si el graffiti está frente al objetivo, Fakso estará ahí, capturando y reclamando un hurra por el arte underground. Es el camino también de pintar, encontrándose a uno mismo sumergido por completo en el mundo del arte subterráneo. La rebelión contra lo establecido es palpable en tanto que otorga a las sombras una fuerza drástica. Su historia habla de los que se mueven rápido, se sienten fuertes y luchan por mostrar lo que es realmente verdadero. Ey, la fuerza del arte desconocido está ahí, a tu lado. Ver su obra es querer mirar de nuevo. Algunos se encontrarán incluso en busca del mensaje en una botella que el graffiti ofrece, está ahí, mira. Forbidden Strength. Looking at Fakso’s work one realises it’s so strong it even becomes magical. The spectator feels like being there, almost holding the camera. Alex Fakso has been travelling through himself and others trying to catch the sensations around those men whose main value is the lack of fear. When graffiti is the focus, Fakso is there to capture that non stop aim to claim for a hurray. It’s the path of painting and finding oneself inside underground art. A rebellion against the common is almost palpable in his work as shadows are given a visible strength. Alex Fakso’s story is the story of those who move fast, feel strong and put effort in sharing the real. Hey, the heavy unknown art is out there, next to you. After checking his work, one wants to look twice. Some might find themselves reading the sort of message in a bottle that graffiti offers, it’s there, look.

www.fakso.com 52


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Crear una situación es algo que encuentro espectacular, el hecho de hacer algo que permanezca con esa realidad tan especial que tienes delante.

Corrían los 90 cuando todo comenzó, ¿cómo ocurrió?

Todo empezó con la cultura del skate, me influenció mucho. Básicamente me cambió la vida. Era 1990, patinaba cada día y así lo hice durante años. Mi padre tenía una cámara y sentí que debía cogerla, así que empecé a fotografiar el mundo del skate, aunque no era nada serio. Ese fue mi primer contacto con la street culture, más tarde comencé a hacer graffitis y como tenía una cámara conmigo, simplemente tuvo sentido. Podía vivir una misma realidad desde dos perspectivas distintas, complementarias. Luego vino la fotografía nocturna. Me he acercado a este mundo de forma muy natural. Cómo empezaste en este círculo, ¿objetivo o casualidad? Solo sé que no fue fácil. Hacer fotos de noche con

una cámara analógica era bastante complicado. Al principio hacía muchos fallos, pero con el tiempo descubrí cómo ir haciéndolo bien. Sencillamente hice que funcionara.

¿De dónde viene tu interés por cultura underground?

Odio lo mainstream, no me interesa nada que esté rodeado de cosas que acaban siendo falsas. Comparado con lo habitual o lo esperado, la cultura underground es algo muy auténtico. No está comprometida con dinero o temas comerciales, lo que la ayuda a mantenerse verdadera, real. Sueles usar color pero también mucho blanco y negro. ¿Cómo te decides en cada caso? Para una fotografía en

blanco y negro el momento es más enfático, por supuesto si la foto está bien hecha. El color es más difícil porque debes considerar cuánto quieres que el color afecte a la totalidad de la foto, y muchas veces es algo que no puedes predecir. El color tiene un significado, que es algo que quieres pararte a pensar, algo con lo que jugar. Eso no pasa con las fotos en blanco y negro, lo que genera una imagen más fácil de leer. El momento está congelado, está ahí, y el significado no es otro del que ves. Así que cuando tengo que capturar algo siempre pienso en todos estos factores y tiro por color o blanco y negro...¡pero tener que escoger es muchas veces un problema!

La manera en que muestras el movimiento o una secuencia es una especie de baile prohibido. ¿Con qué intención expresas este caos desenfocado? Mi inten-

ción no es solo mostrar a la gente lo que es el graffiti, sino compartir lo mucho que amo la acción, el momento y el sentimiento de adrenalina. Crear una situación es algo que encuentro espectacular, el hecho de hacer algo que permanezca con esa realidad tan especial que tienes delante. Pero no necesariamente describo algo o cuento una historia. Creo que escogí este mundo simplemente porque me encanta sin sentirme comprometido con él. Es verdadero, de lo más externo hasta lo más nuclear. De Heavy Metal, la prohibición y la soledad son un resultado pero, ¿qué más puedes contarnos sobre este primer proyecto tuyo en solitario? Fue un proyecto difí-

cil de cerrar, una misión enorme. Al principio no tenía mucha idea ni prácticamente experiencia, pero de alguna forma lo hice y punto. Sabía que tenía que terminarlo en ese período, antes de la era digital. De lo contrario no estaría aquí hablando de él, ahora todo el mundo lleva su cámara encima y es más fácil. ¡Creo que lo hice a tiempo! Es genial que más y más gente sea ahora capaz de capturar momentos de una forma interesante, pero antes no era así. Las cámaras de carrete son más difíciles de manejar. Así que imagino que fue más que nada que nadie intentaba acercarse a este mundo de la manera en que yo lo hacía. Fast or Die es tu segunda publicación e instalación, ¿qué querías que el público supiese, sintiese o entendiese? La instalación fue como un momento que sí que

quería que la gente sintiera, tuviera y viviera. Aún así, sigue siendo un proyecto de fotografía que me gusta, no quería ir mucho más allá de lo que al fin y al cabo era. El libro es sobre el cambio de vida que experimenté al mudarme a Londres, de repente mi vida empezó a ir mucho más deprisa. Mi fotografía cambió y, los momentos que capturaba eran también más rápidos, ¡incluso peligrosos!

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Creating the situation is something I find spectacular, the fact of having something done with that special reality.

It was during the 90s when it all got started, how did it happen? It all started with the skate culture, which had

a big influence on me. It basically change my life. It was 1990, I skated everyday and kept doing it for many years. Since my father had a camera I felt like I had to take it and started photographing skate, nothing serious though. That was my first contact with street culture, then a bit later I began doing graffiti and as I had a camera with me it made sense. I could live the same world by showing it from two different perspectives that complemented each other. Then the shots at night came. Everything has just come as very natural.

factors and then go for colour or B/W.... big problem to choose sometimes! The way in which you show movement and sequence reveals some sort of forbidden dance, what’s the intention of all this unfocused mess? My intention is not merely

to show people what graffiti is, but sharing how much I love the action, the moment and the adrenaline feeling. Creating the situation is something I find spectacular, the fact of having something done with that special reality. I don’t necessarily describe or tell a story. I think I chose this world because I simply love it without having a compromise. It’s true from the outside till the inside.

How did you get into that circle. Chance or goal? All I

know is it wasn’t easy. Taking photos at night with a film camera was quite complicated. At the beginning I made a lot of mistakes but over time I learnt how to do it properly. I just made it work. Where does that interest on following the underground culture come from? I hate mainstream and nothing

is interesting to me if all there is turns out to be fake. Compared to what is major, underground culture is something very authentic. It’s not compromised with money or commercial stuff which definitely helps it stay true and real. You normally use colour, but also black and white pretty often. How do you decide in each case? For a B/W pho-

tograph the moment is more emphatic, obviously if the photo is well done. Colour is more difficult since you have to consider how you want colour to affect the whole of the picture and you often can’t predict much. Colour has a meaning, which is something you want to think about and play with. This does not happen with B/W, which makes an image easier to read. The moment is frozen right there and the meaning is no other than what you can see. So when I have to capture something I always think of these

From Heavy Metal, prohibition and loneliness are the result, but what could you tell us about this first solo project of yours? It was hard to put together, what a big

mission. At first I had no idea how to do it and not much experience, but I somehow made it. I knew it had to come out in that period before the digital era. Otherwise I wouldn’t be here to talk about it, as everybody carries a camera now and it’s obviously easier. I guess I made it on time! It’s great that more and more people are now capable of capturing moments in an interesting way, but it wasn’t this way before, film cameras are harder to use. I imagine it’s just that noone was trying to approach this matter as I did. Fast or Die, second solo publication project and installation, what did you want the viewer to know, feel or maybe understand? The installation was like a moment I

wanted people to have, share and experience. It’s however still a photography project which I ilked, and I didn’t want to go too far beyond it. The book is about the life change I experienced when I moved to London and suddenly my life was determined by velocity. My photography changed too, also the moments I captured were quicker, sometimes even dangerous!

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SUNGLASSES 62 RAEN OPTICS. T-SHIRT VOLCOM. JUMPER RVCA


PHOTOGRAPHER: ELLE GREEN WWW.ELLEGREENPHOTO.COM STYLIST: CYNARRA FERGUSON WWW.CYNARRAFERGUSON.TUMBLR.COM

THERE’S NOTHING LEFT OF THIS MODELS: MATT RABBIDGE & BROOKE @LONDONMGMT SPECIAL THANKS: JEREMY TAGAND AND DEUS EX MACHINA

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T-SHIRT VOLCOM. JUMPER DEUS. JACKET CARHARTT WIP. VINTAGE SCARF. BOOTS DR MARTENS. BAG HERSCHEL 64


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SUNGLASSES 66 RAEN OPTICS. HAT BRIXTON. KNITTED TANK RVCA. LACE BRA AMERICAN APPAREL. SILVER CUFFS 2 BANDITS. RINGS STOLEN GIRLFRIEND’S CLUB


Rodney Berra 67 Mullen


HAT BRIXTON. VINTAGE SCARF. JUMPER DEUS . T-SHIRT VOLCOM. JEANS RVCA

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HAT BRIXTON . SUNGLASSES RAY-BAN. LEATHER JACKET JAMIE FAME. VINTAGE SCARF. TEE RVCA. JEANS RVCA. BOOTS DR. 69 MARTENS


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T-SHIRT VOLCOM. JUMPER DEUS. JACKET CARHARTT WIP . VINTAGE SCARF. BOOTS DR MARTENS. BAG HERSCHEL

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72 T-SHIRT VOLCOM . JUMPER DEUS. JACKET CARHARTT WIP. SHIRT ELEMENT. BOOTS DR MARTENS


MATT WEARS: T-SHIRT VOLCOM. VINTAGE SCARF. VEST STOLEN GIRLFRIEND’S CLUB. SHIRT ELEMENT. JEANS RVCA . SHOES DOC MARTENS SHE WEARS: SUNGLASSES RAEN OPTICS. DRESS STOLEN GIRLFRIEND’S CLUB. JACKET VOLCOM. JEWELRY SAME. VINTAGE BOOTS

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TRAVIS MILLARD La fuerza del humor T: LARA TUNER

El paisaje imaginativo de Travis Millard (Kansas, 1975) es complejo, extraño, en ocasiones abigarrado, y nos lo muestra en sus ilustraciones con toques de humor, sarcasmo y cierta violencia. Desde que fundó Fudge Factory Comics, sus personajes han recorrido muros, camisetas, revistas, libros y anuncios. Ahora triunfa en Instagram con el proyecto #pancakemorning que empezó como una broma entre amigos y con el que ha conseguido elevar las tradicionales tortitas a la categoría de arte. Porque, como él nos dice, no interesa el modo o la técnica, se trata sólo de dibujar. Y eso es lo realmente importa. Travis Millard’s (Kansas, 1975) imaginative landscape is complex, unusual, sometimes even tangled and is shown in his illustrations with touches of humour, sarcasm and a certain amount of violence. Since the day he founded Fudge Factory Comics, his characters have been on walls, t-shirts, magazines, books and advertisements. He has now taken over Instagram with #pancakemorning, a project that first started as a joke between friends and which has now turned breakfast into an expression of art. Because, as he told us, interest does not lie on style and technique, but on the actual fact of drawing. That is what truly matters.

www.travismillard.com

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“Crudo y con un espíritu libre”. Así han definido tu estilo en alguna ocasión. ¿Compartes esa visión? ¿Cómo lo describirías? Eso suena muy

¿Qué puedes expresar con el cómic que no puedas hacerlo con las otras disciplinas? La raíz del cómic es que te permite ampliar

bien. Sí que hay algo de crudeza. Y los espíritus son en ocasiones libres. De todas formas no suelo tratar de definirlo. Soy mejor dibujando algo que tratando de explicar en qué consiste.

de forma secuencial un tema. Eso es lo que a veces me gusta hacer. Probablemente Google tiene una mejor respuesta para esta pregunta que esta que se me acaba de ocurrir a mí.

Combinas violencia y humor de forma constante en tus ilustraciones y comics. ¿Podríamos comparar tu trabajo al de un caricaturista político? Eso me daría demasiado crédito... No soy tan disciplinado.

Has trabajado para marcas como Volcom, Vans, Burton o Nike. ¿Hay diferencias entre el trabajo que desarrollas para esas marcas y tus ilustraciones más personales? Depende del proyecto del que

¿Tienen tus ilustraciones un espíritu de denuncia? ¿O sólo buscan divertir? Creo que depende del dibujo. Algunos pueden ser más incisivos

que otros. Aún así, en general, pienso que están tratando de comunicar un sentimiento, sea el que sea en aquel momento.

Además de la violencia, ¿qué otros aspectos o preocupaciones contemporáneas sueles abordar en tus dibujos? Vuelco todo lo que actual-

mente está flotando en mi cabeza: alimentos, bromas, miedos, familia, cosas bonitas, cosas feas y otras rarezas varias del paisaje imaginativo.

Cuts like Steel es el tema de la revista para este número. ¿Qué te hace sentir afilado? Mi duodécima taza de café por la mañana. ¿Son fuertes los personajes que sueles crear? ¿Cómo los definirías? ¿Qué tratan de comunicarnos? No sirvo para definirlos en un sentido

general. Lo mejor que puedo decir es que nacen a partir de una huella psíquica basada en la experiencia, la observación o la imaginación.

En tus ilustraciones detectamos una cierta ausencia de personajes femeninos. ¿A qué se debe? Dibujo mujeres y, desde luego, no evito cons-

cientemente dibujar nada. Tal vez los hombres grotescos de mis ilustraciones me acaban saliendo de una forma más natural. Probablemente sea un tema sobre el que debería hablar con un psiquiatra. ¿De dónde viene tu afición por el skateboard y cómo ha influenciado tu trabajo? Cuando era joven estaba obsesionado con los primeros gráfi-

cos de Jim Phillips y VCJ, probablemente eso sólo aumentó mi cerebro lo suficiente como para dejar un recuerdo duradero. Tu trabajo abarca multitud de disciplinas: comic, ilustración, editorial, diseño, street art… ¿Cuál es la que mejor te define? Si es que hay solo una. Simplemente se reduce a dibujar, que es lo único que realmente

me interesa.

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estemos hablando. A veces el trabajo personal puede prestarse a un tratamiento gráfico más libre, o si estoy trabajando con un director de arte el resultado final viene siempre determinado por unos parámetros. En última instancia todo va en el mismo saco.

En 2009 decías en una entrevista que no estabas metido en las redes sociales, no tenías Facebook, aunque les veías la utilidad. Actualmente tienes Twitter (@theotherfudge) y tu perfil de Instagram reúne más de 25.000 seguidores. ¿Qué opinas ahora de las redes y qué uso les das? Supongo que un amigo me convenció

de que debería tratar con todas ellas. Es bueno tener la oportunidad de compartir un dibujo con mis 25.000 amigos más cercanos y personales.

¿Arte en tortitas? Explícanos cómo surge el proyecto #pancakemorning que vemos en tu cuenta de Instagram y qué buscas con él. Comenzó como una divertida rivalidad con Gavin McInnes, amigo

y cofundador de la revista Vice, a través de Instagram y finalmente se ha convertido en una práctica habitual. Elaborar una tortita artística es divertido y liberador, es como dibujar aunque de una manera diferente. Algunas de ellas me las como, algunas las tiro a la basura, y otras las he estado preservando permanentemente bajo resina. ¿Te puedes imaginar haciendo otra cosa a nivel profesional que no sea el arte? Tal vez pueda conseguir un trabajo en una casa de

tortitas.

¿En qué estás trabajando ahora mismo? Inauguro una exposición en septiembre en la galería Slow Culture de Los Ángeles, donde mostraré algunos dibujos nuevos y tortitas conservadas. Estoy aprendiendo a usar la pistola de tatuar con la ayuda de mi amigo y vecino Jay Howell. Y ahora mismo estoy a punto de salir a dar un paseo con mi perro.


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“Raw and free-spirited”. That’s how people defined your style on occasions. Do you share that view? How would you define it? That sounds

What can you express with comic and you can’t do with the other disciplines? The root of a comic allows you to expand sequentially on a

pretty good. There is some rawness. Spirits are occasionally free. I don’t look to define it very often. I’m better at drawing than scripting it out.

subject... Sometimes that’s what I want to do. Google probably has a better answer than I can come up with for this one.

You constantly combine humour and violence in your illustrations and comics. Could we compare your work to a political cartoonist’s? That

might be giving me too much credit.. I’m not that disciplined.

You’ve worked for brands such as Volcom, Vans, Burton, Nike and Adidas. Are there differences between the work that you develop for these brands and your more personal illustrations? It depends on the

Do your illustrations have a spirit of complaint? Or just look to having fun? I think it depends on the drawing. Some may be more pointed than

project we’re talking about. Sometimes personal work may lend itself to a graphic treatment, or if I’m working with an art director then the goal has parameters. Ultimately it’s all coming from the same wheelhouse.

others. Overall I think they’re trying to communicate a feeling, whatever that may be at the time. In addition to violence, what other contemporary concerns or issues do you usually address in your drawings? It’s all just a dump from what-

ever is currently floating through my head... food, jokes, fears, family, pretty things, ugly things, and various other oddities of the imaginative landscape. “Cuts like Steel & Strong” is the theme of lamono magazine for this issue. What makes you feel strong? My 12th cup of morning coffee. Are strong the characters you usually create? How do you define them? What do they strive to tell us? I’m not good at defining them in a gen-

eral sense... The best I can say is that they’re born from a psychic imprint based on experience, observation or imagination.

In 2009 you said in an interview that you weren’t involved in social networks, you didn’t have Facebook, even though you saw its utility. You currently have Twitter (@theotherfudge) and your Instagram profile has more than 25,000 followers. What do you think now about networks and what use you give them? I guess a friend just convinced me I should try

them all. It’s nice that I get the chance to share a drawing with 25,000 of my close personal friends. Art in pancakes? Explain how the project #pancakemorning that we see

in your Instagram profile arises and what you want with it. It started as a funny rivalry with Gavin McInnes, friend and cofounder of Vice magazine, through Instagram and eventually just turned into a practice. The act of crafting an artful pancake is fun and freeing and just drawing in a different way. Some of them I eat, some I throw away, and some I’ve been preserving permanently under resin.

In your artwork we detect a lack of female characters. Why?

Can you imagine working professionally on something other than art?

I do draw women. I certainly don’t consciously avoid drawing anything... maybe grotesque men just come out more naturally. Probably an issue I should speak to a psychiatrist about. - Where does your passion for skateboarding comes from and how has it influenced your work? Obsessing over the early graphics of Jim Phillips and VCJ when I was young probably just creased my brain enough to leave a lasting echo.

Maybe I’ll get a job at a pancake house.

Your work spans many disciplines: comic, illustration, editorial, design, street art, etc. Which one defines you best? If there’s only one. It just

comes down to drawing, which is all I’m really interested in.

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What are you working on right now? I have a show opening in September

at Slow Culture gallery in Los Angeles, exhibiting some new drawings and preserved pancakes. Learning to use a tattoo gun with the guidance of my friend and neighbor Jay Howell. Currently leaving for a walk with the dog.


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Curioso, inconformista, amante de la vida tranquila pero con miles de fuertes experiencias a sus espaldas. El canario Sergio Villalba es uno de los mejores fotógrafos de surf nacionales. Especializado en la escena surfera europea, lleva más de una década viajando por diferentes países para retratar todo lo que envuelve a este mundo. Y es que el surf para él no sólo se compone de olas y tablas, es también un conjunto de vivencias, paisajes, cultura y lifestyle que retrata en todos y cada uno de sus trabajos. Así, ha creado increíbles series fotográficas que lo han llevado a colaborar con las mejores revistas españolas, europeas y americanas, y con las más conocidas marcas de surf, convirtiéndose hace unos años en el principal fotógrafo de O’neill Europe. Desde 2010, además, Sergio forma parte, junto a Javi Muñoz “Pacotwo”, de WE Photo Agency, una agencia fotográfica centrada casi exclusivamente en este mundo. Ahora os traemos su última serie en las Islas Faroe. Una increíble aventura que tenemos la suerte de poder conocer de la mano de este todoterreno al que cualquier amante del surf y la fotografía debería de estar obligado a seguir allá donde vaya. Although curious and non-conforming, Canary Islander Sergio Villalba feels happy with his chilled life but also carries a history of strong experiences behind. He is today one of the best national surf photographers. Specialised in the European surf scene, he has been travelling around various countries for the last decade, capturing what is going on within the field. Surf is for him much more than waves and boards as the whole of experiences, landscapes, culture and lifestyle can clearly be found in his work. This is how he has created the outstanding photographic series that have allowed him to work with Spain, Europe and America’s top magazines, as well as with the most famous surf brands when he became a few years back O’neill Europe’s main photographer. Also, he co-founded, along with Javi Muñoz “Pacotwo”, WE Photo Agency in 2010, an agency almost exclusively focused on surf. We hereby present his latest series in Faroe Islands. An incredible adventure we have been lucky to discover, and a must for every surf andphotography addict.

www.wephotoagency.com

T: LORENA PEDRE

SERGIO VILLALBA

GUIDED BY THE WAVES

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HAY PERSONALIDADES FUERTES Y TAMBIÉN GENTE CON MUCHÍSIMA EMPATÍA. HAY OTRAS PERSONAS CON LAS QUE NI SIQUIERA COMPARTES UNA PALABRA, PERO QUE TE LLEGAN MUY ADENTRO.

¿Cuándo empezó tu pasión por el surf y por la fotografía? No recuerdo un momento exacto. Nací en un pueblo

costero de pescadores del sur de Tenerife en una época en la que había más bien pocas distracciones, digamos que en la era pre-internet. Crecí pelándome las rodillas a base de caídas con la bicicleta y “surfeando” con un bodyboard de plástico que me dejaba el pecho en carne viva. Surfeábamos sin saber muy bien lo que hacíamos. Aquello no tenía nada de místico, éramos niños, pero sí era puro e inocente. No sabíamos de maniobras ni lo que era una ola buena. Recuerdo el día en que un amigo me intentó explicar qué era una “cortina”. Me decía que solo existían en Hawaii (una cortina resultó ser un tubo). En eso se me pasó la infancia. La fotografía llegó después. En mi caso no hay historia de una Leica descubierta en el fondo de un armario o de padres artistas. En mi casa la única cámara que había era una Minolta de carrete de las que se encuentran en el rastro a patadas. Yo siempre sentí curiosidad por la fotografía, y como el surf era lo que más cerca tenía, mi pasión principal, fue eso lo primero que comencé a fotografiar. De lo que viene después, pues soy muy cabezón y cuando algo se me mete en la cabeza no paro hasta conseguirlo.

En alguna ocasión has comentado que durante los años que viviste en Barcelona fue cuando te diste cuenta de que querías hacer de la fotografía tu modo de vida, ¿cómo fue ese momento? Barcelona es una jungla. Llegué

aquí en 1999 y me fui en 2005. Aunque realmente nunca me llegué a ir del todo porque vuelvo cada poco tiempo. Tengo una relación de amor-odio con esta ciudad. Es de esos amores que te atrapan y no te dejan escapar. Aquí hice de todo. Estudié, pero sobre todo trabajé. Hice buzoneo en el Raval, trabajé de programador web, monté un estudio de desarrollo multimedia y diseño gráfico y di la primera clase en la historia del Instituto Europeo di Design de Barcelona. Pero también fue la época en la que me enfrenté a muchos miedos por mí mismo. Era bastante joven, cuando vine tenía solo diecinueve años, un crío. Aquí vi e hice muchas cosas que sabía que no quería para mí y sin saber bien por qué me di cuenta de que quería que el resto de mi vida girara alrededor de la fotografía. Mis primeros clientes fueron Jamboree, Tarantos y Moog. Les hice las fotos de los flyers y calendarios durante siete años, gracias a ellos aprendí mucho de la técnica. Tus fotografías transmiten paz, aventura, riesgo. ¿Son estos los rasgos que te caracterizan? Igual la paz sí, me

viene del lugar donde vivo. Me gusta mi día a día en la isla. Es tranquilo y no lo cambiaría por nada del mundo. La

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aventura y el riesgo me hacen sentir vivo, pero no es algo que me guste para mi vida. Hay quien encuentra paz en el riesgo, yo no. A mí el riesgo me causa estrés, pero es algo que me encanta vivir de vez en cuando. A la hora de realizar cualquier trabajo, ¿cómo escoges los lugares y protagonistas de tus fotografías? Cuando

se trata de elegir un sitio para realizar un reportaje de surf me gusta elegir lugares fuera de lo normal. Fui el fotógrafo de O’neill durante sus Cold Water Classics y ha sido uno de los mejores encargos de mi vida por lo diferente de los destinos. Los campeonatos se celebraban en lugares como Canadá, Sudáfrica, Escocia o Tasmania. ¿Quién piensa en olas cuando le nombran esos destinos? Me gusta explorar, con todo lo que conlleva, incluso con el sabor del fracaso, que siempre está ahí esperando a la vuelta de la esquina.

¿Qué te atrajo de las Islas Faroe para realizar la serie con algunas de las fotos que mostramos en estas páginas? Esta es la segunda vez que visito las Faroe. La primera

fue en el año 2007. Era un viaje comercial para una marca, pero con 100% de libertad creativa. Desde entonces siempre pensé que era el lugar más espectacular en el que haya estado nunca. Esta vez pensaba que iba a sentir el síndrome de la “segunda parte”, pero no fue así. Me pareció todavía más impresionante. Salvando las diferencias, hay algo en ese lugar que me recuerda mucho a donde yo vengo y no descartaría volver. ¿Qué me llevó en esta ocasión allí? Chris McClean, filmer inglés y viejo amigo, está haciendo una serie de documentales de surf en Islas Atlánticas para EpicTV y me instó a volver. Yo pensé… ¿por qué no?

¿Qué diferencias encontraste entre tu primera visita y esta última? Esta vez ya sabía qué iba a encontrar a nivel

de paisaje y en lo que se refiere a olas, pues me hacía una idea. El parte fue bestial durante las dos semanas, las olas no bajaron nunca de los diez metros en la costa Oeste, así que acabamos surfeando únicamente en las costas del Este de la isla. Esta segunda visita encontramos olas mucho mejores. El factor experiencia en el lugar jugó de nuestro lado. En las Faroe las condiciones son muy duras, ¿cómo te afectó eso a la hora de fotografiar?, ¿qué fue lo más complicado? El frío es tremendo, pero la sensación tér-

mica debido al viento atlántico la hace todavía peor. Creo que tuvimos veinte minutos de sol en dos semanas y fueron durante un amanecer que lo tiñó todo de rojo. Fue impresionante. Pero a las Faroe le queda muy bien el vestido de nubes. Aunque haga sol, en pleno mes de noviembre éste


se eleva tan poco sobre el horizonte que la mayor parte de los valles no reciben un solo rayo en meses. Ni tan siquiera en los días más despejados. En esas condiciones el equipo sufre mucho, en cualquier momento llueve, graniza o nieva. El viento es huracanado. Es peligroso conducir, no te encuentras con seres humanos hasta que vuelves a la capital, hay fango por todos los lados y el mar tiene una fuerza bestial. ¡Es apasionante!

placer con dos amigos artistas que van a exponer allí. Llevo demasiados años sin parar de trabajar un solo segundo y me lo merezco. Ahora mismo no puedo pensar en otra cosa. Bueno sí, quizás Cuba en octubre que es un viaje que tengo ganas de hacer desde hace demasiados años.

¿Qué es lo que más llama la atención de la escena surfera de las Faroe? No hay más que un solo surfista en las

¿Cuál es el personaje más afilado que te has encontrado mientras trabajabas? Te encuentras a mucha gente

Islas Faroe. Se llamada David, y lo conocimos en nuestra primera visita a la isla. Ahora es un buen amigo al que quiero ir a visitar pronto. Él ha invertido muchas horas explorando las olas en las islas. Imagínate ser el único surfista en un lugar donde hasta la cera la tienes que comprar por internet. Pero lo peor de todo es la fama que tiene en las islas, y no es de héroe precisamente. Las Faroe basan su economía en la pesca, por lo que el mar no es algo que inspire demasiadas cosas positivas porque se ha llevado muchas vidas a lo largo de la historia. Alguien que se divierte en el mar no deja de resultar extraño, sobre todo cuando lo haces solo.

Viajas mucho, ¿cuál te gustaría que fuera tu próximo destino? Me voy a NYC en una semana. Es un viaje de

interesante por el camino. Muchos de ellos se difuminan en tu mente. Hay personalidades fuertes y también gente con muchísima empatía. Hay otras personas con las que ni siquiera compartes una palabra, pero que te llegan muy adentro. Hace unos años estuve en casa del señor Jack O’neill, creador de la marca, inventor del traje de neopreno y tantas cosas más. Jack está muy mayor y tuve la oportunidad de hacerle unos retratos que se usaron en su libro biográfico. Él es una leyenda de las que hay pocas en la industria, pero no cambiaría la experiencia de conocerle por la de otros seres que me haya encontrado a lo largo del camino en otros lugares.

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THERE ARE STRONG PERSONALITIES AND PEOPLE WITH GREAT SIMPATHY. THERE ARE SOME OTHERS YOU DON’T EVEN TALK TO, BUT WHO STILL STRIKE HARD ON YOU.

When did your passion for surf and photography begin?

I don’t recall any concrete time. I was born in a fishing village in the south of Tenerife, during a time when distractions were scarce, it was the pre internet era. I grew up riding a bike and surfing with a plastic bodyboard, which respectively made my knees and chest very often bleed. We surfed without exactly knowing what we were doing. There was nothing mystical about it, we were kids, but it was pure and innocent. We knew nothing about tricks or what a good wave was. I remember the day a friend tried to explain what a “curtain” was. He said they only existed in Hawaii –he was actually talking about a tube. Basically that was my childhood. Photography came later, but my story does not begin with a Leica hidden in the back of a cupboard or artist parents. The only camera I could grab was the typical Minolta you can find so often in markets. I was always curious about photography, and since surf was what I had the closest, my main passion, it was the first thing I photographed. The rest comes from being tremendously stubborn. You have mentioned that it was during the time you lived in Barcelona that you realised photography was what you wanted to do for a living. How did that happen? Barcelona is a jungle. I got here in 1999 and left in

2005. Although I never really got to completely leave, since I frequently come back. I have a love-hate relationship with this city. It’s one of these romances you get trapped in and cannot escape. I did everything here, I did study but I mainly worked. I worked in mailing in the Raval area, also as a web programmer, I started a studio for multimedia development and graphic design, and taught the first lesson in the history of Instituto Europeo di Design in Barcelona. But it was also a time in which I fought many of my fears. I was quite young, I got here at the age of 19, I was just a kid. I saw and did things I always found were not for me and without knowing why, I realised I wanted my whole life to go around photography. My first clients were Jamboree, Tarantos and Moog. I took photos of flyers and calendars for seven years, which helped me learn a great deal about the technique. Your pictures transmit peace, adventure, risk. Are these some of your features? Maybe peace is, it comes from the

place where I live. I like my daily life in the island. It’s

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chilled and I wouldn’t change it for anything. Adventure and risk make me feel alive, but it’s not something I want for my life. Some people find peace in risk, I don’t. I find risk stressful, but I love to feel it from time to time. How do you choose the locations and protagonists of your photographs? When it comes to choosing a place for a surf

report I like to choose unusual places. I was O’neill’s photographer during their Cold Water Classics, which was one the best assignments I’ve ever got due to the various locations. Championships took place in places like Canada, South Africa, Scotland or Tazmania. Who thinks of waves when someone mentions these places? I like to explore, with everything it involves, even with the bitterness of failure, which is constantly threatening. What stroke you from Faroe Islands for made some of the photos that we show here? This is the second time I visit

the Faroe. The first time was in 2007. It was a commercial trip for a brand, however with a 100% creative freedom. I have ever since thought that is the most spectacular place I have ever been to. I expected to have the “second time syndrome” this time, but it was not like that. I found it even more breathtaking. Although there are obviously differences, there is something in there that reminds me of where I come from, and I wouldn’t mind going back there. What took me back this time? Chris McClean, English filmer and old friend of mine, who is making a series of surf documentaries in Atlantic islands for EpicTV and inspired me to go back. I told myself why not? What differences did you find between your first visit and this other one? This time I knew what I would find

in terms of landscape and waves. Waves were never lower than ten metres in the west coast, so we ended up surfing in the east coast only. This second time we found much better waves. The experience factor was in our favour. In the Faroe conditions are harsh, how did that affect your photography? What was most difficult? The

weather is already cold, but atlantic wind made it a much worse sensation. I think we had about 20 minutes of sun in two weeks and it was during a sunrise that turned the whole sky red. It was unbelievable. But the


Faroe do look good in clouds. Even if it’s sunny the sun rises so little that the majority of valleys don’t get a ray of sunshine for months. Not even on the clearest days. This is hard on the equipment as it is either raining, hailing or snowing. Wind is hurricane force. It’s dangerous to drive, you don’t bump into any other human being until you are back in the capital, there’s mud everywhere and the sea has a huge strength. It is absolutely exciting. What draws your attention the most from the Faroe surf scene? There’s just one surfer in the Faroe Islands. His

name is David and we met him on our first trip to the island. He’s now a good friend I want to go visit soon. He has invested many hours in exploring the waves in the islands. Imagine being the only surfer in a place in which even board wax needs to be ordered online. But the worst part is the islands’ reputation. The Faroe base their economy on fishing, so the sea doesn’t evoke many positive sensations since it has taken quite a lot of lives through history. Someone having fun in the sea is still seen as strange, especially when you do it on your own.

You travel a lot, what would you like your next destination to be? I’m going to NYC in a week. It’s a pleasure trip

with a couple of artist friends who exhibit there. I have been working nonstop for too many years and I deserve some leisure time. I can’t think of anything else right now, although Cuba in october is a trip I have been wanting to do for way too long. Who is the cuttest character you have come across while working? You meet many interesting people along the

way. A lot of them eventually vanish in your head. There are strong personalities and people with great simpathy. There are some others you don’t even talk to, but who still strike hard on you. A few years back I went to mister Jack O’neill’s house, founder of the brand, creator of the neoprene wetsuit and much more. Jack is quite old now and I had the chance to take a few photos of him that were used in his biographical book. He’s a legend like few others in the industry, but I wouldn’t change the experience of having met him for having met others I have bumped into in other places.

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LIVING THE DREAM T: ANTONELLA SONZA PH: MAUD SOPHIE ANDRIEUX

Phil Casabon + Henrik Harault philcasabon.com · hharlaut.com Algunos, con la altura, pierden el norte. Otros, cuanto más alto, mejor. A 1800m del mar charlamos con Phil Casabon y Henrik Harault, dos de los personajes más carismáticos del mundo del freeski (con permiso de Candide Thovex). A los dos, mejores amigos desde la infancia que pasaron juntos entrenando sobre los skis de aquí a allá, se les ocurrió un día crear un Invitational (Inventational, para más guasa), con el apoyo de Monster Energy, para reunir a una veintena de amigos en la estación de Les Arcs, en plenos Alpes franceses. ¿El objetivo? “Básicamente queremos que el mundo vea qué es el freeski y sobre todo pasarlo bien con los amigos, algunos ni esquiarán bien pero no diré nombres”, dice Casabon, con Harault al lado echándose unas risas. Queda claro que no hay presión: se trata de freeski en su más pura esencia, ya que los invitados se juzgan entre ellos mismos. Y es que aunque su relación con el esta rama del ski sea ya larga, la pasión no se ha perdido. “Me enamoré del freeski desde el primer momento, pero cuando tenía diez años fui a Italia a esquiar y conocí a un freeskier que me contó todo lo que había que saber y me enseñó a hacer un backflip, ese fue el momento en el que dije: voy a dedicarme a esto toda la vida”. Cuando Henrik Harault habla de freeski, lo hace con vehemencia. “Me siento bendecido por dedicarme a esto, es increíble ser consciente cada día de que este ha sido siempre mi sueño y está pasando ante mis ojos”. Phil Casabon es consciente de que el freeski es un deporte aún desconocido para buena parte del público: “Hacemos este tipo de competiciones para que la gente lo conozca, tenemos claro que va a crecer y los que siguen el snowboard se van a interesar, el problema es que se trata de un deporte poco accesible”. Después de que Harault nos dejase claro que no le importa lo que piensen los demás y que nunca va a cambiar su estilo, en referencia a la mala pasada que le jugó su estilismo en pleno truco en los juegos de Invierno de Sochi, le pedimos que se describa en una palabra. “Hiperactivo” dice él, mientras que Casabon dice que es más bien “pasivo”. Caracteres contrarios que salta a la vista que se complementan: uno no para de removerse en su silla y de hablar mientras el otro asiente y mira el paisaje que nos rodea: los Alpes nada más y nada menos. Para acabar y dejar que estos chicos sigan viviendo su sueño como pro freeskiers, hablamos de la importancia de los vídeos en su carrera. “Hacer vídeos es importante para mejorar tu propio estilo y también te permiten expresarte tal y como eres”. Al día siguiente, la competición fue toda una jam session de trucos imposibles. Los veíamos volar y disfrutar cuando el público se volvía loco, y entonces lo entendimos: estos chicos se han comprometido con el freeski, es lo que harán el resto de su vida. Y que sean muy felices.

Me siento bendecido por dedicarme a esto, es increíble ser consciente cada día de que este ha sido siempre mi sueño y está pasando ante mis ojos. - Henrik Haraut-

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I feel blessed to be able to do this, it’s amazing to see every day that I’m living it up, I’m making it real. - Henrik Haraut-

Some, feel lost and disoriented on top of a mountain. Others feel better than ever, totally in their element. At 1800m above sea level we chatted with Phil Casabon and Henrik Harault, two of the most charismatic personalities in the world of freeskiing (with Candide Thovex’s permission). The two of them, who are best friends since always after having shared a childhood spent in ski resorts all around the world, created an Invitational (in fact, an Inventational) with the sponsorship of Monster Energy, gathering twenty friends looking forward to having fun in the middle of the French Alps. The goal? “Basically we want the world to see what’s freeskiing, although the most important thing is to have fun with our friends. I think some might not even ski properly, but I won’t say any names” says Casabon with Harault at his side while having a laugh. One thing is sure: there was no pressure, it was just freeski in its purest essence, as they are judges themselves. And although their relationship with freeski has existed for some time now, they haven’t lost the passion. “I felt in love with freeski from the start, but when I was ten, I went to Italy to ski and met a freeskier who told me everything I needed to know about the sport and taught me how to do a backflip; at that point I was sure I would dedicate my life to freeski.” When Henrik Harault talks about it, he does so with vehemence. “I feel blessed to be able to do this, it’s amazing to see every day that I’m living it up, I’m making it real.” Phil Casabon is aware that freeskiing is still an unknown sport for many: “ we are creating these kind of competitions so people can get to know more about it, we are pretty sure that it will grow and many people who follow snowboarding will soon be interested, but the main problem is that it is a rather inaccessible sport.” After Harault makes it clear that he doesn’t care what other people think and that he will never change his style, referring to the wardrobe malfunction during a trick in the Winter Games of Sochi, we ask them to describe themselves with just one word. “Hyperenergetic” said Harault, while Casabon said to be “passive” instead. They have such opposite personalities but which obviosly complement each other. While one doesn’t stop shifting in his chair and talking, the other nods and looks at the incredible landscape surrounding us: it’s the great Alps. To put an end the conversation and let these guys to continue living his dream as pro freeskiers, we discussed the importance of filming in his career. “Filming is important to improve your own style and it’s an open door to express yourself as you are.” The following day, the competition was quite a jam session of impossible tricks. We saw them fly and enjoy as the audience went crazy, and just then we got it: these guys are committed to freeski, it’s what they’ll do for the rest of their lives. And we do wish them the best.


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THE SPRING BREAK

KEITH McMANUS T: BÁRBARA ESTEBAN ROMERO Y MAUD SOPHIE ANDRIEUX

Dicen que todo llega, cambia y pasa, pero hay costumbres que perduran en el tiempo y se mantienen vivas generación tras generación. Keith McManus nos lo muestra en The Spring Break, un reportaje fotográfico que realizó durante los años 80 en Daytona Beach, Florida, y que muestra un claro punto de unión entre la juventud de entonces y la de ahora: la ansiada búsqueda de libertad. It is often said that things come, change and leave, although there are customs that persist over time and remain generation after generation. Keith McManus shows so in The Spring Break, a photographic report he made during the 80s in Daytona Beach, Florida, in which we can find a connection between the youth of the time and the one today: the ambitioned search of freedom.

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¿Cuándo te empezó a interesar la fotografía? ¿Qué te motivó? Empecé

a fotografíar cuando tenía 9 años, mi padre me compró una cámara de formato medio de doble lente y me enseñó a revelar los negativos para hacer las impresiones en blanco y negro. Mis mayores referencias fueron la revista National Geographic y Life.

¿Qué te inspira? La curiosidad sobre la vida, la lectura, la música y la

buena suerte de tener una amistad cercana con algunos de los mejores fotógrafos documentales. ¿Por qué crees que existe esa necesidad de documentar lo que ocurre alrededor nuestro? Me considero más un historiador y antropólogo visual

que un periodista. No me dedico a perseguir eventos noticiosos. Mi interés está en lo cotidiano; hay una gran cantidad de material ahí fuera que, al contrario de las grandes noticias, no siempre se da a conocer. Lo más cerca que he estado de ser periodista ha sido cubriendo la política nacional en Washington DC y cuando estuve por un tiempo como redactor en EE.UU. News & World Report, una revista semanal de noticias.

¿Crees que la fotografía ayuda a mantener vivo el pasado? Creo que

la fotografía es una parte crucial en la creación de un registro histórico de la vida y el tiempo. Sin embargo, hay que tener en cuenta que las fotografías todavía son ambiguas y por esa razón son puentes pobres para narrativas complejas. Para ello he estado haciendo documentales para PBS, desde 1988.

¿Qué crees que revelan las personas sobre sí mismas cuando se les hace una foto? Lo que se revela es más o menos la impresión que tengo

de una situación concreta. No estoy interesado en expresar mi aprobación o desaprobación de lo que fotografié durante el proyecto. Teniendo en cuenta la naturaleza estrepitosa de algunas de las actividades que tuvieron lugar durante esas vacaciones de Spring Break, mis imágenes son bastante tranquilas, más bien son un reflejo de mi punto de vista de la situación, más que de los sujetos. Si hay algo que se pone de manifiesto podría ser las imágenes de los jóvenes en la búsqueda de una identidad que podrían llevarlos hasta la edad adulta. Cuando veo estas imágenes se me ocurre que muchos de esos jóvenes estarán ahora en sus cuarenta y tantos, quizás con hijos en la Universidad, que incluso habrán bajado al sur a pasar sus vacaciones de primavera.

¿Por qué Daytona Beach? La primera vez que fui a Daytona fue durante una Pascua, a visitar a un amigo que estaba dando clases de fotografía en una universidad. Lo había conocido varios años antes en una conferencia que di en el Instituto de Tecnología de Rochester. Cuando volví a Nueva York y, después de ver las hojas de contacto de la película rodada durante el viaje, me decidí a volver al año siguiente. El proyecto evolucionó a partir de entonces y se extiendió durante doce años de vacaciones en primavera. Comencé en 1982 y lo llevé a cabo hasta finales del 93, principios del 94. Además aproveché para fotografiar la semana de la bici de Daytona. No he vuelto a fotografiar ese lugar desde 2002. Durante varios años, mientras daba clases en el RIT, ofrecí un curso de antropología visual y llevé a mis alumnos en marzo a Daytona para que conocieran la semana de la bici. ¿Por qué sentiste la necesidad de documentar este lugar? Sentí que

la migración anual de las universidades del norte de los Estados Unidos a Daytona para las vacaciones de primavera representaba un moderno

rito diario de paso para un parte de la juventud americana. Después de repasar el material de la primera visita, decidí volver al año siguiente. Mi interés en realizar proyectos a largo plazo era más importante que hacer fotografías espontáneas por la calle. ¿Crees que las fotografías de Spring Break pueden revelar la cultura de los años 80 o solo una parte de ella? Este proyecto no revela de nin-

guna manera la cultura al completo de los años 80 en los EE.UU. Nunca tuve la intención ni creí que estaba capturando una imagen completa de aquellos tiempos. Tenía muy claro cuál era el alcance del proyecto. En cuanto a eso, las fotografías reflejan mi visión de esos eventos y fiestas y durante el proceso de edición opté por no mostrar algunos de los aspectos más desagradables de las vacaciones de primavera en Daytona. Comparando la juventud de ahora y la de antes, ¿dirías que hay muchas diferencias o crees que el estilo de vida salvaje y loco permanece? No creo que haya cambiado mucho, salvo por la incorporación

de las redes sociales que han permitido documentar de forma amplia y personal este tipo de fiestas, cosa que no era posible durante los años 80. Pero las modas superficiales siguen siendo las mismas. Durante los doce años que duró el proyecto, las modas de la playa en Daytona cambiaron, también los peinados y las fiestas en las cubiertas de la piscina junto a la playa; eso sí, el sentimiento general que envuelve las vacaciones de primavera se ha mantenido bastante. La gente está ahora muy acostumbrada a la fotografía, pero tal vez en los años 80 no tanto, ¿cómo reaccionaban cuando les hacías una foto? Solo había un interés casual en las fotos que hacía durante el pro-

yecto. Solían preguntarme cuándo iban a salir por la televisión. Esa pregunta siempre me intrigó, ya que estaba haciendo fotografías con una Leica, no una cámara de televisión. ¿Cómo fue tu experiencia? ¿El proyecto marcó un antes y un después en tu carrera? Estuve varias décadas entre la fotógrafía documental y la

de revista. En ese momento pertenecía a una cooperativa de fotógrafos formada por ex miembros de Magnum. ¿Cómo reaccionaron los jóvenes al ver sus fotografías publicadas?

No recuerdo ninguna reacción particular en ese momento. Algunas de las fotografías fueron publicadas entonces, pero no como un proyecto editado. No fue hasta 2005 que decidí revisarlo haciendo exploraciones en alta resolución a partir de los negativos. Durante un frío invierno en Filadelfia comencé a editar y secuenciar el libro que se convirtió en Rite of Passage. El pasado mes de junio, con el artículo de NPR sobre el libro, surgió un nuevo interés en el proyecto. ¿Futuros proyectos? Durante los últimos ocho años he estado fotografiando el suroeste de Pennsylvania, el área en la que crecí. Actualmente he vuelto al Instituto Rochester de la Facultad de Artes y Ciencias Fotográficas para dar clases de fotografía documental y multimedia, como profesor invitado. A lo mejor inicio un nuevo proyecto que documenta la tierra rural entre los lagos Finger de Nueva York, pero no he decidido el medio todavía, si fotografía o vídeo. Hice un doc PBS hace varios años en esa área sobre el VIH / SIDA y los trabajadores agrícolas immigrantes. La región ha estado en mi mente desde entonces.

ÉSTAS SON IMÁGENES DE JÓVENES EN LA BÚSQUEDA DE UNA IDENTIDAD QUE PODRÍA LLEVARLOS HASTA LA EDAD ADULTA

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When did you start showing interest in photography? What was your motivation? I began photographing at the age of 9 when my father bought

me a twin-lens medium format camera. He taught me to develop my negatives and to make black & white prints. My most influential models were the National Geographic Magazine and Life Magazine. What inspires you? Mostly curiosity about life, reading, music, and my good fortune to have some of the best documentary photographers as close friends and supporters. Why do you think people have the urge to document what’s around them?

I’m more a historian, a visual anthropologist, then a journalist. I’m not driven to chase after news events. My interest is in the everyday; there is a lot of material there, it doesn’t always announce itself with the bravado that big news events do. The closest I’ve been to being a journalist has been covering national politics in Washington, D.C. and for a time as an editor at U.S. News & World Report, a weekly news magazine. Do you think photography helps keeping the past alive? I think still

photography is an important part of creating a historical record of my life and times. However, it must be kept in mind that still photographs are ambiguous in nature, and for that reason are poor vehicles for complex narratives. For that purpose I have been doing documentary films, for PBS, beginning in 1988. What do people reveal about themselves when you take pictures of them?

What is revealed is pretty much the impression I have of any given situation. I’m not interested in offering approval or disapproval of the activities I photographed during the project. Given some of the more rambunctious nature of the activities during spring break my images are fairly quiet, more a reflection of my take on the situation, then the subjects. If anything is revealed it might be images of youth in search of an identity that might carry them into adulthood. When I look at these images it occurs to me that many of these young people are in their 40s now, may be some have had children, in college, and have made the trek south for spring break. How did Daytona Beach come into game? I first went to Daytona over

Easter to visit a friend that was teaching photography at a college there. I had met him several years before while I was lecturing at the Rochester Institute of Technology. When I returned to New York and after seeing the contact sheets from the film shot during the trip I decided to return the following year. The project evolved from that to a 12-year documentation of spring break in Daytona. I photographed in Daytona beginning in 1982 and continued with the spring break project until 93-94. Concurrent with that I also photographed Daytona’s Bike Week, and one year taught the Bike Week Photojournalism Workshop at Daytona Beach State College. I have not returned to Daytona to photograph since 2002. For several years, while teaching at RIT, I offered a course in visual anthropology, taking the class to Daytona for Bike Week in March. Why did you feel the need to document this place? Did you go over there with the intention of carrying out the photography report or it just blossomed? I felt that the yearly migration from northern U.S. uni-

versities to Daytona for spring break represented a modern day rite of passage for a particular social subset of American youth. After going

through the material from the first visit to Daytona I decided to return the following year. My interest in doing long-term projects was more important to me then doing random street shooting. Do you think Spring Break pictures can reveal the 80s culture or just a part of it? This project in no way reveals all of what 80s culture was in

the U.S. at that time. I never intended or believed that it was a complete picture of those times. I was quite clear in my mind what the scope of the project was about. In regards to that, the photographs reflect my take of those events and during the editing process for the book I chose to not show some of the less pleasant aspects of spring break in Daytona. Comparing nowadays and before’s youth, would you say the differences are significant? Or do you think the wild and crazy style remains today? I don’t think much has changed, except the addition of

social media, etc. has allowed for a broad and personal documentation of these kinds of events that wasn’t possible during the 80s. Superficial fashions populate the landscape then as now. During the 12 years of photographing at Daytona beach fashions changed, hair styles changed, events at the beachside pool decks changed, but the over-all feeling surrounding spring break pretty much stayed the same. People are now used to photography but probably not so much during the 80s. How did people react when being pictured by you? There was

only casual interest in my photographing during the project. Frequently I would be asked when it was going to be on television. The question always puzzled me, since I was doing still photographs with a Leica and not a large TV camcorder. How was your experience photographing Spring Break? Did it involve a turning point in your career? Why? I was several decades into being a

documentary / magazine photographer by the time I started the project. At that time I was a member of a co-op photographers group made up of former members of Magnum. How did those young ones react when they saw photos of them published? I don’t remember any particular reaction during that time. Some

of the photographs were published then, but not as an edited project. It wasn’t until 2005 that I decided to revisit the work and made high resolution scans from the negatives. During a cold winter in Philadelphia while making those scans I began to edit and sequence the book that became Rite of Passage. The time between making the images and doing the edit offered the advantage of time; that distance made for a clear edit and sequencing of the images. This past June with NPR’s piece about the book and my teaching there has been a renewed interest in the project. What are you working on next? For the last 8 years I have been working on photographing in southwestern Pennsylvania, an area where I grew up. Currently I have returned to the Rochester Institute of Technology’s School of Photographic Arts & Sciences, teaching documentary photography and multimedia, as a visiting professor. I may start a new project documenting the rural land between New York’s Finger Lakes. I haven’t decided the medium yet: still photography or video. I did a PBS doc several years ago in that area about HIV/AIDS and migrant farm workers. The region has been on my mind ever since.

THESE ARE IMAGES OF YOUTH IN SEARCH OF AN IDENTITY THAT MIGHT CARRY THEM INTO ADULTHOOD

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Aristóteles dijo una vez que “el ignorante afirma, el sabio duda y reflexiona”. Eso no deja en muy buen lugar al resto de mortales, que nos pasamos una mitad de la vida intentando dar respuesta a todo tipo de preguntas y la otra, intentando no preguntar. Mike O’Meally (1973) es del #teamAristoteles. Este australiano con base en Los Ángeles lleva más de media vida fotografiando skaters. Entre disparo y disparo, ha aprendido tres cosas importantes: que hay que ser paciente, que preguntar es un deporte muy sano y que las instantáneas imperfectas son las más bellas. Basta con echar un vistazo a su obra para tener claro que sabe lo que se hace. Sus fotografías han sido portada de revistas icónicas como la Transworld Skateboarding (donde podéis encontrarlo en la actualidad), han protagonizado campañas para grandes firmas como Vans o Quiksilver y han sido objeto de exposiciones como la que el pasado año le dedicó la China Heights Gallery de Sidney conmemorando sus veinte años en activo. Además, el pasado 30 de marzo participó como conferenciante en el CARBON Festival de Melbourne (Australia). O’Meally es uno de esos fotógrafos de skate con un sexto sentido para capturar el momento justo en que una realidad cualquiera se convierte en auténtica poesía. Y es que aunque demasiadas dudas pueden estropear cualquier decisión, lo cierto es que son las imperfecciones que hacen bellas nuestras decisiones (y si Aristóteles levantara la cabeza, estaría totalmente de acuerdo). Aristotle once said “the ignorant asserts, the erudit doubts and the wise man thinks”. This does not say much in favour of the rest of us poor mortals who spend half our lives trying to give answers to questions, and the other half trying not to ask at all. Mike O’Meally (1973) clearly belongs to #teamAristotle. This Australian currently based in Los Angeles has been photographing skaters for over half of his life. He has learnt three important things in between shots: that one should be patient, that asking is a healthy practice and that imperfect pictures are probably the most valuable ones. His work shows he clearly knows what he is doing. His photographs have covered key magazines such as Transworld Skateboarding –where you can currently find him, also having featured campains for great brands like Vans and Quiksilver and being exhibition material since the one China Heights Gallery in Sidney organised for him as a celebration for his 20th anniversary taking pictures. On the 30th of March of 2014, in addition, he participated in the conference in CARBON Festival in Melbourne (Australia). O’Meally is one of those skate photographers with a sixth sense when it comes to capturing the exact moment in which a random reality becomes poetry. Because even when too many doubts can totally spoil a decision, truth is imperfections actually bring beauty to our decisions –and if Aristotle rose from the dead he would definitely agree.

mikeomeally.com

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Mike O’Meally IMPERFECT SHOOT T: XAVI OCAÑA

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Parece que desde que empezaste en los 90 hasta convertirte en uno de los grandes fotógrafos de skate, el proceso ha sido muy natural. ¿La gente está demasiado obsesionada con el éxito hoy en día? Estar obsesionado

¿Crees que la escena del skate está ahora en mejor forma que nunca o por el contrario eres un nostálgico? ¿Qué era lo mejor de aquellos años y lo mejor del skate de 2014? Parece que va cambiando, pasa de estar en forma

Con el paso del tiempo, ¿cómo ha cambiado tu definición del éxito, creíste en tus inicios que llegarías a triunfar como fotógrafo? Me siento feliz por seguir

¿Analógica o digital? Ambas, ¿por qué no?

con el éxito es sólo malo si no estás también obsesionado con los resultados. El éxito por el éxito no tiene sentido. En mi opinión, si se trata de hacer fotografías que la gente pueda disfrutar y perduren en el tiempo, no hay nada malo en estar obsesionado con ello.

a dejar de estarlo, un poco como un tipo honesto que come demasiado de vez en cuando y, cuando lo hace, necesita subirse a la tabla un poco más. Lo mejor de los 90 es que quizás no había tanto dinero así que había menos influencia del exterior, aunque cada generación tiene sus puntos fuertes y débiles.

haciendo lo que amo hacer. El éxito viene y va. El fracaso es inevitable, parte del crecimiento y de descubrir si tienes lo que hay que tener para seguir adelante.

¿Blanco y negro o color? ¡Ambas!

Tus fotografías son realmente poéticas, una mezcla perfecta entre la técnica del rider y la belleza del entorno. Logras captar el momento perfecto sin perder un ápice de naturalidad o realidad, ¿es difícil capturar ese momento de libertad? ¿son tus fotografías tan espontáneas como parecen? ¿La buena poesía es espontánea o fruto de horas de dedicación? ¿Fluye a veces directa del bolígrafo a la página? ¿Quién puede decirlo? Lo realmente importante para mí es que disfrutes

puede, aunque yo patino y creo que es divertido conocer bien lo que intentas mostrar.

mirando una fotografía.

¿Puede alguien ser un gran fotógrafo de skate sin ser o haber sido antes un rider? Estoy seguro de que sí se

Aunque eres conocido por tu fotografía de skate, nos encanta tu serie de motos. ¿Qué nos puedes contar sobre ella? La mayoría de esas fotografías son de la

Emerica Wild Ride por la costa oeste de Estados Unidos. Algunos de los chicos nunca habíamos pilotado una moto antes así que fue una gran primera vez. Acampamos en el campo, hicimos barbacoas… ¡la buena vida en la carretera!

el trabajo en un solo disparo.

¿Cuánta post-producción esconden? Trato de hacer todo

¿Cuándo sentiste por primera vez eso de: “soy un fotógrafo profesional”? ¡Cuando pude pagarme el alquiler!

¿Qué tiene el skateboarding que una vez lo pruebas ya no hay marcha atrás? ¡Todo!

¿Recuerdas la primera fotografía que publicaste en una revista? Sí, fue una pequeña imagen de Wade Burkitt

Después de llevar más de veinte años en el mundo del skate ¿cuál es la principal diferencia entre el pasado y la actualidad? ¡La ropa y las ruedas!

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en una revista australiana.

¿Cuántas cámaras tienes? ¿Alguna favorita? No sé exactamente cuántas cámaras tengo, pero más de diez seguro. Creo que en la que más confío es en mi Nikon, es mi favorita. Aunque la Mamiya y la Hasselblad son bonitas.


¿Te llevas bien con las redes sociales? ¿Qué opinas de Instagram? Nos hemos hecho amigos con el paso del

tiempo. Al principio no era demasiado fan. Ahora creo que son para lo que son, aunque desde luego sigo prefiriendo ver las cosas impresas a doble página o en un portada en lugar de en la diminuta pantalla de 5x5cm de un teléfono móvil.

Tus fotografías han protagonizado exposiciones, las hemos visto en portadas de revistas, ¿tienes una favorita o que recuerdes con especial cariño? No creo que tenga

¿LA, NYC o BCN? Las tres son increíbles. Barcelona por su comida, sus rincones y su fiesta, ¡de hecho hasta es la mejor quizás! El año pasado celebraste veinte años en el negocio. ¿Cómo lo llevas? Me hace sentir bien, ¡espero cumplir

veinte más!

¿Qué es lo más importante que has aprendido en todos estos años? He aprendido a ser paciente con los demás y

solo una favorita, pero la que nunca olvido es una de Jeff Pang, Todd Jordan y otros chicos patinando por Broadway (NYC) el 12 de Septiembre de 2001. Transmite temor, pero también fuerza y esperanza. Me recuerda que hay que seguir adelante incluso cuando las cosas se ponen feas.

conmigo mismo; y a no tener miedo de preguntar siempre que se haga de una forma respetuosa. Te sorprendería saber cuántos problemas se resolverían así.

El pasado 30 de marzo fuiste uno de los conferenciantes invitados a hablar en el CARBON Festival. ¿Cómo fue la experiencia? Buena. Un pequeño viaje de vuelta a

ahora mismo es fuerte así que me dejo llevar.

Australia. El equipo fue genial y me encantaría hacerlo de nuevo. Me gustó conocer a otros fotógrafos y diseñadores que también pasaron por el festival.

Tras tantos años en activo, ¿tu motivación a la hora de salir a disparar ha cambiado? No, aunque viene y va,

Entre los seguidores de lamono hay muchos fotógrafos. ¿Qué consejo darías a alguien que esté empezando? ¿Y a alguien que ya sea un profesional? A los

¿Qué es para ti la fotografía perfecta? Aún sigo persi-

guiéndola. Nada es perfecto. Las mejores fotografías son las imperfectas, esas que tienen defectos o algún fallo.

que están empezando, que prueben todo lo que les guste y no se preocupen de equivocarse. A los profesionales, que no olviden la emoción que sentían al sacar su primer carrete del laboratorio, manteneos vivos y hambrientos, ¡si podéis!

¿Cuál sería la BSO para una de tus fotografías? Quién

¿Cómo te ves a ti mismo en diez años? Me gustaría seguir

sabe, tal vez algo de Stone Roses.

Tu héroe del skateboarding es… Todos los riders que disfrutan patinando y siguen haciéndolo a lo largo de la vida. Y tu héroe de la fotografía… Igual: cualquiera que ame

disparar y siga haciéndolo tanto en los buenos como en los malos momentos.

fotografiando y viajando, tal vez tener otro hijo. Tal vez una hija. Ya tengo un hijo y tener dos sería bonito. ¡A ver qué pasa!

Háblanos sobre los proyectos en los que andas liado ahora mismo. Estoy trabajando en grandes cosas con

Palace y en proyectos con Transworld Skateboarding. Además acabo de lanzar mi nueva web a través de la cual podéis estar al día de mis nuevos proyectos.

¿Qué marca crees que tiene el mejor equipo en la actualidad? Palace.

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It seems like since you first started back in the 90s until becoming one of the most iconic skate photographers, the process has been very organic and natural. Are people too obsessed with success nowadays? Maybe too

obsessed with success is only bad if you are not obsessed with successful results and successful photographs. Success for success sake is pointless. It should be about making lasting photographs that people can enjoy, there is nothing wrong with being obsessed by that, in my opinion.

Do you feel like the skate scene is in better shape than ever or are you rather nostalgic? What was the best about skate back in the day and

skate in 2014? It seems to go in and out of being in good shape and out of shape, much like a honest man who maybe eats too much once in a while and needs to get on the board a bit more than he does. The best thing in the 90s is that perhaps there wasn’t as much money so there was less outside involvement but every generation has its high point and low point.

How has your definition of success changed over time? Did you think back then of the idea of success? What does success mean for you now?

Film or digital? Both… why not?

I am happy to still be doing what I love to do, success comes and goes, failure is inevitable and it’s a part of growing and getting to know if you have what it takes to keep going.

Color or Black & White? Both!

Your photographs are true poetry. They are the perfect match between the technique of the rider and the beauty of the environment where it takes place. They capture the right moment without losing its naturality or reality. Is it difficult to capture this freedom? Are your photographs

as spontaneous as they seem? Is good poetry spontaneous or labored over for hours, or does it sometimes just flow right from the pen to the page? Who can say? If you enjoy looking at the photographs, that is all that really matters to me. How much post-production do they involve? What programs do you use?

I try to kill kindly with one shot.

Can someone be a great skate photographer without being a rider?

I am sure they can, but I skate and I think it is fun to know what you are trying to show. Even tough you are well known for you skateboarding photography; we are huge fans of your motorcycle series. What can you tell us about it? Any anecdote? Most of them are from the Emerica Wild Ride through the

Midwest, many of the guys had never ridden bikes before so it was a big first for many of us. Camping out in fields, bbq’ing, living the good life on the road! Do you remember what was that made you realiseyou had become a professional photographer? Maybe when I could afford to pay rent!

What does skateboarding have that once you are into it there’s no turning back? Everything!

Do you remember the picture you first published on a magazine? Yes, it

After more than 20 years in the scene, what’s the main difference between the skateboarding from the 90s and the current one? The clothes

How many cameras do you have? Which one is your favorite? I don’t know exactly how many but more than ten, I think my Nikons are my most trusted and my most favorite, but the Mamiya is nice and so is the Hasselblad.

and the wheels!

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was a small picture of Wade Burkitt in an Australian magazine.


Are you a good friend of Social Media? What do you think about Instagram? I have grown friends over time but at first I was not in

LA, NYC or BCN? Why? All three are great! Barcelona for food, spots and dancing, maybe it’s the best actually!

love. Now I see it for what it is, but I like seeing things in print double page or a cover much more than 2x2 inches on a small phone screen, that’s for sure.

Last year you celebrated 20 years in the business. How do you feel about it? I feel fine; hopefully I can go for 20 more!

Your photographs have been featured in exhibitions; we have seen them on the cover of many magazines… Do you have a favorite one? I don’

think I have just one favorite, but one that I keep coming back to is the September 12, 2001 - Jeff Pang and Todd Jordan and the other guys skating down Broadway - it has such a feeling of fear, but also of strength and hope. I think it reminds me to keep going even when things are getting tough or uncomfortable.

What’s the most important thing you’ve learnt in all these years? Just to

be patient, with others and with yourself, and don’t be afraid to ask questions in respectful manner, you would be surprised how many problems can be solved this way... So many years in the business have changed your motivation to keep on going out there to shoot? No, if anything it comes and goes, but right now

it’s strong so I am just rolling with it. You were invited to be one of the speakers at the CARBON Festival on March 30th. How was the experience? It was a good experience,

a short trip back to Australia, but the team was nice and I would like to do it again, I enjoyed meeting some of the other photographers and designers. What’s for you the perfect photograph? I am still chasing it, nothing is perfect, the best photographs are the imperfect ones, the ones that have flaws or something isn’t quite right. those are the ones I like the best. What would the soundtrack for your photographs be? Who knows?

Some Stone Roses? Your hero of skateboarding is… All skaters that enjoy the ride and keep

going through their whole lives. And your hero of photography… The same as above, anyone who loves to shoot and just keeps going through tough times as well as good times.

Among lamono’s followers there are many photographers. What advice would you give to the ones that are starting? And to the ones that are already professionals? For the beginners, try anything you like and don’t

worry if you make mistakes and for the professionals, try to remember how excited you were getting your first roll of film back from the lab, stay excited and stay hungry, if you can! What about the future? How do you see yourself in 10 more years?

I would like to be shooting a lot still, hopefully still traveling and maybe have one more baby, maybe a daughter, I have one son but two would be nice. Inshallah! What can you tell us about your up-coming projects? I have some big things in the work with Palace, and lots of stuff coming out in Transworld Skatebaording, plus my new website just launched so keep an eye on that for new projects!

Which brand do you think has the best current skate team? Palace.

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T: ANE PUJOL

THE MAN AND THE SEA Matt Johnson Matt Johnson empieza y termina cada día contemplando el océano, acompañado de su familia y de una cámara con la que captura a los primeros y a los últimos surfistas de la jornada. Es la vida junto al mar, The Sea Life, que comparte diariamente con miles de personas de todo el mundo. El océano marca el ritmo de su existencia, como la de todos los amantes de lo acuático. Siempre es un placer disfrutar de las olas, aunque Matt prefiere inmortalizar instantes que quedarán para el recuerdo. Matt Johnson begins and ends everyday watching the ocean, together with his family and a camera which he uses to capture the first and last surfers inside the water. That’s the life by the sea, The Sea Life, which he daily shares with thousands of people from all over the world. The ocean sets the pace of his life, as it does for those who love the aquatic. It’s always a pleasure to ride the waves, though Matt prefers to capture the moments with his camera, memories that will last forever.

thesealife.com.au

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Háblanos del proyecto The Sea Life. The Sea Life (TSL) empezó hace seis años como un e-mail que enviaba cada mañana a algunos amigos con fotos de surf. A ellos les gustaba y a mí me encantaba hacerlo, así que seguí, y tres años después llegaba a más de cinco mil suscriptores de Australia y del mundo entero cada día. El estar diariamente fotografiando surf hizo que conociera a surfers y que empezara a fotografiar algunos de sus viajes, y eso ha hecho evolucionar a TSL hasta lo que es ahora. The Sea Life evoluciona constantemente. Estoy actualizando la web y cambiando un poco el rumbo para volver a las publicaciones diarias del principio, además de algunas colaboraciones y una tienda online. ¡Estoy muy emocionado con este nuevo capítulo! Para ti el mar es... Mi casa. ¿Y qué tal es la vida cerca del mar? Crecí cerca de la costa así que

básicamente es lo que he conocido. Cuando me casé con mi mujer nos mudamos más cerca, y luego aún nos acercamos más al océano. Nos encanta explorar lugares, tanto si es en la costa o a muchas millas de allí, pero no nos imaginamos viviendo nuestro día a día lejos del mar. Nuestro día comienza y termina ahí. Mi hijo Husker, de dos años y yo bajamos una colina cada día para ver el surf al amanecer. Mi mujer Madeline y mi hijo de siete meses, Jorge, nos siguen al cabo de un rato. Es el mejor inicio para un buen día. Por la tarde, después de tantas horas frente al ordenador, me vuelvo a llevar a los niños para relajarnos.

¿Cuándo empezaste a surfear? Mis primeros recuerdos sobre las olas

son de las vacaciones de verano de cuando era niño, en un lugar a tres horas al sur de Sydney. Siendo el menor de tres chicos siempre quería por naturaleza hacer lo mismo que mis hermanos, así que como ellos hacían bodyboard, yo también. Cuando ya empecé a subirme a una tabla fue hacia el final de la época de instituto, junto a mis amigos.

¿Practicas mucho surf, o es más bien un tema para tus fotos?

Fotografío más surf del que practico, desde luego. Conozco algunos fotógrafos que hacen surf y se les hace muy difícil fotografiarlo porque preferirían estar ellos mismos con la tabla. Yo soy lo contrario, puedo pasar días enteros fotografiando surf tan tranquilo si hay buenas olas y hay alguien interesante a quien fotografiar. Incluso me ha llegado a gustar hacer surf con olas malas, ¡porque eso significa que no me estoy perdiendo nada! En cuanto empiezan a mejorar las olas y hay alguien surfeando bien, es probable que me veas saliendo del agua para ir a buscar mi cámara. ¿Cuándo y por qué empezaste con la fotografía? La creatividad audio-

visual es parte de mi familia. Mi hermano mayor se dedica a grabar películas en Hollywood y el mediano dirige un estudio de diseño gráfico. Nuestro padre ha hecho de todo en su carrera. Cogí una de sus cámaras SLR cuando tenía 15 años y me sentí cómodo. Nunca me cuestioné el tema, simplemente empecé a fotografiar.

gratificante a nivel creativo, pero también es importante hacer algo más allá de los encargos. La nueva web de TSL incorporará a otros artistas, escritores y diseñadores que conozco para que participen también con total libertad creativa. ¡Al menos esa es la idea! Ya veremos cómo sale. A nivel de sentimientos y significado, después de algunas charlas y bastantes copas de vino, mi buen amigo y escritor Stu McKerihan redactó estas palabras para sintetizar la esencia de The Sea Life: “The Sea Life es la expresión fotográfica de una vida dedicada a lo acuático. Surfeamos olas que luego dejan de existir, desaparece su rastro y nunca vuelve a repetirse. Pero esos instantes fugaces y la imagen, el olor, el sabor, el tacto y el sonido de esas experiencias emanan de las cuatro paredes de las imágenes de The Sea Life. Capturan la libertad y la comparten generosamente. Un recuerdo eterno de por qué intentamos alcanzar lo efímero.” ¿Algún consejo para aquellos a los que les gusta fotografiar el surf y el mar? ¡Simplemente ve y dispara! En cualquier momento, da igual

las condiciones que haya. Algunas de mis fotos favoritas son de días en que las olas rompían en la orilla y estaba lloviendo, pero tenía que conseguir algo para enviarlo con el mail del día. Disparar en días soleados y con buenas olas es relativamente fácil, te encuentras gran parte del trabajo hecho, pero cuando más aprendes es cuando tienes que obtener un resultado y las condiciones no acompañan. Siento que he aprendido y progresado muchísimo al tener que fotografiar diariamente para el envío del mail. TSL es lo mejor para mi fotografía. ¡Así que sal a tomar fotos y déjate influenciar por todo lo que te rodea, no solo por el surf y los fotógrafos de surf!

Háblanos de tu fotografía como trabajo y como pasión. Es increíble haber podido tener siempre una cámara en la mano, pudiendo mantener a mi familia y a mis dos hijos con la fotografía. Hay tres facetas diferentes en mi obra: The Loved Ones para la fotografía de bodas, Matt Johnson para el trabajo en moda y retrato y The Sea Life. Son todas diferentes pero en el fondo están interrelacionadas. Por ejemplo, he fotografiado bodas de subscriptores de TSL y he hecho campañas para marcas cuyos directores de arte me han conocido a través de The Sea Life. También sesiones para TSL en viajes para cubrir bodas en Byron o Bali. Es bonito cuando alquien me contacta porque le gusta lo que hago en TSL. Puedo estar confiado sabiendo que quieren que trabaje con mi estilo propio y verdadero, que es el que muestro en TSL. Las bodas y el trabajo comercial me ayudan a mantener TSL pero estamos buscando maneras de que funcione por sí solo, siguiendo la misma visión. ¿Como fotógrafo, qué es para ti por un lado lo más difícil, y por el otro lo más gratificante? Lo más difícil es probablemente la parte

plemente me puse a fotografiar lo que tenía alrededor, como mis amigos con el skate, haciendo surf o las bandas de música en las que tocaban. Al principio también estaba interesado en los paisajes panorámicos, y al vivir tan cerca del océano, era lógico que empezara fotografiando allí. Nunca me cuestioné demasiado las cosas, todo vino de manera natural.

empresarial y de marketing. Pasé tres años estudiando fotografía aunque probablemente, en lugar de eso, debería haber estudiado empresariales o marketing y ¡luego un curso breve de fotografía! (risas) Por suerte, tengo una mujer que me apoya muchísimo y que me ayuda a llevar los negocios. No estaría donde estoy sin Madeline. ¡Seguramente seguiría vendiendo cámaras en lugar de usándolas si no fuera por ella! Creo que formamos un buen equipo. Lo más gratificante de ser fotógrafo es que puedo ver mucho a mi familia. No tengo que pasar horas en medio del tráfico y estar en la oficina todo el día, cada día, y limitarme a pasar tiempo con mi mujer y mis hijos los fines de semana. Cuando no estoy en una sesión de fotos o reunido con un cliente, trabajo desde casa y habitualmente de noche, cuando los niños duermen, así que puedo estar con ellos buena parte del día. No siento que me esté perdiendo como crecen.

¿Cómo describirías tus fotografías de The Sea Life desde un punto de vista técnico y de significado? A nivel técnico, trabajo con digital y

¿En qué otros proyectos aparte de TSL estás trabajando en estos momentos? En cuanto la nueva página de TSL esté en marcha presen-

Háblanos de cómo el mar y el surf se convirtieron en los temas principales de tu fotografía. Cuando cogí la cámara por primera vez, sim-

ocasionalmente con Polaroid. Disparo con una lente de 50mm pero también uso una de 200mm con y sin converidor 2x para la acción de surf. Desde hace poco tengo una carcasa acuática, ¡un poco tarde teniendo en cuenta que soy un fotógrafo de surf! Siempre fotografiaba desde la orilla. Estoy emocionado por explorar todos los ángulos desde el agua. TSL es mi proyecto personal, no hay normas ni clientes, fotografío lo que quiero y como quiero sin pensar en lo que tiene que salir, que es todo lo contrario al trabajo comercial. Trabajar para otros suele ser divertido y

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taré una nueva web para mi trabajo personal y comercial, que no está relacionado con el surf: matt-johnson.com. También estoy empezando otro proyecto fotográfico pero aún le quedan unos cuantos años, así que ya veremos.

¿Qué crees que estarías haciendo si no vivieras cerca del mar?

En lugar de fotografíar el mar y surf, probablemente estaría fotografiando paisajes y skate. Y seguramente aún tocando en algun grupo.


The Sea Life es un recuerdo eterno de por quĂŠ intentamos alcanzar lo efĂ­mero.

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The Sea Life is an eternal reminder of why we chase the ephemeral.

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Tell us about The Sea Life project. The Sea Life started six years ago as an email I sent to a few friends with photos of the surf that morning. They liked it and I loved doing it, so I kept it going and three years later the email was hitting over 5,000 subscriber inboxes all over Australia and the world each day. The daily email gave way to shooting more specific trips with particular surfers who I met through doing the daily email, which is what TSL looks like today. The Sea Life constantly evolving. I’m currently updating the site and setting a slightly new course for TSL which will bring it back towards the regular posting days plus some more collaborations and an online store. I’m super excited for this next chapter! For you the Sea is... Home.

have an outlet free from what you just do for money.Part of the vision for the new website is to incorporate other artists, writers and designers I know and meet along the way to contribute their work with the same ‘no brief’ concept. That’s the idea anyway! We’ll see how it goes. In terms of feelings and meaning, after some discussions over many wines, my good friend and writer Stu McKerihan wrote these words to sum up the essence of The Sea Life: “The Sea Life is a photographic expression of a life dedicated to the aquatic. A wave is ridden and then ceases to exist, the trail washed away, never to be repeated. Yet these fleeting moments and the sight, smell, taste, touch and sound of these experiences emanate from the four walls of The Sea Life’s images. Freedom is captured and generously shared. An eternal reminder of why we chase the ephemeral.”

And what is Life by the sea like? I grew up near the coast so it’s all I

have really known. When my wife and I got married we moved closer, and then closer again to the ocean. We love exploring any and everywhere, whether it’s on the coast or many miles from it, but we can’t imagine setting up anywhere and doing the day to day too far from the coast… Our days begin and end with the sea. Husker, my two-year-old and I walk down the hill to check the surf at sunrise each day. Madeline and seven-month-old Jorge follow soon after. It’s the best foundation for a good day. In the late afternoon after staring at a computer all day I take the boys back down to wind down. When did you start surfing? My first memory of riding waves is as a kid on summer holidays a few hours south of Sydney. Being the youngest of three boys I naturally wanted to do whatever my brothers were doing and, as they were into Bodyboarding, I was too. I started standing up towards the end of high school when all my mates made the upright transition. Do you surf a lot, or is it rather a subject for your photography? I definitely shoot surfing more than I surf. Some photographers I know who surf find it really hard to shoot surfing as they would rather be out there themselves. I’m the opposite, I could, and often do spend whole days just shooting and being totally content not getting wet if the waves are good and there’s someone interesting to shoot. I have actually come to love surfing by myself in bad waves as it means I’m not feeling like I’m missing anything! As soon as the waves turn on and there’s someone surfing well, you will most likely see me paddle in and reach for my lens. When and why did you start with photography? Visual creativity runs in the family. My oldest brother spends his days filming Hollywood A-listers in feature films and my other brother runs a successful graphic design studio. Our Dad has done a bit of all of it and more throughout his career. I picked up one of his old SLRs when I was 15 and it just felt right. I never really questioned it, I just started doing it. When did the sea and surf become the main subjects in your photography? When I first picked up the camera I just shot whatever I was into

or doing at the time. So, my mates skateboarding, surfing and the bands they were in. I was really interested in panoramic landscapes at the start too actually, and the ocean being so close was an obvious place to start. Again, there was never much questioning or deep thought that went into it back then, I just did what came naturally. How would you describe the photographs of The Sea Life, technically and in terms of feelings or meaning? Technically, I shoot everything on

digital with the occasional Polaroid. I basically shoot everything with a 50mm lens but also use a 200mm lens with and without a 2x converter for surf action. I only just recently got a water-housing. I was way over due in getting one, especially for being a surf photographer! I’ve always just shot from the shore. I’m excited to now be able to explore the infinite amount of angles to be captured from the water. TSL is my personal creative outlet, there’s no briefs, there’s no clients, I just shoot whatever and however I want without any expectation of what the end result should or needs to be, which is the opposite to commercial work. Shooting for other people is often a lot of fun and creatively rewarding but it’s important to

Any advise for those who like taking pictures of surfers or the sea?

Just go and shoot! All the time. No matter what the conditions. Some of my favourite photos are from days it was onshore and pouring rain when I had to come up with something to send out in the email that day. Shooting when it’s sunny and the waves are good is almost easy, a lot of the work is done for you, but it’s when you’ve got to come up with something in not necessarily ideal conditions that you learn the most. I felt like I learnt and progressed so much from shooting day in and day out for the daily emails. TSL was and still is the best thing for my photography. Just go and shoot and take your influences from everywhere, not just surfing and other surf photographers. Tell us about photography for you as a job and as a passion. I’m stoked

that I’ve always got a camera in my hand and have managed so far to support my wife and two young boys with my photography. There are three different faces to my photography, ‘The Loved Ones’ for the wedding photography that I do, ‘Matt Johnson’ for the fashion and portrait work and ‘The Sea Life’. They’re all separate but behind it all they’re all so intertwined, for example I’ve photographed weddings of TSL subscribers and shot campaigns for brands who’s art directors have found me through following The Sea Life. I’ve also done shoots for TSL on the back of travelling somewhere like Byron or Bali for a wedding. It’s nice when someone wants me to shoot for them because they like my work on TSL. I can be confident knowing that they want me to shoot for them in my true style which I guess my work on TSL is. The weddings and commercial work support TSL but we’re working on ways to close the gap and have TSL support itself, without compromising what TSL is all about of course. What is the most difficult thing for you and what is the most rewarding as a photographer? The most difficult thing would probably be the busi-

ness and marketing side of things. I spent three years studying photography but probably should have done business or marketing and then a short course in photography instead! Haha! Thankfully I have an amazingly supportive wife who has dived into running the businesses with me and does so much. I’d be nowhere without Madeline. I’d probably still be selling cameras instead of using them if it weren’t for her! I think we make a pretty good team. The most rewarding thing about being a photographer is that I get to see my family a lot. I don’t have to spend hours in traffic and sit in an office all day everyday and only get to spend time with my wife and boys on the weekends. When I’m not out shooting or meeting with a client I’m working from home and often at night and when my boys are asleep, so I get to hang out with them for a good part of the day. I don’t feel like I’m missing out on seeing them grow up. What other projects apart from The Sea Life are you working on lately?

Once the new TSL site is up and running I’ll be launching a new website for my non surf related personal and commercial work – matt-johnson. com I have one other photography project in the works but it’s early days. It requires a fair bit of travel, so it may have to span over a few years. We’ll see, stay tuned. What do you think you’d be doing if you didn’t live by the sea? Instead

of seascapes and surfing I would probably be shooting landscapes and skateboarding? Probably still playing in bands too.

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T: EVA VILLAZALA

MAYA KAPOUSKI Madurez con sentido

Nos han hecho creer que lo que proviene del sentimiento es difícil de entender, sobre todo cuando el asunto en el que se tienen que poner de acuerdo corazón y mente está relacionado con la madurez, afrontar responsabilidades y obedecer a la vida sin plantear demasiadas contrariedades. A veces resulta que te explican ese sentimiento desde una imagen estática en calma, y todo cobra sentido. Como encajar las piezas de un puzle que, a pesar de estar sometido al estrés de un tiempo que pasa demasiado rápido, no pierde en ningún momento su razón de ser porque está bien planteado desde el principio. Y de pronto, entendemos lo que nos explican con un binomio que actúa a la vez: cabeza y corazón. Y es que esa separación, aunque nos parezca mentira, no es tanta. We are taught to believe that was comes from the feelings is hard to understand, especially when it comes to matters related to maturity and which require the understanding of heart and thought, as we are expected to face responsibilities and live a life without too many oppositions. This feeling is sometimes presented to us in a form of a static image of calm, making everything reasonable. Like putting the pieces of a puzzle together that, apart from being tied to the hustle of a time that runs too quickly, does not lose its purpose for a second for it has been well stated since the very beginning. Suddenly we come to understand what we have been told with a pairing that simply works: the head and the heart. After all, such division, even if difficult to believe, may not be as vast as we thought.

mayakapouski.com El título de la exposición que estás preparando junto a lamono es WISH YOU WERE HERE, ¿por qué este título? ¿Qué significado tiene para ti?
La mayor parte de las fotografías de esta exposición pertenecen a

mi diario personal. Capturan instantes y situaciones que por algún motivo llamaron mi atención en ese momento. Cuando vuelvo a verlas, me gusta pensar en la razón que me llevó a hacer la foto y suele estar relacionada con el hecho de que me hubiese gustado compartir ese momento con alguien que no estaba o bien recordar ese lugar donde me gustaría volver a estar. Creo que lo bonito de las fotografías no es la imagen en sí sino la historia que tienen detrás.

Dices en tu web que mediante tus fotos analizas los valores del mundo adulto y la obligación de tener que abandonar la edad adolescente, ¿de qué forma crees que tus instantáneas reflejan ese propósito?
Tengo la

suerte de vivir en un ambiente creativo, donde es fácil encontrar situaciones fuera de lo común que probablemente no pasaran el filtro de “lo correcto” para mi edad. Me gusta fotografiar escenas cotidianas o imágenes que he compuesto, pero a veces también fotografío cosas sin sentido, momentos en los que no sucede nada, simplemente porque me apetece en ese instante. Ahí es donde más encuentro ese punto de análisis en el que me planteo: “¿sirve esto para algo? Y ¿acaso debería servir?” Cuándo creces parece que todo deba adoptar un sentido y perseguir una finalidad, y se dejan de hacer cosas “porque me da la gana”, se hacen “porque debo hacerlas”. Procuro darle una vuelta de tuerca a lo que se supone correcto e incorrecto para cada edad, pero no sólo a nivel formal, sino también conceptual.

¿Qué haces mantenerte en esa eterna edad adolescente?
Pasármelo bien

es una prioridad, tanto a nivel artístico como profesional o personal. Cuando tengo que tomar una decisión o preparar un proyecto procuro verlo como un juguete que desmonto en piezas y que vuelvo a montar con el orden que me apetece. Creo que es la manera de poder convivir con ciertas obligaciones y seguir siendo fiel a tu elección de vida. Intento dar prioridad a lo que me apetece frente a lo que debería hacer y, sobretodo, busco soluciones creativas. Creo que entrenar la creatividad es el mejor modo de seguir en conexión con mi infancia y adolescencia. Mantener la mirada fresca, buscar la novedad y dejarme sorprender son mis deberes para evitar caer en el mundo de los adultos.

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Para mí tus fotos reflejan una soledad acompañada, aunque veamos escenarios desiertos, nunca nos sentimos solos... dinos, ¿tus fotos son melancólicas o más bien optimistas?
 ¡Siempre optimistas! Mis instantá-

neas, más que imágenes son procesos. Siempre digo que la fotografía en sí no es lo que me gusta, lo que me gusta es hacer fotos. Me apetece disparar si estoy contenta, si me gusta el sitio en el que me encuentro, aunque si tengo un mal día, estoy de bajón o me aburro también hago fotografías, porque así consigo cambiar ese estado de ánimo, me obliga a buscar algo que me guste, esté donde esté y me entretiene, ¡por lo que siempre tiene una parte optimista! Más que melancólicas creo que son imágenes pausadas. Curiosamente soy una persona muy activa, siempre estoy haciendo cosas y mi lista de tareas pendientes es interminable, pero paradójicamente cuando cojo la cámara la velocidad del tiempo cambia por completo y se ralentiza. A veces estoy trabajando en sesiones de fotos, sobretodo en moda, donde tengo muchísima gente a mi alrededor corriendo de un lado para otro, con mucho ruido, ropa y cajas por todas partes, nervios, y la fotografía que sale de ahí transmite una extraña calma que a veces hasta a mí misma me sorprende. Esa es la magia de la fotografía, que puedes convertir ese momento en lo que quieres que sea, en la forma en que te gustaría que fuese recordado. ¿Qué es lo que te motiva a disparar? Hacer fotos me ayuda a organizar y a entender un poco más mi cabeza. Me siento un poco espectadora de mis propios pensamientos. Tan pronto encuentro algo que quiero fotografiar se activa el ON y todo se pone en movimiento como un mecanismo. Tengo la sensación de que es un proceso del que no soy del todo consciente, es más bien automático, resultado de todo el aprendizaje de años anteriores y de las experiencias que he vivido. También me motiva coleccionar momentos. Cuando te gusta viajar o te mudas de casa a menudo te das cuenta de que guardar objetos de recuerdo puede llegar a ser incómodo. En cambio coleccionar imágenes es más ligero y fácil de compartir. ¿Cuándo decidiste que te colgabas una cámara al cuello?
Creo que no

lo decidí. En mi casa siempre hubo cámaras y me llamaban la atención los álbumes de fotos. A día de hoy aún no puedo evitar echar la mano cuando veo uno en casa de alguien. No tengo estudios específicos de fotografía y nunca me planteé ser fotógrafa, llegó casi por casualidad. Incluso cuando


MANTENER LA MIRADA FRESCA, BUSCAR LA NOVEDAD Y DEJARME SORPRENDER SON MIS DEBERES PARA EVITAR CAER ENTRAR EN EL MUNDO DE LOS ADULTOS.

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llevaba años haciendo fotografías seguía sin “tomármelo en serio”. Creo que eso es lo que más me gusta de mi relación con la fotografía, ¡que no me lo tomo en serio! Estás relacionada con la escena skater de Galicia, ¿Qué nos puedes contar sobre ella, cómo la vives? Es un mundo que siempre me ha

llamado la atención, tanto a nivel estético como de filosofía. Fue desde que conocí a Hugo que estoy más en contacto, sobretodo con la gente de Pontevedra. Es una ciudad en lucha por la defensa del patín. Hay muchísima gente que patina, también muchos bikers o rollers, pero no hay espacios adecuados para ello. Lo bueno es que la gente no se ha quedado parada y han comenzado a plantear soluciones alternativas, buscando espacios abandonados para construir sus propios skateparks y generando actividades creativas alrededor de ello. En mi caso sólo me he dedicado a retratar algunos momentos en los que he coincidido con la gente que patina, tardes en la plaza, excursiones o algún campeonato. Tengo muchos puntos en común, pero creo que me pierdo muchísimo porque realmente yo no patino, no me dejo la piel en la plaza, por lo que por mala suerte sigo estando del lado del espectador. Aún así me siento muy a gusto y bien recibida por los chavales e intento participar en todo lo que puedo.

¿Qué es lo que más te gusta del mundo de los boardsports, esa sensación de eterna adolescencia quizá? Me gusta que está lleno de gente

apasionada, capaces de dedicarse en cuerpo y alma a una actividad que les encanta y les llena, sin necesidad de cuestionarse ni para qué ni por qué. Sí que existe un aura adolescente a su alrededor, ¡es gente que parece que nunca envejece! al menos mentalmente. Convivo a diario con un skater y es increíble como el simple hecho de bajar un rato a patinar puede convertir un día terrible en uno maravilloso. Es un juego sin reglas, donde compites contigo mismo pero que no es individualista sino todo lo contrario, la comunidad es súper importante, pero no sólo a nivel local sino mundial. Cuando llegamos a una ciudad o a un nuevo lugar basta con bajar a la plaza donde se patina para conocer gente. ¡Es como si escondieran el secreto de la felicidad universal!

¿Cuándo te sientes satisfecha de una fotografía, qué debe transmitir? Me siento satisfecha cuando la fotografía me sorprende, cuando

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hay algo más allá de lo que he podido controlar. Por eso me gusta la fotografía analógica o usar carretes caducados, cuando se velan o las fotografías se montan de una manera que nunca se me hubiese ocurrido. Soy fiel defensora del error, del dejar que las cosas sucedan y confiar en el momento. Me llama la atención cuando hay un evento y cien personas toman fotografías de lo mismo. Es el mismo espacio, la misma hora, incluso el mismo modelo de cámara, pero cada fotografía transmite algo diferente. Es ahí cuando ves que una fotografía no sólo transmite el momento sino que en cierto modo cada foto muestra un bagaje previo a ese último click. Háblanos de tu próxima exposición en Hola Ola, ¿es la primera vez que expones en A Coruña? Es la segunda vez que participo en una

exposición en Coruña. A pesar de que es mi ciudad natal nunca había expuesto hasta el año pasado. Imagino que nadie se hace profeta en su tierra, pero me gusta mucho cuando puedo participar en actividades aquí e invitar a la gente de toda la vida.

¿Cómo estás enfocando la muestra? La exposición está compuesta

por imágenes de mi diario personal. Es la parte de mi obra donde, en cierto modo, trabajo en exclusiva para mí, donde experimento y no me pongo límites. Son instantáneas de estos últimos años que coinciden con ese punto de inflexión donde uno debe decidir entre crecer o intentar estirar lo máximo posible ese momento pre-adulto. Me ha costado mucho empezar a exponer mis fotografías pero es bonito ver que gustan y es genial poder oír y compartir opiniones.

Si tuvieras que pedir un deseo... ¡Poder mantener la capacidad de

dejarme sorprender y de disfrutar!

lamono presenta WISH YOU WERE HERE by Maya Kapouski el próximo 22 de mayo en Hola Ola (A Coruña).

Con la colaboración de Eurostars Hotels y Woll Beer.


KEEPING A FRESH LOOK, LOOKING FOR WHAT’S NEW AND ALLOWING MYSELF TO BE SURPRISED ARE MY HOMEWORK IN ORDER TO AVOID FALLING INTO THE ADULT WORLD.

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The name of the exhibition you are preparing along with lamono is WISH YOU WERE HERE, why such title? What does this mean to you? Tha

majority of photographs in the exhibition belong to my personal diary. They capture instants and situations that for some reason drew my attention in that moment. Seeing them again, I like to think of the reason that made me take the photograph, which is often related to the fact that I wanted to share that moment with someone that wasn’t there or remember the place I wished to visit again. I think the beauty of pictures isn’t in the image itself but in the story behind it. You mention in your website that through your pictures you analise the values of the adult world and the obligation of having to leave the adolescent life behind. In which way do you think your photos show this purpose? I have been lucky enough to always live in a creative environment,

where it’s easy to find situations outside the usual and that would probably go beyond what was considered appropriate for my age. I like taking pictures of daily situations or images I composed myself, although I sometimes photograph nonsense stuff as well, moments in which nothing happens, but because I simply feel like it. There’s where I find the analysis point in which I wonder “does this have any use? Should it even have any?” When you grow up everything seems to have the obligation to make sense or reach a goal, and we stop doing things because we want to, we do things because we have to. I try to turn around what is supposed to be correct and incorrect for each age, but not only at a formal level but also conceptual. What do you do to maintain yourself in this eternal adolescent life?

Having fun is a prority in everything I do, both at an artistic level and personal or professional. Whenever I need to make a decision or prepare a project I try to see it as a toy I break into pieces and then build back with the order I decide. I think it’s the way of being able to live with certain duties while being faithful to your choice of life. I try to give priority to what I like instead of what I should do and, above all, I look for creative solutions. I think training one’s creativity is the best way of staying in con-

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tact with one’s childhood and adolescence. Keeping a fresh look, looking for what’s new and allowing myself be surprised are my homework in order to avoid falling into the adult world. I see your photos as a reflexion of accompanied loneliness. Even if we see desert sceneries we never feel alone...tell us, are your pictures melancholic or rather optimistic? Always optimistic! My pictures are processes more

than images. I always say photography itself is not what I like, but taking pictures. I like to shoot if I feel happy, if I like the place... although if I have a bad day, feel sad or bored I also take pictures so I can change my state of mind, it makes me look for something I like, anywhere I am, and look for entertainment. So there’s always an optimistic side of it! Instead of melancholic I think they are paused images. Curiously I am a very active person, I’m always doing stuff and my to-do list is endless, but somewhow when I grab my camera the speed of time completely changes and is slowed down. I’m sometimes working in shootings, especially in fashion, where everyone around me is running around, there’s noise, clothes and boxes everywhere and nerves are on edge. But the photograph somehow transmits a calm that even surprises me. It’s the magic of photography, being able to turn a certain moment into what you want it to be, in the way you want it to be remembered. What drives you to shoot? Taking pictures helps me organise and understand my head a bit more. I feel a bit spectator of my own thoughts. As soon as I find something I want to capture the ON mode is activated and everything starts moving like a chain. I have the feeling it’s a process I’m not entirely conscious about, since it’s rather automatic, a result of past years’ learnings and experiences. I’m also driven by collecting moments. When you like travelling or you move homes often you realise keeping objects can be uncomfortable. Instead, keeping images is lighter and easier to share. When did you first decide to hang a camera around your neck? I think I never decided it. My house was full of cameras and photo albums always


drew my attention. Still today I can’t keep my hands off them if I see one at someone’s house. I don’t have formal studies in photography and I never planned to be a photographer, it was almost by chance. Even when I had been taking photos for years I still didn’t take it seriously. I think that’s what I like the most about my relatonship with photography, me not taking it seriously! You are related to the skater scene in Galicia. What can you tell us about it, how do you live it? It’s a world I’ve always been attracted to, both aes-

thetically and philosophically. It was since I met Hugo that I’m closer to it, especially to the people in Pontevedra. It’s a city in the fight for skate. There’s a lot of people who skate, also bikers and rollers, but there’s no proper spaces for it. Good news is people have not been quiet about it and have started giving alternative solutions to it, looking for abandoned spaces to build their own skateparks and organising creative activities around it. In my case I have only been focused on capturing certain moments in which skaters were also there, afternoons in the square, excursions or a couple of championships. I have a lot of common points, but I think I miss out a lot because I don’t skate at all, I don’t work hard in the square, meaning I unfortunately still am in the side of a spectator. Even this way I feel at ease and welcome by the guys and I try to take part in everything I can. What do you like the most about the world of boardsports, the eternal adolescence sensation, maybe? I like it being full of passionate people,

capable of devoting themselves completely to an activity they are absolutely caught by and without questioning why or what for. There does exist an adolescent aura around them, they never grow old! At least mentally. Living with a skater I realised how amazing can be the simple fact of going to skate for a while, making a terrible day go awesome. It’s a game without rules, where you compete with yourself without being individualist at all but the other way round. The community is vital not only locally but worldwide. When we get to a city or a new place we just need to get to the

square where skaters are to meet new people. It’s as if they hid the secret for universal happiness! When do you feel satisfied with a photograph? What should it transmit?

I feel satisfied when the picture surprises me, when there’s something else beyond what I have been able to control. That’s why I like analogic photography or using expired films, also when they are exposed or they are built in a way I would have never imagined. I am a firm defender of error, of letting things happen and trusting the moment. It strikes me when there’s an event going on and a hundred people take pictures of the same thing. It’s the same space, same time, even the same sort of camera, but every picture transmits something different. That’s when you see that a photograph doesn’t only transmit a moment but in a certain way every picture shows the whole grounding before that last click. Tell us about your next exhibition in Hola Ola, is this the first time you’re exhibiting in A Coruña? This is the second time I’ll participate in an exhi-

bition in A Coruña. Even if it’s my hometown I had never exhibited here until last year. I imagine noone becomes a prophet in their land, but I truly like being able to participate in activities here and inviting people who have seen me grow. How are you approaching the display? The exhibition is composed by

images of my personal diary. It’s the part of my work in which, in a way, I exclusively work for myself, where I experiment without limits. It’s pictures of these last few years that have meant an inflexion point where one needs to decide between growing up or trying to pull as much as possible this pre-adult moment. I have found it difficult to exhibit my photos but it’s nice seeing them being appreciated and being able to hear and share opinions. If you could make a wish... Being able to keep the ability of enjoying and

being surprised!

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T: BÁRBARA ESTEBAN ROMERO

Hannah Chloe Heyoka. La fortaleza humana

Dicen que detrás de la mirada de una mujer se esconden mil y una historias, que tras su sonrisa es común hallar un alma rota, que cuando ella ríe, el mundo es más feliz, y cuando llora, la tormenta sacude con más fuerza. Eso dicen y así lo plasma Hannah Chloe en sus obras, donde la mujer es protagonista de un mundo en el que los sentimientos contrapuestos hacen de la figura femenina un ser completo y vivo. Donde no existe la felicidad sin tristeza, ni fuerza sin debilidad, donde Ella es la única capaz de evocar un auténtico espectro emocional. Some have said that behind a woman’s look a million stories can be found, that behind her smile a broken soul is often found and that when she laughs, the world becomes happier, storms turning tougher when she cries. What some have said is precisely what Chloe Hannah exposes in her work, where women are seen as the main characters of a world where conflicting feelings make the female figure a complete and alive being. A place where there is no happiness without sadness, no strength without weakness, a place where She is the only one able to evoke a true spectrum of emotions.

www.hannahchloe.com

¿Cómo fueron tus inicios en el mundo del arte? Empecé desde muy joven. Mi padre era pintor y fue una gran influencia para mí. Aunque nuestros estilos son muy diferentes, crecí amando a los indios nativos y su estilo de vida, ya que eso era lo que él pintaba. Hace ocho años estudié arte en una universidad en el Reino Unido, pero la escena del arte contemporáneo me desenamoró, así que decidí viajar durante casi cuatro años. Después me metí de nuevo en la pintura y empecé a exponer en algunas galerías. Durante este último año he estado trabajando como artista a tiempo completo. Actualmente soy una artista urbana con sede en Londres, pero tiempo atrás viví en Austria, Suiza y Australia. ¿Qué te inspira? No sé qué hacía antes de Pinterest, pero lo estoy usando

todos los días para encontrar nuevas inspiraciones. Me ayuda a decidir sobre sentimientos, formas o colores que quiero incluir en mi trabajo, es como una tabla de estados de ánimo virtual. La naturaleza también es una gran inspiración. Salgo a menudo en busca de formas y colores. Por último me gusta investigar y leer citas que coinciden con lo que trato de transmitir en mis obras, eso me ayuda a encontrar un enfoque cuando me siento perdida. ¿Por qué eliges a la mujer como protagonista en tus obras? En rea-

lidad nunca he retratado a mujeres hasta que me reencontré con el arte hace algunos años. Trato de representar la contradicción y profundidad de movimiento dentro de mis piezas y me he dado cuenta de que la forma femenina puede evocar un espectro más diverso de emociones. ¿Qué crees qué hace a las mujeres fuertes? La respuesta obvia sería que

tiene que ver con el instinto maternal, pero es más el constante cambio social y estructural que vivimos, cómo los roles de ambos sexos están en cambio constante. El término feminismo ha provocado mucho debate y creo realmente que tenemos que empezar a pensar en la humanidad como una entidad singular y unida, la historia ha demostrado como así podemos reflejar nuestra mayor fortaleza. ¿Cómo representas la fortaleza en tus obras? Es más bien un conjunto,

se trata de representar a una persona completa, real. No hay felicidad sin tristeza, ni fuerza sin debilidad. Creo que es importante aceptar esta verdad y aceptarnos a nosotros mismos ya que es todo el conjunto, las dos caras de la moneda, lo que nos da la fuerza para seguir adelante. ¿Los colores que utilizas tienen alguna representación especial?

Nunca nada específico. Siempre estoy buscando una respuesta emocional. Estamos programados para pensar en el color que representa la emoción, trato de jugar con esa idea mediante el uso de colores que contrasten, como un músico que elige las notas disonantes en una melodía. ¿Qué subyace detrás de tus obras? Intento capturar la sensación de

estar dentro de mis pinturas, un estado de la mente donde la belleza y la atemporalidad del mundo entran en un enfoque nítido. Mi estilo está lejos de lo básico, cada capa es un proceso y cada uno se puede identificar a través de una composición armónica.

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¿Hay una historia detrás de cada mujer que pintas? Está mi historia,

pero es muy personal, son mis luchas internas y batallas para conseguir que una imagen sea perfecta. Luego está la historia que le doy a la gente para guiarlas en una dirección, pero no me gusta forzar ideas específicas sobre las personas cuando ven mi trabajo. Creo que el arte tiene que afectar a la gente a nivel personal. Se convierte en personal cuando tienes la libertad de hacer tu propia narrativa. ¿Qué es Heyoka? “Cuando una visión procede de la parte de los Seres del Trueno del Oeste, viene con terror y como un huracán; pero cuando el huracán de la visión ha pasado, el mundo es más verde y más feliz; pues cada vez que se presenta en este mundo la verdad revelada, ésta es como la lluvia. El mundo es más feliz después del terror del huracán… la verdad viene a este mundo con dos caras. Una está triste, con sufrimiento, y la otra ríe, pero es el mismo rostro. Riendo o llorando, como un rayo que ilumina la oscuridad, porque es el poder del rayo que Heyokas tiene” Alce Negro. Literalmente es un bufón, pero en la mitología Lakota es también el dios del trueno. Me gustan las imágenes paradójicas, estas dos interpretaciones se unen y es por eso que el nombre de mi exposición en Fousion Gallery es Heyoka. Quiero que sea alegre pero con algunos elementos melancólicos. Dos puntos de vista, dos realidades y una sola verdad.

El Street Art es un ámbito donde predominan los artistas masculinos, ¿crees que esto está cambiando? ¿tu trabajo trata de fomentar la incorporación de la mujer al escenario? Street Art sigue siendo un

concepto nuevo. Yo vengo de las bellas artes pero muchos artistas de la calle vienen del graffiti donde generalmente hay más hombres y puede ser más machista en ese sentido con jerarquías muy definidas. Pero el street art es una forma libre de expresión y ampliamente más aceptada por lo que es mucho más accesible. Es genial ver cómo cada vez hay más chicas que salen de sus estudios y se meten en este mundo. Yo creo que como idea abstracta, el Street Art es ahora una de las formas de arte más puras que existen. ¿Proyectos de futuro? La exposición Heyoka estará en Fousion Gallery

hasta el 5 de junio y haremos un circuito the ferias de arte en otoño alrededor de Europa. También haré varios eventos de live painting en Reino Unido durante los próximos meses. El primero será el 8 de mayo en Manchester.

Heyoka de Hannah Chloe estará en Fousion Gallery, Barcelona, hasta el 5 de junio de 2014.

Tell us about your beginnings in art… I first got into art and painting when I was very young. My dad was a painter and a huge influence on my work today. Although our styles are very different, I grew up to love the Native Indians and their lifestyle, which he was painting. I studied at an art university in the UK about 8 years ago, and fell out of love with some of the contemporary art scene, so swapped painting for travelling and skiing for about 4 years. I picked up painting again after the travels where I had more of a base to work from. I started getting into a few galleries, and over the last year have been working as a full time artist. I’m an urban artist currently based in London, UK but have lived in Austria, Switzerland and Australia in the past.

What underlines your paintings? I attempt to capture the feeling of being in

What inspires you? I don’t know what I did before Pinterest, but I’m using it everyday to find new inspiration. I try to decide on a feeling or some shapes or colours that I want to include in the next work, so I make different boards that will help me. It’s just like creating a virtual mood board. Nature is a big influence too. I’m often outside getting inspiration from different shapes or colours that appear. Quite often I research and read to find quotes that match what I am trying to convey in my work. This helps me focus when I find the painting is becoming lost.

What is Heyoka? “When a vision comes from the thunder beings of the West,

Why did you choose the woman as the main concept in your work? I actually never portrayed women until I reengaged with art in the last few years. As I’ve explored trying to present contradiction / depth of motion within my pieces, I have found that the female form can emote a more diverse spectrum of sentiments. What do you think makes women strong? The obvious answer would be

to do with maternal instincts, but think about the constantly changing social structures we live in and the roles of both men and women. The term “ feminism” evokes so much debate. I think really we need to start thinking about humanity as a singular entity and together history proves our biggest strength is to reflect and adapt. How do you represent strength in your pieces? It is more of a by-product

from trying to convey a complete, real person. There is no happiness without sadness, no strength without weakness. I think accepting this truth and accepting ourselves as these “complete” beings gives us the strength to carry on.

my paintings, a state of mind where the beauty and timelessness of the world come into sharp focus. My style is stripped down to the basics, layering each process so that each one can be identified in one harmonious composition. Is there a story behind each of your paintings? I have my story, but this is

mostly very personal to do with my inner struggles and battles getting the picture just right. Then there is the story I give to people for a direction to think in, but I don’t like forcing specific ideas on people when they view my work. I think art needs to affect people on a personal level. Art becomes personal when you have the freedom to make up your own narrative. it comes with terror like a thunder storm; but when the storm of vision has passed, the world is greener and happier; for wherever the truth of vision comes upon the world, it is like a rain. The world, you see, is happier after the terror of the storm… you have noticed that truth comes into this world with two faces. One is sad with suffering, and the other laughs; but it is the same face, laughing or weeping… as lightning illuminates the dark, for it is the power of lightning that Heyokas have.”-Black Elk. Literally it is a Jester, but in Lakota Mythology it is also the god of thunder. I like the almost paradoxical images these two interpretations muster and that is why I named my show at the Fousion gallery after Heyoka. I want it to be light hearted but with some more melancholy elements. Two points, two realities and one truth. Street Art has always been considered predominantly male, do you think this idea is changing? Does your work try to help women get into street art scene? Street Art is still a new concept. I came up from a fine art background

but a lot have come from the graffiti scene which generally was much more macho and crew orientated with definite hierarchies. Street art is a freer form of expression and widely accepted to be a lot more accessible for public consumption. It’s great to see more and more girls and getting out from the studios and painting in the streets. I believe as an abstract idea, street art is now one of the purest art forms still in existence - Art for Art’s sake. Future projects? The Heyoka show is on at Fousion Gallery until 5th June and we will be doing a circuit of art fairs over the Autumn around Europe. I’m also doing some live painting events in UK over the coming months. The first to be the Subism Liquitex event on 8th May in Manchester.

What do the colours you normally use represent? Never anything specific.

I am always looking for emotional response. We are programmed to think of colour representing emotion, I try to play with that idea by using contrasting colours like a musician choosing dissonant notes in a melody.

Heyoka by Hannah Chloe will be in Fousion Gallery in Barcelona till June 5th 2014.

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SANTI BALMES Indie pop a pelo T: VÍCTOR CARDONA F: MAUD SOPHIE ANDRIEUX

Pongámonos en situación. Una ciudad, Barcelona. Un lugar, Krispy Cuts Barber Shop & Sabor. Una persona, Santi Balmes de Love of Lesbian. Una bebida, Perrier. “Bueno Santi, te voy a rebajar un poquito la nuca y lados, ¿te parece bien?”. Así empieza la conversación entre profesional y cliente; uno con tijeras en mano y el otro asintiendo con cierto temor. “Sí, prepárame para el verano. Aunque tampoco quiero cortes muy extremos”. La máquina de rasurado empieza a zumbar y el profesional empieza a demostrar su técnica y experiencia. “Sobre todo por la nuca porque veo que no fui capaz de indicarle a mi mujer que me cortara bien”, afirma Santi entre risas mientras su cara empieza a reflejar mayor confianza y serenidad. Empezamos la entrevista y Santi demuestra ser un veterano en este género periodístico. Love of Lesbian lleva más de diecisiete años sobre los escenarios y la experiencia es un grado. Sin embargo, esta es una entrevista atípica, tanto para el entrevistador como para el entrevistado -y también para el barbero-, pero la conversación empieza a fluir entre los tres personajes de la escena. Let’s picture the situation. The city, Barcelona. The establishment, Krispy Cuts Barber Shop & Sabor. The character, Santi Balmes from Love of Lesian. The drink, Perrier. “Alright Santi, I’ll go for the back of the neck and sides first, is that OK?”. This is how the conversation starts between professional and client; the one with scissors in hand, the other nodding with a pinch fear. “Yes, get me ready for the summer. Don’t go too extreme, though”. The shaver starts to buzz and the expert starts showing his technique and experience. “Especially the back of the neck, I see I wasn’t able to properly indicate my wife how to cut it”, says Santi as he laughs while his face starts showing some more confidence and serenity. The interview begins and Santi turns out to be a veteran in this journalistic genre. Love of Lesbian has been on stages for seventeen years and experience is obviously there. However, this is an unsual interview, both for interviewer and interviewed –also the barber–, but the conversation begins to flow between the three characters in the scene.

www.societeperrier.com/spain 128


Parece que estrenas la movida que está montando Perrier… Sí, a Alaska, Brianda Fitz-James Stuart y a mí nos tienen preparadas unas cuantas sorpresitas por lo visto. También voy escribiendo alguna que otra cosa y compartiendo listas de reproducción que se irán publicando poco a poco. ¿Y no puedes adelantarnos otra movida en la que te hayas apuntado con Perrier? Porque parece que hay más sorpresas… ¡No me jodas!

(ríe) A ver si con suerte me hago un tatuaje. ¡Eso estaría muy bien!

¿Y ya tienes pensado qué hacerte? Un laberinto circular… porque la

vida es muy complicada.

¿Añoras algo de los comienzos con Love of Lesbian? Sobre todo añoro

la fe que teníamos en ese momento. Es un tipo de fe que no se vuelve a tener más. Ahora todo marcha sobre ruedas y vas confiado, pero en esos inicios nada nos inducía a pensar que nuestro proyecto podría cuajar. Teníamos como una especie de visión que ahora, dieciocho años atrás, me hace alucinar. Visto desde la perspectiva del recuerdo: la gente que nos venía a ver era mínima, en esos momentos la escena era paupérrima. Era una fe de juventud que realmente no sabría como verbalizar.

¿Hay algo que os haga menguar esa fe genuina? No, es algo que ocurre. Hay un grupo que se llama The Residents que lleva desde los años 70 sacando discos y piezas de videoarte, pero casi no se les conoce. Llevan 30 años con sus identidades absolutamente escondidas y sostienen su propia teoría de la oscuridad. Dice así: “Para la creación artística, el anonimato total es la mejor receta porque no se está condicionado ni por tu ego ni por el qué dirán”. Con nosotros, a medida que vamos haciendo discos, se va cocinando un caldo de cultivo entre la opinión de los fans sobre cuál debe ser el próximo paso que dé Love of Lesbian. Se crean unas ideas preconcebidas, incluso para ti mismo, de las cuales es muy difícil escapar. En cierta medida, el anonimato del principio es lo que echo de menos. Nadie esperaba nada de nosotros porque nadie sabía lo que éramos capaces de hacer. Ahora, quieras o no, no somos impermeables a las opiniones que se publican de nosotros. Tengo curiosidad en saber cómo vivisteis el salto del microcosmos indie al gran público actual… Bueno, no te entrenan para el éxito

ni para la popularidad. No hay una asignatura que te señale las salidas. Entonces cometes muchos errores, hay un momento en que se te va completamente la cabeza y luego todo se vuelve a equilibrar. Tienes que incorporar a tu vida nuevos factores que no vivías antes, como estar en una cafetería y ver en Twitter: “He visto a Santi Balmes tomando un café en tal sitio” o “comprando un regalo en tal otro”. ¿Sabes? Son cosas que me parecen un poco excesivas. También hay que luchar contra el tiempo porque quieres dedicarte a lo que te apasiona, a la música, pero entre promociones, grabaciones, etcétera, acabas teniendo mucho menos tiempo que antes. En definitiva, tienes que empezar a luchar contra otros tipos de desequilibrios que se generan… ¡pero no lo cambio para nada!

había detestado pero que finalmente, por quererse tirar a la churri fanática de turno, acababa siendo el más fan de todos. Como una especie de conversión al cristianismo pero en la época del pop. John Boy es el Jesucristo del pop (ríe). ¿Quién es tu John Boy? Yo he sido más de los que han llevado a alguien para convertir, aunque sí podría señalar a Bowie. He escuchado a Bowie y a veces me ha dado grima, pero es Dios y ¡cuidado con lo que digas en su contra! He llegado a discutir con amigos sobre el tema y a medida que el debate se alargaba, más se radicalizaba la conversación. Es así y punto. ¿Y qué dirías si te encontraras ante la situación de dos anónimos en la calle que tienen la misma conversación pero sobre Love of Lesbian? Es que yo no veo la banda como algo tan increíble. Lo pueden

ver más los fans que yo. Quizá me acabaría convenciendo más el contra que el pro y acabaría bastante jodido. No acabo de entender el porqué de tanta pasión. Obvio que lo celebro, pero es muy difícil mitificarse a uno mismo y a los de tu banda cuando somos los de siempre, els Nois del Carrer del Riu de Sant Vicenç dels Horts. Y es que yo los sigo viendo como los mismos gilipollas de siempre y ellos como el mismo gilipollas de siempre (ríe). Los quiero con toda mi alma.

¿Siempre te has querido dedicar a la música? Sí, desde los doce años. Me di cuenta de que así podía expresar cosas que de otra manera no era capaz. Aunque no lo parezca soy una persona muy tímida y las cosas importantes las suelto a través de las canciones. ¿Es muy diferente la perspectiva de la vida con un micro delante y sobre un escenario? Pues nosotros, como grupo de personas bajitas, lo

vemos muy bien. Cuando estamos de público es un horror (ríe). Desde un escenario tienes un cierto sentido de la responsabilidad que a veces puede llegar a turbarte porque, por ejemplo, ves que al levantar la mano el resto del público la levanta también o que todo lo que dices puede ser fuente de polémica o herir sensibilidades. Es, en definitiva, un ejercicio de locura responsable porque sabes que ejerces una influencia y si tienes el sentido de la moral donde toca sabes que eso tienes que gestionarlo bien.

¿Qué perspectiva lleva el panorama musical? Yo creo que goza de buena salud. No tiene nada que ver la situación económica del país con el momento creativo. Pero que esos grupos tiren para adelante es más difícil. Les toca un público muy determinado y cada generación acepta como suyo a menos de cinco bandas o artistas. Cuéntame más sobre esta teoría de las cinco bandas. Cada uno de nosotros recordaremos siempre unos cuantos referentes en la música. Para llegar a ser uno de ellos hay que tener algo. Nosotros no hemos seguido ninguna fórmula, simplemente queríamos romper con la rigidez del indie de los 90, que se concentraba más en la forma que en el fondo. Hubo grupos increíbles, pero fue una época muy arrogante. En cierta manera nosotros apostábamos más por el saber hacer de los 80.

Aparcando la música a un lado… ¿A qué más le dedicas el tiempo?

Hombre, a mis hijas por las tardes, por ejemplo. Ahora tengo tiempo e intento compensar los fines de semana en los que nunca suelo estar. Mis tardes se han convertido en un agradable paseo por el pueblo. Y es que a Love of Lesbian se le juntó el boom de la banda con nuestras paternidades. Todo a la vez. Con lo que fue muy complicado. Un apunte: Hace tiempo encontré un bulo por Internet asegurando que el nombre de John Boy venía de una historia ruso-ucraniana (ironías de la vida). ¿Te suena? ¡Sí! Y aún no sé quién coño se lo inventó

pero iba muy fumado (ríe). John Boy era una especie de nombre muy genérico que se refería a cualquier mito que alguien en un principio

¿Y si tuvieras que escoger una época de la historia de Love of Lesbian? Entre el álbum Maniobras de escapismo y Cuentos chinos

para niños del Japón porque fue un momento en el que nos sentimos muy seguros como banda. Fue ahí cuando dijimos: “Estamos en el buen camino”. Después del primer disco en castellano supimos que habíamos encontrado la fórmula y que a partir de ese momento era desarrollarla. Corte de pelo nuevo y entrevista finalizada. ¿Cómo ha sido este nuevo formato de entrevista? Muy relajado. En lugar de mirar a los

ojos del entrevistador, lo ves a través del espejo. Curioso.

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You seem to be the first step of Perrier’s latest move... Yes, apparently

Who’s your John Boy? I have been more of the one who takes someone to

Alaska, Brianda Fitz-James Stuart and I should be expecting a few surprises soon. I’m also writing a couple of things and sharing playlists that will gradually be published.

convert, but I could say Bowie. I have even listened to Bowie and it has sometimes disgusted me, but he’s God and be careful with what you say against him! I have argued with friends about this and as the debate gets longer, the more radical the conversation gets. It’s like this and that’s it.

Can’t you tell us a bit more about any other hullaballoo you’ve got into with Perrier? Some more surprises seem to come... No shit! (laughs)

Hopefully I’ll get a tattoo. That would be awesome! What were you thinking of? A round maze...because life is very

complicated. Is there something you miss from the beginnings of Love of Lesbian?

I especially miss the faith we had in that moment. It’s a sort of faith that can’t be recovered. Now everything goes smoothly and you are more confident, but in the beginnings there was nothing telling us our project would work. We had some sort of vision that now, eighteen years later, strikes me. Seen from the perspective of memories: the number of people who came to see us was minimal, the scene back then was tremendously poor. It was a faith of youth that I wouldn’t know how to verbalise. Was there something that made you diminish this genuine faith? No, it

just happens. There’s a band called The Residents who has been since the 70s launching albums and videoart pieces, but they’re mostly unknown. Their identities have been hidden for 30 years and they hold their own theory about darkness. It goes like this: “For artistic creation, complete anonymity is the best recipe because you don’t depend on egos or what other people think.” Regarding us, as we launch albums, there’s an opinion being built among fans around what Love of Lesbian’s next step will be. Preconceived ideas are created, even for yourself, running away from which is very hard. In a way, the anonymity of the beginning is what I also miss. Nobody expected anything from us because nobody knew what we were capable of doing. Now, whether you like it or not, we are immune to the opinions that are published about us. I’m curious to know how you lived the step from indie microcosmos to the current huge audience... Well, nobody trains you for success or

popularity. There’s not a subject telling you about the ways out. Then you make a lot of mistakes, there’s a moment in which your head totally goes crazy and then everything goes back to normal.You have to bring to your life new factors you didn’t have before, like being in a café and seeing on Twitter: “I’ve seen Santi Balmes having a coffee in this bar” or “buying a present in that shop”. You know? These things are a bit too much. You also need to fight against time because you do want to dedicate to what you love, music, but promos, recordings and so on are things that take a lot of time and you end up having less time than before. At the end of the day you have to start fighting other unbalances that come up...but I wouldn’t change it for anything!

What would you say then if you were in the situation of overhearing two people in the street having the same discussion about Love of Lesbian?

I don’t really see the band as something so amazing. Fans are able to see this more than I can. The one against it would probably convince me more than other one and I would end up quite fucked up. I don’t really understand where so much passion comes from. I do feel happy about it, but it’s hard to mythologise yourself and the guys in your band when you’re still the Guys from Carrer del Riu in Sant Vicenç dels Horts. And I still see them as the very same idiots and they see me as the very same idiot (laughs). I love them with all my heart. Did you always want to become a musician? Yes, since I was twelve. I realised I could express things I couldn’t otherwise. I’m actually quite shy and I express important things through songs. Is the outlook on life very different when you’re in front of a microphone and on top os a stage? For us, group of rather short people, it’s quite good.

When we’re part of the audience it’s horrible (laughs). From a stage you get a certain sense of responsibility that can sometimes disturb you because, for instance, you see that if you raise a hand the rest of the audience does too or anything you say can be subject to controversy or offend someone. It’s an exercise of responsible madness because you know you have some influence, and if you have a proper sense of moral you know you have to manage that. What does the musical scenery look like? I think it’s healthy. The economical situation of the country has nothing to do with its creative moment. But those bands carrying on is harder. The audience is very concrete and each generation accepts not more than five bands or artists. Tell me more about this five band theory. Each of us will always remember a few references in music. Getting to be one of those takes having something. We haven’t followed any formulas, we just wanted to break the indie uptightness of the 90s, more centered in the shape rather than the background. There was amazing bands, but it was a very arrogant time. In some way we went for the know-how of the 80s. If you had to choose a period from the history of Love of Lesbian?

Between the albums of Maniobras de escapismo and Cuentos chinos para niños del Japón because it was a moment in which we felt very confident as a band. It was then when we said: “We’re on the right path”. After the first album in Spanish we knew we had found the formula and that we had to develop it.

Leaving music aside...what do you devote your time to? To my daughters

in the afternoons. Now I have time and I try to compensate the weekends in which I’m not there. My afternoons have become a nice walk through the village. Because in Love of Lesbian the boom of the band came in hand with our parenthood. Everything at once. So it was very complicated. Small note: Some time ago I found a gossip on the internet from someone saying John Boy’s name came from a Russian-Ucranian story –quite ironic. Does this ring any bells? Yes! I still don’t know who the fuck

invented this but he must have been high (laughs). John Boy was some sort of generic name referring to any myth someone had hated for some reason but, in the end, for wanting to shag a fan chick, ended up being the most fan of all. Like some sort of conversion to christianism in the pop era. John Boy is pop’s Jesus Christ (laughs).

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New haircut and finished interview. How has this new interview format been? Very chilled. Instead of looking in the eyes of the interviewer, you

see him through a mirror. Curious.

*Santi Balmes is one of the chosen ambassadors by PERRIER for the actions that the brand has planned –and which are still kept a secret– during the summer season in Barcelona and Madrid. Alaska and Brianda Fitz-James Stuart will also take part in this adventure, apart from other names that will be joining. The goal: creatively supporting music, art and fashion.


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T: ANTONELLA SONZA

It’s a Long Way Back

GEORGE DUBOIS

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Cuando miramos una fotografía de los Ramones, vemos el lado glamuroso del punk: el de las chupas de cuero, los pitillos ajustados, la actitud irreverente. El Hey Ho Lets Go, el logo en las camisetas de gente que no ha escuchado punk en su vida. Pero como cualquier buena historia, hay mucho más allá tras ese rock veloz y rabioso y de un éxito que nunca pudieron disfrutar en vida. El fotógrafo George DuBose se subió a la furgoneta de la icónica banda de Queens para ser testigo de pura historia durante sus últimos diez años de actividad. Pero los Ramones no son el único nombre a destacar en su trayectoria. También tuvo que lidiar con Andy Warhol al cargo de Interview Magazine, Madonna en sus comienzos, el genio y figura de Tom Waits, los B 52’s o Notorious BIG, su crew, y sus armas. Charlamos con él durante la presentación de su exposición dentro del ciclo Tinta Sonora en el Apolo Store, mostrando sus mejores fotos de la época Ramones y su libro Hablo Música, en el que cuenta, entre otras cosas, la tremenda tensión que había entre Joey y Johnny por una chica. Suena a letra de una buena canción punk. Cuando miramos una fotografía de los Ramones, vemos el lado glamuroso del punk: el de las chupas de cuero, los pitillos ajustados, la actitud irreverente. El Hey Ho Lets Go, el logo en las camisetas de gente que no ha escuchado punk en su vida. Pero como cualquier buena historia, hay mucho más allá tras ese rock veloz y rabioso y de un éxito que nunca pudieron disfrutar en vida. El fotógrafo George DuBose se subió a la furgoneta de la icónica banda de Queens para ser testigo de pura historia durante sus últimos diez años de actividad. Pero los Ramones no son el único nombre a destacar en su trayectoria. También tuvo que lidiar con Andy Warhol al cargo de Interview Magazine, Madonna en sus comienzos, el genio y figura de Tom Waits, los B 52’s o Notorious BIG, su crew, y sus armas. Charlamos con él durante la presentación de su exposición dentro del ciclo Tinta Sonora en el Apolo Store, mostrando sus mejores fotos de la época Ramones y su libro Hablo Música, en el que cuenta, entre otras cosas, la tremenda tensión que había entre Joey y Johnny por una chica. Suena a letra de una buena canción punk.

www.rockpaperphoto.com/george-dubose

¿Cómo fueron tus inicios en fotografía? He leído que comenzaste siendo fotógrafo de moda. Antes de empezar como fotógrafo, quería hacer

retratos, como los preciosos retratos en blanco y negro que hacían los artistas en 1930-40. Fui para eso a la escuela de fotografía, pero sentía que no aprendía lo suficiente. Así que comencé a hacer retratos como aprendiz en estudios de moda. Después acabé trabajando para Andy Warhol en Interview Magazine. Ahí empezó mi carrera en la música, cuando fotografié a los B-52s, un nuevo grupo de Georgia. Me gustaron desde la primera canción que oí, les invité a mi estudio y esa primera foto que hicimos se convirtió en la portada de su primer álbum. ¿Qué aprendiste de Andy Warhol mientras trabajaste con él? Andy iba a Studio 54 con una cámara para sacar fotos de las celebrities del momento y luego pintar retratos, le pagaban mucho dinero. Una vez él me dio unos carretes para revelar y me dijo que los necesitaba a las 15:00 y que si era capaz de hacerlo. Le dije que sí, y lo hice, pero se me olvidó mirar el reloj y se me hizo tarde. Corrí por todo Broadway y llegué veinte minutos tarde. Estaba hecho una furia, me recriminaba que le prometí que estaría a las 15:00, no a las 15:20. Y me enseñó una lección: a valorar la importancia de los plazos de entrega. Desde entonces, soy siempre puntual. ¿Cómo te convertiste en el fotógrafo de los Ramones? El manager de

los B-52s era también el de los Ramones. Él llamó a Tony, el director de arte del trabajo que hicimos con ellos y me incluyó. Era la portada para Subterranean Jungle en el metro, y Tony hizo unos graffitis en el vagón de tren. Al mes siguiente, me llamó directamente Johnny Ramone para darme otro trabajo, pero dejó claro que no quería a Tony. Pero no podía dejarlo fuera, así que hicimos el trabajo juntos. Más tarde, me volvió a contactar y esta vez lo hice solo. Tony me dio un trabajo y yo le di otro, así que en paz.

¿Era difícil trabajar con ellos? Era muy fácil. Vestían igual, con esas chaquetas de cuero, los cuatro en línea y no sonreían. El único problema que tuve es que no tenían paciencia. Antes de empezar cada sesión, tenía que sacar una Polaroid para comprobar la luz, y se revelan en 60 segundos, pues no entendían por qué tenía que hacer eso. Así que para entretenerlos los hacía posar 25 minutos y luego les dejaba irse a por una cerveza. ¿Había tensión entre ellos? Porque Johnny y Joey se odiaban… En

los shootings eran muy profesionales. Pero la única que vez que presencié

tensión fue cuando íbamos en una furgoneta de NY a Connecticut. Los dos estaban en el mismo vehículo pero si se tenían que decir algo, lo hacían a través de terceras personas. Era ridículo. También has trabajado con gente del mundo del hip hop, cuando esta cultura estaba emergiendo. He oído que Notorious BIG te apuntó con una pistola… Sí. BIG tenía 19 años y no tenía un duro, pero hizo

un single con Dj Daddy Cane, con el que yo había trabajado varias veces. Me llamó para pedirme que trabajase con ellos aunque fuera algo gratis, y acepté. Me citaron en el peor barrio de NY, yo, un chico blanco con una cámara. Me acompañó un DJ bastante desagradable. Me presentaron a BIG y no fue nada simpático. Hice las fotos, y luego me pidieron que hiciera una con toda su banda. Y cuando fui a hacerla, vi que levantaban armas hacia el objetivo. Esto pasaba a menudo en el mundo hip hop, por eso las discográficas prohibieron las armas en las portadas.

Tom Waits es otro de los nombres a destacar en tu curriculum, ¿cómo fue la experiencia? Fue cuando estaba en interview. Tom es

una de mis personas favoritas para fotografiar, básicamente porque es un actor. Cada vez que hacía una foto, hacia una pose diferente. Es increíble.

En tu opinión, ¿qué diferencia hay entre la importancia que se le daba antes a una portada y la que se le da ahora? Cuando el vinilo era

lo más popular, molaba mucho tener un 20” en las manos. Con la llegada del CD, la cosa bajó a 5”, no mola tanto. Antes eran las portadas, ahora la importancia recae en el libreto. Hoy en día las portadas son solo una foto del grupo y ya. Antes, era lo que te hacía decidirte para comprar o no un vinilo. Todo es muy distinto además con las descargas, aunque sea triste admitirlo. ¿Qué banda o cantante te gustaría fotografiar que aún no hayas podido? Le hice fotos a Madonna en un concierto en sus inicios, pero

me gustaría trabajar con ella en una portada. Y también con uno de mis héroes de mi juventud: Eric Clapton.

¿Cuáles son tus proyectos? Estoy acabando la portada de A Man Who’s

Been Dead, cuya historia es increíble y colaborando con un grupo de Nueva Jersey que conozco desde hace 20 años.

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How were your beginnings in photography? I heard that first you were a fashion photographer. Before I was a photographer, I wanted to be

a portrait photographer. There are many famous portrait artists from 1930, 1940 who made beautiful black & white pictures and that’s what I wanted to do. To do so, I went to a photo school but I wasn’t learning enough so I became an apprentice at fashion studios, cause that was the way to make portraits of people. After that, I worked with Andy Warhol for Interview Magazine and then my career as music photographer began. I went to see a new group from Georgia, where I come from. It was the B 52’s. I love them from the first song, and I invited them to my studio and made a photo that they used after for the cover of their first record. You worked with Andy Warhol, what did you learnt from him? Andy

would go out at night to Studio 54 and he made pictures of others celebrities like Bianca Jagger to painting them. Andy gave me the roll to develop the pictures. He called me and he wanted the pictures already developed at 3.00 o’clock. I said that I could do it, sure. I developed the photos but I was working and forget the time. I ran through Broadway and when I saw him, he started yelling at me: you promised that you will be here at 3:00 not 3:20! If you don’t learn the importance of a deadline, you will be nothing in this business. So from that moment, I’m always on time. How did you become the Ramone’s photographer? The manager of the B-52 was also the manager of the Ramones. He called Tony, the art director of my previous work with them. We did the picture of Subterranean Jungle and Tony did the spray paintings at the train. Next month, Johnny Ramone called me and asked me to work for them but without Tony, cause they didn’t like the graffiti he made. He gave me the Ramones job so I couldn’t do that, so he gave one Ramones job, I gave him the same. But the next work for the album Animal Boy I worked by myself so that’s the story. It was difficult to shoot them? It was so easy. They wore the same clothes, leather jackets and that stuff, they stay four in line, and they don’t smile! The only trouble I only had with the group is they don’t have patience. I had to make a Polaroid pic to check the light and Johnny was always complaining that we have to wait 60 seconds to develop it. They like me cause I made the photos fast. I made them to pose 25 minutes and then let them go to have a beer.

It was tension between them? Cause Johnny and Joey hate each other...

At the photo shootings, they were very professional. The only time I saw bad feelings between them was once we traveled in a van from NY to Connecticut. Johnny and Joey didn’t talked to each other, but it was ridiculous cause they told all what we wanted to say to each other through other people, and they where at the same van! Also, you worked for some hip hop rising stars at the 90s, like Notorious BIG. I heard he pointed you with a gun at a photo shooting. Yes. BIG

was 19 years old and he made a single with Big Daddy Cane. I knowed him so he called me to work with them. At that time, BIG didn’t have record label and no money, but Mr C gave me some jobs before so I went to the worst neighborhood in Brooklyn and NYC to shoot them for free. A white boy with a camera! BIG wasn’t friendly, but he wanted a picture with his gang. And a gun appeared at the scene. This happened to me a lot of times with hip-hop people. Record companies didn’t want guns at the covers. You also worked with Tom Waits, how was the experience? It was at my

time in Interview Magazine. Tom was one of my favorite persons to work with ever, because he was an actor. Every time I took a photo he made a new pose. He is great. In your opinion, which is the difference between the quality of albums covers & artworks now and then? When vinyl was popular, it was great

to have a 20” in your hands. Later, the CD came, just a 5”, not so cool. But before were the covers, but now the booklets are important. Today is no album cover, just a photo of the musicians. When I was young, good covers made you buy a record. Now with downloads, covers are not important, sad to say. Which band or singer would you like to photograph that you didn’t do it yet? I photographed Madonna in a concert I would like to do it for a

cover. And my boyhood hero: Eric Clapton. Which are your projects right now? I’m working on a CD cover of A Man Who’s Been Dead, the story of this record is amazing. And also with a group from New Jersey, I’ve known them for 20 years now.

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T: BEA SALAS

Franz Ferdinand Por pura diversión

Empezar una banda por puro gozo. Pasar las tardes entre acordes experimentales y cervezas compartidas. Te dicen que algún día llenarás salas y ocuparás portadas. Y no te lo crees. ¿Cómo te lo vas a creer? Ellos podían y debían creérselo. Franz Ferdinand son aquellos cuatro que en su día decidieron juntarse para hacer algo de música. En efecto han llenado salas y ocupado portadas, sin embargo hoy se alegran de poder disfrutar de un poco de paz. Paul Thomson, batería, compara el éxito de la banda con una gran bola de nieve que baja a toda pastilla. A veces hay que decir basta y tomarse un descanso sin considerarlo un drama. Mantener los pies en el suelo, ser fiel a la responsabilidad. No está de más ir por la vida acompañado de un cuaderno, hay momentos impredecibles que pueden acabar siendo letras. Crear según les sugiera el curso de la música, con cuidado de no alejarse demasiado de una cierta disciplina. Pero aquel sábado 5 de abril, bajo el sol primaveral que hizo del claustro del Sant Jordi Club un peculiar recibidor pre concierto, él piensa en todo menos en la actuación. Prefiere preguntar por la cerveza de aquí. Le gusta tanto como las tapas. El alcohol en Escocia es muy caro, le decimos. En España nos gusta mucho hablar, dice él. Starting a band for mere enjoyment. Spending evenings experimenting with chords and sipping beer with those you like. Someone tells you you will soon conquere concert halls and be on magazine covers. Shut up, mother. Well they might as well have believed it. Franz Ferdinand are those four who one day decided to come together and play. Indeed they have been all over the place for over ten years, still they are happy to have some peace these days. Paul Thomson, drummer, compares their success to a merciless snowball. You sometimes need to take a break, not a big deal. Keeping your feet on the ground, being faithful to your responsibilities. Why not carry a notebook with you, some moment you could be inspired by may not be be there anymore. Music guides their pace of work, although discipline helps at times. However, on that Saturday April 5th, under a spring sun that turned Sant Jordi Club’s patio into a peculiar pre concert reception, he thinks about anything but the gig. He would rather ask about our local beer. He likes it as much as he likes tapas. We say alcohol in Scotland is expensive. He says in Spain we really like to talk.

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YOU HAVE TO BE HONEST WITH YOURSELF AND WITH EACH OTHER. THE BAND NEVER STARTED WITH THE INTENTION OF SELLING RECORDS, BUT BECAUSE IT WAS A FUN THING TO DO.

“What we do before the gig starts? As little as possible. The less the better. No rituals. Why does everyone ask us about our rituals? Do other bands have any? Anyway when we started we were hanging out as friends, really. Alex and I had been in a band and Nick had travelled from Germany, where he grew up, and had come to Glasgow because someone had told him about all the things going on. He was looking for a band but once we also met Bob it just happened for the fun of it and that is why people liked it. It was something we did with friends, it’s what people do in Glasgow, but we were never seeking a career...and then we got a career out of it! None of us were expecting this. It’s all about a pursue, instead of going to the pub with friends you just get together and play. Even now when I’m not doing this I play with other people, and this is the way it’s always been. We spent about eight months not doing anything together before we recorded our latest album Right Thoughts, Right Words, Right Actions, which I think is quite a healthy thing to do rather than being in constant company with the same four people. It’s nice to have a break, and it’s good for our mental health! Over the last ten years there’s been tensions so we needed to get away from each other. But us, we do things in a more relaxed way now, which also makes it more fun. We simply started out and it sort of snowballed, it became sucessful. In 2004 it was insane, we didn’t say no to anything. But it snowballed and snowballed, we won prizes and appeared in magazines, which is a lot of pressure to deal with because everyone’s paying attention to you, they keep coming and going. Whereas now people who come by are fans of the band, they’re not coming to

“¿Lo que hacemos antes de que empiece un concierto? Lo menos posible. Cuanto menos mejor. Y sin rituales. ¿Por qué todo el mundo nos pregunta sobre nuestros rituales? ¿Otras bandas tienen de eso? En fin, la verdad es que al principio nos relacionábamos solo como amigos. Alex y yo ya habíamos formado parte de alguna banda y Nick acababa de llegar de Alemania donde se crió, habiendo terminado en Glasgow porque alguien le había hablado de cuántas cosas pasaban allí. Él sí iba en busca de una banda pero una vez dimos también con Bob, el grupo se creó por pura diversión. Y por eso fue que gustamos. Era algo que hacíamos entre amigos, básicamente lo que se hace en Glasgow, pero nunca buscamos dedicarnos a ello... ¡y nos hemos acabado dedicando! Ninguno lo esperábamos. Se trata de hacer lo que te gusta, en lugar de bajar al bar con tus amigos, te juntas para tocar. Yo mismo de hecho toco con otras bandas cuando no estoy en esto. Así han sido siempre las cosas. El caso es que pasamos unos ocho meses sin hacer nada juntos antes de grabar nuestro último álbum Right Thoughts, Right Words, Right Actions, lo que creo que es algo muy sano. Es bueno hacer una pausa, ¡sobre todo para nuestra salud mental! Durante los últimos diez años han habido tensiones, así que nos ha venido bien tomar algo de distancia. Ahora lo hacemos todo de forma más relajada, lo que hace el conjunto más divertido. Empezamos a nuestro rollo y se creó un efecto bola de nieve, nos hacíamos famosos. En el 2004 era una locura, no decíamos que no a nada. La bola se hacía más y más grande, ganamos premios y salíamos en la prensa, lo que suponía mucha presión por la atención de la gente, que entraba y salía. Pero ahora los que nos vienen a ver son fans de la banda, ya nadie viene a ver qué hacemos: ¿quiénes son estos tipos de los que nunca hemos

check us out anymore: who’s this guys we’ve never heard about? It still is a responsibility, but to ourselves and the people that buy our records. When we were younger we were doing so much, you know when there was promo going on. Now we’re a bit more relaxed, less tense and less angry. It’s good to have a space and time where you just write, without any other stuff like gigs or interviews going on. There has to be a distance between us and the media while we’re writing and recording. Wow, you work better under pressure? We prefer having our own pace. Although when we get to the mixing I guess it’s good to have a deadline, otherwise we would spend ages rewriting and changing stuff. But the messages are already in the lyrics sheets. Then it’s up to the listener or the reader to come to their own conclusions. But to get to the lyrics it’s good to take a notebook with you since the things that inspire us come at different times. A lot of them are based on situations and conversations and things that happened to friends. Alex just jots it all down, so we have a bank of ideas for lyrics. Looking back, if I had to give a piece of advice to the younger versions of us, I would just say you have to be yourself. You have to be honest with yourself and with each other. The band never started with the intention of selling records, but because it was a fun thing to do. Try to enjoy it, but you also better like the people in your band...if something goes wrong, you still have to spend all of your time with them!” Franz Ferdinand will be performing in the 1st edition of 101 Sun Festival which will take place on the 11th and 12th of July in Estadio de Atletismo Ciudad de Málaga.

oído hablar? Aún tenemos una responsabilidad, pero con nosotros mismos y con quienes compran nuestros discos. Siendo más jóvenes hacíamos tanto básicamente por la promo que había que hacer. Ahora sin embargo estamos más relajados, menos tensos y también menos cabreados. Creo que es necesario tener un espacio y un tiempo para escribir únicamente, sin nada que nos distraiga como lo hacen los conciertos o las entrevistas. Tiene que haber una distancia entre nosotros y la prensa mientras escribimos y grabamos. Vaya, ¿tú trabajas mejor bajo presión? Nosotros preferimos seguir nuestro ritmo. Aunque cuando llega el momento de maquetar sí considero bueno tener fechas límite, si no estaríamos constantemente reescribiendo y mejorándolo todo. En cualquier caso los mensajes están en la letra y en las partituras. A partir de ahí depende de cada persona el sacar unas conclusiones u otras. Y hasta que no tienes la letra es bueno llevar contigo un cuaderno porque las cosas que te inspiran pueden ocurrir en cualquier momento, de hecho muchas se basan en situaciones y en conversaciones que han vivido amigos. Alex siempre lo apunta todo, así luego tenemos un banco de ideas. Mirando atrás, si tuviera que dar un consejo a una versión más joven de nosotros, les diría que hay que ser uno mismo. Ser honesto, con uno mismo y con el resto del grupo. La banda nunca empezó con la intención de vender discos, sino porque hacíamos lo que nos divertía. Disfrutadlo al máximo, y casi mejor que os guste la gente de vuestra banda porque si algo va mal, ¡vais a seguir teniendo que pasar todo el tiempo con ellos!”

HAY QUE SER HONESTO CON UNO MISMO Y CON EL RESTO DEL GRUPO. LA BANDA NUNCA EMPEZÓ CON LA INTENCIÓN DE VENDER DISCOS, SINO PORQUE HACÍAMOS LO QUE NOS DIVERTÍA.”

Franz Ferdinand actuará en la 1a edición del 101 Sun Festival que tendrá lugar los días 11 y 12 de julio en el Estadio de Atletismo Ciudad de Málaga.

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REVIEW / BARCELONA / 18TH MARCH 2014

Volcom True to This Premiere - Sala Apolo PH: MAUD SOPHIE ANDRIEUX, ANNA PAREDES, NACHO PLANES, CARLA TRAMULLAS, MATEUSZ STANIEWSKI

Cuando decides que te gusta un deporte de tabla, ya no hay marcha atrás. Es un compromiso, una forma de vida. Se crea una conexión espiritual con el medio, un sentimiento de equipo y fidelidad. El pasado 18 de marzo fuimos a lo grande para estrenar True To This, el esperadísimo film de Volcom que es un homenaje a todos aquellos que forman parte de su ADN, los que han ayudado a forjar la historia de la marca, la primera en aunar skate, surf y snowboard bajo un mismo concepto. Media hora antes de que se proyectara la película, ya había gente haciendo cola en la Sala Apolo. La expectación era máxima, y es que para esta generación de riders, esto es toda una lección de historia. Durante 35 minutos, todos callaron, sentados en el suelo de la sala, para experimentar una auténtica descarga de adrenalina viendo a leyendas hablando sobre el trabajo en equipo o lo que sienten cuando están sobre su tabla. Algunos de estos míticos de Volcom no quisieron perderse la gran noche y aparecieron por el Apolo para sumarse a la fiesta, como Javier Sarmiento, Alain Goikoetxea y Rune Glifberg. Y después, llegó el momento de la fiesta: The Mentals tomaron el escenario para rockear el Apolo, mientras escenas de Alive We Ride se proyectaban de fondo. Bailamos, bebimos, reímos y aprovechamos la ocasión para charlar con toda la gente del mundillo que se acercó a vivirlo con nosotros y nos alegramos por la persona que ganó la chaqueta YAE Riders que se sorteó entre todos los asistentes. Y ya que estábamos de celebración y con la adrenalina hasta arriba, teníamos que acabar en el Crappy Tuesdays. Y hasta aquí podemos leer: lo que pasa en el Crappy se queda en el Crappy. Queremos dar las gracias a todos los que os acercásteis al Apolo, en una noche que nunca olvidaremos. Y a partir de ahora, solo nos queda decir: stay true to this! When you throw yourself into a board sport, there is no way back. It involves a compromise and a lifestyle. A spiritual connection is created within its environment, inevitably resulting in team spirit and fidelity. Last Tuesday we went big for the release of True To This, Volcom’s very much expected film featuring everyone who carry its DNA, having helped create the history of the first brand to gather skate, surf and snowboard under the very same concept. Half an hour before the film was shown a crowd was queuing in front of Sala Apolo. The expentacy was as relevant as this history lesson is for the current rider generation. For 35 minutes the room was unsually quiet, with people sitting on the floor experiencing a truly authentic adrenaline dose as they watched legends talking about what teamwork means for them, as well as the feeling they get while being on a board. Some of Volcom’s classic figures would not miss a great night and turned up in Apolo to join the party such as Javier Sarmiento, Alain Goikoetxea or Rune Glifberg. Then the fun time arrived: The Mentals took the stage to rock Apolo, as Alive We Ride scenes were projected in the background. We danced, drank, laughed and took the chance to chat with people from this unique world who had joined to experience such event together, also being happy for the lucky winner of the YAE Riders jacket that was raffled among the attendees. And since we were celebrating and full of adrenaline, we had to end up in Crappy Tuesdays. And so nothing more should be said: what happens in Crappy stays in Crappy. We would like to thank everyone who turned up in a night we will never forget. And form now on we can only say: stay true to this!

www.volcom.com

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REVIEW / BARCELONA / 19TH MARCH 2014

Jägermeister Free Barber Shop PH: ANNA PAREDES

El pasado miércoles 19 de marzo las paredes de la OneONine Tattoo & Barber Shop de Barcelona temblaron. Y es que se dio esa mezcla de ingredientes que hacen de una fiesta algo explosivo: garage del bueno, barbas y Jägermeister corriendo por las venas. Y ya sabemos qué efectos tiene el licor del famoso ciervo en un evento así, todos lo hemos vivido en nuestras carnes alguna vez u otra. Jägermeister hacía su primera presentación oficial a prensa en Barcelona, con una original Free Barber Shop. Barbas y barbudos estaban de suerte: podían ponerse en manos del personal del OneONine de forma gratuita. Fueron muchos los que aprovecharon el furor del momento para sentarse en el sillón, dejarse hacer y levantarse con un nuevo look. Además de Jägershots servidos por los chicos del comando Jäger, no faltó la música, sello de identidad de la marca, además del arte underground, como ellos mismos explicaron a todos los convocados al evento. Hicieron un repaso a su trayectoria y recordamos grandes momentos estelares vividos en la casa Jäger o en las fiestas donde se han involucrado dándoles un sello muy definido. Como curiosidad, nos enteramos de que el creador del líquido oscuro fue Kurt Mast en 1934 y que realizó la fórmula con la intención de crear una bebida para los cazadores, como él mismo era. Sus ingredientes son secretos, se dice que está compuesto por hasta 56 productos naturales, entre los que se incluyen especias, hierbas, frutos y raíces orientales, además de canela, jengibre, clavo, regaliz, anís, naranja amarga y bayas de enebro. A parte de esos datos que nos hicieron acostarnos sabiendo cosas nuevas, despejamos nuestras mentes de cazadores con los Fuckin’ Bollocks y su ritmo endiablado, perfecto para desatar el delirio entre las primeras filas. El grupo es uno de los imprescindibles de Jäger, dado su apoyo al talento emergente, sobre todo en música independiente. A los platos, Dj Patriarca fue el encargado animar al personal con sus mezclas punk, contagiándonos de muy buen rollo. Había que mentalizarse: el día después iba a ser duro, muy duro. Pero valió la pena. ¡Larga vida al ciervo y a lo que está por venir! Last Wednesday March 19th, the walls of OneONine Tattoo & Barber Shop in Barcelona shook with nerve. All thanks to the perfect mixture of the very precise ingredients for an explosive party: a proper garage, beards and Jägermeister running through the attendees’ veins. Truth is we all know the effects of the famous Cervus elaphus liquor in these sort of celebrations. This was Jägermeister’s first official press presentation in Barcelona, also offering an original Free Barber Shop. Beards and their lucky owners could let their facial hairy attributes be taken care of by OneONine staff free of charge. Many did not hesitate to take a seat, undergo a slight style procedure and stand up again with a brand new look. Apart from Jägershots served by the team Jäger guys, music was present at all times as an already recurrent brand stamp, besides underground art as another usually featured aspect of the red deer philosophy. They also went through their history and a few of the main stellar moments that have either taken place at the Jäger house or at the parties they have been involved in, always adding a very particular and unique touch. Fun fact is the dark liquid was first created by Kurt Mast in 1934 as a formula with the intention of creating a drink for hunters, since he was one himself. Its ingredients were secret, but it is said to be composed of up to 56 natural products including spices, herbs, fruits and eastern roots; apart from cinnamon, ginger, clove, liquorice, anice, bitter orange and juniper berries. Other than those facts having made us go to bed with some added wisdom, our predator instincts were cleared up with Fuckin’ Bollocks and their devilled rhythm, excellent to let go off the delirium of the first rows. The band is one of Jäger’s essentials, always supporting emerging talents, especially independent music. Also Dj Patriarca took control of the plates and managed to keep everyone lively with his punk mixtures, infecting bodies with good vibe. Something, however, was to be realised: the day after was not not going to be easy. At all. But it was definitely worth it. Long live the Red Deer and what is yet to come!

www.jagermeister.es

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REVIEW / BARCELONA / 29TH - 30TH MARCH 2014

Snow Volleyball World Tour by Amway PH: JULIO AMORES

Las cosas hay que probarlas para saber si funcionan. A veces descartamos algunas pensando de antemano que son una locura, pero apuestas arriesgadas como la que presenciamos el último fin de semana de marzo demuestran todo lo contrario. El Volleyball no es solo cosa de arena o cemento, ¡también puede practicarse en la nieve! Y Amway, de la mano de Nutrilite, se ha volcado por completo a enseñárselo al mundo con el Snow Volleyball Tour. La que disfrutamos en la estación Plan De Corones, en pleno corazón de Los Dolomitas, en la frontera de Italia con Austria, fue la cuarta parada de un tour que ya ha pasado por Suiza, Alemania y Austria. Un surtido elenco de deportistas de élite se vieron las caras en la pista, jugando sobre nieve con zapatillas de fútbol. Algunos, como la pareja formada por Giulia Rastelli y Giulia Decordi, representación femenina oficial de Nutrilite, no habían jugado nunca juntas ni en pareja, por lo que a la dificultad de la nieve se añadían otros retos a superar. Las competiciones estuvieron en todo momento muy reñidas. Tras una final con la tensión como protagonista, se alzaron con el título de ganadores, en la categoría masculina la pareja alemana Max Hauser y Bene Doranth y en la femenina, las polacas Martyna Wardak y Wiatr Joanna. Pero el fin de semana no se centró únicamente en la adrenalina de la competición, al contrario, conocimos los secretos de una dieta equilibrada para un vida sana tras una muy interesante charla con el Dr. Francesco Avaldi, médico nutricionista del A.C. Milan, aprendimos a hacer el pan tradicional del sur del Tirol en la granja Scholosserhof y nuestro paladar degustó las delicias culinarias de la zona en paradores típicos como el Castillo Sichelburg de Falzes. En resumen una vivencia completa en la que el deporte, con el lema de Mens Sana in Corpore Sano como bandera, nos demuestra que hay algo básico para ser felices y vivir sonriendo: cuidarnos a nosotros mismos en todos los sentidos. Some things can be only be tested by giving them a try. We mean, why not. We sometimes discard options for them being too crazy, but daring iniatives like the one we witnessed the last weekend of March definitely proves this wrong. Because legit grounds ro play Volleyball are not only sand or concrete, but also snow. Again, we mean, why not. This is precisely what Amway, along with Nutrilite, has tried to tell the world through the Snow Volleyball Tour. We enjoyed the fourth stop of their tour, which took place in Plan de Corones, in the heart of The Dolomites and in the border between Italy and Austria. However, they have already seen Switzerland, Germany and Austria. An outstanding line-up of elite sportspeople came face to face in the snow court with their feet inside football trainers. Some teams, like the one composed of Giulia Rastelli and Giulia Decordi as the official Nutrilite’s female team, had never played either alone or together before, which was one of the added difficulties to the drawbacks of a snow court. Competitions were tough at all times. Tension was the final’s protagonist in which the German team couple Max Hauser and Bene Doranth won in the male category, and Polish Martyna Wardak and Wiatr Joanna in the female one. The weekend was not only filled with the adrenaline coming from the competitive side, but because we could as well get to know the secrets of a balanced diet in order to lead a perfectly healthy life. A.C Milan nutritionist Dr. Francesco Avaldi taught us how to bake South Tirol’s typical bread in Scholosserhof farm, also being able to delight our palates with the area’s culinary specialties in breathtaking spots like the Sichelburg castle in Falzes. To sum it up, it was a whole experience in which sports, under the motto Mens Sana in Corpore Sano, pointed to the undeniable proof of a basic premise for us to lead a happy, sunny life, that being, never stop caring for ourselves in every possible way.

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REVIEW / LES ARCS / 4TH - 6TH APRIL 2014

Monster energy’s B&E inventational PH: MAUD SOPHIE ANDRIEUX

El primer fin de semana de abril lo pasamos a 1800m de altura en la estación de ski de Les Arcs, en los Alpes Franceses. Y es que la iniciativa de dos de los riders de freeski más influyentes del momento, Phil Casabon y Henrik Harault de llevar allí a 19 amigos y montar el B&E Inventational con el apoyo de Monster Energy, nos pareció el mejor plan. B&E Inventational, más que una competición, es una reunión de colegas divirtiéndose sobre la nieve. Y nos quedó muy clara una cosa: los riders lo viven con una pasión incomparable. Todos han crecido juntos en las pistas, se conocen desde pequeños y se consideran hermanos más allá de la sangre. Por eso, el ambiente en las alturas fue puro buen rollo: se mezclaron los dos carismáticos organizadores (inseparables y con un estilo único dentro y fuera de la pista), con nombres como Candide Thovex (que se llevó el premio del público por su doble backflip), Emile Bergueron (Mejor truco con un doble cork seven), Torin Yater-Wallace (Best Overall de la jornada), Joss Wells, Tanner Hall, Romain Grojean o Parker White. Tuvimos la oportunidad de vivir esta experiencia junto a todos ellos, de caernos por la nieve, de que Parker White nos explicase en primera persona lo importante que es para un freeskier grabarse haciendo trucos o de que Henrik Harault nos contase su experiencia en los juegos de Sochi, cuando se le cayeron los pantalones en pleno truco. El formato del Inventational era de jam session: cada freeskier salía a la pista a dar lo mejor de sí ante todo el público que se acercó hasta Les Arcs para verles volar y los más de 5.000 que lo vieron desde el live feed. Y el resto ya es secreto de sumario. We spent the first weekend of April 1800m high at Les Arcs ski station in the French Alps. Such initiative was developed by two of today’s most influential freeski riders, Phil Casabon and Henrik Harault, who decided it would be a good plan to take 19 friends over with them and create B&E Inventational with the support of Monster Energy. Indeed it was. B&E Inventational was, rather than a competition, a reunion of friends having fun in the snow. Something was made clear: riders live such experiences with outstanding passion. They all grew up in the slopes, know each other since young and are regarded as siblings beyond blood. Which is probably why the atmosphere up there was so warm: a mixture of the two charismatic organisers –inseparable and with a unique style inside and outside the slopes, along with names like Candide Thovex –who won the audience’s prize for his double backflip, Emile Bergueron –Best trick with a double cork seven, Torin Yater-Wallace –Best Overall of the day, Joss Wells, Tanner Hall, Romain Grojean or Parker White. It was a chance to share a unique encounter surrounded by them all, a time in which we not only fell in the snow, but also had Parker White tell us about the importance of a freeskier to record himself performing tricks, not to mention Henrik Harault’s revelations about his involvement in Sochi Games, when he had the misfortune of his pants falling down in the middle of a trick. The Inventational’s format was similar to a jam session’s: freeskiers took over the slope to perform at their best in front of an audience that had turned up at Les Arcs to see them fly, apart form the 5,000 who saw them through live feed. The rest of it will be kept a secret.

www.monsterenergy.com

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#96 · CUT LIKE STEEL · MAY / JUNE · 2014 COVER: JÉRÔME ROMAIN BASED IN ELLE GREEN PHOTO X RAY-BAN ROMAIN-ART.BLOGSPOT.COM DIRECTOR Eva Villazala eva@lamonomagazine.com ASSOCIATE DIRECTOR Julio Amores julio@lamonomagazine.com ART & DESIGN Josep Manel Sicart siki@lamonomagazine.com · www.sickart.net REDACTORS Antonella Sonza antonella@lamonomagazine.com Barbara Esteban barbara@lamonomagazine.com PHOTOGRAPHY Maud Sophie Andrieux sophie@lamonomagazine.com TRANSLATION Bea Salas CONTRIBUTORS REDACTORS Víctor Cardona + Alejandro Cinque + Bárbara Esteban + Xavi Ocaña + Inés Troytiño + Ane Pujol + Vicky Navarro + Bea Salas + Antonella Sonza + Lara Tuner. PHOTOGRAPHERS Elle Green + Anna Paredes + Nacho Planes + Andree Martins and Demian Dupuis + Maud Sophie Andrieux. ORIGINAL ART DESIGN Hernan Verdinelli · www.hernanverdinelli.com For circulation customer service in Spain please send an email to barbara@lamonomagazine.com For international circulation customer service please send and email to sophie@lamonomagazine.com International Distribution: France, Portugal, Germany, UK, Portugal and US. For annual subscription please send an email to suscripcion@lamonomagazine.com SUBSCRIPTION / 6 issues per year Spain: 40 euros / Europe: 50 euros / Other countries: 70 euros DEPÓSITO LEGAL: B 51664-03 ISSN: 2014–9395 LAMONO HEADQUATERS: Aribau, 15, 1º 1º, 08011 Barcelona T. +34 932724980

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www.Bright Diaries.com Vol. 3 out on July 1st 2014 Image by Asger Carlsen & Roger Ballen

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lamono #96 CUTS LIKE STEEL  

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