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Ermias KiflEyEsus


ERMIAS KIFLEYESUS

Kusseneers Gallery – Menenstraat 10 rue de Menin, 1080 Brussels, Belgium – www.kusseneers.com

© ermias Kifleyesus, Christine Clinckx, Kusseneers gallery © all rights reserved. no part of this book may be reproduced in any form by any electronic or mechanical means (including photocopying) without permission in writing from the publisher.

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Bending and binding reality_ every painting counts.

When I came to europe, one of the things, which impressed me was how many unidentified paintings existed. Walking in the street or going to the flea market, I saw endless paintings with unknown artists. In addis ababa, I never found an oil painting. There, if somebody leaves a painting in the street, it will be picked up within a minute, even if it is wet, dirty or badly damaged. somebody will hang it in his house, or use it to make a new painting. When I was in art school, there was not always enough material to make paintings and we used to paint on somebody else’s painting. In 2009, I saw an old and badly damaged painting in the Brussels flea market. It was laid among objects to be collected for garbage. some of the colors were relocating themselves to the tablecloth and to the objects. The painting was also picking up dust, some nails and stickers. It was like a big mix of salad. It looked like the oil painting was searching a new support – to bind itself with. I came near this scene, to see this performance made by nature. I noticed that I could see the fragments of the painting, which were on the top of the cloth – the reversed image of the oil painting. It is amazing to see how fast objects come and go in the flea market in Brussels; their movement, and displacement - their opportunity to have a second life. some seem positive – and some are not – to find new life. When raindrops hit into the cracks of the painting, it makes the canvas wet. as the days pass, with repeated rain exposure to the painting, things get worse with the paintings. It is evident later; the back of the painting would get fungus, mixed with mud and dirt form the surrounding. sometimes, the secondhand trader keeps the objects from the wet floor. I found it difficult to let those paintings end up in a worthless. so that is why I have started to gather them. Ermias Kifleyesus

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view of the exhibition ‘Humidity and the mystery of traces’ at Kusseneers gallery, Brussels, september 2014


ermias Kifleyesus Partituur van de wereld “Politieke opvattingen of in zwang zijnde theorieën over kunst kunnen mij niet helpen bij het maken van een schilderij en ook niet bij het vormen van een voorstelling ervan… Het enige wat mij engageert is het mysterie van de wereld.” René Magritte, 1957 In het werk van ermias Kifleyesus (°1974, addis abeba) is er een gedrevenheid zoals bij Magritte om een beeld van de wereld in de ruimte van zijn werk binnen te trekken. Hierbij gaat het niet om een afbeelding of voorstelling, maar worden fragmenten uit de wereld gebruikt om vat te krijgen op, of een neerslag te geven van, het mysterie van de realiteit rondom ons. De wereld waarin beide kunstenaars leven is uiteraard erg verschillend. In de hedendaagse maatschappij vandaag, de wereld waarin ermias Kifleyesus zich beweegt, leven noties als multiculturaliteit, migratie, globalisatie, overconsumptie en de overbevolking van grootsteden. Ze vormen impliciet de achtergrond waartoe zijn werk zich verhoudt, wiens elementen de kunstenaar zich toeëigent en eigen maakt. na een opleiding als figuratief schilder in ethiopië komt ermias Kifleyesus eind jaren negentig naar europa en vestigt zich in Brussel. Zijn oorspronkelijke opleiding wordt aangevuld met een meer conceptuele benadering van kunst. In vroeg werk combineert hij een gevoel voor kleur en compositie met het gebruik van alledaagse voorwerpen. Tijdens een bezoek aan zijn atelier in het Hoger Instituut voor schone Kunsten in Gent herinner ik me een video waarin kruiden, kopjes en etenswaren op een tegelijk ritmische en gewelddadige manier door elkaar geschud worden tot een haast vormloze kleurrijke compositie. Het geheel deed denken aan abstract schilderij, maar dan met gebruiksvoorwerpen. De kunst van Kifleyesus vertrekt van analyses. Vervolgens wil hij door het samenbrengen van elementen nieuwe denksporen aanbieden. De kruiden en etenswaren in dit videowerk bevatten allen verschillende – ook culturele – connotaties, maar worden gelijkgeschakeld en opgenomen in een meer esthetisch geheel.

De kunst van ermias Kifleyesus wil niet scheppen vanuit het niets, van een tabula rasa. eerder schakelt hij zich in bestaande systemen van sporen en creaties van anderen in. Deze wil hij samenbrengen, herwerken, deels verwijderen, selecteren en toevoegen. In elk werk is er in die zin een collectieve factor aanwezig, wordt er gebruik gemaakt van bijdragen van anderen. In recent werk vertrekt hij van beschadigde doeken die door tweedehandsverkopers na vlooienmarkten achtergelaten worden. afgedankte, anonieme composities, vaak verkleurd en bedekt door lagen vuil, worden enige tijd meegezeuld maar zijn na verloop van tijd zijn zo beschadigd dat ze bij het vuilnis achtergelaten worden. Door een chemische mengeling met lijm en het opkleven van dunne lappen katoen pelt Kifleyesus nauwgezet vuil, vernis en verflagen van zo een gevonden compositie. In dit proces, waar toeval en onvolkomenheden deel van zijn, wordt één beeld vele beelden, als een filmische opeenvolging van variaties die zowel inzage geven in het creatie- als in het aftakelingsproces van het kunstwerk. Kifleyesus maakt zichtbaar en vernietigt. In zijn archeologische werkmethode primeert dit proces op de eigenlijke afbeelding van wat zichtbaar is of wordt. Kifleyesus kan misschien gezien worden als een soort etnograaf of archeoloog van onze huidige globalistische consumptiemaatschappij. Hijzelf spreekt van een soort onderdanigheid bij de veelheid van tekens, beelden en sporen die mensen in alle uithoeken en spelonken achterlaten. Het palet van deze kunstenaar bestaat uit anonieme en onbewuste bijdrages van anderen. In 2006 verlegde de kunstenaar zijn werkdomein naar internationale telefoonwinkels in grootsteden, waar je aan goedkope tarieven internationaal kan bellen. Deze shops worden vooral gebruikt door stadsinwoners met een migratieachtergrond, met familie en vrienden in verre landen. De geïsoleerde hokjes vormen een moment van communicatie en contact, ze zijn een plaats waar door middel van de moderne technologie alles en iedereen bereikbaar is. De cellen zijn containers van verhalen uit tal van landen. Tijdens het telefoneren, wanneer onze aandacht niet naar lezen of schrijven uitgaat en een pen vrij spel krijgt, maken we haast allen krabbels en aantekeningen, worden patronen gevuld en laten we onze pen randen 5


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installation view of the exhibition ‘la Vérité en Peinture’ curated by Hans Martens at Kusseneers gallery in Brussels, January 2014


van vormen dupliceren. Het lijkt dan of onze hand losgekoppeld is van onze hersenen en vrij spel krijgt om spontaan te tekenen. Het zijn deze chaotische krabbels van vele anonieme gebruikers die de kunstenaar fascineren. In overleg met winkeluitbaters verzamelt hij wat onwetende bellers er achterlaten. Hij vervangt pen en papier, introduceert later ook doek en textiel als drager, en stuurt subtiel wat en waar kan volgekrabbeld worden. aanvankelijk verving Kifleyesus volgens een zichzelf opgelegd protocol twee maal per week de volle door lege notitieblokken. nadien experimenteert hij met bestaande afbeeldingen, doeken en reclameadvertenties die hij laat bekladden. Deze isoleercellen, waar klanten persoonlijke gesprekken voeren, zijn Kifleyesus’ laboratorium voor het tekengedrag van mensen. De kleuren van de pennen wijzigen, meerdere kleuren worden aangeboden. Voorgetekende vormen van de kunstenaar sturen het krabbelgedrag; stukken plastiek schermen delen af en triggeren specifieke aantekeningen. Doorheen de jaren gaat de kunstenaar op zoek naar hoe bepaalde markeringen andere markeringen aantrekken. Hoe je met verschillende kleuren kan werken, hoe je patronen kan suggereren, met textuur kan werken en zo meer. Met een aantal winkels in verschillende landen houdt de kunstenaar contact, gaat hij regelmatig langs om materiaal te vervangen. De bijdragen van de bellers ziet hij in zekere zin als een ‘open source’ waaruit kan geput worden. Tevens de houten plankjes, waarop de telefoon staat en die sporen van zweet en vuil bevatten, worden door de kunstenaar verzameld, zelfs de bekladde telefoondraden zijn vertrekpunt voor nieuw sculpturaal werk. Het resultaat is een collectief werk van onbewuste participanten. Verdergaand op zijn basismateriaal kiest Kifleyesus recent houten blinden als dragers. symbool voor afscherming en doorzicht refereren de horizontale stroken naar regels van een tekst of stroken van een stripverhaal. De horizontale banden worden met tape en stickertjes bekleefd waarna de krabbels op andere dragers overgebracht worden. Fragmentarisch, herhalend of spiegelend resulteren ze in een compositie die abstractie en figuratie vermengt. na verloop van verschillende jaren beschikt de kunstenaar intussen over een zeer ruime verzameling van vormen, kleuren en motieven waarmee hij zoals een schilder (met een

borstel- en kleurenpalet) aan de slag kan. Via tape, lijm, rubbing, doordrukken en wrijven van materialen kan hij op doeken en muuroppervlakken een compositie optrekken die leest als een georkestreerd samengaan van vele kleine krabbels. De monumentale muur in de centrale ruimte op de benedenverdieping van Muhka etaleerde in de zomer van 2014 een groot muurwerk. Deze composities functioneren op meerdere niveaus. Van op afstand lijkt het een abstract gedetailleerd kleurvlak, haast een Jackson Pollock dripping, maar van nabij verschijnen motieven, figuratie, herhalingen en overlappingen. Zowel op micro- als op macroniveau brengen deze werken een geordende chaos die een afspiegeling vormt van de wereld van vandaag. De niet-bewuste bijdrage van tal van buitenstaanders maakt dat de kunstwerken een unieke schriftuur hebben. De hand van de kunstenaar is als een dirigent, ondergeschikt maar cruciaal in het meesterlijk mixen en doseren uit het brede aanbod. Ook grote straataffiches, gevonden in kapot geslagen bushokjes op straat, worden in stukken gevouwen en vastgetapet. Om de paar dagen hervouwt Kifleyesus de poster en biedt hij een nieuw fragment ter inkleuring aan de bellers aan. Honderden onwetende personen voegen allen kleine stukjes toe aan de cartografie van de composities. Hierbij reageren tekenaars ook op elkaar, verdergaand, invullend of wissend wat achtergelaten werd. Op deze reclameposters staan de meest bekende supersterren uit de mode- en filmwereld afgebeeld. Ook al worden ze grotendeels bekribbeld, hun icoonwaarde is zo groot dat ze toch instant herkenbaar zijn. Deze straatposters introduceren meer nadrukkelijk de interessante spanning tussen publiek en privé in deze werken. na de telefoon-toevoegingen ontvouwt Kifleyesus de posters en herintroduceert hij ze in de publieke ruimte die het museum of de tentoonstelling is, echter vol met markeringen als littekens op de verleidelijke reclame van grote multinationals. Het geheel vertoont raakvlakken met de verscheurde posterlagen van Franse pop art kunstenaars zoals Jacques Mahé de la Villeglé, die van de muur gehaalde affiches recycleert en verscheurt tot ze een poëtische compositie of een nieuwe gedachte insinueren. Het geheel is een soort guerrilla tussen 7


beeld, tekens en letters. Dit samengaan van privaat en publiek was ook een drijfveer van verschillende conceptuele kunstenaars die in de jaren zestig en zeventig de beslotenheid van het eigen atelier verlieten en hun werk in dialoog met de publieke ruimte situeerden. Met vooraf bedachte acties onderzoeken ze op systematisch wijze de bezetting van de publieke ruimte door de mens. ‘Following Piece’ van de amerikaan Vito acconci uit 1969 bijvoorbeeld bestaat uit een vooraf vastgelegd protocol waarbij de kunstenaar gedurende een maand dagelijks een toevallig gekozen vreemdeling op straat in new york volgt tot op het moment dat hij of zij een privéwoning betreedt. acconci zei over zijn actie: "I am almost not an 'I' anymore; I put myself in the service of this scheme." er is enkel een soort spanning tussen twee personen, zonder enig rechtstreeks discours over kunst of leven, of een sublimeren van het dagelijkse. Ook het werk van ermias Kifleyesus wil zich inschrijven in een continue uitwisseling met bijdragen van anderen, een participatie die tot de basis herleid is. Het gaat niet om de persoonlijkheid van de kunstenaar, noch om deze van de tekenaar, maar net om de zone ertussen. De partituur die uit de compositie van aantekeningen bestaat is tegelijk persoonlijk en naamloos en ontsnapt aan elke logica. universeel herkenbare sporen vindt de kunstenaar ook terug op goedkope plastiek zakjes en kartonnen verpakkingsdozen. logo’s en handgeschreven opschriften op dozen zijn als prefab tekeningen en kribbels met een heel andere intentie. De merk-namen of symbolen van multinationals staan wel voor iets, met name een product, maar zijn in zekere zin evengoed anoniem of uitwisselbaar. De kunstenaar is geïnteresseerd in hoe bedrukte zakken en dozen herbruikt worden. In een grootstad als Brussel maken daklozen gebruik van grote kartonnen dozen om in de publieke ruimte een beschutte slaapplaats te maken. Met tape die Kifleyesus op de handgeschreven opschriften op de dozen kleeft en weer afneemt, verwijdert hij deze schriftuur om ze vervolgens te verzamelen op kartonnen dozen in zijn installaties, alsof hij de

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publieke ruimte – en in het bijzonder de beschermingsplaatsen van zij die aan de rand van de maatschappij leven – van labels wil vrijwaren. In zijn eigen werk creëert hij als tegenhanger een kritisch verzadigingspunt van geschreven opschriften en publiciteit. een reeks recente monumentale doeken brengen al deze verschillende aantekeningen uit de wereld op bijzondere wijze samen. afdrukken van anonieme schilderijen, opschriften van reclamezakjes en tal van kribbels en droedels worden op grote doeken zorgvuldig op en over elkaar aangebracht met een techniek van rubbing, lijm en gel. Hoge en lage cultuur staan zij aan zij en komen samen in een all-over techniek die de opdrukken een gecraquelleerd en geleefd effect geeft. elk werk lijkt nauwgezet tot stand te komen en uit een voorgrond, middenplan en achtergrond te bestaan – gelijkend op historische landschappen. De beelden brengen uiteenlopende tijden, perspectieven en invalshoeken bij elkaar. elk werk bevat verschillende openingen, invalshoeken en manieren waarop ze kunnen benaderd worden. Herkenbaarheid wordt gealterneerd door abstractie en onduidelijkheid. Het zijn esthetisch interessante beelden die iets over de wereld vertellen, over waarde, handel en communicatie. De kunstenaar maakt ons deelachtig aan zijn zoektocht naar het leren begrijpen van dingen rondom ons, door ze te ontmantelen en opnieuw samen te stellen. Zoals een antropoloog mengt hij zich in de samenleving en neemt hij afstand. Zijn werkdomein beperkt zich niet tot de Westerse groot-steden waar hij regelmatig tentoonstelt. Ook zijn geboorteland ethiopië, dat in volle expansie is, betrekt hij in zijn recent werk. Het hoge tempo waarop gebouwen in de hoofdstad opgetrokken worden, brengt mee dat er vele arbeiders in moeilijke omstandigheden werken. Kifleyesus trekt met nieuwe werkpakken naar deze werven en vraagt aan deze arbeiders van pak te ruilen. Van zweet doordrenkte pakken worden in zijn handen een hedendaags portret van afrikaanse steden in opmars. na het openen van de naden worden ze op een schildersdoek gefixeerd, als een ode aan fysieke arbeid. In het werk van ermias Kifleyesus staan deze sporen van hardwerkende arbeiders uit een andere continent in scherp contrast


view of the exhibition ‘Humidity and the mystery of traces’ at Kusseneers gallery, Brussels, september 2014

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met de vele betekenisloze krabbels en logo’s die in andere werken veelvuldig opduiken. Toch getuigen ze beide van eenzelfde interesse in creatie, globalisatie en in het zichtbaar maken van menselijke creaties waar deze normaal onzichtbaar blijven. De kunstenaar laat ruimte voor sporen van anderen, maar weet tegelijkertijd een heel eigen visuele vormentaal te construeren die ons op verschillende niveaus aan het denken kan zetten. Eva Wittocx artistiek directrice bij M Museum leuven, België

view of the exhibition ‘Humidity and the mystery of traces’ at Kusseneers gallery, Brussels, september 2014

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Promise of the future, 2013, mixed media on electrical wire, dimensions variable (detail)


Promise of the future, 2013, mixed media on electrical wire, dimensions variable

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Connecting the traces, 2008, mixed media on wood, dimensions variable (3 pieces, each piece Âą 75 x 25 cm)


Connecting the traces, view from the other side

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view of the exhibition Humidity and the mystery of traces at Kusseneers gallery, Brussels, september 2014

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ermias Kifleyesus Writing the score of the world “Political attitudes or fashionable ideas about art cannot help me when making a painting nor when forming a representation thereof… the only thing that engages me is the mystery of the world.” René Magritte, 1957 There is a compulsion in the work of ermias Kifleyesus (1974, addis ababa), as there was in that of Magritte, to draw an image of the world into the sphere of his work. This is not a matter of depiction or representation, but about using fragments from the world to get to grips with or even precipitate the mystery of the reality around us. These two artists’ worlds are of course very different. In today’s modern society, the world in which ermias Kifleyesus moves, there are issues like multiculturalism, migration, globalisation, over-consumption and the over-population of large cities. They implicitly form the background to which his work relates and the elements the artist appropriates and makes his own. after his education as a figurative painter in ethiopia, ermias Kifleyesus came to europe at the end of the nineties and established himself in Brussels. His original training was supplemented with a more conceptual approach to art. In his early work he combined a feeling for colour and composition with the use of everyday objects. I recall a video I saw during a visit to his studio at the Higher Institute for Fine arts in Ghent in which herbs, cups and foodstuffs were shaken up, in a simultaneously rhythmical and violent manner, into an almost formless, colourful composition. The whole was like an abstract painting, but with added utensils. Kifleyesus’ art starts from analysis. He wants to offer us new avenues of thought by bringing new elements together. The herbs and foodstuffs in this video piece all contain various connotations, including cultural ones, but are standardised and incorporated into a more aesthetically pleasing whole. ermias Kifleyesus’ art is not intended to create something from nothing, from a tabula rasa. rather it engages existing systems, the marks and 18

creations left behind by others. He wants to bring these together, rework, partly erase, select and add to them. In that sense, there is a collective factor present in each piece; he uses other people’s contributions. In recent work he has used damaged canvases left behind by second-hand traders at flea markets in amsterdam. Discarded, anonymous compositions, often faded and covered with layers of dirt, dragged around for some time but eventually becoming so damaged they are left behind with the rubbish. using a chemical adhesive mixture and sticking on thin cotton rags, Kifleyesus meticulously peels away the dirt, varnish and layers of paint from these found compositions. In this process, in which chance and imperfections play their parts, one image becomes many images, like a filmic sequence of variations giving an insight into the artwork’s creation and degradation. Kifleyesus both makes visible and destroys. In his archaeological working method the process takes precedence over the actual image of what is or becomes visible. Kifleyesus could be seen as a sort of ethnographer and archaeologist of our current globalist consumer society. He himself talks of a kind of subservience to the multitude of signs, images and traces people leave behind in every nook and cranny. This artist’s palette consists of anonymous and unwitting contributions by others. In 2006, the artist shifted his working domain to international telephone shops in large cities where you can make cheap international calls. These shops are predominantly used by city dwellers with migrant backgrounds, with family and friends in distant countries. The insulated booths are a point of communication and contact; they are a place where everyone becomes accessible through modern technology. The booths contain stories from many countries. When telephoning, when our attention isn’t on reading or writing and the pen is given free rein, we make hasty doodles and notes, patterns are filled in and we allow our pen to draw round shapes. It seems as if our hand is disconnected from our brain and is given carte blanche to draw spontaneously. It is these chaotic scribbles by many anonymous callers that fascinate the artist. In consultation with the shop operators he collects what callers have unwittingly left behind. He replaces the pens and paper, later introduces


The fish skin and lemon, 2014, mixed media on canvas, 175 x 133 cm (left) – Apple and water in a vase, 29014, mixed media on canvas, 175 x 133 cm (right)

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canvas and fabric as supports, and subtly steers what and where people doodle. Kifleyesus initially replaces the full notebooks for empty ones twice a week in a self-imposed protocol. He later experiments with existing images, canvases and advertisements that he has allowed the callers to deface. These isolated cells, in which customers have personal conversations, are Kifleyesus’ laboratory, where he researches people’s drawing behaviour. The colours of the pens change, various colours are offered. Forms pre-drawn by the artist steer the scribbling behaviour; pieces of plastic cover certain parts and trigger specific scribbles. Over the years the artist has been looking into how certain markings attract other markings. How you can work with various colours, how you can suggest patterns and can work with texture and other elements. The artist maintains contact with a number of shops in various countries and regularly visits them to replace the materials. He sees the callers’ contributions as an ‘open source’ from which to draw. The artist also collects the wooden shelves on which the telephones stand and that contain traces of sweat and dirt, even the soiled phone cables are a starting point for a new sculptural piece. This results in collective works by unsuspecting participants. Moving on from this base material, Kifleyesus recently opted for wooden window shutters. as symbols of both screening off and a particular perspective, the horizontal strips also refer to the text or strips of a comic book story. The horizontal rails have tape stuck to them, after which the scribbles are transferred to other supports. Fragmentary, narrative or reflective, the result is a composition combining abstraction and figuration. after a few years the artist has now accumulated an extremely large collection of forms, colours and patterns with which he can set to work as a painter (with brush and colour palette). using tape and adhesive, and rubbing, pushing and wiping materials, he creates a composition on canvases and wall surfaces that read as an orchestrated amalgamation of the many small scribbles. He showcased a large wall piece in the summer of 2014 on the monumental wall of the central space on the ground floor of the MuHKa. These compositions function

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on various levels. From a distance they look like a detailed abstract colour field, almost a Jackson Pollock ‘drip painting’, but one discovers patterns, figuration, repetition and overlaps when close up. These pieces create an ordered chaos, forming a reflection of today’s world on both micro and macro levels. The unwitting contributions of numerous outsiders make the pieces a unique testament, conducted by the hand of the artist, which is subservient but crucial in its masterly mixing and dosing items from the vast array. large street posters found in vandalised bus shelters are folded into sections and taped up. every few days Kifleyesus re-folds the posters and offers the callers a new fragment to doodle on. Hundreds of unsuspecting people make small additions to the cartography of compositions. The drawers react with one another, continuing filling in or erasing what has been left behind. Famous faces from the fashion and film world are depicted on these advertising posters. even if they are largely scribbled on, they maintain their iconic value and are still instantly recognisable. More explicitly, these street posters introduce the interesting tension between public and private into these pieces. after the callers’ additions, Kifleyesus unfolds the posters and reintroduces them into the public domain of the museum or exhibition, but now filled with markings like scars distorting the large multinationals’ seductive advertising. The whole display shares common ground with the layers of torn posters by French Pop art artists such as Jacques Mahé de la Villeglé, who recycled posters taken from walls, tearing them to make poetic compositions or to insinuate a new thought. The whole is a sort of ‘guerrilla action’ employing images, signs and letters. This combination of private and public was also the driving force for various conceptual artists, who in the sixties and seventies left the confines of their studios and placed their work in dialogue with the public domain. They systematically looked into the occupation of the public space by man through pre-conceived activities. ‘Following Piece’ (1969) by the american artist Vito acconci consists of a pre-established

The Gleaners , 2014, mixed media on canvas, 190 x 145 cm


protocol in which, for a month, the artist followed randomly chosen strangers on the streets of new york as far as the point when they entered their private residencies. acconci said: "I am almost not an 'I' anymore; I put myself at the service of this scheme." There is a kind of tension between two people, without any direct discourse about art or life or any sublimation of the everyday. The work by ermias Kifleyesus is also intended to engage in a continual exchange with contributions by others, a participation that can be traced back to its foundation. It is neither about the artist’s personality nor that of the drawer, but precisely the zone in between. The sheet of music that arises from the composition of scribbles is simultaneously personal and anonymous and escapes any form of logic. The artist also finds universally recognisable marks on cheap plastic bags and cardboard boxes. logos and handwritten inscriptions on boxes are like prefab drawings and scribbles with a totally different intention. The brand names or symbols of the multinationals do stand for something, namely a product, but in a certain way are just as anonymous and erasable. The artist is interested in how printed bags and boxes are reused. In a large city like Brussels, the homeless use cardboard boxes to make themselves a night-time shelter in the public domain. Kifleyesus sticks tape on the hand-written inscriptions on the boxes and then removes the tape, thus removing the writing to then collect it together on cardboard boxes in his installations. as if he wanted to safeguard the public space – and in particular the protective spaces of those that live on the edge of society – from labels. In his own work, he creates an antithesis to the critical saturation of written labels and advertising. a recent series of monumental canvasses brings all these various inscriptions from the world together in an exceptional way. Imprints of anonymous paintings, inscriptions on promotional bags and numerous scribbles and doodles are meticulously applied on and over each other using rubbing, adhesive and gel mediums. High and low cultures stand

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side-by-side and are brought together by the use of an all-over painting technique (where the canvas is evenly covered with images) in which the imprints are given a crackled and worn effect. each piece seems to have been scrupulously put together and consists of a foreground, middle ground and background – like historic landscapes. The images bring together divergent times, perspectives and viewpoints. each piece contains various openings, viewpoints and ways in which they can be approached. Familiarity alternates with abstraction and ambiguity. They are aesthetically compelling images that say something about the world, about value, commercialism and communication. The artist makes us participants in his quest to understand the things around us by dismantling and re-composing them. Much like an anthropologist, he mingles in society and then steps back. His working domain is not limited to the large Western cities where he regularly exhibits. In his recent work he also involved his native country of ethiopia, which is in full development. The rapid pace with which buildings are being erected in the capital city results in many labourers working under difficult conditions. Kifleyesus takes new overalls to these cities and asks the labourers to exchange them with their own. In his hands, these unclean overalls, drenched in sweat, become a modern portrait of an african city on the rise. after undoing the seams they are fixed onto canvases as an ode to physical work. In ermias Kifleyesus’ work, these traces of hardworking labourers from another continent are in sharp contrast to the many meaningless scribbles and logos which frequently appear in other pieces. yet they are both witness to one and the same interest in creation, globalisation and making human creations visible where they usually remain unseen. The artist leaves space for other people’s marks, yet at the same time is able to construct a completely unique visual form of language which gets us thinking on various levels. Eva Wittocx artistic director at M Museum louvain, Belgique


view of the exhibition ‘Humidity and the mystery of traces’ at Kusseneers gallery, Brussels, september 2014

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Crossroads, 2014, mixed media on cardboard, 166 x 127 cm (4pieces)


Crossroads (detail)

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La partition du monde « Les idées politiques ou les idées courantes à propos de l’art ne pourraient pas m’aider à peindre un tableau, ni à m’en former une représentation... La seule chose qui m’engage, c’est le mystère du monde. » rené Magritte, 1957 Dans l’œuvre d’ermias Kifleyesus (°1974, addis abeba), on trouve la même urgence que chez Magritte à intégrer dans son travail une représentation du monde dans l’espace. Il ne s’agit pas ici d’une illustration ou d’une représentation, mais de fragments du monde utilisés pour appréhender quelque peu le mystère de la réalité qui nous entoure ou en reproduire les effets. les univers de ces deux artistes sont bien entendu très différents. Dans la société d’aujourd’hui – le monde dans lequel ermias Kifleyesus évolue –, se côtoient des notions telles que multiculturalisme, migration, globalisation, surconsommation et surpopulation des grandes villes. Ces notions constituent implicitement la toile de fond avec laquelle son œuvre est en lien, et dont l’artiste s’approprie les éléments, qu’il fait siens. Fin des années 1990, après une formation en peinture figurative en Éthiopie, ermias Kifleyesus vient en europe et s’installe à Bruxelles. Il complète sa formation par une approche plus conceptuelle de l’art. Dans ses premiers travaux, il combine des objets du quotidien avec son sens des couleurs et de la composition. À l’occasion d’une visite dans son atelier à l’Institut supérieur des Beauxarts de Gand, je me suis souvenue d’une vidéo dans laquelle des épices, des tasses et des aliments étaient mêlées de manière à la fois rythmique et violente pour aboutir à une chatoyante composition presque sans forme. l’ensemble faisait penser à un tableau abstrait, mais créé avec des objets usuels. l’art de Kifleyesus se fonde sur des analyses. en associant différents éléments, il veut proposer de nouvelles pistes de réflexion. les épices et aliments de la vidéo contiennent différentes connotations – notamment culturelles – tout en étant traités sur pied d’égalité et intégrés dans un ensemble plus esthétique. l’art d’ermias Kifleyesus n’entend pas créer à partir de rien, à partir d’une tabula rasa. Il s’inscrit plutôt dans les systèmes existants de traces et de

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créations d’autres artistes. Il tente de les réunir, de les retravailler, de les effacer en partie, de les sélectionner et additionner. Dans ce sens, un facteur collectif est présent dans chacune de ses œuvres, qui ont recours aux contributions d’autres artistes. récemment, il est parti de toiles endommagées abandonnées par les brocanteurs à la fin du marché aux puces. Ces compositions anonymes dont plus personne ne veut, généralement décolorées et recouvertes d’une couche de crasse, sont souvent trimballées pendant un certain temps et se retrouvent en si mauvais état qu’elles terminent dans la poubelle. au moyen d’un mélange chimique contenant de la colle et de minces bandes de coton, Kifleyesus élimine minutieusement la saleté, le vernis et les couches de peinture des tableaux qu’il trouve. Dans ce processus où le hasard et les imperfections ont leur place, un tableau se transforme en plusieurs images, comme une succession cinématographique de variations qui décortiquent à la fois le processus de création et de vieillissement de l’œuvre. Kifleyesus rend visible et détruit. Dans sa méthode de travail archéologique, ce processus prime sur l’illustration elle-même de ce qui est ou devient visible. Kifleyesus peut être considéré comme une sorte d’ethnographe ou d’archéologue de la société de consommation mondialiste contemporaine. Il parle lui-même d’une sorte de soumission à la multitude de signes, images et traces que l’homme a laissés dans tous les recoins et cavernes. la palette de cet artiste se compose de contributions anonymes d’autres personnes, à leur insu. en 2006, l’artiste a transposé son domaine de travail dans les téléboutiques internationales des grandes villes, d’où on peut téléphoner dans le monde entier à tarif avantageux. Ces téléboutiques sont surtout utilisées par les citadins issus de l’immigration, dont la famille et les amis vivent dans des pays lointains. les cabines isolées créent un moment de communication et de contact. elles sont un lieu où, grâce à la technologie moderne, tout et tout le monde est joignable. les cellules sont des conteneurs d’histoires venant d’innombrables pays. Pendant qu’on téléphone, lorsque notre attention n’est pas mobilisée par la lecture ou l’écriture, un stylo peut se balader librement et quasi tout le monde fait des dessins et gribouillis, remplit des surfaces et duplique les contours d’autres formes. C’est comme si la main, déconnectée du cerveau, avait le champ libre


Time tells (1), 2015, mixed media on canvas, 113 x 136 cm

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pour dessiner spontanément. Ce sont ces gribouillis chaotiques réalisés par des utilisateurs anonymes qui fascinent l’artiste. avec l’accord des exploitants des boutiques, il collectionne ce que les clients y ont laissé. Il remplace le stylo et le papier, introduit parfois de la toile et du textile comme support et induit subtilement les endroits à gribouiller. au début, selon un protocole qu’il s’était lui-même imposé, Kifleyesus remplaçait deux fois par semaine les blocs-notes pleins par d’autres, vierges. ensuite, il a fait des expériences avec des illustrations existantes, toiles et annonces publicitaires qu’il fait barbouiller. Ces cellules d’intimité, où les clients ont des discussions personnelles, sont le laboratoire où Kifleyesus étudie le comportement pictural des gens. la couleur des stylos change, plusieurs coloris sont proposés. Des formes prédessinées par l’artiste guident le griffonnage ; des morceaux de plastique isolent certaines parties et déclenchent des dessins spécifiques. au fil des ans, l’artiste étudie la manière dont certains dessins en suscitent d’autres, la manière de travailler avec différentes couleurs, de suggérer des motifs, d’exploiter des textures, etc. l’artiste est en contact avec plusieurs téléboutiques dans différents pays, et y passe régulièrement pour remplacer le matériel. Il considère l’apport des gens qui téléphonent comme une sorte d’’open source’ où il suffit d’aller puiser. l’artiste collectionne également les étagères en bois sur lesquelles sont posés les téléphones et qui portent des traces de sueur et de saleté ; même les fils de téléphones souillés sont le point de départ de nouvelles œuvres sculpturales. le résultat est un travail collectif, à l’insu des participants. Poussant plus loin son expérimentation des supports, Kifleyesus a récemment opté pour des volets en bois. symboles à la fois de fermeture et de transparence, les lattes horizontales rappellent les lignes d’un texte ou les cases alignées des bandes dessinées. les bandes horizontales sont collées par du tape et des petits autocollants, puis les griffonnages sont transposés sur d’autres supports. Fragmentaires, répétitifs ou en miroir, ils se traduisent par une composition mêlant abstraction et figuratif. après plusieurs années, l’artiste dispose aujourd’hui d’une très vaste collection de formes, couleurs et motifs qu’il peut utiliser à la manière d’un peintre (avec des pinceaux et une palette de couleurs). ruban adhésif, colle, transfert, décalquage et frottement lui permettent de créer sur des toiles et des murs une composition qui se lit comme l’assemblage orchestré d’innombrables petits gribouillis. au Muhka, en

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été 2014, le mur monumental de l’espace central du rez-de-chaussée a exposé une grande œuvre murale. Ces compositions fonctionnent à plusieurs niveaux. De loin, on dirait un aplat de couleur détaillé et abstrait, presque comme un dripping de Jackson Pollock, mais lorsqu’on s’approche, des motifs, figurations, répétitions et chevauchements apparaissent. Que ce soit au niveau micro ou macro, ces travaux représentent un chaos ordonné qui est le reflet du monde actuel. la contribution inconsciente des nombreux anonymes confère aux œuvres une écriture unique. la main de l’artiste est comme un chef d’orchestre, à la fois soumis et indispensable pour maîtriser le mélange et doser le foisonnement de matériaux de base. De grandes affiches, ramassées en rue dans des abribus vandalisés, sont elles aussi pliées et collées au ruban adhésif. après quelques jours, Kifleyesus modifie le pliage de l’affiche pour exposer aux clients des téléboutiques de nouveaux espaces à griffonner et colorier. À leur insu, des centaines de personnes ajoutent de petits bouts à la cartographie des compositions. une sorte d’interaction se crée entre les différents dessinateurs, qui complètent les dessins des précédents, les remplissent ou les effacent. sur les affiches publicitaires se trouvent des célébrités de l’univers de la mode et du cinéma. Même recouvertes de gribouillis, leur valeur iconographique est telle qu’elles restent instantanément reconnaissables. Ces affiches de rue introduisent plus expressément l’intéressante tension entre public et privé présente dans ces travaux. une fois que les affiches sont passées entre les mains des clients des téléboutiques, Kifleyesus les déplie et les réintroduit dans l’espace public du musée ou de l’exposition, recouverts de marques qui sont autant de cicatrices sur les séduisantes publicités des grandes multinationales. l’ensemble présente des similitudes avec les superpositions de posters déchirés, œuvres d’artistes pop’art français tels que Jacques Mahé de la Villeglé, qui recycle des affiches décollées des murs et les déchire jusqu’à ce qu’elles insinuent une composition poétique ou une idée neuve. le tout est une sorte de guérilla entre images, signes et lettres. Cette convergence entre privé et public était également un des moteurs de différents artistes conceptuels qui, dans les années 1960 et 1970, avaient décidé de sortir de l’espace fermé de leur atelier pour mettre l’œuvre en dialogue avec l’espace public. Par des actions préméditées, ils étudiaient de manière systématique l’occupation de l’espace public par


Time tells (2), 2015, mixed media on canvas, 113 x 136 cm

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l’homme. Par exemple, ‘Following Piece’, réalisé en 1969 par l’américain Vito acconci, consiste en un protocole prédéfini où l’artiste, pendant un mois, a suivi chaque jour un inconnu choisi aléatoirement dans les rues de new york jusqu’à ce qu’il ou elle entre dans une habitation privée. acconci déclarait à propos de son action: « I am almost not an ‘I’ anymore; I put myself in the service of this scheme. » (trad. libre: Je ne suis presque plus un « je » ; je me mets au service de ce schéma). Il n’existe rien d’autre qu’une sorte de tension entre deux personnes, sans discours direct quelconque sur l’art ou la vie, ni sublimation du quotidien. le travail d’ermias Kifleyesus entend également s’inscrire dans un échange continu, avec des contributions des autres – une participation qui est ramenée aux fondements. Il ne s’agit pas de la personnalité de l’artiste ou du dessinateur, mais précisément de la zone d’« entre-deux ». la partition créée par la composition des dessins, à la fois personnelle et anonyme, échappe à toute logique. l’artiste retrouve également des traces universellement reconnaissables sur les sachets en plastique bon marché et les emballages en carton. les logos et inscriptions manuscrites sur les boîtes sont comme des dessins et griffonnages préfabriqués, avec une tout autre intention. les noms de marques et symboles des multinationales représentent quelque chose – en l’occurrence un produit – mais sont dans un certain sens totalement anonymes et interchangeables. l’artiste s’intéresse à la manière dont les sacs et cartons imprimés sont réutilisés. Dans les grandes villes comme Bruxelles, les sDF se créent des abris de fortune à l’aide de grandes boîtes en carton pour pouvoir dormir dans l’espace public. en collant puis décollant du ruban adhésif sur les mentions manuscrites apposées sur les boîtes, Kifleyesus efface les inscriptions pour ensuite les rassembler dans ses installations sur des boîtes en carton, comme s’il voulait préserver l’espace public de la présence d’étiquettes – et en particulier les refuges de ceux qui vivent en marge de la société. Dans sa propre œuvre, il crée en contrepartie un point de saturation critique de publicités et d’inscriptions manuscrites. une série de tableaux monumentaux récents rassemble de manière particulière tous ces dessins du monde entier. empreintes de tableaux anonymes, inscriptions de sacs publicitaires et innombrables griffonnages et gribouillis ont été minutieusement juxtaposés et

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superposés sur de grandes toiles par une technique de rubbing, colle et gel. Toutes les strates de culture se côtoient et sont rassemblée dans une technique « all-over » qui donne aux surcharges un effet craquelé et patiné. Chaque œuvre semble avoir été créée de manière rigoureuse et se composer d’un avant-plan, un milieu et un arrière-plan – à la manière des paysages historiques. les tableaux rassemblent des époques, des perspectives et des angles d’approche très différents. les œuvres contiennent toutes différentes ouvertures, angles d’approche et manières de les aborder. les éléments identifiables alternent avec des abstractions et des imprécisions. Ces images esthétiquement intéressantes racontent des choses sur le monde, la valeur, le commerce et la communication. l’artiste nous fait participer à sa quête de compréhension des choses qui nous entourent, en les démantelant pour ensuite les recomposer. Tel un anthropologue, il se mêle à la société et prend du recul. son domaine d’action ne se limite pas aux grandes villes occidentales où il expose régulièrement. Il implique également dans son œuvre l’Éthiopie, son pays natal en pleine expansion. le rythme soutenu auquel les immeubles poussent dans la capitale a pour conséquence que de nombreux ouvriers travaillent dans des conditions difficiles. Kifleyesus se rend sur les chantiers avec des tenues de travail neuves et demande aux ouvriers d’échanger les vêtements. Dans ses mains, les habits imprégnés de sueur se transforment en portrait contemporain de l’essor des villes africaines. une fois les coutures défaites, les habits sont fixés sur une toile à peindre, comme une ode au travail physique. Dans l’œuvre d’ermias Kifleyesus, ces traces de courageux travailleurs d’un autre continent contrastent violemment avec les gribouillis et logos dénués de sens qui fleurissent abondamment dans les autres tableaux. Pourtant, l’un et l’autre témoignent d’un même intérêt pour la création, la mondialisation et la mise en évidence des créations humaines où ils restent généralement invisibles. l’artiste laisse de la place pour les traces d’autres personnes, tout en parvenant à construire un langage visuel très personnel qui, à plusieurs niveaux, nous invite à la réflexion.

Eva Wittocx directrice artistique chez M Musée louvain, Belgique

Endless relations #1, #2, #3, #4, 2010-2014, mixed media on canvas, each 80 x 100 cm


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Endless Relations #1, 2010-2014, mixed media on canvas, 80 x 100 cm


Endless Relations #3, 2010-2014, mixed media on canvas, 80 x 100 cm

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Endless Relations #2, 2010-2014, mixed media on canvas, 80 x 100 cm


Endless Relations #4, 2010-2014, mixed media on canvas, 80 x 100 cm

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About people (3), 2015, mixed media on canvas, 59 x 89 cm

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About people (2), 2015, mixed media on canvas, 45 x 89 cm


About people (1), 2015, mixed media on canvas, 45 x 89 cm

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Winds and clouds, 2015, mixed media on canvas, 178 x 147 cm


Empty space still alive, 2014, mixed media on canvas, 82 x 99 cm

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Rain and the shape of things (2), 2015, mixed media on canvas, 145 x 139 cm


Rain and the shape of things (1), 2015, mixed media on canvas, 145 x 139 cm

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The Swing, 2015, mixed media on canvas, 205 x 144 cm

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Ray of hope, 2015, mixed media on canvas, 210 x 135 cm


Spring, 2015, mixed media on canvas, 220 x 145 cm

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Africans, 2015, mixed media on canvas, 184 x 132 cm


The hunters in the snow, 2015, mixed media on canvas, 181 x 135 cm

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detail of the banner, mixed media on paper, Âą340 x 119 cm


view of the exhibition ‘about people’ at Kusseneers gallery, Brussels, Jan. 2016

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Water & lemon, 2015, mixed media on canvas, 90 x 70 cm


The donkey, the ox & the farmer, 2015, mixed media on canvas, 90 x 70 cm

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Coffee, 2013, mixed media on canvas, 50 x 40 cm


Head and roof, 2015, mixed media on canvas, 160 x 140 cm

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Installation view art Brussels 2016


Time and people passing inside us, 2015, mixed media on canvas, 215 x 144 cm

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view of the exhibition ‘about people’ at Kusseneers gallery, Brussels, Jan. 2016

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One foot in the sand, one foot in the snow, 2015, mixed media on canvas, 192 x 147 cm Hunting for trophy, 2014, mixed media on rope, 128 x 133 cm >


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Will the skin keep us together? 2015, mixed media on wood and sculpture, 147 x 32 x 37 cm

detail >


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Intertwined, 2015, mixed media on canvas, 187 x 142 cm


view of the exhibition ‘about people’ at Kusseneers gallery, Brussels, Jan. 2016

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view of the exhibition ‘about people’ at Kusseneers gallery, Brussels, 2016


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Knuels, 2015, mixed media on canvas, 200 x 147 cm


Eyes are from the sea no they are from the sky, 2015, mixed media on wood, 60 x 48 cm

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Painting on the wind, 2015, glass, paint and mixed materials, 125 x 21 x 1,5 cm >


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Amalgam, 2014, mixed media on rope, variable dimensions 72

detail >


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Big ears & small mouth, 2016, mixed media on canvas, 205 x 147 cm

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Wind passing between banana leaves, 2016, mixed media on canvas, 228 x 148 cm


See of the past, 2016, mixed media on canvas, 90 x 70 cm

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Puppet, 2014, mixed media on canvas, 60 x 40 cm


Mother & her childs, 2012-2016, mixed media on canvas, 40 x 30 cm

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Roofs & feets, 2016, mixed media on canvas, 90 x 70 cm

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Falling in love, 2015, mixed media on wood, 60 x 60,5 x 30,5 cm

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Hearts & minds, 2015, mixed media on wood, 62 x 58 x 30 cm


Human contact as old as the hills, 2015, mixed media on wood, 63 x 61 x 31 cm

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I love my life even it’s not easy!, 2013, mixed media on venetian blinds, 124 x 80 cm


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Connected places, 2015, mixed media on plexi, 3 panels, each 50,5 x 100 cm


Seeds and threads, 2015, mixed media on plexi, 3 panels, each 50,5 x 100 cm

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Life collapsed & fixed again, 2015, mixed media on plexi, 50 x 100 cm (x2)


Searching Van Gogh in Millet, 2015, mixed media on plexi, 50 x 100 cm

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2015, mixed media on plexi, 50 x 100 cm


2015, mixed media on plexi, 50 x 100 cm

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2015, mixed media on plexi, 50 x 100 cm


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ermias Kifleyesus is a Belgian artist, born (1974) in addis ababa (ethiopia) and lives and works in Brussels (Belgium). He makes drawings, paintings, films and installations and works independently as well as collaboratively. He participated at numerous group exhibitions, including: Casino luxembourg - Forum d’art contemporain, Maison Grégoire - Bruxelles, atelier 340 - Bruxelles, netwerk aalst, elaine levy Project - Bruxelles, Watou 2006, W/139 Basement - rotterdam, Musée national de Monte Carlo - Monaco... In 2014 his work has been shown at the M HKa (museum for contemporary art) in antwerp and also at the Museum DhondtDhaenens in Deurle, Belgium.

During the last years, I have been focusing on a project located in international telephone cabins where I install pieces of paper or canvas on the walls and tables that over time become covered with interactive marks, notations and traces that individuals record and leave as they pass through the space, talk on the telephones and wait for their calls to connect to all points of the globe. These cabins are the lifelines to people’s distant places, past and future, the containers of present connection. I visit the cabins every week and often collaborate with whatever imagery I find there, finally I remove the supports from the walls when I feel they are ready to complete in my studio. This process takes different amounts of time depending on the location and intensity of the cabin use.

the world. The cabin marks are akin to cave paintings, evidence of fact and fiction, conscious and unconscious scribbles, numbers, codes, needs and dreams, each mark is a fragment of recorded life. The final works are complex, interwoven with layers of doodles, text and imagery, as well as meanings that hold echoes of absence and presence. The surfaces are dynamic with seemingly infinite varieties of material, even punctured and mended at times. The works are containers of emotion and the very human impulse to leave evidence of unique lives. These traces of people, time and society are my inspirational springboards, they are contemporary interlinked histories honoring urban lives and the infinite connections between the people of the world.

My work is about investigating connections, transience, meaning, differences and similarities between time and place. These telephone booths are also connected to Internet, video games and fax machines. They are charged with the importance of connection to everywhere in

Ermias Kifleyesus

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Dot to Line, 2012, marks and doodles on layers of painting, somewhere in europe inside a telephone cabin

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Study for Beautiful Seeds, 2010, mixed media on paper, 30 x 42 cm


Every man is a volume if you know how to read him, 2014, mixed media on paper, 168 x 118 cm

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Hand units against scattered, 2014, mixed media on paper, 38,3 x 42 cm

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installation view of the exhibition ‘Don’t you Know Who I am?’ curated by nav Haq at M HKa in antwerp, summer 2014. Photo: Christine Clinckx.


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Summer, 2015, mixed media on paper, 41,5 x 54 cm

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Hommage Duerer, 2016, mixed media on paper, 29,7 x 21 cm

-> detail


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Hommage Seurat, 2016, mixed media on paper, 29,7 x 21 cm


Hommage Erasmus, 2016, mixed media on paper, 29,7 x 21 cm


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Hommage Caravaggio, 2016, mixed media on paper, 29,7 x 21 cm


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Things photoshop can’t do, 2015, mixed media on paper, for the campaign of alexander McQueen, london


installation view of the exhibition ‘Don’t you Know Who I am?’ curated by nav Haq at M HKa in antwerp, summer 2014. Photo: Christine Clinckx.


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installation view of the exhibition ‘Don’t you Know Who I am?’ curated by nav Haq and anders Kreuger at M HKa in antwerp, summer 2014. Photo: Christine Clinckx.

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installation of a painting on the ceiling of the museum Dhondt-Dhaenens in Deurle for the exhibition ‘Biënnale van de schilderkunst’, summer 2014


painting on the ceiling of the museum Dhondt-Dhaenens in Deurle for the exhibition ‘Biënnale van de schilderkunst’, summer 2014

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Beautiful Seeds, 2011, mixed media on textile, installation view at Casino luxembourg, Forum d’art contemporain


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Paris, ma belle, 2013, mixed media on textile (art Brussels)


detail of the process of transfering Beautiful Seeds, 2011, mixed media on wall

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Beautiful Seeds, 2011, mixed media on wall, photo: Hans Martens


Beautiful Seeds, 2011, photo: Hans Martens

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Echo, 2013, installation view at Kasteel d'aspremont-lynden, Oud-rekem


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Untitled 2010 (We all live in the future), netwerk aalst (Belgium)


installation view We all live in the future, 2010, netwerk aalst (Belgium)

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born 1974, addis ababa, lives and works in Brussels shows (selection): 2016 - About people, Kusseneers gallery, Brussels 2015 - Campaign and exhibition on the occasion of the opening of the new shop of alexander McQueen in london - Platform 102, curated by Odie rynell Cash, Brussels 2014 - The Aldeburgh Beach South Lookout Project, 2014, at aldeburgh, suffolk, uK - Humidity and the mystery of traces, solo show at Kusseneers gallery, Brussels - Biënnale van de schilderkunst, at Museum Dhondt-Dhaenens, Deurle, Belgium - Don’t You Know Who I Am? curated by nav Haq at M uHKa, Museum for Contemporary art in antwerp - La Vérité en Peinture, curated by Hans Martens at Kusseneers gallery, Brussels

2013 - Materials, Harlan levey Project, Brussels - Shame! (Hide&Show, error #21, Pianofabriek, Brussels - Here is always some where else, Kasteel d'aspremont-lynden, Oud-rekem, Belgium - Dreaming of The south, Marion De Cannière Gallery, antwerp, Belgium - The Gunshot, Marion De Cannière Gallery, antwerp, Belgium - Found in Translation, chapter M, Muse program, Brussels, Belgium - A show a day keeps high cholesterol at bay, art Brussels, Belgium 2012 - Terra Firma, ruimte Morguen, antwerp, Belgium - Found in Translation, chapter F, Pesheria & Museo lucio Piccolo, Ficarra-Brolo, Italy 2011 - Found in Translation, Casino, luxemburg - Found in translation, Chapter L, Maison Grégoire, Brussels, Belgium - Sediment, ename, Belgium - An Obscure Taxonomy (of noble lines), addis ababa, ethiopia - Culture Relaxative, atelier 340, Brussels, Belgium 2010 - Rafa the magician, netwerk, aalst, Belgium 2009 - Der Himmel Uber Antwerpen, annie Gentils Gallery, antwerp, Belgium - Found in translation, elaine levy project, Brussels, Belgium - La conquète de l’espace, HIsK, Gent, solo Quint 3 sint Blasius & sMaK, Watou, Belgium 2006 - W/139, Basement, rotterdam, the netherlands 2003 - Matrix art Project, Brussels, Belgium 2002 - Musée national de Monte Carlo, Monaco Collaboration with Daphne astor: 2010 - Into the light, errOr One, antwerp, Belgium - alterwalden, shankill castle, Ireland 2006 - Gallery H29, Brussels, Belgium 2005 - scholars House, london, uK, leper Chapel, Cambridge, uK 2004 - City and Guild of london art school, uK studies: HIsK, Ghent, (2009), Ma City and Guild of london art school, uK (2004) addis ababa Fine art school, ethiopia (1997) residency: The Cill rialaig Project, Kerry, Ireland (2006)

ermias with Bob & roberta smith at the opening of the exhibition at Kusseneer gallery, January 2016

Ermias Kifleyesus  
Ermias Kifleyesus  

Kusseneers gallery, Brussels

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