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22. K.

Katalog 22. Internationale Kurzfilmtage Winterthur The Short Film Festival of Switzerland 6.–11. November 2018, kurzfilmtage.ch Hauptsponsorin

Medienpartner


Vorworte Spielplan Dank Wettbewerbe Jury 2018 Preise Hors Concours

Grosser Fokus

Person im Fokus

Land im Fokus

Weitere thematische Filmprogramme

Kinder- und Jugendprogramm Expanded Cinema

Rahmenprogramm Industry Events

Trailer Verzeichnisse Informationen Team

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Hot Shorts Züri Shorts Dismissed, or Kill Your Darlings Short Matters I–III This Is Britain The Female Gaze The Kids Are Alright Nature and Its People You’ll Never Walk Alone The Silly Side of Life Films in Dialogue: Luke Fowler & Alia Syed British Classics It’s a Free Cinema Scotland: «To see oursels as ithers see us!» Mike Hoolboom Ventriloquisms Supernatural Powers Georgien Recording Georgia Impressions of Home Georgian Rebels

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Bergman Revisited Disney’s Animated Technicolor Rosto’s Thee Wreckers Tetralogy Patrimoine Kurzfilm Patrimoine Kurzfilm I: Die Briten in der Schweiz Patrimoine Kurzfilm II: Das Wissen der Hände Identity Politics I: Threads of Belonging Identity Politics II: Home Is...

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Zauberlaterne: Kurze für Kleine – Verbunden Jugendprogramme 12+/16+ Virtual Reality Cinema – We’ve Only Just Begun! Yvonne Pispico, «Ada» Carolee Schneemann Residency Kurzfilmtage @ Villa Sträuli Kontext-Talks / Podien & Weiteres / Konzerte & Partys Schweizer Filmschulentag Industry Lab 2018 Writers’ Room 2018 Trailer 2018 Film- und Namensverzeichnis Tickets, Lageplan, Allgemeine Informationen Team 2018 / Impressum

269 275 291 304 304 305 307 315 325 331 334 335 341 345

Internationaler Wettbewerb I–VII Schweizer Wettbewerb I–III


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Forewords Schedule Thanks Competitions Jury 2018 Awards Hors Concours

Main Focus

Person in Focus

Country in Focus

Additional Thematic Programmes

Kids and Teens Expanded Cinema

Special Events Industry Events

Trailer Index Information Team

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Hot Shorts Züri Shorts Dismissed, or Kill Your Darlings Short Matters I–III This Is Britain The Female Gaze The Kids Are Alright Nature and Its People You’ll Never Walk Alone The Silly Side of Life Films in Dialogue: Luke Fowler & Alia Syed British Classics It’s a Free Cinema Scotland: «To see oursels as ithers see us!» Mike Hoolboom Ventriloquisms Supernatural Powers Georgia Recording Georgia Impressions of Home Georgian Rebels

8 16 20 27 49 57 64 67 73 79 85 101 111 119 125 133 139 147 153 161 169 177 183 187 191 197 203 209

Bergman Revisited Disney’s Animated Technicolor Rosto’s Thee Wreckers Tetralogy Short Film Patrimony Short Film Patrimony I: The British in Switzerland Short Film Patrimony II: The Knowledge of Hands Identity Politics I: Threads of Belonging Identity Politics II: Home Is... Magic Lantern: Shorts for Kids – Connected Youth Programmes 12+/16+ Virtual Reality Cinema – We’ve Only Just Begun! Yvonne Pispico, «Ada» Carolee Schneemann Residency Kurzfilmtage @ Villa Sträuli Context Talks / Panels & Other Events / Music & Parties Swiss Film School Day Industry Lab 2018 Writers’ Room 2018 Trailer 2018 Index of Films and Names Tickets, Map, General Information Team 2018 / Imprint

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International Competition I–VII Swiss Competition I–III


Grusswort «Die Internationalen Kurzfilmtage Winterthur haben ihre Bedeutung.» Exakt so – Wort für Wort – habe ich diese Zeilen in unseren Bewertungsunterlagen des Fördergesuchs der Internationalen Kurzfilmtage Winterthur aus dem Jahr 2001 wiederentdeckt – und in Erinnerung daran gelächelt. 17 Jahre sind seither vergangen, doch eben genannte Feststellung könnte treffender nicht sein. Denn die Internationalen Kurzfilmtage Winterthur sind von fundamentaler Bedeutung – ohne Wenn und Aber. Sie stellen nicht nur das Schweizer Filmschaffen in den Fokus und ermöglichen Schweizer Kurzfilmen den Weg auf die Leinwand, sondern sie fördern auch den Schweizer Filmnachwuchs sowie Schweizer Drehbuchautorinnen und -autoren. Ich bin sicher, auch Gottlieb Duttweiler, der Gründer der Migros und Erfinder des Migros-Kulturprozent, würde lächeln, wenn er sehen könnte, was die Internationalen Kurzfilmtage Winterthur in den letzten 21 Jahren auf die Beine gestellt haben. Ihm waren «ethisch hochwertige Schweizer Filmproduktionen» schon 1943 ein Anliegen, weshalb er – der ewige Macher – nicht lange zögerte, sich an der Praesens-Film AG beteiligte und sich damit für Schweizer Filme einsetzte. Ich sage nur «Heidi» – und spätestens jetzt lächeln auch Sie, habe ich Recht? Seit 2001 unterstützt das Migros-Kulturprozent die Internationalen Kurzfilmtage Winterthur nun systematisch mit innovativen und impulsgebenden Fördermassnahmen. Besonders zentral sind dabei die Autoren- und die Nachwuchsförderung. Warum? – Weil es ohne gute Geschichten keine guten Filme gibt. Und weil Schweizer Filme zu unserer kulturellen Identität beitragen. Deshalb freue ich mich umso mehr, dass wir auch dieses Jahr den Schweizer Wettbewerb, das Herzstück der Kurzfilmtage, massgeblich unterstützen. Seit 2017 fördern wir neu auch den Writers’ Room: Diese Plattform richtet sich an angehende und an professionelle Drehbuchautorinnen und Drehbuchautoren und hilft ihnen bei der Entwicklung ihrer Drehbücher. Es sind Drehbuchautorinnen und Drehbuchautoren, die wissen, wie man eine grosse Geschichte prägnant erzählt, ja, auf den Punkt bringt – und so

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eine Botschaft vermittelt. Genau das ist der Kurzfilm für mich: eine knackige Kunstform – verdichtet, originell, unangepasst und mutig. In der heutigen Zeit, wo die Aufmerksamkeit binnen Sekunden schwindet, kommt der Kurzfilm dem entgegen: Er zieht das Publikum in seinen Bann, ins Hier und Jetzt, unverblümt, ohne Kompromisse. Und voller Bedeutung. Hedy Graber Leiterin Direktion Kultur und Soziales Migros-Genossenschafts-Bund

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Welcoming Message «Internationale Kurzfilmtage Winterthur is a significant event.» I rediscovered these exact lines – word for word – in our evaluation documents for Internationale Kurzfilmtage Winterthur’s funding application back in 2001, and the memory brought a smile to my face. Seventeen years have passed, but the observation is as pertinent as ever. That is because Internationale Kurzfilmtage Winterthur is of fundamental significance – no doubt about it. Not only does it put Swiss filmmaking in the spotlight and help Swiss films find their way to the screen, it also supports Swiss scriptwriters and the next generation of Swiss filmmakers. I am sure that Gottlieb Duttweiler, the founder of Migros and creator of the Migros Culture Percentage, would smile too if he could see what Kurzfilmtage has achieved over the past 21 years. «Ethical, high-quality Swiss film productions» were already important for Gottlieb Duttweiler back in 1943, when – ever the man of action – he joined the board of Praesens-Film AG, making a decisive commitment to Swiss film. The mere mention of a film like «Heidi» is enough to put a smile on your face, too, am I right? Since 2001, the Migros Culture Percentage has consistently supported Kurzfilmtage with innovative and inspiring promotional measures. Offering support to writers and young talents is a key part of this effort. Why? – Because without good stories, there can be no good films. And because Swiss films contribute to our cultural identity. That is why I am so pleased that this year we are once again offering our strong support to the Swiss Competition, the heart of Kurzfilmtage. Since 2017 we have also supported the Writers’ Room, a platform aimed at budding and established scriptwriters that offers them help developing their scripts. It is scriptwriters who know the best way to tell a great story, how to cut to the chase and deliver a message. That is precisely what the short film genre means to me. It is an art-form in a nutshell: succinct, original, unembellished, and brave.

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In today’s world, where attention spans last only a few seconds, the short film is in its element: it captivates the audience, drawing them into the here and now, direct and uncompromising. And of course, full of significance. Hedy Graber Head of Directorate of Cultural and Social Affairs Federation of Migros Cooperatives

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Grusswort des Stadtpräsidenten Michael Künzle Liebe Festivalbesucherinnen und Festivalbesucher, Internationale Kurzfilmtage Winterthur: Hier wird alles verhandelt, was momentan wichtig ist. Geschichte, Religion, Politik, Liebe, Freundschaft, Gesundheit, Sport. Kurz, prägnant und auf den Punkt gebracht. Internationale Kurzfilmtage Winterthur: Hier werden Sie Dinge sehen, von denen Sie noch nicht einmal geträumt haben. Und Sie werden Träume sehen, von denen Sie nicht gewusst haben, dass es sie gibt. Aufregend, farbig, lustvoll, aufwühlend, prickelnd, verschwenderisch, verwirrend und total abgefahren. Internationale Kurzfilmtage Winterthur: Hier werden Sie alle und alles finden und sich dabei selbst verlieren. In Geschichten, Menschen, Bildern und Ideen. Winterthur freut sich, Austragungsort dieser renommierten Veranstaltung sein zu dürfen. Jährlich finden dank der Kurzfilmtage 17’000 Besucherinnen und Besucher den Weg in die Eulachstadt und rücken die Stadt für einen kurzfilmlangen Moment ins Zentrum des europäischen Filmgeschehens. Im Namen des gesamten Stadtrats gratuliere ich den InitiantInnen und OrganisatorInnen zu diesem Erfolg und bedanke mich für das grosse Engagement. Locarno mag glamouröser sein, Solothurn älter und Zürich vielleicht mondäner. Aber Winterthur ist einfach – kurz. In diesem Sinne: Wir freuen uns auf Filmbegeisterte, Filmverrückte, dem Film Zugewandte. Wir freuen uns auf Schauspielende und Schaulustige, auf Schaulaufende und Schaukritische. Wir freuen uns auf Sie. Stadtpräsident Michael Künzle

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Greetings from Mayor Michael Künzle Dear festival visitors, Internationale Kurzfilmtage Winterthur: everything that is currently important will be debated here – history, religion, politics, love, friendship, health, sports. Concisely, succinctly, in a nutshell. Internationale Kurzfilmtage Winterthur: you will see things here that you’ve never even dreamed of. And you will see dreams that you never knew existed. Exciting, colourful, sensual, stirring, thrilling, lavish, confusing, and completely crazy. Internationale Kurzfilmtage Winterthur: you will find everything and everybody here and you will lose yourself – in stories, characters, images, and ideas. Winterthur is delighted to host this renowned event every year. Thanks to Kurzfilmtage, 17,000 visitors find their way to our city as it takes centre stage in the European film scene for a short period. In the name of the entire city council, I would like to congratulate the initiators and organizers on their success and thank them for their commitment. Perhaps Locarno is more glamorous, Solothurn is older, and Zurich more fashionable. But Winterthur is simply – short. We look forward to seeing film fans and film nerds, actors and onlookers, showstoppers and sideshow acts. We look forward to seeing you. Michael Künzle Mayor of Winterthur

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Editorial Unbestreitbar gilt der Kurzfilm als eigenständige Kunstform, die alle Genres und Filmgattungen einbezieht. Wie in der literarischen Form der Kurzgeschichte sind die Verdichtung und die Verknappung seine wohl wichtigsten Charakteristika. Umso mehr brauchen Kurzfilmschaffende die Fähigkeit, genau hinschauen zu können: Nämlich so lange, bis jedes Detail, jede Einstellung, jeder Dialog und jede Szene im richtigen Rhythmus stimmig zu einem grossen Ganzen zusammengeführt werden kann. Wir laden Sie ein, mit unserem Internationalen und Schweizer Wettbewerb ins aktuelle Kurzfilmschaffen einzutauchen und sich damit neue Perspektiven auf die Welt und die Schweiz zu eröffnen. Filmhistorisches, Zeitgenössisches und eine gehörige Portion britischen Humor sehen Sie in unseren sorgfältig kuratierten thematischen Programmen: Mit dem Grossen Fokus: This Is Britain ergründen wir das vielfältige Filmschaffen Grossbritanniens, mit dem Land im Fokus werfen wir einen Blick auf die bewegte Geschichte Georgiens und mit der Person im Fokus präsentieren wir experimentelle Videowerke des renommierten kanadischen Künstlers Mike Hoolboom. Weitere kuratierte Programme ehren unter anderem den legendären schwedischen Regisseur Ingmar Bergman und lassen Walt Disneys Zeichentrickserie «Silly Symphonies» in neuem Glanz erstrahlen. In Kooperation mit dem Geneva International Film Festival zeigen wir drei halbstündige Programme mit innovativen und faszinierenden Schweizer und internationalen Virtual-Reality-Projekten. In Zusammenarbeit mit der Kunsthalle Winterthur präsentieren wir die erste Schweizer Einzelausstellung mit der US-amerikanischen Künstlerin Carolee Schneemann und mit dem kunstkasten die Installation «Ada» von Yvonne Pispico. Doch wir bringen nicht nur Filme auf die Leinwand; längst haben sich die Kurzfilmtage auch die generelle Förderung des kurzen Formats auf die Fahne geschrieben. So bemühen wir uns im Rahmen von Kurzfilm im Unterricht auch 2018 wieder um die Vermittlung filmischer Inhalte an Kinder und Jugendliche. Unsere Branchenangebote Industry Lab und Writers’ Room dienen der Schweizer und internationalen Filmbranche zum Austausch und zur gemeinsamen Reflexion. Und zahlreiche Kontext-Talks und inspirierende Diskussionen laden Sie zum Austausch mit Gästen aus allen Erdteilen ein.

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Unser Dank gebührt allen voran unserem unermüdlichen Team, den unzähligen ehrenamtlichen Helferinnen und Helfern, unseren treuen Sponsoren, Partnern und Freunden und insbesondere Ihnen allen, unseren Besucherinnen und Besuchern. Ich wünsche uns allen eine unvergessliche 22. Festivalausgabe – mit viel Musse beim Sehen und Hinterfragen, beim Eintauchen und genauen Hinschauen. Remo Longhi Kaufmännischer Leiter der Internationalen Kurzfilmtage Winterthur

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Editorial Undeniably, short film is considered a distinct art form that spans all cinematic genres and categories. As with the literary form of the short story, its key characteristics are condensation and reduction. The ability to look closely is thus especially important for short filmmakers; they need to keep looking until every detail, every shot, every bit of dialogue, every scene is ready to be combined – rhythmically, harmoniously – into a unified work. We invite you to delve into current short filmmaking in the International and Swiss Competitions, which open up new perspectives on the world and on Switzerland. Film history, contemporary cinema, and a healthy dose of British humour await you in our thoughtfully curated thematic programmes: our Main Focus: This Is Britain explores the diversity of British cinema, the Country in Focus looks at Georgia’s eventful history, and the Person in Focus section presents experimental video works by renowned Canadian artist Mike Hoolboom. Additional curated programmes include an homage to legendary Swedish director Ingmar Bergman and beautifully restored cartoons from Walt Disney’s «Silly Symphonies» series. In cooperation with the Geneva International Film Festival we show three half-hour programmes with innovative and fascinating virtual-reality projects from Switzerland and around the world. In collaboration with Kunsthalle Winterthur, we present the first Swiss solo show of American artist Carolee Schneemann, and the installation «Ada» by Yvonne Pispico is on display at kunstkasten. But Kurzfilmtage offers much more than films on the screen. We have long been committed to the general promotion of the short format. Our Shorts in the Classroom initiative aims to introduce cinematic content to children and teenagers. The Industry Lab and Writers’ Room, our events for professionals, offer the Swiss and international film industry an opportunity for exchange and reflection. And numerous Context Talks and inspiring discussions allow audiences to interact with our guests from the four corners of the world. Our gratitude goes to our tireless team, our countless volunteers, our faithful sponsors, partners, and friends, and, of course, to all of you, dear visitors.

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I wish all of us an unforgettable 22nd festival edition – may we find the leisure to see and scrutinize, to immerse ourselves and take close looks. Remo Longhi Managing Director of Internationale Kurzfilmtage Winterthur

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Tuesday 6.11. 20:00 90' Opening Programme Theater Winterthur 1 21:30 Opening Night with DJ Pirx Lobby Theater Winterthur p. 310/313

International Competition Swiss Competition Hors Concours Main Focus: This Is Britain Country in Focus: Georgia Person in Focus: Mike Hoolboom Additional Thematic Programmes Expanded Cinema Shorts for Kids and Youth Programmes Swiss Film School Day Nocturne Cinema Nostalgia – Long Live Historic Film! Industry Events Special Events Opening Programme and Award Ceremony *ages 6+ **ages 12+ ***ages 16+ ****ages 18+

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Wednesday 7.11. 10:00 78' Youth Programme 16+*** Casino 1 +Q&A p. 285 10:00 61' Magic Lantern: Shorts for Kids* Casino 2 p. 269 14:00 86' International Competition I: Prisoners Casino 1 +Q&A p. 34 14:30 84' Main Focus: Nature and Its People Casino 2 p. 125 16:30 83' International Competition II: Promote Yourself **** Casino 1 +Q&A p. 36 16:30 96' Hors Concours: Short Matters I Kino Cameo p. 89 17:00 77' Main Focus: The Silly Side of Life Casino 2 p. 139 18:00 30' Radio Stadtfilter Talk tibits Winterthur p. 309/312 19:30 83' International Competition III: Human Nature Casino 1 +Q&A p. 38 19:30 85' Country in Focus: Recording Georgia Kino Cameo +Context Talk p. 197 20:00 88' Swiss Competition I Casino 2 +Q&A p. 50 20:00 74' Hors Concours: Hot Shorts Theater Winterthur 1 p. 67 21:00 DJ Rastapopoulos Project Festival bar/Casinotheater p. 310/313


Thursday 8.11. 11:00 38' Swiss Film School Day: Session 1 Casino 2 p. 320 12:00 46' Swiss Film School Day: Session 2 Casino 2 p. 321 14:00 78' Youth Programme 16+*** Casino 1 +Q&A p. 285 14:30 85' International Competition IV: Mysterious Realities Theater Winterthur 1 +Q&A p. 40 14:30 45' Swiss Film School Day: Session 3 Casino 2 p. 322 14:30 43' VR Cinema: Are You There? Is It Real? Theater Winterthur 2 p. 295 16:00 33' VR Cinema: Of Songs and Images Theater Winterthur 2 p. 297 16:15 47' Swiss Film School Day: Session 4 Casino 2 p. 323 16:30 89' Country in Focus: Impressions of Home Casino 1 +Q&A p. 203 16:30 60' Person in Focus: Ventriloquisms Kino Cameo +Q&A p. 183 17:00 86' International Competition V: Around the World Theater Winterthur 1 +Q&A p. 42 17:30 33' VR Cinema: New Vocabularies Theater Winterthur 2 p. 301 18:00 30' Radio Stadtfilter Talk tibits Winterthur p. 309/312 19:00 43' VR Cinema: Are You There? Is It Real? Theater Winterthur 2 p. 295 19:30 84' Hors Concours: ZĂźri Shorts Casino 1 +Q&A p. 73 19:30 68' Main Focus: Films in Dialogue: Luke Fowler & Alia Syed Kino Cameo +Context Talk p. 147 20:00 88' Main Focus: British Classics Casino 2 +Q&A p. 153 20:00 85' International Competition VI: Sinful Theater Winterthur 1 +Q&A p. 44 20:30 33' VR Cinema: Of Songs and Images Theater Winterthur 2 p. 297 20:30 Swiss Film School Day: Award Ceremony Festival bar/Casinotheater p. 315 21:00 Radio Stadtfilter presents: Path Away (Showcase) Festival bar/Casinotheater p. 310/313 21:45 Radio Stadtfilter DJs Festival bar/Casinotheater p. 310/313 22:00 86' Swiss Competition II Casino 1 +Q&A p. 52 22:00 83' Identity Politics I: Threads of Belonging Kino Cameo +Q&A p. 253 22:30 88' Main Focus: The Kids Are Alright Casino 2 p. 119

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Friday 9.11. 10:00 10:00 61' 11:30 85' 14:00 79' 14:30 73' 14:30 85' 14:30 33' 16:00 43' 16:30 85' 16:30 94' 17:00 84' 17:00 87' 17:30 33' 18:00 30' 19:00 33' 19:30 86' 19:30 89' 20:00 88' 20:00 86' 20:30 43' 21:30 22:00 83' 22:00 70' 22:30 76' 22:30

Industry Lab 2018 Alte Kaserne Winterthur p. 325 Magic Lantern: Shorts for Kids* Casino 1 p. 269 Country in Focus: Recording Georgia Casino 2 +Context Talk p. 197 Youth Programme 12+** Casino 1 +Q&A p. 281 Main Focus: The Female Gaze Casino 2 +Q&A p. 111 International Competition VII: Reconstructed Identities Theater Winterthur 1 +Q&A p. 46 VR Cinema: New Vocabularies Theater Winterthur 2 p. 301 VR Cinema: Are You There? Is It Real? Theater Winterthur 2 p. 295 International Competition IV: Mysterious Realities Casino 1 +Q&A p. 40 Hors Concours: Short Matters II Kino Cameo p. 93 Main Focus: Nature and Its People Casino 2 +Q&A p. 125 Swiss Competition III Theater Winterthur 1 +Q&A p. 54 VR Cinema: Of Songs and Images Theater Winterthur 2 p. 297 Radio Stadtfilter Talk tibits Winterthur p. 309/312 VR Cinema: New Vocabularies Theater Winterthur 2 p. 301 Swiss Competition II Casino 1 +Q&A p. 52 Country in Focus: Impressions of Home Kino Cameo +Q&A p. 203 Main Focus: The Kids Are Alright Casino 2 +Q&A p. 119 International Competition I: Prisoners Theater Winterthur 1 +Q&A p. 34 VR Cinema: Are You There? Is It Real? Theater Winterthur 2 p. 295 Salzhaus Winterthur presents: Stefanie Stauffacher (Showcase) Festival bar/Casinotheater p. 310/313 International Competition II: Promote Yourself **** Casino 1 +Q&A p. 36 Identity Politics II: Home Is... Kino Cameo +Q&A p. 261 Main Focus: You’ll Never Walk Alone Casino 2 p. 133 Salzhaus Winterthur presents: Kalabrese (DJ set) Festival bar/Casinotheater p. 310/313


Saturday 10.11. 10:00 11:00 74' 11:30 14:00 72' 14:30 66' 14:30 86' 14:30 33' 16:00 33' 16:30 88' 16:30 91' 16:30 17:00 81' 17:00 85' 17:30 43' 18:00 30' 18:30 19:00 33' 19:30 83' 19:30 73' 20:00 77' 20:00 87' 20:30 33' 21:30 22:00 85'

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Writers’ Room 2018 Alte Kaserne Winterthur p. 331 Hors Concours: Hot Shorts Casino 1 p. 67 Master Class: Mike Hoolboom Casino 2 p. 309/312 Disney’s Animated Technicolor* Casino 1 +Context Talk p. 225 Person in Focus: Supernatural Powers Casino 2 +Q&A p. 187 International Competition V: Around the World Theater Winterthur 1 +Q&A p. 42 VR Cinema: Of Songs and Images Theater Winterthur 2 p. 297 VR Cinema: New Vocabularies Theater Winterthur 2 p. 301 Swiss Competition I Casino 1 +Q&A p. 50 Hors Concours: Short Matters III Kino Cameo p. 97 Panel: Shorts and Shortage Lobby Theater Winterthur p. 309/312 Short Film Patrimony I: The British in Switzerland Casino 2 +Context Talk p. 243 International Competition VI: Sinful Theater Winterthur 1 +Q&A p. 44 VR Cinema: Are You There? Is It Real? Theater Winterthur 2 p. 295 Radio Stadtfilter Talk tibits Winterthur p. 309/312 Coucou Reads Cinema Festival bar/Casinotheater p. 309/312 VR Cinema: Of Songs and Images Theater Winterthur 2 p. 297 International Competition III: Human Nature Casino 1 +Q&A p. 38 Main Focus: The Female Gaze Kino Cameo +Context Talk p. 111 Main Focus: The Silly Side of Life Casino 2 +Q&A p. 139 Swiss Competition III Theater Winterthur 1 +Q&A p. 54 VR Cinema: New Vocabularies Theater Winterthur 2 p. 301 Winterthurer Musikfestwochen presents: Black Sea Dahu (Showcase) Festival bar/Casinotheater p. 310/313 International Competition VII: Reconstructed Identities Casino 1 +Q&A p. 46

22:00 61' Nocturne: Rosto’s Thee Wreckers Tetralogy Kino Cameo p. 231 22:30 Herr Wempe & Pfaff Cäsi (DJ set) Festival bar/Casinotheater p. 310/313 22:30 88' Main Focus: British Classics Casino 2 +Q&A p. 153 23:30 70' Nocturne: Dismissed, or Kill Your Darlings Kino Cameo p. 79


Sunday 11.11. 10:30 61' Magic Lantern: Shorts for Kids* Casino 2 p. 269 11:00 43' VR Cinema: Are You There? Is It Real? Theater Winterthur 2 p. 295 11:00 87' Swiss Competition III Kino Cameo p. 54 11:30 84' Hors Concours: Züri Shorts Casino 1 +Q&A p. 73 12:30 81' Main Focus: It’s a Free Cinema Casino 2 +Context Talk p. 161 12:30 33' VR Cinema: Of Songs and Images Theater Winterthur 2 p. 297 13:00 86' Swiss Competition II Kino Cameo p. 52 13:00 82' Bergman Revisited Theater Winterthur 1 +Context Talk p. 217 14:00 33' VR Cinema: New Vocabularies Theater Winterthur 2 p. 301 14:30 77' Main Focus: Scotland: «To see oursels as ithers see us!» Casino 1 +Context Talk p. 169 14:30 87' Country in Focus: Georgian Rebels Casino 2 +Context Talk p. 209 15:00 65' Short Film Patrimony II: The Knowledge of Hands Kino Cameo +Context Talk p. 247 15:30 43' VR Cinema: Are You There? Is It Real? Theater Winterthur 2 p. 295 17:00 33' VR Cinema: Of Songs and Images Theater Winterthur 2 p. 297 17:00 88' Swiss Competition I Casino 2 p. 50 17:00 76' Main Focus: You’ll Never Walk Alone Casino 1 +Q&A p. 133 19:00 Award Ceremony & Best-of Programme Theater Winterthur 1 21:30 Schtubetanz (Living Room Party) Festival bar/Casinotheater p. 310/313

Virtual Reality Cinema All Virtual Reality screenings are at Theater Winterthur 2 p. 291

Thursday 8.11. 14:30 16:00 17:30 19:00 20:30

43' 33' 33' 43' 33'

Are You There? Is It Real? Of Songs and Images New Vocabularies Are You There? Is It Real? Of Songs and Images

Friday 9.11. 14:30 16:00 17:30 19:00 20:30

33' 43' 33' 33' 43'

New Vocabularies Are You There? Is It Real? Of Songs and Images New Vocabularies Are You There? Is It Real?

Saturday 10.11. 14:30 16:00 17:30 19:00 20:30

33' 33' 43' 33' 33'

Of Songs and Images New Vocabularies Are You There? Is It Real? Of Songs and Images New Vocabularies

Sunday 11.11. 11:00 12:30 14:00 15:30 17:00

43' 33' 33' 43' 33'

Are You There? Is It Real? Of Songs and Images New Vocabularies Are You There? Is It Real? Of Songs and Images

Expanded Cinema Exhibition: Carolee Schneemann Kunsthalle Winterthur

Wed–Fri 12:00–18:00, Sat–Sun 12:00–16:00 p. 304

Installation: Yvonne Pispico, «Ada»

kunstkasten, open 24 hours a day p. 304

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Wir danken all unseren Sponsoren und Partnern für die grosszügige Unterstützung. We would like to thank all our sponsors and partners for their generous support.

Hauptsponsorin / Main Sponsor

Co-Sponsor / Co-Sponsor

Öffentliche Hand / Public Authorities

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Medienpartner / Media Partners


Partner / Partners Appenzeller Bier cinegrell FedEx GENTS Hutter Dynamics Jingle Jungle Tonstudios La Semeuse Maag Recycling Reseda Stadtbus Winterthur tibits traktor Bio-Smoothies by Biotta Zürcher Verkehrsverbund

Technikpartner / Equipment Partners lumachroma Ballet Mécanique Data Quest ICT Solutions AG Dr.W.A.Günther Media Rent Kino Xenix Schweizer AG

Öffentliche Hand / Public-Sector Sponsors Bildungsdirektion Kanton Zürich Kanton Appenzell Ausserrhoden Kanton Nidwalden Kanton Obwalden Kanton Schwyz Kanton St. Gallen Kanton Thurgau Kanton Wallis Kanton Zug

Hotelpartner / Partner Hotels Park Hotel Hotel Banana City Hostel Depot 195 Plaza Hotel Hotel Wartmann

Medienpartner / Media Partners WOZ Die Wochenzeitung Radio Stadtfilter Coucou – Kulturmagazin Winterthur Daily Movies 451° F Kommunikationspartner / Promotion Partners APG I SGA House of Winterthur Stiftungen / Foundations Alexis Victor Thalberg Stiftung Ars Rhenia Avina Stiftung Beisheim Stiftung Ernst Göhner Stiftung Johann Jacob Rieter-Stiftung Oertli-Stiftung S. Eustachius-Stiftung SSA Stiftung «Perspektiven» von Swiss Life Suissimage SWISSPERFORM Volkart Stiftung Zürcher Filmstiftung

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Spielstellenpartner / Partner Venues Casinotheater Winterthur Theater Winterthur Kino Cameo Alte Kaserne Kulturzentrum tibits Winterthur

Programmpartner / Programme Partners FOCAL SWISS FILMS Cinébulletin Cinémathèque suisse Embassy of Canada Embassy of Sweden Embassy of the United States, Bern, Switzerland European Film Academy Forschungsprojekt «Exhibiting Film: Challenges of Format» Geneva International Film Festival Haute école d‘art et de design – Genève Kunsthalle Winterthur kunstkasten, Winterthur LUX, London Memoriav Pro Short Salzhaus, Winterthur Short Film Conference Villa Sträuli, Winterthur WeAreCinema Winterthurer Musikfestwochen Die Zauberlaterne


FörderInnen / Promoters art.I.schock GmbH, Zürich Christian Aus der Au, Winterthur Marietta Barman, Zürich Blumen Müller, Winterthur Bosshart Goldschmied, Winterthur Dahinden Heim Architekten, Winterthur Ursula Dobler und H.-J. Germann, Bauma Dr. Deuring + Oehninger AG, Winterthur Nicolas Galladé, Winterthur Rahel und Kaspar Geiser, Winterthur Isler Architekten AG, Winterthur Antoinette Juchler, Winterthur Eliane Kreuzer, Winterthur Mattenbach AG, Winterthur Sibylle und Kaspar Müller, Winterthur Paul Hunziker Ingenieurbüro GmbH, Winterthur Planforum GmbH, Winterthur Qwstion, Zürich Ueli Renz, Winterthur Christian Schaffner, Zürich Silvia Schaffner, Rheinfelden Greti und Bernhard Schaffner-Aebi, Basel Karin und Andreas Schoellhorn, Winterthur Sotronik GmbH, Winterthur Marcel Weidmann, Winterthur GönnerInnen / Benefactors Nadine Adler Spiegel, Zürich Cornelia Bachmann, Zürich Kathrin Bänziger, Winterthur Marlies Bänziger, Winterthur Andreas Baumgartner, Winterthur Alois Beerli, Winterthur Rolf Benz, Winterthur Andreas Bertet, Winterthur Pierre Borgeaud, Winterthur Eliane Brown, Winterthur Markus Büchi, Gachnang Maureen Canciani, Minusio Walter Peter Dietrich, Winterthur Jacqueline Engler, Winterthur Bettina Erzinger Frei, Winterthur Emanuel Feusi, Zürich Silvio Foscan, Winterthur Arthur Frauenfelder, Winterthur Peter Fritzsche, Winterthur Daniel Fuchs, Zürich Franziska Gohl, Winterthur Christian Götz, Winterthur Victor Graf, Winterthur

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Regula Hauser, Zürich Ralph Henn, Rämismühle Martina Hofer, Greifensee Sabina Hubacher, Zürich Anne-Louise Huber, Winterthur Reto Huwiler, Winterthur Angela Jäger, Winterthur Adrian Kienast, Welsikon Ursula Künsch, Winterthur Myrtha Lanz, Winterthur Cécile Ledergerber, Zürich Yvonne Dorothée Lenzlinger, Winterthur Beatrice und Carlo Longhi, Stansstad Lena Martina Mader, Zürich Paul Moeller, Wiesendangen Elisabeth Mundwiler, Winterthur Rainer Ott, Winterthur Marianne Ott, Winterthur Werner Reber, Winterthur Urs Riklin, Zürich Franz Riklin, Volketswil Werner Rüegg, Winterthur Heinz Schafroth, Winterthur Monika Schmon, Zürich Sandra Sichler, Winterthur Rudolf Staub, Moosseedorf Christine Staub, Moosseedorf Martin Stauch, Winterthur Gunar Streckeisen, Pfungen Franz Trenka, Männedorf Adelheid Walser-Marty, Amriswil Andreas Wälti, Zürich Marcel Weiss, Winterthur Daniel Weiss, Zürich Thomas Widmer, Winterthur Michael Wirz, Winterthur Ernst Wohlwend, Winterthur Timothy Zemp, Zürich Institutionen und Firmen / Institutions and Businesses Admeira, Zürich AG Kurzfilm, Deutschland Astrom / Zimmer, Zürich Berlinale Shorts, Deutschland Berlinale Talents, Deutschland Biotta, Tägerwilen Blumen Müller, Winterthur British Council, England British Film Institute (BFI), England Curtas Vila do Conde, Portugal Digital Humanities Lab, Basel


DokuFest Prizren, Kosovo Duhok International Film Festival, Irak Edinburgh International Film Festival, Scotland EMAF Osnabrück, Deutschland Fantoche, Baden FeKK Ljubljana Short Film Festival, Slowenien Festival International du Court Métrage à Clermont-Ferrand, Frankreich FIDMarseille, Frankreich Film-Festivals.ch, Schweiz Filmtage Friedrichshafen, Deutschland Genossenschaft Dreieck, Zürich Gewerbepolizei, Winterthur Glasgow Short Film Festival, Schottland Go Short International Film Festival Nijmegen, Holland HAKO Getränke, Winterthur House of Winterthur IG Rote Fabrik, Zürich Indielisboa, Portugal International Film Festival Rotterdam, Holland Internationale Kurzfilmtage Oberhausen, Deutschland Internationales KurzFilmFestival Hamburg, Deutschland International Short Film Festival of Cyprus Jinzhen International Short Film Festival, China Kantonsbibliothek Graubünden, Chur Kino Nische, Winterthur Kino Xenix, Zürich KMU-Gewerbeverband, Winterthur Lichtspiel / Kinemathek Bern Locarno Festival Neugass Kino AG, Zürich Norwegian Film Institute, Norwegen Open Doors, Locarno Festival Portugal Film - Portuguese Film Agency Sarajevo Film Festival, Bosnia-Herzegovina Schweizer Filmakademie, Zürich Schweizer Jugendfilmtage, Zürich Scottish Documentary Institute SGV - Schweizerische Gesellschaft für Volkskunde, Basel Shnit International Short Film Festival, Bern Short Film Conference, Belgien Short Waves Poznan, Polen SODEC Quebec, Kanada Solothurner Filmtage, Solothurn Stadtbibliothek, Winterthur Stadtmuur Café, Winterthur Standortförderung Region Winterthur Swedish Film Institute, Schweden Tampere Film Festival, Finnland uniFrance films, Frankreich VIS Vienna Independent Shorts, Österreich

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Visions du Réel, Nyon Warsaw Film Festival, Polen Zurich Film Festival, Zürich Trailerkinos / Trailer Cinemas Chinoworb GmbH, Worb Cinema Luna, Frauenfeld Kellerkino Bern Kino Cameo, Winterthur Kino Cinématte, Bern Kino Odeon, Brugg Kino Orient, Ennetbaden Kino Qtopia, Uster Kino Rex, Bern Kino Sputnik, Liestal Kino Xenix, Zürich Kosmos-Kultur AG, Zürich kult.kino AG, Basel Kulturzentrum GEMS (Kino der Gems), Singen Lichtspiel / Kinemathek Bern Neugass Kino AG / Riffraff, Zürich Stattkino Luzern Zebra Kino – Kommunales Kino Konstanz e.V.


Personen / Individuals Herzlichen Dank an alle, die unser Festival mit ihrer Hilfe und ihrem Wissen unterstützen. Thanks to all that support our festival with their help and knowledge. Reto Abderhalden, Stadtbus Winterthur Doris Adam, Bereich Kultur, Winterthur Nadine Adler Spiegel, Migros Kulturprozent, Zürich Barbara Aebischer, DEZA, Bern Barbara Affolter, Amt für Kultur, St. Gallen Pierre Agthe, FOCAL, Lausanne Philipp Albrecht, Park Hotel, Winterthur Catherine Ann Berger, SWISS FILMS, Zürich Thomas Anwander, Johann Jacob Rieter-Stiftung, Winterthur Lucie Bader, Cinébulletin, Bern Susanna Baer, so+ba design, Zürich Lionel Baier, ECAL, Lausanne Laurent Baumann, Memoriav, Bern This Bay, Die Zauberlaterne, Neuchâtel André Benker, Zürich Sandra Biberstein, Coucou – Kulturmagazin Winterthur Jenny Billeter, Kino Xenix, Zürich Johannes Binotto, Kultur- und Medienwissenschaftler, Zürich Andrew Blackwell, Ballet Mécanique, Dänemark János Blum, Zürcher Kantonalbank, Zürich Noémie Blumenthal, Volksschulamt, Zürich Nicole Borgeat, FOCAL, Lausanne Alvaro Borghi, Schweizer Botschaft Georgien Sergio Bossoni, lumachroma, Zürich Sophie Bourdon, Open Doors, Locarno Festival Christoph Bovermann, European Film Academy, Deutschland Laurence Boyce, Short Film Conference, Belgien Daniela Britt, Jingle Jungle Tonstudios, Zürich Andy Brooks, Mettau Matthias Buercher, Bundesamt für Kultur, Bern Andreas Bühlmann, SWISS FILMS, Zürich Margrit Bürer, Amt für Kultur, Trogen David Busset, Schweizerische Autorengesellschaft SSA, Lausanne Stefan Busz, Winterthur Georg Bütler, Zurich Film Festival, Zürich Tania Cambeiro Antelo, Zürcher Kantonalbank, Zürich Giuseppe Cantore, Hutter Dynamics AG, Winterthur Matt Carter, LUX, England Chantal Casanova, Zurich Film Festival, Zürich Gregory Catella, SRG SSR, Bern Aldo Caviezel, Amt für Kultur, Zug Stephan Civelli, Lotteriefonds des Kantons Zürich Alma Coralic, APG SGA, Zürich

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Alina Corradi, SRG SSR, Bern Emmanuel Cuénod, Geneva International Film Festival, Genf Monika Diem, Stiftung «Perspektiven» von Swiss Life, Zürich Michel Dind, Cinémathèque suisse, Lausanne Michael Domeisen, House of Winterthur Patrick Elliot, National Galleries of Scotland Carla Gabriela Engler, Filmwissenschaftlerin, Zürich Sibylle Feltrin, Avina Stiftung, Zürich Karin Feusi, Botschaft von Schweden, Bern Valerie Fischer, Cobra Film AG, Zürich Barbara Fischer, Schauspiel-Coach, Zürich Edith Flückiger, HSLU Video, Luzern Andreas Fock, Film Fest Sundsvall, Schweden Luke Fowler, Künstler, Schottland Corinne Frei, Suissimage, Lausanne Reto Frei, tibits ag, Zürich Peter Frei, Volkart Stiftung, Winterthur Lisa Fuchs, Fachstelle Kultur Kanton Zürich Daniel Fuchs, SWISS FILMS, Zürich Franziska Gabriel, Bereich Kultur, Winterthur Jose Garcia, Schweizer AG, Schlieren Matteo Gariglio, HSLU Video, Luzern Thomas Gartmann, SBB AG, Zürich Kurt Gehring, Österreich, Alexandra Gelis, Filmemacherin, Kolumbien/Kanada Tom Gerber, ZHdK, Zürich Viktor Giaccobo, Casinotheater Winterthur Moreno Giancotti, Data Quest AG, Dietlikon Daniel Girsberger, El Tipico, Winterthur Dave Gleixner, Data Quest ICT Solutions, Wallisellen Hedy Graber, Direktion Kultur und Soziales beim MGB, Zürich Nathalie Gregoletto, Geneva International Film Festival, Genf Richard Grell, cinegrell gmbh, Zürich Nicole Greuter, Bundesamt für Kultur, Bern Janine Greuter, House of Winterthur Marianne Guldimann, S. Eustachius-Stiftung, Winterthur Tobias Guldimann, S. Eustachius-Stiftung, Winterthur Jürgen Haas, HSLU Animation, Luzern Jing Haase, SFI, Schweden Ursula Häberlin, ARF/FDS, Zürich Tom Hafner, Papiermanufaktur, Winterthur Malte Hagener, Professor für Medienwissenschaft, Deutschland Olivia Haggenmacher, Reseda, Winterthur Samm Haillay, Third Films, England Stella Händler, Pro Short, Zürich Philipp Hardmeyer, Alte Kaserne Kulturzentrum, Winterthur Rainer Hartauer, Casinotheater Winterthur Neal Hartman, Cineglobe, Genf Walter Hartmann, umsetzerei.ch, Winterthur Jela Hasler, Pro Short, Zürich


Jolanda Herradi, Schweizerische Autorengesellschaft SSA, Lausanne Madeleine Herzog, Fachstelle Kultur Kanton Zürich Rolf Heusser, Kino Cameo, Winterthur Hans Georg Hildebrandt, Gents GmbH, Zürich Sarah Hofer, cinegrell gmbh, Zürich Maike Mia Höhne, Berlinale, Deutschland Liliane Hollinger, Kino Cameo, Winterthur Mike Hoolboom, Künstler, Kanada Esther Hungerbühler, Amt für Kultur, St. Gallen Thomas Hüsser, Digitalstore, Winterthur Markus Hutter, Hutter Dynamics AG, Winterthur Sophie Hutter Hutter Dynamics AG, Winterthur Beat Imhof, Casinotheater Winterthur Andres Janser, ZHdK/Museum für Gestaltung, Zürich Delphine Jeanneret, HEAD, Genf Tom Kalin, Filmemacher, USA Gabriela Kasperski, Autorin und Coach, Zürich Susa Katz, Zürcher Filmstiftung, Zürich Lukas Kaufmann, Schweizer AG, Schlieren Oliver Kielmayer, Kunsthalle Winterthur Andreas Kilchherr, Brauerei Locher AG, Appenzell Gesa Knolle, Arsenal, Deutschland Stefano Knuchel, Summer Academy, Locarno Festival Daniel Kummer, Zürcher Kantonalbank, Winterthur Ivo Kummer, Bundesamt für Kultur, Bern Ronald Kundert, Zürcher Kantonalbank, Winterthur Michael Künzle, Stadtpräsident, Winterthur Nicole Kurmann, Bereich Kultur, Winterthur David Landolf, Lichtspiel / Kinemathek, Bern Karin Landolt, House of Winterthur Alice Lea, LUX, England Fabienne Liptay, Professorin für Filmwissenschaft, Zürich Matt Lloyd, Glasgow Short Film Festival, Scotland Karl Locher, Brauerei Locher AG, Appenzell Andy Loeber, Winterthur Silvia Lorenz, Theater Winterthur Marcin Luczaj, New Europe Film Sales, Poland Annina Lutz, Swissperform, Zürich Delphine Lyner, Zürcher Theaterspektakel Judith Maag, Maag Recycling, Winterthur Jean-Claude Maillard, Casinotheater Winterthur Frédéric Maire, Cinémathèque suisse, Lausanne Gilles Marchand, SRG SSR, Bern Corinna Marshall, MEDIA Desk Suisse, Zürich Gaia Meucci, Encounters Short Film and Animation Festival, Grossbritannien Ruth Meyer, Stadt Winterthur Vincent Moesch, La Semeuse, La Chaux-de-Fonds Christopher Mondt, Deutschland Martha Monstein, Kulturamt, Thurgau

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Martin Müller, Blumen Müller, Winterthur Roman Müller, Gewerbepolizei, Winterthur Jane Mumford, HSLU Animation, Luzern Amanda Munro, National Portrait Gallery, Scottisch Documentary Institute René Munz, Theater Winterthur Vanessa Nageler, Hotel Wartmann, Winterthur Ewald Natter, Österreich Andreas Niederer, Reseda, Winterthur Marco Nisoli, La CYMA, Winterthur Rachel Noël, ECAL, Lausanne Mariana Noteboom, Beisheim Stiftung, Baar Corinne Oschwald, Vertical Ventures GmbH, Zürich María Palacios Cruz, LUX, England Jan Parigger, Catering, Zürich Prisca Passigatti, Fachstelle Kultur Kanton Zürich Simon Perks, Neudicken Jean Perret, Essayist/Professor/Journalist, Genf Patrizia Pesko, Cinéforom, Genf Florian Pfingsttag, MEDIA Desk Suisse, Zürich Denis Rabaglia, Schweizerische Autorengesellschaft SSA, Lausanne Gregor Reinhart, Volkart Stiftung, Winterthur Marc Reinhart, Volkart Stiftung, Winterthur Remo Rey, Schifffahrtsgesellschaft URh, Schaffhausen Patrizia Rezzoli, Beisheim Stiftung, Baar Franz-Xaver Risi, Amt für Kultur, Schwyz Marius Risi, Amt für Kultur und Sport, Sarnen Axel Roduit, Kanton Wallis Camille Roseau, WOZ Die Wochenzeitung, Zürich Giella Rossi, Alte Kaserne Kulturzentrum, Winterthur Samuel Roth, Musikkollegium Winterthur Gérard Ruey, Cinéforom, Genf Pius Ruhstaller, Amt für Kultur, Schwyz Clemens Rüttimann, Biotta AG, Tägerwilen Thomas Schärer, Filmhistoriker, Zürich André Scheibel, FedEx Inc., Glattbrugg Sarah Schiesser, Open Doors, Locarno Festival Peter Schifflechner, Dr.W.A.Günther Media Rent AG, Ehrlenbach Susanne Schlegel, Die Zauberlaterne, Winterthur Colin Schmid, Jingle Jungle Tonstudios, Zürich Annelise Schmid, Fachstelle Kultur Kanton Zürich Kristin Schmidt, Fachstelle Kultur, Stadt St. Gallen Monika Schmon, Kulturamt Thurgau Christine Schoder, Suissimage, Bern Nicole Schroeder, FOCAL, Zürich Melanie Schütz, Tamedia AG, Zürich André Schwabe, Theater Winterthur Sonja Schwyzer, Migros Kulturprozent, Zürich Zerrin Shaqiri, Plaza Hotel, Winterthur Nina Shervashidze, Georgian Film Center, Georgien


Christian Sidler, Obwalden Ruedi Signer, Brauerei Locher AG, Appenzell Ansgar Simon, Stadt Winterthur Alex Sonderegger, so+ba design, Tokyo Jean Sonnier, ECAL, Lausanne Doris Stalder, Ernst Göhner Stiftung, Zug Melanie Staub, Coucou – Kulturmagazin Winterthur Eric Staub, Kino Xenix, Zürich Carola Stern, FOCAL, Lausanne Alice Strand, National Galleries of Scotland Christoph Stuehn, Kunsthaus Zürich Jacqueline Surchat, FOCAL, Lausanne Alia Syed, Künstlerin, Schottland Hans Tanner, Zürich Susie Trenka, New Orleans Fabienne Trümpi, Biotta AG, Tägerwilen Sevil Ulas, tibits Winterthur Alex Ulrich, Hostel Depot 195, Winterthur Wim Vanacker, Nisi Masa, Belgien Enrico Vannucci, La Biennale di Venezia, Italien Sylvain Vaucher, SWISS FILMS, Genf Cécile Vilas, Memoriav, Bern Eva Vitija, Winterthur Karl Vögeli, Oertli-Stiftung, Zürich Jürg Völkel, Fahrenheit, Winterthur Hansueli Vollenweider, Vollenweider Confiserie, Winterthur Nicola Votta, Baranday AG, Zürich Jérôme Waldbauer, Hotel Banana City, Winterthur Sven Wälti, SRG SSR, Bern Rolf Wartmann, Hotel Wartmann, Winterthur Daniel Waser, Zürcher Filmstiftung, Zürich Peter Weber, Stadt Winterthur Florian Weghorn, Berlinale Talents, Deutschland Judith Weidmann, kunstkasten, Winterthur Gabriela Wettstein, Tages-Anzeiger, Zürich Diego Wider, Zürcher Kantonalbank, Zürich Karin Wiesendanger, kunstkasten, Winterthur Selina Willemse, SWISS FILMS, Zürich Peter Wirtz, Ars Rhenia, Triesen Corinne Wyer, Volkswirtschaftsdirektion Kanton Zürich Simon Young, Shorts International, Grossbritannien Alan Zahnd, Data Quest ICT Solutions, Wallisellen Géraldine Zeuner, DEZA, Bern Carsten Zimmer, Arsenal, Deutschland Laura Zimmermann, ZHdK, Zürich Julia Zink, Casinotheater Winterthur Michael Zippermayr, 451.ch, Zürich Stefan Zollinger, Amt für Kultur, Nidwalden

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Internationaler Wettbewerb I–VII International Competition I–VII

I: Prisoners II: Promote Yourself III: Human Nature IV: Mysterious Realities V: Around the World VI: Sinful VII: Reconstructed Identities

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Wo Kurzfilme ewig währen Die Wettbewerbe sind und bleiben das Herzstück der Internationalen Kurzfilmtage Winterthur, denn sie sind der Gradmesser des Zeitgeistes und der aktuellen Strömungen in unserer globalisierten Welt, in der Bewegtbilder im Überfluss produziert werden. Kulturelle, gesellschaftliche und ästhetische Themen ermöglichen uns die Orientierung und Meinungsbildung. Wir halten es für notwendig, ein möglichst breites Programm zu präsentieren und dabei auch die geografische Herkunft der Filme zu beachten. Wir wollen uns und unser Publikum immer wieder dazu ermutigen, den eigenen zentraleuropäischen Blick zu erweitern, um Platz für andere Kulturen, Regionen und Stimmen einzuräumen, ohne aber unsere eigene Realität, in der wir leben, zu vergessen. Der Standpunkt, von dem aus erzählt wird, ist von zentraler Bedeutung, denn er verschafft uns Zugang zu verschiedenen Universen, Kulturen und Lebensmodellen sowie zu den Menschen, die damit verbunden sind. Solche Gegenüberstellungen von Perspektiven machen es uns möglich, komplexe Themen zu beobachten und im besten Fall auch zu verstehen oder zumindest auf uns wirken zu lassen. Die gesellschaftliche Auseinandersetzung im Hier und Jetzt soll angeregt werden, sowohl mit unserem eigenen politischen Umfeld als auch hinsichtlich des globalen Kontexts. Dieser Funke kann gerade durch das Medium Film, insbesondere durch den Kurzfilm, gezündet werden. Doch nebst der gesellschaftlichen Relevanz ist auch die Ästhetik zentral bei der Auswahl für den Wettbewerb – sei es bezüglich des visuellen Ausdrucks oder der narrativen Form. Eine weitere wesentliche Aufgabe der Wettbewerbe ist es, Entdeckungen zu machen. Nebst neuen Arbeiten – ob von gestandenen FilmemacherInnen oder von jungen Talenten – gilt es auch allgemeine Tendenzen aufzuspüren. Diese lassen sich oft an der markanten Häufung bestimmter Themen oder am Auftreten neuer Konzepte oder Ästhetiken ablesen. Solche Strömungen sind bei der Auswahl zu berücksichtigen und auf ihre tatsächliche Relevanz hin zu durchleuchten. Und schliesslich reflektieren die Tendenzen in den Festivalprogrammen nicht zuletzt auch die Interessen der ProgrammMacherInnen und, zumindest teilweise, die Vorlieben des Publikums. Im Internationalen Wettbewerb warten 35 Filme darauf, entdeckt zu werden. Es lassen sich dieses Jahr diverse Trends bei den Themen erkennen, die sich in unterschiedlicher Form herauskristallisieren und einen klaren Bezug zu aktuellen Debatten aufweisen. In 8 Filmen stehen Frauen im Mittelpunkt.

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Einige davon setzen sich mit gesellschaftlichen Themen und sozialen Strukturen auseinander, andere mit dem weiblichen Körper und Sexualität. Die Migration, die im Kino der letzten Jahre bereits vielfach behandelt wurde, bleibt ein aktuelles und relevantes Thema, das die ausgewählten Filme sehr unterschiedlich angehen. Das womöglich auf den ersten Blick erstaunlichste Thema ist das Internet. Vielleicht gerade weil dieses mittlerweile ein selbstverständlicher Bestandteil unseres Lebens ist, könnte man denken, dass es darüber nicht mehr viel zu erzählen gebe. Doch es ist erstaunlich, wie reflektiert und vielfältig beispielsweise Fragen zu Pornographie im Internet oder CyberBullying bearbeitet werden. Nennenswert sind auch die zwei Filme «Bigger Than Life» und «Joy in People», welche die Konzepte von Nationalität und Nationalismus ins Zentrum stellen – eine Thematik, die kaum aktueller sein könnte. Ingesamt zeigen die Filme einmal mehr auf, worin eine der grössten Stärken des Kurzfilm-Formats liegt: am Puls der Zeit zu sein wenn es darum geht, zeitgenössische politische und gesellschaftliche Fragen zu behandeln. Der Schweizer Wettbewerb trumpft mit 18 Filmen auf. Die Auswahl besticht durch ihre Vielfalt und eine ziemlich ausgeglichene Verteilung der Genres. Einige uns schon bekannte FilmemacherInnen sind wieder im Wettbewerb vertreten, so beispielsweise Jorge Cadena, Jules Carrin, Claudius Gentinetta, Elie Grappe und Corina Schwingruber-Iliç. 13 Filme des Schweizer Wettbewerbs feiern in Winterthur Weltpremiere, deren 5 sind zusätzlich für den Internationalen Wettbewerb nominiert und können somit auch von der internationalen Jury für Preise in Betracht gezogen werden. Schweizer Preisträger im Internationalen Wettbewerb sind in der Geschichte der Kurzfilmtage schon zweimal vorgekommen, so auch letztes Jahr, als «Ligne Noire» von Francesca Scalisi und Mark Olexa den Hauptpreis gewann. Ich wünsche Ihnen auch dieses Jahr viele Entdeckungen und spannende Momente, wenn wir uns wieder gemeinsam in den dunklen Raum des Kinos begeben. Es ist der Ort, wo wir uns bewusst dem Raum, dem Kollektiv und vor allem der Zeit hingeben, wie wir es auf dem Sofa vor dem Laptop oder Fernseher, mit dem Tablet oder Smartphone nie in der gleichen Form und Konzentration erleben. Bonne projection! John Canciani Künstlerischer Leiter, Internationale Kurzfilmtage Winterthur

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Where Short Films Last Forever The competitions remain the heart of Internationale Kurzfilmtage Winterthur – they are indicators of the zeitgeist and of current trends in our globalized world, which produces an abundance of moving images. Cultural, social, and aesthetic issues guide us and help shape opinions. We consider it essential to present a diverse programme and to also take the geographic origin of films into account. We always aim to expand both our own and our audience’s Central European perspective in order to make room for other cultures, regions, and voices – whilst keeping in mind our own reality that we live in. The point of view from which a story is told is essential because it gives us access to a variety of universes, cultures, and ways of life – and to the people connected to them. This juxtaposition of perspectives enables us to observe complex issues, and, at best, to understand them, or, at least, to be affected by them. Our goal is to inspire public debate in the here and now, whether with regard to our own political environment or with view to a global context. The medium of film – and of short film, in particular – has the power to light this spark. Apart from societal relevance, aesthetic aspects are also central when it comes to selecting films for the competitions – whether in terms of visual expression or narrative form. Another key purpose of the competitions is to make discoveries. Apart from new works – whether by established filmmakers or young talents – we also aim to detect general tendencies. These can often be gleaned from the marked prominence of certain themes or from the emergence of new concepts and aesthetics. Such currents must be taken into account during the selection process and examined for their true significance. Finally, the tendencies in the festival programmes also reflect the interests of the programmers and, at least to some degree, the tastes of the audience. 35 films are waiting to be discovered in the International Competition. Thematically, several trends related to current debates surface in a variety of forms. 8 of the films centre on women. While some of these focus on social issues and structures, others deal with the female body and sexuality. Migration, which has been extensively addressed in recent cinema, continues to be an important topic that the selected films approach in widely differing ways. At first glance, the most surprising theme might be the Internet, which has become such an integral part of our lives that it is often taken for granted. Precisely because of that, we might think that there isn’t much left to say

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about it. And yet, short films offer remarkably thoughtful and multifaceted explorations of issues such as online pornography or cyber-bullying. And finally, the films «Bigger Than Life» and «Joy in People» are worth mentioning for their focus on the notions of nationality and nationalism – issues that could hardly be more timely! Once again, the selection demonstrates one of the key strengths of the short format: short films hit the nerve of the times when it comes to tackling contemporary social and political issues. The Swiss Competition boasts 18 films, featuring an impressive variety and a fairly even distribution of genres. Some familiar filmmakers from previous years are again represented in the competition, among them Jorge Cadena, Jules Carrin, Claudius Gentinetta, Elie Grappe, and Corina Schwingruber-Iliç. 13 of the films in the Swiss Competition will have their world premiere in Winterthur, and 5 of them are additionally nominated for the International Competition, meaning that the international jury can also consider them for awards. Twice before in the festival’s history, Swiss films won awards of the International Competition; such was the case last year, when «Ligne Noire» by Francesca Scalisi and Mark Olexa received the Grand Prize. I hope that you will once again discover many intriguing films and experience exciting moments as we join together in the darkness of our cinemas. The cinema is a space where we deliberately surrender ourselves to the collective, to space, and especially to time. This is an experience that the couch at home – in front of a laptop or TV, with a tablet or smartphone – can never offer in the same way and with the same intensity. Enjoy the show! John Canciani Artistic Director, Internationale Kurzfilmtage Winterthur

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I: Prisoners Runtime: 86' Wednesday, 7 November 2018, 14:00, Casino 1 Friday, 9 November 2018, 20:00, Theater Winterthur 1 II: Promote Yourself * Runtime: 83' Wednesday, 7 November 2018, 16:30, Casino 1 Friday, 9 November 2018, 22:00, Casino 1 III: Human Nature Runtime: 83' Wednesday, 7 November 2018, 19:30, Casino 1 Saturday, 10 November 2018, 19:30, Casino 1 IV: Mysterious Realities Runtime: 85' Thursday, 8 November 2018, 14:30, Theater Winterthur 1 Friday, 9 November 2018, 16:30, Casino 1 V: Around the World Runtime: 86’ Thursday, 8 November 2018, 17:00, Theater Winterthur 1 Saturday, 10 November 2018, 14:30, Theater Winterthur 1 VI: Sinful Runtime: 85' Thursday, 8 November 2018, 20:00, Theater Winterthur 1 Saturday, 10 November 2018, 17:00, Theater Winterthur 1 VII: Reconstructed Identities Runtime: 85' Friday, 9 November 2018, 14:30, Theater Winterthur 1 Saturday, 10 November 2018, 22:00, Casino 1

*ab 18 Jahren / for ages 18 and above

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Tourneur

Prisoner of Society

Germany 2018, 14'22", digital file, colour, no dialogue, Doc

Georgia 2018, 15'49", digital file, colour, Georgian with English subtitles, Doc

Director: Yalda Afsah Photography: Yalda Afsah Editor: Yalda Afsah Sound: Steffen Martin Production: Yalda Afsah, Berlin, Germany, yaldaafsah@gmail.com, www.yaldaafsah.com Distribution: Yalda Afsah, Berlin, Germany, yaldaafsah@gmail.com, www.yaldaafsah.com

Director: Rati Tsiteladze Photography: Rati Tsiteladze Editor: Rati Tsiteladze Sound: Rati Tsiteladze Cast: Adelina (Anonymous) Production: ArtWay Film, Tbilisi, Georgia, Rati Tsiteladze, rati@artwayfilm.com Distribution: ArtWay Film, Tbilisi, Georgia, info@artwayfilm.com

Auf subtile Weise kommentiert «Tourneur» das ungleiche Verhältnis zwischen den adrenalingeladenen Teilnehmern eines Stierkampfes in Südfrankreich und dem körperlich überlegenen, aber in die Enge getriebenen Tier. Die Unberechenbarkeit der Situation wird durch den Einsatz von Schaum noch gesteigert. «Tourneur» is a subtle comment on the uneven relationship between the adrenalin-fuelled participants of a bullfight in southern France and the physically superior but trapped animal. The use of foam additionally enhances the unpredictability of the situation. Yalda Afsah from Berlin studied at the Berlin University of the Arts, at Burg Giebichenstein University of Art and Design Halle, and the California Institute of the Arts. She has received various awards and grants for her artwork. In 2018, she received a Karl Schmidt-Rottluff scholarship, and she is currently a participant of BPA // Berlin Program for Artists. She lives and works in Berlin.

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Was bedeutet es, im eigenen Zuhause und im eigenen Land fremd zu sein? Ein intimer Blick in die Welt einer jungen Transfrau, gefangen zwischen dem Wunsch nach persönlicher Freiheit und den traditionellen Erwartungen ihrer Familie, im Kontext der zunehmenden Spannungen aufgrund von Georgiens LGBT-Politik. What does it mean to be a stranger in your own home and country? «Prisoner of Society» is an intimate journey into the world and mind of a young transgender woman trapped between personal desire for freedom and the traditional expectations of her parents amid the growing tensions provoked by LGBT politics in Georgia. Rati Tsiteladze (b. 1987) won a world champion title in martial arts at age 21. But in 2014, as filmmaking became the overpowering passion in his life, he left his fighting career behind and went on to study filmmaking at the Hybrid Conservatory in Los Angeles. He is an alumnus of the Locarno and IDFA Academies and was selected at the Berlinale Talent Project Market among ten producers. Rati founded the production company ArtWay Film and has directed several short and feature films.

Tattini / The Moon Is Bright Tonight Myanmar/Nepal 2018, 15'52", digital file, colour, Nepali with English subtitles, Fic Director/Script: Abinash Bikram Shah Photography: Sayak Bhattacharya Editor: Kiran Shrestha/Nimesh Shrestha Sound: Jonathan Q. Hee/Amit Shrestha Cast: Mahima Nawbagh/Dipak Chhetri Production: Underground Talkies Nepal, Lalitpur, Nepal, Anup Poudel, anoopmimosa@gmail.com, Icefall Productions, Kathmandu, Nepal, Ram Krishna Pokharel, rkpnepal75@gmail.com, Shooney Films, Kathmandu, Nepal, Min Bahadur Bham, nabinbham12@gmail.com, Green Age Film Production, Yangon, Myanmar, WeRa Aung, wiralome12@gmail.com Distribution: Abinash Bikram Shah, Lalitpur, Nepal, write.abshah@gmail.com, +977 15538269,

Die Leiche eines Wanderarbeiters wird in sein Dorf in Nepal gebracht. Seine Witwe will mit dem Geld aus seiner Lebensversicherung ein neues Leben anfangen. Doch ihr Schwiegervater und die Dorfältesten wollen das Geld fürs Dorf. Ein Blick auf die Probleme von Wanderarbeitern im heutigen Nepal und auf fragwürdige Traditionen. A migrant worker’s body arrives in a Nepali village. His widow wants to start anew with the money from his life insurance. But her father-in-law and the village elders stop her, claiming the money belongs to the village. A peek into the lives of migrant workers in modern Nepal and into deeply flawed traditions. Abinash Bikram Shah is a freelance writer/director based in Kathmandu. He is an alumnus of Berlinale Talents and Asian Film Academy. He has produced, written, and directed several short films as well as written feature films that premiered at Berlinale and Venice. He is currently preparing his first feature film «Season of Dragonflies».


Egg

Self Destructive Boys

Denmark/France 2018, 12'07", digital file, black & white, English, Ani/Doc

Portugal 2018, 27'34", digital file, colour, Portuguese with English subtitles, Fic

Director: Martina Scarpelli Script: Martina Scarpelli Editor: Martina Scarpelli/Albane du Plessix Sound: Amos Cappuccio/Andrea Martignoni Production: Miyu Productions, Paris, France, Emmanuel-Alain Raynal & Pierre Baussaron, festival@miyu.fr, +33 6 98 74 45 49, Late Love, Viborg, Denmark, Lana Tankosa Nikolic, festival@miyu.fr, +33 674232951 Distribution: Miyu Distribution, Arles, France, Luce Grosjean, festival@miyu.fr

Director: André Santos/Marco Leão Script: Marco Leão/André Santos Photography: André Santos Editor: Francisco Moreira Sound: Pedro Góis/Bruno Moreira Cast: João Mota/João Veloso Production: Blackmaria Produções, Lisboa, Portugal, João Figueiras, pf@portugalfilm.org, +351 213466172 Distribution: Portugal Film - Portuguese Film Agency, Lisbon, Portugal, Filipa Henriques, pf@portugalfilm.org, +351 213466172

Eine Frau ist zuhause eingesperrt mit einem Ei, das sie gleichzeitig anzieht und verängstigt. Sie isst das Ei und bereut es. Sie bringt es um. Sie lässt das Ei verhungern. A woman is locked in her home with an egg that she is both attracted to and scared of. She eats the egg, she repents. She kills it. She lets the egg die of hunger. Martina Scarpelli is an Italian filmmaker with a BA in fine art from Brera Academy in Milano and a BA in animation from the Experimental Cinematography Center in Turin, where she graduated in 2015 with the film «Cosmoetico». She currently works in Denmark in order to develop content for a new short film and start new professional collaborations.

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António, Xavier und Miguel sind jung, schön und pleite. Sie testen die Grenzen ihrer sexuellen Flexibilität und verdienen dabei ein bisschen Geld. Aber vielleicht ist es komplizierter ein Mann zu sein, als sie dachten. António, Xavier, and Miguel are young, handsome, and broke. They’re testing the limits of their sexual flexibility while making a bit of money. But what if being a boy was more complicated than they thought? From 2008 to 2018, André Santos and Marco Leão have developed seven shorts that were screened and awarded around the world. They’re currently writing their first feature film script, «Nowhere» (2017 Faliro House / Sundance Screenwriters Lab), as well as working on a documentary, «Into the Forest» (Doc Station 2018 / Berlinale Talents). Porto/Post/Doc held the first full retrospective of their work. Their film «Pedro» was the first Portuguese short to be shown at Sundance.

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Gardhi / Fence

Maskirovka

Kosovo/Croatia/France 2018, 14'45", digital file, colour, Albanian with English & French subtitles, Fic

Germany/Ukraine 2017, 8'45", digital file, colour, no sound, Exp

Director: Lendita Zeqiraj Script: Lendita Zeqiraj Photography: Sebastien Goepfert Sound: Jean-Barthelemy Velay Cast: Edita Dula/Arti Lokaj/Rozafa Celaj/ Kumrije Hoxha/Xhejlane Godanci/Melihate Qena/ Ilire Vinca/Norik Xhemajli/Adriana Matoshi/ Timur Urcan/Arta Selimi/Alketa Sylaj Production: Bujar Kabashi, bujar.kabashi@gmail.com, N’ART Films, Prishtina, Kosovo, +383 49 200 408 Distribution: Bujar Kabashi, Prishtina, Kosovo, bujar.kabashi@gmail.com

Director: Tobias Zielony Photography: Tobias Zielony Editor: Janina Herhoffer/Marius Land Production: Sebastian Peter, peter@kow-berlin.com Distribution: Sebastian Peter, peter@kow-berlin.com

Mehrere Generationen von Frauen aus derselben Familie konfrontieren einander lautstark mit ihren unschiedlichen Ansichten über Leben, Liebe, Lust und das Patriarchat. Das Familientreffen wird immer chaotischer, während das jüngste Mitglied – der einzige Junge – auf eine Fluchtgelegenheit wartet. Several women from different generations of the same family loudly confront each other with their views on life, love, desire, and the patriarchy. The family gathering turns into chaos while the youngest one – the only boy – is looking for an escape. Lendita Zeqiraj is an award-winning director who was named National Filmmaker of the Year 2014 and received the Annual Film Excellence Award for Cinematic Achievements from Kosovo’s Ministry of Culture. She has worked on a number of shorts and documentary films that have screened at over 300 international festivals, including Venice, Telluride, AFI Fest, Palm Springs, Warsaw, and Oberhausen, winning more than 40 prizes.

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Die Homosexuellen- und Technoszene in Kiew nach der Revolution von 2013. Der Begriff «Maskirovka» bezieht sich auf die russische Tradition militärischer Täuschungstaktiken. Die jüngere politische Geschichte und die russische Einmischung in die inneren Angelegenheiten des Landes können als traurige Travestie gesehen werden – alles ist möglich, aber nichts scheint real. The queer and techno scene in Kyiv in the aftermath of the 2013 revolution. The term «maskirovka» describes a tradition of Russian warfare tactics of deception. The recent political developments as well as the Russian interference into the country’s internal affairs can be seen as a sad travesty in which everything is possible but nothing seems to be real. Born 1973 in Wuppertal, Germany, Tobias Zielony studied documentary photography at the University of Wales, Newport, before he continued with artistic photography at the Academy of Fine Arts Leipzig under Timm Rautert in 2001. Tobias is known for his photographic depiction of young people from minority backgrounds in suburban areas.

Le baiser du silure / The Kiss of the Catfish France 2018, 15'02", digital file, colour, French with English subtitles, Fic/Doc Director: June Balthazard Script: June Balthazard Photography: Ivàn Castiñeiras Gallego Editor: Edgar Allender Sound: Yannick Delmaire Cast: Tanguy Demule/Florent Lamiot Production: Le Fresnoy, Tourcoing, France, ntrebik@lefresnoy.net, +33 3 20 28 38 64 Distribution: Natalia Trebik, Tourcoing, France, ntrebik@lefresnoy.net, +33 3 20 28 38 64

Bei Tagesanbruch macht sich ein Mann auf die Suche nach einem Wels. Der gigantische Fisch, der ursprünglich aus der Donau stammt, löst dasselbe Misstrauen aus, wie ein Ausländer, der die bestehende Ordnung zu stören scheint. Rätselhafte Phänomene blockieren den Weg des Fischers in einem magisch-realistischen Film über Fremde und Fremdheit. A man goes in search of a catfish at dawn. Originally from the Danube, this giant fish provokes the same kind of mistrust as a foreigner suspected of disturbing the established order. Enigmatic phenomena block the fisherman’s way in a magical realist film about strangers and strangeness. Born 1991 in France, June Balthazard studied at the Higher Institute of Fine Arts (ISBA) in Besançon, at the Geneva Unversity of Art and Design (HEAD), and at Le Fresnoy, where she directed two documentaries, «La rivière Tanier» and «Le baiser du silure». In her work, she mixes heterogeneous elements, confronting documentary with forms that are more detached from reality. Her work has been shown in exhibitions such as «Les liaisons equivoques» (Museum of Fine Arts, Dole), and at festivals including Visions du Réel, where she received the Opening Scenes Prize in 2018.


A Room with a Coconut View

The Lovetts

Thailand 2018, 28'21", digital file, colour, Thai/English with English subtitles, Exp

Director: Igor Bezinović Photography: Danko Vucinovic Editor: Jan Klemsche Sound: Martin Semencic Cast: Emma Lovett/Eddie Lovett Production: Sekvenca, Zagreb, Croatia, Jure Pavlovic, jure@sekvenca.hr, +385 98 55 96 40 Distribution: Jure Pavlovic, jure@sekvenca.hr

Director: Tulapop Saenjaroen Script: Tulapop Saenjaroen Photography: Danaya Chulphuthiphong Editor: Tulapop Saenjaroen Sound: Naween Noppakun/Sorayos Prapapan Production: Electric Eel Films, Bangkok, Thailand, Anocha Suwichakornpong, electriceelfilms@gmail.com, +66(0) 2 084 1745 Distribution: Tulapop Saenjaroen, Bangkok, Thailand, tulapop@gmail.com, +66816369888, http://tulapop.wordpress.com

Reiseführerin Kanya, die auch als automatisierte Stimme einer Hotelangestellten fungiert, führt ihren ausländischen Gast Alex durch einen Urlaubsort im Osten von Thailand. Doch da Kanyas Darstellung übertrieben ästhetisiert und strikt reglementiert ist, beschliesst Alex den Ort auf eigene Faust zu erkunden. Tour guide Kanya, who is also the automated voice of a hotel representative, leads her foreign guest Alex through a beach town in the east of Thailand. But since Kanya’s presentation is overly aestheticized and strictly regulated, Alex decides to explore the town by himself. Tulapop Saenjaroen is an artist/filmmaker whose works encompass performance, video/film, and public projects. Tulapop holds an MFA from the Slade School of Fine Art, University College London, and an MA in aesthetics and politics from the California Institute of Arts. He received an experimental film/video grant from Thailand’s Office of Contemporary Art and Culture. Tulapop’s work has been shown at exhibitions and festivals internationally, including Oberhausen, Vancouver IFF, and many others.

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Croatia 2018, 16'33", digital file, colour, English, Doc

Herr und Frau Lovett sind preisgekrönte Webcam-Models, Firmeninhaber und Tierfreunde, die ihr Publikum liebend gern online unterhalten. Sie geben ihr Bestes um ihr Publikum zu verführen, indem sie täglich ihre Körper zur Schau stellen und ihre Fans ermuntern, es ihnen gleich zu tun. Meet Ms. and Mr. Lovett, award-winning webcam models, business owners, and animal lovers who love entertaining crowds online. They try their best to seduce their audience by promoting their bodies every day and encouraging their fans to do likewise. Igor Bezinović (b. 1983) studied philosophy, sociology, and comparative literature at the University of Zagreb as well as film and TV directing at the Zagreb Academy of Dramatic Art. He has directed about a dozen short films, the feature documentary «The Blockade», and the featurelength fiction «A Brief Excursion».

II


All These Creatures Australia 2018, 13'05", digital file, colour, English with German subtitles, Fic Director: Charles Williams Script: Charles Williams Photography: Adric Watson Editor: Charles Williams/Dan Lee Sound: Craig Conway Cast: Mandela Mathia/Helen Hailu/ Melody Demessie/Yared Scott Production: Simpatico Films, Camperdown, Australia, charles@charleswiliams.com.au, +61 425398420 Distribution: Some Shorts, Nijmegen, Netherlands, Wouter Jansen, info@someshorts.com, +31 622076717

Ein Jugendlicher versucht seine Erinnerungen an eine mysteriöse Plage, seinen Vater und die kleinen Wesen, die in uns allen stecken, zu entwirren. An adolescent boy attempts to untangle his memories of a mysterious infestation, the unravelling of his father, and the little creatures inside us all. Charles Williams grew up in a country town in northern Victoria, with an obsession with movies. His films screened and won awards at film festivals including Clermont-Ferrand, SXSW, Telluride, Toronto, MIFF, Flickerfest, and Sapporo. In 2016, he was nominated for best short fiction film at the AACTA Awards. «All These Creatures» received the Palme D’Or at Cannes, and he is currently developing the feature projects «Inside» and «The Buzzard».

Manila Is Full of Men Named Boy Philippines 2018, 20'03", digital file, colour/black & white, English/Tagalog with English subtitles, Fic Director/Editor: Andrew Stephen Lee Script: Neda Jebelli/Emre Gulcan/Andrew Stephen Lee Photography: Andrew Crighton Sound: Julian Evans Cast: Reynald Raissel Santos/Rafael Roco Jr./ Jon Norman Schneider Production: OOH YOOH, Los Angeles, USA, Caleb Negassa, cnegassa3@gmail.com, +1 240 423 6398, Indieflip, New York, USA, Valerie Castillo Martinez, vmartinez21@gmail.com, +1 718 578 3015 Distribution: Flourishing Films, Los Angeles, USA, Themba Bhebhe, themba@flourishingfilms.com, +1 323 836 5813

Die Beerdigung von Michael Jackson wird – trotz Terroranschlägen im Süden – überall auf den Philippinen übertragen. Derweil kauft ein entfremdeter Sohn ein rauchendes und trinkendes Kind, um seinen Vater zu beeindrucken. Doch als das neue Kind von der Familie wie ein eigenes aufgenommen wird, wirft das neue Fragen über familiäre Zuwendung auf. While Michael Jackson’s funeral is televised throughout the Philippines despite terror attacks in the south, an estranged son purchases a drinking and smoking child to impress his father. But when they embrace the new child as one of their own, this raises new questions about familial attention. Andrew Stephen Lee was born in San Francisco in 1988. After graduating from Loyola Marymount University, he closely assisted Magnum photographer Jim Goldberg for three years. He then became an MFA Candidate at Columbia University’s graduate film program in 2013. His first-year film «Touch» premiered at the 2015 Los Angeles Film Festival and also played in the 2016 international competition at Clermont-Ferrand.

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The Migrating Image Denmark 2017, 28'41", digital file, colour, English with English subtitles, Doc/Exp Director: Stefan Kruse Script: Stefan Kruse Photography: Stefan Kruse Editor: Stefan Kruse Sound: Stefan Kruse Production: Stefan Kruse, Copenhagen NV, Denmark, stefankruse87@gmail.com, +45 25341349 Distribution: Stefan Kruse, Copenhagen NV, Denmark, stefankruse87@gmail.com, +45 25341349

Der Film folgt einer fiktiven Gruppe von Flüchtlingen durch Europa und hinterfragt dabei die Überproduktion von Bildern realer Tragödien und Todesfälle. Woher kommen all diese Bilder von Flüchtlingen? Wie verändern sie die Geografie Europas? By following a fictional group of refugees across Europe, the film questions the overproduction of images surrounding real-life tragedies and deaths. Where do all these images of refugees come from? How do they reshape the geography of Europe? Stefan Kruse (b. 1987) has a BA from the School of Visual Communication in Haderslev, Denmark. In 2017, he received an MA in visual culture and identity from the Royal Danish Academy of Fine Arts, School of Design. Stefan now works as a documentary filmmaker and currently focuses on exploring a new visual language for the refugee situation in Europe.


Animistica

Fuck You

Austria/Germany/Mexico 2018, 6'50", digital file, colour, no dialogue, Ani/Exp

Sweden 2018, 14'41", digital file, colour, Swedish with English subtitles, Fic

Director: Nikki Schuster Sound: Sebastian Müller/Nikki Schuster Production: Gerald Weber, Wien, Austria, gerald@sixpackfilm.com, +43 1 526 09 90 12, www.sixpackfilm.com Distribution: Sixpack Film, Wien, Austria, office@sixpackfilm.com, +43 1 526 09 90 12

Director: Anette Sidor Script: Anette Sidor Editor: Anette Sidor/Magnus Eriksson Cast: Yandeh Sallah/TJ Miansangi/Martin Schaub/ Astrid Plynning Production: Verket Produktion, Stockholm, Sweden, Jerry Carlsson, jerry@verketproduktion.com, +46 703694630 Distribution: Jing Haase, Stockholm, Sweden, jing.haase@filminstitutet.se, www.filminstitutet.se/

Organische Materie aus der mexikanischen Natur in Makro-Aufnahmen: Die Sequenzen fliessen ineinander, während sich die Texturen verändern. Der Blick wandert über Wurzeln, Knochen und Tierkadaver. Ein experimenteller Animationsfilm über die Natur an der Schwelle zwischen Leben und Tod. Macroscopic images of organic textures found in nature in Mexico. The sequences morph into each other as the textures begin to transform. The gaze wanders over root plants, bones, and animal cadavers. An experimental animation film about nature between life and death. Animation and sound artist Nikki Schuster (born in Austria in 1974) lives and works in Berlin, where she founded Fiesfilm. Her films have been successfully presented at international film festivals and exhibitions and won awards. In her animations, she combines traditional stop-motion technique with 2D computer animation. For the sound design, she samples noises created with the animated materials. She also does motion design for theatre, television, and installations, and gives animation workshops.

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Obwohl sie Johannes anbetet, fühlt sich Alice in ihrer Beziehung eingeengt. An einem Abend mit Freunden stiehlt sie einen Umschnall-Dildo und stellt das Frauenbild ihres Freundes infrage. Alle finden, dass Alice zu weit geht, doch sie ist nicht bereit aufzugeben ... Even though she adores Johannes, Alice doesn’t feel like she has enough space to be herself in their relationship. On a night out with friends, she steals a strap-on and challenges her boyfriend’s ideas about girls. Everyone thinks Alice goes too far, but she isn’t ready to give up... Anette Sidor received her BFA in film directing from the Stockholm Academy of Dramatic Arts in 2015, graduating with her short film «Debut». Anette also studied screenwriting at Alma Manusutbildning. With Jerry Carlsson, she runs the culture production company Verket Produktion.

III


The Craft Kuwait/Lebanon 2017, 16'00", digital file, colour, English, Ani/Exp Director: Monira Al Qadiri Script: Monira Al Qadiri Editor: Vartan Avakian Sound: Db studios Beirut Production: Monira Al Qadiri, Berlin, Germany, monira1@mac.com, +49 15225885278, www.moniraalqadiri.com Distribution: Monira Al Qadiri, Berlin, Germany, monira1@mac.com, +49 15225885278, www.moniraalqadiri.com

In kindliche Fantasien mischt sich ernsthaftes Misstrauen gegenüber der Realität. Mittels einer Familiengeschichte seziert der Film die Vergangenheit der Künstlerin und eine unheimliche Beziehung, die sich im Schatten wichtiger Ereignisse abspielt. Die Realität löst sich auf, Paranoia und Spekulation nehmen überhand.

Their Rancid Words Stagnate Our Ponds Chile/United Kingdom 2018, 8'36", digital file, colour, Uzbek with English subtitles, Exp Director: Andrew Kötting Script: Andrew Kötting Photography: Nick Gordon Smith Editor: Andrew Kötting Sound: Andrew Kötting Cast: Xavier Tchili Production: Andrew Kötting, East Sussex, United Kingdom, andrewbadblood@yahoo.co.uk, +44 7811739096 Distribution: Andrew Kötting, East Sussex, United Kingdom, andrewbadblood@yahoo.co.uk, +44 1424721259, www.andrewkotting.com

Im Hinterland des Anderswo mäandert eine einsame Figur auf der Suche nach Sinn und Erkenntnis. Er wandert hierhin und dorthin und reflektiert über alles, was war und was noch kommen wird, mit einem imaginären Hund als einzigem Begleiter.

Childish fictions are laced with serious suspicions towards the real world. Using the lens of family history, the film dissects the artist’s own past to reexamine an uncanny relationship in the shadows of her major life events. Reality disintegrates as paranoia and speculation take hold.

In a hinterland of the elsewhere, a lone character meanders in search of meaning and understanding. Hither and thither he wanders, reflecting upon all things that came before and all things hereafter, with only an imaginary dog for company.

Monira Al Qadiri is a Kuwaiti visual artist born in Dakar (Senegal) and educated in Japan. In 2010, she received a Ph.D. in intermedia art from the Tokyo University of the Arts, where her research focused on the aesthetics of sadness in poetry, music, art, and religious practices in the Middle East. Her work explores unconventional gender identities, petro-cultures and their possible futures, and the legacies of corruption. She currently lives between Beirut and Berlin.

Andrew Kötting was born in Elmstead Woods and went on to become a lumberjack in the French Pyrenees. He has an MA from the Slade School of Fine Art in London, with a specialization in performance and film. In addition to short films, installations, and art exhibitions, he has made eight feature films: «Gallivant», «This Filthy Earth», «Ivul», «This Our Still Life», «Swandown», «By Our Selves», «Edith Walks», and «Lek and the Dogs».

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Câm Lă.ng / The Mute USA/Vietnam 2018, 15'11", digital file, colour, Vietnamese with English subtitles, Fic Director: Thiên Ân Pham Script: Thiên Ân Pham Photography: Duy Hung Dinh Editor: Thiên Ân Pham Sound: Tamás Stéger Cast: Le Quynh Han Nguyen/ Le Kim Ngoc Pham/Dan Le Production: JKFilm, Houston, USA, An Pham, anpham.film@gmail.com, +1 832 745 8612 Distribution: Lights On, Torino, Italy, Flavio Armone, lightson@lightsonfilm.org, +39 3661812097

In einer regnerischen Nacht vor ihrem grossen Tag sucht eine junge Frau nach Antworten über die Liebe. On a rainy night before her big day, a girl tries to find the answer about love. Thiên Ân Pham was born in Vietnam in 1989. After four years of undergraduate studies in information technology at Lotus University, Ho Chi Minh City, he realized his interest in cinematography and filmmaking. In recent years, he has won several film awards in Vietnam. In 2015, he moved to Houston, Texas, and has continued working as a freelance filmmaker. «The Mute» (2018) is his latest short film.


Jestem synem górnika / A Place We Call Reality I Am a Miner’s Son Norway 2018, 14'57", digital file, colour, English, Fic Poland 2018, 30'01", digital file, colour, Polish/ English with English subtitles, Doc/Exp . Director: Róza Duda/Michał Soja . Script: Michał Soja/Róza Duda Photography: Michał Soja . Editor: Michał Soja/Róza Duda . Sound: Krzysztof Buratyński/Róza Duda/Michał Soja Production: Studio of Animated Film, Academy of Fine Arts in Cracow, Cracow, Poland, Robert Sowa, rsowa@asp.krakow.pl, +48 608 639 071 Distribution: Michał Soja, Cracow, Poland, michalsoja@o2.pl, +48 607 944 920

Eine überflutete Mine im Südwesten von Polen und ein verlassenes Hotel in Griechenland. Eine Wanderung durch abgenutzte Räume, denen neues Leben eingehaucht wurde. Elemente kommen hinzu, andere werden reduziert ... A flooded mine in southwestern Poland and an abandoned hotel in Greece. A trip through used-up spaces that were given new life. Some elements are added, others are reduced... . Róza Duda (b. 1993 in Lublin) studied at the Academy of Fine Arts in Krakow, in Vienna, and at ZHdK in Zurich. Her works have been exhibited in solo and group shows in Poland and abroad, e.g. at the Brno House of Arts, the Municipal Gallery in Poznań, and at Fondation Hippocrène in Paris. She has presented her films at Polish and international festivals, including Limited Access Festival.

Director: Kristoffer Borgli Script: Kristoffer Borgli Photography: Ben Mullen Editor: Kristoffer Borgli Cast: Frank Yang Production: Arna Marie Bersås, Oslo, Norway, amb@nfi.no, +47 22 47 45 73, www.norwegianfilms.no Distribution: Arna Marie Bersås, Oslo, Norway, amb@nfi.no, +47 22 47 45 73, www.norwegianfilms.no

Nachdem er mit seinem Spielfilmdebüt die Welt bereist hat, gerät ein Filmemacher aus Los Angeles in eine existenzielle Krise. Auf seiner obsessiven Sinnsuche riskiert er sogar sein Leben, als er zum Jünger eines unkonventionellen Gurus wird. Back from travelling the world with his debut feature film, a Los Angeles-based film director faces an existential crisis. Finding meaning becomes his obsession, even if it means putting his own life in danger by becoming the disciple of an unconventional guru. Kristoffer Borgli is a filmmaker from Norway. He’s a writer and director of numerous short films, music videos, commercials, and a feature film. He lives and works between Los Angeles and Oslo.

Michał Soja (b. 1994 in Krakow) studied at the Academy of Fine Arts in Krakow, in Munich, and at ZHdK in Zurich. He has presented his works at Polish and international festivals, including Guanajuato IFF and Message to Man IFF (St. Petersburg), and won several prizes.

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IV


Bigger Than Life

Mahogany Too

Dios Nunca Muere

Macedonia/Italy/Germany 2018, 29'55", digital file, colour, English with English subtitles, Doc/Exp

Ghana/USA 2018, 3'38", digital file, colour, English with English subtitles, Exp

USA/Ireland 2018, 14'30", digital file, colour, Spanish with English subtitles, Fic

Director: Adnan Softić Script: Adnan Softić Photography: Adnan Softić/Helena Wittmann Editor: Nina Softić Cast: Alexey Liosha Kokhanov/Pauline Jacob Production: Adnan Softić, Hamburg, Germany, festival@kinolom.com, www.kinolom.com Distribution: Adnan Softić, Hamburg, Germany, festival@kinolom.com, www.kinolom.com

Director: Akosua Adoma Owusu Photography: Akosua Adoma Owusu Editor: Dylan Bowman Sound: Kari Rae Seekins Cast: Esosa E Production: Obibini Pictures LLC, Bronx, USA, Akosua Adoma Owusu, obibini.pictures@gmail.com, +1 571 335 6898 Distribution: Akosua Adoma Owusu, Bronx, USA, obibini.pictures@gmail.com, +1 571 335 6898, obibinipictures.com

Director: Barbara Cigarroa Script: Barbara Cigarroa Photography: Pepe Avila del Pino Editor: Michael Aaglund Sound: Eli Cohn Cast: Mónica del Carmen Production: Julie O'Leary, Dublin, Ireland, julieoleary.89@gmail.com Distribution: Julie O'Leary, Dublin, Ireland, julieoleary.89@gmail.com

Der Film befasst sich mit der Konstruktion nationaler Geschichte mittels Architektur und Stadtplanung. «Skopje 2014» ist das monumentale Bauprojekt der mazedonischen Regierung, die die Hauptstadt als Wiege der antiken Hochkultur und Ursprung Europas inszenieren will. The focus of this film is the fabrication of national history through architecture and urban planning. «Skopje 2014» is the name of the monumental construction plan of the Macedonian government, aiming to stage its capital as the cradle of ancient high civilization and as the origin of Europe. Adnan Softić is an author, visual artist, and director. In his works, he consistently deals with history and the politics of memory. His films, installations, and multimedia works are on display in numerous exhibitions in Europe.

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Die nigerianische Schauspielerin Esosa E. liefert eine Neuinterpretation von Tracy Chambers, der ModedesignStudentin, die im Film «Mahogany» (1975) von Diana Ross gespielt wurde. The spirit of Tracy Chambers, the struggling fashion design student played by Diana Ross in the 1975 Motown film «Mahogany», is re-imagined by Nigerian actress Esosa E. Akosua Adoma Owusu is a conceptual artist and an independent film director who lives and works in Washington D.C. She is a recent MFA graduate of the California Institute of the Arts (fine art and film and video) and received her BA in media studies from the University of Virginia. Her film «Me Broni Ba» has been screened at several festivals around the globe.

In einer abgeschiedenen Gegend Amerikas rackert sich die mexikanische Farmarbeiterin Paula ab, um ihre zwei Kinder allein aufzuziehen. Als ein neuer Wohnwagen auf der Farm auftaucht, fantasiert sie mit den Kindern darüber, selbst ein solches Heim zu besitzen – eine Fantasie, die ihre prekäre Realität erst recht betont. Living a secluded life in America, Mexican farmworker Paula struggles to raise two children on her own. When a new mobile home arrives on the farm, Paula allows herself and her children to imagine the home is their own – a fantasy highlighting the fragility of her reality and her family. Barbara Cigarroa is a Mexican-American filmmaker from South Texas who lives in NYC. Barbara’s work has been recognized worldwide. Her screenplay was invited to participate in IFP Week 2018 and her 2018 short film «Dios Nunca Muere» was selected for the NYFF. Her 2015 short film «Marta Rosa» won best North American short at Palm Springs.


Legendary Reality Canada 2017, 15'43", digital file, colour, English, Exp Director: Jon Rafman Production: Ryan O'Toole, ryan@jonrafman.com Distribution: Ryan O'Toole, ryan@jonrafman.com

«Legendary Reality» ist ein ScienceFiction-Essayfilm über die Erinnerungen eines einsamen Erzählers, der in seinem eigenen Kopf gefangen ist. Mithilfe einer nicht-linearen Struktur, die Träume und Erinnerungen verwebt, schafft Rafman eine Meditation über Kunst, Identität und Zeit, die vom Werk von Leonard Cohen inspiriert ist. «Legendary Reality» is a sci-fi essay film that portrays the recollections of a solitary narrator imprisoned in his own mind. Using a nonlinear structure that weaves together dreams and memory, Rafman creates a stream-of-consciousness meditation on art, identity, and time that draws on the work of Leonard Cohen. Jon Rafman (b. 1981) is an artist, filmmaker, and essayist based in Montreal, whose work reflects on human experience in the digital community. He received his BA (2004) in literature and philosophy from McGill University in Montreal and his MFA (2008) from the School of the Art Institute of Chicago.

I Got My Things and Left Rwanda 2018, 22'20", digital file, colour, Kinyarwanda with English subtitles, Doc/Fic Director: Philbert Aimé Mbabazi Sharangabo Script: Philbert Aimé Mbabazi Sharangabo Photography: Ishimwe Karemangingo Editor: Philbert Aimé Mbabazi Sharangabo Sound: Nshimiyimana Jean Bosco Cast: Ganza Moise/Ngangare Eric/Niyoyita Roger/ Mwizerwa Moise/Mucyo Rebecca/ Mujyambere Abdoul/Mizero Cedric/ Butera Yvan Hervé Production: Philbert Aimé Mbabazi Sharangabo, Kigali, Rwanda, phabrat7@gmail.com Distribution: Philbert Aimé Mbabazi Sharangabo, Kigali, Rwanda, phabrat7@gmail.com

Eine Gruppe trifft sich im Haus eines verstorbenen Freundes zur Totenwache. Der jung Verstorbene führte ein aussergewöhnliches Leben in einer konformistischen Gesellschaft. Die Freunde erinnern sich an ihn und sein kreatives Vermächtnis und denken über ihre eigenen Lebenswege nach. A group of individuals meet at the home of their deceased friend for a wake. Though he died at a young age, he led a singular life in a conformist society. They spend the evening in remembrance of him and his creative legacy, reflecting on their own life paths. Philbert Aimé Mbabazi Sharangabo attended the Maisha Film Lab in Rwanda and Zanzibar. His short films «Ruhago Destiny FM» and «Mageragere City Dropout» have been screened and awarded at several festivals. In 2015, he was president of the Screenwriters Union in Rwanda, giving a number of screenwriting workshops. He is currently pursuing a BA in cinema at HEAD.

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V


Joy in People

La Chute / The Fall

Swatted

France/United Kingdom 2017, 14'58", digital file, colour, French/English/ Romanian with English subtitles, Doc/Fic

France 2018, 14'22", digital file, colour, no dialogue, Ani/Exp

France 2018, 21'14", digital file, colour, English with English subtitles, Doc/Ani

Director: Boris Labbé Script: Boris Labbé Sound: Régis Diebold Production: Sacrebleu Productions, Paris, France, Ron Dyens, ron@sacrebleuprod.com, +33 1 42 25 30 27 Distribution: Sacrebleu Productions, Paris, France, Ron Dyens, ron@sacrebleuprod.com, +33 1 42 25 30 27

Director: Ismaël Joffroy Chandoutis Script: Ismaël Joffroy Chandoutis Photography: Ismaël Joffroy Chandoutis Editor: Céline Perreard/Ismaël Joffroy Chandoutis/ Maël Delorme Sound: Aïda Merghoub/Alban Caryol Cast: Sean Goldring/Mariel Rosic Production: Le Fresnoy, Tourcoing, France, ntrebik@lefresnoy.net, +33 3 20 28 38 64 Distribution: Natalia Trebik, Tourcoing, France, ntrebik@lefresnoy.net, +33 3 20 28 38 64

Director: Oscar Hudson Script: Oscar Hudson Photography: Ruben Woodin-Dechamps Editor: Oscar Hudson Sound: Luke David Harris Cast: Jason Newell/Roli Okorodudu/ Meredith Colchester Production: BAD Productions, London, United Kingdom, callum@bad.cl, +44 7958 308 759 Distribution: Oscar Hudson, oscarhudson@mac.com

Ben soll öfter ausgehen und Leute treffen. Er nimmt diesen Rat ernst und sucht sich die grössten Menschenmengen, die er findet. Die energiegeladene Doku-Fiktion wirft einen spielerischen Blick auf die oft schwierigen Fragen nationaler Identität im heutigen Europa. Ben is told to get out more and meet people. He takes this advice seriously and heads straight for the biggest crowds he can find. This energetic, performative docu-fiction offers a playful perspective on the often difficult issues of national identity in Europe today. Oscar Hudson learned his craft making skateboarding videos for his friends. Since graduating university, he has continued to hone his skills through a diverse range of projects including short films and documentaries that have been screened at festivals around the world (BFI LFF, Hamburg ISFF, Camerimage, Leeds IFF, Short Waves). He is perhaps best known for his music videos, having directed acclaimed films for the likes of Radiohead, Bonobo, and Young Thug.

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Himmlische Wesen steigen auf die Erde hinab und bringen deren Ordnung aus dem Gleichgewicht. Die Lebewesen auf der Erde erleiden Qualen. Leuchtende Farben wetteifern mit Finsternis und Schatten. Ein faszinierendes existenzielles Spektakel, das mit Elementen aus Dantes Inferno und den Höllenlandschaften von Hieronymus Bosch spielt. As celestial beings descend to Earth, the world’s order is thrown out of balance. The creatures that live on it are thrown into torment. Luminous colour vies with darkness and shadow. This mesmerizing existential spectacle is a riff on Dante’s Inferno and the teeming hellscapes of Hieronymus Bosch. Boris Labbé (b. 1987) graduated from the School of Art and Ceramics in Tarbes and from the École des métiers du cinéma d’animation in Angoulême. His films often leave behind the usual spatiotemporal limits of cinema, leaning towards video installations. His short film «Rhizome» (2015) has been awarded at the Japan Media Arts Festival in Tokyo and at Ars Electronica.

Online-Spieler sprechen über ihren Kampf mit «Swatting», einem lebensbedrohlichen Phänomen der Cyber-Belästigung, dem sie jedes Mal ausgesetzt sind, wenn sie spielen. Der Film erzählt mittels YouTube-Videos und Drahtgitter-Bildern aus einem Videospiel. Online players describe their struggles with «swatting», a life-threatening cyber-harassment phenomenon that looms over them whenever they play. The events take shape through YouTube videos and wireframe images from a video game. Ismaël Joffroy Chandoutis (b. 1988 in France) studied editing at INSAS (Belgium) and filmmaking at LUCA School of Arts and Le Fresnoy (France). He explores a cinema beyond genre boundaries. His films question memory, virtual technology, and the intermediate spaces between worlds and words. His film «Ondes noires» has been shown at many international festivals and received numerous awards, including the Prix Festivals Connexion Auvergne-Rhône-Alpes in Clermont-Ferrand and the Grand Prix and Youth Jury Prize at the Regensburg Short Film Week. Ismaël is also a film editor. He currently lives and works in Paris.


I Have Sinned a Rapturous Sin Iran/United Kingdom 2018, 8'51", digital file, colour, Persian/English with English subtitles, Exp Director: Maryam Tafakory Editor: Maryam Tafakory Cast: Maryam Tafakory Production: Maryam Tafakory, London, United Kingdom, maryam@tafakory.com, www.maryamtafakory.com Distribution: Maryam Tafakory, London, United Kingdom, maryam@tafakory.com, www.maryamtafakory.com

Wie lässt sich sexuelle Freizügigkeit bei Frauen heilen? Mit Salat natürlich. Fragmente aus Forough Farokhzads Gedicht «Sünde» werden vorgelesen, während islamische Geistliche Frauen Ratschläge zur Unterdrückung von Lust geben. What cures women of sexual promiscuity? Eating lettuce, of course. Fragments of Forough Farokhzad’s poem «Sin» are read out against Islamic clergy advising women on how to control their lust. Maryam Tafakory (born in Iran) is an artist-filmmaker based in London. Her work draws on womanhood and rites of passage, interweaving poetry, (self-)censorship, and religion. Her work has screened internationally, including at IFF Rotterdam, Edinburgh IFF, Zurich Film Festival, Melbourne IFF, Hamburg ISFF, ICA London, BFI London, Ji.hlava IDFF, Barbican Centre London, New York UnionDocs, and BBC Three.

Brotherhood Canada/Tunisia 2018, 25'15", digital file, colour, Arabic with English subtitles, Fic Director: Meryam Joobeur Script: Meryam Joobeur Photography: Vincent Gonneville Editor: Anouk Deschênes Sound: Aymen Laabidi/Théo Porcet/ Jean-David Perron/Cult Nation Cast: Malek Mechergui/Chaker Mechergui/ Salha Nasraoui/Jasmin Lazid/ Mohammed Houcine Grayaa/Rayenne Mechergui Production: Midi la Nuit, Montréal, Canada, Maria Gracia Turgeon, maria@midilanuit.com, +1 438 820 9800, Midi La nuit, Montréal, Canada, Annick Blanc, annickblanc@yahoo.ca, +1 514 258 7634, Cinétéléfilm, Habib Attia, mh.attia@cinetelefilms. net, Cinétéléfilm, Sarra Ben-Hassen, sarra.ben-hassen@laposte.net Distribution: Travelling, Trois-Rivières, Canada, Alexandre Dostie, coordo@travellingdistribution.com, +1 514 467 8160

Mohamed ist zutiefst erschüttert und misstrauisch, als sein entfremdeter ältester Sohn mit einer rätselhaften jungen Frau ins ländliche Tunesien heimkehrt. Ein bewegendes, emotional vielschichtiges Drama über Familienbeziehungen, alte Wunden und Missverständnisse. Mohamed is deeply shaken and suspicious when his estranged eldest son returns home to rural Tunisia with a mysterious young wife. Every moment in Meryam Joobeur’s wrenching drama is infused with the emotional complexities of a family reunion, the consequences of past wounds, and misunderstanding. Meryam Joobeur is a Montréal-based director and producer of Tunisian origin. She received a BFA in film production from Concordia University. Her first film «Gods, Weeds & Revolutions» (2012) was screened across Canada and internationally, including in Winterthur.

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VI


Today Is 11th June 1993 Bosnia-Herzegovina/Germany 2018, 12'45", digital file, colour, Bosnian/English, Doc/Exp Director: Clarissa Thieme Script: Clarissa Thieme Photography: Till Beckmann Editor: Clarissa Thieme Sound: Christian Obermaier/Jochen Jezussek Cast: Sungeun Kim Production: Clarissa Thieme, Berlin, Germany, studio@clarissathieme.com, +49 1795278502, www.clarissathieme.com Distribution: Arsenal Distribution, Berlin, Germany, distribution@arsenal-berlin.de, +49 30 26955 250

Mit schwarzem Humor fantasiert eine Gruppe junger Leute über ihre Flucht aus der belagerten Stadt Sarajevo mittels einer Zeitmaschine. Der Film aktiviert die Vergangenheit mithilfe der Übersetzerin/Sprecherin Grace Sungeun Kim, die ihrerseits zur Zukunft spricht. Wie werden wir reagieren? Aided by their shared black humour, a group of young people imagine their escape from the besieged city of Sarajevo with a time machine. The film activates the past with the help of translator/speaker Grace Sungeun Kim who, in turn, addresses the future. How will we react? Clarissa Thieme is an artist and filmmaker. Working across film, photography, performance, installation, and text, she combines documentary and fictional forms focussing on processes of memory, politics of identity, and strategies of translation. Her practice is research-based and often takes a collaborative approach. She lives and works in Berlin.

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Najtopliji dani leta / Hottest Summer Days Serbia 2017, 22'08", digital file, colour, English/ Serbian with English subtitles, Fic Director: Maša Šarović Script: Maša Šarović Photography: Marko Milovanović Editor: Stefan Ivančić Sound: Luka Barajević Cast: Jovana Gavrilović Production: Maša Šarović, Belgrade, Serbia, masasarovic@gmail.com Distribution: Maša Šarović, Belgrade, Serbia, masasarovic@gmail.com

Der Film zeugt vom besonderen Interesse der Regisseurin an Beziehungen, die in der Krise stecken. Ein junges Paar lebt in der Wohnung seiner Eltern. Frustriert dass sie nicht für sich selbst sorgen können, streiten sie sich. Da beschliesst sie, dass sich etwas ändern muss. A film showing the filmmaker’s special interest in relationships at a breaking point. A young couple is living at his parents’ apartment. Frustrated about not being able to provide for themselves, they fight. That’s when she decides something has to change. Maša Šarović was born in Subotica in 1993. She is currently pursuing an MA in film directing at the Faculty of Dramatic Arts, Belgrade. Her previous short film «Grad» was screened and awarded at many international and domestic film festivals.

Vesuvius at Home USA/Italy 2018, 14'12", digital file, colour/ black & white, English with English subtitles, Doc/Exp Director: Christin Turner Photography: Christin Turner/Ciro Bertolini Editor: Christin Turner Sound: Christin Turner Cast: Vincent Mingarelli/John Romano/ Christin Turner Production: Christin Turner, Temecula, USA, turner.christin@gmail.com, +1 951 265 3650, www.christinturner.com Distribution: Christin Turner, Temecula, USA, turner.christin@gmail.com, +1 951 265 3650, www.christinturner.com

Eine fantastische filmische Reise aus einem von Kindern nachgestellten Pompeji bis zur Sibyllengrotte, einer Pforte zur Unterwelt. Archäologie und Konservierung verschmelzen mit Mythen in dieser vielschichtigen, persönlichen Ausgrabung von Erinnerungen. A fantastical cinematic journey from a woman’s childhood re-enactment of the volcanic destruction of Pompeii to the Sibyl’s Cave, a gateway to the underworld. Archaeology merges with preservation and myth in this personal, multi-layered excavation of memories. Christin Turner was born 1985 in South Carolina. She is a filmmaker and video artist whose work draws upon her background in the visual arts. Turner’s use of colour and light has been described as painterly, impressionistic, and psychedelic.


100 EUR

Blue

Austria 2018, 24'00", digital file, colour, Romanian/German with English subtitles, Fic

Thailand/France 2018, 12'11", digital file, colour, no dialogue, Fic/Exp

Director: Aleksey Lapin Script: Aleksey Lapin Photography: Serafin Spitzer Editor: Nooran Talebi Sound: Ken Rischard Cast: Iulian Postelnicu/Alfredo Minea Production: Filmakademie Wien, Vienna, Austria, Claudia Joldes, claudiajoldes5@gmail.com, +43 6601620319 Distribution: Aleksey Lapin, Vienna, Austria, alekseivladlapin@gmail.com

Director: Apichatpong Weerasethakul Script: Apichatpong Weerasethakul Photography: Chatchai Suban Editor: Apichatpong Weerasethakul Sound: Akritchalerm Kalayanamitr Cast: Jenjira Pongpas Widner Production: L-F-P Les Films Pelléas, Paris, France, dimitri.krassoulia@pelleas.fr, +33 6 84 05 47 37 Distribution: Dimitri Krassoulia, Paris, France, dimitri.krassoulia@pelleas.fr, +33 1 49 96 45 71

Weihnachtszeit. Zwei rumänische Halbbrüder verlassen Wien nach mehrmonatiger Arbeit, die weniger Geld eingebracht hat als erwartet. Doch vor der Abreise gibt es noch einige Schulden zu begleichen. Christmas time. Two Romanian halfbrothers are leaving Vienna after working there for several months without making as much money as expected. But before they leave, there are debts to pay and debts to collect. Aleksey Lapin was born in Tomsk and grew up in Ukraine, Kazakhstan, and Italy. He received his BA in art and design from the Free University of Bozen (2010) before studying film directing at the Filmacademy Vienna.

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Ein ruhiges und dennoch beunruhigendes Werk des thailändischen Meisters Apichatpong Weerasethakul, der zusammen mit seiner regelmässigen Mitarbeiterin Jenjira Pongpas Widner ein fiebriges Porträt von Schlummer und Schlaflosigkeit inszeniert. In the hushed, somnolent, yet unsettling «Blue», Thai master Apichatpong Weerasethakul and frequent collaborator Jenjira Pongpas Widner present a choreographed dance of scrolls and a portrait of feverish slumber. Apichatpong Weerasethakul began making film and video shorts in 1994 and completed his first feature in 2000. He has also presented exhibitions and installations in many countries. Often non-linear, with a strong sense of dislocation, his works deal with memory, subtly addressing personal politics and social issues. His art projects and feature films have won numerous festival awards, including two prizes at Cannes.

VII


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Schweizer Wettbewerb I–III Swiss Competition I–III Mit freundlicher Unterstützung von / with the kind support of

I Runtime: 88' Wednesday, 7 November 2018, 20:00, Casino 2 Saturday, 10 November 2018, 16:30, Casino 1 Sunday, 11 November 2018, 17:00, Casino 2 II Runtime: 86' Thursday, 8 November 2018, 22:00, Casino 1 Friday, 9 November 2018, 19:30, Casino 1 Sunday, 11 November 2018, 13:00, Kino Cameo III Runtime: 87' Friday, 9 November 2018, 17:00, Theater Winterthur 1 Saturday, 10 November 2018, 20:00, Theater Winterthur 1 Sunday, 11 November 2018, 11:00, Kino Cameo

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Huile sur Vent / Oil on Wind Spain/Switzerland 2018, 19'28", digital file, colour, Spanish with English subtitles, Doc/Exp Director: Alejandro Pérez Script: Alejandro Pérez Photography: Francisco Marise Editor: Alejandro Pérez Sound: Alejandro Pérez Cast: Francisco Molina Production: HEAD Genève – Département Cinéma, Genève, Switzerland, cinema.head@hesge.ch, + 41 22 388 58 60 Distribution: Alejandro Pérez, Geneva, Switzerland, alepezser@gmail.com, https://head.hesge.ch/cinema/

In einer Landschaft aus Wasser und Wind sammelt eine einsame Seele Oliven von einer seit Jahrzehnten überfluteten Insel. In a landscape of water and wind, a lone soul collects the olives from an island that has been flooded for decades. Alejandro Pérez has a Master’s degree in economics and journalism from the Carlos III University of Madrid. He graduated from the International Film and TV School of San Antonio de los Baños (EICTV) with a degree in documentary, and took part in an exchange programme with the Geneva University of Art and Design (HEAD). He has worked in various transmedia projects exhibited at national and international festivals. His documentary works include «El Contramaestre» (2017, Jury Prize at the Mar del Plata IFF), «El automata» (2017), and «The Sight» (2017).

Idiotikon

Tendresse / Tenderness

Switzerland 2018, 16'23", digital file, colour, Swiss German with English subtitles, Fic

Switzerland 2018, 17'04", digital file, colour, French with English subtitles, Fic

Director: Gianni Keller Script: Gianni Keller Photography: Savino Caruso Editor: Gianni Keller Sound: Lisa Gertsch Cast: Gianni Keller/Dimitri Denage Production: Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), Zürich, Switzerland, film.info@zhdk.ch, +41 43 446 31 14 Distribution: Laura Zimmermann, Zürich, Switzerland, laura.zimmermann@zhdk.ch, +41 43 446 31 12, www.zhdk.ch

Director: Maxime Rappaz Script: Maxime Rappaz Photography: Thomas Szczepanski Editor: Gabriel Gonzalez Sound: Philippe Ciompi/Bruce Wuilloud Cast: Arsinée Khanjian/Pierre-Antoine Dubey/ Adrien Savigny/Bernard Escalon/Pierandré Boo Production: GoldenEggProduction, Genf, Switzerland, Yan Decoppet, yd@goldeneggproduction.ch, +41 22 343 77 26 Distribution: GoldenEggProduction, Genf, Switzerland, Yan Decoppet, yd@goldeneggproduction.ch, +41 22 343 77 26

Dimi lässt sich von seinem besten Freund Gianni dazu überreden, erstmals nach 30 Jahren sein Heimatdorf in Italien zu besuchen. Doch bereits auf der Hinreise bereut Dimi die Entscheidung. Giannis Euphorie schwindet in Italien ebenso wie Dimis Geduld, und die beiden merken allmählich, dass sie sehr unterschiedliche Vorstellungen von Heimat haben. Gianni talks his best friend Dimi into visiting his hometown in Italy for the first time in 30 years. But Dimi starts to regret the decision before they even arrive. Gianni’s excitement fades as does Dimi’s patience, and the two come to realize that they have very different ideas about what home means. Gianni Keller initially trained as a printmaker and later worked for an advertising agency in Zurich. In 2018, he graduated from the Zurich University of the Arts with a BA in film.

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Es ist das erste Mal, dass Adrien eine Homosexuellensauna betritt. Im Laufe einer Nacht entdeckt er diesen Mikrokosmos, wo der komische Aspekt der individuellen Tragödien auf den Lauf der Zeit trifft und sich Hoffnung mit Wehmut mischt. It’s the first time that Adrien enters a homosexual sauna. In the space of one night, he discovers this microcosm where the comic aspect of individual tragedies encounters the passing of time and where hope mingles with melancholy. Born in Geneva in 1986, Maxime Rappaz received his BA in design from HEAD in 2011 and went on to work in the fashion industry, dividing his time between Florence and Paris. At the same time, he worked on experimental video and writing projects. In 2013, he turned to cinema. He was hired as a scriptwriter for the feature-length film «Métamorphoses» by French director Christophe Honoré and received his MA in cinema from HEAD/ ECAL in 2016.


Honour Switzerland 2018, 5'00", digital file, colour, no dialogue, Fic/Ani Director: Frederic Siegel Script: Frederic Siegel Production: Team Tumult, Zürich, Switzerland, Frederic Siegel, fredi@teamtumult.ch Distribution: Team Tumult, Zürich, Switzerland, Frederic Siegel, fredi@teamtumult.ch

Auf einem fernen Planeten wird eine archaische Kreatur von ihrem Stammesführer verbannt. Verstossen und geächtet setzt sie den Fuss ins unbekannte Land jenseits der Heimat, wo sie ein faszinierendes fremdes Konzept der Rache entdeckt. On a planet far away, a primeval creature is banished by the chief of its tribe. Exiled and disgraced, it sets foot into the unknown land beyond home where it discovers an intriguing alien concept of revenge. Frederic Siegel is an animator and illustrator from Switzerland. As a founding member of the Zurichbased creative collective Team Tumult, he produces commissioned works for a wide range of clients, while also expressing his own artistic views in personal short films, gifs, illustrations, comics, and music. In 2015, he graduated with a BA in film from the Lucerne University of Applied Sciences and Arts. His graduation film «Ruben Leaves» was screened at numerous festivals around the world and won several awards. Since 2016, he has also been teaching animation, drawing, and design basics at the Chur University of Applied Sciences.

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Eigentlich vergangen / Far from Past

Empreintes / Framework

Austria/Switzerland 2018, 14'26", digital file, colour, German with English subtitles, Doc/Exp

Switzerland 2018, 16'04", digital file, colour, French with English subtitles, Fic

Director: Nicole Foelsterl Photography: Astrid Heubrandtner/Nicole Foelsterl Editor: Nicole Foelsterl Sound: Stefan Rosensprung Cast: Marianne Schneider Production: Nicole Foelsterl, mail@nicolefoelsterl.com Distribution: Nicole Foelsterl, mail@nicolefoelsterl.com

Director: Jasmin Gordon Script: Julien Bouissoux Photography: Lucie Baudinaud Editor: Jan Mühlethaler Sound: Balthasar Jucker Cast: Jules Balekdjian/Martin Swabey/ Yahya Boudjelloul/Yanis Richard Production: Octuor Films, Vevey, Switzerland, Florian Burion, info@octuorfilms.ch Distribution: Octuor Films, Vevey, Switzerland, Florian Burion, info@octuorfilms.ch

Die Filmemacherin möchte mehr über die vergangene Flucht ihrer Grossmutter in Erfahrung bringen, doch die alte Frau verteidigt resolut ihre eigene Version gegenüber der Enkelin. Im reibungsvollen und dennoch vertrauten Dialog zeigt sich das trügerische Zusammenspiel von Erinnern und Erzählen. The filmmaker would like to learn more about her grandmother’s past flight, but the old woman resolutely defends her own version to her granddaughter. The adversarial yet intimate dialogue reveals the deceptive interaction of remembering and telling. Nicole Foelsterl is an Austrian-Swiss filmmaker. She teaches and researches in the fields of video ethnography and participatory design at ZHdK.

In einer ländlichen Region Frankreichs verlässt ein Mann die Autobahn und trifft auf drei Jugendliche, die am Rand eines Fussballplatzes herumhängen. Nach zwei Runden Bier und einigen Torschiessübungen lädt der Mann die Jungen ein, mit ihm ins Auto zu steigen. Können sie dem Fremden vertrauen? A mysterious man exits the motorway in a rural area of France and comes across a group of teenage boys hanging out at the local soccer field. After a few beers and some goal-shooting practice, the man invites the boys to get into his car. Can they trust the stranger? Jasmin Gordon is a Swiss-American director currently based in Bern, Switzerland. Before graduating with an MA in documentary film from Stanford University, she studied literature and photography in the US and in France. Her short films, including «Monsieur Borges and I» and «Paris 1951», have screened at festivals such as Slamdance FF, Encounters FF, AFI DOCS, and Solothurner Filmtage, and were broadcast on PBS Independent Lens and on RTS (Radio Télévision Suisse). Jasmin’s work has received a Princess Grace Foundation Award and other prizes.

I


Soeurs Jarariju / The Sisters Jarariju* Switzerland 2018, 21'37", digital file, colour, Wayuunaiki with English subtitles, Fic Director: Jorge Cadena Script: Li Aparicio/Jorge Cadena Photography: Juan Camilo Olmos Editor: Yael Bitton Sound: Philippe Ciompi/Carlos Ibanez Cast: Wilson Sapuana/Viviana Uriana Jarariyu/ Yandris Uriana Jarariyu/Rosa Jarariyu Production: HEAD - Geneva / ECAL - Lausanne, Geneva, Switzerland, cinema.head@hesge.ch, + 41 22 388 58 89, GoldenEggProduction, Geneva, Switzerland, gb@goldeneggproduction.ch, +41 22 343 77 26 Distribution: Yan Decoppet, Geneva, Switzerland, yd@goldeneggproduction.ch, +41 78 603 58 69

Inmitten einer kargen, durch ein Kohlebergwerk verschmutzten Landschaft in Kolumbien entdecken Viviana und Yandris, zwei Schwestern aus der ethnischen Gruppe der Wayuu, durch überlieferte Rituale ihre Traditionen. Als ihr Vater stirbt, verlassen sie in einem mutigen Akt ihr Land. In an austere Colombian landscape polluted by a coalmine, Viviana and Yandris, two teenage sisters from the Wayuu ethnic group, discover their traditions through ancestral rituals. When their father dies, the sisters leave their country in an act of courage. Jorge Cadena was born in Barranquilla, Colombia, in 1985. He studied photography in Buenos Aires and is currently a student of film at the Geneva School of Art and Design (HEAD).

Die mit einem * markierten Filme sind auch für die Preise des Internationalen Wettbewerbs nominiert.

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SELFIES

Touching Sound

Switzerland 2018, 3'44", digital file, colour, no dialogue, Ani

Switzerland 2018, 4'41", digital file, black & white, English, Exp

Director: Claudius Gentinetta Script: Claudius Gentinetta Editor: Claudius Gentinetta Sound: Peter Bräker Production: gentinettafilm, Zürich, Switzerland, mail@gentinettafilm.ch, +41 44 271 44 55 Distribution: gentinettafilm, Zürich, Switzerland, mail@gentinettafilm.ch, +41 44 271 44 55, Ouat Media, Toronto, Canada, Inga Diev, info@ouatmedia.com, +1 416 979 7380

Director: Johannes Binotto Production: Johannes Binotto, Zürich, Switzerland, johannes.binotto@hslu.ch Distribution: Johannes Binotto, Zürich, Switzerland, johannes.binotto@hslu.ch

Hunderte von idyllischen, peinlichen und schrecklich verstörenden Selfies wurden zu einer einzigartigen Kurzfilmkomposition arrangiert. Die künstlerisch nachbearbeiteten Einzelbilder ziehen sich zusammen zu einem schauerlichen Grinsen, das den Abgrund menschlicher Existenz überstrahlt. Hundreds of idyllic, embarrassing, and disturbing selfies have been arranged into a unique short-film composition. The artistically processed individual images are condensed into a gruesome grin that eclipses the abyss of human existence. Claudius Gentinetta (b. 1968 in Lucerne) studied graphic design and animation in Lucerne, Liverpool, and Kassel. In 1995, he spent a year in Krakow on a scholarship. He currently works in Zurich as a freelance graphic artist and animator.

All films marked with an * are also nominated for the awards of the International Competition.

Eine Szene aus einem alten Klassiker. Die Femme fatale berührt eine gefährliche Box. Hält man den Film an, sieht es aus, als ob sie ein anderes Objekt berühren würde – das schwer fassbare Objekt des Tons. Ihre Gesten spiegeln meine eigene Videopraxis: mit meinen Fingern auf der Tastatur klicke ich mich von Bild zu Bild, erfühle ich meinen Weg. Dieser Essay ist Handarbeit im wörtlichen Sinn: Das zitternde Bild und der stotternde Soundtrack sind das Resultat meiner Hände, die in den Ablauf des Films eingreifen. Ich werde mir die Finger verbrennen. A scene from an old classic. The femme fatale’s hand touches a dangerous box. Stop the scene and it looks as if she touches a different object – the elusive and ungraspable object of sound. Her gestures mirror my own videographic practice: with my fingers on the keyboard, clicking from frame to frame, I am feeling my way. This essay is handiwork in the literal sense: the trembling image and the stuttering soundtrack are nothing but the result of my hands intervening in the course of the film. I will get my fingers burnt. Johannes Binotto is a cultural and media scholar, film journalist, and senior lecturer at the Lucerne University of Applied Sciences and Arts and the University of Zurich. In his texts and video essays, he focuses on the unintended side effects of film technology. Website: www.medienkulturtechnik.org


Nature Sauvage / The Wilderness Switzerland 2018, 20'21", digital file, colour, French with English subtitles, Fic/Exp Director: Valentine Franc Script: Valentine Franc Photography: Valentine Franc Editor: Valentine Franc Sound: Dominique Fabre Cast: Cynthia Sertillange/Christine Culerier Production: Valentine Franc, valentinefranc@gmail.com Distribution: Valentine Franc, valentinefranc@gmail.com

«Es heisst, man trauert um die Leben, die man nicht gelebt hat». Sie erinnert sich an ihre Zeit in Thailand, vor Jahren, als sie eine junge Frau kennenlernte, die als Freiwillige in einem Rehabilitationszentrum für wilde Gibbons arbeitete. Die Erinnerung an diese Faszination lässt sie nicht los. «They say you always mourn the lives you’ve never lived». She remembers her time in Thailand, years ago, when she met a young woman who was a volunteer in a rehabilitation centre for wild gibbons. The memory of this fascination never leaves her. Valentine Franc (b. 1992) is a French artist and filmmaker who graduated from HEAD Geneva in 2018. With her video work, installations, and singlescreen projections, she intertwines contemporary art and cinema. She currently lives and works in Paris.

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youngvodka_ Switzerland 2018, 15'35", digital file, colour, Swiss German with English subtitles, Doc Director: Léa Hall Script: Léa Hall Photography: Robin Angst Editor: Nefeli Chrysa Avgeris Production: Bachelor of Arts in Video, Lucerne School of Art and Design, Emmenbrücke, Switzerland, Edith Flückiger, edith.flueckiger@hslu.ch Distribution: edith.flueckiger@hslu.ch, www.hslu.ch/video

Chienne de vie / Life’s a Bitch and Then You Die* Switzerland/France 2018, 20'00", digital file, colour, French with English subtitles, Fic Director: Jules Carrin Script: Jules Carrin Photography: Florian Berutti Editor: Pierre Schlesser Sound: Benoit Frech Cast: Nicolas Michot/Hugo Michot Production: Jules Carrin, jules.carrin@gmail.com Distribution: Jules Carrin, jules.carrin@gmail.com

Tanga anziehen, Netzstrümpfe darüber, ins Hohlkreuz fallen, Popo raus – klick. 230 Likes. So wie viele andere junge Frauen auch präsentiert sich Nicole leicht bekleidet und provokativ auf ihrem Instagram-Account. Lange hab ich mich gefragt, warum. Jetzt frage ich sie.

Im französischen Hinterland vertreiben sich zwei ewig Jugendliche ihre Zeit mit Bier trinken. Der ältere Lamiche bedrängt Yannick und zieht ihn in eine Reihe von zwielichtigen Eskapaden. Ihre Freundschaft verzettelt sich und Lamiche findet sich allein, konfrontiert mit einer schonungslosen Realität.

Puts on a thong and fishnet tights – click. 230 Likes. Like many other young women, Nicole presents herself as scantily dressed and provocative on her Instagram account. Why, I’ve been asking myself. Now I’m asking her.

In the forsaken French countryside, two eternal adolescents pass their time drinking beer. Lamiche, ten years older than Yannick, hassles his friend and drags him into a series of dodgy escapades. Their friendship dissolves, and Lamiche finds himself alone, facing a merciless reality. Few choices are left.

Léa Hall (24) took a foundation course in art and design, followed by a three-year degree course in video at the Lucerne University of Applied Sciences and Arts, graduating with «youngvodka_» in 2018.

Jules Carrin was born in Cahors, France, in 1988. Before studying film at HEAD Geneva, he obtained a BA in sculpture design and worked on several film projects.

II


Talking Soil* Switzerland 2018, 28'10", digital file, colour, Bosnian with English subtitles, Doc Director: Jan Baumgartner Script: Jan Baumgartner Photography: Lukas Nicolaus Editor: Daniel Asadi Faezi/Jan Baumgartner Sound: Philip Hutter Production: Jan Baumgartner, Bern, Switzerland, mail@janbaumgartner.ch, www.janbaumgartner.ch Distribution: Jan Baumgartner, Bern, Switzerland, mail@janbaumgartner.ch, www.janbaumgartner.ch

Seit dem Ende des Jugoslawienkrieges treffen sie sich irgendwo in Bosnien und Herzegowina, um die Gefahr, die seit mehr als zwanzig Jahren in den Böden lauert, zu beseitigen. An das Gefühl der ständigen Ungewissheit haben sich die Minensucher gewöhnt. Nicht aber daran, Arbeiter ohne Beruf zu sein. Since the end of the war in Yugoslavia, they’ve been meeting somewhere in Bosnia and Herzegovina to eliminate the danger that has been lurking in the soil for over twenty years. The deminers have gotten used to the feeling of permanent uncertainty. But not to being workers without a profession. Jan Baumgartner, born 1987 in Switzerland, discovered his passion for film and photography through his many travels. Since completing his education as a health professional in 2010, he has been working part-time as a freelance filmmaker and photographer in Bern, Switzerland. In 2015, he released his first documentary film. For his new film «Talking Soil», he lived and worked in Bosnia and Herzegovina for a year.

Die mit einem * markierten Filme sind auch für die Preise des Internationalen Wettbewerbs nominiert.

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Lachfalten / Laugh Lines

Les Îles de Brissogne / Brissogne Islands

Switzerland 2018, 5'52", digital file, colour, no dialogue, Ani

Switzerland 2018, 23'51", digital file, colour, Italian with English subtitles, Fic

Director: Patricia Wenger Script: Patricia Wenger Photography: Patricia Wenger Editor: Patricia Wenger Sound: Kilian Vilim/Marie Kenov Production: Hochschule Luzern, Design & Kunst – Animation, Luzern, Switzerland, Chantal Molleur, chantal.molleur@hslu.ch, +41 41 248 64 64, YK Animation Studio GmbH, Bern, Switzerland, Ramon Schoch, ramon@yk-animation.ch Distribution: YK Animation Studio GmbH, Bern, Switzerland, Ramon Schoch, ramon@yk-animation.ch

Director: Juliette Riccaboni Script: Juliette Riccaboni Photography: Gabriel Lobos Editor: Orsola Valenti Sound: David Puntener Cast: Alessio Gallo/Daphne Scoccia Production: Alva Film, Genève, Switzerland, Britta Rindelaub, britta@alvafilm.ch, +41 22 321 7038 Distribution: Manon Emmenegger, festival@alvafilm.ch

Wo Menschen sich begegnen, entdecken Mutige, dass mit genügend Vertrauen Augen zu Türgriffen werden und sich damit Welten öffnen, in denen sich Horizonte in nichts auflösen. Acht kurze Geschichten über Freundschaft. Wherever people meet, the brave ones discover that, with enough trust, eyes become doorknobs, leading into worlds where horizons dissolve into nothing. Eight short stories about friendship. Patricia Wenger was born in Basel in 1993. She has a BA in 3D animation and an MA in film from the Lucerne University of Applied Sciences and Arts. «Lachfalten» is her graduation film.

All films marked with an * are also nominated for the awards of the International Competition.

Auf einer Autobahnraststätte in Norditalien prostituiert sich die 18-jährige Aurora in den parkierten Lastwagen. Ihr Bruder Angiolino soll sie trotz seiner geistigen Behinderung als Bodyguard bewachen. At a rest stop in northern Italy, 18-yearold Aurora prostitutes herself in the parked trucks. Her brother Angiolino is supposed to act as her bodyguard, despite his mental disability. After playing a lead role in a TV movie by Nicolas Wadimoff, Juliette Riccaboni discovered her passion for cinema. Since graduating from HEAD Geneva with a BA in directing in 2014, she has worked as an assistant director, casting director, and member of the camera team on various productions. She is also a lighting technician in theatre, finding time between performances to write her own stories and imagine their visualization.


Le Gymnase – une scène d’OLGA / The Gym – an OLGA Sequence Ukraine/Switzerland/France 2018, 10'37", digital file, colour, Russian/French with English & French subtitles, Fic Director: Elie Grappe Photography: Lucie Baudinaud Editor: Suzana Pedro Sound: Raphaël Sohier/François Abdelnour/ Simon Apostolou Production: Elie Grappe, Renens VD, Switzerland, elie.grappe@gmail.com Distribution: Elie Grappe, Renens VD, Switzerland, elie.grappe@gmail.com

Eine junge Kunstturnerin aus der Ukraine entdeckt ihren neuen Trainingsort in einem fremden Land. A young gymnast from Ukraine discovers her new training space in a foreign country. Elie Grappe (b. 1994 in Lyon) studied music at the Lyon Conservatory and theatre in high school, before enrolling at the École cantonale d’art de Lausanne ECAL. He graduated with a degree in cinema in 2015. His short documentary «Rehearsal» was selected for several festivals, including IDFA, Clermont-Ferrand, and Krakow FF. His graduation project «Suspendu» was screened at 50 festivals around the world. His first feature-length project «Olga», which he is co-writing with Raphaëlle Desplechin, participated in the Emergence residency in 2018.

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The Flood Is Coming*

All Inclusive*

Switzerland/United Kingdom 2018, 8'54", digital file, colour, English, Ani/Exp

Switzerland 2018, 9'59", digital file, colour, no dialogue, Doc

Director: Gabriel Böhmer Script: Gabriel Böhmer Production: Gabriel Böhmer, thingsbygabriel@gmail.com Distribution: Gabriel Böhmer, thingsbygabriel@gmail.com

Director: Corina Schwingruber Ilić Script: Corina Schwingruber Ilić Photography: Nikola Ilić Editor: Corina Schwingruber Ilić Sound: Robert Büchel Production: Freihändler, Basel, Switzerland, Stella Händler, stella@freihaendler.ch, +41 61 386 98 30 Distribution: Some Shorts, Nijmegen, Netherlands, Wouter Jansen, info@someshorts.com, +31 622076717

Ein Einsiedler im Wald versucht sich auf eine Flut vorzubereiten, wird aber durch seinen lauten Nachbarn abgelenkt. «The Flood Is Coming» ergründet die wachsende Sorge um den Zustand der Natur und unseren Platz darin. A forest hermit tries to prepare for a flood, but is distracted by his noisy neighbour. «The Flood Is Coming» explores the growing anxiety about the state of nature and our place in it. Gabriel Böhmer is a London-based artist from Zurich who is interested in memory and the absurd. He left a career in management consulting in 2013, following the release of his novel «Beetle Days». He completed the book of paintings «Tomorrow I’ll Go Outside» in 2015 and his film «Beetle Trouble» in 2017.

Fitness auf dem Sonnendeck, eine Polonaise durch den Speisesaal und ein Fototermin mit dem Kapitän. Das alles und viel mehr bietet eine Kreuzfahrt. Das Geschäft boomt, Vergnügungsferien auf hoher See liegen im Trend. Was am Ende bleibt, sind digitale Erinnerungsbilder und die Abgaswolke am Horizont. Fitness on the sun deck, a conga line through the dining room, and a photo session with the captain. A cruise offers all this and much more. Business is booming, pleasure cruises on the high seas are in fashion. Digital memories and the exhaust cloud on the horizon are all that remains at the end. Corina Schwingruber Ilić (b. 1981) lives and works in Lucerne (Switzerland) and Belgrade (Serbia). From 2004 to 2006, she studied at the FHNW Academy of Art and Design in Basel and the Academy of Fine Arts in Belgrade. In 2009, she graduated from the Lucerne University of Applied Sciences and Arts with a degree in video. She works as a freelance filmmaker and editor, and co-founded Pro Short, the Swiss association for short film, in 2017.

III


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Jury 2018

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Jury Internationaler Wettbewerb / Jury International Competition

Philippe Ciompi (CH/GR)

Mahdi Fleifel (DK/PS)

Sound-Designer und Tonmischer

Sound designer and dubbing mixer

Regisseur

Philippe Ciompi ist Sound-Designer und Tonmischer mit mehrjähriger Berufserfahrung in der Schweiz, in Grossbritannien, China und anderen Ländern. In seiner Arbeit ergründet er, wie Klänge die Wahrnehmung von Raum und Zeit beeinflussen. Ausserdem ist er gelegentlich als Cutter, Komponist und Klangkünstler tätig. Philippe ist regelmässig Gastdozent in London (Royal College of Art; Goldsmiths College) sowie an der HEAD in Genf. In seinen jüngeren Werken hat er unter anderem mit Ben Rivers & Ben Russell, Jumana Manna, Dieudo Hamadi, Elene Naveriani, Andrew Kötting und Sarah Vanagt zusammengearbeitet.

Philippe Ciompi is a sound designer and dubbing mixer with several years of experience in Britain, Switzerland, China, and other countries. His work explores the ways in which sound creates perceptual networks of space and time. He occasionally works as a film editor, composer, and sound artist, and is a visiting lecturer for sound design at London’s Royal College of Art and Goldsmiths College as well as at HEAD in Geneva. Recent works include collaborations with Ben Rivers & Ben Russell, Jumana Manna, Dieudo Hamadi, Elene Naveriani, Andrew Kötting, and Sarah Vanagt.

Mahdi Fleifel ist dänisch-palästinensischer Regisseur und Gründer der Londoner Produktionsfirma Nakba FilmWorks. Sein Spielfilmdebüt «A World Not Ours» gewann zahlreiche Preise, darunter den Friedensfilmpreis an der Berlinale und die Hauptpreise in Edinburgh, Yamagata und am DOC:NYC. Für seinen Kurzfilm «A Man Returned» erhielt Fleifel 2016 den Silbernen Bären an der Berlinale und den Hauptpreis an den Kurzfilmtagen. Sein Folgeprojekt «A Drowning Man» lief in Cannes, und sein jüngster Kurzfilm «I Signed the Petition» ist für den European Film Award nominiert.

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Tara Judah (GB/AUS) Filmmaker

Produzentin für das Kino und Kulturzentrum Watershed in Bristol

Cinema producer at Watershed (film culture and digital media centre), Bristol

Mahdi Fleifel is a Danish-Palestinian director and the founder of the London-based company Nakba FilmWorks. His debut feature «A World Not Ours» won many awards, including the Peace Prize at Berlinale and the main awards at Edinburgh, Yamagata, and DOC:NYC. In 2016, Fleifel received the Silver Bear at Berlinale for his short «A Man Returned», which also won the Grand Prize at Kurzfilmtage. His follow-up «A Drowning Man» was selected in Cannes, and his most recent short, «I Signed the Petition» is nominated for the European Film Award.

Tara Judah ist Produzentin für das Kino und Kulturzentrum Watershed in Bristol, wo sie für das historische Festival Cinema Rediscovered seit seiner Gründung 2016 in der Programmation und Redaktion gearbeitet hat. Ausserdem ist sie freie Filmkritikerin für diverse Zeitschriften (Senses of Cinema, Desist Film, Monocle, Sight & Sound) sowie für Radiostationen in Grossbritannien und Australien (Monocle24, BBC World Service, Triple R, ABC RN, JOY FM). Tara ist Direktionsmitglied im Stiftungsrat von Curzon Cinema & Arts in Clevedon, einem der ältesten kontinuierlich betriebenen Kinos in Grossbritannien.

Tara Judah is a cinema producer at Watershed in Bristol and has worked in programming and editorial for the cinema’s archive, classic, and repertory film festival Cinema Rediscovered since its inception in 2016. She is also a freelance film critic for Senses of Cinema, Desist Film, Monocle, and Sight & Sound, as well as for radios in Britain and Australia, including Monocle24, BBC World Service, Triple R, ABC RN, and JOY FM. Tara is a director on the board of trustees at one of the UK’s longest continuously operating cinemas, Curzon Cinema & Arts in Clevedon.

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Bianca Lucas (PL)

Miguel Valverde (PT)

Filmemacherin und Programmatorin des Sarajevo Film Festival

Filmmaker, programmer at Sarajevo Film Festival

Co-Direktor des IndieLisboa International Film Festival

Bianca Lucas ist Filmemacherin und programmiert für die Sektion European Shorts des Sarajevo Film Festival. Die Regisseurin mit polnischen und australischen Wurzeln wurde 1989 in der Schweiz geboren. 2010 machte sie ihren Abschluss in Medien und Kommunikation mit Fokus Filmwissenschaft am Goldsmiths College der University of London. Später folgte ein dreijähriges Filmstudium (Film.Factory, Sarajevo Film Academy) unter der Leitung des ungarischen Regisseurs Béla Tarr (Abschluss 2017). Zu ihren MentorInnen während ihrer Studienzeit gehörten unter anderem Carlos Reygadas, Gus Van Sant, Abel Ferrara, Pedro Costa, Apichatpong Weerasethakul, Guy Maddin und Agnieszka Holland. Zurzeit lebt Bianca in Paris.

Bianca Lucas is a filmmaker and a programmer of the European Shorts section at the Sarajevo Film Festival. Of Polish and Australian origin, she was born in Switzerland in 1989. She graduated from Goldsmiths College, University of London, in 2010 with a degree in Media and Communications and a specialization in Film Studies. In 2017, she completed a three-year filmmaking course (Film.Factory, Sarajevo Film Academy) held by Hungarian director Béla Tarr in Sarajevo. Throughout her studies, Bianca was mentored by filmmakers such as Carlos Reygadas, Gus Van Sant, Abel Ferrara, Pedro Costa, Apichatpong Weerasethakul, Guy Maddin, and Agnieszka Holland. She is currently based in Paris.

Miguel Valverde (geb. 1971 in Portimão, Portugal) studierte Jura an der Universität von Lissabon und hat verschiedene Film-Workshops und Kurse besucht. 2003 hat er das IndieLisboa International Film Festival mitbegründet. Er ist bis heute Co-Direktor des Festivals und zuständig für die Kurzfilmprogramme sowie für portugiesische Filme. 2015 produzierte er den Episodenfilm «Aqui, em Lisboa» mit den RegisseurInnen Gabriel Abrantes, Marie Losier, Dominga Sotomayor und Denis Côté. Aktuell unterrichtet Miguel am ESAD College of Art and Design und an der Lusófona Universität. 2019 wird er im Master für Film und Fotografie an der FCSH/NOVA Experimentalfilm unterrichten.

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Co-Director of IndieLisboa International Film Festival Miguel Valverde (born 1971 in Portimão, Portugal) has a law degree from the University of Lisbon and has attended several workshops and courses on cinema. In 2003, he co-founded IndieLisboa International Film Festival. He is currently still a co-director of the festival, and is responsible for the shorts programmes and for Portuguese films. In 2015 he produced the anthology film «Aqui, em Lisboa», with episodes directed by Gabriel Abrantes, Marie Losier, Dominga Sotomayor, and Denis Côté. Miguel currently teaches at ESAD College of Art and Design and at Lusófona University. In 2019, he will teach experimental cinema in the Film and Photography graduate programme at FCSH/NOVA.

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Jury Schweizer Wettbewerb & Schweizer Filmschulentag / Jury Swiss Competition & Swiss Film School Day

Jasmin Basic (CH/HR)

Matt Lloyd (GB)

Filmhistorikerin und Kuratorin, Präsidentin von Pro Short

Film historian and curator, president of Pro Short

Direktor des Glasgow Short Film Festival

Filmhistorikerin und Kuratorin Jasmin Basic hat einen Master in Filmwissenschaft von der Universität Lausanne. Zu den zahlreichen Festivals und Institutionen, mit denen sie zusammengearbeitet hat, gehören Visions du Réel, die Solothurner Filmtage, das Festival Tous Ecrans, Fantoche, NIFFF, das Croatian Audiovisual Center, die Cinémathèque française, das Centre Pompidou und Ambulante Mexico. Jasmin hat Retrospektiven zu Michael Mann, Charles Burnett, David Cronenberg, Michael Snow, Harun Farocki, Atom Egoyan und die jugoslawische schwarze Welle kuratiert. Seit 2017 ist sie Präsidentin des Schweizer Verbands Pro Short, den sie mitbegründet hat.

Film historian and curator Jasmin Basic holds a Master of Arts in Film Studies from the University of Lausanne. She has worked with numerous festivals and institutions, including Visions du Réel, Solothurn Film Festival, Festival Tous Ecrans, Fantoche, NIFFF, the Croatian Audiovisual Center, the Cinémathèque française, Centre Pompidou, and Ambulante Mexico. Jasmin has curated retrospectives on Michael Mann, Charles Burnett, David Cronenberg, Michael Snow, Harun Farocki, Atom Egoyan, and on the Yugoslav Black Wave. In 2017, she co-founded the Swiss association for short films Pro Short.

Matt Lloyd arbeitet seit zwei Jahrzehnten in der Filmprogrammation in Schottland. Von 2004 bis 2008 hat er Kurzfilme für das Edinburgh International Film Festival programmiert. Sein Buch über das Festival, How the Movie Brats Took Over Edinburgh, erschien 2011. Er war Direktor des Inverness Film Festival (2006–2008) und Produzent von zwei einmaligen Veranstaltungen mit Tilda Swinton und Mark Cousins: The Ballerina Ballroom Cinema of Dreams (2008) und A Pilgrimage (2009). Ausserdem hat er das erste Dunoon Film Festival organisiert und mitprogrammiert. Seit neun Jahren ist Matt Direktor des Glasgow Short Film Festival.

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Natascha Noack (DE) Director of the Glasgow Short Film Festival

Mitglied des Auswahlgremiums der Internationalen Filmfestspiele Berlin

Member of the selection committee of the Berlin International Film Festival

Matt Lloyd has worked in film exhibition in Scotland for two decades. From 2004 to 2008, he was short film programmer for the Edinburgh International Film Festival. His book about the festival, How the Movie Brats Took Over Edinburgh, was published in 2011. Matt also worked as director of the Inverness Film Festival from 2006 to 2008, and produced two unique film events with Tilda Swinton and Mark Cousins: The Ballerina Ballroom Cinema of Dreams (2008) and A Pilgrimage (2009). He produced and co-programmed the first Dunoon Film Festival. Matt has been the director of the Glasgow Short Film Festival for nine years.

Natascha Noack erforscht die Schnittstellen zwischen Film, Bewegung, Musik und Sprache. Sie studierte Tanz und Körperarbeit in Berlin, Paris, Bamako und Bobo-Dioulasso. Seitdem entwickelt sie Bühnenprojekte mit KünstlerInnen unterschiedlicher Sparten. Sie übersetzt Texte zu Tanz- und Filmtheorie, arbeitet als Voice-OverKünstlerin, kuratiert, moderiert und dolmetscht Filmveranstaltungen und ist Mitglied des Auswahlgremiums von Generation, einer Sektion der Internationalen Filmfestspiele Berlin.

Natascha Noack explores the intersections between film, movement, music, and language. She studied dance and bodywork in Berlin, Paris, Bamako, and Bobo-Dioulasso, and creates stage productions with artists from various fields. She also translates texts on dance and film theory, works as a voice-over artist, and curates, moderates, and interprets film events. In addition, she is a member of the selection committee for Generation, a section of the Berlin International Film Festival.

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Preise der Wettbewerbe

Awards

Die Jury des Internationalen Wettbewerbs vergibt den Hauptpreis und den Förderpreis für den Internationalen Wettbewerb. Die Jury für den Schweizer Wettbewerb vergibt den Preis für den besten Schweizer Film und den Preis für den besten Schweizer Schulfilm. Die Zuschauer bestimmen den Gewinner des ZKB Publikumspreises.

The jury of the International Competition awards the Grand Prize and the Promotional Award. The jury of the Swiss Competition selects the winners of the Award for the Best Swiss Film, the Swiss Cinematography Award, and the Award for the Best Swiss School Film. The audience selects the winner of the ZKB Audience Award.

Hauptpreis des Internationalen Wettbewerbs CHF 12 000.– gestiftet von der SRG SSR

Grand Prize of the International Competition CHF 12 000.– Donated by SRG SRR

Förderpreis des Internationalen Wettbewerbs CHF 10 000.– gestiftet von den Internationalen Kurzfilmtagen Winterthur

Promotional Award of the International Competition CHF 10 000.– Donated by Internationale Kurzfilmtage Winterthur

Preis für den besten Schweizer Film CHF 10 000.– gestiftet von suissimage und der SSA

Award for the Best Swiss Film CHF 10 000.– Donated by suissimage and SSA

Preis für den besten Schweizer Schulfilm CHF 5 000.– gestiftet von der SRG SSR

Award for the Best Swiss School Film CHF 5 000.– Donated by SRG SSR

ZKB Publikumspreis CHF 10 000.– gesponsert von der Zürcher Kantonalbank

ZKB Audience Award CHF 10 000.– Donated by Zürcher Kantonalbank

Ebenfalls im Rahmen der Preisverleihung (So 19:00 Uhr Theater Winterthur), jedoch ausserhalb des Wettbewerbs, wird der Postproduktions-Preis für ein vielversprechendes Drehbuch vergeben.

The Postproduction Award for a promising script is also announced during the awards ceremony (Sunday, 19:00, Theater Winterthur).

Postproduktions-Preis CHF 20 000.– Sachpreis gestiftet von cinegrell und Jingle Jungle

Postproduction Award CHF 20 000.– Non-cash prize donated by cinegrell and Jingle Jungle

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Preisstifter / Donators

Die Gewinner-Filme des Hauptpreises des Internationalen Wettbewerbs und des Preises für den besten Schweizer Film sind nominationsberechtigt für den OSCAR® (davon ausgenommen sind Dokumentarfilme), sämtliche für den Internationalen Wettbewerb selektionierten britischen Filme sind nominationsberechtigt für den British Academy Film Award BAFTA, sämtliche für den Internationalen Wettbewerb selektionierten Schweizer Filme sind nominationsberechtigt für den Schweizer Filmpreis und sämtliche für den Schweizer Wettbewerb selektionierten Filme aus dem Kanton Zürich (Regie oder Produktion) sind nominiert für den Winterthurer Kurzfilmpreis (Vergabe im Rahmen des Zürcher Filmpreises Cadrage). The winners of the Grand Prize of the International Competition and of the Award for the Best Swiss Film automatically qualify for OSCAR® nomination consideration (with the exception of documentaries). All British films selected for the International Competition qualify for BAFTA nomination consideration. All Swiss films selected for the International Competition qualify for nomination consideration for the Swiss Film Prize. All films from the Canton of Zurich selected for the Swiss Competition qualify for the Winterthur Short Film Prize (awarded at the ceremony for the Zurich Film Prize / Cadrage).


Hors Concours

Hot Shorts Zßri Shorts Dismissed, or Kill Your Darlings Short Matters I–III

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Hot Shorts Curated by Christof Hächler, Sebastian Henn, Matthias Sahli, Dorothea Schaffner

Runtime: 74' Wednesday, 7 November 2018, 20:00, Theater Winterthur 1 Saturday, 10 November 2018, 11:00, Casino 1

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Hot Shorts Die Hot Shorts zelebrieren das Kino und sein Publikum. Auch dieses Jahr haben wir wieder sieben der kultigsten Kurzfilme aus den Wettbewerbseinreichungen ausgesucht und zu einem vielseitigen Programm zusammengestellt. Es ist Herbst und die Nase unterwirft sich wieder einmal dem fiesen «Pfnüsel». Wer gerade unter Erkältungssymptomen leidet, dem wird der südkoreanische Auftaktfilm aus der Seele sprechen. Ganz andere Körperflüssigkeiten werden im Spielfilm «Mon Boy» ausgeschieden. Wer kennt sie nicht, die lästigen Junggesellenfeiern, die johlend durch die städtischen Strassen ziehen? Es scheint ein globales Phänomen zu sein, denn auch in Kanada geht es nicht anders zu und her. Erzählt aus der Sicht des jüngeren Bruders, hält der Film den Erwachsenen den Spiegel vor. Da es nicht gerecht wäre, nur die Erwachsenen zu parodieren, bekommen auch die Jugendlichen ihr Fett weg. «Jag älskar dig» heisst so viel wie «ich liebe dich» auf Schwedisch und wird in «Samlag» gleich mehrmals ausgesprochen. Doch in diesem perfiden Psychospiel bekommt die verbale Liebkosung eine ganz andere Bedeutung. Richtig schön böse ist der zweiminütige «Enough» aus Grossbritannien. In mehreren Stop-MotionEpisoden zeigen Menschen anderen Menschen, dass sie genug haben. In der zweiten Hälfte des Programms wird es animalisch. Im Animationsfilm «COYOTE» des Schweizers Lorenz Wunderle vollzieht ebendieses Tier einen deliriösen Rachefeldzug. Es ist eine von Country-Musik begleitete, knallig-brutale Reise durch Raum und Zeit. Auch der Hahn «Tungrus» im Dokumentarfilm aus Mumbai ist durchtrieben. Tagein, tagaus terrorisiert er eine indische Familie, die ihn vor Monaten als süsses Küken in ihr Zuhause adoptierte. Von Mumbai geht es nach Buenos Aires, dem Schauplatz des Schlussfilms «Tony», in dem die Filmemacherin Malena Filmus auch gleich die Hauptrolle spielt. Mit diesem einfühlsamen Porträt, das sich unter anderem beim Film Noir bedient, schicken wir Sie – hoffentlich gut unterhalten – in die kühle Novembernacht. Matthias Sahli

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Hot Shorts The Hot Shorts are a celebration of cinema and its audience. Once again, we have selected seven of the hippest short films from the competition submissions and compiled them into a diverse programme. Autumn is here and our noses are yet again subjected to the evil «sniffles». If you are currently suffering from symptoms of a cold, you will relate to the South Korean film that opens the programme. Entirely different bodily fluids are at issue in the fictional «Mon Boy». We’re all familiar with obnoxious bachelor parties hooting through downtown streets. They appear to be a global phenomenon, as seen in this example from Canada: told from a younger brother’s perspective, the film holds the mirror up to supposed adults. Since it wouldn’t be fair to only parody adults, adolescents get their fair share, too: «jag älskar dig» means «I love you» in Swedish, and the phrase is uttered repeatedly in «Intercourse». But in this perfidious mind game, the verbal caress acquires a completely different meaning. «Enough» from Britain is a wonderfully scathing two-minute intermezzo. In several stop-motion episodes, people show other people that they’ve had enough. Animals dominate the second half of the programme. The animation «COYOTE» by Swiss director Lorenz Wunderle shows the eponymous animal on a delirious vendetta – a colourfully violent trip through time and space, accompanied by country music. The rooster in the documentary «Tungrus» from Mumbai also has an agenda. Day in, day out, he terrorizes an Indian family who adopted him into their home months ago as a cute little chick. The final film, «Tony», takes us to Buenos Aires, with filmmaker Malena Filmus also playing the lead role. With this intimate portrait, which draws on film noir among other things, we release you into the cool November night – fully entertained, we hope! Matthias Sahli

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(OO)

Mon Boy / My Boy

Samlag / Intercourse

South Korea 2017, 6'09", digital file, colour, no dialogue, Ani

Canada 2018, 12'03", digital file, colour, French with German subtitles, Fic

Sweden 2017, 10'04", digital file, colour, Swedish with German subtitles, Fic

Director: Seoro Oh Editor: Seoro Oh Sound: Seoro Oh Production: Eunjung Choi, kaniseed@naver.com Distribution: KIAFA (AniSEED), Seoul, South Korea, kaniseed@naver.com, +82 2 313 1030

Director: Sarah Pellerin Script: Sarah Pellerin Photography: Ariel Méthot Editor: Charles Grenier Sound: François Grenon/Jean-François Sauvé/ Luc Boudrias Cast: Maxime Dumontier/Alexandre Landry/ Philippe Boutin/Sarah Anne Parent/Agnès Bouchard/ Joanie Guérin/Marilyn Castonguay/ Sophie Desmarais/Guillaume Laurin/Maya Gosselin/ Simon Larouche/Henri Picard Production: La Boîte à Fanny, Montreal, Canada, Fanny-Laure Malo, fanny@laboiteafanny.com, +1 514 288 8700 Distribution: La Boite a Fanny Inc, Montreal, Canada, Annie-Claude Quirion, coordo@laboiteafanny.com, +1 514 288 8700

Director: Jonatan Etzler Script: Jonatan Etzler Photography: Milja Rossi Editor: Robert Krantz Cast: Amalia Holm Bjelke/Marcus Vögeli Production: French Quarter Film, Stockholm, Sweden, mattias@frenchquarter.se, +46 7 364 25392 Distribution: Swedish Film Institute, Stockholm, Sweden, theo.tsappos@filminstitutet.se, +46 8 665 11 00

Eine animierte Achterbahnfahrt durch die Atemwege stellt bildlich dar, was in den Nasenlöchern während einer Erkältung geschieht. An animated rollercoaster ride through the respiratory system depicts what happens inside the nostrils during a cold. Seoro Oh (b. 1990 in South Korea) graduated from the animation school of Chungkang College of Cultural Industries.

Am Junggesellenabschied seines grossen Bruders erlebt Louis (17) mit zunehmendem Befremden dieses Ritual der Erwachsenen, das Vermählung und Männlichkeit zugleich zelebriert und niedermacht. At his big brother’s bachelor party, Louis (17) is increasingly mystified by this ritual that simultaneously celebrates and mocks marriage and masculinity. After studies in screenwriting and social sciences, Sarah Pellerin pursued a surprising professional path. She has written, directed, and produced various shorts and web series. Her writing credits include «Daytona» (2012) and «Plain and Simple» (2016). «Mon Boy» is her official debut as a solo director.

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Ein junges Liebespaar wacht zusammen auf und beginnt sich zu küssen. Er würde gerne noch weiter gehen, aber sie ist nicht dazu aufgelegt. Das ist für ihn okay, doch dann führt ein spontaner Witz die beiden auf einen heiklen Pfad ... A couple wakes up in bed together. They start making out and he wants to take things further, but she’s not in the mood. He accepts that, but then a spontaneous joke turns things around in a dodgy way... Jonatan Etzler was born in Stockholm, Sweden, in 1988. He studied film production at the Stockholm Academy of Dramatic Arts and cinema studies at Stockholm University.


Enough

COYOTE

Tungrus

United Kingdom 2017, 2'19", digital file, colour, no dialogue, Ani

Switzerland 2018, 9'55", digital file, colour, no dialogue, Ani

India 2017, 12'54", digital file, colour, Hindi/ English with German subtitles, Doc

Director: Anna Mantzaris Script: Anna Mantzaris Photography: Donna Wade Sound: André Parklind Cast: Hugo Vieites Caamano Production: Royal College of Art, London, United Kingdom Distribution: Anna Mantzaris, London, United Kingdom, anna.mantzaris@gmail.com, www.annamantzaris.se

Director: Lorenz Wunderle Script: Lorenz Wunderle Sound: Moritz Flachsmann/Thomas Gassmann Production: YK Animation Studio GmbH, Bern, Switzerland, Ramon Schoch, ramon@yk-animation.ch Distribution: Ramon Schoch, Bern, Switzerland, ramon@yk-animation.ch, www.yk-animation.ch

Director: Rishi Chandna Photography: Deepak Nambiar Editor: Neha Mehra Sound: Vinit D’Souza Production: Rishi Chandna, tungrusthefilm@gmail.com Distribution: Rishi Chandna, tungrusthefilm@gmail.com

Ein Kojote verliert bei einem Angriff von Wölfen seine Frau und Kinder. Geplagt von Emotionen versucht er, das Erlebte zu verarbeiten. Neben Trauer und Wahnvorstellungen ergreift auch das Böse immer mehr Besitz von ihm.

Ein Hahn wird Mitglied einer mittelständischen Familie in Mumbai. Der tyrannische und eigensinnige Vogel macht das Leben in der Wohnung ungemütlich, bis die Familie schliesslich darüber debattiert, ob der Hahn leben oder zum Abendessen serviert werden soll.

Bitterböse und schamlos handeln die Filzfiguren in diesem Stop-MotionEpisodenfilm. Mehrmals verlieren sie ihre Selbstkontrolle und lassen ihren Frust an ihren Mitmenschen aus. The felt figures in this stop-motion film are furious and shameless. They repeatedly lose their self-control, taking their anger out on others.

A coyote loses his wife and children to an attack by wolves. As he tries to come to terms with his grief, he is increasingly haunted by hallucinations and possessed by evil.

Anna Mantzaris is a Swedish director and animator based in London. She works mainly in stop motion and has a soft spot for things that are sad and funny at the same time. Recently, she worked on Wes Anderson’s «Isle of Dogs» and graduated from the Royal College of Art with an MA in animation in 2018.

Lorenz Wunderle (b. 1983 in Lucerne) initially trained as an architectural draftsman. He received his BA in 2D animation (2013) and his MA in animation (2015) from the Lucerne University of Applied Sciences and Arts, and has been working as an animator and filmmaker since his graduation.

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A rooster is adopted into a middle-class household in Mumbai. The tyrannical, obstinate bird makes life in the apartment uncomfortable if not unlivable until, one day, the family starts debating whether the rooster should live or be served for dinner. Rishi Chandna is a filmmaker based out of Mumbai, and «Tungrus» is his first independent short film.


Tony Argentina 2018, 19'33", digital file, colour, Spanish with German subtitles, Fic Director: Malena Filmus Script: Malena Filmus Photography: Natalia Loiacono Editor: Tomás Maumus Sound: Gonzalo Palmieri Cast: Matías Marmorato/Martín Garabal/Malena Filmus Production: Gisela Chicolino, Buenos Aires, Argentina, gisela@filmstofestivals.com, +54 1148267014, www.filmstofestivals.com Distribution: FilmsToFestivals, Buenos Aires, Argentina, Gisela Chicolino, filmstofestivals@gmail.com, +54 91124501740

Victoria erwartet ein Kind und muss eine Entscheidung über ihre ungewollte Schwangerschaft treffen. Um sich dieser Verantwortung zu entziehen, widmet sie sich lieber der Suche nach dem mysteriösen Tony. Victoria is expecting a baby and needs to make a decision about her unwanted pregnancy. But instead of making a choice, she goes looking for mysterious Tony. Malena Filmus was born in Buenos Aires in 1990. She studied filmmaking and production at New York’s School of Visual Arts and acting at HB Studio. She currently lives in Los Angeles and is producing the web series «Lucky», which she also directs and stars in.

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ZĂźri Shorts Curated by Stefan Staub

Runtime: 84' Thursday, 8 November 2018, 19:30, Casino 1 Sunday, 11 November 2018, 11:30, Casino 1

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Züri Shorts Die erste Ausgabe der Züri Shorts war ein voller Erfolg. Deshalb präsentieren die Kurzfilmtage nun bereits zum zweiten Mal ein abwechslungsreiches Panorama des lokalen Kurzfilmschaffens. Die diesjährige Auswahl umfasst sieben kontrastreiche Filme aus verschiedenen Genres. Im Spielfilm «Wir Zwei» von Cosima Frei steht ein hippes junges Paar im Zentrum, das während des Züri-Festes mit seiner eigenen Oberflächlichkeit konfrontiert wird. In teilweise improvisiert wirkenden Beziehungsszenen entsteht – unterstützt von einer bewegten Handkamera – ein eindringlicher Stadtfilm, der ein ambivalentes Bild der urbanen Befindlichkeit zeichnet. Eine Momentaufnahme der ganzen anderen Art ist der Kurzdokumentarfilm «Le sens de la marche» von Jela Hasler. Hergestellt während eines Künstlerstipendiums in Paris, wirft der Film in statischen Tableaus einen überraschenden Blick auf eine europäische Grossstadt, die sich im Nachhall der Terroranschläge von 2015 noch immer im Ausnahmezustand befindet. Die städtische Lebenswelt rückt auch im ZHdK-Spielfilm «Alles Easy» von Luisa Ricar in den Fokus. Auf ebenso ungeschminkte wie beklemmende Weise zeigt der Film auf, dass sexueller Missbrauch selbst im ach so aufgeschlossenen Hipster-Milieu ein Tabuthema sein kann. Die verschroben spiessbürgerliche Seite der Gesellschaft offenbart der Dokumentarfilm «Kleingolf» von Marvin Meckes. Wer es nicht bereits wusste, wird hier erfahren, dass Minigolf durchaus ein Sport ist, der mit viel Sorgfalt und Leidenschaft ausgeübt werden kann. Abgerundet wird das Programm durch drei originelle Animationsfilme: In «Crossing Over» lässt Lotti Bauer verschiedene Autos miteinander kollidieren. Ein archaischer Spass, der Zerstörung und Kreativität vereint. Andrea Schneider hat für den neuen Videoclip ihres Animationsfilmkollegen und Musikers Fabio Friedli alias Pablo Nouvelle eine stimmungsvolle Collage zusammengestellt, die von der Sehnsucht nach neuen Wegen und der Rückkehr in die Fremde handelt. Und Nils Hedinger erzählt in einer Mischung aus Animation und Realfilm die seltsame Geschichte einer Kaulquappe, die nicht gross werden kann – ein zeitloses Vergnügen für ZürcherInnen und NichtzürcherInnen jeden Alters. Stefan Staub

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Züri Shorts As the first edition of Züri Shorts was a big success, Kurzfilmtage is happy to present another diverse panorama of local short filmmaking. This year’s selection consists of seven contrasting films of various genres. The fictional work «Wir Zwei» by Cosima Frei centres on a hip young couple confronted with their shallowness during the Züri Fest. Through scenes of their relationship that seem partially improvised, and with the help of a hand-held camera, Frei creates a striking city film that paints an ambiguous picture of urban existence. The documentary «Le sens de la marche» by Jela Hasler offers an entirely different kind of snapshot. Produced during an artist residency in Paris, the film’s static tableaus present a surprising view of a European capital that has remained in a state of shock since the terror attacks of 2015. Luisa Ricar’s fiction «Alles Easy», produced by ZHdK, also focuses on urban environments. Both blunt and disturbing, the film shows that sexual abuse can be a taboo subject even in the oh-so openminded hipster milieu. Marvin Meckes’s documentary «Kleingolf», in turn, reveals the quaint, petty bourgeois side of society. If you didn’t know yet, you will find out that miniature golf is a sport that can be practiced with a good deal of care and passion. Three original animations round out the programme. In «Crossing Over», Lotti Bauer makes an assortment of cars collide in an archaic fun ride that combines destruction with creativity. Andrea Schneider has compiled an atmospheric collage for the latest video by her animation colleague and musician Fabio Friedli aka Pablo Nouvelle; the work addresses the desire for new approaches and the return to foreign lands. And Nils Hedinger’s mix of animation and live-action tells the strange story of a tadpole that cannot grow up – a timeless treat for audiences of any age, whether from Zurich or elsewhere. Stefan Staub

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Kleingolf

Crossing Over

Wir Zwei

Switzerland 2018, 22'58", digital file, colour, Swiss German with English subtitles, Doc

Switzerland 2018, 3'49", digital file, colour, no dialogue, Ani/Exp

Switzerland 2018, 16'27", digital file, colour, German/French with English subtitles, Fic

Director: Marvin Meckes Script: Marvin Meckes Photography: Lukas Fuhrimann Editor: Marvin Meckes Production: Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), Zürich, Switzerland Distribution: Marvin Meckes, Brüttisellen, Switzerland, marvin.meckes@zhdk.ch

Director: Lotti Bauer Editor: Susanne Hofer Sound: Minerva Ops Production: Annas Nichte Film, Zürich, Switzerland Distribution: Lotti Bauer, Zürich, Switzerland, info@annasnichtefilm.ch

Director: Cosima Frei Script: Cosima Frei Photography: Valentino Vigniti Editor: Selin Dettwiler Sound: Konrad Kassing/Michael Karrer Cast: Urbain Guiguemdé/Alireza Bayram/ Mira Frehner Production: Cosima Frei, Zürich, Switzerland Distribution: Cosima Frei, Zürich, Switzerland, cosima_frei@hotmail.com

Was andere zum Spass spielen ist für sie bitterer Ernst. Auf dem Minigolfplatz Amriswil kommt eine kleine Gemeinschaft aus dem ganzen Land zusammen, um den Schweizer Meister im Minigolf zu küren. Darunter die junge, ehrgeizige Maja und der alte, eingefleischte Minigolfer Jörg. Fernab vom Alltag beginnt ein Wettstreit um einen Platz auf dem Podest, wobei starke Nerven genau so wichtig sind, wie das richtige Ballmaterial. What others do for fun is serious business for them: a small community from across the country gathers at the minigolf course in Amriswil to determine the Swiss mini-golf champion. Among them is young, ambitious Maja as well as old, seasoned mini-golfer Jörg. The competition for a place on the podium requires both steady nerves and the right equipment. Marvin Meckes was born in Germany in 1995. After a postproduction internship at Pumpkin Film (Zurich) in 2015, he started his BA in film at the Zurich University of the Arts in 2016.

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Aus Bildcollagen und Geräuschen entstehen lebendige Figuren der roheren Art. Fahrzeuge kollidieren, erst sanft, dann heftig. Die Zusammenstösse werden schnell zum archaischen Spass und bleiben nicht ohne Folgen. Zerstörung und Kreativität sind eins. Lively characters emerge from photo collages and noises. Vehicles collide, gently at first, then violently. The crashes soon turn into an archaic fun ride, not without consequences. Destruction and creativity are one. Lotti Bauer is a freelance animator based in Zurich. She teaches fundamentals of design with a focus on illustration and animation.

Ein freudiges Wiedersehen am Bahnhof, zwei Menschen fallen sich in die Arme. Zwei, die im Getümmel eines Volksfests merken, wie fremd sie sich sind. Als ein unbekannter Dritter dazu kommt und spurlos verschwindet, bricht das Ungesagte heraus. A happy reunion at the railway station, two people fall into each other’s arms. Two people who, in the bustle of a big festival, will realize how much they’ve grown apart. When a third person, a stranger, joins them and then disappears without a trace, all that has remained unsaid starts to erupt. Cosima Frei (b. 1987) grew up in Zurich. During a year abroad in New Zealand, she discovered her passion for film. In 2012, she received her BA in film from the Zurich University of the Arts, graduating with the short film «Wo Gömmer», which was made with amateur actors.


Le sens de la marche / Where We Are Heading Switzerland 2018, 9'33", digital file, colour, French with English subtitles, Doc Director: Jela Hasler Photography: Andi Widmer Editor: Jela Hasler/Eliane Bertschi Sound: Jacques Kieffer/Jela Hasler Cast: Dagna Litzenberger Vinet Production: Jela Hasler Filmproduktion, Zürich, Switzerland Distribution: Some Shorts, Nijmegen, Netherlands, Wouter Jansen, wouter@someshorts.com, +31 622076717

Paris 2017: Während im Frühling ein neuer Präsident gewählt wird, dauert der Ausnahmezustand an. Auf leisen Sohlen zieht er durch die Strassen, lauert alten und neuen Denkmälern auf, macht sie sich zu eigen. Während die Stadt sich bemüht, ihre Unschuld wiederherzustellen, schleicht er sich in ihren Alltag ein und schliesslich in die Verfassung. Paris 2017. While a new president is being elected, the city’s state of shock lingers. Softly, it roams the streets, ambushing old and new monuments, appropriating them. While the city tries to restore its innocence, the state of emergency creeps into daily life and, eventually, into the constitution. Jela Hasler (b. 1986) lives in Zurich. She studied photography in Zurich and Istanbul as well as video in Lucerne. Her graduation film «Kein Porno» («No porn», 2013) was screened at several festivals and won the best short award at Ozu Film Festival. Her following short «The Meadow» (2015) premiered in competition at Locarno and was invited to many festivals, including IDFA, Tampere, and Hot Docs, winning several prizes. Jela is a board member and the general secretary of Pro Short, the Swiss association for short films.

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I’m Not

Kuap

Switzerland 2018, 4'26", digital file, colour, English, Ani/Clip

Switzerland 2018, 7'38", digital file, colour, no dialogue, Ani

Director: Andrea Schneider Music: Pablo Nouvelle Animation: Andrea Schneider Production: Andrea Schneider, Zürich, Switzerland Distribution: Andrea Schneider, Zürich, Switzerland, mail@andreaschneider.ch, www.andreaschneider.ch

Director: Nils Hedinger Animation: Fela Bellotto/Simon Eltz/Nils Hedinger Photography: Antonia Meile Sound: Thomas Gassmann Production: prêt-à-tourner Filmproduktion GmbH, Zürich, Switzerland, Lina Geissmann, lgeissmann@pretatourner.ch, +41 43 344 58 74 Distribution: Nils Hedinger, Luzern, Switzerland, info@nilshedinger.ch

Aus Sehnsucht losgehen, aus Neugier weitergehen, Erinnerungen sortieren, Wege suchen und in die Fremde heimkehren. Depart with yearning, continue with curiosity, organize memories, search for paths, and return home to foreign lands. Andrea Schneider was born in Zurich in 1986. She studied animation at the Lucerne University of Applied Sciences and Arts, graduating in 2011, and now works as a freelance animator in Zurich. Her films include «Heimatland» (2010), «Vampir us Papier» (2015), and «Bouge ton coeur» (2017).

Eine Kaulquappe verpasst die Entwicklung zum Frosch und bleibt alleine zurück. Doch im Weiher gibt es viel zu erleben und der nächste Frühling kommt bestimmt. Eine kleine Geschichte über das Grosswerden. A tadpole fails to develop into a frog and is left behind. But there’s a lot going on in the pond and the next spring is bound to come. A little story about growing up. Nils Hedinger (b. 1986) studied animation at the Lucerne University of Applied Sciences and Arts. He works as a freelance filmmaker and realizes his own projects.


Alles Easy Switzerland 2018, 18'58", digital file, colour, Swiss German with English subtitles, Fic Director: Luisa Ricar Script: Luisa Ricar Photography: Ramón Königshausen Editor: Sarah Maria Franke Sound: Nadine Häussler Music: Manuel Fischer Cast: Simon Labhart/Maurice Joss/Lisanne Hirzel/ Sophie Bock Production: Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), Zürich, Switzerland Distribution: CUT-UP GmbH, Zürich, Switzerland, Moritz Schneider, submission@cut-up.tv, +41 44 201 08 02

Alles easy. Ein bisschen Party, etwas Drogen, zusammen den Ernst der Welt verdrängen. Alles easy. Von Wochenende zu Wochenende, offene Beziehung, gelegentlich Sex unter Freunden. Alles easy. Nicht Nein sagen können, nicht darüber reden können, nicht überreagieren wollen. Immer noch alles easy? All good. A little partying, some drugs, ignoring the gravity of life together. All good. Weekend to weekend, open relationships, a little sex among friends. Not saying no, not talking about it, trying not to overreact. Still all good? Luisa Ricar was born in Zurich in 1993. After graduating from high school with honours, she worked as a production intern at Plan B Film. She is also a freelance journalist for Das Magazin and a moderator for Kanal K. Since 2013, she has been studying film at ZHdK (Zurich University of the Arts), with a focus on directing and screenwriting.

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Dismissed, or Kill Your Darlings Curated by Kyros Kikos, Tiziana Pelusi

Runtime: 70' Saturday, 10 November 2018, 23:30, Kino Cameo

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Dismissed, or Kill Your Darlings Ein Festival wie die Kurzfilmtage zu veranstalten ist kein einfaches Unterfangen. Um die sechs Festivaltage geschmeidig, souverän und möglichst pannenfrei über die Bühne zu bringen, braucht es ein grossartiges, speditives und stressresistentes Team. Klar, dass darum die Allerbesten dort eingesetzt werden, wo die Luft brennt: an Bar und Kasse, in der Technik und Redaktion, in Kinosälen, am Gäste- und Infodesk. Bedingt fähige Teammitglieder werden mit Aufgaben betraut, bei denen sie möglichst wenig Schaden anrichten können, zum Beispiel in der Festivalleitung oder im Vorstand. Die Unfähigsten steckt man schliesslich in die Auswahlkommission des Internationalen Wettbewerbs, in der Hoffnung, das so erzeugte Zugehörigkeitsgefühl werde sie davon abhalten, sich störend in die Abläufe des Festivals einzumischen. Das gelingt meist, aber mit schwerwiegenden Folgen: Der fragwürdige Geisteszustand der Kommission spiegelt sich in ihrem Programm wider. Mögen die Kommissionsmitglieder auch von Bildgewalt, handwerklichem Geschick und thematischer Relevanz ihrer ausgewählten Werke schwärmen, so haben sie auch dieses Jahr wieder bewiesen, dass sie von wahrer Grösse und echter Kunst keinen blassen Schimmer haben. Warum sonst wurden die folgenden Filme nicht berücksichtigt? Filme, die einem das selige Wohlgefühl eines geglückten Rausches ins Herz zaubern. Filme über Weltraum, Astronautentraining, Wale auf Kirchenbesuch, Schiffsunglücke, Lehrmaterial zu plötzlichen Geburten, Malunterricht à la Bob Ross, TekknoParties und – natürlich – Jesus. Aber zum Glück gibt’s ja dieses Programm, das diese wahren Perlen Ihnen, geneigtes Publikum, nicht vorenthalten möchte. Viel Vergnügen! Kyros Kikos

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Dismissed, or Kill Your Darlings Organizing a festival such as Kurzfilmtage is not an easy undertaking. Running this six-day event smoothly, with as few hiccups as possible, requires an outstanding, efficient, and stress-resistant team. Naturally, the top people should therefore be tasked with the most nerve-racking jobs, performing duties at the bar and box office, on the technical and editorial staff, in the screening venues and at the welcome desk. Less capable team members, in turn, are best employed in positions where they can do little damage, for instance, as festival directors or board members. Finally, the most inept staff members are to be relegated to the selection committee of the International Competition, in hopes that the sense of allegiance thusly created will keep them from meddling in important festival operations. This strategy is mostly a success, although it comes with serious consequences: the committee’s state of mind is inevitably mirrored in their questionable programming choices. The selection team can rave about the visual beauty, technical quality, and topicality of the selected works all they want – the truth is that they have once again demonstrated how completely clueless they are when it comes to true greatness and real art. Or why else would they have so disdainfully rejected the following films? Films that fill our hearts with that sweet sense of rapturous ecstasy! Films about space and astronauts in training, about whales in church and shipwrecks, instructional footage about sudden births, painting classes à la Bob Ross, techno parties, and – of course – Jesus. Fortunately, this programme allows us to nevertheless present these true cinematic gems to you, dear audience, so please enjoy the show! Kyros Kikos

Mit freundlicher Unterstützung von / with the kind support of

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Jour de Fête

Solar Walk

The Prediction

France/United Kingdom 2017, 1'32", digital file, colour, no dialogue, Exp

Denmark 2018, 20'50", digital file, colour, no dialogue, Ani/Fic

Iceland 2018, 7'33", digital file, colour, Icelandic with English subtitles, Fic/Exp

Director: John Smith Production: Alice Lea, London, United Kingdom, distribution@lux.org.uk, +44 207 503 3980, www.lux.org.uk Distribution: Lux Distribution, London, United Kingdom, Alice Lea, distribution@lux.org.uk, +44 207 503 3980

Director: Réka Bucsi Sound: Péter Benjámin Lukács Production: Zsófi Herczeg, Budapest, Hungary, zsofi@daazo.com Distribution: Daazo Film and Media Ltd., Budapest, Hungary, Zsófi Herczeg, zsofi@daazo.com

Director: Galaxia Wang Script: Galaxia Wang Photography: Galaxia Wang Editor: Galaxia Wang Sound: Sjgurbjörg Lovísa Árnadóttir Cast: Bjarke Seitzberg Sørensen Production: Galaxia Wang, Geneva, Switzerland, lasurite@icloud.com, http://galaxiaroijadewang.berta.me Distribution: Galaxia Wang, Geneva, Switzerland, lasurite@icloud.com, http://galaxiaroijadewang.berta.me

Wenn dich einer auf die linke Wange schlägt, dann halt ihm auch die andere hin. (Matthäus 5, 39) If anyone slaps you on the right cheek, turn to them the other cheek also. (Matthew 5:39) John Smith (b. 1952 in Walthamstow, England) is an award-winning avant-garde filmmaker noted for his use of humour in exploring various themes that often play upon the spectator’s assumptions about the medium. His film «The Girl Chewing Gum» is widely acknowledged as one of the most important avant-garde films of the 20th century.

Individuen und ihre Schöpfungen reisen durch Raum und Zeit. Die Bedeutung einer Handlung existiert nur aus individueller Perspektive und ist – vom Sonnensystem aus betrachtet – nie zwingend. Es gilt das Chaos als schön und kosmisch zu akzeptieren. A journey of individuals and their creations through time and space. Any meaning of action only exists from the perspective of the individual, but is never imperative when looking at it from the perspective of a solar system. A film about the melancholy of accepting chaos as beautiful and cosmic. Réka Bucsi (born 1988) is an independent Hungarian animator and illustrator. She studied at the Moholy-Nagy University of Art and Design (MOME) in Budapest (2008–2013). Her films include «Mime Appétit» (2009), «Relish» (2010), and «Ron» (2012).

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Ein Horoskop für einen isländischen Wasserfall. A horoscope for an Icelandic waterfall. Analogy, synaesthesia, and astrology are of particular interest to Galaxia Wang who, through his practice, invents all sorts of systems, languages, and cosmogonies upsetting fixed identities. Working in this way, Galaxia chose his name and even created his own language, Colossia (from «colour» and «synaesthesia»).


Everything You Wanted to Know About Sudden Birth* (*But Were Afraid to Ask) Germany 2018, 10'45", digital file, colour/black & white, English, Doc Director: Scott Calonico Script: Scott Calonico Editor: Nathan McGinty Production: Scott Calonico, Berlin, Germany, scott@scottcalonico.com, +44 797 5807926, www.scottcalonico.com Distribution: Scott Calonico, Berlin, Germany, scott@scottcalonico.com, +44 797 5807926, www.scottcalonico.com

Die Geschichte des vermutlich verstörendsten Aufklärungsfilms aller Zeiten. An oral history of one of the most disturbing educational films ever made. Scott Calonico’s films have shown internationally at festivals such as Sundance, Tribeca, Edinburgh, and Rotterdam and, oddly enough, inside an abandoned World War II bunker in Italy. His movies have also been featured content on Comedy Central, Vanity Fair, The Atlantic Monthly, Ch4, Boing Boing, Dangerous Minds, OUT magazine, Retronaut, Timeline, and VICE. He holds a BSc in radio/TV/film from the University of Texas and an MA in international journalism from City University, London.

Sinking of the Truth

Painting with Joan

Denmark 2018, 7'30", digital file, colour, English/ French with English subtitles, Ani/Doc

USA 2018, 4'20", digital file, colour, English, Exp

Director: Wiep Teeuwisse/Tynesha Forman/ Sander Joon/Denis Cahpon/Tobias Gundorff Boesen/ Philip Piaget/Marie-Josée Saint-Pierre Script: AniDox collective Photography: AniDox collective Editor: AniDox collective Sound: Amos Cappuccio Production: TAW The Animation Workshop, Viborg, Denmark, Uri Kranot, urikranot@yahoo.com, +45 87 554 900 Distribution: Uri Kranot, Viborg, Denmark, urikranot@yahoo.com, +45 27 17 95 97

Eine Gruppe von Filmemachern plant ein Remake von «The Sinking of the Lusitania», dem ersten animierten Dokumentarfilm und einem Propagandafilm, der die USA in den Ersten Weltkrieg drängte. Doch in der heutigen Welt von Fake News, kommerziellen Interessen und endloser Fehlinformation ist es gar nicht so einfach einen Film zu drehen, der näher bei den Tatsachen liegt. A group of filmmakers sets out to remake «The Sinking of the Lusitania», the world’s first animated documentary and a propaganda piece that pushed the US into the First World War. But making a film truer to the events that transpired proves difficult in a modern world of fake news, commercial interests, ever-changing perspectives, and an endless flow of misinformation. An ANIDOX project created during a residency in Viborg, Denmark, in June and July 2017. Seven animation artists joined forces to create this collaborative film project, with each artist contributing an approximately one-minute-long sequence.

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Director: Jack Henry Robbins Script: Nunzio Randazzo/Jack Henry Robbins Photography: Nate Gold Editor: Rack Jabbins Sound: Daniel Guerra Cast: Kerri Kenney Production: Delaney Schenker, delaneyschenker@gmail.com Distribution: Delaney Schenker, delaneyschenker@gmail.com

Die Parodie einer Fernseh-Malsendung. Are you curious about Minnesota’s #3 public access painting show? Watch Joan paint beautiful snowy mountains and debate extraterrestrial sexuality with herself! Jack Henry Robbins was born in 1989. He is a director and editor known for «Hot Winter: A Film by Dick Pierre» (2017), «Ghostmates» (2016), and «Ultimate Ultimate» (2017).


Fest

To Plant a Flag

Germany 2018, 2'55", digital file, colour, English, Ani/Exp

Norway/Iceland 2018, 15'00", digital file, colour, Icelandic/English with English subtitles, Fic

Director: Nikita Diakur Sound: David Kamp Production: Nikita Diakur, Mainz, Germany, info@nikitadiakur.com, +49 172 6842541, www.ugly-film.com Distribution: Nikita Diakur, Mainz, Germany, info@nikitadiakur.com, +49 172 6842541, www.ugly-film.com

Director: Bobbie Peers Script: Bobbie Peers Photography: Jakob Ingimundarson Editor: Jon Endre Mørk Sound: Petter Fagerlund Cast: Seth Morris/Ingvar E. Sigurðsson/Jason Schwartzman/Jake Johnson Production: Ape&Bjørn AS, Oslo, Norway, Ruben Thorkildsen, ruben@apeogbjorn.no, +47 98492059 Distribution: New Europe Film Sales, Warsaw, Poland, Marcin Łuczaj, marcin@neweuropefilmsales.com, + 48 600 173 205

Drohne. Stunt. Rave. Drone. Stunt. Rave. Nikita Diakur is a Russian-born filmmaker based in Germany. «Ugly» has won multiple awards at international film festivals. The signature technique used in his films is a kind of dynamic computer simulation that embraces spontaneity, randomness, and mistakes.

Zur Vorbereitung auf die Mondlandung von 1969 sandte die NASA ein Astronautenteam in die mondähnliche Landschaft von Island. Doch schon bald wird die Hi-Tech-Trainingsmission auf unerwartete Weise behindert – von einem isländischen Schafzüchter. In preparation for the moon landing in 1969, NASA sent a team of astronauts to the lunar landscapes of Iceland. Their hi-tech training mission soon discovers the obstacles one can meet when faced with an Icelandic sheep farmer. Bobbie Peers (b. 1974) is a Norwegian writer/director who graduated from the London International Film School in 1999. His 2006 short «Sniffer» won the Palme D’Or at Cannes and went on to other festivals with great success. After several other acclaimed shorts, Bobbie’s debut feature «The Disappearing Illusionist» came out in 2015. That same year, Bobbie also released the first in a series of highly successful fantasy novels. He continues to both write and direct.

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Short Matters European Film Academy

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Short Matters Kurzfilme erlauben kreative, ja provokative Experimente und laden die RegisseurInnen ein, mit filmischen Stilmitteln zu spielen. Für viele Filmschaffende markieren sie den Beginn ihrer Karriere, für andere bleiben sie das zentrale Ausdrucksmittel, dessen Möglichkeiten es auszuloten gilt. Es ist ein wichtiges Anliegen der European Film Academy, junge Filmtalente zu fördern und die Vielfalt der europäischen Filmkultur zu feiern. Die Short Film Initiative wird von der European Film Academy und EFA Productions in Zusammenarbeit mit einer Reihe europäischer Festivals organisiert. An jedem der 15 Partnerfestivals nominiert eine unabhängige Jury einen europäischen Kurzfilm aus dem Wettbewerb für den European Short Film Award. Aus diesen Filmen wählen die Mitglieder der European Film Academy den Gewinner aus und vergeben den Preis im Rahmen der European Film Awards. Unter den diesjährigen Nominationen ist auch der Schweizer Film «En la Boca» von Matteo Gariglio, der 2016 in Winterthur Weltpremiere feierte und eine lobende Erwähnung von der Jury erhielt. Es freut uns sehr, den Film noch einmal in Winterthur zeigen zu dürfen. Das Programm Short Matters ist die Kurzfilm-Tour der European Film Academy. Sie bringt die nominierten Filme an zahlreiche Filmfestivals und Institutionen in und ausserhalb von Europa. Die EFA Short Film Initiative ist seit Langem ein Fixpunkt in der internationalen Kurzfilm-Agenda und im Laufe der letzten Jahre hat das Interesse daran stetig zugenommen. Die nominierten Filme werden in 50 Vorführungen rund um die Welt gezeigt, von Madrid bis Macau, von Taiwan bis Tallinn. Die Auswahl im Short Matters Programm bietet ein vielfältiges Panorama des jungen zeitgenössischen Filmschaffens in Europa. John Canciani

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Short Matters Short films allow for creative experiments and provocation, and they invite artists to play with cinematic styles. For some filmmakers, they mark the starting point of their career, for others, they remain the main form of expression that they keep exploring. It is an important objective of the European Film Academy to support talented young filmmakers and to celebrate the variety of European film culture. The Short Film Initiative is organized by the European Film Academy and EFA Productions in cooperation with several European film festivals. At each of the 15 partner festivals, an independent jury nominates one of the European short films in competition for the European Short Film Award. The members of the European Film Academy then watch all the nominated films and vote for the overall winner, which is announced at the European Film Awards ceremony. This year’s nominees include the Swiss film «En la Boca» by Matteo Gariglio, which had its world premiere at Kurzfilmtage 2016 and received a special mention from the jury. We are delighted to show the film in Winterthur one more time. The Short Matters programme is the European Film Academy’s short film tour, bringing the nominated films to a number of film festivals and institutions across Europe and beyond. The EFA Short Film Initiative has long been a staple on the international short film calendar, and the interest in this selection of shorts has constantly grown over the past years. The nominated films are presented at 50 screenings around the world, from Madrid to Macau, from Taiwan to Tallinn. The selection in the Short Matters programme offers a diverse panorama of young contemporary European filmmaking. John Canciani

In Zusammenarbeit mit / in collaboration with

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Mit freundlicher Unterstützung von / with the kind support of


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Short Matters l

Runtime: 96' Wednesday, 7 November 2018, 16:30, Kino Cameo

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Wannabe Austria/Germany 2017, 29'53", digital file, colour, German with English subtitles, Fic/Doc Director: Jannis Lenz Script: Jannis Lenz/Matthias Writze/Andi Widmer Photography: Andi Widmer Editor: Alexander Rauscher Sound: Rudolf Pototschnig/Jonas Haslauer/ Benedikt Plaier Cast: Julia Plach/Anna Suk/Merlin Leonhardt/ Mathias Dachler/Markus Schleinzer/Simone Fuith Production: Ocean Pictures Filmproduktion, Memmingen, Germany, Roland Fischer, info@oceanpictures-film.de, +49 1795494013, Filmakademie Wien, Wien, Austria, Katja Jäger, jaeger-ka@mdw.ac.at, +43 1 71155-2902 Distribution: Sixpack Film, Wien, Austria, Gerald Weber, office@sixpackfilm.com, +43 1 526 09 90 12, Ocean Pictures Filmproduktion, Memmingen, Germany, Roland Fischer, info@oceanpictures-film.de, +49 1795494013

Mit ihrem «Coco Channel» kreiert die jugendliche Coco eine Welt, in der sie sich mit ihren Videos im Netz so erfolgreich, beliebt und selbstbewusst darstellt, wie sie es im wirklichen Leben gerne wäre. With her «Coco Channel», teenager Coco creates a world of videos that show her as the successful, popular, and confident girl she would like to be in real life. Jannis Lenz was born in Stuttgart in 1983. He studied directing with Peter Patzak, Wolfgang Murnberger, and Michael Haneke at the Film Academy Vienna, graduating in 2016. His films have screened at many international festivals (including Rotterdam and Edinburgh) and won several awards. «Wannabe» is his graduation film.

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Jeunes Hommes à la fenêtre / Young Men at Their Window France 2017, 18'43", digital file, colour, French with English subtitles, Fic Director: Loukianos Moshonas Script: Loukianos Moshonas Photography: Mauro Herce Editor: Loukianos Moshonas Sound: Simon Apostolou Cast: Quentin Maussang/Charles Dugoujon Production: Ecce Films, Paris, France, contact@eccefilms.fr, +33 142583714 Distribution: Louise Rinaldi, Paris, France, rinaldi@eccefilms.fr, +33 142583714

In einem Büro beginnen zwei Grafiker gedankenverloren mit einem leeren Scanner zu spielen. Sie formulieren Hypothesen, vertrauen sich einander an und vergessen schliesslich die seltsamen Bilder aus der Maschine ebenso wie sich selbst. At work, two graphic designers accidentally start playing with an empty scanner. They begin to make assumptions and open up to each other, losing track of the strange images that come from the machine until they eventually lose themselves. Born in Athens in 1985, Loukianos Moshonas attended the École nationale supérieure des beauxarts in Lyon and Le Fresnoy in Tourcoing. His last two shorts, «Manodopera» and «Jeunes Hommes à la fenêtre», premiered at Locarno in 2016 and 2017, respectively. Based on «Manodopera», Loukianos is currently preparing his first feature, a twisted melodrama of endless demolition and renovation work in an Athens flat.

Los Desheredados / The Disinherited Spain 2017, 18'43", digital file, colour, Spanish/ Catalan with English subtitles, Doc/Fic Director: Laura Ferrés Script: Laura Ferrés Photography: Agnès Piqué Editor: Diana Toucedo Sound: Alejandro Castillo Production: Inicia Films, Barcelona, Spain, Valérie Delpierre, info@iniciafilms.com, +34 93 008 06 18 Distribution: Marvin & Wayne Short Film Distribution, Barcelona, Spain, Josep Prim, fest@marvinwayne.com, +34 934 863 313

Ein Porträt des Vaters der Regisseurin, der mit dem Ende seines Familienbetriebs konfrontiert ist. Pere Ferrés ist 53 und Inhaber eines Busunternehmens. Mangels Einnahmen muss er Gäste, die sein Fahrzeug demolieren, zu Junggesellenpartys fahren, aber er ist nicht bereit, seine Würde aufzugeben. «Los Desheredados» is a portrait of the director’s father facing the end of his family business. Pere Ferrés is 53 years old and owns a bus company. Lack of money forces him to drive clients who destroy his vehicle to bachelor parties, but he is not prepared to lose his dignity. Laura Ferrés has a degree in film directing from ESCAC (Spain). Her graduation project, the fictional short «A Perro Flaco», was selected by 60 festivals around the world, including Seminci 2014 (Spain) and the Montreal World Film Festival 2015 (Canada). «Los Desheredados» premiered at the Semaine de la Critique in Cannes 2017, where it won the Leica Cine Discovery Prize for best short film.


Copa-Loca

Love

Greece 2017, 13'43", digital file, colour, Greek with English subtitles, Fic

France/Hungary 2016, 14'33", digital file, colour, no dialogue, Ani

Director: Christos Massalas Script: Christos Massalas Photography: Konstantinos Koukoulios Editor: Christos Massalas Sound: Dimitris Kanellopoulos/George Ramantanis Cast: Jenny Hiloudaki/Elsa Lekakou Production: Heretic Outreach, Athens, Greece, ioanna@heretic.gr, +30 210 6005260 Distribution: Heretic Outreach, Athens, Greece, ioanna@heretic.gr, +30 210 6005260

Director: Réka Bucsi Script: Réka Bucsi Sound: Péter Benjámin Lukács Production: Passion Paris, Paris, France, marcb@passion-pictures.com, +33 1 42 73 63 10, Boddah, Budapest, Hungary, gabor@boddah.hu, +36 306677613 Distribution: Autour de Minuit, Paris, France, festivals@autourdeminuit.com, +33 1 42 81 17 28

Die Geschichte von Copa-Loca, einem verlassenenen griechischen Ferienort. Paulina ist der Dreh- und Angelpunkt der Kleinstadt. Alle kümmern sich um sie und sie kümmert sich um alle – auf jede nur erdenkliche Weise. This is the story of Copa-Loca, an abandoned Greek summer resort. Paulina is the girl at the heart of Copa-Loca. Everyone cares for her and she cares for everyone – in every possible way. Christos Massalas was born in Ioannina in 1986. He studied film history and theory at Kingston University, London, and filmmaking at the London Film School. His short films have received awards and been screened at international film festivals including Cannes, Locarno, and Thessaloniki.

Ein Kurzfilm über Zuneigung in drei Kapiteln, angesiedelt in einem fernen Sonnensystem. Abstrakte haikuartige Situationen zeigen die Veränderungen in der Atmosphäre eines Planeten, verursacht von Schwankungen des Lichts und der Schwerkraft. Der pulsierende Planet lässt seine Bewohner miteinander eins werden. «Love» is a short film describing affection in three different chapters set in a distant solar system. Abstract haiku-like situations reveal the change in atmosphere on one planet, caused by the change of gravity and light. This pulsing planet makes the inhabitants become one with each other in various ways. Réka Bucsi (born 1988) is an independent Hungarian animator and illustrator. She studied at the Moholy-Nagy University of Art and Design (MOME) in Budapest (2008–2013). Her films include «Mime Appétit» (2009), «Relish» (2010), and «Ron» (2012).

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Short Matters ll

Runtime: 94' Friday, 9 November 2018, 16:30, Kino Cameo

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En la Boca

Hevêrk / The Circle

Information Skies

Switzerland/Argentina 2016, 25'39", digital file, colour, Spanish with English subtitles, Doc

Turkey 2016, 13'56", digital file, colour, Turkish/ Arabic/Kurdish with English subtitles, Fic

South Korea/Netherlands 2017, 24'18", digital file, colour, Hungarian with English subtitles, Fic

Director/Script: Matteo Gariglio Photography: Andi Widmer Editor: Thais Odermatt Sound: Matteo Gariglio Production: Matteo Gariglio films, Luzern, Switzerland, info@matteogariglio.com Distribution: Magnetfilm Berlin, Berlin, Germany, georg.gruber@magnetfilm.de, +49 163 8010753, Some like it short, Valencia, Spain, ayebra@somelikeitshort.com

Director/Script: Rûken Tekeş Photography: Deniz Eyüboğlu Editor: Özcan Vardar Sound: Umut Şenyol Cast: Delila Kaya/Emircan Kaya/Şehmuz Demirtaş/ Müfit Aytekin Production/Distribution: Sarya Films, Istanbul, Turkey, rtekes@saryafilms.com, +90 5427167503

Director: Daniel van der Velden/Vinca Kruk Script: Daniel van der Velden/Vinca Kruk Photography: Remko Schnorr Cast: Georgina Dávid/Artur Chruszcz Production: Metahaven, Amsterdam, Netherlands, office@metahaven.net Distribution: Daniel van der Velden, Amsterdam, Netherlands, office@metahaven.net

In Buenos Aires lebt und arbeitet die Familie Sepulveda im Schatten des legendären Stadions der Boca Juniors. Durch den Verkauf von gefälschten Tickets für die Fussballspiele kommen sie ständig in Konflikt mit der korrupten Polizei. Während ihre Familie immer tiefer in die Verbrecherwelt abgleitet, versucht die Mutter vergeblich, alles vor dem Auseinanderbrechen zu bewahren. In Buenos Aires, the Sepulveda family lives and works in the shadows of the legendary Boca Juniors stadium. They constantly get in conflict with the corrupt police for selling fake tickets to the football games. As her family sinks deeper into the underworld, the mother tries in vain to keep things from falling apart. Matteo Gariglio (b. in Lucerne) studied visual communication at the Lucerne University of Applied Sciences and Arts. He then completed the international Doc Nomads Master’s degree in documentary filmmaking in Lisbon, Budapest, and Brussels.

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In Mesopotamien leben Kinder unterschiedlicher Ethnien und Religionen, die verschiedene Sprachen sprechen. Die 7-jährige Zelal ist Kurdin und gehört der religiösen Minderheit der Jesiden an. Mit den 9-jährigen Buben Zeki und Bekir besucht sie eine türkische Schule. Ein normaler Schultag wird zum Schlüsselerlebnis für Zelal und ihren introvertierten Verehrer Zeki, als der Lehrer den Buchstaben O einführt. In Mesopotamia, there are children of different ethnicities and religions, speaking different languages. 7-year-old Zelal is an ethnic Kurd and belongs to the religious minority of Yazidis. Along with 9-year-old boys Zeki and Bekir, she attends a Turkish school. An ordinary school day turns into a life-changing event for Zelal and her introvert admirer Zeki after their teacher introduces the letter of the week, O. Rûken Tekeş is of Kurdish origin and was born in Diyarbakır, Turkey, in 1976. She has lived in Istanbul, Los Angeles, Amsterdam, Athens, Vienna, Venice, Kiev, San Diego, and Moscow. She received an EMA in human rights and democratization from the European Inter-University Consortium on Human Rights and Democratization, Venice (2002), after completing programmes at the University of Vienna and UCLA. She was a human rights expert for the United Nations and a lecturer on human rights.

Ein post-faktischer Essay, bei dem Realfilm und Animation eine neuartige ästhetische Verbindung eingehen. Der Film folgt einem jungen Paar, das sein Leben für gefährlich und heldenhaft hält. Als das Trauma eines Verlustes die Fantasie als solche entlarvt, stürzen sie sich noch tiefer in die selbstgemachte Welt hinein. «Information Skies» is a post-truth essay in which live action and animation shape a new cinematic aesthetic. The film follows a young couple who believe to be living a perilous and heroic life. When a traumatic loss exposes their fantasy as fake, they immerse themselves further into their self-built world. Daniel van der Velden and Vinca Kruk are the founders of the Amsterdam-based studio Metahaven. Metahaven’s practice spans art, filmmaking, and design with the aim of creating works that are equally bound to aesthetics, poetics, and politics.


Gros Chagrin / You Will Be Fine France 2017, 14'57", digital file, colour, French with English subtitles, Fic/Ani Director: Céline Devaux Script: Céline Devaux Photography: Paul Guilhaume Editor: Raphaëlle Martin-Holger Sound: Lionel Guenoun Cast: Swann Arlaud/Victoire Du Bois Production: Sacrebleu Productions, Paris, France, Ron Dyens, distribution@sacrebleuprod.com, +33 1 42 25 30 27 Distribution: Sacrebleu Productions, Paris, France, Ron Dyens, distribution@sacrebleuprod.com, +33 1 42 25 30 27

Lass dir Zeit. Du wirst darüber hinwegkommen. Jean feiert seinen Geburtstag, betrinkt sich und erinnert sich an das schreckliche Wochenende, das zu seiner Trennung von Mathilde führte. Give it time. You’ll get over it. Jean celebrates his birthday, gets drunk, and recalls the dreadful weekend that led to his break-up with Mathilde. Céline Devaux, born in 1987, is a French director and artist. After graduating in French literature and history from the Sorbonne, she studied animation at the National School of Decorative Arts in Paris. She works on diverse projects in visual arts, animation, and experimental film.

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Timecode Spain 2016, 15'07", digital file, colour, Spanish with English subtitles, Fic Director: Juanjo Giménez Script: Juanjo Giménez/Pere Altimira Photography: Pere Pueyo Editor: Silvia Tolosana Sound: Xavi Saucedo Cast: Nicolas Ricchini/Pep Domenech/Vicente Gil/ Lali Ayguadé Production: Nadir Films, Juanjo Giménez, Barcelona, Spain, juanjo@nadirfilms.com, +34 626 13 47 31 Distribution: Marvin & Wayne Short Film Distribution, Barcelona, Spain, fest@marvinwayne.com, +34 934 863 313

Luna und Diego sind Sicherheitskräfte auf einem Parkplatz. Diego macht die Nachtschicht, während Luna tagsüber arbeitet. Luna and Diego are parking lot security guards. Diego does the night shift and Luna works by day. Juanjo Giménez was born and lives in Barcelona. He has made several award-winning shorts, including «Rodilla» (2009), «Nitbus» (2007), «Maximum Penalty» (2005), and «Indirect Free Kick» (1997). He directed the feature film «Tilt» (2003), awarded in Rome, Las Palmas, and Ourense, and co-directed «Dodge and Hit» (2010) with Adan Aliaga, winning best documentary at Alcances in Cadiz. He’s also the founder of the production companies Nadir Films and Salto de Eje.


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Short Matters lll

Runtime: 91' Saturday, 10 November 2018, 16:30, Kino Cameo

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Fight on a Swedish Beach!! Sweden 2016, 15'03", digital file, colour, Swedish with English subtitles, Fic Director: Simon Vahlne Script: Simon Vahlne Photography: Maximilien Van Aertryck Editor: Axel Danielson/Simon Vahlne Sound: Lars Wignell/Gustaf Berger Cast: Stefan Holmberg/Lotti Sjödin/Hugo Nylén Production: Plattform Produktion, Göteborg, Sweden, axel@plattformproduktion.se, + 46 31 71 16 660 Distribution: KurzFilmAgentur Hamburg e.V., Hamburg, Germany, +49 40 39 10 63 19, sales@shortfilm.com

Ein Strand an der Westküste von Schweden im Hochsommer. Die unterschiedlichsten Menschen versammeln sich um die Hitze zu geniessen. Eine Familie mit Kindern, eine Aquarellmalerin, Freunde mittleren Alters und eine Gruppe jugendlicher Schüler. A beach in western Sweden during the height of summer. A variety of people come together to socialize and enjoy the heat: a family with children, a watercolour artist, a group of middleaged friends, and a bunch of middleschool adolescents. Simon Vahlne was born in 1984 in the coastal town of Varberg (where his film was shot). His studies and work in film range from Los Angeles to Gothenburg, where he graduated from the Valand Academy with an MA in film (2013). «Fight on a Swedish Beach!!» is his first project with Plattform Produktion.

The Party Ireland 2016, 14'49", digital file, colour, English with English subtitles, Fic Director: Andrea Harkin Script: Conor MacNeill Photography: Piers McGrail Editor: Catherine Creed Sound: Dario Swade Cast: Anthony Boyle/Niall McNamee/Eileen O'Higgins Production: Fleming Creative, London, United Kingdom, farah@rocliffe.com, +44 7774159359 Distribution: Farah Abushwesha, London, United Kingdom, farah@rocliffe.com, +44 7774159359, www.rocliffe.com

Belfast 1972. Laurence lädt seinen Cousin Mickey, der auf der Flucht ist, zu einer Party ein, wo getrunken, getanzt und geliebt wird. Doch beim Morgengrauen werden sie von der Realität eingeholt. Belfast 1972. Laurence welcomes his cousin and man-on-the-run Mickey to a party of drinking, dancing, and young love. By morning, reality catches up with them. Andrea Harkin is a BAFTA-nominated filmmaker from Northern Ireland. She studied directing at the NFTS, graduating in 2011 with a portfolio of short films. She is currently directing «Coming Home» with Christopher Eccleston for the BBC and recently directed three episodes of BBC3’s drama-thriller «Clique». «The Party» was nominated for a BAFTA for best British short in 2017.

Scris / Nescris Written / Unwritten Romania 2016, 19'36", digital file, colour, Romanian with English subtitles, Fic Director/Photography: Adrian Silisteanu Script: Claudia Silisteanu Editor: Costi Zaharia Sound: Ioan Filip Cast: Isabela Neamtu/Claudia Silisteanu/ Alina Serban/Teodora Sandu/Elena Ursaru/ Sorin Mihai/Raisa Mihai/Claudiu Dumitru Production: 4 Proof Film, Bucharest, Romania, Anamaria Antoci, anamaria@4prooffilm.ro, +40 740 155602 Distribution: interfilm Berlin, Cord Dueppe, Berlin, Germany, cord.d@interfilm.de, +49 30 25 94 29 03

Im Krankenhaus wird einer Roma-Familie mitgeteilt, dass ihre minderjährige Tochter soeben ein Mädchen geboren hat. Pardică (50) scheint wenig erfreut über diese frühe Schwangerschaft, für die er seiner Frau die Schuld gibt. Die Situation spannt sich noch weiter an, als ein Angestellter um eine Unterschrift bittet und Probleme mit den Papieren der Familie feststellt ... Outside a maternity ward, a Roma family receives the news that their underage daughter just had a baby girl. Pardică (50) doesn’t seem to celebrate the moment, being very displeased with this early pregnancy, for which he blames his wife. However, things become even tenser, when a hospital employee asks them to sign some papers and discovers issues with their IDs... Adrian Silisteanu studied cinematography in Bucharest and digital cinematography at the National Audiovisual Institute in Paris. In the last ten years, he has worked as a director of photography with Romanian director Adrian Sitaru as well as with Ali Mostafa, Silviu Purcarete, Vlad Paunescu, Tudor Giurgiu, and Ioana Uricariu. In 2012, he made his first short film «The Ditch», which was selected for many festivals.

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Ugly Germany 2017, 11'55", digital file, colour, no dialogue, Ani/Exp Director: Nikita Diakur Sound: David Kamp/Nicolas Martigne Production: Nikita Diakur, Mainz, Germany, info@nikitadiakur.com, +49 172 6842541, www.ugly-film.com Distribution: Nikita Diakur, Mainz, Germany, info@nikitadiakur.com, +49 172 6842541, www.ugly-film.com

Ein computer-simulierter Kurzfilm über Freundlichkeit, Respekt und Koexistenz. A computer-simulated short animation about kindness, respect, and coexistence. Nikita Diakur is a Russian-born filmmaker based in Germany. «Ugly» has won multiple awards at international film festivals. The signature technique used in his films is a kind of dynamic computer simulation that embraces spontaneity, randomness, and mistakes.

Os Humores Artificiais / The Artificial Humors Portugal 2017, 29'03", digital file, colour, Portuguese with English subtitles, Fic Director: Gabriel Abrantes Script: Gabriel Abrantes Editor: Margarida Lucas Sound: Carlos Abreu/Marcel Costa Production: Herma Films, Gabriel Abrantes, Lisbon, Portugal, hermafilms@gmail.com, +351 916696346 Distribution: Portugal Film – Portuguese Film Agency, Lisboa, Portugal, Filipa Henriques, portugalfilm@indielisboa.com, +351 213466172

Ein Film über Humor, Anthropologie und künstliche Intelligenz. Gedreht wurde in Mato Grosso (in Canarana und den Yawalapiti- und KamayuráDörfern im Xingu Nationalpark) sowie in São Paulo. In einer Mischung aus Hollywood-Ästhetik und dokumentarischen Methoden erzählt der Film von einem indigenen Mädchen, das sich in einen Roboter verliebt, der ein aufstrebender Komiker ist. A film about humour, anthropology, and artificial intelligence. The film was shot in Mato Grosso (in Canarana and the Yawalapiti and Kamayurá villages inside the Xingu National Park) and in São Paulo. Blending a Hollywood aesthetic with documentary approaches, the film tells the story of an indigenous girl who falls in love with a robot that is a rising stand-up comedian in Brazil. Gabriel Abrantes (b. 1984 in North Carolina) is an artist and filmmaker who has produced a significant body of work since studying at the École nationale supérieure des Beaux-Arts (2005–2006) and Le Fresnoy, France (2007). In 2013, «Zwazo» was shown in Rotterdam and «Ennui Ennui» had its world premiere at the Rome FF. Gabriel’s films address postcolonial, gender, and identity issues. He lives and works in Lisbon, where he is preparing his first feature film, «Tristes Monroes».

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This Is Britain

GROSSER FOKUS MAIN FOCUS

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Grosser Fokus: This Is Britain Grossbritannien gehört neben Frankreich und den Vereinigten Staaten zu den Pionieren der Filmgeschichte. Trotzdem stand das britische Kino lange Zeit im Schatten Hollywoods. Internationale Stars wie Charlie Chaplin oder später Alfred Hitchcock feierten ihre grössten Erfolge in den USA und die international erfolgreichsten britischen Filme wurden oft von Tochtergesellschaften amerikanischer Firmen produziert. Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde das britische Kino dann in erster Linie mit den Komödien der Ealing Studios oder den Horrorfilmen aus dem Hause Hammer assoziiert. Erst die Generation der «angry young men» setzte in den 1950ern einen stilprägenden Kontrapunkt dazu. Am 5. Februar 1956 präsentierten Lindsay Anderson, Karel Reisz und Tony Richardson im National Film Theatre in London ihre erste Filmreihe mit Kurzfilmen über das Leben der Arbeiterklasse. Die Free-Cinema-Bewegung mit ihren dokumentarisch-experimentellen Kurzfilmen war geboren und damit eine Gegenbewegung zum kommerziellen Kino. Mit seinem Glauben an das poetische Potenzial der Realität war das Free Cinema ein wichtiger Wegbereiter für spätere Strömungen wie das Cinéma vérité und das Direct Cinema. Verstärkt setzten die Filmemacher auf ausdrucksvolle Bilder anstatt alles auszuformulieren, wie man es vom kommerziellen Kino her kannte. Lindsay Anderson beschrieb es wie folgt: «As film-makers we believe that no film can be too personal. The image speaks. Sound amplifies and comments. Size is irrelevant. Perfection is not an aim. An attitude means a style. A style means an attitude.»1 Fünf weitere Free-Cinema-Vorführungen folgten, der Weg für das unabhängige britische Kino – und somit für die British New Wave – war geebnet. Die British New Wave war von einer sozialkritischen Haltung geprägt und fokussierte auf die Darstellung von sozialen Strukturen und Klassenkonflikten. Die Welle war zwar nur von kurzer Dauer (1959–1963), hatte aber einen grossen Einfluss auf das Kino Grossbritanniens. Die neuen Inhalte und ästhetischen Zugänge verlegten sich vom dokumentarischen zum fiktionalen Film, wo sich der Sozialrealismus als eine bis heute prägende Kraft im britischen Kino etablierte. Auf die New Wave folgten die grossen Namen des Sozialrealismus wie Ken Loach oder Mike Leigh, die bekannt sind für ihre eigenwilligen und kompromisslosen Werke. Ken Loach behandelt in seinen Filmen üblicherweise die Schikane der Schwächsten durch die kapitalistische

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Gesellschaft, wobei er mehrheitlich auf Stars verzichtet. Mike Leigh ist eher ein Humanist und baut seine Filme um die Protagonisten herum. Seine Filme sind nicht direkt Ausdruck institutioneller Kritik, sondern stellen die Figuren in den Mittelpunkt. Leighs Vorgehensweise – er beginnt seine Drehs ganz ohne Skript und erarbeitet die Story mit seinen DarstellerInnen – ist legendär und lässt seine Filme authentisch und nahbar wirken, eben realistisch. Alan Clarke widmete sich auch dem Sozialrealismus, arbeitete aber mehrheitlich für das Fernsehen und drehte kurz vor seinem Tod den experimentellen Kurzfilm «Elephant» (1989), ein pointiertes Statement zum Nordirlandkonflikt. Der Film war Inspiration und Titelvorlage für Gus Van Sants gleichnamigen Film von 2003. Ab Mitte der 1990er Jahre tauchen im Zusammenhang mit dem Sozialrealismus Namen wie Shane Meadows, Lynne Ramsay und Andrea Arnold auf. Shane Meadows, der über 30 Kurzfilme gedreht hat, feierte mit «This Is England» von 2006 seinen grössten Erfolg (und lieferte die Titelinspiration für den Grossen Fokus der Kurzfilmtage). Der Film handelt von der Thatcher-Ära der 1980er und zeigt die britische Vorstadttristesse – ein klassisches Thema des Sozialrealismus. Auch Lynne Ramsay und Andrea Arnold beziehen sich in ihren Werken auf die Bewegung, mal stärker inhaltlich, mal stärker in ästhetischer Hinsicht. Mit der jungen Generation von FilmemacherInnen ab den 1980er Jahren haben sich Ästhetik und Form dieser zentralen Stilrichtung des britischen Kinos stark weiterentwickelt. Heute ist der Sozialrealismus thematisch breiter gefächert und nimmt diverse aktuelle Themen der britischen Gesellschaft auf (wie etwa den Postkolonialismus, den CCTV-Überwachungsstaat oder die Genderpolitik), wodurch er ein grösseres Publikum anzusprechen vermag. Der britische Filmwissenschaftler David Forrest bringt die Strömung sehr schön auf den Punkt: «social realism [is] not simply a drama-documentary form which reflects contemporary issues, but [...] a complex dramatic and artistic framework which utilises both its themes and its forms to engage its audience in a wholly different manner to mainstream cultural products.»2 Diese Definition hat unseren diesjährigen Grossen Fokus: This Is Britain stark inspiriert und sich in einer Mehrheit der Programme niedergeschlagen. Gleichzeitig thematisieren und hinterfragen wir die – oft auch romantisierten – Vorstellungen, die wir KontinentaleuropäerInnen uns über die britische Identität, Geschichte und Eigenarten machen. Den Anfang macht das

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Programm It’s a Free Cinema, das sich dem Free Cinema widmet und den Grundstein dieses Fokus bildet, gefolgt von British Classics mit Filmen von Koryphäen wie Mike Leigh, Peter Mullan, Lynne Ramsay, Duane Hopkins und Andrea Arnold. Wie der zeitgenössische britische Spielfilm mit dem Erbe des Sozialrealismus umgeht, wird in The Kids Are Alright behandelt. You’ll Never Walk Alone befasst sich mit Solidarität, Patriotismus, Nationalismus und natürlich dem Stellenwert des Fussballs. The Female Gaze setzt sich mit Weiblichkeit und Postkolonialismus auseinander – Themen, die angesichts der britischen Kolonialgeschichte im Jahr 2018 besonders zentral erscheinen. Scotland: «To see oursels as ithers see us!», kuratiert von Matt Lloyd aus Glasgow, ergründet die eigenständige schottische Identität innerhalb des Königreichs. Das Programm Nature and Its People verdeutlicht den hohen Stellenwert der Natur für das kollektive Bewusstsein der Briten. Ein einigendes und geradezu definierendes Merkmal der Briten ist ihr eigenwilliger Humor in all seinen Facetten, vom rabenschwarzen Sarkasmus über dadaistischen Nonsense bis zur bitterbösen Satire. Auf diese Eigenheit wird The Silly Side of Life eingehen und die Lachmuskeln der ZuschauerInnen strapazieren. Besonders interessant am britischen Kurzfilm ist, dass er sich thematisch oft parallel zum Langfilm entwickelt hat, sich formal jedoch der internationalen Sprache des Kurzfilmformats bedient und diese mitgeprägt hat. Auch deshalb sind britische Kurzfilme seit Beginn regelmässig in den Programmen der Kurzfilmtage vertreten. So hat sich der britische Kunstfilm seit den 1990er Jahren einen Sonderstatus zwischen Filmfestivals (mehrheitlich im Kurzfilm) und dem Kunstmarkt erarbeitet. Unsere Kooperation mit LUX, einem der renommiertesten britischen Verleiher für experimentelles Kino, für das Programm Films in Dialogue: Luke Fowler & Alia Syed steht exemplarisch dafür. Alia Syed beschäftigt sich mit Identitätsfragen und dem kollektiven Bewusstsein, Luke Fowler reiht sich formal in die Tradition des Free Cinema ein – und somit schliesst sich der Kreis. John Canciani Lindsay Anderson, John Fletcher, Tony Richardson, Karel Reisz und Lorenza Mazzetti: «Free Cinema Manifesto», zitiert in Christophe Dupin: Free Cinema (Booklet zur DVD-Kollektion Free Cinema: The Definitive Film Collection, BFI, 2006), S. 7.

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David Forrest: Social Realism: A British Art Cinema. Dissertation, University of Sheffield, 2009, http://etheses.whiterose.ac.uk/10351/.

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Main Focus: This Is Britain Along with France and the United States, Britain was one of the pioneers of film history. Yet British cinema was overshadowed by Hollywood for a long time. International stars such as Charlie Chaplin and later Alfred Hitchcock had their biggest successes in the US, and the most successful British films were often produced by subsidiaries of American companies. After World War II, British cinema was primarily associated with the comedies of the Ealing Studios and the Hammer horror films. It was only in the 1950s that the generation of «angry young men» proposed a trendsetting counterpoint. On 5 February 1956, Lindsay Anderson, Karel Reisz, and Tony Richardson presented their first programme of short films about the life of the working class at London’s National Film Theatre. The Free Cinema movement with its experimental documentaries was born, and with it a countermovement to commercial cinema. With its belief in the poetic potential of reality, the Free Cinema was an important forerunner of later movements such Cinéma vérité and Direct Cinema. Filmmakers increasingly relied on expressive images, instead of spelling everything out in the vein of commercial cinema. Lindsay Anderson described their approach as follows: «As film-makers we believe that no film can be too personal. The image speaks. Sound amplifies and comments. Size is irrelevant. Perfection is not an aim. An attitude means a style. A style means an attitude.»1 Five more Free Cinema programmes followed the first screening, thus paving the way for an independent British cinema and the British New Wave. The British New Wave was characterized by a socio-critical stance, focusing on social structures and class conflict. Although the wave itself was shortlived (1959–1963), it had a huge influence on British cinema. The new themes and aesthetic approaches, which shifted from documentary to fiction film, cemented the status of social realism, which established itself as a key force in British cinema and remains a significant presence to this day. The British New Wave was followed by the big names of social realism such as Ken Loach and Mike Leigh, known for their unconventional and uncompromising works. Loach usually addresses the victimization of the poorest at the hands of capitalism, and he mostly refrains from working with stars. Mike Leigh, in turn, represents a more humanist approach. Rather than directly expressing institutional critique, his films tend to focus on the protagonists. Leigh’s legendary method of shooting without a script and

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developing the story with his actors makes his films seem authentic and approachable, that is, realistic. Alan Clarke, another proponent of social realism, worked mainly for television. His experimental short film «Elephant» (1989), which he made shortly before his death, was a trenchant statement on the conflict in Northern Ireland, and it inspired Gus Van Sant’s eponymous feature film (2003). From the mid-1990s on, new names appeared in connection with social realism, among them Shane Meadows, Lynne Ramsay, and Andrea Arnold. Shane Meadows, who has made over 30 shorts, had his biggest success with his 2006 feature «This Is England» (which provided the inspiration for the title of Kurzfilmtage’s Main Focus). The film is set in the Thatcher era of the 1980s and addresses the dreariness of suburban life – a classic theme of social realism. Lynne Ramsay and Andrea Arnold also draw on the movement in their works, sometimes thematically, sometimes in aesthetic terms. With the emergence of younger generations of filmmakers since the 1980s, the aesthetics of this central form of British cinema have evolved substantially. Today, social realism covers a wider range of themes, addressing a variety of issues relevant to current British society –postcolonialism, the CCTV surveillance state, gender politics – and thus also attracting a broader audience. British film scholar David Forrest sums it up as follows: «social realism [is] not simply a drama-documentary form which reflects contemporary issues, but [...] a complex dramatic and artistic framework which utilises both its themes and its forms to engage its audience in a wholly different manner to mainstream cultural products.»2 This definition has inspired our Main Focus: This Is Britain and it is reflected in most of our programmes. In addition, we address and question the (often romanticized) notions that we as continental Europeans have with regard to the identity, history, and idiosyncrasies of Britain. It’s a Free Cinema, a programme dedicated to the Free Cinema, leads off our focus, followed by British Classics with films by luminaries such as Mike Leigh, Peter Mullan, Lynne Ramsay, Duane Hopkins, and Andrea Arnold. The Kids Are Alright looks at how contemporary British fiction films draw on the legacy of social realism. You’ll Never Walk Alone addresses solidarity, patriotism, nationalism, and, of course, the significance of football. The Female Gaze deals with femininity and postcolonialism; in view of Britain’s colonial history, these two interconnected issues seem particularly relevant today.

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Scotland: «To see oursels as ithers see us!», curated by Matt Lloyd from Glasgow, explores the distinct identity of the Scots within the United Kingdom. The programme Nature and Its People illustrates the key role that nature plays for the Brits’ collective consciousness. And The Silly Side of Life is dedicated to a unifying and defining trait of the Brits, namely their unique humour in all its varieties, from pitch-dark sarcasm to Dadaist nonsense and biting satire – be prepared to exercise your laughing muscles. British short films are especially interesting in that they have developed in parallel to feature films thematically, yet formally, they often draw on the international cinematic language of the short format, which they have influenced in turn. Accordingly, British shorts have been featured in the programmes of Kurzfilmtage from the festival’s beginnings. Since the 1990s, British artists’ film has gained a special status between (short) film festivals and the art market. Our collaboration with LUX, one of the most renowned distributors of experimental cinema in Britain, exemplifies this with the programme Films in Dialogue: Luke Fowler & Alia Syed. Alia Syed addresses issues of identity and collective consciousness, whereas Luke Fowler’s work draws on the tradition established by the Free Cinema – and so the circle is complete. John Canciani Lindsay Anderson, John Fletcher, Tony Richardson, Karel Reisz, and Lorenza Mazzetti: «Free Cinema Manifesto», cited in Christophe Dupin: Free Cinema (booklet for DVD box set Free Cinema: The Definitive Film Collection, BFI, 2006), p. 7.

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David Forrest: Social Realism: A British Art Cinema. PhD thesis, University of Sheffield, 2009, http://etheses.whiterose.ac.uk/10351/.

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The Female Gaze Curated by Delphine Jeanneret, Valentina Zingg

Runtime: 73' Friday, 9 November 2018, 14:30, Casino 2 Saturday, 10 November 2018, 19:30, Kino Cameo

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The Female Gaze Was bedeutet es heutzutage, eine weibliche Perspektive einzunehmen? Weshalb ist der weibliche Blick wichtig, wieso sollte er uns kümmern? Eine weibliche Perspektive bedeutet einen alternativen Standpunkt zur normalen Sichtweise einzunehmen. Doch was ist eine normale Sichtweise? Und wer kontrolliert diese? Blickrichtungen enthüllen (teils verborgene) Machtverhältnisse und Hierarchien. Wenn beispielsweise ein Kameramann eine weibliche Darstellerin filmt, lässt er sie für ihn auftreten. Ihr fehlt die eigene Handlungsmacht. Sie ist nicht bloss ein fetischisiertes Objekt der Begierde für den Kameramann/ männlichen Zuschauer, sondern auch ein Opfer des männlichen Blicks. Auf Film gebannt, von der Kamera geschossen. Der weibliche Blick befreit das fetischisierte weibliche Objekt und verwandelt es in ein gepanzertes Subjekt, das vor künftigen Angriffen sicher ist. Ein wiederbelebtes, vom vermeintlichen Tod wieder auferstandenes Subjekt. Die auferstandene Frau ist allerdings nicht als blosse Gegenspielerin ihres männlichen Gegenübers in einer binären Geschlechterordnung zu verstehen. Stattdessen wollen wir das Weibliche in Bezug auf ein breiter verstandenes Schlachtfeld sehen, nämlich mit Blick auf alle untervertretenen Gruppen, denen von einer männlich dominierten, heteronormativen, eurozentrischen Weltsicht die Kontrolle entzogen wurde. The Female Gaze widmet sich untervertretenen Gruppen und Themen aus weiblicher Perspektive und gibt ihnen eine Stimme. Das Programm bietet alternative Sichtweisen, eine Umkehrung von Kontrollmechanismen, ein transformatives Erlebnis. Dabei ist es kein Zufall, dass wir auf Weiblichkeit in Verbindung mit postkolonialen Aspekten fokussieren, sind letztere doch angesichts von Grossbritanniens kolonialistischer Vergangenheit besonders relevant für das britische Kino. Die Protagonistinnen dieses Programms sind starke Frauen in der postkolonialen Welt, einander schwesterlich verbunden. Sie sind Mütter und Töchter, die das Vereinigte Königreich als ihre Heimat betrachten. «We Need New Names» ist ein Videoessay, in dem sich die Filmemacherin an die Matriarchin der Familie erinnert. Onyeka Igwe aus London geht darin der weiblichen Identität in der nigerianischen Diaspora nach. In «Tell me the story Of all these things» zeigt Rehana Zaman intime Gespräche mit ihren beiden Schwestern, die in zwei verschiedenen Ländern und Kulturen aufgewachsen sind, und thematisiert dabei Emanzipation im

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Kontext des Islam. Auch Michelle Williams Gamaker vollzieht einen emanzipatorischen Akt in «House of Women». Hier geht es um die Neubesetzung einer Rolle aus dem Film «Black Narcissus» von 1946, wo sich eine weisse Schauspielerin mittels Make-up in eine «exotische Verführerin» verwandelte. Der Film zeigt die Audition mit ausschliesslich indischen Expat- resp. britischasiatischen Frauen. Ayo Akingbade liefert mit «Street 66» ein eindrückliches Porträt einer Aktivistin aus Ghana und ihres Einflusses auf das urbane Leben in Süd-London. Und die barbadisch-britische Regisseurin Alberta Whittle zeigt in «A Study in Vocal Intonation» auf, dass Erinnerung und Geschichte nicht immer übereinstimmen. Sie ergreift Besitz von einem Raum, der einst einem Sklavenhändler und Tabak-Lord gehörte. Indem sie sich den Raum performativ aneignet und darin eine Gegenerzählung anstimmt, regt Whittle einen Dekolonisationsprozess an. Begriffen. Blick umgeleitet. Alternative Geschichten entdeckt. Delphine Jeanneret, Valentina Zingg

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The Female Gaze What does it mean to take a female perspective today? Why is the female gaze important, why should we care? To take a female perspective today means to take an alternative point of view to the one normally assumed. But what is a normal point of view? And who controls it? Points of view reveal (sometimes hidden) power relations and hierarchies. For example, when a male cinematographer shoots a female actress, he lets her perform for him. She does not have any agency of her own. Not only is she a desired, fetishized object for the male cinematographer/viewer, she is also a victim of the male gaze. Shot on camera. Caught on film. The female gaze, then, frees the fetishized female object, and transforms it into an armoured subject, safe from ever being shot again. A subject that is revived, resurrected from the assumed dead. The resurrected female, however, is not simply the adversary of her male counterpart in a binary gender order. Rather, we suggest seeing the female in reference to a broader battleground, that is, to all the underrepresented groups whose agency has been stripped away by a male-dominated, heteronormative, and Eurocentric worldview. The Female Gaze looks at – and gives a voice to – underrepresented groups and topics from a female perspective. The programme offers an alternative point-of-view, a reversal of control, a transformative experience. And it is not by chance that we focus on femininity in connection with postcolonial notions, as these have been particularly significant in British cinema due to Britain’s colonial history. The protagonists of this programme are strong women, rooted in sisterhood, living in a postcolonial time. They are mothers, they are daughters, and they call the UK their home. «We Need New Names» is a video essay portraying the filmmaker’s memory of the family matriarch. In it, London-based filmmaker Onyeka Igwe explores contemporary Nigerian diasporic female identity. In «Tell me the story Of all these things» Rehana Zaman addresses female emancipation in a Muslim context by showing intimate conversations with her sisters, brought up in two different countries and cultures. An emancipatory act is also performed by Michelle Williams Gamaker in her short «House of Women». Gamaker recasts a role from the 1946 movie «Black Narcissus», where a white actress used make-up to transform herself into an «exotic temptress». The film shows the audition featuring only Indian expat and British-Asian women. Ayo Akingbade’s «Street 66» powerfully portrays a Ghanaian activist and her influence on

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urban life in South London. Realizing that memory and history do not always correspond, the Barbadian/British director of ÂŤA Study in Vocal IntonationÂť, Alberta Whittle, creates counter-narratives, prompting a process of decolonization. Whittle repossesses and repurposes a space that used to be owned by a slave-trading tobacco lord through her performance in the space. Point taken. Gaze redirected. Alternative narratives found. Delphine Jeanneret, Valentina Zingg

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We Need New Names United Kingdom 2015, 13'30", digital file, colour, English, Doc/Exp Director: Onyeka Igwe Script: Onyeka Igwe Photography: Onyeka Igwe Editor: Onyeka Igwe Sound: Faraz Anoushepoor Production: Onyeka Igwe, Ilford, United Kingdom, onyeka.igwe@gmail.com, www.onyekaigwe.com Distribution: Onyeka Igwe, Ilford, United Kingdom, onyeka.igwe@gmail.com, www.onyekaigwe.com

«We Need New Names» ist ein VideoEssay über die Identität von DiasporaNigerianerinnen. Das Werk erörtert die Widersprüche einer ethnographischen Lektüre einer Beerdigung – jene der Matriarchin der Familie, aus der die Filmemacherin stammt. «We Need New Names» is a video essay about contemporary Nigerian diasporic female identity. It examines the contradictions inherent to an ethnographic reading of the funeral of the filmmaker’s family matriarch. Onyeka Igwe is an artist, filmmaker, programmer, and researcher born and based in London. Her video works have been shown at the Institute of Contemporary Arts in London, Nuit Blanche Toronto, Edinburgh Artist Moving Image, IFF Rotterdam, and Hamburg ISFF. In 2018, she has shows at articule in Montreal, Trinity Square Video in Toronto, and The Showroom in London.

Tell me the story Of all these things United Kingdom 2017, 23'00", digital file, colour, English, Doc/Ani/Exp Director: Rehana Zaman Production: Rehana Zaman, Distribution: Lux Distribution, London, United Kingdom, distribution@lux.org.uk, +44 20 7503 3980

«Tell me the story Of all these things» verwebt verschiedene Erzählstränge miteinander: intime Gespräche zwischen der Künstlerin und ihren zwei Schwestern, ominöse Animationen eines Körpers in Metamorphose, E-LearningTraining auf Prevent und inszenierte Gesten. Der Filmtitel stammt von Theresa Hak Kyung Chas Roman «Dictee», der in vielfältigen Texten Themen von Entwurzelung und Fragmentierung auslotet. «Tell me the story Of all these things» consists of several narrative threads drawing together intimate conversations between the artist and her two sisters, ominous animated visions of a metamorphosing body, e-learning training on Prevent, and staged, performed gestures. The work takes its title from Theresa Hak Kyung Cha’s «Dictee», a novel that deploys a variety of texts to examine themes of dislocation and fragmentation. Rehana Zaman (b. 1982) is based in London. She works with moving images and performance. Her work is concerned with the effect of multiple social dynamics on how individuals and groups relate. These narrative-based pieces, often deadpan and neurotic, are frequently generated through conversation and collaboration with others.

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House of Women United Kingdom 2017, 14'05", digital file, colour, English with German subtitles, Doc/Exp Director: Michelle Williams Gamaker Photography: Tom Wright Sound: Martin Clarke Cast: Arunima Rajkumar/Kelly Hunter/Tina Mander/ Krishna Istha/Jasdeep Kandola Production: somebody nobody productions, London, United Kingdom, Simon Jenkins, Simon.jenkins@somebodynobody.co.uk, +44 79 4761 0907 Distribution: somebody nobody productions, London, United Kingdom, Simon Jenkins, Simon.jenkins@somebodynobody.co.uk, +44 79 4761 0907

1946 fand das Casting für die Tänzerin Kanchi im Film «Black Narcissus» statt. Die weisse Schauspielerin Jean Simmons musste dunkles Make-up tragen, um in die Rolle der «exotischen Verführerin» zu schlüpfen. «House of Women» wiederholt das Casting mit indischen Expats und britisch-asiatischen Frauen der ersten Generation. In 1946, auditions were held for the character of the dancing girl Kanchi in the movie «Black Narcissus». White actress Jean Simmons had to wear dark make-up to become the «exotic temptress». «House of Women» recasts the role, auditioning only Indian expats or first-generation British-Asian women. Michelle Williams Gamaker (b. 1979 in London) works with performance and video in fictional and documentary modes to explore the intergenerational effects of colonialism, especially in the context of postcolonial conditions of exile, alienation, and physical and mental health issues.


Street 66 United Kingdom 2018, 13'40", digital file, colour, English with English subtitles, Doc Director: Ayo Akingbade Photography: Edwin Mingard Editor: James Wreford Music: Oliver Palfreyman, Daniel Ben-Hur Sound: Lones Muaka/Maya Holmes-Hartley Production: Tigerrun Productions, Dorset, United Kingdom Distribution: Ayo Akingbade, ayoeakingbade@gmail.com

Ein Dokumentarfilm über das Leben der Aktivistin Dora Boatemah aus Ghana und ihren Einfluss auf die Wiederbelebung der Siedlung Angell Town im Stadtteil Brixton im Süden von London. The film chronicles the life of Ghanaian housing activist Dora Boatemah and her influence on the regeneration of the Angell Town estate in Brixton, South London. Ayo Akingbade is an artist and filmmaker born in Hackney; she lives and works in London. Ayo studied film at the London College of Communication. In her work she experiments with a range of media. Much of her present focus is on the daily lives of her subjects and on psychogeography.

A Study in Vocal Intonation United Kingdom/Barbados 2018, 8'24", digital file, colour, English, Clip/Exp Director/Script/Photography/Editor/Sound: Alberta Whittle Production/Distribution: Alberta Whittle, albertawhittle@gmail.com

Die Stimme ist ein neues Mittel in meinen Filmen, um Erinnerung, Geschichte und Verlust zu thematisieren. Als ich aus Barbados nach Grossbritannien zog, war mein Verständnis von Geschichte – geerbte Erinnerungen an meine Vorfahren und Familie, aber auch die in der Schule gelehrte Geschichte – plötzlich nichtig, ausradiert, unsichtbar. Die Erkenntnis, dass sich Erinnerung und Geschichte nicht immer überschneiden, inspiriert meine filmische Praxis. (Alberta Whittle) Voice has become a new means of introducing themes of memory, history, and loss into my films. Moving to the UK from Barbados meant that my understanding of history, which was related to inherited memories of my ancestors and living family, but also from history taught in school, was suddenly invalid, erased, and invisible. This realization that memory and history do not always intersect motivates my film practice. (Alberta Whittle) Alberta Whittle’s practice-led research focuses on unravelling concepts of history and memory. She is a board member at SCAN (Scottish Visual Arts Network). Alberta has shared her work in various solo and group shows, including at the 56th Venice Biennale, The Showroom (London), FRAMER FRAMED (Amsterdam), the Gallery of Modern Art (GOMA) and David Dale Gallery (Glasgow), BOZAR (Brussels), RAW Material (Dakar), National Art Gallery (Nassau), and the Apartheid Museum (Johannesburg). Alberta is the 2018 recipient of the Margaret Tait Award.

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The Kids Are Alright Curated by John Canciani

Runtime: 88' Thursday, 8 November 2018, 22:30, Casino 2 Friday, 9 November 2018, 20:00, Casino 2

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The Kids Are Alright Coming-of-Age-Filme zeigen nicht bloss die Entwicklung junger ProtagonistInnen von der Jugend ins Erwachsenenleben, sondern widmen sich auch gesellschaftlichen Themen durch das Prisma der Jugend. Entsprechend reiht sich dieses Programm in die britische Kinotradition des sozialen Realismus ein. Die Kurzfilme spiegeln Hoch- und Tiefpunkte der britischen Gesellschaft mit Fokus auf jugendliche Erfahrungen. In «Candy Floss» wird die Ausreisserin Jasmine vom jugendlichen Showman Shane aufgenommen. Durch die Abenteuer der jungen Aussenseiter erhält das Publikum Einblick in den Trubel und Kampf im Leben von Schaustellern. Regisseur Jed Hart wirft einen schonungslosen Blick hinter die Rummelplatz-Fassade aus Neon-Lichtern, Popmusik und Zuckerwatte. Sam Taylor-Wood lässt in «Love You More» die Liebesgeschichte zweier Teenager vom gleichnamigen Song der Buzzcocks begleiten. «Tower XYZ» ist eine essayistische Vision der Jugend auf den Strassen von London. Autorin und Regisseurin Ayo Akingbade verbindet Betrachtungen zur Stadt mit jugendlichen Wünschen nach einer glücklichen Zukunft. Weit entfernt von der Grossstadt finden wir uns in der schottischen Landschaft von «Exchange & Mart» von Cara Connolly und Martin Clark. Der Kurzfilm kontrastiert intime Momente zwischen Schülerinnen mit den strikten Regeln des Internatslebens. Tom Haines’ «Night of the Foxes» spielt ebenfalls auf dem Land. Auf einem Bauernhof werden wir Zeugen einer jugendlichen Verführung, die in einem packenden Finale das problematische Familienleben der Erwachsenen beleuchtet. Weniger aufregend ist das Leben des Jungen in «Flight of the Pompadour» von Karan Kandhari. Geometrisch komponierte Bilder vermitteln seine Unsicherheit beim Aussuchen eines Outfits für eine Clubnacht mithilfe seiner Mutter. Am Ende sind es die anderen Clubgänger, die ihm zu Beliebtheit und Spass verhelfen. Sara Dunlops «Dreamlands» beschliesst den TeenagerZyklus: Mit dem Ende des Sommers kommt ein neuer Teenager und bricht bestehende Gruppendynamiken auf – neue Experimente können beginnen. Ob Ausreisser, Strassenkinder oder Schülerinnen – die Jugendlichen in diesem Programm haben alle etwas gemeinsam: Sie sind experimentierfreudig. Und dies gilt auch für die FilmemacherInnen, die sich hier mittels Geschichten über das Erwachsenwerden gesellschaftlichen Themen widmen. Valentina Zingg

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The Kids Are Alright Coming-of-age films don’t just show the development of young protagonists from youth to adulthood, they also address social issues through the prism of youth. Accordingly, this programme joins the British cinematic tradition of social realism, with the films reflecting the highs and lows of British society as they are experienced by the young. In «Candy Floss», runaway girl Jasmine is taken in by a teen showman named Shane. The adventures of the young misfits serve to give the viewer insight into the lives of fairground people, their hustle and struggle. Director Jed Hart presents a blunt look behind the neon advertising lights, pop music, and candy floss of the fairground. In «Love You More», Sam Taylor-Wood accompanies the love story of two teenagers with the eponymous Buzzcocks song. «Tower XYZ» offers an essayistic vision of the youth in London’s streets. Writer and director Ayo Akingbade combines deliberations on the city with youthful wishes for a happy future. Far away from the city, we find ourselves in the Scottish scenery of «Exchange & Mart» by Cara Connolly and Martin Clark. The short film contrasts intimate moments of student life with a strict boarding school routine. Tom Haines’s «Night of the Foxes» is also set in the countryside. On a farm, we witness a tale of young seduction that ends in a thrilling finale and a look at troubled adult family life. Less thrilling is the boy’s life in «Flight of the Pompadour» by Karan Kandhari. Geometrically composed images show the protagonist’s insecurity as he prepares an outfit for a club with his mother’s help. In the end, it’s not his mum’s but other clubbing teens’ help that makes him popular and allows him to enjoy his special night out. Sara Dunlop’s «Dreamlands» ends the teenage cycle with an end-of-summer story that brings the arrival of a new teen – the gang’s routine is broken, and new experimentation is about to begin. Whether runaways, children of the streets, or students – the kids in this programme all have one thing in common: they are experimenters. And so are the filmmakers as they address contemporary social issues through stories of adolescence. Valentina Zingg

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Candy Floss

Love You More

Tower XYZ

United Kingdom 2016, 17'38", digital file, colour, English with German subtitles, Fic

United Kingdom 2007, 15'01", 35mm, colour, English with German subtitles, Fic

United Kingdom 2016, 3'03", digital file, colour, English with German subtitles, Fic/Exp

Director: Jed Hart Script: Jed Hart Photography: Daniel Stafford-Clark Editor: Kit Jennings Sound: Sean Mahoney/Joel Neale Cast: Barry Keoghan/Grace Hogg-Robinson Production: HAUS pictures, United Kingdom, info@hauspictures.com Distribution: HAUS pictures, United Kingdom, info@hauspictures.com

Director: Sam Taylor-Wood Script: Patrick Marber Photography: Seamus McGarvey Editor: Lisa Gunning Sound: Eddy Joseph Cast: Andrea Riseborough/Harry Treadaway Production: Anna Leimbrinck, Hamburg, Germany, sales@shortfilm.com, +49 40 3910 6328 Distribution: KurzFilmAgentur Hamburg e.V., Hamburg, Germany, verleih@shortfilm.com, +49 40 3910 6325

Director: Ayo Akingbade Script: Ayo Akingbade Photography: Edwin Mingard Editor: Ayo Akingbade Sound: Tony Bones Production: Ayo Akingbade, United Kingdom, bethostylista@gmail.com Distribution: Ayo Akingbade, United Kingdom, bethostylista@gmail.com

Die junge Ausreisserin Jasmine wird von Showman Shane aufgenommen, der mit einem Jahrmarkt unterwegs ist. Auf ihrer gemeinsamen Flucht vor der Vergangenheit gehen die beiden eine unkonventionelle Beziehung ein, die sie nicht nur näher zueinander, sondern auch in Gefahr bringt. Jasmine, a young teenage girl on the run, is taken in by Shane, a showman who works on a travelling fairground passing through town. As an unorthodox bond between the pair builds, their combined quest to evade the past pushes both characters closer together, and in turn, closer to danger. Jed Hart is an award-winning writer/director with a background in short film and music video. His main interest is in smart, visually striking genre films, and he has a proven track record in getting the most from low budgets. His previous short, the thriller «Daddy’s Girl», was funded by Creative England/BFI. It debuted at Encounters (Bristol) and was selected as a Vimeo Staff Pick.

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Im Sommer 1978 finden zwei Teenager durch ihre Liebe zur Musik der Buzzcocks zueinander. Der in Cannes im Sommer 2007 mit viel Pomp gefeierte Kurzfilm entpuppte sich als internationaler Festivalhit. Mit seinem Retro-Look und dem Blick auf die britische Musikgeschichte kann er als erfolgreicher Versuchsballon für Taylor-Woods Spielfilm «Nowhere Boy» gesehen werden. In summer 1978, two teenagers meet through their love of the Buzzcocks’ music. The film, received with much pomp at Cannes in 2007, became an international festival hit. With its retro aesthetic and its look at British rock history, the short can be seen as a successful trial run for Taylor-Wood’s feature film «Nowhere Boy». Sam Taylor-Johnson (formerly Sam Taylor-Wood) is a British artist and filmmaker. She has been nominated for the Turner Prize and is known for her feature films «Nowhere Boy» and the «Fifty Shades of Grey» trilogy.

Zu einem beschwingten Soundtrack wandern Figuren durch den Asphaltdschungel von London, und eine unbekannte weibliche Stimme reflektiert über den Zustand der Stadt und ihre imaginäre Zukunft. Over a lilting soundtrack, characters wander through London’s concrete jungle as an unknown female voice reflects on the current state of the city and her imagined future. Ayo Akingbade is an artist and filmmaker born in Hackney; she lives and works in London. Ayo studied film at the London College of Communication. In her work she experiments with a range of media. Much of her present focus is on the daily lives of her subjects and on psychogeography.


Exchange & Mart

Night of the Foxes

Flight of the Pompadour

United Kingdom 2013, 15'54", digital file, colour, English with German subtitles, Fic

United Kingdom 2017, 14'17", digital file, colour, English with German subtitles, Fic

United Kingdom 2012, 7'53", 35mm, colour, no dialogue, Fic

Director: Martin Clark/Cara Connolly Script: Cara Connolly Photography: Jamie Cairney Editor: Carmela Iandoli Sound: Jonnie Wilkes/James Savage Cast: Ewen Bremner/Grace Chilton/Tania Van Amse Production: Connolly Clark Films, Glasgow, United Kingdom, connollyclarkfilms@gmail.com Distribution: Connolly Clark Films, Glasgow, United Kingdom, connollyclarkfilms@gmail.com

Director: Tom Haines Script: Tom Haines Photography: Ben Todd Editor: Julian Eguiguren Sound: Lee Grainge Cast: Helen Watkins/Grant Masters/Charmanae Amber/Sam Gittings Production: Tom Haines, info@tom-haines.com Distribution: Tom Haines, info@tom-haines.com

Reg ist ein einsames Mädchen in einem Mädcheninternat in Schottland, wo obskure Sitten herrschen: Ein strenger Selbstverteidigungslehrer soll den Schülerinnen beibringen, sich gegen männliche Übergriffe zu schützen. Dazu gehört auch, dass er Reg auf einem verlassenen Waldweg angreift. Doch Reg reagiert anders als erwartet.

«Night of the Foxes» ist ein Comingof-Age-Thriller über einen jugendlichen Farmarbeiter, der sich mit der Verführung der Bauerntochter unerwarteten Ärger einhandelt. Der scheiternde Betrieb, die sommerliche Hitze und der Alkoholismus des Bauern bilden den Hintergrund, vor dem die Anwesenheit des Jungen ungeahnte, potenziell gefährliche Naturkräfte entfesselt.

Director: Karan Kandhari Script: Karan Kandhari Photography: Bjørn Ståle Bratberg Editor: Herbert Hunger Sound: Sara Lima Cast: Oliver Parsons/Hazel Bawden/Guy Combes/ Celeste Wong Production: Tomboy Films, London, United Kingdom, ben@tomboyfilms.co.uk, +44 20 8962 3456 Distribution: Ben Murray, United Kingdom, benedictmurray@gmail.com

Reg is a lonely girl at a remote Scottish boarding school where paranoia about rape is rife. The unorthodox self-defence class provides the human touch she craves so deeply. When she is attacked in the woods, she knows what she has to do... Cara Connolly and Martin Clark both studied fine art photography at the Glasgow School of Art. Clark went on to the Royal College of Art in London, whereas Connolly continued her practice in Glasgow. Together, they founded the production company Connolly Clark Films.

«Night of the Foxes» is a coming-ofage thriller about a teenage farmworker who gets more than he bargained for when he seduces the farmer’s daughter. Against the backdrop of a failing business, the heat of summer, and the farmer’s descent into alcoholism, the boy’s presence unleashes natural, and potentially dangerous forces. Tom Haines has won several prizes for music clips featuring acts such as Temper Trap, the Civil Wars, and Jon Hopkins. He has also produced commercials for several brands. «Night of the Foxes» premiered at the Rotterdam and London Film Festivals. He continues to expand his practice, developing feature films and television projects.

Er hat alles perfekt vorbereitet: Die Schuhe sind poliert, das Haar zurückgekämmt, die Tolle sorgfältig arrangiert. Und doch stimmt etwas nicht. Als er in Zeitlupe den Rockabilly-Club betritt, begegnet er ausdruckslosen Gesichtern. Er muss seine Cola allein trinken; das Mädchen verlässt die Tanzfläche, sobald er sie betritt; der Barmann schaut durch ihn hindurch. Zum Glück eilen ihm ein paar Jungs zu Hilfe. He has prepared everything so well: his loafers are polished, his hair thoroughly combed back, his quiff meticulously arranged. And yet, something is not quite right. As he enters the rockabilly club in slow motion, everyone gives him a deadpan stare. He has to drink his coke alone; the girl leaves the dance floor the moment he steps onto it; the barman looks straight through him. Thank goodness some lads can rebrand him with the right style. Born in Kuwait in 1981 to an Indian family, Karan Kandhari lived in India and various countries in the Middle East before moving to the UK in 1999 to study film. His short «Hard Hat» has won numerous international awards and – together with «Sidney» and «Flight of the Pompadour» – forms his shortfilm trilogy «A United Howl» about outsiders, loners, and misfits.

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Dreamlands United Kingdom 2016, 14'05", digital file, colour, English with German subtitles, Fic Director: Sara Dunlop Script: Sara Dunlop/James Chappell Photography: Antonio Paladino Editor: Bill Smedley Sound: Alex Bingham (String and Tins) Cast: Emma Appleton/Liam Gardner/Sam Watson/ Joe Madley/Callum Wilson Production: rattlingstick, London, United Kingdom, info@rattlingstick.com, +44 20 7851 2000 Distribution: Ellie Fry, London, United Kingdom, ellie@rattlingstick.com, +44 75 9538 8943

Die 17-jährige Pixie und ihre Freunde haben sich in den letzten Monaten sonderbaren neuen Experimenten hingegeben. Mit dem Spätsommer taucht der unbekannte Blondie auf und bringt die Gruppe – und Pixies Gefühle – auf unerwartete Weise durcheinander. 17-year-old Pixie and her friends have spent the last few months delving into a strange new world of experimentation. When unfamiliar Blondie arrives at the dying end of the summer, the gang’s routine is set to change as Pixie begins to struggle with unexpected feelings. After graduating in film from the University of Westminster, Sara Dunlop was soon named one of the Top 25 Directors to Watch by Creativity Magazine. She has won several prizes for her commercials. «Dreamlands» was in competition at Cannes and has been shown at many festivals.

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Nature and Its People Curated by Andreas BĂźhlmann, Laura Walde

Runtime: 84' Wednesday, 7 November 2018, 14:30, Casino 2 Friday, 9 November 2018, 17:00, Casino 2

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Nature and Its People Saftig grüne Matten, von Sandstrand umgebene Klippenzüge, idyllisch anmutende Lochs in den schottischen Highlands und Küstengebieten bilden den Kern der romantisierten Bilder von den britischen Inseln. Diese Inseln wollen künftig nicht nur politisch einen Sonderweg gehen, sie unterscheiden sich auch in Flora und Fauna von Kontinentaleuropa. Legenden und Mythen sind vielerorts noch so lebendig wie vor Hunderten von Jahren und verdeutlichen, welch hohen Stellenwert die Natur für das kollektive Bewusstsein der Briten hat. Eine einzigartige Natur, deren Ressourcen seit der Industrialisierung jedoch erheblich und dauerhaft verändert bzw. entwendet wurden. Während die zahlreichen Bergwerke bis in die 1970er Jahre Kohle im Überfluss an die Oberfläche beförderten, setzte mit dem Thatcherismus und der damit einhergehenden Privatisierung der Energiekonzerne in den 1980ern eine ausgeprägte Stadtflucht ein, welche die Insel bisher so nicht kannte. Zurück blieben stark dezimierte Arbeiterstädte und leere Fabrikund Bergwerkanlagen, die sich die Natur nun langsam wieder einzuverleiben versucht. Nature and Its People spürt den Weiten der Landschaften und Küsten Grossbritanniens nach und soll das vielschichtige Verhältnis zwischen Mensch und Natur aufzeigen. Die berühmte Zeile «No man is an island» von Shakespeares Zeitgenossen John Donne gilt auch hier: Die Abhängigkeit der Inselbewohner von ihrer Umgebung manifestiert sich in unterschiedlichen Aspekten und ist weit komplexer als die idyllische Ruhe und der Einklang mit der Natur, die uns die touristischen Bilder vermitteln wollen. So erweist sich die vermeintliche Sehnsucht der Insulaner nach Einsamkeit und Isolation zuweilen als Trugschluss. Die Natur lässt die BewohnerInnen immer wieder ihre Härte spüren, jene Rauheit und Stärke, die sich unweigerlich auch auf die britische Seele und die Umgangsformen niederschlägt und die Menschen abhärtet. So verdeutlicht beispielsweise «12 Point Kill» die Gewalt und Schonungslosigkeit, mit denen man sich in der Natur behaupten muss. Das Leben ausserhalb der urbanen Zentren dokumentiert «Last Acre» auf eine bemerkenswerte Art, die weit über gängige Klischees hinausgeht und die Verbindung zwischen Mensch und Natur neu veranschaulicht. Allen Kurzfilmen ist gemeinsam, dass sie die Macht und Überlegenheit der Natur gegenüber ihren BewohnerInnen immer wieder – mal explizit, mal nur unterschwellig – aufzeigen. Die Natur wird selbst zur Protagonistin im

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vielseitigen Mit- und Gegeneinander mit den filmischen Figuren. Härte und Schroffheit treffen auf Mystik und Idylle, wobei diese Pole stets miteinander einhergehen. Die Briten haben sich ihrer Natur angepasst und leben sie entsprechend in ihrem Alltag, wie etwa in «Simon Beck on the Beach» oder «Cailleach» deutlich wird. Andreas Bühlmann, Laura Walde

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Nature and Its People Lush green meadows, cliffs framed by sandy beaches, idyllic lochs in Scotland’s highlands and coastal areas – such are the romanticized images of the British Isles. About to go their own way politically, these isles also differ from continental Europe in their flora and fauna. In many places, myths and legends are as present as they were hundreds of years ago, illustrating the significance of nature for the Brits’ collective consciousness. It is a unique nature whose resources, however, have been substantially and permanently changed and exploited since the beginning of the industrial revolution. While countless mines brought seemingly endless supplies of coal to the surface up until the 1970s, the Thatcherism of the 1980s, with its privatization of energy companies, led to an urban exodus hitherto unknown in the UK. Decimated working-class towns and empty factories and mines remained and are now slowly being reclaimed by nature. Nature and Its People explores the vastness of Britain’s landscapes and coasts, aiming to highlight the complex relationship between humans and nature. The famous line «No man is an island» by Shakespeare’s contemporary John Donne holds very true here. The islanders’ dependence on nature manifests itself in a variety of ways that are much more complex than the idyllic peace and communion with nature often suggested by touristic imagery. The islanders’ alleged desire for loneliness and isolation often turns out to be an illusion. Time and again, nature reminds the inhabitants of its harshness – the coarseness and power that are inevitably reflected in British souls and manners, with people hardened by their environment. «12 Point Kill», for instance, illustrates the violence and ruthlessness needed to assert oneself in nature. «Last Acre» documents life outside the urban centres in remarkable ways surpassing common clichés, instead offering new visions of the connection between humankind and nature. What all the short films have in common is that they demonstrate nature’s superiority over humans – sometimes explicitly, sometimes subliminally. Nature itself serves as a protagonist in cooperation and confrontation with the films’ characters. Juxtaposing the harsh and rugged with the mystical and idyllic, the works remind us that these aspects go hand in hand. The

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Brits have adapted to their natural surroundings, incorporating them into their everyday lives, as exemplified in «Simon Beck on the Beach» or «Cailleach». Andreas Bühlmann, Laura Walde

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12 Point Kill

Last Acre

Ain’t Got No Fear

United Kingdom 2018, 13'46", digital file, colour, English with English subtitles, Fic

United Kingdom 2016, 11'25", digital file, colour, English, Doc/Exp

United Kingdom 2016, 9'55", digital file, colour, English with English subtitles, Doc/Exp

Director: Iain Mitchell Script: Iain Mitchell Photography: David Liddell Editor: Claire Pringle Sound: William Aikman Cast: Shauna Macdonald/Lauren Grace/ Keith McErlean Production: Conundrum Films, Bolton, United Kingdom, iain@iain-mitchell.co.uk, +44 7956 662652 Distribution: Conundrum Films, Bolton, United Kingdom, iain@iain-mitchell.co.uk, +44 7956 662652

Director: Jacob Cartwright/Nick Jordan Photography: Nick Jordan Editor: Jacob Cartwright/Nick Jordan Production: Nick Jordan, Manchester, United Kingdom, nick@nickjordan.info, www.nickjordan.info Distribution: Nick Jordan, Manchester, United Kingdom, nick@nickjordan.info, www.nickjordan.info

Director: Mikhail Karikis Script: Mikhail Karikis/Eddie Pattenden/ Mitchell Robinson/Cherry Smyth Photography: Ellie Kyungran Heo/Will Saunders/ Eddie Pattenden/Mikhail Karikis Editor: Mikhail Karikis Sound: Mikhail Karikis Cast: Eddie Pattenden/Alfie Norman/Connor George/ Jack/Mitchell Robinson/Toby Banks Production: Canterbury, United Kingdom, info@whitstablebiennale.com, +44 1227 824350 Distribution: Mikhail Karikis, London, United Kingdom, mikhail.k@blueyonder.co.uk, +44 7958 155975, www.mikhailkarikis.com

Von ihrem herrischen und gewalttätigen Stiefvater unterdrückt, nimmt eine junge Frau Rache. Ein einzigartiger Thriller inmitten der Natur. Oppressed by her overbearing and violent stepfather, a young woman takes revenge into her own hands. A unique thriller set in the natural landscape. Iain Mitchell (b. 1982) is a writer and director from Scotland. He studied Japanese and Mandarin at university before he went on to pursue a career in wildlife filmmaking. He has made three fictional shorts, which have screened at festivals worldwide. He is currently developing «12 Point Kill» as his first feature.

Ein Dokumentarfilm über eine abgelegene Siedlung selbstgebauter Hütten auf den Sanddünen an der nordwestlichen Küste von England, in der Nähe von Barrow-in-Furness. Der Film porträtiert die soziale und ökologische Topographie dieser abgeschiedenen Gemeinschaft. A documentary portrait centred on a remote settlement of self-built shed and cabin homes, located on the sand dunes of England’s north-west coastline, near Barrow-in-Furness. The film explores the social and ecological topography of this off-grid, outlying community. Jacob Cartwright and Nick Jordan’s collaborative practice is cross-disciplinary, encompassing video, drawing, painting, photography, objects, publications, and events. Their work freely combines elements from the natural world with our multifaceted social and cultural histories. Cartwright & Jordan's work has been shown widely at international exhibitions and film festivals. The artists are based in Manchester, UK.

Ein sumpfiges Industriegebiet im Südosten von England: Als eine Fabrik in der Nähe ihres Dorfes abgerissen wird, singt eine Gruppe von Teenagern zu den Klängen des Abbruchs. Sie rappen über ihr Leben und ihre Zukunftsträume, suchen ihre unterirdischen Verstecke auf und improvisieren eine lärmende Rebellion – auf Polizeihelmen trommelnd – in ihrem geheimen Wald. When demolition of the factory next to their village begins, a group of teenage friends growing up in a remote industrial marshland in South East England sing along to the crushing sounds of the factory. They rap about their lives and expectations for the future, visit their underground hideaways, and improvise a noisy rebellion drumming on police helmets in their secret forest. Greek-British artist Mikhail Karikis has a background in art, architecture, and music, and often collaborates with communities to create projects that highlight alternative modes of human existence, solidarity, and action. He was shortlisted for the 2016 Film London Derek Jarman Award (UK) and the 2015 Daiwa Foundation Art Prize (JP/UK). His films are shown widely and internationally, for instance at IFF Rotterdam and the Venice Biennale.

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Physics

Flow Country

United Kingdom 2012, 12'57", digital file, colour, English, Fic

United Kingdom/Netherlands 2017, 10'13", 35mm, black & white, no dialogue, Doc/Exp

Director: Claire Oakley Script: Claire Oakley Photography: Rob Hardy Editor: Chris Roebuck Sound: Ania Przygoda Cast: Matt King/Jodie Bastow/Maisie Hopkins Production: Quiddity, London, United Kingdom, emily.morgan@me.com, +44 7985 199 566 Distribution: Quiddity, London, United Kingdom, emily.morgan@me.com, +44 7985 199 566

Director: Jasper Baldwin Coppes Script: Jasper Baldwin Coppes Photography: Casper Brink Editor: Jasper Baldwin Coppes Sound: Malu Peeters Cast: Daniel Lee Production: Jasper Baldwin Coppes, Amsterdam, j.b.coppes@gmail.com, +31 6 41204184, www.jaspercoppes.com Distribution: Jasper Baldwin Coppes, Amsterdam, j.b.coppes@gmail.com, +31 6 41204184, www.jaspercoppes.com

Rona (9) lebt in einem heruntergekommenen Küstenort, wo das lokale Kraftwerk die ganze Energie abzusaugen scheint. Ihre Mutter ist krank und ihre beste Freundin Sandi (9) will ausreissen. Als Rona am Strand das Gott-Partikel findet, meint sie darin die dringend benötigte Energie zu entdecken. Rona (9) lives in a run-down seaside town where the local power station seems to be sucking all the energy away. Her mum is ill and her best friend Sandi (9) is planning to run away. When Rona finds the God Particle on the beach, she thinks it may hold the energy they all need. Claire Oakley is a self-taught writer and director with an MA in English literature. Her award-winning short films have played at more than 50 festivals worldwide. Claire’s debut feature «Make Up» stars recent BAFTA winner Molly Windsor and is currently in post-production. She is co-directing a BFI-backed documentary, «My Husband, the Cyborg», and is developing a feature adaptation of Tessa Hadley’s short story «The Swan» with TorinoFilmLab and Creative England.

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Eine apokalyptische Reise durch eine umkämpfte Landschaft im fernen Norden Schottlands. Wie ein visuelles Feldforschungs-Notizbuch vermessen die fragmentarischen Szenen des 16mm-Films die Schichten der Vergangenheit und Gegenwart in einer verwüsteten Landschaft. Die Überreste ökologischer und gesellschaftlicher Veränderungen kommen als historische Dokumente zum Vorschein. The viewer is taken on an apocalyptic journey through a contested site in the Far North of Scotland. Like a visual fieldwork notebook, the fragmented scenes of the 16mm film pose a question: what does it mean to survey the layers of past and present in a desolate landscape? Remnants of ecological and social transformations are brought into view as the historical records of a contested site. Jasper Baldwin Coppes is a visual artist and filmmaker working between Scotland and the Netherlands. His films, sculptures, and text-based works often investigate processes of transformation in the form of narratives imposed on, or inserted into, specific environments.

Simon Beck on the Beach United Kingdom 2018, 11'37", digital file, colour, English with English subtitles, Doc Director: Richard Parkin Photography: Richard Parkin Editor: Richard Parkin Sound: Richard Parkin Cast: Simon Beck (as himself) Production: Richard Parkin, Matlock, United Kingdom, richard@parkin.uk.net Distribution: Richard Parkin, Matlock, United Kingdom, richard@parkin.uk.net

Wir folgen dem Sand-Künstler Simon Beck, der sich beeilt, eine Zeichnung an einem Strand in Somerset fertigzustellen. Up close with sand artist Simon Beck as he races to complete a drawing on a beach in Somerset. Richard Parkin studied philosophy and literature at the University of Warwick and trained as an actor at Bristol Old Vic Theatre School. As a screenwriter, he has collaborated on feature projects across Europe and the Baltics. He has directed four short films and published one illustrated book.


Cailleach United Kingdom 2014, 13'51", digital file, colour, English with English subtitles, Doc Director: Rosie Reed Hillman Photography: Rosie Reed Hillman Editor: Scott Dulson Sound: Rosie Reed Hillman Production: Scrumptious Productions, Glasgow, United Kingdom, +44 7786 864214 Distribution: Scottish Documentary Institute, Edinburgh, United Kingdom, Agata Jagodzinska, agata@scottishdocinstitute.com, +44 131 651 5873

Die 86-jährige Morag vermittelt uns ihre einzigartige Liebe zum Leben weit draussen auf den Äusseren Hebriden vor Schottlands Westküste. Morag, 86, shares her unique love of life out on the edge, on Scotland’s Western Isles. After teaching herself analogue photography in 2001, Rosie Reed Hillman completed an MA in visual anthropology in 2013 and made the multi-award winning «Cailleach» (2014) commissioned by the prestigious Bridging the Gap initiative. She is currently doing a practice-led PhD in interactive documentary at UWE Bristol’s Digital Cultures Research Centre.

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You’ll Never Walk Alone Curated by Andreas Bühlmann, John Canciani

Runtime: 76' Friday, 9 November 2018, 22:30, Casino 2 Sunday, 11 November 2018, 17:00, Casino 1

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You’ll Never Walk Alone 2016 stimmten die Briten über den Austritt des Vereinten Königreichs aus der Europäischen Union ab – den sogenannten Brexit. 51,89% stimmten zu. Doch Grossbritannien ist nicht erst seit dem EU-Referendum tief gespalten, und niemand hat die Insel so sehr entzweit wie Premierministerin Margaret Thatcher. Während ihrer Regierungszeit ging unter anderem der Bergarbeiterstreik (miners’ strike) von 1984/85 in die Geschichte ein. In Orgreave bei Sheffield gerieten 1984 in einer Massenschlägerei 10’000 Kumpel und 3’000 Polizisten aneinander, was zu bürgerkriegsartigen Szenen führte. Wenige Jahre später ereignete sich ein Drama, das viele Arbeiter und ihre Familien noch heute beschäftigt: Am 15. April 1989 starben im Hillsborough-Stadion 96 FCLiverpool-Fans bei einer Massenpanik. Die ganze Nation stand unter Schock. Die «Eiserne Lady» verteidigte die Polizeieinsätze im Stadion und duldete keinerlei Schuldeingeständnis. Erst 27 Jahre später erhielten die Familien der Opfer von Premierminister David Cameron eine Entschuldigung. Das Verhältnis zwischen der britischen Arbeiterklasse und der (oft grossbürgerlich dominierten) Regierung ist seit jeher angespannt. Und auch wenn der Fussball zwischenzeitlich Wunden kaschiert, bleibt der gesellschaftliche Graben allgegenwärtig. Nationalistische und rassistische Tendenzen nahmen im Zuge des freien Marktzugangs innerhalb der Europäischen Union zu. Was ist es also, was Grossbritannien noch zusammenhält? Der Programmtitel You’ll Never Walk Alone zitiert das bekannte Lied, das vor jedem Heimspiel von den Fans des FC Liverpool gesungen wird. Ein Lied, das Hoffnung geben soll. Was auch immer passiert – du wirst niemals alleine sein! Der Song ist für jeden Fussballfan zum Synonym für Solidarität geworden. Unser Programm skizziert die oben beschriebenen einschneidenden historischen Ereignisse auf berührende Art und Weise und macht deutlich, dass Solidarität und das Füreinander-Einstehen essenzielle Anker im Leben der Briten sind. Die Kurzfilme zeigen Momentaufnahmen von Solidarität, Patriotismus, Nationalismus und natürlich Fussball. Sie regen zum Nachdenken an und stellen grundlegende Fragen über die Vergangenheit und Zukunft Grossbritanniens – wie es zur Abstimmung kommen konnte und wie Grossbritannien sein wird, wenn der Brexit vollzogen ist. Andreas Bühlmann, John Canciani

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You’ll Never Walk Alone In 2016, the Brits voted on Brexit, the United Kingdom’s withdrawal from the European Union. 51.89% voted in favour. But Britain has been deeply divided since long before the EU referendum, and nobody has been as divisive in the country’s history as Prime Minister Margaret Thatcher. Among the historically significant events during her tenure was the miners’ strike of 1984/85. In Orgreave near Sheffield, 10,000 miners clashed with 3,000 police in a mass brawl that resulted in civil-war-like scenes. A few years a later, a drama ensued that has left its mark on many workers and their families to this day. On 15 April 1989, 96 supporters of the Liverpool FC died in a mass panic at Hillsborough Stadium. The entire nation was in shock. The «Iron Lady» defended the police operations in the stadium, tolerating no admission of guilt. 27 years would pass until the victims’ families received an apology from Prime Minister David Cameron. The relationship between Britain’s working classes and the (often upper-class) government has been tense for ages. And even if football manages to temporarily paper over the cracks, social rifts remain ubiquitous. Nationalist and racist tendencies increased with the European Union’s open markets. What is it, then, that holds the United Kingdom together today? The title You’ll Never Walk Alone refers to the popular song that is sung by fans of Liverpool FC before every home match. It’s a song that inspires hope. Whatever happens, you’ll never be alone! For football fans, the song has become synonymous with solidarity. Our programme outlines the momentous historic events described above in touching ways, showing how much solidarity and standing up for each other have been mainstays of British life. The short films offer thought-provoking snapshots of solidarity, patriotism, nationalism, and – of course – football. They ask fundamental questions about Britain’s past and future – what enabled the vote and what will the United Kingdom be once Brexit is completed? Andreas Bühlmann, John Canciani

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Joy in People

Tattoo

Black Sheep

France/United Kingdom 2017, 14'58", digital file, colour, French/English/Romanian with English subtitles, Doc/Fic

United Kingdom 2001, 9'07", digital file, black & white, no dialogue, Doc/Exp

United Kingdom 2014, 15'40", digital file, colour, English with English subtitles, Doc

Director: Miranda Pennell Script: Miranda Pennell Photography: Nic Knowland Editor: Philipe Kotlarski Sound: Graeme Miller Production: Miranda Pennell, London, United Kingdom, contact@mirandapennell.com, +44 207 923 3389 Distribution: Miranda Pennell, London, United Kingdom, contact@mirandapennell.com, +44 207 923 3389

Director/Script: Christian Cerami Photography: Simon Plunkett Editor: Sam Haskell Sound: Aidan Mccarthy/Jack Webber Cast: Sam Bates/Jack Bates Production: University of Westminster, London, United Kingdom, filmschool@westminster.ac.uk, +44 207 9115000 Distribution: Christian Cerami, Blackburn, United Kingdom, christian.cerami@gmail.com, +44 791 6622706

Bäume und Tiere schauen zu, wie ein verlorenes Regiment von Soldaten in die Landschaft einmarschiert. Das repetitive militärische Ritual wirkt abwechselnd absurd und unheilvoll. Die perfektionierte und ästhetisierte Choreographie der Soldaten erfüllt eine doppelte Funktion: viele Körper in einen einzigen Körper zu verwandeln und das Publikum mit seiner «umwerfenden» Einheit zu verzaubern.

«Black Sheep» widmet sich dem institutionalisierten Rassismus der Arbeiterschicht in Nordengland aus der Sicht von zwei jungen Brüdern, die zum ersten Mal an einer rechtsextremistischen Kundgebung teilnehmen. Ein feinfühliger Dokumentarfilm über das Patriarchat, die English Defence League, und den Einfluss, den die antiquierten Vorstellungen der Rechtsextremen auf die Beziehung der Jungen ausüben.

Director: Oscar Hudson Script: Oscar Hudson Photography: Ruben Woodin-Dechamps Editor: Oscar Hudson Sound: Luke David Harris Cast: Jason Newell/Roli Okorodudu/ Meredith Colchester Production: BAD Productions, London, United Kingdom, callum@bad.cl, +44 7958 308 759 Distribution: Oscar Hudson, oscarhudson@mac.com

Ben soll öfter ausgehen und Leute treffen. Er nimmt diesen Rat ernst und sucht sich die grössten Menschenmengen, die er findet. Die energiegeladene Doku-Fiktion wirft einen spielerischen Blick auf die oft schwierigen Fragen nationaler Identität im heutigen Europa. Ben is told to get out more and meet people. He takes this advice seriously and heads straight for the biggest crowds he can find. This energetic, performative docu-fiction offers a playful perspective on the often difficult issues of national identity in Europe today. Oscar Hudson learned his craft making skateboarding videos for his friends. Since graduating university, he has continued to hone his skills through a diverse range of projects including short films and documentaries that have been screened at festivals around the world (BFI LFF, Hamburg ISFF, Camerimage, Leeds IFF, Short Waves). He is perhaps best known for his music videos, having directed acclaimed films for the likes of Radiohead, Bonobo, and Young Thug.

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Trees and wildlife look on as the countryside is invaded by a lost regiment of soldiers engaged in a repetitive display. The ritual of military drill is by turns absurd and sinister. The soldiers perform a choreography that has been perfected and aestheticized in order to serve a dual function: to transform many bodies into a single body and to mesmerize onlookers with their «stunning» unity. Miranda Pennell originally trained in contemporary dance and later studied visual anthropology at Goldsmiths (London). Her current practice reworks colonial photographic archives as a material for film. Prior to this, she produced a body of work exploring aspects of collective performance through film and video.

«Black Sheep» examines the institutional racism of the working class in Northern England through the eyes of two young brothers attending their first far-right street rally. This documentary subtly explores Northern patriarchy and the culture of the English Defence League, as the boys navigate through the antiquated views of the far right and the impact it has had on their relationship. Christian Cerami is a documentary filmmaker of British and Italian descent who recently graduated from the Westminster Film School. His debut observational documentary «Black Sheep» is a bleak and hard-hitting look at racism within the working-class youth culture in Northern England. The film is having continued festival success and has been shown around the world.


Who Are We?

Saturday

Some Will Forget

United Kingdom 2016, 3'53", digital file, colour, English, Doc/Exp

United Kingdom 2015, 13'36", digital file, colour, English, Fic

United Kingdom 2016, 15'12", digital file, colour, English with English subtitles, Doc

Director: John Smith Script: John Smith Editor: John Smith Production: John Smith, London, United Kingdom, info@johnsmithfilms.com, +44 7976 731 142, www.johnsmithfilms.com Distribution: Lux Distribution, London, United Kingdom, Alice Lea, alice@lux.org.uk, +44 20 7503 3980

Director: Mike Forshaw Script: Greg Forshaw/Mike Forshaw Photography: Brian Fawcett Editor: Sam Blair Sound: Gunner Óskarsson Cast: Harrison Vaughan/Elizabeth Berrington/ Neil Fitzmaurice Production: Magnified Pictures, jessica@magnifiedpictures.co.uk Distribution: Mike Forshaw, London, United Kingdom, info@saturdayshortfilm.co.uk, +44 79 0099 3125, www.saturdayshortfilm.co.uk

Director: Ruth Grimberg Script: Ruth Grimberg Photography: Ruth Grimberg Editor: Rob Platt Sound: Kenny Clark Production: Ruth Grimberg, London, United Kingdom, ruthgrimberg@me.com, +44 77 1420 1723, ruthgrimberg.com Distribution: Feelsales, Madrid, Spain, Maria Gonzalez Esteban, mariagonzalez@feelsales.com, +34 915 903 920

Am 23. Juni 2016 stimmte Grossbritannien für den Austritt aus der Europäischen Union. «Who Are We?» bearbeitet Material aus einer BBCFernsehdebatte, die einige Wochen zuvor ausgestrahlt wurde. On 23 June 2016 Britain voted to leave the European Union. «Who Are We?» is a reworking of material from a BBC television debate transmitted a few weeks earlier. John Smith (b. 1952) lives and works in London. He studied film at the Royal College of Art. Since 1972, he has made over fifty films, videos, and installations that have been shown in independent cinemas and art galleries around the world. His work has been profiled through retrospective programmes all over the world. Selected filmography: «Dad’s Stick» (2012), «Flag Mountain» (2010), «Throwing Stones» (2004), «Regression» (1999), «Blight» (1996), «Gargantuan» (1992), «Om» (1986), «Leading Light» (1975), «Associations» (1975).

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15. April 1989: Ein Fussballspiel wird das Leben von Liam und die Stadt Liverpool für immer verändern ... Eine fiktionale Geschichte über eine Familie vor dem Hintergrund der Katastrophe im Hillsborough-Stadion, die 96 Liverpool-Fans das Leben kostete. 15 April 1989: a football game is about to affect Liam and the city of Liverpool forever... A fictional account of how the Hillsborough Stadium disaster – which claimed the lives of 96 Liverpool supporters – unfolded for one family back home in Merseyside. Born and raised in Liverpool, Mike Forshaw studied film at Northumbria University before moving to London to study fiction directing at the National Film and Television School. His graduation film premiered at the BFI London Film Festival and his shorts have screened at numerous UK and international film festivals. «Saturday» premiered at Sundance in 2015. For the last three years, Mike has travelled the world directing branded content and short documentaries for companies such as Google, BBC Worldwide, and the National Trust. Mike is an alumnus of TorinoFilmLab and Berlinale Talents and is currently developing his first feature titled «Grain».

In einem nordenglischen Dorf erinnert ein Gedenkmarsch an den Bergarbeiterstreik vor 30 Jahren, wobei eines der letzten britischen Kohlebergwerke kurz vor der endgültigen Schliessung steht. Während Ex-Minenarbeiter Les Moore für das Andenken an die Männer in der Grube kämpft, zeigen sich die wahren Kosten des industriellen Niedergangs und der Vernachlässigung durch die politischen Eliten in London. In a village in Northern England, a march commemorates the miners’ strike of 30 years ago as one of the UK’s last coalmines finally faces closure. As ex-miner Les Moore fights to preserve the memory of the men who worked down the pit, the real cost of industrial decline and neglect from the political elite in London is revealed. Ruth Grimberg is a self-shooting director and parttime lecturer based in London. She has made three short documentaries: «Learning to Swim» (2017) for BBC4/BFI, broadcast in September 2017; «Across Still Water» (2014), and «Some Will Forget» (2016), funded by Film London and Creative England. She has won awards including Best Documentary at Aesthetica Short Film Festival and Open City Docs. Her work has also been selected for the BFI Network Postroom Picks and Short of the Week.


Arnica United Kingdom 2010, 3'44", digital file, colour, English with English subtitles, Doc Director: Des Hamilton Script: Des Hamilton Photography: David Dao Editor: Julia Knight Sound: Dave Williams Production: Buffalo Films, London, United Kingdom Distribution: Des Hamilton Casting, London, United Kingdom, elan@deshamilton.com, +44 207 253 5558

Der Liebesbrief eines Mannes an seinen toten Vater. A man’s love letter to his dead father. Des Hamilton is the founder of Des Hamilton Casting, formed in 2001 with the aim of combining professional and street-cast actors for film projects. For their first project, Lynne Ramsay’s «Morvern Callar», they famously found Kathleen McDermott who had never acted previously and who went on to win a BAFTA for best newcomer. The company has successfully continued to cast via traditional channels (theatrical agents, drama schools, etc.) and from the street for an eclectic mix of projects, including «This Is England».

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The Silly Side of Life Curated by Janis Huber, Stefan Staub

Runtime: 77' Wednesday, 7 November 2018, 17:00, Casino 2 Saturday, 10 November 2018, 20:00, Casino 2

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The Silly Side of Life Der britische Humor ist dafür bekannt, dass er vor Eigenwilligkeit nur so strotzt und so ziemlich alles darf: Er ist trocken, schwarz, unverblümt direkt und teilweise masslos skurril. Ein besonderes Merkmal des britischen Humors ist der spannungsvolle Gegensatz zwischen Understatement und einer mitunter grausamen Direktheit: Ungeheuerlichkeiten werden so präsentiert, als seien sie etwas Alltägliches. Dementsprechend zielt er auffällig oft auf die Absurdität des alltäglichen Lebens ab. Diese Eigenheiten finden sich auch im britischen Kurzfilm. Und entsprechend wirft The Silly Side of Life einen Blick auf einen alltäglichen, teilweise intimen, facettenreichen und intelligent komponierten Humor. Den Auftakt macht mit «Brian and Charles» ein skurriles Mockumentary über einen einsamen Nerd, der sich einen Roboter als Wohnpartner gebaut hat. Mit trockenem Humor lotet der Film die ungewöhnliche Beziehung der beiden schrägen Vögel aus. Der Dokumentarfilm «Fish Story» enthüllt die bizarre Geschichte hinter der Eröffnung eines Aquariums in den 1980er Jahren, zu der nur Gäste mit fischverwandten Nachnamen eingeladen wurden. Moderiert wurde das Ganze von Sir Michael Fish, einem damals populären Wettersprecher der BBC. Der Animationsfilm «Six God Alphabet Peter» ist ein durchgedrehter experimenteller Nonsens, der in seinem anarchischen Humor an Terry Gilliams Animationen erinnert, die einst die Monty-PythonSketche begleiteten. Der bösartigste Film des Programms stammt von der britischen Komikerin Emmerald Fennell, die in ihrem schwarzhumorigen Kurzfilm «Careful How You Go» zeigt, zu welch sadistischen Spässen Frauen fähig sind. Wie gut sich dokumentarische Essays zur Satire eignen, beweist Duncan Cowles in «Taking Stock», indem er auf selbstironische Weise über seinen prekären Alltag als fast 30-jähriger schottischer Filmemacher, der noch immer bei den Eltern lebt, reflektiert. Typisch britisch geht es in der derben Komödie «Stew & Punch» von Simon Ellis zu und her, wo ein Wohnungseinweihungsdinner unter Freunden unter dem Einfluss von Alkohol in einen handfesten Streit ausartet. Zuletzt entführt uns der Animationsfilm «Mr Madila – The Colour of Nothing» in die seltsame Gedankenwelt eines Geistheilers und reizt in bester selbstreflexiver Manier die Grenzen des Genres aus.

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Das Tragische liegt nicht weit vom Komischen, das hat bereits Aristoteles erkannt. So wird auch in diesem Programm die Grenze zwischen Tragik und Komik, Alltäglichem und Ausserordentlichem, trunkener Ekstase und trockener Ernßchterung, Benebelung und Erleuchtung gesucht. Es darf also gelacht werden, doch sollte man dabei in Kauf nehmen, dass einem mitunter das Lachen im Hals stecken bleibt. Janis Huber, Stefan Staub

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The Silly Side of Life British humour is known for its idiosyncrasies and for having virtually no limits. It can be dry, dark, straightforward, and sometimes extremely bizarre. Among its defining characteristics is the tension between a distinct understatement and an occasionally cruel bluntness. Monstrosities are presented as if they were perfectly common everyday occurrences. Accordingly, British humour often targets the absurdities of everyday life. These peculiarities are also present in British short films. The Silly Side of Life thus looks at everyday, sometimes intimate, multifaceted, and intelligently composed examples of humour. The programme opens with «Brian and Charles», a quirky mockumentary about a lonely nerd who has built himself a robot for a roommate. The film explores the unusual relationship between the two strange creatures with plenty of dry humour. The documentary «Fish Story» reveals the odd story of the opening of an aquarium in the 1980s, with a guest list featuring exclusively fish-related last names. The event was hosted by Sir Michael Fish, who was a popular BBC weatherman at the time. The animation «Six God Alphabet Peter» is a wacky piece of experimental nonsense, with an anarchistic humour reminiscent of Terry Gilliam’s animations that accompanied the Monty Python sketches. The programme’s most malicious film, however, comes from a woman: British comic Emmerald Fennell’s darkly funny short «Careful How You Go» demonstrates the sadistic fun women are capable of. In «Taking Stock», Duncan Cowles proves the satirical potential of documentary essays by self-ironically reflecting on his precarious life as a nearly 30-year-old Scottish filmmaker who still lives with his parents. The crude comedy «Stew & Punch» is another specimen of typically British humour, where a flatwarming dinner among friends gets out of hand under the influence of alcohol, ending in a drunken brawl. Finally, the animation «Mr Madila – The Colour of Nothing» takes us into the strange sphere of a spiritual healer’s mental world, pushing the boundaries of the genre in the best self-reflexive manner.

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Tragedy is never far from comedy, as Aristotle discovered a long time ago. Thus, this programme explores the boundaries between the tragic and the comic, the everyday and the extraordinary, between drunken ecstasy and sober disenchantment, obfuscation and enlightenment. Laughing is encouraged, but be aware that the laugh might occasionally die on your lips. Janis Huber, Stefan Staub

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Brian and Charles

Enough

Fish Story

United Kingdom 2017, 12'15", digital file, colour, English with English subtitles, Fic

United Kingdom 2017, 2'19", digital file, colour, no dialogue, Ani

United Kingdom 2017, 13'37", digital file, colour, English with German subtitles, Doc

Director: Jim Archer Script: David Earl/Chris Hayward Photography: Toby Goodger Editor: Jim Archer Sound: James Torrence Cast: David Earl/Chris Hayward Production: MindsEye, London, United Kingdom, info@mindseye.london, +44 20 7636 4100 Distribution: Jim Archer, jim@jimarcher.co.uk

Director: Anna Mantzaris Script: Anna Mantzaris Photography: Donna Wade Sound: André Parklind Cast: Hugo Vieites Caamano Production: Royal College of Art, London, United Kingdom Distribution: Anna Mantzaris, London, United Kingdom, anna.mantzaris@gmail.com, www.annamantzaris.se

Director: Charlie Lyne Script: Charlie Lyne Photography: Charlie Lyne Editor: Charlie Lyne Sound: Mike Woolley Cast: Caspar Salmon Production: Loop, London, United Kingdom, hello@thisisloop.com, +44 791 3207949 Distribution: Charlie Lyne, hello@charlielyne.com

Nach einem besonders harten Winter verfällt Brian in eine tiefe Depression. In seiner kompletten Isolation tut er, was jeder vernünftige Mensch in seiner melancholischen Situation tun würde: Er baut sich einen Roboter. Dieser Robert heisst Charles. After a particularly harsh winter, Brian goes into a deep depression. Completely isolated and with no one to talk to, Brian does what any sane person would do when faced with such a melancholic situation: he builds a robot. Charles is that robot. Jim Archer cut his teeth shooting comedy sketches with friends before writing and directing his debut short film «Intervention». He has also received plaudits for his short films «Phil», «My Sister’s Dollhouse», and «Brian and Charles», being selected as Vimeo’s best of the month Staff Pick.

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Bitterböse und schamlos handeln die Filzfiguren in diesem Stop-MotionEpisodenfilm. Mehrmals verlieren sie ihre Selbstkontrolle und lassen ihren Frust an ihren Mitmenschen aus. The felt figures in this stop-motion film are furious and shameless. They repeatedly lose their self-control, taking their anger out on others. Anna Mantzaris is a Swedish director and animator based in London. She works mainly in stop motion and has a soft spot for things that are sad and funny at the same time. Recently, she worked on Wes Anderson’s «Isle of Dogs» and graduated from the Royal College of Art with an MA in animation in 2018.

Die Suche nach der Wahrheit hinter einer ausgesprochen fischigen Geschichte. A search for the truth behind a fishy tale. Charlie Lyne is a filmmaker and sometime film critic, best known for the feature-length essay films «Beyond Clueless» and «Fear Itself» as well as the Grierson and BIFA award-winning short film «Fish Story». His work has shown at festivals including Sundance, Rotterdam, and SXSW, and was the subject of a full retrospective at the Museum of Contemporary Art in Buenos Aires. He is a 2018 Field of Vision fellow.


Six God Alphabet Peter

Careful How You Go

Taking Stock

United Kingdom 2016, 6'43", digital file, colour, English, Ani/Exp

United Kingdom 2017, 12'40", digital file, colour, English with English subtitles, Fic

United Kingdom 2017, 4'18", digital file, colour, English with English subtitles, Doc/Exp

Director: Peter Millard Script: Peter Millard Photography: Peter Millard Editor: Peter Millard Sound: Peter Millard/Skillbard Production: Peter Millard, London, United Kingdom Distribution: Peter Millard, London, United Kingdom, hellopetermillard@gmail.com, http://hellopetermillard.com/

Director: Emerald Fennell Script: Emerald Fennell Photography: Matthew Emvin-Taylor Editor: Jack Williams Sound: Ed Downham Cast: Daniel Rigby/Madeleine Power/Amy Morgan/ Charlotte Ritchie/Phoebe Waller-Bridge/ Linda Bassett/Yusra Warsama Production: Mother London, London, United Kingdom, ChrisV@motherlondon.com, +44 20 7012 1999 Distribution: Chris Vernon, London, United Kingdom, ChrisV@motherlondon.com, www.motherlondon.com

Director: Duncan Cowles Production: Duncan Cowles, Edinburgh, United Kingdom Distribution: Duncan Cowles, Edinburgh, United Kingdom, dcowles@live.co.uk, +44 782 1163106, www.duncancowles.com

Peter muss sein Alphabet lernen. Der sanfte Weckruf entpuppt sich als Drill. Die Tipps der grinsenden Freunde klingen wie die Parolen der Leistungsgesellschaft. Aus Förderung wird Forderung. Immer schneller, immer besser, bis zum explosiven Ende. Peter has to learn his alphabet. The gentle wake-up call becomes a drill. Tips from his smiling friends sound like the slogans of a meritocracy. Encouragement becomes demand. Quicker, better, on and on, to the bitter end. Peter Millard is from the Malvern Hills in England, but now has a studio in North London after studying at the Royal College of Art. His absurdist hand-painted short animations have been exhibited and shown internationally at several film festivals and galleries.

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Ein schwarzhumoriges Stück PsychoHorror über drei Frauen, die sich sadistischen Vergnügungen hingeben. A darkly comic psychological horror that visits three women as they indulge their taste for recreational cruelty. Careful how you go... Emerald Fennell was born in Hammersmith, London. She is an actress and writer, known for «The Danish Girl» (2015) and «Pan» (2015). «Careful How You Go» (2018) is her directorial debut.

Ein Filmemacher nimmt seine gescheiterten Versuche, profitables Archivmaterial zu drehen, zum Anlass, um über die absurden, banalen und komischen Seiten seiner Tätigkeit als arbeitsloser Freelancer zu reflektieren. Using his failed attempts at creating profitable stock footage, a filmmaker reflects on the absurd, mundane, and funny side of being trapped inside your own head as an out-of-work, self-employed freelancer. Duncan Cowles is a BAFTA Scotland Award-winning documentary filmmaker whose short films «The Lady with the Lamp», «Soft Toffee», «Radio Silence», «Directed by Tweedie», and «Isabella» have been selected for various film festivals at home and internationally, winning a selection of awards, and gaining thousands of online views.


Stew & Punch United Kingdom 2013, 16'40", digital file, colour, English with German subtitles, Fic Director: Simon Ellis Script: Simon Ellis Photography: David Procter Editor: Simon Ellis Sound: Heather Jordan Cast: Marc Ryan-Jordan/Holly Lucas/Joel Morris/ Holly Matthews Production: Bub, Nottingham, United Kingdom, simonellis@bubtowers.com Distribution: Network Ireland Television, Dublin, Ireland, hughie@network-irl-tv.com

Eine Wohnungseinweihung mit Rindsragout und viel Alkohol gerät ausser Kontrolle, als sich das Gastgeberpaar auf ein fröhliches Armdrücken einlässt. A housewarming party with beef stew and much punch spirals out of control when the host couple are sucked into a bout of light-hearted arm wrestling. Simon Ellis’s short films have received many international festival awards and have been presented collectively in retrospective programmes at over a dozen festivals worldwide. His BAFTA- and EFA Award-nominated short film «Soft» won 38 prizes, including the International Jury Prize at Sundance and Best Short Film at the BIFAs. He attends many festivals as either filmmaker or juror and has enjoyed countless sales of his titles to international territories.

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Mr Madila – The Colour of Nothing United Kingdom 2015, 8'36", digital file, colour, English with English subtitles, Ani Director: Rory Waudby-Tolley Script: Rory Waudby-Tolley Sound: Rob Malone Cast: Ken Smart/Gary Pillai Production: Rory Waudby-Tolley, Greenford, United Kingdom, rory_wt@hotmail.co.uk, +44 77 2969 2865 Distribution: Rory Waudby-Tolley, Greenford, United Kingdom, rory_wt@hotmail.co.uk, +44 77 2969 2865

Der Versuch, einen animierten Dokumentarfilm über einen Voodoo-Geistheiler zu machen, nimmt einige Umwege und stolpert ebenso unvermittelt wie unterhaltsam vom Reenactment zum Mockumentary und zurück This attempt to make an animated documentary about a voodoo spiritual healer goes off on a tangent a few times and teeters between re-enactment and mockumentary, with entertaining consequences. Rory Waudby-Tolley is an animator and filmmaker based in London. His Royal College of Art graduation film «Mr Madila» has played at over 40 international film festivals and won over 10 awards, including at Fantoche, Flickerfest, and Palm Springs IFF.


Films in Dialogue: Luke Fowler & Alia Syed Curated by Maria Palacios Cruz

Runtime: 68' Thursday, 8 November 2018, 19:30, Kino Cameo

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Films in Dialogue: Luke Fowler & Alia Syed Films in Dialogue ist eine von Maria Palacios Cruz, Vizedirektorin von LUX, kuratierte fortlaufende Filmreihe, die jeweils das Werk von zwei KünstlerInnen zusammenbringt und von einem Gespräch begleitet wird. Zum 50. Jubiläum der London Film-Makers’ Co-operative im Jahr 2016 präsentierte LUX eine ganzjährige Reihe von «Dialogen» in der Tate Britain, die sich dem Erbe und der heutigen Bedeutung der Kooperative widmete. Alia Syeds frühe 16mm-Filme entstanden Mitte der 1980er Jahre im Rahmen der London Film-makers’ Co-operative, wobei sie auf deren optischen Drucker zurückgriff, um Aspekte von Identität und Darstellung auszuloten. Ihre Arbeit versteht sich als fortlaufende Untersuchung der Rolle der Sprache in der interkulturellen Kommunikation, mit Fokus auf Grenzen und Begrenzungen, Übersetzung und transkulturelle Identität. Von persönlichen Erlebnissen und historischen Ereignissen inspiriert, widmen sich ihre Filme dem subjektiven Verhältnis zu Geschlecht, Ort, Diaspora und Kolonialismus. Die Arbeitsweise, die der britische Künstler, Filmemacher und Musiker Luke Fowler in den letzten 15 Jahren entwickelt hat, ist gleichzeitig einzigartig und kollaborativ, poetisch und politisch, strukturell und dokumentarisch, archivarisch und zutiefst menschlich. Mit Fokus auf diverse Gemeinschaften, Vordenker und die Geschichte der Linken erzählen seine 16mm-Filme von alternativen Strömungen in Grossbritannien, von der Psychiatrie über die Fotografie zu Musik bis hin zur Bildung. Syed und Fowler arbeiten beide in der Tradition des 16mm-Kunstfilms und stammen aus Glasgow, einer Stadt, die auch in ihrem Werk thematisiert wird. Auf die Vorführung ihrer Filme «im Dialog» folgt ein Künstlergespräch. Maria Palacios Cruz

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Films in Dialogue: Luke Fowler & Alia Syed Films in Dialogue is an ongoing screening series at LUX (London) curated by Maria Palacios Cruz that brings together the work of two artists; the screenings are followed by a conversation. To mark the 50th anniversary of the London Film-Makers’ Co-operative in 2016, LUX presented a year-long series of «dialogues» at Tate Britain that revisited the legacy of the Co-op and its significance today. Alia Syed made her early 16mm films at the London Film-makers’ Co-operative in the mid-1980s, using the Co-op’s optical printer as a means to explore issues of identity and representation. Her work proposes an ongoing investigation of the nature and role of language in intercultural communication, with a focus on borders and boundaries, translation, and the trans-cultured self. Her films draw from personal and historical realities in order to address the subjective relationship to gender, location, diaspora, and colonialism. Over the past 15 years, British artist, filmmaker, and musician Luke Fowler has developed a practice that is simultaneously singular and collaborative, poetic and political, structural and documentary, archival and deeply human. With an emphasis on communities of people, outward thinkers, and the history of the left, his 16mm films tell the stories of alternative movements in Britain, from psychiatry to photography to music to education. Syed and Fowler both work in the tradition of 16mm artists’ film and hail from Glasgow, a city that is also a subject in their work. This special screening of their films «in dialogue» will be followed by an artist talk. Maria Palacios Cruz

Mit freundlicher Unterstützung von / with the kind support of

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Swan

Pryia

United Kingdom 1986, 3'00", 16mm, black & white, no sound, Exp

United Kingdom 2012, 11'36", 16mm, colour, no sound, Exp

Director: Alia Syed Photography: Alia Syed Editor: Alia Syed Production: Alia Syed Distribution: Lux Distribution, London, United Kingdom, distribution@lux.org.uk, +44 20 7503 3980

Director: Alia Syed Photography: Alia Syed Editor: Alia Syed Production: Alia Syed Distribution: Lux Distribution, London, United Kingdom, distribution@lux.org.uk, +44 20 7503 3980

Ein weisser Schwan bereitet sich auf den Flug vor, indem er seine Flügel wiederholt biegt, streckt und faltet, als ob ihm eine lange Reise bevorstünde. Durch Wiederholung und Rahmung werden die Grossaufnahmen dekontextualisiert und abstrahiert, bis die natürliche Form zur leeren Projektionsfläche wird, die das Publikum selbst mit Bedeutung versehen kann.

Von oben beobachten wir eine Frau bei einem leidenschaftlichen Tanz. Ihr weisses Kleid wirbelt durch die Luft, ihre erhobenen Arme kreisen über die Leinwand und geben das Tempo für ihren schwindelerregenden, hypnotisierenden Taumel an. «Priya» wurde auf 16mm-Film gedreht, der zuvor in Syeds Garten vergraben war.

A white swan prepares for flight, flexing and caressing, extending and folding its wings repeatedly as if bracing for a long journey. The close-up images of the swan are de-contextualized via repetition and framing, abstracting the natural form until it becomes a blank screen, which the viewer can project their own meaning onto.

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A woman is observed from above in a rapturous dance. Her white dress swirls in the air as her raised arms circle past the screen, setting the steady pace of her dizzying, hypnotic whirl. «Priya» was made with 16mm film that had been buried in Syed’s garden.

The Tenement Films: Anna, Helen, David & Lester United Kingdom 2009, 12'00", 16mm, colour, no dialogue, Doc/Exp Director: Luke Fowler Photography: Luke Fowler Editor: Luke Fowler Production: Luke Fowler Distribution: Lux Distribution, London, United Kingdom, distribution@lux.org.uk, +44 20 7503 3980

Als Preisträger des Film London Jarman Award von 2008 erhielt Luke Fowler den Auftrag, vier Kurzfilme für «3 Minute Wonder», das Kurzfilmprogramm von Channel 4, zu produzieren. Die Filme wurden an vier aufeinanderfolgenden Abenden im April 2009 ausgestrahlt. «Anna», «Helen», «David» und «Lester» bilden eine Porträt-Serie über vier unterschiedliche Menschen, die durch ihren Wohnort verbunden sind – eine Wohnung in einer viktorianischen Siedlung im West End von Glasgow. As the winner of the 2008 Film London Jarman Award, Luke Fowler was commissioned to produce four short films for «3 Minute Wonder», Channel 4’s shorts strand. The four films premiered on television over four consecutive nights in April 2009. Entitled «Anna», «Helen», «David», and «Lester», they are a series of portraits of four diverse individuals brought together through a shared residence – a flat in a Victorian tenement in the West End of Glasgow.


Points of Departure

Depositions

United Kingdom 2014, 16'32", digital file, colour/black & white, English/Urdu, Exp

United Kingdom 2014, 24'27", digital file, colour/black & white, English, Doc/Exp

Director: Alia Syed Photography: Alia Syed Editor: Lucy Harris/Hilary McCusker-Thompson Sound: Crawford Milne Production: Alia Syed Distribution: Lux Distribution, London, United Kingdom, distribution@lux.org.uk, +44 20 7503 3980

Director: Luke Fowler Photography: Luke Fowler Editor: Luke Fowler Sound: Lee Patterson Production: Luke Fowler Distribution: Lux Distribution, London, United Kingdom, distribution@lux.org.uk, +44 20 7503 3980

Die Gegenstände und Orte, die wir nicht zurücklassen können, bilden das Gewebe von «Points of Departure». Der Film ergründet persönliche und kollektive Erinnerungen und meine Beziehung zur Stadt Glasgow. Eine Voice-over beschreibt eine Tischdecke, die ich beim Ausräumen im Haus meines alten Vaters gefunden habe. Der Film ist ein Versuch, die Fäden der Erinnerung, die in diesem banalen Objekt enthalten sind, zu entwirren und im BBC-Archiv ein Bild zu finden, das mit meinen Kindheitserinnerungen an Glasgow verbunden ist. (Alia Syed)

Bilder und Klänge aus dem Fernseharchiv von BBC Scotland bilden den Boden, auf dem Fowler seine flüchtigen Gedanken zu Exzentrik, Kollektivität und verlorenem Potenzial ausstreut. Überlegungen zu Lebensweisen und künftigen Unsicherheiten treffen in einer ruhig-romantischen Montage aufeinander.

The objects and places we cannot leave behind create the tapestry that is «Points of Departure». Exploring themes of personal and collective memory through my relationship to the city of Glasgow, a voice-over describes a tablecloth I retrieved whilst clearing my elderly father’s house. The film attempts to unravel the threads of memory held within this mundane item and to find an image within the BBC archive that relates to my memories of growing up in Glasgow. (Alia Syed)

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Sounds and images from the television archive of BBC Scotland are the soil upon which Fowler scatters his fleeting thoughts on eccentricity, collectivity, and lost potential. Clashes of thoughts on lifestyle choices and future uncertainties are played out in a quietly romantic montage.

Alia Syed (b. 1964 in Swansea) lives between London and Glasgow. She has been making films since the 1980s. Her work has been shown at numerous institutions around the world, including the Whitechapel Gallery, Tate Britain, Tate Modern, LACMA, the Moscow Biennale, and the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid. Luke Fowler (b. 1978 in Glasgow) is an artist, filmmaker, and musician based in Glasgow, whose work explores the limits and conventions of biographical and documentary filmmaking. Fowler won the inaugural Jarman Award in 2008 and was shortlisted for the Turner Prize in 2012.


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British Classics Curated by Stefan Staub

Runtime: 88' Thursday, 8 November 2018, 20:00, Casino 2 Saturday, 10 November 2018, 22:30, Casino 2

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British Classics Es gibt kaum ein Genre, das derart stark mit dem britischen Kino assoziiert wird wie der Sozialrealismus. Von seinen Anfängen im Dokumentarfilm über die Wegbereiter der British New Wave bis hin zu den zeitgenössischen Filmschaffenden spielen die Auseinandersetzung mit den Problemen der Arbeiterschicht sowie der unsentimentale Blick auf soziale Missstände eine zentrale Rolle im britischen Filmschaffen. Dieses Erbe spiegelt sich auch in den Themen und der Ästhetik vieler britischer Kurzfilme wider. Das Programm British Classics zeigt eine Auswahl von Kurzfilmen international renommierter FilmemacherInnen, die das Genre über die letzten 30 Jahre stilistisch geprägt haben. Dementsprechend darf auch Mike Leigh, der neben Ken Loach zu den wichtigsten Vertretern des Genres gehört, nicht fehlen. Sein Kurzfilm «The Short and Curlies» (1987) vereint dabei jene Qualitäten, die auch seine späteren Filme auszeichnen: ein Gespür für authentische Dialoge, ein Hang zu schrägen Charakteren und ein untrüglicher Sinn für das Komische im Alltäglichen. Der Erfolg des Kurzfilms ermöglichte es ihm ein Jahr später, seine Kinokarriere mit «High Hopes» (1988) neu zu lancieren. Bevor Peter Mullan als Schauspieler mit Filmen wie «Trainspotting» (1996) oder «My Name Is Joe» (1998) bekannt wurde und mit «The Magdalene Sisters» (2002) auch als Regisseur Erfolg hatte, gelang ihm mit dem Kurzfilm «Fridge» (1995) ein kleines Meisterwerk des britischen Realismus. Angesiedelt in einem Sozialbau in Glasgow erzählt er die Geschichte zweier obdachloser Alkoholiker, die einen Jungen aus einer Tiefkühltruhe zu befreien versuchen. Die hochdramatische Geschichte, kombiniert mit naturalistischem Schauspiel und kühlen, düsteren Schwarz-Weiss-Aufnahmen, lässt das Publikum unweigerlich in das freudlose Milieu der schottischen Arbeiterschicht eintauchen. Auch in Lynne Ramsays Kurzfilmen steht die schottische Arbeiterklasse im Zentrum. Hier jedoch ist der Realismus stärker auf die innere Gefühlswelt sowie die Perspektive der Figuren gerichtet. «Gasman» (1998) taucht in die Wahrnehmung eines Mädchens ein, das an einer Weihnachtsfeier mit seinem Vater feststellt, dass es wahrscheinlich noch weitere Geschwister hat. Wie das Mädchen mit dieser Erkenntnis umgeht, steht im Zentrum der Geschichte. Dieser «Realismus der Innerlichkeit», der Ramsays preisge-

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krönte Kurzfilme auszeichnet, prägt auch ihre späteren Langfilme wie zum Beispiel «Ratcatcher» (1999) oder «We Need to Talk About Kevin» (2011). Duane Hopkins zeigt in «Field» (2001), wie die alltägliche Langweile von Jugendlichen in einem sinnlosen Akt der Grausamkeit mündet. Inszeniert mit Laiendarstellern entsteht hier der Eindruck von Realismus weniger über eine naturalistisch erzählte Geschichte, als über die fragmentarische Montage und das kunstvolle Zusammenspiel von Bild- und Tonebene. «Field», der seine Premiere 2001 in Cannes im Rahmen der Semaine de la Critique feierte, war auch der Startschuss für die unabhängige Produktionsfirma Third Films, über die neben Hopkins’ eigenen Filmen auch zahlreiche weitere kurze Sozialdramen wie zum Beispiel «Jade» (2009) von Daniel Elliott produziert wurden. Samm Haillay, Mitgründer und führender Produzent bei Third Films, ist als Keynote-Speaker des Industry Lab bei den Kurzfilmtagen zu Gast. Die Kurzfilme von Andrea Arnold sind wiederum stärker vom Sozialrealismus eines Ken Loach oder Mike Leigh inspiriert. Der tägliche Kampf der Mittel- und Arbeiterklasse gegen die Unwägbarkeiten des Alltags wird hier jedoch aus einer dezidiert weiblich-feministischen Perspektive dargestellt. Die Protagonistin von «Wasp» (2003) ist eine junge alleinstehende Mutter, die mit der Erziehung ihrer Töchter heillos überfordert ist. Arnold, die selbst im Arbeitermilieu aufgewachsen ist, wurde dafür mit dem Oscar für den besten Kurzfilm ausgezeichnet. 2009 gewann sie dann mit ihrem Langspielfilm «Fish Tank» den Jurypreis in Cannes und bewies damit, dass sich der britische Realismus noch immer am Puls der Zeit bewegt. Stefan Staub

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British Classics No other genre is as closely associated with British cinema as social realism. From the earliest documentaries and the pioneers of the British New Wave to contemporary filmmakers – the problems of the working classes and the unsentimental look at social injustices have always played a central role in British filmmaking. This legacy is also mirrored in the themes and aesthetics of many British short films. The programme British Classics presents a selection of shorts by internationally renowned filmmakers who have shaped the style over the past 30 years. Thus, the programme inevitably includes Mike Leigh, who has been one of the genre’s key exponents alongside Ken Loach. Leigh’s short film «The Short and Curlies» (1987) combines all the qualities that characterize his later works: a flair for authentic dialogue, a penchant for oddball characters, and an infallible intuition for the comical aspects of everyday life. The film’s success allowed Leigh to relaunch his cinematic career a year later with «High Hopes» (1988). Before Peter Mullan became a well-known actor in films such as «Trainspotting» (1996) and «My Name is Joe» (1998) as well as a successful director («The Magdalene Sisters», 2002), he created a little masterpiece of British realism with his short film «Fridge» (1995). Set in a housing project in Glasgow, it tells the story of two homeless alcoholics who attempt to rescue a boy from a deep-freezer. The highly dramatic story, combined with naturalist acting and stark black-and-white images, inevitably immerses the audience into the bleak milieu of the Scottish working class. Lynne Ramsay’s short films also focus on the Scottish working class, but her realism is directed more towards the inner emotional world and perspective of her characters. «Gasman» (1998) is narrated from the point of view of a girl who, while celebrating Christmas with her father, finds out that she probably has additional siblings. The girl’s reaction to this revelation is at the centre of the story. The «realism of interiority» that characterizes Ramsay’s award-winning shorts also shapes her later feature films such as «Ratcatcher» (1999) or «We Need to Talk About Kevin» (2011). «Field» (2001) by Duane Hopkins shows how the everyday boredom of teenage life leads to a senseless act of violence. Using amateur actors, this

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film relies less on naturalistic storytelling, and more on fragmentary editing and the artful interplay of sound and image to create its impression of realism. «Field», which premiered at the Semaine de la Critique in Cannes in 2001, was also the first project of the independent production company Third Films, which went on to produce many short social dramas, including «Jade» (2009) by Daniel Elliott, in addition to Hopkins’s own films. Samm Haillay, cofounder and head producer at Third Films, will appear as a keynote speaker at Kurzfilmtage’s Industry Lab. Andrea Arnold’s short films are more directly inspired by the social realism of Ken Loach and Mike Leigh. However, the daily struggle of the middle and working classes against life’s uncertainties is presented from a decidedly feminine/ feminist perspective here. The protagonist of «Wasp» (2003) is a young single mother who is hopelessly overwhelmed with the task of raising her daughters. Arnold, who herself grew up in a working-class family, received the Oscar for Best Short Film for «Wasp». And in 2009, her feature film «Fish Tank» was awarded the Jury Prize at Cannes, proving how much British realism still hits the nerve of the times. Stefan Staub

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The Short & Curlies

Fridge

Gasman

United Kingdom 1987, 17'05", digital file, colour, English with English subtitles, Fic

United Kingdom 1995, 20'01", digital file, black & white, English with English subtitles, Fic

United Kingdom 1998, 14'19", digital file, colour, English with English subtitles, Fic

Director: Mike Leigh Script: Mike Leigh Photography: Roger Pratt Editor: Jon Gregory Cast: Alison Steadman/Sylvestra Le Touzel/ David Thewils/Wendy Nottingham Production: Channel 4, London, United Kingdom Distribution: Park Circus Group, Glasgow, United Kingdom

Director: Peter Mullan Script: Peter Mullan Photography: Grant Cameron Editor: Colin Monie Cast: Gary Lewis/Vicki Masson/Laurie Ventry Production: Frances Higson Distribution: National Library of Scotland – Moving Image Archive, Glasgow, United Kingdom, movingimage@nls.uk, +44 845 366 4600

Director: Lynne Ramsay Script: Lynne Ramsay Photography: Alwin H. Küchler Editor: Lucia Zucchetti Cast: Lynne Ramsay Jr./Martin Anderson/ James Ramsay/Denise Flannagan Production: Holy Cow Productions, Gavin Emerson Distribution: National Library of Scotland – Moving Image Archive, Glasgow, United Kingdom, movingimage@nls.uk, +44 845 366 4600

Eine leichtfüssige Komödie über eine gesprächige Friseurin, ihre scheue Tochter Charlene und eine ihrer Kundinnen, Joy. Joy arbeitet in einer Drogerie und wird von Clive, der immer einen Spruch auf den Lippen hat, über die Ladentheke angebaggert.

In einem armseligen Mietshaus in Glasgow sperren zwei Halbstarke einen hilflosen Jungen in einem kaputten Gefrier-Kühlschrank ein.

This lighthearted comedy, made after three weeks of rehearsal, concerns a chatty hairdresser, Betty, her shy daughter Charlene, and one of her customers, Joy. Joy works in a chemist’s shop and is chatted up by Clive over the Durex counter. Mike Leigh was born in 1943 in Salford, England. He is an award-winning director and writer for film and theatre. His works include «Secrets & Lies» (1996), «Happy-Go-Lucky» (2008), and «Another Year» (2010).

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In a squalid tenement building in Glasgow, two toughs lock a helpless young boy inside a broken fridge-freezer.

Der in Cannes und bei den BAFTA Scotland Awards preisgekrönte Film erzählt vom Doppelleben eines hinterlistigen Vaters in den 1970er Jahren und arbeitet so die Erfahrungen der damaligen Arbeiterklasse in Schottland heraus.

Peter Mullan is an actor and an acclaimed art house movie director. He won a Golden Lion at the 59th Venice International Film Festival for «The Magdalene Sisters» (2003), was nominated for a BAFTA for best British film and a European Film Award for best film. He is the only person to win top prizes both for acting (best actor award at Cannes) and for the best film at major European film festivals.

Winning awards at Cannes and the BAFTA Scotland Awards, the film tells the story of a deceitful father’s double life in the 1970s, crystallizing the working-class experience in Scotland at the time. Lynne Ramsay is a director and writer from Glasgow, Scotland, best known for her feature films «Morvern Callar» (2002), «We Need to Talk About Kevin» (2011), and «A Beautiful Day» (2017). In 2013, she was a member of the main competition jury at Cannes.


Field

Wasp

United Kingdom 2001, 10'38", 35mm, colour, English with German subtitles, Fic

United Kingdom 2003, 25'46", 35mm, colour, English with German subtitles, Fic

Director: Duane Hopkins Script: Duane Hopkins Photography: Lol Crawley Editor: Duane Hopkins/Samm Haillay Sound: Andrew Green Cast: Kevin Firkins/Tim Dyer/James Peacey Production: Third Films, Newcastle Upon Tyne, United Kingdom, sammhaillay@gmail.com, +44 786 6559541 Distribution: KurzFilmAgentur Hamburg e.V., Hamburg, Germany, verleih@shortfilm.com, +49 40 3910 6325

Director: Andrea Arnold Script: Andrea Arnold Photography: Robbie Ryan Editor: Nicholas Chaudeurge Sound: Neil Herd Cast: Natalie Press/Danny Dyer/Jodie Mitchell Production: Andrea Arnold, Distribution: KurzFilmAgentur Hamburg e.V., Hamburg, Germany, verleih@shortfilm.com, +49 40 3910 6325

In einem kleinen Dorf schlagen drei Jugendliche die Zeit tot. A film about the isolation and boredom that provincial life can inflict on teenagers. Duane Hopkins (b. 1973 in the UK) studied painting and photography at art school. His short films have been well received on the festival circuit and won several awards. Hopkins co-owns Third Films with his producing partner Samm Haillay. He is currently also developing photographic and installation projects.

Die alleinerziehende Mutter Zoe hat kein Geld und ihre Kinder sind hungrig. Zufällig trifft sie Dave, einen alten Schwarm, der mit ihr ausgehen möchte. Da sie ihm nicht von ihren Kindern erzählen will, lässt sie diese vor dem Pub warten. Das Versteckspiel fliegt erst auf, als eine Wespe, die nach Futter sucht, die Situation zum eskalieren bringt. Zoe, a single mum, is broke and her kids are hungry. She bumps into Dave, a bloke she used to fancy. When he asks her out, she lies about having kids and leaves them outside the pub. Nearby, a bin attracts wasps looking for food. Andrea Arnold, born in Dartford, is an English director and writer. She made her debut with two short films, «Milk» in 1998 and «Dog» in 2001. In 2005 she won the Academy Award for Best Live Action Short Film for «Wasp». She has since directed several feature films, including «Red Road» (2006), «Fish Tank» (2009), and «American Honey» (2016), all of which won the Jury Prize at Cannes.

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It’s a Free Cinema Curated by Andreas Bühlmann, Janis Huber

Runtime: 81' Sunday, 11 November 2018, 12:30, Casino 2

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It’s a Free Cinema Rückblickend scheinen die «zornigen jungen Männer» viel mehr bewirkt zu haben, als sie für möglich hielten. Mit den sechs Filmprogrammen, die von 1956 bis 1959 unter dem Label Free Cinema im National Film Theatre in London präsentiert wurden, wuchs eine neue Generation von britischen Filmschaffenden heran, die später die British New Wave prägen sollten. Der damals noch unbekannte Filmkritiker Lindsay Anderson initiierte die Free-Cinema-Bewegung gemeinsam mit seinen jungen Kollegen vom Magazin Sequence, Tony Richardson und Karel Reisz. Das britische Kino durchlebte damals eine Krise, geprägt von Kinosterben und einem starken Zuschauerrückgang. Die Initianten der Bewegung wollten sich bewusst abwenden vom Mainstream-Unterhaltungskino und von der dominierenden Dokumentarfilmpraxis. Der Dokumentarfilm sollte wegkommen vom soziologischtheoretischen Zugang der Vorkriegsjahre, der vor allem durch John Grierson geprägt war und den Anderson als unterkühlt und unpersönlich empfand. So forderte er 1956 in seinem polemischen Essay «Stand Up! Stand Up!» in der Zeitschrift Sight and Sound ein sozial engagiertes Kino mit persönlicher, poetischer und emotionaler Note. Die Darstellung des Alltäglichen in seiner ganzen Vielfalt war ein bewusst gesetzter Kontrapunkt zum mit Stereotypen behafteten britischen Kino und wurde zum Kern der Bewegung. Am 5. Februar 1956 präsentierte Anderson zusammen mit Reisz, Richardson und Lorenza Mazzetti, der einzigen weiblichen Stimme in der männerdominierten Gruppe, das erste Free-Cinema-Programm mit den dokumentarischexperimentellen Kurzfilmen «O Dreamland», «Momma Don’t Allow» und «Together» im National Film Theatre. Das Ziel war Filmen, die anderweitig nicht gezeigt wurden, eine Plattform zu bieten. Der Anlass gewann die Aufmerksamkeit der Medien und war ein grosser Erfolg mit durchwegs ausverkauften Vorführungen. Damit waren die Weichen für die vorerst noch ungeplanten folgenden fünf Programme gestellt. Bis 1959 wurden nebst eigenen Produktionen auch Filme von internationalen Verbündeten gezeigt, etwa von den Schweizer Talenten Alain Tanner und Claude Goretta («Nice Time», 1957). Unser Programm It’s a Free Cinema zollt dieser Bewegung der 1950er Jahre in einer Auswahl prägender Werke Tribut. Das eigentliche Free Cinema ging mit dem sechsten und letzten Dokumentarfilmprogramm 1959 zu Ende, doch seine Filmsprache und methodischen

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Grundsätze beeinflussten direkt oder indirekt viele Folgebewegungen. Unzählige dokumentarische Strömungen und Filmkollektive entstanden in den 1960er und 70er Jahren und entwickelten weiter, was in der sogenannten «angry decade» unter anderem mit dem Free Cinema begründet wurde. Ähnliche Tendenzen liessen sich etwa in Frankreich mit dem Cinéma vérité oder in Nordamerika mit dem Direct Cinema beobachten. Anderson («If...», 1968), Reisz («Saturday Night and Sunday Morning», 1960) und Richardson («A Taste of Honey», 1961) verabschiedeten sich in der Folge vom Dokumentarfilm, beeinflussten aber mit ihren Spielfilmen, welche die Grundhaltung des Free Cinema mittrugen, die British New Wave massgeblich. Diese Bewegung thematisierte vor allem das Leben der Arbeiterklasse in Nordengland. Die Filme waren oft in Schwarz-Weiss gedreht und bemühten sich um einen fast dokumentarischen Realismus, der das britische Kino bis heute prägt. It’s a Free Cinema bildet somit gewissermassen den Startpunkt für zahlreiche weitere Filmprogramme unseres diesjährigen Grossen Fokus. Andreas Bühlmann, Janis Huber

Mit freundlicher Unterstützung von

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It’s a Free Cinema Retrospectively, the «angry young men» of the 1950s seem to have accomplished much more than they deemed possible at the time. With the six film programmes that were presented under the label Free Cinema at London’s National Film Theatre from 1956 to 1959, a new generation of British filmmakers emerged – a generation that would later shape the British New Wave. Film critic Lindsay Anderson, little known at the time, initiated the Free Cinema movement with his young colleagues from the magazine Sequence, Tony Richardson and Karel Reisz. British cinema was experiencing a crisis at the time, with many cinemas closing and audience numbers declining. The founders of the Free Cinema movement deliberately turned their backs on mainstream cinema as well as on the dominant practices in documentary filmmaking. They wanted documentary to break with the sociologicaltheoretical approach of the pre-war years associated with John Grierson, which Anderson found to be too distanced and impersonal. In his polemical 1956 essay «Stand Up! Stand Up!» in the magazine Sight and Sound, he demanded a socially conscious cinema with a personal, poetic, and emotional touch. The depiction of the everyday in all its diversity became the core of the Free Cinema movement, and an intentional counterpoint to the mainstream of British cinema, which was fraught with stereotypes. On 5 February 1956, Anderson and his colleagues Karel Reisz, Tony Richardson, and Lorenza Mazzetti – the only female voice in the male-dominated group – presented the first Free Cinema programme, which featured the experimental documentary shorts «O Dreamland», «Momma Don’t Allow», and «Together». The aim was to give a platform to films not shown elsewhere. Having attracted the media’s attention, the event was a big success and all screenings were sold out. This set the course for the following five programmes (which were not yet planned at the time). Apart from their own productions, the British filmmakers also featured works by international allies, among them Swiss talents Alain Tanner and Claude Goretta («Nice Time», 1957). Our programme It’s a Free Cinema pays tribute to this movement of the 1950s by showing a selection of defining works. The Free Cinema proper came to an end after the sixth and final documentary programme in 1959. But the movement’s cinematic language and methodological principles would directly or indirectly influence numerous subse-

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quent movements. In the 1960s and 70s, countless documentary trends and film collectives emerged, further advancing what had originated in the «angry decade», not least due to the Free Cinema. Similar tendencies emerged in France with Cinéma vérité or in North America with Direct Cinema, among others. Anderson («If... », 1968), Reisz («Saturday Night and Sunday Morning», 1960), and Richardson («A Taste of Honey», 1961) subsequently bid farewell to documentary film, but their fictional works continued in the spirit of the Free Cinema and went on to influence the British New Wave. This movement was primarily dedicated to addressing the life of the working classes in Northern England. The films were often shot in black-and-white and aimed for a near-documentary realism, which continues to shape British cinema to this day. Thus, It’s a Free Cinema in a sense serves as a point of departure for many other film programmes of our Main Focus. Andreas Bühlmann, Janis Huber

With the kind support of

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Gala Day

Momma Don’t Allow

Enginemen

United Kingdom 1963, 24'52", 16mm, black & white, English, Doc

United Kingdom 1956, 21'18", 16mm, black & white, English, Doc

United Kingdom 1959, 17'00", 16mm, black & white, English, Doc

Director: John Irvin Script: John Irvin Photography: John Mantell/Alan More/ Maurice Hatton/Ian Wilson Editor: David Naden Sound: John Fletcher Production: Mithras Films, United Kingdom, British Film Institute Experimental Film Fund, United Kingdom Distribution: British Film Institute, London, United Kingdom, info@bfi.org.uk, +44 20 7957 8938

Director: Karel Reisz/Tony Richardson Script: Karel Reisz/Tony Richardson Photography: Walter Lassally Editor: John Fletcher Sound: John Fletcher Production: British Film Institute Experimental Film Fund, United Kingdom Distribution: British Film Institute, London, United Kingdom, info@bfi.org.uk, +44 20 7957 8938

Director: Michael Grigsby Script: Michael Grigsby Photography: Andrew Hall/Ewan Halleron/ Eric Harrison Editor: Christopher Faulds Sound: Michael Sale Production: United Five Seven, United Kingdom, British Film Institute Experimental Film Fund, United Kingdom Distribution: British Film Institute, London, United Kingdom, info@bfi.org.uk, +44 20 7957 8938

Die Stadt Durham schläft nicht lange an diesem Sonntagmorgen. Es ist Gala Day, ein jährliches Fest für die lokale Kohleindustrie und -gewerkschaft. Nachdem alle Vorbereitungen getroffen sind, eröffnet die Parade das grosse Fest. Es wird bis tief in die Nacht gefeiert und die 16mm Bolex-Kamera wirft einen unwertenden, intimen Blick auf Alles und Jeden. The city of Durham doesn’t sleep late on this Sunday. It’s the day of the annual miner’s gala, a celebration of the local coal industry and union. Once everything is prepared, a parade opens the gala. The party continues late into the night and the 16mm Bolex camera casts a non-judgmental, intimate look at everything and everybody. John Irvin (b. 1940) is an English film director. He began his career by directing a number of documentaries and television works in the 1960s. He made several Hollywood films in the 1980s, including «The Dogs of War» (1980), «Ghost Story» (1981), and «Hamburger Hill» (1987).

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Chris Barbers Jazzband bereitet sich in einem Club auf das Konzert am Abend vor, während junge Leute aus der Arbeiterschicht enthusiastisch ihre Arbeitsplätze verlassen und in Richtung Konzert strömen. Ein schwungvoller Ausflug in den Wood Green Jazz Club in London, wobei die Kamera auch Zeuge von Klassendifferenzen wird. Chris Barber’s jazz band is preparing for the evening’s show at a club, while young working-class people are enthusiastically leaving work and flocking to the club. A lively excursion to the Wood Green Jazz Club in London, where the camera also captures class differences, among other things. Karel Reisz (1926–2002) was one of the pioneers of the new realist strain in British cinema during the 1950s and 60s. Although his oeuvre comprises only ten feature films, he is regarded as one of the seminal directors of English film history. Tony Richardson (1928–1991) was an English theatre and film director and producer whose career spanned five decades. In 1955, he had his directing debut and began to be active in Britain’s Free Cinema movement. In 1964, he won the Academy Award for Best Director for «Tom Jones».

Frühmorgens ausserhalb von Manchester müssen die Lokführer Züge warten und für die Fahrt testen. Nebst der harten Arbeit bleibt auch Zeit für Pausen, Essen und Gespräche. Nostalgisch sinnieren die Arbeiter über ihre berufliche Zukunft und die Modernisierung durch Dieselmotoren. Über zwei Jahre hinweg gefilmt, ist «Enginemen» ein bildgewaltiger Dokumentarfilm, der Nähe zu seinen Subjekten schafft. Early in the morning near Manchester, the enginemen service and test trains. In between their hard work, there’s time for breaks, food, and conversation. Nostalgically, the workers ponder their future and modernization due to diesel engines. Filmed over the course of two years, «Enginemen» is a visually stunning documentary offering an intimate view of its subjects. The filmography of Michael Grigsby (1936–2013) spans six decades and consists of nearly 30 films. Grigsby occupies a unique position in British documentary filmmaking, having witnessed and commented on many of the dramatic changes in British society (and beyond) from the late 1950s into the next century.


Nice Time United Kingdom 1957, 17'39", 16mm, black & white, English, Doc Director: Alain Tanner/Claude Goretta Script: Alain Tanner/Claude Goretta Photography: John Fletcher Editor: Claude Goretta/Alain Tanner Cast: John Fletcher Production: British Film Institute Experimental Film Fund, United Kingdom Distribution: British Film Institute, London, United Kingdom, info@bfi.org.uk, +44 20 7957 8938

Zeitungs- und Sandwichverkäufer, Polizisten, Prostituierte, feiernde Leute und «God Save the Queen» auf dem Soundtrack – wohl eines der poetischsten Werke der Free-CinemaBewegung zeichnet «Nice Time» ein Grosstadtporträt über das vielfältige Nachtleben um den Piccadilly Circus in London, bis in die frühen Morgenstunden. Newspaper and sandwich vendors, policemen, prostitutes, partygoers, and «God Save the Queen» on the soundtrack: «Nice Time» is one of the most poetic works of the Free Cinema movement, painting a city portrait through a montage of the many-faceted night life around London’s Piccadilly Circus. Swiss filmmakers Alain Tanner (b. 1929) and Claude Goretta (b. 1929) made their first film «Nice Time» together while Tanner was working at the British Film Institute in 1955. The debut film won a prize at the Venice Film Festival and garnered critical praise. Both directors continued their internationally successful careers until the early 2000s.

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Scotland: ÂŤTo see oursels as ithers see us!Âť Curated by Matt Lloyd

Runtime: 77' Sunday, 11 November 2018, 14:30, Casino 1

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Scotland: «To see oursels as ithers see us!» Schottlands Selbstbild ist in mehrere Schichten von Widersprüchen verpackt. Die Schotten verspüren sowohl Stolz als auch Scham für eine Identität, die grösstenteils für ausländische Touristen erfunden wurde – von der Popularisierung des Karostoffs, nachdem der englische Monarch George IV 1822 einen Kilt trug, bis hin zum Welterfolg von Mel Gibsons mehrfachem OscarGewinner «Braveheart» (1995). Schottlands Identitätskrise rührt von seiner Position als Juniorpartner in der heiklen 300-jährigen politischen Union mit England. Die Schotten beteiligten sich enthusiastisch an der Expansion des britischen Weltreichs, während zuhause Hunderttausende Highlander von Londoner Landbesitzern vertrieben wurden, die nach mehr Profit aus Schafzucht und Jagdsport strebten. Am engsten vereint waren die beiden Länder in der Zeit direkt nach dem Zweiten Weltkrieg, doch nur 70 Jahre später stimmten die Schotten beinahe für den Austritt aus der Union. Diese Bewegung Richtung Unabhängigkeit wurde vom stetig wachsenden kulturellen Selbstbewusstsein in den 1990er Jahren beflügelt. Im Kino setzte Danny Boyles «Trainspotting» (1996) einen Kontrapunkt zum Bild aus «Braveheart» und ebnete damit den Weg für mehrere junge Filmschaffende, darunter Lynne Ramsay, Peter Mullan und David Mackenzie. Zwei Jahrzehnte später ist der schottische Kurzfilm selbstbewusst genug um die Stereotypen der Vergangenheit bei den Hörnern zu packen. In «The Lion and the Unicorn» verspeisen die Nationaltiere Englands und Schottlands Union-Jack-Kuchen und trinken Nordsee-Öl, wobei ihre Worte aus Audioaufnahmen von Politikern und Kommentatoren stammen. «Mining Poems or Odes» greift das Klischee der trinkfesten Schiffsbauer auf und reflektiert Schottlands neue kulturelle Selbstdarstellung in der Geschichte eines Werft-Schweissers, der seine poetische Stimme entdeckt. «The Lawes of the Marches» porträtiert eine seltsam hybride kulturelle Identität und bespielt und problematisiert dabei eine Grenze, die schon immer fliessend and durchlässig war. «The Bedfords» suggeriert, dass das gängige Image der Highlands in den Ateliers englischer Künstler aus dem 19. Jahrhundert geprägt wurde. «Random White Dudes» wiederum fragt, wie jene Bilder den Sklavenhandel, auf dem die moderne schottische Gesellschaft

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gründet, ausradieren. Zum Abschluss liefert «Tumult» eine impulsiv-blutige Antwort auf die Post-«Braveheart»-Welle des Highland-Tourismus – nichts für schwache Nerven! Matt Lloyd, Glasgow Short Film Festival

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Scotland: «To see oursels as ithers see us!» Scotland’s self-image is bound up in layers of contradiction. The Scots find both pride and embarrassment in an identity that has been largely contrived for foreign visitors, from the popularization of tartan after the kilt was worn by English monarch George IV in 1822 to the worldwide success of Mel Gibson’s multi-Oscar-winning «Braveheart» (1995). Scotland’s identity crisis stems from its position as junior partner in an uneasy 300-year political union with England. Scots were enthusiastic participants in the expansion of the British Empire, whilst at home, hundreds of thousands of Highlanders were evicted by London-based landlords pursuing greater profits in sheep farming and hunting for sport. The two countries were at their most unified in the immediate aftermath of the Second World War, yet only 70 years later, the Scots almost voted to leave the union. This move towards independence was enabled by a steadily growing cultural confidence in the 1990s. In cinema, Danny Boyle’s «Trainspotting» (1996) countered the image presented in «Braveheart» and paved the way for several young directors, including Lynne Ramsay, Peter Mullan, and David Mackenzie. Two decades on, Scottish short filmmaking is assertive enough to turn back and tackle the stereotypes of the past head on. In «The Lion and the Unicorn» the national animals of England and Scotland dine on slices of Union Jack cake and drink North Sea oil, their words drawn directly from audio of politicians and commentators. «Mining Poems or Odes» digs into the gritty stereotype of hard-drinking shipbuilders, reflecting Scotland’s newfound cultural self-expression in the story of a shipyard welder finding his poetic voice. «The Lawes of the Marches» portrays a strange, hybrid cultural identity, performed on and problematizing a border that has always been fluid and permeable. «The Bedfords» suggests that the image of the Highlands was created in the studios of 19th-century English artists, whilst «Random

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White Dudes» considers how such images erase the slave trade on which modern Scottish society was founded. Finally, «Tumult» offers a visceral, bloody response to the post-«Braveheart» rush of Highland tourism. Not for the faint of heart! Matt Lloyd, Glasgow Short Film Festival

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The Lion and the Unicorn United Kingdom 2012, 11'30", digital file, colour, English, Fic/Exp Director: Rachel Maclean/Matt Cameron Script: Rachel Maclean Photography: Ian Forbes Editor: Rachel Maclean Sound: Rachel Maclean Cast: Rachel Maclean Production: Rachel Maclean, mail@rachelmaclean.com Distribution: Matt Lloyd, Glasgow, United Kingdom, matt.lloyd@glasgowfilm.org, +44 131 3326535

Wir befinden uns im historischen Setting des Traquair House in der Region Scottish Borders: Der Löwe, das Einhorn und die Queen trinken Nordsee-Öl aus Kristallgläsern, essen Union-Jack-Kuchen und streiten sich über die korrekte Aussprache in den Gedichten von Robert Burns. Inhabiting the rich historical setting of Traquair House in the Scottish Borders, the lion, the unicorn, and the queen drink North Sea oil from Jacobite crystal, divide up the pieces of a Union Jack cake, and incite conflict over the mispronunciation of Robert Burns’s poetry. Rachel Maclean is an artist born in Edinburgh in 1987. In 2013, she received the Margaret Tait Award at the Glasgow Film Festival. Her work has been shown at the State Museum of Urban Sculpture (St. Petersburg), Kunstarkaden (Munich), and the Royal Scottish Academy. In 2017, Maclean was selected to represent Scotland at the Venice Biennale. Matt Cameron is a visual effects artist and filmmaker. His films have won awards at the National Student Film Festival and Phoenix Comicon and been nominated for Scottish BAFTA New Talent Awards. He also works as an assistant colourist at Double Negative and is a director at Flyboy Creative.

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Mining Poems or Odes United Kingdom 2015, 10'48", digital file, colour, English with English subtitles, Doc Director: Callum Rice Script: Robert Fullerton Photography: Fraser Rice Editor: Alex Broad/Berny Mcgurk Sound: Craig Houston/Dougie Fairgrieve Cast: Robert Fullerton Production: Jack Cocker, Scottish Documentary Institute Distribution: Scottish Documentary Institute, Edinburgh, United Kingdom, info@scotdoc.com, +44 131 651 5874

Robert, ein ehemaliger Werft-Schweisser aus Govan in Glasgow reflektiert über den Einfluss seiner früheren Arbeit auf seinen Drang zu schreiben. Seine Lyrik offenbart einen Mann, der mittels Worten und Philosophie nach Zufriedenheit strebt. Der Handwerker hat seine Werkzeuge gegen Stift und Papier eingetauscht. Robert, an ex-shipyard welder from Govan in Glasgow, reflects on how his experiences have influenced his compulsion to write. His poetry reveals a man trying to achieve contentment through words and philosophy. The craftsman has put aside his tools for pen and paper. Callum Rice is a director and photographer based in Glasgow. His first short film, «Mining Poems or Odes», received the BAFTA Scotland Best Short Film Award in 2015. His second film, «Listen to Bridgeton» (2017), was commissioned as part of the 75th anniversary of «Listen to Britain», Humphrey Jennings and Stewart McAllister’s poetic collage of British life.

The Lawes of the Marches United Kingdom 2014, 16'33", digital file, colour, English, Doc/Exp Director: Katie Davies Sound: Wounded Buffalo Production: Berwick Film & Media Arts Festival, Berwick-upon-Tweed, United Kingdom, info@bfmaf.org, +44 1289 303 355 Distribution: Katie Davies, Studio 19, Spike Island, 133 Cumberland Road, Bristol BS1 6UX, www.katiedavies.com

Eine Dokumentation über die 700-jährige Tradition der «common ridings» entlang der Grenze zwischen England und Schottland. Das Ritual des gemeinsamen Pferde-Ausritts sagt ebenso viel über die aktuelle soziale und politische Landschaft des Grenzgebiets wie über die Vergangenheit, die gewürdigt wird. A document of the ancient border tradition of common ridings, a 700-year-old ritual of communal horse riding, all along the border of England and Scotland. These ridings are as much about the current political/social border landscape as they are about marking the common ground and commemorating the past. Katie Davies is a video artist born in 1979. She is a Royal West of England Academician and was nominated for the 2016 Paul Hamlyn Award. She has exhibited at FACT Liverpool, Kassel Dokfest, and ISFF Oberhausen, amongst others. Katie is Senior Lecturer in Media & Cultural Production at the University of the West of England.


The Bedfords

Random White Dudes

Tumult

United Kingdom 2009, 20'10", digital file, colour, English, Fic

United Kingdom 2017, 4'06", digital file, colour, English, Fic/Exp

United Kingdom 2011, 13'54", digital file, colour, English with English subtitles, Fic

Director: Henry Coombes Script: Henry Coombes Photography: Benjamin Kračun Editor: Aldo Palumbo Sound: John Cobban Cast: Ewan Stewart/Katy Barker/Hugh Ross Distribution: The National Galleries of Scotland, Edinburgh, United Kingdom, enquiries@nationalgalleries.org

Director: Young Fathers Script: Kayus Bankole/Tim Brinkhurst Photography: Black Barn Media/Graham Hastings Editor: Black Barn Media Cast: Kayus Bankole/Aloysious Massaquoi Production: Black Barn Media, United Kingdom, info@blackbarnmedia.co.uk Distribution: National Portrait Gallery, London, United Kingdom

Director: Johnny Barrington Script: Johnny Barrington Photography: Manuel Claro Editor: Maya Maffioli Sound: Chu-Li Shewring Cast: Ingvar Eggert Sigurösson/Dolly Wells Production: Rhianna Andrews, Young Films, Isle of Skye, UK, office@youngfilms.co.uk Distribution: Johnny Barrington, johnnybarrington@gmail.com

Sir Edwin Landseer, der Hofmaler von Königin Victoria, reist von London nach Schottland, um ein Familienporträt des Duke of Bedford und seiner Frau zu malen. Der auf wahren Ereignissen basierende Film wirft einen gewagten und eindringlichen Blick auf die viktorianische Aristokratie und die Verehrung der schottischen Highlands.

Die Band Young Fathers (MercuryPrize-Gewinner) reagiert auf eine Ausstellung über Männlichkeitsbilder und männliche Identität in der Scottish National Portrait Gallery. Privileg und Ungleichheit, aber auch die Konventionen historischer Porträtmalerei werden konfrontiert.

Sir Edwin Landseer, favoured artist of Queen Victoria, travels from London to Scotland to paint a family portrait of the Duke and Duchess of Bedford. Based on true events, this is an audacious and haunting take on aristocratic Victorian culture and the veneration of the Scottish Highlands. Henry Coombes (b. 1977) studied at the London International Film School, Central Saint Martins, and Glasgow School of Art. His work has been shown at the Changjiang Biennale, the Sydney Biennale, Hammer Museum (Los Angeles), and Suzie Q Projects (Zurich). Henry represented Scotland at the 52nd Venice Biennale in 2007. He lives and works in Glasgow.

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The Mercury Prize-winning band Young Fathers respond to «Looking Good», the Scottish National Portrait Gallery’s exhibition exploring male image and identity. They confront issues of privilege and inequality as well as conventions of historic portraiture. Young Fathers are a hip-hop band formed in Edinburgh in 2008 by school friends Alloysious Massaquoi, Kayus Bankole, and Graham Hastings. In 2012, their mixtape «Tape Two» won Scottish Album of the Year, and in 2014, their album «Dead» won the Mercury Prize. They have collaborated with Massive Attack and MIA, and provided music for the «T2 Trainspotting» soundtrack.

Ein Stamm nordischer Krieger schleppt sich nach der Schlacht durch eine karge Landschaft. Der verwundete Häuptling steht kurz vor dem Tod. Er will seinem Sohn die Macht übergeben, als plötzlich eine ganz andere Armee über die Gruppe herfällt. A tribe of Norse warriors traipse across a barren land after battle. Bloodied and wounded, their chief is near death. He is about to hand over power to his son when a completely different kind of army descends upon them. Born in 1977, Johnny Barrington grew up on the Isle of Skye and studied fine art photography at the Glasgow School of Art and the School of Photography and Film at Göteborg University. He has written and directed four short films. «Tumult» won the Audience Award at the 2012 Glasgow Short Film Festival. He lives and works in Glasgow, where he is writing his first feature film, «Coccyx».


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Mike Hoolboom

PERSON IM FOKUS PERSON IN FOCUS

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Focus sur un artiste: Mike Hoolboom A Toronto, Mike Hoolboom travaille depuis une trentaine d’années dans les profondeurs des images du cinéma. Il en explore les mémoires de souffrance, les abîmes de fantasmes, les deuils et les espérances. Par-delà les genres établis de la fiction, du documentaire, de l’expérimental, son œuvre impressionne en ce qu’elle est aux marges du cinéma pour y occuper paradoxalement un territoire central. Et la voix inquiète de Mike Hoolboom sait apaiser ces traversées du miroir de la vie. Il convient d’imaginer Mike Hoolboom en son entier habité par le cinéma au point qu’on ne peut ni ne veut savoir s’il est possédé par lui ou s’il le possède. Il en incarne les deux états. Toujours est-il que ce cinéaste vient de la planète cinéma dont il observe, questionne, cite, dévore, détourne les films. Il y a urgence à faire corps avec les images que l’on regarde et que l’on fabrique. Un atelier de réalisation avec des étudiants invités à explorer la mémoire de l’humanité souffrante dans les archives de la Croix Rouge a conduit à un geste inaugural. Les jeunes cinéastes et Mike Hoolboom ont pratiqué du yoga. Façon nécessaire de prendre au mieux la mesure de sensations dans son propre esprit et corps. Et condition pour rencontrer les corps et visages des fantômes immortalisés dans les films. Comment sinon travailler avec eux? Question d’esthétique et d’éthique. Le spectateur est aux aguets, invité à découvrir les trajectoires de récits esquissés, allusifs, elliptiques, qui prennent plaisir à échapper à un entendement réducteur. Mike Hoolboom défigure, démembre tant d’images venues de partout, il traverse l’illusion de leur miroir. Et il s’emploie à les reconfigurer selon ses propres appréhensions de la fascinante complexité du monde. Il use aussi de ses propres images, qu’il traite bien entendu avec le même soin iconoclaste. Le montage est fragmentaire. L’assemblage de plans souvent très très courts permettent d’accéder paradoxalement à une continuité cohérente dès lors que l’on pénètre en profondeur dans la matière visuelle. Mike Hoolboom développe des espace-temps denses en couches superposées. Ces strates apparaissent et disparaissent, se fondent, se confondent, se fertilisent les uns les autres. Une manière de palimpseste dont émane par touches, par approches, par propositions parfois évanescentes une vision du monde inquiète et généreuse.

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On sait Mike Hoolboom envoûté par les sons, les voix, qu’il collectionne et intègre dans le dispositif de ses films. Monologues, parfois des dialogues, réfléchis, intimes, murmurés. Jeux de voix qui atteignent des abîmes aux atmosphères parfois humides, aquatiques. «Recording audio – the air conditioning in hotels. The ice-making machines, the wind – so many winds – hear too much, it stirs the wind inside of my body, and then I can’t sleep.» (Mike Hoolboom) Le corps de souffrance que la maladie accable et que le suicide rappelle à sa fragilité première sait par ailleurs être tout autant le corps poétique du désir, de la sensualité et du sexe. La rencontre amoureuse est espérée, même dans le tumulte d’une manifestation politique. Le cinéma de Mike Hoolboom? Une autofiction. Un moi-je, qui est un toi-tu, qui est notre jeu commun. Un jeu de cinéma d’une invention assidue, imprimant dans l’âme et le corps de bonnes raisons de vivre coûte que coûte avec des films façonnés dans la nécessaire patience faite de mille urgences. «How can we learn to change our minds? How to resist the lure, the already known, the tried and true?» (Mike Hoolboom) Jean Perret Mike Hoolboom est homme intéressé aux autres cinéastes, il publie des textes, des livres, il tient un site internet remarquable – www.mikehoolboom.com.

Mit freundlicher Unterstützung von

Une Master Class avec Mike Hoolboom aura lieu le samedi, 10 novembre 2018, 11:30 au Casino 2 (entrée libre).

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Person in Focus: Mike Hoolboom In Toronto, Mike Hoolboom has been working in the depths of cinematic images for thirty years. He explores memories of suffering, the abysses of fantasies, mourning, and hopes. Beyond the established genres of fiction, documentary, or experimental film, his work is impressive in that it lies on the margins of cinema while paradoxically occupying a central territory. And Mike Hoolboom’s concerned tone of voice soothes these mirror images of life. Mike Hoolboom should be imagined as inhabited by cinema to the point where we cannot and do not want to know if he is possessed by it or if he owns it. He embodies both of these states. Invariably, this filmmaker comes from the planet of cinema, observing, questioning, quoting, devouring, and distorting films. We need to become one with the images that we look at and that we make. A filmmaking workshop at the Geneva University of Art and Design with students invited to explore the memory of suffering humanity in the archives of the Red Cross led to an inaugural gesture. The young filmmakers and Mike Hoolboom practiced yoga. It was necessary to take better measure of the sensations in their own mind and body. And a condition for meeting the bodies and faces of the ghosts immortalized in the films. How else can we work with them? It’s a question of aesthetics and ethics. The spectator is on guard, invited to discover the trajectories of sketched, allusive, elliptical narratives that take pleasure in escaping a reductive understanding. Mike Hoolboom disfigures, dismembers so many images from everywhere that he crosses through the illusion of their mirror. And he works to reconfigure them according to his own concerns about the fascinating complexity of the world. He also uses his own images, which he handles with the same iconoclastic care. His montage is fragmentary. The assembly of often very, very short shots paradoxically makes it possible to reach a coherent continuity once we deeply penetrate the visual material. Mike Hoolboom develops dense spacetimes in overlapping layers. These strata appear and disappear, merge, confuse, fertilize each other. Like a palimpsest from which a worried and generous vision of the world emanates by way of sometimes evanescent traces, approaches, suggestions.

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We know that Mike Hoolboom is captivated by the sounds and the voices that he collects and integrates into his films. Monologues, sometimes dialogues, thoughtful, intimate, whispered. Games of voices that reach abysses with sometimes wet, aquatic atmospheres. «Recording audio – the air conditioning in hotels. The ice-making machines, the wind – so many winds – hear too much, it stirs the wind inside of my body, and then I can’t sleep.» (Mike Hoolboom) The suffering body that is affected by disease and reminded of its original fragility by suicide knows just as much as the poetic body of desire, sensuality, and sex. A love encounter is hoped for, even in the tumult of a political demonstration. Mike Hoolboom’s cinema? An autofiction. An «I» that is a «you», which in turn is our common game. A cinematic game of eager invention, imprinting in the soul and the body good reasons to live at all costs with films shaped in the necessary patience made of a thousand emergencies. «How can we learn to change our mind? How to resist the lure, the already known, the tried and true?» (Mike Hoolboom) Jean Perret Mike Hoolboom is a man interested in other filmmakers; he publishes texts, books; he has a remarkable website – www.mikehoolboom.com.

With the kind support of

There will be a Master Class with Mike Hoolboom on Saturday, 10 November 2018, 11:30 at Casino 2 (free admission).

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Ventriloquisms Compiled by Mike Hoolboom

Runtime: 60' Thursday, 8 November 2018, 16:30, Kino Cameo

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Rain

Ghost

I Saw Him There

Canada 2001, 3'45", digital file, colour, English, Fringe Film

Canada 2017, 2'55", digital file, colour, no dialogue, Fringe Film

Canada 2018, 4'21", digital file, colour, English, Fringe Film

Director: Mike Hoolboom Script: Mike Hoolboom Production: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185 Distribution: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185

Director: Mike Hoolboom Script: Mike Hoolboom Production: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185 Distribution: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185

«‹Rain› ist eine Slow-Motion-Träumerei, die der Hoffnung und Reue von Erwachsenen Ausdruck verleiht, die in die Bilder, die sie als Kinder erwarteten, hineingewachsen sind.» Esma Moukhtar, Montevideo-Katalog

Wie verabschiedet man sich von Freunden? Wie soll man kein Geist werden in den alten Strassen der Tschechischen Republik? Der Film entstand am Abschlussabend des Jihlava Festivals 2016, im Dukla-Theater. Wir drei waren da, jedes Hallo bereits ein Vorspiel zum Abschied.

Director: Mike Hoolboom Script: Mike Hoolboom Photography: Taravat Khalili/Jacques Madvo Editor: Mike Hoolboom Sound: Jackson Davidow/Jose Garza Cast: Kajeh Mehrizi Production: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185 Distribution: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185

«‹Rain› is a slow-motion reverie that voices the hopes and regrets of adults who have grown into the pictures that awaited them as children.» Esma Moukhtar, Montevideo Catalogue

Mike Hoolboom is a Canadian artist working in film and video. He has made over 100 films and videos, though most have been withdrawn from circulation. His work has appeared at over 400 festivals, garnering 30 awards. He is a founding member of the Pleasure Dome screening collective and has worked as the artistic director of the Images Festival and as the experimental film coordinator at Canadian Filmmakers Distribution Centre. Since 2004, he has been working on Fringe Online (www.fringeonline.ca), a web project that makes available the archives of 40 Canadian media artists. This ongoing project currently consists of hundreds of pages of transcripts, reviews, interviews, and scripts, and remains the largest publishing project in the Canadian fringe media sector.

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How to say good-bye to friends? How to keep from becoming a ghost in the old streets of the Czech Republic, at once too strange and familiar? Shot on the closing night of the Jihlava Festival in 2016, in the Dukla Theatre, on the festival’s 20th anniversary. The three of us were gathered there to bear witness, each hello already a prelude to departure.

Ein Mann erinnert sich an einen Moment (war er wirklich so kurz?) in der passend benannten Stadt Mekka. Ein Gespräch in der Menge. Die Berührung der Sprache. Bilder des Kameramanns Taravat Khalili. Eine Auftragsarbeit für das JacquesMadvo-Projekt von LIFT. Queering the haj. A man recollects a moment (was it any longer than that?) in the aptly named city of Mecca. A conversation ensues in the crowd. The touch of language. Framing shots by luminous shooter Taravat Khalili. Commissioned by LIFT for the Jacques Madvo project.


Frank’s Cock

Citizen Poet

Canada 1993, 8'10", digital file, colour/black & white, English, Fringe Film

Canada 2017, 5'47", digital file, colour, no dialogue, Fringe Film

Director: Mike Hoolboom Script: Mike Hoolboom Photography: Mike Hoolboom Editor: Mike Hoolboom Sound: Mike Hoolboom Cast: Callum Keith Rennie Production: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185 Distribution: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185

Director: Mike Hoolboom Script: Mike Hoolboom Photography: Mike Hoolboom Editor: Mike Hoolboom Sound: Mike Hoolboom Cast: Will Smart/Isobella Antellis/ Jillian Cabrera/Fred Reimer Production: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185 Distribution: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185

Callum Rennie spielt eine Figur, dessen Liebhaber im Sterben liegt. Sein schonungsloser Monolog steuert langsam aber erbarmungslos auf sein Ziel zu. Hoolboom kombiniert die Einfachheit der Aufnahmen von Rennie mit medizinischem und pornographischem Bildmaterial, das den Zorn über diesen Verlust vermittelt. Callum Rennie plays a character whose lover is dying. His blunt monolog slowly but mercilessly heads for its conclusion. Hoolboom combines the simple shots of Rennie with medical and pornographic imagery that conveys the anger about this loss.

Nach dem Zusammenbruch lockt die alte Welt – ein Sonnenaufgang in Amsterdam, und im goldenen Licht schwebt ein Gedicht von Lisa Robertson über dem Wasser. In ihrem herausragenden Lyrik-Essay-Band «The Nilling» schreibt die Meisterin darüber, was wir verweigern müssen, um die Grenzen zu ziehen, die Identität erst ermöglichen. Poesie ist die Sprache der Staatsbürgerschaft. Tauben flattern, Freunde halten sich an den Händen, Liebespaare kümmern sich nicht um den Regen; Teetrinken, Sonnenuntergang an der Brücke. Als ob er wieder lebendig würde. After the breakdown, the old world beckons – a sunrise in Amsterdam, and in that golden light, a poem by Lisa Robertson floats across the waters. In her sterling poem-essay collection «The Nilling», the maestro writes about what must be refused in order to create the borders that make identity possible. Poetry is the speech of citizenship. Pigeons flap, friends clasp hands, a pair of strangers dissolve on the metro, ghost cars, lovers don’t mind the rain, tea sipping, sunset at the bridge. As if he were coming back to life.

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After the American Election Canada 2018, 3'15", digital file, black & white, English, Fringe Film Director: Mike Hoolboom Script: Mike Hoolboom Photography: Mike Hoolboom Editor: Mike Hoolboom Sound: Mike Hoolboom Cast: Will Smart/Isobella Antellis/Jillian Cabrera/ Fred Reimer/Collin Hotchliss/Sarah Komjathy/ Jess Sobanko/Connor Burns/Jane Kharkover Production: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185 Distribution: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185

Der Film basiert auf (Wach-)Träumen von Freunden der bekannten amerikanischen Autorin Lucy Corin in der Nacht nach den epochalen US-Wahlen von 2016. Eine Reihe von RednerInnen äussert sich zur neuen Welt. Based on dreams (waking and nonwaking) by pals and acquaintances of noted American writer Lucy Corin, the night after the epochal US election of 2016. A bevy of speakers weigh in on the new world.


The Bed and the Street

Moucle’s Island

Amy

Canada 2018, 4'29", digital file, colour/ black & white, English, Fringe Film

Canada 1998, 11'08", digital file, colour, English, Fringe Film

Canada 2004, 16'16", digital file, colour, English, Fringe Film

Director: Mike Hoolboom/Heather Frise Script: Mike Hoolboom/Heather Frise Editor: Mike Hoolboom Sound: Mike Hoolboom Production: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185 Distribution: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185

Director: Mike Hoolboom Script: Mike Hoolboom Production: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185 Distribution: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185

Director: Mike Hoolboom Script: Mike Hoolboom Production: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185 Distribution: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185

Der fünfte Teil des sechsteiligen Films «Panic Bodies» (70 Minuten, 1998): «Rührend und verspielt zeigt ‹Moucle’s Island› den Wiener Filmemacher Moucle Blackout in einer Träumerei über eine ältere Frau, die Kindheitsgesten neu lernt, kombiniert mit einem nostalgischen lesbischen Idyll.» Ken Anderlini, Vancouver International Film Festival

Der siebte Teil des siebenteiligen biografischen Films «Public Lighting» (2004): «In ‹Amy› wechseln sich Amateurfilme mit Fotografien und Aufnahmen der Erzählerin ab, während die Künstlichkeit des Filmemachens zur Schau gestellt wird.» Diane Burgess, Vancouver International Film Festival

Eine Liebesgeschichte während der globalen Demonstrationen gegen die Sparpolitik. Während die Bürger ihre Strassen zurückerobern, verlieben sich zwei Frauen. Welche Geometrie des Begehrens wird den Staat umstürzen? Welche Mikro-Politik des Teilens und der Gemeinschaft wird Demonstrationen anfeuern, die den neoliberalen Konsens ersetzen? A love story set in the global anti-austerity demonstrations. As citizens take back their streets, two women meet and fall in love. What geometry of desire will help overthrow the state? What micropolitics of sharing and communality will provide fuel for demonstrations that will remove and replace the neoliberal consensus? Heather Frise makes animations that combine her experimental drawing and filmmaking practices. Her experimental shorts and feature documentaries have won numerous awards and screened internationally. She currently teaches at OCAD University.

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Part five of the six-part movie «Panic Bodies» (70 minutes, 1998): «Poignant and playful, ‹Moucle’s Island› features Viennese filmmaker Moucle Blackout in a reverie that combines an older woman relearning childhood gestures with a nostalgic lesbian idyll.» Ken Anderlini, Vancouver International Film Festival

Part seven of the seven-part bio-feature «Public Lighting» (2004): «‹Amy› has home movies alternate with photographs and shots of the narrator, as the artifice behind the filmmaking process becomes exposed.» Diane Burgess, Vancouver International Film Festival


Supernatural Powers Compiled by Mike Hoolboom

Runtime: 66' Saturday, 10 November 2018, 14:30, Casino 2

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Supernatural Power

Three Dreams of Horses Spectator

Canada 2018, 4'54", digital file, black & white, English, Fringe Film

Canada 2018, 5'29", digital file, colour/black & white, English, Fringe Film

Canada 2017, 6'39", digital file, colour, no dialogue, Fringe Film

Director: Mike Hoolboom Script: Mike Hoolboom Editor: Mike Hoolboom Production: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185 Distribution: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185

Director: Mike Hoolboom Script: Mike Hoolboom Editor: Mike Hoolboom Sound: Mike Hoolboom Production: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185 Distribution: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185

Director: Mike Hoolboom Script: Mike Hoolboom Editor: Mike Hoolboom Sound: Mike Hoolboom Production: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185 Distribution: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185

Film wird aus Gelatine gemacht, die von Pferden stammt. Sie warten darauf geschlachtet zu werden, damit Bilder entstehen können. Vor vielen Jahren haben wir die Sprache unserer Meister gelernt. Doch wir wundern uns, weshalb so wenige von euch sich bemüht haben, die unsere zu lernen.

Ist es der älteste Traum? Meinen Vater zur Welt bringen. An einem sternenklaren Nachmittag gedreht. Natürlich wortlos.

In einem Rehabilitationszentrum des Roten Kreuzes in Vietnam lernen Opfer des amerikanischen Kriegs mit Beinprothesen zu gehen. Der Film entstand in einem Workshop an der HEAD in Genf mit Material aus dem Archiv des Roten Kreuzes. In a Red Cross rehab centre in Vietnam, victims of the American war learn to walk on new prosthetic legs. Made during a workshop at HEAD Geneva, using the archives of the Red Cross.

Mike Hoolboom is a Canadian artist working in film and video. He has made over 100 films and videos, though most have been withdrawn from circulation. His work has appeared at over 400 festivals, garnering 30 awards. He is a founding member of the Pleasure Dome screening collective and has worked as the artistic director of the Images Festival and as the experimental film coordinator at Canadian Filmmakers Distribution Centre. Since 2004, he has been working on Fringe Online (www.fringeonline.ca), a web project that makes available the archives of 40 Canadian media artists. This ongoing project currently consists of hundreds of pages of transcripts, reviews, interviews, and scripts, and remains the largest publishing project in the Canadian fringe media sector.

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Film is made out of gelatin that comes from horses. They’re waiting to be slaughtered so that pictures can be made. Many years ago we learned the language of our masters. Though we couldn’t help wondering why so few of you bothered to learn ours.

Is it the oldest dream? Giving birth to my father. Shot on a single starry afternoon. Wordless, of course.


Tradition

Scrapbook

Buffalo Death Mask

Canada 2004, 7'20", digital file, colour, English, Fringe Film

Canada 2015, 18'49", digital file, black & white, English, Fringe Film

Canada 2013, 23'00", digital file, colour/black & white, English, Fringe Film

Director: Mike Hoolboom Script: Mike Hoolboom Editor: Mike Hoolboom Sound: Mike Hoolboom Production: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185 Distribution: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185

Director: Mike Hoolboom Script: Mike Hoolboom Photography: Jeffrey Paull Editor: Mike Hoolboom Cast: Donna Washington/Martha Cronyn Production: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185 Distribution: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185

Director: Mike Hoolboom Script: Mike Hoolboom Photography: Mike Hoolboom/Steve Sanguedolce/ John Price Editor: Mike Hoolboom Sound: Mike Hoolboom Cast: Stephen Andrews/Mike Cartmell/Phil Hoffman Production: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185 Distribution: Mike Hoolboom, Toronto, Canada, fringe@teksavvy.com, +1 416 260 2185

Der fünfte Teil des siebenteiligen biografischen Films «Public Lighting» (2004): «‹Tradition› erzählt eine generationsübergreifende Geschichte um Vergessen und Wiederholung auf zwei Kontinenten.» Esma Moukhtar, Montevideo-Katalog Part five of the seven-part bio-feature «Public Lighting» (2004): «‹Tradition› tells a generational tale of forgetting and repetition, set on two continents.» Esma Moukhtar, Montevideo Catalogue

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Vom Geheimkamera-Genie und audiovisuellen Heiler Jeffrey Paull 1967 im Broadview Developmental Center in Ohio aufgezeichnet, lässt «Scrapbook» die Autistin Donna Washington ihre Geschichte in eigenen Worten erzählen, während sie mit dem zeitlichen Abstand von 50 Jahren Bildern eines früheren Ichs begegnet. Lensed in Ohio’s Broadview Developmental Center in 1967 by secret camera genius and audiovisual healer Jeffrey Paull, «Scrapbook» tells the story of audacious autistic Donna Washington in her own words, as she encounters pictures of one of her former selves 50 years later.

Durch ein Gespräch mit dem kanadischen Maler Stephen Andrews werden Erinnerungen an Leben, Tod und HIV+ wach. A conversation with Canadian painter Stephen Andrews returns us to a pre-cocktail moment, when being HIV+ afforded us the consolation of certainty.


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Georgien Georgia Curated by Delphine Jeanneret, Laura Walde

LAND IM FOKUS COUNTRY IN FOCUS

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Land im Fokus: Georgien Zwischen Osteuropa und Westasien im Kaukasus gelegen grenzt das kleine Land Georgien ans Schwarze Meer, Russland, die Türkei, Armenien und Aserbaidschan. Als mehrheitlich unerforschte und für Westler scheinbar exotische Gegend kann Georgien auf eine lange Tradition herausragenden Filmschaffens zurückblicken. Dieses bietet eine Innensicht auf die bewegte soziale und politische Geschichte des Landes ebenso wie auf seine Gegenwart. Die filmische Sprache Georgiens ist ebenso einzigartig wie international. Der erste georgische Film, «Akaki’s Voyage in Racha and Lechkhumi» von Vasil Amashukeli, entstand 1912, und das Land hatte von jeher eine Affinität zum Kino. Die erste goldene Ära der georgischen Filmgeschichte begann in den 1950er Jahren und dauerte die folgenden zwei Jahrzehnte an. Das Programm Georgian Rebels präsentiert drei Filme von renommierten Regisseuren, deren Karriere in den 1960ern ihren Anfang nahm: Giorgi Schengelaia, Otar Iosseliani und Micheil Kobachidse. Am 9. April 1991 erklärte Georgien die Unabhängigkeit von der Sowjetunion. Im ersten post-sowjetischen Jahrzehnt machte das Land schwere Zeiten durch, mit Sezessionskriegen in zwei separatistischen Gebieten, Bürgerkrieg und Wirtschaftskrisen. Die Kurzfilmproduktion kam in den 1990er Jahren praktisch zum Erliegen. Entsprechend fokussieren unsere zwei zeitgenössischen Programme auf Werke von – oft weiblichen – Filmschaffenden seit der Jahrtausendwende. Mit der Rosenrevolution, die eine Reihe von prowestlichen demokratischen und wirtschaftlichen Reformen auslöste, dem Kaukasuskrieg vom August 2008 und dem Streben der Jugend nach einer besseren Zukunft widmen sich viele Filme den anhaltenden Spannungen im Land. Während sich die einen mit Konflikten in umkämpften Gebieten und Georgiens sowjetischer Geschichte befassen, thematisieren andere Familiendynamiken und die gesellschaftliche Rolle junger Erwachsener. Federico Fellini hat es einst perfekt auf den Punkt gebracht, nicht nur im Hinblick auf die Geschichte des georgischen Kinos, sondern auch bezüglich seiner Gegenwart: «Der georgische Film ist ein seltsames Phänomen – speziell, philosophisch heiter, anspruchsvoll und gleichzeitig kindlich rein und unschuldig. Er hat alles, was mich zum Weinen bringt, und ich sollte erwähnen, dass es nicht leicht ist, mich zum Weinen zu bringen.»

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Die Kuratorinnen danken Arsenal – Institut für Film und Videokunst (Berlin) sowie Elene Naveriani für ihre Unterstützung bei der Recherche und Zustammenstellung dieser Programme. Delphine Jeanneret, Laura Walde

Mit freundlicher Unterstützung von

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Country in Focus: Georgia Located between Eastern Europe and Western Asia in the Caucasus region, the small country of Georgia borders the Black Sea, Russia, Turkey, Armenia, and Azerbaijan. Largely unexplored and seemingly exotic to many Westerners, Georgia boasts a long tradition of outstanding cinematic achievements that give us an insider’s perspective on the country’s eventful social and political history as well as its present. Georgia’s cinematic language is unique and international at the same time. The first Georgian film, «Akaki’s Voyage in Racha and Lechkhumi», was directed by Vasil Amashukeli in 1912, and the country has had an affinity for cinema ever since. The first golden age of Georgian filmmaking began in the 1950s and lasted throughout the next two decades. The programme Georgian Rebels presents three films by renowned directors who began their careers in the 1960s: Giorgi Shengelaia, Otar Iosseliani, and Mikheil Kobakhidze. Georgia declared independence from the Soviet Union on 9 April 1991. During the first post-Soviet decade, the country endured difficult times with secessionist wars in two separatist areas, civil war, and economic crises. As a result, short film production came to a virtual standstill in the 1990s. Our two contemporary programmes thus highlight productions by young, often female, directors who have emerged since the turn of the millennium. With the Rose Revolution of 2003, which inaugurated a series of pro-Western democratic and economic reforms, the Russo-Georgian War in August 2008, and youth’s striving for a more prosperous future, many films deal with the continuing tensions in the country. While some address the conflict over disputed territories and Georgia’s Soviet history, others explore family dynamics and the young adults’ position in society. It was Federico Fellini who summarized it perfectly – not just with regard to the history of Georgian cinema, but also concerning its present: «Georgian film is a strange phenomenon – special, philosophically bright, sophisticated, and, at the same time, childishly pure and innocent. There is everything in it that can make me cry and I have to say that it is not easy to make me cry.»

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The curators would like to thank Arsenal – Institute for Film and Video Art (Berlin) and Elene Naveriani for their support in researching and compiling these programmes. Delphine Jeanneret, Laura Walde

With the kind support of

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Recording Georgia Curated by Delphine Jeanneret, Laura Walde

Runtime: 85' Wednesday, 7 November 2018, 19:30, Kino Cameo Friday, 9 November 2018, 11:30, Casino 2

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Recording Georgia In den letzten zehn Jahren hat Georgien zahlreiche junge Filmschaffende hervorgebracht, die in den 1970er und 80er Jahren geboren wurden. Diese experimentieren mit filmischen Formen und thematisieren dabei politischen Aktivismus, Kriegstragödien, Machtstrukturen und das Loslassen von Traditionen. Nach dem Ende der Sowjetunion 1991 brach die georgische Filmindustrie komplett zusammen: Der Staat war ausserstande, Filme zu finanzieren, und die lokale Infrastruktur wurde vernachlässigt. Nur wenige KünstlerInnen und Filmschaffende setzten ihre Arbeit trotz beschränkter Ressourcen fort. Nach der Rosenrevolution von 2003, und insbesondere nach dem Kaukasuskrieg von 2008, blühte das georgische Kino erneut auf, und fokussiert seither auf die neuere soziale und politische Geschichte und den Kampf der jungen Generation um Unabhängigkeit und Redefreiheit. Viele junge KünstlerInnen zeigen sich heute zutiefst besorgt über die kollektive Amnesie und den Generationsunterschied, den die rasanten politischen Veränderungen und die gesellschaftliche und urbane Entwicklung des Landes verursacht haben. Recording Georgia dokumentiert die neuere Geschichte Georgiens durch die Augen seiner BewohnerInnen und versucht dabei, die Zusammenhänge zwischen dem Historischen und dem Persönlichen und dessen Bedeutung für die individuelle Identität zu fassen. Die Spiel- und Dokumentarfilme befassen sich etwa mit dem brutalen Angriff der sowjetischen Armee auf eine friedliche anti-sowjetische Demonstration in Tiflis am 9. April 1989 («The April Chill»), mit der Tragödie des Kaukasuskriegs («Speechless») sowie seinen Konsequenzen für die jüngere Generation («Apollo Javakheti» und «A Swim»). Das Programm widmet sich ausserdem der Befreiung von der eigenen – persönlichen und nationalen – Geschichte («Winter Which Was Not There»), der patriarchalen Gesellschaft («Let’s Drink to Georgia») oder dem homophoben Klima im Land («Prisoner of Society»), wie es kürzlich zu sehen war in den Angriffen von Neo-Nazis und der orthodoxen Kirche auf die LGBTQI-Gemeinschaft anlässlich des Internationalen Tags gegen Homophobie, Transphobie und Biphobie. Die Filme dieses Programms dienen als Manifest für die Unabhängigkeit der jüngeren Generationen in Georgien. Delphine Jeanneret

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Recording Georgia In the last ten years, Georgian cinema has seen many young filmmakers born in the 1970s and 80s experimenting with cinematic languages and forms to explore political activism, war tragedy, power relationships, and freedom from traditions. Following the fall of the Soviet Union in 1991, Georgia’s film industry collapsed completely, with the state unable to finance films and the local infrastructure falling into neglect. Only a few artists and filmmakers continued their work despite limited resources. After the Rose Revolution in 2003, and especially after the 2008 war between Georgia and Russia, cinema in Georgia started to bloom again, focusing on the recent social and political context of fighting for the independence of younger generations and freedom of speech. Today, many young filmmakers and artists are deeply concerned about the collective amnesia and the generational gap caused by the rapid changes in the country’s political situation and its social and urban development. Recording Georgia documents Georgia’s recent history through the eyes of its inhabitants in an attempt to understand the relationship between the historical and the personal, and its impact on individual identity. The fiction films and documentaries explore themes such as the violent attack by the Soviet Army on a peaceful anti-Soviet demonstration in Tbilisi on 9 April 1989 («The April Chill»), the tragedy of the 2008 Russo-Georgian War («Speechless»), and its consequences for younger generations («Apollo Javakheti» and «A Swim»). The programme also addresses the process of liberation from one’s own personal and national history («Winter Which Was Not There»), issues such as patriarchal society («Let’s Drink to Georgia»), or the country’s homophobic climate («Prisoner of Society») as seen in the recent attacks by neo-Nazis and the Georgian Orthodox Church on the LGBTQI community in Tbilisi during the International Day Against Homophobia, Transphobia and Biphobia. The films of this programme are a manifesto for the independence of younger generations in Georgia. Delphine Jeanneret

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Aprilis Suskhi / The April Chill Georgia 2010, 14'58", digital file, black & white, Georgian with English subtitles, Fic Director: Tornike Bziava Script: Tornike Bziava Photography: Goga Devdariani Editor: Alexander Kuranov/Tornike Bziava Sound: Alexander Kuranov Cast: Malkhaz Jorbenadze/Mirian Garuchava/ Rezo Chanishvili/Levan Netsubidze/David Iashvili/ Tamara Bziava/Imeda Arabuli Production: Ad Astra Films, Cannes, France, s.aubert@adastra-films.com, +336 63 32 34 15 Distribution: Ad Astra Films, Cannes, France, s.aubert@adastra-films.com, +336 63 32 34 15

Um 4 Uhr am Morgen des 9. April 1989 wurde eine friedliche Demonstration in Tiflis von sowjetischen Truppen gewaltsam unterdrückt. 21 Unschuldige verloren ihr Leben. Der Film erzählt die Geschichte eines sowjetischen Soldaten, der dank eines georgischen Tänzers seine menschlichen Instinkte entdeckt. At 4 o’clock in the morning on 9 April 1989, Soviet troops violently quelled a peaceful demonstration in Tbilisi, Georgia. 21 innocent lives fell victim to this atrocious act. «The April Chill» tells the story of a Soviet soldier whose human instincts are awakened thanks to a young Georgian dancer. Tornike Bziava (b. 1980) is the grandson of director Siko Dolidze and the son of director Keti Dolidze. He started his career in theatre, trained at Shota Rustaveli Theatre and Film Georgia State University (2001), and was an actor in several Georgian feature films. In 2009, he appeared in the American film «Georgia» shot in Tbilisi. In 2009, he returned to directing with «The April Chill», which received a special mention at the Clermont-Ferrand ISFF in 2010.

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Speechless

Let’s Drink to Georgia

Georgia 2009, 12'22", digital file, colour, Georgian with English subtitles, Doc

Georgia 2006, 2'50", digital file, colour, Georgian with English subtitles, Doc

Director: Salomé Jashi Script: Salomé Jashi Photography: Tato Kotetishvili Editor: Salomé Jashi Sound: Nika Paniashvili Production: Sakdoc Film, Georgia, info@sakdoc.ge, +33 668920702 Distribution: Sakdoc Film, Georgia, info@sakdoc.ge, +33 668920702

Director/Script/Editor/Sound: Sophia Tabatadze/ Nadia Tsulukidze Photography: Misha Shestovski Cast: Gocha Ovashvili Production/Distribution: Sophia Tabatadze, stabatadze@yahoo.com, http://geoair.blogspot.com

Im Kaukasuskrieg von 2008 starben mehrere Hundert Menschen und Zehntausende wurden aus Südossetien vertrieben. Wie kann man die Tragödie von Familien, die ihre Angehörigen verloren haben, von Tausenden Vertriebenen, von kämpfenden Soldaten und von Kindern, die die Situation nicht verstehen, zeigen?

Willkommen am georgischen Tisch! Wer zu einem solchen Fest eingeladen ist, sollte es nicht verpassen! Es ist ein Spektakel, dirigiert vom Toastmeister, dem Tamada, der mit traditionellen Tischreden anstossen lässt auf Frieden, Gesundheit, Glück, schöne Frauen, Liebe und so weiter, und so fort. Seine hochtrabenden und magischen Worte scheinen ihn mit dem Himmel in Verbindung zu bringen ...

The Russo-Georgian War of 2008 resulted in the deaths of several hundred people and the expulsion of tens of thousands from South Ossetia. Is there a way to show the tragedy of families who lost their loved ones, of thousands of people forced to leave their homes, of soldiers fighting, and of children who cannot comprehend the situation?

Welcome to the Georgian table! If you are invited to such a party, try not to miss it! It is a real spectacle directed by the toastmaster – the Tamada – making traditional toasts to peace, health, happiness, well-being, beautiful women, love, etc., etc. His high-flown and magic words seem to put him in contact with Heaven ...

Salomé Jashi (b. 1981 in Tbilisi) initially studied journalism and worked as a reporter for several years. In 2005, she was awarded a British Council scholarship to study documentary filmmaking at Royal Holloway, University of London. After returning to Georgia, Salomé founded the production company Sakdoc Film with close friends. Her recent documentary «The Dazzling Light of Sunset» (2016) was awarded at Visions du Réel. She is currently preparing a new feature documentary.

Sophia Tabatadze (b. 1977 in Tbilisi) makes installations, videos, and cross-media projects. Her research often focuses on architecture, and she draws portraits of human beings by observing architecture and the conditions they live in. Sophia has a BA from Gerrit Rietveld Academy in Amsterdam and has participated in numerous international shows. Nadia Tsulukidze is a choreographer, visual artist, performer, and theatre maker. She attended music college in Tbilisi before moving to Germany to study dance. She co-founded the multimedia performance group Khikali Juice and has taken part in international projects and exhibitions in Turkey, Armenia, Hungary, Italy, Poland, Slovenia, France, and Germany.


Winter Which Was Not There Georgia 2017, 10'40", digital file, colour, no dialogue, Fic Director: Vajiko Chachkhiani Script: Vajiko Chachkhiani Photography: Irakli Metreveli Editor: Levan Butkhuzi Sound: Nika Paniashvili Cast: Jimsher Berdzenishvili/Mamuka Getashvili/ Ushangi Aka Uhse/Gio Peikrishvili/ Sandro Gogrichiani/Nestan Abdushelishvili Production: Nushi Film, Tbilisi, Georgia, nushi.film@gmail.com, +995 591 197 157, Daniel Marzona Gallery, Berlin, Germany, info@danielmarzona.com, +49 30 54622140 Distribution: Daniel Marzona Gallery, Berlin, Germany, info@danielmarzona.com, +49 30 54622140

Der Film ergründet das Verhältnis zwischen dem Historischen und dem Persönlichen und dessen Einfluss auf die Psychologie des Individuums. The film explores the relationship between the historical and the personal and its impact on the psychological formation of an individual. Vajiko Chachkhiani was born in Tbilisi in 1985. His individual works are characterized by a dense narration that interweaves several threads. They delve into existential questions of life, human perception, and the culture of remembrance by exploring the complex interface between the reality of the outside world and the inner human psyche.

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Apollo Javakheti

A Swim

Georgia 2017, 16'00", digital file, colour, Georgian/Armenian with English subtitles, Doc

Georgia/Latvia/France 2012, 12'09", digital file, colour, Georgian with English subtitles, Doc

Director: Bakar Cherkezishvili Script: Bakar Cherkezishvili Photography: Julien Diebel Editor: Bakar Cherkezishvili Sound: Anuka Inasaridze/Tinatin Babakishvili Cast: Sergei Bandura Production: Bakar Cherkezishvili, Tbilisi, Georgia, b.cherqezishvili@gmail.com Distribution: Shota Rustaveli Theatre and Film Georgia State, Tbilisi, Georgia, info@tafu.edu.ge

Director: Salomé Jashi Script: Salomé Jashi Photography: Mikheil Sturua Editor: Paul Morris/Salomé Jashi Sound: Davit Sikharulidze Production: Sakdoc Film, Georgia, info@sakdoc.ge, +33 668920702 Distribution: Sakdoc Film, Georgia, info@sakdoc.ge, +33 668920702

Bandura wächst mit seiner alleinerziehenden Mutter in der georgischen Region Dschawachetien auf. Das Klima ist rauh, die Strassen schlecht und die Aussicht grau und steinig. Im ländlichen Dorf scheint die Zeit stillzustehen. Bandura is growing up in the Georgian region of Javakheti with his single mother. The climate is harsh, the roads are bad, and the views are grey and rocky. In the rural village where he lives, time seems to have stood still. Bakar Cherkezishvili (b. 1993 in Tbilisi) graduated from Shota Rustaveli Theatre and Film Georgia State University in 2015. His films «Larks & Owls» and «Alice» were selected for several international film festivals. He is also a producer and filmmaker for Georgian Public Broadcasting.

Ein beobachtender Dokumentarfilm über eine eintönige, in Reihen gebaute Siedlung. Die Hitze verstärkt die Regungslosigkeit, doch das Echo von Fluchtversuchen hallt nach. Die Siedlung, erbaut für Kriegsvertriebene, versinnbildlicht das soziale System im Land. «A Swim» is an observation of a monochromatic settlement built in lines and rows. The heat exaggerates the existing immobility, but an attempted breakout lingers. The settlement, built for those displaced after a war, is a visualization of the social system that exists in the country. Salomé Jashi (b. 1981 in Tbilisi) initially studied journalism and worked as a reporter for several years. In 2005, she was awarded a British Council scholarship to study documentary filmmaking at Royal Holloway, University of London. After returning to Georgia, Salomé founded the production company Sakdoc Film with close friends. Her recent documentary «The Dazzling Light of Sunset» (2016) was awarded at Visions du Réel. She is currently preparing a new feature documentary.


Prisoner of Society Georgia 2018, 15'49", digital file, colour, Georgian with English subtitles, Doc Director: Rati Tsiteladze Photography: Rati Tsiteladze Editor: Rati Tsiteladze Sound: Rati Tsiteladze Cast: Adelina (Anonymous) Production: ArtWay Film, Tbilisi, Georgia, Rati Tsiteladze, rati@artwayfilm.com Distribution: ArtWay Film, Tbilisi, Georgia, info@artwayfilm.com

Was bedeutet es, im eigenen Zuhause und im eigenen Land fremd zu sein? Ein intimer Blick in die Welt einer jungen Transfrau, gefangen zwischen dem Wunsch nach persönlicher Freiheit und den traditionellen Erwartungen ihrer Familie, im Kontext der zunehmenden Spannungen aufgrund von Georgiens LGBT-Politik. What does it mean to be a stranger in your own home and country? «Prisoner of Society» is an intimate journey into the world and mind of a young transgender woman trapped between personal desire for freedom and the traditional expectations of her parents amid the growing tensions provoked by LGBT politics in Georgia. Rati Tsiteladze (b. 1987) won a world champion title in martial arts at age 21. But in 2014, as filmmaking became the overpowering passion in his life, he left his fighting career behind and went on to study filmmaking at the Hybrid Conservatory in Los Angeles. He is an alumnus of the Locarno and IDFA Academies and was selected at the Berlinale Talent Project Market among ten producers. Rati founded the production company ArtWay Film and has directed several short and feature films.

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Impressions of Home Curated by Delphine Jeanneret, Laura Walde

Runtime: 89' Thursday, 8 November 2018, 16:30, Casino 1 Friday, 9 November 2018, 19:30, Kino Cameo

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Impressions of Home Die zeitgenössische Filmszene Georgiens erlebt seit gut zehn Jahren eine Blütezeit mit zahlreichen jungen RegisseurInnen und ProduzentInnen, die an der Zukunft des Kinos im Land arbeiten. Die meisten von ihnen studierten bildende Kunst, Theater oder Film an der Staatlichen Akademie der Künste Tiflis oder an der Schota-Rustaweli-Universität für Theater und Film, bevor sie an internationalen Schulen ihre Abschlüsse machten. In Georgien haben sie ihre eigenen Produktionsfirmen gegründet, um an Fördergelder von öffentlichen und privaten Institutionen zu gelangen. Das Georgian National Film Center, die einzige staatliche Institution, die Filmprojekte subventioniert, hat seit ihrer Gründung im Jahr 2000 über 80 Filme unterstützt. Weitere Finanzierungsquellen bieten Co-Produktionsabkommen mit Europa und den USA. Kurz, die georgische Filmszene ist lebendig und vielfältig und bietet eine breite Palette an persönlichen Geschichten, Ästhetiken und Themen. Vom modern-urbanen zum traditionell-ländlichen Georgien eröffnet uns dieses Programm das zeitgenössische georgische Kino. Inszeniert von vier Nachwuchstalenten, die in Festivalkreisen bereits wohlbekannt sind, befassen sich die vier Spielfilme mit der Jugend und mit Familienbeziehungen. Elene Naveriani, Davit Pirtskhalava, Ioseb Soso Bliadze und Dea Kulumbegashvili fangen die komplexen Herausforderungen des Erwachsenwerdens im heutigen Georgien gekonnt ein. Während die Protagonisten von «Léthé» unschuldig in idyllischer Landschaft leben, wo die Zeit stillzustehen scheint, kämpfen jene in «Gospel of Anasyrma» und «Three Steps» in feindseliger, orthodoxer Umgebung um ihre Rechte und ihre Würde (als Frauen oder Angehörige der LGBTQI-Gemeinschaft). «Father» befasst sich mit dem Fehlen einer starken Vaterfigur im Leben von zwei jungen Brüdern, die ihre Mutter behutsam beschützen. Die vier Filme vereint eine besondere Diskretion der ProtagonistInnen respektive der schauspielerischen Leistungen. Impressions of Home ist eine Reise durch Georgien von Tiflis in abgelegene Dörfer, von trockenen Landschaften zu Seen, von malerischen Villen zu Holzhütten. Die Filme spiegeln jugendliche Realitäten und Emanzipierung in einem Land, wo Traditionen und die Familie fatale Auswirkungen auf Einzelschicksale haben können. Delphine Jeanneret

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Impressions of Home The film scene in Georgia has been in full bloom for over ten years, with many young filmmakers and producers shaping the future of cinema in their country. Most of them studied visual arts, theatre, or cinema at the Tbilisi State Academy of Arts or the Shota Rustaveli Theatre and Cinema Georgia State University before graduating from international schools. In Georgia, they have organized their own production companies to find sources of funding from both public and private institutions. The Georgian National Film Center – the only state institution that subsidizes films – has supported over 80 projects since its foundation in 2000. Additional funding comes from coproduction agreements with Europe or the United States. In short, the Georgian film scene is vibrant and diverse, with a variety of personal (hi)stories, aesthetics, and subjects. From urban and contemporary to more traditional and rural Georgia, the programme Impressions of Home opens a door to the world of contemporary filmmaking in Georgia. Directed by four upcoming filmmakers already well known on the festival circuit, the fiction films of this programme reflect on youth and family relationships. Elene Naveriani, Davit Pirtskhalava, Ioseb Soso Bliadze, and Dea Kulumbegashvili capture the complexity and challenges of growing up in Georgian society today. While the young protagonists of «Léthé» innocently dwell in pastoral landscapes where temporality seems to have vanished, those of «Gospel of Anasyrma» and «Three Steps» are fighting for their (women’s and LGBTQI) rights and dignity in a hostile and orthodox environment. The two teenage brothers in «Father» are affected by the absence of a strong father figure in their lives, while protecting their mother with care. It is in the extreme discreetness of the protagonists, and by extension of the actors’ performances, that all four films meet. Impressions of Home is a road trip through Georgia from Tbilisi to remote villages, from dry landscapes to lakes, from picturesque mansions to wooden sheds. The films are a mirror of youthful realities and emancipation in a country where tradition and family can have a violent impact on individual destinies. Delphine Jeanneret

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Anasirmas Sakhareba / Mama / Father Gospel of Anasyrma Georgia 2015, 24'52", digital file, colour, Switzerland/Georgia 2014, 29'04", digital file, colour, Georgian with English subtitles, Fic Director: Elene Naveriani Script: Elene Naveriani Photography: Agnes Pakozdi Editor: Laura Peeters/Elene Naveriani Sound: Hakim Mastour/Philippe Ciompi Cast: Giorgi Nebieridze/Bianka Shigurova Production: HEAD Genève – Département Cinéma, Genève, Switzerland, cinema.head@hesge.ch, + 41 22 388 58 89 Distribution: HEAD Genève – Département Cinéma, Genève, Switzerland, cinema.head@hesge.ch, + 41 22 388 58 89

Georgian with English subtitles, Fic Director: Davit Pirtskhalava Script: Davit Pirtskhalava Photography: Shalva Sokurashvili Editor: Nodar Nozadze Sound: Paata Godziashvili/Nika Paniashvili Cast: Mariam Maglaperidze/Vakho Chachanidze/ Mamuka Kiladze/Sandro Kalandadze/ Zviad Pirtskhalava Production: Millimeter Film, Tbilisi, Georgia, Mariam Kakabadze, Info@millimeterfilm.com, +995 32194500 Distribution: Millimeter Film, Tbilisi, Georgia, info@millimeterfilm.com, +995 32194500

Ein Paar, er und sie – eine junge transsexuelle Frau. In der georgischen Realität ist ihre Beziehung gefährdet von einer feindseligen Umgebung. Sie sind der puren Kraft ihrer Gefühle überlassen. Eine Erzählung von aussergewöhnlicher Diskretion.

Lado ist 19, als sein Vater nach langer Abwesenheit unerwartet nach Hause zurückkehrt. Der junge Mann versucht krampfhaft, seinem Vater Antworten zu entlocken – doch umsonst. Als der Vater wieder verschwindet, kehrt Lado mit seinem jüngeren Bruder zu seinem kriminellen Leben zurück.

A couple, he and she – a young transgender woman. Embedded in the reality of Georgia, their relationship is threatened. Fragile in a violently hostile environment, all they have is the sheer strength of their feelings. A narrative of exemplary discreetness.

Lado is 19 when his father unexpectedly returns home after a very long absence. The young man desperately tries to get some answers from his parent, but in vain. When his father leaves again, Lado goes back to his life of crime, together with his younger brother.

Born 1985 in Tbilisi, Elene Naveriani lives between Switzerland and Georgia. In 2007, she graduated with a BA in visual arts from the Tbilisi State Academy of Art. She also has an MA in CCC (critical curatorial cybermedia studies) and a BA in cinema from HEAD in Geneva. Her first feature film, «I am Truly a Drop of Sun on Earth» (2017) premiered at IFFR and was selected for several international festivals. She is currently developing her second feature.

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Born 1987 in Tbilisi, Davit Pirtskhalava graduated from Shota Rustaveli Theatre and Film Georgia State University in 2011 with a Master’s degree in screenwriting. He’s the author of several short and feature film scripts. «Father» was Davit’s debut work as a director. The film won the Pardino d’oro at the Locarno Film Festival in 2015. «Eraser» (original title «Sashleli») is his second work as a director.

Three Steps Georgia/Germany 2017, 19'35", digital file, colour, Georgian with English subtitles, Fic Director: Ioseb Bliadze Script: Ioseb Bliadze/Elmar Imanov/Giga Liklikadze Photography: Dimitri Dekanosidze Editor: Jonas Thoma Sound: Jakob Jendryke/Kote Kalandadze Cast: Elene Guramishvili/Vakhtang Chachanidze/ George Ambroladze/Ruso Dokhnadze Production: Color of may, Georgia Distribution: Les Valseurs, Paris, France, distribution@lesvalseurs.com, +33 1 71 39 41 62, Color of may, Georgia

Mariam lebt mit ihrem Vater in einer verarmten Gegend von Georgien. Gemeinsam versuchen sie über die Runden zu kommen, nicht immer auf ehrliche Weise. Ein Vorfall lässt Mariam befürchten, dass ihr Vater das nächste Mal zu weit gehen könnte, sodass sie beschliesst, zuerst zu handeln. Mariam and her father live in an impoverished community in Georgia. Together they try to make ends meet, not always in an honest way. An incident triggers a fear in Mariam that her father might take it too far next time, and she decides to act first. Born 1986 in Tbilisi, Ioseb Bliadze first studied to become a scientist, but his passion for cinema led him to pursue a degree in directing at the Tbilisi State University. He directed his first short film in 2012, followed by «Three Steps» (2016), which was co-written with Elmar Imanov. The two are currently collaborating on Bliadze’s first feature film, «Otar’s Death», produced by Les Valseurs.


Léthé France/Georgia 2016, 15'04", digital file, black & white, Georgian with English subtitles, Fic Director: Dea Kulumbegashvili Script: Dea Kulumbegashvili Photography: Arseni Khachaturan Editor: Richard Marizy Sound: Martin Boissau/Philippe Penot/ Thierry Delor/Pierre Choukroun Cast: Vika Chocheva/Dato Gogoladze/Mikheil Gomiashvili Production: First Picture, Paris, France, ilan@firstpicture.fr, +33 6 16 64 87 87 Distribution: First Picture, Paris, France, ilan@firstpicture.fr, +33 6 16 64 87 87

Am Fluss des Vergessens kommt ein einsamer Reiter durch ein Dorf, wo Kinder mit geheimen Wünschen spielen und Erwachsene dem Feiern frönen. Gewalt und Liebe sind fester Bestandteil ihres Lebens. By the river of oblivion, a lonely horseman passes through a village where children play with hidden desires and adults indulge in celebration. Violence and love are integral parts of their lives. Dea Kulumbegashvili was born and raised in Georgia. She studied film directing at Columbia University School of the Arts and media studies at the New School in New York. Her debut short film «Invisible Spaces» was nominated for the Palme d’Or at Cannes in 2014, and «Léthé» was shown in the Directors’ Fortnight section. With her debut feature script, Dea was selected for the Cinéfondation Residency and the Jerusalem Film Lab.

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Georgian Rebels Curated by Delphine Jeanneret, Laura Walde

Runtime: 87' Sunday, 11 November 2018, 14:30, Casino 2

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Georgian Rebels Die Blütezeit des georgischen Kinos – von den späten 1950er bis in die 1980er Jahre – ist untrennbar verbunden mit den Bedingungen, unter denen sich die Filmschaffenden mit dem Leben und Arbeiten in der Sowjetunion auseinandersetzen mussten. Das Land im Grenzgebiet zwischen Westasien und Osteuropa gehörte zur UdSSR von deren Gründung im Jahr 1922 bis zur georgischen Unabhängigkeitserklärung 1991. Die drei Regisseure dieses Programms studierten wie die meisten Filmemacher jener Zeit in Moskau. Giorgi Schengelaia und Otar Iosseliani studierten unter Alexander Dowschenko, Micheil Kobachidse unter Sergej Gerassimow. Unzufrieden mit der Beschränkung auf die russische Sprache und das sowjetische Publikum sowie mit den strikten Erwartungen der staatlichen Zensurbehörde wandten sie sich bald nach Westen auf der Suche nach Inspiration und Anerkennung. Dort begrüsste man sie mit offenen Augen und Ohren und würdigte bereitwillig die einzigartigen filmischen Visionen des Landes. Selbst während des Kalten Krieges waren Filme, die an europäischen Festivals in Retrospektiven oder in Wettbewerben liefen, als «georgisch» aufgelistet, nicht als sowjetisch. Das historische Programm Georgian Rebels ehrt den Beitrag dieser Regisseure zum unnachahmlichen filmischen Einfallsreichtum dieses Landes. Während die industrialisierten Nationen des Westens mit Anti-Establishment- und Bürgerrechtsbewegungen rangen, florierte das georgische Kino mit heiteren, vergnügt eigenwilligen Spiel- und Dokumentarfilmen. Mit ihrer poetischen und formalistischen Bildsprache und ihrem surrealen Humor sind die hier gezeigten Werke bloss auf den ersten Blick oberflächlich. Während sie die sozialistische Realität der Sowjetunion nicht offen kritisieren, ignorieren sie die Erwartungen des Staates auf derart schamlose Weise, dass viele der Werke mit Zensur und deren Schöpfer mit jahrelangen Berufsverboten belegt wurden. Iosselianis erster mittellanger Film «Aprili» wurde aufgrund von exzessivem Formalismus verboten und erst zehn Jahre nach seiner Entstehung aufgeführt. «Umbrella» von Kobachidse, der an die komödiantische Tradition des frühen Stummfilms anschliesst, gewann zahlreiche Preise im Ausland, wurde aber vom sowjetischen Publikum abgelehnt. Die drei Filme in diesem Programm zeigen einen kleinen Teil von Georgiens reichem filmischem Erbe, schaffen dabei aber gleichzeitig Referenzpunkte

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fßr die aktuelle Filmproduktion des Landes. Wie ihre Vorgänger befasst sich auch die aktuelle Regiegeneration mit der sowjetischen Vergangenheit und turbulenten Gegenwart Georgiens, wenn auch mit inhaltlich und formal ganz anderen Zugängen. Laura Walde

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Georgian Rebels The heyday of Georgian cinema – beginning in the late 1950s and continuing into the 1980s – is closely related to how the filmmakers engaged with work and life in the Soviet Union. The country, located at the crossroads of Western Asia and Eastern Europe, formed part of the USSR from its inception in 1922 until the Georgian declaration of independence in 1991. The three directors presented in this programme studied in Moscow, as did most filmmakers at the time. Both Giorgi Shengelaia and Otar Iosseliani studied under Alexander Dovzhenko, while Mikheil Kobakhidze was a student of Sergei Gerasimov. Unhappy to be confined by the Russian language, the Soviet audience, and the state censors’ rigid expectations, Georgian filmmakers soon began to look to the West for inspiration and recognition. They were met with open ears and eyes as well as with the ready acknowledgement of the country’s unique cinematic visions. Even during the Cold War, Georgian films shown at retrospectives or in competition at European festivals were specifically listed as «Georgian» instead of with the USSR as country of origin. The historical programme Georgian Rebels honours these filmmakers’ contribution to the country’s inimitable cinematic ingenuity. While the Western industrialized nations grappled with anti-establishment and civil rights movements, Georgian filmmakers flourished, producing lighthearted, pleasantly outlandish fiction films and documentaries characterized by poetic and formalistic imagery and surreal humour. Superficial only at first glance, these films don’t overtly criticize the socialist reality in the Soviet Union, but they ignore the state’s expectations so shamelessly that many of them were censored, while their creators faced occupational bans for many years. Iosseliani’s first medium-length film «Aprili» was banned for its excessive use of formalism and only released ten years after its production. «Umbrella» by Kobakhidze, an attempt to build on the humorous tradition of early silent films, garnered numerous prizes abroad but was scorned by the Soviet audience. The three films presented in this programme allow us to discover a small part of Georgia’s rich cinematic heritage while also creating points of reference for Georgia’s current filmic output. Much like their predecessors, the present

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generation of filmmakers is confronting and learning to cope with the country’s Soviet past and tumultuous present, albeit with very different approaches in content and form. Laura Walde

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Alaverdoba

Qolga / Umbrella

Aprili

Georgia 1962, 39'48", 35mm, black & white, Russian with French and English subtitles, Fic

Georgia 1967, 19'18", 35mm, black & white, no dialogue, Fic

Georgia 1962, 29'00", 35mm, black & white, no dialogue, Fic

Director: Giorgi Shengelaia Script: Giorgi Shengelaia Cast: Geidar Palavandishvili/Kote Daushvili/ Irakli Kokrashvili/Leo Balisevich Production: Giorgi Shengelaia Distribution: Arsenal Distribution, Berlin, Germany, distribution@arsenal-berlin.de, +49 30 26955 250

Director: Mikheil Kobakhidze Script: Mikheil Kobakhidze Photography: Nicolaï Soukhichvili Sound: Tenghiz Nanobashvili Cast: Gia Avalishvili/Jana Petraitite/ Ramaz Giorgobiani Production: Mikheil Kobakhidze Distribution: Gaumont Pathé Archives / Arkeion, St Ouen, France, yvarry@gaumontpathearchives.com

Director: Otar Iosseliani Script: Otar Iosseliani/Eriom Akhvlediani Photography: Youri Fednev Editor: Otar Iosseliani Cast: Tatyana Chanturia/Gia Chiraqadze/ Akakiy Chikvaidze Production: Otar Iosseliani Distribution: Arsenal Distribution, Berlin, Germany, distribution@arsenal-berlin.de, +49 30 26955 250

Alawerdoba ist ein religiöses Volksfest in der ostgeorgischen Provinz Kachetien, dessen Wurzeln auf ein Erntedankfest zurückgehen. Das Fest dauert mehrere Tage und findet rund um das Alawerdi-Kloster statt. Protagonist Guram, ein Journalist, will die alte Tradition miterleben. Alaverdoba is a religious and folk celebration with roots in a harvest festival in the eastern Georgian province of Kakheti. The festival lasts for several days and takes place around the Alaverdi monastery and cathedral. Protagonist Guram, a journalist, travels there in order to see the ancient religious feast firsthand. Giorgi Shengelaia (b. 1937) is a Georgian filmmaker who has directed 14 films since 1961. His 1985 film «The Journey of a Young Composer» won the Silver Bear for Best Director at the 36th Berlin International Film Festival.

Ein Bahnwärter und seine Freundin führen ein friedliches Leben neben den Bahngeleisen – bis eines Tages plötzlich ein Schirm in ihr Leben fliegt. A railway signalman and his sweetheart live a peaceful life next to the railway tracks, until one day, out of nowhere, an umbrella flies into their life. Mikheil Kobakhidze (b. 1939 in Tbilisi) is a Georgian screenwriter, film director, actor, and composer. A retrospective of his work was held at the 1996 Venice Film Festival.

Ein glückliches junges Paar zieht aus einem armen Quartier in eine neue Wohnsiedlung. Mit zunehmendem Komfort und Wohlstand verschlechtert sich ihre Beziehung. Der Film erinnert ans Werk von Jacques Tati mit seinem manipulierten Ton, dem sparsam eingesetzten Dialog und seiner Skepsis gegenüber dem Fortschritt durch Modernisierung. «Aprili» durfte erst 1972 in Georgien aufgeführt werden. A young happy couple moves from a poor district to a new housing estate. Their relationship gets progressively worse as their comfort and possessions increase. The film resembles the work of Jacques Tati with its modified sounds, reduced dialogue, and scepticism regarding progress through modernization. «Aprili» was initially denied theatrical distribution in Georgia and only released in 1972. Otar Iosseliani was born in Georgia in 1934, but spent a significant part of his career in France, where he has lived since 1982. He studied music (piano and composing), mathematics, and later cinema at the All-Union State Institute of Cinematography in Moscow, where he learned from Alexander Dovzhenko. His films received important awards at festivals such as Cannes, Venice, Berlin, and Locarno.

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Weitere thematische Filmprogramme Additional Thematic Programmes

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Bergman Revisited

Runtime: 82' Sunday, 11 November 2018, 13:00, Theater Winterthur 1

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Bergman Revisited Am 14. Juli 2018 hat sich der Geburtstag des schwedischen Regisseurs Ingmar Bergman zum 100. Mal gejährt. Wo soll man nur beginnen, wenn man über Bergman sprechen will? Bei seinen über 60 Filmen? Seinem Verhältnis zu Frauen? Mit dem Menschen oder dem Künstler? Beginnen wir mit seiner Biografie. Bergman wurde 1918 im schwedischen Uppsala geboren und war von 1946 bis 2003 als Filmemacher und Theaterregisseur aktiv. 2007 verstarb er mit 89 Jahren auf der kleinen Insel Fårö, wo er 1966 den Film «Persona» gedreht hatte. Er war fünfmal verheiratet und hatte neun Kinder. Bergmans Vater war ein protestantischer Pastor, der seine Kinder streng religiös erzog und regelmässig bestrafte. Diese Erfahrung prägte auch Bergmans Werk, etwa sein Meisterstück «Fanny und Alexander». Seine inneren Dämonen und die Abneigung gegen seinen Vater übersetzte er gekonnt in seine Filme. Bergman hatte ausserdem eine explosive Beziehung zu Frauen, die in seinen Filmen oft zentrale Figuren spielten. Er war bekannt für ein fast schon manisch-besitzergreifendes Verhalten gegenüber seinen Schauspielerinnen (wobei er mit einigen auch Affären einging). Er meinte, nur so könne er die Seele der Frauen erkennen. Ingrid Bergman soll den Regisseur wegen seines diktatorischen und cholerischen Verhaltens auf dem Set geohrfeigt haben. Er galt als streng, nicht nur zu anderen, sondern auch zu sich selber, was oft auf seine Erziehung zurückgeführt wurde. Bergman gilt als einer der bedeutendsten Regisseure der Filmgeschichte. Filme wie «Das siebente Siegel», «Wilde Erdbeeren», «Das Schweigen» und «Persona» wirken unverstaubt und funktionieren noch heute. Immer wieder stieg Bergman in die Abgründe des menschlichen Wesens um Themen wie den Glauben an Gott, Sünde, Bekenntnis, Strafe, Vergebung und Gnade zu ergründen. Dabei schreckte er auch vor Tabubrüchen nicht zurück. Sein Werk umfasst über 60 Kino- und Fernsehfilme sowie 130 Theaterinszenierungen. Er gewann drei Oscars in der Kategorie Bester fremdsprachiger Film und wurde auch mehrfach in Cannes, an der Berlinale und in Venedig ausgezeichnet. 1997 wurde Bergman in Cannes gar als «Bester Filmregisseur aller Zeiten» geehrt.

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Zum diesjährigen Jubiläum produzierten zeitgenössische schwedische Filmschaffende sechs Filme als kritische Hommage, mit dem Ziel den Einfluss von Bergman auf ihr eigenes Schaffen zu reflektieren. Entstanden sind sechs sehr unterschiedliche Werke, vom bergmanesken Drama bis hin zum satirischen Animationsfilm. Die Filme stammen von Tomas Alfredson, bekannt durch «Let the Right One In» und «Tinker Tailer Soldier Spy»; Lisa Aschan, die 2014 mit ihrem ersten Langfilm «She Monkeys» an der Berlinale einen Preis gewann; Pernilla August, die als Schauspielerin in Bergmans «Fanny und Alexander» ihren Durchbruch feierte; Patrik Eklund, der mit seinem Langfilm «Flicker» für den Oscar nominiert war und mit seinen Kurzfilmen grosse Erfolge am Sundance Festival und in Cannes feierte; Jane Magnusson, deren Dokumentarfilm «Trespassing Bergman» in Venedig lief; und Linus Tunström, langjähriger Leiter des Stadttheaters von Uppsala, der mit seinem Kurzfilm 2010 an der Semaine de la Critique in Cannes einen Preis gewann. John Canciani

Mit freundlicher Unterstützung von

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Bergman Revisited On 14 July 2018, Swedish filmmaker Ingmar Bergman would have turned 100 years old. Where to start when talking about Bergman? With his over 60 films? His relationship with women? The man or the artist? Let’s start with his biography. Bergman was born in Uppsala, Sweden, in 2018. He was active as a filmmaker and theatre director from 1946 to 2003. In 2007, he died at age 89 on the small island of Fårö, where he had shot his film «Persona» in 1966. Bergman was married five times and had nine children. Bergman’s father was a protestant pastor who raised his children very religiously and regularly punished them. This experience also left its mark on Bergman’s work, for instance on his masterpiece «Fanny and Alexander». He skilfully translated his inner demons and his aversion to his father into his films. Bergman was also famous for his explosive relationship with women, who often played central roles in his films. He was known for his almost obsessively possessive conduct towards his actresses (and for having affairs with some of them). He claimed that that was the only way for him to discover women’s soul. Ingrid Bergman allegedly slapped the director in the face on account of his dictatorial and choleric behaviour on the set. He had a reputation for being hard on others, as well as on himself, which is often attributed to his childhood. Bergman is regarded as one of film history’s most significant directors. Far from appearing dated, films such as «The Seventh Seal», «Wild Strawberries», «The Silence», and «Persona» still seem pertinent today. Time and again he looked into the depths of human nature, exploring issues such as faith, sin, confession, punishment, forgiveness, and mercy, and he never worried about breaking taboos. Bergman’s oeuvre comprises over 60 films and TV dramas as well as 130 stage productions. He won three Oscars in the Best Foreign Language Film category, and repeatedly received awards at the festivals of Cannes, Berlin, and Venice. In 1997, he was even honoured as the «best filmmaker of all time» at Cannes. On the occasion of the 2018 anniversary, contemporary Swedish filmmakers produced six short films as a critical homage with the aim of exploring Bergman’s influence on their own work. The result is a diverse group of films, ranging from Bergmanesque drama to satirical animation. The filmmakers are Tomas Alfredson, known for «Let the Right One In» and «Tinker Tailer

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Soldier Spy»; Lisa Aschan, whose first feature film «She Monkeys» won an award in Berlin in 2014; Pernilla August, who had her big breakthrough as an actress in Bergman’s «Fanny and Alexander»; Patrik Eklund, whose feature «Flicker» was nominated for an Oscar and whose shorts have been very successful at Sundance and Cannes; Jane Magnusson, whose documentary «Trespassing Bergman» was screened in Venice; and Linus Tunström, director of Uppsala City Theatre for many years, whose short film won an award at the Semaine de la Critique in Cannes in 2010. John Canciani

With the kind support of

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Scener Ur Natten / Scenes from the Night

Infektionen / The Infection

Fettknölen / Vox Lipoma

Sweden 2018, 17'02", digital file, colour, Swedish with English subtitles, Fic

Sweden 2018, 16'35", digital file, colour, Swedish with English subtitles, Fic

Sweden 2018, 10'37", digital file, black & white, Swedish with English subtitles, Ani

Director: Pernilla August Script: Cilla Naumann Photography: Erik Molberg Hansen Editor: Åsa Mossberg Sound: Per Sundström Cast: Pernilla August/Ville Virtanen Production: Avanti Film, Stockholm, Sweden, anna.anthony@avantifilm.se Distribution: Nordisk Film Production Sverige AB, Stockholm, Sweden, nordiskfilm@nordiskfilm.com, Tel: +46 8 58782200, TrustNordisk, Hvidovre, Denmark, info@trustnordisk.com, +45 2974 6206

Director: Patrik Eklund Script: Patrik Eklund Editor: Patrik Eklund Sound: Christoffer Demby Cast: Magnus Krepper/Pia Halvorsen/ Ruth Vega-Fernandez Production: Salmonfox, Ulmea, Sweden, info@salmonfox.com, +46 70 998 65 23 Distribution: Nordisk Film Production Sverige AB, Stockholm, Sweden, nordiskfilm@nordiskfilm.com, Tel: +46 8 58782200, TrustNordisk, Hvidovre, Denmark, info@trustnordisk.com, +45 2974 6206

Director: Jane Magnusson Script: Jane Magnusson/Liv Strömquist Cast: Thorsten Flinck/Frank Dorsin/Mirja Turestedt/ Frida Hallgren Production: B-Reel Films, Stockholm, Sweden Distribution: Nordisk Film Production Sverige AB, Stockholm, Sweden, nordiskfilm@nordiskfilm.com, Tel: +46 8 58782200, TrustNordisk, Hvidovre, Denmark, info@trustnordisk.com, +45 2974 6206

Marianne und Henrik waren lang glücklich verheiratet, bis Henrik die Ehe plötzlich beendete. Als Henrik tödlich erkrankt, gelangt Marianne – gegen den Willen ihrer Töchter – zur Einsicht, dass seine Geliebte Paula ebenfalls Gelegenheit haben sollte, Abschied zu nehmen. In Henriks letzter Nacht begegnen sich Marianne und Paula zum ersten Mal.

Die Ehe von Krister und Kristina bröckelt. Die kleinen Ärgernisse des Alltags haben ihre Beziehung ausgehöhlt. Sie gehen zur Beratung, doch möglicherweise ist es schon zu spät um die Infektion, die sie zerreisst, zu heilen. Ein Film im Geist von Bergmans «Szenen einer Ehe», voll von schwarzem Humor.

Artist couple Marianne and Henrik had a long, happy marriage until Henrik suddenly and painfully broke it off. When Henrik becomes critically ill, Marianne realizes at his deathbed – against her daughters’ wishes – that his mistress Paula should also be allowed to bid him farewell. During Henrik’s last night, Marianne and Paula meet for the first time. Pernilla August (b. 1958) is an actress and director who had her breakthrough in Bergman’s «Fanny and Alexander» (1982). She has directed the critically acclaimed films «Beyond» (2010) and «A Serious Game» (2016).

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Krister and Kristina’s marriage is crumbling. All the petty annoyances of their everyday life have eroded their relationship. They seek counselling, but it might be too late to cure the infection that is tearing them apart. «The Infection» is a film in the spirit of Ingmar Bergman’s «Scenes from a Marriage», full of dark humour. Hailing from the cold, dark north that is Sweden, writer and director Patrik Eklund has received global recognition for his short films, including the award of the Semaine de la Critique at Cannes for «Seeds of the Fall» and an Oscar nomination for the short film «Instead of Abracadabra». He made his feature debut in 2012 with «Flicker», which won the Next Wave Award at Fantastic Fest.

Ein Kurzfilm über Ingmar Bergmans Macht, Sexualität und Gesichtslipom, das ihn nicht zur Ruhe kommen lässt. A short about Ingmar Bergman’s power, sexuality, and facial lipoma that gives him no rest. Jane Magnusson (b. 1968) is a writer and filmmaker. She grew up in Sweden, Singapore, Hong Kong, and the US and studied film and literature at Brown University in Providence. Before making films, Magnusson worked as a journalist and writer. Her first documentary, «Ebbe: The Movie» (2009), about a controversial Swedish political figure, garnered much attention and awards. Her second documentary, «Trespassing Bergman» (2013), had its international premiere at the Venice Film Festival.


Ariel Sweden 2018, 14'34", digital file, colour, Swedish with English subtitles, Fic Director: Linus Tunström Script: Linus Tunström Photography: Jakob Ihre Editor: Sofia Lindgren Sound: Carl Edström Cast: Bahar Pars/Jonas Karlsson Production: Filmlance International, Stockholm, Sweden, Anders Landström, anders.landstrom@filmlance.se, +46 70 979 97 66 Distribution: TrustNordisk, Hvidovre, Denmark, Susan Wendt, susan@trustnordisk.com, +45 2974 6206, Nordisk Film Production Sverige AB, Stockholm, Sweden, nordiskfilm@nordiskfilm.com, Tel: +46 8 58782200

Ein Mädchen kommt mit Flügeln zur Welt. Als Filip und Anna realisieren, dass ihre neugeborene Tochter nicht wie andere Kinder ist, reagieren sie gegensätzlich. Was Anna als ein Wunder betrachtet, sieht Filip als Stigma. Müssen wir unsere Beziehung zum Magischen abbrechen um als Erwachsene zu überleben? A girl is born with wings. When Filip and Anna first realize that their newborn daughter is not like other children, they react in wildly opposing manners. Anna considers it a miracle, while Filip sees it as a stigma. Do we have to sever our connection to the magical in order to survive as adults? Linus Tunström won the Canal+ Award for Best Short at Cannes and a number of other awards and nominations for his short «To Be Continued» (2000). He has worked for theatre, film, and television, directing TV dramas for Swedish National Broadcasting and plays at major theatres in Sweden, Denmark, Germany, and Switzerland. In addition, he spent ten years as CEO and artistic director of Uppsala City Theatre.

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Guds Tystnad / God Is Silent

Bergmans Reliquarium / Bergman’s Reliquary

Sweden 2018, 15'41", digital file, black & white, Swedish with English subtitles, Fic

Sweden 2018, 8'00", digital file, colour/black & white, Swedish with English subtitles, Clip/Fic

Director: Lisa Aschan Script: Lisa Aschan/Isabel Cruz Liljegren Photography: Linda Wassberg Editor: Therese Elfström Sound: Andreas Franck Cast: Anki Lidén/Nina Gunke Production: Garagefilm International, Stockholm, Sweden, info@garagefilm.se, +46 8 68441300 Distribution: Nordisk Film Production Sverige AB, Stockholm, Sweden, nordiskfilm@nordiskfilm.com, Tel: +46 8 58782200, TrustNordisk, Hvidovre, Denmark, info@trustnordisk.com, +45 2974 6206

Anna und Ester waren beste Freundinnen, haben sich aber auseinandergelebt. Um ihre Freundschaft zu erneuern, beschliessen sie, gemeinsam dieselbe Reise wie vor 30 Jahren zu unternehmen. Doch Anna weiss nicht, dass Ester ein Geheimnis hütet, das sie nie jemandem erzählt hat. Anna and Ester were best friends but have grown apart. To patch things up, they decide to go on the same trip as they did 30 years ago. What Anna doesn’t know is that Ester has a secret she never dared to tell anyone. Lisa Aschan was born in 1978. Her feature debut «She Monkeys» from 2011 was awarded at Berlinale. In 2014, her second feature «White People» opened to great reviews.

Director: Tomas Alfredson Script: Tomas Alfredson/Jesper Waldersten Photography: Olof Johnson FSF/Tomas Alfredson/ Jesper Waldersten Editor: Dino Jonsäter/Tomas Alfredson Sound: Fredrik Jonsäter Cast: Veronica Maggio/Lena Olin Production: Another Park Film, Stockholm, Sweden, info@anotherparkfilm.com, +46 8 665 30 11 Distribution: TrustNordisk, Hvidovre, Denmark, info@trustnordisk.com, +45 2974 6206, Nordisk Film Production Sverige AB, Stockholm, Sweden, nordiskfilm@nordiskfilm.com, Tel: +46 8 58782200

«Bergmans Reliquarium» ist ein visuelles Spiel mit Anspielungen auf Ingmar Bergmans heiligste Geheimnisse. Ein Popvideo, das Bergmans Werke mittels Anleihen, Spiegelungen und Karikaturen miteinander verbindet. Eine Hommage an einen der grössten Bildermacher unserer Zeit. «Bergman’s Reliquary» is a visual game of allusions to Ingmar Bergman’s holiest secrets. A pop video that tries to link Bergman’s works by borrowing, mirroring, cropping, replicating, and caricaturing. A tribute to one of our time’s greatest visual creators. Tomas Alfredson (b. 1965) had his international breakthrough with «Let the Right One In» (2008) and went on to direct the highly acclaimed «Tinker Tailor Soldier Spy» (2011).


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Disney’s Animated Technicolor Curated by Andreas Bßhlmann

Runtime: 72' Saturday, 10 November 2018, 14:00, Casino 1

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Disney’s Animated Technicolor 1929 liess sich Walt Disney vom amerikanischen Komponisten Carl Stalling überzeugen, neben seiner Mickey-Mouse-Reihe eine zweite Zeichentrickserie zu lancieren. Anstelle wiederkehrender Figuren sollte die visuelle Umsetzung von Musik im Vordergrund stehen. Damit waren die «Silly Symphonies» geboren, die bis 1939 insgesamt 75 Kurzfilme hervorbrachten. Der nachhaltige Erfolg stellte sich allerdings erst 1932 mit «Flowers and Trees» (Regie: Burt Gillett) ein, dem ersten Disney-Cartoon im damals brandneuen Technicolor No. 4. Disney sicherte sich bis 1935 die Exklusivrechte an diesem Farbfilmsystem, das auf einem Dreifarben-Druckverfahren basierte und endlich ohne Einschränkung sämtliche Farben wiedergeben konnte. Das Programm Disney’s Animated Technicolor widmet sich dieser damals revolutionären Farbtechnologie und zeigt eine Auswahl von Disneys frühen Meisterwerken, die als filmhistorische Meilensteine gelten. «Three Little Pigs» (Burt Gillett) leitete 1933 Disneys Oscar-Segen in der Kategorie Best Animated Short Film ein: Bis 1940 gingen mit einer Ausnahme alle Preise in dieser Sparte an Filme aus den «Silly Symphonies». Mit «The Goddess of Spring» (Wilfred Jackson) schrieb Disney Filmgeschichte bezüglich der Darstellung von menschlichen Figuren, was auch für den ersten abendfüllenden Zeichentrickfilm «Snow White and the Seven Dwarfs» von 1937 entscheidend war. «The Golden Touch» ist Walt Disneys letzte eigene Regiearbeit aus dem Jahre 1935, bevor er sich anschliessend nur noch dem Produzieren von Filmen widmete. In «The Old Mill» (Wilfred Jackson) kam erstmals die eigens weiterentwickelte Multiplan-Kamera zum Einsatz, die es ermöglichte, mehrere Bildebenen tiefengestaffelt zu filmen und einzeln zu fokussieren, was einen dreidimensionalen Effekt bewirkte. «The Wise Little Hen» (Wilfred Jackson) ist Donald Ducks erster Cartoon-Auftritt. Den Abschluss macht «The Ugly Duckling» nach dem berühmten Märchen von Hans Christian Andersen – ein farbiges Remake des noch in SchwarzWeiss gedrehten gleichnamigen Kurzfilms von 1931. Die Kurzfilmtage bieten Gelegenheit, den ursprünglichen Zauber von Disneys kurzen Kunstwerken wie damals im Kinosaal zu erleben – wobei die einst auf hochentzündlichem Nitratfilm gedrehten Werke nun in restaurierter und digitalisierter Fassung zu sehen sind. Andreas Bühlmann

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Disney’s Animated Technicolor In 1929, American composer Carl Stalling convinced Walt Disney to launch a second cartoon series in addition to his Mickey Mouse films. Instead of featuring recurring characters, the series would focus on visual representations of music. The «Silly Symphonies» were born, producing a total of 75 animated shorts between 1929 and 1939. Lasting success came in 1932 with «Flowers and Trees» (directed by Burt Gillett), the first Disney cartoon to use the brand-new Technicolor No. 4 colour process. Disney secured the exclusive rights to the technology until 1935. The three-strip process was the first to allow the unlimited reproduction of all colours. The programme Disney’s Animated Technicolor is dedicated to this once revolutionary colour technology, showing a selection of Disney’s early masterpieces, which are considered milestones of film history. In 1933, «Three Little Pigs» (Burt Gillett) launched Disney’s string of Oscar wins in the Best Animated Short Film category. With one exception, all awards in this category went to a «Silly Symphonies» cartoon up to 1940. «The Goddess of Spring» (Wilfred Jackson) was a landmark with regard to the representation of human characters in animation, and a significant influence on the first feature-length animation, «Snow White and the Seven Dwarfs» from 1937. «The Golden Touch» (1935) was Walt Disney’s last film as a director, before he turned exclusively to producing films. «The Old Mill» (Wilfred Jackson) was the first to use an enhanced multiplane camera, which allowed to film and individually focus on several image planes, creating a three-dimensional effect. Donald Duck makes his first film appearance in «The Wise Little Hen» (Wilfred Jackson). The programme closes with «The Ugly Duckling», a colourful remake of the eponymous black-and-white short from 1931 based on Hans Christian Andersen’s famous fairytale. Kurzfilmtage offers an opportunity to experience the original magic of Disney’s short masterpieces in a cinema setting just like back in the day – though the works, originally shot on highly flammable nitrate film, are now shown in restored and digitalized versions. Andreas Bühlmann Mit freundlicher Unterstützung von/ with the kind support of

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© 1932 Disney

© 1933 Disney

© 1934 Disney

Flowers and Trees

Three Little Pigs

The Goddess of Spring

USA 1932, 8'04", digital file, colour, no dialogue, Ani

USA 1933, 8'57", digital file, colour, English, Ani

USA 1934, 9'53", digital file, colour, English, Ani

Director: Burt Gillett Editor: Boris V. Morkovin Production: Walt Disney Productions Distribution: Walt Disney Productions (Switzerland) GmbH, Zürich, Switzerland

Director: Burt Gillett Editor: Boris V. Morkovin Production: Walt Disney Productions Distribution: Walt Disney Productions (Switzerland) GmbH, Zürich, Switzerland

Director: Wilfred Jackson Production: Walt Disney Productions Distribution: Walt Disney Productions (Switzerland) GmbH, Zürich, Switzerland

Ein idyllischer Tanz der Pflanzenwelt, bis sich ein kläglicher alter Baumstumpf einmischt. Als er abgewiesen wird, schickt er sich an, den Wald in Brand zu setzen.

Als ein hungriger Wolf die Strohhütten einiger Schweinchen umbläst, suchen sie Zuflucht im Backsteinhaus ihres Bruders.

An idyllic dance of flora until a wretched old tree stump tries to cut in the dance. Rebuffed, he proceeds to set the woods on fire. Burton Gillett (1891–1971) is noted for his «Silly Symphonies» work for Disney. His shorts include two Academy Award winners («Flowers and Trees», «The Three Little Pigs») and also featured important firsts such as the introduction of the Pluto character and the first animated short in three-strip Technicolor.

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When a hungry wolf starts blowing down some pigs’ houses, they take refuge in their sensible brother’s brick house. Burton Gillett (1891–1971) is noted for his «Silly Symphonies» work for Disney. His shorts include two Academy Award winners («Flowers and Trees», «The Three Little Pigs») and also featured important firsts such as the introduction of the Pluto character and the first animated short in three-strip Technicolor.

Die bezaubernde Frühlingsgöttin Persephone wird von Hades entführt, was den Winter ins Land bringt. The lovely goddess of spring, Persephone, is kidnapped by Hades, thus bringing about the winter season. Wilfred Jackson (1906–1988) is best known for his work on the «Mickey Mouse» and «Silly Symphonies» cartoon series. He was also instrumental in developing the system used by Disney to add music and sound to «Steamboat Willie». Starting with «Snow White and the Seven Dwarfs» in 1937, he directed sequences in many of Disney’s major animated features.


© 1935 Disney

© 1935 Disney

© 1937 Disney

The Tortoise and the Hare

The Golden Touch

The Old Mill

USA 1935, 10'17", digital file, colour, English, Ani

USA 1937, 8'58", digital file, colour, no dialogue, Ani

USA 1935, 8'51", digital file, colour, English, Ani

Director: Walt Disney Script: Albert Hurter Production: Walt Disney Productions Distribution: Walt Disney Productions (Switzerland) GmbH, Zürich, Switzerland

Director: Wilfred Jackson Script: Dick Rickard Production: Walt Disney Productions Distribution: Walt Disney Productions (Switzerland) GmbH, Zürich, Switzerland

Dem gierigen König Midas wird der Wunsch erfüllt, dass alles, was er berührt, zu Gold wird. Erst als er sich zum Essen hinsetzt und sich auch die Mahlzeit in Gold verwandelt, merkt er, dass es sich um einen Fluch handelt.

Vögel, Mäuse und Fledermäuse haben sich in einer alten Windmühle niedergelassen, gefolgt von den Fröschen, Grillen und Leuchtkäfern, die beim Teich ihre Musik machen. Doch ein plötzlicher Sturm erschüttert die Mühle und bedroht alles.

Director: Wilfred Jackson Script: Larry Clemmons Production: Walt Disney Productions Distribution: Walt Disney Productions (Switzerland) GmbH, Zürich, Switzerland

Eine Zeichentrickversion der klassischen Fabel über den Wettlauf zwischen dem flinken Hasen und der zwar langsamen, aber ausdauernden Schildkröte. A cartoon version of the classic fable about a foot race between speedy Max Hare, aka The Blue Streak, and slowbut-sure Toby Tortoise.

Greedy King Midas is granted his wish that everything he touches turns to gold. However, he realizes that this may be a curse when he sits down to eat and the food turns to gold as well.

Wilfred Jackson (1906–1988) is best known for his work on the «Mickey Mouse» and «Silly Symphonies» cartoon series. He was also instrumental in developing the system used by Disney to add music and sound to «Steamboat Willie». Starting with «Snow White and the Seven Dwarfs» in 1937, he directed sequences in many of Disney’s major animated features.

As a film producer, Walt Disney (1901–1966) holds the record for Academy Awards earned by an individual, winning 22 Oscars from 59 nominations. He was an important figure in the history of animation and in the cultural history of the United States, where he is considered a national cultural icon.

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Birds, mice, and bats have moved into an old windmill, followed by the frogs, crickets, and fireflies making their music in an adjacent pond. But a storm shakes loose parts in the mill, threatening everything. Wilfred Jackson (1906–1988) is best known for his work on the «Mickey Mouse» and «Silly Symphonies» cartoon series. He was also instrumental in developing the system used by Disney to add music and sound to «Steamboat Willie». Starting with «Snow White and the Seven Dwarfs» in 1937, he directed sequences in many of Disney’s major animated features.


© 1934 Disney

© 1939 Disney

The Wise Little Hen

The Ugly Duckling

USA 1934, 7'56", digital file, colour, English, Ani

USA 1939, 9'13", digital file, colour, no dialogue, Ani

Director: Wilfred Jackson Production: Walt Disney Productions Distribution: Walt Disney Productions (Switzerland) GmbH, Zürich, Switzerland

Director: Jack Cutting/Clyde Geronimi Production: Walt Disney Productions Distribution: Walt Disney Productions (Switzerland) GmbH, Zürich, Switzerland

Die Disney-Version einer alten Fabel, mit Donald Duck und Peter Pig, die der klugen Henne nicht bei der Arbeit helfen wollen.

Der zweite Cartoon aus der «Silly Symphonies» Serie, der auf dem Märchen von Hans Christian Andersen basiert (die erste Version in SchwarzWeiss stammt von 1931). Dieser Farbfilm von 1939 gewann den Oscar für den besten animierten Kurzfilm und war gleichzeitig der letzte Beitrag zur «Silly Symphonies» Reihe.

A retelling of the old story with Donald Duck and Peter Pig unwilling to help the Wise Little Hen with her crops. Wilfred Jackson (1906–1988) is best known for his work on the «Mickey Mouse» and «Silly Symphonies» cartoon series. He was also instrumental in developing the system used by Disney to add music and sound to «Steamboat Willie». Starting with «Snow White and the Seven Dwarfs» in 1937, he directed sequences in many of Disney’s major animated features.

The second cartoon in the «Silly Symphonies» series based on the eponymous fairytale by Hans Christian Andersen (the first was a black-andwhite version from 1931). This 1939 colour film won the Academy Award for Best Animated Short Film and also happened to be the last entry in the «Silly Symphonies» series. Jack A. Cutting (1908–1988) was an American animator who collaborated on many short films produced by Walt Disney. Clyde Geronimi (1901–1989) later went on to direct feature-length animated films for Disney, including «Cinderella», «Alice in Wonderland», «Sleeping Beauty», and «One Hundred and One Dalmatians».

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Rosto’s Thee Wreckers Tetralogy

Runtime: 61' Saturday, 10 November 2018, 22:00, Kino Cameo

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Rosto’s Thee Wreckers Tetralogy Rosto ist (unter anderem) Regisseur, Autor, Produzent, Illustrator, Designer, Schauspieler und Animationskünstler; doch die Musik war stets die treibende Kraft in seinem Werk. Er zog die Aufmerksamkeit internationaler Künstler auf sich, die mit ihm zusammenarbeiten wollten, und hat bei Musikvideos und Live-Shows für die Rockdiva Anouk Regie geführt. Die Kurzfilme «Beheaded», «(The Rise and Fall of the Legendary) Anglobilly Feverson» sowie «Jona/Tomberry» (Gewinner des Grand Prix Canal+ in Cannes 2005) liefen an vielen renommierten Filmfestivals and gewannen mehrere Preise. Für sein Opus «The Monster of Nix» arbeitete Rosto mit dem Metropole Orchestra, the Residents, Terry Gilliam und Tom Waits zusammen. Alles in Rostos Werk ist miteinander verbunden und führt immer wieder zurück zu «Mind My Gap», einem stets expandierenden Mixed-Media-Projekt, das in den 1990er Jahren seinen Anfang nahm und erstmals 1999 das Licht der Öffentlichkeit erblickte. Das wegweisende Werk erschien zunächst als Online-Graphic-Novel, wurde aber schon bald mit Film und Musik erweitert. Ein Überblick über alle verwandten Werke mit dem Titel «So Far So Evil» war in mehreren internationalen Institutionen zu sehen, etwa 2015 im Museum of Modern Art Ljubljana. Der langerwartete «Mind My Gap» Kinofilm ist in einem fortgeschrittenen Entwicklungsstadium. «Thee Wreckers Tetralogy» feierte 2018 am Kurzfilmfestival von ClermontFerrand Premiere. Das Werk besteht aus vier Kurzfilmen, die auf je einem Song von Thee Wreckers basieren, einer ehemaligen Rock-’n’-Roll-Band, die sich nun in Rostos Musikprojekt verwandelt hat. Die Mitglieder der Gruppe tauchen in der einen oder anderen Form in allen Filmen auf, die – trotz fehlendem übergreifenden Handlungsbogen – wie eine traumartige Reihe miteinander verbunden sind. Die vier Musikfilme sind zu einer 45-minütigen Rock-’n’-Roll-Oper zusammengestellt, wobei jeder Film von einem Zitat eines toten Rockers eingeleitet wird. Die Tetralogie wird ausserdem vom Dokumentarfilm «Everything’s Different, Nothing Has Changed» begleitet, der einen Blick hinter die Kulissen wirft. John Canciani

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Rosto’s Thee Wreckers Tetralogy Rosto is a director, writer, producer, illustrator, designer, actor, and animator (amongst other trades); but music has always been the driving force in his work. He attracted the attention of international artists interested in cooperating with him and directed a couple of music videos and live shows for rock diva Anouk. The short films «Beheaded», «(The Rise and Fall of the Legendary) Anglobilly Feverson», and «Jona/Tomberry» (winner of the Grand Prix Canal+ at Cannes 2005) screened at many prestigious film festivals and won numerous awards. Rosto’s opus «The Monster of Nix» features collaborations with the Metropole Orchestra, the Residents, Terry Gilliam, and Tom Waits. Everything is connected in Rosto’s work and it all leads back to «Mind My Gap», an expanding mixed media project with its roots in the 1990s that appeared in the public eye for the first time in 1999 as a pioneering online graphic novel, but quickly branched out with films and music. An overview of all related works, a programme called «So Far So Evil», was exhibited at several international venues, including the Museum of Modern Art Ljubljana in 2015. The long awaited «Mind My Gap» feature film is in an advanced state of development. «Thee Wreckers Tetralogy» premiered at the Clermont-Ferrand International Short Film Festival 2018. It consists of four short films, each based on a song by Thee Wreckers, formerly a rock ‘n’ roll band that has now been transformed into Rosto’s music project. In one way or another, the members of the group appear in all of the films, which – despite the lack of an overarching narrative – follow each other as in a dreamlike series. The four musical short films are compiled into a 45-minute rock ‘n’ roll fantasia, with each film introduced by a quote from a dead rocker. The «Tetralogy» is accompanied by the behind-the-scenes documentary «Everything’s Different, Nothing Has Changed» about the band, the music, and the films. John Canciani

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No Place Like Home

Lonely Bones

Splintertime

Netherlands 2009, 6'10", Beta SP PAL, colour, English, Ani/Clip

France/Netherlands 2013, 9'17", digital file, colour, English, Ani

France/Netherlands/Belgium 2015, 10'58", digital file, colour, English, Ani/Clip

Director: Rosto Script: Rosto Music: Thee Wreckers Photography: Stephan Smidt Editor: Rosto Sound: Thijs de Melker/Rosto Cast: W.Folley/W.Walley Production: Studio Rosto A.D, Amsterdam, Netherlands, rosto@studio.rostoad.com Distribution: Autour de Minuit, Paris, France, festivals@autourdeminuit.com, +33 1 42 81 17 28

Director: Rosto Script: Rosto Music: Thee Wreckers Photography: Rosto Editor: Rosto Sound: Eric Cervera Cast: W.Folley/Rosto Production: Studio Rosto A.D, Amsterdam, Netherlands, rosto@studio.rostoad.com Distribution: Autour de Minuit, Paris, France, festivals@autourdeminuit.com, +33 1 42 81 17 28

Director: Rosto Script: Rosto Music: Thee Wreckers Photography: Stephan Schmidt Editor: Nicolas Schmerkin/Rosto Sound: Tom Hambleton Cast: Nina Nestelaar/Nikki Hock/Robin Berkelmans/ Erwin Dörr/Barnaby Savage Production: Studio Rosto A.D, Amsterdam, Netherlands, rosto@studio.rostoad.com Distribution: Autour de Minuit, Paris, France, festivals@autourdeminuit.com, +33 1 42 81 17 28

Ein einäugiger ehemaliger Fernsehsprecher hat sich mit seinem toten Kumpel in einem Hotelzimmer verschanzt und schaut Wiederholungssendungen aus besseren Tagen. «Lass uns einige unserer Momente wieder auffrischen», sagt er zur Leiche in seinen Armen. «Es ist alles OK, ich bin froh, dass du hier bist.»

Ein halluzinogener Film über Träume, Albträume, verrottende Seelen und Menschenopfer.

A one-eyed has-been TV presenter hides away in a hotel room with his dead sidekick to watch reruns from their better days. «Let’s revive some of our moments now», he says to the corpse in his arms. «It’s OK, I’m just glad you are here.»

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A short hallucinogenic film about dreams, nightmares, rotting souls, and sacrifices.

«Zip up and let's dance to the sound of breaking glass.» Einer Band verschlafener Geister in einem Krankenwagen geht die Luft aus. «Zip up and let's dance to the sound of breaking glass.» A band of sleepy spirits in an ambulance runs out of steam.


Reruns Netherlands/Belgium/France 2018, 14'23", digital file, colour, English with English subtitles, Ani Director: Rosto Script: Rosto Music: Thee Wreckers Photography: Joost Kelerman Editor: Rosto/Nicolas Schmerkin Sound: Tom Hambleton Cast: Jurriaan De Vos/Rosie Templeton/ Juan Carlos Tajes Production: Studio Rosto A.D, Amsterdam, Netherlands, rosto@studio.rostoad.com Distribution: Autour de Minuit, Paris, France, festivals@autourdeminuit.com, +33 1 42 81 17 28

Alles ist anders, aber nichts hat sich verändert. Ein Ausflug in ein versunkenes Labyrinth aus Erinnerungen und Träumen. Everything’s different, but nothing has changed. A trip through a sunken maze of memories and dreams.

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Everything’s Different, Nothing Has Changed Netherlands 2017, 19'58", digital file, colour, English, Doc Director: Joao Costa/Rob Gradisen Music: Thee Wreckers Production: Studio Rosto A.D, Amsterdam, Netherlands, rosto@studio.rostoad.com Distribution: Autour de Minuit, Paris, France, festivals@autourdeminuit.com, +33 1 42 81 17 28

Ein Dokumentarfilm über die Band, die Musik und die Filme A documentary about the band, the music, and the films.

Filmmaker/artist Rosto and his studio Rosto A.D have created music videos and TV work, but are best known internationally for Rosto’s independent short films such as «(The Rise and Fall of the Legendary) Anglobilly Feverson» (2001). «Reruns» (2018) concludes «Thee Wreckers Tetralogy». The first three films in the series took home the Visionary Award at the Sapporo ISFF (Japan) in 2015. Rosto is currently working on the feature film adaptation of «Mind My Gap».


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Patrimoine Kurzfilm Short Film Patrimony

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Patrimoine Kurzfilm 2018 ist Europäisches Kulturerbejahr. Auch die Schweiz nutzt dieses Jahr, um auf die Vielfalt und den gesellschaftlichen Wert seiner Kulturgüter aufmerksam zu machen. Memoriav und die Kurzfilmtage engagieren sich gemeinsam dafür, dass das Audiovisuelle im Rahmen dieser Kampagne nicht zu kurz kommt und präsentieren zwei Patrimoine Kurzfilm Programme, die einen Dialog mit der Schweiz von gestern ermöglichen. Welchen Wert und welche Bedeutung haben historische audiovisuelle Dokumente für unseren Blick auf die Schweiz von heute und morgen? Kulturerbe umgibt uns und prägt unsere Identität. Dass diese Kulturgüter nicht selbstverständlich für die Auseinandersetzung mit der eigenen Kultur zur Verfügung stehen, geht dabei vielfach vergessen. Das Kulturerbejahr 2018 bietet nicht nur Gelegenheit, einzigartige Kulturgüter wieder zu erleben, sondern erinnert auch daran, dass wir uns für deren Erhalt, Pflege und Vermittlung einsetzen müssen. Die Briten in der Schweiz führt uns tief ins Innere der Schweiz und zeigt, dass es vielfach einen Blick von aussen braucht, um das Wesentliche auf Zelluloid zu bannen. Den Anfang machen zwei Werke des brasilianischen Regisseurs Alberto Cavalcanti, der in den 1930er Jahren im Auftrag der GPO Film Unit am Beispiel der Schweiz die Vorteile einer internationalen Zusammenarbeit in der Telekommunikation aufzeigte. Dies brachte ihm dann wohl auch den Auftrag des Lausanner Tourismusbüros für den Film «Alice in Switzerland» («Alice au pays romand») ein, der im damals gängigen Farbverfahren Dufaycolor gedreht wurde. «Alice in Switzerland» wurde vor einigen Jahren von der Cinémathèque suisse mit der Unterstützung von Memoriav digital restauriert. Weitere Filme rollen die Geschichte der Schweiz als britische Tourismusdestination auf oder versuchen, die Briten als Feriengäste und Konsumenten für die Schweiz zu gewinnen. Die Schweizerische Gesellschaft für Volkskunde (SGV) erforscht die schweizerische Alltagskultur der Vergangenheit und Gegenwart. Die Abteilung Film, von Paul Hugger aufgebaut und viele Jahre geleitet, hat in rund 80 Filmen im 16mm-Format, die zum Teil von bekannten Regisseuren wie Yves Yersin realisiert wurden, zahlreiche Bereiche des Handwerks dokumentiert. Anlässlich der Veröffentlichung der Monographie «Das Wissen der Hände: Die Filme der Schweizerischen Gesellschaft für Volkskunde» von Pierrine

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Saini und Thomas Schärer zeigen die Kurzfilmtage im gleichnamigen Programm eine kleine Auswahl aus diesem reichhaltigen Archiv. Die beiden Programme Die Briten in der Schweiz und Das Wissen der Hände sind Teil der Veranstaltungen, die Memoriav im Rahmen von #Kulturerbe2018 veranstaltet. Im Anschluss an die Vorstellungen findet jeweils ein moderiertes Gespräch statt. Stefan Staub

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Short Film Patrimony 2018 is the European Year of Cultural Heritage. Switzerland, too, is using this occasion to call attention to the diversity and value of its cultural heritage. In collaboration with Kurzfilmtage, Memoriav is committed to ensuring that audiovisual materials receive their due as part of this campaign, presenting two Short Film Patrimony programmes that facilitate a dialogue with Switzerland’s past. What is the value and significance of historic audiovisual documents for our view of Switzerland’s present and future? Our cultural heritage surrounds us and shapes our identity. Yet we often forget that the availability of this heritage – and the opportunity it affords us for exploring our own culture – should not be taken for granted. The Year of Cultural Heritage thus serves both as a chance to rediscover unique cultural artefacts and as a reminder of the need to advocate for their preservation and dissemination. The British in Switzerland takes us deep into the heart of Switzerland, demonstrating that an outside view is often needed to capture the essential on celluloid. The programme opens with two works by Brazilian director Alberto Cavalcanti. In the 1930s, the GPO Film Unit commissioned the filmmaker to highlight the advantages of international cooperation in telecommunications, using Switzerland as an example. This led to a commission from Lausanne’s Tourist Office for the film «Alice in Switzerland» («Alice au pays romand»), which was shot using the era’s common Dufaycolor process. A few years ago, the Cinémathèque suisse digitally restored the film with the support of Memoriav. Other short films in the programme tell the history of British tourism in Switzerland or advertise the country to British travellers and consumers. The Swiss Ethnographic Society (Schweizerische Gesellschaft für Volkskunde, SGV) explores Swiss everyday culture of the past and present. The society’s film department, established and directed by Paul Hugger for many years, has documented numerous crafts in about 80 films shot on 16mm, some by renowned filmmakers such as Yves Yersin. To celebrate the publication of the monograph «Das Wissen der Hände: Die Filme der Schweizerischen Gesell-

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schaft für Volkskunde» («The Knowledge of Hands: The Films of the Swiss Ethnographic Society») by Pierrine Saini and Thomas Schärer, Kurzfilmtage is showing an eponymous programme with a small selection from this rich archive. The two programmes The British in Switzerland and The Knowledge of Hands are part of a series of events held by Memoriav to mark the occasion of #Kulturerbe2018 (#CulturalHeritage2018). The screenings are followed by a moderated panel discussion. Stefan Staub

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Patrimoine Kurzfilm I: Die Briten in der Schweiz Short Film Patrimony I: The British in Switzerland Curated by Stefan Staub Mit freundlicher UnterstĂźtzung von / with the kind support of

Runtime: 81' Saturday, 10 November 2018, 17:00, Casino 2

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We Live in Two Worlds United Kingdom/Switzerland 1937, 13'52", 35mm, black & white, English, Doc Director: Alberto Cavalcanti Script: J.B. Priestley Photography: John Taylor Editor: R.Q. McNaughton Sound: E.K. Webster Production: GPO Film Unit, United Kingdom Distribution: British Film Institute, London, United Kingdom, info@bfi.org.uk, +44 20 79 57 89 38

«We Live in Two Worlds» (1937) ist eine gefilmte Rede des britischen Autors J. B. Priestley, in dem die Vorteile von Handel und Kommunikation über die Landesgrenzen hinweg dargelegt werden. Dabei kontrastiert er solche Geschäfte mit den militärischen Bestrebungen individueller Nationen. Dies ist der zweite von sieben Filmen, den Autor und Regisseur Alberto Cavalcanti von 1936 bis 1939 für Pro Telefon Zürich drehte. «We Live In Two Worlds» (1937) is a filmed talk by British writer J. B. Priestley, in which he expounds on the benefits of cross-border trade and communications, contrasting such commerce with the military preoccupations of individual nations. It was the second of seven films that writer and director Alberto Cavalcanti made for the Swiss telephone company Pro Telefon Zürich between 1936 and 1939. Born in Brazil in 1897, Alberto Cavalcanti began his film career in France in 1920, working as a writer, art director, and director. He directed the avant-garde documentary «Rien que les heures» (1926) about a day in the lives of Parisian workers. In 1933, he moved to England to join the GPO Film Unit under John Grierson, working first as a sound engineer («Night Mail», 1936), then as a producer.

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Alice in Switzerland / Alice au pays romand Switzerland/United Kingdom 1938, 28'11", digital file, colour, English, Doc/Fic Director: Alberto Cavalcanti Script: Daniel Simond/Emmanuel Faillettaz Photography: Jonah Jones/Georges Alexath Editor: R.Q. McNaughton Sound: Bill Bland/Gerald Noxon Cast: Simone Moéri/Cyril Chessex/André Manera Production: A.D.I.L. - Association des Intérêts de Lausanne, Lausanne, Switzerland, Short Film Ltd Production, London, United Kingdom Distribution: Cinémathèque suisse, Centre de recherche et d'archivage, Penthaz, Switzerland, info@cinematheque.ch, +41 58 800 02 00

Eine Auftragsarbeit für das Lausanner Tourismusbüro unter der Regie des international bekannten Alberto Cavalcanti. Der Film, der das Farbverfahren Dufaycolor verwendet, begleitet eine junge Frau auf ihrer Reise durch die französischsprachige Schweiz, mit dem Ziel, die Sehenswürdigkeiten der Region zu zeigen. Commissioned by the Tourist Office of Lausanne, «Alice in Switzerland» was directed by the internationally renowned director Alberto Cavalcanti, using the colour-film process Dufaycolor. Aiming to show the treasures of French-speaking Switzerland, the film follows the journey of a young girl across all the regional sights. Born in Brazil in 1897, Alberto Cavalcanti began his film career in France in 1920, working as a writer, art director, and director. He directed the avant-garde documentary «Rien que les heures» (1926) about a day in the lives of Parisian workers. In 1933, he moved to England to join the GPO Film Unit under John Grierson, working first as a sound engineer («Night Mail», 1936), then as a producer.

Building for the Future United Kingdom, 2', digital file, black & white, English, Clip Distribution: Lichtspiel/Kinemathek Bern, Bern, Switzerland, david.landolf@lichtspiel.ch, +41 31 381 15 05

Eine Ovaltine-Werbung in Form eines Porträts von Vater, Sohn und Tochter, die in der Flugzeugproduktion für die Bristol Aeroplane Company arbeiten. Am Abend in der Familienrunde trinken sie zur Stärkung alle Ovaltine. This Ovaltine commercial portrays a father, son, and daughter who work for the English aircraft manufacturer Bristol Aeroplane Company. In the evening, the family gathers to drink Ovaltine.


Sportsview 457 Winter ... Centenary United Kingdom 1964, 24'55", digital file, black & white, English, Doc Production: BBC, London, United Kingdom Distribution: Kantonsbibliothek Graubünden, Chur, Switzerland

Ein englischer Reporter gleitet mit Plastikschlitten einen Hang hinunter und stellt St. Moritz als Geburtsstätte des Wintersports vor. Ein Porträt des Hotelgründers Johannes Badrutt und ein längeres Interview mit Andreas Badrutt beleuchten die Anfänge des Wintertourismus und die Rolle der ersten englischen Touristen. An English reporter glides down a hill with a plastic sledge and introduces St. Moritz as the birthplace of winter sports. A portrait of hotel entrepreneur Johannes Badrutt and an interview with Andreas Badrutt highlight the beginnings of winter tourism and the role played by the first English tourists.

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Sir Geoffrey Mc Intyres seltsame Schweizerreise Switzerland, 12', digital file, colour, German, Doc/Fic Distribution: Lichtspiel / Kinemathek Bern, Bern, Switzerland, david.landolf@lichtspiel.ch, +41 31 381 15 05

Sir Geoffrey Mc Intyre, ein betuchter Engländer, der gern guten Tee trinkt, macht eine kleine Reise durch die Schweiz. Die Berge und Kühe, die Schweizer Schokolade, und auch den Tee geniesst er vollumfänglich, aber besonders angetan haben es ihm Firestone-Reifen. Sir Geoffrey Mc Intyre, a well-to-do Englishman who likes good tea, takes a little trip through Switzerland. He thoroughly enjoys the mountains and the cows, the chocolate, and even the tea, but he’s especially fond of Firestone tires.


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Patrimoine Kurzfilm II: Das Wissen der Hände Short Film Patrimony II: The Knowledge of Hands Curated by Thomas Schärer Mit freundlicher Unterstützung von / with the kind support of

Runtime: 65' Sunday, 11 November 2018, 15:00, Kino Cameo

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Heimposamenterei

Der Beckibüetzer

Switzerland 1973, 40'00", digital file, colour/black & white, Swiss German, Doc

Switzerland 1972, 8'00", digital file, black & white, no sound, Doc

Director: Yves Yersin Script: Ruth Freiburghaus Photography: Eduard Winiger/Otmar Schmid Editor: Yves Yersin Sound: Roger Tanner Production: Schweizerische Gesellschaft für Volkskunde, Basel, Switzerland Distribution: Schweizerische Gesellschaft für Volkskunde, Basel, Switzerland

Director: Walter Wachter Photography: Walter Wachter Editor: Walter Wachter Production: Schweizerische Gesellschaft für Volkskunde, Basel, Switzerland Distribution: Schweizerische Gesellschaft für Volkskunde, Basel, Switzerland

Der Film zeigt das Einrichten und Bedienen eines Seidenbandwebstuhls und porträtiert Baselbieter Heimposamenterinnen und Visiteure (Vertreter der Produktionsbetriebe). Die Atmosphäre der ärmlichen Stuben, die harte Arbeit und der Alltag sind visuell wie verbal eindrücklich eingefangen. The film shows the set-up and operation of a silk-ribbon loom, while portraying female homeworkers from the Basel area and the representatives of the production companies who visit them. A visually and verbally striking look at the atmosphere in the humble homes and the hard work and everyday life of the workers. Yves Yersin (b. 1942 in Lausanne) studied photography in Vevey and has worked as a director, scenographer, director of photography, and producer since 1964. In 1971, he co-founded the production company Nemo Film in Zurich. From 1987, he was head of the audiovisual department at the Ecole cantonale d’art de Lausanne. His latest film «Tableau noir» screened at the Locarno Film Festival.

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Der Film zeigt, wie der Geschirrflicker Eduard Marti in einer Bauernstube eine Schüssel repariert. Dass die Arbeit rekonstruiert ist, zeigt die Tatsache, dass Marti von den Bauernkindern auf der Ofenbank beobachtet wird. The film shows dishware repairman Eduard Marti as he fixes a bowl in a farmhouse parlour. That the scene is restaged is obvious from the fact that Marti is being watched by the children on the bench by the stove. Walter Wachter (b. 1925 in Schaan, Liechtentein) spent ten years working as an industrial photographer in Venezuela (1948–58) and had a studio for industrial and commercial photography and documentary film in Schaan. He received awards for his promotional film «Liechtenstein» (1971) and for «Philatelie in Liechtenstein» (1986). From 1980 on, he focused on slide show presentations and recordings of artworks.

Ein Messer wird geschmiedet Switzerland 1965, 17'00", digital file, black & white, German, Doc Director: Valerie Blickensdorfer Photography: Urs Bombacher Editor: Valerie Blickensdorfer Production: Schweizerische Gesellschaft für Volkskunde, Basel, Switzerland Distribution: Schweizerische Gesellschaft für Volkskunde, Basel, Switzerland

Der Film zeigt den Messerschmied Michael Schwendener aus Buchs beim Herstellen von Tischmessern mit Horngriff. Seine kleine freistehende Werkstatt ist wasserbetrieben. The film shows knifesmith Michael Schwendener from Buchs as he produces horn-handled table knives. His small workshop is water-powered. Valerie Blickensdorfer was born in Zurich in 1936. She was a journalist for Blick, among others. From 1963, she worked for Swiss Television, collaborating on programmes such as «Für Stadt und Land», «Chumm und lueg», «Fyraabig», and «Kaländer».


Identity Politics Curated by Mike Hoolboom

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Identity Politics: Threads of Belonging & Home Is... Die Kurzfilmtage präsentieren Threads of Belonging und Home Is... in Zusammenarbeit mit dem Forschungsprojekt «Exhibiting Film: Challenges of Format», das aktuell am Seminar für Filmwissenschaft der Universität Zürich mit Unterstützung des Schweizerischen Nationalfonds durchgeführt wird. Die Person im Fokus der Kurzfilmtage, der Filmemacher Mike Hoolboom, wurde eingeladen, zwei Programme zusammenzustellen, die seine Praxis und Interessen als Kurator widerspiegeln. Hoolboom steht im Austausch mit einer grossen internationalen Gemeinschaft von Filmschaffenden, deren Werk gleichzeitig politisch und ästhetisch ausgerichtet ist. Da er der Ansicht ist, dass der alternativen Medienszene eine unterschwellige weisse Nostalgie anhaftet, hat er mehrere nicht-weisse KünstlerInnen miteinbezogen, die von einem anderen Ort aus sprechen und ungewöhnliche Perspektiven bieten. Hoolboom schreibt über seine Programme: «Ich sollte erwähnen, dass ich mich stets für Zugänglichkeit ausspreche. Ich sehe keinen Grund, das Publikum mit endlosem Trübsinn zu quälen. Meine Hoffnung ist stets das Vergnügen. Denn Widerstand ist ein Vergnügen.» Laura Walde

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Identity Politics: Threads of Belonging & Home Is... Kurzfilmtage presents the programmes Threads of Belonging and Home Is... in collaboration with the research project «Exhibiting Film: Challenges of Format», which is currently being conducted at the Department of Film Studies of the University of Zurich and funded by the Swiss National Science Foundation. Kurzfilmtage’s Person in Focus, Mike Hoolboom, has been invited to compile two programmes exploring his curatorial practices and interests. Hoolboom is in touch with a large international community of filmmakers whose works simultaneously focus on politics and aesthetics. Feeling that the fringe media scene is haunted by white nostalgia, he has included a number of artists who are not white, who speak from a different place, and who offer unusual perspectives. Hoolboom writes about his programmes: «I feel that I should mention that I am always voting for accessibility. I see no reason to torture audiences with durational doldrums. The hope is always pleasure. Because resistance is a pleasure.» Laura Walde

In Zusammenarbeit mit / in collaboration with

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Mit freundlicher Unterstützung von / with the kind support of


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Identity Politics I: Threads of Belonging Curated by Mike Hoolboom

Runtime: 83' Thursday, 8 November 2018, 22:00, Kino Cameo

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Identity Politics I: Threads of Belonging Die Abgewiesenen haben neue Formen der Schönheit entdeckt, neue Wege um Ja zu sagen zu diesen gebrochenen Körpern, die den Widerstand immer wieder neu erfinden. Jedes dieser üppigen Spektakel strotzt vor Schönheit, dank der wir unser vernachlässigtes städtisches Selbst sehen, aushalten und sogar feiern können. In mutigen neuen Perspektiven nähern sich unsere Körper vergessenen Freuden, lassen sie frisch aufleuchten in einem Kino der Grenzgebiete, wo sich Geächtete der Zärtlichkeit hingeben. «America: Bay of Arrows» (2016), das Meisterwerk von Ana Vaz, eröffnet das Programm. Eine meisterhaft schwebende Kamera betritt den desolaten Traum einer neuen Welt, ein Echo des Triumphalismus von Kolumbus vor Jahrhunderten. Wir befinden uns in derselben Bucht, wo er mit einem Pfeilhagel begrüsst und von der Dominikanischen Republik abgewehrt wurde. Mit geduldig ausharrenden, langen Einstellungen lässt uns die Kamera einem indigenen Mann folgen, der uns in eine Korallenwüste führt, einen ausgetrockneten See, der zugleich Neuanfang und Echo der Vergangenheit ist. «The Thread» von Pietro Bulgarelli und Pablo Polanco (2017) nutzt die Fähigkeit des Films, eine haptische Welt von Texturen, Berührungen und Empfindungen zu schaffen. Der Film wirft einen hautnahen Blick auf Weberei und Familie und thematisiert den Preis des Alterns in einer aussterbenden Welt. Die ruhig vortragende Erzählstimme einer Näherin berichtet vom Rande der Zeit, während ein feinfühlig komponierter Soundtrack die Bilder aus der alten Welt kontrastiert und begleitet. In «Lumapit Sa Akin, Paraiso» von Stephanie Comilang (2017) landen drei philippinische Hausangestellte in Hongkong, wo sie anderen ein perfektes Leben ermöglichen. Dies war der seltsamste Film, den ich letztes Jahr gesehen habe – nicht zu wissen, was zum Teufel vor sich geht, bleibt eines der grössten Vergnügen für mich. Endlich, so dachte ich, ist das neue Kino da. Die talentierte Künstlerin Alexandra Gelis hat sich auf Porträt-Miniaturen spezialisiert. Mit ihrem stets offenen Gesicht hat sie Begegnungen in der Wäscherei, am Strassenrand, in Cafés – und manchmal wird sie von ihrer Kamera begleitet. Sie dreht auf Super 8, beschädigt das Filmmaterial dann von Hand und filmt das Ganze schliesslich mit einer Videokamera von der

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Wand ab. «The Island» (2018) ist ein fortlaufend weiterentwickeltes Porträt einer globalen Unterschicht. Heute ist die Künstlerin in Oakland, wo ein Obdachloser einen Garten in einem Park pflegt, wo die randständigsten Bewohner der Stadt Unterschlupf und Gesellschaft finden. «Illegal_its Impact on the Body» von Jorge Lozano (2016) präsentiert ein erschütternd eloquentes Quartett illegaler Einwanderer in Toronto, Kanada. Alle gehen verschiedenen unterbezahlten Jobs nach – als Tellerwäscher, Hauswart, Metall- oder Bauarbeiter. Als Hauptvertreter des wirtschaftlichen Prekariats werden sie laufend ausgebeutet, müssen Gratisarbeit (wie, ich soll dich bezahlen?) und sexuelle Dienste leisten. Anstatt einer Reihe von Interviews zeigt der Regisseur ein halluzinatorisches Stadtporträt, bei dem jede Szene wirkt, als wäre sie von einer verbotenen, fremden Präsenz aufgenommen, die einen missbilligenden Blick auf diese von Immobilienunternehmern umgekrempelte, neoliberale Vorzeigestadt wirft. Mike Hoolboom

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Identity Politics I: Threads of Belonging Those who have been refused have created new forms of beauty, new ways to say yes to these broken bodies that have never stopped inventing ways to resist. Each of these lush extravaganzas of seeing are filled with a beauty that allows us to see, even to withstand and celebrate the most neglected parts of our city selves. These brave new anthropologies bring our bodies close to forgotten pleasures, newly lit up by a cinema of the borderlands, where outlaws have surrendered to tenderness. Ana Vaz’s masterpiece «America: Bay of Arrows» (2016) leads off the programme. A floating bravura camera enters a desolated dream of a new world, echoing Columbus’s abject triumphalism centuries past. We are in the same bay where he was met with a hail of arrows and repelled from the Dominican Republic. Using long takes, a steady gaze, patient forms of looking, the camera allows us to step in and follow an indigenous man who brings us into a coral desert, part of the lake grown dry, a new beginning that is also an echo of the past. «The Thread» by Pietro Bulgarelli and Pablo Polanco (2017) makes ample use of film’s ability to conjure a haptic world of texture, touch, and sensation. This close-up look at weaving and family, the costs of growing old in a vanishing world, is narrated by a seamstress who stands at the edge of time, while a delicate and sensitively composed soundtrack counterposes and accompanies the old-world pictures. In «Lumapit Sa Akin, Paraiso» by Stephanie Comilang (2017), three Filipina domestic workers wind up in Hong Kong, making someone else’s life perfect. This was the strangest movie I watched last year – not knowing what the hell is going on remains one of the deepest pleasures. At last, I thought, the new cinema has arrived. For the gifted artist Alexandra Gelis, portrait miniatures have become one of the specialties. Because her face is always opening, she has encounters in laundromats, on roadsides, and in cafes, and sometimes her camera accompanies her. She shoots in super 8, mauled in hand processing, then shot off the wall with a video camera. «The Island» (2018) is an evolving portrait of a global underclass. Today, the artist is in Oakland, where a homeless man

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tends the garden of a park where the city’s most marginalized inhabitants find refuge and company. Illegal_its Impact on the Body by Jorge Lozano (2016) showcases a harrowingly eloquent quartet of illegal immigrants living in Toronto, Canada. Each works a variety of underpaid jobs, including dishwasher, janitor, metalshop hack, and construction crew. Chief amongst the economic precariat, they are routinely exploited for free labour (you mean I have to pay you?) and sexual services. In place of a talking head parade, the artist offers us a hallucinatory city portrait, each scene lensed as if from the vantage of a forbidden and alien presence, looking askance at the neo-liberal showcase of this brave new city, remade in the image of its developers. Mike Hoolboom

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Amérika: Bahía de las flechas / America: Bay of Arrows Dominican Republic 2016, 8'46", digital file, colour, Spanish with English subtitles, Exp Director: Ana Vaz Photography: Ana Vaz Editor: Ana Vaz Sound: Ana Vaz Cast: Guarionex Léger Production: Ana Vaz, Paris, France, theanavaz@gmail.com, +33 778049112, www.vimeo.com/anavaz Distribution: Lightcone, Paris, France, christophe.bichon@lightcone.org, +33 146590153

Mit der Kamera als aktiver Teilhaberin befragt Ana Vaz die zeitgenössischen Spiegelungen des Kolonialismus, die – teils offensichtlich, teils verdeckt – in die Landschaft eingebrannt sind. Engaging the camera as an active participant, Ana Vaz forensically interrogates the contemporary reflections of colonialism, both evident and obscured, that are etched into the very fabric of the landscape. Ana Vaz (b. 1986 in Brasilia) studied at the Royal Melbourne Institute of Technology and at Le Fresnoy in Tourcoing, France. She has made over ten films since 2008 and her works have been screened at Curtas Vila do Conde, Visions du Réel (Nyon), and NYFF, among others. In 2015, she received the Film Society of Lincoln Centre’s Kazuko Trust Award.

El hilo / The Thread Chile/Costa Rica 2017, 6'00", digital file, black & white, Spanish with English subtitles, Doc Director: Pietro Bulgarelli/Pablo Polanco Script: Pietro Bulgarelli/Pablo Polanco Photography: Pablo Polanco/Pietro Bulgarelli Editor: Alonso Viquez Sound: Pietro Bulgarelli Cast: Maria Lucrecia Rain Quiriante/ Marcos Rain Barrera/Gabriela Fellet Production: Astrum Argentum, ppolanko@gmail.com Distribution: Walden Films, Lima, Peru, ncarrasco90@gmail.com, +51 942942075

Eine blinde alte Frau rollt einen endlosen Faden auf, während ihr Haus im Meer treibt. Manchmal bittet sie ihren Gott, sie aus dem Traum ihres Lebens aufzuwecken. Manchmal vergisst sie, was der Traum ist. An old blind woman threads an infinite yarn, while her house floats in the sea. Sometimes she asks her god to wake her up from the dream of being alive. Sometimes she forgets what the dream is. Costa Rican artist Pietro Bulgarelli (b. 1986) studied camera in Buenos Aires. He has shot several short films, documentaries, and commercials, and specializes in working with film stock. Pablo Polanco (b. 1976) began to photograph as a young boy. He studied experimental and art photography. After a series of exhibitions, he decided to study camera and post-production. «The Thread» is the directorial debut of both artists.

Lumapit Sa Akin, Paraiso / Come To Me, Paradise Canada 2017, 25'46", digital file, colour, Filipino/ Chinese/Tagalog with English subtitles, Doc Director: Stephanie Comilang Script: Stephanie Comilang Photography: Iris Ng Editor: Stephanie Comilang Cast: Irish May Salinas/Lyra Ancheta Torbela/ Romelyn Presto Sampaga Production: Wanda Vanderstoop, Toronto, Canada, info@vtape.org , +1 416 351 1317 Distribution: Vtape, Toronto, Canada, wandav@vtape.org, +1 416 351 1317

Paraiso, ein allsehender Drohnen-Geist, wird jeden Sonntag ins Zentrum von Hongkong gerufen, wo sich philippinische Arbeitsmigrantinnen treffen. Der Film zeigt das dystopische Labyrinth der Stadt, das von den Filipinas umgenutzt wird, und beschäftigt sich gleichzeitig mit der Technologie, dank der sich die Frauen untereinander und mit ihren Angehörigen verbinden können. Paraiso, an all-seeing drone spirit, is summoned every Sunday into the centre of Hong Kong where Filipina migrant workers gather. The film uses the city’s dystopian maze-like structures that the Filipina migrants re-imagine and focuses on the beauty of caregiving, while also exploring how technology is used as a pivotal way for the women to connect – with each other but also with loved ones. Stephanie Comilang is a Filipina-Canadian artist living and working in Toronto and Berlin. Her documentary-based work looks at the cultural and social factors that shape an environment. She studied fine art at the Ontario College of Art & Design.

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The Island Canada/USA/Colombia 2018, 6'00", digital file, black & white, English, Exp Director: Alexandra Gelis Photography: Alexandra Gelis Editor: Alexandra Gelis/Jorge Lozano Sound: Alexandra Gelis Production: Alexandra Gelis, alexgelis@gmail.com Distribution: Alexandra Gelis, alexgelis@gmail.com

Von der Gentrifizierung marginalisiert, pflanzen die Bewohner eines Gartens zwischen Oakland und Berkeley Obstbäume und Blumen zum Andenken an ihre Angehörigen, die dem Kampf gegen die Armut zum Opfer gefallen sind. Es ist ein Raum der Liebe und Freiheit, den Brian seit 25 Jahren pflegt. Die Insel leistet Widerstand, als lebendiges Vermächtnis der Black Panthers, die sich als erste in der Gegend organisierten. The inhabitants of a garden between Oakland and Berkeley, marginalized by gentrification, plant fruit trees and flowers to pay homage to their loved ones who died in battles against poverty. This is a space of love and freedom cared for by Brian for the last 25 years. The island resists as a living legacy of the Black Panthers who were the first to organize the neighbourhood. Alexandra Gelis is a Colombian-Venezuelan media artist living in Toronto, Canada. Her projects incorporate personal field research as a tool to investigate the ecologies of various landscapes and the traces left by socio-political interventions. She creates non-fiction-based immersive installations as well as single- and multi-channel films and videos with custom-built interactive electronics. She has exhibited internationally in North and South America, Europe, and Africa.

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Illegal_its Impact on the Body Canada 2018, 37'07", digital file, colour, Spanish/ English with English subtitles, Doc/Exp Director: Jorge Lozano Script: Jorge Lozano Photography: Jorge Lozano Editor: Jorge Lozano Sound: Jorge Lozano Production: Jorge Lozano, info@jorgelozano.ca Distribution: Jorge Lozano, info@jorgelozano.ca

Eine Sammlung von Geschichten illegaler Einwanderer in Kanada – nomadische Freunde, die schnell in neue Identitäten abtauchen oder ausgeschafft werden. Es gibt rund 200'000 illegale Immigranten in Kanada. Dieses Video ist bloss ein kleiner Ausschnitt aus ihren Erzählungen von Freiheit, Ausdauer und Widerstand. A compilation of histories of illegal immigrants in Canada, nomadic friends who quickly disappeared into new identities or were forcibly deported. There are around 200,000 illegal immigrants in Canada. This video is just a spark of their constant re-invention of freedom, endurance, and resistance. Jorge Lozano has been working as a film and video artist for the last 20 years, gaining national and international recognition. His fiction films have been screened at the Toronto IFF and at Sundance, among others. His experimental work has been exhibited at many international festivals and galleries. He also organizes cultural and art events, including aluCine – Latin Film + Media Arts Festival (Toronto) and video workshops for marginalized Latin and non-Latin youth in Canada, Colombia, and Venezuela.


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Identity Politics II: Home Is... Curated by Mike Hoolboom

Runtime: 70' Friday, 9 November 2018, 22:00, Kino Cameo

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Identity Politics II: Home Is... Wie lassen sich radikale Formen und Inhalte verbinden im Dienst einer Schönheit, die zugleich Anfang einer politischen Veränderung ist? Alle sieben KünstlerInnen in diesem Programm befassen sich mit der Frage nach Heimat und Zugehörigkeit und ertasten dabei die vernachlässigten Winkel unserer Städte auf oft überraschende, ungewöhnliche Weise. Ursprünglich auf Super 8 gedreht, beginnt Phillip Barkers «I Am Always Connected» (1998) in einer Schattenwelt, wo sich eine vermeintlich häusliche Szene – eine Frau beim Kleiderbügeln – als Frankenstein’scher Ursprungsmoment entpuppt, wo das letzte Teilchen des gefürchteten Monsters eingesetzt wird. «In the Form of the Letter ‹X›» ist eine Unterschrift, ein filmisches Äquivalent von Mike Cartmells Namen (der durch ausgiebige Abschrift auf ein simples X reduziert wird). X ist das Zeichen der Analphabeten oder derjenigen, die ihren eigenen Namen nicht kennen. Über Jahre hinweg vor dem Hintergrund des Canadian Shield aufgenommen, zeigt der Film Cartmells Sohn Sam, wie er in Zeitlupe auf die Kamera zu und – in der zweiten Hälfte des Films – von ihr weg rennt. Die Struktur des Werks ist chiasmatisch, sie entspricht jenem alten Traum der Avantgarde, Filme zu drehen, die sich vorwärts und rückwärts zeigen lassen. «Ciudad Maya» von Andrés Padilla Domene (2016) betreibt Anthropologie als Science Fiction in einer ungewöhnlichen Begegnung der Kulturen. In der mexikanischen Stadt Mérida wird die Maya-Kultur neu benannt und interpretiert, nicht als statisches Objekt, das es zu sammeln und auszustellen gilt, sondern als laufende Neuaushandlung mit einer verworrenen Gegenwart und Zukunft, die von technologischer Blindheit und Aberglauben erfüllt sind. Der Film lädt das Publikum zu immer neuen Interpretationen ein. «Untitled 1925, Part Two», der zweite Teil von Madeleine Pillers Trilogie (2016), führt die Suche nach Wurzeln in der peruanischen Heimat der Künstlerin fort. Ein eindrückliches, lyrisches Werk von seltener Intensität und wunderschönen Bildern, ein Meisterwerk aus Steinen, Türmen, Küsten und Häusern in schmalen Strassen. Es ist die vorläufige Krönung eines Werks, das von einem lebenslangen Sehen und materieller Praxis geprägt ist.

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Rawane Nassifs preisgekrönter «Turtles Are Always Home» (2017) bewegt sich mit lyrischer Schwere durch das Traum-Doppel von Venedig, eine im Qanat Quartier von Doha, Qatar, nachgebaute Wasserstadt. Scharf beobachtet die Kamera leere Geschäfte und Strassen, die (bis auf Putz- und Sicherheitskräfte) verlassenen Kanäle und das unvermeidliche Spiegelbild der Künstlerin selbst – eine libanesisch-kanadische Silhouette, die geduldig ihrer nomadischen Arbeit nachgeht. Zum Abschluss singt sie eine Passage von Mahmoud Darwish, dem palästinensischen Dichter und Meister des Exils. «Original Machines» von Heather Frise (2018) ist eine Suite handgezeichneter Animationen, die Frauen zwischen Unterwerfung und Triumph zeigt. Das Tierische der Körper eröffnet diesen Muybridge’schen Studien – Symptomen des Patriarchats –unerwartete neue Wege. Die Zeichnungen der Künstlerin schaffen eine instinktive, private Sprache, die vor der Kamera immer wieder neu entsteht, wobei jede der herbeigezauberten Figuren von Haushaltsprodukten zerstört wird, als ob sich die Schöpferin an ihren Subjekten rächen müsste. «Hotel 22» von Elizabeth Lo (2015) zeigt die andere Seite der digitalen Revolution. Ein ruhiger, beobachtender Dokumentarfilm über die Unterschicht im Silicon Valley, mit Zärtlichkeit und Respekt eingefangen. Eine nächtliche Welt von mobilen Schläfern und schmerzlicher, öffentlicher Einsamkeit. Rassistische Tiraden von Mit-Passagieren. Der brutale Weckruf an der Endstation. Still weist der Film auf das Versagen des Staates hin, auf den anhaltenden Klassenkampf in den USA, auf die Gier der Bauunternehmer und die Misere der Unsichtbaren. Mike Hoolboom

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Identity Politics II: Home Is... How to bring together radical forms with radical contents in the service of a beauty that is also the beginning of a political change, a way of feeling into the most unwanted corners of our cities? Each of the seven artists in this programme takes on the question of home and belonging, often in surprising and unusual ways. Originally shot in super 8, «I Am Always Connected» by Phillip Barker (1998) begins in a world of shadows. What appears to be a domestic scene, a woman ironing clothes, turns out to be a Frankensteinian moment of origins instead, where the final piece of the dreaded monster is put in place. «In the Form of the Letter ‹X›» is a signature, a filmic equivalent of Mike Cartmell’s name (which is reduced by exhaustive transcription to a simple X). X is the mark of those who cannot write, or who do not know their own names. Photographed over years against the backdrop of the Canadian Shield, the film shows Cartmell’s son Sam running in slow motion towards the camera, and, in the film’s second half, away from it. The structure of the work is chiasmatic, part of the old avant-garde dream of creating movies that could be shown backwards and forwards. «Ciudad Maya» by Andrés Padilla Domene (2016) is anthropology as science fiction, the unlikely meeting of cultures. We are in the city of Mérida, Mexico, where Mayan culture is renamed and reimagined. It is not a static object to be collected and displayed, but part of an ongoing negotiation with a tangled present and future, filled with technological blindness and superstitions. This movie invites its audience to make the leap of interpretation, again and again. «Untitled 1925, Part Two», the second part of Madeleine Piller’s trilogy (2016), continues the search for roots in the artist’s homeland of Peru. It’s a stunning and lyrical work imbued with a rare intensity, beautifully photographed, a masterpiece of stone, steeples, coastline, and houses on narrow streets. The film is a temporary culmination, a summary work, dense with a lifetime of seeing and material practice. The award-winning «Turtles Are Always Home» by Rawane Nassif (2017) moves with a lyric gravity through Venice’s dreamed double, a city of

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water rebuilt in the Qanat Quartier of Doha, Qatar. With a keen observational gaze, the camera frames emptied storefronts and streets, deserted canals (except for cleaners and security guards), and inevitably, reflections of the artist herself, a Lebanese-Canadian silhouette, patient in her nomadic work. To close the work, she sings a riff from Mahmoud Darwish, the Palestinian poet giant, the maestro of exile. «Original Machines» by Heather Frise (2018), a kinetic suite of hand-drawn animations, pictures women in states of abject surrender and celebration. The animal life of the body converts these Muybridge-like studies – symptoms of patriarchy’s slow grind – into sudden and unexpected openings. The artist’s drawings summon a visceral private language that is drawn and redrawn in front of the camera lens, each conjured figure savaged and torn apart with household materials, as if the creator had to take revenge on her subjects. «Hotel 22» by Elizabeth Lo (2015) shows the other side of the digital revolution. A quietly observational doc about Silicon Valley’s underclass, lensed with tenderness and respect. A nighttime world of mobile sleepers and pained public solitudes. Ugly racist screeds from fellow passengers. The cruel wake-up call at the end of the line. The film quietly points to the failure of the state, the ongoing class war in the United States, developer greed, and the plight of the invisible. Mike Hoolboom

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I Am Always Connected In the Form of the Letter «X» Netherlands/Canada 1984, 4'16", digital file, black & white, no dialogue, Exp Director/Script/Editor/Sound: Phillip Barker Photography: Ton Thoonsen Cast: Marianna Ebbers/Trix Engelen/Peter Kregting Production/Distribution: Phillip Barker, Toronto, pbarker@passport.ca, +1 416 4028722

Ein experimentelles Werk über die untrennbare Verbindung zwischen Körper und Geist, Licht und Dunkel, die Kamera und ihr Subjekt. Der Film – von einer fünfköpfigen Crew in drei Einstellungen auf Super 8 gedreht – entstand an einer Landstrasse in der Nähe von Nijmegen in den Niederlanden. Phillip Barker ist kürzlich zum Drehort zurückgekehrt und musste feststellen, dass alle Bäume gefällt wurden. The film is about the inseparable connections between the mind and the body, light and dark, the camera and its subject. It was shot in three takes on Super 8 film by a crew of five people on a small country road near Nijmegen in the Netherlands. Phillip Barker recently returned to the location and found that all the trees had been cut down. Phillip Barker is an installation artist, filmmaker, and designer for film and theatre. His own films have won many awards. He has premiered five films at the Toronto IFF and his film «Malody» was chosen for Canada’s Top Ten by TIFF. Phillip has shown retrospectives of his films at the Cinematheque Ontario (Art Gallery of Ontario) and most recently during a two-day master class at the Danish Film Institute in Copenhagen.

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USA 1985, 5'30", 16mm, black & white, English Director/Photography/Editor: Mike Cartmell Production: Mike Cartmell Distribution: Canadian Filmmaker’s Distribution Centre CFMDC, Toronto, ON, Canada, +1 416 588 0725

Der Film basiert auf der quasi-fiktionalen Feststellung, dass die Namen von Melville sowie des Filmemachers, Mike Cartmell, dieselbe Bedeutung haben: Beide stammen vom altfranzösischen Verb «meler» ab, das soviel wie «zusammenkommen, treffen ...» bedeutet. This film is predicated upon the quasifictional discovery that Melville’s name and the filmmaker’s name, Mike Cartmell, mean the same thing: both came from the old French verb «meler», meaning «to come together, to meet...». Mike Cartmell (1954–2014) was a Canadian fringe movie artist. He began making Super 8 films in the 1970s. His work addresses history (personal and communal), sexuality, and language. Uncertainties surrounding his own origin due to being an adopted foundling led to a fascination with ancestry, genealogy, and descent. His filmmaking is concerned with its/his parentage and the problematic of origin/originality, as evidenced in the modes of adaptation he investigates in some of his films, and in his ongoing interest in proper names.

Ciudad Maya France/Mexico 2016, 24'00", digital file, colour, Maya with English subtitles, Doc/Exp Director/Script/Editor: Andrés Padilla Domene Photography: Dalia Huerta Cano Sound: Homero González Sánchez Cast: Sasil Sánchez Chan/ Andrés Chi Cob Alias MC Chicob/José Chi/ Feliciano Sánchez Chan/ Jesús Pat Chablé Alias Pat Boy/Lorenzo Itzá Production/Distribution: Le Fresnoy – Studio national des arts contemporains, Tourcoing, France, ntrebik@lefresnoy.net, +33 3 20 28 38 64

In der südmexikanischen Stadt Mérida untersucht eine Gruppe junger, städtischer Maya mithilfe mysteriöser Instrumente eine archäologische Stätte. «Ciudad Maya» bewegt sich an der Grenze zwischen Science-Fiction und Dokumentarfilm und dekonstruiert dabei die Bilderwelt der Maya-Kultur sowie ihre heutige Identität. In the city of Mérida, Mexico, a group of young urban Maya examine an archaeological site with mysterious instruments. The film walks a fine line between science fiction and documentary, deconstructing the imagery of Maya culture and their identity today. Andrés Padilla Domene was born in Guadalajara, Mexico, and studied media arts in his home country. His individual and collaborative works have been shown at various festivals and exhibitions internationally. He is part of the artist collective Astrovandalistas and currently an artist member of the Casa de Vélazquez, Académie de France à Madrid.


Untitled 1925, Part 2 Canada 2016, 9'03", digital file, black & white, Spanish with English subtitles, Exp Director/Script/Editor/Sound: Madi Piller Photography: Madi Piller/Greg Boa Production/Distribution: Madi Piller, Toronto, Canada, madip@rogers.com, www.pixfilm.ca

Der Film ist Teil einer poetischen Trilogie, die sich mit Erinnerung und Identität befasst. Die Filmemacherin tourt dabei durch das peruanische Hochland auf den Spuren ihres Grossvaters, der 1925 von Lima nach Cuzco reiste. «Untitled 1925, Part 2» is part of a poetic film trilogy that explores and interrogates memory and identity as the artist travels through the highlands of Peru. The filmmaker follows the path her grandfather took in 1925, from Lima to Cuzco. Madi Piller is a filmmaker, animator, programmer, and independent curator currently living and working in Toronto, Canada. She uses Super 8, 16mm, and 35mm film as well as photography and video to create abstract, nonrepresentational, and poetic images. The results are strongly influenced by diverse animation techniques and styles.

Sokun Al Sulhufat / Tur- Original Machines tles Are Always Home Canada 2018, 6'49", digital file, colour, Lebanon/Canada/Qatar 2016, 11'49", digital file, colour, Arabic with English subtitles, Exp Director/Script/Photography/ Editor/Cast: Rawane Nassif Sound: Victore Bresse/Rawane Nassif Production/Distribution: Rawane Nassif, Lebanon, rawane.nassif@gmail.com

Auch Häuser haben Erinnerungen. Ich frage mich, wessen Erinnerungen diese Häuser behalten werden. Ich versuche mich an die Wände zu klammern, sie zu beschmutzen, zu markieren – aber umsonst. Sie werden ständig gereinigt, beobachtet, beschützt. Zu Hause ist es am schönsten, heisst es. Doch mein Zuhause ist überall. Wie eine Schildkröte bin ich überall zu Hause. Houses have memories, too. I wonder whose memories these houses will keep. I try to attach myself to the walls, dirty them, mark them – but I fail. They are constantly cleaned, watched, protected. I caress them instead. And I film them, lest I forget. Home is where the heart is, they say. I disagree. My heart is everywhere. Like a turtle, I am always home. Born in Beirut in 1983, Rawane Nassif is a LebaneseCanadian filmmaker and anthropologist. Her research and films often address themes such as space, traditions, identities, displacement, and memory. She collaborated on several social documentaries in Lebanon, worked with immigrants and indigenous people in Canada, conducted visual research on nomadic traditions in Kyrgyzstan, taught anthropological courses in Tajikistan, wrote children’s books, and worked as a researcher for anthropological art films with the Doha Film Institute for the National Museum of Qatar. She is currently completing a mentorship at the Transforming Arts Institute in Madrid.

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English, Ani/Exp Director/Photography/Editor/Sound: Heather Frise Production/Distribution: Heather Frise, hfrise@gmail.com

Diese Suite handgezeichneter Animationen zeigt Frauen zwischen Unterwerfung und Triumph. Die Zeichnungen der Künstlerin schaffen eine instinktive, private Sprache, die vor der Kamera immer wieder neu entsteht, wobei jede der herbeigezauberten Figuren von Haushaltsprodukten (Wachs, Spülmittel) zerstört wird, als ob sich die Schöpferin an ihren Subjekten rächen müsste. This kinetic suite of hand-drawn animations pictures women in states of abject surrender and celebration. The artist’s drawings summon a visceral private language that is drawn and redrawn in front of the camera lens, each conjured figure savaged and torn apart with household materials (wax, dish soap, cleaners), as if the creator had to take revenge on her subjects. Heather Frise makes animations that combine her experimental drawing and filmmaking practices. Her experimental shorts and feature documentaries have won numerous awards and screened internationally. She currently teaches at OCAD University.


Hotel 22 USA 2015, 8'39", digital file, colour, English, Doc Director/Script/Photography/ Editor/Cast: Elizabeth Lo Production/Distribution: Elizabeth Lo, elizabethx.lo@gmail.com

Jeden Abend verwandelt sich die Linie 22 im Silicon Valley von einem öffentlichen Bus in eine inoffizielle Unterkunft für Obdachlose. Der als «Hotel 22» bekannte Bus wird zum mobilen Zeugnis der qualvollen Suche nach Wohnraum in einer zunehmend unerschwinglichen Umgebung. Each night in Silicon Valley, the Line 22 transforms from a public bus into an unofficial shelter for the homeless. Commonly referred to as «Hotel 22», the bus has become a mobile testament to the painful challenges of finding housing in an increasingly unaffordable landscape. Elizabeth Lo is an award-winning documentary filmmaker. She was named one of the 25 New Faces of Independent Film by Filmmaker Magazine in 2015 and was featured in the 2015 New Directors’ Showcase at the Cannes Lions International Festival of Creativity. Her work has been broadcast and showcased around the world.

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Zauberlaterne: Kurze für Kleine – Verbunden Magic Lantern: Shorts for Kids – Connected Curated by Dustin Rees and Zauberlaterne

Runtime: 61' Wednesday, 7 November 2018, 10:00, Casino 2 Friday, 9 November 2018, 10:00, Casino 1 Sunday, 11 November 2018, 10:30, Casino 2

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Zauberlaterne: Kurze für Kleine – Verbunden Auch 25 Jahre nach ihrer Gründung bringt die Zauberlaterne unzähligen Kindern die Geschichte des Kinos anhand ausgewählter Filme näher. An den Kurzfilmtagen wird jedes Jahr eine Auswahl Kurzfilme unterschiedlichster Macharten und Genres für Kinder und Erwachsene präsentiert. Heute verbinden sich bereits SchülerInnen der Unterstufen mit Handy oder Computer durch das Internet mit der ganzen Welt. Wir wollen aufzeigen, dass es auch andere Arten der Verbundenheit gibt. Die sieben Kurzfilme aus der ganzen Welt setzen sich mit verschiedenen Formen der Verbundenheit zwischen zwei Wesen auseinander. Im Film «Link» sind zwei Gestalten an ihren Haaren verbunden und merken nach anfänglichen Problemen, dass sie sich mit ihrem Handeln gegenseitig beeinflussen. «Between the Lines» erzählt von der Einsamkeit eines Zebras, bis es schliesslich einen Artgenossen findet, zu dem es eine aussergewöhnliche Verbindung hat. Eine emotionale Verbundenheit kann sogar so stark sein, dass es einem kauzigen Künstler gelingt, seinen Kreationen Leben einzuhauchen. Die Puppenanimation «Lost & Found» zeigt schliesslich auf, dass Freundschaft eine Verbundenheit ist, die einen nie aufgeben lässt und bei der man einander unter allen Umständen beisteht. Verbunden sind aber nicht nur die Figuren in den sieben Kurzfilmen. Wenn die Smartphones mal rasten und alle Augen und Ohren gespannt auf die Leinwand gerichtet sind, entsteht auch im Kinosaal eine Verbundenheit unter den Anwesenden. Es wird gemeinsam gelacht, gestaunt und manchmal sogar eine Träne verdrückt. Dieses Gemeinschaftsgefühl, das Zusammensein, ist es, was unter anderem den Reiz des Kinosaals – gegenüber den kleinen Bildschirmen – ausmacht. In diesem Sinne freuen wir uns auf das gemeinsame Kinoerlebnis von Gross und Klein und sind überzeugt, dass alle sich mit der einen oder anderen Figur ein wenig verbunden fühlen werden. Vincent Adatte, Co-Direktor Zauberlaterne – Filmklub für Kinder This Bay, Zauberlaterne, Koordinator Deutschschweiz

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Magic Lantern: Shorts for Kids – Connected 25 years into its existence, the Magic Lantern keeps introducing countless children to the history of cinema with carefully chosen films. Every year at Kurzfilmtage, we present a selection of short films of various styles and genres to children and adults. From their earliest years, children use phones and computers to connect with the whole world through the Internet. Our aim in this year’s programme is to show some other kinds of connectedness. Seven short films from around the world show the different ways in which two beings connect. In «Link», two creatures are connected by their hair; after initial problems, they realize that their actions influence each other. «Between the Lines» tells of a zebra’s loneliness – until it finds a special connection to another member of its species. Sometimes, an emotional connection can be so strong that it enables an odd artist to bring his creations to life. And the puppet animation «Lost & Found» shows how friendship creates a connection that prevents us from ever giving up and makes us support each other, come what may. But not just the characters in the seven short films are connected. When our smartphones rest for once and all eyes and ears are focused on the big screen, the cinema also connects everyone who is present. We laugh, marvel, and maybe even shed an occasional tear – together. This sense of community, of being together, is one of the appeals of the cinema, as opposed to all the small screens. Thus, we look forward to young and old sharing this cinematic experience, and we are convinced that you will feel connected to some of the characters on the screen. Vincent Adatte, co-director of the Magic Lantern – cinema club for kids This Bay, Magic Lantern, coordinator for German-speaking Switzerland In Zusammenarbeit mit / In cooperation with

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Between the Lines

LINK

Two Balloons

Russia 2017, 4'23", digital file, black & white, no dialogue, Ani

Germany 2017, 7'34", digital file, colour, no dialogue, Ani

USA 2017, 9'08", digital file, colour, no dialogue, Ani

Director: Maria Koneva Script: Maria Koneva Editor: Maria Koneva Sound: Vadim Kruglov Production: Aqwarius Film Ltd., Saratov, Russia, klonpict@gmail.com, +7 9272 263385 Distribution: Aqwarius Film Ltd., Saratov, Russia, klonpict@gmail.com, +7 9272 263385

Director: Robert Löbel Editor: Robert Löbel/Elisabeth Vahle Janerka Sound: David Kamp Production: Robert Löbel, Berlin, Germany, mail@robertloebel.com, www.robertloebel.com Distribution: KurzFilmAgentur Hamburg e.V., Hamburg, Germany, Anna Leimbrinck, anna@shortfilm.com, +49 40 3910 6325

Director: Mark C. Smith Script: Mark C. Smith Photography: Reijean Heringlake Editor: Elba Bernard Sound: Eric A. Norris/Alex Knickerbocker/ Adam Selzer/Tom Marks Production: Four Winters, Idaho, USA Distribution: Ouat Media, Toronto, Canada, info@ouatmedia.com, +1 416 979 7380

Ein einsames Zebra sehnt sich nach einem Partner. Aber wo es nur hinblickt, haben sich schon andere Tiere zu Paaren zusammengefunden. Aus tanzenden Linien, flackernden Kreisen, blinzelnden Augen und wippenden Körpern entstehen im schwarz-weissen Spiel immer wieder neue Fantasien.

Zwei durch ihre Haare verbundene Gestalten müssen lernen, mit ihrer Verbindung zu leben. Doch ihr Handeln beeinflusst die jeweiligen Wege des anderen.

Zwei abenteuerlustige Lemuren navigieren ihre Luftschiffe um die halbe Welt zu einem Ort, wo Zufall und Schicksal ihre Wiedervereinigung zu stören drohen.

Two characters are linked by their hair. They influence each other with every move they make and wherever they go.

Two adventurous lemurs navigate their airships halfway around the world to a place where coincidence and fate threaten to disrupt their reunion.

A zebra finds herself completely alone in a world where everyone seems to have a partner. She despairs in her search for love, but eventually finds another zebra. The two match each other perfectly in their abstract love dance.

Robert Löbel was born in Dresden, Germany, in 1984. After initially studying graphic design, he went on to study illustration in Hamburg. He now lives and works in Berlin. His animated shorts include «Wind» (2013), «Link» (2017), and «Island» (2017).

Maria Koneva was born in Kaluga in 1989. She started shooting stop-motion short films and commercials with a small group of friends who organized an animation studio called 7BiOz. Maria graduated from School-Studio SHAR in 2015 and currently works as a director on animated series and as a freelance animator.

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Mark Smith is a filmmaker from Portland, Oregon. He has produced the films «North», «Denmark», and «A House, A Home». As a cinematographer Mark spent many years filming winter expeditions in North and South America. He is the co-author of two photography books, «Österlandet» and «The Powder Road». «Two Balloons» is Mark’s first animated film.


Cat Days

Lost & Found

Drawn to Trouble

Japan/Germany 2018, 11'09", digital file, colour, German, Ani

Australia 2018, 7'58", digital file, colour, no dialogue, Ani

Norway 2017, 17'09", digital file, colour, Norwegian/dubbed live in German, Fic

Director: Jon Frickey Script: Jon Frickey Editor: Jon Frickey Sound: David Kamp Production: Jon Frickey, Hamburg, Germany, jon@jonfrickey.com, +49 152 5420 1524 Distribution: KurzFilmAgentur Hamburg e.V., Hamburg, Germany, verleih@shortfilm.com, +49 40 3910 6325

Director: Andrew Goldsmith/Bradley Slabe Script: Bradley Slabe Photography: Gerald Thompson Editor: Andrew Goldsmith/John Gavin Sound: Ryan Granger Production: Lucy Hayes, lucyjhayes@gmail.com Distribution: Lucy Hayes, lucyjhayes@gmail.com

Director: Jim S. Hansen Script: Endre Lund Eriksen Photography: Torkel Riise Svendson Editor: Karen Gravås Sound: Andreas Wangsbro/Rune Hansen Cast: Sigurd Heiene Krogh/ Gabriel Hasani Holland-Nell/ Alina Michelle Wilhelmsen/ Trond Peter Stamsø Munch Production: Fabelfjord AS, Tromsø, Norway, Merete Korsberg, merete@fabelfjord.no, +47 90 23 47 24 Distribution: Norwegian Film Institute, Oslo, Norway, nfi@nfi.no, +47 22 47 45 00

Der kleine Jiro fühlt sich krank. Sein Vater geht mit ihm zur Ärztin. Ihre Diagnose ist zwar harmlos, doch sie rüttelt an der Identität des Jungen. Little Jiro is feeling sick, so his father takes him to the doctor. Although she diagnoses a harmless condition, it shakes the core of the boy’s identity. Born in Stade, Germany, in 1979, Jon Frickey lives and works in Hamburg. He has been a filmmaker and illustrator since 2006. Previously, he worked as an art director in advertising. «Cat Days» is Frickey’s first short film for children.

«Lost & Found» ist ein Stop-MotionFilm, der zu Herzen geht. Ein gestrickter Dinosaurier muss sich selbst komplett auflösen, um die Liebe seines Lebens zu retten. «Lost & Found» is a stop-motion short film that tugs at the heartstrings. A knitted toy dinosaur must completely unravel itself to save the love of its life. Andrew Goldsmith’s innovative multi-technique approach to filmmaking stems from his roots as a visual-effects artist and animator. He specializes in technical and design-focused music videos, TV commercials, and short films. Bradley Slabe studied at the Australian Film, Television and Radio School, where he received his Masters in screenwriting. Bradley honed his craft working in development for features such as «Maya the Bee Movie». He is now a writer of children’s films and television shows, most recently «Kitty Is Not a Cat».

Die Geschwister Theodor (8) und Villja (10) flüchten vor dem Raufbold ihrer Schule ins Haus des sonderbaren Dorfkünstlers. Dort entdecken sie, dass dieser mit einem magischen Pinsel Zeichnungen zum Leben erwecken kann! Vielleicht lässt sich der Schultyrann damit abwehren? Doch dann gerät die Situation wegen Villjas Dinosaurier-Zeichnung ausser Kontrolle ... Siblings Theodor (8) and Villja (10) escape from the school’s bully and have no choice but to seek shelter in the house of the town’s peculiar artist. They discover that he has a magical paintbrush that brings drawings to life! Maybe they can use it to fight off the bully? But things get out of hand when Villja’s dinosaur drawing ends up becoming a lot more than expected... Jim Hansen works as a director and screenwriter from his base in Tromsø, Northern Norway. Other short films he’s created are «Aerosol» (2008) and «My Superhero» (2010). Hansen is also a skilled line producer and has worked on the feature film «Far North» by Asif Kapadia and on «Summers Past» by Ole Giæver.

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Löwe Germany 2017, 3'37", digital file, colour, no dialogue, Ani Director: Julia Ocker Script: Julia Ocker Editor: Julia Ocker Sound: Christian Heck Production: Studio FILM BILDER GmbH, Stuttgart, Germany, Bianca Just, studio@filmbilder.de, +49 711 481 027 Distribution: Studio FILM BILDER GmbH, Stuttgart, Germany, +49 711 481 02

Der Löwe muss dringend fitter werden! Die Gazelle traut ihm das nicht zu. The lion really needs to get in better shape. The gazelle does not think he is capable of doing so. Julia Ocker was born in Pforzheim in 1982. She studied visual communication in Pforzheim and Cairo from 2003 to 2005. In 2006, she continued her studies of animation at the Filmakademie in Baden-Württemberg. Since graduation, she has been working for different studios in and around Stuttgart.

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Jugendprogramm Youth Programme

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Jugendprogramm Das Bildungsengagement ist ein zentrales Anliegen der Kurzfilmtage und hat sich als fixer Bestandteil des jährlichen Festivals etabliert. Mit unseren Jugendprogrammen ab 12 resp. ab 16 Jahren bieten wir 2018 wiederum zwei Programme für die entsprechenden Altersgruppen an. Diese sind zwar inhaltlich ähnlich, spiegeln jedoch die spezifischen Interessen und das tägliche Umfeld der jeweiligen Altersgruppe. Neu vergibt die Jugendjury zwei Preise, je einen pro Programm. Drei Jugendliche zwischen 16 und 19 Jahren haben im Vorfeld des Festivals die Programme gesichtet und gemeinsam die Gewinnerfilme bestimmt. Mit aktuellen Filmen präsentieren die Jugendprogramme ein breites Spektrum des gegenwärtigen Kurzfilmschaffens und geben Einblick in eine vielfältige Filmkultur jenseits von gängigem Mainstream und YouTube-Clips. Die Vorstellungen sind öffentlich, Jugendliche und Erwachsene sind herzlich willkommen. Kurzfilme eignen sich ideal als Arbeitsinstrument im Unterricht: Die kurze Laufzeit ermöglicht eine Vielfalt an Themen, Genres und Sichtweisen innerhalb eines 90-minütigen Programms. Emotionen, ungewohnte Rollenmuster und Einblicke in fremde Kulturen schaffen eine Grundlage für angeregte Diskussionen im Klassenzimmer und darüber hinaus. Das Bildungsangebot der Kurzfilmtage wird seit 2016 schrittweise weiterentwickelt und ist modular aufgebaut, sodass mehrere Aktivitäten kombiniert buchbar sind. Das Angebot beinhaltet den Besuch von Filmexperten im Schulunterricht, den Festivalbesuch mit Jugendprogramm sowie eine Weiterbildung für Lehrpersonen. Unsere halbtägigen Schulbesuche durch Filmexperten bieten eine Einführung in die Besonderheiten des filmischen Erzählens anhand zahlreicher Beispiele. Unterrichtsmaterialien dienen dazu, das Medium Kurzfilm vor und nach dem Experten- und Festivalbesuch zu thematisieren. Am Festival können Lehrpersonen mit ihren Schulklassen an drei Tagen die Jugendprogramme besuchen. Die Jugendlichen erhalten dadurch auch Einblick ins Kulturgeschehen an einem europaweit renommierten Filmfestival.

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Für Lehrpersonen bieten wir zudem zusammen mit dem Seminar für Filmwissenschaft der Universität Zürich einen zweieinhalbtägigen Weiterbildungskurs zum Thema «Filmsehen – Filmverstehen: Die Sprache der bewegten Bilder und Töne» an. John Canciani, Remo Longhi

Mit freundlicher Unterstützung von

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Youth Programme Educational commitment has been a central concern of Kurzfilmtage and a permanent fixture of the annual festival. Since 2016, we have been offering two separate youth programmes for ages 12+ and 16+, respectively. While these selections are similar in terms of content, they were compiled with the aim of better reflecting the specific interests and daily lives of the respective age groups. The Youth Film Award presented by our youth jury now consists of two prizes – one for each programme. Three teenagers aged 16 to 19 have viewed the programmes prior to the festival and selected the award winners. The Youth Programmes present a broad range of current short filmmaking and offer insight into a diverse film culture beyond the usual mainstream and YouTube clips. The screenings are open to the public, teenagers and adults are welcome. Short films are ideal tools for the classroom. The short running times allow for a variety of themes, genres, and perspectives within a 90-minute screening. Emotions, unusual role models, and glimpses of foreign cultures provide a basis for lively discussions in the classroom and beyond. Kurzfilmtage is constantly developing and refining its educational offerings, which can be booked separately or in combination. Activities include expert visits to schools, festival attendance with screenings of the Youth Programmes, and a teacher training course. Our half-day expert visits to schools introduce students to cinematic storytelling with the help of numerous examples. Teaching materials offer additional context for talking about the medium of short film before and after the expert visit and/or festival screening. Teachers can attend the Youth Programmes with their classes on three days during Kurzfilmtage, thus offering teenagers the cultural experience of visiting a film festival that is noted all over Europe. In collaboration with the Department of Film Studies of the University of Zurich, we also offer teachers and youth workers a training course (2.5 days) titled «Seeing Film, Understanding Film: the Language of Moving Images and Sounds». John Canciani, Remo Longhi

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With the kind support of

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Jugendprogramm 12+ Youth Programme 12+

Curated by Annina Canciani, John Canciani, Nina KĂźhne

Runtime: 79' Friday, 9 November 2018, 14:00, Casino 1

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All These Creatures

LINK

Brottas / Tweener

Australia 2018, 13'05", digital file, colour, English with German subtitles, Fic

Germany 2017, 7'34", digital file, colour, no dialogue, Ani

Sweden 2018, 15'28", digital file, colour, Swedish with German subtitles, Fic

Director: Charles Williams Script: Charles Williams Photography: Adric Watson Editor: Charles Williams/Dan Lee Sound: Craig Conway Cast: Mandela Mathia/Helen Hailu/ Melody Demessie/Yared Scott Production: Simpatico Films, Camperdown, Australia, charles@charleswiliams.com.au, +61 425398420 Distribution: Some Shorts, Nijmegen, Netherlands, Wouter Jansen, info@someshorts.com, +31 622076717

Director: Robert Löbel Editor: Robert Löbel/Elisabeth Vahle Janerka Sound: David Kamp Production: Robert Löbel, Berlin, Germany, mail@robertloebel.com, www.robertloebel.com Distribution: KurzFilmAgentur Hamburg e.V., Hamburg, Germany, Anna Leimbrinck, anna@shortfilm.com, +49 40 3910 6325

Director: Julia Thelin Script: Julia Thelin Photography: Johan Hannu Editor: Anton Hemgren Sound: Calle Buddee Roos Cast: Ellen Bökman/ Nadine Arizcurinaga Ben Chaouch/Inez Torhaug/ Arman Fariborz Saleh/Alexej Manvelov Production: Grand Slam Film, Stockholm, Sweden, info@grtandslamfilm.se Distribution: Swedish Film Institute, Stockholm, Sweden, theo.tsappos@filminstitutet.se, +46 8 665 11 00

Ein Jugendlicher versucht seine Erinnerungen an eine mysteriöse Plage, seinen Vater und die kleinen Wesen, die in uns allen stecken, zu entwirren. An adolescent boy attempts to untangle his memories of a mysterious infestation, the unravelling of his father, and the little creatures inside us all. Charles Williams grew up in a country town in northern Victoria, with an obsession with movies. His films screened and won awards at film festivals including Clermont-Ferrand, SXSW, Telluride, Toronto, MIFF, Flickerfest, and Sapporo. In 2016, he was nominated for best short fiction film at the AACTA Awards. «All These Creatures» received the Palme D’Or at Cannes, and he is currently developing the feature projects «Inside» and «The Buzzard».

Zwei durch ihre Haare verbundene Gestalten müssen lernen, mit ihrer Verbindung zu leben. Doch ihr Handeln beeinflusst die jeweiligen Wege des anderen. Two characters are linked by their hair. They influence each other with every move they make and wherever they go. Robert Löbel was born in Dresden, Germany, in 1984. After initially studying graphic design, he went on to study illustration in Hamburg. He now lives and works in Berlin. His animated shorts include «Wind» (2013), «Link» (2017), and «Island» (2017).

Der Film folgt der 13-jährigen Ringkämpferin Jaana und ihrer besten Freundin Bettan. Jaana will in die fortgeschrittene Gruppe aufsteigen. Doch als sich Bettan vermehrt auf das Leben ausserhalb des Clubs konzentriert, muss sich Jaana zwischen ihrer Freundschaft und ihren Zielen entscheiden. Ein Film für alle, die auch schon das Gefühl hatten, vor lauter Emotionen zu platzen. The film follows 13-year-old wrestler Jaana and her best friend Bettan. Jaana’s goal is to advance to the more experienced group, and they are well on their way. But as Bettan starts focusing more on life outside the wrestling club, Jaana has to choose between following her best friend and following her goals. A film for anyone who has ever felt as if they’re about to burst from too much emotion. Julia Thelin (b. 1991) is a scriptwriter and director. She studied film at the Fridhems Folkhögskola from 2011 to 2013 before graduating from the script programme at Brobygrafiska in Sweden. She has made dance films, music videos, and short films, including the short «Push It» (2017).

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(OO)

Kiem Holijanda

Carlotta’s Face

South Korea 2017, 6'09", digital file, colour, no dialogue, Ani

Netherlands 2017, 14'07", digital file, colour, Albanian with German subtitles, Fic

Germany 2018, 5'00", digital file, colour, German, Ani/Doc

Director: Seoro Oh Editor: Seoro Oh Sound: Seoro Oh Production: Eunjung Choi, kaniseed@naver.com Distribution: KIAFA (AniSEED), Seoul, South Korea, kaniseed@naver.com, +82 2 313 1030

Director: Sarah Veltmeyer Script: Tom Bakker/Sarah Veltmeyer Photography: Stephan Polman Editor: Fatih Tura Sound: Taco Drijfhout Cast: Andi Bajgora/Florist Bajgora Production: Submarine, Amsterdam, Netherlands, yaniv@submarine.nl, +31 20 330 1226 Distribution: Some Shorts, Nijmegen, Netherlands, info@someshorts.com, +31 62 207 6717

Director: Frédéric Schuld/Valentin Riedl Script: Valentin Riedl/Frédéric Schuld Editor: Frédéric Schuld/Valentin Riedl Sound: Simon Bastian Production: Fabian&Fred, Hamburg, Germany, Fabian Driehorst, fabian@fabianfred.com, +49 176 24313418 Distribution: Fabian&Fred, Hamburg, Germany, Fabian Driehorst, fabian@fabianfred.com, +49 176 24313418, KurzFilmAgentur Hamburg e.V., Hamburg, Germany, Stine Wangler, sales@shortfilm.com, +49 40 3910 6325

Eine animierte Achterbahnfahrt durch die Atemwege stellt bildlich dar, was in den Nasenlöchern während einer Erkältung geschieht. An animated rollercoaster ride through the respiratory system depicts what happens inside the nostrils during a cold. Seoro Oh (b. 1990 in South Korea) graduated from the animation school of Chungkang College of Cultural Industries.

Die Brüder Andi (13) und Florist (20) leben in einem trostlosen Dorf im Kosovo. Mit dem Verkauf von Milch verdienen sie gerade genug, um die Familie über die Runden zu bringen. Doch dann versteift sich Andi darauf, ein Telefon aufzutreiben um Pornos zu schauen und merkt nicht, dass sein Bruder dabei ist, sich zu verabschieden. Brothers Andi (13) and Florist (20) live in a poor and desolate village in Kosovo. By selling milk, they earn just enough to support the family. But then Andi becomes so obsessed with getting his hands on a phone in order to watch some free porn that he doesn’t notice that his brother is trying to say goodbye. Sarah Veltmeyer (b. 1988) is a writer and director from Amsterdam. Without a film-school degree, but with a lot of love for film, she decided to make her first short «Gotta» in 2015. The film won best short film at Noordelijk Film Festival and other awards. In 2016, Sarah received funding from the Netherlands Film Fund to make her second short film. This brought her to Kosovo, where she made «Kiem Holijanda».

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Als Kind denkt Carlotta, ihre Mitmenschen hätten keine Gesichter. Auch ihr eigenes Gesicht erkennt sie nicht. Erst viele Jahre später erfährt sie von der seltenen, unheilbaren Krankheit ihres Gehirns. Schliesslich eröffnet ihr die Kunst einen Weg, sich endlich selbst zu erkennen. As a child, Carlotta doesn’t expect the people around her to have faces. She doesn’t even recognize her own face. Only years later, she learns about her rare, untreatable brain disorder. Eventually, art offers her a way to finally recognize herself. Frédéric Schuld is a French-German animator. Valentin Riedl’s first short film «Bauernsterben» premiered at the Hamburg ISFF in 2012 and won the LA Movie Awards for best international film and best editing. «Carlotta’s Face» received the Short Tiger Award in 2018.


That Yorkshire Sound

LISTEN / LUISTER

United Kingdom 2017, 2'43", digital file, colour, no dialogue, Ani/Doc

Netherlands 2017, 15'08", digital file, colour, Dutch with German subtitles, Doc

Director: Marcus Armitage Sound: Marian Mentrup Production: L. J. Stacey, United Kingdom, Laurajanestacey@aim.com Distribution: Marcus Armitage, London, United Kingdom, marcus.animation@gmail.com

Director: Astrid Bussink Script: Astrid Bussink Photography: Sander Roeleveld Editor: Riekje Ziengs Sound: Tim van Peppen Production: Een van de jongens, Amsterdam, Netherlands, info@eenvandejongens.nl, +31 208943628 Distribution: Some Shorts, Nijmegen, Netherlands, info@someshorts.com, +31 622076717

Ein handgezeichneter, animierter Dokumentarfilm, der einen Tagesablauf in Yorkshire nachzeichnet – von den geschäftigen multikulturellen Städten Bradford und Sheffield über den Gesang von Vögeln auf dem Land zu den hypnotischen Rhythmen der Fernstrassen und Bahnlinien. A hand-drawn, animated documentary, following the rhythms of a day in Yorkshire. It captures the sound of Yorkshire, from the bustling multicultural cities of Bradford and Sheffield to the delicate sounds of birds in the countryside and the hypnotic rhythm of the motorways and train tracks. Marcus Armitage is a BAFTA-nominated animator and filmmaker from Yorkshire with an MA in animation from the Royal College of Art. He makes films about change in modern Britain and about characters caught in the middle or fighting against it. He uses drawing, painting, and mixed media to show transformation in his animated worlds.

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Manchmal ist ein offenes Ohr alles, was wir brauchen. Der Kinder-Notruf bietet das an, doch was sollen wir einer komplett fremden Person erzählen? Sometimes all you need is an open ear. The Child Helpline has one for you, but what will you tell a complete stranger? Astrid Bussink (b. 1975) studied at AKI ArtEZ Academy for Art and Design in Enschede and at Edinburgh College in Scotland. During her studies, she made the award-winning «The Angelmakers» (2006). After «The Lost Colony» and «My Enschede», she directed several children’s documentaries, including «Wool Fever» and «Giovanni en het waterballet». The latter received many prizes internationally, including at IDFA, Berlinale, and Full Frame.


Jugendprogramm 16+ Youth Programme 16+

Curated by John Canciani, Norma Giannetta, David Grob

Runtime: 78' Wednesday, 7 November 2018, 10:00, Casino 1 Thursday, 8 November 2018, 14:00, Casino 1

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Circle

Ultraviolet

Guaxuma

United Kingdom/Canada/India 2018, 14'00", digital file, colour, Hindi with German subtitles, Doc

France 2017, 8'44", digital file, colour, Thai with German subtitles, Fic/Exp

Brazil 2018, 14'16", digital file, colour, Portuguese with German subtitles, Ani

Director: Jayisha Patel Script: Jayisha Patel Photography: Jayisha Patel Editor: Mdhamari Nkemi Sound: Anita Kushwaha Production: Jayisha Patel, jayishapatel1@gmail.com Distribution: Jayisha Patel, jayishapatel1@gmail.com

Director: Marc Johnson Script: Marc Johnson Photography: Guillaume Brault Editor: Mehdi Lachhab Sound: Matthieux Choux Cast: Kanchan Ketkaew Production: Fuldawa Films, France, festival@fulldawaprod.com Distribution: Fuldawa Films, France, festival@fulldawaprod.com

Director: Nara Normande Script: Nara Normande Editor: Eduardo Serrano Sound: Mélody Boulissière Production: Les Valseurs, Paris, France, Damien Megherbi, damien@lesvalseurs, +33 1 71 39 41 62, Vilarejo Filmes, Poço, Recife, Brazil, Livia de Melo, livia@vilarejofilmes.com.br, +55 81 3036-6323 Distribution: Les Valseurs, Paris, France, Liyan Fan, distribution@lesvalseurs.com, +33 1 71 39 41 62

Ein bewegendes Porträt der 13-jährigen Khushbu, die Opfer einer Gruppenvergewaltigung wurde. Der Film thematisiert die Tat, den psychischen Missbrauch durch die Grossmutter, welche die Vergewaltigung orchestriert hat, und die Kinderehe mit einem Mann, den Khushbu nicht kennt. Wo beginnt der Kreis? Und gibt es ein Entkommen? «Circle» is a haunting portrait of 13-year-old rape survivor Khushbu. The film explores her gang rape, the emotional abuse at the hands of her grandmother who orchestrated the rape, and her child marriage to a man she does not know. Where does the circle begin? And can there be any release? Jayisha Patel is an award-winning documentary filmmaker whose works have premiered at festivals such as Berlinale, SXSW, and the New York Film Festival, amongst others. Her works embody the female gaze and focus on telling stories about women, especially women of colour, in bold and often unconventional ways. Her first documentary «A Paradise» was nominated for over 37 international awards after its premiere at the 2014 Berlinale and was selected as a Vimeo Staff Pick.

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In einer post-humanen Zukunft, in der alle Lebewesen als gleichwertig gelten, probiert eine Frau namens Kanchana mit Skorpionen gemeinsame Überlebensstrategien aus. A woman named Kanchana and several scorpions explore collaborative survival approaches in a post-human future where all living beings are considered equal. Marc Johnson is a French filmmaker, visual artist, and architect working at the intersection of cinema, visual arts, biology, and technology. He is a graduate of the École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris and the École nationale supérieure d’architecture Paris-Malaquais. He also studied at the China Academy of Art in Hangzhou and at Hunter College in New York, and has received several awards for his work.

Tayra und ich sind an einem Strand im Nordosten von Brasilien aufgewachsen. Wir waren unzertrennlich. Die Meeresbrise weckt glückliche Erinnerungen. Tayra and I grew up on a beach in the northeast of Brazil. We were inseparable. The sea breeze brings back happy memories. Nara Normande was born in Guaxuma and later moved to Recife, where a new generation of Brazilian directors was about to emerge. In 2014, she co-directed the fiction film «Sem Coração» with Tião, receiving the Illy Prize for best short at the Directors’ Fortnight. Her latest film «Guaxuma» mixes several animation techniques that are all connected to sand.


Opal Waltz

Fauve

SELFIES

USA/France 2017, 3'54", digital file, colour, no dialogue, Clip/Ani

Canada 2018, 16'24", digital file, colour, French with German subtitles, Fic

Switzerland 2018, 3'44", digital file, colour, no dialogue, Ani

Director: Vincent Tsui Script: Vincent Tsui Editor: Vincent Tsui Production: Vincent Tsui, Los Angeles, USA, vct.tsui@gmail.com Distribution: Vincent Tsui, Los Angeles, USA, vct.tsui@gmail.com

Director: Jeremy Comte Script: Jeremy Comte Photography: Olivier Gossot Editor: Jeremy Comte Sound: Jean-David Perron/Laurent Ouellette Cast: Félix Grenier/Louise Bombardier/ Alexandre Perreault Production: Midi la Nuit, Montréal, Canada, Maria Gracia Turgeon, maria@midilanuit.com, +1 438 820 9800, Achromatic Media Inc., Montreal, Canada, Evren Boisjoli, evren@achromatic.ca, +1 514 566 7714 Distribution: H264 Distribution, Montréal, Canada, Jean-Christophe J. Lamontagne, jc@h264distribution.com, +1 514 582 4462

Director: Claudius Gentinetta Script: Claudius Gentinetta Editor: Claudius Gentinetta Sound: Peter Bräker Production: gentinettafilm, Zürich, Switzerland, mail@gentinettafilm.ch, +41 44 271 44 55 Distribution: gentinettafilm, Zürich, Switzerland, mail@gentinettafilm.ch, +41 44 271 44 55, Ouat Media, Toronto, Canada, Inga Diev, info@ouatmedia.com, +1 416 979 7380

Ein Coming-of-Age-Werk, das die Spannungen der Pubertät mittels des Zusammenspiels zwischen Jugendlichen und Ballonen illustriert. A coming-of-age piece that explores the tense duality of adolescence through interactions between teenagers and balloons. Vincent Tsui is an award-winning independent filmmaker from France currently living in Los Angeles. In 2015, he completed an MA in character animation and animated filmmaking at Gobelins, l’École de l’Image (Paris). His graduation film «Made in China» was awarded in France and in the US and shown at various festivals worldwide. Vincent was voted Best New Talent 2016 as part of Motionographer’s Motion Awards.

In einer Tagebaumine lassen sich zwei Jungs auf ein vermeintlich unschuldiges Machtspiel ein, das nur von Mutter Natur beobachtet wird. In a surface mine, two boys sink into a seemingly innocent power game with Mother Nature as the sole observer. After being raised in the countryside and later studying film production at Concordia University, Jeremy Comte’s connection with nature and curiosity about the human condition deepened with his travels around the globe. Comte is roused by psychological, raw narratives, finding meaningful connections through poetic imagery.

Hunderte von idyllischen, peinlichen und schrecklich verstörenden Selfies wurden zu einer einzigartigen Kurzfilmkomposition arrangiert. Die künstlerisch nachbearbeiteten Einzelbilder ziehen sich zusammen zu einem schauerlichen Grinsen, das den Abgrund menschlicher Existenz überstrahlt. Hundreds of idyllic, embarrassing, and disturbing selfies have been arranged into a unique short-film composition. The artistically processed individual images are condensed into a gruesome grin that eclipses the abyss of human existence. Claudius Gentinetta (b. 1968 in Lucerne) studied graphic design and animation in Lucerne, Liverpool, and Kassel. In 1995, he spent a year in Krakow on a scholarship. He currently works in Zurich as a freelance graphic artist and animator.

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JUCK Sweden 2017, 17'34", digital file, colour, Swedish with German subtitles, Doc Director: Olivia Kastenbring Script: Olivia Kastenbring/Ulrika Bandeira/ Julia Gumpert Photography: Josephine Owe Editor: Therese Elfström Production: Bad Land, Stockholm, Sweden, dea@badland.tv, +46 7326836567 Distribution: Jing Haase, Stockholm, Sweden, jing.haase@filminstitutet.se, www.filminstitutet.se/

«JUCK» ist ein hybrides Werk zwischen Dokumentation, Tanz und Fiktion. Der Film porträtiert die Frauentanzgruppe JUCK, die mit einem Video von 2013 weltbekannt wurde. Ihr Name bedeutet «Stoss» auf Schwedisch. Die bahnbrechenden Auftritte der Gruppe sprengen die Grenzen der Darstellung des weiblichen Körpers und thematisieren die Rollen von Subjekt und Objekt. Der Film wirft die Frage auf, was Weiblichkeit ist. «JUCK» is a hybrid between documentary, dance, and fiction. The film shows the all-female dance group JUCK who made a name for themselves in 2013 with a video that became a viral hit all over the world. The group’s name means «thrust» in Swedish. Their groundbreaking appearance pushed the boundaries of how the female body is seen. The group questions the positions of object and subject, provoking, inspiring, and breaking norms. The film poses the question: what is femininity? Olivia Kastenbring is a Stockholm-based director who specializes in documentaries and collaborative projects. She focuses on the role of women in history, aiming to create greater diversity in the representation of women.

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Expanded Cinema

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Virtual Reality Cinema – We’ve Only Just Begun! Presented by Geneva International Film Festival

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Virtual Reality Cinema – We’ve Only Just Begun! Virtual Reality hat die Startrampe gerade erst verlassen. Das Medium ist noch lange nicht ausgeschöpft und die potenziellen Anwendungen sind zahlreich. Dies zeigt nicht zuletzt die Präsenz und Präsentation von 360°-Filmen an zahlreichen Festivals dieses Jahr. So wurden beispielsweise am Go Short Kurzfilmfestival die neusten Werke in einem eigens dafür aufgebauten Dom gezeigt, und am Vienna Shorts fand zum ersten Mal ein eigener VR-Wettbewerb statt. Die Schöpfer der virtuellen Realität dürfen mehr als anderswo auch Tüftler sein und treiben die visuellen Möglichkeiten der Rundum-Leinwand durch ihr Schaffen stetig voran. Zum zweiten Mal präsentiert das Geneva International Film Festival (GIFF) drei Programme mit 360°-VR-Projekten an den Kurzfilmtagen, in Zusammenarbeit mit WeAreCinema als Technikpartner. Um trotz VR-Brille das Kinoerlebnis zu erlauben, werden die Filme in synchronisierten Vorführungen gezeigt, die dem Publikum ein kollektives Erlebnis des neuen Mediums ermöglichen. Drei abwechslungsreiche Programme präsentieren einige der innovativsten und faszinierendsten VR-Filme der Gegenwart. Are You There? Is It Real? zeigt dokumentarische Werke, die sich mit dem Verschwinden von echten Menschen und dem Entstehen von falschen Orten befassen. Of Songs and Images präsentiert eine Auswahl innovativer VR-Anwendungen in Musikvideos sowie in der Auseinandersetzung mit der bildenden Kunst. Schliesslich erzählt New Vocabularies Geschichten auf ungewohnte Art und lotet dabei das grosse visuelle Spektrum von 360°-Filmen aus. Kilian Lilienfeld

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Virtual Reality Cinema – We’ve Only Just Begun! Virtual Reality has only just started to take off. The medium is far from being exhausted and its potential applications are numerous, as evidenced by the presence and presentation of 360-degree films at many recent festivals. At Go Short in Nijmegen, for instance, the latest works were shown in a specifically constructed dome, and Vienna Shorts held its very first separate VR competition this year. More than elsewhere, the creators of virtual reality have licence to be inventors, and their creativity constantly expands the visual potential of the all-round screen. For the second time, the Geneva International Film Festival (GIFF) presents three programmes with 360-degree VR projects at Kurzfilmtage, in collaboration with WeAreCinema as equipment partner. Despite the VR headset, the exciting new medium can be enjoyed as a truly cinematic collective experience thanks to synchronized screenings. Three diverse programmes offer some of the most innovative and fascinating VR films of our time. Are You There? Is It Real? consists of documentary works dealing with the disappearance of real people and the appearance of fake places. Of Songs and Images presents a selection of innovative uses of VR in the fields of music video and fine art. And finally, New Vocabularies features unusual storytelling, exploring the vast visual potential of 360-degree filmmaking. Kilian Lilienfeld

In Zusammenarbeit mit / in collaboration with

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Virtual Reality Cinema: Are You There? Is It Real? Runtime: 43' Thursday, 8 November 2018, 14:30 & 19:00 Friday, 9 November 2018, 16:00 & 20:30 Saturday, 10 November 2018, 17:30 Sunday, 11 November 2018, 11:00 & 15:30 Theater Winterthur 2

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Bloodless

Indefinite

The Real Thing

South Korea/USA 2017, 12'00", VR, colour, Korean with English subtitles, Doc/Fic

United Kingdom 2016, 15'00", colour, English, Doc

France 2018, 16'00", VR, colour, Chinese/ Mandarin with English subtitles, Doc

Director: Gina Kim Script: Gina Kim Photography: Sam Jeon Editor: Gina Kim Sound: Kyusik Chang Cast: Boryeong Kim Production: Paul Bouchard, paul@diversioncinema.com Distribution: Diversion Cinema, Paris, France, camille@diversioncinema.com

«Bloodless» basiert auf der wahren Geschichte eines Mordes an einer koreanischen Sexarbeiterin durch einen US-Soldaten im Jahr 1992. Gedreht wurde vor Ort im Camp von Dongducheon bei Seoul, wo die USArmee seit den 1950er Jahren stationiert ist. Der Film folgt dem Mordopfer an seinem letzten Abend. Based on a true story, «Bloodless» is a VR film about the murder of a Korean sex worker by a US soldier in 1992. The film was shot on location at the Dongducheon camp near Seoul, where the US military has been stationed since the 1950s. The film follows the victim on the night of her murder. Gina Kim’s five feature-length films have screened at more than 80 prestigious international film festivals and venues all over the world. «Never Forever» was the first co-production between the US and Korea, and it was theatrically released in France, Korea, and the US. «Final Recipe» was released in over 3,000 theatres in China. Kim was a jury member at the 66th Venice Film Festival where her film «Faces of Seoul» (2009) premiered. She was the first Asian woman to teach at the Department of Visual and Environmental Studies at Harvard and is a professor at the UCLA School of Theater, Film and Television.

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Director: Darren Emerson Photography: Jem Talbot/Darren Emerson/ John Boyce Editor: Conan Roberts Sound: Karl Jenkins Cast: Gary Hawker/Bradley Anthony/Joel Dowuona Production: VR City, London, hello@vr-city.com, +44 207 3775787 Distribution: VR City, London, hello@vr-city.com, +44 207 3775787

Wenn die innovativsten britischen VR-Gestalter die Verwahrung von MigrantInnen auf britischem Boden hinterfragen, ist das Resultat ein VRDokumentarfilm, bei dem die Immersion selbst zu einem Werkzeug der Demokratie wird. Überzeugend! When the most innovative British VR designers of the moment begin questioning the policies of migrant detention on British soil, the result is a VR documentary where immersion itself becomes a tool for democracy. Convincing! Darren Emerson is a producer, co-founder, and manager of the London-based production company East City Films. Over the past 15 years, he has produced music videos and documentaries, among other things. He is fascinated with virtual reality’s potential for emotionally involving the spectator.

Director: Benoit Felici/Mathias Chelebourg Script: Benoit Felici Photography: Antoine Cardon Editor: MIchel Blustein Sound: Michele Tarantola Production: Arte France, Paris, France, nicolasengel7@hotmail.com, +33 6 18043924, Artline Films, Paris, France, contact@artlinefilms.com, DVgroup Distribution: Diversion Cinema, Paris, France, camille@diversioncinema.com

Eine VR-Reise in eine Kopie unserer Welt. Um Chinas grösste Städte herum gibt es ganze Quartiere, die von ausländischen Vorbildern inspiriert sind. Der Film kundschaftet die eindrücklichsten dieser «falschen Städte» aus: Wir reisen von Paris nach London und Venedig – ohne China zu verlassen. «The Real Thing» is a VR journey into a copy of our world. Around China’s largest cities, entire neighbourhoods have been inspired by foreign models. The film explores the most stunning of these «fake cities», travelling from Paris to London and Venice – without leaving China. Benoit Felici is a French-Italian filmmaker who graduated from the ZeLIG film school in Italy. His previous film «Unfinished Italy» was a journey into the remains of incomplete buildings and infrastructure that have turned into ruins, scattered throughout rural Italy. The film received 15 awards and was screened widely on the international festival circuit. Attracted by technical challenges and the opportunities of emerging new media, Mathias Chelebourg likes to work closely with technicians from a variety of disciplines (whether camera engineering, computer graphics, video gaming, or theatre scenography). In recent years, he has been exploring the narrative potential of immersive cutting-edge technologies.


Virtual Reality Cinema: Of Songs and Images Runtime: 33' Thursday, 8 November 2018, 16:00 & 20:30 Friday, 9 November 2018, 17:30 Saturday, 10 November 2018, 14:30 & 19:00 Sunday, 11 November 2018, 12:30 & 17:00 Theater Winterthur 2

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Unframed: Intimacies Félix Vallotton Switzerland 2018, 7'00", VR, colour, English, Ani Director: Martin Charrière Script: Florence Grivel/Antoine Débois Sound: Jérémy Conne Cast: Carine Delfini/Marc Frochaux/Marcus Berry/ Joséphine Struba Production: DNA Studios, Bulle, Switzerland, contact@dna-studios.ch, +41 26 565 35 17, RTS – Radio Télévision Suisse, Genève, Switzerland, +41 58 236 36 36 Distribution: DNA Studios, Bulle, Switzerland, contact@dna-studios.ch, +41 26 565 35 17

In seiner Holzschnitt-Serie «Intimités» versuchte Félix Vallotton das Liebesleben der bekannten Pariserin Misia Sert darzustellen. Sie war eine Muse und Freundin zahlreicher Künstler wie Picasso, Poulenc, Satie und Proust. In dieser Episode von «Hors-cadre» erhält Misia Sert endlich Gelegenheit zu antworten. Sie schreibt Vallotton einen Brief und erklärt, was sie von der Art und Weise, wie sie dargestellt wurde, hält. In his woodcut series called «Intimacies», Félix Vallotton tried to represent the love life of the famous Parisian woman Misia Sert. She was a muse and friend to artists such as Picasso, Poulenc, Satie, and Proust. In this episode of «Unframed», Misia Sert is finally given the chance to answer as she writes a letter to Vallotton, explaining what she thinks about the way she has been represented. After receiving his diploma in electronics, Martin Charrière realized that drawing was the best way for him to express his ideas. He left Switzerland to study traditional 2D animation in France. In 2013, he co-founded DNA Studios, where they create animation films and develop video games.

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Chapita

Heal Tomorrow

United Kingdom 2016, 4'00", VR, colour, no dialogue, Clip

France 2016, 4'00", VR, colour, no dialogue, Clip

Director: Eran Amir Photography: Martin Testar Editor: James Alexander Production: Nexus Studios, London, United Kingdom, fernthefilm@gmail.com, +44 79 3043 6653, alice@nexusproductions.com, +44 20 7749 7500 Distribution: Pooja Patel, London, United Kingdom, pooja@nexusstudios.com, +44 20 7749 7500

Man nehme eine Tänzerin und gebe ihr eine Lagerhalle als Spielplatz und ein paar seltsame Werkzeuge dazu. Dann multipliziere man die Person, bis das Blickfeld der Zuschauerin ausgefüllt ist. Als Resultat erhält man «Chapita», einen technisch perfekten, poetischen VR-Videoclip. Take a dancer. Give her a warehouse for a playing field and a few weird tools to play with. Then virtually multiply that person to the point of saturating the viewer’s field of vision. The result is «Chapita», a technically perfect, poetic VR video clip. Eran Amir is a director and video artist who graduated from the University of the Arts Bremen, Germany. Eran’s «Chapita» is his directorial debut, which launched to great acclaim. Eran’s inventive and witty videos, using techniques including digital & analogue, high-tech & low-tech, virtual & handmade, have garnered millions of views online as well as nominations for the UK Music Video Awards and the MTV O Music Awards.

Director: Romain Chassaing Photography: Arnaud Potier Sound: Vincent Perret Production: Solab, Paris, France, lucie.santamans@solab.fr, +33 6 81136382 Distribution: Solab, Paris, France, lucie.santamans@solab.fr, +33 6 81136382

Gemeinsam mit Izia erweitern Romain Chassaing und die Naive New Beaters einmal mehr die Grenzen von Musikvideos mit diesem herrlich respektlosen 360°-Clip. Erleben Sie den Glanz und Zerfall einer Rockband in weniger als fünf Minuten. Romain Chassaing and the Naive New Beaters – with the complicity of Izia – once again push the limits of music videos with this deliciously irreverent 360-degree clip. Be prepared to experience the splendour and disintegration of a rock band in less than five minutes. Romain Chassaing is a French director. He studied in Manchester and later Paris where he met with the new French indie scene. This marked the beginning of a series of CD sleeves, press photos, and music videos. He has worked with Vampire Weekend, Air, Anna Calvi, Vitalic, and with prestigious brands such as Stella McCartney, Louis Vuitton, Longchamp, and Piaget. Romain has created his own fantastic imagery with the precision and meticulousness of a craftsman.


The Future of Music United Kingdom 2016, 4'00", VR, colour, English, Clip Director: Greg Barth Photography: Pau Munoz Editor: Greg Barth Cast: Will Vincent/Lexi Jakk/Samuel Franck Production: Blink Ink, Holloway, United Kingdom, +44 203 909 1760 Distribution: Greg Barth, greg@soulgrafix.com

Willkommen in der Welt von Carré Bleu, Künstler und Komponist, der auf seinen Reisen durch Raum und Zeit die Musik von morgen macht. Ein hektisches, surrealistisches VR-Pop-Mockumentary, das aus einer verrückten Zusammenarbeit von Greg Barth und Polar Youth hervorging. Enter the world of Carré Bleu, an artist and composer who is shaping the music of tomorrow by travelling through space and time. A VR pop mockumentary, hectic and surrealist, the result of a crazy collaboration between Greg Barth and Polar Youth. Greg Barth is an award-winning artist and director from Geneva, Switzerland, currently based in London. He specializes in design-driven projects that use physical effects, ranging from video art and installations to performance and short films. With his passion for surreal ideas and contemporary minimalist aesthetics, he has gotten to work for renowned international clients. He has been published in prestigious design books and featured on the visual industry’s leading blogs and websites.

Un Bar aux Folies-Bergères

Isle of the Dead

France 2018, 6'00", VR, colour, English, Ani

Director: Benjamin Nuel Script: Benjamin Nuel/Clémence Madeleine-Perdrillat Sound: Xavier Thibault Cast: Richard Doust Production: Les Produits Frais, Paris, France, diffusion@lesproduitsfrais.com, +33 6 8274900 Distribution: ARTE France, Issy-les-Moulineaux, France

Director: Gabrielle Lissot Script: Marianne Le Morvan/Gabrielle Lissot Sound: Sylvain Pierre Cast: Jacques Gamblin/Christa Théret/Deniz Türkmen Production: IKO, Paris, France, contact@i-k-o.fr, +33 1 83621137, Arte France, Paris, France, nicolasengel7@hotmail.com, +33 6 18043924 Distribution: Arte France, Paris, France, nicolasengel7@hotmail.com, +33 6 18043924

Der Film taucht in vier Akten in Manets berühmtes Gemälde ein: von der Perspektive des Malers zu seinem Modell Suzon, zum Beobachter und schliesslich zu einem Besucher der Gallerie, wo das Werk ausgestellt ist. Vom Künstler zum Betrachter führt der Film durch die belebten Folies Bergères des späten 19. Jahrhunderts und hinein ins rätselhafte Gemälde, das als Manets letztes wichtiges Werk gilt. «A Bar at the Folies Bergères» immerses us in Manet’s famous painting in four acts, taking us from the mind of the painter to his model Suzon to an observing client, and finally, to a visitor of the gallery where the work is exhibited. From the artist to the viewer, the work takes us on a journey into the effervescence of the Folies Bergères in the late 19th century and into the mystery of a painting considered as Manet’s last major work. Gabrielle Lissot (b. 1987 in Rouen) studied at Supinfocom in Valenciennes, graduating with her film «Tous des Monstres». She then spent several years in Paris, working in advertising and as a 3D graphic designer on various short films. She ventured into directing with an animated sequence for the documentary «Prisonniers de l’Himalaya» (Louis Meunier, 2012), followed by her short film «Jukai».

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France 2018, 8'00", VR, colour, English, Clip/Ani

Geführt von Charon, dem Fährmann der Unterwelt, driften wir von einem alltäglichen Wohnzimmer auf eine trostlose, steinige Insel. Das essayistische Virtual-Reality-Erlebnis ist vom Gemälde «Die Toteninsel» (1883) des Schweizer Symbolisten Arnold Böcklin inspiriert. Guided by Charon, ferryman of the underworld, we drift from the living room of an everyday apartment to a desolate and rocky isle. This essayistic virtual-reality experience revisits the eponymous 1883 work by the Swiss symbolist painter Arnold Böcklin. Benjamin Nuel (b. 1981 in Saint Etienne) navigates between traditional cinema and the art of video games. His project «Hotel», a video game turned web-series and feature film, was broadcast on Arte and shown at about fifty events internationally. His next video game «The Reversal» was also produced with Arte Web. He has made several (traditional and VR) fictional shorts that were screened at festivals and co-produced by Orange VR Experience, Arte 360, Canal+, and France 2.


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Virtual Reality Cinema: New Vocabularies Runtime: 33' Thursday, 8 November 2018, 17:30 Friday, 9 November 2018, 14:30 & 19:00 Saturday, 10 November 2018, 16:00 & 20:30 Sunday, 11 November 2018, 14:00 Theater Winterthur 2

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Summation of Force

Feathered Dreams

Eyes in the Red Wind

Australia 2017, 14'00", VR, black & white, no dialogue, Clip/Exp

Taiwan 2017, 6'54", VR, colour, Vietnamese/Taiwanese with English subtitles, Fic

South Korea 2017, 12'00", VR, colour, no dialogue, Fic

Director: Narelle Autio/Trent Parke/Matthew Bate Photography: Trent Parke/Narelle Autio Editor: Raynor Pettge Sound: Leigh Kenyon Cast: Jem Autio Parke/Dash Autio Parke Production: Closer Productions, Parkside, Australia, trinalucas@closerproductions.com.au, +61 409690660 Distribution: Narelle Autio, Trent Parke, Matthew Bate

Director: Lau Kek-Huat Production: Hummingbird Production Co Ltd Distribution: Kaohsiung Film Archive, Kaohsiung, Taiwan, kmfa1@kcg.gov.tw

In einem mondhellen Hinterhof bekämpfen sich zwei Brüder in einem mythischen Cricket-Spiel. Ein immersiver Film, der die Bewegungen, Physik und Psychologie von Spitzensport den komplexen Ausdrucksformen von Brüderlichkeit gegenüberstellt. Mit seinen Anleihen bei Muybridge und dem frühen Kino konfrontiert der Film alte und neue Technologien in einer hypnotisierenden Traumlandschaft. In a moonlit backyard, two brothers battle in a mythic game of cricket. An immersive study that confronts the motion, physics, and psychology of elite sports with the complex gestures and attitudes of brotherhood. With echoes of Muybridge and the birth of cinema, old and new technologies collide in a mesmerizing, all-encompassing dreamscape. Narelle Autio was the 2001 winner of the international Leica Oskar Barnack Award for her series «Coastal Dwellers». Her work has been published extensively and exhibited throughout the world. Trent Parke, the first Australian to become a full member of the renowned Magnum Photo Agency, is considered one of the most innovative and challenging photographers of his generation. Moving beyond traditional documentary photography, Parke’s work sits between fiction and reality. Matthew Bate is a writer and director whose films search for meaning amongst the white noise of pop-culture. His debut feature «Shut Up Little Man! An Audio Misadventure» premiered in competition at Sundance 2011.

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Ein taiwanesischer Mann, eine vietnamesische Frau und drei Gänseeier. Laut einer vietnamesischen Tradition muss eine schwangere Frau vor der Geburt drei Gänseeier essen, damit ihr Baby gesund und klug wird. Ein Ehemann zieht für seine Frau und ihr Baby durch Taiwan auf der Suche nach drei seltenen Gänseeiern. A Taiwanese husband, a Vietnamese wife, and a dream about three goose eggs. According to a Vietnamese tradition, a pregnant woman has to eat three goose eggs before giving birth to ensure that her baby will grow healthy and smart. A husband is wandering around Taiwan for his wife and their baby, in search of three rare goose eggs. Lau Kek-Huat is a Malaysian-born director based in Taiwan. A graduate of the National Taiwan University of Arts, he has won several awards at the Golden Harvest Awards Short Film Festival in Taiwan.

Director: Lee Sngmoo Script: Lee Sngmoo Photography: Jung Youngsam Editor: Ji Myunggu Sound: Jin Myungyong Cast: Kim Sungmi/Kim Nara/Kim Jaehyun/ Lee Jeongmi Production: KAFA+, Busan, South Korea Distribution: Lee Sngmoo

Ein Boot gleitet langsam über einen idyllischen See. An Bord führt ein Schamane ein Ritual für Freunde und Familienangehörige aus, um die Seele eines ertrunkenen Mannes zu befrieden. Doch als Begierden und Geheimnisse ans Licht kommen, nimmt die feierliche Zeremonie ein brutales, tragisches Ende. Der Film lotet die Möglichkeiten des filmischen Erzählens im VR-Kino aus. A boat slowly makes its way across an idyllic lake. On board, a shaman performs a ritual for a group of friends and family members who have gathered to pacify the soul of a drowned man. As desires and secrets are revealed, the solemn ceremony transforms into a violent tragedy. «Eyes in the Red Wind» is a reflection on the uses and possibilities of cinematographic language in virtual-reality filmmaking. Lee Sngmoo was born in Seoul, South Korea, in 1963. He wrote and directed the film «Warrior’s Way» and is a professor at the School of Film, TV & Multimedia, Korean National University of Arts.


Yvonne Pispico Carolee Schneemann Residency 303


Yvonne Pispico, «Ada»

Carolee Schneemann

13/10 to 25/11/2018 kunstkasten

4/11 to 30/12/2018 Kunsthalle Winterthur

In erstmaliger Zusammenarbeit mit den Kurzfilmtagen präsentiert der kunstkasten, der neben den Geleisen auf einem ehemaligen Industrieareal steht, eine multimediale Erzählung von Yvonne Pispico. An diesem Ort des Durchgangs und der Arbeit erzählt Pispico eine individuelle Geschichte der Migration. Anhand von sprachlichen und visuellen Erinnerungsfetzen und Lücken strickt sie ein schemenhaftes Gesamtbild einer Person. Entlang dieses Porträts entstehen örtliche und zeitliche Verbindungen zur europäischen Geschichte. Yvonne Pispicos Eltern emigrierten 1962 von Süditalien in die Schweiz. Sie selbst wuchs in Zürich auf und ihre Bildwelt speist sich aus diesem Hintergrund. Pispico interessiert sich für die Geschichten anderer. Das Interview benutzt sie als Werkzeug, um collagenartige Werke in verschiedenen Medien zu generieren. Aktuell arbeitet Pispico vermehrt mit Fotografie, Video- und Sprachaufzeichnung. Weitere Informationen: kunstkasten.ch Der kunstkasten lädt zu einem informellen Gespräch mit Yvonne Pispico ein: Donnerstag, 8.11.18, 18:30–20:00 Uhr, Katharina-Sulzer-Platz, Winterthur

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In this first-time collaboration with Kurzfilmtage, kunstkasten – located on a former industrial site by the railway tracks – presents a multimedia narrative by Yvonne Pispico. At this site of labour and transition, Pispico tells an individual story of migration by interweaving textual, verbal, and visual memory fragments and gaps into a hazy portrait of an individual. Along this picture, spatial and temporal connections to European history emerge. In 1962, Yvonne Pispico’s parents immigrated to Switzerland from southern Italy. Yvonne grew up in Zurich and her visual world originates from this diverse cultural background. She is interested in the stories of others, and uses interviews as a tool to create collage-like works in various media. Pispico currently works with photography, video, and voice recordings. More information: kunstkasten.ch kunstkasten will host an informal talk with Yvonne Pispico: Thursday, 8/11/18, 18:30–20:00, Katharina-Sulzer-Platz, Winterthur

In Zusammenarbeit mit / in collaboration with

Carolee Schneemann (geb. 1939) wurde vom Kunstmarkt und der Kunstgeschichte über Jahrzehnte vernachlässigt. Nach der Verleihung des Goldenen Löwen für ihr Lebenswerk an der Biennale in Venedig und umfangreichen Retrospektiven im MMK Frankfurt und im MoMA PS1 in New York erhält sie nun endlich die verdiente Aufmerksamkeit. Zu Recht gilt Schneemann als Ikone der feministischen Kunst. In den 1960er Jahren führte sie als erste Künstlerin des 20. Jahrhunderts ihren eigenen nackten Körper in ihre Kunstwerke ein, und zwar nicht als Männerfantasie, sondern als künstlerisches Rohmaterial, das gleichzeitig erotische Form und sinnlicher Bedeutungsträger sein darf. Die Kunsthalle Winterthur zeigt die erste Schweizer Einzelausstellung mit Schneemann, wobei der Fokus auf Performances und Referaten liegt, in denen sich die Künstlerin mit dem weiblichen Körper in Kunst und Gesellschaft auseinandersetzt. Im Rahmen der Ausstellung entsteht eine Publikation mit umfangreichen neuen Interviews. Weitere Informationen: kunsthallewinterthur.ch


Residency Kurzfilmtage @ Villa Sträuli Despite her status as an icon of feminist art, Carolee Schneemann (b. 1939) has been neglected by the art market and by art historians for decades. After being awarded the Golden Lion for lifetime achievement at the Venice Biennale and comprehensive retrospectives at MMK Frankfurt and MoMA PS1 New York, the artist is finally receiving long overdue recognition for her work. In the 1960s, Schneemann was the first 20th-century artist to introduce her own naked body into her artworks – not as a male fantasy, but as artistic raw material possessing both erotic and sensual qualities. Kunsthalle Winterthur presents Schneemann’s first ever Swiss solo show, focusing on performances and lectures in which Schneemann addresses the role of the female body in art and society. In connection with the exhibition, a book with substantial new interviews will be published. More information: kunsthallewinterthur.ch

In Zusammenarbeit mit / in collaboration with

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Die Kurzfilmtage freuen sich, dieses Jahr bereits zum dritten Mal in Zusammenarbeit mit der Villa Sträuli, der DEZA und dem Locarno Festival ein zweimonatiges Atelierstipendium für Filmschaffende anzubieten. Bewerbungsberechtigt waren TeilnehmerInnen der Sektionen Open Doors, Filmmakers Academy und Pardi di domani des Locarno Festival 2018, die aus Afrika, Asien, Lateinamerika oder Osteuropa stammen. Die Stipendiatin/ der Stipendiat wohnt und arbeitet im Oktober und November im anregenden Umfeld des Winterthurer Kulturhauses Villa Sträuli und erhält so Gelegenheit, laufende Projekte in Winterthur weiter voranzutreiben sowie anlässlich der Kurzfilmtage neue Kontakte in der internationalen Filmbranche zu knüpfen. Die Bewerbungsgespräche für das Stipendium fanden während des Festivals in Locarno statt. Anlässlich der Preisverleihung der Sektion Open Doors wurde bekannt gegeben, dass das Stipendium Residency Kurzfilmtage @ Villa Sträuli dieses Jahr an den aus Bangladesch stammenden Filmemacher Mahde Hasan geht. Am Mittwoch, 28. November 2018, findet um 19:30 Uhr ein Meet-theArtist-Abend mit Mahde Hasan in der Villa Sträuli statt. Weitere Infos unter villastraeuli.ch.

Mahde Hasan (Bangladesch) Mahde Hasan aus Dhaka, Bangladesch, ist ein introspektiver und visuell raffinierter Drehbuchautor und Regisseur. Zeit und Erinnerung sind fundamentale Elemente in seinem Leben und Werk. Seine Kurzfilme «I Am Time» und «Death of a Reader» liefen in der Sektion Open Doors am 69. respektive 71. Locarno Festival. 2018 war er Teilnehmer des Open Doors Hub, einer internationalen Co-Produktionsplattform in Locarno, und erhielt ein Entwicklungsstipendium von CNC für seinen Debüt-Langfilm «Sand City».

Ein Angebot von

In Zusammenarbeit mit


Residency Kurzfilmtage @ Villa Sträuli Kurzfilmtage is happy to offer its third two-month residency fellowship to a filmmaker in collaboration with Villa Sträuli, the Swiss Agency for Development and Cooperation (SDC), and the Locarno Festival. Filmmakers from Africa, Asia, Latin America, and Eastern Europe who participated in Locarno’s Open Doors, Filmmakers Academy, or Pardi di domani sections were eligible for the residency. During October and November, the residency fellow lives and works in the inspiring environment of Winterthur’s arts centre Villa Sträuli, where they have the opportunity to work on existing projects as well as to network with the international film scene during Kurzfilmtage. Interviews for the grant were conducted during the Locarno Festival, and at the award ceremony of the Open Doors section, it was announced that this year’s fellowship Residency Kurzfilmtage @ Villa Sträuli goes to filmmaker Mahde Hasan from Bangladesh.

Mahde Hasan (Bangladesh) Based in Dhaka, Bangladesh, Mahde Hasan is an introspective and visually keen screenwriter and director. Time and memories are fundamental elements in his life and work. His short films «I Am Time» and «Death of a Reader» were showcased in the Open Doors section at the 69th and 71st Locarno Festivals, respectively. In 2018, he participated in the Open Doors Hub, an international co-production platform at Locarno, and received a development grant from CNC for his debut feature «Sand City».

Organized by

There will be a Meet the Artist event with Mahde Hasan on Wednesday, 28 November 2018, 19:30 at Villa Sträuli. More information at villastraeuli.ch. In collaboration with

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Rahmenprogramm SPECIAL EVENTS

Context Talks Panels & Other Events Music & Parties

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Kontext-Talks Im Anschluss an diverse Filmprogramme finden Kontext-Talks mit Filmschaffenden und ExpertInnen statt, die einen vertieften Einblick in die jeweiligen Themen bieten. Diese Filmgespräche sind im Eintritt der entsprechenden Screenings inbegriffen. Land im Fokus: Recording Georgia (en) Mi 19:30 Uhr, Kino Cameo Fr 11:30 Uhr, Casino 2 Recording Georgia dokumentiert Georgiens neuere Geschichte durch die Augen seiner jungen BürgerInnen und versucht dabei, die Zusammenhänge zwischen dem Historischen und dem Persönlichen und deren Bedeutung für die individuelle Identität zu fassen. Die Filmemacher Vaijko Chachkhiani («Winter Which Was Not There»), Rati Tsiteladze («Prisoner of Society») und Produzentin Nino Varsimashvili («Prisoner of Society») sprechen mit den Kuratorinnen des Programms über ihre persönliche Sicht auf die jüngere gesellschaftliche und politische Entwicklung Georgiens. Films in Dialogue: Luke Fowler & Alia Syed (en) Do 19:30 Uhr, Kino Cameo Alia Syed und Luke Fowler arbeiten beide in der Tradition des 16mmKunstfilms und stammen aus Glasgow, einer Stadt, die auch in ihrem Werk thematisiert wird. Im Rahmen von Films in Dialogue, einer fortlaufenden Filmreihe der Agentur LUX (London), spricht Maria Palacios Cruz, Kuratorin und Vizedirektorin von LUX, mit den beiden Künstlern über ihr Schaffen.

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Disney’s Animated Technicolor (en) Sa 14:00 Uhr, Casino 1 Kurator Andreas Bühlmann spricht mit Filmwissenschaftlerin Bregt Lameris (Seminar für Filmwissenschaft, Universität Zürich) über die filmhistorische Bedeutung von Disneys «Silly Symphonies» Reihe sowie Disneys Einfluss auf die Entwicklung des einst revolutionären Farbfilmverfahrens Technicolor No. 4.

It’s a Free Cinema (en) So 12:30 Uhr, Casino 2 Die Kurz-Dokumentarfilme der Free-Cinema-Bewegung haben Ende der 1950er Jahre dem britischen Filmschaffen neuen Schwung verliehen. Kurator Andres Janser (Museum für Gestaltung Zürich) diskutiert die gezeigten Filme und spricht über ihre Bedeutung für das britische Filmschaffen.

Patrimoine Kurzfilm: Die Briten in der Schweiz (de/en) Sa 17:00 Uhr, Casino 2 Mitte des 19. Jahrhunderts hat die britische Oberschicht die Schweiz als Tourismusdestination entdeckt und in der Folge die Schweizer Berge bestiegen und auf Skiern die Hänge unsicher gemacht. Dies hat auch filmische Spuren hinterlassen. Cécile Vilas, Direktorin von Memoriav, spricht mit FilmhistorikerInnen und ExpertInnen über die Darstellung der Schweiz aus britischer Perspektive und über die kulturelle, ökonomische und ideelle Verbundenheit der beiden Nationen.

Bergman Revisited (en) So 13:00 Uhr, Theater Winterthur Zum 100. Geburtstag von Ingmar Bergman drehten zeitgenössische schwedische Filmschaffende sechs Kurzfilme, die sich mit Bergmans Erbe für das schwedische Kino befassen. Jing Haase, Film Commissioner beim Swedish Film Institute, und Andreas Fock, Autor einer Festschrift zu 100 Jahre Ingmar Bergman, sprechen über die filmhistorische Bedeutung des Regisseurs und geben Einblick in die Entstehungsgeschichte der Filme.

The Female Gaze (en) Sa 19:30 Uhr, Kino Cameo Was bedeutet es heutzutage, eine weibliche Perspektive einzunehmen? Weshalb ist der weibliche Blick wichtig, wieso sollte er uns kümmern? Die beiden Filmemacherinnen Ayo Akingbade und Michelle Williams Gamaker diskutieren mit Blick auf ihr eigenes Schaffen über die Bedeutung feministischer und postkolonialer Themen innerhalb der aktuellen britischen Gesellschaft.

Scotland: «To see oursels as ithers see us!» (en) So 14:30 Uhr, Casino 1 Kurator Matt Lloyd (Glasgow Short Film Festival) packt die schottischen Stereotypen bei den Hörnern und spricht mit den FilmemacherInnen Katie Davies und Henry Coombes über Widersprüche im Herzen der schottischen Identität und das belastete Verhältnis zu den nächsten Nachbarn und liebsten Feinden der Schotten, den Engländern.


Podien & Weiteres Land im Fokus: Georgian Rebels (en) So 14:30 Uhr, Casino 2 Die 1960er und 70er Jahre gelten als Blütezeit des georgischen Kinos. Während der Alltag im Westen von Anti-Establishment- und Bürgerrechtsbewegungen geprägt ist, florieren georgische Filmschaffende mit heiteren, vergnügt eigenwilligen Spiel- und Dokumentarfilmen. Kuratorin Laura Walde spricht mit der Filmexpertin Gesa Knolle (Arsenal Berlin) über Zensur und Subversion im georgischen Kino der 1960er und 70er Jahre. Patrimoine Kurzfilm: Das Wissen der Hände (de) So 15:00 Uhr, Kino Cameo Die Schweizerische Gesellschaft für Volkskunde (SGV) produziert seit 1942 ethnografische Filme. Unter den Machern finden sich auch Cineasten wie Claude Champion, Yves Yersin oder Hans-Ulrich Schlumpf. Anlässlich der Veröffentlichung der Monografie «Das Wissen der Hände: Die Filme der Schweizerischen Gesellschaft für Volkskunde» von Pierrine Saini und Thomas Schärer sprechen die beiden Autoren mit ehemaligen SGVFilmschaffenden über das historische Vermächtnis dieser Filme.

Wir diskutieren zu ausgewählten Themen und Programmen vertiefter, bitten unsere Gäste vors Mikrofon oder hinter die Kulissen und beleuchten Aspekte des Kurzfilms einmal anders. Alle diese Veranstaltungen sind öffentlich, der Eintritt ist frei. Radio Stadtfilter Talk (de/en) Mi–Sa 18:00–18:30 Uhr, tibits Das Winterthurer Kulturradio sendet Mittwoch bis Samstag live aus dem tibits. Von 18:00 bis 18:30 Uhr diskutieren die Radio-Stadtfilter-RedaktorInnen mit Filmschaffenden live vor Publikum. Der Radio-Talk kann vor Ort im tibits oder im Äther über 96.3 MHz, Kabel auf 107.35 MHz oder DAB+ mitverfolgt werden. Masterclass: Mike Hoolboom (en) Sa 11:30–13:00 Uhr, Casino 2 Mike Hoolboom ist einer der produktivsten experimentellen Filmemacher Kanadas – seit 1980 hat er über 100 Filme und Videos in diversen Längen und Formaten produziert. Als Autor mehrerer Publikationen zum kanadischen Experimentalfilmschaffen hat er den Begriff des «fringe film» geprägt und mit fringeonline.ca die grösste Online-Sammlung kanadischer Medienkunst gegründet. Im Gespräch mit Jean Perret spricht Hoolboom über seinen Arbeitsprozess und wiederkehrende Themen, seine filmischen und politischen Interessen als Kurator und das kanadische Experimentalfilmschaffen. Moderation: Jean Perret (Film- und Kunstkritiker, Essayist, Professor, Journalist. Früherer Dekan des Departements Cinéma/cinéma du réel der HEAD Genf)

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Podium: Shorts and Shortage (en) Sa 16:30–18:00 Uhr, Foyer Theater Winterthur Die diesjährige Person im Fokus, Mike Hoolboom, sowie die beiden Filmkünstlerinnen Alia Syed und Alexandra Gelis diskutieren über das Konzept des Mangels in ihrem eigenen künstlerischen und kuratorischen Schaffen. Der Begriff wird dabei aus unterschiedlichen Perspektiven beleuchtet: als ästhetische Strategie, als Produktionsform und als Teil von Theorien zur Wertbildung innerhalb der Wertschöpfungslogik von unterschiedlichen Ausstellungskontexten. Moderation: Laura Walde (Filmwissenschaftlerin, SNF-Projekt «Exhibiting Film: Challenges of Format») Coucou liest Film Sa 18:30–19:00 Uhr, Festival-Bar im Casinotheater Film ist nicht nur Bild und Ton, sondern auch Text. Das Winterthurer Kulturmagazin Coucou lässt das Drehbuch «Idiotikon» aus dem diesjährigen Programm lesen. Vorgetragen von den SchauspielerInnen Mira Frehner und Joachim Aeschlimann bietet diese szenische Lesung eine ganz eigene Kino-im-Kopf-Erfahrung.


Konzerte & Partys Dienstag

Freitag

Samstag

Eröffnungsausklang mit DJ Pirx Di 21:30–00:00 Uhr Foyer Theater Winterthur Nach dem Eröffnungsprogramm der Kurzfilmtage sorgt DJ Pirx dafür, dass der Abend im Theater Winterthur ausund nachklingt.

Salzhaus Winterthur präsentiert:

Winterthurer Musikfestwochen präsentieren:

Mittwoch DJ Rastapopoulos Project Mi 21:00–03:00 Uhr Festival-Bar im Casinotheater Das DJ Rastapopoulos Project serviert eine exquisite Auswahl bester LoungeMusik.

Donnerstag Radio Stadtfilter präsentiert: Path Away (Showcase) Do 21:00–21:30 Uhr Festival-Bar im Casinotheater Das Winterthurer Lokalradio Radio Stadtfilter will jungen Talenten aus der Stadt eine Plattform bieten und dem Publikum das lokale Musikschaffen näherbringen. Path Away sind solch aufstrebende Talente, die treibende Basslines und jazzige Gitarrensounds zu experimentellem Indie-Pop vereinen. Radio-Stadtfilter-DJs Do 21:45–03:00 Uhr Festival-Bar im Casinotheater Radio Stadtfilter, das Super-8 unter den Radios, bespielt die Festival-Bar. stadtfilter.ch

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Stefanie Stauffacher (Showcase) Fr 21:30–22:15 Uhr Festival-Bar im Casinotheater Die Band Stefanie Stauffacher besteht aus der Slam-Poetin Lara Stoll und Lukas Marty, auch bekannt als Constant Hiatus. Musikalisch ergibt diese Kombination elektronischen DroneWave-Pop aus verschrobenen Texten und Klängen, die auf den unterschiedlichsten Geräten erzeugt werden. Kalabrese (all night long) Fr 22:30–03:00 Uhr Festival-Bar im Casinotheater An einem Kurzfilmfestival darf auch mal getanzt werden, hat sich das Salzhaus gesagt und kurzum Kalabrese eingeladen – Produzent, Remixer, DJ, Labelmacher, Veranstalter und nicht zuletzt Mitbegründer des legendären Zürcher Clubs Zukunft. So legendär wie sein Club ist auch der Tausendsassa selbst. kalabrese.com

Black Sea Dahu (Showcase) Sa 21:30–22:30 Uhr Festival-Bar im Casinotheater Die Zürcher Indie-Folk-Band Black Sea Dahu (ehemals JOSH) um Leaderin und Songwriterin Janine Cathrein spielte in den letzten Jahren im Vorprogramm von BOY (CH/DE) und Lucy Rose (GB) und tourte von Paris über Amsterdam nach Kopenhagen und weiter bis Sri Lanka. Nun kommen sie mit ihrem neuen Album «White Creatures» an die Kurzfilmtage. blackseadahu.com Herr Wempe & DJ Pfaff Cäsi Sa 22:30–03:00 Uhr Festival-Bar im Casinotheater Soul, Funk, Afro-Beat, Rocksteady und Artverwandtes werden gespielt, wenn Herr Wempe (OOR Records, Soulstew, Soul Gallen) und der Winterthurer Pfaff Cäsi (That’s why Records, Fillet of Soul) ihre Platten zücken. sonicrecords.blogspot.com soundcloud.com/pfaff-c-si

Sonntag Schtubetanz So 21:30–04:00 Uhr Festival-Bar im Casinotheater Das Team der Kurzfilmtage lädt zur legendären finalen Sause und feiert das Ende der 22. Festivalausgabe mit bodenlosem Trash, himmelstürmerischen Hits und hopsenden Beats. It’s time to sweat our brains out!


Context Talks Many of our screenings are followed by Context Talks with filmmakers and experts, offering additional insight into the issues addressed in the films. These talks are included in the ticket for the respective screenings. Country in Focus: Recording Georgia (en) Wed 19:30, Kino Cameo Fri 11:30, Casino 2 Recording Georgia documents the recent history of Georgia through the eyes of its young citizens in an attempt to understand the relationship between the historical and the personal and its impact on individual identity. The curators of the programme talk with filmmakers Vaijko Chachkhiani («Winter Which Was Not There»), Rati Tsiteladze («Prisoner of Society»), and producer Nino Varsimashvili («Prisoner of Society») about their personal views of the country’s recent social and political history. Films in Dialogue: Luke Fowler & Alia Syed (en) Thu 19:30, Kino Cameo Alia Syed and Luke Fowler both work in the tradition of 16mm artists’ film and hail from Glasgow, a city that is also a subject in their work. Films in Dialogue is an ongoing screening series at LUX (London). Maria Palacios Cruz, curator and Deputy Director of LUX, will talk to the two artists about their work. Disney’s Animated Technicolor (en) Sat 14:00, Casino 1 Curator Andreas Bühlmann and film scholar Bregt Lameris (Department of Film Studies, University of Zurich) discuss the historic significance of Disney’s «Silly Symphonies» series and Disney’s role in the development of the once-revolutionary colour film process Technicolor No. 4.

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Short Film Patrimony: The British in Switzerland (de/en) Sat 17:00, Casino 2 In the mid-19th century, the British upper class discovered Switzerland as a tourist destination and started climbing Swiss mountains and skiing down alpine slopes. This trend also left its mark on film history. Cécile Vilas, director of Memoriav, talks to film historians and experts about the representation of Switzerland from a British perspective and about cultural, economic, and intellectual connections between the two nations. The Female Gaze (en) Sat 19:30, Kino Cameo What does it mean to take a female perspective today? Why is the female gaze important, why should we care? In reference to their own work, filmmakers Ayo Akingbade and Michelle Williams Gamaker discuss the relevance of feminist and postcolonial issues in contemporary British society. It’s a Free Cinema (en) Sun 12:30, Casino 2 In the late 1950s, the short documentaries of the Free Cinema movement gave fresh impetus to British filmmaking. Curator Andres Janser (Museum für Gestaltung Zürich) talks about the films in the programme and their signifcance for British film history. Bergman Revisited (en) Sun 13:00, Theater Winterthur To celebrate the 100th anniversary of Ingmar Bergman’s birthday, contemporary Swedish filmmakers made six short films that explore Bergman’s legacy for Swedish cinema. Jing Haase, Film Commissioner at the Swedish Film Institute, and Andreas Fock, author of a commemorative publication on Bergman, discuss the director’s contribution to film history and the genesis of the films.

Scotland: «To see oursels as ithers see us!» (en) Sun 14:30, Casino 1 Curator Matt Lloyd (Glasgow Short Film Festival) and filmmakers Katie Davies and Henry Coombes tackle the common Scottish stereotypes head on, discussing the contradictions at the heart of Scottish identity and the fraught relationship with the Scots’ closest neighbours and favourite enemies, the English. Country in Focus: Georgian Rebels (en) Sun 14:30, Casino 2 The 1960s and 70s are considered the heyday of Georgian cinema. While anti-establishment and civil rights movements marked everyday life in the Western world, Georgian filmmakers flourished, producing lighthearted, pleasantly outlandish fiction films and documentaries. Curator Laura Walde talks with film expert Gesa Knolle (Arsenal Berlin) about censorship and subversion in Georgian cinema of the 1960s and 70s. Short Film Patrimony: The Knowledge of Hands (de) Sun 15:00, Kino Cameo The Swiss Ethnographic Society (Schweizerische Gesellschaft für Volkskunde, SGV) has been producing ethnographic films since 1942. Their creators include well-known filmmakers such as Claude Champion, Yves Yersin, and Hans-Ulrich Schlumpf. Pierrine Saini and Thomas Schärer, authors of the recently published monograph «Das Wissen der Hände: Die Filme der Schweizerischen Gesellschaft für Volkskunde» («The Knowledge of Hands: The Films of the Swiss Ethnographic Society»), talk with former SGV filmmakers, discussing the legacy of these films.


Panels & Other Events We offer in-depth discussions on specific themes and programmes, inviting our guests to join us on the mic, and highlighting different aspects of short film. All these events are open to the public. Admission is free. Radio Stadtfilter Talk (de/en) Wed–Sat 18:00–18:30, tibits Winterthur’s cultural radio station will broadcast live from restaurant tibits. Every day from 18:00 to 18:30, Radio Stadtfilter hosts talk with filmmakers in front of live audiences. Follow the radio talks live at tibits or over the air at 96.3 MHz / on cable at 107.35 MHz / DAB+. Master Class: Mike Hoolboom (en) Sat 11:30–13:00, Casino 2 Mike Hoolboom is one of Canada’s most productive experimental filmmakers. Since 1980, he has made over 100 films and videos, working with a variety of lengths and formats. As the author of several works on Canadian experimental film, he has coined the term of «fringe film» and founded fringeonline.ca, the largest online collection of Canadian media art. Hoolboom will talk with Jean Perret about his artistic process and recurring themes, his cinematic and political interests as a curator, and about experimental filmmaking in Canada. Moderator: Jean Perret (film and art critic, essayist, professor, journalist; former dean of the Cinema/Cinema of the Real Department at HEAD Geneva)

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Panel: Shorts and Shortage (en) Sat 16:30–18:00 Lobby, Theater Winterthur This year’s Person in Focus, Mike Hoolboom, and film artists Alia Syed and Alexandra Gelis discuss the notion of shortage in their own artistic and curatorial practice. The term will be examined from a variety of perspectives: as an aesthetic strategy, a form of production, and a theoretical concept for addressing the creation of value in various exhibition contexts. Moderator: Laura Walde (film scholar, SNSF project «Exhibiting Film: Challenges of Format») Coucou Reads Cinema Sat 18:30–19:00 Festival bar, Casinotheater Films aren’t made of sounds and images alone, but of text, too. Winterthur’s cultural magazine Coucou hosts a screenplay reading of the film «Idiotikon» from this year’s programme. Performed by actors Mira Frehner and Joachim Aeschlimann, this dramatic reading offers a unique experience of movies in your mind.


Music & Parties Tuesday

Friday

Opening Night with DJ Pirx Tue 21:30–00:00 Lobby, Theater Winterthur After the festival’s opening programme, DJ Pirx will make the evening linger on at Theater Winterthur.

Salzhaus Winterthur presents:

Wednesday DJ Rastapopoulos Project Wed 21:00–03:00 Festival bar, Casinotheater The DJ Rastapopoulos Project will serve an exquisite selection of the best lounge music.

Thursday Radio Stadtfilter presents: Path Away (Showcase) Thu 21:00–21:30 Festival bar, Casinotheater Winterthur’s local radio station Radio Stadtfilter aims to offer young talent from the area a platform and introduce listeners to the local music scene. Path Away are such emerging talents, combining driving bass lines and jazzy guitar sounds into experimental indie pop. Radio Stadtfilter DJs Thu 21:45–03:00 Festival bar, Casinotheater Radio Stadtfilter, a kind of Super 8 among radio stations, plays the festival bar. stadtfilter.ch

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Stefanie Stauffacher (Showcase) Fri 21:30–22:15 Festival bar, Casinotheater The band Stefanie Stauffacher consists of slam poet Lara Stoll and Lukas Marty aka Constant Hiatus. Musically, this combination results in electronic drone wave pop with quirky lyrics and sounds made on all kinds of devices.

Herr Wempe & DJ Pfaff Cäsi Sat 22:30–03:00 Festival bar, Casinotheater Soul, funk, afrobeat, rocksteady, and related genres are on the menu when Herr Wempe (OOR Records, Soulstew, Soul Gallen) and Winterthur’s own Pfaff Cäsi (That’s why Records, Fillet of Soul) pull out their records. sonicrecords.blogspot.com soundcloud.com/pfaff-c-si

Sunday Kalabrese (all night long) Fri 22:30–03:00 Festival bar, Casinotheater Why not have a dance party at a short film festival! That’s what they thought at Salzhaus and without further ado, they invited Kalabrese – producer, remixer, DJ, label owner, event organizer, and co-founder of Zurich’s Club Zukunft, which is almost as legendary as the all-round-talent himself. kalabrese.com

Saturday Winterthurer Musikfestwochen presents: Black Sea Dahu (Showcase) Sat 21:30–22:30 Festival bar, Casinotheater With their leader and songwriter Janine Cathrein, Zurich-based indie folk bank Black Sea Dahu (previously JOSH) have opened for BOY (CH/DE) and Lucy Rose (GB) as well as toured from Paris to Amsterdam, Copenhagen, and all the way to Sri Lanka. Now they’re coming to Kurzfilmtage with their new album «White Creatures». blackseadahu.com

Schtubetanz (Living Room Party) Sun 21:30–04:00 Festival bar, Casinotheater Join the festival team for their legendary closing party. Bottomless trash, heavenly hits, bouncing beats – it’s time to sweat our brains out!


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Schweizer Filmschulentag Swiss Film School Day

Thursday, 8 November 2018 Casino 2 Session 1 11:00–12:00 Session 2 12:00–13:30 Session 3 14:30–16:00 Session 4 16:15–18:00 Award Ceremony 20:30, Festival bar, Casinotheater

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Schweizer Filmschulentag Die Schweizer Filmschulen leisten einen zentralen Beitrag zur Förderung des Filmnachwuchses und sind wichtige Kurzfilmproduzenten. Die fünf führenden Bachelor-Lehrgänge der Schweiz stellen sich jährlich am Donnerstag während der Kurzfilmtage mit einem aktuellen Kurzfilmprogramm vor. Die Jury des Schweizer Wettbewerbs gibt den Studierenden Feedback und vergibt den Preis für den besten Schweizer Schulfilm in der Höhe von CHF 5000.– (gestiftet von der SRG SSR). Der Gewinnerfilm des Schweizer Filmschulentags wird um 20:30 Uhr in der Festival-Bar bekannt gegeben. Der Besuch des Filmschulentags ist kostenlos – eine ideale Gelegenheit also, Kurzfilmtage-Luft zu schnuppern. Zutritt wird nur zu Beginn der einzelnen Film-Sessions gewährt. Hochschule Luzern – Design & Kunst, Video Mit Dokumentarfilm und Video-Essay hat sich die Studienrichtung Video an der Hochschule Luzern zwei Gattungen verschrieben, die ein breites Gestaltungsfeld eröffnen. Die Studierenden zeigen Mut zum Experiment und begeben sich auf die Suche nach der eigenen Filmsprache. Die Kurzfilme setzen sich kreativ mit gesellschaftlichen Themen auseinander und zeichnen sich dadurch aus, dass die hinter den Werken stehenden AutorInnen spürbar sind. Das Studium bietet die Chance, sich und die Welt neu zu entdecken und persönliche Visionen, Fähigkeiten und Haltungen zu entwickeln. Die individuelle Suche nach der eigenen Handschrift wird dabei grossgeschrieben, basierend auf der Überzeugung, dass sich künstlerische Prozesse nicht normieren lassen. Was interessiert, ist der subjektive Blick jeder Person und jeder Generation. hslu.ch/video Hochschule Luzern – Design & Kunst, Animation In der Bachelor-Ausbildung Animation an der Hochschule Luzern lernen die Studierenden das Geschichtenerzählen in kurzen animierten Formaten. Sie entwickeln eine individuelle Filmsprache und haben die Möglichkeit, sich in 2D oder 3D (Puppentrick, Computeranimation) zu vertiefen. Das dreijährige Studium schliessen sie mit einem Film in Einzel- oder Gruppenarbeit ab. hslu.ch/animation

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École cantonale d’art de Lausanne (ECAL) Die von Yves Yersin gegründete Filmabteilung der École cantonale d’art de Lausanne (ECAL) bildet seit 1989 RegisseurInnen aus. Während der dreijährigen Bachelor-Ausbildung haben die Studierenden Gelegenheit, Workshops mit Filmschaffenden wie etwa Ursula Meier, Noémie Lvovsky oder Jean-Stéphane Bron zu besuchen. Dabei werden sie ermutigt, ihr eigenes visuelles Universum durch das Realisieren von kurzen Dokumentar-, Spieloder Experimentalfilmen zu entwickeln. 2006 wurde in Zusammenarbeit mit den Universitäten Lausanne und Zürich sowie der ZHdK und weiteren Partnern ein nationaler Masterstudiengang eingeführt. ecal.ch Haute école d’art et de design (HEAD), Genf Das Departement Film der Haute école d’art et de design (HEAD) in Genf setzt sich als Exzellenzzentrum für das «cinéma du réel» ein, das sich zwischen den Traditionen des Dokumentar- und des Spielfilms bewegt und zum Experimentieren einlädt. Das Schlüsselwort des Studiengangs ist «Essay»: Die Studierenden sind aufgefordert, zu suchen, zu versuchen, ihre Wahrnehmung der Welt essayistisch auszudrücken. Die Filme sollen die Komplexität und Vieldeutigkeit der Realität in ihren soziologischen, historischen, politischen, imaginären und spirituellen Aspekten erkunden. hesge.ch/head/ Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) Das Filmstudium an der ZHdK fokussiert auf praktisches Lernen. Der Bachelor of Arts und der Master of Arts in Film bilden zusammen einen aufeinander aufbauenden Ausbildungsgang. In der dreijährigen Grundausbildung zum BA in Film lernen Studierende von A bis Z, wie Filme gemacht werden. Zudem holen sie sich in den zentralen filmischen Fachgebieten Drehbuch, Editing, Kamera, Producing und Sound Design das nötige Know-how, um nach Abschluss des Studiums in die Berufswelt zu starten. film.zhdk.ch / filmstudieren.ch Mit freundlicher Unterstützung von

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Swiss Film School Day The Swiss film schools make an important contribution to fostering young filmmaking talent and they are significant producers of short films. Every year, Switzerland’s top five undergraduate courses present themselves at the Swiss Film School Day on Thursday during Kurzfilmtage, showing a selection of recent short films. The Jury of the Swiss Competition gives feedback to the students and awards the prize for the Best Swiss School Film, worth CHF 5000.– (donated by SRG SSR). The winner will be announced at 20:30 in the festival bar. Admission to the Swiss Film School Day is free – a great opportunity to get a first glimpse of Kurzfilmtage! Access is only granted at the start of each film session. Lucerne University of Applied Sciences and Arts, School of Art and Design – Video With a focus on documentary film and video essay, the video degree course at Lucerne University is dedicated to two genres offering a wide stylistic range. Students are encouraged to be bold in their experiments and to find their own audiovisual language. The short films creatively address social issues, producing works characterized by their authors’ individual voices. The programme offers the opportunity to rediscover the world and to develop personal visions, skills, and attitudes. Each individual student’s search for their signature style is a central concern, stemming from the belief that artistic processes cannot be standardized. Instead, what is of interest is each person’s and each generation’s subjective perspective. hslu.ch/video Lucerne University of Applied Sciences and Arts, School of Art and Design – Animation In the BA animation programme at Lucerne University, students learn to tell stories in short animated formats. They develop their individual cinematic language and are given the opportunity to deepen their knowledge of 2D or 3D (puppet or computer) animation. They complete the three-year course with a film produced individually or in groups. hslu.ch/animation

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Lausanne University of Art and Design (ECAL) The film department at ECAL, which was founded by Yves Yersin, has been training film directors since 1989. The three-year course offers students the opportunity to participate in workshops with filmmakers such as Ursula Meier, Noémie Lvovsky, or Jean-Stéphane Bron. The programme encourages students to develop their own visual universe by directing short documentaries, fictional shorts, and experimental films. In 2006, a national inter-university Master’s programme was established in collaboration with the Universities of Lausanne and Zurich, the Zurich University of the Arts (ZHdK), and several other partners. ecal.ch Geneva University of Art and Design (HEAD) The Cinema Department at HEAD in Geneva is a centre of excellence for the «cinema of the real», a form of expression between the traditions of documentary and fiction, which invites invention and experimentation. The notion of the «essay» is a key concept in the study programmes. Students are encouraged to search, to experiment, to express their perception of the world in an essayistic manner. Their films should explore the complexities and ambiguities of reality in its sociological, historical, political, poetic, imaginary, and spiritual aspects. hesge.ch/head/ Zurich University of the Arts (ZHdK) The film programmes at ZHdK focus on practical training. The school’s BA and MA in Film are closely linked, forming a consecutive programme. The three-year BA course provides comprehensive training in all key areas of filmmaking. Offering fundamental know-how in screenwriting, editing, photography, production, and sound design, the programme enables graduates to embark on professional careers in filmmaking. film.zhdk.ch / filmstudieren.ch

With the kind support of

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Mercedes / The Man Who Loved Mercedes

Bon Appétit

Concrete

Switzerland 2018, 14'54", digital file, colour, German with English subtitles, Fic

Switzerland 2018, 7'34", digital file, colour, no dialogue, Ani

Director: Julietta Korbel Script: Julietta Korbel Photography: Carlos Tapia Editor: Julietta Korbel Sound: Aurel Ganz/Théodora Menthonnex Cast: Laura Laucella/Phillippe Schuler Production: ECAL - Ecole cantonale d'art de Lausanne, Lausanne, Switzerland, www.ecal.ch Distribution: Jean-Guillaume Sonnier, Renens VD, Switzerland, jean_guillaume.sonnier@ecal.ch, www.ecal.ch

Director: Alan Sahin Script: Alan Sahin Photography: Nino Michel Editor: Gina Calamassi Sound: Reto Meng/Yvan Barth Cast: Claudia Winfield/Ninon Lanthéaume/Simon Ledermann/Tizian Edelmann/Kilian Bader Production: Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), Zürich, Switzerland, Filippo Bonacci, filippo.bonacci@zhdk.ch, +41 43 446 31 12 Distribution: Laura Zimmermann, Zürich, Switzerland, laura.zimmermann@zhdk.ch, +41 43 446 31 12, www.zhdk.ch

Director: Pirmin Bieri/Nicolas Roth/Aira Joana/ Luca Struchen Script: Aira Joana/Pirmin Bieri/Luca Struchen/ Nicolas Roth Sound: Moritz Flachsmann/Thomas Gassmann Production: Hochschule Luzern, Design & Kunst – Animation, Luzern, Switzerland, Jürgen Haas, juergen.haas@hslu.ch, +41 41 246 6464 Distribution: Chantal Molleur, chantal.molleur@hslu.ch

In einer von der Welt vergessenen Landschaft beobachten sich zwei Gestalten in der Hoffnung, Ähnlichkeiten zu finden. Sie beschliessen ins Unbekannte einzutauchen, als Erinnerungen an die Vergangenheit an die Oberfläche zurückkehren. Mercedes trifft ihren Vater zum ersten Mal.

«Bon Appétit» zeigt ein Familienessen aus der Perspektive der 16-jährigen Lucy, die an Anorexie leidet. Die Mutter versucht verkrampft, die besorgte Familie mit Small Talk abzulenken, während der Vater ständig neue Methoden ausprobiert, um Lucy zum Aufessen zu bringen.

In a landscape forgotten by mankind, two beings observe each other’s faces, trying to find common traits. They decide to dive into the unknown, as memories of the past rise back to the surface. Mercedes is meeting her father for the first time.

«Bon Appétit» depicts a family dinner from the perspective of Lucy, a 16-yearold girl suffering from anorexia. Her mother desperately attempts to distract the concerned family with small talk, while her father constantly tries out new ways to encourage Lucy to finish her meals.

Switzerland 2017, 15'14", digital file, colour, French with English subtitles, Fic

Born in Frankfurt, Germany, Julietta Korbel has Swiss and Slovakian origins. «Mercedes» is her first French-language fictional short.

Alan Sahin (b. 1995) worked as a freelancer and director of commissioned films from 2014 to 2016. He began his BA in film (specialization in cinematography) at the Zurich University of the Arts in 2016. He is also a production manager and cinematographer for Nordhang Film in Zurich.

Ein rastloser Backpacker, der wiederholte Veränderungen durchmacht, sucht seinen Platz in der Welt. Eine rätselhafte Begegnung in einem Betongebäude inmitten eines Sumpfgebiets gibt ihm Hoffnung, diesen Platz endlich gefunden zu haben. Troubled by his own recurring transformations, a restless backpacker seeks his place in the world. Through a mysterious encounter in a concrete building in the midst of a barren swampland, he hopes to finally have found such a place. Pirmin Bieri is a 3D CGI artist specializing in animation, modelling, and production management. Nicolas Roth is an illustrator and animator. Aira Joana (aka Sirinda Marti) is an illustrator, animator, and filmmaker. Luca Struchen is a 3D artist with a strong interest in music videos, cinematography, and motion design. All four received their BA in animation from the Lucerne University of Applied Sciences and Arts in 2018.

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I


ELIXO / Echo

Hamama & Caluna

Elise

Switzerland 2018, 17'52", digital file, colour, Swiss German with English subtitles, Fic

Switzerland 2018, 22'40", digital file, colour, English/Oromo/German with English subtitles, Doc

Switzerland 2018, 5'28", digital file, black & white, French with English subtitles, Ani

Director: Jelena Pavlovic Script: Jelena Pavlovic Photography: Natascha Vavrina Editor: Elias Jutzet Sound: Jan Gubser Cast: Sylvie Marinkovic Production: Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), Zürich, Switzerland, film.info@zhdk.ch, +41 43 446 31 14 Distribution: Laura Zimmermann, Zürich, Switzerland, laura.zimmermann@zhdk.ch, +41 43 446 31 12, www.zhdk.ch

Director: Andreas Muggli Script: Andreas Muggli Photography: Andreas Muggli Editor: Andreas Muggli Sound: Andreas Muggli Production: Bachelor of Arts in Video, Lucerne School of Art and Design, Emmenbrücke, Switzerland, Edith Flückiger, edith.flueckiger@hslu.ch Distribution: edith.flueckiger@hslu.ch, www.hslu.ch/video

Director: Valentine Moser Production: Hochschule Luzern, Design & Kunst – Animation, Luzern, Switzerland, Jürgen Haas, juergen.haas@hslu.ch Distribution: Chantal Molleur, chantal.molleur@hslu.ch

Maša taucht in ihr Unbewusstes ein, um die Entscheidung, ihre Kleinstadt zu verlassen, zu verarbeiten. Maša delves into her unconscious in order to process the decision to leave her small town. Jelena Pavlovic was born in Baden, Switzerland, in 1992. She completed her BA in film at the Zurich University of the Arts (ZHdK) in 2018. Her film «Echo» received the award for best ZHdK graduation film of 2018. Jelena works as a freelancer in both Switzerland and Serbia.

Hamama und Caluna haben in ihrem Heimatland alles hinter sich gelassen. Gestrandet in einer Zeltstadt in Norditalien, beschliessen sie bei Nacht und Nebel die geschlossene Schweizer Grenze über die Alpen zu passieren. Hamama and Caluna have left everything behind to flee their home country and they ended up stranded in a camp in northern Italy. One day, they decide to cross the closed border into Switzerland under the cover of darkness by going over the Alps. Andreas Muggli (b. 1990) completed his studies in video at the Lucerne University of Applied Sciences and Arts in 2018.

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Elise, die in einem Altersheim wohnt, merkt, dass sie immer weniger Kontrolle über ihr Leben hat. Alzheimer nimmt ihr das Verhältnis zur Realität und lässt ihr nur einige Bruchstücke ihrer Vergangenheit. Die Anwesenheit ihrer Tochter ist der einzige Anker, der Elise in der Realität festhält, aber auch diese Verbindung löst sich langsam auf. Elise, who lives in a retirement home, realizes that she’s losing control of her life. Alzheimer’s prevents her from understanding the world, leaving her just a few memories to cling on to. Soon, the presence of her daughter, her last anchor to reality, won’t be enough to keep her from losing herself in her memories. Valentine Moser (b. 1995) received her BA in animation from the Lucerne University of Applied Sciences and Arts in 2018. She currently works as a stop-motion and 2D animator and as a set designer.

II


Les vagues du plat pays / The Waves of the Flat Land Switzerland 2018, 31'41", digital file, colour, Thai/English with English subtitles, Fic/Doc Director: Yan Sterckx Script: Yan Sterckx Photography: Yan Sterckx Sound: Overjoy Shimrah Production: HEAD Genève – Département Cinéma, Genève, Switzerland, cinema.head@hesge.ch, + 41 22 388 58 89 Distribution: HEAD Genève – Département Cinéma, Genève, Switzerland, cinema.head@hesge.ch, + 41 22 388 58 89

Ein dokumentarischer Essay über einen Angehörigen der Chao Lae, eines indigenen Volks in Thailand. Pui lebte über zehn Jahre in Belgien – mit meiner Schwester. Er verliess seine Heimat um sie zu heiraten und seine Kinder grosszuziehen. Nach der Trennung kehrt er in seine Heimat zurück, die er stark gewandelt vorfindet. Der Film begleitet Pui in seinem Alltag seit seiner Rückkehr. A documentary essay about a member of the Chao Lae people of Thailand. Pui spent over ten years living in Belgium – with my sister. He left his country to marry her and raise his kids. After their break-up, he returns to his homeland, finding that it has changed substantially. The film follows Pui’s daily life since his return. Yan Sterckx was born in Belgium in 1996. While he is passionate about any kind of art – whether illustration, music, or dance – he uses film to express himself, which is why he studies cinema at HEAD.

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Hier / Here

Bashkimi United

Switzerland 2018, 3'31", digital file, colour, no dialogue, Ani

Switzerland 2018, 9'55", digital file, colour, Swiss German with English subtitles, Doc

Director: Loïc Kreyden Script: Loïc Kreyden Sound: Etienne Kompis Production: Hochschule Luzern, Design & Kunst – Animation, Luzern, Switzerland, Jürgen Haas, juergen.haas@hslu.ch Distribution: Chantal Molleur, chantal.molleur@hslu.ch

Director: Lasse Linder Script: Lasse Linder Photography: Dejan Barac Editor: Lasse Linder Sound: Kathleen Moser Cast: Ladina von Frisching/Ellen Wolf/Bashkim Stolla/Jonas Schuler Production: Bachelor of Arts in Video, Lucerne School of Art and Design, Emmenbrücke, Switzerland, Edith Flückiger, edith.flueckiger@hslu.ch Distribution: edith.flueckiger@hslu.ch, www.hslu.ch/video

Hier ist da. Ein Film als Theater, der Animator als Schauspieler und Schnee im schwarzen Raum. Here is there. A film as theatre, the animator as actor, and snow in a black room. Loïc Kreyden is an animator and illustrator. He studied animation at the Lucerne University of Applied Sciences and Arts, receiving his BA in 2018. In 2017, he completed a semester abroad at Shenkar College in Tel Aviv (Israel).

Im Salon werkelt der muntere Bashkim an Haar und Herz. Er teilt seine Lebensphilosophien mit seinen Kunden – die er wie Gäste behandelt – und erzählt von seinem neusten Projekt: Bashkim dreht einen Film und wird zum Regisseur seiner eigenen Geschichte, der Geschichte eines hilfsbereiten Coiffeurs. In his salon, Bashkim tinkers with hair and hearts. He shares his philosophy of life with his customers – whom he treats like guests – and talks about his latest project: Bashkim is shooting a movie. He’s the director of his own story, the story of a helpful hairdresser. Lasse Linder (b. 1994 in St. Gallen) studied German and film studies at the University of Zurich before realizing that he’d rather make films himself. He went on to work as an editor for a production company in Zurich before beginning his degree in video at the Lucerne University of Applied Sciences and Arts in 2016. While his focus is on directing, he also works as an editor and camera assistant for various films and commercials.

III


youngvodka_

Mokuso

Idiotikon

Switzerland 2018, 15'35", digital file, colour, Swiss German with English subtitles, Doc

Switzerland 2018, 14'38", digital file, black & white, French with English subtitles, Fic

Switzerland 2018, 16'23", digital file, colour, Swiss German with English subtitles, Fic

Director: Léa Hall Script: Léa Hall Photography: Robin Angst Editor: Nefeli Chrysa Avgeris Production: Bachelor of Arts in Video, Lucerne School of Art and Design, Emmenbrücke, Switzerland, Edith Flückiger, edith.flueckiger@hslu.ch Distribution: edith.flueckiger@hslu.ch, www.hslu.ch/video

Director: Moreno Cabitza Script: Moreno Cabitza Photography: Alan DuPasquier Editor: Brandon Beytrison Sound: Coline Confort/Natasha Degrandi Cast: Flavia Potenza/Roman Grosso/Celia Muñoz Production: ECAL – Ecole cantonale d’art de Lausanne, Lausanne, Switzerland, www.ecal.ch Distribution: Jean-Guillaume Sonnier, Renens VD, Switzerland, jean_guillaume.sonnier@ecal.ch, www.ecal.ch

Director: Gianni Keller Script: Gianni Keller Photography: Savino Caruso Editor: Gianni Keller Sound: Lisa Gertsch Cast: Gianni Keller/Dimitri Denage Production: Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), Zürich, Switzerland, film.info@zhdk.ch, +41 43 446 31 14 Distribution: Laura Zimmermann, Zürich, Switzerland, laura.zimmermann@zhdk.ch, +41 43 446 31 12, www.zhdk.ch

Tanga anziehen, Netzstrümpfe darüber, ins Hohlkreuz fallen, Popo raus – klick. 230 Likes. So wie viele andere junge Frauen auch präsentiert sich Nicole leicht bekleidet und provokativ auf ihrem Instagram-Account. Lange hab ich mich gefragt, warum. Jetzt frage ich sie.

Schüler in einem Klassenzimmer tauschen verschwörerische Blicke aus. Unter der ruhigen Oberfläche verbirgt sich eine Welt aus Spott und Wut in ihren Telefongesprächen. Der Neuling, der das Klassenzimmer betritt, ist ein willkommenes Opfer.

Puts on a thong and fishnet tights – click. 230 Likes. Like many other young women, Nicole presents herself as scantily dressed and provocative on her Instagram account. Why, I’ve been asking myself. Now I’m asking her.

The students in a classroom exchange complicit glances. Silent and calm on the surface, there is a world of mockery and fury hidden in their phone conversations. The newbie arriving in the classroom serves as easy prey.

Léa Hall (24) took a foundation course in art and design, followed by a three-year degree course in video at the Lucerne University of Applied Sciences and Arts, graduating with «youngvodka_» in 2018.

Moreno Cabitza is an islander by origin, having a Caribbean mother and a Sardinian father. He started making videos with friends before joining ECAL in 2015, where he now studies cinema.

Dimi lässt sich von seinem besten Freund Gianni dazu überreden, erstmals nach 30 Jahren sein Heimatdorf in Italien zu besuchen. Doch bereits auf der Hinreise bereut Dimi die Entscheidung. Giannis Euphorie schwindet in Italien ebenso wie Dimis Geduld, und die beiden merken allmählich, dass sie sehr unterschiedliche Vorstellungen von Heimat haben. Gianni talks his best friend Dimi into visiting his hometown in Italy for the first time in 30 years. But Dimi starts to regret the decision before they even arrive. Gianni’s excitement fades as does Dimi’s patience, and the two come to realize that they have very different ideas about what home means. Gianni Keller initially trained as a printmaker and later worked for an advertising agency in Zurich. In 2018, he graduated from the Zurich University of the Arts with a BA in film.

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Industry Lab 2018 Ein Angebot von / organized by

In Zusammenarbeit mit / in collaboration with

Mit freundlicher UnterstĂźtzung von / with the kind support of

Friday 9 November 2018 10:00–17:30 Alte Kaserne Winterthur

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Industry Lab 2018 Fr 10:00–17:30 Uhr Alte Kaserne Winterthur Trotz internationaler Erfolge und zunehmender Beliebtheit beim Publikum wird der Kurzfilm von vielen ProduzentInnen, Filmschaffenden und Förderern immer noch oft unterschätzt. Dabei haben Kurzfilme sowohl in der Produktion als auch in der Auswertung verschiedene Vorteile gegenüber dem Langfilm. Das diesjährige Industry Lab widmet sich dem ungleichen Verhältnis zwischen Kurz- und Langfilmen und diskutiert mögliche Synergien zwischen den beiden Formaten. Der Eintritt ist frei, die Platzzahl ist beschränkt. Anmeldung unter kurzfilmtage.ch/industrylab Veranstaltungsort Alte Kaserne, Technikumstrasse 8, 8400 Winterthur

Programm Ab 09:30 Uhr Empfang mit Kaffee und Gipfeli 10:00–11:15 Uhr Schweizer Brancheninformation Kurzfilm (de/fr) Während der Kurzfilm in der öffentlichen Diskussion zu Filmproduktion, -verleih und -auswertung oft vergessen geht, steht er hier im Zentrum. Öffentliche Förderinstitutionen und -gremien informieren über aktuelle und filmpolitisch relevante Anliegen der Schweizer Kurzfilmbranche und diskutieren gegenwärtige und zukünftige Förderund Finanzierungsstrategien. Moderation: Lucie Bader (Cinébulletin) ReferentInnen: Matthias Buercher (Bundesamt für Kultur), Martino Froelicher (Albert Koechlin Stiftung), Sven Wälti (SRG SSR), Daniel Waser (Zürcher Filmstiftung)

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11:30–13:00 Uhr Market Meetings Filmschaffende haben die Möglichkeit, sich in einem kurzen individuellen Gespräch mit internationalen Branchenleuten über aktuelle und künftige Projekte zu unterhalten und sich zu vernetzen. 12:15–13:00 Uhr Short Pitching Die Kurzfilmtage laden Schweizer Filmschaffende ein, ihre Kurzfilmidee vor Schweizer ProduzenntInnen zu pitchen und erste Kontakte mit möglichen (Co-)Produktionspartnern zu knüpfen. Zugelassen sind Ideen für Kurzfilme aller Genres. Als Vorbereitung erhalten die TeilnehmerInnen am Vormittag ein professionelles Pitching-Training. 14:00–17:00 Uhr Workshop: Shorts and Shortage (en) In Zusammenarbeit mit den Kurzfilmtagen und HEAD Genf veranstaltet das SNF-Projekt «Exhibiting Film: Challenges of Format» (Filmwissenschaft, Universität Zürich) einen interdisziplinären Workshop zum Thema Mangel («shortage» auf Englisch). Mit seinen tieferen Produktionskosten, seiner Affinität zum Experimentellen und seinen alternativen Vertriebs- und Zirkulationswegen in verschiedenen institutionellen Kontexten ist der Kurzfilm eng verknüpft mit dem Konzept des «fringe film» (Mike Hoolboom). In 15-minütigen Präsentationen thematisieren die TeilnehmerInnen Mangel als ästhetische Strategie, als Produktionsform und als Teil von Theorien zur Wertbildung innerhalb der Wertschöpfungslogik von unterschiedlichen Ausstellungskontexten. Moderation: Fabienne Liptay (Professorin für Filmwissenschaft, CH), Carla Gabriela Engler (Doktorandin, «Exhibiting Fim: Challenges of Format», CH),

Laura Walde (Doktorandin, «Exhibiting Fim: Challenges of Format», CH), exhibitingfilm.ch ReferentInnen: Johannes Binotto (Kultur- und Medienwissenschaftler, CH), Maria Palacios Cruz (Deputy Director LUX London, UK), Alexandra Gelis (Filmemacherin, CO/CA), Malte Hagener (Professor für Medienwissenschaft, DE), Mike Hoolboom (Filmemacher, CA), Maike Mia Höhne (Berlinale Shorts, DE), Tom Kalin (Filmemacher, USA) 14:00–15:00 Uhr Keynote Talk: Samm Haillay (Produzent, GB) (en) «Die Gleichstellung der Geschlechter ist für uns alle das wichtigste Thema in der Filmindustrie. Männer müssen sich der Tatsache stellen, dass mehr Frauen in alle Bereiche der Filmproduktion involviert werden müssen. Der Kurzfilm ist der Nährboden für die Film- und Fernsehindustrie und somit das Medium, in dem Männer die grösste Verantwortung – und Chance – haben, für ein 50/50-Verhältnis quer durch alle Produktionen zu sorgen. Wenn wir das in der Kurzfilmwelt hinkriegen, wird sich die Industrie künftig insgesamt schneller entwickeln.» (Samm Haillay) Samm Haillay hat 2001 seine unabhängige Produktionsfirma Third Films gegründet. Seine Kurzfilmproduktionen haben über 45 Preise gewonnen, unter anderem in Berlin, Venedig, Edinburgh und Chicago. Er produzierte die mehrfach preisgekrönten Kurzfilme von Duane Hopkins sowie sein Langfilmdebüt «Better Things», das seine Premiere an der Semaine de la Critique in Cannes 2008 feierte. Mittlerweile hat Samm acht längere Werke (vier Spiel- und vier Dokumentarfilme) produziert.


15:15–17:15 Uhr Industry Roundtables In drei 60-minütigen Diskussionsrunden werden aktuelle (kurz-)filmrelevante Themen (Produktion, Promotion, Distribution etc.) mit Schweizer und internationalen ExpertInnen diskutiert. In einer Schlussrunde werden die diskutierten Fragen und Ideen im Plenum präsentiert. Die Anmeldung ist verbindlich. Im Vorfeld zur Veranstaltung wird eine Liste der angemeldeten ExpertInnen und TeilnehmerInnen kommuniziert. 1. Wie kann die professionelle Schweizer Kurzfilmproduktion gestärkt werden? (de/en) Schweizer Kurzfilme sind qualitativ hochstehend und international erfolgreich. Trotzdem haben es professionelle Kurzfilmproduktionen hierzulande sowohl bei der Finanzierung und Produktion als auch in der Auswertung ausserhalb von Festivals schwer. Branchenleute aus den Bereichen Produktion, Realisation, Finanzierung und Auswertung diskutieren über mögliche Strategien, um die Produktionsbedingungen für Kurzfilme in der Schweiz zu verbessern und damit die Attraktivität für professionelle Kurzfilmproduktionen zu steigern. Moderation: Stella Händler (Pro Short/Produzentin, CH)

2. Verlieren Filmemacher die Sprache des Kinos? (en) Wenn wir über Kino sprechen, verlieren wir uns oft entweder im Labyrinth der Industrie oder in Fragen des Geschmacks. Doch das Kino ist immer noch eine Ausdrucksform – wie wäre es also, sich eingehender mit der Sprache des Kinos zu beschäftigen? Wenn wir eine Emotion oder eine Geschichte kommunizieren wollen, ist Präzision entscheidend, denn das Endziel sollte sein, verstanden zu werden. Deshalb ist es wichtig, die Sprache des Kinos voll auszuschöpfen, sei es durch eine Kameraposition oder das Timing eines Schnitts. Gibt es eine spezifische Reihe von Regeln, die zu befolgen sind? Und inwiefern wird dies berücksichtigt, wenn es darum geht, in einen Film zu investieren oder einen Film auszuwählen? Moderation: Wim Vanacker (Nisi Masa, BE) 3. Distribution und Promotion über VOD-Plattformen Jenseits von Festivals und Fernsehen hat die Sichtbarkeit von Kurzfilmen auf VOD-Plattformen neue Möglichkeiten eröffnet. Wie kann ein Kurzfilm von seiner Präsenz auf einer VODPlattform profitieren? Wie kann er die Aufmerksamkeit des Publikums auf sich ziehen? Kann ein Film auf einer Plattform Umsatz generieren? Gibt es Fördermassnahmen? Solche Fragen sowie spezifische Fallstudien stehen hier zur Diskussion. Moderation: Sylvain Vaucher (SWISS FILMS, CH)

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15:15–17:15 Uhr Panel: The Future of Shorts (en) Ob bezüglich Medienberichterstattung, Akzeptanz in der Filmindustrie, Publikumsentwicklung oder Finanzierung durch private und öffentliche Gelder – Kurzfilmfestivals haben es oft schwer und gelten als Nische in der Festival- und Kinowelt. Entsprechend sind OrganisatorInnen von Kurzfilmfestivals bei der täglichen Arbeit oft mit Hindernissen konfrontiert, etwa wenn sie weniger Gelder erhalten, weil sie «nur» Kurzfilme zeigen, obwohl der Arbeitsaufwand mit demjenigen für andere Festivals vergleichbar ist. Die Medien unternehmen wenig, um die Festivals zu bewerben, und entsprechend beschränkt ist das Potenzial, mehr Publikum zu erreichen. Würde sich dies ändern, wenn Kurzfilmfestivals auch Langfilme ins Programm nähmen? Welche Erfahrungen haben Festivals mit diesem Schritt gemacht? Hat er einen Einfluss auf die Finanzierung und kompensiert diese den zusätzlichen Aufwand? Wie beeinflusst dies die Programmation und Publikumsführung? Moderation: Laurence Boyce (Vorstand Short Film Conference/Programmdirektor/ Filmkritiker, GB/EE) ReferentInnen: Kirsten Ruber (Direktorin Go Short ISFF Nijmegen, NL), Miguel Dias (Direktor Curtas Vila do Conde IFF, PT), Birgitte Weinberger (Direktorin International Odense Film Festival, DK), Rich Warren (Direktor Encounters Short Film and Animation Festival, GB)


Industry Lab 2018 Fri 10:00–17:30 Alte Kaserne Winterthur Despite the international success and increasing popularity of short films, producers, filmmakers, and promoters often underestimate the potential of the short format. However, short films in fact have several advantages over feature films with regard to production as well as exhibition. This year’s Industry Lab addresses the uneven relationship between shorts and features and discusses options for making better use of synergies between the two formats in production, promotion, and exhibition. Admission is free, but space is limited. Registration at kurzfilmtage.ch/industrylab Venue Alte Kaserne, Technikumstrasse 8, 8400 Winterthur

Programme 09:30 Coffee and pastries 10:00–11:15 Swiss Industry Information (de/fr) While short films are often overlooked in the public debate on film production, distribution, and exhibition, they are at the centre here: public funding institutions and committees provide information on current issues within the Swiss short film industry, discussing current and future strategies for funding and support. Host: Lucie Bader (Cinébulletin) Speakers: Matthias Buercher (Federal Office of Culture), Martino Froelicher (Albert Koechlin Stiftung), Sven Wälti (SRG SSR), Daniel Waser (Zürcher Filmstiftung)

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11:30–13:00 Market Meetings Brief one-on-one meetings offer filmmakers an opportunity to network and discuss their current and future projects with international professionals. 12:15–13:00 Short Pitching Kurzfilmtage invites Swiss filmmakers to pitch their ideas for short films to Swiss producers and thus meet with potential (co-)production partners. Short film projects of any genre are eligible. In preparation for the pitching sessions, participants receive professional pitching training in the morning. 14:00–17:00 Workshop: Shorts and Shortage (en) This interdisciplinary workshop on the topic of shortage is organized by the SNSF project «Exhibiting Film: Challenges of Format» (Film Studies, University of Zurich) in collaboration with Kurzfilmtage and HEAD Geneva. With lower production costs, an affinity for the experimental, and alternative distribution and exhibition patterns in various institutional contexts, shorts films are closely linked to the notion of «fringe films» (Mike Hoolboom). In 15-minute presentations, the participants discuss shortage as an aesthetic strategy, a form of production, and a theoretical concept for addressing the creation of value in various exhibition contexts. Hosts: Fabienne Liptay (professor of film studies, CH), Carla Gabriela Engler (doctoral student, «Exhibiting Fim: Challenges of Format», CH), Laura Walde (doctoral student, «Exhibiting Fim: Challenges of Format», CH), exhibitingfilm.ch

Speakers: Johannes Binotto (cultural/ media scholar, CH), Maria Palacios Cruz (Deputy Director of LUX London, UK), Alexandra Gelis (filmmaker, CO/CA), Malte Hagener (professor of media studies, DE), Mike Hoolboom (filmmaker, CA), Maike Mia Höhne (Berlinale Shorts, DE), Tom Kalin (filmmaker, USA) 14:00–15:00 Keynote Talk: Samm Haillay (producer, GB) (en) «Gender equality in the screen industries is the single most important issue for us all, especially if we consider intersectionality as well. Men must face up to the reality that more women need to be involved across all aspects of filmmaking. Short film is the breeding ground for the film and television industries and thus the medium with the greatest opportunity and responsibility for men to face up to the truth and engender 50/50 across all productions. If we get this right in the short film world, the industry as a whole will evolve quicker as we move forward.» (Samm Haillay) Samm Haillay started his independent production company Third Films in 2001. His short film productions have won over 45 awards, including some at Berlin, Venice, Edinburgh, and Chicago. He produced Duane Hopkins’s multi-award-winning short films and his feature debut «Better Things», which premiered to critical acclaim at the International Critics’ Week at Cannes in 2008. Today, he has eight feature credits, four fictions and four documentaries, to his name.


15:15–17:15 Industry Roundtables Three 60-minute Roundtables address current issues in (short) film production, promotion, and distribution with Swiss and international experts. The results of the discussions are then presented in a closing panel. Registration is binding; a list of the experts and registered participants will be communicated before the event. 1. How to Promote the Production of Swiss Short Films? (de/en) Swiss short films are of high quality and internationally successful. Nevertheless, professionally produced Swiss shorts struggle with financing, production, and exhibition outside of festivals. Producers, directors, funding agencies, exhibitors, and other industry representatives discuss potential strategies for improving the conditions of Swiss short film production and thus for making such productions more attractive for professional filmmakers. Host: Stella Händler (Pro Short/producer, CH)

2. Are Filmmakers Losing the Language of Cinema? (en) When talking cinema, we tend to lose ourselves either in the labyrinth that is the industry or in matters of taste. But cinema is still a means of expression, so how about delving deeper into the language of cinema? When we want to communicate an emotion or a story, precision is key since being understood should be the ultimate aim. Thus, it is important to focus on using the language of cinema to the fullest, be it through the position of a camera or the timing of a cut. Is there a specific set of rules to be followed? And how often is this notion taken into account when deciding to invest in a film or selecting a film? Host: Wim Vanacker (Nisi Masa, BE) 3. Distribution and Promotion through VOD Platforms (en) Alongside festival participation and sales to television channels, the visibility of short films on various VOD platforms has opened new possibilities. How can a short film benefit from being present on a VOD platform? How can a film attract the viewers’ attention? Can a film generate revenue on platforms? Are there any promotion support services available? These questions as well as specific case studies will be discussed here. Host: Sylvain Vaucher (SWISS FILMS, CH)

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15:15–17:15 Panel: The Future of Shorts (en) Short film festivals seem to struggle when it comes to press coverage, acceptance from the film industry, audience development, or private and public financing. As short film festivals are often seen as a niche of the festival and cinema industry, their organizers face obstacles in their daily work, for instance when they receive less funding simply because they «only» show shorts, even though the workload is comparable with many feature film festivals. The press coverage to market the festival is sparse, thus limiting audience outreach. Would that change if short film festivals were to show feature-length films? What are the experiences of festivals that are already doing that? Does it impact financing, and does that, in turn, compensate for the increased effort? How does it affect the programming and elements of viewer guidance? Host: Laurence Boyce (Board Member Short Film Conference / Short Film Programme Director, Film Critic, GB/EE) Speakers: Kirsten Ruber (Director of Go Short ISFF Nijmegen, NL), Miguel Dias (Director of Curtas Vila do Conde IFF, PT), Birgitte Weinberger (Director of International Odense Film Festival, DK), Rich Warren (Director of Encounters Short Film and Animation Festival, GB)


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Writers’ Room 2018 Ein Angebot von / organized by

In Zusammenarbeit mit / in collaboration with

Mit freundlicher Unterstützung von / with the kind support of

Saturday 10 November 2018 10:00–17:30 Alte Kaserne Winterthur

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Writers’ Room 2018 Sa 10:00–17:30 Uhr Alte Kaserne Winterthur Schauspiel und Drehbuch vereint eine hohe Sensibilität für Figuren und Geschichten. Dennoch wird diese Schnittstelle kaum genutzt. Der diesjährige Writers’ Room setzt sich mit der Beziehung zwischen den beiden Berufsfeldern auseinander. SchauspielerInnen und schreibende FilmemacherInnen, ProduzentInnen und AutorInnen erhalten Einblick in die unterschiedlichen Tätigkeiten und tauschen sich im Rahmen eines Workshops schreibend und spielend miteinander aus. Anmeldung Der Eintritt am Vormittag ist frei. Die Teilnahmegebühr für den Workshop am Nachmittag beträgt CHF 30.–. In der Gebühr ist ein gemeinsames Mittagessen inbegriffen. Die Einführungsveranstaltungen am Vormittag sind für die TeilnehmerInnen des Workshops obligatorisch. Die Teilnehmerzahl ist beschränkt. Anmeldung unter kurzfilmtage.ch/writersroom Veranstaltungsort Alte Kaserne, Technikumstrasse 8, 8400 Winterthur

Programm Ab 9:30 Uhr Empfang mit Kaffee und Gipfeli 10:00–11:00 Uhr Einführung: Migros-Kulturprozent & FOCAL (de/en) – Eintritt frei Migros-Kulturprozent: Ideen für Spielfilme Das Migros-Kulturprozent engagiert sich für eine nachhaltige Förderung des Schweizer Filmnachwuchses sowie für die Drehbucharbeit unter professionellen Bedingungen. Zu diesem Bereich gehört auch die Ideenförderung. Nadine Adler vom MigrosKulturprozent stellt das Konzept der Ideenförderung vor, spricht über Massnahmen und zeigt die Möglichkeiten für zukünftige DrehbuchautorInnen auf. Referentin: Nadine Adler (Migros-Kulturprozent)

FOCAL: Schauspiel-Coaching on Demand FOCAL bietet Produktionsfirmen sowie RegisseurInnen mit konkreten Filmprojekten und SchauspielerInnen mit einer Filmrolle die Möglichkeit, mit einem renommierten SchauspielCoach zusammenzuarbeiten, sei es in der Vorbereitungsphase (Casting und Proben) oder beim Dreh. Nicole Borgeat von FOCAL zeigt auf, wie Filmschaffende mit konkreten Projekten sowie SchauspielerInnen dieses Angebot nutzen können. Referentin: Nicole Borgeat (FOCAL)

11:15–12:30 Uhr Podium: Schauspiel & Drehbuch – Eine Schnittstelle mit Potenzial? (de/en) – Eintritt frei AutorInnen, FilmemacherInnen und SchauspielerInnen diskutieren über die Schnittstelle zwischen Drehbuch und Schauspiel und werfen die Frage auf, inwiefern die beiden Bereiche voneinander profitieren und die gegenseitigen Talente in der Figurenentwicklung und der szenischen Entwicklung nutzen können. Moderation: Daniel Waser (Zürcher Filmstiftung) ReferentInnen: Béla Batthyany (Autor, «Wilder»), Sabine Boss (Regisseurin, Leitung Departement Film ZHdK), Barbara Fischer (Schauspiel-Coach), Gabriela Kasperski (Autorin, Coach), Martin Ostermeier (Schauspieler)

14:00–17:30 Uhr Workshop: Schauspiel & Drehbuch – Eine Schnittstelle mit Potenzial? (de/en) – kostenpflichtig Wie entwickeln AutorInnen ihre Stoffe? Wie schaffen sie Figuren und wie nähern sich SchauspielerInnen diesen an? Wie geben sie ihnen Sprache und Körperlichkeit? Die beiden CoachFrauen Gabriela Kasperski und Barbara Fischer leiten die TeilnehmerInnen mit Inputs und Kreativtechniken zum Schreiben und Improvisieren an. Der Prozess soll den persönlichen Weg zur Figuren- und Plotentwicklung ergänzen. Leitung: Gabriela Kasperski (Autorin, Coach), Barbara Fischer (Schauspiel-Coach)

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Writers’ Room 2018 Sat 10:00–17:30 Alte Kaserne Winterthur Acting and screenwriting share a high level of sensitivity for characters and stories, yet this intersection is rarely explored. This year’s Writers’ Room addresses the connections between the two fields. Actors, screenwriters, producers, and authors learn about the various professions, exchange their experiences, and playfully explore new ideas in a workshop.

Programme 9:30 Coffee and pastries 10:00–11:00 Introduction: Migros Culture Percentage & FOCAL (de/en) – free

Registration The morning session is free. The workshop in the afternoon costs CHF 30.–, including lunch. The introductory events in the morning are mandatory for workshop participants.

Migros Culture Percentage: Ideas for Fiction Films The Migros Culture Percentage is committed to promoting Switzerland’s upcoming film talent and to improving conditions for professional screenwriters. This includes the early-stage funding of ideas for fiction films. Nadine Adler of the Migros Culture Percentage introduces the idea-funding programme, presenting specific measures and options for future screenwriters.

Space is limited, registration at kurzfilmtage.ch/writersroom

Speaker: Nadine Adler (Migros Culture Percentage, CH)

Venue Alte Kaserne, Technikumstrasse 8, 8400 Winterthur

FOCAL: Actor Coaching on Demand FOCAL offers production companies and directors with specific projects as well as actors with a film role the chance to work with a renowned acting coach, whether during preparation (casting and rehearsals) or during shooting. Nicole Borgeat from FOCAL presents the programme and the options for filmmakers and actors. Speaker: Nicole Borgeat (FOCAL, CH)

11:15–12:30 Panel: Acting & Screenwriting – An Encounter with Potential? (de/en) – free Authors, filmmakers, and actors discuss the connections between screenwriting and acting, asking how the two fields can benefit from each other and how each can use the other’s talents in character and scene development. Moderator: Daniel Waser (Zürcher Filmstiftung, CH) Speakers: Béla Batthyany (Writer, «Wilder», CH), Sabine Boss (filmmaker, director of the film department at ZHdK), Barbara Fischer (acting coach, CH), Gabriela Kasperski (author, coach CH), Martin Ostermeier (actor, DE/CH)

14:00–17:30 Workshop: Acting & Screenwriting – An Encounter with Potential? (de/en) – fee-based How do authors develop their material? How do they create characters and how do actors approach these characters, equipping them with language and physicality? Coaches Gabriela Kasperski and Barbara Fischer share advice and creative techniques, facilitating writing and improvisation exercises. The process is intended to expand personal approaches to character and plot development. Instructors: Gabriela Kasperski (author, coach, CH), Barbara Fischer (acting coach, CH)

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Trailer 2018 Cast & Crew Director/DOP: Nikola Ilić Assistant director: Dejan Barač Editor: Corina Schwingruber Ilić Cast: Helena Passafaro, Sreto Motika, Charly and Slavica Abegg, Andjica Ilić Dida, Stephie Pfenninger, Sara Ramsay, Thomas Horat, Maria Müller, Lisbeth Schwingruber Many thanks to Brigitte Stacher and Pascal Siegenthaler Thomas Horat Team Coiffeur Jusuf Bodu Bar Roland Glück Walter Bucher Luzerner Theater Maria Müller and her class from the Zentrum für Brückenangebote all extras all animals who participated in this film With the support of Jingle Jungle Tonstudios – Sound Design/Mixing: Robert Büchel, Gregor Rosenberger Cinegrell GmbH – Colour Grading: Timo Inderfurth

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Film- und Namensverzeichnis Index of Films and Names

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Filmliste / Index of Films # (OO) 12 Point Kill 100 EUR

70, 283 130 47

A A Place We Call Reality 41 A Room with a Coconut View 37 A Study in Vocal Intonation 117 A Swim 201 Ada 304 After the American Election 185 Ain’t Got No Fear 130 Alaverdoba 214 Alice in Switzerland / Alice au pays romand 244 All Inclusive 55 All These Creatures 38, 282 Alles Easy 78 Amérika: Bahía de las flechas / America: Bay of Arrows 258 Amy 186 Anasirmas Sakhareba / Gospel of Anasyrma 206 Animistica 39 Apollo Javakheti 201 Aprili 214 Aprilis Suskhi / The April Chill 200 Ariel 223 Arnica 138 B Bashkimi United Bergmans Reliquarium / Bergman’s Reliquary Between the Lines Bigger Than Life Black Sheep Bloodless Blue Bon Appétit Brian and Charles Brotherhood Brottas / Tweener Buffalo Death Mask Building for the Future C Cailleach Câm Lă.ng / The Mute Candy Floss

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322 223 272 42 136 296 47 320 144 45 282 189 244

132 40 122

Careful How You Go Carlotta’s Face Cat Days Chapita Chienne de vie / Life’s a Bitch and Then You Die Circle Citizen Poet Ciudad Maya Concrete Copa-Loca COYOTE Crossing Over

145 283 273 298 53 286 185 266 320 91 71 76

D Depositions Der Beckibüetzer Dios Nunca Muere Drawn to Trouble Dreamlands

151 248 42 273 124

E Egg 35 Eigentlich vergangen / Far from Past 51 Ein Messer wird geschmiedet 248 El hilo / The Thread 258 Elise 321 ELIXO / Echo 321 Empreintes / Framework 51 En la Boca 94 Enginemen 166 Enough 71, 144 Everything You Wanted to Know About Sudden Birth* (*But Were Afraid to Ask) 83 Everything’s Different, Nothing Has Changed 235 Exchange & Mart 123 Eyes in the Red Wind 302 F Fauve Feathered Dreams Fest Fettknölen / Vox Lipoma Field Fight on a Swedish Beach!! Fish Story Flight of the Pompadour Flow Country Flowers and Trees Frank’s Cock Fridge Fuck You

287 302 84 222 159 98 144 123 131 228 185 158 39

G Gala Day Gardhi / Fence Gasman Ghost Gros Chagrin / You Will Be Fine Guaxuma Guds Tystnad / God Is Silent

166 36 158 184 95 286 223

H Hamama & Caluna Heal Tomorrow Heimposamenterei Hevêrk / The Circle Hier / Here Honour Hotel 22 House of Women Huile sur Vent / Oil on Wind

321 298 248 94 322 51 268 116 50

I I Am Always Connected 266 I Got My Things and Left 43 I Have Sinned a Rapturous Sin 45 I Saw Him There 184 I’m Not 77 Idiotikon 50, 323 Illegal_its Impact on the Body 259 In the Form of the Letter «X» 266 Indefinite 296 Infektionen / The Infection 222 Information Skies 94 Isle of the Dead 299 J Jestem synem górnika / I Am a Miner’s Son 41 Jeunes Hommes à la fenêtre / Young Men at Their Window 90 Jour de Fête 82 Joy in People 44, 136 JUCK 288 K Kiem Holijanda Kleingolf Kuap L La Chute / The Fall Lachfalten / Laugh Lines Last Acre Le baiser du silure / The Kiss of the Catfish

283 76 77

44 54 130 36


Le Gymnase – une scène d’OLGA / The Gym – an OLGA Sequence 55 Le sens de la marche / Where We Are Heading 77 Legendary Reality 43 Les Îles de Brissogne / Brissogne Islands 54 Les vagues du plat pays / The Waves of the Flat Land 322 Let’s Drink to Georgia 200 Léthé 207 LINK 272, 282 LISTEN / LUISTER 284 Lonely Bones 234 Los Desheredados / The Disinherited 90 Lost & Found 273 Love 91 Love You More 122 Löwe 274 Lumapit Sa Akin, Paraiso / Come To Me, Paradise 258 M Mahogany Too Mama / Father Manila Is Full of Men Named Boy Maskirovka Mercedes / The Man Who Loved Mercedes Mining Poems or Odes Mokuso Momma Don’t Allow Mon Boy / My Boy Moucle’s Island Mr Madila – The Colour of Nothing

42 206 38 36 320 174 323 166 70 186 146

N Najtopliji dani leta / Hottest Summer Days 46 Nature Sauvage / The Wilderness 53 Nice Time 167 Night of the Foxes 123 No Place Like Home 234 O Opal Waltz Original Machines Os Humores Artificiais / The Artificial Humors P, Q, R Painting with Joan Physics

337

287 267 99

83 131

Points of Departure Prisoner of Society Pryia Qolga / Umbrella Rain Random White Dudes Reruns

151 34, 202 150 214 184 175 235

S Samlag / Intercourse 70 Saturday 137 Scrapbook 189 Scener Ur Natten / Scenes from the Night 222 Scris / Nescris / Written / Unwritten 98 Self Destructive Boys 35 SELFIES 52, 287 Simon Beck on the Beach 131 Sinking of the Truth 83 Sir Geoffrey Mc Intyres seltsame Schweizerreise 245 Six God Alphabet Peter 145 Soeurs Jarariju / The Sisters Jarariju 52 Sokun Al Sulhufat / Turtles Are Always Home 267 Solar Walk 82 Some Will Forget 137 Spectator 188 Speechless 200 Splintertime 234 Sportsview 457 Winter ... Centenary 245 Stew & Punch 146 Street 66 117 Summation of Force 302 Supernatural Power 188 Swan 150 Swatted 44 T Taking Stock 145 Talking Soil 54 Tattini / The Moon Is Bright Tonight 34 Tattoo 136 Tell me the story Of all these things 116 Tendresse / Tenderness 50 That Yorkshire Sound 284 The Bed and the Street 186 The Bedfords 175 The Craft 40 The Flood Is Coming 55 The Future of Music 299 The Goddess of Spring 228 The Golden Touch 229

The Island The Lawes of the Marches The Lion and the Unicorn The Lovetts The Migrating Image The Old Mill The Party The Prediction The Real Thing The Short & Curlies The Tenement Films: Anna, Helen, David & Lester The Tortoise and the Hare The Ugly Duckling The Wise Little Hen Their Rancid Words Stagnate Our Ponds Three Dreams of Horses Three Little Pigs Three Steps Timecode To Plant a Flag Today Is 11th June 1993 Tony Touching Sound Tourneur Tower XYZ Tradition Tumult Tungrus Two Balloons

259 174 174 37 38 229 98 82 296 158 150 229 230 230 40 188 228 206 95 84 46 72 52 34 122 189 175 71 272

U Ugly 99 Ultraviolet 286 Un Bar aux Folies-Bergères 299 Unframed: Intimacies Félix Vallotton 298 Untitled 1925, Part 2 267 V Vesuvius at Home W, Y Wannabe Wasp We Live in Two Worlds We Need New Names Who Are We? Winter Which Was Not There Wir Zwei youngvodka_

46

90 159 244 116 137 201 76 53, 323


Namensliste / Index of Names A Abinash Bikram Shah 34 Adnan Softić 42 Adrian Silisteanu 98 Aira Joana 320 Akosua Adoma Owusu 42 Alain Tanner 167 Alan Sahin 320 Alberta Whittle 117 Alberto Cavalcanti 244 Alejandro Pérez 50 Aleksey Lapin 47 Alexandra Gelis 259 Alia Syed 150–151 Ana Vaz 258 André Santos 35 Andrea Arnold 159 Andrea Harkin 98 Andrea Schneider 77 Andreas Muggli 321 Andrés Padilla Domene 266 Andrew Goldsmith 273 Andrew Kötting 40 Andrew Stephen Lee 38 Anette Sidor 39 Anna Mantzaris 71, 144 Apichatpong Weerasethakul 47 Astrid Bussink 284 Ayo Akingbade 117, 122 B Bakar Cherkezishvili Barbara Cigarroa Benjamin Nuel Benoit Felici Bobbie Peers Boris Labbé Bradley Slabe Burt Gillett C Callum Rice Cara Connolly Carolee Schneemann Céline Devaux Charles Williams Charlie Lyne Christian Cerami Christin Turner

338

201 42 299 296 84 44 273 228

174 123 304–305 95 38, 282 144 136 46

Christos Massalas Claire Oakley Clarissa Thieme Claude Goretta Claudius Gentinetta Clyde Geronimi Corina Schwingruber Ilić Cosima Frei

91 131 46 167 52, 287 230 55 76

D Daniel van der Velden Darren Emerson Davit Pirtskhalava Dea Kulumbegashvili Denis Cahpon Des Hamilton Duane Hopkins Duncan Cowles

94 296 206 207 83 138 159 145

E Elene Naveriani Elie Grappe Elizabeth Lo Emerald Fennell Eran Amir

206 55 268 145 298

F Frédéric Schuld Frederic Siegel

283 51

G Gabriel Abrantes Gabriel Böhmer Gabrielle Lissot Galaxia Wang Gianni Keller Gina Kim Giorgi Shengelaia Greg Barth

99 55 299 82 50, 323 296 214 299

H Heather Frise Henry Coombes

186, 267 175

I Iain Mitchell Igor Bezinović Ioseb Bliadze Ismaël Joffroy Chandoutis

130 37 206 44

J Jack Cutting Jack Henry Robbins Jacob Cartwright Jan Baumgartner Jane Magnusson Jannis Lenz Jasmin Gordon Jasper Baldwin Coppes Jayisha Patel Jed Hart Jela Hasler Jelena Pavlovic Jeremy Comte Jim Archer Jim S. Hansen Joao Costa Johannes Binotto John Irvin John Smith Johnny Barrington Jon Frickey Jon Rafman Jonatan Etzler Jorge Cadena Jorge Lozano Juanjo Giménez Jules Carrin Julia Ocker Julia Thelin Julietta Korbel Juliette Riccaboni June Balthazard K Karan Kandhari Karel Reisz Katie Davies Kristoffer Borgli L Lasse Linder Lau Kek-Huat Laura Ferrés Léa Hall Lee Sngmoo Lendita Zeqiraj Linus Tunström Lisa Aschan Loïc Kreyden Lorenz Wunderle Lotti Bauer

230 83 130 54 222 90 51 131 286 122 77 321 287 144 273 235 52 166 82, 137 175 273 43 70 52 259 95 53 274 282 320 54 36

123 166 174 41

322 302 90 53, 323 302 36 223 223 322 71 76


Loukianos Moshonas Luca Struchen Luisa Ricar Luke Fowler Lynne Ramsay

90 320 78 150–151 158

M Madi Piller 267 Mahde Hasan 305–306 Malena Filmus 72 Marc Johnson 286 Marco Leão 35 Marcus Armitage 284 Maria Koneva 272 Marie-Josée Saint-Pierre 83 Mark C. Smith 272 Martin Charrière 298 Martin Clark 123 Martina Scarpelli 35 Marvin Meckes 76 Maryam Tafakory 45 Maša Šarović 46 Mathias Chelebourg 296 Matt Cameron 174 Matteo Gariglio 94 Matthew Bate 302 Maxime Rappaz 50 Meryam Joobeur 45 Michael Grigsby 166 Michał Soja 41 Michelle Williams Gamaker 116 Mike Cartmell 266 Mike Forshaw 137 Mike Hoolboom 184–186, 188–189 Mike Leigh 158 Mikhail Karikis 130 Mikheil Kobakhidze 214 Miranda Pennell 136 Monira Al Qadiri 40 Moreno Cabitza 323 N Nadia Tsulukidze Nara Normande Narelle Autio Nick Jordan Nicolas Roth Nicole Foelsterl Nikita Diakur Nikki Schuster Nils Hedinger

339

200 286 302 130 320 51 84, 99 39 77

O Olivia Kastenbring Onyeka Igwe Oscar Hudson Otar Iosseliani

288 116 44, 136 214

P Pablo Polanco 258 Patricia Wenger 54 Patrik Eklund 222 Pernilla August 222 Peter Millard 145 Peter Mullan 158 Philbert Aimé Mbabazi Sharangabo 43 Philip Piaget 83 Phillip Barker 266 Pietro Bulgarelli 258 Pirmin Bieri 320 R Rachel Maclean Rati Tsiteladze Rawane Nassif Rehana Zaman Réka Bucsi Richard Parkin Rishi Chandna Rob Gradisen Robert Löbel Romain Chassaing Rory Waudby-Tolley Rosie Reed Hillman Rosto Róża Duda Rûken Tekeş Ruth Grimberg

174 34, 202 267 116 82, 91 131 71 235 272, 282 298 146 132 234–235 41 94 137

S Salomé Jashi Sam Taylor-Wood Sander Joon Sara Dunlop Sarah Pellerin Sarah Veltmeyer Scott Calonico Seoro Oh Simon Ellis Simon Vahlne Sophia Tabatadze Stefan Kruse Stephanie Comilang

200–201 122 83 124 70 283 83 70, 283 146 98 200 38 258

T Thiên Ân Pham Tobias Gundorff Boesen Tobias Zielony Tom Haines Tomas Alfredson Tony Richardson Tornike Bziava Trent Parke Tulapop Saenjaroen Tynesha Forman

40 83 36 123 223 166 200 302 37 83

V Vajiko Chachkhiani Valentin Riedl Valentine Franc Valentine Moser Valerie Blickensdorfer Vinca Kruk Vincent Tsui

201 283 53 321 248 94 287

W Walt Disney Walter Wachter Wiep Teeuwisse Wilfred Jackson Y Yalda Afsah Yan Sterckx Young Fathers Yves Yersin Yvonne Pispico

229 248 83 228–230

34 322 175 248 304


340


Allgemeine Informationen General Information

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Veranstaltungsorte 1 Casinotheater Winterthur Stadthausstrasse 119 2 Theater Winterthur Theaterstrasse 6 3 Kino Cameo Lagerplatz 19 4 Alte Kaserne Technikumstrasse 8 5 tibits Winterthur Oberer Graben 48 6 Kunsthalle Winterthur Marktgasse 25 7 kunstkasten Katharina-Sulzer-Platz

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Festivalzentrum Für Informationen, Akkreditierungen während des Festivals, Tickets für die Vorstellungen oder für Verpflegung in unserer Festival-Bar besuchen Sie unser Festivalzentrum im Casinotheater. Öffnungszeiten: Di 18:00–20:00 Uhr, Mi bis So ab 10:00 Uhr; +41 52 212 11 66 Gastronomie 1 Festival-Bar im Casinotheater Restaurant «Casinotheater» (Reservation: +41 52 260 58 58) 2 Bar im Theater Winterthur

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Tickets & Informationen Normal Einzeleintritt Multipass (3) Festivalpass Kurze für Kleine (4)

CHF 16.– CHF 52.– CHF 98.– CHF 5.–

AHV/Legi (1) Zürcher Kantonalbank (2) CHF 13.– CHF 12.– CHF 42.– CHF 42.– CHF 78.– CHF 78.– CHF 5.– CHF 5.–

Ermässigung gegen Vorweisen AHV/Legi oder Carte Blanche. Die Ermässigung Carte Blanche gilt nur für Einzeleintritte, pro Carte Blanche Bezug von max. zwei Einzeleintritten. Ermässigung nur gegen Vorweisen der Karte der Zürcher Kantonalbank. (3) Der Multipass berechtigt zum Eintritt in vier Vorstellungen nach Wahl. (4) Eintrittspreis für Kinder. Für Mitglieder der Zauberlaterne ist der Eintritt frei. (1)

(2)

Vorverkauf Vorverkauf ab 17. Oktober 2018 unter kurzfilmtage.ch sowie bei Winterthur Tourismus (Bahnhof Winterthur). Der Vorverkauf endet eine Stunde vor Vorstellungsbeginn. ZVV-Ticket Dank der Zürcher Kantonalbank gilt das im Vorverkauf bezogene Eintrittsticket am Veranstaltungstag auf dem gesamten ZVV-Netz für die Fahrt vom Wohnort zum Festival und zurück als Fahrschein 2. Klasse. Der Zuschlag für das ZVV-Nachtnetz ist nicht inbegriffen. Ticketverkauf am Festival Tickets können vor Ort an allen FestivalKassen bezogen werden. Festivalpässe sind ausschliesslich bei der Akkreditierung im Casinotheater oder online erhältlich. Öffnungszeiten Festival-Kassen Casinotheater: Di ab 18:00 Uhr; Mi bis So ab 10:00 Uhr. Die Kassen aller weiteren Spielstellen öffnen jeweils eine Stunde vor Programmbeginn.

343

Türöffnung / Eintritt Türöffnung ist jeweils 30 Minuten vor Vorstellungsbeginn. Die Plätze sind nicht nummeriert – ein Einzeleintritt, Multi- oder Festivalpass garantiert nur bei frühzeitigem Erscheinen (mind. 20 Minuten vor Vorstellungsbeginn) einen Sitzplatz. Frei gebliebene Plätze werden 15 Minuten vor Spielbeginn «last minute» verkauft. Reservationen für Festivalund Multipässe Reservationen sind nicht obligatorisch, garantieren jedoch bei ausverkauften Vorstellungen einen Sitzplatz. Reservationen sind kostenlos und verfallen bei Vorstellungsbeginn. Um eine Reservation zu tätigen, befolgen Sie bitte die Anleitung unter kurzfilmtage.ch/reservation. Bei Fragen zur Reservation kontaktieren Sie uns unter +41 52 202 33 50.

Sprachen & Untertitel Alle Filme werden in der Originalsprache gezeigt und englisch untertitelt. Ausnahmen sind im Programm entsprechend vermerkt. Das Kinder- und das Jugendprogramm verfügen über deutsche Untertitel oder werden live synchronisiert. Altersbegrenzung Die Filmprogramme sind generell ab 16 Jahren freigegeben. Ausnahmen: Ab 6: Kurze für Kleine / Disney’s Animated Technicolor Ab 12: Jugendprogramm 12+ Ab 18: Internationaler Wettbewerb II


General Information Venues 1 Casinotheater Winterthur Stadthausstrasse 119 2 Theater Winterthur Theaterstrasse 6 3 Kino Cameo Lagerplatz 19 4 Alte Kaserne Technikumstrasse 8 5 tibits Winterthur Oberer Graben 48 6 Kunsthalle Winterthur Marktgasse 25 7 kunstkasten Katharina-Sulzer-Platz Festival Centre For information, accreditations, tickets, or drinks from our festival bar, visit the festival centre at Casinotheater. Opening hours: Tue 18:00–20:00, Wed–Sun from 10:00 +41 52 212 11 66 Catering 1 Festival Bar at Casinotheater Restaurant «Casinotheater» (reservations: +41 52 260 58 58) 2 Bar at Theater Winterthur

Tickets Regular Single Ticket Multi-Pass (3) Festival Pass Shorts for Kids(4)

CHF 16.– CHF 52.– CHF 98.– CHF 5.–

Zürcher Kantonalbank(2) CHF 12.– CHF 42.– CHF 78.– CHF 5.–

Discounts for seniors/students and Carte Blanche holders upon presentation of a valid ID/card. The Carte Blanche discount only applies to single tickets (max. two tickets per Carte Blanche). Only upon presentation of a Zürcher Kantonalbank card. (3) The multi-pass offers access to four different screenings of your choice. (4) Ticket price for children. Free admission for members of the Magic Lantern. (1)

(2)

Pre-sales Pre-sales start on 17 October 2018. Tickets are available at kurzfilmtage.ch and from Winterthur Tourism (Winterthur train station). Pre-sales end one hour before the respective screening. ZVV Ticket Thanks to Zürcher Kantonalbank, pre-sale tickets include free public transport to and from the festival within the ZVV network. The ticket is valid for a second-class round trip on the day of the screening. The latenight supplement is not included. Ticket sales during the festival Tickets can be purchased from the box office at all screening venues. Festival passes are only available from the accreditation desk at Casinotheater or online. Box office opening hours at Casinotheater: Tue from 18:00, Wed–Sun from 10:00. The other venues open one hour before the first screening. Admission to screenings Doors open 30 minutes before each screening. Seats are not numbered. With a single ticket, multi-pass, or festival pass, a seat is only guaranteed until 20 minutes before the screening! Empty seats will be sold last minute, starting 15 minutes before the screening.

344

Seniors/ Students(1) CHF 13.– CHF 42.– CHF 78.– CHF 5.–

Reservations for festival-pass and multi-pass holders Reservations are not required, but they are recommended to guarantee a seat in the case of sold-out screenings. Reservations are free of charge. They are only valid until the scheduled showtime. To make a reservation, follow the guidelines at kurzfilmtage.ch/reservation. If you have questions about making reservations, please call +41 52 202 33 50. Languages & subtitles Films are shown in their original language and subtitled in English, except where otherwise indicated in the programme. Shorts for Kids and the Youth Programmes are subtitled in German or dubbed live. Age limits The general lower age limit for the film screenings is 16. Exceptions: 6: Shorts for Kids / Disney’s Animated Technicolor 12: Youth Programme 12+ 18: International Competition II


Team Präsidentin / President Katrin Gygax Vorstand / Board Marius Beerli, Andreas Bühlmann, Stefan Dobler, Eliane Jaberg, Delphine Lyner, Tiziana Pelusi Künstlerischer Leiter / Artistic Director John Canciani Kaufmännischer Leiter / Managing Director Remo Longhi Geschäftsstelle / Head Office Staff John Canciani, Rudolf Gehring, Florian Lanz, Remo Longhi, Fabienne Lovece, Matthias Sahli, Stefan Staub Praktikantinnen / Interns Rebecca Lehmann, Anita Camilla Magni Zivildienst / Community Service Staff Martin Deplazes, Dorian Hess, Simon Kaelin Auswahl Internationaler Wettbewerb / International Competition Selection John Canciani, Carmen Gray, Delphine Jeanneret, Kyros Kikos, Ivana Kvesic, Kilian Lilienfeld, Tiziana Pelusi, Pamela Pianezza Auswahl Schweizer Wettbewerb / Swiss Competition Selection Andrée Barman, Christof Hächler, Christian Stark Hors Concours Christof Hächler, Sebastian Henn, Kyros Kikos, Matthias Sahli, Dorothea Schaffner, Stefan Staub

Kuratierte Programme / Curated Programmes Andreas Bühlmann, Sebastian Henn, Janis Huber, Delphine Jeanneret, Stefan Staub, Laura Walde, Valentina Zingg Jugendprogramme / Youth Programmes Annina Canciani, Norma Giannetta, David Grob, Nina Kühne Kinderprogramm / Shorts for Kids Dustin Rees, This Bay, Vincent Adatte Expanded Cinema Kilian Lilienfeld Mitarbeit Filmauswahl / Programming Assistants Marius Beerli, Andreas Bühlmann, Annina Canciani, Angela Di Filippo, Sebastian Henn, Pascal Kurtansky, Matthias Sahli, Valentina Zingg Industry Events Norma Giannetta, Sophie Lotte Kirchner, Stefan Staub Rahmenprogramm / Special Events Julia Toggenburger Eröffnungsfeier, Preisverleihung / Opening Ceremony, Award Ceremony Andreas Bühlmann, Annina Canciani, Yvonne Dünki, Christof Hächler, Sebastian Henn, Janis Huber, Olivia Keller Fahrdienst / Shuttle Service Nina Kühne Festival-Produktion / Festival Production Yvonne Dünki, Rudolf Gehring Spielstellen-Verantwortliche / Venue Managers Rudolf Gehring, Sophie Lotte Kirchner, Florian Lanz, Bernhard Michel

345

Saal-Verantwortliche / Venue Staff Andrée Barman, Martin Deplazes, Katrin Gygax, Sarah Hefti, Sebastian Henn, Aline Juchler, Kyros Kikos, Pascal Kurtansky, Tiziana Pelusi Filmlogistik / Film Logistics Matthias Sahli Finanzen / Finances Remo Longhi, John Canciani, Florian Lanz Gästebetreuung / Guest Services Annina Canciani, David Grob, Katrin Gygax, Sarah Hefti, Christian Stark, Senta van de Weetering, Valentina Zingg Akkreditierung / Accreditation Desk Andrée Barman, Norma Giannetta, Christof Hächler, Janis Huber, Anita Camilla Magni Gastronomie und Verpflegung / Food and Drink Lorena Bösiger, Angela Di Filippo, Tony Dütschler, Alexandra Götz, Corinna Haag, Sebastian Henn, Martina Barbara Klieber, Kilian Lilienfeld, Jan Parigger, Benjamin Paul, Josephine Tedder HelferInnenkoordination / Volunteer Coordination Stefan Dobler Info Desk Alexandra Götz, Katrin Gygax, Kyros Kikos, Rebecca Lehmann, Tiziana Pelusi, Laura Walde Jurybetreuung / Jury Hosts Andreas Bühlmann, Annina Canciani Kasse / Box Office Alexandra Götz, Nina Kühne, Ivana Kvesic, Florian Lanz, Dorothea Schaffner


Externe Mitarbeitende / External Staff Dekoration / Decoration Angela Di Filippo, Alexandra Götz, Sebastian Henn, Kilian Lilienfeld, Benjamin Paul Video Library Martin Deplazes, David Grob, Valentina Zingg Kommunikation / Communications Fabienne Lovece, Rebecca Lehmann, Remo Longhi Medienarbeit / Press Relations Lea Rindlisbacher Promotion Stefan Dobler, Nina Kühne, Rebecca Lehmann, Fabienne Lovece, Fotografie / Photographers Susanne Hefti, Eduard Meltzer Filmvermittlung für Jugendliche / Youth and School Projects Andreas Bühlmann, Stefan Dobler, Norma Giannetta, Sebastian Henn, Dustin Rees, Dorothea Schaffner

Datenbank / Database Andrew Blackwell (Ballet Mécanique), Ewald Natter (Freelenz)

Übersetzungen / Translations Stéphanie Klebetsanis, Susie Trenka

Digitales Filmarchiv / Digital Film Archive Kurt Gehring, Ewald Nater

Simultanübersetzung / Simultaneous Translation ZHAW Linguistik, Translation Probst

Digitale Projektion (Betreuung) / Digital Projection (Support) Sergio Bossini (lumachroma), Björn Leemann (Lang Baranday), Sandro Tanner (Lang Baranday)

Treuhand / Trust Consulting Nunzio Scioscia (Consultive Treuhand) Website Astrom / Zimmer GmbH

Externe KuratorInnen / External Curators Mike Hoolboom, Matt Lloyd, Maria Palacios Cruz, Thomas Schärer Filmmontage / Montage Ernst Zimmermann Filmtechnik / Film Tech Christopher Mondt, Ernst Zimmermann

Impressum

Koordination Trailer-Produktion / Coordination Trailer Production Sebastian Henn

Technik und IT / Tech Staff and IT Andy Brooks, Roberto De Tata, Beat Flachmüller, Martin Höher, Simon Perks, André Schwabe, Ernst Zimmermann

Herausgeber und Kontakt / Publisher and Contact Internationale Kurzfilmtage Winterthur Postfach CH-8401 Winterthur Tel +41 52 212 11 66 Fax +41 52 212 11 72 info@kurzfilmtage.ch kurzfilmtage.ch

Untertitel / Subtitles Martin Deplazes, Matthias Sahli

Katalogredaktion / Catalogue Editor Susie Trenka

Redaktion / Editor Susie Trenka

Blick hinter die Kulissen / Guided Tours Ivana Kvesic, Dorothea Schaffner

Projektion / Projection Rachel Duc, Giuseppe Gagliano, Carsten Knoop, Cora Piantoni, Stephanie Hippich Riebe, Heinz Rutschmann

Gestaltung / Design so+ba design, Zürich

Trailer Nikola Ilić

Auflage / Number of copies published 800

Ticketing Pablo Hintermüller, Lorenz Hubacher

Projektkoordination / Project Coordination Rudolf Gehring Programmkoordination / Programm Coordination Stefan Staub

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Grafik / Graphic Design Susanna Baer (so+ba design) Alex Sonderegger (so+ba design)

Druck / Printed by Mattenbach AG, Winterthur


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Heimatland, Š!C ontrast Film!/!2:1!Film

Zeitschrift fĂźr Film und Kino Jahresabo 80!Fr. Reduziert 55!Fr. www.filmbulletin.ch

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Jahrbuch Cinema Die Zukunft ist durch ihre Unbestimmtheit und ihre

Cinema 63: Zukunft

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SKANDAL IM KINOSAAL 25.9. 2.10. 9.10. 16.10. 23.10. 30.10.

MONTY PYTHON’S LIFE OF BRIAN PATHS OF GLORY STORIES OF OUR LIVES DIE DREIGROSCHENOPER SALÒ, OR THE 120 DAYS OF SODOM THE TEXAS CHAINSAW MASSACRE

Dienstags an der Universitätsstrasse 6 / CAB, Zürich Kasse / Bar 19:30 | Film 20:00

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Andrea Bignasca

HIGHLIGHTS

10.11. ELECTRO-ARAB NIGHT:

AMMAR 808, ACID ARAB, ALMA NEGRA 16.11. BERNHOFT SUPPORT: LAWRENCE 18.11. KAOS PROTOKOLL 22.11. IN DER JOHANNESKIRCHE KIT DOWNES & TOBIAS PREISIG SOLO 23.11. FRANK POWERS 29.11. ANDREA BIGNASCA 13.12. PUTS MARIE 11.01.19 JAZZANOVA www.moods.club


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Festival 24.-28.04. 2019

auf dem Kanzleiareal in Zürich / xenix.ch

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Diagonale’19 Festival des österreichischen Films

Graz, 19.—24. März 2019 diagonale.at

Bis 1. Dezember 2018 Filme einreichen!

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BELGIUM

Academy Award, BAFTA and European Film Award Qualifying

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INTER SHORT NATIONALE KURZFILM WOCHE FILM REGENS BURG WEEK    

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GOSHORT 11TH INTERNATIONAL SHORT FILM FESTIVAL NIJMEGEN

3 –7 APRIL 2019

DEADLINES ENTRIES: 23 NOVEMBER 2018: Films completed on or after 1 June 2018 21 DECEMBER 2018: Films completed in Nov or Dec 2018

MORE INFO ON GOSHORT.NL OSCAR® QUALIFYING FESTIVAL / BAFTA RECOGNISED FESTIVAL


35th Hamburg International ShortFilmFestival

June 4 – 10 2019

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Theater der Künste Kino Xenix – Zürich jugendfilmtage.ch

Filme einsenden bis: Envoyez vos films jusqu'au: 01. Januar 2019


“Ein Labor für die Entwicklung des Mediums.” Frankfurter Allgemeine Zeitung

65.

Internationale Kurzfilmtage Oberhausen 1. – 6. Mai 2019

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DAS 10.LATEINAMERIKANISCHE

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13. 5-9 December 2018


I N T E R N AT I O N A L E KU R Z F I L M TAG E W I N T E RT H U R

This festival’s winning short films may qualify for consideration for the

ENTRY REQUIREMENTS Oscars.org/Rules


V.V. Viel VergnĂźgen. 22. Internationale Kurzfilmtage Winterthur The Short Film Festival of Switzerland


Damit aus kurzen Filmen lange Nächte werden: Wir unterstützen die «Internationalen Kurzfilmtage Winterthur».

Mehr unter zkb.ch/kurzfilmtage Geniessen Sie die Internationalen Kurzfilmtage Winterthur mit einer Karte der Zürcher Kantonalbank zum Vorzugstarif.

Katalog – 22. Internationale Kurzfilmtage Winterthur  

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