Catalogue – 24th Internationale Kurzfilmtage Winterthur (2020)

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24. K.

Katalog 24. Internationale Kurzfilmtage Winterthur The Short Film Festival of Switzerland 3.–8. November 2020, kurzfilmtage.ch Hauptsponsorin

Medienpartner



Editorial Spielplan Dank Wettbewerbe

Hors Concours Grosser Fokus

Land im Fokus

Weitere thematische Programme

Kinder- und Jugendprogramme Expanded Cinema

Rahmenprogramm

Industry Events

Trailer Informationen Team

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Internationaler Wettbewerb Schweizer Wettbewerb Jury Preise Hot Shorts Züri Shorts Festland-China, Hongkong, Taiwan Home Not Home Made in China We Are the People Fringes of Animation This Is Not a Love Song China Independent Ukraine Underground Resistances The State of a New Generation Maryna Vroda: On Departures and New Beginnings New Ukrainian Cinema

6 10 12 17 35 43 50 55 59 63 69 77 85 93 101 109 115 121 129 137 143

Cultivated Landscapes: No Stone Left Unturned Crazy (in) Love Greetings from ... Greetings from Fribourg International Film Festival Greetings from Visions du Réel Nyon Greetings from Locarno Film Festival: Pardi di domani Greetings from Locarno Film Festival: Open Doors

153 161 167 173 177 181 185

Zauberlaterne: Kurze für Kleine Sparks I / Sparks II Kopfkino / Oszilot / Ego Echo Echo Farb-Licht-Kegel / Undocumented Perspectives / Untitled 10 (Be Arielle F) The Soothsayings of Iris / *gel- / Spinne sfumato The Cube Kontext-Talks & weiteres Rahmenprogramm Tasty Shorts Kino im Park: Things to Make and Do Outside Schweizer Filmschulentag Industry Lab Writers’ Room

189 195 204 206 208 210 211 216 219 223 231 241 249 252 253 257

Lageplan / Tickets / allgemeine Informationen Team 2020 / Impressum


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Editorial Schedule Thanks Competitions

Hors Concours Main Focus

Country in Focus

Other Thematic Programmes

Kids and Teens Expanded Cinema

Special Events

Industry Events

Trailer Information Team

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International Competition Swiss Competition Jury Awards Hot Shorts Züri Shorts Mainland China, Hong Kong, Taiwan Home Not Home Made in China We Are the People Fringes of Animation This Is Not a Love Song China Independent Ukraine Underground Resistances The State of a New Generation Maryna Vroda: On Departures and New Beginnings New Ukrainian Cinema Cultivated Landscapes: No Stone Left Unturned Crazy (in) Love Greetings from ... Greetings from Fribourg International Film Festival Greetings from Visions du Réel Nyon Greetings from Locarno Film Festival: Pardi di domani Greetings from Locarno Film Festival: Open Doors Magic Lantern: Shorts for Kids Sparks I / Sparks II Kopfkino / Oszilot / Ego Echo Echo Farb-Licht-Kegel / Undocumented Perspectives / Untitled 10 (Be Arielle F) The Soothsayings of Iris / *gel- / Spinne sfumato The Cube Context Talks & Other Events Tasty Shorts Kino im Park: Things to Make and Do Outside Swiss Film School Day Industry Lab Writers’ Room Map / Tickets / General Information Team 2020 / Imprint

8 10 12 17 35 43 50 55 59 63 69 77 85 93 101 109 115 121 129 137 143 153 161 167 173 177 181 185 189 195 204 206 208 210 211 217 219 223 231 241 249 252 253 257


Editorial Nun sind sie da, die 24. Internationalen Kurzfilmtage Winterthur. Mit Schutzkonzepten, angepasstem Inhalt und neuen Formen – vielschichtig, abenteuerlich, offen für alle und nach vorne gerichtet. Doch die Reise war nicht einfach. Der ungebremste und optimistische Einsatz aller Beteiligten war so gefragt wie noch nie. 2020 begann eigentlich wie jedes Jahr – und dann kam die Pandemie. Das ganze Team musste sich reorganisieren, das Büro wurde nach Hause verlegt. Und uns stellten sich sofort viele Fragen: Wie bleiben wir trotz räumlicher Distanz mit dem Team in Kontakt, ohne dass der zwischenmenschliche Aspekt verloren geht? Wie organisieren und meistern wir unser Leben mit PartnerInnen, Familie und FreundInnen neu? Viel Mut gaben uns die ersten Rückmeldungen unserer SponsorInnen, die uns ihre Unterstützung während diesen unsicheren Zeiten zusicherten. So konnten wir mit dem Wissen um starke PartnerInnen an unserer Seite loslegen. Dann erreichten uns die ersten Absagen und Programmänderungen von anderen Festivals. Die Absage des Internationalen Filmfestivals Freiburg hat uns zur Entscheidung bewogen, diesem Festival und weiteren Partnern des Fonds Visions Sud Est eine Plattform an den Kurzfilmtagen anzubieten, so dass wenigstens ein Teil ihrer Kurzfilme auf die Leinwand gelangen. Die Idee zum Solidaritätsprogramm Greetings from ... war geboren. Weitere Projekte folgten: Die internationale Initiative My Darling Quarantine Short Film Festival wurde inhaltlich tatkräftig von uns unterstützt. Auch die Verbandsarbeit bei Pro Short und der Short Film Conference wurde intensiver – Hilfestellungen für die Mitglieder und zahlreiche Online-Panels wurden erarbeitet, und Stefan Dobler trat sein Amt als Präsident des Schweizer Verbands Conférence des festivals an. Im Hintergrund lief alles wie gewohnt weiter: Filme wurden gesichtet, Programmtexte geschrieben, das KuratorInnenteam war schon im Endspurt. Die Kommunikation setzte ihre Strategie um und die Festivalproduktion hatte schon alles vorbereitet, um in Aktion zu treten. Kurz gesagt: Im Büro herrschte Hochbetrieb und wir gingen davon aus, dass das Festival in der gewohnten Struktur stattfinden kann. Doch je länger wir die aktuelle Lage

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beobachteten, desto grösser wurden unsere Zweifel. Bald wurde klar: Wir müssen agieren anstatt reagieren. Die Entscheidung, das Festival in einer hybriden Form stattfinden zu lassen und somit weitgehend unabhängig von der aktuellen Lage zu werden, war für uns letztendlich eine Befreiung. Es entstanden Freiräume, die sich kreativ füllen liessen, und wir machten uns grundlegende Gedanken: Was ist die Essenz unseres Festivals? Wie gewährleisten wir maximale Sicherheit für BesucherInnen und Mitarbeitende? Und wie kreieren wir Begegnungsmöglichkeiten für die Kurzfilmbranche? Entstanden ist ein Festival, bei dem wir all diese Punkte berücksichtigen können. Es beinhaltet Screenings in unseren Winterthurer Spielstellen Casinotheater und Kino Cameo sowie eine schweizweite Kinoauswertung mit unseren Wettbewerbsprogrammen, dem Land im Fokus: Ukraine sowie ausgewählten Einzelprogrammen. Der Grosse Fokus: Festland-China, Hongkong, Taiwan und das Land im Fokus sind während der gesamten Dauer des Festivals online kostenlos zugänglich. Für das lokale Publikum haben wir unsere Sektion Expanded Cinema erweitert. Im Grossen Saal des Casinotheaters und im öffentlichen Raum sind Installationen entstanden, die die Grenzen des bewegten Bildes ausloten und neue Formen der Interaktion ermöglichen. Das Industry Lab und den Writers’ Room, unser schweizweit einzigartiges Weiterbildungs- und Vernetzungsangebot, haben wir vollständig in den digitalen Raum verlegt. Zum Schluss bleibt gewiss: Dank der ungebremsten Leidenschaft, Flexibilität und Kreativität unseres Teams, aller externen Mitarbeitenden und Filmschaffenden sowie der Unterstützung unserer langjährigen PartnerInnen dürfen wir auch dieses Jahr eine spannende Festivalausgabe erleben. Stefan Dobler, Kaufmännischer Leiter John Canciani, Künstlerischer Leiter

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Editorial Here it is, the 24th edition of Internationale Kurzfilmtage Winterthur. With protective measures, adjusted content, and new formats: multilayered, adventurous, open to all, and forward-looking. But the journey was not easy – it required the unstoppable and optimistic commitment of everyone involved like never before. 2020 began just like every year – and then came the pandemic. The whole team needed to reorganize as everyone started working from home. And we were faced with numerous questions: How do we communicate despite the physical distance without losing the personal touch? How do we reorganize our lives with our partners, families, and friends? Luckily, we received encouraging reactions from our sponsors, who pledged their support during these uncertain times. Knowing that we had strong partners by our side allowed us to go ahead. Then, the first news from other festivals reached us: cancellations and programme changes. The cancellation of the Fribourg International Film Festival led to our decision to offer a platform to this festival, as well as other partners from the Visions Sud Est fund, so that they could screen at least some of their shorts at Kurzfilmtage. The idea for the Greetings from ... programme was born. Other projects followed: We actively supported the international initiative My Darling Quarantine Short Film Festival. Our work with associations – namely, Pro Short and the Short Film Conference – also became more intense, as assistance programmes for members and numerous online panels were devised, and Stefan Dobler took up his post as president of the Swiss association Conférence des festivals. Behind the scenes, everything continued as usual: films were screened, texts were written, and the curators were nearing the finish line. The communications and festival production teams were going full steam ahead. In short, we were very busy, and we all assumed that the festival would happen as usual. But the longer we observed the situation, the more doubts we had. Eventually, it became clear that we needed to act rather than just react.

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Ultimately, the decision to hold the festival in a hybrid format – and thus to be largely independent of the ever-changing situation – was liberating. It freed up a lot of space to be filled with creative ideas, and it led us to ask some fundamental questions: What is the essence of our festival? How do we guarantee the security of our visitors and staff? And how do we enable encounters within the short film industry? We managed to create a festival that takes all of these factors into account. It includes screenings at our local venues Casinotheater and Kino Cameo, as well as in cinemas all across Switzerland, featuring our competition programmes, the Country in Focus: Ukraine, and a selection of additional programmes. The Main Focus: Mainland China, Hong Kong, Taiwan and the Country in Focus will be available online during the entire festival, free of charge. And for our local audience, we’ve added numerous special events to our Expanded Cinema section: installations at Casinotheater and in public spaces push the boundaries of the moving image and enable new forms of interaction. The Industry Lab and the Writers’ Room, our educational and networking events for professionals, will happen entirely in digital space. In conclusion, one thing is certain: thanks to the unstoppable passion, flexibility, and creativity of our team, external collaborators, and filmmakers, as well as the support of our long-time partners, we are once again able to offer an exciting festival. Stefan Dobler, Managing Director John Canciani, Artistic Director

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Tuesday 3.11. 19:00

Opening Programme (by invitation only) Casino 1

Wednesday 4.11. 13:30 70' Sparks I** Casino 1 14:30 85' International Competition I: Where We Belong Kino Cameo 16:30 90' Greetings from Fribourg International Film Festival Casino 1 17:00 75' Maryna Vroda: On Departures and New Beginnings Kino Cameo 18:00 30' Radio Stadtfilter Talk Casino 2 19:30 90' International Competition lI: Reality Bites Kino Cameo 19:30 90' Swiss Competition I: Geister der D채mmerung Casino 1 20:00 Things to Make and Do Outside: Cinema Rosengarten, Winterthur 22:00 85' International Competition Ill: Ray of Hope Kino Cameo

Thursday 5.11. 12:00 90' New Ukrainian Cinema Kino Cameo 13:30 90' The State of a New Generation Casino 1 14:30 90' International Competition IV: Small Revolutions Kino Cameo 16:30 90' Greetings from Locarno Film Festival: Pardi di domani Casino 1 17:00 90' International Competition V: Magical Thinking Kino Cameo 18:00 Tasty Shorts tibits Winterthur 18:00 30' Radio Stadtfilter Talk Casino 2 19:30 90' International Competition Vl: Talk to Me Kino Cameo

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19:30 85' Swiss Competition lI: Die Zukunft ist jetzt Casino 1 20:00 Things to Make and Do Outside: Sports B채umli, Winterthur 22:00 90' International Competition VIl: Use Your Voice Kino Cameo 22:30 90' Z체ri Shorts Casino 1

Friday 6.11. 12:00 90' Z체ri Shorts Kino Cameo 13:30 90' Greetings from Locarno Film Festival: Open Doors Casino 1 14:30 85' International Competition I: Where We Belong Kino Cameo 16:30 90' Swiss Competition III: Willkommen im Abseits Casino 1 17:00 90' International Competition lI: Reality Bites Kino Cameo 18:00 Tasty Shorts tibits Winterthur 18:00 30' Radio Stadtfilter Talk Casino 2 19:30 85' Cultivated Landscapes: No Stone Left Unturned Casino 1 + Context Talk 19:30 85' International Competition Ill: Ray of Hope Kino Cameo 20:00 Things to Make and Do Outside: Political Activism Lindengut Park, Winterthur 21:00 45' Oszilot Casino 2 22:00 70' Underground Resistances Kino Cameo 23:00 70' Hot Shorts Casino 1


Saturday 7.11. 10:30 13:00 13:30 15:30 16:30 18:00 18:00 19:00 19:30 20:00 20:30 22:30 23:00

85' Greetings from Visions du Réel Nyon Kino Cameo 90' International Competition IV: Small Revolutions Kino Cameo 80' Sparks II Casino 1 75' Maryna Vroda: On Departures and New Beginnings Kino Cameo 90' Swiss Competition I: Geister der Dämmerung Casino 1 90' International Competition V: Magical Thinking Kino Cameo 30' Radio Stadtfilter Talk Casino 2 30' Coucou Reads Cinema Casino 2 85' Swiss Competition lI: Die Zukunft ist jetzt Casino 1 Things to Make and Do Outside: The Great Outdoors Stadtpark, Winterthur 45' Kopfkino: Verteidigungsrede des somalischen Piraten Kino Cameo 80' Crazy (in) Love Casino 1 45' Kopfkino: Verteidigungsrede des somalischen Piraten Kino Cameo

Sunday 8.11. 10:00 65' Magic Lantern: Shorts for Kids* Casino 1 10:30 90' International Competition Vl: Talk to Me Kino Cameo 13:00 90' International Competition VIl: Use Your Voice Kino Cameo 13:30 90' The State of a New Generation Casino 1 14:00 210' Family Workshop: Stop-Motion & Pixilation* Alte Kaserne Winterthur 15:30 90' New Ukrainian Cinema Kino Cameo

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16:30 90' Swiss Competition III: Willkommen im Abseits Casino 1 18:00 And the Winners Are ... I Kino Cameo 19:30 Best-of Casino 1 20:30 And the Winners Are ... II Kino Cameo

Exhibition «Ego Echo Echo» by Tonjaschja Adler 3–21 November kunstkasten, Katharina-Sulzer-Platz

Sections International Competition Recent shorts from around the world Swiss Competition Recent shorts from Switzerland Hors Concours Recent shorts out of competition Country in Focus: Ukraine Curated shorts programmes with recent as well as historic films from a specific country Other Thematic Programmes Additional curated programmes dedicated to a cultural or artistic movement, a genre, or a theme Shorts for Kids and Teens Programmes tailored to children and teenagers (ages 6+, 12+, and 16+) Expanded Cinema Video installations, exhibitions, and performances that push the boundaries of cinema Special Events Talks, interventions, and special screenings

*ages 6 and above **ages 12 and above The general lower age limit is 16.


Wir danken all unseren SponsorInnen und PartnerInnen für die grosszügige Unterstützung. We would like to thank all our sponsors and partners for their generous support.

Hauptsponsorin / Main Sponsor

Co-Sponsor

Öffentliche Hand / Public-Sector Sponsors

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MedienpartnerInnen / Media Partners


PartnerInnen / Partners Appenzeller Bier Biotta AG cinegrell FedEx Jingle Jungle Tonstudios La Semeuse Reseda Stadtbus Winterthur tibits Zürcher Verkehrsverbund Öffentliche Hand / Public-Sector Sponsors Bildungsdirektion Kanton Zürich Kanton Appenzell Ausserrhoden Kanton Nidwalden Kanton Schwyz Kanton St. Gallen Kanton Thurgau Kanton Zug MedienpartnerInnen / Media Partners 451° F Cinergy AG Coucou – Kulturmagazin Winterthur Daily Movies Radio Stadtfilter WOZ Die Wochenzeitung KommunikationspartnerInnen / Promotion Partners APG I SGA House of Winterthur Umsetzerei Stiftungen / Foundations Giuseppe Kaiser Stiftung Johann Jacob Rieter-Stiftung Oertli-Stiftung Prof. Otto Beisheim-Stiftung S. Eustachius-Stiftung SSA SUISSIMAGE SWISSPERFORM Volkart Stiftung Zürcher Filmstiftung

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TechnikpartnerInnen / Equipment Partners Ballet Mécanique DQ Solutions AG Kino Xenix lumachroma SpielstellenpartnerInnen / Partner Venues Casinotheater Winterthur Kino Cameo tibits Winterthur HotelpartnerInnen / Partner Hotels Hostel Depot 195 ProgrammpartnerInnen / Programme Partners A Wall is a Screen Cinébulletin Die Zauberlaterne FIFF Festival International de Films de Fribourg FOCAL Geneva International Film Festival kunstkasten Winterthur Locarno Film Festival Stiftung Landschaftsschutz Schweiz SWISS FILMS Visions Du Réel International Film Festival Nyon Zurich Film Festival / ZFF72


FörderInnen / Promoters Angela und Guido Magni, Basel art.I.schock GmbH, Zürich Blumen Müller, Winterthur Bosshart Goldschmied, Winterthur Christian Schaffner, Zürich Dahinden Heim Architekten, Winterthur Daniel Walser, Winterthur Eliane Kreuzer, Winterthur Greti und Bernhard Schaffner-Aebi, Basel Isler Architekten AG, Winterthur Karin und Andreas Schoellhorn, Winterthur Maag Recycling, Winterthur Manuela und Rinaldo Preisig, Winterthur Marietta Barman, Zürich Patrizia und Victor Graf, Winterthur Planforum GmbH, Winterthur Rahel und Kaspar Geiser, Winterthur Schnewlin + Küttel AG, Winterthur Sibylle und Kaspar Müller, Winterthur Silvia Schaffner, Rheinfelden Sotronik GmbH, Winterthur Ursula Dobler und H.-J. Germann, Bauma

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GönnerInnen / Benefactors Alois Beerli, Winterthur Andreas Baumgartner, Winterthur Andreas Wälti, Zürich Angela Jäger, Winterthur Arthur Frauenfelder, Winterthur Cécile Ledergerber, Zürich Christian Götz, Winterthur Daniel Weiss, Zürich Elisabeth Mundwiler, Winterthur Emanuel Feusi, Zürich Esther Reber-Graf, Winterthur Franziska Gohl, Winterthur Frowin Holdener, Winterthur Gunar Streckeisen, Pfungen Jacqueline Engler, Winterthur Jeannine Jeanneret, Cortaillod Judy Trenka, Männedorf Kathrin Bänziger, Winterthur Marcel Weidmann, Winterthur Marianne Ott, Winterthur Markus Büchi, Gachnang Marlies Bänziger, Winterthur Martin Stauch, Winterthur Martina Hofer, Greifensee Martina Reichert, Wila Maureen Canciani, Minusio Melanie Zumbrunn, Winterthur Peter Vögele, Zug Ralph Henn, Rämismühle Regula Hauser, Zürich Reto Huwiler, Winterthur Roland Rüegg, Winterthur Silvio Foscan, Winterthur Susanne Balmer, Winterthur Thomas Widmer, Winterthur Timothy Philipp Zemp, Zürich Ueli Renz, Winterthur Urs Riklin, Zürich Ursula Künsch, Winterthur Werner Reber, Winterthur Werner Rüegg, Winterthur Yvonne Dorothée Lenzlinger, Winterthur


Institutionen und Firmen / Institutions and Businesses Admeira, Zürich Astrom / Zimmer, Zürich Berlinale Shorts, Deutschland DokuFest Prizren, Kosovo European Film Academy Fantoche, Baden Festival International du Court Métrage à Clermont-Ferrand, Frankreich Filmfest Dresden, Deutschland Fribourg International Film Festival Genossenschaft Dreieck, Zürich Glasgow Short Film Festival, Schottland Go Short International Film Festival Nijmegen, Holland HAKO Getränke, Winterthur IndieLisboa, Portugal International Film Festival Karlovy Vary, Tschechien International Film Festival Rotterdam, Holland Internationale Kurzfilmtage Oberhausen, Deutschland Internationales KurzFilmFestival Hamburg, Deutschland Kulturnacht Winterthur Kulturstadtlabor Winterthur Kyiv International Short Film Festival, Ukraine Locarno Film Festival Open Doors, Locarno Film Festival REGARD – Saguenay International Short Film Festival, Kanada Sammlung Oskar Reinhart «Am Römerholz» Schweizer Filmakademie, Zürich Schweizer Jugendfilmtage, Zürich Short Film Conference, Belgium Short Waves Poznan, Polen Solothurner Filmtage, Solothurn Stadtbibliothek, Winterthur Stadtmuur Café, Winterthur Tampere Film Festival, Finnland Verwaltungspolizei, Winterthur Villa Sträuli, Winterthur VIS Vienna Shorts, Österreich Visions du Réel, Nyon Zurich Film Festival, Zürich

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Trailerkinos / Trailer Cinemas chinoworb, Worb cineBubenberg, Bern Cinéma Bellevaux, Lausanne Cinema Excelsior, Brugg Cinema Luna, Frauenfeld cinemotion-Rex, Freiburg Kino Apollo, Biel Kino Beluga, Biel Kino Cameo, Winterthur Kino Cinématte, Bern Kino Lido, Biel Kino Nische, Winterthur Kino Odeon, Brugg Kino Orient, Wettingen Kino Qtopia, Uster Kino Rex, Bern Kino Rex, Biel Kino Roxy, Romanshorn Kino Xenix, Zürich Kosmos-Kultur AG, Zürich kult.kino ag Kulturzentrum GEMS (Kino der Gems), Singen Lichtspiel / Kinemathek, Bern Neues Kino, Freienstein Neugass Kino AG / Riffraff, Zürich Neugass Kino AG / Bourbaki, Luzern Stattkino Luzern Zebra-Kino – Kommunales Kino Konstanz e. V.


Personen / Individuals Andy Loeber, Winterthur Carla Maria Losch, Deutschland Dina Iordanova, Schottland Eva Schweizer, Schweizer Radio und Fernsehen, Zürich Florian Weghorn, Berlinale Talents, Deutschland Jasmin Basiç, President Pro Short, Genf Jukka-Pekka Laakso, Tampere Film Festival, Finnland Julian Ross, IFF Rotterdam + Locarno Film Festival, Holland Margarida Moz, Indielisboa, Portugal Michael Künzle, Stadtpräsident, Winterthur Ming-Jung Kuo, Singapur Noémie Blumenthal, Volksschulamt, Zürich Oleksiy Radynski, Filmmaker, Ukraine Primo Mazzoni, Zürich Sandra Leege, European Film Academy, Deutschland Sarah Schiesser, Open Doors, Locarno Film Festival Sophie Bourdon, Open Doors, Locarno Film Festival Sven Wälti, SRG SSR, Bern Viktor Giaccobo, Casinotheater Winterthur, Winterthur Youyang Yu, Beijing Animation Week, China Yulia Serdyukova, Ukraine

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Internationaler Wettbewerb International Competition

I: Where We Belong II: Reality Bites III: Ray of Hope IV: Small Revolutions V: Magical Thinking VI: Talk to Me VII: Use Your Voice

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I: Where We Belong Running time 85' Wednesday, 4 November 2020, 14:30, Kino Cameo Friday, 6 November 2020, 14:30, Kino Cameo II: Reality Bites Running time 90' Wednesday, 4 November 2020, 19:30, Kino Cameo Friday, 6 November 2020, 17:00, Kino Cameo III: Ray of Hope Running time 85' Wednesday, 4 November 2020, 22:00, Kino Cameo Friday, 6 November 2020, 19:30, Kino Cameo IV: Small Revolutions Running time 85' Thursday, 5 November 2020, 14:30, Kino Cameo Saturday, 7 November 2020, 13:00, Kino Cameo V: Magical Thinking Running time 85' Thursday, 5 November 2020, 17:00, Kino Cameo Saturday, 7 November 2020, 18:00, Kino Cameo VI: Talk to Me Running time 90' Thursday, 5 November 2020, 19:30, Kino Cameo Sunday, 8 November 2020, 10:30, Kino Cameo VII: Use Your Voice Running time 90' Thursday, 5 November 2020, 22:00, Kino Cameo Sunday, 8 November 2020, 13:00, Kino Cameo

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The End of Suffering (a Proposal)

I Am Afraid to Forget Your Face

Greece 2020, 14'15", DCP, colour, Greek with English subtitles, Fic/Exp

Qatar/France/Egypt/Belgium 2020, 14'55", DCP, colour, Arabic with English subtitles, Fic

Director/Script: Jacqueline Lentzou Photography: Konstantinos Koukoulios Editor: Smaro Papaevaneglou Sound: Leandros Ntounis Cast: Sofia Kokkali Producer: Fenia Cossovitsa Distribution: Wouter Jansen, Square Eyes, info@squareeyesfilm.com, squareeyesfilm.com

Director/Script: Sameh Alaa Photography: Giorgos Valsamis Editor: Yasser Azmy Sound: Moataz Al Qammari Cast: Nourhan Ahmed/Seif Hemeda Producer: Martin Jerome/Muhammad Taymour Distribution: Wouter Jansen, Square Eyes, info@squareeyesfilm.com, squareeyesfilm.com

Sofia stammt eigentlich vom Mars und dieser ist in Wirklichkeit der Planet der Liebe. Doch das alles weiss sie nicht, wenn sie über die Gründe ihrer irdischen Schwermut grübelt. Bis sich das Universum einschaltet und ihr die Augen öffnet.

Nach zwei Monaten der Trennung macht sich Adam auf den steinigen Weg zur Wiedervereinigung – koste es, was es wolle.

Sofia is from Mars, which in reality is the planet of love. But she doesn’t know any of that as she ponders the reasons for her earthly gloom. Until one day, the universe interferes and opens her eyes. Jacqueline Lentzou, born 1989 in Athens, is a writer and director. Her cinematic poetry arises from everyday circumstances through word and image associations. She likes to experiment with formats, duration, and feelings.

After being separated for two months, Adam travels down a rough road to be reunited, whatever it takes. Sameh Alaa is an Egyptian filmmaker based in Cairo and Brussels. He has a BA in German literature and studied basic filmmaking techniques for two years at the Academy of Cinema Arts and Technology. He also worked as an assistant director on various commercials and feature films before moving to Europe. His first short film, «Fifteen», premiered at Toronto IFF 2017 and won several awards around the world.

There Must Be Some Kind of Way Out of Here Germany 2020, 13'00", DCP, colour, no dialogue, Exp Director/Script/Sound: Rainer Kohlberger Distribution: Sixpackfilm, office@sixpackfilm.com, sixpackfilm.com

Der Film verhandelt die romantische Idee der Apokalypse mittels spektakulärer Bilder des «Cinema of Attractions» mit seiner Betonung visueller Effekte. Die Faszination der Katastrophe als Sinnbild einer inadäquaten Reaktion, da abgekoppelt von der Ursache der zugrunde liegenden Probleme. Ein neuerliches Etablieren der bekannten Ordnung als Happy End wird aber bewusst nicht eingelöst. The film addresses the romantic idea of the apocalypse using spectacular images from the «cinema of attractions» with its focus on visual effects. The disaster as an emblem of an inadequate reaction, disconnected from the underlying problems. The film deliberately forgoes a happy ending by way of re-establishing the familiar order. Rainer Kohlberger (*1982 in Linz) is a freelance video and media artist based in Berlin. He develops algorithmically created images for spatial installations, experimental films, and live visualizations. His reductionist visual language oscillates between a playful approach to concrete shapes and noise aesthetics. His works have received multiple awards worldwide.

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Filmiki ze zwierza˛tkami (Other) Foundations [zobacz teraz] / Best Brazil 2019, 15'48", DCP, colour, Animal Videos [Watch Portuguese with English subtitles, Doc Director/Script/Photography/Editor/Producer: Now] Poland 2019, 6'27", DCP, colour, Polish with English subtitles, Ani/Fic Director/Script/Animation: Katarzyna Miechowicz Editor/Sound: Piotr Baryła Production: PWSFTviT, agolanska@filmschool.lodz.pl, +48 605585513 Distribution: Indeks Film Studio, office@studioindeks.pl, +48 515123369

Das Leben des Schwans verläuft ruhig und unkompliziert – bis er eine verrückte Katze namens Tony kennenlernt. Swan’s life is simple and quiet. But everything is turned upside down when he meets a crazy cat named Tony. Katarzyna Miechowicz (*1995) is a fifth-year student of animation and special effects at the Polish National Film School in Lodz.

Aline Motta Sound: Pedro Santiago Production/Distribution: Aline Motta, 1alinemotta@gmail.com

Der letzte Teil einer Trilogie (mit «Bridges over the Abyss» und «If the Sea Had Balconies»). Der Film handelt von der Reise der Künstlerin auf der Suche nach ihren Wurzeln und hinterfragt die Zugehörigkeit zu einem Ort, der die Verwandtschaft nicht anerkennt. Die Filmemacherin verbindet Lagos in Nigeria mit Cachoeira (Bahia) und ihrer Heimat Rio de Janeiro in Brasilien anhand der Gewässer und Brücken, die auf das gemeinsame Erbe der drei Städte hindeuten. This film is the last part of a trilogy (with «Bridges over the Abyss» and «If the Sea Had Balconies»). It talks about the artist’s journey in search of her roots, questioning the sense of belonging to a place that might not acknowledge the kinship. It brings together Lagos in Nigeria with Cachoeira (Bahia) and the filmmaker’s home state Rio de Janeiro in Brazil through the waters and bridges that connect the three cities and their shared ancestry. Aline Motta (*1974 in Niteri, Brazil) studied communication studies and film. In her works, she combines photography, video, installation, performance, sound art, collage, and textiles to address themes like racism, belonging, and identity in very personal ways. She has received several scholarships and recently participated in groundbreaking exhibitions, including «Feminist Histories: Artists after 2000», «AfroAtlantic Histories» (both in São Paulo), and «The River of the Navigators» in Rio de Janeiro.

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Menarca / Menarche Brazil 2020, 21'51", DCP, colour, Portuguese with English subtitles, Fic Director: Lillah Halla Script: Libia Pérez/Lillah Halla Photography: Wilssa Esser Animation: Amir Admoni Editor: Eva Randolph Sound: Ruben Valdés Cast: Aldo Bueno/Dinho Lima Flor/Nathally Fonseca/Micheline Lemos/Amanda Yamamoto/ Amanda Dourado Producer: Renata Miyazaki/Gustavo Aguiar Production: Ano Zero Produções, menarcafilme@gmail.com, +55 11991007810 Distribution: Gustavo Aguiar, menarcafilme@gmail.com

In einem von Piranhas geplagten Dorf in Brasilien träumen die heranwachsenden Mädchen Nanã und Mel davon, wie sie sich vor scheinbar unausweichlicher Gewalt schützen können. Als eine mysteriöse, in ein Fischernetz verwickelte Gestalt auftaucht, beginnen sie zu verstehen, wo sie letztendlich Schutz finden könnten. In a Brazilian village infested with piranhas, adolescents Nanã and Mel are growing up fast as they dream of ways of protecting themselves against a seemingly inescapable violence. When a mysterious body tangled in a fishing net appears, the two girls begin to learn what might be their ultimate protection. Lillah Halla was born 1981 in Vargem Grande do Sul, Brazil. She is a director and screenwriter who graduated from EICTV in Cuba. Lillah works between São Paulo and Berlin, where she also collaborates with other directors in both cinema and theatre.

I


Drought

Huntsville Station

In the Air Tonight

Lebanon 2020, 14'38", DCP, colour, Arabic with English subtitles, Fic

USA 2020, 13'58", DCP, colour, English/Spanish with English subtitles, Doc

USA 2020, 17'06", DCP, colour, English with English subtitles, Exp

Director/Script: Remi Itani Photography: Sebastián Lojo Editor: Terence Chim Sound: Victor Bresse Cast: Majed Shhayeb/Carina Medawar Producer: Abed Al Shami Production/Distribution: Remi Itani, itaniremi@gmail.com, +44 7473383219

Director/Script/Editor: Chris Filippone/Jamie Meltzer Photography: Chris Filippone Sound: Dan Olmsted Producer: Jamie Meltzer Production/Distribution: Chris Filippone, chris.a.filippone@gmail.com, chrisfilippone.com

Director/Script/Editor/Sound: Andrew Norman Wilson Production/Distribution: Andrew Norman Wilson, awilson7@saic.edu

In diesem erotischen Drama schliesst eine Immobilienmaklerin allmählich die Lücke zwischen ihren privaten Erlebnissen in leeren Wohnungen und ihrem ganz anderen öffentlichen Leben. In this erotically charged drama, a real estate agent begins to close the gap between her private experiences in a series of empty apartments and the very different life she leads in public. Remi Itani is a Lebanese film director, producer, and university lecturer. She graduated from the London Film School with an MA in filmmaking with distinction and started her career as a documentary director for Al Jazeera Documentary Channel. She is currently working on her first feature fiction film, «In a Dream You Saw a Way to Survive and You Were Full of Joy», which received a grant from the Doha Film Institute Fund.

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An jedem Wochentag werden Einsassen des Huntsville State Penitentiary in Texas entlassen. Mit Anrufen, Zigaretten und stiller Reflexion erleben sie die ersten Momente der Freiheit an der nahegelegenen Greyhound-Busstation.

Eine Geistergeschichte, eine Simulation, eine Nachricht aus einer Faxmaschine: «In the Air Tonight» handelt von den angeblichen Ursprüngen von Phil Collins’ hymnischem Megahit der 80er Jahre. Das Voice-over eines «Künstlerfreundes» erzählt eine wilde Geschichte zu einer Montage stimmungsvoller Bilder.

Chris Filippone is a documentary filmmaker whose work has been screened at Berlinale, Visions du Réel, SXSW, Hot Docs, Sheffield Doc/Fest, and Ann Arbor Film Festival. He is a graduate of Stanford University’s MFA Documentary Film programme.

A ghost story, a simulation, a message unspooling from a fax machine: «In the Air Tonight» recreates the apocryphal narrative of the origins of Phil Collins’s anthemic 80s mega-hit. The voice-over of an «artist friend» nicknamed Slipperman narrates a lurid backstory against exquisitely montaged footage evoking shimmering cocaine-fueled LA nightlife, slo-mo moonlit waves, and the glossy black hood of a Ferrari.

Jamie Meltzer’s feature documentaries have been broadcast nationally on PBS and screened at numerous film festivals worldwide. His films include «True Conviction» (Tribeca), «Informant» (IDFA), «Welcome to Nollywood» (AFI), and «Off the Charts» (SXSW). He is the programme director of the MFA in Documentary Film at Stanford University.

Andrew Norman Wilson is an artist based in America and Europe. His work is in the collections of the Museum of Modern Art in New York, Whitney Museum of American Art, Le Centre national des arts plastiques in Paris, the Museum of Modern Art in Warsaw, the Institute of Contemporary Art in Miami, the Stolbun Collection, Collection Lambert, and the Kadist Foundation.

Every weekday, inmates are released from Huntsville State Penitentiary in Texas, taking in their first moments of freedom with phone calls, cigarettes, and quiet reflection at the Greyhound station up the block.


My Exercise

Dustin

Japan 2020, 2'36", DCP, colour, no dialogue, Ani

France 2020, 20'00", DCP, colour, French with English subtitles, Fic

Director/Script/Animation: Atsushi Wada Producer: Nobuaki Doi Production/Distribution: New Deer, nd@newdeer.net, newdeer.net

Ein Junge macht eine Übung mit seinem Hund. A boy is doing an exercise with his dog. Atsushi Wada (*1980) began to create short animation works in 2002. «In a Pig’s Eye» (2010) won Best Film at Fantoche International Animation Film Festival and the Silver Jabberwocky at Etiuda&Anima IFF. «The Great Rabbit» (2012) won the Silver Bear at Berlinale.

Director/Script: Naïla Guiguet Photography: Claire Mathon Editor: Vincent Tricon/Nathan Jacquard Sound: Hugo Rossi/Victor Praud/Jean-Charles Bastion Cast: Félix Maritaud/Erwan Fale/Raya Martigny/ Lucie Borleteau/Dustin Muchuvitz/Juan Corrales Producer: Lou Chicoteau/Jean-Etienne Brat Production: Alta Rocca Films, altaroccafilms@gmail.com, +33 140281611 Distribution: Wouter Jansen, Square Eyes, info@squareeyesfilm.com, squareeyesfilm.com

In einer verlassenen Lagerhalle tanzt eine Masse synchron zu Technomusik. Darunter ist der junge Transmann Dustin mit seiner Crew: Felix, Raya und Juan. Während sich die Nacht dahinschleppt, verwandelt sich die kollektive Hysterie in Melancholie, die Euphorie in Sehnsucht nach Zärtlichkeit. In an abandoned warehouse, a crowd is dancing as one to techno music at 145 bpm. Among them is Dustin, a young transgender man, and his crew: Felix, Raya, and Juan. As the night drags on, collective hysteria morphs into sweet melancholy, euphoria into yearning for tenderness. Naïla Guiguet graduated from the screenwriting department at La Fémis in 2019, where she made the short film «Rough Skin». During her studies, she co-wrote scripts with Arnaud Desplechin, Catherine Corsini, and Thomas Salvador. Naïla is also a DJ and a founding member of the Collective Possession. This collective organizes techno evenings for LGBTQI+ people. «Dustin», her first short film, was shot during one of these evenings.

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The Ghosts We Left at Home Jordan/Germany 2020, 21'00", DCP, colour, Arabic with English subtitles, Fic Director/Script: Faris Alrjoob Photography: Laura Emma Hansen Editor: Rebana John/Faris RJ Sound: Janis Ahnert Cast: Sameera El Asir/Mohamed Nizar/ Maisa Abdelhadi/Nadeem Rimawi Producer: Faris Alrjoob/Laura Emma Hansen Production: Academy of Media Arts Cologne (Kunsthochschule für Medien Köln), ute.dilger@khm.de, khm.de Distribution: Faris Alrjoob, f.rj@khm.de

Die Ruhe nach dem Sturm, die Rituale der Langeweile, die Apathie und die Taubheit der Sinne. «The Ghosts We Left at Home» ist ein rohes und sinnliches Porträt eines Mannes in Trauer und einer Stadt in Flammen. Der Film spielt am Rand der Realität, wo die Kräfte von Männlichkeit und Weiblichkeit alternieren, verschmelzen, sich gegenseitig anziehen und abstossen. «The Ghosts We Left at Home» is a raw and intimate portrait of a city on fire and a grieving man, doomed and in exile, sinking to hit rock bottom. It is set on the margins of reality, in a homoerotic underworld, where forces of the masculine and the feminine alternate, merge, attract and repel each other. Faris Alrjoob is an interdisciplinary artist working within the fields of film, video art, and performance. Based in Cologne, where he is currently a postgraduate at the Academy of Media Arts, he aims to employ cinematic language to experiment with aesthetic form and texture and to explore the politics of identity, as well as the tension between social dystopia and sensory utopia.

II


A Dream in Red USA/United Kingdom 2020, 11'03", DCP, colour/black & white, no dialogue, Fic/Exp Director/Script/Editor: Christin Turner Photography: Loreto DiCesare/Paul Marino/ Christin Turner Sound: Cee Haines Cast: Francesca Calvo Producer: Video Jam UK Production/Distribution: Christin Turner, turner.christin@gmail.com, christinturner.com

Eine poetische Zeitreise und Meditation über ökologische Katastrophen. Eine Montage aus handbearbeitetem 16-mmMaterial zeigt Menschen, die sich an einem nicht klar definierten Ort verstecken. Nach und nach lassen Hinweise erkennen, dass der Schauplatz Pompeji während des Vulkanausbruchs ist. «A Dream in Red» is a poetic, timetravelling meditation on ecological disaster via a hand-processed blackand-white 16 mm montage of people in hiding within an ambiguous setting and time frame. Jolting from the temporal to the primal experience of the unknown, gradual cues subtly suggest that the setting is Pompeii during the volcanic eruption. Christin Turner was born 1985 in South Carolina. She is a filmmaker and video artist whose work draws upon her background in the visual arts. Turner’s use of colour and light has been described as painterly, impressionistic, and psychedelic.

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Heaven Reaches Down to Earth

Quebramar / Breakwater

South Africa 2020, 10'00", DCP, colour, Sesotho/Zulu/English with English subtitles, Fic/Exp

Brazil 2019, 27'01", DCP, colour, Portuguese with English subtitles, Doc

Director/Script: Tebogo Malebogo Photography: Jason Prins Editor: Petrus van Staden Sound: Frank David Cast: Thapelo Maropefela Producer: Sizo Mahlangu Production: Vanishing Elephant, info@theelephantvanished.com, theelephantvanished.com Distribution: Vanishing Elephant, vanstadenpeet@gmail.com, theelephantvanished.com

Director/Script: Cris Lyra Photography: Cris Lyra/Wilsa Esser Editor: Beatriz Pomar/Henrique Cartaxo Sound: Henrique Chiurchiu/Daniel Turini Cast: Lana Lopes/Yakini Kalid/Elis Menezes/ Raíssa Lopes/Ananda Maranhão Producer: Camila Gaglianone Production: Travessia Filmes, gaglianone.camila@gmail.com, + 55 11987613380 Distribution: Rei Garcia, info@docrio.com

Eine Wanderung in den Bergen, zwei Freunde kommen sich näher. Als sie sich ihrer Sexualität bewusst werden, löst dies in beiden eine Reihe von Gedanken und Gefühlen aus – es wird nie mehr wie zuvor sein zwischen ihnen.

Eine Gruppe junger lesbischer Frauen aus São Paulo fährt an einen abgelegenen Strand, um das neue Jahr zu feiern. Während sie warten, entspannen sie sich, machen Musik und verfügen frei über ihre Körper und ihre Erinnerungen – sie fühlen sich frei.

A hike in the mountains, two friends getting closer. When they become aware of their sexuality, this sets in motion a cascade of thoughts and emotions in both of them – nothing will ever be the same between them.

A group of young lesbians from São Paulo goes on a trip to a remote beach for the new year’s celebration. While they wait, they relax, make music, and create an emotional refuge for themselves. They own their bodies and their memories, and they feel free.

Tebogo Malebogo is a writer and director based in New York. His short «Mthunzi» (2019) premiered at the Locarno Film Festival and New York Film Festival. «Heaven Reaches Down to Earth» (2020) is his sophomore short film. Tebogo is currently pursuing an MFA in film from the Tisch School of the Arts at NYU.

34-year-old Cris Lyra is a lesbian director and cinematographer based in São Paulo, Brazil. «Breakwater» is her second short. In 2015, she directed her first short film, «A Pleased Man». Since 2015, she has also worked on several shorts and features as a cinematographer.


Shiluus / Mountain Cat Mongolia/United Kingdom 2020, 13'38", DCP, colour, Mongolian with English subtitles, Fic Director/Script: Lkhagvadulam Purev-Ochir Photography: Krish Makhija Editor: Madlen Sieghartsleitner Sound: Joao Azavedo Cast: Azzaya Munkhbat/Dulguun Ganbaatar Producer: Christopher Granier-Deferre/ Ariunaa Tserenpil Production: 3Ochir Films, dulmaa.ochir@gmail.com, +976 88018904, Guru Media, ariunaa.gurumedia@gmail.com, gurumedia.mn, Poisson Rouge Pictures, christophergd@poissonrougepictures.com, PoissonRougePictures.com Distribution: Lkhagvadulam Purev-Ochir, dulmaa.ochir@gmail.com

Eine Jugendliche wird genötigt, zur spirituellen Heilung einen Schamanen aufzusuchen, was lediglich dazu dient, ihre Mutter zu beruhigen. Frieden findet sie, indem sie ihren unterdrückten, jugendlichen Geist entfesselt auf den Schamanen loslässt, als sie dessen wahre Identität erkennt. A troubled teenage girl is coerced into seeing a local shaman in search of spiritual healing. Trapped by ancient beliefs that serve only to pacify her mother, she finds peace in the physical realm by unleashing her repressed, youthful spirit on the unsuspecting shaman when she realizes his true identity.

Steckbrief Natur: Der Waldkauz / The Tawny Owl Germany 2019, 9'41", DCP, colour, German with English subtitles, Ani/Exp Director/Script/Animation: Aleksandar Radan Production/Distribution: Aleksandar Radan, aleksandar.radan@web.de

In der ersten Folge der Serie «Steckbrief Natur» produziert Aleksandar Radan eine Art Lehrvideo, das uns den Waldkauz und dessen Habitat, aber auch die kulturelle Bedeutung des Vogels als «Totenvogel» erläutert. Obgleich stilistisch nah an konventionellen Naturfilmen gehalten, kippt das Video in eine surreal anmutende Sequenz. In the first episode of his series, Aleksandar Radan produces a kind of educational video, explaining the tawny owl and its habitat, as well as the cultural significance of the bird as a «bird of death». Although stylistically close to conventional nature films, the video slips into a surreal sequence with elements that are clearly not part of the image. Aleksandar Radan (*1988 in Offenbach am Main) has been studying art at the Offenbach University of Art and Design since 2010. His works deal with digital media and the fact that we always lag behind the latest developments. In his experimental short films, programming and improvisation clash.

Civil War Surveillance Poems (Part 1) USA 2019, 14'50", DCP, colour, English with English subtitles, Doc/Exp Director/Script/Photography/Editor: Mitch McCabe Sound: Kevin T. Allen Production/Distribution: Mitch McCabe, mitchfilm@gmail.com, mitchmccabe.com

Der erste Teil einer fünfteiligen Reihe von spekulativen, experimentellen und hybriden Kurzfilmen, die sich mit der Möglichkeit eines zweiten amerikanischen Bürgerkriegs befassen. Radio, Filmmaterial aus dem Archiv der Regisseurin und Roboter vermischen sich zu lyrischer Nichtfiktion. «Civil War Surveillance Poems (Part 1)» is the first instalment in a five-part project of speculative, experimental, and hybrid-form short films contemplating a second American civil war via lyrical nonfiction, mixing call-in radio, twenty years of vérité footage from the filmmaker’s archive, and robots. Mitch McCabe is an educator and filmmaker based in the US whose film work spans narrative, documentary, and the many areas in between. She has worked extensively as a cinematographer for series and has taught at Trinity College, Montclair State University, and SUNY Purchase College, and she is currently an assistant professor at Ithaca College.

Lkhagvadulam (Dulmaa) Purev-Ochir is a scriptwriter and director born in Ulaanbaatar, Mongolia. She graduated from KinoEyes in 2018 with an MA in screenwriting. She is currently doing her PhD in media arts at Universidade Lusófona in Lisbon, focusing on screenwriting and Deleuze’s time-image. Her first feature film titled «Ze» is in development.

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III


Was wahrscheinlich passiert wäre, wäre ich nicht zuhause geblieben. / What Probably Would Have Happened If I Hadn’t Stayed at Home. Germany 2020, 19'57", DCP, colour, German with English subtitles, Fic Director/Script/Editor/Producer: Willy Hans Photography: Paul Spengemann Sound: Jakob Spengemann Cast: Anne Rohde Production: Willy Hans, willy.hans@gmail.com, +49 17625245104 Distribution: Spengemann Eichberg Goldkamp Hans, willy.hans@gmail.com, spengemanneichberggoldkamphans.de

Alles dreht sich im Kreis. Fünf Leute, ein Wohnzimmer. Erst als der Wein verkleckert wurde, die Sache mit der dunklen Materie geklärt ist und schon lange niemand mehr mit dem Essen rechnet, wird die Musik aufgedreht. In der Umlaufbahn von immer denselben, immer den gleichen, immer den anderen. Menschen, Worten, Dingen. Everything goes around in circles. Five people, one living room. It is only when the wine has been spilled, the issue of dark matter solved, and nobody expects food anymore that the music is turned up. We’re caught in the orbit of the same, always the same, always the others. Humans, words, things. Willy Hans was born 1982 in Freiburg, Germany. He has been making films since 2002. From 2009 to 2015 he studied film and fine arts at the University of Fine Arts in Hamburg. His films have been shown at various international film festivals.

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Which is Witch France 2020, 5'50", DCP, colour, French with English subtitles, Exp Director/Script: Marie Losier Photography: Pascale Granel Editor: Ael Dallier Vega/Marie Losier Sound: Eléonore Mallo/Lucas Héberlé/ Simon Apostolou Cast: Felix Kubin/Claire Doyon/Elina Löwensohn/ Joana Preiss Producer: Mathilde Delaunay Production/Distribution: Ecce Films, contact@eccefilms.fr, +33 142583714

Ludwig II von Bayern ist seit Ewigkeiten im Eis versteinert. Wir finden ihn in einem Wald und, siehe da, er lebt! Drei Hexenschwestern wollen ihn auftauen und das musikalische Rätsel lösen. Sie führen uns durch ein buntes und surreales Märchen. Louis II of Bavaria has been petrified in the ice since time immemorial. We find him in a forest, and luckily, he is alive! Three witch sisters try to defrost him and unravel the musical mystery. With them, we are propelled through a colourful and surreal fairy tale. Marie Losier (born 1972 in France) is a French filmmaker and curator who has been living and working in New York City for 20 years. She has shown her film and video work at a number of museums, galleries, festivals, and biennials internationally.

The Modern Way to Shower Hong Kong 2019, 12'30", DCP, colour, English, Exp Director/Script: Wong Ping Production/Distribution: Ryan Lai, ryan@edouardmalingue.com

Vor dem Hintergrund der Proteste in Hongkong will ein junger Künstler auf seinem Handy der in Latex gekleideten Ruby zuschauen, die dafür bezahlt wird, dominiert zu werden – doch will er sie leiden sehen? Against the backdrop of Hong Kong’s pro-democracy protests, a young artist logs on to watch Ruby, a latexclad woman paid to be dominated, on his phone and is anxious that she shouldn’t suffer. A devout atheist. An optimistic pessimist. A slowliving fast food waiter. A weekend vegetarian. Your silent neighbour. Born and raised in Hong Kong, Wong Ping discusses his observations of society using a visual language on the border of shocking and amusing.


This Day Won’t Last Tunisia 2020, 25'46", DCP, colour/black & white, Arabic with English subtitles, Doc/Exp Director/Script/Photography/Editor: Mouaad el Salem Sound: David Chaloiti Production/Distribution: Nour Al Amal, courrielNour@gmail.com

Ein Tag, der auch ein Leben sein könnte. Ein junger Mann, der auch eine ältere Frau sein könnte. Ein Alptraum, der auch ein Traum sein könnte. In Tunesien – aber es könnte auch anderswo sein: an der Grenze zwischen der Notwendigkeit und Angst vor dem Filmemachen und der Notwendigkeit und Angst vor der Revolution. Ein Selbstporträt wird zum Gruppenporträt. Heimlich, aber ehrlich. Ein Ende, das auch ein Neuanfang sein könnte. A day that could also be a life. A young man who could also be an older woman. A nightmare that could also be a dream. In Tunisia, but it could also be somewhere else: on the border between the necessity and fear of making a film, and the necessity and fear of revolution. A self-portrait that becomes a group portrait. Clandestine, but from the heart: an ending that could also be a new beginning. Since 2017, Mouaad el Salem has been a director, producer, cameraperson, sound person, editor, activist, and the lead character of his debut film, «This Day Won’t Last». Mouaad lives and dreams in Tunisia and Europe.

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Les Antilopes / Antelopes France 2020, 8'14", DCP, colour, French with English subtitles, Doc/Exp Director/Script: Maxime Martinot Production/Distribution: Quentin Brayer, contact@donquichottefilms.com, +33 671699713

Eines Tages vor 150 Jahren stürzten sich Tausende von Antilopen gemeinsam ins Meer. One day, one hundred and fifty years ago, thousands of antelopes threw themselves into the sea together. After four years of apprenticeship in cabinetmaking, Maxime Martinot changed his path toward cinema. After a preparatory course at Ciné-Sup in Nantes he pursued an MA in directing and theory at the University of Paris 8. In parallel to his studies, he wrote between Paris, Lisbon, and Brittany and directed his first feature, «Three Tales of Borges» (awarded at FID Marseilles in 2014 and released in French cinemas in 2018).

Naked Russia 2019, 14'40", DCP, colour, Russian with English subtitles, Ani Director/Photography/Animation/Editor: Kirill Khachaturov Script: Kirill Khachaturov/Nina Volova Sound: Kirill Khachaturov/Konstantin Novikov Cast: Leyli Shikhalieva/Alyona Anikina/Fedor Kokorev Producer: Arina Khachaturova Production/Distribution: Kirill Khachaturov, kir_khachaturov@yahoo.com

Irgendwo in Osteuropa hat der Held aufgrund eines Laborunfalls Superkräfte erlangt, die er nicht will. Er will die Welt nicht vor Bösewichten retten, sondern leben wie zuvor. Als ihm seine Kräfte bewusst werden, verursachen sie Probleme in seinem Alltagsleben. Somewhere in Eastern Europe, due to an accident in a laboratory, the hero gained superpowers that he does not want. He does not want to save the world from villains but wants to live as before. As he gains awareness of his power, it causes problems in his everyday life. Kirill Khachaturov is a Russian director, animator, and designer. Born 1984 in Khabarovsk in Russia’s far east, he studied directing at the Moscow School of New Cinema. He is a laureate of many international design festivals, such as D&AD and EDA. His debut short, «Protocorba» (2019), was shown at many international film festivals. «Naked» is his graduation film.

IV


Der natürliche Tod der Maus / The Natural Death of a Mouse Germany 2020, 21'34", DCP, colour, English/German with English subtitles, Ani/Fic Director/Script/Animation: Katharina Huber Sound: Marcus Zilz Production/Distribution: Katharina Huber, contact@katharina-huber.com

Manchmal stellt sie sich vor, sie könnte mit reiner Gedankenkraft Körperteile von Menschen, die ihr böse erscheinen, abfallen lassen. An anderen Tagen sehen alle um sie herum schön aus. Und als sie klein war, hat sie sich gewünscht, dass aus ihren Fussspuren Blumen wachsen. Some days, she imagines that by sheer willpower she can make body parts fall off people who seem vicious to her. On other days, everyone around her looks beautiful. And when she was little, she wished that flowers would grow out of her footprints. Katharina Huber studied at the Academy of Media Art Cologne till 2012. In 2014, she received a scholarship to attend the Royal College of Art in London. Back in Cologne, she co-founded a film production company. Currently, she works as a freelance artist and filmmaker.

Play Schengen

Point and Line to Plane

Norway 2020, 14'50", DCP, colour, Norwegian with English subtitles, Fic

Canada 2020, 17'31", DCP, colour, English, Fic/Doc

Director/Script: Gunhild Enger Photography: Øystein Mamen Animation: Pedro van Erven Editor: Geir Ørnholt Sound: Håkon Lammetun/Rune Baggerud Cast: Falk Falk/Daniel Kanye Vatsvåg/ Endre Jensen Haukland/Lisa Charlotte Baudouin Lie/ Éva Bandor/Patrice Demoniere/Jamal Johnson Producer: Ingvild Evjemo Distribution: New Europe Film Sales, jnaszewski@gmail.com, + 48 600173205

Ein Spielehersteller entwickelt ein Videogame für Kinder über die EU. Man spielt einen nationalen Vogel, der über Grenzen hinweg nisten und sich fortpflanzen muss, aber nur dem Visum entsprechend fliegen kann. Zwei Game-Designer verwandeln die EU in Pixelgrafiken, damit Schengen zum Spass wird – aber kann das funktionieren? A gaming company is making a video game for kids about the EU. You play a national bird that needs to breed and nest across borders, but you can only fly according to your visa. Two game designers transform the European Union into pixel graphics in an effort to make Schengen catchy. But is it possible? Gunhild Enger (*1980) graduated from the Edinburgh College of Art and the School of Film Directing in Gothenburg. She was nominated for a BAFTA with her graduation film, «Bargain», and has since screened her films at festivals around the world. She is now working on her first feature film.

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Director/Script/Photography/Editor: Sofia Bohdanowicz Sound: Jacquelyn Mills/Lucas Prokaziuk Cast: Deragh Campbell Producer: Sofia Bohdanoiwcz/Calvin Thomas Production/Distribution: Sofia Bohdanowicz, sofia.bohdanowicz@gmail.com, sofiabohdanowicz.com

Eine junge Frau sucht den Sinn in einem schweren Verlust und findet Hinweise im Alltag und in der Kunst von Hilma af Klint und Wassily Kandinsky. Das Phänomen magischer Gedanken während einer Trauerphase und dem persönlichen Prozess der Verarbeitung, Heilung und Dokumentation. A young woman attempting to extract meaning from an intense loss encounters signs in her daily life and through the art of Hilma af Klint and Wassily Kandinsky. The phenomenon of magical thinking during an individual’s journey to process, heal, and document a period of mourning. Sofia Bohdanowicz is a Toronto-based filmmaker. She won the Emerging Canadian Director Award at the 2016 Vancouver International Film Festival for her first feature, «Never Eat Alone». She is currently in production for her third feature with Deragh Campbell and is pursuing her MFA in film production at York University.


Bittersweet

Sun Dog

India 2019, 13'48", DCP, colour/black & white, English, Doc/Exp

Russia/Belgium 2020, 19'49", DCP, colour, English/Russian with English subtitles, Fic

Director/Script/Photography/Editor/Sound/Producer: Sohrab Hura Production/Distribution: Sohrab Hura, sohrab.hura@gmail.com, sohrabhura.com

Director/Script/Producer: Dorian Jespers Photography: Arnaud Alberola/Dorian Jespers Editor: Omar Guzman Sound: Thomas Becka Cast: Alexander Pronkin Distribution: Wouter Jansen, Square Eyes, info@squareeyesfilm.com, squareeyesfilm.com

Sohrab Hura fokussiert auf sein Familienleben, insbesondere die Beziehung zwischen seiner Mutter, die unter paranoider Schizophrenie leidet, und deren Hund Elsa. Was als Flucht vor der Familiensituation begann, wird zu einer Methode, die Realität zu konfrontieren. Die Aufnahmen entstanden im Laufe von zehn Jahren. Sohrab Hura focuses on intimate family life, particularly the relationship between his mother, diagnosed with acute paranoid schizophrenia, and her dog, Elsa. What began as a way to escape his family situation turned into a method of confronting realities. Photographed and filmed over ten years. While the core of Sohrab Hura’s decade-long work lies in photography, he regularly expands that form into film, text, and sound. In 2019, he won the Aperture – Paris Photo Photobook of the Year Award. He lives and works in New Delhi.

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Fedor ist ein junger Schlosser in Murmansk, einer russischen Stadt nördlich des Polarkreises. Von Kunde zu Kunde wandert er durch die Betonlandschaft, von einer Fantasie getrieben, die ihn isoliert. Seine Träume zerstören sein Verhältnis zur Realität und öffnen ein Tor zu einem phantasmagorischen Universum. Eine neue Sonne geht auf. Fedor is a young locksmith in Murmansk, a frozen city in the Russian Arctic. Client after client, he roams through alleys of concrete, animated by a fantasy that isolates him. His dreams corrode his relation to reality and open the door to a phantasmagoric universe – a second sun is rising. Dorian Jespers (*1993) is a Belgian filmmaker. He studied cinematography at INSAS and directing at the Royal Academy of Fine Arts in Gent, an education that focuses strongly on the development of a filmmaker’s personal language. This is reflected in his MA graduation project, the experimental fantasy film «Sun Dog».

V


Al-Maw’oud / The Promised

Inflorescence

In the Hands of Puppets

Germany 2020, 8'00", DCP, colour, English, Doc/Exp

Belgium 2020, 9'35", DCP, colour, English, Ani/Exp

Egypt 2020, 18'25", DCP, colour, Arabic with English subtitles, Doc/Fic

Director/Script/Photography/Editor/Sound/Producer: Nicolaas Schmidt Production/Distribution: Nicolaas Schmidt, mail@nicolaasschmidt.de, nicolaasschmidt.de

Director: Sarah Deboosere/Charles Blondeel Script: Benjamin Deboosere/Charles Blondeel/ Sarah Deboosere Photography: Hans Bruch Jr. Animation: Thomas De Brabanter Editor: Benjamin Deboosere Sound: Jeroen De Meyer Producer: Sarah Deboosere Production: Untitled Production, info@charlessarah.com, +32 478776257 Distribution: Sarah Deboosere, info@untitledproduction.be, untitledproduction.be

Director/Script/Photography/Editor/Producer: Ahmed Elghoneimy Sound: Moustafa Shaaban/Sara Kaddouri Cast: Mahmoud Antar/Tarek Mokhtar/Hussein Emam Production/Distribution: Ahmed Elghoneimy, ghoneimy.a@gmail.com

In und um die Ruinen von Al Fustat in Kairo brodelt es zwischen den Regierungsbeamten, die die historische Stätte bewachen, und den Bewohnern einer nahegelegenen Siedlung. Die lokale Bevölkerung versteht die historische und politische Bedeutung des Ortes nicht und zieht mit ihrem unbefugten Betreten den Zorn der Wächter auf sich. In and around the historical ruins of Fustat in Old Cairo, tensions simmer between the site’s government-appointed guards and the residents of a nearby informal settlement. Locals infuriate the guards by taking shortcuts through the site, not understanding its historical and political significance. Ahmed Elghoneimy (*1986) is a filmmaker from Alexandria who currently lives and works in Cairo and Berlin. Alternating between fiction and documentary, his films employ associations and moments of collision as an opportunity to investigate notions like victimhood, power, and masculinity.

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Wieder Herbst auf dem Planeten Erde. Rosarote Rosenblüten halten zusammen in stürmischen Zeiten und ertragen die Unruhe des ewigen Gewitters. Eine romantisch-konzeptuelle GutenachtFabel von Widerstand und Redundanz. Vereinen wir uns zum Blütenstand! It’s autumn again on planet earth. Pink rose petals stick together through difficult times, withstanding the constant storm. A simultaneously romantic and conceptual bedtime story of resistance and redundancy. Let’s unite and blossom! Nicolaas Schmidt lives and works in Hamburg as a filmmaker, video and concept artist. He studied fine arts, time-based media, and visual communication/film at the Hamburg Academy of Fine Arts. His works have been shown at international film festivals and exhibitions.

Eine computeranimierte Handpuppe spricht mit künstlichen Identitäten über deren Gefühle. Der Kurzfilm basiert auf Interviews mit PatientInnen und Pflegepersonal einer psychosozialen Klinik und bietet einen Ausblick auf mögliche künftige Beziehungen mit künstlicher Intelligenz im Pflegebereich. A computer-animated hand puppet has a conversation with several artificial identities about their feelings. This short is based on interviews with patients and care providers at a psychosocial hospital. It foreshadows possible relationships with artificial intelligence in the care sector. Collaborating since 2004, Belgian artists Sarah Deboosere and Charles Blondeel draw inspiration from the world of entertainment and its invisible structures. In their practice, subjects and genres such as make-believe, simulacrum, the story within the story, cinematic experience, and music are playfully reviewed.


A Passage

Phoenix

The Fantastic

Armenia 2019, 16'57", DCP, colour, Farsi/Russian/ Armenian/Chinese with English subtitles, Doc/Exp

China 2020, 7'27", DCP, colour, no dialogue, Ani/Exp

Finland 2020, 29'59", DCP, colour/black & white, English/Korean with English subtitles, Doc

Director/Photography/Editor/Sound/Producer: Felix Kalmenson/Rouzbeh Akhbari Script: Rouzbeh Akhbari Production/Distribution: Felix Kalmenson, felixkalmenson@gmail.com, pejvaks.com

Eine hybride visuelle Untersuchung in den Tälern der südarmenischen Meghri-Region. Die legendäre Eisenbahn zwischen Jerewan und Baku fiel einer «freien Wirtschaftszone» zum Opfer. Der Film erörtert Neoliberalismus und Mythos. This short is a hybrid visual investigation set in the valleys of southern Armenia’s Meghri region. There, the legendary railroad connecting Yerevan and Baku was destroyed because of a «free economic zone» to be constructed in its place. The film explores neoliberalism and myth. Rouzbeh Akhbari (*1992 in Tehran, Iran) and Felix Kalmenson (*1987 in Saint Petersburg, Russia) began collaborating in 2014 in Casablanca, Morocco. Over the past five years, they have undertaken large-scale exhibition and research projects internationally. Currently, they are fellows at the Jan Van Eyck Academie.

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Director/Script/Animation: Zhong Su Production/Distribution: Zhong Su, chiazhongsu@me.com

Der Animationsfilm wirft einen verstörenden Blick auf historische und kulturelle Artefakte irgendeiner Zeit in der Zukunft. Die CGI-Bilder evozieren eine «Post-Internet»-Stimmung und betonen die Sinnlosigkeit des Vergnügens und die Gewissheit des Todes. A one-shot animation that floats over disturbingly rendered historical and cultural artefacts of some future time. CGI visuals evoke a «post-internet» feeling in this vanitas-themed short film that highlights the futility of pleasure and the certainty of death. Zhong Su is a native of Hangzhou, China. After graduating from the New Media department of the China Academy of Art and the Sichuan Fine Arts Institute, he created oil paintings, video and installation art, documentary films, and experimental theatre. Since 2011, he has specialized in experimental video art.

Director/Script/Photography/Editor/Producer: Maija Blåfield Animation: Olli Leppänen Sound: Olli Huhtanen Production: Häivekuva Oy, info@maijablafield.com, haivekuva.fi Distribution: AV-arkki - The Centre for Finnish Media Art, programme@av-arkki.fi, +358 504356092

Ehemalige Nordkoreaner erzählen davon, wie sie verbotene ausländische Filme schauten. Wie haben sie sich basierend auf geschmuggelten Spielfilmen die Aussenwelt vorgestellt? In diesem Film ist die Neugier der Nordkoreaner auf die Aussenwelt gerichtet, anstatt umgekehrt, wie es oft der Fall ist. Former North Koreans describe their experiences of watching forbidden foreign films. What did they imagine the world outside to be like on the basis of smuggled fiction films? In this film, it is the North Koreans who direct their curiosity at the outside world – not vice-versa as is usually the case. Maija Blåfield is a visual artist and filmmaker from Helsinki, Finland. Her works combine documentary and fiction and explore fantastic reality. She has shown her works both in Finland and internationally. In 2014, she received the Finnish State Prize for Media Arts.

VI


Giòng Sông Không Nhìn Thâ´ y / The Unseen River Laos/Vietnam 2020, 23'03", DCP, colour, Vietnamese with English subtitles, Fic Director/Script: Pha.m Ngo.c Lân Photography: Pha.m Quang Minh/Nguyễn Vinh Phúc Editor: Julie Béziau Sound: Arnaud Soulier Cast: Minh Châu/Hà Phong/Hoàng Hà/Naomi/ Wean/Ma.c Can Producer: Pha.m Ngo.c Lân/Ngô Ðài Trang/ Trần Thi. Bích Ngo.c Distribution: Wouter Jansen, Square Eyes, info@squareeyesfilm.com, squareeyesfilm.com

Eine alte Frau reist stromaufwärts zu einem Wasserkraftwerk, um einen Mann zu treffen, mit dem sie vor 30 Jahren eine Liebesnacht verbracht hat. Gleichzeitig reist ein schlafloser Junge stromabwärts zu einem Tempel, um einen Mönch zu treffen, der Schlaflosigkeit heilt. An old woman travels upstream to a hydroelectric power plant in order to meet a man who was her lover for one night 30 years ago. Meanwhile, a sleepless boy goes downstream to a temple to meet a monk who cures insomniacs. Pha.m Ngo.c Lân is a Vietnamese film director with a background in urban planning and architecture. His first two short fiction films, «Another City» and «Blessed Land», both premiered at Berlinale Shorts, while his latest film, «The Unseen River», premiered in the Pardi di domani section at the Locarno Film Festival.

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A Song about Love USA 2019, 13'48", DCP, colour/black & white, English, Doc/Exp Director/Script/Photography/Editor/Sound/Cast/ Producer: Rikkí Wright Production/Distribution: Rikkí Wright, rikkidwright@gmail.com, +1 2173903359

Ein Film über das komplexe Verhältnis zwischen Sexualität und Religion und die persönlichen Erfahrungen der Regisseurin damit. Erlösende Liebe versus wahre Liebe. «A Song about Love» explores the complex relationship between sexuality and religion and the director’s personal experience with finding themselves within that paradigm. Navigating redemptive love versus real love. Rikkí Wright is a photographer and filmmaker based in Los Angeles. Her work explores notions of community and sisterhood, especially among women of colour, and looks at the way a community can mould or expand our ideas of femininity and masculinity, strength, love, and beauty.

My Galactic Twin Galaction Russia 2020, 6'33", DCP, colour, English, Ani/Exp Director/Script/Animation: Sasha Svirsky Sound: Alexey Prosvirnin Producer: Alexander Gerasimov Production: Master-Film, mail@masterfilm.ru, +7 4952559684 Distribution: KurzFilmAgentur Hamburg e.V., sales@shortfilm.com, +49 4039106325

Eines Tages erhält er eine Email, die nach Spam aussieht: Ärger in einer benachbarten Galaxie, die bald auch seine bedrohen wird. Sein galaktischer Zwilling Galaction bittet ihn um Hilfe. So beginnt ein Abenteuer, in dem Gut und Böse, Utopie und Dystopie, Erzählung und Post-Erzählung um die Gunst des Publikums wetteifern. One day he receives an email that looks like spam: there is trouble in a neighbouring galaxy that will soon threaten his own. His galactic twin, Galaction, asks him for help. Thus begins an adventure in which good and evil, utopia and dystopia, narrative and post-narrative compete to entertain the audience. Sasha Svirsky is a self-taught animator and has created more than 30 animation shorts. He developed his own improvisational artistic language by mixing media, and he continues to make graphic artworks, paintings, and collages. He is based in Moscow and collaborates with his partner Nadezhda Svirskaia.


A Lack of Clarity Denmark 2020, 22'33", DCP, colour, English, Doc/Exp Director/Script/Editor/Producer: Stefan Kruse Jørgensen Sound: Asbjørn Derdau Production/Distribution: Stefan Kruse Jørgensen, stefankruse87@gmail.com, +45 25341349

Ein nächtlicher Streifzug durch eine hellbeleuchtete und dicht besiedelte Stadt. Ein Filmemacher reflektiert über die zunehmenden Überwachungstechnologien um ihn herum. Fragmentarisch verbindet der Film das Paris des späten 17. Jahrhunderts mit der potenziellen Überwachung der eigenen Träume. A nocturnal journey through a strongly lit and populated city as a filmmaker reflects upon the increase of new surveillance technologies around him. The film draws a fragmentary connection between Paris at the end of the 17th century and the potential surveillance of the filmmaker’s own dreams. Stefan Kruse Jørgensen is a visual artist with a background in graphic design. His work reflects his interest in image production and collective consumption and its effect on human consciousness. His first film, «The Migrating Image», won the Audience Award at 25FPS in Zagreb and the International Competition at Kurzfilmwoche Regensburg.

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cumcumcumcumcum everybody United Kingdom 2020, 1'22", DCP, black & white, English, Ani/Exp Director/Script/Animation: Peter Millard Production/Distribution: Peter Millard, hellopetermillard@gmail.com, hellopetermillard.com

Ich fragte ein paar Leute, was sie von Masturbation und Gruppensex halten würden, wenn andere Männer dabei wären, und einige wurden richtig sauer und gaben homophobe Kommentare ab. Also habe ich eine Animation gemacht, die sexuelle Neugier feiert – wenn es sich für alle gut anfühlt, mach es und geniess es. I asked a few people how they would feel about masturbating or having group sex when other guys are involved, and some of them got very angry and made homophobic comments. So I made an animation celebrating sexual curiosity – if it feels good for everyone, do it and have a good time. Peter Millard is a British person from the Malvern Hills in Worcestershire. He has made many animated short films that have been screened and awarded at short film festivals across the globe, which have included several retrospectives. Alongside his animation work, he has made several sculpture and sound pieces.

Yollotl / Heart France/Mexico 2020, 17'10", DCP, colour, Maya/ Nahuatl with English subtitles, Ani/Doc Director/Script/Photography/Animation: Fernando Colin Roque Editor: Chloé Belloc/Fernando Colin Roque/ Mathilde Lavenne Sound: Julio Rojas/Chloé Belloc Producer: Katell Paillard Production/Distribution: Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains, ntrebik@lefresnoy.net, lefresnoy.net

Venus leuchtet wieder und begleitet das sichtbare Licht der entferntesten Sterne der Galaxie, das 2000 Jahre braucht, um die Erde zu erreichen. So lange dauerte es auch, das Liebesbündnis zwischen El Tule und La Ceiba zu schmieden. Venus shines again, accompanying the visible light from the galaxy’s most distant stars, light that takes two thousand years to reach the Earth. The same amount of time that it took to forge the love between El Tule and La Ceiba. Fernando Colin Roque studied arts in Mexico before joining Le Fresnoy in France. Through his art, he tries to understand the human condition – including its contradictions, fragility, and ambiguity – addressing complex issues such as gender, migration, memory, and death.

VII


Needs Hungary 2020, 5'19", DCP, colour, no dialogue, Ani Director/Script/Animation: Júlia Lerch Editor: Brigitta Bacskai Sound: Péter Benjámin Lukács Production/Distribution: Zsófi Herczeg, zsofi@daazo.com, +36 303113351

Im Befriedigen unserer Bedürfnisse liegt unsere grösste Motivation. Was würde geschehen, wenn sich diese ändern würden, wenn wir sie für unsere Zwecke anpassen und beeinflussen könnten? Vier Episoden ergründen diese Frage mittels amorpher Formen und Materialien, bei denen sogar die physikalischen Gesetze ausser Kraft sind. Our most important internal motivation is to satisfy our needs. What would happen if our needs were changed, shifted in time, able to adjust to our agenda, or if we could influence them? In four episodes, we explore this through amorphous, changing shapes and materials, where even the laws of physics are different from reality. Júlia Lerch is a Hungarian multimedia artist, who studied media design at the Moholy-Nagy University of Art and Design in Budapest. After receiving her BA in 2016, she continued her studies with an MA in media design at the same university. Her graduation short «Needs» is her first animation film.

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VII


Schweizer Wettbewerb Swiss Competition

Mit freundlicher UnterstĂźtzung von / with the kind support of

I: Geister der Dämmerung Running time 90' Wednesday, 4 November 2020, 19:30, Casino 1 Saturday, 7 November 2020, 16:30, Casino 1 II: Die Zukunft ist jetzt Running time 85' Thursday, 5 November 2020, 19:30, Casino 1 Saturday, 7 November 2020, 19:30, Casino 1 III: Willkommen im Abseits Running time 90' Friday, 6 November 2020, 16:30, Casino 1 Sunday, 8 November 2020, 16:30, Casino 1

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Deine Strasse / Um tordo batendo as Your Street asas contra o vento / A Thrush Flapping Its Switzerland 2020, 6'46", DCP, colour, Wings against the Wind* German with English subtitles, Doc Switzerland 2020, 16'19", DCP, colour, Portuguese with English subtitles, Doc/Exp Director/Script/Photography: Alexandre Haldemann Editor: Dimitri Faravel/Alexandre Haldemann Production/Distribution: HEAD - Cinéma / cinéma du réel, cinema.head@hesge.ch, head.hesge.ch/cinema/

Luis, ein junger Arbeiter auf einem Bauernhof, hilft Vasco dabei, eine riesige Menge Holz für den Winter zu hacken. Währenddessen steht seine Frau in Portugal kurz vor der Geburt. Luis, a young worker on a farm, helps Vasco chop a huge amount of wood for the winter. Meanwhile, his wife is about to give birth in Portugal. Born and based in Geneva, Alexandre Haldemann is currently pursuing his BA in film at the Geneva University of Art and Design (HEAD). He also works on music involving drone, ambient, and field soundscapes. His works are particularly inspired by Philippe Grandrieux, Stan Brakhage, and Scott Barley.

Director/Script/Producer: Güzin Kar Photography: Felix von Muralt Editor: Simon Gutknecht Sound: Felix Bussmann Cast: Sibylle Berg Production/Distribution: Güzin Kar, Verlag@henschel-schauspiel.de, henschel-schauspiel.de

Eine Strasse im Industriegebiet von Bonn, unauffällig, gesichtslos. Es dominieren Lagerhallen und Baustellen. Doch nach und nach wird die graue Gegenwart der Strasse mit ihrer düsteren Vergangenheit konfrontiert. Sind öffentliche Gedenkorte kollektives Erinnern oder kollektives Verdrängen? A road in the industrial area of Bonn, inconspicuous and faceless. Warehouses and construction sites dominate the picture. But gradually, the road’s grey present is confronted with its dark past. Do public memorials serve as collective remembrance or collective repression? Güzin Kar is a screenwriter and filmmaker who has written and directed several feature-length films. Most recently, she made two seasons of the series «Seitentriebe» for Swiss television, which received the European Script Award and was sold to Sundance TV, among others. Güzin is also a columnist for Neue Zürcher Zeitung and the author of several books.

Die mit * markierten Filme sind auch für die Preise des Internationalen Wettbewerbs nominiert. Films marked with an * are also nominated for the awards of the International Competition.

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Chiens Endormis / Stray Switzerland 2020, 16'47", DCP, colour, French with English subtitles, Fic Director: Sarah Rathgeb Script: Elias Jutzet/Sarah Rathgeb Photography: Pascal Reinmann Editor: Elias Jutzet Sound: Vuk Vukmanovic Cast: Antonio Troilo/Sarah Calcine Production: ECAL - Ecole cantonale d'art de Lausanne Distribution: Jean-Guillaume Sonnier, jean_guillaume.sonnier@ecal.ch, +41 213169233

Joana ist frisch mit ihrem Freund und ihrem Hund Bubi zusammengezogen. In der neuen Wohnung haben sie alles, was sie für ihre Zukunft brauchen, ausser einer Matratze. Konfrontiert mit der Wahl der neuen Matratze kommen ihr Zweifel an ihrer Entscheidung, ihrer Beziehung und an der Welt um sie herum. Den Hund kümmert’s wenig ... Joana just moved in with her boyfriend and her dog Bubi. In their new flat, they have everything they need for their future, except for a mattress. Faced with choosing a new mattress, she begins to doubt her decision, her relationship, and the world around her. Her dog couldn’t care less ... Sarah Rathgeb (*1991 in Langenthal) began her BA in film in 2013 and a media arts degree in 2015 at the Academy of Fine Arts Leipzig. Since 2018, she has been pursuing an MA in directing at the Ecole cantonale d’art de Lausanne (ECAL).


Alleswasichberühre

Tony

Switzerland 2020, 5'04", DCP, colour, German with English subtitles, Ani

Switzerland 2019, 6'34", DCP, colour, English, Fic/Exp

Director/Script/Editor: Marion Täschler Animation: Marion Täschler/Luisa Zürcher Sound: Loïc Kreyden Production: Hochschule Luzern HSLU - Design & Kunst, design-kunst@hslu.ch, +41 412486464 Distribution: Chantal Molleur, chantal.molleur@hslu.ch

Auf der Suche nach Nähe erlebt C. Emotionen mit all ihren Höhen und Tiefen. Auch wenn nach einer vertrauten Phase des Zusammenseins die Ablehnung und damit die trostlose Einsamkeit folgt, gibt C. nicht auf. Es gibt immer neue Wege, um die gewünschte Nähe und Zärtlichkeit zu finden. Und zu verlieren. In search of closeness, C. experiences all the ups and downs of emotions. Even if a phase of being together is followed by rejection and desolate loneliness, C. doesn’t give up. There are always new ways to find the desired closeness and tenderness. And to lose it. Marion Täschler (*1988) initially trained as a decorator. She has been a freelance artist and illustrator since 2013, and she received her BA in animation from the Lucerne School of Art and Design in 2020.

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Director/Script: Alexandra Simpson Cast: Arnaud Dezoteux Producer: Delphine Jeanneret Production/Distribution: HEAD - Cinéma / cinéma du réel, delphine.jeanneret@hesge.ch, head.hesge.ch/cinema/

Ein Mann sucht Trost in einem Supermarkt. A man seeks comfort in a supermarket. Alexandra Simpson (*1997) graduates from the Geneva University of Art and Design (HEAD) in 2020. In addition to working as an editor, she continues to pursue her own projects in parallel. Her works often focus on invisible links, relationships, and their fragility. This attraction to the unspeakable shows in her filmmaking just as much as in her editing.

D’où est-ce que tu viens ? / Where Do You Come from? Switzerland 2020, 13'47", DCP, colour, French with English subtitles, Doc Director/Script/Editor: Anouk Reichenbach Production: HEAD - Visual Arts Department, frank.westermeyer@hesge.ch, +41 223885800 Distribution: Frank Westermeyer, frank.westermeyer@hesge.ch

Anhand von Funden aus dem Internet prangert dieses Video die Diskriminierung an, unter der Menschen asiatischer Herkunft leiden können. Die Coronavirus-Pandemie brachte eine neue Dringlichkeit, an diesem Thema zu arbeiten. Mit dem Tanz (Krump) kann ich auf die tägliche Gewalt reagieren. Through various testimonials and elements found on the internet, this video denounces the discrimination that people of Asian origin can suffer. The coronavirus pandemic was the trigger that made me feel an urgent need to work on this subject. Dance (krump) allows me to react to all this daily violence. Anouk Reichenbach was born in Taiwan in 1997. At the age of nine months, she was adopted by a family in Valais. She studied visual arts at the Geneva University of Art and Design (HEAD) and completed her BA in 2020.

I


Carbón

Les Traces / Traces*

Ieji / The Way Home

France/Switzerland 2020, 25'54", DCP, colour, Spanish with English subtitles, Doc

Switzerland 2020, 13'20", DCP, colour, Spanish/French with English subtitles, Doc

Japan/Switzerland 2019, 8'12", DCP, colour, Japanese with English subtitles, Fic

Director/Photography/Sound: Davide Tisato Editor: Bruno Herrero Producer: Marie Vachette/Marie Jaouen/Laura Gabay Production/Distribution: Ecran Mobile, lauragabriela.gabay@gmail.com, ecran-mobile.ch

Director/Script/Editor/Producer: Pablo Briones Photography: Juan Camilo Olmos Feris Sound: Igor Marlot Cast: Domitila Tineo Medrano Production/Distribution: Pablo Briones, brionespablo@gmail.com, pablobriones.ch

Cast: Masumi Inoue Production: ECAL - Ecole cantonale d'art de Lausanne Distribution: Jean-Guillaume Sonnier, jean_guillaume.sonnier@ecal.ch, +41 213169233

Die zwei über 70-jährigen Freunde Nivardo und Ismael produzieren Holzkohle, um in Kuba überleben zu können. Nacht für Nacht wachen sie darüber, dass Holz langsam zu Kohle wird. Aber ihre Realität entfernt sich ungewollt von den revolutionären Idealen, für die sie seit mehr als 60 Jahren kämpfen. Friends Nivardo and Ismael, who are over 70 years old, produce charcoal in order to survive in Cuba. Night after night, they watch over the wood slowly turning into coal. But their reality unintentionally departs from the revolutionary ideals they have been fighting for over the past 60 years. Davide Tisato first studied sociology in Spain, Portugal, and France. In 2018, he started his MA in documentary filmmaking at EICTV in San Antonio de los Baños, Cuba. «Carbón» is his graduation film. Today, he continues to work on projects between cinema and social sciences.

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I

Domitila ist eine seit mehr als 20 Jahren in Genf lebende Hausangestellte ohne Papiere. Nachdem sie ihre Tochter verloren hat, befindet sie sich in einer noch nie dagewesenen wirtschaftlichen und sozialen Notlage. Domitila has been an undocumented domestic worker living in Geneva for over 20 years. After losing her daughter, she finds herself in an unprecedented situation of economic and social distress. Born in Argentina in 1983, Pablo Briones studied at the Universidad Nacional de Córdoba as well as at ECAL and HEAD in Switzerland. His previous shorts «À beira de Lisboa», «A barca», and «Pezcal» have played at many festivals, and his feature film «Baracoa» won the Audience Award at Málaga Film Festival.

Die mit * markierten Filme sind auch für die Preise des Internationalen Wettbewerbs nominiert. Films marked with an * are also nominated for the awards of the International Competition.

Eine junge Frau verlässt Tokio, um in ihre Heimatstadt zu reisen, wo ein Sturm ihre Wurzeln zerstört hat. A young woman leaves Tokyo to return to her hometown, where a storm has destroyed her roots. Lucas Giordano was born in Lausanne, Switzerland, in 1998. He received his BA in cinema from the Ecole cantonale d’art de Lausanne (ECAL) in 2020. Through his practice of visual art and short films, he likes to explore memories, dreams, and human light. Born in Morges (Switzerland) in 1997, Rodrigo Muñoz is of Swiss, Chilean, and French nationality. He received his BA in cinema from the Ecole cantonale d’art de Lausanne (ECAL) in 2020 and now lives and works in Lausanne.


Unlearning Flow

Little Miss Fate

Desert Dogs

Switzerland 2019, 11'09", DCP, colour/black & white, German with English subtitles, Doc/Exp

Switzerland 2020, 8'15", DCP, colour, no dialogue, Ani

Switzerland 2020, 20'00", DCP, colour, Arabic with English subtitles, Doc

Director/Script: Sarine Waltenspül/Mario Schulze/ Christoph Oeschger Photography/Editor: Christoph Oeschger Sound: Fabian Gutscher Production/Distribution: Christoph Oeschger, mail@christophoeschger.ch

Das Institut für den wissenschaftlichen Film in Göttingen setzte sich das Ziel, alle Bewegungsvorgänge der Welt auf Zelluloid festzuhalten. Die technischen, ethnologischen und biologischen Filme, die das IWF bis 2010 erstellte, archivierte und vertrieb, sollten «Dokumente der Wirklichkeit» sein. The Institute for Scientific Film in Göttingen (IWF) set itself the goal of capturing all of the world’s movement processes on celluloid. The technical, ethnological, and biological films that the IWF produced, archived, and distributed until 2010 were intended as «documents of reality». Dr. des. Sarine Waltenspül (*1986 in Basel) researches the history of scientific film in the field of fluid mechanics and of film as a technological, aesthetic, and epistemological medium. She teaches at the University of Basel and has been involved in film projects in a variety of functions. Mario Schulze (*1986 in Halle/Saale, Germany) is a cultural scholar and historian researching scientific films and the history of exhibitions. He also works as a curator of film-related exhibitions. Mario lives in Basel with his son. Christoph Oeschger (*1984 in Zurich) lives in Zurich as an artist, photographer, and publisher. He works with various forms of documentary media. In 2019, he received the Hans and Lea Grundig Prize. His work has been shown at Fotomuseum Winterthur, Zentrum für Kunst und Medientechnologie in Karlsruhe, and Centre de la Photographie Geneve.

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Director/Script/Editor: Joder von Rotz Animation: Kerstin Zemp/Martine Ulmer/ Lorenz Wunderle/Aira Joana/Fela Bellotto Sound: Thomas Gassmann/Etienne Kompis Producer: Lukas Pulver/Fela Bellotto Production: YK Animation Studio GmbH, fela@yk-animation.ch, yk-animation.ch Distribution: YK Animation Studio GmbH, ramon@yk-animation.ch, yk-animation.ch

Director/Script: Samuel Morris Photography: Fabio Tozzo Editor: Dennis Gnoni Sound: Marco Müller Producer: Gilles Germann Production: Hillton, gilles@hillton.ch, +41 796991428 Distribution: CUT-UP GmbH, info@cut-up.ch, +41 442010802

Little Miss Fate lebt in einer Welt, die vom Schicksal gesteuert wird. Als sich die Gelegenheit bietet, schlüpft sie selbst in die Rolle der Weltenlenkerin. Ungewollt schafft sie ein Monster, das gierig alle Liebe der Welt in sich aufsaugen will. Überfordert verliert sie die Kontrolle.

«Desert Dogs» folgt Aya (16) und Ibrahim (21), zwei Marokkanern, die ihr Leben von Moment zu Moment nach ihren eigenen Regeln leben. Sie repräsentieren das, was sie «die neue Generation Marokkos» nennen, mit einer aufstrebenden Skateboard-Kultur im Zentrum.

Little Miss Fate lives in a world driven by fate. When the opportunity arises, she takes on the role of the world leader herself. Unintentionally, she creates a monster that greedily aims to suck up all the love in the world. Overwhelmed by the rapid development, she loses control.

«Desert Dogs» follows Aya (16) and Ibrahim (21), two Moroccans who live life by their own rules, moment to moment. They represent what they call «the new generation of Morocco», with a growing skateboarding culture at its centre.

Joder von Rotz (*1987) initially trained as an engineering draughtsman before getting his BA in animation from the Lucerne School of Art and Design in 2012. In 2013, he founded YK Animation Studio in Bern. «Little Miss Fate» (2020) is his debut as a director.

Samuel Morris, born 1992, is a Swiss film director based in Basel and Berlin. His experience in film directing spans feature-length series, documentaries, commercials, short films, and music videos. Since 2012, he has been involved in film productions around Europe and beyond.

II


Miami

To Be There*

Switzerland 2019, 5'41", DCP, colour, German with English subtitles, Exp

Switzerland 2020, 16'53", DCP, colour, Swiss German with English subtitles, Fic/Exp

Director/Script/Photography/Editor: Michael Etzensperger Sound: Fabrizio Di Salvo Production/Distribution: Michael Etzensperger, me@michaeletzensperger.ch, michaeletzensperger.ch

Director/Script/Editor: Nefeli Chrysa Avgeris Photography: Paul Nungesser Sound: Laura Matissek Cast: Martha Benedict/Vjosa Azemi/Julie Burkardt/ Annina Polivka Producer: Julie Burkardt Production/Distribution: Julie Burkardt, julie_burkardt@icloud.com

«Miami» ist die Verflechtung zweier Bildwelten, die unsere Sehgewohnheiten herausfordern. Durch ein Mikroskop gefilmte Insekten, die sich normalerweise unserem Blick entziehen, und mit Teleobjektiv gefilmte Flugzeuge. Eine Gegenüberstellung, die symbolisch für die von Menschen gemachten Krisen stehen. «Miami» is the interweaving of two visual worlds that challenge our habits of perception. Insects that normally elude our gaze filmed through a microscope and airplanes filmed with a telephoto lens and slowed down. A juxtaposition that is symbolic of manmade crises.

Vier junge Frauen, die sich fernab von Alltag und sozialen Medien mit sich selbst und ihrem Selbstwertgefühl auseinandersetzen. Eine Vielzahl subtiler Enthüllungen im ständigen Prozess des Frauseins. Four young women grappling with themselves and their self-esteem, far from everyday life and social media. A multitude of subtle revelations in the constant process of being a woman. Nefeli Chrysa Avgeris was born in Basel. After a preparatory art course at the Zurich University of the Arts (ZHdK), she pursued a BA in video at the Lucerne School of Art and Design from 2014 to 2017.

Michael Etzensperger (*1982 in Winterthur) initially trained as a screen printer before studying photography at the Zurich University of the Arts (ZHdK). He went on to receive an MA in fine arts from FHNW in Basel. Michael has participated in numerous exhibitions at venues including Kunsthalle Winterthur, Musée d’Elysée Lausanne, Kunstmuseum Winterthur, and Centro Nacional de las Artes in Mexico City.

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II

Les Nouveaux Dieux / New Gods* Switzerland 2020, 19'05", DCP, colour, French with English subtitles, Doc/Exp Director/Editor: Loïc Hobi Script: Loïc Hobi/Youri Najdovski Cast: Hubert Girard Production: Skopéô films, skopeofilms@gmail.com, +33 659179403 Distribution: Loïc Hobi, hobi.loic@gmail.com, vimeo.com/loichobi

Nutzer LonerWolf58 ist Teil der IncelCommunity von unfreiwillig zölibatären Männern. Seine Videos wurden wegen gewalttätiger und terroristischer Inhalte gemeldet. Ich muss ihn aus dem Internet verschwinden lassen. User LonerWolf58 is part of the incel community of involuntary celibates. His videos have been reported for violent and terrorist content. I have to make him disappear from the internet. Loïc Hobi, born in Neuchâtel in 1997, works in Switzerland and France. He started editing films and visiting film sets as a teenager. In 2017, he attended l’École de la Cité, Luc Besson’s film school, graduating in 2019 with «L’Homme jetée». He has directed several experimental films and recently finished a new narrative short, «The Life Underground».

Die mit * markierten Filme sind auch für die Preise des Internationalen Wettbewerbs nominiert. Films marked with an * are also nominated for the awards of the International Competition.


Darwin’s Notebook

Bićemo najbolji

Switzerland 2020, 9'21", DCP, colour/black & white, no dialogue, Ani

Switzerland 2020, 19'50", DCP, colour, Albanian/ Swiss German/Serbian/German with English subtitles, Fic

Director/Script/Animation/Editor: Georges Schwizgebel Sound: Judith Gruber-Stitzer Production/Distribution: Studio GDS, schwizgebel@studio-gds.ch, +41 223427236

1833 begab sich der junge Charles Darwin auf eine lange Reise. An Bord begegnete er drei Ureinwohnern von Feuerland, die drei Jahre zuvor entführt wurden und nun in ihre Heimat zurückkehrten. Für die Alakalufen bedeutete die Begegnung mit der modernen Welt den Untergang. In 1833, young Charles Darwin embarked on a long journey. On board, he met three natives of Tierra del Fuego, who had been kidnapped three years earlier and were returning to their country. For the Alacaluf, this encounter with the modern world meant their destruction. Georges Schwizgebel (*1944) studied at the Ecole des Beaux-Arts et des Arts Décoratifs in Geneva. In 1971, he founded Studio GDS, and has worked as a producer and director of animated films and as a graphic designer ever since. Works include «78 tours» (1985), «La jeune fille et les nuages» (2000), and «L’homme sans ombre» (2004). He lives and works in Geneva.

Director/Script/Editor: Jelena Vujovic Photography: Noah Frey Sound: Camille Bonard Cast: Petar Ðurd-ević/Aleksandra Jovanović Production/Distribution: Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), moritz.schneider@zhdk.ch, zhdk.ch

Eine Liebesgeschichte zwischen einem serbischen Mädchen und einem albanischen Jungen, die im Kosovo-Krieg 1998 spielt. A love story between a Serbian girl and an Albanian boy during the Kosovo War in 1998. Jelena Vujovic (*1992) worked as an assistant to producer Anne Walser at C-Films from 2013 to 2015. She has been studying film at the Zurich University of the Arts (ZHdK) since 2015 and spent a semester at the Faculty of Dramatic Arts in Belgrade, Serbia, in 2019.

A Brief Appearance of Neon Switzerland/Germany 2020, 15'54", DCP, colour, no dialogue, Doc Director/Script/Producer: Matthias Sahli/ Immanuel Esser Photography: Immanuel Esser/Viktor Brim/ Matthias Sahli Editor: Matthias Sahli Sound: Holger Buff Production: Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), film.info@zhdk.ch, zhdk.ch, KHM Kunsthochschule für Medien Köln, j.dommer@gmx.net, +49 1797930782 Distribution: Matthias Sahli, matthias.sahli@kurzfilmtage.ch, kurzfilmtage.ch

Einmal jährlich laden die Betreiber eines Kalibergwerks dazu ein, an einem Lauf über ihre Abraumhalde teilzunehmen. Ein weisser Pfad führt die neonfarbenen Gäste über die von Maschinen geformte Bergkulisse. Ihr Auftauchen ist so plötzlich wie ihr Verschwinden. Once a year, the operators of a potassium mine host a race across their mine dump. A white path guides the neon-coloured guests across the machine-made mountain scenery. They appear as quickly as they disappear. Matthias Sahli is a filmmaker from Winterthur who studied film at the Zurich University of the Arts (ZHdK). His short film «Hausarrest» (2015) screened at the Locarno Film Festival and won the Audience Award at Kurzfilmtage. His BA graduation film, «Intervention in einer Bank», was shown at the Warsaw Film Festival. Immanuel Esser has been studying directing at the Academy of Media Arts Cologne since 2015. Previously, he studied philosophy at the Humboldt University of Berlin, graduating with a thesis on film aesthetics. His first feature film, «Paradies» (2020), screened at the Max Ophüls Prize Film Festival.

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III


Them

Das Spiel / The Game*

Switzerland 2020, 7'33", DCP, colour, no dialogue, Ani

Switzerland 2020, 17'09", DCP, colour, Swiss German with English subtitles, Doc

Director/Script/Editor: Sunitha Sangaré Animation: Camille Müller/Sunitha Sangaré/ Eléonore Künstner/Yaeka Tabara Sound: Thomas Gassmann/Etienne Kompis Producer: Zoltan Horvath/Nicolas Burlet Production/Distribution: Nadasdy Film, festival@nadasdyfilm.ch, distribution@nadasdyfilm.ch, +41 223002054

Eugene und seine Tochter Lavey ziehen umher. Er liebt seine Tochter, hat aber Mühe mit ihrer allmählichen Metamorphose. Eines Abends erscheinen Gestalten. In Panik erschiesst Eugene eine von ihnen. Lavey realisiert, dass sie auch so aussieht und rennt davon. Verzweifelt versucht Eugene sie aufzuhalten. Eugene and his daughter Lavey move around. He loves his daughter but is struggling with her gradual metamorphosis. One evening, strange figures approach. Eugene panics and shoots one of them. Lavey realizes that she looks like them and runs away. Eugene desperately tries to stop her. Sunitha Sangaré (*1995) received her MA in film from the Lucerne School of Art and Design in 2020. «Them» is her graduation film. Previously, she completed her BA in 2D and 3D animation at the Ceruleum School of Visual Arts in Lausanne. Films she worked on include «Analysis Paralysis», «Boriya», and «Marona’s Fantastic Tale». Currently, she works for Nadasdy Film.

Director/Script: Roman Hodel Photography: Lukas Gut Editor: Rolf Hellat Sound: Oscar Van Hoogevest Producer: Franziska Sonder Production: Ensemble Film GmbH Zürich, sonder@ensemblefilm.ch, ensemblefilm.ch Distribution: Ouat Media, inga.diev@ouatmedia.com, +1 4169797380

Ein Pfiff – die Zuschauer werden laut, Spieler protestieren aufgebracht und die Sprecher kommentieren das Geschehen auf dem Feld lebhaft. Mittendrin der Schiedsrichter. Alle schauen auf ihn – jetzt muss er entscheiden. Mit Schiedsrichter Fedayi San erleben wir die Höhen und Tiefen eines Fussballspiels. A whistle – the spectators get loud, players protest, and the commentators excitedly narrate the events on the field. At the centre of attention: the referee. Everyone’s looking at him – he has to make a decision. With referee Fedayi San, we experience the ups and downs of a football game. Roman Hodel studied at the Lucerne School of Art and Design and works as a filmmaker and cinematographer. His short film «Blaulicht» (2014, co-directed with Lena Mäder) premiered at Kurzfilmtage. «The Game» had its world premiere at the Venice Biennale.

Die mit * markierten Filme sind auch für die Preise des Internationalen Wettbewerbs nominiert. Films marked with an * are also nominated for the awards of the International Competition.

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III


Jury

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Jury Internationaler Wettbewerb / Jury of the International Competition

Annette Amberg (CH)

Greg de Cuir Jr (RS)

Kuratorin Coalmine – Raum für Fotografie, Winterthur

Curator Coalmine – Raum für Fotografie, Winterthur

Freischaffender Kurator, Autor und Übersetzer

Kuratorin und Künstlerin Annette Amberg leitet den Ausstellungsraum Coalmine in Winterthur. Sie hat zudem Ausstellungsprojekte in der Shedhalle in Zürich, der Kunsthalle Basel und dem Strauhof in Zürich kuratiert. Ihre künstlerischen Arbeiten waren unter anderem am Istituto Svizzero in Rom, im Kunsthaus Glarus, im Helmhaus Zürich, an den Swiss Art Awards und im Aargauer Kunsthaus in Aarau zu sehen. Annette ist Gastdozentin an der ZHdK und unterrichtete an der HEAD in Genf sowie an der Hochschule für Gestaltung und Kunst in Basel.

Annette Amberg is the curator of Coalmine, a photo exhibition space in Winterthur. She has also curated exhibitions at Shedhalle in Zurich, at Kunsthalle Basel, and at Strauhof in Zurich, among others. Her own art has been presented at venues such as Istituto Svizzero in Rome, Kunsthaus Glarus, Helmhaus Zürich, the Swiss Art Awards, and Aargauer Kunsthaus in Aarau. Annette is a guest lecturer at the Zurich University of the Arts (ZHdK) and has taught at the Geneva University of Art and Design (HEAD) and the Academy of Art and Design in Basel.

Greg de Cuir Jr ist freischaffender Kurator, Autor und Übersetzer und lebt in Belgrad, Serbien. Zu seinen Projekten gehören unter anderem die Black Light Retrospektive am 72. Locarno Film Festival; Kevin Jerome Everson, The Abstract Ideal im Museum of Contemporary Art Vojvodina in Novi Sad; sowie 21st Century Žilnik im Close-Up Film Centre und LUX in London. De Cuir ist Redaktionsleiter der Zeitschrift NECSUS (Amsterdam University Press), Herausgeber der Buchreihe Eastern European Screen Cultures (Amsterdam University Press) und Mitglied der Redaktionsleitung für die Buchreihe Experimental Film and Artists’ Moving Image (Palgrave Macmillan). Seit 2008 ist er zudem in der Auswahl für Alternative Film/Video in Belgrad tätig.

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Oleksiy Radynski (UA) Independent curator, writer, and translator

Filmemacher und Autor

Filmmaker and writer

Greg de Cuir Jr is an independent curator, writer, and translator who lives and works in Belgrade, Serbia. His recent projects include the Black Light Retrospective at the 72nd Locarno Film Festival; Kevin Jerome Everson, The Abstract Ideal, at the Museum of Contemporary Art Vojvodina in Novi Sad; and 21st Century Žilnik at Close-Up Film Centre and LUX in London, among others. De Cuir is managing editor of the journal NECSUS (Amsterdam University Press), editor of the book series Eastern European Screen Cultures (Amsterdam University Press), and a member of the editorial board of the book series Experimental Film and Artists’ Moving Image (Palgrave Macmillan). Since 2008, he has worked as a selector for Alternative Film/Video in Belgrade.

Oleksiy Radynski ist Filmemacher und Autor aus Kiew. Seine Filme waren unter anderem an den Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen, am Institute of Contemporary Arts (London), am DOK Leipzig, in der Bar Laika (New York) und im Kmytiv Museum (Ukraine) zu sehen und haben mehrere Festivalpreise gewonnen. Er hat unter anderem am Berlinale Forum Expanded, Museum of Modern Art (New York) und International Studio & Curatorial Program (New York) Vorträge gehalten. Seine Texte sind in Proxy Politics: Power and Subversion in a Networked Age (Archive Books, 2017), Art and Theory of Post-1989 Central and East Europe: A Critical Anthology (MoMA, 2018), Being Together Precedes Being (Archive Books, 2019) und im e-flux journal erschienen. Er hat an der Kyiv-Mohyla Academy sowie im Home Workspace Program (Beirut) studiert. Zudem ist er am Visual Culture Research Center in Kiew tätig.

Oleksiy Radynski is a filmmaker and writer based in Kyiv. His films have been screened at International Short Film Festival Oberhausen, the Institute of Contemporary Arts (London), DOK Leipzig, Bar Laika (New York), and the Kmytiv Museum (Ukraine), among others, and received awards at several festivals. He has given talks at Berlinale Forum Expanded, the Museum of Modern Art (New York), and International Studio & Curatorial Program (New York), among others. His texts have been published in Proxy Politics: Power and Subversion in a Networked Age (Archive Books, 2017), Art and Theory of Post-1989 Central and East Europe: A Critical Anthology (MoMA, 2018), Being Together Precedes Being (Archive Books, 2019), and in e-flux journal. After graduating from KyivMohyla Academy, he studied at Home Workspace Program (Beirut), and he is a participant of the Visual Culture Research Center in Kyiv.

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Léo Soesanto (FR)

Randa Maroufi (FR/MA)

Leiter der Sektion Kurzfilm, Semaine de la Critique, Cannes

Head of shorts, Cannes Critics’ Week

Künstlerin

Léo Soesanto ist ein Filmjournalist und Programmierer aus Paris. Seine Texte sind in Libération, Les Inrockuptibles, Vogue, Premiere und Grazia erschienen. Er war Programmdirektor des Festival International du Film Indépendant de Bordeaux (2012–2018) und Programmierer für das International Film Festival Rotterdam (2016–2020). Seit 2017 leitet er die Sektion Kurzfilm der Semaine de la Critique in Cannes, nachdem er mehrere Jahre Mitglied im Selektionskomitee für Langspielfilme war (2009–2015). Léo war auch als Programmberater und Moderator für verschiedene Festivals tätig (Genf, Valencia, Utrecht) sowie als Kurator von Programmen zu Olivier Assayas, Jonathan Caouette, Denis Coté, Punk-Kino, Rainer Werner Fassbinder, asiatischen Filmen und TV-Serien.

Léo Soesanto is a Paris-based film journalist and programmer. His writings have appeared in Libération, Les Inrockuptibles, Vogue, Premiere, and Grazia. He was the programming director of the Festival International du Film Indépendant de Bordeaux (2012–2018) and a senior programmer for International Film Festival Rotterdam (2016–2020). He has been the head of the shorts selection committee at the Critics’ Week in Cannes since 2017, after several years as a member of the features selection committee (2009–2015). Léo has also worked as a programme advisor/moderator for several festivals (Geneva, Valencia, Utrecht) and curated programmes dedicated to Olivier Assayas, Jonathan Caouette, Denis Coté, punk cinema, Rainer Werner Fassbinder, Asian films, and TV series.

Randa Maroufi, 1987 in Casablanca geboren, lebt und arbeitet in Paris. Sie hat am Institut National des Beaux Arts in Tetouan, Marokko (2010), und an der École Supérieure d’Art et de Design in Angers, Frankreich (2013), studiert. Ausserdem hat sie ein Diplom von Le Fresnoy in Frankreich (2015) und war 2017/18 als Künstlerin an der Casa de Velázquez in Madrid. Randas experimentelle Werke als Filmemacherin und Künstlerin zeugen von einer elastischen Auffassung der Realität. Ihre Filme setzen oft Special Effects ein, um die Wahrnehmung von Zeit, Raum und Bewegung zu verändern. Ihre Arbeiten wurden in Gruppenausstellungen gezeigt, unter anderem an der Sharjah Art Foundation, UAE (2019); im MA Museum, Quebec (2019); an der Dakar Biennale, Senegal (2018); und am Centre Pompidou in Paris (2017). Ihre Filme «Le Park» (2015) und «Bab Sebta» (2019) haben mehrere Preise gewonnen.

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Jugendjury / Youth Jury

Marie Weise (CH), 16 Visual artist

Randa Maroufi, born 1987 in Casablanca, currently lives and works in Paris. She is a graduate of the National Institute of Fine Arts in Tetouan, Morocco (2010), and of the School of Fine Arts in Angers, France (2013). She also earned a diploma from Le Fresnoy in France (2015) and was a resident artist at Casa de Velázquez in Madrid in 2017/18. Randa’s experimental works as a filmmaker and artist explore an elastic awareness of reality. Her films and moving images often employ special effects and other formal devices that alter perceptions of time, space, and movement. Her works have been presented in group exhibitions at the Sharjah Art Foundation, UAE (2019); MA Museum, Quebec (2019); Dakar Biennale, Senegal (2018); Centre Pompidou, Paris (2017), and many more. She has received numerous awards for her films «Le Park» (2015) and «Bab Sebta» (2019).

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Nico Juchli (CH), 18

Sophia Luft (CH), 16


Jury Schweizer Wettbewerb und Schweizer Filmschulentag / Jury of the Swiss Competition and the Swiss Film School Day

Florian Weghorn (DE)

Marta Bałaga (FI)

Programmleiter Berlinale Talents

Programme Manager Berlinale Talents

Filmjournalistin

Florian Weghorn ist seit 2014 Programmleiter von Berlinale Talents, der Talentförderinitiative der Internationalen Filmfestspiele Berlin. Er berät ausserdem die sieben internationalen Aussenstellen von Berlinale Talents von Beirut bis Tokio. Florian wurde 1976 in Oldenburg geboren und hat seinen Magister Artium in Theater-, Film- und Fernsehwissenschaften an der Universität Köln abgelegt. Er gehört seit 2002 zum festen Team der Berlinale, wo er zunächst für die Sektion Generation arbeitete, deren Co-Leitung er von 2008 bis 2014 innehatte. Zwischen 2012 und 2019 war Florian zudem Mitglied des Auswahlkomitees für den Wettbewerb der Berlinale. Darüber hinaus hat er für andere internationale Filmfestivals, Filmförderungen und kulturelle Institutionen gearbeitet und ist Mitglied der Europäischen Filmakademie. Er ist freier Autor und Herausgeber mehrerer Publikationen zu Filmthemen und Jugendkultur.

Florian Weghorn is the Programme Manager of Berlinale Talents, the annual summit and talent development initiative of the Berlin International Film Festival. He also advises the seven Berlinale Talents offshoots around the world, ranging from Beirut to Tokyo. Born in 1976 in Oldenburg, Florian holds an MA in Theatre, Film, and Television Studies from the University of Cologne. He joined the Berlinale team in 2002, initially working for the Generation section, which he co-directed from 2008 to 2014. From 2012 to 2019, Florian was also a member of the Berlinale Competition selection committee. In addition, he has worked for various other international film festivals, film funds, and cultural institutions, and he is a member of the European Film Academy. He is the author and editor of several publications on film and youth culture.

Marta Bałaga ist eine Filmjournalistin, deren Texte in Cineuropa, Variety und im finnischen Filmmagazin Episodi erschienen sind. Sie arbeitet mit mehreren Festivals zusammen, unter anderem mit dem Helsinki International Film Festival – Love & Anarchy und dem Les Arcs International Film Festival. Marta ist Mitglied von SARV (dem finnischen KritikerInnen-Verband), FIPRESCI und der Europäischen Filmakademie, wo sie zum Nominationskomitee des European Discovery 2019 und 2020 – Prix FIPRESCI gehört. Sie war zudem Jurymitglied an zahlreichen Festivals, etwa am Tampere Film Festival und an der Internationalen Kritikerwoche in Venedig.

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Veton Nurkollari (XK) Film journalist

Künstlerischer Leiter DokuFest, Prizren

Artistic Director DokuFest, Prizren

Marta Bałaga is a film journalist who has published in Cineuropa, Variety, and the Finnish film magazine Episodi. She collaborates with various festivals, including Helsinki International Film Festival – Love & Anarchy and Les Arcs International Film Festival. Marta is a member of SARV (the Finnish Critics’ Association), FIPRESCI, and the European Film Academy, where she joined the nomination committee for the European Discovery 2019 and 2020 – Prix FIPRESCI. She has served on many juries, from Tampere Film Festival to the Venice International Film Critics’ Week.

Veton Nurkollari ist der künstlerische Leiter von DokuFest, dem grössten Kulturanlass im Kosovo. Das Festival, das Veton 2002 mitbegründet hat, zählt zu den wichtigsten Dokumentar- und Kurzfilmfestivals in Südosteuropa. Veton ist ausserdem Kurator für DokuPhoto, eine jährliche Fotografie-Werkschau, die parallel zum Filmfestival läuft. Zudem ist er regelmässig als Kurator und Jurymitglied für andere Filmfestivals tätig. Aktuell ist er an einem Coaching-Programm für junge Filmschaffende im Kosovo innerhalb der Projekte «Future Is Here» und «Heritage Space» beteiligt. Er ist Mitglied der Europäischen Filmakademie und des Europäischen Kulturparlaments.

Veton Nurkollari is the Artistic Director of DokuFest, Kosovo’s largest cultural event and one of the major documentary and short film festivals in Southeast Europe, which Veton co-founded in 2002 with a group of friends. He is also one of the curators of DokuPhoto, an annual showcase of documentary photography that runs alongside the film festival. Veton regularly curates film programmes and serves on juries at other festivals. Currently, he is involved in a coaching and mentorship programme for young filmmakers from Kosovo within the «Future Is Here» and «Heritage Space» projects. Veton is also a member of the European Film Academy and the European Cultural Parliament.

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Preise der Wettbewerbe

PreisstifterInnen

Die Jury des Internationalen Wettbewerbs vergibt den Hauptpreis, den Förderpreis und den Prix George. Die Jury des Schweizer Wettbewerbs vergibt die Preise für den besten Schweizer Film und den besten Schweizer Schulfilm. Die Jugendjury kürt die beiden besten Filme in den Programmen Sparks I und Sparks II. Der ZKB Publikumspreis wird von den ZuschauerInnen bestimmt. Hauptpreis des Internationalen Wettbewerbs CHF 12 000.– gestiftet von der SRG SSR Förderpreis des Internationalen Wettbewerbs CHF 10 000.– gestiftet von der Stadt Winterthur Prix George für die beste dokumentarische Form des Internationalen Wettbewerbs CHF 10 000.– gestiftet von der Volkart Stiftung Preis für den besten Schweizer Film CHF 10 000.– gestiftet von SUISSIMAGE und SSA ZKB Publikumspreis CHF 10 000.– gestiftet von der Zürcher Kantonalbank

Preis für den besten Film im Programm Sparks I CHF 1000.– gestiftet von den Internationalen Kurzfilmtagen Winterthur Preis für den besten Film im Programm Sparks II CHF 1000.– gestiftet von den Internationalen Kurzfilmtagen Winterthur Preis für den besten Schweizer Schulfilm CHF 5000.– gestiftet von der SRG SSR Postproduktions-Preis CHF 20 000.– (Sachpreis) gestiftet von cinegrell und Jingle Jungle

Die Wettbewerbsfilme der Kurzfilmtage sind unter bestimmten Bedingungen nominationsberechtigt für den Oscar®, den BAFTA-Award, den European Film Award sowie für den Schweizer Filmpreis Quartz.

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Competition Awards

Donators

The jury of the International Competition awards the Grand Prize, the Promotional Award, and the Prix George. The jury of the Swiss Competition selects the winners of the Award for the Best Swiss Film and the Award for the Best Swiss School Film. The audience chooses the winner of the ZKB Audience Award.

Grand Prize of the International Competition CHF 12 000.– donated by SRG SSR Promotional Award of the International Competition CHF 10 000.– donated by the City of Winterthur Prix George for the Best Documentary Form in the International Competition CHF 10 000.– donated by the Volkart Foundation Award for the Best Swiss Film CHF 10 000.– donated by SUISSIMAGE and SSA ZKB Audience Award CHF 10 000.– donated by Zürcher Kantonalbank

Award for the Best Film in the Programme Sparks I CHF 1000.– donated by Internationale Kurzfilmtage Winterthur Award for the Best Film in the Programme Sparks II CHF 1000.– donated by Internationale Kurzfilmtage Winterthur Award for the Best Swiss School Film CHF 5000.– donated by SRG SSR Postproduction Award CHF 20 000.– Non-cash prize donated by cinegrell and Jingle Jungle

Under certain conditions, films from the Kurzfilmtage competitions qualify for nomination consideration for the Oscar®, the BAFTA Award, the European Film Award, and the Swiss Film Award.

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Hors Concours

Hot Shorts ZĂźri Shorts

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Hot Shorts Curated by Angela di Filippo, Sebastian Henn, Matthias Sahli

Running time 70' Friday, 6 November 2020, 23:00, Casino 1

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Beyond Noh

Persona 5

USA/Japan 2020, 4'00", DCP, colour, no dialogue, Ani/Exp

Argentina 2019, 18'00", DCP, colour, Spanish with English subtitles, Doc

Director/Animation: Patrick Smith Producer: Kaori Ishida Production: Blend Films, info@blendfilms.com, blendfilms.com Distribution: Patrick Smith, pat@blendfilms.com, +1 9175742207

Director/Script/Photography: Ulises Conti Editor: Merecedes D’Angelo Sound: Catriel Vildosola Producer: Lisandro Alonso Production/Distribution: Ulises Conti, ulisesconti@gmail.com

«Beyond Noh» animiert rhythmisch 3745 einzelne Masken aus unterschiedlichen Kulturkreisen und Zeitepochen. Vom japanischen Noh-Theater des 14. Jahrhunderts bis zur gegenwärtigen Popkultur nimmt uns der Film mit auf eine Reise durch Ritual, Nützlichkeit, Devianz und Politik.

Ein Blick auf die Spielsucht. «Persona 5» erzählt von der enormen Hingabe und dem intensiven Drang einer Gruppe von Jugendlichen, die perfekte Kontrolle zu erlangen, was manchmal sogar zu körperlicher Deformation führt. Eine extreme Form des Eskapismus, der zu gleichen Teilen beeindruckt und beängstigt.

«Beyond Noh» rhythmically animates 3475 individual masks from all over the world: from 14th-century Japanese Noh theatre to contemporary pop culture, the film takes us on a cultural journey through ritual, utility, deviance, and politics. Patrick Smith is known for his metaphorical handdrawn short films as well as his experimental stopmotion films. His formative years were spent as a storyboard artist for Walt Disney and an animation director for MTV. Smith is a member of the Academy of Motion Picture Arts and Sciences and a fellow of the New York Foundation for the Arts.

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A look at game addiction. Anecdotes about a group of friends illustrate their enormous dedication and intense drive to attain perfect control, which sometimes even leads to physical deformity. An extreme form of escapism, equal parts impressive and frightening. Ulises Conti was born in Buenos Aires in 1975. He is a composer, sound artist, and music producer who has scored more than 50 films, plays, and dance pieces. He has written three books published by Mansalva and released more than ten albums on Flau Records and Metamusica. «Persona 5» is his first short film.

Lachsmänner / Salmon Men Switzerland 2020, 6'06", DCP, colour, no dialogue, Ani Director/Script: Manuela Leuenberger/ Joel Hofmann/Veronica L. Montaño Animation: Joel Hofmann/Joana Locher/Sarah Rothenberger/Manuela Leuenberger/Etienne Mory Sound: Etienne Kompis/Thomas Gassmann Producer: Lukas Pulver Production: YK Animation Studio GmbH, lukas@yk-animation.ch, yk-animation.ch Distribution: Ramon Schoch, ramon@yk-animation. ch, yk-animation.ch

Die Lachse wollen sich fortpflanzen. Während die Lachsmänner testosterongeladen stromaufwärts schwimmen, geben sich die Frauen am Ursprung des Flusses einem Fruchtbarkeitstanz hin. Doch die Rollen sind nicht so klar verteilt, wie die Männer es erwarten. The salmon want to reproduce. While the salmon men are swimming upstream in a testosterone-driven race, the women at the source of the river indulge in a fertility dance. But the roles are not distributed as clearly as the men expect. Manuela Leuenberger put her creative skills into professional cake-making and chocolate candy, before she decided to study animation at the Lucerne School of Art and Design. She graduated with the animated short «Ivan’s Need». Manuela is not only our lead in 2D animation, she is also our head of cakes. Joel Hofmann is an animator. He graduated from the Lucerne School of Art and Design with a master’s degree and the two graduation films «The Valley Below» and «Eisnasen». Joel has worked on 2D digital animation, 3D CGI, and stop-motion projects. He is most passionate about stop-motion and anything handcrafted. Veronica L. Montaño is an illustrator and art director. She graduated from the Lucerne School of Art and Design with a master’s degree and two graduation films, «Ivan’s Need» and «Eisnasen». She specializes in character design and illustrations of all kinds.


Kachalka Ireland 2019, 9'20", DCP, colour, Ukrainian/Russian with English subtitles, Doc Director: Gar O’Rourke Photography: Colm Hogan Editor: John O’Connor Producer: Ken Wardrop Production: Venom Film, wardrop@venom.ie, +353 14975980 Distribution: Gar O’Rourke, garfromeire5@gmail.com

Eine Reise ins Herz von Kiews FreiluftFitnessstudio Kachalka, das weithin als das härteste der Welt gilt. Der dokumentarische Kurzfilm folgt dem Hausmeister Petro, während er seine Arbeit im riesigen Schrottgelände erledigt und gleichzeitig Einblicke in das Training der bunt gemischten Benutzer gewährt. A journey into the heart of what is widely considered the world’s most hardcore gym – Kyiv’s enormous open-air Kachalka gym. This observational film follows the gym’s caretaker as he takes us through the enormous scrap metal site, offering a glimpse into the workouts of various local gym-goers along the way. Gar O’Rourke is an Irish filmmaker based in Dublin. His debut short film, «Kachalka» (2019), has played at over 20 Oscar-qualifying festivals internationally, including Hot Docs, Clermont-Ferrand, Aspen Shortsfest, and Palm Springs. He is currently developing a feature-length documentary.

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The Last Ferry from Grass Island USA/Hong Kong 2019, 13'00", DCP, colour, Chinese with English subtitles, Fic Director/Script: Linhan Zhang Photography: Giorgos Valsamis Editor: Zekun Mao/Aashish D’Mello Cast: Tai Bo/Wang Yang Producer: Clifford Miu Production: Bering Pictures, Clifford Miu, clifford@beringpictures.com, Linhan Zhang, linhan@beringpictures.com Distribution: Shortcuts, elise@shortcuts.pro, +33 615278035

Ein Auftragskiller aus Hongkong hat seine besten Jahre hinter sich und und zieht sich als Fischer auf einer friedlichen Insel in der Nähe zurück. Doch der Frieden und die Ruhe halten nicht lange an. A Hong Kong hitman retires as a fisherman on peaceful Grass Island. But the peace and quiet don’t last long. Linhan Zhang was a film and television undergraduate at NYU’s Tisch School of the Arts. He was one of fifteen 2017/18 Sundance Ignite fellows and one of twenty recipients of the 2019 Adobe Creativity Scholarship. «The Last Ferry from Grass Island» is his first film.

Filmiki ze zwierza˛tkami [zobacz teraz] / Best Animal Videos [Watch Now] Poland 2019, 6'27", DCP, colour, Polish with English subtitles, Ani/Fic Director/Script/Animation: Katarzyna Miechowicz Editor/Sound: Piotr Baryła Production: PWSFTviT, agolanska@filmschool.lodz.pl, +48 605585513 Distribution: Indeks Film Studio, office@studioindeks.pl, +48 515123369

Das Leben des Schwans verläuft ruhig und unkompliziert – bis er eine verrückte Katze namens Tony kennenlernt. Swan’s life is simple and quiet. But everything is turned upside down when he meets a crazy cat named Tony. Katarzyna Miechowicz (*1995) is a fifth-year student of animation and special effects at the Polish National Film School in Lodz.


Féeroce / Fairyocious France 2019, 13'20", DCP, colour, French with English subtitles, Fic Director/Script: Fabien Ara Photography: Thomas Jacquet Editor: Emilie Janin Sound: Andria Vivarelli Cast: Ange-Nicolas Castellotti/Capucine Lespinas Producer: Amélie Quéret Production: Respiro Productions, Contact@Respiroproductions.com, +33 679871600 Distribution: Manifest, anais@manifest.pictures, +33 620542430

Simon: «Ich will ein Mädchen sein, Mama.» Alma erstarrt. Sie weiss nicht, wie sie reagieren soll. Ihr achtjähriger Sohn will sich von nun an wie eine Fee kleiden, um zur Schule zu gehen. Sie bittet ihre Nachbarn um Hilfe. Bald debattiert das ganze Gebäude über Simons Entscheidung. Simon: «I want to be a girl, mommy.» Alma freezes. She doesn’t know how to react. Her eight-year-old son decides he wants to dress up like a fairy to go to school. She asks her neighbours for help. Soon, the whole building is debating Simon’s decision. Fabien Ara has been an actor for over ten years, appearing in lead roles in several French and international productions. His first short film as a director, «Clac!», received about fifty prizes. «Féeroce» is his second short film and has won twenty awards to date.

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ZĂźri Shorts Curated by John Canciani, Laura Walde

Running time 90' Thursday, 5 November 2020, 22:30, Casino 1 Friday, 6 November 2020, 12:00, Kino Cameo

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Kingdom

Tweetators

Dirt Devil 550 XS

Switzerland 2019, 11'13", DCP, colour, English, Fic

Switzerland 2020, 3'09", DCP, colour, English with English subtitles, Exp

Switzerland 2020, 16'38", DCP, colour, Swiss German with English subtitles, Fic

Director/Script/Photography/Animation/Editor/ Producer: zweihund Production/Distribution: zweihund Gmbh, Info@Zweihund.com, zweihund.com

Director/Script/Editor: Rolf Hellat Photography: Pascal Reinmann Sound: Oliver Rogers Cast: Yann Schmidthalter/Julia Gräfner/ Markus Urbscheit/Giorgina Hämmerli/ Gwendolin Kircali/Pablo Aguilar/Jonas Rüegg Producer: Rolf Hellat/Dario Schoch/Andreas Elsener Production: Cognito Films, dario@cognitofilms.ch, cognito-films.com, Nordhang Film, pascal@nordhangfilm.com, nordhangfilm.com Distribution: Rolf Hellat, rolf@hellat.ch, hellat.ch

Director: Bettina Oberli Script: Thomas Ritter Photography: Martin Gschlacht Animation: Valentin Struklec Editor: Cécile Welter Sound: Manu Gerbre Cast: Emily Beecham Producer: Martin Joss/Bettina Oberli/ Adelina von Fürstenberg Production: Loopingfilm GmbH, joss@loopingfilm.com, +41 764769575 Distribution: International sales (theatrical): Ouat Media, sabrina.spence@ouatmedia.com, +1 4169797380 / Festival distribution: Loopingfilm GmbH, joss@loopingfilm.com, +41 764769575

Eine riesige, felsige Wüste. Eine einsame Frau kämpft darum, das letzte Stück des letzten Gletschers mit einem verrückten Flickenteppich aus Stoff und Lumpen zu erhalten, den sie aus den verlassenen Tälern holt. A vast, rocky desert. A lone woman struggles to preserve the last bit of the last remaining glacier with a crazy patchwork of cloth and rags that she retrieves from the abandoned valleys. Screenwriter and director Bettina Oberli was born 1972 in Interlaken, Switzerland. She received her degree in film directing from the Zurich University of the Arts (ZHdK) in 2000.

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«Tweetators» wirft einen Blick auf die absurdesten Wortschöpfungen aus dem Alltag der Politik. «Tweetators» takes a look at the most ridiculous word creations from everyday politics. zweihund is a Winterthur-based production company that creates commercials, image films, documentaries, shorts, and experimental music videos.

Sieben BewohnerInnen einer selbstverwaltenden Genossenschafts-Wohnung haben WG-Sitzung. Als es um die Anschaffung eines neuen Staubsaugers geht, gehen die Meinungen auseinander. Ein flamboyantes Kammerspiel, das relevante Nichtigkeiten und Gruppendynamik verhandelt. Seven residents of a shared apartment are having a meeting. Opinions are divided when it comes to purchasing a new vacuum cleaner. A flamboyant drama about group dynamics and daily negotiations. Rolf Hellat studied film at the Zurich University of the Arts (ZHdK) and attended an exchange programme at the Film and Television Institute of India in Pune. He currently works as a freelance director and editor, developing features and short films. In addition, he makes music with sensors and kinetic objects.


Signs Switzerland 2020, 10'40", DCP, colour, no dialogue, Ani Director/Script: Dustin Rees Animation: Yael Schärer/Dustin Rees/Jonathan Wüst Editor: Dustin Rees/Fee Liechti Sound: Loïc Kreyden/Thomas Gassmann Producer: Saskia von Virág Distribution: Bonobostudio, vanja@bonobostudio.hr, +385 14834445

Ein Elektriker montiert Nacht für Nacht Leuchtreklamen in der Stadt. Sein Leben ist reine Routine. Unbeachtet und unachtsam geht er durchs Leben. Bis er plötzlich merkt, welchen Zeichen und Signalen er Beachtung schenken muss. An electrician follows his nightly routine setting up signs in the city. He goes through life unnoticed and out of touch with the world, until he realizes which signs he should be paying attention to. Dustin Rees (*1981 in Zurich) graduated from the animation department of the Lucerne School of Art and Design in 2007 and has taught digital editing and animation at the school since 2007. He also operates a cinema, freelances, and runs animation workshops for schools and children.

Menschen am Samstag / PLOP People on Saturday Switzerland 2020, 1'00", DCP, colour, no dialogue, Ani Switzerland 2020, 9'26", DCP, colour, German with English subtitles, Fic Director/Script/Editor: Jonas Ulrich Photography: Andi Widmer Sound: Julian Joseph Producer: Nicole Boner Production: Dynamic Frame GmbH, luzius.fischer@dynamic-frame.ch, dynamic-frame.ch Distribution: Kurzfilm Agentur Hamburg, daniela@shortfilm.com, +49 4039106319

Ein sonniger Samstagnachmittag in Zürich. Der Film zeigt zehn Alltagssituationen in der Stadt als statische Tableaus. Die Menschen darin sehen sich mit grossen oder kleinen Problemen konfrontiert – jeder und jede ein Sisyphos, täglich die kleinen Steine des Alltags den Berg hoch rollend. A sunny Saturday afternoon in Zurich. The movie shows ten static tableaux depicting everyday situations in the city. The people in them are confronted with large and small problems – each of them is a Sisyphos, rolling the little rocks of daily life up the mountain day after day. Jonas Ulrich (*1990 in Zurich) graduated from the University of Zurich in 2013 with a degree in history and film studies. The same year, he co-founded Dynamic Frame, and he has worked as a director, author, and editor ever since. His short «Höhenwahn» (2018) was screened in Palm Springs and Warsaw and nominated for the Zurich Film Award in 2019.

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Director/Script/Animation: Kevin Duong Production/Distribution: Kevin Duong, kevin_duong@gmx.ch, kevinduong.ch

Seltsame Objekte flitzen über das Firmament und treten mit einem Zischen in die Atmosphäre ein. Strange objects are shooting across the firmament, entering the atmosphere with a sizzle. Kevin Duong is a passionate 2D and 3D artist currently living in Basel. He graduated from the Lucerne University of Art and Design with a BA in animation in 2017.


J’ai arrêté de caresser Der Film vom Propellerle chien / I Don’t Pet the mann / The Film about Dog Anymore the Propeller Man Switzerland 2020, 14'19", DCP, black & white, Swiss German/French with English subtitles, Doc

Switzerland 2020, 22'30", DCP, colour, Swiss German/German with English subtitles, Fic

Director/Script/Photography/Editor/Sound/ Producer: Lisa Gertsch Production/Distribution: Lisa Gertsch, lisa.gertsch@gmx.ch

Director/Script: Johannes Bachmann Photography: Rafael Kistler Editor: Claudius Andreae Sound: Oliver Rogers/Christian Schäppi Cast: Julian Boine/Johannes Bachmann/ Roger Bonjour/Max Rüdlinger/Tatjana Sebben Producer: Filippo Bonacci Production/Distribution: Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), moritz.schneider@zhdk.ch, zhdk.ch

Beerdigungen sind nicht mehr erlaubt. Das Essen im Gefängnis ist eine Katastrophe. Die Leute geraten angesichts der Langeweile in Panik, und Ahmet streichelt den Hund nicht mehr. Funerals are no longer allowed. The food in prison is a disaster. People panic in the face of boredom, and Ahmet doesn’t pet the dog anymore. Lisa Gertsch (*1992 in Berne) received her BA in film from the Zurich University of the Arts. Her graduation film, «Fast alles», received a Student Oscar, among other awards. She is currently pursuing an MA in fiction directing at ZHdK.

«Josef findet einen Propellerhut und setzt alles daran, um damit zu fliegen zu können.» Das ungefähr ist die Kurzfilm-Storyline des Filmstudenten Claudius, der alles versucht, um endlich seinen Abschlussfilm zu realisieren. Aber Filme machen ist gar nicht so einfach und fliegen erst recht nicht ... «Josef finds a propeller hat and does everything he can to fly with it.» That, roughly, is the storyline of a short by film student Claudius, who is desperately trying to finally shoot his graduation film. But making films is not that easy, and neither is flying ... Johannes Bachmann (*1992) grew up in a Swiss family of musicians in Munich. He holds a BA and MA in film from the Zurich University of the Arts (ZHdK). His films have been screened and awarded at numerous international festivals.

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Festland-China, Hongkong, Taiwan Mainland China, Hong Kong, Taiwan

Curated by John Canciani, Janis Huber, Delphine Jeanneret, Anita Magni, Laura Walde, Senta van de Weetering

GROSSER FOKUS MAIN FOCUS

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Grosser Fokus: Festland-China, Hongkong, Taiwan Wenn man Filme aus Taiwan, Hongkong und China betrachtet, drängt sich schnell die Frage nach der Sprache auf: Sie eröffnet ein komplexes und heikles Feld sich überschneidender Identitäten, Ethnien und Geschichten, das die Filme dieser vermeintlich «chinesischen» Bevölkerung so faszinierend und zuweilen auch problematisch macht. Sind Filme aus Taiwan, Hongkong und China – der Volksrepublik auf dem Festland– zwingend in Mandarin gesprochene Filme? Sie könnten es alle sein. Doch manchmal wird auch Kantonesisch in Hongkong oder Hokkien und Hakka in Taiwan gesprochen. Zudem gibt es in all diesen Territorien unzählige Sprachen und regionale Dialekte, etwa Mongolisch oder Tibetisch auf dem Festland oder die Sprachen der indigenen Bevölkerung Taiwans. Diese Komplexität – und die damit verbundenen Fragen von Identität und Ortschaft, Zugehörigkeit, Erinnerung und Nostalgie – ist seit langem in Filmen wirksam. Die radikalen Veränderungen der Kultur- und Kinolandschaft verleihen diesen Themen eine neue Dringlichkeit. Der rasante politische und wirtschaftliche Wandel hat auch die Filmindustrien beeinflusst. Im Fall von China und Taiwan haben sich die Veränderungen in einem kondensierten Zeitraum von rund 40 Jahren abgespielt. Hongkongs legendäre Filmindustrie war bis in die 1980er Jahre von kommerziellen Filmen dominiert, als die Filmschaffenden der neuen Welle in Erscheinung traten. Das Kino des Festlands erregte weltweite Aufmerksamkeit mit den ethnographischen Meisterwerken der sogenannten Fünften Generation, während das New Taiwanese Cinema gegen die staatlichen Studios der Insel aufbegehrte und sich an internationalen Festivals behauptete. Diese Momente scheinen mittlerweile weit in der Vergangenheit zu liegen. In Hongkong ist die frühere Industrie praktisch verschwunden. Die britische Kolonie ist nun eine «Sonderverwaltungszone» von China, dessen Macht über die Politik, Ökonomie und Inhalte von Filmen erdrückend ist. Die Filmschaffenden müssen sich auf ein kompliziertes Spiel mit der Zensur einlassen, wenn sie auf die höheren Budgets und das grössere Publikum chinesischer CoProduktionen zugreifen und entsprechend mehr Einfluss gewinnen wollen. Einst sah die Kritik das Hongkong-Kino aus dem Blickwinkel der Machtübergabe von 1997. Heutzutage ist es schwer, die wenigen ausschliesslich

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in Hongkong produzierten Filme nicht als Versuch zu lesen, eine HongkongIdentität zu bewahren, als Kampf um die eigene Kultur und sogar die Erinnerung. Auf dem Festland hat sich die alte, relativ monolithische Struktur der Filmindustrie, dominiert von der Beijing Film Academy, einem grösseren Pluralismus geöffnet. Gestiegener Wohlstand, vermehrter Zugang zu internationalen Filmen (ob legal oder raubkopiert) und massive Kapitalinvestitionen in die Filmindustrie haben eine dynamischere Landschaft mit mehr Möglichkeiten hervorgebracht. Junge chinesische RegisseurInnen sind zunehmend versiert im Umgang mit dem Potenzial des Genrekinos und dem Bespielen des riesigen Inlandmarkts. Die taiwanesische Industrie hat Perioden von Überfluss und Mangel durchlebt. Das Erbe des New Taiwanese Cinema mit seiner beobachtenden Ästhetik hat lange Schatten geworfen, aber jüngere Filmschaffende gehen ihre eigenen Wege darüber hinaus. Für viele bedeutete dies eine Zeit lang ebenfalls der Verlockung von China nachzugeben, als eine Ära der Möglichkeiten ein intensives Unternehmertum ankurbelte. Doch diese Blase scheint kurz vor dem Platzen zu stehen. Im Zuge von Xi Jinpings zunehmend nationalistischer Rhetorik sehen sich Filmschaffende zu persönlichen Entscheidungen (oder Statements) gezwungen, einem bestimmten China gegenüber Loyalität zu bekunden. Für FilmemacherInnen aus Hongkong – und vor allem aus Taiwan – kann es durchaus einem Teufelspakt gleichkommen, die kommerziellen Chancen des Festlands zu ergreifen. Was uns in gewissem Sinne zur Sprache zurückbringt. Was in einem Umfeld, das gleichzeitig höchst lukrativ und politisch streng überwacht ist, gesagt oder nicht gesagt wird, bietet faszinierenden Raum für Interpretation. War einst der rasante Wandel von Städten und Landschaften das Thema von Filmen, bildet die Kulmination dieser Entwicklungen nun den Hintergrund für Geschichten einer neuen Generation von Filmschaffenden, die sich dem zentralen Dilemma stellen. Ihre Antworten sind eindrücklich und stilvoll und navigieren geschickt das streng kontrollierte aber genre-beeinflusste und hyperkapitalisierte Produktionsumfeld. Ming-Jung Kuo, Künstlerische Leiterin, Singapore International Film Festival

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Main Focus: Mainland China, Hong Kong, Taiwan When exploring films from Taiwan, Hong Kong, and China, one of the first questions we face is language, which ushers in a complex and often thorny web of intersecting identities, ethnicities, and histories that make films from this seemingly «Chinese» demographic so fascinating, and at times, fraught. In the first place, are films from Taiwan, Hong Kong, and China – the mainland People’s Republic – necessarily films in Mandarin? They may all be. But they may also speak, and have spoken, Cantonese in Hong Kong, or Hokkien and Hakka in Taiwan. Moreover, all the territories include countless languages and regional dialects, like Mongolian or Tibetan on the mainland, or the languages of Taiwan’s indigenous population. Such complexities – with broader issues of identity and place, of belonging, of memory and nostalgia – have long been a potent force in films. With the cultural and cinematic landscape now radically altered, these themes have a renewed urgency. Rapid political and economic transformations have impacted each film industry. In the case of China and Taiwan, change has taken place in a condensed timeframe of around 40 years. In Hong Kong, the legendary film industry was dominated by commercial films into the 1980s, when the filmmakers of the Hong Kong New Wave started making their appearance. Mainland Chinese cinema came to world attention with the ethnographic masterpieces of the so-called Fifth Generation, and the New Taiwanese Cinema was challenging the island’s state studios and staking its claim at international festivals. These moments now seem ages ago. In Hong Kong, the previous industry has all but disappeared. The British colony is now the «Special Administrative Region» of China, whose power over the politics, economy, and content of films is overwhelming. Hong Kong filmmakers must play a complicated game of negotiating censorship if they are to access the much bigger budgets and audiences – and take a share of the influence – from Chinese co-productions. Once upon a time, critics tended to read Hong Kong films through the lens of the 1997 handover. These days, it’s hard not to see the few purely Hong Kong-produced films as attempts to preserve a Hong Kong identity, as a fight for culture and even memory. Within mainland China, the old, somewhat monolithic structure of the film industry, dominated by the Beijing Film Academy, has been opened to a

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greater pluralism. Increased affluence, greater access to international films (whether legal or pirated), and a massive investment of venture capital into the film industry has led to a more dynamic landscape with more opportunities. Young Chinese directors are increasingly savvy, attuned to the possibilities of genre films and of playing to the massive domestic market. Taiwan’s industry has experienced periods of glut and famine. The legacy of the New Taiwanese Cinema, with its observational aesthetic, has cast a long shadow, but younger filmmakers have sought to negotiate their way beyond it. For many, for a while, that also meant the lure of China, as a period of opportunity led to a frenetic entrepreneurial rush. However, that bubble seems close to bursting. With Xi Jinping’s increasingly nationalistic rhetoric, filmmakers are forced to make personal choices (or statements) of loyalty to one particular China. For filmmakers from Hong Kong – and especially those from Taiwan – accepting mainland commercial opportunity can be something of a Faustian pact. Which, in a sense, returns us to language. What is said – and not said – in a production environment that is commercially vibrant but also closely monitored politically offers a fascinating space for interpretation. Where the rapid physical changes to cities and landscapes were once the subject of films, the culmination of those transformations now forms the backdrop for stories told by a new generation of filmmakers responding to the central conundrum. The signs are that their answers are formidable and stylish, smart at navigating the twists and turns of a heavily controlled but genre-inflected and hyper-capitalized production environment. Ming-Jung Kuo, Artistic Director, Singapore International Film Festival

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Home Not Home

Running time 90' Online

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Home Not Home Seit Jahrzehnten haben Menschen chinesischer Herkunft ihre Heimatorte verlassen, um andernorts ein neues Leben anzufangen. Die chinesische Migration trägt vielerlei Konnotationen und hat eine komplexe Geschichte, aber am einfachsten lässt sie sich als Weggehen beschreiben. Aus der Heimat weggehen. Ob jemand ein kleines Dorf auf dem Lande in Richtung einer chinesischen Metropole verlässt oder von Hongkong nach Taiwan oder gar nach Übersee zieht – das Weggehen ist es, was die ProtagonistInnen in Home Not Home verbindet. Die einen sind weggegangen und beschliessen zurückzukehren; andere wollen weggehen, können aber die Grenze nicht überqueren; wiederum andere sind aus ihrem Heimatland verbannt. Jedenfalls verstehen alle, was es bedeutet, etwas zurückzulassen. Der politische Druck ist gross, die Familienbande werden erschüttert, die Grenzen zwischen dem Vertrauten und dem Fremden verschwimmen. Wohin und zu wem gehört man, wenn Grenzen, Kulturen und politische Systeme aufeinanderprallen? Home Not Home widmet sich dem Weggehen ebenso wie der Zugehörigkeit in fünf heterogenen Kurzfilmen, produziert in Festland-China, Taiwan, Hongkong und Belgien. «Home Abroad» ist ein autobiografischer Essay, in dem der Filmemacher seine Heimat Taiwan infrage stellt. Als Student in Brüssel vermisst er gewisse Aspekte der taiwanesischen Kultur, aber gleichzeitig beginnt er, sein Heimatland mit kritischem Blick von aussen zu betrachten. Das eindrückliche Drama «I Have Nothing to Say», in SchwarzWeiss gedreht, widmet sich der Beziehung und Wiedervereinigung einer Mutter und ihrer Tochter, die als Filmemacherin im Exil lebt. Die beiden müssen sich in Taiwan treffen, wohin die Tochter aus ihrem Exil in Hongkong reisen darf. «On the Border», der 2018 im Kurzfilmwettbewerb in Cannes lief, dreht sich um einen Teenager, der sein abgelegenes Dorf in der Nähe von Nordkorea verlassen will, in der Hoffnung auf ein besseres Leben jenseits der Grenze. Der autobiografische Dokumentarfilm «Memories of Chengdu» zeigt den Filmemacher bei der Rückkehr in seine Heimat nach drei Jahren in den USA. Mit alten und neuen Filmaufnahmen und seinem eigenen Voiceover führt er uns durch Chengdu, während er die Stadt wiederentdeckt. In «One Side Two Bodies» besucht ein Junge aus Taiwan seine Grossmutter in einer Kleinstadt auf dem Festland. Während er verschiedenen Formen der Ablehnung und Belästigung ausgesetzt ist, entwickelt er gleichzeitig eine starke Bindung zu seiner Grossmutter und lernt mehr über seine Herkunft.

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Dieses Programm gibt Einblick in die Migration von Menschen chinesischer Herkunft und die politischen Dilemmas um Taiwan, Hongkong und FestlandChina. Doch im Zentrum stehen die universellen Themen von Heimatverlust und Zugehörigkeit. Wie verschiebt sich unsere Wahrnehmung, wenn wir unseren Heimatort nach Jahren wiederentdecken? Was geschieht mit unseren Familien? Sind wir Fremde in unserem Geburtsland und können wir uns in der Fremde zu Hause fühlen? Anita Magni

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Home Not Home For decades, people of Chinese origin or descent have left their hometowns to start a new life elsewhere. While Chinese migration carries many connotations and has a significant history, the simplest way to describe it is in terms of leaving. Leaving one’s home. Whether it means leaving a small town in the countryside for a large Chinese metropolis nearby, or moving from Hong Kong to Taiwan, or maybe even overseas – the idea of leaving is what connects all the protagonists of Home Not Home. Some have left and decide to return home, some wish to leave but cannot cross the border, and some are exiled from their home country. In any case, they all understand what it means to leave something behind. The political pressure is strong, the family ties are shaken, and the boundaries between the familiar and the unknown are suddenly blurred. Where and to whom do we really belong, when borders, cultures, and political systems clash? Home Not Home explores the notion of leaving but also the sense of belonging through five heterogeneous short films produced in mainland China, Taiwan, Hong Kong, and Belgium. «Home Abroad» is an autobiographical essay, in which the filmmaker questions his home country, Taiwan. Studying in Brussels, he finds himself missing some aspects of Taiwanese culture, but at the same time, he starts to look at his home country with a very critical outside eye. The powerful drama «I Have Nothing to Say», shot in black and white, focuses on the relationship and reunion between a mother and her exiled filmmaker daughter. The two have to meet in Taiwan, where the daughter is allowed to go from Hong Kong, where she’s currently exiled. «On the Border», which was part of the short film competition at Cannes in 2018, addresses a teenager’s desire to flee a remote Chinese village near North Korea, hoping to find a better life on the other side of the border. The autobiographical documentary «Memories of Chengdu» shows the filmmaker’s return to his hometown after spending three years in the United States. Using old and new footage and his own voice-over, he takes us through Chengdu, as he rediscovers it. Finally, «One Side Two Bodies» reflects on the issues that arise for a Taiwanese boy when he stays with his grandmother in a small town in mainland China. He is constantly confronted with different levels of rejection and harassment, but he also develops a strong bond with his grandmother and learns more about his heritage.

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This programme offers a small glimpse into the migration of people of Chinese origin and the political dilemmas concerning Taiwan, Hong Kong, and mainland China. However, it principally concentrates on the universal themes of leaving one’s home and the sense of belonging. What happens to our perception when we rediscover our hometown years later? What happens to our families? Which language do we consider our own? And, are we just strangers in the place we were born, or can we feel at home abroad? Anita Magni

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Home Abroad

I Have Nothing to Say

Memories of Chengdu

Belgium/Taiwan 2017, 10'30", digital file, colour, Chinese with English subtitles, Doc

Hong Kong/Taiwan 2017, 25'30", digital file, black & white, Chinese with English subtitles, Fic

China 2019, 12'00", digital file, colour, English/Chinese with English subtitles, Doc

Director/Script/Editor/Sound/Producer: Wang Boan Photography: Wang Boan/Martha Appelt Production/Distribution: Wang Boan, boan@authfilms.com

Director/Script: Ying Liang Photography: Ryuji Otsuka Editor: Yue Xing Liu Sound: Yi Chuan Lo Cast: Zhe Gong/Pete Pete Teo/An Nai/Xin Yue Tham Producer: Wen-Chen Tseng Production: Kaohsiung Film Archive, kmfa1@kcg.gov.tw, Shine Pictures, wencheng@ms15.hinet.net, +886 910042315 Distribution: Taiwan Public Television Service Foundation, ptsfestival@gmail.com

Director/Photography/Editor/Sound/Producer: Vincent Lan Production/Distribution: Vincent Lan, vincent.lan@outlook.com

Ein Filmstudent aus Taiwan in Brüssel. Warum ist er weggegangen? Was verbindet ihn mit seiner Heimatstadt Taipei? Weit weg von der Heimat drängen sich die Fragen auf. Mit einer Fülle von Bildideen setzt sich der Regisseur mit ihnen auseinander. A film student from Taiwan in Brussels. Why did he leave? What connects him to his hometown of Taipei? Far from home, these questions impose themselves. The director addresses them with an abundance of visual ideas. Wang Boan is a filmmaker based in Taipei, Taiwan. He is an alumnus of DocNomads, an Erasmus Mundus Master programme in documentary directing that happens between Lisbon, Budapest, and Brussels. With a background in both fiction and non-fiction, he intends to experiment with both forms in his work, and he has a special interest in issues of immigration and borders.

Eine chinesische Mutter reist nach Taiwan, um ihre Tochter wiederzusehen, die als Filmemacherin im Exil lebt. Die berührende Mutter-Tochter-Geschichte widmet sich auf subtile Weise dem politischen Dilemma um Taiwan, Hongkong und China. After receiving a visit from the Chinese authorities, a Chinese woman reunites with her exiled filmmaker daughter in Taiwan. A moving story of a mother and her daughter – and the mother’s secrets – that subtly depicts the political dilemma of Taiwan, Hong Kong, and China. Ying Liang (*1977 in Shanghai) graduated from the Department of Directing at the Chongqing Film Academy and Beijing Normal University. He made his directorial debut in 1999 and has made four feature films and more than a dozen shorts since then. Many of his films received a number of important prizes at international film festivals. He is currently exiled in Hong Kong.

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Nach drei Jahren in den USA kehrt Filmemacher Vincent Lan in seinen Heimatort in China zurück. Mit alten und neuen Filmaufnahmen und dem eigenen Voice-over nimmt er uns mit auf einen Streifzug durch Chengdu – gemeinsam mit ihm entdecken wir, was sich verändert hat und was gleichgeblieben ist. After spending three years in the United States, filmmaker Vincent Lan returns to his hometown in China. Using old and new footage and his own voice-over, he takes us through Chengdu, as he discovers what has changed and what has remained the same. Vincent Lan graduated from Harvard University with a degree in visual and environmental studies. His films have been shown at Beijing International Short Film Festival and Kasseler Dokfest. In 2018, he was selected by FIRST Training Camp to work under the instruction of Béla Tarr and Tsai Ming-liang.


On the Border

One Body Two Sides

China 2018, 15'00", digital file, colour, Chinese/Korean with English subtitles, Fic

Taiwan 2018, 25'00", digital file, colour, Chinese with English subtitles, Fic

Director/Script: Wei Shujun Photography: Wang Jiehong Editor: Chen Shi Kong Sound: Wang Zhao/Zheng Bin Cast: Li Zhenming/Cui Yuna/Peng Fei/ Gang Yanming/Wei Shujun Producer: Qiu Jiaqiu/Zuo Wenjuan/Jennifer Jiang Production/Distribution: Léa Triboulet, festival@salaudmorisset.com

Director/Script/Editor/Producer: Wang Zhi-Xiang Photography: Zhen Gao Sound: Sidney Hu Cast: Rush Wu/Xue Ya Ying Production/Distribution: Wang Zhi-Xiang, qq170332@gmail.com

Hua Dongxing sieht in der kleinen Stadt an der Grenze zu Nordkorea keine Zukunft für sich. Er will weg. Dafür braucht er Geld und dafür wiederum seinen Vater. Der ist jedoch nicht leicht zu finden. Hua macht sich auf die Suche. Hua Dongxing doesn’t see a future for himself in the small town near the North Korean border. He wants to leave. But he needs money, and to get money, he needs his father. But where is his father? Hua goes looking for him. Wei Shujun (*1991 in Beijing) is a graduate of the Communication University of China. At the age of 14, he began to play roles in movies. His debut film, «Duck Neck», was screened in Busan. «On the Border» was selected for the official competition of the 71st Cannes Film Festival.

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Yang Yangs Mutter schickt ihren Sohn von Taiwan zu seiner Grossmutter nach China. Auch wenn die KlassenkameradInnen die gleiche Sprache sprechen, wird schnell deutlich, dass er hier ein Fremder und nicht wirklich willkommen ist. Der Widerstand macht ihn stärker, lässt aber auch das Heimweh wachsen. Yang Yang’s mother sends her son from Taiwan to visit his grandmother in China. But even though he speaks the same language as his classmates, he’s clearly a stranger and not really welcome. The resistance he encounters makes him stronger but also more homesick. Wang Zhi-Xiang was born in 1996 in Fujian, China. He graduated from the Department of Performing and Media Arts, Hsuan Chuang University, in 2018. The same year, he finished his first, award-winning short drama, «One Body Two Sides», followed by the documentary «A Rainy Dream».


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Made in China

Running time 85' Online

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Made in China Auf den Labels unzähliger Produkte, die wir global – von Südafrika bis Finnland, von Japan bis in die USA – täglich kaufen, steht es geschrieben: «Made in China». In nur vier Jahrzehnten, beginnend 1979 mit der Übernahme der Parteiführung durch Deng Xiaoping, der als Architekt der chinesischen Wirtschaftsreformen gilt, hat das Land einen spektakulären Aufstieg vom bitterarmen Entwicklungsland zu einer der grössten Volkswirtschaften der Welt vollbracht. Vor 1979 unterhielt China unter der Führung Mao Zedongs eine zentrale Planwirtschaft – die Produktionsziele, Preiskontrolle und Ressourcenverteilung oblag der Kontrolle des Staates. Diese Wirtschaftspolitik im sowjetischen Stil wurde ab 1979 schrittweise reformiert, indem China die Prinzipien des freien Marktes einführte sowie eine Öffnung hin zum internationalen Handel und Investitionen im Ausland ermöglichte. Deng Xiaopings mittlerweile geflügeltes Wort, es sei gleichgültig, ob eine Katze schwarz oder weiss ist, solange sie nur Mäuse fängt, resümiert den chinesischen Ansatz: Das Land muss auch heute nicht strikt einer kapitalistischen Marktwirtschaft folgen – dafür spielt die Regierung noch immer eine zu wichtige Rolle – ist aber dennoch schon lange nicht mehr der Direktive einer sozialistischen Planwirtschaft unterworfen. Gemacht wird, was profitorientiert am besten funktioniert. Dass ein wirtschaftlicher Aufschwung im extremen Eiltempo Spuren auf die gesamte Gesellschaft und das Individuum hinterlassen muss, ist keine Überraschung. Dass der Boom nicht alle im gleichen Masse einholen – oder glücklich machen – würde, auch nicht. Wang Bing, bekannt für seine Filme in Überlänge, kann auch ökonomisch arbeiten und filmt in «Happy Valley» kurz und karg den Alltag im kleinen Dorf Xi Yang Tang in der Provinz Yunnan, wo Familien abgeschieden auf 3000 Metern über dem Meeresspiegel ein Leben in einfachsten Verhältnissen führen. «The Sound of Falling» funktioniert als Bindeglied zwischen Land und Stadt als Lebensräumen, die sich sowohl auf Fragen der Zugehörigkeit wie auch der wirtschaftlichen Chancen auswirken. In Lin Chien Yus impressionistischem Film entscheidet sich ein Bauer, in die Stadt zu fahren, um Geld mit klinischen Tests zu verdienen, weil das Handeln mit Mandarinen weder zum Leben noch zum Sterben reicht. Verschiedene Facetten – darunter auch die Kehrseiten – der kapitalistischen Logik der Akkumulation zeigen «Lighthouse» über das Leben von chinesischen FabrikarbeiterInnen in der Nacht und «Commodity City» über den grössten Markt der Welt (Yiwu International Trade City, südlich von Shanghai),

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wo billige Waren im Grosshandel angeboten werden. Die leise Ironie, die sich durch die Gegenüberstellung von Einsamkeit mit der Masse und dem Überfluss einstellt, ist ebenso ein Kommentar über die Situation der Arbeitenden wie auch über jene (uns), die diese Produkte unbedacht kaufen. «Little Precious» schliesslich erzählt die kleine, feine Geschichte von Xiao Bao, der nach Peking gekommen ist, um ein bisschen Geld zu verdienen, damit er seinen eigentlich geringen Ansprüchen ans Leben Genüge tun kann. Dass selbst das nicht ganz einfach ist in einer Umgebung, die von Konkurrenzkampf geprägt ist, erzählt der Film in einer Reihe von kleinen Intermezzi, deren offene Enden doch auch immer die Möglichkeit von Optimismus zulassen. Laura Walde

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Made in China «Made in China» – that’s what it says on numerous labels of products that we buy every day around the world, from South Africa to Finland, from Japan to the US. In just four decades, beginning in 1979, when Deng Xiaoping took over the party’s leadership and became the architect of China’s economic reforms, the country has accomplished a spectacular rise, evolving from a bitterly poor developing country to one of the largest economies in the world. Before 1979, under Mao Zedong’s leadership, China had a centrally planned economy, with the state controlling production targets, prices, and the distribution of resources. Starting in 1979, these Soviet-style economic policies were gradually reformed by introducing free-market principles, opening up the country to international trade, and allowing investments abroad. Deng’s well-known dictum that it doesn’t matter if a cat is black or white as long it catches mice sums up the Chinese approach: the country still doesn’t pursue a strictly capitalist market economy (the government still plays an important economic role), but neither is it subjected to the directives of a socialist planned economy. In short, China does whatever is most profitable. It should come as no surprise that an extremely fast economic rise leaves its mark on every aspect of society, affecting every individual. Nor is it surprising that the boom would not benefit – or bring happiness to – everyone equally. Wang Bing, known for his unusually long feature films, is also capable of working economically: in «Happy Valley», he offers a short and sparse look at everyday life in the small village of Xi Yang Tang in the Yunnan province, where families lead a remote and extremely simple life at 3000 meters above sea level. «The Sound of Falling» portrays city and country as living environments that affect questions of belonging as well as of economic opportunity. In Lin Chien Yu’s impressionistic film, a farmer decides to go to the city to make money with clinical tests because he cannot make a living with the sale of tangerines. «Lighthouse», a short about the life and work of Chinese factory workers at night, shows the various facets – including the dark side – of the capitalist logic of accumulation, whereas «Commodity City» portrays the world’s largest market (Yiwu International Trade City, south of Shanghai), where cheap merchandise is offered wholesale. With a subtle irony, the film juxtaposes loneliness with crowds and abundance, thus commenting on the workers’ situation as well as on those who thoughtlessly buy these products – that is, us. Finally, «Little Precious» tells the precious little story of Xiao Bao, who has come to Beijing in hopes of making

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a little money to satisfy his modest demands for a better life. In a series of interludes, the film shows that even such a relatively simple quest has its difficulties in a competitive world – though the open endings also leave room for optimism. Laura Walde

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Xi Yang Tang / Happy Valley China 2009, 20'30", digital file, colour, Chinese without subtitles, Doc Director: Wang Bing Production/Distribution: Anna Escoda, aescoda@cccb.org

Wang Bings film widmet sich dem Alltag der Bauern in den Bergen von Yunnan, wo die Wirtschaftsmacht China aus einer anderen Perspektive gesehen wird. Die Bevölkerung des Dorfes Xi Yang Tang lebt in extremer Armut. Die Kinder verbringen ihre Zeit damit, auf ihre kleinen Geschwister aufzupassen und den Eltern bei alltäglichen Arbeiten zu helfen. Wang Bing’s «Happy Valley» is dedicated to the everyday life of farmers in the Yunnan mountains, where the economic superpower China is seen from a different perspective. The inhabitants of the village of Xi Yang Tang lead lives of extreme poverty and hardship. The children spend most of their time looking after their little brothers and sisters and helping their parents with everyday chores. Wang Bing is one of the most important contemporary documentary filmmakers. He is known for his epic films dedicated to the world of work and everyday life with all its constraints and opportunities. Produced in China, his films have been screened at major festivals like Venice and Locarno, in galleries and museums, including Centre Pompidou and Tate Modern, and at international exhibitions.

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The Sound of Falling

Image copyright of the artist / courtesy of Video Data Bank, vdb.org, School of the Art Institute of Chicago

Lighthouse

United Kingdom 2018, 13'00", digital file, colour, Chinese with English subtitles, Fic/Exp

USA/China 2009, 16'00", digital file, colour/black & white, no dialogue, Doc/Exp

Director/Script/Editor: Lin Chien Yu Photography: Luis Felipe Moncada Ruiz Sound: Allen Kang Cast: Xiao Yong Yu/Chang Tsai Hsing/Hung Chia Yin/ Hung Chang Rui Yun Producer: John Ju Production/Distribution: Lin Chien Yu, vee.cylin@gmail.com

Director/Script/Editor/Producer: Yin Chi Jang Photography: Yin Chi Jang/Alex Thomas Sound: Yin Chi Jang/Alex Thomas Production: Yin Chi Jang, chijangyin@yahoo.com, +1 4152153066 Distribution: Video Data Bank, distro@vdb.org, +1 3123453550

Ein impressionistischer Film über einen Bauern, der seine Mandarinenplantage zurücklässt und in die Stadt zieht, um sich dort seinen Lebensunterhalt zu sichern. An impressionistic film about a farmer’s decision to leave behind his tangerine orchard in the countryside and go to the city with the aim of securing his livelihood. Lin Chien Yu is a Taiwan-born visual artist/filmmaker who studied at the London Film School and is now based in Colombia. She continues to write and direct her own work while also working as a production designer.

«Lighthouse» handelt von der Arbeit in den Fabrikstädten im Süden Chinas. Als eine der grössten Agglomerationen in einer der reichsten Provinzen zieht Guangdong zahlreiche Arbeitssuchende vom Land an. Poetisch-ironische Bilder laden das Publikum ein, eigene Geschichten zu komponieren. Der Film will kulturelle, sprachliche und historische Grenzen im globalen Arbeitssystem überwinden. «Lighthouse» is about the labour system and factory towns in southern China. Guangdong District is the largest metropolitan area in one of China’s wealthiest provinces, attracting farmers from the countryside looking for factory work. The poetic and ironic images lead viewers to actively compose their own narratives. The film aims to open cultural, linguistic, and historical borders in the global labour system. Chinese-born media artist Yin Chi Jang is known for her conceptual documentary work, which comments on the state of Chinese culture past and present. She received her BA and her MFA from the School of the Art Institute of Chicago in 2000.


Commodity City

Little Precious

USA/China 2017, 10'30", digital file, colour, Chinese with English subtitles, Doc

Austria/China 2011, 24', digital file, colour, Chinese with English subtitles, Fic

Director/Photography/Editor: Jessica Kingdon Producer: Daniel Cooper/Kira Simon-Kennedy Production/Distribution: Jessica Kingdon, jessica.kingdon@gmail.com, jckbox.com

Director/Script/Editor/Producer: Yilin Chen Bo Photography: Chengyu Li Sound: Hjalti Bager-Jonathansson Cast: Libao Cai/Lu Huang/Bing Wu/Xue Zheng/ Rong Huang/Qiangsheng Wang Distribution: Sixpackfilm, office@sixpackfilm.com, sixpackfilm.com

Ein beobachtender Dokumentarfilm über den Alltag von VerkäuferInnen auf dem grössten Markt der Welt, dem Yiwu Markt in China. Der Film ergründet Momente der Spannung zwischen Kommerz und Individualität, zwischen den Waren, die verkauft werden, und den Menschen, die sie verkaufen. «Commodity City» is an observational documentary about the daily lives of vendors who work in the largest wholesale consumer market in the world: the Yiwu Markets in China. The film explores moments of tension between commerce and individuality, between the goods for sale and the humans who sell them. Jessica Kingdon is a Chinese-American director/ producer named one of 25 New Faces of Independent Film by Filmmaker Magazine in 2017. Her award-winning short «Commodity City» has played at over 50 film festivals.

Xiao Bao wohnt mit seinem Bruder und dessen Freundin in Peking und arbeitet als Strassenverkäufer. Es geht ihm nicht so sehr um sozialen Aufstieg und persönlichen Erfolg, sondern darum, ein bisschen Geld zu verdienen, um seinen bescheidenen Ansprüchen Genüge zu tun. In stillen Bildern erzählt der Film von Einsamkeit und von der Sehnsucht nach einem Anderswo im Hier. Street vendor Xiao Bao lives in Beijing with his brother and his brother’s girlfriend. Upward mobility and personal success are not that important to him – he just wants to make a little money to satisfy his modest standards. A quiet film about loneliness and the yearning for someplace else in the here and now. Yilin Chen Bo (*1976) studied directing at the Beijing Film Academy and Chinese studies at the University of Vienna. He continues to live in Vienna, where he studied directing with Michael Haneke and cinematography with Christian Berger at the Film Academy Vienna.

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We Are the People

Running time 95' Online

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We Are the People Wenn man das Haus als Metapher für das Familiäre, das Kollektive und das Transgenerationale versteht, so wäre es die Kernmetapher in We Are the People. Die Häuser in den hier vorgestellten Kurzfilmen sind jedoch brüchig, vergänglich und dem Wandel ihrer Zeit unterworfen – genauso wie der in China einst so gesellschaftlich bedeutsame Kollektivismus, der mit dem zunehmenden Individualismus der heranwachsenden Mittelschicht zu schwinden droht. Wenn Kollektivismus das Einheitliche verkörpert, steht Individualismus für Vielfalt. We Are the People versucht diese Einheit und Vielfalt durch das Auge des Films – in der Entstehung oft ein kollektiver Akt vor und hinter der Kamera – zu filtern. Es ist ein Programm über das Zusammensein und über die Suche nach individueller Identität durch Selbstverwirklichung; über das Zerstören und Erschaffen; über freundschaftliche, familiäre und individuelle Konflikte. Es sind Konflikte, die durch ideologische Differenzen und soziopolitische Zwänge, durch Verlust, Entfremdung und Einsamkeit entstehen. We Are the People ist aber ebenso ein Programm über Nächstenliebe, über die Katharsis, die auf den Konflikt folgt, und über Wiedervereinigungen, wie sie uns in «The Umbrella» (2018) begegnen, nach einer stürmischen Nacht des Protests in Hongkong. Vergangenheit und Gegenwart werden dabei poetisch ineinander verwoben – die Zukunft bleibt stets im Ungewissen und oszilliert für die ProtagonistInnen zwischen Hoffnung und Schmerz: Hoffnung auf künftige Wunscherfüllung; Schmerz über vergangene, nicht erfüllte Wünsche. So treffen wir in «Drifting» (2019) und «The Lost Land» (2011) auf Häuser der Vergangenheit ohne Zukunft – auf ihrer Asche sollen neue Infrastrukturprojekte errichtet werden. Im Kontext dieses Handlungsraums sieht sich Yan in «Drifting» sprachlos mit seiner Genderidentität und dem Verhältnis zu seinem Vater konfrontiert. In «The Lost Land» versucht Superman (so der Name seiner Gang-Persona) die Sprache der Kleinkriminalität abzulegen und durch die Begegnung mit Hong in die Zukunft zu denken. Eine ähnliche Suche nach Auswegen liegt für den Bandleader in «Sketches of the Northern City» (2019) bereits weit zurück in der Vergangenheit, als er unter der ausbrechenden Revolution und dem Dictum Maos in die damals noch wenig besiedelte nördliche Region Chinas zog: Verloren war damit die Bildung, geblieben ist der Hunger und die Lebenserfahrung. Er gehört noch zur Generation, die in Wir-Form spricht.

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Das abschliessende Bild im letzten Film des Programms, «La lampe au beurre de yak» (2013), brennt sich in unsere Wahrnehmung ein wie Licht auf Celluloid: Ein reisender Fotograf verpackt seine Fototapete mit Abbildern von verschiedenen fernen Orten. Diese Tapete diente zuvor als Hintergrund, vor dem tibetische Familien Erlebnisse an diesen Orten imaginierten und sich dabei fotografieren liessen. Dabei entsteht eine dem Medium der Fotografie geschuldete Illusion. Im letzten Bild wird nun aber der Blick auf die wirkliche Umgebung hinter der Fototapete freigegeben: Eine unfertige Autobahnbrücke überquert ein Tal in einer rohen Bergwelt. Der Film steht programmatisch für unseren stets unvollkommenen Blick auf die Welt. Der Regisseur Hu Wei selbst sagt: «Wir sind unfähig, die komplette Welt wahrzunehmen, sogar in der Realität [...]. Ich wollte zu Beginn des Films eine ‹glückliche› Stimmung schaffen; dann vergeht die Zeit und die verschiedenen Hintergründe ziehen vorbei, bis wir in die reale Welt zurückkehren und der Unterschied zwischen Traum und Realität offenbart wird.» Der Fremdkörper, den die unfertige Brücke letzten Endes darstellt, steht sinnbildlich und wahrhaftig für eine Ambivalenz, die einige Figuren in We Are the People umtreibt: das sporadische Gefühl der Heimatlosigkeit im eigenen Heim und in der eigenen Heimat. Das Fremde in der Heimat ist auch kennzeichnend für das Werk der hier vertretenen RegisseurInnen, die teils im internationalen Raum und aus diesem heraus tätig sind: Die Ebene der persönlichen Erinnerung vermischt sich dabei mit ihrem Blick als Aussenstehende, wenn sie als BeobachterInnen zum Drehen in ihr eigenes Land zurückkehren. So sagt Bo Haxiong über die in seinem Film «Drifting» thematisierte und von aussen oft kritisierte Ein-Kind-Politik: «Ich verstehe sie auch noch nicht ganz. Aber ich möchte Aspekte und Details davon aufzeigen.» Diese fragmentarischen, durch das Medium Film ästhetisierten und geteilten Erfahrungen sind auch stets der Ausgangspunkt für die soziale Kritik, die stellenweise durch die Risse der brüchigen Hausmauern schimmert und vom Privaten ins Öffentliche getragen wird. Janis Huber

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We Are the People The house as a metaphor for the familiar, the collective, and the transgenerational is the core metaphor that sums up the five films in We Are the People. But the houses in these short films are frail, impermanent, and subject to changing times – much like the collectivism that was once so crucial for Chinese society, and which is in danger of disappearing with the increasing individualism of the growing middle class. If collectivism embodies unity, individualism stands for diversity. We Are the People aims to see this unity and diversity through the perspective of film, which is often a collective act of production in front of and behind the camera. It’s a programme about being together and about searching for individual identity through self-fulfilment; about destruction and creation; about friendships and familial and individual conflicts. Conflicts arising from ideological differences and sociopolitical circumstances, from loss, alienation, and loneliness. But We Are the People is also about love, about the catharsis that follows conflict, and about reunification, as seen in «The Umbrella» (2018) after a stormy night of protest in Hong Kong. Past and present are poetically intertwined, while the future remains elusive, oscillating between hope and pain for the protagonists: hope for future wish fulfilment; the pain of past desires that remained unsatisfied. In «Drifting» (2019) and «The Lost Land» (2011), we encounter houses of the past that have no future – infrastructure projects are to rise from their ashes. It is within this setting that Yan from «Drifting» speechlessly struggles with his gender identity and his relationship to his father. In «The Lost Land», Superman – thus the name of his gang persona – attempts to renounce the language of petty crime and head towards the future in his encounter with Hong. A similar search for a way out is a distant memory for the bandleader in «Sketches of the Northern City» (2019), who was compelled to move to the sparsely populated north of the country under the erupting revolution and Mao’s dictate. While education was lost, hunger and experience have remained. He belongs to the generation that speaks in the «we» form. The final shot of the last film, «La lampe au beurre de yak» (2013), engraves itself in our memory like light on celluloid: a travelling photographer packs up his photo wallpaper with images of various faraway places. It previously served as background for Tibetan families who had their pictures taken while

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imagining adventures in these places, creating a photographic illusion. The last image, however, reveals the real environment behind the photo wallpaper: an unfinished highway bridge crosses a valley in a rough mountain landscape. The film stands for our incomplete view of the world and the things in it. As director Hu Wei says: «We are unable to perceive the complete world; not even in reality [...]. I was trying to construct a ‹happy› atmosphere at the beginning of the film; as time goes by and each of the backdrops unfold, and till we are brought back to the real world, the difference between the dream worlds and the reality is finally revealed.» The alien element of the unfinished bridge metaphorically embodies the ambivalent feeling driving several of the protagonists in We Are the People – the sporadic feeling of homelessness in their own home and home country. The foreign at home also characterizes the work of the directors represented here, which is often produced within an international sphere: personal memories blend with their perspective as outside observers when they return to shoot in their own country. Bo Haxiong, for instance, says about the often criticized one-child policy that he addresses in «Drifting»: «I don’t fully understand it as well yet. But what I want to share is an aspect and some details about it.» These fragments of experience, aestheticized and shared through the medium of film, also provide a springboard for the social critique that shines through the cracked walls of houses, emerging from private spaces into public view. Janis Huber

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Sketches of a Northern City China 2018, 16', digital file, colour, Chinese with English subtitles, Doc Director/Photography/Editor/Sound/Producer: Vincent Lan Production/Distribution: Vincent Lan, vincent.lan@outlook.com

Eisskulpturen, eine Marschkapelle und bittere Momente der Stille in einer nordchinesischen Stadt. Ice sculptures, a marching band, and bitter moments of silence in a northern Chinese city. Vincent Lan graduated from Harvard University with a degree in visual and environmental studies. His films have been shown at Beijing International Short Film Festival and Kasseler Dokfest. In 2018, he was selected by FIRST Training Camp to work under the instruction of Béla Tarr and Tsai Ming-liang.

Piao liu / Drifting

The Umbrella

China/USA 2019, 16'30", digital file, colour, Chinese with English/German subtitles, Fic

Hong Kong 2018, 22'00", digital file, colour, Chinese with English subtitles, Fic

Director/Script: Bo Hanxiong Photography: Joewi Verhoeven Editor: Xia Yinong/Bo Hanxiong Sound: Peggy Duan/Nathan Nuyle Cast: Han Sanming/Wang Jiali/Wang Junxiong Producer: Wu Lisu/Wang Luxi/Guan Yirui/Summer Yang Production/Distribution: Bo Hanxiong, bohanxiong23@gmail.com

Director/Script/Photography/Editor: Tsang Hing Weng Eric Sound: Tsz-yeung Jacklam Ho Cast: Yuen Yeung Chi/Shing Cheng Wai/ Bipin Bishwokarma/Lucky Egg/Shan Ho Yuen/ Henry Chan Producer: Ka-yan Sharon Lo/Ho Wong Luk Production: Thousand Sails Pictures Limited Distribution: Fresh Wave Film Festival Limited, info@freshwave.hk, +852 36194554

Yan ist ein während der Ein-Kind-Politik geborenes, unerlaubtes zweites Kind. Um der Strafe zu entgehen, haben Yans Eltern ihr ältestes Kind auf dem Land versteckt und Yan als Mädchen erzogen. Als junger Erwachsener und Aussenseiter in einer konservativen Gesellschaft ringt Yan mit seiner Geschlechtsidentität. Seine einzige Ablenkung besteht darin, mit dem alten Taxi seines Vaters auf verlassenen Parkplätzen rumzukurven. Yan is an illegal second child born during the one-child policy. To avoid government punishment, Yan’s parents hid their oldest daughter in the countryside and raised Yan as a girl. Now a young adult, Yan struggles with his gender identity and with being treated as an outcast in a conservative society. His sole escape is driving his father’s old taxi through abandoned parking lots. Bo Hanxiong, born and raised in Beijing, is currently based in Los Angeles after graduating from the University of California. In 2020, Bo was selected to participate in Werner Herzog’s filmmaking workshop in Colombia. He is also a Cine Qua Non Lab screenwriting fellow and the recipient of both the Jack Nicholson Distinguished Student Director Award and the HFPA Directing Fellowship.

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Während der turbulenten Ereignisse vom Oktober 2014 in Hongkong regnet es ununterbrochen. An der Uni werden junge Menschen verschiedenen Räumen zugeteilt. Was sie alle vereint, ist die Leidenschaft für gesellschaftliches Engagement. Besonders ominös wirkt die regnerische Nacht, als die StudentInnen über das Geschehen in Mong Kok diskutieren. It rained non-stop when Hong Kong was rocked by the tumultuous events of October 2014. At the university hall, young souls are assigned to different rooms amid the sounds of rain, studies, and intense discussions. These strangers are united by their passion towards society. The rainy night feels especially ominous when the students ponder the events in Mong Kok. Tsang Hing Weng Eric is a Hong Kong-based filmmaker, artist, and author of «Tales of Honey: A Collection of Interviews with Post-80s Directors from the Greater China» (2015). Eric’s short films earned several awards, including the Edward Snowden Award for «The Umbrella» (2018). He is currently preparing his debut feature film, «The Winter Solstice».


Shi Luo Zhi Di / The Lost Land

La lampe au beurre de yak / Butter Lamp

China 2011, 25'00", digital file, colour, Chinese with English subtitles, Fic

France 2013, 16', digital file, colour, Tibetan with English subtitles, Fic

Director/Script: Yan Zhou Photography: Yan Han/Jeff Weil-Campbell Editor/Sound: Albert Yu Cast: Bi Wu/Lipstick Chan Producer: Hong Ding/Yan Zhou Production/Distribution: Mountain Fire Productions

Director/Script: Hu Wei Photography: Jean Legrand/Stéphane Dégnieau Editor: Hu Wei/Li Ran Producer: Julien Féret Production: AMA Productions, contact@amaproductions.fr, +33 626161595 Distribution: Hu Wei, googoowood@hotmail.com, +33 638425000

Marco Polo hat die südchinesische Stadt Suzhou einst als Venedig des Ostens bezeichnet. Doch wo früher Ströme flossen, herrscht heute eine karge Einöde, die vor allem LandSpekulanten interessiert. Als sich ein Wanderzirkus niederlässt, wird eine Gaunerbande beauftragt, die Zirkusleute loszuwerden. Da trifft Superman, einer der Diebe, auf den Stripper Hong aus dem Dorf. Marco Polo once described the southern Chinese city of Suzhou as the Venice of the East. But where streams once flowed, a barren wasteland remains, which is mainly of interest to property speculators. When a community of travellers sets up their circus, a gang of petty thieves, including one named Superman, is ordered to expel the circus people. That’s when Superman meets Hong, a stripper from the village. Yan Zhou graduated from the Beijing Film Academy in 2005 with a master’s degree. He has received international training at Berlinale Talents in 2007 and at the Locarno Film Academy in 2017. Apart from filmmaking, he also works as a visiting professor at the Zhejiang Huace Film Academy.

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Vor wechselnder Plakatkulisse lassen sich tibetische Familien porträtieren. Der Fotograf und sein Assistent versuchen die Nomadenfamilien möglichst vorteilhaft zu inszenieren. Es ergeben sich kleine Zwischenfälle und Missverständnisse: Globalisierung durch den Blick einer einzelnen Einstellung. In front of shifting poster backdrops, Tibetan families have their portraits taken. The photographer and his assistant try to stage the nomad families in the best possible light. Small incidents and misunderstandings arise – globalization seen in a single shot. Filmmaker and visual artist Hu Wei (born in Beijing in 1983) lives and works between Beijing and Paris. He has studied both in China and in France, namely at La Fémis and at Le Fresnoy.


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Fringes of Animation

Running time 70' Online

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Fringes of Animation Die Suche nach einer spezifisch «chinesischen Stimme» in der Animation geht auf die 1960er Jahre zurück, als das Shanghai Animation Film Studio gegründet und von der Regierung subventioniert wurde. Zahlreiche animierte Kurzfilme wurden von einem offiziellen Kollektiv produziert, das aktiv bemüht war, die chinesische Kultur und Kunst zu definieren. Mit dem Beginn der Reformen und der wirtschaftlichen Öffnung ab 1978 schlossen sich viele in den 1970er und 80er Jahren geborene KünstlerInnen begeistert dem internationalen Trend an: Sie fühlten sich berufen, mit ihrer Arbeit eine gesellschaftliche Rolle zu spielen, indem sie den sozialen und politischen Wandel kommentierten oder darauf reagierten. Mit der Transformation der chinesischen Gesellschaft entfielen die öffentlichen Gelder, und Animationsproduzenten wie das Shanghai Animation Film Studio mussten neue Wege finden, zu überleben. Anstatt weiterhin eigene Filme zu machen, setzte man die Arbeitskräfte in ausländischen Projekten ein. Viele chinesische AnimationskünstlerInnen verdienten ein Vermögen mit ausländischen Auftragsarbeiten, während die einheimische Produktion inspirierender Kurzfilme für lange Zeit ignoriert und vergessen wurde. Chen Xi, Co-Regisseur von «The Six» und Dozent an der Beijing Film Academy, wurde in den 1970ern geboren und arbeitet seit 20 Jahren als Animationskünstler. Seine ersten Schritte machte er im Jahr 2000, als PCs Einzug in den Alltag der Menschen hielten. Animationspioniere wie Chen Xi gehörten zu den ersten, die eine neue Software von Macromedia namens Flash ausprobierten, die Solo-Animationsprojekte überhaupt erst möglich machte. Immer mehr junge Kreative schlossen sich dem Trend an, als eine Website namens The Flashers als billige und unterhaltsame Video-Plattform für die Massen populär wurde. Erst nach der Flashers-Ära bildete sich eine unabhängige chinesische Kunstszene in der Animation. Bis 2010 hatten unabhängige Filmschaffende begonnen, die internationale Festivalszene zu prägen. Lei Lei, Wang Haiyang, Chen Xi und An Xu hatten Preise gewonnen, was jüngere KünstlerInnen wie Shen Jie ermutigte. Das letzte Jahrzehnt war insofern interessant, als China fast 600 000 StudentInnen jährlich ins Ausland schickte. Chinesische Studierende lernten an renommierten Kunstakademien im Westen. Entsprechend ähneln ihre Arbeiten eher denen ihrer westlichen LehrerInnen und KollegInnen als denen anderer Filmschaffenden aus China. Junge StudienabgängerInnen, die nach 1990

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geboren sind, haben ein anderes Verhältnis zu ihrer chinesischen Identität als jene mit Geburtsjahren in den 1970er und 80er Jahren. In «Half Asleep» erörtert Cai Caibei, die am Royal College of Art in London studiert hat, taktile, sinnliche Erfahrungen. Der Film präsentiert eine Reihe von Handlungen wie das Kratzen, Stechen, Berühren, Pendeln oder Gleiten, die auf ihre zutiefst persönlichen Erlebnisse zurückgehen, anstatt ein politisches Statement abzugeben. In Abwesenheit von Dialogen und kulturellen Symbolen ist es kaum möglich, die Nationalität der Regisseurin auszumachen, ohne den Abspann zu lesen. Junge KünstlerInnen wie Zhong Su («Animal Year») und Mao Haonan («Action, Almost Unable to Think») legen politische Absichten an den Tag mit ihren dystopischen Welten voller Widersprüche und Gesellschaftskritik. Auch wenn sich die chaotische, gameartige Umwelt direkten Bezügen zur Realität entzieht, spielt sie auf die grotesken und unangenehmen Alltagserfahrungen der machtlosen Menschen in China an. Während die ältere Generation danach strebt, ein perfektes Image von China zu schaffen, schlägt die jüngere Generation thematisch vielerlei Richtungen ein: Mal spiegeln die Werke einen privilegierten und mobilen internationalen Lifestyle in den kulturellen Zentren des Westens, mal sind es visuell raffinierte Darstellungen persönlicher Probleme, ein andermal wiederum eine Form von Protest – getarnt als dadaistischer Nonsens, um der Zensur zu entgehen. Die Filme in diesem Programm versammeln individuelle Zugänge zur Kunst der Animation – es ist eine begrenzte Auswahl von Beispielen, die selbstverständlich niemals ein so monolithisches Konzept wie das der «zeitgenössischen chinesischen Animation» abbilden können. Die Filmschaffenden sind chinesischer Herkunft und sie sind originell, was bedeutet, dass sie nicht zwingend «chinesische Animation» machen. Die gute Nachricht ist, dass auch die Menschen in China überraschende und herausfordernde Werke sehen wollen – und nicht das, was sie schon oft gesehen haben. Animationsfestivals wie die Feinaki Beijing Animation Week, mit unabhängigen KuratorInnen und KünstlerInnen, gewinnen an Einfluss in China und es gibt immer mehr Kunstfestivals. Es ist eine gute Zeit für zeitgenössische Animation in den lebendigen und vollen Strassen Chinas. Youyang Yu, Leiter, Feinaki Beijing Animation Week

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Fringes of Animation The trend of wanting to find a uniquely «Chinese voice» in the field of animation can be traced back to the 1960s, when the Shanghai Animation Film Studio was formed and sponsored by the government. Many short animations were produced by an official collective force that was actively repackaging Chinese culture, trying to define what Chinese art is. After China introduced reforms and opened up its economy in 1978, many Chinese artists born in the 1970s and 1980s were thrilled to join the international trend during their prime; they felt destined to produce work that would play a societal role by embracing the new cosmopolitanism, by commenting on or responding to the social and political changes of their time. With the transformation of Chinese society and the loss of government sponsorships, Chinese animation production unions like the Shanghai Animation Film Studio had to look for ways to survive on their own. Instead of continuing to produce their own films, they started outsourcing their workforce to foreign animation projects. Many Chinese animators made a fortune by working on foreign commissions, but the production of inspirational, Chinese-oriented animated shorts was ignored, lost, and forgotten for a long time. Chen Xi, co-director of «The Six» and teacher in animation at the Beijing Film Academy, was born in the 1970s and has worked as an animation artist for 20 years. He took his first steps in 2000, when personal computers were introduced into people’s everyday lives. Many animation pioneers like him were among the first to try a new software developed by Macromedia called Flash, which made solo animation productions possible in the first place. More and more creative young artists joined the trend when a website called The Flashers became popular as a cheap and entertaining video platform for the masses. It was only after the Flashers era that the independent animation art scene began to form in China. By 2010, independent animation filmmakers had started to leave a mark on the international festival scene. Lei Lei, Wang Haiyang, Chen Xi, and An Xu had won some awards, which encouraged younger artists like Shen Jie. The past decade was an interesting time, with China sending almost 600 000 students to study abroad each year. Chinese students learned alongside their Western colleagues in renowned art schools. Their works show more similarity to their tutors’ and colleagues’ films than to those of other artists coming from China. Young art graduates who were born after 1990 have a

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different relationship to their Chinese identity than those born in the 1970s or early 1980s. In «Half Asleep», Cai Caibei, a young animation graduate of the Royal College of Art in London, delicately investigates the tactile sensual experiences she has collected. The film presents a series of actions such as scratching, scraping, piercing, touching, swinging, or floating, which can be traced to her deeply personal experience rather than making a political statement. As the film lacks dialogue or culturally significant symbols, it’s almost impossible to tell the director’s nationality without reading the end credits. Young artists like Zhong Su («Animal Year») and Mao Haonan («Action, Almost Unable to Think») show an obvious political intention in creating a simulated dystopian world that presents contradictions and ridicules our society. Even though the chaotic and game-like environment avoids a direct association with reality, it mentally aligns with the grotesque and uncomfortable experience that the powerless people face in China every day. While the older generation is interested in building their perfect image of China, the younger generation’s favourite subject takes many different directions: it either mirrors the experience of a privileged and mobile international lifestyle in the cultural centres of the Western world, or it is a visually sophisticated and intimate rendition of their personal struggles, or a form of protest disguised in Dadaist nonsense to avoid censorship. The films in this programme are a collection of individual approaches to the art of animation – a limited number of specimens that, needless to say, can never represent such a monolithic concept as is subsumed under the term «contemporary Chinese animation». These artists are Chinese, and they are original, which means that they don’t necessarily make «Chinese animation». The good news is: Chinese people also want original work that surprises and confuses them instead of what they have seen many times before. Animation festivals such as the Feinaki Beijing Animation Week, curated by independent programmers and showcasing independent work, are gaining social influence in China, and art festivals are popping up everywhere. It’s a good time for contemporary animation in the lively and crowded streets of China, for sure. Youyang Yu, Director of Feinaki Beijing Animation Week

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The Six China 2019, 5'00", digital file, black & white, no dialogue, Ani Director: Chen Xi/An Xu Script/Photography/Editor: Chen Xi Sound: Luo Keji Production: Congrong Film Distribution: Chen Xi, chenxicrz@163.com

Ein Mann, eine Frau und ein Kranich in sechs Szenen. A man, a woman, and a crane in six repeating scenes. Chen Xi started to draw comics early on. His works have been published in many Chinese magazines. After graduating from the Beijing Film Academy in 2010, he started to work as a TV animation director and an independent director. Chen has also worked as a curator for the 5th China Independent Animation Film Forum and is currently a lecturer at the Beijing Film Academy. An Xu graduated from the Academy of Arts & Design at Tsinghua University in 2001. He began co-directing independent animation films with Chen Xi in 2007. Their works have screened at numerous international festivals.

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Action, Almost Unable to Think China 2018, 11'30", digital file, colour, Chinese with English subtitles, Ani/Exp Director/Script/Animation/Editor: Mao Haonan Production/Distribution: Mao Haonan, maohaonan@outlook.com

Der Film basiert auf der wahren Geschichte eines Soldaten, der von einer Bombe getötet wurde, als er eine Zivilperson grüsste. Ein Moment voller Widersprüche und Verletzlichkeit. The film is based on the true story of a soldier who was killed by a bomb while greeting a civilian. It tries to recapture that moment of contradiction and fragility. Mao Haonan received his BFA from the Sichuan Fine Arts Institute in 2013 and an MFA from the School of Fine Arts De Nantes Saint-Nazaire. He uses 3D videos, computer rendering, spatial installations, paintings, photos, and graphs to express his personal understanding of the subjectivity of reality, fiction, and digital perception.

Monkey China 2015, 5'09", digital file, colour, no dialogue, Ani/Exp Director/Script/Animation/Editor: Shen Jie Sound: Luo Keju Production/Distribution: Shen Jie, zuowotuishang@gmail.com, +86 13122606941

Einer der drei Affen ist gestorben. One of the three monkeys died. Shen Jie (*1989 in Shanghai) graduated from the Shanghai Institute of Technology in 2012. Apart from «Monkey», his works include the short films «Horse» (2013), «Run! and Stammer» (2013), and «Flow» (2011).


Birds Dream

The City of Dionysus

Tear of Chiwen

China 2014, 10'15", digital file, colour, Chinese with English subtitles, Ani/Exp

China 2018, 8', digital file, colour, Chinese with English subtitles, Ani

China 2017, 9'00", digital file, colour/black & white, no dialogue, Ani

Director/Script/Photography/Editor: Mi Chai Production/Distribution: Mi Chai, chaimiarts@gmail.com, chaimiart.com

Director/Photography/Editor/Sound/Cast/Producer: Wang Haiyang Production/Distribution: Wang Haiyang, 1020884979@qq.com, +86 13651141625

Director/Script: Sun Xun Photography: Xu Chong Animation: Yu Yanping/Sun Xun/Yin Yingjie/ Lai Fengli/Chen Xingye Editor: Xu Chong/Chen Xingye Sound: Zhang Fei Production: Jing Deng, g362005@163.com Distribution: Pi Animation Studio, g362005@163.com, +86 1064361539

Ein neugeborener Spatz in einer Welt voll bunter Dinge und komischer Vögel. Der Spatz trifft auf einen Raben und gemeinsam entdecken die beiden die Welt. Nach zahlreichen Begegnungen mit seltsamen Vögeln und geheimnisvollen geometrischen Figuren fangen sich ihre Körper an zu verändern ... A new-born sparrow enters a world full of colourful objects and strange birds. When curiously idling in this world, the sparrow finds a young raven, and they begin to explore the place together. They encounter all sorts of strange birds and mysterious geometric shapes of different colours. Soon, their bodies start to change as well ... Born in 1985, Mi Chai currently lives and works in her hometown Beijing. Her fine art practice involves a wide range of media, including painting, papercraft, animation, and live performance, among others. Insisting on handcrafting, she always absorbs new ideas and combines them with existing methods to innovate.

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Vor dem Hintergrund eines Dorfes am Rande von Peking erzählt das Video die Geschichte vom Fund einer Leiche, vermischt mit animierten Aquarellzeichnungen. Die halluzinatorische Reise ins Leben und Sterben von Menschen am Rande der Gesellschaft verbindet Sexualität, gesellschaftliches Chaos und spirituelle Berauschung auf assoziative Weise. Against the background of a disappearing village in the suburbs of Beijing, the video chronicles real unsettling events of a found corpse, blending them with a group of animated watercolour drawings and exploring the associations between sexuality, social disorder, and spiritual intoxication. A hallucinatory journey into the lives and deaths of people living on the fringes of our society. Wang Haiyang graduated from the printmaking department of the Central Academy of Fine Arts in Beijing. His work reflects on contemporary existential topics, investigating themes such as identity, language, and lust through the medium of the body. His works have been selected and received critical acclaim by more than 50 international festivals.

Ein Werk über Tradition und Mythos. Chiwen ist ein Drachensymbol, dem die Macht über den Regen und der Schutz vor Feuer nachgesagt wird. Die Tränen von Chiwen stehen für die Trauer um den Verlust asiatischer Tradition angesichts der Verwestlichung von Asien – doch sie verwandeln die Verzweiflung in Glück und Hoffnung auf eine bessere Zukunft. This work focuses on tradition and myth. Chiwen is an ornamental motif in the form of a young dragon. It symbolizes an ability to control rain and protect against fire. The tears of Chiwen imply the sadness of Asian tradition losing its dominant position in the face of westernization, but they sublimate the despair into happiness and anticipation of a better future. Sun Xun studied printmaking at the China Academy of Art in Hangzou. In 2006, he founded Pi Animation. Sun’s work probes issues of culture, memory, politics, and his scepticism of official history. Using monochromatic ink drawings of animals and insects, his films propose alternative histories.


Courtesy of the artist and Edouard Malingue Gallery, Hong Kong/ Shanghai; Tanya Bonakdar Gallery, New York/Los Angeles

Who’s the Daddy

Animal Year

Half Asleep

Hong Kong 2017, 9'15", digital file, colour, Chinese with English subtitles, Ani/Exp

China 2017, 7'02", digital file, colour, no dialogue, Ani/Exp

United Kingdom/China 2018, 5'16", digital file, colour, no dialogue, Ani/Exp

Director/Script/Animation/Editor/Producer: Wong Ping Production: Wong Ping Animations Lab, mw@nowhynowhy.com Distribution: Ryan Lai, ryan@edouardmalingue.com

Director/Script/Animation/Editor/Sound: Zhong Su Production/Distribution: Zhong Su, chiazhongsu@me.com

Director/Script/Animation/Editor/Sound: Cai Caibei Production: Royal College of Art, joan.ashworth@rca.ac.uk, +44 2075904511 Distribution: Cai Caibei, caibeiccai@gmail.com

:< Eine Tinder-Tragödie. :0 Ein unerwartetes Kind. ;( Eine Reise zur Wurzel meiner Schande. :< A Tinder tragedy. :0 An unexpected child. ;( A journey to find the roots of my shame. Flashing, pop-like imagery; visual and auditory narratives; vibrant installations that extend into three dimensions – these are the cornerstones of Wong Ping’s practice, which combines the crass and the colourful to stage a discourse around repressed sexuality, personal sentiments, and political limitations. Ping is one of Hong Kong’s most exciting emerging artists.

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Ein Film, dessen zutiefst verstörende und meisterhaft gestaltete Bilder unter die Haut gehen. Eine animierte Dystopie über die Zukunft der Menschheit, wo zwei unterschiedliche Welten aufeinanderprallen. An urgent film that goes under one’s skin through its profoundly disturbing and masterfully designed images. It is a visionary animated portrait of the dystopian future of humanity, where two strikingly different worlds collide. Zhong Su is an artist living in China who has focused on the production of personal images since 2011.

Ein Raum, zwei halbe Körper, eine stumme Beziehung. One room, two half bodies, a silent relationship. Cai Caibei is a Chinese animator who approaches her films from a tactile perspective. She would like the viewers to touch, caress, squeeze, and scrape her films through their eyes.


This Is Not a Love Song Curated by Carla Maria Losch

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This Is Not a Love Song China bedeutet perfekt durchgetaktete U-Bahnen, Menschenmassen, Reisegruppen, hell erleuchtete Megacities und Turbokapitalismus. Und mehr. Strassen werden über Nacht neu asphaltiert. Unternehmen spriessen aus dem Boden und werden wieder eingestampft. Die Bevölkerungsverteilung auf Zentrum und Peripherie ist im Wandel: War das Verhältnis 2009 noch 50:50, so leben heute rund 850 Millionen Menschen in städtischen und 550 Millionen in ländlichen Regionen. Der Weg hierhin war lang und China gerät zunehmend in ungewohnte demografische Fahrwasser, denn trotz Abschaffung der Ein-Kind-Politik werden nach wie vor wenige Kinder geboren; die Bevölkerung schrumpft und stellt Stadt- und Länderplanung vor neue Herausforderungen. Die Probleme der gewöhnlichen Menschen sind zahlreich, in der schönen, neuen Welt wird manches zur Farce. Wie kann man leben, wenn man nicht die Regeln bestimmt? Im Zuge der Reform- und Öffnungspolitik unter Deng Xiaoping setzte nicht nur der wirtschaftliche Wohlstand ein; gleichzeitig hielten neue Ideen und kulturelle Praktiken Einzug in den chinesischen Alltag. 1992 war es noch egal, ob die Katze schwarz oder weiss war – Hauptsache, sie fing Mäuse. Doch heutzutage scheint ihre Farbe wieder wichtiger zu sein. Das Wie gerät in den Fokus, das Was tritt zurück. Auf dem Moped fahren wir vorbei an bergigen Landschaften und kargen Weiten aus Tradition, Moderne und der dazwischenliegenden Kluft. Existenznöte verbergen sich zwischen Stadt und Land, Hochsprache und Dialekt, Schicksal und Selbstermächtigung, Perfektion und Wunschdenken. In den Fabrikschloten löst sich das alte Leben in Rauch auf. Der Stamm der stolzen Mongolen, einst gefürchtete Reiter auf unbändigen Pferden, Herrscher des grössten zusammenhängenden Reichs der Weltgeschichte, wirken plump und unbeholfen angesichts einer grell-zuckrigen Geburtstagstorte «made in America». So feiert man heutzutage! Wo ist Identität, wo ist familiärer Zusammenhalt in einer Welt ohne Ponyhof? Die Industrie frisst alles auf wie ein unersättliches Monster, aus dessen Nüstern sich der Rauch des Vergangenen im Himmelsreich verflüchtigt.

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Johnny Ma lädt ein, an die Stelle der Realität eine alternative Wirklichkeit treten zu lassen, da Erinnerungen manchmal einfach nicht gut genug sind. Zwischen Himmel und Erde gibt es noch wahre Liebe – die Korrektur des Geschehenen bleibt ein verzweifelter, ein herzzerreissender Versuch, die Welt so zu gestalten, wie sie hätte sein sollen. Carla Maria Losch

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This Is Not a Love Song China brings to mind high-frequency subway systems, masses of people, travel groups, brightly illuminated megacities, and turbo-capitalism. And more. Streets are repaved overnight. Companies spring up everywhere only to disappear again. The population distribution between centre and periphery is changing: in 2009, the ratio was still 50:50; today, about 850 million people live in cities, versus 550 million in rural areas. China has come a long way, and it is now increasingly entering unknown territory in demographic terms. Despite the abolition of the one-child policy, birth rates remain low, and the population is shrinking, presenting city and population planners with new challenges. The problems of regular people are numerous, and much in this brave new world is a farce. How to live without having any say in the rules? The reforms and the country’s opening up under Deng Xiaoping didn’t just bring economic prosperity – new ideas and cultural practices also entered everyday life in China. Back in 1992, it didn’t matter if the cat was black or white as long as it caught mice. But today, the significance of the cat’s colour, as it were, seems to grow again. The question of how is increasingly in focus, whereas the question of what takes a backseat. A motorcycle takes us past mountainous landscapes and barren expanses of tradition, modernity, and the chasm in between. Existential problems are hidden between city and country, standard language and dialect, fate and self-empowerment, perfection and wishful thinking. In the factory chimneys, the old life goes up in smoke. The Mongolians, once a proud tribe of riders on wild horses, rulers of the largest contiguous empire in world history, seem awkward and clumsy in the face of a brightly coloured birthday cake «made in America». That’s how one celebrates nowadays! What happened to identity and family ties? The industry devours everything like an insatiable monster, the smoke of the past evaporating from its nostrils up into the sky.

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Johnny Ma invites us into an alternative reality, because sometimes, memories just aren’t good enough. Between heaven and earth, there is true love still – the attempt to revise what has happened remains a desperate and heartbreaking effort to make the world what it should have been. Carla Maria Losch

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Da Yun He / Grand Canal China 2013, 20', digital file, colour, Chinese with English subtitles, Fic/Doc Director/Script: Johnny Ma Photography: Wang Yifan Editor: Mike Long Sound: Terressa Tate Cast: Mei Song Shun/Du Xiao Min/Wang Hong Sheng/ Mei Zhan/Johnny Ma Producer: Jie Chen/Sarah Stallard Production/Distribution: Johnny Ma, johnnym9799@hotmail.com, +1 6464620234

Eine griechische Tragödie in Form eines chinesischen Popsongs. Die Geschichte eines Kapitäns, der versucht eine Schuld einzutreiben, um seine Bootsflotte zu retten, erzählt von seinem zehnjährigen Sohn. A Greek tragedy told in a Chinese pop song. The events of a boat captain trying to collect a debt to save his fleet of boats, as remembered by his ten-year-old son. Johnny Ma was born in Shanghai, China, and emigrated to Toronto, Canada, at age ten. He is a DGA and National Board of Review student awardwinning director and graduate of the Columbia University MFA programme. In 2016, his debut feature film, «Old Stone», premiered at the Berlin IFF and won the Best Canadian First Feature Award at the Toronto IFF and the Canadian Screen Awards (Canadian Academy). His second feature, «To Live to Sing», had its world premiere at the 2019 Directors’ Fortnight in Cannes.

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Heading South

Tilapia

China/USA 2020, 12', digital file, colour, Mongolian/Chinese with English subtitles, Fic

Taiwan 2019, 19', digital file, colour, Chinese with English subtitles, Fic

Director/Script/Editor: Yuan Yuan Photography: Joewi Verhoeven Sound: Chen Kun Cast: Chasuna/Chen Fala/Tongela/Tuoya Producer: Yuan Yuan/Meng Fei Production/Distribution: Yuan Yuan, cntszyy@gmail.com

Director/Script: Hung Jing An Photography: Chen Chi Wen Editor: Liu Door Sound: Chen Yun Cast: Yu An Shun/Enno Cheng Producer: Lin Chun Han Production: Kaohsiung Film Archive, kmfa1@kcg.gov.tw, kfa.kcg.gov.tw/en/introduction, Grey Wolf International Film Production Co., Ltd. Distribution: Polny Chiu, polny1208@gmail.com, kff.tw

Die achtjährige Chasuna reist vom Land in die Grossstadt, um ihren Vater zu besuchen. An dessen Geburtstagsfeier erfährt sie, dass der Vater wieder geheiratet hat. Chasuna muss lernen, die Chinesin als Teil der Familie zu akzeptieren. Eight-year-old Chasuna travels from her grassland home to visit her father, who lives in the big city. At her father’s birthday party, Chasuna finds out that he has remarried to a Chinese woman. Chasuna has to learn how to accept her as part of the family. Yuan Yuan is a Chinese filmmaker and currently an Ang Lee Scholar at New York University as an MFA candidate in screenwriting and directing. After graduating from the Shanghai Theatre Academy with a BA in directing, she began working in script development for Oscar-winning producer William Kong («Crouching Tiger, Hidden Dragon», «Mulan»). Yuan’s latest short film won the Grand Prize at the 25th DGA Student Film Awards and the Young Director Award at the Cannes Lions festival, among others.

Wegen schwerer Luftverschmutzung soll das Dorf Dalinpu umgesiedelt werden. Während sich Ayu auf ihr neues Leben vorbereitet, will ihr Vater nichts von dem Umzug wissen, sondern seine Fischzucht im Dorf behalten. Die Geschichte beginnt eines Nachts bei heftigem Regen ... Due to severe air pollution, the village of Dalinpu is about to be relocated. While villager Ayu is busy preparing for her new life, her father disagrees with the idea of migrating and insists on his fish farming here. The story starts at night when heavy rain is hitting the town ... Hung Jing An is a freelancer from Hualien who lives in Taipei.


- / Yíng Sheng The Hedonists China 2016, 26'00", digital file, colour, Chinese with English subtitles, Fic Director: Jia Zhangke Script: Tao Zhao/Jia Zhangke Photography: Likwai Yu Cast: Jingdong Liang/Wenqian Yuan/Sanming Han Production: Stephanie Lee, Stephanie_lee@hkiff.org.hk Distribution: The Hong Kong International Film Festival Society, Stephanie_lee@hkiff.org.hk

Von drei arbeitslosen ehemaligen Minenarbeitern, die auszogen, eine neue Stelle zu finden. An engaging drama about unemployed Shanxi coalminers looking for work. Jia Zhangke, born in Shanxi in 1970, is a Chinese director, writer, and producer. After graduating from the Beijing Film Academy, he had a major international success with his debut feature, «Xiao Wu». Most of his films have been screened at major European festivals. In 2015, he was awarded the Carosse d’Or at Cannes. In his work, Jia often blurs the line between fiction and documentary. He also produces films by young directors.

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China Independent Curated by Primo Mazzoni

Running time 85' Online

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China Independent «Independent» bezeichnet im Fall von China nicht nur von kleinen Studios realisierte Produktionen, sondern von staatlicher Einmischung unabhängige Werke. Seit der Niederschlagung der Tiananmen-Bewegung im Jahr 1989 und dank dem Aufkommen günstiger Videokameras entstehen Dokumentarund Künstlerfilme «von unten», die allerdings in China selbst ausserhalb eingeweihter Kreise unsichtbar bleiben. In China müssen alle Filmproduktionen bereits in den verschiedenen Entwicklungsphasen jeweils den Behörden vorgelegt und bewilligt werden. Auf dieses sogenannte Drachen-Siegel verzichten aber die meisten Indie-Filmer bewusst, da eine Bewilligung immer mit inhaltlichen Auflagen einhergeht. Ohne das Siegel des Filmbüros bleibt einem jedoch der Zugang zur Auswertung im Inland verwehrt – es gibt keine offiziellen Kinovorstellungen, keinen DVD-Release, kein Fernsehen. So finden diese Filme fast ausschliesslich auf internationalen Filmfestivals ein Publikum. Die Szene wollte sich damit nicht abfinden und beschloss, sich selbst zu helfen. Verschiedene Plattformen wurden in China gegründet, um die Filme zu zeigen und sich darüber auszutauschen. Diese Independent-Festivals hatten immer schon mit Gängelei durch die Behörden zu kämpfen, schafften es aber immer wieder auf die eine oder andere Art, ihre Programme durchzuführen. Schliesslich wurde die Situation zunehmend schlimmer. Die ersten um 2006 gegründeten Festivals, das DOChina und das Beijing Independent Film Festival (BIFF), wurden 2011 zusammengelegt, als im Zuge der Verhaftung Ai Weiweis die behördlichen Restriktionen zunahmen. Inzwischen wurden sie ganz aufgelöst. Auch das Schicksal des renommierten Li Xianting Film Fund, der das Festival ausrichtete, ist zurzeit ungewiss. Li Xianting war ein bekannter Kunstkritiker, der in der Förderung und Verbreitung zeitgenössischer und staatlich unabhängiger Kunst in China eine zentrale Rolle spielte. Auch andere Veranstaltungen wie das China Independent Film Festival in Nanjing (CIFF) und das biennale Yunfest (in Yunnan) finden seit Jahren nicht mehr statt. Das vorliegende Programm präsentiert drei Filme aus einem für chinesische Independent-Filme typischen Genre: der spontanen Befragung gewöhnlicher oder von speziellen Situationen betroffener Menschen. Ju Anqis «There’s a Strong Wind in Beijing» ist auf altem, abgelaufenem 16-mm-Filmmaterial

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gedreht. Scheinbar harmlos werden zufällig angetroffene Menschen nach dem herrschenden Wind gefragt. Vier Jahre später geht der Kameramann Wang Shiqing für «SARS in Beijing» mit einer Videokamera zum Pekinger Westbahnhof und kann trotz fehlender Bewilligung noch unbehelligt die Menschen filmen und befragen, die wegen der SARS-Epidemie versuchen die Stadt zu verlassen. Wiederum zehn Jahre später dreht sich der Spiess in «The Questioning» gleich zweifach. Der Filmemacher Zhu Rikun wird von einer Horde Polizisten in seinem Hotelzimmer bedrängt und ausgefragt – während sein Camcorder heimlich alles aufzeichnet. Primo Mazzoni

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China Independent In the case of China, «independent» doesn’t just refer to productions made by small studios but rather to works produced without government interference. Since the Tiananmen Square protests were forcefully suppressed in 1989 – and thanks to the emergence of affordable video cameras – China has increasingly made documentaries and art films «from below», albeit this cinema remains largely invisible within the country itself. In China, films must be submitted to and approved by the authorities at every stage of development. Most indie filmmakers deliberately forego the so-called dragon seal, because this official approval is invariably tied to restrictions at the level of content. But lacking the seal of approval from the film office precludes the films’ exhibition within the country, meaning there will be no official theatrical release, no DVD release, no TV broadcast. Thus, these independent films find their audience almost exclusively at international festivals. China’s independent film scene refused to accept this situation and decided to help itself, establishing a variety of platforms to screen and discuss their films. Although these independent festivals have always been harassed by the authorities, in one way or another, they nevertheless succeeded in showing their programmes for some time. More recently, however, the situation has deteriorated. The first of the independent festivals, DOChina and the Beijing Independent Film Festival (BIFF), both established in 2006, were merged in 2011 due to increasing government restrictions following the arrest of Ai Weiwei. They have since been shut down completely. The fate of the renowned Li Xianting Film Fund, which operated the festival, is also uncertain at the moment. Li Xianting was a well-known art critic who played an important role in funding and distributing contemporary and independent Chinese art. Other events, such as the China Independent Film Festival in Nanjing (CIFF) und the biannual Yunfest (in Yunnan), also ceased operations several years ago. This programme presents three films from a genre that is typical of Chinese independent film, namely, the spontaneous questioning of ordinary people, who are sometimes affected by extraordinary situations. Ju Anqi’s «There’s a Strong Wind in Beijing» is shot on expired 16 mm film. In a seemingly harmless manner, passersby are interviewed about the current wind. Four

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years later, cinematographer Wang Shiqing visits one of Beijing’s main train terminals with his video camera for «SARS in Beijing». Despite not having a permit, he is able to film and interview people who are trying to leave the city due to the SARS epidemic. Another ten years later, the tables are turned in a twofold way in «The Questioning»: filmmaker Zhu Rikun is hassled and questioned by a group of police officers in his hotel room – while his camcorder secretly records everything. Primo Mazzoni

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Beijing de feng hen da / Beijing Xizhan Feidian / There’s a Strong Wind SARS in Beijing in Beijing China 2003, 14', digital file, colour, China 2000, 48', digital file, colour, Chinese with English subtitles, Doc/Exp Director/Script/Editor: Ju Anqi Photography: Liu Yong-hong Production: Trench Film Group, Ju Anqui Office, juanqioffice@163.com Distribution: Ju Anqui Office, juanqioffice@163.com, Arsenal Distribution, distribution@arsenal-berlin.de, arsenal-berlin.de/distribution/distribution-info

«Beijing, China 1999: eine Stadt, eine Nation im Fluss, den Blick auf den Rand des Millenniums und die Vorbereitungen zum fünfzigsten Geburtstag der Gründung der Volksrepublik gerichtet. Der Regisseur Ju Anqi und sein Team waren zu Fuss unterwegs, um, ausgehend von dem einfachen Thema ‹Wind›, dies alles auf Zelluloid zu bannen. (...) Ju Anqi (...) wendet sich ohne Hemmungen mit einer simplen Frage direkt an die Bewohner Beijings.» (Forum Berlinale 2000) «Beijing, China, 1999: a city, a nation in a state of flux just ahead of the turn of the millennium and the 50th anniversary of the People’s Republic. Director Ju Anqi and his team set out on foot to capture everything on celluloid, taking the simple theme of wind as their starting point. (...) Ju Anqi breaks with the conventions of Chinese cinema (...), addressing Beijing’s citizen’s with a simple question.» (Forum Berlinale 2000) Ju Anqi (*1975 in Urumqi) graduated from the Beijing Film Academy. His works involve experimental video and photography, narrative film, painting, and LED light boxes. Ju’s experimental films have been shown at the Centre Pompidou (Paris), MoMA (NY), and the Guggenheim (NY). He lives in Beijing.

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Chinese with English subtitles, Doc Director/Script/Photography/Editor/Producer: Wang Shiqing Production/Distribution: Wang Shiqing, wangshiqing2009@163.com

«Im Frühjahr 2003 wurde Peking vom Ausbruch einer atypischen Lungenentzündung namens SARS (Severe Acute Respiratory Syndrome) heimgesucht. Die Epidemie löste eine Panik aus, und bald flohen die Menschen in Scharen aus der Stadt. Am 8. Mai 2003 beschloss ich zum Westbahnhof Pekings zu fahren, um einige der Reisenden zu filmen und zu interviewen. Dieser Film ist eine Aufzeichnung der Ereignisse, deren Zeuge ich an diesem Tag im Bahnhof war.» – Wang Shiqing «In the spring of 2003, Beijing was hit by an outbreak of atypical pneumonia called SARS (Severe Acute Respiratory Syndrome). The epidemic touched off a public panic and soon, people were fleeing the city in droves. On 8 May 2003, I decided to go to Beijing’s West Railway Station to film and interview some of the travellers. This film is a record of the events I witnessed that day in the station.» – Wang Shiqing Wang Shiqing was born in 1973. He is a cinematographer and independent filmmaker based in Beijing. A graduate of the Beijing Film Academy, he has been the director of photography on over 120 productions ranging from TV dramas and music videos to commercials and documentaries. Wang acted as director of photography for the multi-awardwinning documentary «Up the Yangtze» (2008), directed by Chang Yung.

Cha fang / The Questioning China 2013, 21', digital file, colour, Chinese with English subtitles, Doc Director/Script/Photography/Editor: Zhu Rikun Production: Fanhall Films, zhurikun@gmail.com Distribution: Primo Mazzoni, pm@primofilms.ch

2012 besucht Zhu Rikun befreundete Menschenrechtsaktivisten. Kaum im Hotel angekommen, erscheint eine Gruppe Polizeibeamter auf Zhus Zimmer für eine vermeintliche Ausweiskontrolle. Die versteckte Kamera zeichnet alles auf: 20 Minuten, ungeschnitten – absurd komisch und gleichzeitig bedrohlich. In 2012, Zhu Rikun goes to Xinyu (Jiangxi province) to visit activists, who have been advocating for civil and human rights and for free elections. Shortly after arriving at the hotel, police officers appear at Zhu’s room, supposedly for an identity check. The hidden camera records everything: 20 minutes, uncut – absurdly comical and simultaneously threatening. Zhu Rikun (*1976) studied finance in Beijing and founded Fanhall Studio in 2001. In 2003, he established one of China’s first independent film festivals. Zhu acted as artistic director until 2011 and started his filmmaking career in 2013. His debut, «The Questioning», screened at numerous festivals, including Kurzfilmtage.


Ukraine

LAND IM FOKUS COUNTRY IN FOCUS

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Land im Fokus: Ukraine Die vier hier präsentierten Programme mit ukrainischen Kurzfilmen zeichnen ein ziemlich treffendes Bild der ukrainischen Gesellschaft und Filmkultur der letzten zwei Jahrzehnte. Das Bild lässt sich auf viele verschiedene Arten lesen, je nach Blickwinkel der betrachtenden Person. Lassen Sie mich meine Lesart darlegen, die von meiner Perspektive und meiner Position in der ukrainischen Filmbranche geprägt ist. Es ist die Position einer weiblichen Produzentin sowie einer queeren, feministischen Aktivistin, die sich in einer Reihe von konservativen Institutionen zurechtzufinden versucht – in einer Gesellschaft, die zunehmend von rechter Ideologie geprägt ist – um Raum für andersartige Geschichten zu schaffen. Politisch und ästhetisch – die beiden Aspekte hängen immer zusammen – liegt die auffälligste Trennlinie innerhalb dieser vier Programme für mich zwischen den drei eher «traditionellen» Programmen, die den dominanten Erzählstil vertreten, und demjenigen mit dem Titel Underground Resistances. Das Programm New Ukrainian Cinema enthält frühe Werke aus den 2000er Jahren von Filmschaffenden, die unterdessen bei einem internationalen Festivalpublikum für ihre Langfilme bekannt sind. Gemeinsam ist ihnen (mit Ausnahme von Polina Kelm, der einzigen Frau unter den Regisseuren), dass sie alle die sprichwörtliche Männerwelt abbilden, mit gesichts- oder sprachlosen, stereotypen Frauen, die das Werden der Männer unterstützen (oder manchmal auch verhindern). Ein ganzes Programm ist Maryna Vroda gewidmet, einer der wenigen CannesPreisträgerInnen aus der Ukraine. Auch Vroda gehört zur Generation der 2000er. Ihren Filmen haftet eine Aura müheloser filmscher Schönheit an, wobei sie eher klassische Themen ansprechen: widersprüchliche (man könnte auch sagen toxische) Verhältnisse innerhalb der «traditionellen Familie», erste (heteronormative) Liebe und erster Betrug, Erwachsenwerden oder sich Verlieren – und all dies wird aus überwiegend männlicher Perspektive gezeigt. Im Programm The State of a New Generation gibt es zwar mehr Regisseurinnen, doch eine aggressive, wenn auch zuweilen fragile Männlichkeit dominiert nach wie vor auf thematischer Ebene. Underground Resistances ist hingegen ganz anders, sowohl bezüglich Thematik als auch hinsichtlich des Stils. Auch hier gibt es viel männliche – genauer, patriarchale – Gewalt. Aber diese wird nicht romantisiert, sondern

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mit einer kräftigen Dosis Kritik gezeigt. Zudem ist hier noch etwas anderes – etwas Queeres, sozusagen –, das in einigen dieser Filme durch die Ritzen der zeitgenössischen ukrainischen Realität dringt. Die Werke von Sasha Protyah und Svitlana Shymko etwa zeigen, wie solche Kritik und solches Anderssein zu Hause behandelt werden. Die meisten von Sashas Filmen waren noch auf keinem Festival in der Ukraine zu sehen, dabei thematisieren sie auf einzigartige Weise den kriegsgeplagten Osten der Ukraine – so etwa «Search» von 2016 (vimeo.com/195931596). Weshalb ignorieren einheimische Festivals diesen Film? Liegt es am täuschend «amateurhaften» Stil (der nicht zum Hochglanz-Trend des aktuellen ukrainischen Dokumentarfilms passt) oder daran, dass Sasha unbequeme Fragen stellt und «traditionelle Familienwerte» offen kritisiert? Svitlanas neuster Film, «The Wonderful Years» (2018, Co-Regie mit Galina Yarmanova) über nicht-heterosexuelle Frauen in der UdSSR, war Teil der Filmauswahl zur neuen ukrainischen Welle, die 2020 in Kinos landesweit gezeigt werden sollte. Doch kurz vor dem Start der Vorstellungen wurde er aus dem Programm gestrichen – ohne Erklärung. Ich glaube aber, der Grund dafür war derselbe wie für den allgemeinen Mangel an Filmen über nicht-heterosexuelle Menschen in der Ukraine: eine Tendenz zu Homophobie und Traditionalismus einerseits, die Angst vor rechtsextremer Gewalt gegen alle, die sich wehren, andererseits. Angesichts der Rechtswende rund um die Welt – mit ihrem Rassismus, ihrer Trans-/Lesbo-/Homophobie und Frauenfeindlichkeit – scheint es mir sehr wichtig, nach anderen Geschichten zu suchen, die diese dominanten Erzählungen untergraben. Mein Herz gehört den Widerständigen. Sie mögen verstreut und derzeit nicht sehr zahlreich sein. Aber Orte wie dieses Festival bringen sie zusammen und geben ihnen das Licht, das sie zum Wachstum brauchen. Zu Hause werden sie zum Schweigen gebracht, in den Untergrund verbannt. Doch im Untergrund entwickeln die Wurzeln ihre Kräfte. Ich glaube, dass dieser Untergrund der bestmögliche Spielplatz sein kann, um ein anderes Denken, Lieben und Leben für das künftige Dasein auf Erden zu entwickeln. Yulia Serdyukova, yutopia films Mit freundlicher Unterstützung von

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Country in Focus: Ukraine The four programmes of Ukrainian shorts presented here paint quite an accurate picture of Ukraine’s society, as well as its film culture and industry, over the last two decades. There are many ways to read this picture, depending on the perspective of the viewer. Let me suggest to you the code available to me, the one that is defined by my own point of view and my position in the Ukrainian film industry. It is the position of a female producer who is also a queer feminist activist, and who tries to navigate her way through a number of conservative institutions – in a society where right-wing ideology is increasingly popular – in order to create space for a different kind of stories. For me, the most prominent dividing line in these four programmes is the political and aesthetical one – these two aspects are always intertwined – between the three more «traditional» programmes representing the dominant narratives and styles, and the one called Underground Resistances. The programme New Ukrainian Cinema contains early works from the 2000s by filmmakers who are now fairly well-known to international festival audiences for their feature-length films. One thing they have in common (with the exception of Polina Kelm, the only woman among these directors) is that they all recreate the proverbial «man’s world», with faceless and/or voiceless, stereotypical women supporting the men’s becoming (or often preventing it). An entire programme is dedicated to Maryna Vroda, one of the few Ukrainian Cannes awardees. Vroda belongs to the same generation of the 2000s. Her films have an aura of effortless cinematic beauty about them, exploring rather classical subjects: contradictions (some would say toxicity) within «traditional families», first (heteronormative) love and first betrayal, growing up or getting lost, and all of this is shown from the predominantly masculine protagonists’ points of view. The programme titled The State of a New Generation has many more female directors, yet an aggressive, if sometimes fragile masculinity still prevails among the subjects of the films. The Underground Resistances programme is completely different regarding the variety of both its subjects and its styles. There is a lot of masculine – or patriarchal, to be precise – violence in this programme, too. However, here it is shown without any romanticization and with a hefty dose of criticism. There is also something different – something queer, as it were – pouring through the cracks of contemporary Ukrainian reality in some of these films.

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The stories of Sasha Protyah and Svitlana Shymko, among others, demonstrate how such criticism or otherness is treated at home. Most of Sasha’s films have never been shown at any film festival in Ukraine. Some of them are quite unique when it comes to reflections about the war-ridden east of Ukraine – for instance, «Search» from 2016 (vimeo.com/195931596). Why do local festival programmers ignore this film? Is it because of its deceivingly «amateurish» style (which does not fit into the overall trend of glossy images in contemporary Ukrainian documentary), or is it because Sasha asks a lot of inconvenient questions and criticizes «traditional family values» (much promoted in Ukrainian society on all levels) head-on? Svitlana’s latest film, «The Wonderful Years» (2018, co-created with Galina Yarmanova), about non-heterosexual women in the USSR, was included in the Ukrainian New Wave 2020 film selection to be screened in cinemas all over the country. But then, right before the screenings started, it was excluded. No explanation was given to the directors. Yet I believe the reason is the same as for the general lack of films about non-heterosexual people produced or screened in Ukraine: the tendency towards homophobia and overall traditionalism in Ukrainian society, on the one hand, and fear of the growing ultraright violence against anyone who fights this conservatism, on the other. In the face of the right-wing turn that is happening all over the world – with its racism, trans-/lesbo-/homophobia, and misogyny – I believe that it is very important to look for other kinds of stories, the stories that undermine these dominant narratives. My heart is with the resistances. They might be scattered and not very numerous at the moment, but spaces like this one are bringing them together, giving them the light necessary for growth. They might be cornered and silenced at home, driven underground. But the underground is where the strength of roots develops. I believe that this underground could be the best possible playground for developing other ways of thinking, loving, living, and imagining future life on Earth. Yulia Serdyukova, yutopia films With the kind support of

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Underground Resistances Curated by John Canciani, Janis Huber, Delphine Jeanneret

Running time 70' Friday, 6 November 2020, 22:00, Kino Cameo + Online

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Underground Resistances Kurz nach den Euromaidan-Protesten von 2013, der russischen Annexion der Krim und dem Kriegsausbruch in der Donbass-Region zeigten KünstlerInnen und Filmschaffende in ihren Arbeiten, was geschehen war. Bilder der Euromaidan-Proteste, von Januar bis März 2014 in Kiew aufgenommen; Videos über die Militarisierung der Gesellschaft; ein Essay über freies Radio und Dating-Apps für Schwule; ein Video über eine Strassenaktion von Feministinnen; der Fall von Statuen, die korrupte Macht verkörpern – die Filme in diesem Programm ergeben ein vielschichtiges Panorama der Widerstandskräfte, die in der Ukraine am Werk sind. Filmemacher, Künstler und Autor Oleksiy Radinsky machte während und nach den Euromaidan-Protesten mehrere Dokumentarfilme als Mitglied des Visual Culture Research Center. Die 2008 in Kiew gegründete Plattform fördert Kollaborationen zwischen akademischen, künstlerischen und aktivistischen Kreisen. In seinen Filmen «Integration» (2014) und «People Who Came to Power» (2015) erörtert Radinsky das schrittweise Abgleiten einer Gesellschaft in den Krieg. Mit seiner Dokumentarfilmpraxis untersucht er das Verhältnis von Fakt und Fiktion und hinterfragt die Macht von Bildern und Videos der Basisbewegung in den ukrainischen Aufständen. Aus der Plattform Armed and Dangerous, 2017 von einer KünstlerInnenGruppe gegründet, wurde eine Videoserie, die sich der «Militarisierung der Gesellschaft und insbesondere der Haltung der ukrainischen Jugend gegenüber Gewalt und Waffen widmet. Die Bilder wollen den fragilen Zustand der ukrainischen Gesellschaft reflektieren, die von externer militärischer Intervention im Osten und gleichzeitig von internen Unruhen seitens der ultrarechten Bewegung bedroht wird» (ozbroeni.in.ua). In den ersten zwei Teilen der Serie untersucht Mykola Ridnyi die Popularität von Video-Blogs und schockierendem Online-Content, wo Gewalt zum Alltag gehört. Im satirischen Video «Sisters» (2019) werfen Valentina Petrova und Anna Scherbyna einen Blick auf Weiblichkeit und Sexualität in der Ukraine anhand einer antifeministischen Frauenbewegung: Die Schwesternschaft von St. Olga lehnt das Konzept von Gender ab, vertraut der patriarchalen Ordnung und kämpft für die Abschaffung des Frauenstimmrechts. Ziel des 2018 in Mariupol gegründeten Kollektivs Freefilmers ist es, unabhängige Filme zu machen, die sich mit Fokus auf die Menschen der Realität

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nähern und den kulturellen Prozess dezentralisieren. Der Essay «Film of Sand» (2019) von Sasha Protyah, einem von sieben Mitgliedern des Kollektivs, widmet sich der Rolle von Amateur-Radios und Dating-Apps für Schwule in Bezug auf die vorherrschende Haltung gegenüber LGBTQ-Menschen, die oft als intolerant gilt. Im Dokumentarfilm «The Fall of Lenin» (2017) von Svitlana Shymko schliesslich geht es um den Aufstieg und Fall von Idolen. Das Demontieren von Statuen erinnert an den Fall rassistischer Monumente rund um die Welt im Zuge der George-Floyd-Proteste. Als Inspiration für den Film dienten 2015 vom ukrainischen Parlament verabschiedete Gesetze, die das totalitäre kommunistische Regime verurteilen und dessen Symbole verbieten. Die kollektiven Widerstände, die in diesem Programm vereint sind, zeugen von der dynamischen Macht des Volkes. Delphine Jeanneret

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Underground Resistances Shortly after the end of the Euromaidan protests in 2013, the Russian annexation of Crimea, and the beginning of the war in the Donbass, several artists and filmmakers revealed what had happened through their own work. From images of the Euromaidan uprising taken from January to March 2014 in Kyiv to videos devoted to the militarization of society, from an essay on free radio and gay apps to a video documenting a street action by feminist activists, and finally, the fall of statues representing corrupt power – these films map the many resistances at work in Ukraine. Filmmaker, artist, and writer Oleksiy Radinsky directed several documentaries during and in the aftermath of the Euromaidan protests as a member of the Visual Culture Research Center, which was founded in Kyiv in 2008 as a platform for the collaboration between academic, artistic, and activist communities. His films «Integration» (2014) and «People Who Came to Power» (2015) analyze the gradual slide of a society into war. He developed his own documentary practice to examine the relationship between fact and fiction, questioning the power of images and grassroots videos in the Ukrainian uprisings. Created in 2017 by a group of artists, the platform Armed and Dangerous became a video series that «explores the militarisation of society and, in particular, the attitude of the Ukrainian youth to violence and weapons. The images attempt to reflect the fragile condition of Ukrainian society, which is undergoing external military intervention in the East whilst also experiencing internal disruptions caused by the ultra-right movement» (ozbroeni.in.ua). In parts 1 and 2 of the series, Mykola Ridnyi explores the popularity of video blogs and of shocking online content where violence is a daily routine. In their satirical video «Sisters» (2019), Valentina Petrova and Anna Scherbyna question womanhood and sexuality in Ukraine. They confront a women’s antifeminist movement known as the Sisterhood of St. Olga that rejects the notion of gender, trusts the patriarchal order, and fights for the abolition of women’s right to vote. The main goal of the collective Freefilmers, founded in Mariupol in 2018, is to make independent films that are alert and sensitive to reality, with a strong focus on human beings and on decentralizing the cultural process. The film essay «Film of Sand» (2019) by Sasha Protyah, one of the collective’s seven

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members, explores the role of amateur radios and gay hook-up apps with regard to the prevailing social attitudes towards LGBTQ+ people in Ukraine, which are often described as intolerant. In the documentary ÂŤThe Fall of LeninÂť (2017), independent filmmaker Svitlana Shymko portrays the birth and decline of idols through acts of dismantling statues that strongly echo the fall of monuments to racism around the world after the recent George Floyd protests. The film is inspired by laws adopted in 2015 by the Ukrainian parliament, which condemn the totalitarian communist regime and ban the use of its symbols. The collective acts of resistance gathered in this programme are a testimony to the vivacity of the power of the people. Delphine Jeanneret

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Integration Ukraine 2014, 16'52", DCP, colour, Ukrainian with English subtitles, Doc Director: Oleksiy Radynski Photography: Sasha Bojko/Tomas Rafa/ Serhiy Rozov/Max Savchenko Editor: Leszek Molski/Oleksiy Radynski Producer: Lyuba Knorozok Production/Distribution: Lyuba Knorozok, lyubzja.knorozok@gmail.com

Das Video analysiert das Verhältnis von Gewalt, Politik, Religion und Aufstand mit Blick auf die Ränder der Protestbewegung von Kiew und zeigt dabei auch deren unheimliche Kehrseite. This video analyzes the relationship between violence, politics, religion, and insurgency by exploring the edges of the Kyiv protest movement and exposing its uncanny underside. Oleksiy Radynski is a filmmaker and writer based in Kyiv. His films have received numerous awards at international festivals. He is also a widely published author and a participant of the Visual Culture Research Center, an initiative for art, knowledge, and politics founded in Kyiv in 2008. Currently, Oleksiy is a 2019/20 fellow at BAK, basis voor actuele kunst, in Utrecht.

Armed and Dangerous Episode 1 Ukraine 2017, 7'20", DCP, colour/black & white, Ukrainian with English subtitles, Exp Director/Photography/Editor: Mykola Ridnyi Production/Distribution: Mykola Ridnyi, ridnyi@gmail.com, mykolaridnyi.com

Der erste Teil von «Armed and Dangerous» besteht aus Szenen von Partys, Spaziergängen und alltäglichen urbanen Situationen aus dem Leben des Autors. Diese werden vermischt mit Found Footage von militanten Rechtsextremisten. Die Überlagerung von unterschiedlichem Material ergründet das Konzept von «Horror» zwischen Attraktion auf der Leinwand und Angst im richtigen Leben. The first episode of «Armed and Dangerous» consists of scenes of parties, walks, and random urban situations involving the author and his milieu. These are mixed with found footage showing right-wing radicals and militants. The superimposition of different materials opens up the concept of «horror» between attraction on the screen and fear in real life. Mykola Ridnyi was born in Kharkiv, Ukraine, in 1985. He graduated from the Kharkiv State Academy of Design and Fine Arts in 2008. His works include film, photography, and installations and have been shown at biennials, galleries, and at film festivals worldwide.

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Film of Sand Ukraine 2019, 12', DCP, colour, Ukrainian with English subtitles, Doc/Exp Director/Script/Photography/Editor/Sound/ Producer: Sasha Protyah Cast: Seryozha Morzhov Production/Distribution: Oleksandr Dehtiarov, protyah@gmail.com

Betrachtungen über Amateur-Radio, Dating-Apps für Schwule und Liebe. Contemplations on amateur radio, gay hook-up apps, and love. Sasha Protyah (*1978) is a Ukrainian director who started making films in 2006. His works have been screened in more than 30 places in Ukraine, Slovakia, Germany, Russia, Lithuania, Israel, and Mexico. Sasha is a member of Freefilmers, a movement of independent filmmakers.


Armed and Dangerous Episode 2 Ukraine 2017, 8'45", DCP, colour, Russian/Ukrainian with English subtitles, Exp Director/Photography/Editor: Mykola Ridnyi Production/Distribution: Mykola Ridnyi, ridnyi@gmail.com, mykolaridnyi.com

Sisters

The Fall of Lenin

Ukraine 2019, 12'00", DCP, colour, Russian/Ukrainian with English subtitles, Exp

Ukraine 2017, 11'26", DCP, colour/black & white, Russian/Ukrainian with English subtitles, Doc/Exp

Director/Script: Anna Scherbyna/Valentina Petrova Photography: Mykhaylo Chelnokov/Valentina Petrova Editor: Anna Scherbyna/Mykhaylo Chelnokov/ Valentina Petrova Production/Distribution: Mykola Ridnyi, ridnyi@gmail.com, mykolaridnyi.com

Director: Svitlana Shymko Editor: Viktor Onysko Sound: Roman Gomenyuk Production/Distribution: Svitlana Shymko, svitlana.shymko@gmail.com

Der zweite Teil dieser Serie ist eine Verfolgungsjagd, die Fragen aufwirft und vor den Antworten davonrennt: Wie hängen die futuristische Begeisterung für Geschwindigkeit und die zunehmende Popularität von schockierenden Online-Inhalten zusammen? Wieso sehen die Helden historischer Epen aus wie oberflächliche Hipster? Wo ist die Grenze zwischen grausam und lächerlich?

Die Mitglieder der Schwesternschaft von St. Olga kämpfen für ungleiche Rechte und lackieren sich die Nägel. In einer Welt der Wanderlust, Versuchung und Perversion gilt es, gegen deviantes Verhalten anzutreten. Können diese schönen und tapferen Frauen, die noch nie Hosen getragen haben, die traditionellen Familienwerte vor den Bedrohungen der Aussenwelt retten?

The second episode of this series is a chase. It raises a number of questions and runs away from the answers: What is the connection between the futuristic admiration of speed and the rising popularity of shocking online content? How have the heroes of historical epics come to look like superficial hipsters? Where is the boundary between terrible and ridiculous?

Members of the Sisterhood of St. Olga are struggling for unequal rights and painting their nails. In a world full of wandering, temptations, and perversions, their duty is to withstand a duel with deviant marginals. Can these beautiful and brave women who have never worn pants save their traditional family values from the threats of the outside world?

Mykola Ridnyi was born in Kharkiv, Ukraine, in 1985. He graduated from the Kharkiv State Academy of Design and Fine Arts in 2008. His works include film, photography, and installations and have been shown at biennials, galleries, and at film festivals worldwide.

Anna Scherbyna (*1988 in Ukraine) graduated from Odessa’s Art School and from the National Academy of Fine Arts and Architecture. She was a cofounder and participant of the Concrete Dates Collective (2015–2017) and she currently lives and works in Kyiv, Ukraine. Valentyna Petrova, born in Prague, lives and works in Kyiv. She has participated in a number of contemporary art exhibitions and feminist initiatives in Ukraine and internationally.

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Ein ironischer Dokumentarfilm über den Abschied von den Phantomen der UdSSR in der Ukraine. Eine Séance mit Lenins Geist führt uns durch Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Als Inspiration für den Film dienten 2015 vom ukrainischen Parlament verabschiedete Gesetze, die das totalitäre kommunistische Regime verurteilen und dessen Symbole verbieten. An ironic documentary about saying farewell to the phantoms of the USSR in Ukraine. A spiritualist session with the ghost of Lenin guides us through our past, present, and future. «The Fall of Lenin» is inspired by laws adopted by the Ukrainian parliament in 2015, which condemn the totalitarian communist regime and ban the use of its symbols. Svitlana Shymko is an independent director from Ukraine and a graduate of the DocNomads international MA programme in documentary filmmaking. Her graduation film, «The Doctor Leaves Last», was shown at numerous international festivals.


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The State of a New Generation Curated by John Canciani, Janis Huber, Delphine Jeanneret

Running time 90' Thursday, 5 November 2020, 13:30, Casino 1 Sunday, 8 November 2020, 13:30, Casino 1 + Online

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The State of a New Generation Die Gegenwart ist immer gleich wieder vorbei. Die Gegenwart kann nicht altern, die von ihr hinterlassene Geschichte hingegen schon. Das Medium Film, besonders in seiner kurzen Form, kann die flüchtige Gegenwart fragmentarisch und künstlerisch konservieren. Der zeithistorische Graben zwischen der ukrainischen Unabhängigkeit und ihrer Gegenwart ist bis dato noch wenig weit – jung ist die Geschichte der Ukraine seit dem Zerfall der Sowjetunion (1991) und noch jünger jene seit der orangen Revolution (2004) oder der Euromaidan-Revolution (2013/14). Jung sind in diesem Programm auch einige der ProtagonistInnen sowie deren AutorInnen. Die Filmsprache der vier RegisseurInnen wirkt hingegen alles andere als jung und unerfahren – sie ist präzise, subtil, inhaltlich motiviert und an ihren Figuren interessiert. Im Fokus hier steht weniger die soziopolitische Dynamik ukrainischer Ausnahmezustände, sondern vielmehr die Suche nach alltäglichen, fiktionalen Geschichten. Innerhalb der konkret ukrainischen Konturen entfalten sich transgenerationale, universelle Themen: Kindheit und Jugend, Individualität und Gemeinschaft, Freundschaft, Liebe und Sexualität, Körperlichkeit, Gewalt, Scheitern und Erfolg. Das noch fragile Junge steht dabei dem etablierten Alten gegenüber. Einprägsam ist in dieser Hinsicht eine Szene im ersten Film, «Weightlifter» (2018), als Petro – ein ambitionierter, introvertierter Gewichtheber – die Männersauna besucht: Nackte männliche Körper jeden Alters dominieren das durch den Dampf diffus gewordene Bild. Der flüchtige Dialog zu Beginn der Szene bricht am Schluss komplett ab und es bleibt Ausdruck reiner Körperlichkeit, was für den Protagonisten in seiner emotionalen Überforderung kennzeichnend ist. Die Sprachlosigkeit des Protagonisten steht der präzisen Filmsprache des Regisseurs Dmytro Sukholytkyy-Sobchuk gegenüber. Einst selbst als Gewichtheber tätig beschreibt er das Verhältnis von universal-kollektiven und individuellen Geschichten in seinem Film wie folgt: «Ich bin seit langem fasziniert von der Verleugnung des Petrus und den unterschiedlichen Interpretationen dieser Geschichte durch verschiedene Künstler. In ‹Weightlifter› nahm ich diese biblische Erzählung als Basis für meine Geschichte, um sie als Sportdrama zu präsentieren. Andere Einflüsse stammen von einem Detail aus Arnold Schwarzeneggers Biografie [...]. Es gibt nur 19 Szenen im Film, aber jede wurde in der Vorbereitungsphase sorgfältig entwickelt, wie ein Gemälde, bei dem jedes kleinste Detail zählt,

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die Plastizität und Bewegung. Die Idee war, der Geschichte und Seele der Hauptfigur einen neuen Aspekt hinzuzufügen, deshalb ist jede Einstellung mit grösster Präzision vorbereitet.» In den beiden Filmen «Blood» (2016) und «The Adult» (2019) treten wir von der Adoleszenz einen Schritt zurück in die Kindheit: Die Figuren sind noch nicht in ihrem Charakter festgefahren, sie erproben das Verhalten erwachsener Menschen. Die jungen Menschen haben ein Verlangen nach prägenden Alltags- und Grenzerfahrungen. Am Ende des Programms verlassen wir mit «Solitude» (2019) schleichend das Alltägliche und gleiten in die ungewissen Zonen des Ausnahmezustands. Die junge Regisseurin Yelizaveta Smith baut eine Brücke zwischen dem traumatischsten Ausnahmezustand der Neuzeit – dem Zweiten Weltkrieg – und dem im kollektiven Gedächtnis stets präsenten Ausnahmezustand der jüngsten ukrainischen Geschichte. Nicht nur thematisch, sondern auch ästhetisch oszilliert der Film zwischen Vergangenheit und Gegenwart: etwa durch das schwarz-weisse, durchkomponierte Bild oder das Set-Design, in dem nur wenige moderne Gegenstände, wie etwa ein Laptop, die Geschichte im 21. Jahrhundert verorten. Im Zentrum von «Solitude» steht wieder die Beziehung zwischen jung und alt. Janis Huber

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The State of a New Generation The present is always already over. The present cannot get old, but the history it leaves behind can. The medium of film, especially in its short form, has the ability to preserve fragments of the elusive present artistically. The temporal chasm between Ukraine’s independence and its present is not very wide yet: the country’s history since the collapse of the Soviet Union (1991) is still young, and the history since the Orange Revolution (2004) and the Euromaidan revolution (2013/14) even younger. Many of the protagonists and authors in this programme are young, too. But with regard to their filmmaking skills, the four directors seem anything but young and inexperienced. Their cinematic language is precise, subtle, thematically motivated, and sympathetic towards the protagonists. Their focus is not so much on the sociopolitical dynamics of Ukraine’s states of emergency, but on fictional stories of everyday life. Within the specifically Ukrainian contours, transgenerational and universal topics emerge: childhood and youth, individuality and community, friendship, love and sexuality, physicality, violence, failure and success. Fragile youth is juxtaposed with established age. A memorable scene in this respect occurs in the first film, «Weightlifter» (2018), when the ambitious, introverted weightlifter Petro visits the men’s sauna: naked male bodies of all ages dominate the image, which has become blurred by steam. The perfunctory dialogue eventually ceases, leaving us with pure physical expression, emblematic of the protagonist’s sense of emotional overwhelm. Director Dmytro Sukholytkyy-Sobchuk’s visual language expresses Petro’s speechlessness with great precision. A former weightlifter himself, the filmmaker describes the relation between universal, collective, and individual stories as follows: «For a long time, I have been fascinated by the theme of the Denial of Peter and the various different interpretations by different artists. In ‹Weightlifter› I decided to put this biblical plot at the base of my story and present it as a sport drama. Other influences came from a detail in Arnold Schwarzenegger’s biography [...]. There are only 19 scenes in the film, but each of them is meticulously developed and worked on at the preparation stage, like a painting, where each tiniest detail matters, its plasticity and movement. The idea was to introduce a new side of the story and the soul of the main character, that is why every shot is prepared with great precision.»

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The films «Blood» (2016) and «The Adult» (2019) take us back from adolescence to childhood. The characters here are not fully formed yet; they rehearse adult behaviour. The young people in these films are longing for formative experiences, both ordinary and exceptional. The last film in the programme, «Solitude» (2019), gradually leaves behind the everyday, entering the uncertain sphere of states of emergency. Young filmmaker Yelizaveta Smith builds a bridge between the most traumatic crisis of our time – World War II – and the emergencies of Ukraine’s most recent past, which are omnipresent in the country’s collective memory. The film oscillates between past and present, not just thematically but also aesthetically, with its black-and-white images and its set design that contains few modern objects, such as a laptop, locating the story in the present century. Once again, the relationship between young and old is at the centre. Janis Huber

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Sztangista / Weightlifter Poland/Ukraine 2019, 30', DCP, colour, Ukrainian with English subtitles, Fic Director/Script/Editor: Dmytro Sukholytkyy-Sobchuk Photography: Michal Rytel-Przełomiec Sound: Serhij Stepanskyj Cast: Oleksandr Łoj/Waleria Chilko/Jurij Szczerbyna/ Maksym Berezniuk/Leond Kubyszkowskyj/ Marta Bartoszewska/Wasyl Martyniuk/ Pawlo Kuczynskyj/Jurij Janyszyn/Larysa Rusnak Producer: Jecek Bromski/Ewa Jastrzȩbska/ Jerzy Kapuściński Production: Studio Munka, m.fabijanska@sfp.org.pl, +48 225565483 Distribution: New Europe Film Sales, jnaszewski@gmail.com, +48 600173205

Der professionelle Gewichtheber Petro bereitet sich auf einen wichtigen Wettkampf vor. Kurz vor dem Wettkampf erreicht ihn eine tragische Nachricht. Eine schwierige Entscheidung lastet auf ihm. Der innere Konflikt macht mehr aus Petro als ein mechanisches Bündel aus Muskeln. A story about a professional weightlifter, Petro, who is preparing for an important competition. Before the competition, Petro receives tragic news. A hard decision is pressing on his shoulders. His inner conflict turns Petro into something more than just a mechanical bundle of muscles. Dmytro Sukholytkyy-Sobchuk graduated from the Kyiv National I. K. Karpenko-Kary Theatre, Cinema and Television University in 2013. He has made several short films that were awarded at international festivals. He was also a participant of the Berlinale Talent Campus and a contributor to the documentary project «Babylon#13» (cinema of civil protest) in Kyiv. Dmytro has been a member of the Ukrainian Film Academy since 2017 and an EFA member since 2018.

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Krov / Blood

The Adult

Ukraine 2016, 13'11", DCP, colour, Ukrainian with English subtitles, Fic

Ukraine 2019, 17', DCP, colour, Ukrainian with English subtitles, Fic

Director/Script/Editor: Valeria Sochyvets Photography: Kiril Shybut Sound: Serhyi Avdeev Cast: Jura Katynskyi/Nastya Krysko Producer: Philip Sotnychenko/Valeria Sochyvets Production/Distribution: CUC | Contemporary Ukrainian Cinema, sochyvets@cuc.com.ua, cuc.com.ua

Director/Script: Zhanna Ozima Photography: Denys Furdyn/Khrystyna Lizogub Editor: Olga Zhurba Sound: Serhii Avdieiev Cast: Yulian Tovarnytskyi/Mykhailo Shchobak/ Olexandr Shpur/Petro Pidberezhnyk/ Sergiy Radovych/Oleg Snyadanko Producer: Iryna Kovalchuk Production/Distribution: RADAR Films, ikovalchuk.production@gmail.com, +380 936415141

Die junge Cellistin Nastya ist in ihren Freund Yura verliebt. Irgendwann zwischen Proben und Partys hat sie beschlossen, dass Yura der erste sein soll. Doch nicht jeder Mann kann mit dieser Situation umgehen ... Nastya is a young cello player and she’s in love with her friend Yura. At some point between rehearsals and parties, she has decided that she wants Yura to be the first. But not every guy can handle this ... Valeria Sochyvets (*1992 in Kyiv) graduated from the Kyiv National I. K. Karpenko-Kary Theatre, Cinema and Television University (Vasyl Viter’s directing class) in 2014. Since 2013, she has supervised the film programme of GOGOLFEST, a multidisciplinary international festival of modern art. She cofounded the NGO CUC in 2015, and she supervises the film programmes of the Intermezzo Short Story Festival and of IFMA Porto Franco.

Zum 18. Geburtstag schenkt Bohdans Vater ihm sein altes Auto. Bohdans Schulkollegen besuchen ihn in der Garage, um den Wagen zu sehen. Doch der Geburtstag nimmt eine unerwartete Wendung und Bohdan muss sich behaupten. Bohdan is turning 18 today and his dad gives him his old car as a birthday present. His buddies from the trade school come to visit him in the garage to check out the car. But the simple birthday takes an unexpected turn that forces Bohdan to stand his ground. Zhanna Ozima (*1986 in Horishni Plavni, Ukraine) graduated from the Institute of Journalism at Kyiv International University. She has been working as a programme coordinator at the Lviv International Short Film Festival Wiz-Art for three years, and with the support of Wiz-Art, she started to shoot her own films, mainly on local and private issues.


Solitude Ukraine 2019, 29'00", DCP, black & white, Ukrainian with English subtitles, Fic/Exp Director/Script: Yelizaveta Smith Photography: Viacheslav Tsvietkov Editor: Olga Zhurba/Sergo Klepach/Yelizaveta Smith Sound: Mikhailo Zakutskyi Cast: Olena Ponomarenko/Vasyl Skaken/ Anatoliy Paduka-Golot Producer: Oleksandr Fomenko Production: Yelizaveta Smith, lisstory3@gmail.com, taborproduction.com Distribution: Tabor Production, tabor.production@gmail.com, taborproduction.com

Ein schwerer Sturm schwemmt eine Bombe aus dem Zweiten Weltkrieg an die Küste einer Hafenstadt. Die Behörden evakuieren das Gebiet und die Menschen versammeln sich im städtischen Theater. Zwischen der alleinstehenden 45-jährigen Khrystyna und dem obdachlosen Elijah entsteht eine Intimität, die beiden Angst macht. During a heavy storm, the sea washes up a Second World War bomb on the beach of a port city. The authorities decide to evacuate the area and people gather in the city’s theatre. Between Khrystyna, a 45-year-old single woman living in a rundown building, and Elijah, a man without a home and family, an understanding and intimacy develops that frightens both. Yelizaveta Smith (born in Odessa, Ukraine) graduated from the Kyiv National University of Theatre and Cinema as a film director. In 2014, she cofounded the film company Tabor Production. She was a participant of Berlinale Talents in 2018 and is a member of the Ukrainian Film Academy and the European Film Academy.

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Maryna Vroda: On Departures and New Beginnings Curated by John Canciani

Running time 75' Wednesday, 4 November 2020, 17:00, Kino Cameo Saturday, 7 November 2020, 15:30, Kino Cameo + Online

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Maryna Vroda: On Departures and New Beginnings Maryna Vroda interessiert sich seit jeher für die Thematik von Aufbruch und Abschied und für den Übergang zu etwas Neuem. Über die sozialen Beziehungen und Interaktionen zwischen den ProtagonistInnen verhandeln ihre Filme die Art und Weise, wie die Veränderung sozialer Strukturen die Vergangenheit eines Menschen oder eines Staates transformieren oder gar zum Verschwinden bringen kann. Dabei vermitteln Marynas Filme ständig zwischen der Würdigung ihrer eigenen sowjetischen Vergangenheit und dem Traum von einer neuen Zukunft. Spannung entsteht dadurch, dass dieses idealistische Streben auf einen filmischen Realismus prallt, denn es geht immer auch um den schwierigen Alltag der Menschen in der Ukraine. Maryna Vroda wurde 1982 in Kiew geboren und hat 2007 ihr Studium an der Kyiv National University of Theatre, Cinema and Television abgeschlossen. Anschliessend hat sie an Sergei Loznitsas Film «My Joy» (2010) mitgearbeitet. Ihre Kurzfilme wurden an vielen Festivals gezeigt. 2011 gewann sie mit «Cross-Country» die Palme d’Or für den besten Kurzfilm in Cannes. Der Film lief damals auch im Internationalen Wettbewerb der Kurzfilmtage. Zurzeit arbeitet Maryna an ihrem ersten Langspielfilm, «Stepne». Maryna analysiert in ihren Filmen verschiedene Facetten des Übergangs und der Suche nach dem eigenen Platz in der Welt. Ihre Geschichten sind auch stark mit ihrer Familie, ihren Freunden und ihrem Heimatland verbunden. Gekonnt und poetisch lässt sie diese Themen mit gesellschaftlichen Beobachtungen sowie politischen Kommentaren über ihr Heimatland zu einer ganz eigenen cineastischen Handschrift verschmelzen. Maryna selber sagte in einem Interview: «Das Kino kann für uns ein Werkzeug sein. Mit ihm können wir die Menschen und das Bild der Ukraine in der Welt verändern.» Die Kurzfilmtage zeigen Marynas fünf Kurzfilme in chronologischer Reihenfolge, um die Entwicklung ihrer Themen und ihrer ästhetischen Sprache nachzuzeichnen. John Canciani

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Maryna Vroda: On Departures and New Beginnings Maryna Vroda has always been interested in the theme of departures or farewells and the transition into something new. Her films focus on the social relationships and interactions of the protagonists in order to negotiate how the past of people or of a state can be transformed or even made to disappear through the remoulding of social structures. Focusing on this process, Maryna’s films constantly mediate between honouring her own Soviet past and dreaming of a new future. Central to her work is the idea of freedom – her own freedom as a woman and artist and the freedom of her country. Tension is created by having these idealistic aspirations collide with cinematic realism, because her films also speak about the difficult everyday life of Ukrainians. Maryna Vroda was born in Kyiv in 1982 and graduated from the Kyiv National University of Theatre, Cinema and Television in 2007. After her studies, she worked with Sergei Loznitsa on his film «My Joy» (2010). Her short films have been shown at many festivals. In 2011, she won the Short Film Palme d’Or in Cannes with «Cross-Country». The film was also screened in the International Competition at Kurzfilmtage. Maryna is currently working on her first feature film, «Stepne». In her films, Maryna analyzes different facets of transitions and of finding one’s place in the world, processing them cinematically. Her stories are also strongly connected to her own family, friends, and home country. She skilfully manages to poetically fuse these themes with social observations as well as political commentary on her homeland into her very own signature style. Maryna herself said in an interview: «The cinema can be a tool for us. With it we can change the people and the image of Ukraine in the world.» Kurzfilmtage is showing Maryna’s five short films in chronological order to trace the development of her themes as well as her aesthetic language. John Canciani

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Image credit: Katya Slonova

The Rain

Kliatva / The Oath

Family Portrait

Ukraine 2007, 13', DCP, colour, Ukrainian with English subtitles, Fic

Ukraine 2007, 14', DCP, colour, Ukrainian/Russian with English subtitles, Fic

Ukraine 2009, 14', DCP, black & white, Ukrainian with English subtitles, Fic

Director/Script: Maryna Vroda Photography: Volodymyr Ivanov Editor: Juri Rechinsky Sound: Maria Nesterenko Cast: Grygoryi Korobenko/Galina Opanasenko Producer: Sergiy Zheleznyak Production: LightHOUSE film company Distribution: Goethe-Institut, info-kiew@goethe.de

Director/Script/Producer: Maryna Vroda Photography: Lena Chekhovskaya Editor: Taisia Bojko/Maryna Vroda Sound: Maria Nesterenko Cast: Asya Kylyvnyk/Olexiy Loboda/ Valerija Bogdanova Production: Kyiv National University of Theatre, Television and Cinema, Institute of Screen Arts, LLC vrodastudio Distribution: LLC vrodastudio, marynavroda@gmail.com

Director/Script: Maryna Vroda Photography: Olena Chekhovska/Volodymyr Ivanov Editor: Olena Zolotuhina/Maryna Vroda Sound: Maria Nesterenko/Anna Malienko Cast: Olga Slisarenko/Stanislav Boklan/ Kateryna Kistel/Misha Artemenko Producer: Volodymyr Zhylko/Maryna Vroda Production: Cinecho Film Distribution: LLC vrodastudio, marynavroda@gmail.com

Eine Regenflut sorgt für Chaos im Haushalt eines alten Ehepaars. Als der Mann seine Frau nicht finden kann, ist er ausser sich vor Wut. Doch zwischen verachtenden Beschimpfungen und affirmativer Stille wird die tiefe Verbundenheit spürbar, die die langen und beschwerlichen Jahre des gemeinsamen Alltags hervorgebracht hat. A rain flood creates chaos in the life of an old couple. When the man can’t find his wife, he’s mad with anger. But between contemptuous insults and affirmative silence, the deep connection resulting from the couple’s long and burdensome life together becomes palpable.

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Alyosha und Asja spielen Hochzeit und schwören sich ewige Liebe. Aber Alyosha zieht weg, während Asja neue Freunde findet und sich anderem zuwendet. Eine Geschichte über die erste Liebe und den ersten Betrug, über das Bewahren und den Verlust der Unschuld der Kindheit. Alyosha and Asja are pretending to get married and exchange vows of eternal love. But Alyosha moves away and Asja finds new friends and interests. A story of first love and first betrayal, and about preserving and losing the innocence of childhood.

Eine Tochter besucht ihre Familie auf dem Land. Ihr Vater wirft ihr gutmütige Blicke zu. Ihre Mutter erzählt von den Grosseltern. Ihr Bruder gibt ihr nachts heimlich Süssigkeiten. Dann reist sie wieder ab. Über kleine Gesten wird ein tristes und doch liebevolles Porträt einer Familie gezeichnet, die mit den Belastungen des Winters kämpft. A daughter visits her family in the countryside. Her father throws kind looks at her. Her mother talks about the grandparents. Her brother secretly gives her candy at night. Then she leaves again. Small gestures paint a gloomy yet tender portrait of a family struggling with the hardships of winter.


Cross / Cross-Country

Snails

France/Ukraine 2011, 15', DCP, colour, Ukrainian/Russian with English subtitles, Fic

Ukraine 2014, 19', DCP, colour, Russian/Ukrainian with English subtitles, Fic

Director/Script: Maryna Vroda Photography: Volodymyr Ivanov Editor: Roman Bondarchuk Sound: Maria Nesterenko Cast: Egor Agarkov Producer: Maryna Vroda/Florence Keller Production/Distribution: Les 3 lignes, contact@les3lignes.com, +33 681230626

Director/Script: Maryna Vroda Photography: Volodymyr Ivanov Editor: Viktoria Dvornikova/Dasha Danilova/ Maryna Vroda Sound: Maria Nasterenko Cast: Dmytro Yaroshenko/Valeriy Berest Producer: Igor Savychenko/Kirill Shuvalov Production/Distribution: LLC vrodastudio, marynavroda@gmail.com, LLC directoryfilms, savychenko@directoryfilms.com

Ein Klassenausflug in die Natur. Zuerst zwingen sie ihn zu rennen. Dann rennt er für sich selbst. Dann beobachtet er andere beim Rennen. Ein rücksichtslos ehrliches Porträt der städtischen Jugend der Ukraine zwischen Gewalt und Langeweile, das sich der Frage annähert, wohin wir eigentlich rennen und ob wir jemals irgendwo ankommen. A school trip into nature. First, they force him to run. Then he runs for himself. Then he observes others running. A blunt portrait of Ukraine’s urban youth between violence and boredom, raising the question of what we’re running towards and if we ever arrive anywhere.

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Die Jungs sind zusammen aufgewachsen. Sie treffen sich und haben Spass. Dieses Mal mit ihrem alten Freund Dima, der jetzt in Kiew wohnt. Die weite postsowjetische Landschaft, durch die sie laufen, ist ihre Heimat. Wer wird am Ende gewinnen? Die Landschaft oder die Jungs? The boys grew up together. They meet and have fun, this time with their old friend Dima, who now lives in Kyiv. The vast post-Soviet landscape they’re running through is their home. Who will win in the end? The landscape or the boys?

Maryna Vroda was born in Kyiv in 1982. In 2007, she graduated from the cinematography and TV faculty at the Kyiv National I. K. Karpenko-Kary Theatre, Cinema and Television University with a specialization in feature film directing. In 2011, she won the Short Film Palme d’Or at Cannes for «Cross-Country». Maryna was a participant of the Berlinale Talent Campus in 2010 and a resident of the Cité internationale des arts in Paris in 2013, where she wrote the script for «Stepne».


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New Ukrainian Cinema Curated by Delphine Jeanneret

Running time 90' Thursday, 5 November 2020, 12:00, Kino Cameo Sunday, 8 November 2020, 15:30, Kino Cameo + Online

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New Ukrainian Cinema Die Geschichte des ukrainischen Kinos beginnt bereits 1896. Während die einen diese als sowohl parallele als auch unabhängige Entwicklung zum sowjetischen Kino beschreiben, verorten andere die eigentliche Entwicklung des ukrainischen Kinos in der Zeit nach der Unabhängigkeit des Landes (1991). Wie überall in der UdSSR war das Kino ein ideologisches Werkzeug, das seine eigene Geschichte, Kultur und Auffassung von Wissenschaft propagierte. Auch in der Ukraine spielte der Film eine wichtige Rolle in der Konsolidierung des kommunistischen Mythos. Entsprechend wurde er stets von der Partei unterstützt und «umsorgt». Doch einige Filmschaffende sprengten die Grenzen der Propaganda und entwickelten ihre eigene Filmsprache, trotz der Kritik ihrer Werke durch die kommunistischen Behörden. Zu den einflussreichen Regisseuren des ukrainischen Films gehören etwa Oleksandr Dowschenko, der vor allem für «Arsenal» (1929) und «Earth» (1930) bekannt ist, die gemeinsam mit «Zvenigora» (1928) seine «ukrainische Trilogie» bilden; Dsiga Wertow, der bahnbrechende Dokumentarfilmer und Wochenschau-Regisseur, dessen Filmpraxis und Theorie den Stil des Cinéma vérité sowie die Werke der Dziga Vertov Group beeinflussten, jenes radikalen Kollektivs, das von 1968 bis 1972 aktiv war; und der in Armenien geborene und in Georgien aufgewachsene Sergei Paradschanow, der sein erstes Meisterwerk, «Shadows of Forgotten Ancestors» (1964), in der Ukraine drehte. FilmhistorikerInnen sprechen auch von einem «poetischen Kino» mit Bezug auf das ukrainische Kino der späten 1960er und frühen 70er Jahre. In den 1990ern, nach dem Fall der UdSSR, kam das ukrainische Filmschaffen praktisch zum Stillstand. Doch seit 1998 erlebt es wieder einen Aufschwung: Unabhängige Filme sind an internationalen Festivals und in den modernisierten Kinos im ganzen Land zu sehen. Die fünf Filme in diesem Programm präsentieren eine neue Generation von Filmschaffenden, die vor dem Ende der UdSSR geboren und in den 1990ern gross geworden sind. Bevor sie ihre bekannten abendfüllenden Werke drehten, experimentierten sie in Kurzfilmen mit Form und Inhalt und entwickelten ihre eigenen Filmsprachen. Bis 2011 gab es in der Ukraine kaum Filmförderung, weshalb die meisten Filme eigenfinanziert waren. Dies gab den Filmschaffenden auch eine gewisse Freiheit: Sie hatten nichts zu verlieren und erzählten Geschichten, die heute wohl nicht mehr so möglich wären. Die fünf hier versammelten Erzählungen widmen sich Liebesbeziehungen in

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einer Zeit, als alles möglich schien. «Against the Sun» (2004) von Valentyn Vasyanovich und «A Tragic Love for Unfaithful Nuska» (2004) von Taras Tkachenko entfalten Traumlandschaften in einer Art von magischem Realismus, bei dem jeder Szene eine eigene Zeitlosigkeit anhaftet. «Fro» (2008) von Polina Kelm, «Taxi Driver» (2007) von Roman Bondarchuk und «Diagnoz» (2009) von Myroslav Slaboshpytskiy hingegen zeigen alltägliche Beziehungen zwischen Männern und Frauen in einem Land, das nach wie vor von einem stark patriarchalen System geprägt ist. In der Post#MeToo-Ära mögen diese Filme problematisch scheinen, wie aus einer anderen Zeit. Mit ihrer Darstellung von Frauen sind sie weit entfernt von dem, wofür wir heute kämpfen; dennoch schien es wichtig, diese Phase in der Geschichte des ukrainischen Kinos abzubilden.* Die hier präsentierten Filme zeigen die ersten Versuche von fünf Filmschaffenden, die sich mittlerweile alle zu starken und unabhängigen Stimmen im zeitgenössischen Kino der Ukraine entwickelt haben. Delphine Jeanneret

*Das Programm Underground Resistances ist eine Art Antithese zu diesem Programm: Es zeigt Akte des Widerstands, bei denen Macht zugunsten des Kollektivs dezentralisiert wird.

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New Ukrainian Cinema The history of Ukrainian cinema began as early as 1896. Some authors view Ukrainian cinema as developing both in parallel with and independently of Soviet cinema, others see its real development as starting in the aftermath of the country’s independence in 1991. Like everywhere in the USSR, cinema was used as a powerful ideological tool promoting its own history, culture, and conception of science. In Ukraine, too, cinema played an important role in the consolidation of the communist myth. Therefore, it relied on the support and the «care» of the Party. However, some filmmakers pushed the boundaries of propaganda and developed their own cinematic language despite the critique of their works by the communist authorities in Ukraine. Prominent filmmakers who have been influential in the history of Ukrainian cinema include Oleksandr Dovzhenko, best-known for his films «Arsenal» (1929) and «Earth» (1930), which together with «Zvenigora» (1928) form his «Ukrainian trilogy»; Dziga Vertov, the pioneer documentary filmmaker and newsreel director whose filming practices and theories influenced the cinéma vérité style as well as the works of the Dziga Vertov Group, a radical filmmaking cooperative that was active from 1968 to 1972; and Sergei Paradzhanov, an Armenian-born filmmaker raised in Georgia, who directed his first masterpiece, «Shadows of Forgotten Ancestors» (1964), in Ukraine. Some film historians speak of a «poetic cinema» with reference to the Ukrainian cinema of the late 1960s and early 1970s. During the 1990s, with the fall of the USSR, Ukrainian cinema almost disappeared. But since 1998, it has been experiencing a revival, with independent films selected for international festivals and screened in modernized cinemas throughout the country. The five films in this programme highlight a new generation of filmmakers who were born before the fall of the USSR and came of age in the 1990s. Before directing well-known feature-length fiction films or documentaries, they experimented with form and content in shorts, developing new cinematic languages. Before 2011, there was hardly any film funding available in Ukraine, and the films produced at the time were mostly self-funded. This gave a sense of freedom to the filmmakers, who had nothing to lose and created new stories set in Ukraine that could probably not be told or produced anymore today. The five stories in this programme try to capture love relationships in a time when everything seemed possible. While «Against the Sun»

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(2004) by Valentyn Vasyanovich and «A Tragic Love for Unfaithful Nuska» (2004) by Taras Tkachenko unfold as a sort of magical realist dreamscape, with each scene achieving its own individual timelessness, «Fro» (2008) by Polina Kelm, «Taxi Driver» (2007) by Roman Bondarchuk, and «Diagnoz» (2009) by Myroslav Slaboshpytskiy look at everyday male-female relationships in a country that was and still is under the influence of a strong patriarchal system. In the post-#MeToo era, these films may seem quite problematic, as if from another time period. Their representation of women is far from what we fight for today; nevertheless, it seemed important to capture that time in the history of Ukrainian cinema.* The films presented here are the first explorations of five filmmakers who all went on to develop a strong and independent voice in contemporary Ukrainian cinema. Delphine Jeanneret

*The programme Underground Resistances is a sort of antithesis to this programme in that it presents acts of resistance through cinema that decentralize power in favour of the collective.

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Proty sontsya / Against the Sun Ukraine 2004, 20'00", DCP, black & white, Ukrainian with English subtitles, Exp Director: Valentyn Vasyanovych Script: Valentyn Vasyanovych/Ivan Sautkin Photography: Ivan Sautkin Editor: Valentyn Vasyanovych/Taisia Boiko Sound: Iya Myslytska/Yurij Rastorguev Cast: Tymofiy Sautkin Producer: Olexandr Koval Production: Ukrainian Documentary Film Studio, +380 2906589 Distribution: Ministry of Culture of Ukraine, info@mincult.gov.ua

Der junge Töpfer Tymofiy beschliesst auf eine lang ersehnte Reise zu gehen – so weit weg wie möglich von seiner Frau. Ein Kurzfilm über den sprichwörtlichen Aussenseiter, der dem nervtötenden und vorhersehbaren Alltag zu entfliehen versucht. Tymofiy flüchtet in eine Fantasiewelt, die sich in Kunst ausdrückt. Tymofiy, a young potter, decides to go on a trip he has been dreaming about forever – as far away from his wife as possible. A short film about the proverbial odd man out who tries to escape from the numbing predictability of everyday life. Tymofiy escapes into a world of his own imagination translated into art. Valentyn Vasyanovych (*1971) studied cinematography and documentary filmmaking at the Kyiv National I. K. Karpenko-Kary Theatre, Cinema and Television University. In 2007, he graduated from the Andrzej Wajda Master School of Film Directing in Poland. He released his first feature, «Business as Usual», in 2012. «Atlantis» (2019) won Best Film in the Horizons section of the Venice Film Festival.

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Fro Ukraine 2008, 15'30", DCP, black & white, Ukrainian with English subtitles, Fic Director/Script/Producer: Polina Kelm Photography: Maryna Liapina Editor: Iryna Cherkas/Tayisiya Boyko Sound: Iryna Yakubovska Cast: Polina Kelm/Oleksiy Vertynskyi/ Slava Koshelev/Natalka Kuzmenko/Olha Sheremet Production: Kyiv National I. K. Karpenko-Kary Theatre, Cinema and Television University, polina.zapolska@gmail.com Distribution: Polina Kelm, polina.kelm@gmail.com

Eine zeitgenössische Adaptation von Andrei Platonovs «Fro». Fro ist eine Frau aus einer ukrainischen Kleinstadt. Ihr Leben ist eintönig, seit ihr Mann auf der Suche nach neuen Horizonten und Arbeit nach Europa gegangen ist. Alles, was sie tut, ist warten. This film is a contemporary adaptation of «Fro» by Andrei Platonov. Fro is a woman from a small Ukrainian city. Her life has been dull and boring since her husband went to discover new horizons and job opportunities in Europe. All she does is wait. Polina Kelm graduated from the Kyiv National I. K. Karpenko-Kary Theatre, Cinema and Television University as a film director in 2010. Polina’s documentary «Positive» was nominated in the Best Documentary category at the National Filmmakers Union of Ukraine Awards in 2014, and it also received a nomination in the Best Short Documentary category at the Silver Eye Awards at the 2014 Jihlava International Documentary Film Festival.

Trahichna liubov do zradlyvoyi Nusky / A Tragic Love for Unfaithful Nuska Ukraine 2004, 20', DCP, colour, Ukrainian with English subtitles, Fic Director/Script: Taras Tkachenko Photography: Andriy Samarets Editor: Olena Zolotukhina Sound: Julia Dombrugova Cast: Yevhen Romanchuk/Victor Yerynenko/ Natalya Ozirska Producer: Volodymyr Yatsenko Production: Kyiv National I. K. Karpenko-Kary Theatre, Cinema and Television University, karpenko-kary@ukr.net Distribution: Taras Tkachenko, ttaraskino@gmail.com

Zwei Jugendliche wetteifern um die Gunst einer jungen Frau, die nebenan wohnt und nichts von der Leidenschaft ihrer Verehrer ahnt. Der sepiagetönte Film basiert auf einer Kurzgeschichte von Yuri Vynnychenko. Based on Yuri Vynnychenko’s short story «A Grenade for Two», the sepiatoned film portrays two adolescents competing for the attention of the young woman next door, who is unaware of the passion she provokes in her suitors. Taras Tkachenko (*1975 in Lykjahivka near Kyiv) graduated from the philological department of Taras Shevchenko National University of Kyiv in 1992. He is currently studying at the cinema faculty of the Kyiv National I. K. Karpenko-Kary Theatre, Cinema and Television University.


Taksyst / Taxi Driver

Diagnoz / Diagnosis

Ukraine 2007, 19'30", DCP, black & white, Russian with English subtitles, Fic

Ukraine 2009, 14'45", DCP, colour, Ukrainian with English subtitles, Fic

Director/Editor/Producer: Roman Bondarchuk Script: Alla Tyutyunnyk Photography: Andrii Lysetskyi Sound: Borys Peter Cast: Igor Gorin/Masha Zhukova/Yevhen Yanenko Production/Distribution: Roman Bondarchuk, rbondarchuk@gmail.com

Director/Script/Editor/Producer: Myroslav Slaboshpytskiy Photography: Valentyn Melnychenko Sound: Oleksiy Salov/Oleksandr Kudry Cast: Karina Belova/Maksym Kushov/ Olexandr Semyshkur/Volodymyr Gubernachuk Production/Distribution: Myrek Film, myrek@mail.ru

Ein Taxifahrer verliebt sich in eine junge Passagierin. Er will sie heiraten und lockt sie zu sich nach Hause. Die Frau kriegt Angst und versucht zu fliehen, doch der Taxifahrer schliesst sie im Bad ein und bereitet sich auf die Hochzeit vor ... A taxi driver falls in love with a young female passenger in his car. He makes a decision to marry her and entices her to his house. The woman gets scared and tries to escape, but the taxi driver locks her up in the bathroom and starts getting ready to perform the wedding ceremony ... Roman Bondarchuk is a graduate of the Kyiv National I. K. Karpenko-Kary Theatre, Cinema and Television University. His graduation film, «Taxi Driver», won the White Elephant prize from the Russian Guild of Film Critics. «Ukrainian Sheriffs» (2015) won a Special Jury Award at IDFA 2015. «Volcano» (2018) was his first feature-length fiction film.

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Eine Tragödie. Die Geschichte einer schwangeren Frau. Wer der Vater des Kindes ist, spielt keine Rolle. Hauptsache, die Gruppe bleibt zusammen. Die junge Frau lebt mit zwei Männern in einem heruntergekommenen Viertel von Kiew, in einem Gebäude, das abgerissen werden soll. Nach einer Polizeirazzia landet sie im Spital und bringt das Kind zu früh zur Welt. A tragedy. The story of a pregnant woman. The identity of the child’s father is unimportant. The main thing is for the group to stay together. The young woman lives with two men in a rundown part of Kyiv, in a house due for demolition. After a police raid, the woman winds up in the hospital, where she gives birth to her child prematurely. Myroslav Slaboshpytskiy graduated from the Kyiv National I. K. Karpenko-Kary Theatre, Cinema and Television University, majoring in feature film directing. His short films «Diagnosis» and «Deafness» were both nominated for a Golden Bear. In 2012, his short «Nuclear Waste» won the Silver Leopard at the Locarno Film Festival and was nominated for an EFA Award.


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Weitere thematische Programme Other Thematic Programmes

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Cultivated Landscapes: No Stone Left Unturned Curated by Matthias Sahli

Running time 85' Friday, 6 November 2020, 19:30, Casino 1

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Cultivated Landscapes: No Stone Left Unturned «Die menschengemachte weltweite topografische Transformation ist grösser als die natürliche, namentlich durch Wasser und Wind verursachte Erosion. Vielleicht wollen wir es nicht wissen, da wir dem Boden, auf dem wir stehen, dann nicht mehr trauen würden.» Günther Vogt, Landschaftsarchitekt Industriell genutzte Landschaften versetzen uns ins Staunen und gleichzeitig auch ins Schaudern. Das Ausmass und die Geschwindigkeit, mit der das Land umgeformt wird, ist beeindruckend. Abraumhalden erheben sich innert kürzester Zeit wie Berge – ein Prozess, für den die Natur Millionen von Jahren benötigt. Die Filme nähern sich der Landschaft auf eine beschreibende Weise und rücken die Ästhetik in den Mittelpunkt der Betrachtung. Das Programm lädt ein auf eine sinnliche Reise durch die von Menschen kultivierten Landschaften. Die Agrarwirtschaft hat eine Homogenisierung der Landschaft in Gange gesetzt, die mittlerweile globale Proportionen angenommen hat. Der Film «Imperial Valley (Cultivated Run-Off)» von Lukas Marxt macht dies mit einem rasanten Drohnenflug deutlich. Endlos erscheinende Monokulturen zeichnen ein Muster in den staubigen Wüstenboden Kaliforniens. Die Ausmasse und das Repetitive der Anlage werden durch den weiten Blick von oben verstärkt. Florian Fischer und Johannes Krell weisen in «Kaltes Tal» auf einen anderen absurden Kreislauf zwischen Mensch und Natur hin. In einem Tagebau in Deutschland wird Kalkstein gefördert, der später als Mittel gegen die Versauerung der Waldböden eingesetzt wird. Es sind aber unter anderem die Emissionen der Schwerindustrie, die den sauren Regen erst verursachen. Die Lösung für die Wiederherstellung des natürlichen Gleichgewichts ist gleichzeitig auch Mitverursacher des Problems. In einem Steinbruch in der Region Carrara in Italien wiederum werden gigantische Marmorblöcke aus den Felsen der Apuanischen Alpen gerissen. Yuri Ancarani fokussiert seinen Blick auf den «capo» – den braungebrannten Chef, der mit feinen Handbewegungen die Baggerfahrer dirigiert, die mit ihren Schaufeln den Stein bearbeiten. In der Werbung wird unberührte Natur immer wieder als Sehnsuchtsort beschrieben. Auch an den Schweizer Alpen haftet das Image einer unberührten Natur, obwohl beinahe jeder Gipfel über Seilbahnanlagen zugänglich ist und

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die Flächen für Tierhaltung genutzt werden. Selbst im höchsten Gebirge der Welt, dem Himalaya, sieht es nicht anders aus. Inmitten des unwirtlichen Geländes hat sich eine bunte Zeltlandschaft aufgerichtet. Im Film «E.B.C. 5300m» von Léonard Kohli besteigen wir gemeinsam mit unzähligen Touristen das Basislager des Mount Everest. Abwärts in den Stollen geht es hingegen in «Ore». Aus den repetitiven Gebirgs- und Bergbautexturen hat Claudia Larcher eine riesige Collage montiert. Wie in einem Bild von M.C. Escher finden verschiedene Perspektiven in einem Bild zusammen und machen die langsame Kamerafahrt zu einem surrealen Erlebnis. André Corboz, emeritierter Professor für Geschichte und Theorie des Städtebaus an der ETH Zürich, beschreibt die Landschaft als ein Palimpsest. «Palin» bedeutet «wieder» und «psaein» bedeutet «abschaben». Der Begriff kommt aus der Antike und beschreibt, wie früher auf Pergamentrollen Texte ausradiert und überschrieben wurden. Auch die Landschaft wird durch die verschiedenen Arten ihrer Nutzung stetig umgeformt. So werden stillgelegte Opalminen zu Kulissen von Science-Fiction-Filmen. Pia Borg erzählt in «Silica» die Reise einer als Locationscout tätigen Frau, die in einer stillgelegten Opalminenstadt im Süden Australiens nach Mars-ähnlichen Drehorten sucht. Unzählige Hollywood-Filme wurden in dieser Gegend bereits gedreht und fanden ihren Weg in unsere Kinos – und somit in unsere Wahrnehmung solcher Landschaften. Matthias Sahli

Mit freundlicher Unterstützung von

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Cultivated Landscapes: No Stone Left Unturned «The manmade topographic transformations around the world are far greater than the natural ones, namely, erosion caused by water and wind. Maybe we don’t want to know because we would no longer trust the ground we stand on.» Günther Vogt, landscape architect Landscapes that are used industrially make us marvel and shudder. The land is being reshaped to a striking extent and with impressive speed. Mine dumps are rising like mountains in no time – a process that takes millions of years in nature. With a descriptive approach that foregrounds aesthetics, the films in this programme take us on a sensual journey through humanmade landscapes. Agriculture has set in motion a homogenization of landscapes that has taken on global proportions. The film «Imperial Valley (Cultivated Run-Off)» by Lukas Marxt shows this by means of a speedy drone flight. Seemingly endless monocultures create patterns in California’s dusty deserts. The panoramic view from above reinforces the scope and the repetitiveness of the fields. In «Kaltes Tal», Florian Fischer and Johannes Krell point to another absurd cycle between humanity and nature. In a German strip mine, limestone is mined and later used as an antidote to the acidification of forests. But the emissions of heavy industries are the cause of acid rain in the first place. The solution for restoring the natural balance is simultaneously one of the causes of the problem. Meanwhile, in a quarry in Italy’s Carrara region, gigantic blocks of marble are torn from the rocks of the Apuan Alps. Yuri Ancarani focuses his gaze on the «capo» – the boss, whose subtle gestures direct the workers scooping up the rocks with their excavators. In advertising, pristine nature is often portrayed as a place of longing. The Swiss Alps, too, are associated with untouched nature, even though virtually every peak can be reached by funiculars, and the land is used for animal farming. Even the world’s tallest mountain range isn’t spared: in Léonard Kohli’s «E.B.C. 5300m», we follow countless tourists to the Everest base camp in the Himalayas. «Ore», by contrast, takes us deep down into the ground. Claudia Larcher creates an enormous collage from the repetitive textures of mountains and quarries. Various perspectives come together like in a picture by M.C. Escher, with the camera’s slow movement resulting in a surreal experience.

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André Corboz, professor emeritus of the history and theory of urban design at ETH Zurich, describes landscapes as palimpsests. «Palin» means «again» and «psaein» means «to scrape». The term originated in antiquity, and it referred to the practice of erasing and overwriting text on parchment scrolls. Similarly, landscapes are constantly being reshaped by their various uses. Abandoned opal mines become science fiction film sets: in «Silica», Pia Borg tells the story of a location scout looking for Mars-like locations in an abandoned opal mining town in South Australia. Numerous Hollywood movies have been shot here, finding their way into our cinemas and our minds, shaping our views of these types of landscapes. Matthias Sahli

With the kind support of

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Imperial Valley (Cultivated Run-Off) Austria/Germany 2018, 14'00", DCP, colour, no dialogue, Exp Director/Photography/Editor: Lukas Marxt Sound: Jung an Tagen Production: Lukas Marxt Distribution: Sixpackfilm, office@sixpackfilm.com, sixpackfilm.com

Ein rasanter Drohnenflug über das Imperial Valley in Kalifornien, begleitet von unheilvollen, alarmierenden, pfeifenden, dröhnenden Electro-Klängen (Jung an Tagen), wird zur Reise in eine ausgestorbene, abstrakte, unheimliche, feindselige Landschaft. Ein ScienceFiction-Szenario, das in der gegenwärtigen Realität verankert ist. Accompanied by baleful, alarming, whistling, booming electro sounds (Jung an Tagen), a speedy drone flight over California’s Imperial Valley becomes a journey into a desolate, abstract, uncanny, hostile landscape: a dystopian science fiction scenario, anchored in the reality of the present. Lukas Marxt studied at the University of Art and Design Linz from 2004 to 2009 and completed a post-graduate programme at the Academy of Media Arts Cologne in 2012. In his work, he always searches for traces of human impact upon nature. In the early stages of his projects, he tries to find places that are hard for mankind to settle and then observe them from a perspective of «deep time».

Kaltes Tal

Il Capo

Germany 2016, 12'00", DCP, colour, no dialogue, Doc/Exp

Italy 2010, 15'00", DCP, colour, no dialogue, Doc

Director: Johannes Krell/Florian Fischer Production/Distribution: ROSENPICTURES Filmproduktion GbR, info@rosenpictures.com, rosenpictures.com

Director/Editor: Yuri Ancarani Photography: Ugo Carlevaro Sound: Alessandro Romano Cast: Franco Barattini Production/Distribution: Studio Ancarani, info@yuriancarani.com, yuriancarani.com

«Kaltes Tal» beschreibt die Arbeitsabläufe in einem Tagebau, wo Kalkstein gefördert und in Form einer Waldkalkung in die Natur zurückgeführt wird. Die Handlung konstruiert einen absurden, aber authentischen Kreislauf, der den irreversiblen Konsequenzen entgegenwirken will, die der Abbau von Rohstoffen verursacht. Was beschreibend beginnt, endet in einer Gegenwelt, die unser ambivalentes Verhältnis zur Natur hinterfragt.

Monte Bettogli, Carrara: Im Marmorbruch tragen Männer und Maschinen den Berg ab. «Il capo» (der Chef) koordiniert und führt die Arbeiter und Fahrzeuge mit einer Sprache, die ausschliesslich aus Gesten und Signalen besteht. Vor der Kulisse der Apuanischen Alpen dirigiert er sein gefährliches und erhabenes Orchester im totalen Lärm, der eine paradoxe Stille erzeugt.

«Cold Valley» describes the work processes in a strip mine where lime is mined and returned to nature in the form of forest liming. The plot constructs an absurd but authentic cycle that aims to counteract the irreversible consequences caused by the harvesting of raw materials. What starts with a descriptive approach ends in an alternative world that questions our ambivalent relationship to nature.

Monte Bettogli, Carrara: in the marble quarries, men and machines are digging in the mountain. «Il capo» (the chief) manages, coordinates, and guides quarrymen and heavy-duty machines using a language that consists solely of gestures and signals. Conducting his dangerous and sublime orchestra against the backdrop of the slopes and peaks of the Apuan Alps, the chief works in total noise, which creates a paradoxical silence.

Johannes Krell (*1982 in Halle/Saale) graduated from the Academy of Media Arts Cologne in 2018. He has worked as a freelance cinematographer, editor, and sound designer since 2008. His films include «Umbra» (2019), «Cold Valley» (2016), and «Still Life» (2014). Florian Fischer (*1981 in Tübingen) received his MA from the Danube University Krems in 2016 and was a participant of Berlinale Talents in 2018. He has been a freelance photographer and filmmaker since 2009 and was also a lecturer in photography (2011–2016).

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Yuri Ancarani is an Italian video artist and filmmaker. His works mingle documentary cinema and contemporary art, and they are the result of research aimed at exploring regions that are not very visible in daily life – realities into which the artist immerses himself.


E.B.C. 5300m

Ore

Silica

Switzerland 2015, 15'00", DCP, colour, English, Doc

Austria 2019, 6', DCP, colour, no dialogue, Exp

United Kingdom/Australia 2017, 22', DCP, colour, English, Doc

Director: Léonard Kohli Distribution: Emily Kessler, kesslemily@gmail.com

Director: Claudia Larcher Production: Lukas Marxt Distribution: Sixpackfilm, office@sixpackfilm.com, sixpackfilm.com

Ein Dokumentarfilm über das Everest Base Camp, das jedes Jahr für zwei Monate aufgebaut wird. Es beherbergt rund 1000 Bergführer, Köche, Regierungsbeamte und Gäste. Der Film zeigt das Leben und die Organisation im Lager und beleuchtet den Kontrast zwischen dieser ephemeren Mikrostadt und ihrem mystisch-wilden Umfeld. A documentary about the Everest Base Camp, which is set up for two months each year, housing about 1000 guides, cooks, government officials, and guests. The film shows the life and organization in the camp and highlights the contrast between this ephemeral micro-city and its wild and mystical environment Léonard Kohli (1992–2017) was born in La Chaux-de-Fonds, Switzerland. He received his BA in photography from the École Cantonale d’Arts de Lausanne (ECAL) in 2016.

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In einer ausgeklügelten Collagetechnik komponiert die Künstlerin aus Fotos und Videoaufnahmen verschiedener Minen ein riesiges, zusammenhängendes Tableau. Mit ihrem künstlerischen Vokabular dokumentiert sie eindrucksvoll, wie stark der Mensch in die alpine Landschaft eingegriffen hat. Larchers Arbeit ist dokumentarisch und gleichzeitig hochästhetisch und künstlich. Using a sophisticated collage technique, the artist composes a huge, coherent tableau from photos and video recordings of different mines. With her artistic vocabulary, she impressively documents how much humans have intervened in the Alpine landscape. A documentary work that is simultaneously highly aesthetical and artificial. Claudia Larcher (*1979) lives and works in Vienna. Her artistic focus is on video (animation), collage, and installations. She studied transmedia arts at the University of Applied Arts Vienna. Her works have been shown at numerous festivals and exhibitions, including Vienna IFF, steirischer Herbst (Graz), Tokyo Wonder Site, Slought Foundation (Philadelphia), Kunstfest Weimar, and Centre Pompidou (Paris).

Director: Pia Borg Photography: Helder K Sun/John Angus Stewart Sound: Philippe Ciompi Producer: Pia Borg/Jeanette Bonds Production/Distribution: Ritual Pictures, info@ritualpictures.net, +1 3238612733

Teils Science-Fiction, teils Essay, erörtert «Silica» territoriale Konstrukte und die Grenze zwischen dem Realen und dem Vermittelten in einer zunehmend verlassenen Opalminen-Stadt in der südaustralischen Wüste. Part science fiction, part essay, «Silica» explores territorial constructs and the boundaries between the real and the mediated in an increasingly abandoned opal mining town in the South Australian desert. Pia Borg (*1977) is an Australian filmmaker based in Los Angeles. Working with archival footage, CGI animation, and re-enactments, Borg’s films portray historical and cultural events, chronicling psychological phenomena like false memory syndrome, collective hysteria, and the opal fever surrounding extractive industries. She is the recipient of numerous prizes, including the Golden Leopard for best international short (Locarno Film Festival 2014) for «Abandoned Goods». In 2015, she was named one of 25 New Faces of Independent Film in Filmmaker magazine.


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Crazy (in) Love Curated by Norma Giannetta

Running time 80' Saturday, 7 November 2020, 22:30, Casino 1

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Crazy (in) Love Ach, die Liebe! Sie ist allgegenwärtig in unserem Leben, in unserem Alltag und auf der grossen Leinwand. Die Liebe macht total verrückte Dinge mit uns und lässt uns Grenzen überschreiten. Wir wollen das Objekt der Begierde kennenlernen, ganz viel Nähe erleben und am liebsten für immer zusammenbleiben. In zahlreichen Filmen werden die Paarungsrituale hochstilisiert und zelebriert – und das Publikum schmilzt dahin. Doch es gibt noch viel mehr zu erzählen als die klassische romantische Komödie, in der beide Menschen perfekt füreinander und bis ans Lebensende glücklich sind. Hier machen wir den Vorhang auf für verrückte Liebesgeschichten. In Crazy (in) Love geht es nicht um gewöhnliche Dates. Die grosse Liebe kann auf einer Dating-Plattform oder über ein Inserat gesucht werden und zwischen Menschen, Tieren oder Puppen aufkeimen. In «Olla» sorgt eine importierte Braut für Furore, obwohl die Schwiegermutter der jungen Frau nicht abgeneigt wäre. Die Schmetterlinge im Bauch sind auch dafür verantwortlich, dass sich Mädels in «Fuck You» Strap-Ons umschnallen, um damit Aufmerksamkeit bei pubertären Jungs zu erregen. Sie rebellieren gegen die gängigen Geschlechtsmuster und nehmen die Situation selbst in die Hand. Eine Traumfrau kann für einen Mann auch seine Puppe sein, der er zärtlich die Haare bürstet und mit der er täglich zu Abend isst. Und ein surreales Traumdate findet in einer Wohnung zwischen besonders wertvollen Katzen statt. Aber was machen die BesitzerInnen in der Zwischenzeit? Tee trinken und abwarten? Natürlich sind auch Herr und Frau Schweizer vom Liebestaumel ergriffen. Auf einem malerischen Schweizer See wird auf einem Partyschiff fröhlich gejodelt, getanzt, angestossen und nach dem Menschen fürs Leben Ausschau gehalten. Ab aufs verrückte Liebeskarussell! Norma Giannetta

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Crazy (in) Love Love, oh, crazy love! Ubiquitous in life and on the big screen. Love does crazy things to us and makes us transgress boundaries. We hope to meet our object of desire, to find our soulmate, and to stay together for the rest of our lives. Mating rituals have been idealized and celebrated in countless films, melting the spectators’ hearts. But there are so many more stories to tell than those of classic romantic comedies, where two people are perfect for each other and live happily ever after. Let the curtain rise on crazy love stories. There are no ordinary dates in Crazy (in) Love. Love can be found on dating platforms and through ads, and it can be sparked between humans, animals, or dolls. In «Olla», an imported bride causes quite a stir, even though her mother-in-law wouldn’t mind her at all. The proverbial butterflies in our stomachs are also the reason why the girls in «Fuck You» put on strap-ons: aiming to catch the attention of adolescent boys, they rebel against conventional gender roles, taking things into their own hands. For another one of our protagonists, the woman of his dreams is a doll, whose hair he tenderly brushes and who keeps him company for dinner night after night. Yet another surreal dream date involves especially valuable cats in an apartment – but what are their owners doing in the meantime? Do they just wait and see? Of course, the Swiss are also subject to the madness of love. On a picturesque Swiss lake, a party boat is the scene of much yodelling, dancing, drinking, and searching for the love of a lifetime. Hop on the crazy carousel of love! Norma Giannetta

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Olla

Treffit / The Date

Traumfrau

France/United Kingdom 2019, 28', DCP, colour, French with English subtitles, Fic

Finland 2012, 7'15", DCP, colour, Finnish with English subtitles, Fic

Switzerland 2012, 19'57", DCP, colour, German with English subtitles, Doc

Director/Script: Ariane Labed Photography: Balthazar Lab Editor: Yorgos Mavropsaridis Sound: Johnnie Burn/Sergio Henriquez Martinez Cast: Grégoire Tachnakian/Romanna Lobach/ Gall Gaspard/Jenny Bellay Producer: Marine Arrighi Production: APSARA Films, contact@apsarafilms.fr, +33 177136434, Limp Films Distribution: Agence du court métrage, info@agencecm.com, agencecm.com

Director/Script: Jenni Toivoniemi Photography: Jarmo Kiuru Editor: Tuuli Alanärä Sound: Tuomas Klaavo Cast: Oskari Joutsen/Anna Paavilainen/ Päivi Mäkinen Producer: Elli Toiviniemi Production: Tuffi Films Ltd., elli@tuffifilms.com, +358 401721778, ELO Film School Helsinki, saara.toivanen@aalto.fi, +358 503317754 Distribution: Tuffi Films Ltd., elli@tuffifilms.com, +358 401721778, KurzFilmAgentur Hamburg e.V., verleih@shortfilm.com, +49 4039106325

Director/Script/Sound: Oliver Schwarz Photography: Andi Widmer Editor: Stefan Kälin Cast: Dirk H. Production/Distribution: Hochschule Luzern, Design & Kunst, Bachelor Video, Nathalie Oestreicher, nathalie.oestreicher@hslu.ch

Olla hat auf ein Inserat auf einer Dating-Website für Osteuropäerinnen geantwortet. Sie zieht bei Pierre ein, der mit seiner alten Mutter lebt. Aber nichts läuft wie erwartet. Olla has responded to an ad on a dating website for Eastern European women. She moves in with Pierre, who lives with his old mother. But nothing goes as expected. Ariane Labed (*1984) is a Greek-born French actress and film director. She is best known for her feature film debut in «Attenberg», for which she won the Volpi Cup for Best Actress, and for appearing in Helen Edmundson’s film «Mary Magdalene» in 2018.

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Vor den Augen von zwei Frauen – Mirka (25) und Lissu (54) – wird Tinos (16) Männlichkeit auf die Probe gestellt, als er für den Zuchtkater Diablo ein Date arrangieren soll. Tino’s (16) manhood is put to the test in front of two women, Mirka (25) and Lissu (54), when he has to host a date for Diablo, the family’s stud cat. Jenni Toivoniemi is a writer-director. «The Date» (2012) was her debut as a director, and it won several awards, including at Sundance. She has also written stage plays, an audio play, and a feature film, «Korso» (2014), with Kirsikka Saari. Their latest collaboration, the children’s film «Sihja – Fly With Me», and Jenni’s feature film «Games People Play» will premiere in 2020.

Ein halbes Leben lang hat Dirk nach seiner Traumfrau gesucht. Nach mehreren gescheiterten Beziehungen und einem Burnout hat er wie durch ein Wunder seine grosse Liebe gefunden: Jenny. Auf den ersten Blick die perfekte Partnerin – aber doch irgendwie grundsätzlich anders. Dirk has spent half of his life looking for his dream woman. After several failed relationships and a burnout, he has miraculously found the love of his life: Jenny. At first glance, she is the perfect partner – but somehow, she is also fundamentally different. Oliver Schwarz (*1986 in Bern) graduated from the Business School in Bern in 2005. In 2012, he successfully completed his film degree at the Lucerne School of Art and Design with his graduation film, «Traumfrau», which won the Award for the Best Swiss School Film at Kurzfilmtage and was in competition at Berlinale in 2013.


Sex at the Ski Center

Fuck You

Single Schifffahrt

Finland 2017, 3'18", DCP, colour, no dialogue, Doc

Sweden 2018, 14'41", DCP, colour, Swedish with English subtitles, Fic

Switzerland 1982, 4'50", DCP, colour, Swiss German, Doc

Director/Script: Anette Sidor Editor: Anette Sidor/Magnus Eriksson Cast: Yandeh Sallah/TJ Miansangi/Martin Schaub/ Astrid Plynning Producer: Jerry Carlsson Distribution: KurzFilmAgentur Hamburg e.V., verleih@shortfilm.com, +49 4039106325

Production/Distribution: SRF Schweizer Radio und Fernsehen, srf@srf.ch, srf.ch

Director/Script/Photography/Editor/Producer: Heikki Ahola Sound: Kasperi Pitkänen Production/Distribution: Heikki Ahola, heikki.ahola@metropolia.fi, +358 505963552

Wenn es draussen so richtig kalt ist, heizen die Steiff-Stofftiere im Skizentrum kräftig ein. On those very cold days outside, the stuffed animals heat things up at the ski centre. Heikki Ahola is a filmmaker from Finland. He makes short films and documentaries.

Obwohl sie Johannes anbetet, fühlt sich Alice in ihrer Beziehung eingeengt. An einem Abend mit Freunden stiehlt sie einen Umschnall-Dildo und stellt das Frauenbild ihres Freundes infrage. Alle finden, dass Alice zu weit geht, doch sie ist nicht bereit aufzugeben ... Even though she adores Johannes, Alice doesn’t feel like she has enough space to be herself in their relationship. On a night out with friends, she steals a strap-on and challenges her boyfriend’s ideas about girls. Everyone thinks Alice goes too far, but she isn’t ready to give up ... Anette Sidor received her BFA in film directing from the Stockholm Academy of Dramatic Arts in 2015, graduating with her short film «Debut». Anette also studied screenwriting at Alma Manusutbildning. With Jerry Carlsson, she runs the culture production company Verket Produktion.

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Ein Treffen von schweizerischen Single-Clubs zu einer Schifffahrt auf dem Bielersee und dem Neuenburgersee, aus der Sendung «DRS aktuell» vom 1. September 1982. Swiss singles clubs are meeting for a boat ride on Lake Biel and Lake Neuchâtel – a segment from the TV show «DRS aktuell», broadcast on 1 September 1982.


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Greetings from ...

Fribourg International Film Festival Visions du RĂŠel Nyon Locarno Film Festival: Pardi di domani Locarno Film Festival: Open Doors

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Greetings from ... Verschieben, absagen, online gehen – das Festivaljahr 2020 stand und steht im Zeichen des Coronavirus und der grossen Unsicherheiten, die der Umgang damit bringt. Als das Visions du Réel in Nyon als erstes internationales Schweizer Festival Anfang April seine Durchführung ins Netz verlegen musste, waren die Kurzfilmtage noch absolut zuversichtlich, dass die 24. Ausgabe vor Ort in Winterthur trotz Einschränkungen in mehr oder weniger normalen Bahnen stattfinden würde. Als Zeichen der Solidarität mit den Festivals, die mit uns den Schweizer Fonds Visions Sud Est bilden, hat sich die Leitung der Kurzfilmtage daher spontan entschieden, dem Visions du Réel in Nyon, dem Fribourg International Film Festival und den Sektionen Pardi di domani und Open Doors des Filmfestivals von Locarno eine Carte Blanche zu offerieren: Die Festivals sollen wenigstens einen kleinen Teil ihrer wie immer beeindruckenden Filmauswahl einem Publikum im Kinosaal, abseits der Anonymität des Internets, präsentieren können. Visions Sud Est wurde 2005 durch die trigon-film Stiftung gemeinsam mit den Festivals von Fribourg und Nyon gegründet. 2011 ist das Locarno Film Festival als Partner mit an Bord gekommen, 2019 schliesslich auch die Kurzfilmtage. Der Fonds unterstützt Filmproduktionen aus Asien, Afrika, Lateinamerika und Osteuropa und hilft mit, sie weltweit sichtbar zu machen und ihren Kinoverleih in der Schweiz zu garantieren. Beim Verfassen dieses Texts im August muss und darf auch das Team der Kurzfilmtage mit ungebremster Leidenschaft, viel Kreativität und einer gehörigen Portion Flexibilität ein neues Festival planen. Unser sogenannter Plan C sieht vor, dass nur ein Teil der Programme vor Ort im Casinotheater und im Kino Cameo gezeigt wird; der Rest des Programms wird – wie von vielen anderen Festivals bereits mit viel Einfallsreichtum und Mut vorgemacht – in den virtuellen Raum verlegt, verschoben oder in eher performativer oder installativer Form neu gedacht. So können wir auch dieses Jahr das aktuelle Kurzfilmschaffen abbilden und fördern und gleichzeitig in neuer Form ein facettenreiches Festival für Publikum und Branche bieten. Gerade in Zeiten des Umbruchs ist es uns wichtig, trotz aller – auch positiver – Neuerungen an den Grundpfeilern festzuhalten, die in unseren Augen die Schweizer Festivalbranche ausmachen. Wir möchten am Gedanken der Verbundenheit und Solidarität festhalten und den vier geistreichen und augenöffnenden cineastischen Programmen unserer Festivalfreunde den

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gebührenden Raum geben – und zwar vor Ort, hier in unserer Festivalstadt. So können wir in Winterthur auf die beeindruckende Vielfalt der Schweizer Festivallandschaft aufmerksam machen – eine Landschaft, die es zu pflegen und schützen gilt. John Canciani, künstlerischer Leiter Stefan Dobler, kaufmännischer Leiter

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Greetings from ... Postpone, cancel, go online – the 2020 festival year has been dominated by the coronavirus and the many uncertainties in dealing with it. In early April, Visions du Réel in Nyon was Switzerland’s first international festival to go fully online. At the time, Kurzfilmtage was still optimistic about holding the 24th festival edition here in Winterthur more or less as usual, despite some restrictions. As a token of solidarity with our partner festivals in the Swiss Visions Sud Est fund – namely, Visions du Réel in Nyon, the Fribourg International Film Festival, and the Pardi di domani and Open Doors sections of the Locarno Film Festival – Kurzfilmtage spontaneously decided to offer them a carte blanche: the idea is to let these festivals screen at least a small part of their impressive film selections for a live audience, beyond the anonymity of the internet. Visions Sud Est was established in 2005 by the trigon-film foundation and the festivals of Fribourg and Nyon. The Locarno Film Festival joined in 2011 and Kurzfilmtage in 2019. The fund supports film productions from Asia, Africa, Latin America, and Eastern Europe, thus helping to increase their worldwide visibility and guarantee their cinematic distribution in Switzerland. At the time of writing this in August, the Kurzfilmtage team is also hard at work, planning a new festival with unstoppable passion, creativity, and a good deal of flexibility. Our so-called Plan C means that only part of our programmes will be shown locally at Casinotheater and Kino Cameo, whereas we follow the creative and courageous lead of many other festivals with the rest of our programming, which will be screened in digital space, postponed, or reworked into new formats such as performance or installation art. In this way, we can once again showcase and support current short filmmaking while simultaneously offering a multifaceted festival for audience and industry alike. During these times of change, it is especially important to us to hold on to the cornerstones of the Swiss festival landscape. To celebrate our bond and express our solidarity, we offer these four spirited and eye-opening cinematic programmes from our festival friends a proper platform right here in our festival city. This allows us to showcase the impressive diversity of the Swiss festival landscape here in Winterthur – a landscape that deserves to be fostered and protected. John Canciani, Artistic Director Stefan Dobler, Managing Director

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Greetings from Fribourg International Film Festival Präsentiert von / presented by

Running time 90' Wednesday, 4 November 2020, 16:30, Casino 1

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Tsar Plaksiy ta Loskoton / King Weeper and Uncle Tickleton Ukraine 2019, 11', DCP, colour, Ukrainian with French/German/English subtitles, Ani Director: Adrian Sakhaltuev Script: Viacheslav Nikolaev Editor/Sound: Oleh Fedchenko Producer: Irina Sakhaltueva/Victor Adrienko Production/Distribution: Adrian Sakhaltuiev, +380 674655662, adrian@sakhaltuev.com

Der Herrscher eines weit entfernten Königreichs ist nur glücklich, wenn er weint. Sein Lieblingsgetränk: natürlich Tränen. Ein Spassvogel von Rebell beschliesst, dieser weinerlichen Monarchie ein Ende zu setzen. The ruler of a faraway kingdom is only happy when he cries. His beverage of choice is, of course, tears. A prankster rebel decides to put an end to this maudlin monarchy. Adrian Sakhaltuev (*1972 in Kyiv, Ukraine) has been working in the field of animation for 25 years, acting as a director, producer, art director, and more. He has worked in various studios around the world, and in 2003, he started his own company in Ukraine.

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The Van France/Albania 2019, 15', DCP, colour, Albanian with German/English/French subtitles, Fic Director/Script: Erenik Beqiri Photography: Guillaume Le Grontec Editor: Pauline Pallier Sound: Endri Pine Cast: Phénix Brossard/Arben Bajraktaraj/ Afrim Muçaj/Luzlim Zeqja/Romir Zalla Producer: Olivier Berlemont/Emilie Dubois/ Ermir Keta/Amantia Peza Production: Origine Films, festivals@originefilms.fr, +33 142842270, Anima Pictures, iaa.project@gmail.com, +355 674054516 Distribution: Origine Films, festivals@originefilms.fr, +33 142842270

Die Türen eines Kleinlasters öffnen sich und Ben steigt aus – geschlagen, aber noch am Leben. Das wird nicht sein letzter Kampf gewesen sein, bevor er Albanien mit seinem Vater endlich verlassen kann.

AM (Antes Meridiano) / AM (Before Meridian) Mexico 2019, 14', DCP, colour, Spanish with German/ English/French subtitles, Fic Director/Script: Tanya Alvarez Photography: Diego Pascal Editor: M. Sebastian Molina Sound: Antonio Padilla Cast: César Kancino/Gonzalo Lora/Fernando Cuautle Producer: Pepe Rodríguez/Tanya Alvarez Production/Distribution: Centro de Capacitación Cinematográfica 1, cesar@elccc.com.mx, elccc.com.mx

Ein Teenager will seine Freundin zu einem besonderen Date ausführen und verkauft dafür das antike Radio seines Grossvaters. Als sich der Gesundheitszustand des alten Mannes verschlechtert, setzt sein Enkel alles daran, das Radio zurückzukriegen.

The doors of a van fling open and Ben steps out, broken but still alive. This is not the last battle he will fight before he can finally leave Albania with his father.

A teenager wants to take his girlfriend on a special date, so he sells his grandfather’s vintage radio. When the old man’s health deteriorates, his grandson will do whatever it takes to get the radio back.

Erenik Beqiri holds an MA form the University of Arts in Tirana. His films showcase the inner struggles of the characters as they confront the socio-political space they inhabit, ultimately reaching unsettling decisions that define them as comic, tragic, and grotesque members of society.

Tanya Alvarez studied film directing at the CCC Film Training Center in Mexico. She holds a degree in communication and has worked as an audiovisual journalist. Her films include «After the Party» (2018) and «Inmunidad Cero» (2019).


Stray Dogs Come Out at Night Pakistan 2019, 11', DCP, colour, Panjabi with German/English/French subtitles, Fic Director/Script/Editor: Hamza Bangash Photography: Yasir Khan Sound: Odinn Ingibergsson Cast: Mohammad Ali Hashmi/Adnan Shah Tipu Producer: Mina Husain/Carol Noronha Production: CityLights Media Productions, citylightsproductions.pk@gmail.com, citylightsmediapro.com Distribution: Hamza Bangash, h.bangash@citylightsmediapro.com, citylightsmediapro.com

Als Sexarbeiter Iqbal anfängt Blut zu husten, überredet er seinen Onkel zu einem Tagesausflug an den Strand, in der vergeblichen Hoffnung auf einen flüchtigen Moment der Erleichterung. Das Arabische Meer ruft. When Iqbal, a migrant sex worker, starts coughing up blood, he convinces his uncle to join him on a day trip to the beach in the vain hope of finding a fleeting moment of relief. The Arabian Sea beckons. Hamza Bangash is an award-winning PakistaniCanadian director, screenwriter, and producer. An alumnus of both the Locarno Academy and Asian Filmmakers Academy, his artistic practice is based out of Karachi. His works have been showcased at film festivals worldwide.

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Basurero

Da Yie

Philippines 2019, 17'00", DCP, colour, Tagalog with German/English/French subtitles, Fic

Ghana 2020, 20', DCP, colour, English/Asante-Twi with German/English/French subtitles, Fic

Director/Script: Eileen Cabiling Photography: Lee Jae-huyk Editor: Lawrence S. Ang/Diego Marx Dobles Sound: Mikko Quizon Cast: Jericho Rosales/Althea Vega/Soliman Cruz/ Marife Necesito/Yuna Tangog Producer: Darlene Catly Malimas/Sascha Brown Rice/ Jose Mangual/Eva Husson/Eileen Cabiling Production/Distribution: Eileen Cabiling, eileencabiling@gmail.com

Director: Anthony Nti Script: Anthny Nti/Chingiz Karibekov Photography: PJ Claessens Editor: Frederik Vandewalle Sound: Vincent Struelens Cast: Goua Grovogui/Prince Agortey/Matilda Enchil Producer: Anthony Nti/Chingiz Karibekov Production: Rondini & Ritcs Distribution: festival@salaudmorisset.com

Ein armer junger Fischer willigt ein, im Auftrag der Mafia eine Leiche zu entsorgen. Eines seltsamen Abends realisiert er, dass er den Toten gekannt hat ...

Matilda liebt Fussball und Rap. Mit ihrem heimlichen Verehrer Prince folgt sie einer seltsamen Gestalt in die Nacht und begibt sich damit möglicherweise in Gefahr.

A poor young fisherman agrees to dispose of a body for the mafia. One strange night, he realizes that he knew the dead man ...

Football- and rap-loving Matilda and her secret admirer, Prince, follow a strange figure into the night, and possibly into danger.

Eileen Cabiling’s works as a writer include the TV series «My Friends Tigger & Pooh» (2007–10) as well as «El Mundo de Ania y Kin» (2013), for which she was head writer.

Anthony Nti, born 1992 in Ghana, moved to Belgium at the age of ten. He studied film in Brussels and became part of a colourful artistic scene, making commercials and music videos with a multitude of talented young artists. His works include «Kwaku» (2014) and «Boi» (2016).


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Greetings from Visions du RÊel Nyon Präsentiert von / presented by

Running time 85' Saturday, 7 November 2020, 10:30, Kino Cameo

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A Horse Has More Blood Bella Than a Human Greece 2020, 24'35", DCP, colour, Iran/United Kingdom 2020, 19'45", DCP, colour, Azerbaijani/Farsi with English subtitles, Doc Director: Abolfazl Talooni Photography: Mehdi Azadi Editor: Abolfazl Talooni/Pawel Stec Sound: Ahmad Afshar/Rob Szeliga Producer: Anna Snowball Production: Snow Films, anna@snow-films.com, snow-films.com Distribution: Snow Films, info@snow-films.com, snow-films.com

Ein altes Paar verlässt Teheran und kehrt in seinen Heimatort an der türkischen Grenze zurück, der für illegale Einwanderer zum Tor nach Europa geworden ist. Abolfazl Talooni widmet sich dem Zwiespalt eines Volkes, das gezwungenermassen an diesem Grenzverkehr teilnimmt und sich gleichzeitig mit der Enteignung des eigenen Landes konfrontiert sieht. An old couple leaves Tehran to return to their town on the Turkish border, which has become a clandestine gateway into Europe. Abolfazl Talooni explores the ambiguity of a people forced to participate in this traffic and dispossessed of their lands, where the beauty of the landscape sketches out a geopolitics of despair. Abolfazl Talooni is an Iranian filmmaker based in London. His first film, «A Horse Has More Blood Than a Human» (2020), premiered at Visions du Réel. He is an established editor and has worked on high-profile shorts and features, including «Patriot», «Bitter Sea», and «Perfect 10».

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My Own Landscapes France 2020, 18'40", DCP, colour, English, Doc

English/Greek with English subtitles, Doc Director/Script: Thelyia Petraki Photography: Manu Tilinski Editor: Myrto Kara Sound: Iraklis Vlahakis Producer: Kostas Tagalakis/Iliana Zakopoulou Production: Top Spot Distribution: Kostas Tagalakis, kostastagalakis@gmail.com

Das Ende des Kalten Krieges, kurz vor dem Fall der Berliner Mauer. Vor Anthis Augen ändert sich alles, und Christos scheint sich auch zu verändern. «Bella» ist eine Momentaufnahme wie aus einem Fiebertraum, wo sich Fiktion und Dokumentation überschneiden und ein eindrückliches und emotionales filmisches Universum schaffen. Just before the Berlin Wall comes tumbling down, at the end of the Cold War. Everything is changing in front of Anthi’s eyes, and Christos seems to be changing too. «Bella» is the story of a moment in time recreated as if in a feverish dream where fiction and documentary overlap perfectly, creating a striking and emotional cinematic universe. Thelyia Petraki studied film at Cal-Arts (USA) and anthropology at UCL (UK). Her works include «Pray» (2012), «Me and the Others» (2015), and «Bella» (2020).

Director/Script/Photography/Editor/Sound/Producer: Antoine Chapon Production/Distribution: Antoine Chapon, studioantoinechapon@gmail.com

Die Armeen Frankreichs und der USA setzen Virtual Reality ein, um die Soldaten auf ihre zukünftigen Kämpfe vorzubereiten – und um ihre posttraumatischen Belastungsstörungen zu behandeln. Der Filmemacher trifft Cyril, einen ehemaligen VideogameDesigner und Veteranen, der mit der Rückkehr ins Zivilleben und mit Identitätsverlust ringt. In the French and American armies, virtual reality prepares soldiers for their future battles just as it treats posttraumatic stress disorder after their baptism by fire. The filmmaker meets Cyril, a former military video game designer and veteran, who is struggling with the return to civilian life and a loss of identity. Antoine Chapon (*1990) is a filmmaker and visual artist. Based on research and investigation, his work highlights singular stories that address the struggle against new technologies. He won the award for best short film at Visions du Réel for his first film, «My Own Landscapes».


Shadows of Your Childhood Russia 2020, 21', DCP, colour, Russian with English subtitles, Doc Director/Script/Photography/Editor: Mikhail Gorobchuk Producer: Vladislav Shuvalov/Irina Kalinina/ Ekaterina Vizgalova Production: Svoe Kino Distribution: Mikhail Gorobchuk, migo.migo@yandex.ru

Ein Traum. Wie die Träume, die wir hatten, als wir wissen wollten, was das für Bilder waren und wo sie herkamen. Was geschieht hinter den Augenlidern eines Kindes und was plagt die Mutter, während sie über den Schlaf ihres Nachwuchses wacht? Mikhail Gorobchuk schafft ein erstaunliches, meisterhaft gezeichnetes MiniaturFresko. A dream. Like one of those dreams that came to us back when we needed to know what those images were and where they came from. What happens behind the eyelids of a child and what haunts the heart of a mother while watching her offspring sleep? Mikhail Gorobchuk creates an astonishing miniature fresco with masterful strokes. Mikhail Gorobchuk was born in Novokuznetsk, Russia, in 1988. He graduated from the Russian State University of Cinematography in 2010. In 2007, he received the president’s grant for talented youth and in 2013, the National Award in the field of documentary film and television in the best professional cinematographer category.

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Greetings from Locarno Film Festival: Pardi di domani Präsentiert von / presented by

Running time 90' Thursday, 5 November 2020, 16:30, Casino 1

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Memby

Gramercy

Nha Mila

Brazil 2020, 17', DCP, colour, no dialogue, Exp

USA 2019, 22', DCP, colour/black & white, English with English subtitles, Fic

Portugal/Switzerland 2020, 19'00", DCP, colour, Creole with English subtitles, Fic

Director/Script: Jamil McGinnis/Pat Heywood Photography: Maceo Bishop Editor: Ben Jordan/Matt Carter Sound: Owen Shearer Cast: Chidi Gabriel/Shaq Bynes/Jihad Marshall/ Duane Dent, Jr./Karon Tracey/Kashawn Tracey Producer: Myriam Schroeter/Claire McGirr/ Gabija Blake/Pat Heywood/Jamil McGinnis Production/Distribution: Seneca Village Pictures, jamilandpat@gmail.com, senecavillagepictures.com

Director/Script: Denise Fernandes Photography: Marta Simões Editor: Pedro Marques Sound: Miguel Moraes Cabral/António Porém Pires Cast: Yava Correia/Maria Sanches/Cleo Tavares/ Lourença Semedo Producer: Luís Urbano/Sandro Aguilar/Elda Guidinetti Production: O Som e a Fúria, geral@osomeafuria.com, osomeafuria.com, Ventura Film, ventura@venturafilm.ch, venturafilm.ch, RSI Radiotelevisione Svizzera, info@rsi.ch, rsi.ch Distribution: Agencia - Portuguese Short Film Agency, agencia@curtas.pt, curtas.pt/agencia

Director/Photography/Editor: Rafael Castanheira Parrode Sound: Rafael Castanheira Parrode/Belém de Oliveira Producer: Camilla Margarida/Marcela Borela/ Henrique Borela/Carinna Sousa Production: Barroca Filmes, camillamargarida@gmail.com, +55 62993211986 Distribution: Barroca Filmes, barrocafilmes@gmail.com, +55 62993211986

Flüchtige Lichtstrahlen führen uns auf einen verträumten Pfad durch einen zeitlosen Ort in der urtümlichen Natur. Dort gehen die Ahnen über die Dunkelheit hinaus auf der Suche nach einer anderen (un)möglichen Welt. Glimpses and sparkles of light lead us onto a dreamy path through a timeless place, immersed in ancient nature. There, the ancestors move beyond the darkness, seeking to create another (im)possible world. Rafael Castanheira Parrode is a researcher, curator, producer, and filmmaker born in Goiânia, Brazil. At Barroca Filmes, he has produced several short and feature films, including «Taego Ãwa» (2016) and «Mascarados» (2020). His first short film, «Bom dia Santa Maria» (2019), premiered at Mostra de Cinema de Tiradentes in 2020. «Memby» is his second short film.

Shaq, ein junger Mann, der mit Depressionen kämpft, kehrt in seine Heimatstadt in New Jersey zurück. Der Umgang mit seiner Trauer manifestiert sich auf traumartige Weise. Shaq, a young man grappling with depression, returns to his New Jersey hometown, where his explorations of grief and brotherhood appear as dream-like manifestations. Jamil McGinnis is a filmmaker and photographer from Germany, residing in Brooklyn, New York. He has collaborated with Pat Heywood on several film projects. Pat Heywood grew up in Fall River, Massachusetts, and has called Brooklyn, New York, home for the past six years. As a writer and director, Pat collaborates with Jamil McGinnis under the moniker Seneca Village Pictures. «Gramercy» is their fourth short film together, as well as their narrative debut.

Nach 14 Jahren kehrt Salomé nach Kap Verde zurück, um ihren sterbenden Bruder zu sehen. Bei einem Zwischenstopp in Lissabon erkennt die Putzfrau Águeda in ihr eine Freundin aus ihrer Kindheit und lädt sie zu sich nach Hause ein. Salomé begibt sich auf eine spirituelle Reise, die eine schmerzhafte Beziehung zu ihrer Heimat offenbart. After 14 years away, Salomé returns to Cape Verde to see her dying brother. During her stopover at Lisbon airport, Águeda, a cleaning lady, recognizes Salomé as her childhood friend Mila and invites her to her home. The neighbourhood sends Salomé on a spiritual journey that reveals a painful bond with her homeland. Denise Fernandes was born in Lisbon to Cape Verdean parents and raised in Switzerland. Her first short film, «One Night» (2011), premiered at the Locarno Film Festival. She studied filmmaking at EICTV in Cuba. «Idyllium» (2013) received an award at Kurzfilmtage. She is currently working on her first feature film, «Hanami».

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O Black Hole! United Kingdom 2020, 16', DCP, colour, English with English subtitles, Ani Director: Renee Zhan Script: Renee Zhan/Vanessa Rose Photography: Adam Singodia Editor: Armiliah Aripin Sound: Ed Rousseau Producer: Jesse Romain Production: National Film and Television School, jesseromain@gmail.com, +44 7515058688 Distribution: Nicola Cowee, festivals2@nfts.co.uk

Eine Frau, die das Verstreichen der Zeit nicht aushält, verwandelt sich in ein schwarzes Loch. Tausend Jahre vergehen ereignislos, bis eines Tages die Singularität in ihr erwacht. Eine unbewegliche Frau trifft auf ein nicht aufzuhaltendes Mädchen in dieser 2D-Stop-Motion-Oper über die Schönheit der Vergänglichkeit. A woman who can’t stand the passing of time turns herself into a black hole. A thousand years pass without any changes, until one day the singularity wakes inside her. An immoveable woman meets an unstoppable girl in this epic 2D stop-motion opera about the beauty of transience and letting go. Renee Zhan is a Chinese-American director and animator born in Houston, Texas. She graduated in 2016 from Harvard University with a degree in visual and environmental studies and is currently working toward her MA in directing animation at the National Film and Television School in Beaconsfield, United Kingdom.

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Ekti ekgheye film / A Boring Film Bangladesh 2020, 16', DCP, black & white, no dialogue, Fic/Exp Director/Script/Editor/Cast: Mahde Hasan Photography: Mahde Hasan/Dibbyo Samadder Sound: Oronnok Prithibi/Mahde Hasan Producer: Mahajabin Khan/ Muhammad Anwar Hossain Production: Floating Cinema, misheloutsider@gmail.com, +880 1716445988 Distribution: Mahde Hasan, misheloutsider@gmail.com

Ein Mann begibt sich in Selbstquarantäne in einem Wohngebäude, das noch im Bau ist. Aber dort ist es dermassen chaotisch, dass er nicht schlafen kann. Also geht er eines Tages in den Zoo und versucht, dort zu schlafen. A man self-quarantines in an apartment building that is under construction. But the place is so chaotic that he is unable to sleep. One day, he goes over to the local zoo and attempts to sleep there. Mahde Hasan is an introspective and visually keen screenwriter and director based in Dhaka, Bangladesh. His short films «I Am Time» (2013) and «Death of a Reader» (2017) were presented at Locarno Film Festival. In 2018, he participated in the Locarno Film Festival’s Open Doors Hub and received the CNC development grant for his debut feature, «Sand City».


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Greetings from Locarno Film Festival: Open Doors Präsentiert von / presented by

Running time 75' Friday, 6 November 2020, 13:30, Casino 1

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The Ruby

Listen

Malaysia 2019, 28', DCP, colour, Malay/Chinese/ English with English subtitles, Fic

Myanmar/USA/Japan 2017, 13', DCP, colour, Burmese with English subtitles, Doc

Indonesia 2016, 13', DCP, colour, Indonesian/Javanese with English subtitles, Fic

Director/Script: Ling Low Photography: Al Ibrahim Editor: John Hafiz Sound: Cheah Jie Juan/Wong Kok Seng Cast: Kin Wah Chew/Sharifah Aleysha/Sharifah Aleysha/Chew Kin Wah/Phoon Chi Ho/Aznie Azmi Producer: Sandie Lee/Mahen Bala/Ling Low Production: Goldgreen Media, low.lingsi@gmail.com Distribution: Ling Low, low.lingsi@gmail.com, ling-low.com

Director/Photography: Min Min Hein Cast: Chaw Ei Thein Producer: Min Min Hein/Sai Win Htut San Production: BurmaCat Films Distribution: Min Min Hein, mnmnhein@gmail.com

Director: Luhki Herwanayogi Photography: Maman Agosto Editor: Akhmad Fesdi Anggoro Sound: Kholis Fathoni Avrianto Cast: Satriyo Hanindhito Production: Cre8pictures, Luhki.herwanayogi@Gmail.com, +62 85643198838 Distribution: Luhki Herwanayogi, herwanayogi@gmail.com

Intan hat kein Zuhause und sucht Zuflucht in einem heruntergekommenen Hostel in Chinatown. Dort trifft sie auf einen seltsamen alten Mann, mit dem sie Freundschaft schliesst, während sie sich unter den Gaunern und Träumern von Kuala Lumpur durchschlägt und mehr über die Geheimnisse des Hostels erfährt. Aber wovor rennt sie davon? Intan is a teenager with nowhere to go. When she seeks shelter in a crumbling Chinatown hostel, she meets an old man who seems to live in the shadows. As Intan tries to survive among the hustlers and dreamers of Kuala Lumpur, they strike up an unlikely friendship, and she learns more about the hostel’s secret past. But she still needs to face what she’s running away from. Ling Low is a Malaysian writer and self-taught filmmaker. «The Ruby» is her second short fiction film. Her debut short, «Closure» (2014), premiered in competition at the Brussels Short Film Festival. Ling has also written comedy sketches for BBC Radio 4, published short works of fiction, and worked as a journalist.

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Ein Doku-Porträt der revolutionären Künstlerin Chaw Ei Thein aus Myanmar, die im Exil lebt. Ihre visuell eindrücklichen und emotional aufrüttelnden Kunstwerke und Performances funktionieren als politischer Dissens und gleichzeitig als Ausdruck ihrer Opfererfahrung und inneren Kämpfe. «Listen» is a documentary portrait of revolutionary artist Chaw Ei Thein. Exiled from her homeland of Myanmar, she uses visually striking and emotionally unsettling artworks and performance art as a means of dissent, both to express her political views and to give voice to her victimized experience and inner struggles. Min Min Hein is a filmmaker from Myanmar. In 2017, Min earned an MFA in film at the City College of New York as the first recipient of the Myanmar/ US Fulbright Scholarship in Film. He’s currently developing his debut feature, a documentary about a dancer from Myanmar.

Friday Noon

Transfrau Wina ist Strassenkünstlerin und Muslimin. Eines Tages wird sie von der Polizei aufgelesen und in eine ihr unbekannte Gegend gebracht. Unterwegs realisiert sie, dass es Freitag ist und sie will das Freitagsgebet sprechen. Als das Auto anhält, entkommt sie der Polizei. Doch auf der Suche nach einer Moschee verirrt sie sich und erfährt Belästigungen und Diskriminierung. Wina, a busker who is Muslim and transgender, is picked up by the police one day. They take her to an unfamiliar area. On the way, she realizes that it’s Friday, and she wants to say the Friday prayer. Wina decides to run away from the police when the car stops. She wants to find a mosque, but lost in an unfamiliar place, she encounters trouble and discrimination. Luhki Herwanayogi from Indonesia has run his own production company, Catchlight Pictures Indonesia, and the community-based production company cre8pictures since 2009. His short «Har» (2018) was nominated for best short film at the 2018 Indonesian Film Festival and screened at the 2019 Busan International Short Film Festival. He is currently developing his debut feature, «Our Son».


Highway

Babylon

Malaysia 2018, 18', DCP, colour, Malay with English subtitles, Fic

Philippines 2017, 20', DCP, colour, Bisaya with English subtitles, Fic

Director/Script/Editor: Chia Chee Sum Photography: Esther Tan Sound: Chan Weng Soon/Dennis See Cast: Raja Danial Hidayatullah Shah/Aziah Mohamad/ Azmi B. Yusof/Esther Tan Producer: Chia Chee Sum/Issarapa Suetrong Production: theCommonist, darrelccs@gmail.com Distribution: Chia Chee Sum, darrelccs@gmail.com

Director/Photography: Keith Deligero Script: Gale Osorio Editor: Lawrence S. Ang Sound: Keith Deligero/Idden de los Reyes/ Zalde Lapiña Cast: Rya De Guzman/Publio Briones III/ Patricia Zosa/Ryles Cameron/Nicole Blackman Producer: Gale Osorio Production: Binisaya Movement, keithdeligero@gmail.com Distribution: Gale Osorio, galeosorio.ph@gmail.com, +63 27063643

Nachmittag in einer Sozialwohnsiedlung am Rand von Kuala Lumpur. Ein junger Mann namens Danial wartet auf seine Freunde, mit denen er seine übliche Motorradfahrt auf der Autobahn unternehmen will. Doch er kann sein Lieblings-T-Shirt nicht finden ... Afternoon in the public housing apartments located in the suburbs of Kuala Lumpur. Danial, a Malay man in his twenties, returns home and loiters around the apartment block, about to join his friends for a routine motorcycling trip on the highway. But he can’t find his favourite T-shirt ... Chia Chee Sum is a Malaysian filmmaker and an alumnus of the Asian Film Academy (Busan) and FIRST Training Camp (Xining). He is a co-founder of theCommonist, a film and animation production company based in Malaysia and Thailand. He is currently developing his debut feature, «Oasis of Now».

«Babylon» handelt von zwei postmodernen Frauen, die eine Zeitreise in die Ära vor der Mobiltelefonie unternehmen: Sie wollen den Diktator eines Dorfes ermorden und so die Geschichte neu schreiben. Der Film erzählt in bewusst sprunghafter Montage und mischt Elemente von Splatter, Trash und Telenovelas bei, um über das Geschehen in den Philippinen zu reflektieren. «Babylon» is about two postmodern women, who travel back in time to the era before mobile phones in order to assassinate the dictator of a barangay (small town) in an attempt to rewrite history. The film is told through a collage of deliberately choppy edits where people and things randomly pop in and out, and a mash-up of elements from splatter, trash cinema, and telenovelas, offering an oblique reflection of what’s happening in the Philippines. Keith Deligero directed the features «Iskalawags» (2013), «Lily» (2016), and «A Short History of a Few Bad Things» (2018). His short film «Babylon» (2017) won Best Film at the QCinema International Film Festival and competed at the 2018 Berlinale. He founded and programs for the BINISAYA Film Festival in his home province of Cebu.

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Zauberlaterne: Kurze fĂźr Kleine Magic Lantern: Shorts for Kids

Curated by the Magic Lantern and Dustin Rees

Running time 65' Sunday, 8 November 2020, 10:00, Casino 1

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Zauberlaterne: Kurze für Kleine Auch dieses Jahr durfte die Zauberlaterne zusammen mit den Kurzfilmtagen wieder ein Programm für die jüngsten BesucherInnen des Festivals zusammenstellen. Eine schöne und überaus lohnenswerte Aufgabe. Aus über 60 ganz unterschiedlichen Filmen haben wir sieben ausgewählt, die sich dem Thema Mysteriöse Reisen widmen. Jeder dieser Kurzfilme eröffnet uns ein eigenes ästhetisches und erzählerisches Universum und nimmt uns mit auf eine geheimnisvolle Reise. So stellt sich Anna («Coeur fondant») furchtlos einer Gefahr, um ihrem Freund am anderen Ende des Waldes einen Geburtstagskuchen zu bringen. Der gelangweilte Prinz wird erkennen, dass nicht das Ziel seiner Reise, sondern der Weg dorthin Veränderung bringen kann («La Cerise sur le gâteau»). Die neunjährige Inay und ihr kleiner Bruder machen sich mit einem ganz anderen Anliegen als ihr Vater auf den Weg, ohne zu verstehen, was sie damit anrichten («En route»). In «Eden» ist es nicht Rufina, die reist, sondern die Welt und die Gesellschaft um sie herum – und zwar in eine uns gut bekannte und beunruhigende Richtung. Mit Ausnahme des südkoreanischen Zeichentrickfilms «The First Class» stammen alle Kurzfilme aus Europa. Unsere «Tour de l’Europe» führt uns aus der Schweiz, über Frankreich, Spanien, die Niederlande und Belgien bis nach Österreich. Ausserdem entdecken wir auf unserer Reise, wie unterschiedlich Kurzfilme gemacht werden können. Neben dem Realfilm lernen wir auch zahlreiche Animationstechniken wie den Zeichentrick, ausgefeilte Legetechnik mit unterschiedlichsten Materialien, Stop-Motion und die Computeranimation kennen. Vor dem Programm werden die ZuschauerInnen von zwei Moderierenden der Zauberlaterne mit einer unterhaltsamen szenischen Einführung auf diese geheimnisvolle Kurzfilmreise vorbereitet. Wir laden Gross und Klein herzlich ein, sich mit uns auf diese cineastische Reise zu begeben! Vivian Kellenberger, die Zauberlaterne

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Magic Lantern: Shorts for Kids Once again, the Magic Lantern and Kurzfilmtage have compiled a programme of short films for the festival’s youngest visitors – a very rewarding task. From over 60 films, we have selected seven shorts dedicated to the theme of Mysterious Journeys. Each of these films opens up a unique aesthetic and narrative universe, taking us on an exciting trip. Anna («Coeur fondant») fearlessly confronts a dangerous situation in order to take a birthday cake to her friend at the other end of the forest. A bored prince will realize that it is not so much the destination but the journey that will bring about change («The Cherry on the Pie»). When nine-year-old Inay and her little brother hit the road («En route»), they have a different goal in mind than their father, and they don’t realize what harm they cause. In «Eden», it is not Rufina who travels but the world and society surrounding her – and they go in a troubling direction that we’re quite familiar with. Except for the Korean animation «The First Class», all the shorts in the programme are European productions. Our tour of Europe takes us from Switzerland to France, Spain, the Netherlands, Belgium, and Austria. Along the way, we also discover various different methods of making short films: apart from live-action film, we also encounter several animation techniques, ranging from cartoons to stop-motion and computer animation. Prior to the screening, two moderators from the Magic Lantern will prepare the spectators for this mysterious short film journey with an entertaining introduction. Young and old are invited to join us on this cinematic trip! Vivian Kellenberger, the Magic Lantern

In Zusammenarbeit mit / in collaboration with

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Un lynx dans la ville / A Lynx in the Town

Coeur fondant / Melting Heart Cake

Eden

Switzerland/France 2019, 12', DCP, colour, no dialogue, Ani

France 2019, 7', DCP, colour, French with English subtitles, Ani

Director/Script: Nina Bisiarina Animation: Siergiej Gizila/Morten Riisberg Hansen/ Marc Robinet Editor: Antoine Rodet Sound: Flavien van Haezevelde Production/Distribution: Folimage, contact@folimage.fr, +33 475784868, Nadasdy Film, festival@nadasdyfilm.ch, +41 223002054

Director/Script: Benoît Chieux Photography: Sara Sponga Animation: Pierre-Luc Granjon/Marjolaine Parot/ Chaïtane Conversat Sound: Régis Diebold Cast: Gabriel Le Doze/Christophe Lemoine/Maryne Bertieaux/Bruno Magne/Coraline Combes/Fred Colas Producer: Ron Dyens Production/Distribution: Sacrebleu Productions, distribution@sacrebleuprod.com, sacrebleuprod.com

Director/Script/Photography/Editor: Eva Urbano/ Rodrigo Canet Cast: Rufina Producer: Rodrigo Canet Production/Distribution: Rodrigo Canet, rodkanet@hotmail.com, mediaclaqueta.com

Ein neugieriger Luchs verlässt seinen Wald, angezogen von den Lichtern der nahegelegenen Stadt. Dort hat er viel Spass, bis er mitten auf einem Parkplatz einschläft. Am frühen Morgen entdecken die staunenden Stadtbewohner dieses seltsame, schneebedeckte Tier. A curious lynx leaves its forest, attracted by the lights of the nearby town. It has great fun there until it falls asleep in the middle of a parking lot. In the early morning, the locals are astonished to find this strange animal covered in snow. Nina Bisyarina (*1981) studied animation/design at the Ural State Academy of Architecture and Arts and currently works in Yekaterinburg in Russia. Her previous works include «Children’s Time» (2014), «Celebration» (2015), and «Bus Stop» (2016).

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Um ihrem Freund einen Geburtstagskuchen zu bringen, muss Maulwurf Anna einen tief verschneiten Wald durchqueren. Doch dort lauert ein furchteinflössender bärtiger Riese. Alle Tiere, die ihm über den Weg laufen, verschwinden, und natürlich führt auch Annas Weg an ihm vorbei ... To share her chocolate «coeur fondant» with her friend, Anna the mole must cross a glacial forest. But the forest is haunted by a new resident, a terrifying bearded giant. All animals that cross his path disappear, and of course, the mole’s route leads to him ... Author of the cartoon series «My Little Planet» (1995), graphic designer, and co-director of «Potato and the Kitchen Garden» (2001), Benoît Chieux contributed to the success of the studio Folimage for several years. In 2014, he made his first short film, «Tigres à la queue leu leu».

Spain 2019, 4'00", DCP, colour, no dialogue, Ani

Rufina freut sich auf einen Tag in friedlicher Natur. Doch ihr Ausflug kommt völlig anders als erwartet. Rufina is ready to spend a field day, surrounded by peace and pleasant nature. Will it be as simple as it seems? Eva Urbano is a screenwriter and director from Spain. She has collaborated with Rodrigo Canet on a number of short films, including animation, fiction, and documentaries. Rodrigo Canet was born in 1982. Ever since he was a child, he has written poetry, insights, and stories, and then mixed everything together. He loves independent films and supports low-cost productions. He has produced and directed 34 short films, including «El masaje», «Litio», and «@Recuerdos».


En route

The First Class

Netherlands 2019, 10', DCP, colour, Dutch with English/German subtitles, Fic

South Korea 2019, 4', DCP, colour, no dialogue, Ani

Director/Script: Marit Weerheijm Photography: Martijn Melis Editor: Fatih Tura Sound: Tom Jansen/Luuk Hoogstraten Cast: Mike Libanon/Alex Dosljak/Inay Heijblom/ Nanette Boxman/Zouhair Mtazi Producer: Loes Komen Production: Room for Film, loes@roomforfilm.com, roomforfilm.com Distribution: Square Eyes, info@squareeyesfilm.com, squareeyesfilm.com

Die neunjährige Inay und ihr Bruder begeben sich mit ihrem Vater frühmorgens auf eine besondere Reise durch die Stadt. Sie ahnen nicht, was sie mit ihren Verzögerungen anrichten. Nine-year-old Inay and her little brother have to join their father on a special journey through the city. The children don’t realize what harm they cause by trying to delay the trip. Marit Weerheijm is a Dutch director based in Amsterdam. In 2016, she graduated from the Netherlands Film Academy with her short film «When Grey Is a Colour». With «En route», she won a Golden Calf at the 2019 Dutch Film Festival. She has a love for intimate films with a touch of magic realism.

Director/Editor: Kim Myung-eun Script: Koo Yunjoo/Kang Hyunah Animation: Kim Myung-eun/Kim Changwhi/ Hur Burn-wook Sound: Jimmy Sert Production: OMG Production Distribution: KIAFA AniSEED, kaniseed@kiafa.org, kiafa.org,

Du musst nur überleben, um erstklassig zu sein. Just survive, and you’ll be first class. Myung-eun Kim was born in Seoul, South Korea, in 1991. In 2015, she graduated from Hanyang University with a degree in multimedia design. She is currently working as a motion graphic designer. Previously, she directed «Colors in the Subway» (2015).

La Cerise sur le gâteau / The Cherry on the Pie Belgium 2020, 16', DCP, colour, French with English/German subtitles, Ani Director/Editor: Frits Standaert Script: Arnaud Demuynck/Frits Standaert Photography: Karolien Raeymaekers Sound: Pedro Van der Eecken Cast: Pierre Lognay/Juliana Gille/Elsa Tarlton Producer: Arnaud Demuynyck Production: Les Films du Nord, info@lesfilmsdunord.com, lesfilmsdunord.com Distribution: Agence du court métrage, info@agencecm.com, agencecm.com

Ein schüchterner Prinz tröstet sich lieber mit Essen als nach der Liebe zu suchen – bis er schwere Magenschmerzen kriegt. Ein seltsamer Arzt rät ihm, täglich Wasser von einer magischen Quelle zu trinken. Doch diese liegt weit vom Palast entfernt und der Prinz muss sie alleine aufsuchen, damit das Wasser seine Heilkräfte nicht verliert. Rather than attempting courtship, a shy young prince seeks solace in overeating – until he begins to suffer from severe stomach pain. A peculiar doctor advises him to drink the water of a magical spring every day. But the spring is a thousand leagues from the palace. The prince must go there alone, on foot, otherwise the water will lose its power to cure him. Frits Standaert graduated from the Royal Academy of Fine Arts in Ghent, Belgium, in 1986. His other animated short films include «Wundermilch» (1991), «Kiss the Moon» (1993), and «L’Écrivain» (2003). He is the head of the animation department at the RITCS School of Arts in Brussels.

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Das beste Orchester der Welt / The Best Orchestra in the World Austria 2020, 14', DCP, colour, German, Fic Director: Henning Backhaus Script: Albert Meisl/Rafael Haider/Henning Backhaus Photography: Matthias Halibrand Editor: Jana Libnik Sound: Nora Czamler Cast: Helen Hagmueller/Dominic Oley/ Jörn Hentschel/Ingbert Socke/Thomas Mraz/ Peter Huemer/Richard Obermayr Producer: Lukas Rosatti Production: Filmakademie Wien, jaeger-ka@mdw.ac.at, +43 1711552910 Distribution: Henning Backhaus, Henning.Backhaus@gmail.com

Ingbert, die Socke, bewirbt sich als Kontrabassist bei der Wiener Staatskapelle. Blöde Idee. Ingbert the sock applies for a position as double bass player with the Vienna State Orchestra. Bad idea. Henning Backhaus was born in Dresden, Germany. He moved to Vienna to study directing at the Film Academy Vienna. In 2013, he shot his film debut, «Local Heroes», on 16mm and 35mm film. From 2013 to 2018, he was an assistant director at the Vienna State Opera.

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Sparks

Sparks I Running time 70' Wednesday, 4 November 2020, 13:30, Casino 1 Sparks II Running time 80' Saturday, 7 November 2020, 13:30, Casino 1

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Sparks I und II Im Rahmen von Sparks haben wir zwei Programme zusammengestellt, die einen Einblick in die vielfältige Filmkultur jenseits von gängigem Mainstream und YouTube-Clips geben. Sparks ist der neue Titel für die WettbewerbsSektion, in der eine Jury aus filmbegeisterten Jugendlichen im Alter von 16 bis 19 Jahren je einen Preis pro Programm vergibt. Die Gewinnerfilme werden im Rahmen der Preisverleihung prämiert. Sparks ist ein Funke, der überspringen soll, um ein Feuer der Begeisterung für das Format des Kurzfilms zu entfachen. Die zwei Programme eignen sich perfekt als Einstieg in die Welt des Kurzfilms, mit Highlights aus den aktuellen Einreichungen, die ein breites Spektrum des gegenwärtigen Kurzfilmschaffens präsentieren. Die Kurzfilme wurden ausgewählt, um Menschen aus verschiedenen Generationen anzusprechen: Sie bieten nicht nur Unterhaltung, sondern geben Einblick in andere Welten, vermitteln kulturelle Werte und richten ein Schlaglicht auf alternative Lebensentwürfe und Identitäten. Die auf Jugendliche ab 12 resp. ab 16 Jahren zugeschnittenen Programme spiegeln die Interessengebiete der jeweiligen Altersgruppe. Gleichzeitig zeigen die Filme Lebenswelten, die für Jugendliche ebenso wie für Erwachsene relevant sind und geben Denkanstösse und Diskussionsgrundlagen. Sparks ist Teil des Bildungsengagements der Internationalen Kurzfilmtage Winterthur, das zu den zentralen Anliegen des Festivals gehört. Kurzfilme eignen sich ideal als Arbeitsinstrument im Unterricht: Die kurze Laufzeit ermöglicht einen Einblick in eine Vielfalt an Themen, Genres und Sichtweisen innerhalb eines 90-minütigen Programms. Die heutige intensive Nutzung von audiovisuellen Medien verlangt gerade bei Jugendlichen nach einer vertieften Auseinandersetzung mit der Filmsprache und der Förderung von Kompetenzen im Umgang mit diesen Medien. Das Angebot für Jugendliche und Lehrpersonen ist modular aufgebaut und beinhaltet mit Sparks zwei Wettbewerbsprogramme, den Unterrichtsbesuch durch ExpertInnen sowie Weiterbildungskurse für Lehrpersonen. Die halbtägigen Unterrichtsbesuche durch FilmexpertInnen bieten eine Einführung in die Besonderheiten des filmischen Erzählens anhand zahlreicher Beispiele. John Canciani, Stefan Dobler, Dorothea Schaffner

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Sparks I and II The two Sparks programmes offer insight into a diverse film culture beyond the usual mainstream and YouTube videos. Sparks is the new title for the competition section in which a jury of young film lovers aged 16 to 19 will award a prize in each programme. The winners will be announced during the award ceremony. With these programmes, we hope to spark a passion for the medium of short film. Featuring highlights from this year’s submissions, the selection offers an excellent introduction to the world of current short filmmaking. The films were selected with the aim of appealing to multigenerational audiences. In addition to entertainment, they offer glimpses of unknown worlds, convey cultural values, and highlight alternative lifestyles and diverse identities. Compiled specifically for youth aged 12+ and 16+, respectively, the programmes reflect the interests of these age groups. At the same time, the films portray worlds that are relevant to young people as well as adults, offering food for thought and sparking discussion. Sparks is part of Kurzfilmtage’s educational programming, which has long been a central component of the festival. Short films are ideal tools for the classroom because the short running times allow for a wide variety of themes, genres, and perspectives within a 90-minute screening. Today’s widespread use of audiovisual media requires in-depth knowledge about cinematic language and the fostering of competencies in dealing with these media. Our educational offerings for youth and teachers include the two Sparks competition programmes, expert visits to schools, and teacher training courses. Our half-day school visits by film experts offer an introduction to cinematic storytelling using numerous examples. John Canciani, Stefan Dobler, Dorothea Schaffner

Mit freundlicher Unterstützung von / with the kind support of

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Broken Bird

Beyond Noh

USA 2019, 9'58", DCP, colour, English with German subtitles, Fic

USA/Japan 2020, 4'00", DCP, colour, no dialogue, Ani/Exp

Director/Script/Editor/Producer: Rachel Harrison Gordon Photography: Rashad Frett Cast: Bill Aiken/Mel House/Jari Jones/ Chad L. Coleman/Indigo Hubbard-Salk Production/Distribution: Rachel Harrison Gordon, rachel.harrison.gordon@gmail.com, rachelhg.com

Director/Animation: Patrick Smith Producer: Kaori Ishida Production: Blend Films, info@blendfilms.com, blendfilms.com Distribution: Patrick Smith, pat@blendfilms.com, +1 9175742207

Birdie wächst bei ihrer jüdischen Mutter in New Jersey auf. Während der Vorbereitungen zur Bat Mitzwa verbringt sie einen Tag mit ihrem schwarzen Vater und überlegt sich, ihn wieder in ihr Leben zu lassen. Birdie muss ihren eigenen Weg in die Unabhängigkeit und ins Erwachsenenleben finden. Birdie, a biracial girl raised by her Jewish mom in a New Jersey suburb, spends a rare day with her father while preparing for her Bat Mitzvah. She overcomes her doubts and decides to risk inviting him back into her life. Birdie confronts what independence means as she steps into adulthood on her own terms. Rachel Harrison Gordon is an MFA/MBA candidate at NYU Tisch/Stern and a Sundance 2020 Blackhouse Fellow. Rachel’s interest in storytelling evolved through pursuits in journalism and government. Prior to NYU, she served as a Presidential Innovation Fellow for the Obama administration, and she worked as a data analyst within a consumer insights group at the New York Times. She is also a graduate of the University of Pennsylvania’s School of Engineering. Rachel’s work challenges expectations of race, family, and addiction. «Broken Bird» is her first film.

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«Beyond Noh» animiert rhythmisch 3745 einzelne Masken aus unterschiedlichen Kulturkreisen und Zeitepochen. Vom japanischen Noh-Theater des 14. Jahrhunderts bis zur gegenwärtigen Popkultur nimmt uns der Film mit auf eine Reise durch Ritual, Nützlichkeit, Devianz und Politik. «Beyond Noh» rhythmically animates 3475 individual masks from all over the world: from 14th-century Japanese Noh theatre to contemporary pop culture, the film takes us on a cultural journey through ritual, utility, deviance, and politics. Patrick Smith is known for his metaphorical handdrawn short films as well as his experimental stopmotion films. His formative years were spent as a storyboard artist for Walt Disney and an animation director for MTV. Smith is a member of the Academy of Motion Picture Arts and Sciences and a fellow of the New York Foundation for the Arts.

Onderhuids / Under the Skin Netherlands 2019, 19'52", DCP, colour, Dutch with German subtitles, Fic Director: Emma Branderhorst Script: Janna Grosfeld Photography: Michel Rosendaal Editor: Tessel de Vries Sound: Gijs Domen/Freek Vrijhof Cast: Isis Braam Producer: Eva Schaaf/Patou ten Cate Production: Hidde de Vries, info@kapiteinmedia.nl, hiddedevries.com Distribution: Kapitein Kort, info@kapiteinmedia.nl, kapiteinkort.nl

In der blauen Tiefe des Schwimmbads ist sie zu Hause. Keesje ist eine leidenschaftliche Synchronschwimmerin und ein grosser Wettkampf steht bevor. Doch als es während der letzten Probe zum Streit unter den Mädchen kommt, ändert sich alles. Die feinen Unterschiede zwischen Zugehörigkeit und Ausgrenzung kommen zum Vorschein. The blue depths of the swimming pool are her home. Keesje is a passionate synchronized swimmer, and the big competition is just around the corner. However, when a fight erupts between the girls during the final rehearsal, everything changes. The subtle nuances between belonging and feeling marginalized begin to surface. Born in the Netherlands in 1995, Emma Branderhorst graduated with a degree in directing from the University of the Arts in Utrecht in 2019. She has interned at large Dutch film production companies. She received a Fiction Wildcard ( 50 000) from the Netherlands Film Fund for «Onderhuids», which premiered at Berlinale Generation. Emma is currently working on a new short about period poverty.


Machini Belgium/Republic of Congo 2019, 9'48", DCP, colour, French with German subtitles, Doc/Ani Director: Frank Mukunday/Trésor Tshibangu Editor: Frank Mukunday/Caroline Nugues-Bourchart Sound: David Douglas Masamuna Producer: Rosa Spaliviero Production: Picha, rosaspaliviero@gmail.com, picha-association.org Distribution: Atelier Graphoui, kim@graphoui.org, graphoui.org

«Machini» handelt vom Einfluss des Bergbaus auf die Stadt, von Verschmutzung und der langsamen Zerstörung des Menschen durch den Menschen. «Machini» talks about the influence that mining has on the city. About pollution and the slow destruction of man by man. Frank Mukunday is a Congolese director and animator. Since 2007, he has been working with cartoonist and illustrator Tétshim. Together, they founded the studio Crayon de cuivre. Self-taught, they have been making animated films since 2010. For the creation of their latest short animation, «Machini», they were in residency at Atelier Graphoui in Brussels. Trésor Tshibangu Tshamala, known as Tétshim, is a Congolese cartoonist and illustrator. Since 2007, he has been working with animator Frank Mukunday. Together, they founded the studio Crayon de cuivre. Self-taught, they have been making animated films since 2010. For the creation of their latest short animation, «Machini», they were in residency at Atelier Graphoui in Brussels.

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Zolotye pugovitzi / The Golden Buttons Russia 2020, 19'00", DCP, colour, Russian with German subtitles, Doc Director/Script: Alex Evstigneev Photography: Alex Evstigneev/Liza Popova Editor: Sasha Gusarova Sound: Michael Tyukalin Production: Russian State Institute of Cinematography n.a. Sergej Gerasimov, mail@vgik.info, vgik.info Distribution: Eastwood Agency, en.eastwood.agency

In fragmentarischen Beobachtungen nähert sich der Film der inneren Realität der Kinder in einer Offiziersschule – vom Moment, als sie zum ersten Mal ein Maschinengewehr in den Händen halten bis zur Zukunft als Kämpfer in der Nationalgarde von Russland. This film, created from fragments of phrases, observations, and faces, is an attempt to show the inner world of the children in a cadet school – from the first time they hold a machine gun in their hands to their future as fighters in the Russian National Guard. Alexey Evstigneev was born and raised in Shatura, Russia. He currently studies documentary filmmaking at the Gerasimov Institute of Cinematography in Moscow (in the course of V. Lisakovich and A. Geleyn).

Sans plomb / Unloaded France 2019, 8'23", DCP, colour, French with German subtitles, Fic Director: Louise Groult Script: Margaux Dieudonné Photography: Aurore Toulon Editor: Rémi Langlade Sound: Flavia Cordey Cast: Marguerite Thiam Producer: Léonore Raab/Elsa Payen Production: La Fémis, leonore.raab@gmail.com, +33 153412100 Distribution: La Fémis, festival@femis.fr, +33 153412116

Die 17-jährige Martha hat das Leben zu Hause satt und will sich den Platz nicht mehr mit ihrer kleinen Schwester Lili (9) teilen. Sie beschliesst, mitten in der Nacht abzuhauen. Doch Lili schöpft Verdacht und Marthas Flucht nimmt eine unerwartete Wendung, als sie merkt, dass Lili ihr folgt. 17-year-old Martha is fed up with living at home and tired of sharing her space with her younger sister Lili (9). She plans to run away in the middle of the night but is confronted by Lili, who becomes suspicious. Martha’s night takes a different turn when she realizes that Lili has followed her. The first of seven siblings, Louise Groult left rural Normandy for Nantes at 18 to study filmmaking. In 2010, she moved to Paris, where she earned a Master’s in film from the University of Paris 8. In 2014, she began studies in screenwriting at France’s national film school La Fémis.

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Cultes France 2019, 15'32", DCP, colour, no dialogue, Doc/Exp Director: Brutti Debrouwer Harel (LA)HORDE Script: Marine Brutti/Jonathan Debrouwer/Arthur Harel Photography: Alexandre Lamarque Editor: Edouard Mailaender Sound: Pierre Rousseau Cast: Benjamin Bertrand/Daphné Biiga Nwanak/ Delphine Rafferty/Sophie Ammann/Achraf Bouzefour Producer: Nerimen Hadrami Production: Sophie Gueneau, s.gueneau@ballet-de-marseille.com Distribution: Ballet National de Marseille

1969: Woodstock, der erste musikalische Massenanlass. 50 Jahre später ist aus der Idee des Festivals als spontane, der Masse entspringende Kulturveranstaltung der Inbegriff einer Kulturindustrie geworden, bei der die Massen nur noch passiv konsumieren. Das Projekt von (LA)HORDE kombiniert Film und Performance, um die ritualisierten Praktiken der Verehrung einzufangen. 1969: Woodstock, the first mass gathering related to music. 50 years later: the idea of the festival as a cultural event springing spontaneously from the masses has become the ultimate embodiment of the culture industry, passively consumed by the masses. Combining film and performance, (LA)HORDE’s project captures the manifestations of worship translated into ritualized practices and performances. (LA)HORDE is a collective founded in 2013 by artists Marine Brutti, Jonathan Debrouwer, and Arthur Harel. Together, they question the codes of various artistic disciplines, especially contemporary live art and performing arts. At the head of the Ballet National de Marseille since 2019, they have created choreographic works, films, video installations, and performances that always revolve around the body in motion. From the interaction and the juxtaposition of these different media, they develop scenarios and actions that take up radically contemporary issues.

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Le mal du siècle / The Great Malaise Canada 2019, 5'19", DCP, colour, no dialogue, Ani Director: Catherine Lepage Animation: Catherine Lepage/Agathe Bray-Bourret Editor: Sophie Leblond Sound: Philippe Brault Producer: Marc Bertrand Production: National Film Board of Canada, festivals@nfb.ca, +1 5142839546 Distribution: Danielle Viau, festivals@nfb.ca

Eine junge Frau beschreibt sich und ihr Leben in begeisterten Worten. Doch die visuelle Ebene erzählt eine andere Geschichte: Auf bewegende Weise illustriert der Film die psychische Belastung, unter der diese überehrgeizige Frau leidet. A young woman describes herself and her life in glowing terms, but the visual narrative tells a different story: with heart-rending power, it illustrates the heavy burden of anxiety carried by this worried overachiever. Catherine Lepage studied design at Cégep de Sainte-Foy and illustration at the École supérieure des arts décoratifs in Strasbourg. She worked as an art director for advertising agencies for several years before founding the design studio Ping Pong Ping with her partner, Simon Rivest. A self-confessed sufferer from anxiety, Lepage has skilfully explored mental-health issues in her books, including «12 mois sans intérêt» and «Zoothérapie». She has also created numerous children’s books, including «Le tragique destin de Pépito» and «Marivière». Her works have been translated and published all over the world.

Good Thanks, You? United Kingdom 2020, 13'15", DCP, colour, English with German subtitles, Fic Director/Script: Molly Manning Walker Photography: Anna Macdonald Editor: Stella Heath Keir Sound: Ines Adriana Cast: Micheal Ward/Jasmine Jobson Producer: Theo Barrowclough/Scarlett Barclay/ Sorcha Bacon Production: Try Hard Films, sorcha@try-hard.co.uk, try-hard.co.uk Distribution: Salaud Morisset Distribution, festival@salaudmorisset.com, +49 15225192336

Ein Übergriff lässt Amy verstummt zurück, gefangen in einem Sturm der Inkompetenz. Sie muss ihren eigenen Weg finden, mit dem Geschehenen umzugehen. In the aftermath of an attack, Amy is left voiceless, trapped in a whirlwind of incompetence. She must find a way to confront what has happened in order to save what matters most to her. Molly Manning Walker is a cinematographer and director based in London and a graduate of the NFTS. Her graduation film as a cinematographer, «November 1st», took Bronze at the Student Academy Awards, and Molly was nominated at Camerimage in 2019. Her directorial debut, «Good Thanks, You?» is part of the 2020 Semaine de la Critique support programme and will screen online as part of Palm Springs Shortsfest, BFI London Film Festival, and Encounters. Molly’s debut feature is in development with Film4.


The Echo

Piao liu / Drifting

Australia 2019, 2'30", DCP, colour, English with German subtitles, Fic

China/USA 2019, 16'30", DCP, colour, Chinese with English/German subtitles, Fic

Director/Script/Producer: Michael Gupta Photography: Joey Knox Editor: Stewart Arnott Sound: Georgia Collins Cast: Otim Arima/Takudzwa Matsatsa Production/Distribution: Michael Gupta, michael.s.gupta@gmail.com

Director/Script: Bo Hanxiong Photography: Joewi Verhoeven Editor: Xia Yinong/Bo Hanxiong Sound: Peggy Duan/Nathan Nuyle Cast: Han Sanming/Wang Jiali/Wang Junxiong Producer: Wu Lisu/Wang Luxi/Guan Yirui/ Summer Yang Production/Distribution: Bo Hanxiong, bohanxiong23@gmail.com

Eine Coming-of-Age Geschichte. Ein Junge am Rand des Randes, an einem namenlosen Ort. Je schneller er rennt, desto eher kann er seiner Einsamkeit entfliehen. A coming-of-age tale. A young boy at the edge of the edge, in a nameless place, discovers that the faster he goes, the closer he can get to outrunning his loneliness. Michael Gupta is an Australian-Indian filmmaker who blends visual style with a strong intuitive approach to performance. His focus lies on the outsider looking in, exploring themes of identity, trust, and family dysfunction.

Yan ist ein während der Ein-Kind-Politik geborenes, unerlaubtes zweites Kind. Um der Strafe zu entgehen, haben Yans Eltern ihr ältestes Kind auf dem Land versteckt und Yan als Mädchen erzogen. Als junger Erwachsener und Aussenseiter in einer konservativen Gesellschaft ringt Yan mit seiner Geschlechtsidentität. Seine einzige Ablenkung besteht darin, mit dem alten Taxi seines Vaters auf verlassenen Parkplätzen rumzukurven. Yan is an illegal second child born during the one-child policy. To avoid government punishment, Yan’s parents hid their oldest daughter in the countryside and raised Yan as a girl. Now a young adult, Yan struggles with his gender identity and with being treated as an outcast in a conservative society. His sole escape is driving his father’s old taxi through abandoned parking lots. Bo Hanxiong, born and raised in Beijing, is currently based in Los Angeles after graduating from the University of California. In 2020, Bo was selected to participate in Werner Herzog’s filmmaking workshop in Colombia. He is also a Cine Qua Non Lab screenwriting fellow and the recipient of both the Jack Nicholson Distinguished Student Director Award and the HFPA Directing Fellowship.

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Alerta . Alerta . Alerta / Alert . Alert . Alert Peru/Canada 2020, 2'10", DCP, colour, Spanish with German subtitles, Doc/Exp Director/Photography/Editor/Sound/Producer: Alexandra Gelis Production/Distribution: Alexandra Gelis, alexgelis@gmail.com

Marschpolitik: eine Hommage an den feministischen Kampf in Lateinamerika, aufgenommen am Frauenmarsch in Lima, Peru, 2019. Marching politics: a tribute to the feminist struggle in Latin America. Recorded at the Women’s March in Lima, Peru, 2019. Alexandra Gelis is a Colombian-Venezuelan media artist living in Toronto, Canada. Her projects incorporate personal field research as a tool to investigate the ecologies of various landscapes and the traces left by socio-political interventions. She creates non-fiction-based immersive installations as well as single- and multi-channel films and videos with custom-built interactive electronics. She has exhibited internationally in North and South America, Europe, and Africa.

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Litegrann / Anyway

Das Spiel / The Game

Sweden 2020, 7'55", DCP, colour, Swedish with German subtitles, Fic

Switzerland 2020, 17'09", DCP, colour, Swiss German with German subtitles, Doc

Director/Script: Jo Widerberg Production: Verket Produktion, frida@verketproduktion.com, verketproduktion.com Distribution: Swedish Film Institute, jing.haase@filminstitutet.se, filminstitutet.se

Director/Script: Roman Hodel Photography: Lukas Gut Editor: Rolf Hellat Sound: Oscar Van Hoogevest Producer: Franziska Sonder Production: Ensemble Film GmbH Zürich, sonder@ensemblefilm.ch, ensemblefilm.ch Distribution: Ouat Media, inga.diev@ouatmedia.com, +1 4169797380

Nachts im Bett: Eine Jugendliche will ihrem Freund sagen, dass sie ihn liebt, aber er soll es zuerst sagen. In bed at night, a girl wants to tell her boyfriend that she loves him, but she wants him to say it first. Jo Widerberg is a director and actress who graduated in filmmaking from the Valand Academy in 2016. Her works include «Din barndom ska aldrig dö» (2013) and «Hopptornet (2016). «Litegrann» is one of the films in the romcom project «It’s Love!», which was initiated by the Swedish Film Institute, among others.

Ein Pfiff – die Zuschauer werden laut, Spieler protestieren aufgebracht und die Sprecher kommentieren das Geschehen auf dem Feld lebhaft. Mittendrin der Schiedsrichter. Alle schauen auf ihn – jetzt muss er entscheiden. Mit Schiedsrichter Fedayi San erleben wir die Höhen und Tiefen eines Fussballspiels. A whistle – the spectators get loud, players protest, and the commentators excitedly narrate the events on the field. At the centre of attention: the referee. Everyone’s looking at him – he has to make a decision. With referee Fedayi San, we experience the ups and downs of a football game. Roman Hodel studied at the Lucerne School of Art and Design and works as a filmmaker and cinematographer. His short film «Blaulicht» (2014, co-directed with Lena Mäder) premiered at Kurzfilmtage. «The Game» had its world premiere at the Venice Biennale.

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Expanded Cinema Curated by Lorenz Hubacher, Rudolf Gehring

Kopfkino: Verteidigungsrede des somalischen Piraten Oszilot Ego Echo Echo Farb-Licht-Kegel Undocumented Perspectives Untitled 10 (Be Arielle F) The Soothsayings of Iris *gelSpinne sfumato The Cube

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Groupe Nous

Luc Gut & Rolf Hellat

Live performance

Live performance / installation

Running time 45' Sat 20:30 & 23:00 Kino Cameo

Running time 45' Fr 21:00 Casino 2

Kopfkino: Verteidigungsrede des somalischen Piraten

Dieses Kinoerlebnis kommt ohne Bilder aus: Einzig mit der Stimme eines Sprechers und musikalischen Klängen bringt das Kollektiv Groupe Nous den Prolog von Wolfram Lotz’ «Die lächerliche Finsternis» ins Kino. Die Verteidigungsrede eines somalischen Piraten vor dem Landgericht Hamburg führt uns die Aktualität und die Dringlichkeit einer Auseinandersetzung mit unserem kolonialen Erbe beispielhaft vor Ohren. Groupe Nous ist das Künstlerkollektiv um Patrick Slanzi, Jonathan Bruckmeier, Nicolas Balmer und Markus Kenel. Seit 2013 widmen sie sich dem Zusammenspiel von Text und Klang im schwarzen Raum. Im Laufe ihrer Arbeiten Himmelwärts – ein Experiment, Ich bin wach, Der Mandelkernkomplex und Der futurologische Kongress hat die Gruppe den Begriff des «audiogenen Theaters» begründet: Eine theatrale Form, die sich darüber definiert, dass das Publikum nichts sieht, sondern sämtliche Reize über den Gehörsinn aufnimmt.

Oszilot

A cinematic experience without images: just with a speaker’s voice and musical sounds, the collective Groupe Nous creates a mental movie using the prologue of Wolfram Lotz’s play «The Ridiculous Darkness» («Die lächerliche Finsternis»). The defence of a Somali pirate in Hamburg’s district court raises awareness of the urgency of addressing our colonial past. Groupe Nous is an artist collective consisting of Patrick Slanzi, Jonathan Bruckmeier, Nicolas Balmer, and Markus Kenel. Since 2013, they have been dedicated to the interplay of text and sound in dark space. With their works Himmelwärts – ein Experiment, Ich bin wach, Der Mandelkernkomplex, and Der futurologische Kongress, they have introduced the concept of «audiogenic theatre», a theatrical form defined by the fact that spectators don’t see anything, instead absorbing the work solely through their sense of hearing. groupenous.org

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«Oszilot» ist ein audiovisuelles Erlebnis, bei dem aus einfachen Pendelbewegungen komplexe, polyrhythmische Klangmuster entstehen. Eine archaische, physikalische Welt wird mit den Möglichkeiten digitaler Klangsynthese verbunden. «Oszilot» lädt ein, sich mit dem Zusammenhang von Zeit, Schwerkraft und Musik zu beschäftigen. Das transdisziplinäre Projekt von Luc Gut und Rolf Hellat bewegt sich zwischen generativer Musik, Drone, Ambient, New Age und Minimal Music. Luc Gut arbeitet als Video- und Audiokünstler. Seine Videos mit von ihm selbst komponierten elektronischen Soundtracks experimentieren mit dem Verhältnis von Bild, Ton und Rhythmus. Unabhängiges Schaffen und kommerzielle Auftragsarbeiten gehen dabei fliessend ineinander über. Rolf Hellat ist ein Filmemacher und Soundgestalter aus Zürich, der sich mit narrativem Bewegtbild, Inszenierung und hybriden Tonexperimenten beschäftigt. Neben seiner Arbeit als freischaffender Regisseur musiziert er mit Sensoren und seiner Tenor-Blockflöte. Ausserdem ist er Mitbegründer von Mictic, einem Projekt im Bereich der «Audio Augmented Reality».


Tonjaschja Adler

Ego Echo Echo Exhibition 3–21 November kunstkasten «Oszilot» is an audiovisual experience using simple pendulum movements to create complex, polyrhythmic sound patterns. An archaic physical world meets the potentials of digital sound synthesis. «Oszilot» invites us to reflect on the connections between time, gravity, and music. Luc Gut and Rolf Hellat’s transdisciplinary project draws on generative music, drone, ambient, new age, and minimal music. Luc Gut is a video and audio artist. He composes electronic soundtracks for his own videos, which experiment with the relation between image, sound, and rhythm. Independent projects and commercial commissions merge in his work. Rolf Hellat is a filmmaker and sound artist from Zurich, whose work includes narrative moving images and hybrid sound experiments. In addition to his work as a freelance director, he makes music with sensors and with his tenor recorder. He is also a cofounder of Mictic, a project in the field of audio augmented reality. oszilot.com

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Tonjaschja Adler bezieht sich mit «Ego Echo Echo» auf einer konzeptuellen Ebene auf das Medium Kurzfilm. Hängende Filmstreifen, einzelne Stills, ein Storyboard. Die Stilmittel sind dem Erzählkino und dem Comicstrip entliehen. «Head and shoulder close-up», «close-up», «extreme close-up». Inhaltlich lehnt sich die Arbeit an Werke von Birgit Jürgenssen und Pipilotti Rist an; sie befasst sich mit dem Widerhall der eigenen Stimme und dem Unvermögen in diesem Zustand Aussenstimmen wahrzunehmen. Tonjaschja Adlers künstlerische Praxis könnte man als eine Art Recycling beschreiben. Adler sucht und findet gezielt ihr Material: Bilder und Texte aus dem Kanon der Kunstgeschichte, der Literatur und dem aktuellen Zeitgeschehen. Sie entwickelt es weiter, um sich mit einer minimalen Verschiebung der Referenz in die tradierte Theorie und kunstgeschichtliche Debatte einzuschreiben. Ihr prozesshaftes, serielles Vorgehen wirft bewusst Fragen nach Mehrdeutigkeit, Unschärfe und Ambivalenzen auf.

In «Ego Echo Echo», Tonjaschja Adler draws on the medium of short film at a conceptual level. Dangling film strips, individual stills, a storyboard – the stylistic devices are borrowed from narrative cinema and comic strips. Head and shoulder close-up, close-up, extreme close-up. At the level of content, the piece is inspired by the works of Birgit Jürgenssen and Pipilotti Rist; it addresses the echo of one’s own voice and the resulting inability to hear outside voices. Tonjaschja Adler’s artistic practice can be described as a sort of recycling, employing purposefully selected materials: images and texts from the canon of art history, literature, and current events. She transforms these materials by minimally shifting the frame of reference, thus inscribing her work in the traditions of theory and art history. Her process-like, serial approach deliberately raises issues of ambiguity and vagueness. tonjaschja.ch kunstkasten.ch In Zusammenarbeit mit / in collaboration with


Marcus Pericin & Florian Bachmann

Ivana Kvesic & Raphael Reichert

Farb-Licht-Kegel

Undocumented Perspectives

Multimedia installation

Multichannel multimedia installation

Wed–Sat 12:30–00:00 Casino 2 Sun 10:30–22:00 Casino 2

Wed–Sat 12:30–00:00 Casino 2 Sun 10:30–22:00 Casino 2

In dieser Installation wird animiertes farbiges Licht mit einem Beamer auf vier farbige Pigmentkegel (Cyan, Magenta, Gelb, Lindgrün) projiziert. Je nach Lichtfarbe ändert sich die wahrgenommene materielle Farbe. So erscheint uns das Pigment einmal bunt, dann wieder grau oder in einer anderen Farbe, je nach spektraler Zusammensetzung des Lichts – ein faszinierendes Farb-LichtErlebnis, das dazu einlädt, über das eigene Farbensehen nachzudenken. Darüber hinaus lassen sich Kontrastphänomene beobachten und je nach Blickwinkel erscheinen die Pigmentkegel dreidimensional oder als flache Scheiben.

In this installation, animated coloured light is projected onto four pigmentcoated cones (cyan, magenta, yellow, lime green). Our perception of the colours changes with the colour of the light, so that the pigment appears brightly coloured one moment, grey the next, and then as a different colour again, depending on the light’s spectral composition – a fascinating light and colour experience that invites us to reflect on our own colour vision. In addition, the work features interesting contrasts, and depending on our perspective, the cones appear as three-dimensional objects or as flat surfaces.

In der Schweiz leben schätzungsweise zwischen 90’000 und 250’000 Menschen ohne geregelten Aufenthaltsstatus, die als «illegal» eingestuft werden. In Zusammenarbeit mit fünf Sans-Papiers erarbeiteten Ivana Kvesic und Raphael Reichert drei Videos, die in Kombination mit einer Audioarbeit präsentiert werden und die Besuchenden in das tägliche Leben von SansPapiers eintauchen lassen. Die Installation zeigt ihre Wege, ihre Lebensziele und die damit verbundenen Ängste und Sehnsüchte. Ein Versuch einer Abhandlung über Selbstbestimmung und Vorurteile.

Marcus Pericin und Florian Bachmann sind mit dem Farb-Licht-Zentrum der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) in Lehre und Weiterbildung tätig und beteiligen sich an Forschungs- und Entwicklungsprojekten. Im Zentrum stehen Fragestellungen zu Licht, Farbe, Raum, Atmosphäre und Wahrnehmung im Spannungsfeld von Design, Kunst, Wissenschaft und Technologie. Ihre Ergebnisse präsentieren sie in Form von Lichtinstallationen und Erlebnisräumen in Museen, Galerien sowie im öffentlichen Raum.

Marcus Pericin and Florian Bachmann are involved in teaching, research, and development as part of the ColourlightCenter at the Zurich University of the Arts (ZHdK). Their work focuses on questions of light, colour, space, atmosphere, and perception at the intersection of design, art, science, and technology. The results of their projects are presented in the form of light installations and spatial experiences at museums, galleries, and in public spaces.

Raphael Reichert (*1993) lebt und arbeitet in Basel. 2017 schloss er seinen Bachelor of Fine Arts ab. Seit 2018 studiert er am Institut HyperWerk der Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW.

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zhdk.ch/forschung/farblichtzentrum

Ivana Kvesic (*1978) lebt und arbeitet in Zürich. Sie hat einen MAS in Wirtschaftswissenschaften (2005), ein CAS in Kulturmanagement (2014) und einen BA in Postindustrial Design (2020).


Simon Senn

Untitled 10 (Be Arielle F) Interactive video installation Wed–Sat 12:30–00:00 Casino 2 Sun 10:30–22:00 Casino 2 There are an estimated 90,000 to 250,000 undocumented immigrants living in Switzerland who are considered «illegal». In collaboration with five undocumented people, Ivana Kvesic and Raphael Reichert created three videos, which are presented here in combination with an audio piece. Immersing visitors in the daily lives of these immigrants, the installation shows their paths and life goals as well as their fears and hopes. A work about self-determination and prejudice. Raphael Reichert (*1993) lives and works in Basel. He received his BFA in 2017 and has been a student at the HyperWerk Institute for Postindustrial Design at the Academy of Art and Design FHNW since 2018. Ivana Kvesic (*1978) lives and works in Zurich. She holds an MAS in economics (2005), a CAS in cultural management (2014), and a BA in postindustrial design (2020).

Vor einigen Monaten kaufte Simon Senn den digitalisierten Körper einer realen jungen Frau, Arielle F, für $12 im Internet. Er suchte und fand diese junge Frau, die als Studentin in England lebt, und sie wurde für dieses Projekt zu seiner Partnerin. In einem langen künstlerischen Prozess animiert er ihren Körper, modifiziert ihn und vermischt ihn schliesslich mit seinem eigenen, was Fragen zu Gender, Psychologie und rechtlichen Aspekten aufwirft. Ein beunruhigendes Werk, das die Möglichkeiten und Grenzen neuer Technologien auslotet und über Ethik in der digitalen Welt reflektiert. Simon Senn (*1986) lebt in Genf. Er hat einen BFA von der Haute École d’art et de design (HEAD) in Genf und einen Master vom Goldsmiths College in London. Seine Videos und Installationen basieren oft auf der Realität, die aber mit Fiktion vermischt wird. Mit seiner ersten Bühnenperformance, «Be Arielle F», erhielt er 2019 den zweiten Performing Arts Incentive Premio.

Several months ago, Simon Senn bought the digitized body of a real young woman, Arielle F, on the internet for $12. He ended up finding and meeting this young woman, a student living in England, who would become his partner for the project. In a long artistic process, he animates her body, modifies it, and finally mixes it with his own, raising questions of gender, psychology, and legal frameworks. A troubling work that explores the possibilities and limits of new technologies and reflects on the ethics of the digital world. Simon Senn (*1986) lives in Geneva. He holds a BFA from the Geneva University of Art and Design (HEAD) and an MFA from Goldsmiths College in London. His videos and installations are often based on reality but mixed with fiction. With his first stage performance, «Be Arielle F», he received the second Performing Arts Incentive award in 2019.

In Zusammenarbeit mit / in collaboration with

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Janis Lionel Huber & Gerome Johannes Gadient

Lauren Huret & Maria Guta

The Soothsayings of Iris

*gel-

Video installation

Audiovisual installation

Wed–Sat 12:30–00:00 Casino 2 Sun 10:30–22:00 Casino 2

Wed–Sat 12:30–00:00 Casino 2 Sun 10:30–22:00 Casino 2

Im Stil eines viralen Videos präsentiert «The Soothsayings of Iris» ein prophetisches Interview mit einer fiktiven Figur: Diese ist ein Gemisch aus diversen bekannten Persönlichkeiten, die unsere Netzwerke bevölkern. Maria Guta and Lauren Huret sind gleichermassen von ihrer Schweizer Wahlheimat und von der US-Westküste inspiriert, fasziniert von der Ausbreitung bestimmter Ideologien – etwa des New-Age-Mystizismus – einerseits, und dem Phänomen übermässig gehypter Berühmtheiten andererseits. Die Werke der in Paris geborenen Schweizer Medienkünstlerin Lauren Huret beschäftigen sich mit den Auswirkungen von Medientechnologien auf das Individuum und die Gesellschaft. Sie studierte an der Kunsthochschule in Bordeaux und hat einen MFA von der Haute École d’art et de design (HEAD) in Genf. Maria Guta wurde in Bukarest geboren und lebt seit 2010 in der Schweiz. 2015 schloss sie mit einem Master in Art Direction und Fotografie an der École cantonale d’art de Lausanne (ECAL) ab. Seither arbeitet sie als freie Künstlerin. Ihr Projekt «Interlooped» wurde 2019 am Sundance FF gezeigt.

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In the style of a viral video, «The Soothsayings of Iris» presents a prophetic interview with a fictive character who is a mash-up of several intriguing public figures that populate our networks. Maria Guta and Lauren Huret are equally inspired by their adoptive Swiss environment and the US West Coast, fascinated by the spread of ideologies such as new-age mysticism, but also by the phenomenon of overhyped celebrities. The works of Paris-born Swiss media artist Lauren Huret address the effects of media technologies on the individual as well as on society. Lauren studied at the Fine Arts School in Bordeaux and holds an MFA from the Geneva University of Art and Design (HEAD). Maria Guta was born in Bucharest and has been living in Switzerland since 2010. She graduated from the École cantonale d’art de Lausanne (ECAL) with an MA in art direction in 2015 and has been working as a freelance artist since then. Her project «Interlooped» was shown at Sundance in 2019. In Zusammenarbeit mit / in collaboration with

Was genau betrauern wir, wenn die Gletscher der Alpen und das ewige Eis der Polarregionen wegschmelzen? Die Wasserreserven? Vom Eis abhängige und regulierte Organismen? Das darin gespeicherte Wissen über die Erdgeschichte oder seine physische Präsenz? In den Debatten um den Klimawandel wird impliziert, dass Eis beständig ist – als möchte man die Gletscher in ihrem Zustand einfrieren wie Artefakte in Archiven, obwohl das Eis und das Klima per se veränderliche Entitäten sind. «*gel-» ist eine audiovisuelle Mehrkanalinstallation, die mit der Medialisierung des Klimadiskurses und medialen Methoden der Gletscherarchivierung experimentiert. Janis Lionel Huber (*1993) ist Medienkünstler mit Fokus auf installative und performative Videoarbeiten. Aktuell setzt er sich künstlerisch-forschend mit Theorien, Bildern und der Sprache des Anthropozäns auseinander. Er studiert Kulturanalyse und Germanistik im Master an der Universität Zürich. Gerome Johannes Gadient (*1996) studiert am Institut Kunst FHNW Basel im MFA. Als Musiker realisiert er Sound-basierte Arbeiten für Ausstellungen, Performances und Filme.


Michael Etzensperger

Spinne

Video installation Wed–Sun Lagerplatz What exactly do we mourn when the glaciers of the Alps and the eternal ice of the polar regions melt away? The reserves of water? The organisms and streams that depend on the ice? The history of the earth conserved in the ice or its physical presence? The debate on climate change implies that ice is everlasting, as if it should be frozen in its current state, like artefacts in an archive – even though ice and the climate are inherently unstable entities. «*gel-» is an audiovisual multichannel installation that experiments with the media discourse on climate change and methods of archiving glaciers. Janis Lionel Huber (*1993) is a media artist who focuses on installations and performative video works. Currently, he investigates the theories, images, and language of the Anthropocene in his art and research. Janis is pursuing an MA in cultural analysis and German studies at the University of Zurich. Gerome Johannes Gadient (*1996) is currently pursuing an MFA at the Institute of Art at FHNW Basel. As an artist and musician, he creates sound-based works for exhibitions, performances, and films.

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Die Kamera beobachtet eine Brückenspinne, die ihr Netz über ein leuchtendes Werbedisplay webt. Sie eignet sich das menschengemachte Objekt – geschaffen, um unsere Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen – an und funktioniert es in eine effiziente Falle um, deren Licht ihre Beute anzieht und ins Netz lockt. Die Brückenspinne gilt als klassische Kulturfolgerin: als Lebewesen, das dem Menschen in seine Kulturlandschaft folgt und sich dieser anzupassen vermag. Als solche macht sie sich eine wichtige Kulturtechnik der Postmoderne zunutze, um an ihre Beute zu gelangen. Michael Etzensperger, 1982 in Winterthur geboren, ist bildender Künstler und lebt und arbeitet in Zürich. Ursprünglich gelernter Siebdrucker studierte er später Fotografie im BA an der Zürcher Hochschule der Künste (2013) und im MFA am Institut Kunst der FHNW in Basel (2019). Michael hat an zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland teilgenommen, etwa in der Kunsthalle Winterthur, im Musée d’Elysée Lausanne, im Kunstmuseum Winterthur und am Centro Nacional de las Artes in Mexico City. Er arbeitet hauptsächlich mit Fotografie und Video.

The camera observes a bridge spider spinning its web across an illuminated advertisement. The spider appropriates the humanmade object – created to attract our attention – repurposing it into an efficient trap, whose light attracts the spider’s prey. The bridge spider is a synanthrope, that is, a species that lives in a humanmade habitat and adapts to it. As such, it makes use of a postmodern cultural technology to obtain its prey. Michael Etzensperger (*1982 in Winterthur) initially trained as a screen printer before studying photography at the Zurich University of the Arts (2013). He went on to receive an MFA from FHNW in Basel (2019). Michael has participated in numerous exhibitions in Switzerland and abroad, at venues including Kunsthalle Winterthur, Musée d’Elysée Lausanne, Kunstmuseum Winterthur, and Centro Nacional de las Artes in Mexico City. He primarily works with photography and video.


Robert Seidel

sfumato Video installation Wed–Sun Lagerplatz «sfumato» ist eine Videoinstallation, welche die Grenzen der abstrakten Malerei im digitalen Zeitalter auslotet. Im Zuge der kompletten Virtualisierung von Wissen, Arbeit und Geldflüssen kann auch die Malerei endlich im Fluss sein, befreit von den Einschränkungen physischer Materialien. Der Titel bezieht sich auf eine der vier zentralen Maltechniken der Renaissance, bei der weiche Übergänge zwischen den Farbtönen betont werden. Ein Konvolut von analogen Gemälden und Zeichnungen wurde mit einem selbstentwickelten VideoSynthesizer aufgelöst und zu einem kontinuierlichen Strom von «bewegter Malerei» verschmolzen. Robert Seidel interessiert sich für das Sprengen der Grenzen abstrahierter Schönheit. Dafür bedient er sich filmischer Zugänge und schöpft gleichzeitig aus Wissenschaft und Technik. Seine Projektionen, Installationen und Experimentalfilme waren schon an zahlreichen internationalen Festivals und in Museen zu sehen, etwa im Palais des Beaux-Arts in Lille, im Art Center Nabi in Seoul, am ZKM Karlsruhe und im MOCA Taipei. Er wurde unter anderem mit dem Ehrenpreis der KunstFilmBiennale und dem Visual Music Award ausgezeichnet.

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«sfumato» is a video installation that pushes the limits of abstract painting in the digital age. In a time of the complete virtualization of knowledge, work, and monetary flows, painting can finally be in the same state of flux, beyond the constraints of physical materials. The title refers to one of the four canonical painting modes of Renaissance art, a technique that emphasizes soft transitions between colours and tones. An assortment of analogue paintings and drawings were dissolved with a self-developed video synthesizer and fused into a continuous visual stream of «moving paintings». Robert Seidel is interested in pushing the boundaries of abstracted beauty through cinematographic methods, as well as approaches drawn from science and technology. His projections, installations, and experimental films have been shown at numerous international festivals and in museums, such as Palais des Beaux-Arts in Lille, Art Center Nabi in Seoul, ZKM Karlsruhe, and MOCA Taipei. His work was honoured with various prizes, including the KunstFilmBiennale Honorary Award and the Visual Music Award. robertseidel.com


The Cube Curated by John Canciani, Lorenz Hubacher

Wed–Sat 12:30–00:00 Sun 10:30–22:00 Casino 2

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The Cube Vier Filme, präsentiert in einem filmischen Kubus aus LCD-Leinwänden: Was sie verbindet, sind Fragestellungen zur Natur, zu deren Verfremdung und zu uns Menschen als Teil einer Gesamtheit, die unsere Sinne und Vorstellungskraft bei weitem übersteigt. Wir begeben uns mit dem englischen Religionsphilosophen Alan Watts auf eine Reise und begegnen Atomen, Pflanzen, Tieren, Planeten und Galaxien. Wir tauchen ein in den Tiefschlaf eines Mädchens und erleben ihre mystische Reise durch die Natur. Wir treten ein in die farbig glühende Höhle einer Insel und werden Zeugen der digitalen Orchestrierung einer grossen Glühwürmchenkolonie. Als einzige Lichtquelle im Raum wird The Cube selbst zum künstlerischen Objekt. Die Farben und Bewegungen in den Filmen strahlen in den dunklen Raum hinein und machen diese Installation zu einem atmosphärisch-sinnlichen Erlebnis für ein Publikum in Bewegung. Four films, presented in a cinematic cube consisting of LCD screens: what connects them is the issue of nature, of its denaturalization, and of us humans as part of a whole that far surpasses our perception and understanding. We join English philosopher of religion Alan Watts on a journey, where we encounter atoms, plants, animals, planets, and galaxies. We follow a girl into her dream and on her mystical journey through nature. We enter a colourful, glowing cave on an island, and we witness the digital orchestration of a large colony of fireflies. As the only source of light in the room, The Cube itself becomes an art object: the colours and motion from the films project into the surrounding darkness, turning the installation into an atmospheric, sensual experience for an audience in motion.

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Everything

Erpe-Mere

Ireland/USA 2017, 11'00", colour, English, Ani/Doc/Exp

Belgium 2019, 20'44", colour, no dialogue, Doc/Exp

Director: David OReilly Distribution: Yael Greenberg, yaelgreen1234@gmail.com

Wer immer du bist, wo immer du bist, was immer du bist – du bist in der Mitte. So läuft das Spiel. Whoever you are, wherever you are, and whatever you are, you’re in the middle. That’s the game. David O’Reilly is a multidisciplinary artist based in Los Angeles. Starting his career as an independent animator, he has created numerous award-winning short films, including «Please Say Something» and «The External World». He has written for TV shows such as «Adventure Time» and «South Park» and created fictional video games in Spike Jonze’s Academy Award-winning film «Her».

Director: Noemi Osselaer Distribution: Noemi Osselaer, noemi.osselaer@gmail.com, +32 487415013

Umgeben von den Geräuschen nachtaktiver Tiere sinkt ein Mädchen in einen tiefen Schlaf. Der folgende Traum entfaltet sich zu einer kosmischen Reise durch die Wiesen von Erpe-Mere im ländlichen Belgien. Surrounded by the sound of nocturnal animals, a girl falls into a deep sleep. Gradually, we are drawn into her dream, which unfolds into a cosmic journey through the meadows of Erpe-Mere, a rural community in Belgium. Noemi Osselaer was born in Aalst, Belgium. She studied audiovisual arts at the Royal Academy of Fine Arts Ghent, receiving her MA in 2019. Her graduation film, «Erpe-Mere», screened at several festivals, including Dok Leipzig and IFFR. She will be a resident at the Higher Institute for Fine Arts (HISK) in Ghent in 2021/22.


Look Then Below

Synchronicity

United Kingdom 2019, 22'30", colour, English, Fic/Exp

Thailand/Switzerland 2020, 13'52", colour, no dialogue, Doc/Exp

Director: Ben Rivers Distribution: Lux Distribution, distribution@lux.org, lux.org.uk

Director: André Gwerder/Robin Meier Distribution: Robin Meier, io@robinmeier.net

In den weiten, düsteren Gängen der Wookey Hole Caves in Somerset gedreht, zaubert dieser Film futuristische Wesen aus einer raucherfüllten Landschaft und den Tiefen der Erde hervor. Die Unterwelt, die einst Überreste verlorener Zivilisationen enthielt, deutet nun in eine unterirdische Welt der Zukunft, bewohnt von einer Spezies, die aus unserer umweltbelasteten Welt hervorgegangen ist.

In einem thailändischen Mangrovenwald senden Leuchtkäfer (Pteroptyx malaccae) ihre Lichtsignale synchron mit computergesteuerten LEDs. Mittels einer lichtbasierten Kommunikation mit den Insekten beeinflussen die Künstler das rhythmische Leuchten einer grossen Käferkolonie. Ohne zentrale Kontrolle interagieren Computer und Insekten in dieser rhythmischen Lichtkomposition – es ist ein stilles Orchester, das keinen Dirigenten braucht.

This film conjures up futuristic beings from an eerie smoke-filled landscape and the depths of the earth. «Look Then Below» was shot in the vast, dark passages of Wookey Hole Caves in Somerset. The netherworld of chambers, carved out over deep time, once held remnants of lost civilizations – now, it foretells a future subterranean world, occupied by a species evolved from our environmentally challenged world.

In a mangrove forest in Thailand, live fireflies (Pteroptyx malaccae) synchronize their flashes with computer-controlled LEDs. By establishing a light-based form of communication with the insects, the artists influence the rhythmic flashing of large colonies of fireflies. A silent orchestra harmonizes without the need for a conductor. With no central control, computers and insects interact in this rhythmic composition of light.

Ben Rivers studied fine art at Falmouth School of Art, initially in sculpture before moving into photography and Super 8 film. His practice as a filmmaker treads a line between documentary and fiction. He is the recipient of numerous prizes. In 1996, he co-founded Brighton Cinematheque, which he then co-programmed until its demise in 2006.

Swiss artist André Gwerder is a graduate of the Zurich University of the Arts (ZHdK), where he studied media and art with a specialization in new media.

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Artist and composer Robin Meier explores thinking and understanding in animals, machines, landscapes, and people. He tries to tune in to these motifs through musical compositions, installations, and tools. His works have been shown at institutions such as Palais de Tokyo, FIAC and Museum of Modern Art in Paris, Art Basel in Switzerland, the Shanghai Biennale, Arsenal Contemporary New York, and the MSU Broad Art Museum in East Lansing, Michigan. Robin Meier is a long-time collaborator at IRCAM / Centre Pompidou (Paris) and a Fellow of the Istituto Svizzero di Roma since 2018/2019.


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Rahmenprogramm Special Events

Context Talks & Other Events Tasty Shorts Kino im Park

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Kontext-Talks Einige Filmprogramme werden von Kontext-Talks mit Filmschaffenden und ExpertInnen begleitet, die einen vertieften Einblick in die jeweiligen Themen geben. Cultivated Landscapes: No Stone Left Unturned (de) Fr 19:30, Casino 1 Jede/r von uns nimmt Landschaft anders wahr. Wie weiss man, was das Schützenswerte und Besondere ist? Und wie setzt man es in Szene? Solchen und weiteren Fragen geht der KontextTalk mit Franziska Grossenbacher und Stephan Schneider, Stiftung Landschaftsschutz Schweiz, und Matthias Sahli, Filmemacher und Kurator des Programms, auf den Grund. This Is Not a Love Song (en) Online Kuratorin Carla Maria Losch spricht mit Yuan Yuan («Heading South»), Hung Jing An («Tilapia») und Johnny Ma («Grand Canal») über ihre Filme, das Leben junger Menschen und den chinesischen Traum. Fringes of Animation (en) Online Youyang Yu, Direktor der Feinaki Beijing Animation Week, spricht mit Mi Chai («Birds Dream») über das aktuelle chinesische Animationsfilmschaffen. China Independent (en) Online Kurator Primo Mazzoni diskutiert mit Zhu Rikun («The Questioning») über politisches Filmschaffen in China.

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Weiteres Rahmenprogramm Maryna Vroda: On Departures and New Beginnings (en) Online Giona Nazzaro (Generalvertreter Venice International Film Critics’ Week) spricht mit Maryna Vroda über ihre Filme, ihren Arbeitsprozess und ihre Pläne für die Zukunft. Underground Resistances (en) Online Oleksiy Radynski, selber mit dem Film «Integration» im Programm Underground Resistances vertreten, diskutiert mit weiteren FilmemacherInnen aus dem Programm die aktuelle Lage für Kulturschaffende in der Ukraine und das Potenzial des politischen Films im 21. Jahrhundert.

Preisverleihung So online Am Sonntagabend fallen die Würfel! Die Jurys geben die PreisträgerInnen der 24. Festivalausgabe bekannt und der Publikumsliebling wird gekürt. An der Preisverleihung können Sie online gratis teilnehmen und mitfiebern. Der Link zum Event wird während der Festivalwoche auf kurzfilmtage.ch publiziert. And the Winners Are ... I So 18:00 Kino Cameo And the Winners Are ... lI So 20:30 Kino Cameo Den Gewinnerfilmen aus unseren diesjährigen Wettbewerben widmen wir zwei ganze Programme – denn unterdessen vergeben wir acht Auszeichnungen: Den Hauptpreis, den Förderpreis und den Prix George im Internationalen Wettbewerb, die Auszeichnungen für den besten Schweizer Film, für die besten Filme der Programme Sparks I und Sparks II sowie für den besten Schweizer Schulfilm. Ausserdem bestimmen die ZuschauerInnen den/die GewinnerIn des ZKB Publikumspreises. Best-of So 19:30 Casino 1 Welche Wettbewerbsfilme haben unserem Publikum besonders gut gefallen? Welche Filme haben am meisten zu reden gegeben? Welche Geschichte sollte man sich am Sonntagabend unbedingt nochmals anschauen können? Zum Abschluss der 24. Ausgabe der Internationalen Kurzfilmtage Winterthur zeigen wir 2020 nicht nur die Lieblinge der Jurys, sondern auch jene unseres treuen lokalen und regionalen Publikums, das sich unsere Programme vor Ort im Kino angeschaut und abgestimmt hat.


Context Talks Radio Stadtfilter Talk (de/en) Mi–Sa 18:00–18:30 Casino 2 Das Winterthurer Kulturradio sendet täglich aus dem Casinotheater. An den Stadtfilter Talks stehen spannende Gäste aus dem Kurzfilm-Universum Red und Antwort – live vor Ort im Casinotheater. Im Äther können die Talks über 96.3 MHz und über Kabel auf 107.35 MHz mitverfolgt werden. Coucou liest Film (de) Sa 19:00–19:30 Casino 2 Film ist nicht nur Bild und Ton, sondern auch Text. Das Winterthurer Kulturmagazin Coucou lässt das Drehbuch «Der Film vom Propellermann» von Johannes Bachmann aus dem diesjährigen Programm lesen. Vorgetragen von der Schauspielerin Mira Frehner und dem Schauspieler Joachim Aeschlimann bietet diese szenische Lesung eine ganz eigene Kino-im-Kopf-Erfahrung. Familien-Workshop: Stop-Motion & Pixilation So 14:00–17:30 Alte Kaserne Winterthur Der Workshop bietet Einblick in die Technik der Stop-Motion-Animation. Die ganze Familie kann mitmachen, Fantasiefiguren filmisch zum Leben erwecken, mittels Pixilation von Fotomaterial ein Autorennen simulieren oder sogar Menschen fliegen lassen. Die erfahrenen WorkshopleiterInnen führen in die verschiedenen Techniken ein und helfen bei Fragen. Zum Schluss gibt es eine Filmvorführung. Für Kinder von 6 bis 12 Jahren in Begleitung

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Some of our film programmes are accompanied by Context Talks with filmmakers and experts, offering additional insight into the issues addressed in the films. Cultivated Landscapes: No Stone Left Unturned (de) Fri 19:30, Casino 1 Everyone has a different perception of landscapes. How do we know what’s special and deserving of protection? And what is the best way to present it cinematically? These are some of the questions that Franziska Grossenbacher and Stephan Schneider from the Swiss Foundation for Landscape Conservation will explore in conversation with Matthias Sahli, filmmaker and curator of the programme. This Is Not a Love Song (en) Online Curator Carla Maria Losch talks with Yuan Yuan («Heading South»), Hung Jing An («Tilapia»), and Johnny Ma («Grand Canal») about their films, the lives of young people, and the Chinese dream. Fringes of Animation (en) Online Youyang Yu, director of the Feinaki Beijing Animation Week, talks with Mi Chai («Birds Dream») about contemporary Chinese animation. China Independent (en) Online Curator Primo Mazzoni and filmmaker Zhu Rikun («The Questioning») discuss political filmmaking in China.

Maryna Vroda: On Departures and New Beginnings (en) Online Giona Nazzaro (general delegate of the Venice International Film Critics’ Week) talks to Maryna Vroda about her films, her creative process, and her plans for the future. Underground Resistances (en) Online Oleksiy Radynski, whose film «Integration» is screened in the programme Underground Resistances, discusses the current situation for artists in Ukraine and the potentials of political filmmaking in the 21st century with other filmmakers featured the programme.


Other Events Award Ceremony Sun online Sunday night is when the die is cast! The juries announce the award winners and the audience’s favourite short film is revealed. Follow the award ceremony online for free to find out who the winners are. The link to the online event will be posted on kurzfilmtage.ch during the festival week.

Radio Stadtfilter Talk (de/en) Wed–Sat 18:00–18:30 Casino 2 Winterthur’s cultural radio station will broadcast live from Casinotheater, talking to interesting guests from the wide world of short films – follow the talks live at Casinotheater or over the air at 96.3 MHz / on cable at 107.35 MHz.

And the Winners Are ... I Sun 18:00 Kino Cameo

Coucou Reads Cinema (de) Sat 19:00–19:30 Casino 2 Films aren’t made of sounds and images alone, but of text, too. Winterthur’s cultural magazine Coucou hosts a screenplay reading of «Der Film vom Propellermann» by Johannes Bachmann from this year’s programme. Performed by actors Mira Frehner and Joachim Aeschlimann, this dramatic reading offers a unique experience of movies in your mind.

And the Winners Are ... lI Sun 20:30 Kino Cameo We’re dedicating two full programmes to the winners of this year’s competitions! Kurzfilmtage now awards as many as eight different prizes: the Grand Prize, the Promotional Award, and the Prix George in the International Competition, the Awards for the Best Swiss Film and the Best Swiss School Film, and one prize each for the best films from the two Sparks programmes. In addition, the spectators choose the winner of the ZKB Audience Award. Best-of Sun 19:30 Casino 1 Which competition entries did our audience like best? What films sparked the most heated discussions? What stories would you want to see again on Sunday evening? In addition to the juries’ picks, the closing night of the 24th edition of Internationale Kurzfilmtage Winterthur also features a selection of audience favourites in honour of our loyal local and regional visitors who attended our cinema screenings and cast their votes.

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Family Workshop: Stop-Motion & Pixilation Sun 14:00–17:30 Alte Kaserne Winterthur This workshop for the whole family offers an introduction to stop-motion animation. Bring imaginary characters to life, simulate an auto race through pixilation of photos, or make humans fly. Experienced instructors will demonstrate the various techniques and assist with any questions. At the end of the workshop, there will be a film screening. For children aged 6 to 12 accompanied by an adult.


Tasty Shorts Curated by Stefan Dobler In Zusammenarbeit mit / in collaboration with

Im tibits Restaurant Winterthur bringen wir filmische Leckerbissen und kulinarische KÜstlichkeiten zusammen. Tasty Shorts präsentiert im Rahmen eines vegetarischen/veganen Dinners genussvolle Kurzfilme rund ums Thema Essen. Cinematic delicacies meet culinary treats: enjoy delightful short films about food during a vegetarian/vegan dinner at tibits restaurant Winterthur.

Thursday, 5 November 2020, 18:00, tibits Friday, 6 November 2020, 18:00, tibits

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Maku

Fantasia / Fantasy

Japan 2014, 5'26", colour, no dialogue, Ani

Finland 2016, 9'25", colour, Finnish with English subtitles, Fic

Director: Yoriko Mizushiri Director: Teemu Nikki

Der Vorhang hebt sich: eine KyogenBühne, ein Untersuchungsraum beim Augenarzt, eine Sushi-Theke. Zwei Menschen begegnen sich. Unterschiedlichste Gefühle – Furcht, Faszination, Zärtlichkeit – flammen auf und werden sofort in die Tat umgesetzt. Die Gefühle des anderen werden erkundet. The curtain rises: a Kyogen stage, an eye doctor’s examination room, a sushi counter. Two people meet. A variety of feelings – fear, fascination, tenderness – flare up and are immediately acted upon. The feelings of the other are explored.

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Ein Junge vom Land will keine Kartoffeln essen. Er will etwas Exotischeres. A country boy doesn’t want to eat potatoes. He wants something more exotic.

Mon corps livré pour vous / My Body Given for You France 2019, 12'42", black & white, no dialogue, Fic/Exp Director: Anna-Claria Ostasenko Bogdanoff

Ein Auslieferer auf einem elektrischen Rad fährt durch eine Stadt, dann durch eine Landschaft voll Schutt, Müll und kranken Pflanzen. Mit der Ruhe eines Seiltänzers durchquert er diese postapokalyptische Kulisse – bis zur letzten Lieferung. A delivery man, perched on an electric wheel, crosses a city, then a countryside strewn with debris, scraps, sick plants. Still as a tightrope walker, he makes his way through this postapocalyptic landscape. Until his last delivery.


Cru

Without Sugar

Switzerland 2019, 10'17", colour, French with German subtitles, Fic

Belgium/France 2015, 7'19", colour, French with English subtitles, Ani

Director: David Oesch

Director: Marion Auvin

Eine junge Köchin verfolgt eisern ihre Karriere. Doch um die Chefin zu beeindrucken und in der Hackordnung aufzusteigen, braucht es in dieser Küche keine Kreativität, sondern Blut, Schweiss und Tränen.

Ein Tag in New York mit Sophie, einer Französin, die in den USA lebt. Sie erläutert ihre Ansichten über das Leben und über das Essverhalten der Leute – von der Esssucht bis zu Modediäten.

A young chef is pursuing her career with determination. But impressing her boss and rising in the pecking order of this kitchen does not require creativity so much as blood, sweat, and tears.

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A day in New York with Sophie, a French woman living in the US. She shares her views of life and on how people relate to food, whether through overeating, food fads, or dieting.


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Kino im Park Präsentiert von / presented by

Things to Make and Do Outside Home-Office, Home-Cinema, Home-Schooling – wir finden, es ist an der Zeit, alles wieder nach draussen zu verlagern! Daher geht’s mit dem mobilen Kino in den Park und in bester DIY-Manier zeigen wir vier kurze Programme unter dem Titel Things to Make and Do Outside, kuratiert vom Hamburger Kollektiv A Wall is a Screen. Home office, home cinema, home schooling – we think it’s time to move things back outside! That’s why we’re taking our mobile cinema to city parks, screening four short programmes titled Things to Make and Do Outside, curated by the collective A Wall is a Screen from Hamburg.

Cinema Sports The Great Outdoors Political Activism

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Things to Make and Do Outside: Cinema Running time 30' Wed 20:00 Rosengarten

Das gemeinsame Filmeschauen lässt sich je nach klimatischen Bedingungen einfach ins Freie verlegen. Wir zeigen zwei sehr unterschiedliche Versionen des Wanderkinos: Nicht nur die Augen der Kinder leuchten, wenn in Indien die Schätze vom Boden des Schneideraumes im fahrenden Filmkasten gezeigt werden und wenn in Tansania das fahrende Kino in die entlegenen Dörfer rollt. Unsere Mütter sind nicht die einzigen, die so einiges über das Kino lernen können. Selbstverständlich mit «Voor-Film»! Depending on the climate, collective film viewing can easily be moved outdoors. Our programme shows two very different kinds of travelling cinema: not only children will be filled with wonder when treasures from the cutting room floor end up in a travelling movie box in India, or when the itinerant cinema rolls into remote villages in Tanzania. And our mothers won’t be the only ones to learn a thing or two about cinema here.

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Voor Film / Supporting Film

Sinema Leo

Netherlands 2015, 11', colour, Dutch with English subtitles

Director: Christiane Buchmann Distribution: Filmwiese Filmproduktion, fschum@gmx.de, +49 1794907685

Director: Douwe Dijkstra Distribution: KurzFilmAgentur Hamburg e.V., verleih@shortfilm.com, +49 4039106325

Aus der Perspektive von unterschiedlichen ZuschauerInnen erkundet dieser Dokumentarfilm das eigentümliche Ritual des Filmeschauens. Wie erfahren Menschen mit sensorischen Beeinträchtigungen, starken religiösen Überzeugungen oder Liebeskummer das Medium? Eine Geschichte über bewegte Bilder und ihr Publikum. This documentary explores the peculiar ritual of film viewing from the perspective of various spectators. How do people with sensory impairments, strong religious beliefs, or lovesickness experience the medium? A story about moving images and their audience.

Germany/Tanzania 2010, 4'09", colour, English, Doc

Elisonguo Kiwia liebt das Kino und träumt von einem guten Filmministerium in seiner Heimat Tansania. Man hält ihn überall für verrückt, weil er durchs Land zieht, um Filme zu zeigen – umsonst! Er ist nicht bloss Filmvorführer, er will sein Publikum wirklich erreichen, selbst wenn das gefährliche Reisen bedeutet ... Elisonguo Kiwia loves movies, and he dreams of a good film ministry in his home country Tanzania. Everybody thinks he’s crazy, because his only interest is going to the countryside and showing films – for free! He is not just a projectionist – he really wants to reach his audience. Even if that means going on dangerous road trips ...


Prakash Travelling Cinema

My Mother Learns Cinema

India 2006, 14', colour, Hindi with English subtitles, Doc

Turkey 2006, 3'25", colour, Turkish with English subtitles, Fic

Director: Megha Lakhani Distribution: National Institute of Design, lettertoanoop@gmail.com, +91 4872630774

Director: Nesimi Yetik Distribution: KurzFilmAgentur Hamburg e.V., verleih@shortfilm.com, +49 4039106325

Zwei untrennbare Freunde versuchen, den Geist eines antiken Unterhaltungsmediums mit Hilfe eines Bioskops einzufangen. Wir begleiten die beiden unbelehrbar optimistischen, unsterblich in ihr fahrendes Kino verliebten Protagonisten durch die Strassen von Ahmedabad.

Eine kurze Geschichte ßber einen Sohn, der seiner Mutter die Welt des Kinos näherbringen will; oder eine kurze Geschichte ßber eine Mutter, die die Welt des Kinos durch ihren Sohn kennen lernt.

Two inseparable friends attempt to capture the spirit of a vintage form of entertainment with a bioscope. We follow the obstinately optimistic protagonists as they take their beloved travelling cinema through the streets of Ahmedabad.

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A short story about a son who wants to introduce his mother to the world of cinema; or, a short story about a mother who learns about the world of cinema from her son.


Things to Make and Do Outside: Sports Running time 30' Thu 20:00 Bäumli

Zur Sonne, zur Freiheit! Die Stadt bietet einfach die besten Sportplätze als Gegengewicht zu muffigen Turnhallen. «Sports Urbain» zeigt, dass wir alle sowieso schon immer Alltagssportler im öffentlichen Raum sind! Vorher aber bitte ordentlich «Stretching», denn ohne das ist die Verletzungsgefahr beim Sport wesentlich höher. Wenn man dann noch Fussball auf einem sehr schrägen Platz spielt, drohen zumindest einige blaue Flecken – der TSV Klappling zeigt wie! Gegengewichte werden auch in «Kachalka» gestemmt, und zwar draussen, im «Muscle Beach» der Ukraine! Out into the sun, to freedom! The city offers the best sports fields as a counterbalance to musty gyms. «Sports Urbain» demonstrates how much all of us are everyday outdoor athletes! But please don’t forget that «Stretching» is important to reduce the danger of injury. And if you play football on a sloping field, you’re likely to get bruised, as demonstrated by TSV Klappling here. Or how about some weightlifting at «Kachalka», Ukraine’s muscle beach – outdoors, of course!

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Stretching

Klappling

France 2009, 4'30", colour, no dialogue, Ani/Exp

Germany 2004, 5'45", colour, German with English subtitles, Fic

Director: François Vogel Distribution: Drosofilms, drosofilms@gmail.com, +33 961410593

Eine besondere Darbietung urbaner Gymnastik: Ein exzentrischer Tänzer in den Strassen Manhattans denkt sich allerlei verrückte rhythmische Übungen aus, und die Architektur vermischt sich mit seinem spielerischen Tanz. «Stretching» is a peculiar display of urban gymnastics. An eccentric character concocts crazy rhythmic exercises in the streets of Manhattan. The surrounding architecture mingles with his playful dance, joining in his merriment.

Director: Franz Wanner Distribution: KurzFilmAgentur Hamburg e.V., verleih@shortfilm.com, +49 4039106325

Wie jedes Jahr treffen sich der TSV Klappling und der TUS Brotzendorf zum schrägsten Fussballspiel auf der Klapplinger Alm. Like every year, football clubs TSV Klappling and TUS Brotzendorf meet for a seriously skewed game.


Sports Urbains

Kachalka

France 1995, 11', colour, French with English subtitles, Doc

Ireland 2019, 9'20", colour, Ukrainian/ Russian with English subtitles, Doc

Director: Christian Passera/Francois Lozet Distribution: Christian Passera, christianpassera@noos.fr

Director: Gar O’Rourke Distribution: KurzFilmAgentur Hamburg e.V., verleih@shortfilm.com, +49 4039106325

Die Stadt ist der Tempel des Sports. Was für ein Tempel und was für ein Sport – die besten Leistungen werden in kompletter Anonymität erbracht!

Eine Reise ins Herz von Kiews FreiluftFitnessstudio Kachalka, das weithin als das härteste der Welt gilt. Der dokumentarische Kurzfilm folgt dem Hausmeister Petro, während er seine Arbeit im riesigen Schrottgelände erledigt und gleichzeitig Einblicke in das Training der bunt gemischten Benutzer gewährt.

The city is the temple of the sport. What a temple and what a sport! To think that the greatest performances occur in total anonymity!

A journey into the heart of what is widely considered the world’s most hardcore gym – Kyiv’s enormous open-air Kachalka gym. This observational film follows the gym’s caretaker as he takes us through the enormous scrap metal site, offering a glimpse into the workouts of various local gym-goers along the way.

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Things to Make and Do Outside: The Great Outdoors Running time 30' Sat 20:00 Stadtpark Den Stadtmenschen hat es schon immer in die Natur gezogen – in «Mobilize» von Caroline Monnet geht es aber erstmal den entgegengesetzten Weg. Danach begleiten wir die «Debutante Hunters»: junge, jagende Frauen in den US-Südstaaten, je nach Blickwinkel zum Bewundern oder zum Hände über dem Kopf zusammenschlagen. Und wenn es ganz schlimm ist, dann wandert man halt mit der Selbsthilfegruppe nach Alaska aus – oder so in der Art. Am komplett entgegengesetzten Ende des amerikanischen Kontinents lässt es sich vorzüglich mit Tieren arbeiten – für alle, denen Menschen zu kompliziert sind. Doch bei aller Liebe zu den Dingen, die man draussen machen kann, dürfen wir nicht vergessen, dass der Wald immer noch ein sehr gefährlicher Ort ist! City people have always yearned for nature – but in Caroline Monnet’s «Mobilize», we go the other way first. In «Debutante Hunters», we meet young female hunters from the American South who will make you marvel or throw your hands up in horror, depending on your perspective. When things get really bad, you might want to move to Alaska with a selfhelp group, whereas the other end of the Americas is an excellent place for working with animals – for all those who find humans too complicated. But for all our love for the great outdoors, let’s not forget that the forest is a very dangerous place!

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Mobilize

The Debutante Hunters

Canada 2015, 3'49", colour, no dialogue, Exp

USA 2011, 12'20", colour, English, Doc

Director: Caroline Monnet Distribution: National Film Board of Canada, A.Lee@nfb.ca, +1 5142839546

Director: Maria White Distribution: Maria White, info@debutantehunters.com

Eine Kanufahrt in die Stadt schafft eine dynamische Verbindung zwischen urbanem und natürlichem Raum. Dieser atmosphärische Kurzfilm zum hypnotisierenden Soundtrack von InukKünstlerin Tanya Taqaq zelebriert den Einfallsreichtum indigener Völker im Umgang mit den atemberaubenden Veränderungen des letzten Jahrhunderts.

In South Carolina zeigt sich eine Gruppe von Südstaatenschönheiten von ihrer raueren Seite bei der Jagd in der Wildnis.

A journey by canoe into the city creates a dynamic interconnection between natural and urban spaces. This evocative short set to a hypnotizing soundtrack by Inuk artist Tanya Taqaq celebrates the fierce resourcefulness of indigenous people in adapting to the dizzying changes of the past century.

In the low country of South Carolina, a group of true Southern belles reveal their more rugged side, providing a glimpse into what drives them to hunt in the wild.


This Is Alaska

Working with Animals

Gefahr im Wald

Sweden 2009, 10'40", colour, Swedish/ English with English subtitles, Fic/Exp

Norway 2016, 4'02", colour, English, Fic/Doc

Germany 1998, 2'45", colour, German, Fic/Doc

Director: Marc Reisbig/Joshua Howie Distribution: KurzFilmAgentur Hamburg e.V., verleih@shortfilm.com, +49 4039106325

Director: Jürgen Prediger Distribution: KurzFilmAgentur Hamburg e.V., verleih@shortfilm.com, +49 4039106325

Juan Sebastian Elcano ist ein erfahrener Regisseur von Naturdokumentarfilmen, der sich auf Wildtiere spezialisiert hat. Die Charakterstudie eines leidenschaftlichen Künstlers in seiner natürlichen Umgebung.

Dieser hochdramatische Film setzt sich eingehend mit den Unzulänglichkeiten des Alltags und insbesondere mit einer immer unterschätzten Gefahrenquelle in heimischen Wäldern auseinander.

Director: Gunilla Heilborn/Mårten Nilsson Distribution: Swedish Film Institute, jing.haase@filminstitutet.se, filminstitutet.se

Auf der Suche nach mehr Freiheit hat sich eine Gruppe von Menschen in Alaska niedergelassen. In search of greater freedom, a group of people has moved to Alaska.

Juan Sebastian Elcano is a seasoned nature documentary filmmaker. He specializes in wild animals. This film is a character study of a passionate artist in his natural habitat.

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In one dramatic take, this film magnifies the shortcomings of daily life as well as the underestimated danger lurking in our forests.


Things to Make and Do Outside: Political Activism Running time 30' Fri 20:00 Lindengut Park Politischer Aktivismus hat traditionell schon immer zum grossen Teil in der Öffentlichkeit stattgefunden. In «Symbolic Threats» zeigen Mischa Leinkauf, Matthias Wermke und Lutz Henke, welchen medialen Sturm es verursacht, wenn der eigentlich stark bewachte öffentliche Raum – hier die Brooklyn Bridge – zum Schauplatz einer Kunstaktion wird. Unpolitisch kann es nicht sein, zwei Stars-andStripes-Flaggen durch weisse Flaggen zu ersetzen, oder? Die traditionelle «Wasserschlacht» findet auf der Oberbaumbrücke in Berlin zwischen Kreuzberg und Friedrichshain statt – ist das noch politisch oder einfach eine grosse Gaudi? Das hängt davon ab, wen man fragt ... Traditionally, political activism has always taken place largely in public. In «Symbolic Threats», Mischa Leinkauf, Matthias Wermke, and Lutz Henke show the media frenzy that ensues when a highly surveilled public space – in this case, the Brooklyn Bridge – becomes the site of an artistic intervention. If two stars and stripes flags are replaced with white flags, that must be a political act – right? And in Berlin, there’s the tradition of a «water battle» at the Oberbaum Bridge between Kreuzberg and Friedrichshain – is this politics or just huge fun? It depends who you ask ...

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Wasserschlacht / The Great Border Battle

Symbolic Threats

Germany 2006, 18', colour, German with English subtitles, Doc

Director: Lutz Henke/Matthias Wermke/ Mischa Leinkauf Distribution: Mischa Leinkauf, studio@wermke-leinkauf.com, wermke-leinkauf.com

Director: Andrew Friedmann/Katarzyna Klimkiewicz Distribution: KurzFilmAgentur Hamburg e.V., verleih@shortfilm.com, +49 4039106325

Germany 2014, 15'00", colour, English, Doc

Seit 1998 treffen sich Leute aus Friedrichshain und Kreuzberg jeden Sommer an der Oberbaumbrücke zwischen den beiden Quartieren. Dort liefern sie sich eine Schlacht um das Gebiet mit Wasserpistolen und faulem Obst. Eine ungewöhnliche Darbietung an der früheren Grenze zwischen Ost und West.

Poesie oder Bedrohung? Ein Akt der Kapitulation oder Kunst? Diese Fragen stellte sich New York City im Sommer 2014. Wie kann ein Ereignis auf so viele unterschiedliche Weisen interpretiert werden? Mittels Presseberichten erlaubt es «Symbolic Threats» der Öffentlichkeit, ihre disparaten Interpretationen auszudrücken.

Every summer since 1998, people from Friedrichshain and Kreuzberg have been meeting at the Oberbaum Bridge, which connect the two districts, to wage a war with water pistols, rotten fruit, and other smelly ammunition in an effort to win the territory. An unusual spectacle on the former border between the east and the west.

Poetry or threat? An act of surrender or perhaps art? These were the questions that New York City puzzled over in the summer of 2014. How can one incident be interpreted in so many ways? By means of press reports, «Symbolic Threats» allows the public to express their disparate interpretations.


Schweizer Filmschulentag Swiss Film School Day Mit freundlicher UnterstĂźtzung von / with the kind support of

3–8 November 2020 Online

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Schweizer Filmschulentag Die Filmschulen leisten einen zentralen Beitrag zur Förderung des Filmnachwuchses und sind wichtige Kurzfilmproduzenten. Der jährliche Schweizer Filmschulentag der Kurzfilmtage präsentiert die fünf führenden BachelorLehrgänge der Schweiz. Die Jury des Schweizer Wettbewerbs gibt den Studierenden Feedback und vergibt den Preis für den besten Schweizer Schulfilm in der Höhe von CHF 5000.– (gestiftet von der SRG SSR) im Rahmen der Preisverleihung am Sonntagabend. Die diesjährige Online-Ausgabe des Filmschulentags erstreckt sich über die gesamte Festivalwoche. Hochschule Luzern – Design & Kunst, Video Mit Dokumentarfilm und Video-Essay hat sich die Studienrichtung Video an der Hochschule Luzern zwei Gattungen verschrieben, die ein breites Gestaltungsfeld eröffnen. Die Studierenden zeigen Mut zum Experiment und begeben sich auf die Suche nach der eigenen Filmsprache. Die Kurzfilme setzen sich kreativ mit gesellschaftlichen Themen auseinander und zeichnen sich dadurch aus, dass die hinter den Werken stehenden AutorInnen spürbar sind. Das Studium bietet die Chance, sich und die Welt neu zu entdecken und persönliche Visionen, Fähigkeiten und Haltungen zu entwickeln. Die individuelle Suche nach der eigenen Handschrift wird dabei grossgeschrieben, basierend auf der Überzeugung, dass sich künstlerische Prozesse nicht normieren lassen. Was interessiert, ist der subjektive Blick jeder Person und jeder Generation. hslu.ch/video Hochschule Luzern – Design & Kunst, Animation In der Bachelor-Ausbildung Animation an der Hochschule Luzern lernen die Studierenden das Geschichtenerzählen in kurzen animierten Formaten. Sie entwickeln eine individuelle Filmsprache und haben die Möglichkeit, sich in Zeichentrick, Computeranimation, Stop-Motion sowie Mischformen zu vertiefen. Das dreijährige Studium schliessen sie mit einem Film in Einzel- oder Gruppenarbeit ab. hslu.ch/animation

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École cantonale d’art de Lausanne (ECAL) Die von Yves Yersin gegründete Filmabteilung der École cantonale d’art de Lausanne (ECAL) bildet seit 1989 RegisseurInnen aus und wird seit 2002 von Lionel Baier geleitet. Während der dreijährigen Bachelor-Ausbildung haben die Studierenden Gelegenheit, Workshops mit Filmschaffenden wie etwa Ursula Meier, Noémie Lvovsky oder Jean-Stéphane Bron zu besuchen. Dabei werden sie ermutigt, in kurzen Dokumentar-, Spiel- oder Experimentalfilmen ihr eigenes visuelles Universum zu entwickeln. ecal.ch Haute école d’art et de design (HEAD), Genf Das dreijährige Bachelor-Studium bietet eine Reihe von Einführungen, Entdeckungen und Begegnungen. Die Studierenden realisieren verschiedene Filme, vom nur wenige Minuten langen Kurzfilm bis hin zu anspruchsvollen Produktionen, die die Erwartungen internationaler Vertriebe erfüllen. Die praktische Arbeit steht im Dialog mit theoretischen Kursen in Filmgeschichte und -ästhetik. Das Filmstudium will ein breites Feld der Dokumentar- und Spielfilmgeschichte abstecken und zu Wechselspielen und Mischformen zwischen den zwei traditionellen Gattungen ermutigen. Wir begreifen Film/Kino als kreative Praxis, die auf persönlicher Erfahrung beruht und die Welt beobachtet und hinterfragt, um imaginäre aber dennoch wahre Geschichten zu erzählen. hesge.ch/head/ Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) Das Filmstudium an der ZHdK fokussiert auf praktisches Lernen. Der Bachelor of Arts und der Master of Arts in Film bilden zusammen einen aufeinander aufbauenden Ausbildungsgang. In der dreijährigen Grundausbildung zum BA in Film lernen Studierende von A bis Z, wie Filme gemacht werden. Zudem holen sie sich in den zentralen filmischen Fachgebieten Drehbuch, Editing, Kamera, Producing und Sound Design das nötige Know-how, um nach Abschluss des Studiums in die Berufswelt zu starten. film.zhdk.ch / filmstudieren.ch

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Swiss Film School Day The Swiss film schools make an important contribution to fostering young filmmaking talent, and they are significant producers of short films. Kurzfilmtage’s annual Swiss Film School Day is a showcase of Switzerland’s five major undergraduate degree programmes, who present a selection of their recent short films. The jury of the Swiss Competition provides feedback to the students and awards a prize of CHF 5000.– to the best Swiss school film (donated by SRG SSR). The winner will be announced during the award ceremony on Sunday. This year’s online edition of the Swiss Film School Day is spread out over the festival week. Lucerne School of Art and Design – Video With a focus on documentary film and video essay, the Video degree course at the Lucerne School of Art and Design is dedicated to two genres offering a wide stylistic range. Students are encouraged to be bold in their experiments and to find their own audiovisual language. The short films creatively address social issues, and the works are characterized by their authors’ individual voices. The programme offers the opportunity to rediscover the world and to develop personal visions, skills, and attitudes. Each individual student’s search for their signature style is a central concern, stemming from the belief that artistic processes cannot be standardized. Instead, what is of interest is each person’s and each generation’s subjective perspective. hslu.ch/video Lucerne School of Art and Design – Animation In the BA in Animation programme at the Lucerne School of Art and Design, students learn to tell stories in short animated formats. They develop their individual cinematic language, and they have the option of specializing in classical animation, computer animation, stop-motion, or hybrid forms. They complete the three-year course with a film produced individually or in groups. hslu.ch/animation

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Lausanne University of Art and Design (ECAL) The film department at ECAL, which was founded by Yves Yersin, has been training filmmakers since 1989. Lionel Baier has been head of the programme since 2002. The three-year BA course offers students the opportunity to participate in workshops with filmmakers such as Ursula Meier, Noémie Lvovsky, or Jean-Stéphane Bron. The programme encourages students to develop their own visual universe in short documentaries, fictional shorts, and experimental films. ecal.ch Geneva University of Art and Design (HEAD) The three-year BA in Cinema course offers a series of introductions, discoveries, and encounters. Students produce a number of films, ranging from shorts lasting just a few minutes to demanding productions that meet international distributors’ expectations. The practical workshops are developed in dialogue with theoretical classes on the history and aesthetics of cinema. The Cinema Department aims to stake out the complex field of documentary and fiction film history in order to encourage interplay and crossovers between these two traditional genres. Our understanding of cinema is that of a creative practice derived from personal experience, aiming to observe and question the world and to tell stories that are imaginary yet true. hesge.ch/head/ Zurich University of the Arts (ZHdK) The film programmes at ZHdK focus on practical training. The school’s BA and MA in Film are closely linked, forming a consecutive programme. The three-year BA course provides comprehensive training in all key areas of filmmaking. Offering fundamental know-how in screenwriting, editing, photography, production, and sound design, the programme enables graduates to embark on professional careers in filmmaking. film.zhdk.ch / filmstudieren.ch

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D’Gschicht vom grüene Megamall Chääs / The Tale of the Switzerland 2020, 4'20", digital file, colour, no dialogue, Ani Green Cheese Switzerland 2020, 4'30", digital file, colour, no dialogue, Ani Director/Script/Editor: Noah Erni Animation: Paul Pavithra/Anahi Rodriguez/Noah Erni Production: Hochschule Luzern HSLU - Design & Kunst, design-kunst@hslu.ch, +41 412486464 Distribution: Chantal Molleur, chantal.molleur@hslu.ch

Ein Bauer lebt ein idyllisches Leben, bis eines Nachts eine Ziege ein Kind gebärt, das weniger wie eine Ziege und mehr wie der Bauer aussieht. Um die Spuren seiner Tat zu verwischen, verarbeitet der Bauer sein Kind zu einem grünen Käse. A farmer leads an idyllic life in the Swiss Alps, until one of his goats gives birth to a kid that looks more like the farmer than like a goat. To hide the traces of this bestiality, he makes cheese out of his newborn child. Noah Erni was born in Lucerne. After receiving a BA in sociology and philosophy he went to study animation at the Lucerne School of Art and Design, graduating in 2020. He now lives and works in Zurich, where he runs an animation studio, Studio uuuh!, with Marion Täschler.

Director/Script: Aline Schoch Animation: Aline Schoch/Valerie Scheidegger/ Natasha Carolus/Paul Pavithra/ Andrea Giovanni Sidoti Editor: Aline Schoch/Isai Oswald/Dominik Gehrig Production: Hochschule Luzern HSLU - Design & Kunst, design-kunst@hslu.ch, +41 412486464 Distribution: Chantal Molleur, chantal.molleur@hslu.ch

In einer Welt aus Rolltreppen gehen Figuren im vorgegebenen Rhythmus ihrer Konsumlust nach. Eine der Figuren wird am Ende einer Rolltreppe eingesogen und findet sich in einem ruhigen, schwerelosen Raum wieder, wo sie sich zu den spielenden Figuren gesellt. Währenddessen gerät die Rolltreppenwelt durch das verrückte Treiben eines Hundes durcheinander. Als der Hund ebenso von einer Rolltreppe eingesogen wird, beginnt ein Kräftemessen der beiden Welten. In a world made of escalators, characters pursue their consumer desires to a predetermined rhythm. One of them is sucked in at the end of an escalator and taken to a quiet, weightless room, where she joins the playing figures. Meanwhile, the escalator world is turned upside down by a crazy dog. When the dog is also sucked in by an escalator, a showdown between the two worlds ensues. Aline Schoch received her BA in animation from the Lucerne School of Art and Design in 2020. She co-founded the VJ collective Teichprojektion with Louis Möhrle in 2018 and joined the sound design collective Noisy Neighbours in 2020. She now works as a freelance animator and sound designer.

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Alleswasichberühre Switzerland 2020, 5'04", digital file, colour, German, Ani Director/Script/Editor: Marion Täschler Animation: Marion Täschler/Luisa Zürcher Sound: Loïc Kreyden Production: Hochschule Luzern HSLU - Design & Kunst, design-kunst@hslu.ch, +41 412486464 Distribution: Chantal Molleur, chantal.molleur@hslu.ch

Auf der Suche nach Nähe erlebt C. Emotionen mit all ihren Höhen und Tiefen. Auch wenn nach einer vertrauten Phase des Zusammenseins die Ablehnung und damit die trostlose Einsamkeit folgt, gibt C. nicht auf. Es gibt immer neue Wege, um die gewünschte Nähe und Zärtlichkeit zu finden. Und zu verlieren. In search of closeness, C. experiences all the ups and downs of emotions. Even if a phase of being together is followed by rejection and desolate loneliness, C. doesn’t give up. There are always new ways to find the desired closeness and tenderness. And to lose it. Marion Täschler (*1988) initially trained as a decorator. She has been a freelance artist and illustrator since 2013, and she received her BA in animation from the Lucerne School of Art and Design in 2020.

HSLU Animation


sträubend / bristling

Milch Lait Latte

Kreismühle / Ant Mill

Switzerland 2020, 8'01", digital file, colour, Swiss German, Doc

Switzerland 2020, 8'07", digital file, colour, no dialogue, Doc

Switzerland 2020, 9'27", digital file, colour, German/English with German subtitles, Doc/Exp

Director/Script/Editor: Marlen Schmid Photography: Sara Furrer Sound: Fabian Lütolf Production: Hochschule Luzern HSLU - Design & Kunst, design-kunst@hslu.ch, +41 412486464 Distribution: Edith Flückiger, edith.flueckiger@hslu.ch, hslu.ch/video

Director/Editor: Sara Furrer Photography: Fabian Lütolf Sound: Marlen Schmid Production: Hochschule Luzern HSLU - Design & Kunst, design-kunst@hslu.ch, +41 412486464 Distribution: Edith Flückiger, edith.flueckiger@hslu.ch, hslu.ch/video

Körperhaare sind allgegenwärtig und trotzdem wird oft so getan, als ob sie nicht existieren würden. «sträubend» thematisiert das Tabu und porträtiert spielerisch fünf Personen und ihren Umgang mit Körperhaaren.

Der Ruf der Schweizer Kuhmilch ist gut. Die Schweiz verbindet eine lange Tradition mit Milch und identifiziert sich nahezu mit ihr. Doch was bedeutet es eigentlich, Kuhmilch zu konsumieren? Der Dokumentarfilm «Milch Lait Latte» beobachtet, wie die wirtschaftliche Nutzung von Kühen heute aussieht und wie sie sich zwischen Natürlichkeit und Absurditäten bewegt.

Director/Script: Jules Gisler Photography: Daniel Bleuer/Jules Gisler Editor: Eleonora Camizzi Sound: Kathleen Moser Producer: Edith Flückiger Production: Hochschule Luzern HSLU - Design & Kunst, design-kunst@hslu.ch, +41 412486464 Distribution: Edith Flückiger, edith.flueckiger@hslu.ch, hslu.ch/video

Body hair is ubiquitous and yet people often pretend it doesn’t exist. «bristling» addresses this taboo, playfully portraying five people and the ways in which they deal with their body hair. Marlen Schmid (*1997 in Bern) has worked on various film productions since 2016. She began her BA in video at the Lucerne School of Art and Design in 2018.

Swiss milk enjoys a great reputation, and Switzerland has a long tradition of producing cow’s milk. But what does it actually mean to consume milk? This documentary observes today’s economic use of cows and how it oscillates between the natural and the absurd. Sara Furrer initially trained as a photographer and spent several years working in advertising, before starting her video degree at the Lucerne School of Art and Design. «Milch Lait Latte» is her first short film.

Während einer Zugfahrt im Schnee flackern globale Medienereignisse auf. Ein Spannungsfeld zwischen innerer Zerrissenheit und der Sehnsucht nach einer gerechteren Welt öffnet sich. Ein Dokument eines jungen Erwachsenen mit dem Willen nach einer lebenswerten Zukunft. During a train ride in the snow, global media events flare up. A field of tension between inner conflict and the desire for a more just world opens up. A document by a young adult with the will for a future worth living. Jules Gisler (*1994 in Lucerne) studied video at the Lucerne School of Art and Design. His works include a variety of short films as well as film installations and performances.

HSLU Video

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MNESIS Switzerland 2020, 7'26", digital file, colour, Swiss German, Fic Director/Script: Alan Sahin Photography: Nino Michel Editor: Marvin Meckes Sound: Jan Gubser Cast: Doris Schefer/Benjamin Lutzke Production/Distribution: Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), moritz.schneider@zhdk.ch, zhdk.ch

Ein junger Raser wird wegen eines tödlichen Autounfalls von der Polizei im Spital erwartet. Er versucht verzweifelt seine Schuld zu verdrängen. Doch die Realität zwingt sich mit aller Gewalt zurück in sein Bewusstsein. Benjamin flees reality to deny his guilt in a car accident. Alan Sahin studies film at the Zurich University of the Arts (ZHdK). As a director, he likes to tell fictional stories as well as making documentaries. His first short, «Bon Appétit», was shown at festivals nationally and internationally.

Die traurige Ballade der Isabell K. / The Sad Ballad of Isabell K.

Bićemo najbolji*

Switzerland 2020, 20'27", digital file, colour, German, Fic

Director/Script/Editor: Jelena Vujovic Photography: Noah Frey Sound: Camille Bonard Cast: Petar Ðurd-ević/Aleksandra Jovanović Production/Distribution: Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), moritz.schneider@zhdk.ch, zhdk.ch

Director/Script: Carlo Beer Photography: Simon Denzler Editor: Hubert Schmelzer Sound: Annik Faivre/Barnaby Hall Cast: Thomas Douglas/Friederike Wagner Production/Distribution: Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), moritz.schneider@zhdk.ch, zhdk.ch

Isabell kommt nicht über den Tod ihres Hundes hinweg. In ihrer Verzweiflung beschliesst sie, dass auch sonst niemand einen Hund haben soll: Nachts verteilt sie vergiftete Würstchen im nahegelegenen Hundepark. Isabell can’t get over her dog’s death. Unable to overcome her grief and surrounded by happy dog owners, she decides that no one else should have a dog either: Over the course of a few nights, she scatters poisoned sausages in a nearby park.

Switzerland 2020, 19'50", digital file, colour, Albanian/Swiss German/Serbian/German with German subtitles, Fic

Eine Liebesgeschichte zwischen einem serbischen Mädchen und einem albanischen Jungen, die im Kosovo-Krieg 1998 spielt. A love story between a Serbian girl and an Albanian boy during the Kosovo War in 1998. Jelena Vujovic (*1992) worked as an assistant to producer Anne Walser at C-Films from 2013 to 2015. She has been studying film at the Zurich University of the Arts (ZHdK) since 2015 and spent a semester at the Faculty of Dramatic Arts in Belgrade, Serbia, in 2019.

Carlo Beer (*1985 in Sedrun, Switzerland) initially trained as a chef and lived in Los Angeles for five years. He graduated from the Zurich University of the Arts (ZHdK) in 2020. Carlo also writes short stories for Radio RTR, a Romansh-language radio station, and has worked as programme coordinator for Saas-Fee Filmfest since 2019.

*«Bićemo najbolji» ist nicht online zu sehen, ist aber Teil des Wettbewerbs um den Preis für den besten Schweizer Schulfilm. / «Bićemo najbolji» is not available for online viewing, but the film is in competition for the Award for the Best Swiss School Film.

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ZHdK


L’ultima / The Last One

Bliss

Code of Conduct

Switzerland 2019, 15'32", digital file, colour, Italian with German subtitles, Doc

Switzerland 2020, 16'57", digital file, colour, French with German subtitles, Fic

Japan/Switzerland 2019, 8'12", colour, no dialogue, Fic

Director/Script/Photography/Editor: Nikita Merlini Production: ECAL - Ecole cantonale d'art de Lausanne Distribution: Jean-Guillaume Sonnier, jean_guillaume.sonnier@ecal.ch, +41 213169233

Director/Script/Editor: Avril Lehmann Photography: Thibault Villard Sound: Yan Ciszewski/Samuel Gerard/ Marion Reymond Cast: Vanille Lehmann/Yohann Closuit/ Etienne Tripoz Production: ECAL - Ecole cantonale d'art de Lausanne Distribution: Jean-Guillaume Sonnier, jean_guillaume.sonnier@ecal.ch, +41 213169233

Director/Script: Nora Longatti/Olivia Frey Photography: Rodrigo Muñoz/Nora Longatti Editor/Sound: Olivia Frey Cast: Muzumi Suzuki/Naoto Mitta/Yuko Nexus Production: ECAL - Ecole cantonale d'art de Lausanne Distribution: Jean-Guillaume Sonnier, jean_guillaume.sonnier@ecal.ch, +41 213169233

Elena ist die letzte. Nach der Abreise ihres Bruders aus dem Tessin bleibt sie allein mit ihrer Mutter in ihrem grossen Haus am See. Für sie ist es noch nicht Zeit zu gehen, aber sie stellt sich bereits nostalgisch vor, was sie aufgeben wird, getrieben von ihrem Wunsch nach Entdeckung. Elena is the last one. Following her brother’s departure from Ticino, she remains alone with her mother in their large lakeside house. For her, it is not yet time to go, but she already imagines with nostalgia what she will foresake, carried away by her desire for discovery. Nikita Merlini (*1992 in Locarno) received his BA in English literature and film studies from the University of Zurich in 2016. He has been studying film at ECAL since 2017.

Lola hält ihren Job in der Bowlingbahn nicht mehr aus. André versucht sich als Uber-Fahrer mit dem Auto seines Vaters, und Dino prostituiert sich in einem Hotelzimmer, um ein bisschen Geld zu verdienen. Drei Geschichten von drei Fremden in einer orgiastischen Welt – bis sie sich eines Novemberabends begegnen und sich alles ändert ... Lola works in a bowling alley and can’t bare her job anymore. André uses his dad’s car to drive for Uber, and Dino prostitutes himself in a hotel room to make a little money. Three stories about three strangers who live in an orgiastic world, until one November night, when their encounter changes everything ...

Du sitzt am Schreibtisch. Die Bürogeräusche verklingen, während du die Augen schliesst und ein kribbelndes Gefühl die Wirbelsäule hochklettert. You’re sitting at your desk; the office sounds are fading away as you close your eyes and an awkwardly prickling sensation starts curling up your spine. Nora Longatti (*1989 in Bienne, Switzerland) currently lives in Zurich and Lausanne. She received her BA in fine arts and photography from the Zurich University of the Arts in 2015 and has been studying cinema at ECAL since 2018. After finishing school, Olivia Frey (*1991 in Zurich) moved to Berlin, where she worked in theatre, among other things. Later, she studied art at Bauhaus-Universität Weimar and film at LUCA School of Arts in Brussels.

Avril Lehman was born in Morges, Switzerland, in 1997. She has been studying film at ECAL since 2017.

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ECAL


The De Facto Martyr Suite Switzerland 2020, 18'14", digital file, colour/black & white, English/French with German subtitles, Doc Director/Script: Justine de Gasquet Production/Distribution: HEAD - Cinéma / cinéma du réel, cinema.head@hesge.ch, https://head.hesge.ch/cinema/

Die Geschichte eines afroamerikanischen Gefangenen, der über sein Schicksal als De-facto-Märtyrer nachdenkt. Er ist seit 1974 im Gefängnis – verhaftet für das Überspringen eines Drehkreuzes am Bahnhof und den Mordversuch an einem Polizisten. The story of an African American prisoner thinking about his destiny as a de facto martyr. He has been in prison since 1974, after being arrested for jumping the train turnstile and for attempted murder of a police officer. Justine de Gasquet was born in Paris and studies film at the Geneva University of Art and Design (HEAD).

HEAD 240

À l’ancienne

Supreme*

Switzerland 2020, 19'47", digital file, colour, French with German subtitles, Fic

Switzerland 2020, 20'28", digital file, colour, French with German subtitles, Fic

Director: Yasmine Bahechar Photography: Guillaume Epars Editor: Lucia Martinez Garcia Sound: Remi Fassin Cast: Mwauka Mukendi/Tania R./Caroline Genoud/ Aisla Candelaria Production/Distribution: HEAD Genève – Département Cinéma, cinema.head@hesge.ch, +41 223885860, hesge.ch/head/

Director/Script: Youssef Youssef Photography: Augustin Losserand Editor: Ianjasse Matabele Sound: Bruce Wuilloud Cast: Nina Lebrun/Edouard Cabrera/Hugo Marinoni Producer: Yan Decoppet/Gabriela Bussmann Production: HEAD Genève – Département Cinéma, cinema.head@hesge.ch, +41 223885860, GoldenEggProduction, yd@goldeneggproduction.ch, +41 223437726 Distribution: HEAD Genève – Département Cinéma, cinema.head@hesge.ch, +41 223885860, hesge.ch/head/

Eine Freundschaft zwischen einer Gruppe von Mädchen in Genf, zwischen der Rhone und der Arve, genau da, wo sich die beiden Flüsse treffen und zu einem homogenen Fluss mischen. Das nennen wir einen Knotenpunkt. Eine Abreise kann die Dinge durcheinanderbringen. Die einen gehen, die andern bleiben. Wer weggeht, lässt Erinnerungen zurück. Wer Leute weggehen sieht, behält die Erinnerungen. In Geneva, a friendship between a bunch of girls has been forged between the Rhône and the Arve, right where the two rivers meet and mix homogeneously. That’s what we call a junction. A departure can turn things upside down. There are those who leave and those who stay. Those who leave, leave behind memories. Those who see people leaving, keep the memories in spite of themselves. Yasmine Bahechar was born in Geneva in 1995 to Moroccan parents. She graduated from high school with a focus on economics, law, and visual arts. Her various experiences and encounters during a year off from school kindled an interest in giving certain people a voice and visibility, which explains Yasmine’s attraction to the cinema of the real.

In ihrer Euphorie am Ende einer Show wollen sieben Dragqueens das Hochgefühl in einer Afterparty weiterleben lassen. Doch ein Missverständnis bringt die kleine Welt durcheinander. Anziehung, Ablehnung und Provokationen stellen die Gemeinschaft auf die Probe. In the euphoria of the end of one of their shows, seven drag queens seek to extend their exhilaration and pleasure in an afterparty. A misunderstanding plunges this little world into confusion and anxiety about the end of the night. Attractions, rejections, and provocations test the bonds of seduction and mistrust in a community that has been subjected to numerous humiliations. Youssef Youssef spent his youth between Cairo and Geneva. He studied socioeconomics at the University of Geneva and fashion at Central Saint Martins in London, where he lived and worked for three years, before starting a BA in filmmaking at HEAD. In his films, he likes to tackle the themes of sexuality, gender, and identity.

*«Supreme» ist nicht online zu sehen, ist aber Teil des Wettbewerbs um den Preis für den besten Schweizer Schulfilm. / «Supreme» is not available for online viewing, but the film is in competition for the Award for the Best Swiss School Film.


Industry Lab Ein Angebot von / organized by

In Zusammenarbeit mit / in collaboration with

Mit freundlicher UnterstĂźtzung von / with the kind support of

3–8 November 2020 Online

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Industry Lab 2020

Programm

3.–8. November Online verfügbar bis 15. November

Dienstag, 3. November

Donnerstag, 5. November

10:00 Keynote Talk: Dieter Kosslick Als Referent des diesjährigen Keynote Talks konnten wir Dieter Kosslick gewinnen. Während seiner Zeit als Direktor der Internationalen Filmfestspiele Berlin hat sich Kosslick für eine grüne Festivalproduktion und generell für Nachhaltigkeit eingesetzt. Von ihm stammt der inzwischen berühmte grüne Teppich an der Berlinale – hergestellt aus 1,6 Tonnen Meeresmüll – und mit dem Kulinarischen Kino hat er ein Programm geschaffen, das als Sprachrohr für Nachhaltigkeit gilt. Kosslick wird im Gespräch mit Florian Weghorn (Programmleiter Berlinale Talents) seine Ansichten zum Thema Nachhaltigkeit erläutern und damit das diesjährige digitale Industry Lab eröffnen.

09:00–13:45 Short Pitching / Pitching Training Die Kurzfilmtage laden Schweizer Filmschaffende aus den Bereichen Spielfilm, Dokumentarfilm und Animation ein, ihre Kurzfilmidee vor Schweizer ProduzentInnen zu pitchen und erste Kontakte mit möglichen (Co-)ProduktionspartnerInnen zu knüpfen. Nur auf Einladung.

Dass die Filmbranche umweltfreundlicher werden kann, steht ausser Frage. Wir wollen jetzt die Chance nutzen, umzudenken und unsere Kräfte zu vereinen, um die von uns verursachten Umweltschäden zu reduzieren. Die Kurzfilmtage widmen sich in unterschiedlichen Formaten diesem Thema. Filmfestivals, Produktionsfirmen und Filmschaffende werden im Rahmen des Industry Lab Lösungen diskutieren und lernen, konkrete Massnahmen umzusetzen. Alle Veranstaltungen des Industry Lab finden auf Englisch statt. Anmeldung Um sich für die Veranstaltungen des Industry Lab anzumelden, beantragen Sie bitte eine kostenlose Akkreditierung. Dies ist ab dem 14. Oktober möglich. Mehr Informationen unter kurzfilmtage.ch/DE/Festival/Industry

Referent: Dieter Kosslick (ehem. Direktor Internationale Filmfestspiele Berlin) Moderation: Florian Weghorn (Programmleiter Berlinale Talents)

The Future of Shorts Als Grossveranstaltungen sind (Film-) Festivals, gerade wenn sie international tätig sind, sehr ressourcenintensiv. Nachhaltiger und ökologischer agieren ist das Gebot der Stunde. Wie könnte eine grünere Zukunft für Filmfestivals aussehen? Welche Verantwortung gegenüber unseren BesucherInnen und PartnerInnen wollen und können wir übernehmen, und wo möchten und können wir letztere auch proaktiv einbinden, um die Verantwortung zu teilen? Welche Organisationen und Festivals sind in diesem Bereich schon aktiv und haben Konzepte umgesetzt oder zumindest angedacht? 14:30–15:00 The Future of Shorts I: Wie machen es die Musikfestivals? Musikfestivals sind ein Ort der Begegnung, der Euphorie und des Mülls. Bands sind wochenlang im Bus auf Tour, Gäste werden eingeflogen und verlangen besonderes Catering. Die Gäste brauchen bruchsichere Bierbecher und die Technik Unmengen an Energie. Von den SponsorInnen gibt es Merchandise. Das kann nicht die Zukunft sein. Die Kultur muss klimafreundlicher werden. ExpertInnen erzählen über Nachhaltigkeitskonzepte, Kommunikation ohne «Greenwashing», von Erfolgen, vom Scheitern und von Ideen für eine klimafreundliche Entwicklung der Schweizer Kulturbranche als Ganzes.

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Freitag, 6. November

ReferentInnen: Laura Bösiger (ehemals Winterthurer Musikfestwochen), Moritz Meier (One of a Million Festival) 16:00–17:00 Grünere Filmdrehs (und Chancen durch Corona) Nicht jeder Film kann direkt 100% grün produziert werden, aber es gibt Schritte, die jede/r Filmschaffende am Set umsetzen kann. Genau um solche «Quick Wins» dreht sich dieses Panel. Zudem wird eine positive Corona-Bilanz gezogen: Natürlich haben Wegwerfmasken, Einwegflaschen und Handschuhe nicht zu einer besseren Ökobilanz beigetragen, aber die Not hat auch langfristige Lösungen möglich gemacht, die sonst nicht so schnell durchzusetzen gewesen wären. Hier werden auch für den Kurzfilm umsetzbare Möglichkeiten vermittelt. Der Workshop zieht ausserdem Zwischenbilanzen, sodass die Teilnehmenden konkrete Massnahmen mitnehmen können. Moderation: Pro Short ReferentInnen: Emellie O’Brien (Earthangel), Jessica Hefti (Zodiac Pictures), Michael Imboden

11:00–12:00 Schweizer Brancheninformation: Fördermassnahmen für nachhaltigere Filmproduktionen Heutzutage werden zunehmend Vorgaben für sogenanntes grünes Drehen entwickelt. In Schleswig-Holstein beispielsweise sind Fördergelder für Filmprojekte an Umweltstandards beim Dreh gekoppelt. Wir werfen einen Blick auf die Schweizer Filmförderung: Welche Schritte wurden bereits umgesetzt und welche weiteren sind geplant? Welche Vorgaben gibt es von Schweizer Förderstellen? Bieten sie Beratungen zu nachhaltiger Filmproduktion an? Wird es ein einheitliches Konzept geben oder gibt es Punkte, die den einzelnen Institutionen besonders am Herzen liegen? Das Panel diskutiert Ziele und regt mögliche Massnahmen an. Aus technischen Gründen wird die Veranstaltung einmalig auf Englisch statt in Schweizer Landessprachen durchgeführt. Moderation: Lucie Bader (Cinébulletin) ReferentInnen: Christiane Dopp (Grüner Drehpass, Schleswig-Holstein), Urs Fitze (SRF), Susa Katz (Zürcher Filmstiftung), Patrizia Pesko (Cinéforom) 12:30–13:30 Market Meetings Die Kurzfilmbranche lebt vom Netzwerken – wir ermöglichen das auch in digitaler Form. Die Market Meetings dienen dazu, erste Kontakte zwischen Filmschaffenden, Förderinstitutionen und Filmfestivals zu knüpfen. In kurzen Sessions können Festivals neu kennengelernt, Projekte gepitcht oder alte Kontakte aufgefrischt werden.

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14:00–15:15 Think Tank: Wie kann Filmpromotion nachhaltig grün werden? Filmschaffende und Industry-Delegierte reisen mit ihren Filmen rund um den Globus. Die persönliche Präsenz an internationalen Festivals ist sowohl für die Promotion als auch für die Netzwerkpflege unerlässlich. Die diesjährige Erfahrung mit Online-Festivals hat gezeigt, wie wichtig der persönliche Austausch vor Ort immer noch ist, doch die vielen reisenden BranchenvertreterInnen tragen einen grossen Teil an die CO2-Emissionen bei. Wie können Filminstitutionen und Promotionsmassnahmen grüner und nachhaltiger werden? Wie weit ist die Branche bereit, aufgrund des Klimawandels ihr Reiseverhalten anzupassen? Wie nachhaltig sind Online-Filmmärkte in Bezug auf ihren ökologischen Fussabdruck? Der Think Tank soll sich in einer offenen Runde kritisch mit diesen Fragen innerhalb der Filmbranche austauschen und neue Vorschläge für Richtlinien diskutieren. Alle Interessierten werden gebeten, die vorweg zugeschickten Unterlagen zum Thema zu studieren (ca. 1 Stunde) und vorbereitet an der Diskussion teilzunehmen. Moderation: Sylvain Vaucher (Consultant Short Films, SWISS FILMS) ReferentInnen: VertreterInnen von europäischen Film- und Förderinstituten, von NGOs und Pro Short sowie RegisseurInnen sind als ExpertInnen präsent.


16:00–16:30 The Future of Shorts II: Was kostet mich der Umstieg und wo zahlt er sich aus? Der Umstieg auf ein grüneres Festival ist mit vielen Investitionen und langfristiger Planung verbunden. Insbesondere in der Kurzfilmbranche müssen dafür erst Kapazitäten gefunden werden. Doch dies zahlt sich langfristig aus. Sven Schwarz, organisatorischer Leiter des Kurzfilm Festivals Hamburg, teilt Einblicke in die Umbudgetierung und spricht über Herausforderungen und Einsparungen sowie die Wirkungskette einer Umstellung auf ein nachhaltigeres Festival. Referent: Sven Schwarz (Kurzfilm Festival Hamburg)

Samstag, 7. November

Sonntag, 8. November

13:00–13:30 The Future of Shorts III: Der Weg zum grüneren Festival Wo ein Wille ist, ist auch ein Weg. Zumindest theoretisch. Denn der Weg zu einem grünen Festival kann mit vielen Auflagen verbunden sein. Manche der bestehenden Zertifikate wirken heute trotz des gewachsenen Umweltbewusstseins veraltet, andere richten sich vor allem an wirtschaftliche Betriebe oder einmalige Abendveranstaltungen. Deswegen gibt es in Österreich aktuell Bemühungen, die Auflagen für Filmfestivals entsprechend zu adaptieren. Für Vienna Shorts wäre 2020 das erste Jahr mit grüner Strategie gewesen. Festival-Co-Direktor Daniel Ebner spricht hier über Ziele, Zwischenerfolge und Herausforderungen.

Environmental Activism Aufgrund der kürzeren und billigeren Produktionsprozesse ist der Kurzfilm schon seit langer Zeit eine wichtige Heimat für den politischen Film, weil er reflexartig auf historische Ereignisse und Trends reagieren kann. Dies gilt auch für die Umwelt als Thema innerhalb des politisch engagierten Films. Besonders die dokumentarische Form scheint geeignet für eine Auseinandersetzung mit ökologischen Fragen.

Referent: Daniel Ebner (Vienna Shorts)

13:00–13:30 Environmental Activism I: Nick Jordan Wie nähert man sich aus künstlerischer Sicht dem Thema Umweltschutz? Filmemacher und Künstler Nick Jordan wählt für seinen Film «The Atom Station» einen poetischen und gleichzeitig engagierten Zugang. Die Aufnahmen sind gleichermassen von Poetik und von den Aussagen eines Umweltaktivisten durchdrungen. In dieser Präsentation spricht Jordan über seine Themenfindung und wie er auf ökologische Missstände hinweist, ohne dabei seine eigene Bildsprache zu verlieren. Referent: Nick Jordan 17:00–17:30 Environmental Acitivism II: HD PERU Die Brüder Alvaro und Diego Sarmiento machen Filme, mit denen sie sich für den Erhalt ihrer Kultur und den Schutz ihrer Natur einsetzen. Ihr Film «Green River» feierte auf der 67. Berlinale Premiere. Ihr Projekt wurde 2020 zudem mit dem Berlinale Talents Footprints-Programm unterstützt. Im Gespräch miteinander gehen sie auf ihre Motivation und ihre Ziele ein, aber auch auf das, was sie bereits erreichen konnten. Referenten: Alvaro und Diego Sarmiento

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Industry Lab 2020

Programme

3–8 November Available online until 15 November

Tuesday, 3 November

Thursday, 5 November

10:00 Keynote Talk: Dieter Kosslick Dieter Kosslick will deliver this year’s keynote talk. During his tenure as director of the Berlin IFF, Kosslick advocated for a greener festival production and for sustainability in general. He introduced the now famous green carpet – made from 1.6 tons of ocean trash – and created the Culinary Cinema programme, which is considered a voice for sustainability. In conversation with Florian Weghorn (programme manager, Berlinale Talents), Kosslick will talk about his views on sustainability, opening this year’s digital edition of our Industry Lab.

09:00–13:45 Short Pitching / Pitching Training Kurzfilmtage invites Swiss filmmakers to pitch their ideas for a short film (fiction, documentary, or animation) to Swiss producers and thus meet with potential (co)production partners. By invitation only.

There is no question that the film industry could be more eco-friendly. We would like to rethink our practices and join forces to reduce the environmental damage we cause. Film festivals, production companies, and filmmakers will discuss possible solutions and learn how to implement specific measures. All Industry Lab events will be held in English. Registration To register for the Industry Lab, participants must first request a free Industry Accreditation for the Digital Industry Hub. Registration opens on 14 October. For more information go to kurzfilmtage.ch/industry.

Speaker: Dieter Kosslick (former director, Berlin International Film Festival) Moderator: Florian Weghorn (programme manager, Berlinale Talents)

The Future of Shorts As large-scale events, (film) festivals require a lot of resources, especially if they operate internationally. Environmental sustainability is the need of the hour. What would a greener future for film festivals look like? What do we owe our visitors and partners, and how can we proactively involve them and share the responsibility? Which organizations and festivals are active in this field? What measures have they implemented or at least started to discuss? 14:30–15:00 The Future of Shorts I: What about Music Festivals? Music festivals offer encounters and euphoria – but they also cause immense amounts of trash. Bands spend weeks touring by bus, guests travel by plane and require special catering. Visitors need shatterproof beer cups, and the technical equipment requires a lot of energy. The sponsors distribute merchandise. We cannot go on like this – the cultural industry needs to become more sustainable! Experts talk about sustainability policies, communication strategies without greenwashing, successes and setbacks, and about their ideas for a climate-friendly future for the Swiss cultural industry as a whole. Speakers: Laura Bösiger (formerly Winterthurer Musikfestwochen), Moritz Meier (One of a Million Festival)

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Friday, 6 November 16:00–17:00 Green Filmmaking (and Opportunities through Covid) Not every film production can be 100% green, but there are steps that every filmmaker can take on set. This panel discusses these kinds of «quick wins». We also offer a positive summary of the Covid era: of course, disposable masks, single-use bottles, and gloves have not been beneficial in environmental terms, but the state of emergency has also enabled long-term solutions that would not have been implemented as quickly otherwise. The workshop will also address measures that are applicable to short films and discuss interim results to give participants specific ideas they can apply to their next project. Moderator: Pro Short Speakers: Emellie O’Brien (Earthangel), Jessica Hefti (Zodiac Pictures), Michael Imboden

11:00–12:00 Swiss Industry Information: Funding for Sustainability Increasingly, the film industry is developing guidelines for so-called green filming. In Schleswig-Holstein, for instance, funding for film projects is tied to environmental standards during shooting. In this session, we look at Swiss film funding: What steps have been implemented so far and which ones are planned? What are the terms of Swiss funding agencies? Do they offer consulting on sustainable film production? Will there be a uniform standard or are there issues that are important to specific institutions? The panel addresses goals and potential measures. For technical reasons, this year’s panel will be held in English instead of in a Swiss national language. Moderator: Lucie Bader (Cinébulletin) Speakers: Christiane Dopp (Grüner Drehpass, Schleswig-Holstein), Urs Fitze (SRF), Susa Katz (Zürcher Filmstiftung), Patrizia Pesko (Cinéforom) 12:30–13:30 Market Meetings Networking is key in the short film industry, so we offer digital networking opportunities this year. The Market Meetings provide a space for filmmakers, funding institutions, and festivals to meet, pitch their projects, or renew old contacts in short sessions. 14:00–15:15 Think Tank: How to Make Film Promotion Sustainably Green? Filmmakers and industry delegates travel around the globe with their films. Personal appearances at international festivals remain essential for promotion as well as for networking. This year’s experiences with online festivals have shown that personal exchange is still

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very important, but the numerous travelling industry representatives are also responsible for a substantial share of CO2 emissions. How can film institutions and promotional measures become greener and more sustainable? How willing is the industry to adapt its travel behaviour in light of climate change? And what is the ecological footprint of online film markets? The Think Tank offers an open platform for exchange within the film industry to discuss new ideas for guidelines. Everyone interested in participating is asked to prepare for the discussion by reading the materials sent out prior to the event (approx. 1 hour). Moderator: Sylvain Vaucher (Consultant Short Films, SWISS FILMS) Speakers: Representatives of European film and funding institutions, NGOs, Pro Short, and directors will be present as experts. 16:00–16:30 The Future of Shorts II: Crunching the Numbers for a Greener Festival The transition to a greener festival scene requires substantial investment and long-term planning. The short film industry, in particular, faces considerable challenges with regard to providing the needed capacities. But this investment will pay off in the long run. Sven Schwarz, managing director of the Hamburg Short Film Festival, shares his experiences with budgeting and talks about the challenges and successes as well as the chain of effects with regard to transitioning to a greener festival. Speaker: Sven Schwarz (Kurzfilm Festival Hamburg)


Saturday, 7 November

Sunday, 8 November

13:00–13:30 The Future of Shorts III: The Path to a Greener Festival Where there’s a will there’s a way. At least in theory. The path to a green festival comes with a lot of requirements. Many of the existing certifications are only granted in stages, others are already outdated, or designed for businesses or one-time events. Thus, a growing number of festivals in Austria are joining forces to adapt existing regulations. 2020 would have been the first year with a green strategy for Vienna Shorts. Festival co-director Daniel Ebner talks about goals, partial successes, and challenges.

Environmental Activism Due to shorter and cheaper production processes, the short film format has long been a popular choice for political filmmaking, because it can react quickly to historical events and trends. This also applies to environmental topics within politically committed filmmaking. Documentaries seem especially suited to addressing ecological issues.

Speaker: Daniel Ebner (Vienna Shorts)

13:00–13:30 Environmental Activism I: Nick Jordan How can we approach environmentalism artistically? Filmmaker and artist Nick Jordan has chosen a simultaneously poetic and activist approach for his film «The Atom Station». His images are informed by poetry as well as by the statements of an environmental activist. In this presentation, Jordan talks about finding his topic and about how to address ecological problems without sacrificing his unique visual language. Speaker: Nick Jordan 17:00–17:30 Environmental Acitivism II: HD PERU Brothers Alvaro and Diego Sarmiento make films that advocate for the preservation of their culture and nature. Their film «Green River» premiered at the 67th Berlin IFF. Their project was also supported by the Berlinale Talents Footprints programme in 2020. In their conversation, they will share their motivations and goals and talk about what they have achieved so far. Speakers: Alvaro und Diego Sarmiento

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Writers’ Room Ein Angebot von / organized by

In Zusammenarbeit mit / in collaboration with

Mit freundlicher UnterstĂźtzung von / with the kind support of

7/8 November 2020 Online

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Writers’ Room 2020

Programm

7./8. November Online verfügbar bis 15. November

Samstag, 7. November

Sonntag, 8. November

11:00–12:00 Inputreferat: Das richtige Dossier einreichen Die Einführungsveranstaltung für den diesjährigen Writers’ Room ist ein Inputreferat der georgisch-französischen Regisseurin Nino Kirtadze («Don’t Breathe»), Gewinnerin des Europäischen Filmpreises. Sie spricht darüber, wie sie Dossiers erfolgreich auf die jeweiligen Empfänger zuschneidet, denn nicht jede Institution hat die gleichen Kriterien und Vorstellungen. Zur Veranschaulichung wählt sie Beispiele aus ihrem eigenen Portfolio und steht für Fragen aus dem Publikum zur Verfügung.

11:00–12:00 Werkstattgespräch: Wie erzähle ich ihre Geschichten? Die ProtagonistInnen von Susanne Regina Meures («Raving Iran», «Saudi Runaway») sehen sich vor Entscheidungen gestellt, die ihr Leben für immer verändern werden – sie sind hin- und hergerissen zwischen der in alten Strukturen verankerten Heimat und hoffnungsvollen Versprechungen der Zukunft. Meures schafft es, das Vertrauen der Menschen zu gewinnen und einen unverstellten Blick auf ihre Erlebnisse zu bieten. Im Gespräch mit Sirkka Möller legt die Regisseurin dar, wie sich ein Dokumentarfilm durch das Zusammenspiel von verschiedenen AkteurInnen und unvorhersehbaren Faktoren entwickelt. Sie erklärt, wie sich die Erlebnisse der Figuren filmisch verdichten lassen und wie der Entstehungsprozess auch auf Teamebene abläuft.

Mit dem Writers’ Room bieten die Kurzfilmtage in Zusammenarbeit mit FOCAL eine Plattform zur Vernetzung von Schweizer und internationalen AutorInnen. Der Fokus des diesjährigen Writers’ Room liegt auf den Geheimnissen des dokumentarischen Erzählens. Von aussen betrachtet ist der Dokumentarfilm ein schwer greifbares Genre, das viel Zeit und Improvisation erfordert. Um dessen Rätsel zu entschlüsseln, bietet der Writers’ Room ein Forum für Gespräche mit AutorInnen und RegisseurInnen. Hier werden unterschiedliche Zugänge zur Realisierung dokumentarischer Erzählungen analysiert und diskutiert. Alle Veranstaltungen des Writers’ Room finden auf Englisch statt. Anmeldung Um sich für die Veranstaltungen des Writers’ Room anzumelden, beantragen Sie bitte ein kostenlose Akkreditierung. Dies ist ab dem 14. Oktober möglich. Mehr Informationen unter kurzfilmtage.ch/DE/Festival/Industry

Referentin: Nino Kirtadze 15:00–16:00 Werkstattgespräch: Vom Thema zur Geschichte Das Werkstattgespräch untersucht den Entwicklungsprozess eines Films vom Thema zu den ProtagonistInnen und zur Geschichte. Hier steht die Frage im Vordergrund, wie die ProtagonistInnen gefunden und wie ihre persönlichen Geschichten verdichtet werden. Jacqueline Zünd («Goodnight Nobody», «Almost There», «Where We Belong») spricht mit Edgar Hagen über diesen Schaffensprozess. Woher kommen ihre Themen und wie nähert sie sich ihnen an? Wie findet sie Zugang zur inneren Stimme ihrer ProtagonistInnen und wie setzt sie deren inneren Zustände in Bilder und Handlung um? Ein Prozess, der viel Einfühlungsvermögen und Zeit braucht. Referentin: Jacqueline Zünd Moderation: Edgar Hagen (FOCAL)

Referentin: Susanne Regina Meures Moderation: Sirkka Möller (Expertin für dokumentarische Projekte) 15:00–16:00 Werkstattgespräch: Welche Form ist die richtige für mein Projekt? Basil da Cunha feierte mit «O Fim do Mundo» grosse Erfolge an internationalen Festivals. Seine Figuren oszillieren zwischen Schauspiel und Realität: Er lässt lokale Laien in seinen Filmen spielen. Gegenstand ist ihre eigene Jugend in einem hoffnungslosen Slum von Lissabon, in dem da Cunha selbst jahrelang gelebt hat. Im Austausch mit Delphine Jeanneret geht er der Frage nach, in welchem Genre der Film sich verorten lässt – Spielfilm oder dokumentarische Arbeit. Referent: Basil da Cunha Moderation: Delphine Jeanneret (HEAD)

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Writers’ Room 2020

Programme

7/8 November Available online until 15 November

Saturday, 7 November

Sunday, 8 November

11:00–12:00 Presentation: Submitting the Best Dossier The introductory event for this year’s Writers’ Room is a presentation by Georgian-French director Nino Kirtadze («Don’t Breathe»), winner of the European Film Award. She will talk about how to successfully tailor dossiers to the respective recipients, since not all institutions apply the same criteria, nor do they have the same expectations. Kirtadze will use examples from her own portfolio as illustration and answer audience questions.

11:00–12:00 Conversation: How Do I Tell Their Stories? The protagonists in the films of Susanne Regina Meures («Raving Iran», «Saudi Runaway») face decisions that will change their lives forever – they are torn between their home country that is trapped in old structures and the promises of a better future. Meures succeeds in gaining their trust and offers an honest view of their experiences. In conversation with Sirkka Möller, the filmmaker talks about how documentary films develop through the interplay between various stakeholders and unpredictable factors. She explains how to cinematically condense the experiences of the protagonists and how the process of creation functions at the team level.

The Writers’ Room – a collaboration between Kurzfilmtage and FOCAL – is a networking platform for Swiss and international authors. This year’s Writers’ Room focuses on the mysteries of documentary storytelling. On the face of it, documentary is an elusive genre that requires a lot of time and improvisation. To unlock some of its secrets, the Writers’ Room offers a forum for conversations with authors and directors. A variety of approaches to realizing documentary narratives will be analyzed and discussed.

Speaker: Nino Kirtadze All Writers’ Room events will be held in English. Registration To register for the Writers’ Room, participants must first request a free Industry Accreditation for the Digital Industry Hub. Registration opens on 14 October. For more information go to kurzfilmtage.ch/industry.

15:00–16:00 Conversation: From a Theme to a Story This discussion explores the development of films from an idea to the protagonists, focusing on how to find them and how to condense their personal stories without losing their essence. Jacqueline Zünd («Goodnight Nobody»,«Almost There», «Where We Belong») talks about this creative process with Edgar Hagen. Where does she find her topics and how does she approach them? How does she get access to the protagonists’ inner voices, and how does she translate their personal worlds into images? It’s a process that requires time and empathy. Speaker: Jacqueline Zünd Moderator: Edgar Hagen (FOCAL)

Speaker: Susanne Regina Meures Moderator: Sirkka Möller (expert for documentary projects) 15:00–16:00 Conversation: What Is the Best Form for My Project? Basil da Cunha’s «O Fim do Mundo» was a big success at international festivals. His characters oscillate between acting and reality: he uses local amateur actors in his films. The subject is their own youth in a hopeless slum in Lisbon, where da Cunha himself lived for years. In conversation with Delphine Jeanneret, he explores the question of what genre the film belongs to – fiction or documentary. Speaker: Basil da Cunha Moderator: Delphine Jeanneret (HEAD)

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Trailer 2020 An Ode to the Chainsaw The chainsaw has long played a prominent role in cinema as a murder weapon. But as the singing foresters explain here, it is actually not a very suitable tool for murder. In a mix of CGI and live-action footage, the trailer visually captures the tension between the real and the fictional in film. Classic horror film sounds, such as the howling of wolves, are incorporated into the sound design, blending with theatrical opera singing and contemporary pop music. Crew Writer & director: Rhona Mühlebach Cinematography: Owen Laird Camera assistant: Michael Neal Costumes: Holly McLean Hair & makeup: Nicola Muldoon Sound design & composition: William Aikman CGI & compositing: Ben Skea Sound mixing: Robert Büchel, Jingle Jungle VFX & graphics: Ursula Deiss, cinegrell Colourist: Timo Inderfurth, cinegrell Production: Long Chair Productions – William Aikman, Holly McLean, Rhona Mühlebach Cast Singers: Jane Monari, Sarah Shorter Hand models: Josie Parrianen, Eden Campbell

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Allgemeine Informationen General Information

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Lageplan / Map of venues

Lageplan / Map of venues Veranstaltungsorte / festival venues 1 Casinotheater Winterthur Stadthausstrasse 119 8400 Winterthur 2 Kino Cameo Lagerplatz 19 8400 Winterthur 3 tibits Winterthur Oberer Graben 48 8400 Winterthur 4 kunstkasten Katharina-Sulzer-Platz 8400 Winterthur

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Festivalzentrum Für Informationen, Akkreditierungen während des Festivals, Tickets oder für ein Getränk in unserer FestivalBar besuchen Sie unser Festivalzentrum im Casinotheater. Öffnungszeiten Desks Mi–Sa ab 12:30 So ab 09:00 +41 (0)52 212 11 66 Gastronomie 1 Festival-Bar im Casinotheater 1 Restaurant Fredi Reservation unter +41 (0)52 260 58 88 2 Kino Cameo

Festival centre For information, accreditations, tickets, and drinks from our festival bar, visit the festival centre at Casinotheater. Info Desk opening hours Wed–Sat from 12:30 Sun from 09:00 +41 (0)52 212 11 66 Food & drinks 1 Festival bar at Casinotheater 1 Restaurant Fredi Reservations at +41 (0)52 260 58 88 2 Kino Cameo


Tickets & Informationen Einzeleintritt Tagespass Mi, Do, Fr Tagespass Sa, So Festivalpass Kurze für Kleine (3)

Normal CHF 16.– CHF 40.– CHF 45.– CHF 98.– CHF 5.–

Legi, AHV (1) CHF 13.– CHF 32.– CHF 36.– CHF 78.– CHF 5.–

Zürcher Kantonalbank (2) CHF 12.– CHF 32.– CHF 36.– CHF 78.– CHF 5.–

Ermässigung mit Legi, AHV oder Tages-Anzeiger Carte Blanche. Ermässigung Carte Blanche nur für Einzeleintritte; pro Carte Blanche Bezug von max. zwei Einzeleintritten. Ermässigung nur gegen Vorweisen einer Karte der Zürcher Kantonalbank. (3) Eintrittspreis für Kinder. Freier Eintritt für Mitglieder Zauberlaterne. (1)

(2)

Einzeleintritt Einzeleintritte sind nur für die entsprechende Vorstellung gültig. Tagespass Der Tagespass berechtigt zum Eintritt in alle Vorstellungen am gewählten Festivaltag. Die Plätze sind nummeriert, eine Reservation ist obligatorisch! Festivalpass Der Festivalpass ermöglicht den Eintritt zu allen Vorstellungen an allen Festivaltagen. Die Plätze sind nummeriert, eine Reservation ist obligatorisch! Kurze für Kleine (ab 6 Jahren) Der reduzierte Eintrittspreis gilt für Kinder für die Vorstellung unter dem Label Zauberlaterne: Kurze für Kleine. Erwachsene bezahlen den normalen Einzeleintrittspreis. Mitglieder der Zauberlaterne beziehen einen Gratiseintritt online oder an den Festival-Kassen. Vorverkauf Der Vorverkauf für die 24. Internationalen Kurzfilmtage Winterthur startet am 14. Oktober 2020 und endet jeweils eine Stunde vor Vorstellungsbeginn.

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Ticketverkauf Einzeleintritte, Tagespässe und Festivalpässe können online auf kurzfilmtage.ch, bei der Tourist Information Bahnhof Winterthur oder vor Ort an den Festival-Kassen im Casinotheater und im Kino Cameo gekauft werden. Im Vorverkauf erstandene Tickets für Festivalpässe müssen am Accreditation Desk im Casinotheater gegen einen persönlichen Festivalpass eingetauscht werden (das Vorverkaufsticket berechtigt nicht zum Eintritt in den Kinosaal). Öffnungszeiten FestivalKassen: Mi–Sa ab 12:30, So ab 09:00 Türöffnung / Eintritt Türöffnung ist jeweils 30 Minuten vor Vorstellungsbeginn. Die Sitzplätze sind nummeriert. Ein frühzeitiges Erscheinen ist empfohlen. Reservierte Plätze verlieren bei Vorstellungsbeginn die Gültigkeit und werden wieder zum Verkauf freigegeben. Reservation mit Tages- und Festivalpass Die Plätze sind nummeriert, für jede Vorstellung ist eine Reservation obligatorisch. Reservationen können jeweils am Vortag ab 09:00 bis Vorstellungsbeginn getätigt werden. Reservierte Plätze verlieren bei Vorstellungsbeginn die Gültigkeit und werden wieder zum Verkauf freigegeben.

ZVV-Ticket für gratis Transfer Dank der Zürcher Kantonalbank gelten alle Tickets am Veranstaltungstag auf dem gesamten ZVV-Netz für die Fahrt zum Festival und zurück als Fahrschein 2. Klasse. Der Zuschlag für das ZVV-Nachtnetz ist nicht inbegriffen. Sprache / Untertitel Alle Filme werden in der Originalsprache gezeigt und englisch untertitelt. Ausnahmen sind im Programm entsprechend vermerkt. Die Kinder- und Jugendprogramme verfügen über deutsche Untertitel oder werden live synchronisiert. Altersbegrenzung Die Filmprogramme sind, wenn nicht anders vermerkt, generell ab 16 Jahren freigegeben. Ausnahmen sind die Programme Sparks I (ab 12 Jahren) und Kurze für Kleine (ab 6 Jahren). Schutzmassnahmen / Durchführung Aktuelle Informationen zu den Schutzmassnahmen vor Ort und zur Festival-Durchführung finden Sie unter kurzfilmtage.ch/aktuell.


Tickets & Information Regular Single ticket Day pass Wed, Thu, Fri Day pass Sat, Sun Festival pass Shorts for Kids(3)

CHF 16.– CHF 40.– CHF 45.– CHF 98.– CHF 5.–

Students, seniors(1) CHF 13.– CHF 32.– CHF 36.– CHF 78.– CHF 5.–

Zürcher Kantonalbank(2) CHF 12.– CHF 32.– CHF 36.– CHF 78.– CHF 5.–

Discounted price for students, seniors, and Tages-Anzeiger Carte Blanche holders. Carte Blanche discount for single tickets only; max. two tickets per Carte Blanche. Only upon presentation of Zürcher Kantonalbank card. (3) Discounted price for children. Free admission for members of the Magic Lantern. (1)

(2)

Single tickets Single tickets are only valid for the chosen screening. Day pass A day pass provides access to all screenings on the chosen day of the festival. Seats are numbered and advance reservation is required! Festival pass A festival pass provides access to all screenings of the festival. Seats are numbered and advance reservation is required! Shorts for Kids (ages 6 and above) The reduced ticket price is for children who attend the Shorts for Kids screening. Adults pay the regular price. Members of the Magic Lantern can obtain their free ticket online or at the festival box office. Pre-sales Pre-sales begin on 14 October 2020 and end one hour before the start of the screening. Where to buy tickets Single tickets, day passes, and festival passes can be purchased online at kurzfilmtage.ch, from the Tourist Information at Winterthur’s railway station, or from the festival box office at Casinotheater and Kino Cameo.

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Festival passes purchased before the festival must be exchanged for a personal pass at the Accreditation Desk at Casinotheater (festival pass vouchers do not allow access to screenings). Box office opening hours: Wed–Sat from 12:30, Sun from 09:00. Doors / admission Doors open 30 minutes before the start of the screening. Seats are numbered. Early arrival is recommended. Unclaimed reservations lose their validity at the scheduled showtime and will be released for sale. Reservations for day-pass and festival-pass holders Seats are numbered and advance reservation is required for all screenings. Seats can be reserved from 09:00 on the day before the screening until the start of the screening. Unclaimed reservations lose their validity at the scheduled showtime and will be released for sale. ZVV ticket for free public transport Thanks to Zürcher Kantonalbank, all festival tickets include free public transport to and from the festival within the ZVV network. Each ticket is valid for a second-class round trip in all ZVV zones on the day of the screening. The late-night supplement is not included.

Languages / subtitles Films are shown in their original language and subtitled in English, except where otherwise indicated in the programme. Shorts for Kids and the Sparks programmes are subtitled in German or dubbed live. Age limits Unless otherwise noted, the general lower age limit for the film screenings is 16. Sparks I is approved for audiences aged 12 and above. Shorts for Kids is approved for children aged 6 and above. Protective measures / event updates For up-to-date information on our protective measures and for the latest festival updates visit kurzfilmtage.ch/update.


Verein / Association

Geschäftsstelle / Head Office Staff

Kurzfilmnacht Head Office

PräsidentIn / President Katrin Gygax

Künstlerischer Leiter / Artistic Director John Canciani

Projektleitung und Programmation Kurzfilmnacht / Kurzfilmnacht Project Manager & Programmer Lynn Gerlach

Vorstand / Board Marius Beerli, Eliane Jaberg, Aline Juchler, Delphine Lyner, Tiziana Pelusi

Kaufmännischer Leiter / Managing Director Stefan Dobler Projektkoordination / Project Coordinator Rudolf Gehring Kaufmännische Assistenz / Assistant Manager Rudolf Gehring Kommunikation / Communications Lea Rindlisbacher Programmkoordination / Programme Coordinator Laura Walde Industrykoordination / Industry Coordinator Lotte Kircher Finanzen / Accountant Anne Dauberschmidt Filmlogistik / Film Logistics Matthias Sahli Praktikum Festival / Festival Intern Inken Blum Praktikum Kommunikation / Communications Intern Sol Kislig Zivildienst / Community Service Staff Martin Deplazes, Michael Milenkovic

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Organisation und Medienarbeit Kurzfilmnacht / Kurzfilmnacht Organization & Media Alexandra Götz


Team Auswahl Internationaler Wettbewerb / International Competition Selection John Canciani, Carmen Gray, Thomas Grimshaw, Delphine Jeanneret, Kyros Kikos, Ivana Kvesic, Valentina Zingg

Rahmenprogramm / Special Events Rudolf Gehring, Lorenz Hubacher

Jurybetreuung / Jury Hosts John Canciani, Norma Giannetta

Eröffnung, Preisverleihung / Opening Ceremony, Award Ceremony Alexandra Götz

Kasse / Box Office Anne Dauberschmidt, Liam Erlach, Alexandra Götz, Dorothea Schaffner, Senta van de Weetering

Auswahl Schweizer Wettbewerb / Swiss Competition Selection Andrée Barman, John Canciani, Lynn Gerlach, Christof Hächler, Christian Stark

Festival-Produktion / Festival Production Rudolf Gehring

Kuratierte Programme / Curated Programmes John Canciani, Angela Di Filippo, Stefan Dobler, Norma Giannetta, Sebastian Henn, Janis Huber, Delphine Jeanneret, Anita Magni, Matthias Sahli, Senta van de Weetering, Laura Walde

Spielstellenverantwortung / Venue Managers Rudolf Gehring, Florian Lanz, Bernhard Michel Saal-Verantwortung / Venue Staff Andrée Barman, Andreas Bühlmann, Lynn Gerlach, Sarah Hefti, Pascal Kurtansky, Florian Lanz, Dustin Rees, Senta van de Weetering

Jugendprogramme / Youth Programmes John Canciani, Norma Giannetta, Alexandra Götz, David Grob, Lotte Kircher, Nina Kühne, Ivana Kvesic, Dorothea Schaffner

Akkreditierung / Accreditation Desk Inken Blum, Annina Canciani, Norma Giannetta, David Grob, Christof Hächler, Delphine Lyner, Christian Stark, Laura Walde, Senta van de Weetering

Kinderprogramm / Shorts for Kids Dustin Rees

Gastronomie und Verpflegung / Food and Drinks Angela Di Filippo, Tony Dütschler, Sarah Hefti, Sebastian Henn, Lea Heuer, Kilian Lilienfeld

Expanded Cinema John Canciani, Rudolf Gehring, Lorenz Hubacher, Laura Walde Mitarbeit Filmauswahl / Programming Assistants Tiziana Pelusi, Laura Walde Industry Events Lynn Gerlach, Norma Giannetta, David Grob, Aline Juchler, Lotte Kircher, Ivana Kvesic, Alexandra Maag, Anita Magni

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HelferInnenkoordination / Volunteer Coordinators Jessica Keller, Alexandra Maag Info Desk Andrée Barman, Inken Blum, Annina Canciani, Lynn Gerlach, Alexandra Götz, David Grob, Katrin Gygax, Christof Hächler, Eliane Jaberg, Jessica Keller, Delphine Lyner, Alexandra Maag, Christian Stark, Senta van de Weetering, Laura Walde

Dekoration / Decoration Rolf Breer, Angela Di Filippo, Alexandra Götz, Sebastian Henn, Kevin Hold, Kilian Lilienfeld, Stefan Sigrist, Christine Sima, Claudius Thür, Philipp Zavodsky Medienarbeit / Press Relations Mohan Mani Promotion Marius Beerli, Alexandra Götz, Lucy Power, Lea Rindlisbacher Fotografie / Photographers Andrin Fretz, Eduard Meltzer Filmvermittlung für Jugendliche / Youth and School Projects Andreas Bühlmann, Norma Giannetta, Sebastian Henn, Dustin Rees, Dorothea Schaffner, Nadine Vafi, Simone Winkler Infrastruktur und Technik / Infrastructure and Tech Bernhard Michel Ticketing Kevin Hold, Philipp Zavodsky Koordination Trailer-Produktion / Coordination Trailer Production Sebastian Henn Untertitel / Subtitles Michael Milenkovic, Matthias Sahli


Externe Mitarbeitende / External Staff Externe KuratorInnen / External Curators Sarah Adam (A Wall Is a Screen), Vincent Adatte (Zauberlaterne), Sylvia Grom (A Wall Is a Screen), Peter Haueis (A Wall Is a Screen), Sabine Horn (A Wall Is a Screen), Vivian Kellenberger (Zauberlaterne), Carla Maria Losch, Primo Mazzoni, Sven Schwarz (A Wall Is a Screen), Peter Stein (A Wall Is a Screen) Datenbank / Database Andrew Blackwell (Ballet Mécanique), Ewald Natter (Freelenz) Digitales Filmarchiv / Digital Film Archive Kurt Gehring, Ewald Natter Ditigal Industry Events Kurt Gehring, Ewald Natter Digitale Projektion (Betreuung) / Digital Projection (Support) Sergio Bossoni (lumachroma), Björn Leemann (Lang Baranday), Sandro Tanner (Lang Baranday) Projektion / Projection Björn Leemann, Stephanie Riebe, Heinz Rutschmann, Ernst Zimmermann Filmmontage / Montage Ernst Zimmermann Filmtechnik / Film Tech lumachroma, Ernst Zimmermann Technik und IT / Tech Staff and IT Beat Flachmüller, Björn Leemann

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Impressum Grafik / Graphic Design Susanna Baer, Alex Sonderegger Trailer Rhona Mühlebach Übersetzungen / Translations Stéphanie Klebetsanis, Susie Trenka Programmheft- und Katalogredaktion / Catalogue and Programme Editor Susie Trenka Treuhand / Trust Consulting Consultive Treuhand AG, Nunzio Scioscia Revisionsstelle / Auditors PricewaterhouseCoopers AG Website Astrom / Zimmer GmbH Produktion Eröffnungsfeier, Preisverleihung / Production Opening Ceremony, Award Ceremony Yvonne Dünki

Herausgeber und Kontakt / Publisher and Contact Internationale Kurzfilmtage Winterthur Postfach CH-8401 Winterthur Tel +41 52 212 11 66 Fax +41 52 212 11 72 info@kurzfilmtage.ch kurzfilmtage.ch Redaktion / Editor Susie Trenka Gestaltung / Design so+ba design, Zürich



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Mi 11.11. CONTRADICT 19:00 Von Peter Guyer und Thomas Burkhalter

Schweiz, 2019 E/d, 90 Min.

Mi 18.11. BROT 19:00 Von Harald Friedl

Österreich/Deutschland, 2020 D, 94 Min.

Mi 25.11. 19:00

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UNTER EINEM DACH

Schweiz, 2019 D/ARA/d, 86 Min.

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CITOYEN NOBEL

Schweiz, 2020 F/d, 89 Min.

Von Stéphane Goël

Mi 16.12. THE WALL OF 19:00 Von Eliza Kubarska

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