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Gabriel Giménez Mateo Antonio García Lorca Ángel D. Cayuela Portela

ESCULTURA | MEMORIA CAPITULO 3 LA OBRA MINIMALISTA


ÍNDICE

Introducción

pág. 2

Características

pág. 2

Nuestro proceso

pág. 3

Proyectos

pág. 4 - 13

Obra final

pág. 14 - 19

Referencias de autores

pág. 20 - 21

Bibliografía

pág. 22

La obra con nosotros

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Escultura 1 | Capítulo. 3 Memoria “La obra minimalista”


Introducción El término minimalista, en su ámbito más general, se refiere a cualquier cosa que haya sido reducida a lo esencial, despojada de elementos sobrantes. Es una traducción transliteral del inglés minimalist, que significa minimista, o sea, que utiliza lo mínimo (minimal en inglés). Es la tendencia a reducir a lo esencial. Se aplica también a los grupos o individuos que practican el ascetismo y que reducen sus pertenencias físicas y necesidades al mínimo, es también el significado a simplificar todo a lo mínimo. Este significado queda más claro si se explica que minimalismo en realidad quiere decir minimismo. El término «minimal» fue utilizado por primera vez por el filósofo británico Richard Wollheim en 1965, para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt y a otros objetos de muy alto contenido intelectual pero de bajo contenido formal o de manufactura, como los «readymade » de Marcel Duchamp. Como movimiento artístico, se identifica con un desarrollo del arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, iniciado en el año 1960. Según el diccionario de la Real Academia Española (RAE), el minimalismo es una corriente artística que utiliza elementos mínimos y básicos, como colores puros, formas geométricas simples, tejidos naturales,etc.

Características Abstracción Economía de lenguaje y medios Producción y estandarización industrial Uso literal de los materiales Austeridad con ausencia de ornamentos Purismo estructural y funcional Orden Geometría elemental rectilínea Precisión en los acabados Reducción y síntesis Sencillez Concentración Protagonismo de las fachadas Desmaterialización

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Nuestro proceso Con el fin de cumplir los criterios que agrupa el minimalismo y sus tendencias, nos reunimos para desarrollar proyectos a través de una lluvia de ideas. La diversidad de obras que proyectamos mentalmente y sobre papel es de una diversidad abrumadora en materiales, dimensiones, formas, objetos que interfieren, ubicaciones, etcétera. De todas ellas seleccionamos las que a nuestro criterio son las más interesantes, aunque ya sabemos de antemano que la mayoría son inviables, dejando unas pocas para plasmar de forma real. El proceso hasta poder consumar la obra final fue muy costoso, llegando a testear tres de las obras. Problemas con el espacio, materiales y autorizaciones hizo que al final cobrase forma una obra que teníamos en reserva. En cada una de las obras se describe todo más detenidamente.

Testeando una de las obras

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Proyectos

Esfera de metal iluminada Este trabajo es el más simple pero también el más … ya que no te deja indiferente . Se trata de una esfera de metal maciza de no más de 20 cm de diámetro que se sitúa en el centro de la sala vacía, iluminada únicamente por un foco cenitalmente colocado en el techo mediante una luz blanca e incidente que se encuentra sola sin ningún elemento más alrededor. Con esta escultura tan sencilla queremos dar un importante significado al comienzo del minimalismo en los primeros años; no hay bordes ni esquinas, todo esta cuidadosamente pulido y sin imperfecciones. Destacamos el hecho de que la habitación se encuentra a oscuras y solamente iluminada por el foco. El espectador no ve nada mas a su alrededor y solo centra su atención en la escultura. Pensamos en situar la esfera en una peana de mármol, pero posiblemente el protagonismo de la obra hubiera quedado reducido.

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Cubos flotando El proyecto de los cubos sobrevolando los tejados de todas las facultades de la universidad de Murcia hubiera sido el más costoso tanto económicamente como en cuanto a trabajo se refiere. Pero posiblemente el más sorprendente. La obra consta de unos globos gigantes de plástico gris de unos 3m x 3m anclados a los tejados de las facultades de la universidad por unas cuerdas finas bancas. En su interior habría Helio dotando a estos globos la posibilidad de flotar en el aire. El acabado sería lo más perfecto posible, con las esquinas y los bordes lisos. El efecto visual es sorprendente, ya que los espectadores quedan abrumados al ver en el exterior una obra de tal magnitud, unos cubos gigantes sobre sus cabezas, en el cielo. El significado sobre el concepto minimalista vuelve a ser la simplicidad de la forma (un cubo) llevado al máximo exponente debido al tamaño de la obra. Este proyecto no hubiera sido posible llevarlo a cabo debido a lo anteriormente mencionado.

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Torres gigantes La explicación de este trabajo es sencilla, unas torres de diferente altitud repartidas por toda la sala. Las torres tienen forma de prisma cuadrangular y de un tamaño de un metro y medio de ancho. La altura de cada una se van combinando, pero puede llegar hasta el techo partiendo desde el suelo. Nosotros pensamos en hacerlas de cajas de cartón o plástico recubiertas de papel continuo gris o marrón, dejando todo liso y limpio. De hacerlo realmente, estarían formadas de metal o hierro oxidado. La sensación que pueda dar la obra viene dada por el factor de la sala en cuestión; si la sala es muy grande y tiene los techos altos será mas sorprendente que otra de menor tamaño. La verticalidad, la repetición y la simplicidad es clave en cuanto al valor minimalista que queremos reflejar.

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Espejos en la loma Este es un proyecto con una idea cercana al expuesto en clase finalmente. Se trata de unos espejos de unos 2,5m de altura y de uno de anchura que están situados en el exterior de la facultad, más concretamente en la entrada trasera del edificio donde esta situado el parking. Colocados cuidadosamente en la loma de la montaña de los molinos de viento. Con una angulación buscando el reflejo del cielo y de nada más. De nuevo destacamos lo simple en cuanto a forma (rectangular) y el significado de infinito en lo que refleja, la infinidad del cielo en comparación con nuestra obra final, que al asomarnos veíamos la sucesión infinita al estar los espejos uno enfrente del otro. También la repetición y la grandeza de la obra es un factor a tener en cuenta.

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Imán suspendido La obra consta de un cubo de metal suspendido en el aire dentro de una vitrina. El hecho de que flote en el aire es debido a unos potentes imanes colocados perfectamente en cada uno de los 6 lados de los que se compone la figura. La obra no es tan simple como parece, los polos de los imanes y la posición es muy importante ya que, si estuviera un milímetro fuera de su lugar la obra perdería su facultad. El diseño nuevamente es simple y claro, adaptándose al concepto de minimalismo y acercándose más al espectador.

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A través de los imple El nombre de esta escultura viene dado por el hecho de que es una forma de metal compuesta por dos partes; Una se encuentra en una sala y la segunda en otra dando la sensación de que atraviesa la pared que separa las dos salas. La escultura tiene una armonía en la forma asombrosa, además de una forma muy simple. Tiene también el defecto o la ventaja de que no puedes ver las dos partes a la vez, porque no puedes estar en las dos salas al mismo tiempo. El tamaño no es de más de dos metros y medio de longitud en su conjunto y de un metro de anchura. La escultura va anclada a la pared y al suelo.

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Proyección sobre cubo Aquí lo que se busca es un juego de luces y sombras. La obra se compone de un cubo de plástico con unas pequeñas rejillas con forma de cubo también. Al proyectar una luz desde dentro de la figura salen incididas sobre la pared las formas que buscamos. Este proyecto lo estuvimos testeando en una clase ``vacía ´´de la facultad. El resultado era optimo y nos agradaba la idea, pensamos en añadir incienso bajo la escultura para que se vieran los rayos proyectados antes de llegar a la pared. Quisimos hacer un experimento en el que diéramos a trabajar los cinco sentidos al entrar en contacto con la obra: -El Olfato con el incienso. La vista con el juego de La luz y las sombras -El tacto con la posibilidad de tocar la escultura y pasar a través de los rayos de luz. -El oído con una música especial minimalista suave de fondo. -Y el gusto con un chicle que daríamos a la entrada de la sala.

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Pelota gigante De esta obra podemos decir que hubiera sido la más surrealista de todas. El proyecto consta de una pelota de tenis gigante en la loma de la cuesta de la facultad. Lo que destacamos aquí seria la grandeza de un objeto que en su realidad no supera el tamaño de la palma de una mano. En un tamaño mayor que un edificio. Aumentando el tamaño de algo que cotidianamente es tan pequeño dejamos al espectador confuso y queriendo conocer el enigma que esconde la obra. Casi todas las pruebas de este trabajo se componen de esferas y de cubos, dejando evidencia de la parte más simple de la forma y por lo tanto, del minimalismo.

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Geometría con una línea Esta obra iba a ser la definitiva, pensada para exponerla finalmente en clase. Necesitábamos una sala vacía y a oscuras para poder llevarla a cabo, un inconveniente de última hora hizo que pasáramos que sustituyésemos esta obra por otra que teníamos en reserva. La obra se componía de una estructura simple con varas metálicas y compuesta también por espejos que reflejaban un rayo de un puntero laser de alta potencia que era el que generaba la figura cúbica con el reflejo de cada espejo. La idea era construir una forma cubica con la ayuda de esta estructura usando el menor material posible para dar a entender la simplicidad que conlleva el minimalismo y dando a entender ese concepto, aunque realmente se verían las líneas verdes del laser reflejadas en los pequeños espejos bien situados. Este proyecto lo llevamos a cabo y lo estuvimos testeando también en una clase que nos facilitó la facultad.

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Cubo y línea sobre plano Esta obra básicamente se compone de un cubo de metraquilato, donde en su interior se encuentran cientos de hilos de nylon tensos en vertical. La idea es visualizar en el centro de toda la masa de los hilos un cubo, pintando de azul el grupo del centro entre una zona determinada, teniendo como efecto visual el cubo pero siendo en realidad el conjunto de zonas pintadas de varios hilos. El trabajo de colocar todos y cada uno de los hilos sería muy laborioso, pero su acabado y su presentación muy impresionante. El efecto visual cambiaria dependiendo de la ubicación del espectador, la luz y colores del contexto

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Obra final Infitinimínimal El titulo da nombre al conjunto del efecto visual con la estructura que lo forma. Nuestro proyecto sobre minimalismo lo forman varias partes, cada una tiene un papel exclusivo y significativo: En primer lugar, describimos la forma que compone el conjunto: A simple vista, desde una distancia lejana se percibe la obra como un rectángulo con tres grandes huecos formados por finas estructuras de metal, una tapa y una base. Cuando nos acercamos vemos de que se compone el conjunto. La escultura está formada por tres prismas rectangulares de poco más de un metro de largo y de menos de un metro de ancho, en metal pintado de blanco y lacado. Aquí intentamos simbolizar el aspecto minimalista, la simpleza que sugiere la obra con unos rectángulos muy bien acabados y sin mucha más información que dar al espectador. Pero no hay mucha espera hasta que podemos observar como estos objetos se encuentran encerrados entre dos grandes espejos rectangulares, colocados en la base boca arriba y en la parte superior boca abajo. Con los espejos damos a entender el concepto de infinito que claramente se muestra al asomarse por los bordes y ver la obra por encima. La repetición es un aspecto obligatorio al juntar mirándose cara a cara dos espejos, pero con el aliciente de que se encuentran las piezas rectangulares entre ellos. Todo esto le da a la obra un concepto de libre interpretación para el espectador, pudiendo buscar formas y secuencias en la repetición. Si nos quedamos mirando la escultura durante un tiempo desde el mismo ángulo podemos llegar incluso a marearnos por la sucesión de elementos que vemos repetidos infinitamente, el efecto a través de la vista es exponencial en nuestra mente y puede generar vértigo o mareo. Pensamos que el aspecto de la obra y el impacto que pudiera dar al espectador se podría magnificar si los espejos hubieran sido transparentes desde fuera, dejando ver la obra por encima. La ausencia de financiación y el limitado tiempo para su ejecución hicieron imposible este ultimo valor añadido que sin duda complementaria con creces el conjunto visual de la obra.

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Referencias de autores Carl Andre (16 de septiembre de 1935), escultor estadounidense, figura prominente dentro del movimiento conocido como minimalismo. Andre nació en Quincy, Massachusetts, y entre 1951 y 1953 estudió en la Academia Phillips de Andover, Massachusetts, dirigida por Maud y Patrick Morgan. En 1957 se trasladó a vivir a Nueva York, donde conoció a Frank Stella con el que compartió estudio en 1959. Trabajó durante cuatro años para la compañía Pennsylvania Railway, antes de alcanzar la fama internacional como minimalista a finales de la década de 1960. Las primeras obras de Andre, como La última escalera (1959, Tate Gallery, Londres), mostraban una fuerte influencia de las esculturas de Constantin Brancusi. En 1964 forma parte de la muestra colectiva "8 Youngs Americans" en la que pueden verse ya, obras de distintos escultores siguiendo un lenguaje minimalista. En 1965 expone por primera vez de forma individual en la Galería Tibor de Nagy. Su obra fue incluida en la Documenta IV y en la Documenta VII, en Kassel. Trabajó con objetos idénticos producidos en serie con los que componía la obra según un sistema de módulos matemáticos, reflejando la repetición de unidades, como vagones y coches cama en un ferrocarril. En 1972 la Tate Gallery adquirió la obra Equivalente VIII (1966, más tarde destruida y rehecha en 1969), que consiste en una serie de 120 ladrillos dispuestos en un rectángulo sobre el suelo del museo y que habrían de provocar, cuatro años más tarde, una encendida polémica en la prensa. Andre trabajó con una gran diversidad de materiales, incluidas las placas de metal y de madera.

Dan Flavin (Jamaica, Nueva York, 1 de abril de 1933 Riverhead, Nueva York, 29 de noviembre de 1996) fue un escultor estadounidense encuadrado dentro de la corriente del Arte Minimalista. Centró su trabajo sobre todo en la construcción de esculturas mediante tubos de neón que generaban un ambiente determinado y propiciaban cambios en la percepción visual. Dan Flavin estudió historia del arte en la New School for Social Research (1956) y la Universidad de Columbia (1957–59). Su primera exposición individual fue en la Judson Gallery, Nueva York, en 1961. Flavin hizo su primera obra con luz eléctrica ese mismo año, y comenzó a usar fluorescentes comerciales en 1963. Las principales exposiciones de la obra de Flavin son, entre otras, la del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (1967), la National Gallery de Canadá, Ottawa (1969) y la Staatliche Kunsthalle, BadenBaden (1989). En 1983, se inauguró el Dan Flavin Art Institute en Bridgehampton, Nueva York, una exposición permanente diseñada por el artista en una firehouse reformada y abierta al público todos los veranos. En 1992 Flavin creó una instalación monumental para la reapertura del Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York. Su primera muestra retrospectiva en Latinoamérica fue en la Fundación Proa, Buenos Aires, en 1998. Falleció en 1996, dejando diseños para una instalación de luz para la Chiesa Rossa de Milán que se realizó póstumamente. La última obra acabada de Flavin, Sin título (1996) ocupa una escalera en el espacio de exposición Dia Center for the Arts en Chelsea.

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Donald Judd (Excelsior Springs, Missouri, 1928 Manhattan, Nueva York,1994), artista estadounidense. Su obra se basa en el espacio y la realidad. Judd comenzó a trabajar como pintor, pero su trabajo evolucionó a objetos independientes en tres dimensiones, sobre suelo o pared que usan formas sencillas, a menudo repetidas, que a su vez exploran el espacio y el uso del espacio en que se encuentran. A partir de 1963, Judd comenzó a usar colores más llamativos y diferentes materiales por sí mismos. Entre otros materiales que utilizó durante su carrera abundan el metal, el contrachapado, y el plexiglás. En algunas otras obras, utilizó cemento y bloques de adobe. Es frecuente el encontrar a Judd incluido en el grupo minimalista de artistas, pero él mismo se opuso a aceptar el término como identificativo de su obra.

Robert Morris (nacido el 9 de febrero de 1931, Kansas City, Missouri ) es un escultor estadounidense, artista conceptual y escritor. Es considerado como uno de los teóricos más destacados del minimalismo , junto con Donald Judd , pero él también ha hecho importantes contribuciones al desarrollo de la performance , land art , el Proceso de Arte movimiento y arte de la instalación . Morris estudió arte en la Universidad de Kansas y en el Kansas City Art Institute y la filosofía en el Reed College. Inicialmente, un pintor, la obra de Morris de la década de 1950 fue influenciado por el expresionismo abstracto y, en particular Jackson Pollock . Mientras vivía en California, Morris también se puso en contacto con la obra de La Monte Young y John Cage. En Nueva York, Morris empezó a explorar la obra de Marcel Duchamp hacer piezas que directamente respondieran a Duchamp ( Caja con el sonido de su propia creación (1961), Fuente (1963)). En 1963 tuvo una exposición de esculturas mínimas en la Green Gallery en Nueva York que se ha escrito acerca de Donald Judd . En 1964 Morris diseñó y realizó dos obras célebres de rendimiento de 21,3 en la que sincroniza los labios a una lectura de un ensayo de Erwin Panofsky y el sitio con Carolee Schneemann . Morris se matriculó en el Hunter College en Nueva York (su tesis de maestría fue sobre la obra de Brancusi ) y en 1966 publicó una serie de influyentes ensayos "Notas sobre la Escultura" en Artforum . Expuso dos vigas de L en la seminal de 1966 de exposiciones, " Estructuras Primarias "en el Museo Judío de Nueva York. En 1967, Morris creó vapor , una obra temprana del land art. A finales de 1960 Morris estaba siendo presentado en exposiciones en museos de Estados Unidos, pero su obra y sus escritos fue criticado por Clement Greenberg . Su trabajo se convirtió en gran escala ocupando la mayor parte del espacio de la galería con una serie de unidades modulares o montones de tierra y sentir. En 1971 Morris diseñó una exposición de la Tate Gallery que ocupaba toda la galería central de la escultura con rampas y cubos. Él publicó una foto de él vestido de S & M de cambios en un anuncio publicado en Artforum , similar a uno por Lynda Benglis , con el que Morris había colaborado en varios videos.

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Bibliografía -Escultura 1, Eva Santos Sánchez-Guzmán, 2005 Consulta en internet: www.google.es (principal fuente de búsqueda y consulta) es.wikipedia.org/wiki/Carl_Andre es.wikipedia.org/wiki/Dan_Flavin es.wikipedia.org/wiki/Donald_Judd es.wikipedia.org/wiki/Robert_Morris_(artist) es.wikipedia.org/wiki/Minimalismo es.wikipedia.org/wiki/Abstracción_geométrica

La obra con nosotros

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