Issuu on Google+

FOTOGRAFÍA AL DESNUDO TÉCNICA + ARTE


Catalina Vallejo Echeverri

FOTOGRAFÍA AL DESNUDO TÉCNICA + ARTE VOL I

KV


KV

EDITOR DEL PROYECTO: Catalina Vallejo Echeverri. EDITOR: Catalina Vallejo Echeverri. DISEÑADOR: Catalina Vallejo Echeverri. JEFE DE REDACCIÓN: Catalina Vallejo Echeverri. EDITOR DE PRODUCCIÓN: Primera Edición Colombiana 2013. Publicado en Colombia por la Editorial KV. Todos los derechos reservados 2013. Sin limitar los derechos de copia reservados anteriormente, ninguna parte de esta publicación puede ser reproducida, almacenada o introducida en un sistema de recuperación o transmitida de ninguna forma, ni por ningún medio (ya sea electrónico, mecánico, fotocopia, grabación, o de otra manera) , el permiso previo del propietario de los derechos y el editor anterior de este libro. ISBN: 934-0-4738-3127-7 Contacto: Cata1994_@hotmail.com


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO TÉCNICA + ARTE


INDICE Prólogo. 9 Dedicatoria.

11

1.

Historia del Desnudo Fotográfico. Arte con Desnudos. 15 Prehistoria. 16 Arte Clásico. 16 Arte de la Edad Moderna. 17 Arte Contemporáneo. 17 Siglo XX. 18 Actualidad. 19

2.

Fotografía en Blanco y Negro. Introducción. 22 Teoria Básica. 24 El Blanco y Negro y La Escala de Grises. 25 Filtro Para Fotografía En Blanco y Negro. 26

Las reglas generales para filtros. Cómo aplicarlos en Adobe Photoshop.

27

28


3.

Iluminación.

Bibliografía. 40 Glosario. 41

Introducción. 32 Cualidad y Contraste de la Luz. 33 Tipos de Iluminación. 34 Contraste del Sujeto. Contraste de la Iluminación. 37 Consejos. 38


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

8


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

U

na imagen de éxito es aquella que tiene un impacto inmediato en el espectador, que capte la atención, los sueños, la sonrisa o simplemente el poder disfrutar de ella. La técnica fotográfica es como un lenguaje. El más refinado lenguaje, el más sutil que puede expresarse, pero si no tienes una ninguna historia que contar, no hay sensación que demostrar.

Así que el objetivo en este libro es el de tomar conciencia de las implicaciones artísticas de sus elecciones técnicas, más que para discutir los aspectos técnicos fotográficos como tal. Hay un montón de consejos para mejorar sus imágenes, pero es sobre todo una guía para el entrenamiento sus ojos para mirar desnudos pues se cuenta con una comprensión fotográfica. El poner un modelo junto a una luz lateral para esculpir su cuerpo y las sombras, por ejemplo, no tiene nada que ver con su equipo, pero todo tiene que ver con la comprensión de las posibilidades y usos de la luz, donde se coloca el modelo en el marco refleja su comprensión de la composición; orientar su modelo a expresar la atmósfera que desea crear es todo acerca de su visión y habilidades de comunicación, y así sucesivamente. Usted puede trabajar en todos estos elementos, incluso con la más básica de las cámaras. Una vez que usted ha leído acerca de la historia de la fotografía de desnudo, las muchas maneras que usted puede afilar su visión, y cómo llevar una mirada particular y sentir a la imagen, y cuando usted ha considerado las técnicas de pos-producción que posiblemente encuentre a optar por aplicar y miró a la galería de cómo otros fotógrafos se han acercado a esta rama de la fotografía, habrá entonces un capítulo final que será escrito por usted. Yo sólo exhibo un libro lleno de ingredientes fotográficos, y consejos para ayudarle a descubrir más. Aprenda a elegir con cuidado, para encontrar la combinación perfecta de las imágenes. Disfrute!

9


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

10


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

“Ore por ti hoy. Agradecí tu existencia, te desee lo mejor. Supliqué a los cielos que te bendigan con buena salud y felicidad. Te envié pensamientos de afecto. Te rodee de esperanza, fe y amor. Pedí a tu ángel guardián que te proteja y te ampare de todo peligro, que te cobije de felicidad, satisfacción, paz y prosperidad.”

11


1


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

HISTORIA DEL DESNUDO FOTOGRÁFICO.

13


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

HISTORIA DEL DESNUDO FOTOGRÁFICO

L

a aparición de la fotografía supuso una auténtica revolución en

el terreno de las artes plásticas, ya que por diversos procedimientos técnicos permitía a cualquier persona, aunque no tuviese formación artística, captar imágenes del natural de una forma mucho más realista que cualquier pintura. La fotografía moderna comenzó con la construcción del daguerrotipo por Louis-Jacques-Mandé Daguerre, a partir de donde se fueron perfeccionando los procedimientos técnicos para su captación y reproducción. Pese a ser una realización puramente técnica, pronto se vislumbró la artisticidad de este nuevo medio, pues la obra resultante

podía ser considerada artística en cuanto suponía la intervención de la creatividad de la persona que capta la imagen, derivada de la labor de percepción, diseño y narratividad efectuada en la toma de la imagen. Así, pronto la fotografía pasó a ser considerada una de las artes, concretamente la octava. En el siglo XX se extendió notablemente su uso, ya que las continuas mejoras técnicas en cámaras portátiles permitían un uso generalizado de esta técnica a nivel amateur. Su presencia fue esencial en revistas y periódicos, asumiendo los medios de comunicación de masas un papel preponderante en la cultura visual del siglo XX.

Sin embargo, en el terreno del desnudo la fotografía encontró más trabas que en las artes tradicionales, donde era un tema frecuente y respetado por los medios académicos, principalmente por el realismo de sus imágenes, y por la connotación moral que suponía que una persona se desnudara para ser captada por la cámara. Esto llevó a la fotografía de desnudo a ser considerada meramente pornografía, y a ser relegada a circuitos clandestinos y convertirse en objeto de comercialización. Prácticamente hasta el siglo XX no alcanzó la fotografía de desnudo un estatus de obra artística, especialmente gracias a numerosos creadores que la concibieron de forma estética y depurada de cualquier connotación sexual. En la fotografía de desnudo es importante el proceso de composición e iluminación, así como de retoque, para conseguir los efectos deseados, ya que por ser un medio intrínsecamente realista capta el cuerpo humano con todas sus imperfecciones, hecho aceptado por algunos artistas pero soslayado por otros, que prefieren mostrar una imagen más perfeccionada, derivada de los cánones estéticos que el desnudo ha procurado al arte desde el idealismo del arte clásico.­

“Mujer desnuda sentada” de desnudo tomada por

el francés Eugène Durieu

14


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

Exposición del Metropolitan de Nueva York.

ARTE CON DESNUDOS. Desde sus inicios la fotografía estuvo estrechamente relacionada con la pintura, y muchos artistas empezaron a inspirarse en fotografías para elaborar sus obras: así, Eugène Delacroix llegó a confesar en su Diario que habían tenido mucha utilidad para su obra unas fotografías de desnudos masculinos realizadas por Jules-Claude Ziegler. El pintor romántico se basaba muchas veces en fotos para estudiar los detalles de las obras que iba a realizar, afirmando que «luces y sombras cobran su verdadero sentido, y dan el grado exacto de firmeza y de blandura».

En el impresionismo, numerosos artistas se basaron igualmente en la fotografía, como Edgar Degas, Camille Pissarro o Pierre-Auguste Renoir. Alfons Mucha, uno de los mejores diseñadores e ilustradores del modernismo, dedicado especialmente al cartelismo y las artes gráficas, se basó a menudo en la fotografía para muchas de sus composiciones, empleando una enorme cámara de fuelle, con la que obtenía imágenes que le servían para sus realizaciones artísticas. Pierre-Auguste Renoir. Alfons Mucha, uno de los mejores diseñadores e ilustradores del modernismo, dedicado especialmente al cartelismo y las artes gráficas, se basó a menudo en la fotografía para muchas de sus composiciones, empleando una enorme cámara de fuelle, con la que obtenía imágenes que le servían para sus realizaciones artísticas.

De forma recíproca, y en busca de una mayor plasticidad que otorgase categoría a sus obras, en la segunda mitad del siglo XIX muchos fotógrafos se basaron en técnicas artísticas para realizar muchas de sus composiciones, otorgando un cierto aire pictórico a sus obras, donde la composición y el juego de luces y sombras están inspirados en los grandes genios de la pintura. Por ello, esta corriente fue denominada fotografía academicista, con representantes como André Adolphe Eugène Disdéri, Émile Bayard, Eugène Durieu y Gaspard-Félix Tournachon.

15


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

PREHISTORIA. El arte prehistórico es el desarrollado desde la Edad de Piedra (paleolítico superior, mesolítico y neolítico) hasta la Edad de los Metales, periodos donde surgieron las primeras manifestaciones que se pueden considerar como artísticas por parte del ser humano. En el arte paleolítico el desnudo estaba fuertemente vinculado al culto a la fertilidad, como se puede apreciar en la representación del cuerpo humano femenino —las llamadas «venus»—, generalmente de formas algo obesas, con pechos generosos y abultadas caderas. Destacan las venus de Willendorf, Lespugue, Menton y Laussel. A nivel masculino, la representación del falo — generalmente erecto—, en forma aislada o en cuerpo completo, era igualmente signo de fertilidad, como en el llamado Gigante de Cerne Abbas (Dorset, Inglaterra). También existen casos de representación de la figura humana desnuda en la pintura rupestre, reducida a trazos esquemáticos, destacando los órganos sexuales.

ARTE CLÁSICO. Se denomina arte clásico al desarrollado en las antiguas Grecia y Roma, cuyos adelantos tanto científicos como materiales y de orden estético aportaron a la historia del arte un estilo basado en la naturaleza y en el ser humano, donde preponderaba la armonía y el equilibrio, la racionalidad de las formas y los volúmenes, y un sentido de imitación de la naturaleza que sentaron las bases del arte occidental, de tal forma que la recurrencia a las formas clásicas ha sido constante a lo largo de la historia en la civilización occidental.

16


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

ARTE DE LA EDAD MODERNA. El arte de la Edad Moderna —no confundir con arte moderno, que se suele emplear como sinónimo de arte contemporáneo— se desarrolló entre los siglos XV y XVIII. La Edad Moderna supuso cambios radicales a nivel político, económico, social y cultural: la consolidación de los estados centralizados supuso la instauración del absolutismo; los nuevos descubrimientos geográficos —especialmente el continente americano— abrieron una época de expansión territorial y comercial, suponiendo el inicio del colonialismo; la invención de la imprenta conllevó una mayor difusión de la cultura, que se abrió a todo tipo de público; la religión perdió la preponderancia que tenía en la época medieval, a lo que coadyuvó el surgimiento del protestantismo; a la vez, el humanismo surgió como nueva tendencia cultural, dejando paso a una concepción más científica del hombre y del universo

ARTE CONTEMPORÁNEO. Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases de la sociedad contemporánea, marcada en el terreno político por el fin del absolutismo y la instauración de gobiernos democráticos —impulso iniciado con la Revolución Francesa—; y, en lo económico, por la Revolución Industrial y el afianzamiento del capitalismo. En el terreno del arte, comienza una dinámica evolutiva de estilos que se suceden cronológicamente cada vez con mayor celeridad, que culminará en el siglo XX con una atomización de estilos y corrientes que conviven y se contraponen, se influyen y se enfrentan. En el siglo XIX abunda más que nunca el desnudo femenino —especialmente en la segunda mitad del siglo—, más que en cualquier otro período de la historia del arte.

17


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

SIGLO XX. En el siglo XX surgieron los movimientos de vanguardia, que pretendían integrar el arte en la sociedad, buscando una mayor interrelación artista-espectador, ya que es este último el que interpreta la obra, pudiendo descubrir significados que el artista ni conocía. Las últimas tendencias artísticas han perdido incluso el interés por el objeto artístico, valorando más el concepto, la idea creadora, con una revaloriza-

ción del arte de acción, de la manifestación espontánea, efímera, del arte no comercial (arte conceptual, happening, environment). En el siglo XX el desnudo ha ido ganando cada vez más protagonismo, sobre todo gracias a los medios de comunicación de masas, que han permitido su mayor difusión, especialmente en el cine, la fotografía y el cómic, y más recientemente, Internet.

18

El desnudo ya no tiene actualmente la connotación negativa que tenía en épocas anteriores, principalmente debido al aumento de la laiciDad entre la sociedad, que percibe el desnudo como algo más natural y no censurable moralmente.


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

ACTUALIDAD. En la actualidad, el desnudo artístico es plenamente aceptado en la sociedad occidental, y es frecuente su presencia en medios de comunicación, revistas y publicidad, con tres modalidades principales: el desnudo abstracto, el desnudo erótico y el desnudo deportivo; y tres sectores principales de aplicación: el desnudo

puramente artístico, el desnudo publicitario y el desnudo editorial.

Existe además la creencia de que una chica mona, con un collar de perlas y una pose casi pornográfica, puede hacer fotografía de desnudo y el resultado es una imagen vacía y carente de sentido rodeada de un aura hortera y de mal gusto.

La fotografía tiene algo de técnica y mucha disciplina y estudio de las culturas y sociedades. Se puede ser el mejor iluminador o conseguir la máxima nitidez, pero ser el Ed Wood de las historias.

Uno de los más afamados fotógrafos de la segunda mitad del siglo XX ha sido Helmut Newton, creador de un estilo propio, lleno de glamour y seducción, con bellas mujeres en

ambientes lujosos, y una cierta tendencia hacia el fetichismo. Sus modelos suelen ser de complexión atlética, pero elegantes y sofisticadas, como se vio en su serie de Big nudes («grandes desnudos») de los años 1980

Fotografía: Helmut Newton.

19


2


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

FOTOGRAFÍA EN BLANCO Y NEGRO.

21


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

L

a gente llega a la fotografía en blanco y negro por dos caminos diferentes. Un grupo ha realizado su aprendizaje con el blanco y negro. Su primera cámara era de película. Aprendieron el oficio utilizando película en blanco y negro y fue fundamental para su conocimiento fotográfico. No obstante, para el segundo grupo, una generación más nueva, el blanco y negro se ha visto como un proceso alternativo, algo que se produce a partir de imágenes en color, ya sea en la cámara o en el ordenador. Algunos críticos dicen que la fotografía en blanco y negro no habría existido si el color hubiera llegado primero. Pero el blanco y negro ha sido tanto el alma como la consciencia de la fotografía desde un inicio. Llega a la esencia de lo que es importante en una imagen, dejando atrás las distracciones del color.

INTRODUCCIÓN

Por lo tanto, parece que el “blanco y negro” significa dos cosas muy diferentes para los dos grupos, para un grupo es algo elemental y supone la esencia de la fotografía, para otro empieza como una imagen nítida. Se pretende que este libro pueda mostrar que la fotografía en blanco y negro puede hablar por más tiempo y con mayor contundencia sobre las cuestiones que importan.

22


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

23


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

TEORÍA BÁSICA D ebe decirse desde el principio que no existe la fotografía en blanco y negro como tal. “ Blanco y negro “ es el nombre tradicional que se ha dado a las imágenes que contienen una gama de tonos, desde el blanco del papel, pasando por los grises claros, medios y oscuros, hasta el negro denso. La era digital nos ha proporcionado un nuevo nombre, más preciso: La imagen en escala de grises.

Las imágenes proyectadas han estado entre nosotros desde hace mucho tiempo. La cámara oscura (camera obscura) - La habitación oscura original o cámara a partir de la cual ha tomado el nombre la cámara moderna - se conocía en la edad media desde finales del primer milenio. En ella, un diminuto agujero o estenopo creaba una tenue imagen invertida en color del mundo exterior dentro de una cámara oscura. El uso de lentes de cristal de roca para “proyectar” y enfocar una imagen data de hace más de 1.500 años. Un método para captar y hacer estas imágenes permanentes debió de intrigar durante mucho tiempo a la gente que lo descubrió.

Las dificultades para captar las diferentes longitudes de onda de la luz para reproducir el color sobrepasaban las capacidades de los pioneros, quienes intentaron simplemente captar la presencia o ausencia de la luz blanca. Los primeros experimentos durante la mitad del siglo XIX funcionaron con materiales que cam-

biaban cuando la luz incidía en ellos -algunos se endurecían al exponerse a la luz, mientras que otros se volvían negros-; los primeros materiales fueron empleados finalmente por la industria fotográfica con película, basada en la química de plata.

El blanco y negro es tan sólo una excusa para la imagen en color, pues en muchos sentidos es más intensa. Aunque no representa el modo en que vemos, puede entenderse como una representación del modo en que pensamos. Simplifica y produce una nueva claridad median-

te la aplicación de un nivel de abstracción, eliminando el color para dejar solamente el tono.

Cámara oscura.

24

Es como quitar la piel para revelar la musculatura, el hueso y los tendones que hay debajo.


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTEBÁSICA. + TÉCNICA. TEORÍA

EL BLANCO Y NEG RO Y LA ESCALA DE G RISES

U

na fotografía convencional en blanco y negro está compuesta de diminutos puntos de tintes cyan, magenta y amarillo que se superponen para producir todos los colores visibles. En las zonas en las que no hay tinte se muestra el blanco del papel; donde se superponen todos los tintes de color con su máxima intensidad se consigue un efecto similar al de la tinta negra. Para la visualización digital, los colores se codifican como números, con imágenes convencionales de 24 bits de color, obteniendo 256 niveles de rojo, verde y azul- los colores primarios adictivos de la luz blanca- dando una paleta potencial de 16,7 millones de colores.

La única imagen por ordenador completamente en blanco y negro es el mapa de bits, que comprende un patrón de dígitos binarios; sólo información sobre blanco y negro. Los mapas de bits no tienen por qué ser bloques sólidos de blanco y negro. Pueden simular el aspecto del gris mediante el uso de patrones que mezclan píxeles blancos y negros sobre áreas diminutas. Ampliados, se muestran como tonos de gris en una imagen que está construida sólo a partir de píxeles blancos y negros. Esto se conoce como dithering, y los patrones, como patrones dithering. También es así como las impresoras de inyección de tinta producen una imagen utilizando sólo tinta negra.

Una imagen en escala de frises o “en blanco y negro” imita la sensibilidad del ojo humano al color. La película en blanco y negro no reacciona del mismo modo a todos los colores del espectro; las distintas películas reaccionan de manera diferente y proporcionan “versiones” de los tonos grises de una imagen en color. Algo parecido sucede con los archivos digitales, ya que existen varios modos de convertir el color en información tonal.

Técnicas para reproducir un tono continuo únicamente con tinta negra. Degradado de escala de grises, patrón dithering, ditherinf aleatorio, puntos de medio tono ( de izquierda a derecha).

La reproducción en escala de grises utiliza un proceso conocido como trama de semitono. Distintos puntos de tinta combinados con el blanco del papel dan el aspecto de los tonos de gris intermedios. El semitono común utiliza líneas regulares de puntos, que pueden ser redondos, elípticos, cuadrados e incluso con forma de diamante; otras técnicas más avanzadas emplean las trama estocásticas, donde los tonos grises se crean mediante patrones aleatorios ( frecuencia modulada), no por filas regulares de puntos.

25


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

FILTROS PARA FOTOG RAFÍA EN BLANCO Y NEG RO En blanco y negro los filtros se utilizan para controlar los tonos grises que reproducen el color. Sin filtros, algunos colores se reproducen muy claros. Ciertos matices de rojo y verde, por ejemplo, se reproducen en tonos de gris tan parecidos en una copia en blanco y negro que sólo pueden diferenciarse utilizando filtros de color. Por lo general, el cielo parece sobreexpuesto y blanco, ya que la película es más sensible a la luz azul. Los filtros también se utilizan para controlar el contraste de las imágenes en blanco y negro. Para entender la acción de un filtro fotográfico, es necesario saber que un filtro deja pasar la luz de su propio color y bloquea en mayor o menos medida la del resto de colores del espectro. Un filtro rojo bloquea la mayor parte de la luz azul y verde de una escena, por lo que los objetos de color azul y verde se reproducirán más oscuros que los rojos, cuya luz se transmite. Por tanto, un filtro rojo se puede utilizar para oscurecer el azul del cielo.

Filtro amarillo:

Filtro rojo:

Los filtros amarillos absorben tanto la luz azul como la ultravioleta, con lo cual los cielos de las fotos en blanco y negro aparecen más oscuros, atenúa las pecas y aclara la piel en los retratos. Este filtro es recomendable para paisajes o fotografías a grandes distancias ya que también aclara la neblina.

Aclara los objetos de colores rojos y oscurece los que tienen colores complementarios. Proporciona un fuerte contraste con las flores de tonos más claros en especial las rojas. Atraviesa también las capas ligeras de la niebla consiguiendo así una fotografía más nítida. También aplana la imagen y disminuye la perspectiva.

Filtro naranja:

Filtro verde:

Este filtro elimina la luz azul y la ultravioleta. Se consigue un alto nivel de contraste entre el cielo y los demás elementos que componen la imagen. Se utiliza para oscurecer el follaje y las partes verdes de las flores. Atraviesa la neblina y hace más nítidas las fotografías.

Los filtros verdes, eliminan el rojo y el azul y dejan pasar el verde y el amarillo. Diferencian las diversas tonalidades del verde. Es adecuado en verano para equilibrar las transiciones tonales entre prados, árboles y hojas. Se utiliza para retratos porque equilibra la tonalidad rojiza de los focos para la fotografía y da a la piel tonalidades más naturales.

26

Clases de filtros fotográficos. - De contraste para Blanco y Negro - De corrección color - Polarizador - De efectos especiales - Lentes de acercamiento. Los colores complementarios se encuentran en posiciones opuestas en el círculo cromático. Si utilizamos los filtros de contraste y corrección, ayudan con la precisión de color que requiere un fotógrafo profesional. Si utilizamos filtros de efectos especiales en forma moderada, aumentan las posibilidades de control sobre la imagen y permiten obtener fotos imposibles de lograr de otra forma.


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

Las reglas generales para el uso de filtros con película de blanco y negro son: para oscurecer un color, hay que utilizar un filtro del color complementario (opuesto en el círculo cromático); en cambio, para aclarar un color hay que utilizar uno del mismo color o similar. Muchos filtros todavía mantienen nombres descriptivos. Por ejemplo, algunos fotógrafos identifican como filtros “ para cielo” al colectivo formado por los filtros amarillo, naranja y rojo, pues todos ellos oscurecen los colores azul y cyan del cielo. Como los filtros reducen la cantidad de luz que llega a la película, es necesario compensar incrementando la exposición. El grado de compensación varía en función del filtro. El fabricante proporcionaelfactordelmismo,porlogeneralgrabadoenlamontura(filtrosdecristal).

Blanco y Negro sin Filtro

Blanco y Negro más filtro Azul

Regla de uso Los filtros aclaran su propio color y oscurecen el color complementario. Tomemos por ejemplo una fotografía con un cielo azul. Si le aplicamos un filtro azul, el cielo se aclara, si le aplicamos un filtro amarillo o rojo, el cielo se oscurece. Blanco y Negro más filtro Rojo

Densidad neutra Son filtros que únicamente reducen la cantidad de luz que entra en el objetivo, sin modificar los colores. Esto permite aumentar la exposición y evitar zonas quemadas en la foto. Los filtros de densidad neutra pueden ser normales (que afectan a toda la escena) o degradados (afectan a una parte de la escena y tienen una zona de transición). Los hay de diferentes grados, en función de la cantidad de luz que se quiere limitar. El filtro ND2 reduce la luz a la mitad (1 paso), el ND4 a cuatro veces menos (2 pasos), el ND8 8 veces menos (3 pasos), y así sucesivamente.

27


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

Cómo aplicarlos en Adobe Photoshop Para aplicar los filtros de color a nuestras fotografías, lo haremos al convertir a blanco y negro. Podemos usar tanto la capa de ajuste Blanco y Negro, como el Mezclador de Canales. Ambos los encontraremos en la Paleta Ajustes. Este tutorial se centrará en el Mezclador de Canales, un ajuste más clásico y también disponible en otros programas de edición.

PASOS

- Empezamos por añadir una capa de ajuste Mezclador de Canales y, dentro de ella, desplegamos el Menú “Por defecto”, en el que encontraremos todos los filtros que podemos aplicar. Recordando la regla citada anteriormente, aplicaremos el filtro según queramos oscurecer o aclarar el tono de un color. Mi recomendación es que pruebe los diferentes filtros para ver como afectan a los tonos y decidir cuál le viene mejor a nuestra fotografía.

Lo interesante de esta técnica, es poder aplicar dos filtros diferentes a nuestra fotografía, potenciando los cielos por un lado y ganando más textura por otro. Para ello, tendremos que aplicar dos veces la capa de ajuste Mezclador de Canales, teniendo en cuenta que solo actúa sobre una imagen en color.

28


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

Para que la segunda capa de ajuste Mezclador de Canales actúe, debemos descubrir el color de nuestra fotografía, usando la máscara de capa en el primer ajuste de Mezclador de Canales. Pintaremos de color negro donde queramos aplicar el segundo filtro de color, descubrimos el color y ya podemos aplicar el filtro que más se ajuste a nuestros intereses, creando una nueva capa de ajuste Mezclador de Canales.

Con esta técnica de aplicar filtros de color a nuestras fotografías, unimos la tradición fotográfica del blanco y negro con el trabajo por capas que nos da el procesado digital, consiguiendo muy buenos resultados de una manera sencilla.

29


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

3

30


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

ILUMINACIÓN.

31


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

En la fotografía en blanco y negro, la luz es el único ingrediente con el que puede jugar. Sin el color y sus asociaciones y significados, tiene que trabajar únicamente con la presencia y la ausencia de luz. La luz determina el contraste y el carácter general de la imagen. El modo en que crea sombras y luces definidas o se dispersa suavemente en la imagen y la dirección con la que alcanza al sujeto son los ingredientes en bruto de la fotografía en blanco y negro. Se precisa tanto una conciencia estética como una seguridad técnica cuando se trabaja la luz para la fotografía en blanco y negro. Este capítulo aborda no sólo la cualidad y la dirección de la luz, características que juegan el papel más importante en establecer el carácter de la imagen, sino que también trata la gama de brillo del sujeto y cómo deriva del propio contraste del sujeto y de la luz que indice sobre él mismo.

INTRODUCCIÓN

32


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

DIRECCIÓN DE LA LUZ

CUALIDAD DE LA LUZ La cualidad de la luz es algo que debe reconocerse, incluso si el fotógrafo no va a controlarla o modificarla. En el estudio, los fotógrafos tienen la oportunidad de modificar y modelar la luz. En el mundo real es importante reconocer y sacar el máximo partido de la cualidad de la luz en cualquier situación fotográfica dada. La luz proveniente de una fuente puntual ( una llama o bombilla descubierta) proyecta sombras en todas direcciones. Proporciona altas luces fuertes y sombras duras. Debido a las circunstancias en las que encontramos este tipo de luz, se ha convertido en icónica ; dicho de otro modo, un arquetipo visual, para algo que quizás es extraño o da cierto miedo. La luz que procede de una fuente puntual de luz se desvanece muy rápidamente. Si uno se aleja dos pasos de la luz, ésta tiene la cuarta parte de su intensidad; al hacer dos más,

la luz tendrá un dieciseisavo de su intensidad ( así es la ley de la inversa del cuadrado en la práctica). Esta ley explica por qué la luz de una hoguera se atenúa tan rápido al alejarse de las llamas. La única fuente puntual que no está sujeta a la ley de la inversa del cuadrado es el Sol. Esto se debe a que cualquier distancia en la Tierra es trivial comparada con la distancia de la Tierra respecto del Sol. En un cielo despejado, el sol funciona como una luz puntual. Es la luz de muchas velas juntas la que produce un cálido brillo difuso. La luz de una fuente realmente difusa tiene una cualidad bastante distinta. Un sujeto en una habitación iluminada por las velas no sólo recibe la luz directa de cada vela sino que además recibe la luz difusa reflejada de las paredes y el techo de la habitación.

33

Desde nuestros primeros días como recién nacidos, la vista y el tacto están muy relacionados. Nuestro sistema visual mira a los objetos sostenidos entre las manos y relaciona las luces y las sombras con la fuente de luz y la presencia física tridimensional de dicho objeto. Cuando aprendemos a dibujar, comenzamos con el contorno, pero rápidamente aprendemos a comprender las formas tridimensionales dibujadas sobre una superficie plana

de papel. El artista utiliza las altas luces artificiales del papel virgen y el sombreado del lápiz para mostrar las sombras, usando estos valores tonales para crear y modelar un mundo tridimensional a partir de las dos dimensiones de la superficie del papel. Los fotógrafos necesitan comprender cómo usar los valores tonales, hacer que las luces y las sombras creen la apariencia de una forma sólida en el papel fotográfico plano.


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

C

onocer la luz, comprenderla y saberla gestionar es el primer paso para realizar sesiones de desnudo artístico.

Si ya con la fotografía, en general, la luz es fundamental, en el desnudo artístico juega un papel directo sobre como transmitimos un mensaje, podríamos decir que es parte imprescindible de la propia composición. Existen varias formas de mostrar el desnudo: - El desnudo artístico (objeto de este post) -El desnudo erótico o glamour. - El desnudo pornográfico.

damentalmente de la sensibilidad del autor, pero hay algunos aspectos previos son fundamentales para realizar sesiones de Desnudo Artístico. Para ello se debe tener en cuenta unos items, los cuales nos llevarán a un Desnudo Artístico perfecto, los cuales son: - La armonía del cuerpo (plasmar el cuerpo) - Las formas y las texturas (la luz como herramienta) - Las sensaciones (expresividad facial como refuerzo) - Los detalles

El cuerpo humano es bello y aun lo es más cuando pretendemos mostrarlo sin las barreras creadas por la moda o la estética de cada momento. Como disciplina fotográfica es sumamente compleja y depende fun-

LA ARMONÍA DEL CUERPO. (Plasmar el cuerpo). Aparentemente parece sencillo, pero debe tenerse en cuenta que todo el peso recae sobre el modelo y como lo interpreta el fotógrafo. Simetrías, curvas y líneas definidas.

LUZ CENITAL RASANTE. la luz rasante muy angulada y lateral, transmite mucha nitidez y relieve a la imagen. El momento ideal para realizar fotos con luz rasante, son el alba y el ocaso, cuando los rayos solares están casi horizontales

34


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

LUCES ENFRENTADAS.

LOS DETALLES.

Es una iluminación que marca una sombra central generando un modelado extremo. Es interesante para revelar volumen utilizando las sombras, sobre todo en torsos. Muy utilizada en desnudo artístico.

(Centrarnos en zonas o partes del cuerpo… sus formas individuales y su textura…)

LUZ DE PERFIL

LUZ CENITAL RECTA. Es un tipo de iluminación concentrada, que se consigue mediante un “foco cenital”, es decir, que está colgado encima del escenario. La luz que proyecta incide sobre los objetos de forma vertical y describiendo un ángulo muy agudo. Desfigura los rostros de los personajes y produce un efecto muy especial en la escena.

LUZ EN CONTRA.

35


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

LAS FORMAS Y LAS TEXTURAS. (La luz como herramienta)

Uso de la luz para dar peso a las formas y jugar con los volúmenes. Quizás el recurso más utilizado.

LUZ LATERAL O DE PERFIL. Resalta el volumen y la profundidad de los objetos y destaca la textura. Da mucha fuerza a la fotografía pero las sombras pueden ocultar ciertos detalles. Ilumina un costado del objeto aportando mayor dimensión.

LAS SENSACIONES.(expresividad facial como refuerzo) El reto reside en evitar la carga erótica que supone la mirada

LUZ A TRES CUARTOS. Ilumina tres de las cuatro partes en que se divide el rostro: una mejilla y las dos mitades de la careta. Pero hay dos maneras de fotografiarla, por el lado donde da la luz o por el contrario. Cuando pongo la cámara del mismo lado que está la luz estoy haciendo una “iluminación ancha” o una iluminación cis.

36


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

CONTRASTE DEL SUJETO.

CONTRASTE DE LA ILUMINACIÓN.

Cualquier sujeto fotográfico que no tenga un tono neutro y plano tiene cierto contraste inherente. Este contraste no está producido por las luces y sombras de la fuente de luz, sino por la gama del tono del propio objeto o escena. El contraste del sujeto es la diferencia entre los tonos más claros y los más oscuros de un sujeto iluminado homogéneamente. Los objetos blancos reflejan la mayor parte de la luz que incide sobre ellos. Por otro lado, los objetos negros absorben la mayor parte de la luz, reflejando sólo un pequeño porcentaje. Por lo tanto, el contraste del sujeto se puede considerar como la diferencia entre la cantidad de luz reflejada por los diferentes materiales del sujeto cuando éste está iluminado homogéneamente.

Cuando no hay nada de luz, el sujeto no tiene contraste. Con luz homogénea o “plana”, el contraste del sujeto es el único contraste. Pero si dos fuentes de luz de diferente intensidad se utilizan sobre la toma sin contraste sujeto ( por ejemplo un objeto de un solo tono neutro) entonces la propia luz tiene contraste. Se produce el contraste de la iluminación, que es la diferencia entre las partes iluminadas y las partes levemente iluminadas del sujeto. Mediante la variación diferenciada de la cantidad de luz que incide en el sujeto podemos controlar el contraste general. Con una iluminación homogénea, la gama de contraste del sujeto será igual al reflectar de los tonos más claros y oscuros. Cambiando el contraste de la iluminación mediante el uso de diferentes fuentes de luz de diversa intensidad podemos aumentarlo. La ratio de estas luces se denomina ratio de iluminación. El retrato de estudio es el sujeto habitual a través del cual los fotógrafos aprenden sobre la ratio de iluminación. Dos luces de diferente intensidad -o una sola y su energía reflejada- pueden emplearse para crear luces y sombras sobre el rostro. Esto suele hacerse en torno a la línea central de la cara, como en la iluminación partida.

Lo que resulta una sorpresa para el fotógrafo que trabaja en blanco y negro es el modo en los que diferentes colores producen los tonos grises en la película; algunos tonos rojos y verdes se puede traducir al mismo tono gris. Lo que define al buen fotógrafo en blanco y negro es su comprensión de cómo los colores se traducen en tonos neutros y cómo se controla dicha conversión.

37


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

CONSEJOS 1. Saber lo que se busca antes de disparar:

3. Entibia la habitación:

Una baja temperatura podría hacer temblar al modelo, trata de lograr una temperatura cálida que ayude a la persona a relajarse.

Tener en mente las poses con anticipación, ayuda a lograr buenas fotos.

4. Usa la focal más larga:

2. Prueba el blanco y negro:

Además de no intimidar con la proximidad necesaria al utilizar focales cortas, los resultados son mejores utilizando focales mayores a la normal (a partir de los 70 mm).

El color acentúa las imperfecciones de la piel, mientras que el blanco y negro dirige la atención a las formas, la luz y las sombras.

38


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

5. El anonimato ayuda:

7. El estudio en casa:

6. Mantén el ánimo relajado y divertido:

8. Poses simples:

Que el rostro no aparezca en la foto o sólo se insinúe, elimina algo de distracción y agrega un toque de misterio interesante.

Con pocos elementos podemos lograr un estudio casero que dará buenos resultados: la iluminación natural para algunas tomas, fondos simples de un solo color, muebles cubiertos con sábanas, luces fuertes comunes pueden servir muy bien para la sesión.

Estar desnudo frente a otra persona puede ser a veces bastante incómodo. Recurrir al humor revela un lado divertido de la situación que permite una mayor comodidad.

Pueden hacerse grandes hallazgos a partir de poses simples, tan sólo con moverse alrededor del modelo, buscar distintos ángulos, aproximaciones…

39


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

CRÉDITOS Desnudo Genero Artístico. http://es.wikipedia.org/wiki/Desnudo_(g%C3%A9nero_art%C3%ADstico)#Historia

Pagina

14.

Fotografia en Blanco y Negro/ Filtros. http://www.xatakafoto.com/tutoriales/fotografia-en-blanco-y-negro-filtros-de-colores-y-photoshop

Pagina

28.

La Iluminación en Desnudo Artístico. http://www.canonistas.com/foros/blogs/iluminacion/765-iluminacion-desnudo-artistico.html

Pagina

31.

http://fotografiaprex.wordpress.com/2013/03/13/3-03-los-filtros/

Pagina

26.

Helmut Newton. (fotografias)

Pagina

19.

Catalina Vallejo Echeverri ( fotografias) Pagina www.google.com/imagenes-desnudos Pagina

40

6. 8. 13. 20-21. 30-31. 42-43. 14-19.


FOTOGRAFÍA AL DESNUDO. ARTE + TÉCNICA.

GLOSARIO BRILLO

Intensidad luminosa en función de unidades de superficie.

CONTRASTE

Juicio subjetivo sobre la diferencia entre las densidades o luminosidades y su grado de separación en el sujeto, el negativo o la copia. El control del contraste es muy importante en fotografía y depende de: contraste propio del sujeto, iluminación del mismo, flare del objetivo, tipo de negativo, grado de revelado, tipo de ampliadora y gradación y superficie del papel.

COPYRIGHT

Conjunto de leyes que regula los derechos de autor de una fotografía o un trabajo.

DENSIDAD

Medida de cantidad de plata expuesta y revelada en una película o copia. Se mide en logaritmo de la opacidad. se representa mediante la curva característica.

EXPOSICIÓN

Incidencia de la luz en un material fotosensible durante un tiempo determinado. En términos prácticos la abertura controla la intensidad de la luz y la velocidad de obturación, el tiempo.

FOTOGRAFÍA DIGITAL

Corresponde a la técnica y a las imágenes que son captadas mediante cámaras digitales,

FILTRO

Elementos transparentes coloreados de cristal o gelatina, que modifican la calidad de la luz que los atraviesa, sobre todo en contenido de color.

REFLECTOR

Cualquier superficie capaz de reflejar luz.

PERSPECTIVA

Representación de las tres dimensiones en una superficie dimensional.

41



FOTOGRAFÍA AL DESNUDO