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¿Qué es una obra maestra? En este fragmento del libro de Jean Galard ''¿Qué es una obra maestra?'' el autor nos intenta explicar el porque de los diferentes valores que se le dan a una obra de arte y de como muchas de ellas llegan hasta la máxima popularidad debido a diferentes factores que nos explica el autor. Uno de estos factores podría ser el factor cronológico en la historia, como los valores que le puede dar a una obra de arte la segunda guerra mundial o diferentes guerras, bombardeos sobre ciudades o pueblos como es el caso del Guernica de Pablo Picasso el cual es un gran referente en el arte moderno de vanguardia en todo el mundo, y gran ejemplo de muchos historiadores e intelectuales del arte. Otros valores que podrían ser perfectamente adheridos a diferentes obras de arte serían los factores sociales y culturales de las diferentes épocas en las que se crean las obras.

Jean Galard también analiza el valor que le damos a estas obras y porque razones consideramos una obras de arte superiores a otras ya que en muchas ocasiones merece la pena averiguar si el valor que atribuimos a determinadas obras obedece objetivamente a su propio valor, o bien si, entre todas las que existen en el mundo, son razones extrínsecas, fenómenos históricos, condicionamientos sociales o motivos individuales. Galard analiza la palabra ''obra maestra'' limitándose al sentido moderno sin ir a la época medieval, la cual es preciso interrogarse sobra las implicaciones de la impresión de ''perfección'' esencial para el

reconocimiento de las obras capitales. Reconoce el valor de una obra maestra dependiendo del acuerdo, explícito o tácito, sobre los fines que se desea alcanzar. Diversos autores se aventuran también a analizar y debatir sobre que es una obra maestra como Matthias Waschek o Jean Starobinski, este último intenta explicar otro pensamiento de obra de arte dándole importancia más al proceso o como diría él, ''el camino'' hacia la obra como por ejemplo trabajos preliminares que precedieron a la obra: bosquejos, planos esbozados, estudios parciales, toda una prolongada ocupación de la mente y de la mano.

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Muchas veces una obra de arte no se sabe a ciencia cierta el porque de su éxito ya que sin embargo nos parezcan impactantes, o fascinantes, o profundamente justas y que sin embargo no sepamos decir si se debe a sus cualidades propias o es consecuencia de un condicionamiento social o de un azar personal. Rainer Rochlitz para dar un poco mas veracidad al arte intentó llevar a cabo en la década de 1990 una reconstrucción del juicio estético, basada en la coherencia, reto grado de significación y actualidad profunda.

En general, Nadie discute hoy que El jardín de las delicias, Las meninas, La ronda de noche, Los girasoles o Las señoritas de Aviñón son obras maestras de la pintura europea: se trata de cuadros universalmente conocidos, reproducidos hasta la saciedad y que han generado una verdadera avalancha de estudios especializados. Pero ¿por qué estas obras suscitan una estimación superior a la de muchas otras creaciones sobresalientes? La razón no es simple, y apunta tanto a los valores intrínsecos de esas piezas como a un conglomerado de factores externos de orden histórico, social y cultural. Muchos autores y profesionales del arte ofrecen las principales respuestas a esta compleja cuestión, desde perspectivas complementarias y muy diferentes, realmente me ha sido muy complicado realizar este comentario por la profundidad del temas y de las diferentes opiniones y teorías de los diferentes personajes pero me ha dado un poco mas de claridad a la hora de valorar y juzgar una obra de arte.

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Visita al Museo Metropolitan de Nueva York

El comentario de pintura no lo voy a hacer centrándome solo en una exposición concreta, ya que al haber visitado el museo Metropolitan y viendo su gran colección me gustaría hacer un análisis general de todas las obras pictóricas vistas allí. Para comenzar puedo decir que el museo me impresionó como no lo ha hecho ningún otro, la colección que posee este museo es fascinante, impresiona mucho meterte en una de sus salas y estar con Velazquez, Picasso, Goya, El greco, pude observar en vivo muchas de sus grandes pinturas, incluso llegue a acercarme todo lo que

me fue posible y me dejaron para observar las diferentes pinceladas como por ejemplo esa pincelada sobria de El greco con esos colores apagados que hacen de él un pintor con mucha personalidad y misterio, realmente quede abrumado por tantas obras de esa importancia. Continuas caminando y puedes ver diferentes retratos de los comienzos de Picasso el cual ya se veía que apuntaba hacia una interpretación de la realidad muy diferente a la de los pintores más clásicos. Realmente he visto como los pintores españoles son reconocidos con gran importancia fuera de

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nuestras fronteras, ya que la seguridad para otras salas era mucho menor que para la seguridad que había en las salas de pintores españoles. Velazquez también me impresionó gratamente, la pincelada es espectacular, esa manera de arrastrar la pintura creando diferentes capas que se fusionan entre ellas es toda una alegría para los ojos, quedas impresionado por el nivel y la calidad de sus obras. Sus interpretaciones tan realistas pero también con esa huella que el deja en sus cuadros cargándolos de personalidad e indescriptible sensación. Cuando me acerque a


las obras de Goya me quede parado bastante tiempo e intente integrarme en su obra durante unos minutos, intente analizar la pincelada y como conseguía esos volúmenes en los rostros esos tonos en la ropa, realmente era un gran pintor, ese nivel de análisis y con esa personalidad es digna de alabar, por lo que vi poco pintores llegaron a tener

una obra tan personal y variada como la de Goya incluyendo los diferentes grabados que poseían en el museo. También tenían una colección bastante completa de Van Gogh, Gauguin y Matisse. De este ultimo pude ver el archiconocido cuadro de ‘’la danza’’ que me impresiono por sus dimensiones es un cuadro realmente gigantesco. Me lo

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imaginaba un cuadro con los colores mucho más saturados, pero es un cuadro con los colores muy planos y bastante luminosos (podría ser también por la iluminación). En general es un museo de visita obligada cuando se va a Nueva York, pocas veces se tiene la oportunidad ver a tantos grandes artistas en un solo día y la entrada es relativamente asequible.


Comentario sobre escultura en 3 dimensiones. En esta redacción voy a tratar las esculturas vistas en el museo Metropolitan y el Moma de Nueva York ya que al igual que con la pintura tienen una gran colección de esculturas. En el caso del Metropolitan este posee una gran cantidad de obras sobre todo clásicas, predominando la escultura griega, hay una gran sala al estilo de un patio plagado de estas. La gran mayoría se encuentran en buen estado pero muchas otras están mutiladas o les faltan diferentes partes del cuerpo. Pude observar lo bien que trabajaban el mármol y la piedra ya que los acabados eran de una gran calidad cuidando hasta el más mínimo detalle. La época exacta de cada escultura no sabría decirlo, pero en cada una de ellas colocaban su fecha, también es verdad que en muchas ponían aprox. Por lo que pude deducir habían esculturas desde el periodo de ‘’formación’’ el ‘’arcaico’’, ‘’helenístico’’ incluso el de después de Alejandro magno el ‘’periodo de difusión o decadencia’’. También se encontraba otra sala dedicada expresamente a la escultura Romana en la que también se encontraba con una gran colección de estas. Me impacto mucho el haber

estudiado en historia del arte la escultura y poder comparar diferentes épocas y civilizaciones y los pequeños cambios sobre todo temáticos que hicieron cada uno. En el museo del Moma había gran cantidad de esculturas pero ya más de una índole moderna, ya de la época contemporánea. Me impacto mucho ver esculturas de Matisse, no sabía que fue también escultor, sus esculturas eran muy sutiles, de color negro talladas en piedra por el brillo que tenían, en sus esculturas sigue con peculiar estilo de retratar a las persona, esas líneas tan redondeada, ese gesto inconfundible suyo. Digamos que si conoces la obra de Matisse es imposible confundirlas, eran de pequeño tamaño unos 25 cm aprox. También pude ver en diferentes salas distintas intervenciones e instalaciones. Una que me llamo mucho la atención consistía en una especie de apartamento con paredes plegables el cual el artista colocaba a su antojo creando así una casa diferente en el que los espejos tenían gran protagonismo ya que creaban diferentes profundidades depende de cómo colocáramos las paredes.

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En la siguiente redacción voy comentar lo que me ha parecido la exposición de fotografía experimental situada en el salón de actos de la facultad de bellas artes, la verdad que de esta exposición he sacado muchas ideas las cuales podría usar en un futuro Me ha parecido muy interesante la técnica usada en las diferentes fotografías expuestas, como el juego de los diferentes liquidos para la revelación de las fotografías, el juego de efectos que han conseguido los diferentes artistas es increíble. Llegan a conseguir efectos pictóricos como si de un pincel se tratara, también el trazo en algunas otras fotografías es fantástico con una gesticulación propia de la aguada o la tinta. Me ha impactado mucho y a la vez es la que más me ha gustado, ha sido una fotografía en la que se podía ver una atmosfera increíble en el que se podía apreciar una mano presionando sobre un plástico, la verdad que esta foto me ha parecido la mas interesante en cuanto a composición y técnica se refiere.

He podido apreciar como este tipo de técnica se puede usar de una forma versátil en cuanto a lo que se refiere a usar una técnica que no podemos controlar del todo ya que imagino que muchos gestos han sido aleatorios del propio medio en el que se han hecho, pero claro que esta que se ve una intencionalidad en cada una de las fotografías. También me ha impactado como podían crear formas geométricas con una técnica tan

acuosa. Pienso que el trabajo de los artistas de la exposición estarán muy contentos con el resultado e imagino que no será la última vez que usen este tipo de medio para crear fotografías, está claro que los líquidos para el revelado de las fotografías es todo un descubrimiento que en un futuro me gustaría probar porque se ve que es una técnica de disfrute total ya que cada una de ellas es impredecible totalmente.

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Comentario sobre museo del cine de Torino (Italia) En mi ultima visita a Italia tuve la oportunidad de visitar el museo del cine situado en Torino el cual me impacto mucho su distribución ya que esta situado en la torre mas alta de Torino de forma vertical y con una base cuadrada, el museo en su interior era un cilindro en el que para visualizarlo todo tenias que ir subiendo hacia arriba. Digamos que cada dos circunferencias hacia arriba iba cambiando la temática sobre la historia del cine, Se podían ver piezas

históricas usadas en diferentes películas como trajes, objetos, figuras. La verdad que cada parte me traslado a una época de mi vida ya que tenia de todo visto en películas clásicas, también tenia una gran colección de carteles originales de las grandes películas sobre el cine y me impresiono ver allí un cartel sobre la película de Almodovar ‘’todo sobre mi madre’’ (en ingles). Tenían estancias que recreaban películas como ‘’Alien’’, ‘’lo que el viento se llevo’’, ‘’Matrix’’ y muchas mas. Pude ver como se hacían escenas de alto riegos y otras no con tanto riesgo pero si curiosas como caídas de acantilados y al vacío en el que el punto de la cámara y el fondo juegan un papel esencial ya que sabiendo usar no hace falta que muevas y parece que estas cayendo al vacío. Las colecciones que tiene de objetos llegan hasta las cámaras antiguas que se usaron cuando comenzó a hacerse cine, trípodes, bobinas de películas originales, en general todo el que vaya y quiera aprender de cine y sus curiosidades lo recomiendo ya que sales con la sensación de que cuando vemos películas realmente no lo vemos todo.

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Salón del cómic de Granada Exposición sobre el cómic en el salón del cómic de granada. Este año por segunda vez he vuelto al salón del cómic de granada esperando no llevarme otra desilusión como el año pasado. Y cual fue mi sorpresa que la verdad este año me ha sorprendido ya que ha habido algunos artistas bastantes importantes, sobre todo los artistas de Marvel con diferentes ilustraciones suyas de bastante importancia para mi criterio. Ha estado una exposición muy bien organizada con diferentes zonas dedicadas a cada temática e incluso a diferentes personajes que han calado muy

poco en el publico experimentado como seria Naruto el cual soy gran fan. En cuanto a las ilustraciones que visualice puedo decir que alguna me dejaron con la boca abierta ya que hacia mucho que no veía un trabajo tan laborioso en alguna ilustraciones en el que se puede deducir que los artistas se han tirado horas y horas para preparar esas ilustraciones, llegando incluso a un nivel que no había visto nunca, las texturas de los objetos y ropajes, los edificios ese grado de detalle que no es muy común en los cómics los pude ver en la diferentes ilustraciones sueltas expuestas. La cosa estaba bastante

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animada ya que el cómic suele atraer a grande fanáticos de los protagonistas de las historias narradas. Incluso llegue a ver gente disfrazada que por lo que veo ya es una tradición disfrazarse de los personajes en estas convocatorias para compartir su amor y pasión por este genero. En general ha sido un exposición bastante completa comparada con otros años y en el que el amor y la pasión por el cómic porque lo que veo va en aumento y en el que los artistas se nota que lo agradeces ofreciendo calidad en sus obras.


Diseño industrial Comentario sobre un objeto En el siguiente comentario vamos a analizar 3 maletas de Samsonite y como veremos como con el paso del tiempo la diferente evolución que han tenido. Como podemos observar en la primera fotografía, se trata de una maleta Samsonite de lo más normal, ya que es la típica maleta que se puede encontrar en cualquier tienda para clientes que buscan algo sencillo y práctico, ya que la funcionalidad de una maleta consiste en dar comodidad a la hora de trasladar el equipaje.

el contraste de negro y naranja es muy elegante y llamativo.

El caso de la fotografía 3 vemos que los diseñadores han querido desmarcarse en cuanto al concepto de la típica maleta rectangular o cuadrada. Vemos que es un diseño totalmente rompedor de forma circular, se ve que han estudiado muy bien su funcionalidad y podemos observar que la forma circular es directamente como una rueda, no parece ser una maleta para nada incomoda, el hecho de ser una forma circular la dota de un aspecto totalmente futurista desmarcado totalmente de las demás maletas. Sus colores son tonos oscuros en mate, esto le da un aspecto de sencillez y poco llamativo, pienso que han buscado un diseño futurista e innovador pero a la vez han querido darle un aire sofisticado y elegante.

Como observamos no es una maleta que se caracterice por sus detalles ya que a veces lo simple puede llegar a ser lo más practico. Pero si vamos a la segunda imagen aquí ya cambia todo, ahora si podemos observar como los diseñadores han puesto empeño en el diseño y elegancia de una maleta. Observamos que la maleta tiene un color negro el cual la dota un poco de sobriedad pero si no paramos mas detenidamente vemos como el color naranja hace que tenga una apariencia más futurista, vemos que el material es resistente, incluso observamos una barra de metal que le da más firmeza a la hora de transportarla. Se podría decir que aunque sea una maleta con un diseño rectangular para nada es una maleta simple, está plagada de detalles, las ruedas también son naranjas integrándolas en el conjunto de la maleta,

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Comentario Prometeos Siniestros Ángel Mollá

Ángel Mollá nos muestra como lo sublime se ha ido mostrando en las diferentes épocas en las que solo había cabida para un estilo, esta idea nace ya que las personas no solo tienen una forma de ser o de estar sino que tienen miedos, pensamientos grotescos, en general, algo mas allá de lo que contemplamos como ''normal'', cita muchos autores que han escrito sobre el tema y que han profundizado bastante llevando la idea de lo sublime al día a día de las personas y de los autores, todos indiferentemente llegan a esas ideas, lo autores intentan explicar el porque de ello, sobretodo de los dioses, en los cuales los seres humanos por naturaleza al crearlos siempre estamos por debajo de ellos llegando a veces a ser sus vasallos, en los cuales sus doctrinas se basaban en el castigo y la obediencia, y como las personas llegan a plantearse el porque de esto y si realmente sus pensamientos son algo natural o simplemente algo interpuesto por una cultura o religión, ¿hay que ser

bueno o malo? todos los autores nos intentan guiar en la realidad de las cosas con sus experimentos o sus poemas. También critican como definen ellos el devenir del arte moderno al que denominan ''enfermo'' ya que mantienen como un estandarte ''sano'' al arte clásico, por lo cual desbancarse de lo establecido sería una atrocidad de enfermos y personas no sanas en su juicio.

También Harold Bloom analiza la ''oscuridad idolatría del yo'' en el que analiza el tema del pacto diabólico como tema ''moderno'' por excelencia. En el analiza como muchos de los temas satánicos o de la literatura occidental llegan a un punto en el que pueden perfectamente tratarse como algo natural entre las personas ya que mucho de esos temas son deseos reales o que podemos aplicar a la realidad de las personas hoy en día de forma verídica.

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Satanás forma parte importante en lo sublime ya que representa lo oscuro no solo de la realidad sino también de las personas, muchos autores lo nombran como fuente o raiz de todo lo sublime, como la fascinación por este icono engendra diferente relatos o historias muchas veces fascinantes. Muchas de

estas expresiones son los propios artistas los que se encargan de manifestarlas en sus diferentes pinturas de forma sublime y oscura, ya que en ellas se alberga el sentimiento de la ''locura'' y la pasión por satanás y lo oscuro, son de grado bastante inquietante y la vez impactante, nunca dejan indiferente a ningún espectador.

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Comentario ''Sin arte estaríamos perdidos'’ Para comenzar quiero ser sincero ya que la entrevista me ha parecido bastante interesante desde muchos puntos de vista, tanto como en plan artístico o simplemente en lo personal, creo que ha arrojado bastante luz sobre mi idea de la concepción del arte y sus variantes.

Tzvetan Todorov nos habla en la entrevista de sus vivencias y de las represiones que ha vivido durante la segunda guerra mundial, para todorov el arte es una expresión de libertad la cual tiene derecho todo ser humano y que no debe ser reprimida ni por personas, ideologías ni religiones, el piensa que es una acción libre que tienen como derecho todas las personas. Él piensa que el arte es la actividad más elevada a la que pueden dedicarse los seres humanos y que sin artes ni artistas estaríamos perdidos.

Durante el transcurso de la entrevista me ha llamado mucho la atención la claridad y sinceridad de Todorov, a la hora de calificar el fascismo y el nazismo, de los cuales está totalmente en contra ya que los ha vivido en sus propias carnes. Todorov habla de como todas la ideologías siempre fallarán en algo ya que todo lo que esté en la mano del hombre será corrompido por el poder y todo lo que lo rodea como podrían ser las diferentes personas que ayudan a que todo esto siga instaurado. Un ejemplo de como las personas pueden llegar a abrir la mente es con la caída del muro de Berlin el cual Todorov pone como esperanzas para la humanidad.

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La crítica a los intelectuales que hace Todorov me parece de una sinceridad aplastantes además de objetividad ya que, los diferentes intelectuales de la época ven con bueno ojos las ideas de las ideologías que estaban instauradas en la época los cuales no veían nada malo ya que eran ideas poderosas de moral y ayuda al pueblo pero en la realidad gozaban de una crueldad indescriptible, el hecho de que no condenaran estas ideologías es tan simple como que ellos no se mezclaban con el pueblo, hablaban desde sus acomodadas casas sin problemas y sin realmente ver la cruda realidad de la opresión y persecución en la que se había convertido la vida de la época, en el que la libertad de expresión carecía de toda defensora.

Todorov nos habla de arte de una forma sana ya que el busca que la persona vea las cosas de formas armoniosas, no busca amaneceres ni puestas de sol sino de ordenar de una manera la conciencia individual y que juzgue de forma armoniosa de forma que sus distintos ingredientes como: vida social, profesional, íntima y material constituyan un todo inteligible. ''El arte, en cualquiera de sus expresiones y en el sentido de que implica creación, contribuye de forma clara a lograr esa armonía.''

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Comentario Vanguardia y Kitsch Este texto nos sumerge en el nacimiento de las vanguardias y que características sociales y culturales deben darse en una determinada época para que nazcan, una de las expresiones más importantes en las vanguardias son las artísticas ya que nacen a raíz de los intelectuales como los poetas y los artistas. Las vanguardias se mantenían gracias a sus mayores

consumidores que eran los ricos y burgueses, a parte de este sustento las vanguardias ofrecen también un rigor histórico en la época dándose con ello la cultura de vanguardia. El nacimiento de la vanguardia coincidió cronológicamente y geográficamente y no de forma casual con el primer desarrollo del pensamiento científico revolucionario en Europa. La vanguardia también migro desde los mercados capitalistas como el mercado de los burgueses a un tipo de mercado más personal y menos comercial llegando incluso el artista a recluirse en pequeñas buhardillas donde crear y seguir con sus ideas fuera de la influencia burguesa y capitalista del mercado. Cuando consiguió distanciarse de la sociedad comenzó a repudiar la política fuese revolucionará o burguesa. Aparecen el arte puro y la poesía pura.

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Tras las vanguardias nace otro fenómeno que los alemanes han denominado Kitsch, este es un arte y una literatura populares y comerciales con sus propios iconos y vías de propagación. Este producto se debe en gran medida a la revolución industrial que urbanizó las masas de Europa occidental y Norteamericana y estableció lo que se denomina alfabetismo universal. Antiguamente los que sabían leer y escribir son los que realmente disfrutaban y se empapaban de la cultura de la época, pero todo cambió cuando los campesinos se instalaron en las ciudades aprendieron a leer y escribir y se establecieron como pequeños burgueses, no accedieron a la cultura de la ciudad pero si que perdieron interés por una cultura más popular y pagana del campo. El kitsch utiliza simulacros academicistas y degradados de la verdadera cultura, acoge y cultiva esa insensibilidad, ahí está la fuente de sus ganancias. Muchos artistas viendo el gran éxito del kitsch y sus grandes ganancias en ingresos no dudarán en modificar sus obras parcialmente o en algunos casos la obra completa bajo la presión del kitsch dejándonos perplejos en algunos casos. Muchas de las culturas

más antiguas del planeta no tendrán una influencia tan a grande del kitsch ya que seguirán con sus símbolos paganos sobre sus portadas y sus iconos de sus propias culturas como la china y la de los indios de sudamérica. Por otra parte el kitsch también se alimenta de la ciencia y la industria para su desarrollo e influencia. También uno de los casos más curiosos es como macdonal coloca a un campeso delante de dos obras pictóricas una figurativa y la otra abstracta, la primera se trata de un cuadro de Picasso y la segunda de un cuadro Repin el campesino elegirá la obra de repin ya que encuentra en sus experiencias y vivencias más similitud con el mismo y se puede incluso llegar a ver reflejado y al ver la de Picasso simplemente puede apreciar la armonía de espacios y colores pero realmente no sabe descifrar esos símbolos que se encuentran ahí, por otro lado macdonal nos cuenta que si no pone frente a la obra de Picasso alguien con un grado más alto de cultura e inquietudes puede llegar a ver lo mismo en la obra de repin y de Picasso ya que el puede descifrar todos esos símbolos y mensajes que se encuentra en la pintura abstracta de Picasso.

Vemos que si la vanguardia imita los procesos del arte, el kitsch imita sus efectos. La nitidez de esta antítesis no es artificiosa, corresponde y define el enorme trecho que separa entre sí dos fenómenos culturales tan simultáneos como la vanguardia y el kitsch.

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Fotografía En la siguiente redacción voy comentar lo que me ha parecido la exposición de fotografía experimental situada en el salón de actos de la facultad de bellas artes, la verdad que de esta exposición he sacado muchas ideas las cuales podría usar en un futuro Me ha parecido muy interesante la técnica usada en las diferentes fotografías expuestas, como el juego de los diferentes liquidos para la revelación de las fotografías, el juego de efectos que han conseguido los diferentes artistas es increíble. Llegan a conseguir efectos pictóricos como si de un pincel se tratara, también el trazo en algunas otras fotografías es fantástico con una gesticulación propia de la aguada o la tinta. Me ha impactado mucho y a la vez es la que más me ha gustado, ha sido una fotografía en la que se podía ver una atmosfera increíble en el que se podía apreciar una mano presionando sobre un plástico, la verdad que esta foto me ha parecido la mas interesante en cuanto a composición y técnica se refiere. He podido apreciar como este tipo de técnica se puede usar de una forma versátil en cuanto a lo que se refiere a usar una técnica que no podemos controlar del todo ya que imagino que muchos gestos han sido aleatorios del propio medio en el que se han hecho, pero claro que esta que se ve una intencionalidad en cada una de las fotografías. También me ha impactado como podían crear formas geométricas con una técnica tan acuosa. Pienso que el trabajo de los artistas de la exposición estarán muy contentos con el resultado e imagino que no será la última vez que usen este tipo de medio para crear fotografías, está claro que los líquidos para el revelado de las fotografías es todo un descubrimiento que en un futuro me gustaría probar porque se ve que es una técnica de disfrute total ya que cada una de ellas es impredecible totalmente.

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Bon art  

Revista sobre arte la cual está compuesta por diferentes articulos y comentarios de opinion.