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4 Metr贸Editorial


6 MetróArquitectura

La casa en el cielo Fue, la vio y la amó. Este es un aparte del texto de la arquitecta Lina Restrepo, publicado en la revista de la Universidad de Antioquia, sobre la vivienda diseñada por el ingeniero David Ramírez que une lo que todos soñamos: una vivienda soñada con el cielo como paisaje y un lago al frente.

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a lo decía Le Corbusier: “La casa debe ser el estuche de la vida, la máquina de felicidad”. Ahora que la arquitectura se vale de los avances de la última tecnología a veces da resultados positivos en cuanto la conciencia ambiental y el confort humano, y no tan positivos cuando se depende por entero de la tecnología y sus resultados estéticos caen en caprichos estilísticos. Un ejemplo de nueva arquitectura positiva es una casa en el Oriente Antioqueño diseñada por el ingeniero David Ramírez. Aunque ha desarrollado proyectos de diferente índole, Ramírez se ha enfocado en el tema de la vivienda, en el interiorismo de apartamento en la ciudad y en viviendas semirrurales, entre ellas la Casa Olaya y otra a las afueras de Medellín, ambas en proceso. “Me interesa el recorrido, pero ese que genera sensaciones, que hace vibrar, que encierra para luego dejar ver, ese que despierta los sentidos y hace que el espíritu se emocione; es en ese recorrido donde se garantiza que el habitante redescubra, reinterprete y se enamore de la obra”. Este pensamiento ha sido un elemento clave en el desarrollo de su más reciente obra, una vivienda en El Retiro diseñada por y para él mismo.

David no se refiere a ella como “casa”, ni “finca”, ni nada parecido; la define amorosamente como “mi refugio”. Aunque viene a la mente el cliché de un chalet suizo, una cabañita rural o quizás una remembranza de Gaudí, no es así. “Refugio” significaría entonces “introversión”. De hecho es una construcción bastante racional, casi cúbica, que no pretende instalarse en una corriente estilística, simplemente responder a sus propias necesidades; más allá de seguir una tendencia o una influencia, se vale de los recursos que tiene a la mano y que el presupuesto permite para elaborar el espacio que le exige la vida diaria. Al llegar al predio, la casa no se presenta de inmediato; hay que buscarla abajo con la mirada, en parte porque el paisaje distrae y en parte porque sigue La casa debe ser el estuche de la estando abrazada por la vida, la máquina de felicidad”. montaña, es como si quisiera mirar sin ser vista. En primera instancia se reconoce desde afuera una volumetría ortogonal. Cuenta con una proporción moderada y una fachada tranquila. Casi toda la piel enchapada con piezas prefabricadas de cemento, similares a la pizarra negra; densidad que se ve equilibrada por los grandes ventanales y cierto juego de formas. La casa en el interior es sosegada, con materiales comunes como madera, piedra, cemento a la vista. La imagen exterior tuvo su momento en el proyecto, pero no lo era todo; fue más bien el resultado del adentro, de los espacios y recorridos hechos para las actividades humanas, así como también los materiales y recubrimientos con los que se hicieron, elaborando en conjunto la volumetría general. Ramírez opina que “la estética puede vivir sola, pero es mejor cuando es un medio para algo o es la consecuencia de una función”. La casa se va desenvolviendo como una historia de la cotidianidad de su autor y habitante, y está pensada como tal.


8 MetróLiteratura

Un Bayly para morir, por favor El autor peruano presentó su más reciente trilogía literaria. En ella, un escritor cobra venganza de sus enemigos. ¿Será él? Así es. Acá está el plan de venganza perpetrado por Jaime Bayly para vengarse de sus críticos. Vigilen sus espaldas y lean con cuidado.

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iense que tiene pocos meses de vida. ¿Listo? Ahora, deje atrás a los curas, a los que persiguen el santo deseo de salvar su alma, y aparte de abrazar a los que quiere, de besar a las mujeres –u hombres– que tanto deseaba, de viajar al fin del mundo y de no pagarles a los bancos, ¿qué más le queda? Sus enemigos. En eso pensó Jaime Bayly, el escritor peruano que va dejando una estela de polémica a sus espaldas. Y pensando en esa magistral venganza, la más fina de todas, aquella en la que podía perpetrar muertes sin hacer un solo disparo, escribió su trilogía Morirás mañana, que cuenta una única historia desde distintas facetas: cómo un escritor, que se enfrenta a la sentencia de muerte de una enfermedad sin vuelta, decide aprovechar los meses de vida que le quedan para vengarse de los que le han hecho daño. Exacto: para que ninguno de sus enemigos tenga el gusto de sobrevivirlo. Porque,

según él, “hay personas malvadas que deberían ser eliminadas en aras del bien”. ¿Y esa obsesión por la muerte? Es estética, porque una muerte bella también es literaria. Pero además es real, porque Bayly lo persigue la idea desde que cuando vivía en Colombia y trabajaba de lleno en un medio nacional. En una consulta médica de rigor se enteró de repente de que tenía una enfermedad irremediable. Fue un diagnóstico mortal: le quedaba un tiempo medido de vida. Salió de la consulta del “médico de mierda” aquel con el alma disuelta. Solo para enterarse, pocos días después, por medio de un funcionario de la fuerza pública, que el presidente venezolano Chávez tenía planes para matarlo en nuestro país. La paranoia lo asoló. Hubo una reacción inmediata: comenzó a tomar conciencia de lo que era, de la vida vivida, de lo que no había hecho. Y se dio cuenta de hay personas malvadas que que no sería capaz de ir ante un deberían ser eliminadas altar a pedir perdón ni mucho en aras del bien”. menos buscaría reconciliarse con los que había herido o los que le habían hecho daño. Sino que iría primero por ellos, antes de que la muerte lo alcanzara. Del dicho al hecho hay muchas palabras. Y eso fue lo que finalmente lo salvó, además del diagnóstico médico que estaba totalmente errado, y de una advertencia policial que no tenía bases. Para salvarse, por si acaso, Bayly se consagró a escribir, esta vez convencido de lleno de que el personaje era él, de que el escritor que sería su personaje sería por supuesto él, de que el hombre que diría frases sobre su deseo de vengarse de los que lo habían atacado sería él más que nunca, y que su venganza real consistiría en matarlos con tino y crueldad en la saga literaria, porque en el papel la venganza perdura con más elegancia que en la realidad.


MetróLiteratura 9

Hasta ahora, como ya sabemos, la muerte no le ha llegado de la forma en que presumía, pero en su mente sí evolucionó la idea literaria que le permitió escribir esa triple novela mientras vivía en Bogotá (El escritor sale a matar, El misterio de Alma Rossi y Escupirán sobre mi tumba) en la que confluyen los enemigos, el amor y el enfrentamiento final consigo mismo, respectivamente. Sentado, con su ironía eterna, con la mirada de lado y sus gafas gruesas, su corbata a la moda y su pareja actual a pocos metros de distancia, y esa sonrisa contenida que destila veneno, revela que el proceso fue doloroso, pero feliz al final. Como lo es para Garcés, su personaje, el hecho de matar sin pausa. Porque escribir se ha convertido en su caso en un imperativo consigo mismo. En un deber que su conciencia le impone. “No es necesaria leer mis novelas. Nadie quizás las leerá. En estos tiempos, leer es algo extraño, innecesario. Pero para mí era necesario escribirlas”, dice. Pero leer sirve para matar a los fantasmas. “Todos tenemos enemigos cuya muerte no nos apenaría, pero no los matamos porque las reglas nos lo impiden y porque no se justificaría el placer con el castigo posterior”. De nuevo piense que tiene pocos meses de vida. ¿Dejaría el mundo sin usted en manos de los otros? Bayly, definitivamente, no.


12 MetróLibros

Los hermanos Cuervo Andrés Felipe Solano Esta novela sobre dos hermanos excéntricos y los personajes de su pasado y de su presente está construida de forma compleja, con distintas técnicas y puntos de vista que entrelazan las historias del autor. Uno de las pocas apuestas por literatura colombiana de fin de año, con el alivio de que todavía siguen apoyándose a los creadores locales.

Cierra los ojos, princesa José Alejandro Castaño

¿Por qué fracasan los países? Daron Acemoglu y James Robinson Que algunas naciones sean más prósperas que otras, ¿se debe a cuestiones culturales?, ¿a su clima?, ¿a su ubicación? No, en absoluto. La causa proviene de la política económica que dictaminan sus dirigentes. Sí, nuestros líderes. Esta obra juiciosa y profunda da cuenta sobre un tema que nos concierne.

Alfaguara

Consiga más Stuart Diamond

Conecta

El autor nació en las comunas de Medellín y con datos reales construyó esta novela de horror, como la llaman los críticos, sobre la hija de Pablo Escobar, el mundo del narcotráfico y sus protagonistas directos e indirectos, en una especie de fábula basada en la total realidad. La vida de una princesa de espaldas a un mundo que no es como se lo pintan.

Ícono

El incendio de abril Miguel Torres

Si a usted no le salen las cosas o tiene algún percance ¿suele pelear y ponerse bravo? ¿A los colombianos nos funciona la alharaca y la afrenta para solucionar? Tal vez no y por eso estamos como estamos. Por eso es valioso un libro como este, bien planteado, documentado y escrito en el que se plantea la vitalidad de saber negociar.

Planeta

Viernes 9 de abril de 1948. Jorge Eliécer Gaitán ha sido asesinado. Y en cada rincón de la Bogotá, voces enardecidas se pronuncian para narrar los hechos que hicieron de la ciudad un caos lleno de dolor. Un mapa de testimonios propuesto con tino por este dramaturgo colombiano.

Alfaguara

Para seguir entre líneas Los invitados de la princesa Fernando Savater

Lily y sus tías culebra Patricia Suárez Lily no tiene una familia común. Vive bajo la tutela de dos seres malvados: sus tías Culebra. Ellas no quieren a Lily y solo la soportan porque pueden aprovecharse de ella. Sin embargo un día todo cambia. Una novela infantil llena de humor y sátira, que resulta atractiva para niños creativos.

Uranito

Ganadora del premio Primavera, es la obra más reciente del filósofo español. Narra la historia de un periodista que escucha las historias de los escritores que han sido convocados a un festín cultural, y cuyo acto se ve interrumpido por la erupción de un volcán. Ironía, relatos y cultura contemporánea.

El ABC de la mafia Petrit Baquero

Planeta

¿Quiénes fueron Rodríguez Gacha, Carlos Lehder y Fidel Castaño? ¿Quiénes son los capos que aún dominan el negocio de la cocaína? ¿Cuáles fueron las rutas secretas más exitosas? ¿Cómo logró el Cartel de Medellín hacer tambalear al Estado? Una radiografía del temido Cartel de Medellín.

Guía de sustancias toxicas Rachel Frely

Sirio

Las sustancias ejercen un impacto sobre la salud y el medio ambiente. De los compuestos tóxicos conocidos por la química, más de setenta y dos mil se usan a diario. Aprenda a estudiar las etiquetas antes de utilizar cualquier producto. Una guía sencilla y valiosa para cuidar nuestra salud.

El precio de la desigualdad Joseph E. Stiglitz

Planeta

Los poderosos piensan que ser el uno por ciento privilegiado del mundo está bien aunque el 99 por ciento sufra económicamente. No han entendido que el libre mercado tiene consecuencias funestas sociales y en la economía. El Nobel de Economía, más lúcido y claro que nunca, plantea esta brillante obra que estremece y es digna de un sitial en la biblioteca y en la mente.

Taurus


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npanatñalola U de

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Frank o Francis

del Óscar Cuando uno se entera de que el ganador , El ladrón ovich Malk John ser o (Cóm man Charlie Kauf mente sin de orquídeas, Eterno resplandor de una e menos pued no uno peli, una ir dirig a va recuerdos) , Nicolas Black Jack ll, Care e que voltear a mirarla. Stev parodia que cinta esta an goniz prota Kline Cage y Kevin al. norm lo de fuera or hum el mundo del cine con un

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mismo efecto que En esta ocasión pretendemos lograr el s cuando van producen en los espectadores los avance que vienen y se al cine: que se emocionen ante las pelis programen mentalmente para recibirlas. Estas son las 15 infaltables de 2013.

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Robocop The Wolverine

por este papel, nada que hacer. Hugh Jackman se dio a conocer al mundoque mostrar sus uñas largas, este más Más allá de que sepa hacer mucho r. Esta vez se trata de una adapprotagónico le ha valido su fanaticada mayo ve cómo su héroe se enfrenta que r Mille tación del libro de cómic de Frank artes marciales. Ojo: dirige James a los japoneses en todas las formas de las a historia. buen una Mangold (3:10 a Yuma), sinónimo de

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lar se hizo El peligroso robotcito humano que tan popuexitoso, en sido ha que lo en 1987 vuelve, como todo el elenco una versión renovada para el cine. Esta vez uel L. Sam y an Oldm Gary es mejor: Michael Keaton, necesita se no que el para o, gónic prota el y Jackson, Kinnaman. grandes dotes, es el actor de televisión Joela una ciudad nde defie rg cybo un 2046 en illa: Trama senc envuelta en crímenes.

After Earth

Con Will Smith y su pilo hijo Jaden Smith (que hizo un sobresaliente Karate Kid), y con la dirección del venido a menos Night Shyamalan (aunque siempre uno espera que vuelva a dar un golpe de gracia como El sexto sentido), la cinta narra la épica aventura de un padre y su hijo que regresan por accidente al planeta Tierra mil años después de ser abandonado por los humanos.


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Monsters University

uela: ocurre antes de a duda, un gran éxito (en realidad es la prec con el humor de la mínim más la a lugar sin , será Inc. sters inúa universidad). Si cont La segunda parte de Mon do Sully y Mike Wazowski estaban en la por venir. Que la monstruosidad nos acompañe. todo lo que vimos en su primera parte, cuan años de rito favo un será este éxito de Pixar primera, como ya sucedió con Toy Story,

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Gravity

an esta cinta que pinta bien Sandra Bullock y George Clooney protagoniz accidente mortal de una el r narra para cio, y que también va al espa Hubble y colisiona con copio misión espacial que va a reparar el teles deben luchar por regresar a la es quien dos, n un satélite. Solo sobrevive s en el espacio. Dirige el Tierra y sobrevivir. Una especie de náufrago ón. mexicano Alfonso Cuar

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Robopocalypse After Earth del Óscar Charlie Kaufman Cuando uno se entera de que el ganador ídeas, Eterno resplandor orqu de n ladró El , ovich (Cómo ser John Malk una peli, uno no puede de una mente sin recuerdos) va a dirigir Jack Black, Nicolas Cage y ll, Care e Stev rla. mira a menos que voltear dia el mundo del cine con Kevin Kline protagonizan esta cinta que paro un humor fuera de lo normal.

istas, esta vez Steven Spielberg vuelve a las historias futur se enfrenta que ts, robo los en da sobre una sociedad basa la pone que cial artifi ia genc inteli una por ción a la extin Drew ista, guion el y on, Wils l en riesgo. El autor, Danie tres van los que de ntía gara la dan ld) erfie (Clov Goddard ietante, poco a hacer algo seguramente asfixiante, inqu . berg Spiel a a gust le tanto o com , placentero


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Guerra Mundial Z Dirigida por Marc Foster (Quantum of Solace, Monster’s Ball), esta rara peli gira entorno a una desesperante invasión de esos bichos raros en los que nadie cree, salvo el cine y la tele, que han visto que si existen es para hacer dinero: los zombies. Con Brad Pitt, es lo que parece: un mundo invadido por zombies. La gran peli de horror del año, sin lugar a dudas.

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Oz: el grande y poderoso Esta cinta pretende ser el origen del Mag o de Oz. Arranca cuando el mago de un mundo de Oz, donde se encuentra tres prec circo pequeño llega volando desde Kans sus poderes de pueblo para engañar a todo iosas brujas que hechizan de entrada: Mila Kunis, Rachel Weisz y Michelle Willias al mágico ams. s y convencerlas de que sí es poderoso. Todo hace prever que esta cinta es espe Él usa ctacular.

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El llanero solitario Será, sin duda, una de las más vistas del año. Por varias razones: tiene al actor más extravagante de Hollywood, Johnny Depp en el papel de Toro, el indio fiel del Llanero Solitario (Armie Hammer). Y tiene al llanero de los cuentos clásicos, cuenta como director a Gore Verbinsky (Piratas del Caribe), es producida por Disney, acá los indígenas estadounidenses no son los malvados y los avances cautivan.

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A good day to Die Har d

Cuando nadie pensó que Bruce Willis pudiera dar más de lo mismo, vuelve y juega. El tema es que hay algo en Die Hard, contrario a los ya enterrados Rambo (¿Será que no revive?) que engancha: su humor y su ironía. Esta vez el rudo abuelito termina en Rusia porque su hijo se ve envuelto en el escape de un líder criminal. Padre e hijo resuelven el entuerto. Ojo: vendrá la sexta parte de Duro de matar.


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Hombre de acero

Para muchos es la peli del año. Por varias razones: porque retoma al superhéroe más famoso de la historia, opacado ahora por Batman. Porque el productor es el mismo hombre que hizo que Batman reviviera: el gran Christopher Nolan. Porque es una cinta oscura como Batman, cargada de profundidad. Y porque hasta Russell Crowe, Amy Adams y Kevin Costner participan.

Y hay más…

Oblivion Este parece ser el año en que Tom Cruis con todo. Después de Jack Reacher, lograe vuelve y lo hace recrear un mundo futurista en el que el con Oblivion reconocible y los habitantes que quedan planeta es irsuperficie irradiada sino que habitan las no pueden pisar la esta opor tunidad, un reparador que debenubes. Cruise es, en afrontar un gran imprevisto. Del director de Tron.

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Cómo entrenar a tu dragón 2 llega en 2013, 2 y su corte de minions. Iron Man y Sher al igual que Mi villano favorito Downey Jr,, llegan a su tercera parte, con lock Holmes, ambas con Robert juegos del hambre presentan su segunda su toque de humor ácido. Los se titula esta vez La desolación de Smaug.versión, al igual que El Hobbit, que que prometem de los mismos realizadores Thor, Los Pitufos, Epic (una cinta sadas en un público infantil y seguramente de Río) y The Croods están pentre las destacadas como historias pueden darán qué hablar este año). EnMatt Damon, Side Effects, de Steven Sode estar Elysium, cinta futurista con rbergh, Hitchcock, que ya entra en cartelera pronto; Serena, de la siempre inqu Bier; o Gangster Squad, con Sean Penn, Ryanietante directora danesa Sussane Gosling y Emma Stone. http://ww w.imdb.com/list/Lax08-mB378/ http://ww w.movie-moron.com/?p=20855

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Oldboy La combinación del regreso del incisivo director Spike Lee, la presencia de un actor en crecimiento como Josh Brolin, y un argumento que parece salido de la mente de Kafka (un hombre ha permanecido encerrado 15 años en una habitación sin saber por qué y solo tiene 5 días para descubrirlo) parece suficiente para poner en boca de muchos esta nueva versión del clásico coreano.

Star Trek into Darkness Vuelve Star Trek con el mismo elenco y el mismo director. Se sabe poco de la tram pero sí que el villano será el casi desconoc a, la mitad de la emoción de la primera, será ido Benedict Cumberbatch. Si tiene al menos diver tida, por decir lo menos. J.J. Abra que casi todo lo que toca lo vuelve oro, pondrá a volar de nuevo a sus fanáticos.ms,


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En la tina.. con Martina Si una de las figuras de Modigliani se saliera de un cuadro y se tomara un baño en la tina sería igual a la Martina García que acá retratamos. Elástica y plástica, esta joven que crece en la actuación es más interesante en cuanto más profundo nos sumergimos.

Por Enrique Patiño

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u vestido se hincha cuando entra en contacto con el agua. Pero es cuestión de un segundo, porque de inmediato la humedad hace que la tela se pegue a su cuerpo y que sus contornos delgados lo sean aún más. Es como si, de repente, una mujer viva de una obra del pintor Amadeo Modigliani, o un extracto del arte tradicional africano, estuviera haciendo una inmersión personal. La sigue la cámara y ella, con la mirada de quien ha visto demasiados lentes, se concentra sin pestañear en la imagen. Posa y a la vez, se sumerge.

Es como una flor arrojada al agua: su rostro flota mientras el cuerpo bebe del líquido. En el momento de la entrevista, un listado con sus medidas aclara que cuenta con apenas cincuenta y nueve centímetros de cintura y un metro con setenta y un centímetros de altura. Ha realizado once cintas, hace papeles de niña de 18 años aunque esa edad haya quedado atrás hace años, y su cuerpo tiene medidas que la hacen parecer extraña a nuestro país, donde se celebran la voluptuosidad y las curvas. Ella no es voluptuosa en lo absoluto. Sin embargo ha aparecido desnuda más veces en las cintas en las que ha participado que aquellas mujeres que mues-


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tran sin tanto recato sus dotes y que se precian de sexys. Ella lo hace con una lógica y con naturalidad. Y quizás por ese darse tanto, ha llegado más lejos, ha coronado más escenarios, ha compartido con más directores y actores reconocidos, y su nombre comienza a posicionarse en el cine de una manera que pocos parecían haber previsto. Con su cara de niña. Sin las consabidas curvas. Pero con talento natural.

Filósofa en París Se sumerge más en el agua. Y nosotros en saber quién es ella. Su intelectualidad es poco usual en el medio. Esta estudiante de La Sorbona de París ha cursado la carrera de filosofía y se siente más a gusto hablando de Kierkegaard, de Hegel y de Nietzsche que de las pintas de las galas a las que asiste o de los peinados que luciría en una fiesta. Y contrario a lo que uno imaginaría, tampoco la desvela graduarse pronto, al punto de que no sabe cuándo obtendrá su título porque está consciente de que no es una estudiante normal debido a que no pasa más de tres meses seguidos en clase. Ni le importa tampoco. Martina, en los últimos años, no ha parado de trabajar en rodajes que la obligan a viajar de Barcelona a México, de Colombia a París o de Cannes a Los Ángeles. Y ella prefiere seguir esos cantos de sirena. Porque el cine la ha marcado desde niña, en especial con aquellas imágenes clásicas de los filmes franceses y estadounidenses que otros de su generación ni siquiera conocen, pero que ella aprendió a amar cuando a los siete años vio su primera película: El oso, de Jean-Jacques Annaud. Quedó impresionada por

la belleza de las imágenes y la fortaleza de la historia. Luego reforzó su formación cinematográfica en el Liceo Francés en el que estudiaba. En esa época, Martina García se sentaba a cuestionarse sobre la existencia de la vida. Rara elección para una menor que debía jugar con muñecas de plástico y tirarse en la cama a ver el techo. Pero así era: la filosofía tocaba a su hombro y ella soportaba sin aspavientos las presiones de adultos y compañeros para que fuera común y se dedicara a divertirse. Estaba tocada por el bicho de la hipersensibilidad, lloraba con los libros clásicos y anhelaba escribir poemas o dedicarse a la música al mismo tiempo que saltaba para aprender nuevos pasos de ballet y vivía sumida en el drama puro. “todo lo que perseguimos nace Eso la llevó a saber de la de una necesidad de tormento. existencia de personajes que no eran de su época, La búsqueda de la dicha es en sí como Twiggy, Brigitte misma un tormento, el más sutil Bardot, Charles Chaplin o y el más disimulado de todos” Audrey Hepburn, a amar las películas de Alfred Hitchcok y de John Ford, a enterarse de la obra de directores franceses como Jean-Luc Godard, Alain Resnais, Claude Chabrol y François Truffaut, y a querer seguirlos desde niña, aunque por su mente no pasara el hecho de convertirse en actriz. Si no lo hizo fue porque estudiaba en un lugar que le daba preponderancia al intelecto y que señaló con desagrado su incursión en el modelaje a los quince años y más aún su salto a la televisión. Martina García siguió ese camino de pasarelas y grabaciones porque era el natural en el país y en-


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contró lo que no buscaba: la manera de acercarse al cine. Pero su inclinación intelectual siguió pesando. Tanto es así que su clase favorita en el colegio, la filosofía, pasó a ser su carrera universitaria, y el Liceo influyó en su decisión de elegir a Francia para cursar sus estudios. Y mientras rodaba cintas en Colombia y luego en México, Martina aprendía de Schopenhauer y de Heidegger, de Kant y de Descartes. Y a pesar de estar en un mundo de luces y de aplausos, de cámaras y de glamour, la joven bogotana seguía con el pelo desordenado a la manera de las francesas recién levantadas –a disgusto eterno de su madre–y cultivaba un gusto solitario por la literatura y el conocimiento.

Una personalidad compleja Precisamente porque se conoce, fluye durante la sesión de fotos en el agua. Porque maneja los tiempos y se amolda a la personalidad que se le pida. Para Martina, “todo está conectado, desde la historia hasta la filosofía, desde la física hasta la religión, todas las vidas y todas las historias”. Para ella, to-

dos los personajes que interpreta “tienen una moral distinta, entendida la moral con un concepto más amplio del que manejamos siempre. Nunca abordo un personaje para criticarlo o justificarlo sino para mostrar las tonalidades de gris que posee”. El vestido pegado al cuerpo la hace ver frágil, hasta que habla de todo está conectado, desde nuevo. “Creer que se inventa o la historia hasta la filosofía, se crea algo nuevo es soberbia. Todo está inventado y dicho y desde la física hasta la siempre hay una historia vivireligión, todas las vidas y da que hay que reconocer. Los todas las historias” que la niegan no son responsables de su propia historia, y eso le sucede a buena parte de la juventud”. Vegetariana radical, asegura que “hasta los filósofos se contradicen porque son humanos que se dedicaron a pensar. Nunca me gusta todo de uno solo sino partes de cada uno de ellos. Las etiquetas rotulan y los límites me incomodan y prefiero siempre el cambio”. Para esta mujer obsesionada con las miradas de


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los animales y los ojos aterrados de las vacas predestinadas a morir, “el absurdo y la contradicción son básicos en la vida. Camus decía que el absurdo es el concepto esencial y la primera verdad, y aunque no soy existencialista, sigo su línea”. Al igual que dice su venerado Emile Cioran: “No lucho contra el mundo sino contra una fuerza mucho mayor: mi fatiga del mundo”. Amante de la música y de escribir, intérprete espontánea de la batería, “un instrumento nada romántico” y siempre con el anhelo de ser pianista clásica, obsesionada desde pequeña con la muerte y tajante con el sentimiento del amor cuando afirma que “nada es más mentiroso que pensar que al amar uno no se volverá a equivocar porque al final sólo logra cambiar de errores”, amante de Beethoven y de Schubert, hipersensible y necesitada de expresarse, dice que “si un criminalista mirara los libros que he leído, vería mis lágrimas ahí”. ¿Y del amor, qué piensa? “Mucha gente no está enamorada de verdad sino que entabla relaciones por soledad. El amor puede ser posible, aunque no sea definitivo, sino relativo; ni tampoco exclusivo, sino que se abra a muchas personas distintas en diferentes niveles”. Igual,

a ella el amor le duele. “Duele tenerlo y no tenerlo, duele perderlo. Pero así como es indescifrable, es lo único que vale la pena”. De nuevo recuerda a Cioran, quien dijo que “todo lo que perseguimos nace de una necesidad de tormento. La búsqueda de la dicha es en sí misma un tormento, el más sutil y el más disimulado de todos”. Por eso Martina no afirma que las críticas sí le duelen. Porque todos, incluida ella, queremos ser amados. Con su intelectualidad como escudo, con su belleza cretense como emblema, con la sensibilidad en los labios y con Cioran y Camus como los sabios que le sueltan frases al oído, Martina fluye en el agua como fluye en el cine. Y nosotros somos testigos de la profundidad de su pensamiento. Por supuesto: naufragamos de la dicha.

Las cintas de Martina Ha trabajado en Perder es cuestión de método, Rabia, Amar a morir, La mosquitera, No eres tú soy yo, Satanás, La cara oculta y Operación E.


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Donde pone el ojo pone la taquilla

En abril, Andi Baiz sorprenderá con una cinta novedosa acerca lo que sucedió el 9 de abril. Estuvimos con él para descubrirlo impaciente y neurótico, sencillo y amado, terco y al tiempo capaz de improvisar sobre la marcha. Perfil nada griego de un creador con oficio.

Por Enrique Patiño

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ndi Baiz responde con celeridad. Por esa práctica adquirida ante los medios, a cada pregunta pareciera tener una respuesta lista. Hasta que las preguntas lo sacan de la zona cómoda. “¿Dirige con rabia?”, indago. “No”, responde. “¿Qué le da rabia entonces?”, pregunto de nuevo. Se queda en silencio y no hago nada por romper el hielo en la conversación. Pasan dos minutos contados y el director de cine colombiano no logra encontrar la respuesta correcta. Lo piensa tanto que a pesar de su disposición total, evade responder a la ligera. Un día después me llega un mensaje de texto al celular con su contestación. *** Ese instante, el de la prisa y el de la respuesta que no llega, el mensaje al día siguiente y la forma en que habla, dan buena parte de las pistas sobre quién es este director que se balancea entre el éxito de

taquilla y la apuesta por un cine con un estilo propio. Andrés Baiz es mucho más de lo que se ve, pero también lo que todo el mundo percibe: un tipo afable que no se cree la fama, un buena gente que hace lo posible por desmarcarse de las trampas del éxito, un hombre de buen humor que llama mompis a sus amigos y conocidos, un amante del cine que con tres películas encima, es capaz de un abrazo sincero o de caminar por la calle atestada de carros con un traje de gala al hombro como si acabara de salir de una tienda. Un caleño sencillo venido de una familia de industriales al que le gusta vestir bien y que defiende su estilo descomplicado y a la vez pulcro, y que cuando debe parar un taxi en la calle toma el riesgo de cruzar las avenidas y sortear los buses para hacerlo, así como cuando debe tomar una decisión compleja en el rodaje la asume sin dilaciones y sin perder la chispa que lo caracteriza. Ese es él. Es seductor en su sencillez y en su falta de coquetería directa con las mujeres, con lo cual muchas se anticipan y le declaran su admiración, como también termina siendo seductora el aura de desprotección que genera su forma casi cándida de ser. Pero no solo es eso: también es el hombre que tiene tal oscuridad dentro de sí que es capaz de dirigir cintas de pasiones bajas y sucesos terribles como Satanás y La cara oculta. Es el que cuando sabe que alguien más contestó lo mismo que él pide cambiar la respuesta porque le interesa verse original. Es el que odia las películas con mensaje y el


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que ama el universo de desolación moral del director alemán Michael Haneke (Caché, Amour), del que ningún espectador sale indemne. Es el hincha del América de Cali que creció en una ciudad cercada por el narcotráfico y aprendió de la violencia y del lujo a tener imaginación para superar las imágenes surrealistas de los ochenta y así crear las suyas, las propias. Es el que hace televisión por el confeso deseo de ganar dinero y también hace cine porque lo emociona hasta la médula. Y es el que defiende la supremacía del ego y el individualismo como virtudes, y tiene al libro El manantial de la filósofa Ayn Rand y a su protagonista, Howard Roark, como parte del camino a seguir. “Es el ego que se distancia de la estupidez, de seguir a las masas, de la falta de estética. Es el que no mira por encima del hombro sino el de quien sabe lo que quiere”, explica. Y él lo sabía desde muchos años atrás. *** Exactamente desde que tenía doce años se le metió en la cabeza que quería trabajar en el cine. Casi a diario iba a Unicali o al Autocine en su Cali natal, motivado por las historias del Gordo y el Flaco que veía en su niñez a las 7 a. m., y por las películas en betamax. La devoción con la que asistía a los antiguos teatros convirtieron esas visitas en un ritual en el que se perdía en medio de la butaca de la sala en penumbras. Allí descubrió cintas como Goonies, Gremlins, Predator, Maniquí, Buscando a Susan, Este muerto está muy vivo o Tootsie. Nunca se imaginó en la pantalla. Porque desde entonces su obsesión fue Es el ego que se distancia de la de desentrañar qué se reqla estupidez, de seguir a las masas, de la falta de estética. uería para que esas historias nacieran y la gente acudiera a Es el que no mira por encima verlas. La afición por contar en del hombro sino el de quien imágenes cobró fuerza cuando sabe lo que quiere” una cámara Sony Hi 8 llegó a sus manos y él decidió filmar sus tareas de inglés, sociales y artes, y los profesores del colegio Bolívar impulsaron su idea. Lo curioso era que el más fanático cineasta de la clase fuera el que menos veía. Andi siempre ha tenido problemas de visión y ha requerido tres operaciones. No puede ver en tercera dimensión por no tener binocularidad y porque su cerebro elige un solo ojo y alterna su visión para enfocar. Pero un antecedente lo animaba: el director de la primera película en 3D de la historia del terror, La casa de cera, nunca pudo verla en ese formato porque le faltaba un ojo. Al igual que John Ford, cuatro veces ganador del Óscar como mejor director. Su trabajo La rebelión de los girasoles ganó el premio a la mejor película de su colegio. Pero su familia era industrial, el cine a sus 17 años era una empresa absurda destinada a otros caleños locos que arañaban el arte con sus puras ganas, así que se decidió por el diseño industrial. Pero resistió poco. Se salió de la Javeriana y viajó a estudiar cine a Estados Unidos, primero en Pace University y luego en NYU, movido por esos genes familiares que le venían de su abuelo materno, que vendía taquillas de cine en Tolú, y del legado de la cámara súper 8 que guardaba los recuerdos de la familia y que ya entraba en desu-

so cuando él nacía, en 1975. Mientras vivía en Sunnyside, en el barrio Queens, y se nutría del cine de los grandes estudios de los años treinta a la época dorada de los setenta, tuvo que trabajar en todo para sobrevivir. Fue portero en bares, buscó locaciones, detuvo el tráfico y hasta empaquetó discos. Con su acelere y su vocación vivas siguió viendo cine y eligiendo a sus directores favoritos porque “tenían oficio” y eran capaces de asumir lo que fuera. Desde Hitchcock hasta Wilder, pasando por Houston y Kapra. Durante los ocho años que duró aquella aventura logró montar una productora, Centro Films, para grabar videos institucionales. Pero un día, con todo y su amor por Nueva York, anunció que se acababa el viaje. Y que se devolvía. Allá era uno más. Acá –se dijo– haría cine. *** En su dúplex del barrio La Macarena, en Bogotá, dominan el espacio cientos de películas. Entre ellas todas las de Orson Welles, y otras como El ángel exterminador de Buñuel, Satiricón de Fellini, Río Bravo, la argentina El aura, de Bielinsky, E.T.


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de Spielberg o Había una vez en el oeste, de Sergio Leone. Es un tremendo anfitrión. Y el espacio, lleno de todo, seduce por la misma razón que él lo hace: porque todo lo contiene y sin embargo no deja de lado la sencillez. Esa suma de lo variado es Andi Baiz. Él es eso: se nutre de cada cosa que encuentra y esa libertad lo deja en paz consigo mismo. El que ama el olor del café es el que admite que en sus relaciones se da con intensidad y que el desamor termina dejándole el corazón vuelto añicos. El que fue capaz de internarse en el barrio La Candelaria durante seis meses para hacer la primera versión del guión de la novela Satanás en 2004, cuando Mario Mendoza les cedió a él y a Rodrigo Guerrero los derechos, es el mismo que tuvo la paciencia necesaria para esperar tres años, entre premios e inversionistas, hasta que viera por fin la luz su ópera prima. Él, aunque es un impaciente de primera, en sus momentos de quietud se apaga y no dice palabra alguna. Él, un confeso neurótico, se abstrae en la soledad, sufre de perfeccionismo, sabe llevar su metódico plan de trabajo hasta el límite, y sin embargo se permite la risa y la improvisación. El terquísimo hombre que cree en sí mismo con la fe ciega del ganador, logró gracias a su arrebato rodar un corto llamado Hoguera, con el que fue elegido para la Quincena de Realizadores en Cannes, y gracias a eso todo el

mundo supo que existía. Ese es Andi. Un pragmático de principio a fin, que se enfrenta a colegas por su cercanía con el cine gringo y porque está convencido de que las películas son para que las vean muchas personas y que la industria del entretenimiento no riñe con “ser fiel al arte, sin concesiones”. El que admira el caos del amor, la fuerza destructora que arrolla todo a su paso. Tan oscuro como claro, tan sombrío como luminoso. Andi es la luz que se proyecta sobre la pantalla “Un mamagallista. y la oscuridad que se cierne sobre Mi oscuridad surge cuando el teatro. El mismo, en definitiva, me pongo a confrontar a la que acaba de rodar una cinta sobre gente consigo misma” Roa, el asesino de Gaitán, una peli con trasfondo político porque cree que hay que dirigir de todo y que, más allá del tema, la razón de ser del cine es transmitir emociones. *** Lo que me da rabia –contesta un día después– es la estupidez. Es una lástima que la estupidez no duela. También me dan rabia la pretenciosidad en la gente y el esnobismo”. Al minuto me llama. “Mompis, gracias”, me dice. Mientras escucho su voz sospecho que pasó toda la noche pensando la respuesta como si fuera una escena inacabada. Hasta que la tuvo. Hasta que de su oscuridad temporal emergió la luz. Hasta que fue Andi de nuevo y la sonrisa volvió a posarse en él.


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Las ventajas de ser un sapo El cartel de los sapos dejó un legado de altísima calidad en su producción y actuación. Su propuesta demostró la evolución del cine nacional.

Por Adriana Naranjo

Limpio y luminoso”, es la frase que repite Martín, alias “Fresita”, el personaje interpretado por el actor y productor Manolo Cardona. Martín González, en el Cartel de los sapos, es el niño de clase baja que descubre el mundo del tráfico de drogas y se hunde en él al creer que es su única opción para salir de la pobreza y conquistar el amor de su infancia, Sofía. Su audacia, inocencia e influencias lo llevan a convertirse en uno de los integrantes del Cartel del Norte del Valle, una de las más fuertes organizaciones criminales, cuyo dispositivo poderoso y sanguinario superó a del Cartel de Cali en influencia política, astucia militar y poder económico. La obsesión por estar en la posición económica de su amada Sofía y de saciar las necesidades a las que la joven está acostumbrada lleva a Martin a ahondar en su mundo lleno de drogas, malas amistades, soledad, zozobra y angustia continua. A pesar de que es una historia recurrente y mil veces contada, la cinta El cartel de los sapos, contada a

través de la historia de Martín, fue llevada con solidez al cine, con una “factura clara, y una dirección y actuaciones impecables”, dijo al respecto Laura García presidente de la Academia, que la eligió como representante de Colombia a los premios Oscar, donde finalmente no salió elegida. Así, como dice Martín en la cinta, “Limpio y luminoso”, fue el resultado de esta película que representa la evolución del cine colombiano junto con el trabajo de otros creadores nacionales actuales. En este caso, gracias la productora 11:11 Films, que promete sacar adelante producciones al nivel de una industria extranjera, pero con historias colombianas de ficción y amor, entre otras. Ya saben cómo hacerlo. En su caso, por ejemplo, con un elenco de nivel como principal atractivo: entre ellos, Manolo Cardona, Robinson Díaz, Julián Arango, Diego Cadavid, y el “Flaco” Solórzano, así como con importantes figuras internacionales del estilo del Kuno Becker y Pedro Armendáriz. Con una producción y un montaje impecables, y con tres hermanos, Francisco, Juancho y Manolo Cardona, además de Juan Carlos Caicedo, a cargo de la productora. Ser sapo tiene ventajas: saltar alto, entre ellas.


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El Cuarteto de Nos, en rima Son tan geniales que aparte de la nota con su líder y vocalista, les hicimos una entrevista basada en sus canciones, en la que sus letras responden a las preguntas. Doble visión de un cuarteto que todo lo rima y que está en lo más alto de la música latinoamericana.

Entrevista en prosa

L

os de El Cuarteto de Nos todo lo riman. Pero no como cualquier cantante de combate, sino con un estilo propio que quiebra los esquemas de los tradicionales decasílabos u octosílabos, al punto de haber creado un nuevo lenguaje que acepta todas las influencias, que se nutre de los idiomas, y que se enaltece con una extrañísima mezcla en el mundo musical: alegría,

riesgo y la profundidad y el desparpajo de letras que dejan pensando y a la vez ponen a bailar. Al inicio también a ellos les dijeron que no. Que eso no vendía. “Mirá, Roberto –le reprocharon a Roberto Musso, su vocalista y el creador de los versos– que con esas letras tan complicadas, vos no vas a vender nada. Cambiá. Volvete un poquito más comercial”, le insistieron. “Pero no lo hice. Las letras eran importantes desde el inicio. Siempre he tenido cuidado con ellas. Han ido cambiando en la forma, porque uno también va cambiando y ya no piensa en lo que le importaba cuando chico. Pero aunque veo la vida diferente, sigo rimando y divirtiéndome. He pasado de jugar con el lenguaje a seguir jugando a crear algo mucho más intenso, profundo, de temas que me conciernen en el momento”, afirma.


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¿Y la gente sí respondió bien ante letras tan complejas?

Mucha gente me decía que debía escribir algo más popular, que tratara de bajar la complejidad de las letras y eso al contrario, me llevó a subir la mira y a hacer cosas más complicadas. Un amigo me comentaba que con las letras del Cuarteto ya no necesita leer ningún libro, porque lo fuerza a aprender siempre nuevas cosas.

Aunque cante, usted respeta la rima y juega con el lenguaje. Eso es poesía. ¿Se siente poeta?

La poesía es parte de mí. Yo lo que hago antes de escribir una letra es darle el aspecto de un guión. Hago mucha investigación, y luego lo voy trabajando por dos o tres meses, hasta que queda florido, poético, pero en formato de canción pop.

¿De dónde viene que unos uruguayos se hayan arriesgado con canciones en verso de este estilo? ¿Del rap?

Para nada. Hay un género que se llama la “Pallada” en mi tierra, en el que se retan dos contendientes a través del canto, y pasan de una frase aguda a la otra, algo similar a lo que hacen los trovadores en el norte de Suramérica. Lo del Bronx es un rapeo y en cambio nosotros somos del sur. Para la gente que nos oye, somos un cuarteto argentino (risas)… por aquello del acento.

¿Cómo es la construcción de las letras de las canciones?

Es un arduo trabajo. Yo soy bastante objetivo: busco que todo quede bien armado, que no haya relleno, que todas las frases aporten algo a la canción.

Hay unas que riman o pegan de inmediato, pero también hay palabras que todos conocemos de otro idioma o que son modernas, o incluso algunas que van a pasar de moda dentro de poco. Todas ellas las adopto y las incluyo.

¿Cómo hace para memorizar todo?

A veces se me olvida, pero lo trabajo tanto que igual lo recuerdo, aunque sean dos horas de concierto y no pare de hablar. Acá en Bogotá ya el público nos recibió bien en Rock al Parque 2008 y hace poco, en el Festival Altavoz. Aparte de las letras, nuestro show es potente, bien balanceado, de rock fuerte, momentos tranquilos y con mucha presencia escénica. ¿Quieren más?


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Entrevista en verso ¿Roberto, qué te falta por hacer?

Ya probé, ya fumé, ya tomé /ya dejé, ya firmé, ya viajé /ya pegué, ya sufrí, ya eludí /ya huí, ya asumí, ya me fui /ya volví, ya fingí, ya mentí. /Ya me hice un lifting /me puse un piercing /fui a ver al Dream Team y no hubo feeling/ me tatué al Ché en una nalga, arriba de mami para que no se salga… y yo estoy cada vez más igual / ya no sé qué hacer conmigo.

Cuénteme de la influencia de otros idiomas en sus letras ¿Cómo sucedió?

Yendo un weekend a lo de Damián /Tenía urgencia de hablar con el man /Caminé porque pinché mi van /Vi una mina de la que soy fan /Una que sale por el canal Sony /En una serie que está con un pony /Y en mi casa del barrio Marconi /Siempre la veo tomándome un Johnny.

Eres uruguayo. ¿Tienes menos alto el ego que los argentinos?

Yo me llevo solo bien conmigo /Yo del mundo soy el ombligo /De mi vida yo hablo mucho /Y cuando me hablan yo nunca escucho. /Soy de mi propia secta / Soy mi pareja perfecta /Y sí, yo soy así: /propongo un brindis por mí.

A pesar de ese ego, ¿se siente latinoamericano?

No me jodan más no somos latinos /Yo me crié en la suiza del sur. /Yo no sé bailar ni cumbia ni salsa /ni me escapé de Cuba en una balsa. /Me parió en Montevideo mi mami /yo no quiero ir a vivir a Miami.

Por lo que vemos, le va bien con los conciertos. ¿Ya es rico o aún le falta algo?

Necesito una mujer /para darle un beso /Necesito una mujer /que me preste un peso /Necesito una mujer /que me ame sin prisa / Necesito una mujer / que tenga cuenta en Suiza.

¿Cuál es su declaración de principios, entonces?

No quiero cometer tus mismos errores /Ni creer que todos son estafadores /No quiero manejar tus mismos valores /Ni que cada día sea igual a los anteriores /No quiero no poder controlar mis enojos / Ni cargar esa tristeza en los ojos /Mojados y rojos / Ajados y flojos/ /No quiero resignarme a ser mis despojos /Y aunque esta verdad pueda doler /Tengo que decirlo, sin complacer /Pero si ofendo, pido perdón: /Cuando sea grande, no quiero ser como vos.


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Colgando en tus manos,

Baute Para un cantante espontáneo como el venezolano, nada mejor que una entrevista a su ritmo: con tono de balada y de pop latino, para que él fluya y cuente quién es.

Por Adriana Naranjo ¿Quién es Carlos Baute?

Un cantautor venezolano, pasional, feliz, enamorado, romántico, que ama la vida y respeta al ser humano y a este planeta por sobre todas las cosas.

¿En qué se inspira para componer sus canciones?

En vivencias propias y de personas que me rodean, amigos... familiares.

En sus canciones desarrolla el romanticismo pero también aborda temas sociales, como el de la violencia contra las mujeres (Mariana no quiere ser mojigata) ¿por qué aborda hace esa “denuncia” en sus interpretaciones?

Porque actualmente vivimos en una situación muy delicada con respecto al maltrato de género, y ahora que vivo en España he visto y me ha impresionado la cantidad de mujeres que muere a diario en manos de sus parejas. Al escribir esta letra quise darle mi apoyo y mi fuerza a la mujer que vive esa tragedia salga adelante y pueda denunciar a esas lacras que viven entre nosotros, y se anime a buscar la forma de ser fuerte y, con la ayuda de profesionales, salir de esa situación. Lo mágico de la música es que ya lo he logrado con más de una treintena de mujeres. Lo sé porque me han escrito por Facebook y por Twitter para decirme que su vida ha cambiado gracias a esa canción.

¿En su videoclip “Quién te quiere como yo” le rinde tributo a Gael García Bernal en “Diarios de motocicleta”?

No ha sido un tributo. Simplemente lo que me gustó de esta película fue la fotografía y la idea de

andar en motocicleta. Siempre me han gustado las motos y tenía mucho tiempo sin hacerlo por un accidente que tuve a muy temprana edad. Así es que lo propuse en la discográfica y después salió la idea de hacer una especie de trilogía, en el cual voy paseando en moto y aprovecho de mostrar lindos sitios de Latinoamérica. La trilogía la comenzamos con el videoclip de “Quién te quiere como yo”, para realzar lo espontánea que es la gente de un pueblo mágico llamado Tepoztlán, en México. El segundo videoclip “Amarte bien” presenta la ingenuidad y alegría de los niños de un pueblo de Venezuela, llamado Choroní. El tercer video “Tu cuerpo bailando en mi cuerpo” fue filmado en Argentina, en un bar de San Telmo.


¿Qué está hecho de su puño y letra?

Comencé en 1998 haciendo música y letras compartidas con varios compositores y productores. Incluso me estrené ese año como productor. A partir de 2002 empecé a realizar toda la música y las letras de mis canciones hasta hoy, incluyendo arreglos y producción.

Cuando terminó “Colgado en tus manos” quería cambiar y rehacer la letra ¿Por qué?

Porque sentí que está canción era demasiado autobiográfica, y pensé que nadie se iba a identificar con ella… Gracias a Dios estábamos justo de tiempo y no pude hacer ningún cambio.

¿Cómo fue compartir esta canción con una diva como Martha Sánchez y cómo logra convencerla para que cante con usted?

Ha sido una experiencia inolvidable, porque sabemos la voz y el talentazo que tiene Marta Sánchez; no fue difícil convencerla, porque ya el tema lo conocía por su hija. Así es que me dijo: “Tú no sabes las veces que yo he escuchado este tema. Mi hija de 8 años lo pone todos los días en casa y cuando va a ir al colegio también. Dice que tú eres su novio”. Una vez lo tuvo en sus manos y vio que tenía, por la suerte de ambos, el tiempo discográfico para hacerlo. Lo hicimos y allí empezó la magia y el misterio del éxito de esta canción. Sin Marta no hubiera sido lo mismo este tema.

¿Por qué el título del tema “Te extraño porque te extraño”?

Es un canto a todas aquellas personas que han tenido que dejar su país, ciudad o pueblo natal en busca de un futuro mejor, o sencillamente por seguir con su carrera y ampliar su desarrollo profesional. Aproveché también para hacer una metáfora en la que mi país es mi pareja, porque siempre he pensado que Venezuela es tan bella como una mujer. De esta manera, siempre se la tratará con respeto y devoción, como debe ser.

Háblenos de “Quién dice que no duele”

Es una canción que busca hacer un reclamo sobre las situaciones que nos duelen. Por ejemplo, es triste ver cómo niños de corta edad llevan en sus manos armas de fuego para luchar, en vez de estudiar o de estar pendiente de jugar y darle patadas a un balón de futbol. Todos nuestros mandatarios, en países tan ricos como los de Latinoamérica, ofrecen el moro y el rey a la gente por comprar su voto, cuando en verdad la gente se muere de hambre y ellos siguen sumergidos en una burbuja, ahogados de poder. Esto a todos nos duele.

¿Extraña Venezuela?

Desde el primer día que salí siempre le he extrañado, pero a su vez siento que la vida me ha puesto la tarea de vivir en diferentes países y ciudades del mundo. Hoy estoy muy agradecido porque se aprende muchísimo sobre otras culturas y costumbres en cada país y cada día crezco más. He tenido la suerte de vivir en varias ciudades de Venezuela, Estados Unidos, México, Argentina, España e inclusive he pasado temporadas en Letonia. Esto me hace ser ciudadano del mundo. Amo este planeta. Está lleno de gente interesante y, a Dios gracias, son más los buenos que los malos.

¿Es feliz en España?

Mucho. Ha sido un país que me ha abierto sus puertas y ha adoptado mi música de una forma impresionante; además, ya llevo casi un tercio de mi vida viviendo allí.


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Olga: la irreverente Por Enrique Patiño

La creadora de moda Olga Piedrahita es, ante todo, una artista cuyo lienzo son las telas, pero que va más allá de los textiles a la hora de crear. Semblanza y perfil de esta mujer, quien ya es un símbolo de la creatividad.


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ay un momento que se graba en la memoria y del que Olga Piedrahita no se percata. Sucede cuando ella habla, y de repente, para enfatizar una frase, estira la mano hacia lo alto y su voz profunda se une con sus manos en un gesto de palomera en el acto de liberar un ave al vuelo. Porque ahí está lo que ella es. Está su adolescencia consagrada al ballet, el rigor de la danza y la libertad de sus movimientos, pero también su amor visceral por el teatro. Está su apuesta por la libertad creativa como una consigna de vida y su decisión de estudiar arte y de convertir a la moda en una propuesta estética. Está la educación libre que le dieron sus padres y su búsqueda “por la experimentación y la soltura, por darme licencias para volar”. En un solo gesto, toda ella. Ese instante no es gratuito. Lo ha construido durante toda una vida dedicada a transformar su entorno y treinta años de oficio en la moda. De hecho, ese momento empezó en su propia casa, cuando era apenas una niña de brazos, y se movía entre el mundo de lujo y sofisticación de su familia paterna y la apertura mental de su familia materna llena de artistas. A pesar de que estudió en un colegio de monjas, su papá la sacó de la formalidad y le ofreció regalos vedados a otros, como darle la libertad de usar bikini en su adolescencia o regalarle una ida a cine para que viera en pleno 1970 la historia del festival de Woodstock. Sin embargo, en su pasado fue determinante su vocación como bailarina de ballet y su dedicación de tres horas diarias a fortalecer sus piernas para lograr las casi imposibles torsiones de la danza. Ese rigor que la llevaba a comprender el espacio con disciplina y rigor para luego liberarse en el escenario la formó Tengo puesta la camiseta del estéticamente. “Porque a parrelevo generacional, porque tir de ese instante sentía para sé en carne propia que lo no poder transmitir y apelaba a la comprendido genera rechazo. estética como filosofía de vida”, Busco jóvenes que tengan dice. Luego de estudiar arte en Estados Unidos se reencontró pasión y fervor y que tengan con su hermana Eulalia, que empatía con mi marca: ese regresaba de Florencia, Italia, humor y esa irreverencia, y quien había estudiado tejiesa libertad y ese vuelo”, dos, y emprendió un proyecto artístico que la llevaría a encontrarse casi con naturalidad con el mundo de la moda. Montó un espacio al que llamó el Taller Barroco, y junto con ella reunió manteles, casullas, encajes y vestidos viejos del barrio, y ensambló piezas disímiles en una exploración textil, “una alquimia en degradé de colores” que era más una apuesta por unir dos universos distintos que un oficio. Lo cierto

fue que gustó y fue exitoso. Sus propuestas parecían disfraces y todas estaban investidas de teatralidad. Esa nostalgia retro que apuntaba a los años veinte y que tomaba elementos del Wearable Art de enorme fuerza entonces en Londres la convirtió, de un momento a otro, en diseñadora. Viajó a Bogotá y se encontró con un mundo de colegas con ideas. Participó cuatro años seguidos en los desfiles de la Asociación Colombiana de Diseñadores y dejó atrás, por primera vez, lo que la había hecho exitosa, para jugársela por algo nuevo. Por primera vez. Porque desde entonces entendió que siempre debía jugársela: que cada vez que sintiera que se sabía la fórmula del éxito debía cambiarla. “Siempre tengo el impulso de quitarme la piel y de iniciar una aventura nueva. Si no siento ese reto no me encuentro. Nada es más peligroso que repetirme”. Por algo es considerada la reina de la creatividad y la más importante creadora textil del país. Y ese deseo de reinventarse la llevó a incluir en sus colecciones otro de sus amores: las óperas y el teatro. Por eso nunca realiza pasarelas convencionales, sino verdaderas puestas en escena en las que cada vestido cuenta una historia coherente y sin embargo es una obra de arte en sí; en las que cada modelo está fuera de los circuitos conocidos e interpreta un papel definido; cada pieza musical corresponde a una sensación y el espacio es casi siempre una bodega abandonada e intervenida, reinventada como escenario por un equipo de hasta 250 personas. Casi la misma idea que plantea ella con sus materiales, cuando apela “a telas anónimas como el dénim, los yacards y otras con las cuales se pueden contar historias”. Eso significa intervenirlas, deconstruirlas, quemarlas, arrugarlas o usar elementos no comunes como papeles, plásticos o incluso esparadrapos. Olga Piedrahita busca en las ferreterías materiales para trabajar, pero también en el color de las casas de Curacao o las bolsas de basura de su edificio y en lo común de cada día. Y en la gente del día a día. Por eso cree en los jóvenes y junto con su hija Danielle ha consolidado un equipo de especialistas que la apoyan en sus colecciones y además busca talentos para que presenten sus propuestas en su tienda. “Tengo puesta la camiseta del relevo generacional, porque sé en carne propia que lo no comprendido genera rechazo. Busco jóvenes que tengan pasión y fervor y que tengan empatía con mi marca: ese humor y esa irreverencia, esa libertad y ese vuelo”, dice, y en ese momento levanta la mano al aire, como si fuera una palomera en el acto de liberar un ave al vuelo. Y ahí está toda ella, en un gesto perfecto y preciso que la define entera.


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Colombiatex es causa y efecto Los empresarios del sector textil comienzan la agenda del nuevo año con la feria más importante de América Latina, Colombiatex de las Américas, que se realizará del 22 al 24 de enero, en Plaza Mayor de Medellín.

por Alejandra Santacruz Arenas


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ste año la edición número 25 de Colombiatex llega con más oportunidades, potencia, tendencias y vanguardia, a la espera de que durante los tres días de feria se generen oportunidades comerciales por más de 120 millones de dólares. En un escenario de 9.300 metros cuadrados, 475 expositores exhibirán las últimas tendencias de textiles, materias primas, insumos, maquinaria y productos químicos para la industria de prendas de vestir y el hogar, para más de 15 mil visitantes nacionales y extranjeros entre ellos 1.500 compradores internacionales. Es importante destacar que Estados Unidos fue el prtincipal destino de las exportaciones colombianas durante los primeros diez meses del año pasado, según cifras del Departamento Administrativo Nacional de Estadística, con una participación de 32,7 % en el valor total exportado. “Ese dinamismo con Estados Unidos estuvo impulsado por la entrada en vigencia del Tratado de Libre Comercio, el cual fue nuestro invitado especial en 2012. Este año tenemos como invitado al Tratado de Libre Comercio con la Unión Europea y esperamos que la feria sea un espacio para empezar a cultivar nuevos negocios de cara a aprovechar los beneficios de ese acuerdo comercial”, expresó Carlos Eduardo Botero Hoyos, presidente ejecutivo de Inexmoda. “En 2013, con motivo de los 25 años de trabajo de Inexmoda y Colombiatex, nos propusimos fortalecer el conocimiento y el trabajo recíproco entre la industria y el Instituto para la exportación y la moda”, anotó Botero Hoyos. Durante esta versión la novedad será lo que se ha denominado “Sí futuro”, un espacio que propone reflexiones sobre el presente y futuro de la industria, a partir del lenguaje del consumidor del mañana y de los horizontes de rentabilidad para las marcas. Clara Henríquez, directora de escenarios comerciales expresó que durante esta feria se mostrará a los empresarios que el único camino para ser competitivos en el mercado es el de la innovación. “Se debe innovar y esa es una decisión fundamental que debe tomar el líder para jalonar y llevar su empresa hacia el desarrollo”. En “Sí futuro” se trabajarán dos categorías y modelos de negocio en los cuales la industria textil se debe enfocar: el primero es el trabajo con índigos, la base textil preferida en el mundo de mayor capacidad de adaptación; el segundo es la combinación de indumentarias deportivas y la moda. Medellín está preparada y es causa y efecto de la moda que Inexmoda expone al mundo este año.


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Las artistas

de 2013

Martina la peligrosa, Natalia Bedoya y Lianna vienen con toda. Su calidad, su voz, su propuesta y su talento nos llevan a apostar por ellas este año. Perfil de estas tres mujeres que sonarán como se lo merecen: con fuerza y a todo pulmón.

Por Enrique Patiño y Dahyana Betancur

Fotos de Enrique Patiño (Natalia Bedoya y Martina)

Atención: una peligrosa suelta Ojo, atención, cuidado: no se acerque. Con Martina corre un peligro de entrada: ser víctima de su desparpajo y dejarse envolver por su locura feliz, y al mismo tiempo ser arrollado por su voz y su dominio del escenario. Otro peligro es entrar a su página en youtube llamada Ponte linda y hacerle caso: o sale más bonita quien la escuche, o sale más libre. Su locura por hacer música arrancó a los 12 años, cuando vio cómo su hermana Adriana Lucía se dedicaba a cantar y ella quiso vivir lo mismo porque lo llevaba en la sangre, al igual que ella, y cada nota le corría a borbotones por las venas. Pero Martina no cantaba: solo bailaba en el grupo de su hermana, y se movía con frenesí entre las coristas. Y así lo hizo por varios años, a pesar de que ensayaban juntas en la casa de su familia en su Córdoba natal y hacían juntas las voces y entre las dos, se aprendían las letras. Hasta que en un evento organizado por la Presidencia de la República, el grupo completo de Adriana Lucía viajó a Bogotá para participar en el Congreso de las Juventudes. Todo marchó de maravilla, salvo por el pequeño detalle de que la corista nunca apareció. La alarma cundió. El más preocupado fue su padre, el manager de la banda, que estaba a punto de tirar la toalla. Cuando la tensión crecía, Marti, como le dicen sus más cercanos, dijo que ella podía hacerlo. Que la dejaran. No lo dice, pero debió decirlo con la sonrisa amplia que la caracteriza. La necesidad hizo que su papá, desconfiado, accediera. Y su sorpresa fue mayúscula. La pequeñita no solo se sabía todo a la perfección, sino que cantaba como si su vida estuviera puesta en ello. “¡De qué me estaba perdiendo!”, exclamó su padre. Pues cada vez menos saben de lo que se están


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perdiendo. Porque Martina la peligrosa, que es ella y a la vez su banda, está grabando su primer sencillo, Veneno por amor, que ya está a punto de salir al mercado, y ya tiene un álbum preparado con canciones como Sonríe princesa y otras más que reúnen su esencia: música femenina en su esencia, pero al mismo tiempo, capaz de mezclar el folclor, el rock, el pop y su capacidad de reinventarse y de tomar la vida con desparpajo. Ya muchos han visto de lo que es capaz cuando se convierte en la corista del grupo de su hermana Adriana Lucía. Otros se sorprendieron antes, cuando fue solista, primero en el bar San Sebastián, y luego en Gaira, bajo la batuta de Carlos Vives. En este lugar duró cinco años y medio país la conoció bailando desde mapalé hasta rock and roll, y cantando desde bullerengue hasta rock. Un gusto que le viene desde la infancia, cuando junto con su hermano mayor escuchaba rock en español en su casa en El Carito, su pueblo de origen, una rareza para el lugar. Nutrida al mismo tiempo por el bolero de Julio Jaramillo y el tango de Gardel, el vallenato de su hermana, el folclor local y la salsa que ponían en las emisoras, estudió música en su casa y luego en la Universidad de Córdoba hasta que viajó a los dieciocho años a Bogotá. Ahora, junto con Jairo Barón, su novio y guitarrista de la banda, está demostrando que vino al mundo para hacerse sentir. Y para dejar en claro que es “peligrosa” como la recuerdan sus amigos de la infancia y como la llamó su abuelo desde niña, hasta que Carlos Vives recuperó el apodo y se lo plantó como su alias definitivo. Porque con ella uno corre el peligro de contagiarse de su rudeza y diversión. De su maravillosa feminidad y locura. O simplemente, de ser feliz.


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La camaleónica Natalia No hay nada que no pueda cantar. O hacer sobre un escenario. Y no hay ser humano conocido que no quede impasible ante su voz arrolladora, o que al menos no se rinda, por un instante, ante la evidencia de que ella se entrega al público y a la música de la misma manera en que un ave con las alas abiertas se entrega a la fuerza del viento. Natalia Bedoya comprobó que podía ir más allá de sí misma cuando presentó una audición para convertirse en la nueva artista de la obra colombiana que abrió el Festival Iberoamericano de Teatro de 2012, María Barilla. No solo obtuvo el difícil papel, en el cual tenía que cantar y actuar y bailar bullerengue y porro, sino que ahí, en ese mismo instante, se dio cuenta de que tendría que sortear sus propios limitantes y cambiar su registro vocal del blues, el jazz y el rock al que estaba acostumbrada con las presentaciones de su banda Martini Blues, para cantar con el alma puesta en la voz pura de las cantaoras de los departamentos de Bolívar, Sucre y Córdoba. Pero además, entendió que tendría que moverse de otra manera y reinventarse una vez más. Algo que, por cierto, le gusta. Porque eso es ella. La que cantó alguna vez en Pop-

stars y ganó; la que se fue a Argentina a convivir y aprender en la escena misma del rock duro y puro y se enamoró allí del blues; la que se inventó a Emma Project, un proyecto bizarro de buena música que rompió con los esquemas y cuyos videos siguen rotando con éxito en youtube; la que puede cantar en los espectáculos de Misi y al mismo tiempo, afrontar el teatro y el dominio del escenario en Martini Blues, una obra atrevida en la que conmueve y emociona con su voz más grave y sus más intensos registros; y esa misma mujer que hace vibrar con su voz aguda en el bullerengue de María Barilla, la obra que redefinió su oficio y la puso, una vez más, en el centro de la escena nacional. A final de año grabó un DVD en vivo con lo mejor de su obra, que estará listo en los primeros meses de 2013. Y espera lanzar su propio disco, una combinación entre el folclor más auténtico y su amor por el blues, en el que trabaja aún por encontrar un punto medio. Pero sea como sea, Naty Bedoya espera seguir siendo independiente. Porque así es ella, también: un ave que vuela contra el viento y sortea las corrientes, y se alimenta de las contrariedades. Una voz que se escucha mejor cuando no sigue a los demás. Una rebelde.


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Una Lianna firme No es frecuente que en este país alguien intente ir lejos en ritmos como el R&B o el soul. O que asuma esa voz de terciopelo al estilo de Norah Jones, para transmitir la intensidad de sus sentimientos. Porque, primero, para hacerlo, se necesita voz. Y personalidad. Pero además, porque las emisoras son reacias a poner algo lo que les suene parecido a lo demás. Lianna se sale del molde. Y eso le hará bien en este 2013 de cambios, en el que las emisoras o se adaptan o morirán ante el avance de Internet. Porque su trabajo consistente no es de ahora, sino que viene de doce años atrás. Solo que en este 2013 ha decidido demostrar que su talento va más allá de las colaboraciones con artistas del hip hop, entre otros, y sentar el precedente que comenzó a labrar en 2001, cuando inició a colaborar con diversos artistas y formó parte de nuevos proyectos musicales. En 2012, Lianna se dijo “ya está bien”. Y así fue: estuvo bien, dejó asomar su voz suave y profunda, se lanzó en solitario y dejó en evidencia un sonido particular como solista junto a los productores Benny

B y David King, compañeros de creación, quienes dejaron su huella particular en cada una de las canciones. Claro que ya se había arriesgado antes, en 2008, cuando lanzó su primer EP como solista, y dejó entrever una propuesta más cercana al soul, pero con un inconfundible sabor a hip hop latino. Tanto así, que asistió al Festival Hip Hop al Parque 2009 y recorrió varios escenarios, entre ellos el Festival Iberoamericano de Teatro 2010 y el Gran Concierto Nacional del Bicentenario en Barranquilla, así como la Feria Internacional del Libro. Junto con el artista del hip hop latino Vico C, participó en Hip Hop al Parque 2011, saltó al Festival Rock al Parque 2011 y al Festival Lollapalooza en Chile 2012. Ahora falta que en Colombia la conozcan más. Y mejor. Paciencia, su primer disco, presenta su estilo y fuerza vocal. Acá combina los elementos musicales con las influencias que le ha dejado el jazz, el soul, el bossa nova y su propia alma femenina, a través de la cual narra alegrías, padecimientos, melancolía, amor y desamor. Ella ha tenido paciencia. Y es la hora de demostrar cuánto vale.


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Universal

Vale la pena hacerse a la música de la irreverente Nicki Minaj y “Starships”, el DJ Avicii con “Levels”, un remix de “Somebody That I Used To Know” de Gotye a cargo de DJ Tiesto, Wisin & Yandel a dúo con Jennifer López al ritmo de “Follow The Leader”, la reina del pop Madonna con su pegajoso “Give Me All Your Luvin´ ”, Lady Gaga “The Edge Of Glory”, “Lights” de Ellie Goulding; la boyband revelación The Wanted y su “Glad You Came”, “La señal” de Juanes, los divertidos 3Ball MTY con “Inténtalo”, Los Tigres del Norte y Paulina Rubio con “Golpes en el corazón”, los colombianos Cali & El Dandee y “Yo te esperaré”; los venezolanos de Chino & Nacho con “Bebé Bonita” y el líder de la música popular Pipe Bueno con “Mala”.

Discos para el 2013 Codiscos Se destaca el Tributo a Rafael Orozco. Binomio de Oro con guitarras, un álbum tributo con 15 de sus grandes éxitos con el Binomio de Oro en el que su inconfundible e inolvidable voz se deja escuchar esta vez de acompasadas guitarras. Treinta años de historia está cumpliendo el Grupo Niche. Treinta años de grandes éxitos bajo la dirección del maestro Jairo Varela, compositor y productor de la mejor agrupación de este género en Colombia. Codiscos publica Niche Platino, un álbum de 2 CDS+ 1 DVD con los grandes éxitos, sus mejores videos y como bonus track, karaokes, para que cantes al estilo de Niche.

Warner

Tal parece que Michael Bublé no pudo tener un mejor año que este 2012. Al comenzar, se reporto que “Christmas”, su primer disco temático, vendió 2.5 millones de copias en Estados Unidos (La segunda venta más alta después de Adele) y 7 millones de discos en el mundo. Para este fin de año se edita una edición especial titulada: “Christmas Special Deluxe Edition” que cuenta con 4 temas inéditos incluido el clásico “The Christmas Song”.


¿Y después de Madonna? 2012 vio cómo la reina del pop llegaba a Medellín. Y no solo ella. Desde Norah Jones hasta Lady Gaga pasaron por el país. Ella abrió el camino para cosas más grandes. ¿Qué se verá en 2013?

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onde pasa la reina pasan los demás. Así sucedió con Madonna, la mujer que ostenta el cetro de la reina del pop: vino a Colombia, cantó en Medellín, y el extraordinario –y quizás excesivo– despliegue que recibió, terminó por ser mencionado en el exterior y por generar una imagen positiva para el país en el ámbito de los empresarios musicales, algo que con ahínco ha buscado Colombia. Y aunque Madonna no fue la pionera, su presencia en Colombia derribó varias de las barreras que quedaban para que el país fuera considerado un destino vetado para los artistas más internacionales de actualidad. En 2013, de hecho, ya están confirmados artistas como Russian Red en el festival Centro, de Bogotá, junto con los chilenos Los Bunkers. En el Festival Estéreo Picnic, The Killers, entre los de más renombre, volverán a Colombia para presentar su más reciente trabajo musical. Otros menos conocidos pero realmente importantes, como Juan Cicerol, también estarán en el cartel del festival. Por

cierto, el cantante Alejandro Sanz ya se presentó en enero en la Feria de Manizales. León Larregui, el vocalista de Zoé, se presentará en su proyecto individual, así como el grupo español de gran tradición, Vetusta Morla, de gran calidad y mucha fuerza en el escenario. La banda española Mago de Oz ya confirmó su presencia en febrero y marzo en cuatro ciudades: Cali, Medellín, Manizales y Bogotá, así como la buena agrupación estadounidense de jazz Squirrel Nut Zippers, que se presentará en el teatro Metropol. New Order, un grupo de primer nivel, vendrá en abril al país, también para el festival Estéreo Picnic. Café Tacvba también hará las delicias de los que los siguen. Pero hay más posibilidades en veremos: se habla de traer a U2, se hacen conjeturas sobre incluir a Colombia en la gira de Keane, se está pensando en los Rolling Stones y en el regreso de Coldplay. Nada confirmado a la fecha de cierre. Pero también, ya nada dentro de lo imposible, luego de que la reina abriera el camino. Alabada seas, Madonna.


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¿Quién se esconde en

Cony Camelo?

Constanza Camelo es una de las más polifacéticas actrices en escena. Acorazada en su interior, hacia afuera proyecta un desparpajo que enamora al público cuando pasa de presentadora a actriz, de cantante a comediante. Así es cuando es ella misma.


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Fotos y texto: Enrique Patiño

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ony Camelo tiene un nombre sonoro. De esos que la gente atrapa al vuelo y procesa fácil hasta que les termina sonando familiar. No es casualidad que la vean en la calle y le digan así, por su apodo, “¡Cony!”, como si fuera parte de sus amigos, y que le pidan una sonrisa, que le mencionen sus papeles cómicos, le pidan que imite a sus personajes y les retribuya su impertinencia con un chiste. Ella, como actriz que es, asume fuera de los estudios esa identidad y les regala un poco de ese aire casual. Pero esa es la que usted aborda. La que usted conoce. Nosotros la vimos desde otro ángulo. Porque cuando es ella, lo primero que hace es enumerar todo lo que no es: no es Hilda Reyes, el personaje de Los Reyes por el que la gente más la recuerda. Tampoco es Andrea, la protagonista de La traicionera, una novela en la que trabaja en la actualidad. No es tampoco Dolores, la mujer de Cabared, la obra de Casa Ensamble en la que encarna a una divertida y agobiada mujer plena de vacíos que busca una respuesta a su insatisfacción en la virtualidad. Ni es Jovita, en Los caballeros las prefieren brutas, ni Valentina, en El Capo, ni una actriz de reparto en La traicionera. Y cuando uno arranca diciendo quién no es, es porque pocos se han puesto a pensar que más allá de los papeles televisivos, hay alguien diferente. Entonces, ¿quién es Constanza Camelo? Hace un largo silencio. Y poco a poco va desgranando aquella mujer que sí es. Cony Camelo se quita por un instante la máscara de ser fotografiada y una máscara aún más pesada que es la de sus personajes por los que la gente la recuerda –como por casualidad, en ese mismo instante, frente al espejo, también se despoja con pañitos la máscara del maquillaje–, y se confiesa vital, rebelde, melancólica, nostálgica. Y se confiesa activista de todas las causas políticas por haber y de todas las defensas por los derechos humanos y animales que valgan la pena. Y se confiesa reflexiva, de palabras espaciadas, de grandes silencios antes de dar una respuesta, de pensamientos profundos, de esos que dejan huella y de los que uno no sale indemne, sino herido y con ansias de más respuestas. Como todos los grandes cómicos, su seriedad es profunda. Como todos, desde Chaplin hasta Pierrot, es perfeccionista al extremo. Se preocupa por lo que acontece en el país, le concierne su entorno y también la figura que le permite verse bien y conseguir nuevos papeles. Tiene la dualidad femenina de la mente enfrentada a lo físico, y también esa genialidad de altibajos que persigue a los artistas.


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Además, duda de su interlocutor porque aún no está acostumbrada a que los demás publiquen y hagan con ella lo que quieran, sino que quisiera dejar en claro de una vez por toda su propia voz. Pero es actriz, y se debe a sus personajes: esa es su grandeza y su debilidad. Sin embargo, cuando se abre, cuando deja ver su realidad, es claro que no se parece a ningún papel que ha hecho. Que ella es más drama y lucha que risa y baile. Que ella es una ac-

triz profunda y seria que aún espera un personaje visceral para demostrarlo a plenitud. Que ella es más aventurera que figura pública. Que ella es por sí sola. No sus personajes. Una mujer cabal, dispuesta a todos, ansiando más retos que aplausos, más rebeldía que aplausos. Y uno la quiere más así. Es imposible no quererla cuando la ve real, cuando la ve despojándose de su personaje y enfrentándose al espejo de lo que es en su vida cotidiana. Cuando ve la seriedad con la que afronta el humor y también el dolor. Acá le dejamos sus mejores fotos, al estilo de los años veinte, y le recomendamos verla en Cabared, en Casa Ensamble, o en su canal favorito.

No es casualidad que la vean en la calle y le digan así, por su apodo, “¡Cony!”


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Es quizás la actriz más multifacética del momento. Veneno, la obra de teatro escrita por ella, nos recordó que escribe muy bien y que hay que seguirle el vuelo a Carolina Cuervo, quien además de escritora y actriz de TV es presentadora, actriz de teatro y directora de revista.

Domesticar a

una Cuervo Fotos y texto: Enrique Patiño Uno la ve y ve su lucha. Fuera de los libretos, lejos de su seguridad y su blindaje, aparte de su oficio como actriz –el cual comenzó a los cinco años– parece una niña expuesta a un mundo hostil: como los niños, apenas tiene tiempo para vivir la vida de tanto que quiere comérsela a mordiscos y sin pausa: corre, hace, deshace, interpreta, se aprende nuevos libretos, escribe, hace entrevistas y piensa en nuevos proyectos. Cuando la descubro, desayuna sentada en su carro, aprovechando el par de minutos libres que tiene antes de la entrevista. Para más señas, duré dos meses de conversaciones cruzadas hasta que al fin en su agenda tuvo un instante para mí. Y esa es su lucha. Porque con mi libreta en mano y la cámara fotográfica a la espera, veo su inquietud en la mirada: me rehúye porque está en un papel en el que no se siente tan cómoda: el de entrevistada. No tener un guión en la mano le resta seguridad. Y sin embargo, la conversación discurre con dulzura

y a la vez con firmeza en un encuentro en el que se revela multifacética y a la vez convencida de que le sobran talentos y de que debe aprovecharlos y dejarlos fluir. Como los niños, en definitiva, que saben que el mundo se les queda pequeño para tanta vida. Carolina Cuervo, para todos, es actriz desde su infancia, consagrada durante dos décadas a hacer de todo tipo de papeles en la tele, capaz de decir las cosas más subidas de tono en Monólogos de la vagina y de interpretar cualquier papel dramático con propiedad y rostro contenido. Esa es. Pero es más que eso. Su dualidad proviene del hecho de que Carolina es capaz de desdoblarse con facilidad en la actuación, algo a lo que se ha habituado durante casi veinticinco años, desde que comenzó en el programa infantil Pequeños gigantes y se consolidó en Oki Doki. Pero también es la mujer firme que está habituada a las tablas y ama al teatro por sobre todas las cosas porque le parece el estado más cercano a la revelación de nuevas verdades y de antiguos sentimientos; una joven ambiciosa que conoce sus ángulos y sabe manejar los tiempos con las cámaras, que se habituó al maquillaje intenso, a repetir diálogos y a largas jornadas de grabación. Pero también es la mujer tímida que le rehúye a las cámaras y que se muere de vergüenza cuando le van a tomar una foto. Y al mismo tiempo, una especie de celebridad siempre atareada que saca tiempo sin embargo para llevar una activa vida social (también eso confluye en ella) que sin embargo, huye de todo para refugiarse en su talento para escribir. Con Planeta publicó el libro de cuentos Nueve maneras de morir, se graduó de literatura y también estudió actuación en Los Ángeles, cursa una maestría de


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escrituras creativas, y ha escrito las obras de teatro ¿Se siente usted bien? y Veneno, que acaba de presentarse en la Casa General Castellana. Pero además, dirigió una revista, Aceite de perro; escribe una novela, hace un blog y artículos para otros medios. Así que para el 90 por ciento del mundo, ella es “Caro”, la mujer social a la que todo el mundo saluda, la actriz con la que la gente se siente a gusto porque la sienten propia, casi de su casa y amiga de toda la vida, siempre en dominio de su papel. Para ella misma es Cuervo, la abnegada que emprende el camino difícil de hacer teatro que obligue a la reflexión (en Veneno toca el tema de la envidia de manera magistral), la escritora, la mujer que se obliga a multiplicarse y la que teme las cámaras de fotos porque su mejor ángulo, además de su fisionomía, está en su intelecto. Esa Caro y su alter ego Cuervo confluyen en ella. Caro y Cuervo juntas son escritura y fiesta, talento y timidez, actuación y soledad, contrastes por doquier. Si quiere un recomendado nuestro, es ella, por completo. Pero en especial, su talento para escribir y para la dramaturgia. Es hora de descubrirlo.


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El Ensamble de una

casa con encanto Cincuenta y cinco años atrás, uno de los arquitectos más célebres del mundo, el francés Le Corbusier, fue la inspiración para que el propietario de un lote en el barrio La Soledad, sobre el actual Parkway de Bogotá, construyera una casa extravagante. En su época, el hogar de los Cefair fue tildado como la “casa del millón” porque había sobrepasado todos los gastos prudentes para una casa normal de la época. Pero logró lo que se propuso: el lugar fue un ícono de la ciudad con sus 1.600 metros de área construida. Una pared de agua y una escalera central son los símbolos del lugar.

Hoy en día es el espacio de Casa Ensamble, un centro cultural en el que se dictan clases, se presentan obras de teatro y se hacen exposiciones de arte, todo bajo la dirección de la actriz Alejandra Borrero. Complementado por el teatro Arlequín, este lugar hospeda lo más creativo, contestatario, irreverente y creativo del arte nacional. En la imagen, la periodista radial y modelo Laura Benavides posa en el entramado de las sillas del palco del teatro Arlequín, pocas horas antes de la función de El club del tropel, una de las obras más exitosas de 2012.


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¿Quién pidió pollo? Nosotros, pero para evaluar lo que sucede con la industria avícola, una de las menos sanas, según la investigación presentada por el escritor estadounidense Jonathan Safran Foer, quien detalla a fondo lo que sucede en estas granjas. En homenaje a las aves que nos han alimentado extractamos un fragmento de su obra y le decimos quién es Foer.

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l libro me hizo fieros durante seis meses. Yo no lo quería tocar: soy de esos que de tanto en tanto dicen que no van a cambiar de parecer porque ya ha vivido lo suficiente, aunque sepa que nunca es suficiente. Y no quería que el libro Comer animales me dijera lo que no quería saber sobre la industria alimenticia alrededor de los animales. Al final, pudo la humildad. Lo tomé y comencé a leer este ensayo-reflexión filosófica-novela-investigación periodística (todo en uno, así es), capaz de desmontar una de las más grandes mentiras que todos los humanos nos comemos hoy en día: la supuesta buena industria de

la alimentación. Y a mí, el escéptico de toda la vida, el amante de los animales que se los ha comido sin recato, el crítico de gastronomía y causante de que en el diario El Tiempo exista una sección dedicada a la cocina, el que ha comido desde reno hasta tortuga, esa lectura le significó un golpe en sus cimientos más sólidos. ¿Por qué? El mérito mayor de Safran Foer en su más reciente libro, Comer animales, es que si uno es capaz de superar la prevención inicial se encuentra ante una obra que investiga a fondo, muy a fondo, el tema de cómo el consumismo llegó a transformar el modo de alimentarse de nuestras sociedades actuales e impulsó a la gente a convertir la carne en una necesidad diaria creada. Es decir: nuestros abuelos no comían carne a diario tres veces al día y vivían sanos. Esa presión alimenticia generó la expansión de granjas industriales que nada tienen que ver con el romanticismo del granjero y sus vacas pastando al aire libre. Nada de nada. Lo que existe hoy en día, y Safran Foer lo saca a la luz –“mientras 16.000 hombres de corbata tratan de ocultarlo a diario con una inversión de la industria de los alimentos para mantener su buen nombre que supera los 143 millones de dólares anuales”–, es una producción masiva de animales engordados a la fuerza, de pollos que se sacrifican “apenas a los 39 días de nacidos”, que crecen en condiciones de salubridad deficientes, plagados de enfermedades, “inyectados con hormonas que nos afectan” seriamente y afectan, entre otros, el desarrollo temprano de niños y niñas. Mi hija y la hija de mi mejor amigo, de ocho años ambas, han suspendido el pollo por recomendación médica y su crecimiento hormonal después de eso ha mejorado. Safran Foer investiga y se cuela en granjas para narrar lo que sucede con aquellos animales torturados en extensísimos espacios cerrados donde son almacenados como mercancías de desecho sin ver la luz, y


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con las patas rotas y los picos cercenados, en el caso de los pollos. Y demuestra, con esa obra, una valentía inaudita. Debo admitir que cuando lo leí era un carnívoro de tiempo completo. Sin cuestionamientos. Luego de leerlo, ante la contundencia de la evidencia, me di cuenta de que lo era porque sí, y que el libro me había devuelto la conciencia sobre mi papel frente al consumismo desaforado y el respeto a otros seres. Eso es un hecho memorable para una obra: lograr que el lector como yo abra los ojos ante una realidad que evade y piense, al menos por un momento, lo que se lleva a la boca. Ahora como mejor. No soy vegetariano aún, pero sí un consumidor consciente. Y más sano, sin duda.

Comer animales (extractos) 1. “No podemos justificar la ignorancia, sí la indiferencia. Soportamos la carga, pero también la suerte de vivir una época en la que la crítica contra la ganadería industrial va calando en la conciencia popular. Con el paso del tiempo, y con todo el derecho, se nos podrá proponer la siguiente pregunta: y ustedes, ¿qué hicieron cuando supieron la verdad sobre el hecho de comer animales?” “Hay algo especial en el hecho de comer animales que hace que las diferentes opiniones se polaricen: o nunca comemos carne, o no nos cuestionamos seriamente el tema, o nos convertimos en activistas. Estas posiciones antagónicas, al igual que el rechazo a adoptar una determinada posición, son muy reveladoras, ya que convergen para indicar que comer animales no es una cuestión banal”. “El hecho de consumir o no animales y la forma en que los consumimos provoca de todo menos indiferencia. La carne está relacionada con lo que somos y lo que queremos ser, desde el libro del Génesis hasta la última ley sobre la ganadería. La carne provoca cuestiones filosóficas significativas y representa una industria que mueve una cifra de más de 140.000 millones de dólares anuales y ocupa casi un tercio de las tierras del planeta; que modifica los ecosistemas oceánicos y podría determinar el futuro medioambiental de la tierra. Sin embargo, parece que sólo somos capaces de reflexionar de forma superficial sobre el contorno de los argumentos”. “Antaño los pollos tenían una esperanza de vida

de quince a veinte años, pero el típico pollo de hoy muere aproximadamente a las seis semanas. Su tasa de crecimiento diario se ha incrementado en un 400%”. “La mayor parte de los pollitos son destruidos mediante un proceso de succión que los conduce a través de una serie de tubos hasta depositarlos en una placa electrificada. Algunos van a parar a enormes contenedores de plástico, donde se ahogan lentamente. Otros pasan conscientes a los maceradores (astillador de madera para pollos)”. “De 1935 a 1995, el peso medio de las aves aumentó un 65 por ciento, mientras que el tiempo que tardaban en llegar al mercado se rebajó en un 60 por ciento y sus necesidades de comida en un 57 por ciento. Para tener una idea de lo radical del cambio, hay que imaginar a unos niños que llegan a pesar 136 kilos en diez años alimentándose únicamente de barritas de cereales enriquecidos con miel”.


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Los tacones

de Vero Verónica Muñoz, artista plástica, tiene una obsesión confesa por los tacones, a través de los cuales expresa la feminidad de la mujer. Ella, que no pinta rostros, da su rostro y pone los pies en la tierra para expresar lo que le interesa.


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Por: Adriana Naranjo

erónica nació un 4 de diciembre de 1983 en la ciudad de Popayán, y luego de una adolescencia con una marcada vocación artística, estudió artes plásticas en Colombia en la Universidad de los Andes. En el transcurso de su carrera se dio cuenta de que le encantaba fragmentar partes del cuerpo humano. Así era: se interesaba por la parte anatómica del mismo. Descubrió así su inclinación por ilustrar el cuerpo de la mujer. Su identidad, de hecho, son las mujeres sin rostro, mujeres que se caracterizan y se ubican en un contexto social no tercermundista, sino en un país en vía de desarrollo, en la que presenta a una mujer emprendedora, luchadora, trabajadora, la típica mujer cabeza de familia, y también aquella mujer devota de la moda. En fin: la mujer en todas sus facetas. En su obra se destacan los tacones, a los que les incorpora cristales de Swarovski. A través de esta prenda quiere contar con historias diferentes y expresar a su manera cómo un objeto tan simple logra cambiar el estado anímico de una mujer, así como su autoestima y su carácter. “Una mujer puede estar sin maquillaje, puede estar desnuda, puede estar en cualquier situación, pero si está con sus tacones, se siente ella”, dice Verónica Muñoz. Por eso la artista escoge muy detalladamente el color y la forma que usa para plasmarlos en sus pinturas. Porque es ahí donde se ve el rostro de la mujer. Así, sus ilustraciones parten de su propia historia, pero también de historias que le mueven el alma y la sensibilizan a crear bajo parámetros reales.

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Morder la (gran)

Manzana

Todos compartimos un mismo mundo con horizontes diferentes. Pero quizá ningún horizonte sea comparable al de los rascacielos que dominan Manhattan. Ninguna metrópoli resume tan bien la multiculturalidad y la variedad gastronómica como la capital del mundo. Saboreamos la gran Manzana.


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Por: Adriana Naranjo

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ueva York es una ciudad impresionante. En ella habitan diversidad de culturas: latinas, anglosajonas, africanas, aborígenes, caribeñas, asiáticas, por solo decir las más importantes. Lo que hace que “la capital del mundo” sea también el hogar del mundo entero, ya que en sus calles se entrecruzan los diferentes perfiles culturales y las inigualables posibilidades de conocerlos en un solo lugar. “La cultura parece simplemente estar en el aire, como si fuera parte del tiempo”, dijo al respecto el periodista Tom Wolfe, uno de los que mejor la conoce. La energía de este lugar es mágica. Sus movimientos culturales son de gran importancia para la ciudad, porque en ella confluyen la literatura, el jazz, el expresionismo abstracto, el arte, la moda, los museos, el teatro, las instituciones culturales, el hip hop, los parques. Entre ellos se destaca el gigantesco Central Park. Todos los anteriores, que se pueden encontrar en cualquier esquina, hacen que el turis-

ta, inmigrante o ciudadano, tengan distintas posibilidades de escoger lo que quieran hacer sin caer en la monotonía jamás. La ciudad también tiene un papel importante en la industria cinematográfica y televisiva. La publicidad, la música, la prensa y las publicaciones de libros han hecho que Nueva York sea el centro mundial mas importante para estas industrias, y que en ella tengan sede las cadenas más representativas del país: ABC, CBS, FOX, NBC y canales de cable como MTV, FOX NEWS, HBO Y COMEDY CENTRAL. También se encuentran las oficinas de más de 200 periódicos y 350 revistas en diferentes idiomas, provenientes de casi todas las etnias del mundo, lo que convierte al periodismo y al entretenimiento en uno de los fundamentos de su economía sin excluir, por supuesto, al turismo. Si se trata de enumerar las principales zonas de ocio, estas son el barrio de los teatros, en la zona de Broadway, la calle 42 y Times Square, y el Lincoln Center for the Performing Arts, situado en el Up-


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per West Side. La mayoría de los teatros de Broadway se encuentran en las manzanas al oeste o este de dicha avenida, entre las calles 41 y 53. El resto de los teatros están diseminados por todo Manhattan, sobre todo en el East y West village, Chelsea y en las calles 40 y 50, al oeste del distrito de teatros de Broadway. El Lincoln Center for the Performing Arts es el primer y mayor complejo artístico y cultural de Norteamérica y dispone de salas por doquier. El complejo alberga la Metropolitan Opera (www.metopera.org), la New York City Opera (www.nycopera.com/), el New York Ballet (www.nycballet.com) y es el lugar donde actúa la Filarmónica de Nueva York (www. newyorkphilharmonic.org). Nueva York sigue creciendo y, además de estas conocidas atracciones culturales, ofrece algo nuevo cada día. Times Square es una de las zonas principales si se quiere llamar la atención. El museo de cera Madame Tussaud, en el 234 de la calle 42 oeste (www.nycwax.com), La cultura parece simplemente estar en con su complejo de cines; el New Amel aire, como si fuera sterdam Theater, en el 214 de la cale 42 oeste, propiedad de Disney, y otros teaparte del tiempo”. tros históricos renovados como el New Victory Theatre (www.newvictory.org) o el Academy/Apollo siguen haciendo posible que Nueva York sea la capital cultural del país. La gastronomía de la cuidad es también muy diversa, y ha sido influenciada principalmente por los inmigrantes y sus costumbres alimenticias. Los italianos y judíos hicieron famosa a la ciudad por sus bagels, cheesecakes y la pizza estilo neoyorkino. Los carritos de comida en plena calle son otra característica de la gastronomía local. Esta costumbre hizo de la comida oriental como los faláfels y los kebabs un importante elemento en la dieta de la ciudad, aunque los hot dogs y los pretzels son todavía los principales alimentos que se venden de esta manera. Por otro lado, la ciudad también alberga


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algunos de los restaurantes más finos de alta cocina del país. De hecho, la oferta de restaurantes en Nueva York es una de las más amplias del país. Aunque cualquier lugar es bueno, los principales restaurantes que se deberían visitar son Benjamin Steakhouse, un sitio en el que es posible degustar carnes de alta calidad, según los veredictos de quienes lo han visitado. Otro restaurante de gran categoría es Bouley, en la región de Tribeca, donde el ambiente francés se ha instalado en plena New York, y que ofrece recetas francesas, acompañadas con una carta de excepcionales vinos. En cuestión de pescados, el restaurante Le Bernardín, también de estilo francés, es el más destacado, aunque sorpresas hay por todos lados. Si la intención es buscar comida thai, sushi o hacerse a unos noodles (tallarines) para comer en un parque, nada mejor que el barrio asiático en Queens, donde, por cierto, también se consigue la mejor comida colombiana. Es tanta la cantidad y variedad de restaurantes que lo mejor es ir directamente a un tipo específico de gastronomía, ya que en una ciudad cosmopolita como Nueva York encontrará siempre lo que se le antoje. Allí están todas las etnias, los idiomas, las posibilidades, las obras, las culturas. Y la buena noticia es que sí hay cama para tanta gente que la visita. Vale la pena morder la gran manzana y saborearla bien.


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Más demonio

que ángel Mauricio Vélez plasma temas que generan controversia y tocan al ser humano en lo más profundo. Sus imágenes llevan al espectador al campo de lo onírico, a una fantasía incómoda, que a la vez confronta y emociona. Entrevista.

Por Adriana Naranjo

S

us imágenes se basan en el cuerpo, la religión y el arte como una forma de expresión, y se apoyan en símbolos para comprender el mundo. Sus fotografías inspiran pero perturban, y a la vez, reflejan los deseos de los seres humanos al ponerles frente a situaciones que, sin máscaras, confrontan al espectador. Hechos que le plantean si quiere disfrutar la vida, si opta por el libre albedrío, si se sume entre la oscuridad y la claridad, más cerca del cielo o del infierno. Esos “Ángeles y demonios” son sinónimos de una misma línea humana que nos debate entre la conciencia y la inconsciencia, el deseo, los temores y la ambición. ¿Cuáles fueron sus referentes para ser fotógrafo? Nunca tuve un referente. Es una energía que llegó a mi vida desde los 13 años a partir de una cámara puesta en una biblioteca que nadie usaba en la casa de un familiar, y que un día me llamó y me invitó a que la cogiera para empezar hacer fotografías. A partir de la primera imagen, entiendo y siento una conexión absoluta. Me siento cómodo, me divierte hacer fotos con los amigos y generar una vida entorno a ellos sin saber siquiera lo que significaba ser fotógrafo. Descubrí el contexto de lo que significaba el mundo de la fotografía mucho después.

¿Cuándo supo que la fotografía era lo que lo iba a guiar en la vida?

Es particular, porque ese instante nunca me llegó. Fue tan automático el primer momento que nunca dudé. Me fue envolviendo porque fue una conexión fuerte y profunda, y porque las fotos que yo hacía le encantaban a todo el mundo. Una persona me llevaba a la otra, todos los días tenía a alguien a quien fotografiar; vivía en Medellín en aquel entonces y fue donde todo creció de un momento a otro, y no tuve oportunidad de dudar de lo que estaba haciendo. Así que si hoy me preguntas, nunca he dudado ni una sola vez de lo que ha sido mi vida y no le cambiaría ni una sola coma.


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¿Cuál es la mirada de Mauricio Vélez?

Me encanta la mirada profunda, me encanta ver mucho más allá de las cosas, cada día con un sentido más cuidado, más estético, sensible, de aportarle no solo con la mirada sino con el alma a cada una de las cosas que hago. Es una exigencia personal. Ya he producido tantas imágenes que llegas a un momento donde puedes ver que las posibilidades de seguir creando son infinitas y hay que aprovecharlas porque eso es lo que hace bonita esta profesión. Todos los días tener la posibilidad de crear y de construir algo nuevo.

¿Cuándo está tomando fotos… ve o mira?

Siento. Yo pienso que las fotos mías parten de una mirada pero se vuelven una imagen cuando parten de un sentir, y hay una gran diferencia entre ver una imagen y captarla, y entre sentir una imagen y captarla; esas son las imágenes que terminan siendo profundas, que terminan teniendo sentido y comunicando algo. Ahí es también donde se diferencian los puntos de vista y las visiones de los diferentes fotógrafos.

¿Cómo representa la realidad en sus imágenes?

La realidad es una absoluta fantasía y la represento a través de la oportunidad que tengo a diario de fantasear con la vida. La vida es un juego que hay que jugarlo de la mejor manera posible, como el destino y la gracia del universo nos lo ha permitido. Cada experiencia es personal y personas como yo se deben sentir privilegiadas y afortunadas. Mi vida es la fotografía. Cuando he tenido que calificar las prioridades de mi vida, lo que me hace realmente feliz, es estar en torno a la creación, a mi trabajo y en torno a este se desenvuelve también mi vida personal.

¿Reflexiona sobre sí mismo para expresar nuevas significaciones?

En este momento, después de una carrera tan larga –tengo 26 años de producir imágenes–, soy un apasionado, un amante del arte y de lo que puedes transmitir a través de este. Entonces quiero darme la oportunidad de crear para transmitir y comunicar cosas a través de este medio que, en esencia, fue creado para eso.

¿Qué opina sobre esta frase “el mundo no tiene que cambiar, lo que hay que cambiar es la mirada sobre el mundo”?

Me parece sensata y profunda, todo depende del color y la manera en que tú la mires, en ti está si haces la vida mágica o no.

¿Que lo llevó a hacer la exposición Mitad ángeles, Mitad demonios?

Es el resultado de una vida entera de confrontarla y descubrirla. Es la búsqueda por presentar a través de imágenes un contexto personal que le da a mi carrera un sentido más profundo. Quiero comunicar y hacer sentir algo a la persona que se posa ante mis imágenes. Esta exhibición tiene un entorno filosófico que es natural dentro de la cotidianidad humana. Para mis próximos proyectos quiero abordar temas que no se salgan del ambiente de la confrontación personal y espiritual, pero que también aborden otros parámetros o puntos psicológicos de la sensibilidad humana. El próximo va hablar sobre la locura.


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¿Cómo reflejar esa locura?

Me atrevería a hablar por muchos artistas: cuando un artista dice, “se me ocurrió esa idea y la voy a plasmar ahorita”, yo siento que no le pasa eso de momento, sino que hay mucho sembrado en su alma desde todo su pasado. Nadie se inventa una cosa de un día para otro. Para mí, Ángeles y Demonios fue un click de la vida. El nombre como tal de la exposición salió de una frase de un escritor amigo mío quien exponía su opinión acerca de mis imágenes y eso me abrió paso hace años para seguir desarrollando bajo un lineamiento la exposición. Ahora me doy cuenta de que todas las imágenes parten de mi pasado, de mi infancia y de mi vida. Lo que voy a producir ahorita que es El Quijote. De hecho, cuando cogí la cámara a los 13 años había leído por tercera vez la historia de El Quijote en su versión de lujo. Treinta años después empiezo a hilar todos estos conceptos…

¿Por qué el Quijote?

Porque es una de las imágenes más dolidas, incluso ridiculizadas de la literatura. Su historia se lee como una colección de anécdotas disparatadas, en la que cada aventura es más extraña que la anterior. En sus salidas por los campos de La Mancha, Don Quijote se encuentra con cientos de personajes que se ríen de su inocencia, se burlan de su idealismo e intenta curar su locura. En algunos momentos el Quijote parece ser una comedia, y sí es una de las historias más divertidas que jamás se hayan escrito, pero sobre todo es una novela sobre el profundo tema de la imaginación y el idealismo. Las enseñanzas de Don Quijote se repiten a cada instante en nuestras vidas. Mucha gente se inspiraría en sus aventuras y sus hazañas, como también en el descarnado y profundo amor que le profesaba a la dama de sus sueños, Dulcinea del Toboso. El amor idealizado, como idealizadas son el resto de sus aventuras, alcanzan un sentido estético y poético que sigue de una u otra forma inspirando nuestro sentir y mantiene viva la provocación de los sueños, la esperanza, la pasión, el deseo y el amor.

¿Cuál es el trasfondo social que le quiere dar a su fotografía?

Cuando uno hace una imagen siempre hay un trasfondo social. Es importante que quienes estén en este oficio lo entiendan como tal, porque hacer una imagen es comunicarle al mundo. A través de ella construyes, educas, generas capacidad de decisión y capacidad de opinión. Yo entiendo la responsabilidad que tengo a la hora de desarrollar imagen. Mi trabajo comercial es de una responsabilidad total, y mi trabajo personal mucho más aún, porque es la oportunidad que da la vida de comunicar algo bajo un sentido personal.

¿Por qué la fusión de cuerpo, religión y arte?

Partiendo del arte no debe de haber ningún tema vetado, ni la religión, ni el cuerpo, ni el arte de por sí, ni la mujer, ni el hombre, ni la esencia, ni el paisaje. Estamos en una oportunidad del libre pensar y del libre sentir en donde ningún tema debe

coartar la posibilidad de crear. Yo no puedo vivir sin el arte. El cuerpo está porque en él vivimos a diario y no tenemos manera de escapar. La religión ha sido la gran influencia de nuestra humanidad y nos ha permitido vivir bajo un lineamiento que va más allá de la religión católica.

¿Tiene religión?

He pasado por todas las religiones. A los 5 años iba a una iglesia evangélica porque presentaban películas, entonces tenía que ser parte de la comunidad para que me permitieran la entrada. Me bautizaron evangélico. Luego, en el patio, había una iglesia adventista. Fui a La India durante los últimos diez años de mi vida para pasar momentos de recogimiento. Amo el budismo, la meditación, leo a Osho, al Dalai Lama y a los grandes filósofos. Mi religión es una recopilación de entender lo que significan todas.

¿Por qué para usted es tan importante el erotismo y la sensualidad?

Porque parten dela estética y lo que yo hago está basado en esta. Hasta de lo que estás hablando, o el contexto religioso, debe tenerla. Si eso no tuviera el tratamiento estético que le puse a partir de mi conciencia, seguramente me sentirá incomodo afrontando ese tipo de temas. Pudo haber sido grotesco visualmente y esto hubiera generado sentimientos distintos, pero desde mi perspectiva está bien tratado porque así quise hacerlo.


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su majestad,

SUMITO

Es el rey de la comida menos conocida del continente y sin embargo, con más potencial: la de Venezuela. La labor de Sumito Estévez, estrella del canal Gourmet, escritor y empresario, va más allá de defender la arepa. Es un “pana” que cocina con sabiduría. Acá, en primera persona.


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A

los catorce años me convertí en el fundador de un club gastronómico. Estaba señalado en mi destino dedicarme a la cocina, y ocurrió a una edad en la que nadie pensaba en eso. Pero cuando mi hijo hizo lo mismo a los doce años, pensé que qué podría hacer un padre en un caso de esos, salvo permitírselo.

Alberto Arvelo, un amigo mío que ahora es director de cine, se unió a mi idea de niño. Junto con él fundamos el club, leímos y aprendimos sobre la comida de los distintos países del mundo, y hasta los 17 años lo mantuvimos y convocamos a 30 personas para cocinar nuevas recetas cada sábado. Yo estudié física, al igual que mi papá –él había estudiado en la Unión Soviética y era un hombre de mundo– pero su influencia en mi carrera se dio por algo más que por estudiar su misma profesión: también fue vital porque en mi casa todo giraba alrededor de la comida. Mi mamá –nacida en la India– coleccionaba vajillas, y los sabores me llegaban por todas partes. Yo mismo viví entre Venezuela e India. Desde niño me caracterizó mi capacidad olfativa. Mi mamá me cuenta que desde que gateaba me metía a la cocina. Tal vez porque mi mente

construye todo de una forma distinta: desde el olfato. Tanto así, que recuerdo los olores de cada cosa vivida, de los lugares y de lo que he vivido, y construyo toda mi realidad a partir de ahí. Cuando le dije a mi familia que quería ser cocinero, jamás hubo trauma: lo sospechaban. Y eso que era el clásico hijo de una familia clase media, cuyos padres son universitarios, que creían en la academia, de la izquierda dura, ella filóloga y él físico. Por lo tanto, era natural que yo siguiera sus pasos. Pero mira: cuando comencé a hacer el máster de física, tuve mucho tiempo libre. En una de esas oportunidades en el año 1988 vi en una vidriera algo rarísimo para Venezuela y creo que América Latina en ese momento: un libro de cocina de Salvat Editores. No era de recetas, sino de técnicas de cocina, desde cómo deshuesar un pollo hasta cómo marinar. Eso, para un físico, sonaba coherente, fascinante. Pero del dicho al hecho parecía haber mucho trecho. Hasta que un día salió en televisión la historia de un chef venezolano, considerado el mejor cocinero del país, que había luchado hasta consolidarse. Parecía mi historia proyectada en otro. Se trataba de Franz Conde. Parecía antipático, pero me propuse conocerlo y lo hice a través de mi tío Claudio Nazoa, que también era cocinero. Toqué a las puertas de su cocina y me contrató finalmente como Sous chef. Estaba feliz. Allí aprendí la segunda parte de mi cocina. La primera venía de la doble nacionalidad –mitad de la India y mitad venezolano, con padres que se enamoraron en la Unión Soviética y hablaban ruso entre ellos, una madre que me hablaba en inglés y un mundo vecino que me hablaba en español– y eso me había vuelto menos centrista y patriótico, porque aceptaba otras culturas y me consideraba un venezolano con disposición de aprender de otros lados.


Porque conozco todo el continente, los productos y las regiones. Así como los peruanos se dieron a conocer por una política de gobierno, nosotros estamos en la batalla por promocionar lo que hacemos. Todos los países tienen sus valores y nosotros queremos destacar los nuestros basados en lo gastronómico. La revolución peruana se debió a un Venezuela tiene una de las tres acto social, porque hace 25 años Perú mejores cocinas de América Latina, estaba basado en pero es todavía desconocida. Antes lo francés. Astrid y de diez años se vivirá otro boom Gastón, su restaugastronómico en torno a estacomida. rante emblema, era francés. Pero cambió todo. Y a eso voy: a que hay que cambiar a la comunidad para que se defienda sola. No es solo ofrecer productos. Hay que ahondar en la identidad. Una de las primeras bases es elegir un plato bandera. Que, por cierto, debe ser fácil, gustar a todos, ser sencillo de preparar, de buen sabor. Por decir algo: el mundo de las sopas ecuatorianas puede conquistar el mundo. Nuestra comida es más compleja porque pasa de las alcaparras a las uvas pasas y de la yuca al queso. Pero tenemos en la arepa nuestro plato emblemático, al igual que los mexicanos tienen sus tacos y los peruanos el cebiche. En Colombia el plato bandera podría ser la bandeja paisa, porque es fácil, pero se vanagloria en lo excesivo, y eso atenta contra un principio de la gastronomía: el placer.

Eso lo reflejé en mi cocina. Mi primera etapa tuvo fuerte influencia de Europa y de hecho, mi primer trabajo como chef fue en un restaurante italiano. Tenía que vivir. Luego pasé a uno asiático, en el que me contrataron por algo curioso: porque querían a un tipo que pareciera chino, y me eligieron a mí porque tenía un nombre raro y había algo de oriental en mi cara. Ese fue mi estilo entonces. Hasta que vino lo del canal Gourmet y me volví latino.

La cocina como propósito En 2003 me dije que tenía que ser coherente con mis raíces y que debía aprender de América Latina. Empecé por mi cuenta, porque no creo en esas fundaciones que les lavan la cara a las organizaciones más sucias. Y además, porque creo que realmente, todo mercadeo basado en intangibles culturales es más valioso que cualquier otro porque cambia a la población realmente. Y cambia la percepción. Eso no es gratis, no surge solo. Ahora mi lucha es por eso. Soy un embajador de mi patria, que en serio tiene una de las tres mejores cocinas de América Latina, pero que es todavía desconocida. Trabajo para cambiar esa percepción, y sé que antes de diez años se vivirá otro boom gastronómico en torno a la comida venezolana. ¿Por qué digo que es una de las mejores?

Mi receta de vida Si estoy triste, no cocino. Porque creo en las energías y siento que si lo hago en ese estado, les hago daño a las personas. En Isla Margarita, donde vivo, se organizó un concurso alrededor del fruto del pan y la emoción fue tanta por parte de la gente que acudi-


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eron 3.000 personas. Una imagen que vi ese día me conmovió. Un niño de doce años cargaba un ramo de flores para adornar el plato con el que participaban. Eso es un tesoro: que un niño no tenga pena de llevar flores porque la comida genera un cambio social es algo muy valioso para mí. Pero además, la cocina es valiosa en la vida de todos. Les cuento una historia personal: mi madre habla once idiomas. Su vida estuvo centrada en los libros y en la historia. Hoy en día tiene 76 años, tuvo un ataque y perdió los idiomas. Pero es fuerte. Mi papá, por su lado, tuvo diabetes a los sesenta años. El médico dijo que a esa edad era normal que les dieran esas cosas. Pero no. No es. No es una enfermedad genética. Sino que está relacionada con lo que comemos. Hemos cambiado de alimentación. Nuestros abuelos no comían carne todos los días, y menos tres veces al día, porque no tenían los recursos. Yo cocino casi siempre vegetariano, pero ni lo digo, porque la gente, si uno dice esa palabra, se aterra, pero si uno no dice nada y les gusta, ni cuenta se da. Pero sí hemos cam-

biado: el hígado no está hecho para soportar las grasas saturadas. Yo siempre las mezclo. A lo que voy es que hemos cambiado de forma de alimentarnos. No quiero entregarle cuentas a Dios haciendo comida que mata a las personas, llena de alimentos tóxicos, grasas, excesos. No tiene sentido. A mí me salvó de ser así el vino, en su sentido más amplio. Cuando vi que la gente que lo hace le pone tanto esfuerzo a la elaboración, que hay tanta pasión familiar en cada viñedo, entendí que lo último que quieren es que haya borrachos, sino que haya placer. Por principio entonces, no hago cosas que hagan daño. No sirvo un carbohidrato sin una fibra: le añado maíz a una sopa de vegetales, por ejemplo. Tengo otras pequeñas reglas: siempre comer en compañía. Siempre preparar para otros, porque eso me obliga a innovar. Una tercera regla es generar rituales y reglas de salud. No soy un chef de comida light, pero sí insisto en que nunca se coman nada sin pensar en lo que se comieron el día anterior, para que siempre estén renovando, creando, llenando su vida de nuevas cosas.


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La Leo,

Antes Y después De la chef Leonor Espinosa se ha escrito hasta el cansancio. Se conoce su vida, sus orígenes, su pasión por la gastronomía y sus restaurantes. Por eso la visitamos en su restaurante La Leo, en el hotel B.O.G. de Bogotá, para mostrar el antes y el después de cuatro de sus platos. Solo le mostraremos los ingredientes y lo que se puede conseguir con ello. Sorpréndase.

Vegetales ahumados Pimentón rojo, zuchini amarillo y verde, berenjena, cebolla blanca, rúgula, tomates secos, queso de cabra, aceite de nuez, sal, pimienta, limón, corteza de chucuguaza y siete raíces amazónicas.


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Raviolis Para el relleno: Moncholo ahumado, guiso con cebolla, pimentón, cebolla larga, cebolla roja, achiote, queso parmesano, cilantro cimarrón, huevo, vino blanco, sal, pimienta, comino, leche de coco.

Para la sopa china zanahoria, puerro, champiñones, brotes de soya, jengibre, apio, salsa soya, ajo.

Para el salteado: shitakes, soya y brotes de soya.

Ceviche Tilapia, leche de coco, pasta de chontaduro, ají amazónico, sal, limón, cebolla roja cortada en plumas, bollo limpio parrillado.

Tentáculos de pulpo Ingredientes: tentáculos de pulpo, sofrito criollo, aceite de albahaca, papas Ritchie, queso doble crema, crema de leche, sal, pimienta, comino.

Para la preparación del pulpo: tentáculos de pulpo, ajo, salsa soya, limón.


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Con eRRe de aRRiesgado En Cartagena se abrió el restaurante de más lujo de Colombia, a cargo del chef español Ramón Freixa. Solo para grandes ligas.

R

amón Freixa se sabe una estrella. La palabra parece redundante para describirlo, porque cuenta con dos estrellas flamantes Michelín en su restaurante Freixa, de Madrid, y porque además llevó su menú de lujo al piso diez, el más alto del hotel Las Américas de Cartagena, y el más cercano a los astros en el sector de La Boquilla de la ciudad histórica. O precisamente por esas dos condiciones actúa como una, habla como tal y cocina como un ídolo de multitudes: porque siente que vuela cuando cocina, porque la cocina –asegura– lo transporta… y eso es lo que realmente cuenta. Pero mientras consolida la altísima inversión que se llevó a cabo en Cartagena para abrir las puertas de su restaurante Erre, sigue trabajando en Madrid, donde replicó su restaurante familiar abierto en Barcelona llamado Freixa Tradicio. El éxito fue casi inmediato: en la capital española, su restaurante consiguió, en menos de año y medio, hacerse al honor de tener dos estrellas Michelin, una distinción que se concede en Europa solo a los restaurantes de gran nivel. Y allí estaría, feliz y ocupado, de no ser porque visitó Cartagena, invitado por un grupo de inversionistas del Hotel Las Américas, y escuchó su propuesta de abrir un restaurante en el piso superior del edificio de habitaciones. Al inicio dijo que no. Y fue terco. No, significaba no. El espacio le pareció fuera de tono, y no se imaginó en el trópico sirviendo comida mediterránea. Para él, la comida debía ser un placer, el espacio debía ser en un ambiente que transmitiera sensaciones placenteras, y la espléndida vista no era suficiente para conseguirlo. Y se fue. Pero Cartagena terminó por enamorarlo en un segundo viaje, y la disposición de los dueños del Hotel terminó por convencerlo: de ahí nació Erre, un restaurante dividido en tres, que en un mismo espacio ofrece un bar de tapas para los más desprevenidos, un bristronómico (un bistró con las tendencias de la alta cocina), y un espacio gourmet, al que solo acceden las personas que hagan reservaciones, y que solo cuenta con un menú de degustación. Él seguirá en Madrid, pero su sello y su sabor permanecerán de la mano de uno de sus mejores pupilos. Freixa es meticuloso. Mira cada detalle al extremo. Nacido en Castellfollit de Riubregós, cerca de Barcelona, y con formación en la gastronomía francesa de Bélgica y París, aprendió que la fama y el alto nivel que ha alcanzado no se logra solo con una buena receta, sino con tecnología, arte, pasión, mucho trabajo y una obsesión por los detalles, que

evidencia en su letra favorita (la erre de Ramón), ahora abierto en Cartagena. Y de comer, ofrece platos que se parece a él: con humor, algo de sensualidad, un gusto mediterráneo y una apuesta lanzada por combinar los sabores. En el espacio de tapas no hay cubiertos y se come en mesas bajas. En el bistró priman los elementos básicos, sin salsas fuertes, sino apenas aceite de oliva y sal, y mucha técnica. La idea en todos los espacios es que la gente comparta y rompa con la tradición nacional de tener un plato propio. En otras palabras, hay que compartir. Y eso viene bien si se piensa que el lugar solo abrirá para veinte personas, y el menú costará cerca de 220 mil pesos. Compartir con alegría y por economía, en definitiva.


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Ya MADURÉ

Crecimos con los quesos frescos y ahora ya estamos lo suficientemente adultos como para ingresar en el mercado de los quesos maduros. ¿Por qué amarlos? Porque en las cavas de maduración descubrimos los maestros queseros los miman con paciencia y cuidado. Como en la vida, en definitiva, el amor hace la madurez.


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E

n la pequeña población de Gruyere, en Suiza, sobre una montaña fortificada al estilo medieval, se hace uno de los mejores quesos del mundo. Allí, los aldeanos dejan pastar a sus gordas vacas con la libertad de comer en donde bien les venga, en un paisaje sin cercas y lleno de pequeñas flores que le dan, a fin de cuentas, el sabor perfecto a su leche. Cada quesero tradicional recoge 400 litros de leche para lograr una rueda de queso de 35 kilos. Pero lo que viene a continuación es lo más bello de todo el proceso: el cuidado casi maternal de los queseros, que cuidan los grandes círculos de queso en cavas a temperaturas bajas y secas hasta por un año, pendientes de su sabor, de su calidad y de que nada les pase. Como en la vida, en definitiva, el amor hace la madurez. En Colombia, país de quesos frescos, ya ocurre lo mismo. Entramos a la cava de quesos maduros de Alpina, en Sopó, solo para percatarnos de que entrar a la sección de quesos maduros exige casi la misma preparación que para acceder a un reactor nuclear. Hay que vestir un traje especial con gorro, plásticos para los zapatos y tapabocas, cruzar una esclusa de higiene en la que opera un sofisticado atrapainsectos, quitarse el reloj y las cadenas, pasar por detergente que se dispara automáticamente, lavarse las manos para que las bacterias benévolas de un queso Emmental no se unan ni por caso con las –digamos– de un queso azul, y finalmente franquear la entrada de las bodegas. Y ahí viene la maravilla, una sensación que se repite en la planta de Colanta, ubicada en San Pedro de los Milagros, en el norte de Antioquia, y en otras como Colácteos o Arflina: el queso magnífico, fresco, que comienza a madurarse, se mezcla con decenas de piezas de otros que después de tres meses alcanzan su punto perfecto, en bodegas altas, con

expertos queseros que los tratan con cariño, que les pasan paños húmedos día tras día, que los miman y conocen. El aroma es entrañable: algo similar a una mezcla de nueces con mantequilla. Los quesos, perfectos en círculos de hasta 40 kilos, recuerdan la tradición suiza de guardarlos en cavernas frías para salvar a la población de las hambrunas del invierno.

Ahí, en un espacio relativamente pequeDesde el momento en que la ño, ocurre todo, y lo leche termizada recibe el baño más bello: en forma de fermentos (esas bacterias manual. Desde el movivas que descomponen las mento en que la leche termizada recibe el proteínas y los glóbulos grasos en aminoácidos y le dan el sabor y baño de fermentos el aroma característico). (esas bacterias vivas que descomponen las proteínas y los glóbulos grasos en aminoácidos y le dan el sabor y el aroma característico), pasando por el momento vital en que la leche se corta y se apelmazan los grumos hasta que se corta con una lira cuando la cuajada toma elasticidad y textura. Ahí se “pesca” esa cuajada con redes especiales, se arma el queso y se mete en moldes. En ese momento pesa hasta 120 kilos. Lo que viene es un proceso casi mágico: se envuelven a mano los quesos en redes que les permiten eliminar el suero, se ubican en moldes con aros y se prensan. Al poco tiempo los invisibles fermentos hacen efecto y surge la corteza. Y el queso blanco comienza a transformarse. En un lado, en Emmental. Cerca, en Gruyere. Más allá, en un delicadísimo queso azul. En otro espacio, en un provolone que cuelga en mallas. A un costado, los quesos holandeses Tilsit y Gouda, envueltos en parafina roja. En otro espacio hermético, con hasta dos años de maduración, en parmesano. Es mágico. Y todo a temperaturas medidas, que


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van desde un inicial calor que permite la maduración hasta un frío que conserva los quesos, la salmuera que los baña y les da sabor, la corteza que es cuidada como a un niño mimado por expertos como José Santos, el gerente de producción de Alpina, quienes no dejan de acariciarlos con paños húmedos, uno tras otro. Una tradición que, en el caso de Alpina, inicia en 1945 con la creación de la fábrica de quesos suizos Göggel y Bazinger, que recogía la leche en cantinas de 55 litros, y en el caso de Colanta –que ha ganado 54 reconocimientos a la calidad de sus productos en el Concurso Nacional de Quesos– arranca con la finca que don Jenaro Pérez abuelo le dejó en Santa Rosa a su padre y nieto, quien consagró los quesitos Nutabe libres de brucelosis antes de liderar a Colanta con éxito, como lo ha hecho durante los últimos cuarenta años. Ambos productores, con maestros queseros internacionales y nacionales, procesos artesanales apoyados en la tecnología y la microbiología, saben sin embargo que la condición primordial del sabor redica en la calidad de la leche. Alpina se la juega por productores locales en sitios como Guachucal, Nariño. Colanta recibe los litros de su cooperativa, que integran 14 mil campesinos en Antioquia. ¿El resultado? Un sabor que enaltece los sentidos. Un público creciente. Y quesos locales que maridan perfectamente con los vinos. Pero sobre todo, un trabajo tan grande y amoroso por parte de sus expertos que después de verlos cuidarlos tanto es imposible no sucumbir ante la evidencia que detrás de cada trozo hay animales y seres humanos dando lo mejor de sí para que uno pruebe el mejor bocado posible.


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Esta mujer de verdad

tiene curvas Candice Huffine es el símbolo mundial de una mujer que se quiere a sí misma. No entra dentro de los modelos de delgadez extrema y sin embargo es exitosa y alegre. Metropoli la invitó para que fuera el símbolo de su campaña contra la anorexia y para que les recordara a las jóvenes que la belleza no implica atentar contra su cuerpo. Su historia. Y en exclusiva, una entrevista solo para nuestros lectores.

H

ace diez años, una directora de cine colombiana llamada Patricia Cardoso dirigió en Estados Unidos a una joven América Ferrara (Betty la fea) en la cinta Las mujeres de verdad tienen curvas, que mostraba –sin el aparente pudor de entonces– a mujeres de curvas amplias y caderas redondas que defendían el derecho a verse tal como eran. En ese mismo 2002, la modelo estadounidense Candice Huffine cumplía apenas 18 años y ya trabajaba hacía cuatro como modelo. Pero no era nada fácil en ese momento: la delgadez extrema primaba en las pasarelas, los anuncios estaban saturados de cuerpos delgados y su peor consecuencia, la anorexia, ya estaba sobre el tapete y cobraba vidas en Estados Unidos, Asia y Latinoamérica. La única modelo célebre que había ganado renombre con sus ampli-

as curvas, Sophie Dahl, se había transformado ya para ese entonces en una delgadísima presentadora de televisión. Los cuerpos normales perdieron tanto protagonismo que incluso en 2009 la marca Ralph Lauren lanzó una campaña con una modelo cuya cabeza parecía más ancha que su cuerpo. Hasta que en 2010 la reconquista de la normalidad volvió. Y Candice Huffine se convertiría en una de esas protagonistas. Junto con Tara Lynn, Michelle Olson, Kasia Pilewicz, Marquita Pring, Crystal Renn y otras modelos más, demostraron que ni las cirugías ni la flacura extrema eran prioridad en el mundo, y que las tallas superiores a 6 eran bellas porque eran sanas. Campañas como las de Dove ayudaron a empezar a cambiar el esquema. Y muchos recordaron la cinta Las mujeres de verdad tienen curvas que, años atrás,


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había hecho el llamado sobre la belleza real. Sin embargo, tantos años de presión mediática siguen haciendo daño. El problema de la anorexia y la búsqueda de cuerpos distintos a los reales siguen primando en el mundo. Estados Unidos lidera las estadísticas de muertes por desórdenes alimenticios, seguido de cerca por Japón. Se calcula que el 91 por ciento de las jóvenes en edad estudiantil se obsesiona por controlar su peso, pero lo peor es que entre los 12 y los 26 años, el 86 por ciento ha superado la simple preocupación y ha tenido desórdenes alimenticios. En ciudades capitales de América Latina, en especial en países como Venezuela, Colombia y Brasil, el fenómeno afecta con severidad a sus jóvenes, en especial a las mujeres, aunque los hombres también están entrando a formar parte de las estadísticas. Candice Huffine lo sabe. Y por eso su belleza es un contrapeso a esta tendencia. La neoyorquina de la agencia de modelos Ford fue alguna vez reina de belleza y su calidad humana y como modelo le ha permitido ganar espacio en publicaciones como Yo Dona, Diva Magazine, US Glamour, V Magazine, además de ser la protagonistas de campañas para Levi’s o H&M, y de realizar imágenes para Macy’s o Target, entre otras. Lo más importante para esta joven de carácter alegre Para estar en la industria de y genial espontaneidad es que la moda no es necesario tener pronto se alcance el momento desórdenes alimenticios” de la historia en que una mujer como ella no sea llamada gorda ni curvilínea y mucho menos con apelativos como abundante o rellenita. Sino mujer. Simplemente mujer. Distinta a otras, como todas son diferentes entre sí, y nada más. “He sentido que la industria de la moda está cambiando y acepta cada vez más distintos tipos de cuerpo sin relegarlos a ediciones para ‘tallas grandes’”, asegura. “Para estar en la industria de la moda no es necesario tener desórdenes alimenticios –añade–. Muchas pasan el tiempo defendiendo la idea de que al mismo tiempo que no se debe comer a diario McDonalds, los cuerpos son como tienen que ser. Punto”. Una agencia al inicio de su carrera le dijo que debía perder al menos 20 libras de su cuerpo para poder formar parte de ella, y a sus 14 años supo que si algún lugar le pedía eso, no era para ella. ¿Por qué le ha ido bien? Porque cree en sí misma, es positiva, feliz y segura, hija de una familia sureña que ama cocinar y amante ella también de la cocina. Y además, porque no se niega a sí misma lo que es y cómo es. Su régimen de salud es sencillo: se limita a tomar agua y a humectar su cuerpo. Y nada más. Ella liderará la imagen de la campaña de Nueva Metrópoli para crear conciencia sobre la importancia de un cuerpo sano, y de cómo darle paso a los trastornos alimenticios puede ocasionar daños a la salud física y mental. Candice tiene argumentos de belleza para decirlo. Y nosotros, para creérselos. Por eso es enfática en su mensaje final: “Gracias Nueva Metrópoli por su tiempo y por dejarme ser parte de su campaña. Su mensaje es maravilloso y me hace feliz divulgarlo”.

“Gracias Nueva Metrópoli por su tiempo y por dejarme ser parte de su campaña. Su mensaje es maravilloso y me hace feliz divulgarlo”.


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Una modelo a seguir

¿Cómo es en su día a día?

“Soy el tipo de persona que va a sacar el mejor provecho de cualquier situación. Siempre me río y me sonrío, y trato todos los días de que las personas que estén alrededor mío se sientan de la misma manera que yo. Trabajo duro y amo con intensidad. Lo que más me importa en la vida es saber que mis seres queridos están felices y sanos, y que aman la vida y el amor tanto como yo. Por encima de todo diría soy como un tonto grande que ama los bigotes falsos”.

¿Cómo se describiría a sí misma?

Feliz, humilde, confiada, creativa, generosa, decidida, tenaz, sin pelos en la lengua, activa, y de mente abierta en el amor.

¿Qué significa para usted la palabra belleza?

La belleza, en una mujer, es confianza pura y felicidad. Es llevar a una persona a revelarse para que ilumine el espacio en el que esté. No es algo físico, en absoluto. ¡Es un sentimiento!

¿El sobrepeso es un problema imaginario de la sociedad o un problema de salud?

En esta sociedad, el peso sólo es realmente un problema cuando se llega a un extremo. Es decir, la anorexia o la obesidad mórbida sí pueden causar lesiones que amenazan la vida. Las revistas, durante muchos años solo consideraron una talla, que pasó a ser inalcanzablemente pequeña para mí, y eso llevó a que una mujer de mis proporciones pasara a ser vista como con sobrepeso o con problemas de salud. Esto es injusto, y esa presión solo ha causado la epidemia de dismorfia corporal grave de la actualidad. Sí, soy talla 14, pero yo no llegué a este tamaño por no cuidar de mí misma o por estar poco saludable. Soy muy activa y disfruto de las frutas y verduras como cualquier otra persona. Mi cuerpo es sólo distinto y tiene la forma que debe tener… la forma que está destinado a ser.

¿Cómo ha cambiado su vida después de aparecer en Vogue?

Ha cambiado enormemente. He soñado durante años que podría ser esa chica un día en la portada de Vogue, y luego, después de muchos años de duro trabajo, allí estaba yo. Y sin ni siquiera saber, se abrieron los ojos y los oídos de la industria de la moda y eso permitió también que se diera un lugar más destacado para las mujeres con curvas entre sus publicaciones. Así que no sólo logró cambiar mi vida en algo tan increíble que yo ni siquiera lo hubiera imaginado, sino que también puede haber cambiado la industria para siempre.

¿Ve cambios en la forma en la industria de la belleza trata a las mujeres?

Sí, ha ido cambiando durante un buen tiempo.


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La industria está abriendo su mente hacia todos los tipos de apariencia, ya que todos son hermosos. Las mujeres con curvas, las mujeres menudas, las pecosas, las que tienen espacios entre los dientes, estilos muy americanos o andróginos son la norma ahora y así es como debe ser. La moda está en constante evolución y es vital que refleje la diversidad de todas las mujeres, lo que es maravilloso y debe ser bienvenido.

¿Qué considera bello?

Una personalidad increíble. No importa lo bonito que alguien parezca, todo lo puede arruinar una mala actitud.

Está claro que se ama a sí misma. ¿Qué más ama?

Amo a mi esposo. Me encanta la idea de lo que la

vida me depara y de lo lejos que he llegado. Amo los domingos de lluvia. Me encanta mi cuerpo y el hecho de que me proporciona una plataforma para inspirar a otras mujeres. Me encanta la locura de la ciudad de Nueva York y el silencio de una playa de arena blanca. Adoro las cenas ruidosas con los amigos y el vino que fluye. Me encanta la idea de que las mujeres no vayan a los extremos de las dietas para adaptarse al molde del “cuerpo perfecto” que ven en una revista, ya que ese molde ya se rompió y no vale la pena. ¡Hay mucho por amar y por agradecer!

¿Una frase de aliento para las mujeres colombianas obsesionadas con su figura?

No pueden pasar la vida buscando la aprobación de otras personas. Ámense a sí mismas primero y completamente, y el resto se pondrá en su lugar tal como debe ser.


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Cuando los antibióticos no funcionan La humanidad se enfrenta a una grave y silenciosa crisis de salud. ¿A qué se debe? A que la primera línea de defensa que tenemos contra uno de nuestras peores enemigas, las bacterias patógenas, no es suficiente para contenerlas. ¿Estamos perdidos?

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écadas de uso, mal uso y abuso de los antibióticos les han permitido a las bacterias mutar de forma peligrosa, al punto de que un porcentaje importante de las infecciones que sufrimos hoy son causadas por esas bacterias que se han vuelto resistentes a los antibióticos. Al parecer, estamos perdidos. Y desprotegidos. La proliferación de los antibióticos está volviendo inmunes a las bacterias más duras de vencer. Y nosotros nos estamos quedando como las ciudades antiguas sitiadas por los piratas: sin mayores defensas para seguir resistiendo. Pero hay opciones: actualmente en Colombia se está introduciendo la terapia con bacteriófagos, una biotecnología que ofrece una solución viable y eficaz a las infecciones bacterianas resistentes a los antibióticos. Su uso no se restringe al tratamiento de seres humanos, sino que también tiene aplicaciones en el diagnóstico clínico, la agricultura, la medicina veterinaria y la descontaminación de las instalaciones que tengan problemas causados por bacterias. Y todo a la colombiana. De hecho, con el fin de comercializar desarrollos científicos basados en los bacteriófagos y sus diversas aplicaciones, se formó Globalyz Biotech, una compañía colombiana fruto de la alianza entre Naamán, Inc, empresa estadounidense fundada por Michelle Nicholson, quien años atrás padeciera de una infección causada por una bacteria “superbug”, conocida como MRSA (por su sigla en inglés para Staphylococcus Aureus resistente a la meticilina, un antibiótico de última generación), y Prolab, un laboratorio clínico de alto nivel de complejidad, que presta servicios en la ciudad de Medellín. Los virus bacteriófagos son los enemigos naturales de las bacterias, que son, de hecho, los seres más abundantes en el planeta. Hay una infinita cantidad de especies de fagos específicas para cada género bacteriano. Décadas de investigación han permitido elaborar con ellos cocteles terapéuticos efectivos para el tratamiento de infecciones, bien


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sea como coadyuvantes en el tratamiento con antibióticos, e incluso cuando los antibióticos ya nos son eficaces, como en el caso de las bacterias multirresistentes. Con una ventaja muy importante: sin efectos secundarios considerables para quien recibe el tratamiento.

Entrevista Renae Ditmer, PhD. Directora de operaciones de Globalyz ¿Cree realmente que estamos en el final de la era de los antibióticos?

No, los antibióticos seguirán siendo una de las principales armas de defensa contra las bacterias. El problema radica en que las bacterias siguen mutando y adquiriendo resistencia a estos y los desarrollos de nuevos antibióticos son casi inexistentes. Se debe educar para el buen uso de los antibióticos.

¿Es necesario buscar nuevas estrategias para combatir bacterias patógenas?

Si, y los bacteriófagos son el mecanismo mediante el cual la naturaleza mantiene el balance bacteriano. Ellos controlan el crecimiento de las poblaciones de estos microorganismos para evitar que crezcan de manera desproporcionada. Esta estrategia cobra gran relevancia en el mundo actual.

¿Qué experiencia se ha obtenido del conocimiento de la biología molecular de los Bacteriófagos?

Una especie de estos virus, el T4, fue la base para el desarrollo de la biología molecular, que luego derivó en la capacidad de desenlazar el mapa genético de los seres humanos. Así que se tiene un amplio conocimiento de ellos.

¿Han llevado esos conocimientos al desarrollo de herramientas biotecnológicas?

Si, específicamente con los fagos, han permitido la selección certera para la elaboración de cocteles para tratamientos médicos efectivos.

¿Contra qué patógenos puede ser útil la fagoterapia?

Puede ser útil y eficaz para tratar cualquier infección bacteriana, aun las causadas por bacterias multirresistentes o “superbugs”, en seres humanos, animales, cultivos agrícolas, y para descontaminar instalaciones físicas afectadas por bacterias. La clave está en ser capaces de encontrar el fago específico para tratar efectivamente la causa del problema.

¿En qué estado se encuentran las investigaciones con enzimas líticas?

Las enzimas líticas son un derivado de los fagos. Son proteínas liberadas por estos en su proceso de multiplicación y destruyen la pared bacteriana al contacto, causando la “destrucción” celular o lisis

bacteriana. Actualmente se usan para descontaminación, diagnóstico clínico de infecciones bacterianas y hay estudios clínicos en curso para uso en animales y seres humanos para usarlas como profilaxis y tratamiento de infecciones.

¿Cree que se pueda comercializar esta tecnología en América Latina?

Claro que sí. Y vamos a hacerlo educando al personal médico asistencial para que se use correctamente y sea efectiva. Nuestro plan es brindarle el conocimiento a aquellos que puedan hacer buen uso de esta biotecnología.

¿Por qué introducir esta tecnología en América Latina cuando su fundadora es norteamericana?

Está tecnología se desarrolló en países del antiguo bloque soviético, así que hay ciertos problemas políticos. Pero principalmente, porque los requerimientos de capital para su introducción en Norteamérica son inimaginables.

¿Cuánto tiempo llevan de investigación en fagos y cuándo estarían disponibles?

Los fagos fueron descubiertos a principios del siglo XX y desde entonces han sido motivo de investigación. Sus usos en algunos países del antiguo bloque soviético han sido aprovechados desde hace más de 80 años. Los productos en Colombia están surtiendo procesos de trámites legales ante los organismos de control y tenemos presupuestados tenerlos disponibles para uso médico terapéutico en el segundo trimestre de 2013. Las cepas bacterianas resistentes a múltiples drogas han conducido a investigadores en medicina a reconsiderar a los fangos como la alternativa de los antibióticos.


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Breve viaje al mundo

en 80 copas Damas y caballeros, señoras y señores, bienvenidos a bordo. Ajusten sus cinturones. Enderecen los espaldares. Y prepárense para viajar velozmente por el amplio mundo del vino, del que usted tal vez creía conocerlo todo. En el vino, como en la vida misma, siempre hay algo nuevo.

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magina que está en un avión dedicado a recorrer el mundo vinícola que nadie le suele contar. Así que este itinerario inicia, señoras y señores, por el extremo más extremo y tiene la intención de llevarlos al disfrute máximo. Alístense pues para despegar e iniciar este recorrido insólito por el sur del mundo, desde las regiones del Groot de Sudáfrica hasta la de Marlborough en Nueva Zelanda, pasando por las regiones semicálidas de Australia para por fin llegar –copa en mano y con atención superior– por las islas de Madeira y Sicilia con sus vinos dulces, ideales a la hora del postre.

Primera parada El recorrido se inicia en Sudáfrica. Un país con larga tradición vinícola, aunque pocos lo sepan. De hecho, en 1679 un aficionado vinícola creó el primer viñedo del país africano, que en un principio era sólo para marineros con ansias de embriaguez, pero que con los años pasó a ser un nombre casi mítico conocido como el Groot Constantia, y gracias al cual Sudáfrica se encumbró como el noveno productor actual de vino en el mundo, con plantaciones que se extienden a lo largo de cien mil hectáreas y una producción que supera los seiscientos millones de litros. Su cepa emblemática es el pinotage y a Colombia llega en varias versiones, incluido a través de un vino rosado de excelente factura. Pero también produce otra cepa casi desconocida en Colombia: el Shenandoah. Esta región del Cabo tiene un clima similar al del Mediterráneo, y la mezcla de brisa marina, clima y tierra dan origen a vinos de calidad y excelentes precios. 580 mil hectáreas sembradas con vides dan fe de su esfuerzo por producir en cantidad y calidad.


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Tierra de canguros Australia, por su parte, produce el mejor syrah (o shiraz) del mundo, entre cuya variedad se destacan las reservas “hechas a mano” que llevan la huella del enólogo y vienen numeradas, y que en apenas veinte años lo han elevado a la cumbre del gusto vinícola. Sus variedades sobresalen por sus características artesanales en las que se respetan aromas y sabores. Su cultura vinícola, como todo en este país, es bastante joven –aunque sus primeros cultivos datan de 1788– y sin embargo se han destacado con productos que tienen una combinación ganadora: buenos precios y buena calidad. Sus vinos reflejan el clima soleado mediante su sabor pleno de frutas. A pesar de que en Colombia poco vino australiano recibimos, hay un dato importante: es el sexto productor de vinos del mundo, y la estructura de la bebida se distingue por su complejidad estructura y gran potencial de añejamiento.

Los kiwis toman vino De allí damos un salto hasta Nueva Zelanda, que a pesar de tener una historia vinícola reciente, que inició apenas en 1980, se ha convertido en el productor del mejor sauvignon blanco del planeta. Se destaca el Jackson State, de la región de Marlborough, y una gran variedad nacida de los pinot noir y de los chardonnay que allí se cultivan. Los neozelandeses se dieron cuenta de que la variedad del sauvignon blanco resistía mejor el clima y daba una excelente calidad en la región más templada de las islas del Pacífico. Su creatividad no se limita sólo a la bebida, sino también a la botella y a las etiquetas. Ese descubrimiento hizo que su superficie de

viñedos se triplicara, que sus exportaciones se quintuplicaran y que a pesar de su pequeña capacidad de producción (apenas 22 mil hectáreas) y de su juventud, sea considerado un destino vinícola ya por muchos. En general, sus vinos se caracterizan por ser vivos y frutales, elegantes y con una buena concentración aromática. También se destacan los vinos blancos hechos con chardonnay y los vinos tintos que son fabricados con cabernet sauvignon y algo de merlot, o sus muy buenos pinot noir. Tanto la isla del norte como la isla del sur producen excelentes vinos.

Los dulces europeos

Finalmente pasamos a Europa. Esta vez a la isla de Sicilia, donde las malvasías son los clásicos de la repostería y de los postres, y donde el Marsala es la bebida más famosa. Este licor es un símbolo de la región itálica. Similar al Oporto, es ideal para cocinar ya que no se daña debido a la presencia de alcohol, lo que detiene el proceso de fermentación. Junto con la malvasía, el moscato y el zibibbo, el grecanico y el nero d’avola, y el amarone, hecho de uvas pasas, son grandes vinos que apenas llegan al país y vale la pena catar. Hablando de vinos para postres, la isla portuguesa de Madeira también ofrece variedades especiales, como el Alvarinho y el vinho verde, famosos por su sabor y por su uso en la cocina. La regla básica del maridaje es que mientras las bebidas secas abren el apetito, las dulces lo inhiben y por lo tanto deben conservarse para el final, recuerda el sommelier José Rafael Arango. Así, señoras y señores, terminamos el recorrido. Esperamos que haya sido de su agrado. Sírvase servirse una copa de vino para rematar.


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Por Enrique Patiño

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El arcoíris

en el agua ¿Es Caño Cristales el río más bello del mundo? Las fotos que allí logramos captar les dan la razón a los más fervientes defensores de esta afirmación. No solo las imágenes: esa idea la reafirma la sensación de estar en un lugar privilegiado en clima y belleza.

o dicen, lo repiten, insisten, lo recalcan y vuelven a recordarlo a todo turista que llega al municipio de La Macarena, en el departamento del Meta: “Le va a gustar”, “Le encantará”, “Es famoso en todo el mundo”. Lo dicen en el aeropuerto, los guías, los residentes, las personas que no han ido nunca y venden empanadas en la plaza central del pueblo. Tanto, que cuando uno por fin cruza el río Guayabero, paso obligado que divide a La Macarena del inicio del paseo de ocho kilómetros que conducen al que es considerado el río más bello del mundo, uno ya tiene encima el susto de que sea más la publicidad que la realidad. Pero no. Por fortuna no. Por la belleza inmaculada de la naturaleza tienen razón todos ellos. Porque luego de que uno pasa las ansias iniciales de llegar al lugar, después de haber calmado la sed y el cansancio de una caminata bajo un sol violento, unos minutos después de sentarse y respirar el aire caliente que atosiga los pulmones y al mismo tiempo los llena con el aire puro de un lugar sin autos, uno deja de ver con los ojos del turista ansioso. Y empieza a observar distinto a Caño Cristales, un río breve que cruza sobre algunas de las rocas más antiguas de la humanidad. Tan distinto que ya no lo mira con la ferocidad del turista que ansía solo una bella foto. Sino que se rinde. Porque eso logra Caño Cristales. Que uno se rinda. Que se doblegue poco a poco, pozo tras pozo, entre los cientos que surgen en los tres brazos o ramales en los que se divide este río. Que se sorprenda en ese lugar, oculto entre una vegetación amazónica incipiente, con las formaciones rocosas de distintas profundidades y casi todas circulares, en las cuales florecen plantas acuáticas endémicas de color rojo, rosado y de un leve naranja. Que la transparencia del agua deleite tanto como la belleza de las plantas acumuladas que tiñen de rojo sangre el curso del agua. Que esa misma nitidez del agua permita ver hasta cinco metros de profundidad en los pozos más hondos, y que sea posible distinguir el reflejo de las plantas aledañas y el azul del cielo en sus aguas, como si fueran la luna de un espejo casi perfecto. Y que sumados, todos los colores, desde el granito de la superficie hasta el blanco de las nubes reflejadas en sus aguas, hacen que sean más variadas las tonalidades del río que las de un arcoíris. Cuando uno lo comprende, cuando uno se detiene, sin prisa, y se queda a la vera de un pozo, y luego, siguiendo la admiración que guió los rituales de nuestros antepasados, es capaz de dejar atrás la música, el ruido, las cámaras, las charlas, y se sumerge en sus aguas cálidas, uno entiende que sí, que tal vez todos tenían razón: es el río más bello del mundo. O puede que no. Que haya otros. Pero no importa. Uno se siente en la mitad de un arcoíris de agua y plantas, cálido y puro, como si flotara en el cielo sumergido.

El recorrido Enrique y Víctor tienen 70 años. Sus esposas viajan con ellos y son más aventureras y animadas que la mayoría de jóvenes que conozco: eso implica una rutina de viajes que los llevan desde bucear en Cuba


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y pasar por cavernas en Roatán, hasta hacer parapente en Sopó, hacer balsaje y espeleología en Guane y Barichara, celebrar año nuevo en La Guajira, escalar a Ciudad Perdida en la Sierra Nevada o recorrer caminando a paso de campeones el trayecto que separa a los turistas de La Macarena a Caño Cristales. Ellos son el ejemplo de la voluntad de los que aspiran a llegar a este río: tenían el objetivo claro de verlo e hicieron lo posible por conseguirlo, y su paso firme y su talante dicharachero lo demuestran, en medio de sus risas, que resuenan por entre los pozos de agua a pesar del fatigoso calor del mediodía. Porque para ellos, el viaje es la aventura, más que el destino mismo. Y la vida misma es curso de agua más espectacular” una aventura que vale la pena vivir al extremo y con riesgo. Por eso, Caño Cristales les sabe a aventura, en especial durante el recorrido que nos lleva a visitar lugares que los locales han bautizado como la Cascada del amor, la Cascada de los cuarzos, la Piedra de la virgen, la Escalera o Pozo Cuadrado. Ellos también se detienen. Y en un instante dado, se sumergen bajo una cascada y se olvidan del mundo, ensordecidos por el estruendo del agua pura. Alaban el lugar, pero también son conscientes de que hay comodidades que hace tres años parecían imposibles en este municipio. Un par de hoteles básicos, pero cómodos; un espectáculo local de joropo y música tradicional llanera, preparado para los turistas, que acerca al viajero a la cultura local y que se agradece con el corazón porque así lo organiza la gente de La Macarena; un grupo de guías que no desamparan jamás a los turistas, son incondicionales y se entregan de lleno a esta única fuente de sustento para los jóvenes del municipio; una seguridad que aunque disfrazada de Ejército, igual ha permitido volver al lugar a decenas de turistas; una comida preparada por jóvenes del Sena que se envuelve en hojas de plátano y sirve para comer a orillas del río; y un plan turístico que lo abarca todo, desde la guianza hasta la comida, y que hace que el turista se concentre solo en comprar el agua para no deshidratarse y en disfrutar del viaje.

Precisamente con ellos, con esas parejas que rondan los 70 años, es posible comprobar la afirmación de que el río que todos dicen que es el más bello puede que sí lo sea: han viajado por más de medio mundo y tienen alma de viajeros de caminos tomar. Ellos, en las aguas de Caño Cristales, con esnórquel y careta, nadan entre las plantas acuáticas endémicas y emergen para decir que el espectáculo los ha conmovido, y que aunque apenas la región aprende a defenderse en materia de turismo, y son muchas aún las falencias, volverían a sus aguas. Cuando la gente del pueblo, los guías, los soldados, los comerciantes y todo el mundo que nos encontramos pregunta si nos pareció “el mejor río”, “el más bello lugar”, el “curso de agua más espectacular”, etcétera, afirmamos que sí, que sí lo es. Y esta vez lo diremos también nosotros. Pero no mucho. Porque la intención es que el lector no crea que es publicidad, sino una posibilidad real que está esperando a que usted repose de la caminata que lo llevará hasta su orilla, respire, se tome su tiempo y descubra, en calma, ese río que es más bien una especie de arcoíris que descendió y besó el agua. Si se fija, si se detiene un instante más, se verá usted reflejado y entenderá que ese es el mayor mensaje de ir allí: que usted también forma parte de ese espectáculo natural, parte del reflejo de los tantos colores, parte de la fusión de la naturaleza con el ser humano. Como debe ser. Perfecta, como el reflejo y la nitidez del agua.

Cómo llegar Satena abrió una ruta que lleva de Bogotá al municipio de La Macarena en 50 minutos. Sale los viernes en la mañana y se regresa los domingos en la tarde. La opción, ideal porque abarca el fin de semana, es la más sencilla para los viajeros y la que le permite quedarse lo justo en el municipio del Meta para realizar al menos dos visitas a Caño Cristales. Sin embargo, hay más opciones a través de Villavicencio: avionetas que salen del aeropuerto y hacen el recorrido sobre la Serranía de La Macarena para llegar finalmente al municipio.


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Casa Hobo y las boutiques de Cartagena

Hay un lujo que bien vale la pena darse al menos una vez en la vida. O dos. O muchas: ir a un hotel boutique en Cartagena.

U

no de estos hoteles de lujo, pequeños, con encanto, llamados boutique, que más nos llamó la atención dentro de la amplia gama que existe en el Corralito de piedra, está ubicado en el barrio privilegiado de San Diego, dentro de la ciudad amurallada. Se trata de una propiedad remodelada, que conserva el toque clásico y colonial de la Cartagena antigua, pero mezclada con un estilo moderno, renovado y minimalista. Hacemos referencia a la Casa Hobo, un lugar que recibe a sus huéspedes con una provocativa piscina para paliar el calor que supera los 30 grados, y que lo acoge desde su entrada con un amplio espacio social que cuenta con televisor de plasma y equipo

de sonido. Lujo y detalles para que nadie quiera emprender la retirada. En un espacio mínimo de apenas cuatro habitaciones, tres en el segundo nivel y una en la terraza, los huéspedes se sentirán acogidos en un lugar bello con toques de distinción, entre los que sobresalen las comodidades necesarias –aire acondicionado, ventiladores, televisores con cable internacional, dvd– además de un espacio asignado para la cocina, la cual está equipada con modernos electrodomésticos para que el huésped se sienta como en su casa. Y eso significa una casa con criados. Así es. Porque las nueve personas que allí se pueden hospedar (esa es la capacidad máxima) tienen acceso a dos empleados a su entera disposición todo el tiempo que permanezcan en la propiedad. Algo que muchos consideran pasado de moda, pero que quien busca lujo siente como un detalle de suntuosidad necesario para aumentar su placer de no hacer nada y dejarse atender. Sin embargo, Casa Hobo no es el único sitio que da placer extremo. Otros que ofrecen distinción y lujo, y al mismo tiempo conservan el encanto de los hoteles boutique con un reducido número de habitaciones, mucho lujo, gran cantidad de detalles y atención personalizada, son los hoteles que acá le numeramos, de un amplio número que abunda en Cartagena.


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Nuestros recomendados son: Casa Pestagua (una belleza incluido entre los tres mejores hoteles con encanto del mundo), Aguamarina, La Merced, Agua (otro de nuestros súper favoritos por sus planes que incluyen tratamientos estéticos y por estar entre los 101 mejores del mundo), LM, Karmairi, Bóvedas de Santa Clara, Anandá, Casa Blanca, Casa Quero, Casa Canabal, Alfiz, San Diego 972, El Marqués, Tcherassi y nuestro gran favorito, Casa Santa Ana, ubicado en el barrio de Getsemaní, cerca del centro histórico, pero lejos al mismo tiempo del barullo turístico, e inmerso en uno de los sectores turísticos más interesantes de la ciudad. Además, como buena parte de las otras, se distingue por su piscina en la azotea, sus habitaciones con detalles coquetos, su precio elevado pero perfecto para una ocasión especial, y su atención casi amorosa. Pero queda uno, bellísimo, único, y fuera de Cartagena, especial para los románticos más empedernidos y los buscadores de destinos insólitos: en Mompox está ubicado el Hotel Boutique Bioma, atendido por su propietario Gerardo Alférez y su familia. En la calle principal del pueblo se encuentra esta joya preciosa de estilo minimalista y absoluta paz en medio del pueblo más hermoso de la costa Caribe. Si se desvía a Mompox, deténgase allí.


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Charlee habla paisa

Es raro que un lugar ofrezca arte. Y más raro que ese lugar sea un hotel, y que si lo es, no lo ofrezca en un lugar escondido, o en un espacio de la recepción solo para enganchar al público que entra. Pues así, raro, distinto, lujoso, elegante, es el hotel The Charlee, en Medellín. Allí hablan paisa. Y eso es sinónimo de calidez. Pero además, allí el arte es el protagonista de todos los espacios gracias a la implementación de su programa Arte at The Charlee, que les brinda a sus huéspedes la opción de apreciar y adquirir las obras de artistas emergentes, expuestas en diferentes espacios de sus instalaciones, y le brinda, además, a los artistas mismos, la oportunidad de dar a conocer su trabajo en uno de los escenarios más exclusivos de la ciudad. Ese concepto ha llevado que por sus once pisos y su terraza circulen desde pinturas hasta esculturas, pasando por fotografías, que se integran con la atmósfera sosegada de los espacios mismos para ofrecerles a los visitantes una propuesta de arte y un estilo de habitación que va más allá del concepto clásico hotelero para ofrecer en cambio espacios de lujo, de alta calidad, mucho diseño, personal dispuesto a servir, variedad de planes y de precios, habitaciones de lujo y planes que comprenden su ultra gym y su restaurante Lucía.

Línea gratuita nacional: 01 8000 517 900.

Teléfono: (57 4) 4444 968

Dirección: Calle 9a No 37-16, Parque Lleras, Medellín.

Correo electrónico: reservas@thecharlee.com y info@thecharlee.com


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Jaikerazabi

Un hogar para recuperar el hogar

Las historias de país nos interesan. Sobre todo cuando reconstruyen la paz, rescatan los saberes culturales o emprenden acciones positivas. Todo eso está en la historia del resguardo indígena de Mutatá, en el que los Embera Katío reencontraron sus raíces.

O

chenta y cuatro comunidades indígenas Emberá Eyabida vivieron, en la serranía de Abibe, más exactamente en el municipio de Mutatá (Antioquia), uno de los momentos más significativos para un país que venía lastimado por las heridas del conflicto y se percató el 16 de diciembre de 2011 de la forma en que allí comenzaban a sanarse. También ese fue un momento decisivo para el general Hernán Giraldo Restrepo, comandante de la Séptima División del Ejército de Colombia. Porque ese día, este hombre de familia tradicional, décimo tercero de los dieciséis hermanos de su casa y padre a su vez de cuatro hijos, se sintió pleno y celebró de una manera que jamás olvidaría. Luego de toda una vida dedicada a proteger a las personas, aplaudió en la entrega del resguardo indígena Jaikerazabi, un proyecto que les devolvía a los Embera Katío un territorio en el que podían reconstruir su hogar perdido por el desplazamiento forzado al que fueron sometidos. Así como sucedió en distintas regiones del país, los Embera Katío, en el Urabá antioqueño, fueron víctimas de fuertes oleadas de violencia y desplazamiento en los años noventa. Los grupos paramilitares y guerrilleros no permitían entonces el flujo de alimentos, los acusaban de llevarlos al enemigo, y mientras la guerrilla decía que la ayuda fluía hacia los paramilitares, estos acusaban a la población


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de favorecer a la guerrilla. El estado de tensión llevó al hambre y los índices de desnutrición infantil y tuberculosis se elevaron. Había que hacer algo. No solo necesitaban protección; sus condiciones de vida eran indignas, sus viviendas no contaban con las condiciones higiénicas mínimas y no tenían agua ni alcantarillado. La necesidad de ayuda llevó al Gobierno Nacional, con la ayuda de la cooperación internacional, a adelantar una iniciativa para construir un resguardo que les ofreciera alivio y seguridad. La idea de Jaikerazabi surgió, sin embargo, en un lugar distante del Urabá antioqueño o de las oficinas del Gobierno: en la Sierra Nevada de Santa Marta, en la costa norte del país. Allí, en la enorme reserva natural e indígena, los habitantes ancestrales habían sufrido las consecuencias de la ocupación por parte de grupos al margen de la ley en los territorios indígenas, y habían logrado darle el viraje a la situación desesperada a establecer un territorio de paz. Seis líderes indígenas viajaron desde Mutatá hasta la Sierra para conversar con los Arhuacos y conocer la forma en que habían establecido ese territorio. Su visita fue provechosa: tomaron su modelo para replicarlo en Jaikerazabi. A partir de ahí, la comunidad Embera Katío fue apoyada con la construcción de 84 tambos o viviendas, además de una escuela, un puesto de salud, una casa comunitaria para reuniones, cancha polideportiva, restaurante para turistas y hasta senderos peatonales ecológicos. En resumidas cuentas, se construyó un pueblo nuevo. Hoy, las comunidades indígenas gozan de tranquilidad, y la experiencia exitosa está siendo replicada con otras comunidades en el país, como un reflejo de las buenas obras que se desplazan al interior de los hombres y al exterior en multitudes. Pero el mejor ejemplo fue la confianza que se estableció entre los indígenas y el Ejército, que fue a la vez un acto de desahogo y de descarga de lo que esta-

ba reprimido en el corazón. Unos y otros se hablaron con la verdad, liberaron lo que su alma contenía, se entregaron en confesiones y pidieron perdón mutuo por las pérdidas de sus seres queridos y compañeros, así como por los actos mal encaminados. Ese hecho fue memorable. Los indígenas, colombianos de nacimiento, abrazaron a sus compatriotas, los miembros del Ejército, y se unieron como hermanos. El general Hernán Giraldo, que vivió paso a paso el proyecto, se estremeció con el resultado. Ver sus casas construidas, y a los niños gozando de un lugar protegido, le produjeron deseos de llorar y una alegría inmensa porque veía cumplido el logro más importante de su carrera: que los turistas que lleguen a Mutatá se acerquen a los indígenas de una forma diferente, como los ancestros de los cuales todos venimos, y que éstos gocen de un territorio en el que puedan ejercer sus derechos con la protección del Estado. Su mayor logro consistió en unir dos bandos en apariencia distantes y convertirse en la eje de comunidades que no han sido escuchadas, a la vez que promovió la expansión de los sueños para estas culturas. El general Hernán Giraldo, al lado de la comunidad Jaikerazabi, no cesa de aplaudir por el sueño cumplido después de años de trabajo. Sus sentimientos encontrados dejan florecer en su rostro, bajo las viviendas con techos de palma, la nostalgia y la felicidad, y también la sonrisa que llena los corazones de quienes compartieron aquella tarde a su lado. Ahora los Embera Katío elaboran la memoria histórica del pueblo para que no se pierdan sus tradiciones y se vuelva a generar el arraigo de su comunidad por su cultura ancestral. • Las obras fueron posibles gracias a una alianza entre el Departamento para la Prosperidad Social (DPS), la Gobernación de Antioquia a través de la Empresa de Vivienda (VIVA), la Gerencia Indígena, la Fundación Social Corbanacol, el municipio de Mutatá, la Agencia del Gobierno de Estados Unidos para el Desarrollo Internacional (USAID) y la Organización Internacional para las Migraciones (OIM).


90 MetróGalería Les preguntaba por él a los muertos de Riohacha, a los muertos que llegaban del Valle de Upar, a los que llegaban de la ciénaga, y nadie le daba razón, porque Macondo fue un pueblo desconocido para los muertos hasta que llegó Melquíades y lo señaló con un puntito negro en los abigarrados mapas de la muerte”.

e l l a c a l n e á t s e Macondo Literatura o? Para celebrar los 30 años del Nobel de gur ¿Se da. mo de ó pas gico má El o lism lida Para muchos, el rea la magia continúa viva en la rea d. ndo que ar ostr dem os sim qui ez rqu Má cía soledad sigue existie que ganó Gabriel Gar a la costa y constató que Cien años de jó via z tíne Mar do nan Fer liam Wil fo s. fotógra do de todos los día en el día a día, con su trabajo El Macon

Francisco el Hombre, así llamado porque derrotó al diablo en un duelo de improvisación de cantos, y cuyo verdadero nombre no conoció nadie, desapareció de Macondo durante la peste del insomnio y una noche reapareció sin ningún anuncio en la tienda de Catarino. Todo el pueblo fue a escucharlo para saber qué había pasado en el mundo”.


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Don Apolinar Moscote la llevó del brazo por la calle adornada con flores y guirnaldas, entre el estampido de los cohetes y la música de varias bandas, y ella saludaba con la mano y daba las gracias con una sonrisa a quienes le deseaban buena suerte desde las ventanas”.

Poco a poco se fue reduciendo, fetizándose, momificándose en vida, hasta el punto de que en sus últimos meses era una ciruela pasa perdida dentro del camisón, y el brazo siempre alzado terminó por parecer la pata de una marimonda. Parecía una anciana recién nacida”.


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Roosevelt Cuadros guerrero del arte Suena irónico, y lo es, pero este hombre, que fue soldado, ahora libra su mejor batalla contra el lienzo en blanco. De la cruda realidad queda el hiperrealismo de su obra. El resto es fruto de su imaginación y de sus recuerdos de la selva.

Por: Adriana Naranjo

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oosevelt Cuadros Fuentes nació autodidacta. Pero también, por circunstancias de la vida, un capitán de la reserva activa del Ejército que tuvo la oportunidad de recorrer las selvas colombianas y que aprendió de ellas “la sabiduría, la experiencia” y la posibilidad de convertirse en un “artista con el corazón guerrero y el alma de pintor”. En fin: un hombre que nació artista pero terminó siendo soldado. Pero a quien, sin embargo, el pincel lo atrajo más que las armas y con los años decidió cambiar el campo de batalla por un lienzo, su fusil por un caballete y la munición por

una amplia paleta de colores para lograr el hiperrealismo actual de su impresionante obra. Cuadros fue rechazado por sus padres en su juventud por sus tendencias artísticas. Profesores y amigos se unieron a ellos porque en la recia ciudad de Cúcuta los artistas eran estigmatizados como homosexuales, drogadictos y bohemios. Sin embargo, el joven artista no podía ni quería contenerse: rayaba todo lo que tenía a su alcance y cuando la profesora le ordenaba hacer las vocales él las dibujaba. Fue acumulando castigo tras castigo, y dándole motor a su rebeldía. Cuando cumplió la mayoría de edad, fue obligado por su padre a ingresar a las Fuerzas Militares de Colombia. Se suponía que la reciedumbre


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La vida no es

del servicio militar debía enderezarle el camino. Casi lo logra. Porque durante su carrera militar no podía pintar, pero su vocación lo llevó a desarrollar la habilidad de grabar en su mente la flora y la fauna de las selvas en la Orinoquía y la Amazonía de Colombia. El silencio, la observación, los ojos abiertos y los oídos despiertos durante los patrullajes en la guerra activaron sus sentidos para oír el desplazamiento de una gota de agua, captar los detalles de una flor al abrirse y aprender la forma en que se produce el vuelo singular y poético de una mariposa. Miró los colibríes los árboles y aprendió de sus matices y de su forma. La posibilidad de estar en áreas remotas donde pocos colombianos habían llegado y comprender la majestuosidad de la naturaleza que subyace en estos parajes lo motivó a seguir pintando. También comprendió, dice, “por qué estaba ahí” y le dio gracias a Dios por brindarle la experiencia y mostrarle cuál era su hogar como territorio: aquel pulmón del mundo; y su hogar como ser humano: la pintura. Las Fuerzas Militares le enseñaron la disciplina, sí, pero para continuar pintando y el tesón fácil pero es linda” para no dejar atrás sus sueños. Ahora, dedicado de lleno al arte, ha realizado exposiciones en el país y en el exterior, y se ha nutrido de estudios en Holanda, donde aprendió de las técnicas del color, en México, donde supo de las texturas y de los tejidos multicolores, y en China, donde conoció de cerca el manejo de la tinta. Su obra ahora explota de flores, pájaros y mariposas. El maestro Roosevelt Cuadros tiene en claro algo: que el éxito depende de uno mismo. “No es suerte: es el resultado del esfuerzo que cada uno le ponga a lo que quiere; hay que conseguirlo con fortaleza incansable y, lo más importante, estar siempre del lado de la protección divina”. Y agrega una perla, nacida de un combatiente que estuvo en los silencios de la selva y en el fragor de la muerte, y que, al igual que el protagonista de la cinta La delgada línea roja, de Terrence Malick, tenía tiempo para mirar el entorno en medio de la guerra: “La vida no es fácil pero es linda” dice.


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Etnógrafo

de moda Un colombiano radicado en Berlín se abre, sin mucho ruido, campo entre los creadores más destacados del país. Su base es la investigación. Sus resultados sorprenden.

Por: Laura Viera A.

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l mundo de la moda está plagado de diseñadores. Y en muchas ocasiones, de conceptos de moda reciclados, vintage o progresistas que se inspiran en el boom mediático del momento. Pero hay otros diseñadores que fundamentan su trabajo en el valor cultural de cada región, en el poder de la gente y en la tradición. Ese es el caso de Ricardo Ramos. El trabajo de este colombiano radicado en Berlín va más allá de la creación de prendas de vestir. Lo suyo es una inmersión absoluta en otras culturas. Para lograr consolidar cada colección suya se le hace necesario viajar, investigar y relacionase con la gente del lugar. Para él, necesario saber y entender cómo se comporta la cultura en la cual se inspira, saber por qué se visten de cierta forma, cómo elaboran sus trajes, por qué utilizan esas telas y cuáles son los códigos que transmiten con sus atuendos. “Cuando empecé mi carrera, mi Y esto es, precisamente, interés primordial eran la tribus lo que lo hace diferente urbanas, ya que los jóvenes crean de todo el resto de diseñaestéticas definidas. Con el tiempo dores. mis creaciones evolucionaron” Porque para hacer un trabajo único, hace una inmersión en las culturas ancestrales como la árabe, las amerindias o las orientales, que tienen mucho arraigo en su forma de vestir y que continúan haciéndolo de la misma manera después de años. Para él, representan las mejores opciones. Tanto así, que su relación con el folk y el tribalismo son el resultado inmediato de un interés cultural por las tradiciones y la diversidad cultural, racial, social y religiosa en la que vivimos. “Cuando empecé mi carrera, mi interés primordial eran la tribus urbanas, ya que los jóvenes crean estéticas definidas. Con el tiempo mis creaciones evolucionaron”, explica. Así que ahora anda con la idea de dejar un mensaje de conciliación cultural y reivindicar el legado artesanal a través de sus colecciones. Referentes históricos, etnográficos y sociológicos también in-


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fluyen en la obra de Ramos. Ricardo Ramos se considera un etnógrafo de la moda. Porque para él, la etnografía consiste en observar las prácticas de las personas y poder participar en ellas para confrontar y resaltar lo que la gente dice y hace. Esto es, sin duda alguna, la parte más importante dentro de su proceso de creación. Como cualquier etnógrafo, pretende revelar los significados de las interacciones que constituyen la realidad social. Los datos que logra reunir consisten en la descripción densa y minuciosa de costumbres, creencias, historia y lenguaje, entre otros. Luego, los plasma en la moda. Para Ricardo, su trabajo es una muestra de un dialogo interno: unión de tradición y contemporaneidad, que permiten un mensaje de conciliación e integración cultural. “Lo que más me interesa es trabajar con culturas estigmatizadas, rescatar el trabajo artesanal y resaltar el valor del trabajo a mano”. Para este colombiano que se abre espacio en Alemania, la inspiración puede nacer en cualquier rincón. Es más, las situaciones que nos rodean, así como nuestras fronteras mentales y físicas, existen para ser sobrepuestas. Por eso mismo, Marruecos logró impactarlo. En su más reciente colección se basó en su investigación para elaborar intrincadas técnicas de macramé, un extenso trabajo a mano, bordados tradicionales y cuidados acabados, así como el uso de Sfifas (galones). Pero no solo mira al sur. Una Lo que más me interesa de sus colecciones más hermoes trabajar con culturas sas la encontró entre la calles de estigmatizadas, rescatar el Staphorst, una municipalidad trabajo artesanal y resaltar en el este de Holanda. Staphorst el valor del trabajo a mano”. es el bastión del calvinismo fundamentalista y por eso mismo los trajes son totalmente tradicionales. Los trajes tradicionales utilizados diariamente en medio de Europa resultaron ser una de las mejores aventuras para este antropólogo social. Inspirarse en el impacto que género la emancipación de las mujeres en los países hispanos o en la influencia estética berlinesa en el periodo entre ambas guerras mundiales han sido temas de marcada influencia e inspiración para la colección “La Lola moderna”. Y así, investigando y creando, Ricardo Ramos ha hecho historia. Ha participado en Berlin Fashion Week, en Barcelona (Pasarela Gaudí, BCN Fashion Week, BAC Festival de Arte Contemporáneo de BCN), NY Fashion Week, Köln (Herren Mode Woche), Brussels Fashion Fair, Bogotá (Textilmoda, Bogotá Fashion) y en Londres. Lola, por si las dudas, es el nombre asociado con las mujeres de carácter fuerte, sin complejos ni prejuicios sociales. Es el espíritu de la mujer moderna, una mujer activa con un papel determinante en nuestra sociedad. Su última colección, Santas, que presentó durante Berlín Fashion Week 2012, no dejó de sorprender. Se trataba de un estudio exhaustivo de las culturas aborígenes colombianas mezcladas con la época de la colonización. Por si quedan dudas, Ricardo, talento colombiano,

nunca quiso ser uno más del montón. Para la creación, dice, el mundo es su escenario perfecto, ya que no hay límites en su mente y muchísimo menos en su concepto de arte o moda. Hoy en día, vive entre palabras, reflexiones, análisis sobre el pasado, austeridad, telas, texturas, bibliotecas y observaciones sobre culturas que le permitan reivindicar el pasado con nuestro presente y futuro. Adaptarse a nuevas e inesperadas circunstancias es una de las cosas que más lo llena. Vivir en el momento le permite una flexibilidad absoluta a la hora de experimentar y confrontar al mundo con verdades incomodas. Pero también, y ante todo, romper fronteras preestablecidas se le ha convertido en un estilo de vida que se ve reflejado en su día a día: es diseñador, artista, etnógrafo y periodista. Un hombre con muchas caras que no ha dejado de soñar, y que a través de su arte realiza un cambio profundo en la mentalidad de los otros.


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