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LA MIRADA DE... EL CONTEMPORANEO FOTOGRAFO DE LAS LUCES DE NAVIDAD

MOSAICO en la galeria de Instagram/ 12 Tecnicas de composicion para mejorar tus fotografias/ Trucos y consejos con estela de luz/ Accesorios que NO pueden faltar...


EDITORA: Judit Ramírez Troncoso

CARTA EDITORIAL El comenzar en la fotografía es un reto para la persona que le gusta retratar personas, lugares y demás sin tener un conocimiento teórico de la práctica, así mismo el lanzamiento de una revista, es siempre un desafío humano pero es una aventura intelectual llena de conocimientos y experiencias. Es por ello que la revista ISO 100, nace con la iniciativa de proporcionar a todo amante de la fotografía conocimientos básicos y avanzados para mejorar su técnica fotográfica, construir un espacio de comunicación, socialización, colaboración y otros valores entre fotógrafos, para la realización de este y muchos más proyectos. Este proyecto nace de la pasión, talento y el amor que este equipo le tenemos a la fotografía, de jóvenes para toda la sociedad, de ahí es donde se crea este espacio libre, innovado y cooperativo, en el que podrás encontrar diversos artículos que te ayudaran a crecer como todo un profesional

UNIVERSIDAD VERACRUZANA TALLER DE DISEÑO EDITORIAL PROFESOR: SERGIO ARTURO LEÓN SÁNCHEZ


CONTENIDO MĂĄs profesional

6 12 Tecnicas para mejorar tus fotografias.

12 Estelas de luz Mi camara

16 6 Errores comunes al comprar una camara.

Iluminancion

22 Modos de medicion 24 Fotografias con poca luz La mirada de...

30 Brandon Woelfel Sin camara

40 Mosaico en Instagram

42 ÂżComo hacer un mosaico en instagram


12´

TECNICAS

PA R A M E J O R A R T U S F OTO G R A F I AS

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racias a la popularización de la tecnología y su abaratamiento, la fotografía se ha convertido en un arte al alcance de casi todos. Quién no tiene estos días un teléfono móvil que, de mayor o menor calidad, tenga una cámara fotográfica incorporada.

Y dado que lo tenemos tan fácil para hacer fotografías, quizá nos gustaría aprender algunas pautas para que nuestras imágenes fueran un poco más allá de lo ordinario. A continuación compartimos una serie de consejos, técnicas y reglas básicas, compartidas por el profesor de fotografía Barry O. Carroll.


1. La regla de los tercios Divide el campo de tu fotografía en tres partes horizontales y tres partes verticales, con lo cual tendrás nueve secciones (algunas cámaras ya tienen integrada esta función). El objetivo de esta técnica es evitar a toda costa situar lo más importante de nuestra foto en el centro del área; usualmente las composiciones más atractivas se logran extendiendo esos elementos relevantes a lo largo de dos o más secciones, o situándolos donde los puntos se cruzan.

2. Justo medio y simetría En otras condiciones, sin embargo, es posible aprovechar el centro de tu campo visual. Cuando encuentras una construcción, un paisaje y quizá incluso un rostro que en sí mismos sean simétricos, ¡utilízalos a tu favor! Y aunque suene un tanto contradictorio, también es posible jugar con las posibilidades de la simetría.

3.El quid está en los detalles Nunca pierdas de vista los detalles. Una forma sencilla de dar profundidad –óptica y emotiva– a tus imágenes es tomar un detalle en primer plano, pero, curiosamente, para destacar aún más el fondo. Este contraste de perspectivas genera un interesante efecto dramático.

4. Enmarca dentro del marco Este es un interesante juego óptico que puedes poner en práctica siempre que tengas oportunidad. El marco de una puerta, un puente, las ramas de un árbol y quizá incluso los brazos de una persona: eso y otras cosas pueden funcionar como el marco de una imagen que de por sí ya está enmarcada (seccionada) por tu cámara. Esta técnica otorga profundidad a tus fotografías y también cierta estética peculiar (en función del marco elegido).

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5. Líneas guía Esta es una técnica pictórica que también puede aplicarse en fotografía. A veces, lo que vemos tiene ya ciertas líneas que conducen nuestra mirada, que funcionan como una especie de “carriles” que guían lo que vemos. Con un poco de pericia puedes reflejarlas en tus imágenes y obtener fotografías que destaquen por su composición simétrica o por la capacidad para aprovechar las condiciones del entorno.

10. Aprovecha el espacio negativo El espacio negativo es una de las nociones más interesantes tanto de la fotografía como de la pintura y algunas otras artes visuales. Grosso modo, consiste en eso que aparece en una imagen pero que, en cierta forma, no contiene nada. La pared detrás de dos personas, por ejemplo, el cielo, el piso. Lo curioso es que el espacio negativo puede ser un gran elemento de expresividad, contraste, geometría y más. ¡Úsalo con imaginación!

6. Diagonales y triángulos 11. La regla de lo improbable Las líneas diagonales y los triángulos dan “tensión dinámica” a una imagen. Esta es una lección que enseñaron bien los grandes pintores del Renacimiento, quienes al experimentar con el punto de fuga, abrieron un vasto mundo de posibilidades para la perspectiva y la ilusión de movimiento. Esta es también una de las técnicas menos sencillas de lograr, pero con práctica y experimentación seguramente llegarás a dominarla. ¿Un consejo? Mantén tu mirada atenta a los triángulos que se forman “naturalmente” en tu campo visual. Todo es cuestión de perspectiva.

Si bien la mirada encuentra cierta satisfacción en lo simétrico y lo regular, en fotografía también se ha desarrollado una técnica basada en lo improbable. Ahí donde esperaríamos ver a dos personas, una tercera aparece; quizá esperamos ver enfocado un solo elemento –un árbol, un edificio, un plato de comida– pero otro se asoma en el campo visual. En general esta regla se aplica para personas, pero en realidad se puede ser más flexible al respecto y “jugar con los números”, pensar en composiciones con un número inesperado de elementos.

7. P a t r o n e s y t e x t u r a s Estos dos son elementos que puedes incorporar a tus imágenes para darles un toque especial. Nuestro cerebro encuentra una satisfacción especial en los patrones, así que ahí ya tienes un buen argumento a favor para aprovecharlos y, por otro lado, un motivo para darte cuenta de que estamos rodeados de ellos. Las baldosas en un piso, la forma de ciertas flores, la textura de una alfombra, las nubes, un costal de granos. Todo tiene su propia textura, y a veces también un patrón que sigue. Este es también un elemento altamente ornamental y expresivo para tus fotografías.

8. Menos es más La regla del minimalismo también puede ser empleada en la fotografía. A veces bastan unos pocos elementos para lograr una buena fotografía. Enfocarse en un detalle –una sonrisa, el paso de una persona, la gota en una ventana– puede hacer que tu imagen gane en expresividad

9. Llena el marco

12. En retratos, enfoca el objetivo

Ocupar toda el área de tu fotografía es otra técnica que da un toque especial a tus imágenes. Uno de sus efectos inmediatos es que ofrece detalle de algo que usualmente no miramos así: un rostro, la nariz de tu perro, la estructura de una hoja, etc. Puede resaltar texturas, revelar la emotividad de algo cotidiano, suscitar cierto contraste (entre lo mínimo y lo mayúsculo, por ejemplo) o hacer énfasis en algo de por sí grandioso.

Esto puede sonar redundante u obvio, pero lo cierto es que a veces por eso mismo puede olvidarse. Dar toda la nitidez a nuestro objetivo y dejar que el fondo se difumine es una de las técnicas más sencillas para obtener fotografías que cumplen del todo con su propósito, en especial cuando es un buen retrato lo que deseamos obtener.

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Más profesional


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Y

ESTELAS DE

a sea como protagonistas de la foto o como elemento adicional en otro tipo de tomas (como puedan ser las fotos de monumentos nocturnos) las estelas de luz o light trails son un elemento de gran impacto visual que podemos reproducir en nuestras fotos de forma relativamente sencilla siguiendo unas recomendaciones básicas.

TRUCOS Y CONSEJOS PARA HAC

Como posiblemente sepáis, la mecánica para lograr este efecto viene de la técnica de larga exposición, osea la misma que se usa en otro tipo de tomas como el lightpainting que es lo más similar. Así, buscando una diferencia con esta técnica podríamos decir que no se trata de utilizar una luz adicional para recrear algo, sino captar la luz que existe en la escena y que, gracias a una exposición prolongada, podemos inmortalizar como estelas o rastros de luz formando líneas y formas muy atractivas.

El equipo necesario

Para este tipo de fotos los elementos necesarios son los mismos que los que ya sabemos del lightpainting o la fotografía nocturna. A saber: Una cámara que nos permita hacer exposiciones de varios segundos (con modo Bulb preferentemente, aunque no es imprescindible), un trípode estable (o en su defecto algún lugar donde situar la cámara y que no se mueva) y un disparador remoto (aunque está la alternativa de usar el temporizador de la cámara). Como elementos adicionales no estaría de más contar con baterías de repuesto (la foto de larga exposición consume mucha batería), un filtro de densidad neutra que nos ayude a que la exposición sea aún más larga (cuando hay cierta cantidad de luz en la escena), y un parasol para evitar que luz parásita llegue al objetivo.

Elige bien el sitio

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Más profesional

Ya decíamos al principio que este tipo de efecto puede utilizarse de distintos modos. En principio puede que captar las estelas de luz sea tu principal propósito y por eso no te preocupes mucho del encuadre, pero si avanzas un poco más te darás cuenta de que el efecto por sí mismo puede ser repetitivo. Así, los rastros de luz en


E LUZ

CER LAS ESPECTACULARES.

Diafragma cerrado

movimiento son mucho más atractivos si los utilizas para “adornar” (ojo que lo ponemos entre comillas) una buena composición. Así que, el mejor consejo es que no te dejes cegar por las luces (nunca mejor dicho) y cuides mucho la composición de la imagen para que éste tenga interés en su conjunto y no sólo por las estelas de luz. Asimismo, trata de imaginar cuál será el resultado final con las luces para poder situarlas en el lugar adecuado de la foto según la perspectiva elegida. Un buen ejemplo es el que tenéis abajo donde las luces del tráfico “adornan” al típico autobús londinense para lograr una imagen más atractiva.

Acto seguido, tocaría ajustar el diafragma a un valor aproximado de ƒ8 o mayor para tener una buena profundidad de campo (que es lo más recomendable), obtener un buen rendimiento del objetivo y, sobre todo, compensar la larga exposición que vamos a hacer. Si te resulta más cómodo, puedes situar la cámara en el modo de Prioridad a la Velocidad de tal manera que sea ella la que se encargue de ajustar automáticamente el diafragma (pero siempre asegurándote de que el ISO quede al mínimo) de acuerdo a la velocidad que elijas.

Ajustes básicos

Jugando con la velocidad

Cada escena es un mundo pero sin duda hay unos conceptos básicos sobre los ajustes que tendremos que utilizar para este tipo de fotografías. En primer lugar, ajusta el ISO de la cámara al mínimo con el fin de obtener la máxima calidad de imagen y el mínimo ruido. También conviene ajustar el enfoque de modo manual teniendo en cuenta que este tipo de tomas es uno de los que pueden traer problemas de enfoque (con lo que conviene dejarlo fijado de antemano y no tocarlo). Además, sin duda recomendamos disparar en RAW para luego tener la máxima flexibilidad a la hora de postprocesar la toma.

Éste sin duda es el parámetro decisivo para este tipo de fotografía, el elemento básico con el que tendremos que jugar para ir viendo el resultado final. Como siempre, todo depende de la situación pero podríamos decir que para lograr estelas de luz tendríamos que partir de velocidades de obturación a partir de unos seis segundos. Como siempre tendrás que hacer pruebas y, según vayas viendo los resultados, alargar este tiempo hasta que lo consideres necesario. Si de lo que se trata es de captar las estelas de las luces de los coches que pasan por una gran avenida es eviden

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te que no vas a poder controlar la cantidad de vehículos que pasen en cada toma así que experimentar es la única opción.

Si los resultados no son buenos Si las estelas no son lo suficientemente largas o aún se ven los coches en la foto (siguiendo el ejemplo que comentábamos antes), es evidente que necesitas realizar una exposición aún más larga. Si el problema es que ya has cerrado al máximo al diafragma y bajar más la velocidad te produce una sobreexposición de la imagen, entonces tendrías que recurrir al filtro de densidad neutra que antes mencionábamos. Si el problema es que el flujo de vehículos es irregular, y ya estás haciendo una exposición lo suficientemente larga (pongamos 30 segundos), siempre puedes recurrir al truco de tapar la lente con una cartulina o algún elemento oscuro en los momentos en que no pasen coches, al estilo de cómo se hace en la foto de fuegos artificiales entre estallido y estallido. La cuestión, repetimos, es experimentar, hacer pruebas e ir ajustando los parámetros según los resultados que vayas viendo. Puede que tus primeros intentos no sean lo esperado o que el encuadre elegido no sea tan atractivo como parecía en principio, pero te aseguramos que con algo de práctica podrás hacer fotos tan atractivas como las que hemos adjuntado en este artículo que, como siempre, esperamos te sea útil.

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Más profesional


No saber lo que queremos

Antes de comprar una cámara es importante pensar qué es lo que realmente queremos hacer con ella. No existe la cámara perfecta, válida para cualquier tipo de fotografía, pero sí que hay muchos modelos más adecuados para unas disciplinas u otras. Un ejemplo claro está en el tamaño, que puede diferir mucho entre un modelo réflex o sin espejo y hace más adecuado un modelo para ciertos usos. Por eso, si no sabemos lo que queremos podemos equivocarnos al elegir la cámara. Así que la primera tarea es tratar de averiguar qué es lo que realmente queremos hacer con ella y comprar el equipo en consecuencia. Si aún así no conseguimos aclararnos, hay muchos modelos que se pueden utilizar para usos generales.

No mirar más allá de una marca Decíamos que no hay que fiarse mucho de las opiniones de los vendedores de los comercios, sobre todo de grandes tiendas generalistas e hipermercados, porque es un hecho bastante extendido (uno de esos mitos alrededor de la fotografía) que estos suelen recomendar siempre comprar una cámara Canon o Nikon, las dos marcas que vienen dominando el mercado desde hace años. Ciertamente en estas tiendas la oferta suele centrarse en estas marcas (¿sólo recomiendan éstas porque son las mejores o solo se venden éstas porque son las que ellos recomiendan? ¿Qué fue antes, el huevo o la gallina?) pero tú deberías mirar más allá y considerar que hay otras marcas que también tienen una larga tradición en el mercado fotográfico y ofrecen productos que compiten a la misma altura. Eso sin contar, sobre todo en el caso de que seas novato, que ahora hay más opciones que antes y las cámaras sin espejo compiten con las réflex como modelos ideales para empezar en fotografía.

6 ERR

COM AL COM UNA CA

Dejarse llevar por “ofertas especiales” Es un fallo muy típico sobre todo en fotógrafos novatos que se ven seducidos por los “cantos de sirena” de las promociones que pueden consistir en una rebaja del precio de venta o en ofrecer packs en los que la cámara se complementa con otros artículos “de regalo”. En estos casos os recomendamos no distraeros, considerar si realmente el precio es ventajoso o si esos accesorios que supuestamente te van a salir gratis (hay que asegurarse de que no te lo estén cobrando) realmente los vas a utilizar. Por cierto, ojo cuando te compres una cámara de oferta y el vendedor aproveche para venderte accesorios como filtros o baterías adicionales que, según él, son imprescindibles. Sí, probablemente los vas a necesitar (hablamos de ello más adelante), pero ojo porque aquí pueden aprovechar para “colarte” cosas a precios excesivos (cuando perfectamente puedes comprarlos más adelante con más calma).

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Mi camara

Comprar una nueva cámara es algo q

cualquier amante de la fotografía, ya s

especialmente intenso en el caso de qu

que a veces también es algo estresant

es el mejor modelo para ti. Te mostra que se cometen al


RORES MUNES MPRAR AMARA

Subestimar el dinero necesario Otra cosa que hay que tener clara a la hora de comprarse una cámara es cuánto estás dispuesto a gastarte (lo ideal es fijarse una cantidad máxima) y calcular bien qué es lo que puede dar de sí ese dinero. Es absurdo tratar de adquirir un modelo para hacer fotografía de deportes a nivel profesional si nuestro presupuesto no pasa de los mil euros (es un ejemplo, claro). No obstante, eso no significa que con un equipo modesto (el que hayas podido pagar) no puedas hacer tus “pinitos” en todo tipo de disciplinas fotográficas (recuerda, la cámara no es lo más importante), pero en principio debemos ser realistas con el tipo de cámara al que podemos aspirar.

Pensar que cuanto más cara mejor Si el dinero no es problema, eso no significa que debas comprarte la cámara más cara que tengan en la tienda pensando que hacerlo te garantizará buenas fotografías. También es muy común eso de preguntar a un fotógrafo con qué cámara ha hecho tal o cual foto pensando que si te compras esa cámara serás capaz de hacer lo mismo ¡Craso error! Esto es especialmente importante en el caso de los principiantes, en donde es común utilizar el símil ése que dice que a un novato con el carné de conducir recién estrenado no se le puede dar un Ferrari para empezar. Así que, del mismo modo que deberíamos saber qué es lo que queremos hacer con la cámara, también tenemos que ser conscientes de cuáles son nuestros conocimientos y experiencia en materia fotográfica. Así, si eres novato es mejor comenzar con un modelo más básico, ir aprendiendo y actualizar tu equipo a medida que crezcan tus habilidades.

Fiarse demasiado de Internet

que puede resultar emocionante para

seas profesional o novato, aunque es

ue se trate de tu primera cámara. Claro

te, ya que no suele ser fácil saber cuál

amos algunos de los principales fallos

Además de pedir recomendaciones a amigos y/o conocidos actualmente es muy habitual a la hora de elegir una nueva cámara informarse leyendo análisis en la Red de redes. Pues bien, del mismo modo que la opinión de un amigo puede ser subjetiva, ten en cuenta que las reviews a menudo también pueden serlo. Por este motivo, debes asegurarte de recurrir a fuentes de confianza, que hagan análisis habitualmente (como los que te ofrecemos en Xataka Foto), y procura leer al menos dos o más opiniones diferentes antes de tomar una decisión.

elegir una cámara.

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Mi camara


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T

MODOS DE MEDICION DE LUZ

odos estaremos de acuerdo en que aprender a exponer bien es una de las claves para conseguir buenas fotografías. Y para lograrlo, además de dominar bien el triángulo de exposición (diafragma, velocidad y sensibilidad) es importante saber cómo mide la luz el exposímetro de nuestra cámara, qué son los modos de medición de la luz y cómo usarlos de forma correcta para lograr buenos resultados.

Hablamos, como ya imaginaréis, de los modos matricial, ponderado al centro y puntual de los que, por supuesto, ya hablamos en nuestro curso de fotografía. Pero antes de hablar de ellos hay que hacerlo de la manera en que el exposímetro de la cámara interpreta la luz que le llega. Como sabréis, la mejor forma de medir la luz de una escena es hacerlo con un fotómetro de luz incidente, pero esto es algo que normalmente queda reservado a profesionales trabajando en estudio. Lo usual para la mayoría es utilizar el fotómetro, o exposímetro, que lleva la cámara y que mide la luz que refleja la escena (y es un método menos preciso). Como norma general, las cámaras están preparadas para interpretar la luz según un estándar que dice que la mayoría de objetos reflejan la luz que les llega en un porcentaje que se calcula sobre el 18% y que correspondería a un color gris medio (que es para el que se calibran los exposímetros). Lo que ocurre es que, lógicamente, en la práctica la cosa puede variar hasta el infinito según la escena a captar. Esto hace que el exposímetro pueda verse engañado con cierta facilidad, como en los típicos casos de fotografías en entornos muy iluminados o al contrario.

¿Cómo mide la luz nuestra cámara? Lo que ocurre en estos entornos en los que la luz reflejada es mucho mayor o menor que ese 18% (en un paisaje nevado, por ejemplo, es del doble aproximadamente) es que el exposímetro asume que la luz que le llega es excesiva o muy baja y compensa al contrario. Esto suele provocar que las escenas de mucha luminosidad queden subexpuestas y, justo al contrario, las muy oscuras queden sobreexpuestas. Para evitarlo tenemos que ser conscientes de ello y usar la función de compensación de exposición, aunque saber sacar partido de los modos de medición de nuestra cámara también es una buena estrategia. De hecho precisamente fueron creados para esto, para ayudarnos a elegir bien la exposición correcta y determinar cuánto compensar en situaciones complicadas. Así que vamos a ver un poco mejor qué son estos modos de medición de la luz que incorpora nuestra cámara y cómo funcionan.

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Medición matricial También denominada evaluativa, el procesador de la cámara divide la escena en una serie de zonas que ocupan todo el cuadro y calcula la exposición correcta en base a todas ellas haciendo un promedio. Por esta razón, es un modo de medición que se utiliza en una gran cantidad de situaciones por defecto. Sin embargo, no es recomendable (como veremos a continuación) en ciertas situaciones y además no funciona igual en todas las cámaras. De hecho es importante familiarizarse con nuestro modelo en concreto para saber cómo trabaja y en qué tipo de situaciones la cámara no ofrece un resultado correcto. Hay que tener en cuenta que no todas las cámaras dividen la escena en el mismo número de áreas, y también que muchas ponen especial hincapié en las zonas que coinciden con los puntos de enfoque en uso en cada momento (y, como bien sabéis, el número de estos también es muy variable dependiendo del modelo).

Medición ponderada al centro Como su nombre indica, con esta forma de medir la luz la zona central de la escena tiene un mayor peso a la hora de calcular la luz. Está basado en la tendencia que tenemos en muchas ocasiones de situar en el centro de la imagen el elemento más importante de una fotografía, pero lógicamente no es ideal para todo tipo de situaciones, especialmente si (como imagináis) el elemento principal no está centrado. Por otro lado, como en el caso anterior, la forma en que nuestra cámara trabaja en este modo de medición varia dependiendo del porcentaje que el fabricante haya decidido que debe formar parte de esa parte central. En algunos modelos profesionales el tamaño de esta área se puede ajustar, pero lo normal es que no sea así.

Medición puntual Por último, este modo mide la luz mide sólo una pequeña parte de la escena, tradicionalmente situada en el centro de la imagen pero que en muchas de las nuevas cámaras réflex se puede ajustar para que se sitúe en el mismo punto en el que se enfoque la imagen a través del sistema AF. Por tanto, esta forma de medir la luz se utiliza para evaluar sólo áreas muy concretas de luz sin tener en cuenta el resto de la escena. Así, como podréis imaginar, es un tipo de medición que se utiliza sólo para determinadas circunstancias, sobre todo en situaciones de alto contraste. Además, la medición muchas veces implica correcciones posteriores ya que, sin duda, es el modo que abre las posibilidades para evaluar correctamente escenas complejas una vez que tengamos la experiencia necesaria. Eso sí, como los dos anteriores, el tamaño del área en que se mide la luz puede variar dependiendo del modelo de cámara (suele ir entre el 3 y el 5% de la escena).

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Fotografí po

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ías con oca luz

C

omo sabéis, la fotografía es el arte de escribir con luz, por lo que hacer fotografías con escasa iluminación sería algo así como hacerlo con los mínimos elementos que se pueden utilizar. El caso es que tomar imágenes en condiciones precarias de luminosidad es una práctica que todos debemos llevar a cabo en algún momento de nuestro aprendizaje porque supone todo un reto para nuestros conocimientos y un desafío a la creatividad. Ya sea un atardecer y/o amanecer, un paisaje nocturno o una escena en un interior poco iluminado, este tipo de situaciones nos exige conocer bien los fundamentos de la técnica fotográfica para saber aplicarlos correctamente y lograr imágenes correctas, sin trepidación y con la necesaria nitidez. En este artículo vamos a hablar de cuáles son las claves para conseguir este tipo de fotografías en sentido amplio, mostrando cómo actuar cuando nos encontramos en situaciones en los que hay muy poca luz y queremos hacer una fotografía. Sin embargo, lo que vamos a enumerar puede ser perfectamente trasladable a otro tipo de tomas como las imágenes en clave baja o la fotografía de larga exposición, áreas en las que normalmente también nos encontramos con luminosidad escasa y tendremos que aplicar recursos similares.

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Los elementos necesarios Para afrontar con garantías este tipo de situaciones es imprescindible contar con un equipo adecuado, básicamente una cámara que nos permita disparar en modo manual y formato RAW. Además, también es recomendable que cuente con un sensor que ofrezca una buena respuesta disparando a altas sensibilidades y posibilidad de disparo en ráfaga. En cuanto al objetivo es obvio que nuestra recomendación es contar con un conjunto de lentes lo más luminoso posible, es decir con un diafragma ƒ2.8 o mayor y preferiblemente con estabilizador incluido (el de la cámara también es útil). En el terreno de los accesorios, el trípode sería seguramente el elemento externo más importante al que sumaríamos un disparador remoto y, en determinados casos, un flash externo.

Cómo configurar la cámara Para tomas con baja luz se hace casi imprescindible disparar en modo manual para poder elegir convenientemente los ajustes del triángulo de exposición, ya sabéis diafragma, velocidad de obturación y sensibilidad ISO, según la luminosidad reinante. Por cierto que estamos dando por supuesto que ya conocéis bien estos conceptos, pero si no fuera así os remitimos a nuestro curso de fotografía. Como estamos hablando de situaciones con muy poca luz, salvo que empleemos el flash no tendremos más remedio que abrir el diafragma en la medida de lo posible, utilizar una velocidad de obturación lenta o elevar la sensibilidad del sensor… O quizá las tres cosas al mismo tiempo, todo dependerá de la situación tal y como os contamos a continuación.

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Ajustes para interiores Si estamos en un interior poco iluminado tenemos varias posibilidades. Si queremos, una opción es utilizar el flash, pero en este caso desaconsejamos el que suele venir en la cámara por su escaso alcance y sería mejor usar uno externo al que le podamos acoplar un difusor para suavizar el haz de luz y evitar un resultado artificial. Aunque lo normal es que no empleemos el flash sino que tratemos de captar el ambiente según la luz que tengamos. Para ello tendremos, como decíamos antes, que recurrir a tirar de ISO, diafragma o velocidad. Aquí entraría en juego el trípode, ya que si contamos con él (o con algún otro elemento que nos sirva de apoyo) podremos realizar una exposición larga evitando tener que elevar la sensibilidad o abrir mucho el diafragma. Si no es el caso, y tenemos que hacer la foto a mano, tendremos que emplear una velocidad relativamente alta de acuerdo a la focal que usemos y al elemento fotografiado para evitar que la imagen salga movida. Por supuesto no es lo mismo fotografiar un bodegón que una escena en la que haya elementos animados. Disparando a mano casi seguro que tendremos que tirar de los otros dos componentes del triángulo para lograr una exposición adecuada. Así, podemos abrir el diafragma al máximo y/o elevar la sensibilidad hasta que sea suficiente para la toma. Siempre teniendo en cuenta que ocurre en cada caso. Como sabréis, un diafragma abierto al máximo produce una cierta pérdida de nitidez y, sobre todo, que haya menos profundidad de campo.

Por su parte, elevar la sensibilidad del sensor de imagen provoca, a partir de cierto nivel, que aparezca el siempre indeseable ruido en la imagen. Cierto es que a veces este ruido puede servir para dar carácter a la imagen y que con los programas de procesado de fotografía se puede corregir en parte, pero normalmente un ruido demasiado notable no es deseable. En cualquier caso, la elección de estos ajustes dependerá de nuestro equipo y de la situación concreta, de tal modo que algunas veces habernos comprado ese valioso objetivo 50 mm con un diafragma ƒ1.4 nos salvará de la situación y otras no será suficiente y habrá que abrir diafragma y aún así disparar a un ISO por encima de 3.200, cifra que no suele ser recomendable sobrepasar.

Ajustes para exteriores Si nos gusta la fotografía callejera y nos decantamos por practicarla de noche o cuando no hay mucha luz, lo dicho antes es perfectamente válido con la particularidad de que aquí será casi imposible el uso de un trípode con lo que no habrá más remedio que compensar a base de diafragma e ISO. Aún así, es muy recomendable buscar apoyo para hacer las fotos, por ejemplo apoyando nuestro cuerpo sobre cualquier elemento de mobiliario, procurando relajar el cuerpo y apretando suavemente el disparador al tiempo que expulsamos aire lentamente (y después de haber hecho una inspiración profunda). Además es útil disparar en ráfaga para conseguir varias tomas simultáneas porque es probable que la segunda y consecutivas salgan mejor que la primera.

Como sabréis, un diafragma abierto al máximo produce una cierta pérdida de nitidez y, sobre todo, que haya menos profundidad de campo. Por su parte, elevar la sensibilidad del sensor de imagen provoca, a partir de cierto nivel, que aparezca el siempre indeseable ruido en la imagen. Cierto es que a veces este ruido puede servir para dar carácter a la imagen y que con los programas de procesado de fotografía se puede corregir en parte, pero normalmente un ruido demasiado notable no es deseable. En cualquier caso, la elección de estos ajustes dependerá de nuestro equipo y de la situación concreta, de tal modo que algunas veces habernos comprado ese valioso objetivo 50 mm con un diafragma ƒ1.4 nos salvará de la situación y otras no será suficiente y habrá que abrir diafragma y aún así disparar a un ISO por encima de 3.200, cifra que no suele ser recomendable sobrepasar. Ajustes para exteriores Si nos gusta la fotografía callejera y nos decantamos por practicarla de noche o cuando no hay mucha luz, lo dicho antes es perfectamente válido con la particularidad de que aquí será casi imposible el uso de un trípode con lo que no habrá más remedio que compensar a base de diafragma e ISO. Aún así, es muy recomendable buscar apoyo para hacer las fotos, por ejemplo apoyando nuestro cuerpo sobre cualquier elemento de mobiliario, procurando relajar el cuerpo y apretando suavemente el disparador al tiempo que expulsamos aire lentamente (y después de haber hecho una inspiración profunda). Además es útil disparar en ráfaga para conseguir varias tomas simultáneas porque es probable que la segunda y consecutivas salgan mejor que la primera.


Si lo que nos gusta es captar fotografías de las luces de la ciudad o de los estrellados cielos nocturnos, aquí ya debemos meter el trípode en la ecuación con lo que podremos echar mano de las técnicas de larga exposición que nos permiten cerrar diafragma y no tener que elevar mucho la sensibilidad. Esto será válido también para realizar lo que se conoce como light painting y que consiste en iluminar zonas de una fotografía con destellos de luz durante una larga exposición.

Otros consejos generales Para terminar, os ofrecemos una lista de pequeños consejos útiles para tomas en situaciones de muy poca luz: Enfocar en estas situaciones puede ser muy complicado para nuestra cámara así que un buen truco para estos casos puede ser utilizar una luz auxiliar con la que podamos enfocar preferiblemente en modo manual y luego apagar antes de hacer la foto. Ante la necesidad de subir el ISO a niveles más altos de lo recomendable, cuando no hay más remedio nuestro consejo es que no te cortes. Mejor una foto con ruido que ninguna. Si tienes que utilizar el flash y no tienes difusor puedes recurrir a rebotar la luz en alguna superficie blanca como pueda ser el techo de la estancia. Utilizar un tiempo de exposición lento, aunque esto haga que la imagen final aparezca trepidada, puede ser un recurso creativo así que tampoco lo deseches y prueba a ver qué resultados consigues. Aprovecha el estabilizador de la cámara y/u objetivo para disparar a velocidades más bajas de lo recomendable. Si por el contrario usas trípode asegúrate de desactivarlo. Y sobre todo no tengas miedo a equivocarte. Tendrás que fallar muchas veces (y de hecho es la mejor manera de aprender).

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Iluminaciรณn


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Brandon

Con más de 1.4 millones de seguidore cribir este artículo, Brandon Woelfel e la fotografía de m

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La mirada de...


Woelfel

es en Instagram en el momento de eses uno de los fotรณgrafos de moda en modelos urbanos.

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Su estilo de fotografía La fotografía de Brandon Woelfel se caracteriza por ese aire retro que emana, pero a su vez, juega con los colores y las luces de una forma actual.

Brandon es un fotógrafo nacido y crecido en Long Island, Nueva York. Actualmente tiene 22 años y ya es toda una estrella en Instagram, contando con una de las cuentas más famosas del panorama fotográfico. En su portfolio puedes encontrar una gran variedad de fotografías, desde paisajes urbanos hasta elementos de luz. Pero por lo que se le conoce realmente es por su fotografía con modelos, principalmente chicas, las cuales retrata en multitud de escenas por las calles de Nueva York.

En ninguna de sus fotos se puede encontrar un color negro puro, todas las sombras están tratadas de forma que pierdan su fuerza, consiguiendo así el efecto “vintage”. En sus fotografías incluye elementos de luz en primer plano para crear desenfoques, además de neones de colores con los que aportar diferentes tonos a la toma, principalmente rosa y turquesa. Su trabajo de posproducción está basado en el uso de la herramienta “Color selectivo” de Photoshop o los ajustes de HSL de Lightroom. Además, completa y da armonía a sus tomas con capas con bokeh, destellos o nuevas luces que aplica en Photoshop.

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Luces y colores En su última fase y la que más fama le ha dado, Brandon trabaja con elementos de luz en sus fotos, los cuales desenfoca con una profundidad de campo muy pequeña. Utiliza las luces de la ciudad, como semáforos y coches para crear un bokeh muy artístico que se ha convertido en su seña de identidad. Por otra parte, el color está muy presente en toda su obra, aplicando tonos pastel rosa y turquesa, que si necesita, cambia en posproducción para ajustarse a su estilo. Generalmente utiliza la luz de la ciudad o natural, consiguiendo contrastes muy interesantes entre colores e intensidades.

Urbanas Aparte de las fotos con luces y neones, Brandon Woelfel se caracteriza por los retratos urbanos, los cuales realiza a sus modelos principalmente por las calles de Nueva York. Estas fotos poseen menos color que las anteriores y se centran más en las propias modelos y su relación con la ciudad, eso sí, todas mantienen su estilo de sombras matizadas que le caracteriza.

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MOSAICO EN INSTAGRAM Durante los últimos meses estamos viendo cómo en las galerías de muchos instagrammers se pone de moda el uso de mosaicos en las galerías. El recurso viene dado por la clásica organización de tres columnas de la plataforma y que ya se aprovechaba creando trípticos o hexadípticos para que el visionado de la galería tuviera más coherencia.

Nuevas posibilidades a una plataforma cerrada

E

s interesante que los usuarios de una plataforma social con una estructura cerrada y que tiene un tema predefinido puedan sacarle un partido tan interesante a sus imágenes. En Facebook tenemos la posibilidad de crear una portada y una imagen de perfil que se fundan y que queden realmente chulos. En otras plataformas como Tumblr, podemos incorporar un tema a nuestro blog para darle diferentes apariencias por lo que podemos jugar con la estructura de nuestro contenido de forma libre, subiendo no sólo fotografías sino también textos o vídeos de la duración que queramos. Las posibilidades con la rejilla de Instagram son muy interesantes, pudiendo organizar las imágenes como un bloque de 9 miniaturas, tres fotografías verticales con dos bloques de altura o como vemos en la siguiente imagen del fotógrafo valenciano Alfredo J Llorens, podemos combinarlas perfectamente un bloque de 2x2 con dos fotografías individuales en un lateral. No penséis que esto es cosa de fotógrafos contemporáneos y despreocupados, en la Agencia Magnum hay fotógrafos como ChienChi Chang hace uso de los mosaicos instagrameros para colgar algunos de sus trabajos, en su caso con dípticos horizontales. Otros fotógrafos más experimentales como Orhganic deciden crear imágenes empleando la rejilla de Instagram a modo de collage pare crear imágenes como un Halcón Milenario o un marco creado con fotos de edificios.

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Sin cámara.


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¿Cómo hacer un mos

Te traigo esta entrada para aprender paso a paso cómo hacer un mosaico o collage en tu galería de Instagram de una misma foto. Y es que la verdad es que es un recurso genial para alegrar tu galería y mostrar un producto en todo su esplendor. Las opciones son infinitas y hay mucha gente que los usa para anunciar productos en primicia, novedades o simplemente para darle un toque especial a esta red social.

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Sin cámara.


saico en Instagram?

DESCARGA E I N S TA L A TILE PIC

Debes pulsar este icono para guardarlas y poder usarlas posteriormente.

Una vez te has bajado la Tile Pic, empieza la fiesta. Vas a la aplicación y seleccionas la opción “Create Tiles”

Ahora ya puedes seleccionar el número exacto de partes en las que quieres dividir tu foto en concreto. Puedes elegir una fila de 3 o hasta una cuadrícula de 9. En este caso, elegí 3.

Cuando hayas elegido el número de cuadros que quieras, puedes mover la foto para centrarla mejor, dejando sólo lo que quieras mostrar o cuadrando alguna palabra concreta.

Ya las tienes en tu móvil, ahora la parte más divertida: subirlas a Instagram. Deberás subir la foto que queda en el lado derecho, la primera. Puedes escribir algo en cada foto, súbela como si fuera una foto normal a Instagram, incluso puedes dejar pasar un día hasta subir el resto.

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Iso 100  

Trabajo escolar. Revista sobre fotografia

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