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SEPTIEMBRE 2018 NO. 288

4

Carta editorial Piensa en el otro.

6

@Cinepremiere Amor por el cine.

8

Cácaro El Cácaro y Nicolas Cage sobreviven al in del mundo.

11 INSIDER 18 Aquaman: La gran esperanza de DC yace bajo el agua. 20 Ozark: Jason Bateman vuelve a su papel más oscuro.

24

Estrenos La monja quiere acaparar la taquilla... y tus pesadillas.

FOTO: CORTESÍA 20TH CENTURY FOX

32

Venom Dr. Hardy y Mr. Venom.

38

Screen movies

EL DEPREDADOR

La malévola criatura alienígena caza de nuevo.

26

Las pantallas de tu computadora saben más de ti de lo que crees.

40

Luis Alcoriza 100 años del ojo que capturó a México.

76 El futuro incluyente de la pantalla chica. 84 Series latinas: historias emocionantes con corazón hispano. 86 Animetlix: Netlix complace a su público otaku. 88 The Walking Dead: ¿Qué haremos sin Rick Grimes? 92 Las 20 mejores series en lo que va de 2018. ¿Ya las viste todas? 94 Docuseries: Los mejores dramas vienen de la vida real.


ÍNDICE

42

El conjuro Índice de monstruos y demonios.

44

19 de septiembre A un año de la tragedia.

48

Whitney Houston El dolor detrás de una poderosa voz.

MÁS NEGRO QUE EL CINE

50

El culto sexual de Allison Mack

55

MARTINI SHOT 58 Música: Gustavo Santaolalla conquistó al mundo con su sonido latino. 63 Encuentros: Alfred Hitchcock invade la Ciudad de México.

72 74

FOTO: CORTESÍA VIDEOCINE

68 Hollywood Boulevard: Bienvenido a las grandes ligas, YouTube.

Trivias Un terroríico Venom para llevar.

Cinéfilos anónimos Los amantes del cine de terror. Kuno Becker protagoniza y dirige El día de la unión, una cinta sobre el terremoto de 1985.

PARA LA IMPRESIÓN DE ESTA REVISTA, G21 COMUNICACIÓN UTILIZA PAPEL CERTIFICADO POR PEFC (PROGRAMME FOR THE ENDORSEMENT OF FOREST CERTIFICATION O PROGRAMA PARA EL RECONOCIMIENTO DE CERTIFICACIÓN FORESTAL).

P R E G U N TA D E L M E S ¿Cuál es su película mexicana favorita de los últimos años? EDITORIAL DIRECTOR EDITORIAL: J. IVÁN MORALES (Y tu mamá también) EDITORA EN JEFE: JESSICA OLIVA (Los insólitos peces gato) EDITOR WEB EN JEFE: SERGIO LÓPEZ AGUIRRE (Somos lo que hay) EDITOR: ARTURO MAGAÑA ARCE (El Jeremías) EDITORA WEB: SUSANA GUZMÁN DE LA O (La libertad del diablo) EDITORA GRÁFICA: CINDY WHITEHOUSE (Matando Cabos) REDACTORES: ALEJANDRO SOSA (Un monstruo de mil cabezas), MÓNICA URRUCHÚA (El laberinto del Fauno)

C O L A B O R A D O R E S E X T E R N O S A RT E Y D I S E Ñ O DIRECTORA DE ARTE: XOCHITL A. RODRÍGUEZ (Amores perros) DISEÑO GRÁFICO: VIRIDIANA SALAZAR (Temporada de patos) FOTOS: EDUARDO ISLAS (Tempestad)

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COLABORADORES EXTERNOS LOS ANGELES BUREAU CHIEF: VERA ANDERSON (MIEMBRO DE LA HOLLYWOOD FOREIGN PRESS) TEXTOS: ALEJANDRO ALEMÁN, RAFAEL AVIÑA, ÉDGAR APANCO, LIAM BURKE, ANTONIO CAMARILLO, LUIS MIGUEL CRUZ, GABRIELA DAMIÁN MIRAVETE, ALONSO DÍAZ DE LA VEGA, LEONARDO GARCÍA TSAO, CARLOS JESÚS GONZÁLEZ, VICTOR RECINOS, MABEL SALINAS, FABIOLA SANTIAGO, MARCELA VARGAS, JULIO VÉLEZ. ILUSTRACIÓN: ISRAEL BRIONES, MICHEL LARIS, OLDEMAR GONZÁLEZ, LUIS MIGUEL SAN VICENTE, EDGAR CAMACHO Y GRECIA ZAMORA. COLOR MANAGEMENT: EDGAR AZCARY ANDINO OLIVÉ. ILUSTRACIÓN PORTADA: ISRAEL BRIONES.

MAURICIO ARMENDÁRIZ SEGURA / MARMENDARIZ@G21.COM.MX

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Ninguna colaboración constituye relación laboral con IMPRESIONES AÉREAS, S.A. de C.V. CINE PREMIERE, es una revista mensual, editada por Impresiones Aéreas, S.A. de C.V., Ejército Nacional No. 425, piso 9, Colonia Granada, Delegación Miguel Hidalgo, 11520, CDMX, bajo licencia de Hachette Filipacchi Presse, S.A.; Año 23, No. 288. Edición: SEPTIEMBRE 2018. Editor responsable: Jorge Iván Morales Barreda. Reserva de Derechos expedida por el Instituto Nacional del Derecho de Autor No. 04-2011-091913471200-102. Certificado de Licitud de Título y Contenido expedido por la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas: 15336. ISSN: En trámite. Impresa en: Compañía Impresora El Universal S.A de C.V. Allende #176, Col. Guerrero, Delegación Cuauhtemoc, C.P. 06300, CDMX. Distribución: A cargo de DISTRIBUIDORA Intermex S.A. de C.V., Lucio Blanco No. 435,Col. San Juan Tlihuaca, Azcapotzalco, CDMX C.P. 02400. Este número se terminó de imprimir el 22 de Agosto de 2018. Las opiniones expresadas por los autores y/o colaboradores de esta publicación, no necesariamente reflejan la postura de la casa editorial, por lo que los primeros asumen la responsabilidad que llegare a repercutir al respecto. Esta revista considera sus fuentes como confiables y verifica los datos que aparecen en su contenido en medida de lo posible; sin embargo, puede haber errores o variantes en la exactitud de los mismos, por lo que los lectores utilizan esta información bajo su propia responsabilidad. Los espacios publicitarios constantes en esta revista, son responsabilidad única y exclusiva de los anunciantes que oferten sus servicios o productos, razón por la cual, los editores, casa editorial, empleados, colaboradores o asesores de esta publicación periódica no asumen responsabilidad alguna al respecto. Derechos reservados. Prohibida la reproducción parcial o total, sin el previo consentimiento de los editores y/o titulares de los derechos patrimoniales. ©Impresiones Aéreas, S.A. de C.V. 2018 Cine Premiere®. Hachette Filipacchi Presse, S.A. ®G21 Comunicación y su diseño es propiedad de Grupo Inversor Intelectiva, S.A.P.I. de C.V.


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Dos miembros del staff de Cine PREMIERE hablan de lo que les gustó y lo que no de la película más reciente del universo de El conjuro.

COLABORADORES DE ESTE MES Fabiola Santiago

Alejandro Alemán

Marcela Vargas Reynoso

Mis primeras obsesiones cinematográicas fueron El Mago de los Sueños y Angelitos negros. El gusto por el cine y la literatura me llevó a estudiar Comunicación en la UNAM. Colaboradora en FICUNAM, Time Out y reportera en Reforma, donde pude cubrir el FICM, la Berlinale y Cannes. Actualmente colaboro en LatAm Cinema, Rodaje MX y Cine PREMIERE.

Crítico de cine con 10 años de experiencia profesional. Ha colaborado en Newsweek, Chilango, Quién, Esquire y 24 Horas. En ninguno de ellos ha tenido reparo en señalar cuando una película es un iasco o un triunfo, sin importar que las distribuidoras se enojen. Actualmente escribe en El Universal, Cambio y Filmsteria. Vende birria los domingos para completar el gasto.

Fan intensa de las cosas que le gustan. Escribe sobre entretenimiento y deportes en Mexico. com y todos los miércoles habla de cine en Charros vs. Gángsters, por MVS Radio. Feminismo, fantasía y ciencia icción son sus temas favoritos y su Santísima Trinidad personal la integran Guillermo del Toro, Louisa May Alcott y Neil Gaiman. Fan de los Packers de Green Bay.

@elsalonrojo

@Marce_Vargas88

@FabSantiago_

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CARTA EDITORIAL

n el séptimo reporte que Roger Ebert publicó durante su cobertura del Festival de Cannes en 2010, el crítico escribió: “Creo que la empatía es la cualidad más esencial de la civilización”. En ese mismo ensayo (porque sí, los reportes de Ebert de cualquier cosa se leen como ensayos sobre arte profundamente humanos y aterrizados), el primer crítico de cine en ganarse un premio Pulitzer propone el concepto de “películas reales”. Habla de piezas cinematográicas artesanales, aquellas alejadas del artiicio del CGI, del 3D y de las decisiones tomadas porque “lo dijo” un focus group. Habla de cineastas cuyo trabajo demuestra una clara intención de decir algo, de involucrarse con sus personajes de una manera profunda y con una intención trascendental. “No todas son obras maestras”, dice y añade: “Pero todas hacen quizá lo más importante que una película puede hacer: nos sacan de nuestra propia caja de tiempo y espacio y nos invitan a empatizar con aquellos en otros tiempos, lugares, razas, creencias, clases y prospectos”. En esta edición de Cine PREMIERE, el especial anual televisivo se lo dedicamos al otro. A las obras que nos acercan a un mejor entendimiento de alguien cuya realidad es muy diferente a la nuestra. Cuando comenzamos a planear esta edición, una cosa se volvió abundantemente clara: en la televisión es donde están las historias más “reales”. Desde la especiicidad de Atlanta, hasta el universo entero explorado por Doctor Who, en la pantalla chica es donde artistas de toda clase de lugares, razas, creencias, clases y prospectos están contando las historias que mejor explican nuestro mundo y a quienes nos rodean. El cine lo sigue haciendo de cierta forma –en esta misma edición hablamos de El insulto; de la unión que surgió a partir de los terremotos de 1985 y de 2017; y de Venom, que, hasta cierto punto, también se trata de entender al “otro”–. Pero es en la TV donde los riesgos inancieros son más manejables y un estudio puede aprobar la producción de sátiras sociales casi experimentales como Dear White People y una animación en la que la Estatua de la Libertad le explica a una niña lo que está sucediendo en su cuerpo ahora que tiene su primer periodo (Big Mouth). Entender al otro, o al menos intentarlo, es una cualidad fundamental para la civilización y para los humanos. Escucha a aquellos que hablen diferente a ti, consume el arte que producen aquellos cuya realidad está alejada de la tuya, mira a tu alrededor y verás que, al inal del día, nadie es tan diferente como parece. –J. Iván Morales @ivanmorales

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@CINEPREMIERE

Celebra con nosotros

Manda una fotografía de tu colección de revistas ¡y aparece en nuestro número de aniversario!

¡A esta monja no le pido rompopito! #LaMonja #CinePREMIERE. –César Adrián (@panke1980)

Al paso de los años me he dado cuenta de que el amor se puede dar de muchas formas; aunque no todas se puedan tocar, como pasa con el amor entre las personas. Aunque es intangible, el cine entra por nuestros ojos, se siente en el corazón y se analiza con el pensamiento. Y a esto también lo considero amor. Gracias, Cine PREMIERE por estos 14 años que llevo contigo y por enseñarme a amar el cine de distintas formas que no imaginaba. –Ricardo Cortes Munive

Haciendo limpieza me encontré con este especial de @CinePREMIERE de 2006 con nombres bastante familiares, como el de @ivanmorales, con su aportación en crucigrama, y el aguante de @charliedelrio, con los documentales amarillistas del fenómeno. –Luis García (@besodeleche)

¡Ya casi 8 años de estar coleccionando #CinePREMIERE! –Jorge Andrei Ordorica (@ordorica96)

@CinePREMIERE, hay alguien detrás de mí, ¿cierto? –sandaime_pics (@el_alex_show)

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Habiendo obtenido mi edición mensual de Cine PREMIERE, escribo para felicitarles y agradecerles. El número de julio 2018 es una de las mejores ediciones que he tenido el placer de leer. Se debe, en gran parte, a que escribieron de un tema que tenía ganas de que se tocara desde hace mucho: apreciación cinematográica. El artículo, además de ser muy completo, contiene consejos que muchos principiantes en el cine (como yo) agradecemos, como recomendaciones de libros y de canales de YouTube. Los felicito por el artículo, y espero ver más sobre este tema en el futuro (ojalá, como una sección más de la revista). –Héctor Tortolero Garmendia

Envía tus comentarios y fotos a buzoncp@g21.com.mx. También puedes usar el hashtag #CinePREMIERE en todas las redes sociales.


EL CÁCARO

ILUSTRACIÓN: ISRO BRIONES

Cácaro mío, hace no mucho encontré una fotografía que me pareció hermosa. En ella, aparece María Félix sosteniendo lo que creo es una maleta y, detrás, sólo tiene un paisaje rural hermoso e irrepetible, como esos que aparecían siempre en la Época de Oro del cine mexicano. ¿Sabe de dónde proviene esa imagen? Le mando un abrazo. –Violeta Romero Magaña

Ilustre Cácaro, alguna vez vi en la TV una película en la que la gente que viaja en el metro sufre un accidente aparatoso. Recuerdo que aquella secuencia de destrucción duraba muchísimo. Nunca supe qué película era, pero esa secuencia me impactó. ¿Sabe de cuál se trata? –Rudy Pechir M. Mi querido amigo, usted pregunta por una de las películas más… curiosas del gran Nicolas Cage. No es un secreto que el protagonista de cintas como Contra/Cara –junto a John Travolta– o Adiós a Las Vegas –por el que recibió el Oscar a Mejor actor en 1995– ha llevado su carrera por caminos complejos. Esta cinta lo prueba. Knowing, conocida en México como Presagio, llegó a los cines en 2009. Dirigida por Alex Proyas –responsable de la interesante Yo, robot–, la cinta corrobora dos cosas que siempre he creído: que las cápsulas del tiempo y las matemáticas son aterradoras y espeluznantes. Y es que Presagio inicia cuando se desentierra una cápsula del tiempo 50 años después de su sepultura. Ahí dentro, el hijo de nuestro protagonista encuentra una hoja repleta de números que, aparentemente, no tienen sentido. Hasta que descubren que aquello se trata del mapa de una auténtica tragedia.

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La secuencia de números son un registro de los sucesos más devastadores de la humanidad, ocurridos y por venir. La locura apocalíptica inicia cuando un avión cae al lado de una autopista y cobra la vida de 81 personas; tal y como se anotó en los números. A partir de ahí, no habrá lugar donde nuestro héroe se encuentre a salvo. Si bien la cinta está plagada de tropiezos y de situaciones un tanto inverosímiles, hay dos cosas que destacar: la capacidad de Nicolas Cage de sostener por sí solo un thriller y los altos niveles de producción con los que cuenta esta cinta. Aquí estamos ante un ilme que no escatimó en utilizar todos sus recursos técnicos y narrativos para explotar la emoción de su historia. La mencionada escena del avión está formada por un plano secuencia lleno de adrenalina, mientras que el momento del choque del metro que usted recuerda se muestra como una auténtica montaña rusa de emociones. Usted podrá encontrar Presagio a la venta en BD en Mixup y Amazon México y sumergirse en esos números del mal que aterraron a nuestro Nicolas Cage. Y si lo suyo es sufrir con matemáticas malignas, le recomiendo El número 23, una de las primeras incursiones del gran Jim Carrey en papeles dramáticos. Estoy seguro de que le encantará.

Querida Violeta, tiene usted toda la razón: esa imagen es una belleza, así como todas las que aparecen en la cinta que usted busca. Río Escondido es uno de los clásicos más emocionantes del cine mexicano. Dirigida por Emilio Fernández, esta película protagonizada por María Félix –uno de mis grandes amores de la vida– presenta una historia llena de amor y pasión por México, elementos siempre presentes en la ilmografía de “El Indio”. La doña le da vida a Rosaura, una joven maestra rural a la que el mismísimo presidente de la nación le pide que vaya a educar a un pequeño pueblo de Coahuila. Con lágrimas en los ojos, la mujer acepta la encomienda. Pero en aquel lugar, de nombre Río Escondido, el analfabetismo es el menor de los problemas y Rosaura tendrá que lidiar con un hombre tirano y represor –encarnado por el siempre sorprendente Carlos López Moctezuma– que terminará enamorado de ella. La imagen que usted recuerda es cuando esta valiente maestra llega al pueblo. La belleza de la postal es gracias a la lente del legendario cinefotógrafo Gabriel Figueroa, el hombre que capturó en el celuloide todas esas imágenes que inmortalizaron a la Época de Oro del cine mexicano. A inicios del ilme verá otro momento que le robará el aliento, cuando María sube por las escaleras del Palacio Nacional y tiene de fondo uno de los murales de Diego Rivera. Una joya de secuencia. Aunque muchos de los grandes clásicos del cine nacional no son tan fáciles de ver, le cuento que Río Escondido está disponible en YouTube y en Amazon Prime, donde podrá ver la cinta remasterizada en HD. Ojalá tuviéramos más películas mexicanas así. Le mando un abrazo de vuelta.

No olviden mandar sus preguntas a elcacaro@g21.com.mx


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VISITA AL SET 18

FOTO: CORTESรA WARNER

AQUAMAN Debajo del mar hay un bribรณn


IN SIDER

INSULTO n par de palabras hostiles es todo lo que se requiere para que la discusión entre un palestino y un cristiano escale, sea llevada a juicio y ponga a Líbano al borde de la guerra civil. Esa es la premisa de The Insult, del libanés Ziad Doueiri, quien regresa después de que su ilme pasado, The Attack, fuera boicoteado por haber sido ilmado parcialmente en Israel, algo prohibido en Líbano debido a su abierta guerra con el estado judío. Este contexto de resentimiento se puede ver en el trabajo del cineasta. –Jessica Oliva También intentaron boicotear The Insult, pero aún así se convirtió en la primera película libanesa nominada al Oscar, ¿qué signiicó esto para ti? Signiicó que pude probarle al periódico Al-Akhbar [publicación árabe detractora del cine de Doueiri] y al movimiento Boycott, Divestment, Sanctions, [quienes lanzaron la campaña de boicot] que su fascismo no podrá ganar. La libertad de expresión es más fuerte que su represión.

Una de las cosas que la película explora es el poder de las palabras, si éstas tienen el mismo impacto que una agresión física, ¿Cuál es la importancia de las palabras con respecto a lo que sucede en el Medio Oriente? Las palabras importan mucho si se están usando en un periodo de guerra. Aun así, uno no debe censurarse a sí mismo, sino esperar reacciones, incluso si se pueden tornar violentas a la hora de ser parte de un debate. Yo creo en una libertad de expresión total. El Medio Oriente está en su punto más bajo, desde el nacimiento de Jesús o Abraham, o incluso antes. Las palabras cargadas de religión aún tienen un peso en la mente de las personas. Las palabras acababan en sangre y aún lo hacen en estos tiempos. FOTOS: CORTESÍA ZIAD DOUEIRI

The Insult tiene momentos de comedia y de esperanza, ¿crees que ese tipo de representaciones ayuden a la reconciliación? Para mí, la reconciliación empieza con reexaminar las propias creencias. Enfrentar al “enemigo” cara a cara, sentarte y hablar con él, escuchar su narrativa. La izquierda fascista no admite autocrítica.

¿Qué fue clave para construir la psicología de ambos personajes, palestino y cristiano? El cristiano representaba para mí todo lo que yo odiaba de chico al crecer en Beirut. Mis padres se unieron a una izquierda política que luchó junto a los palestinos. En ese entonces, a mediados de los 70, mi familia consideraba a las milicias cristianas como los enemigos. Treinta años después, con esta película, reexaminé los eventos. Tuve que reinventar mi discurso y ver el de ellos. Mi perspectiva cambió mucho más de lo que hubiera imaginado. Empecé todo con el personaje cristiano de Toni, él es el protagonista. Lo construí desde cero, encontrando sus motivos, sus voces interiores.

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MALA LECHE

ntes que nada, debo confesar una debilidad por los muertos vivientes. Desde que fui a una memorable función en el Cine Gloria de La noche de los muertos vivientes, el imperecedero clásico dirigido por George A. Romero, quedé enganchado con la noción y la estética de los zombies caníbales. Por supuesto, me volví un ávido seguidor de la serie The Walking Dead en cuanto apareció en la televisión por cable. La primera temporada, desarrollada por el talentoso Frank Darabont, no tenía pierde y ese concepto de un grupo compacto de sobrevivientes, liderado por el ex-sheriff Rick Grimes (Andrew Lincoln), luchando contra una realidad avasalladora de muerte, destrucción y abandono, se prestaba a lo que los gringos llaman binge watching. No se podía dejar de ver. Como bien saben los aicionados a la serie, en este caso los zombies –o walkers– no son los antagonistas más peligrosos. Son los otros grupos de humanos los que representan la mayor amenaza para el bienestar de Rick y compañía. En ese sentido, varios de los conlictos de The Walking Dead son abiertamente melodramáticos y ese es su principal chiste. Bien visto, el programa no es otra cosa que una eicaz telenovela adornada con cadáveres ambulantes. Por desgracia, Darabont abandonó la serie a la segunda temporada. Pero el asunto no empezó a malograrse feamente sino hasta la séptima, cuando apareció el supervillano llamado Negan (Jefrey Dean Morgan), líder de una numerosa banda de sátrapas llamados los Saviors, cuyo único in es explotar a los demás grupos de sobrevivientes bajo condiciones extremas. Para abrir boca, Negan ejecutó a Abraham (Michael Cudlitz) y al muy querido Glenn (Steven Yuen), aplastando sus cabezas cual piñatas con un bate de beisbol. En ese momento de exagerada crueldad, la serie perdió a muchos espectadores. A los creadores se les pasó la mano. Y de ahí en adelante, la serie ha ido en picada.

ILUSTRACIÓN: MICHEL LARIS

IN SIDER

La siguiente temporada, la octava, se dedicó a esceniicar la torpe batalla de los buenos contra los Saviors. Se le dará un premio a quien logre explicarme en qué consiste la ineiciente estrategia de Rick y por qué los personajes parecen dar vueltas inútiles de un lado para otro. También digno de premio es el misterioso embarazo de Maggie (Lauren Cohan), quien ha llevado al hijo de Glenn en el vientre a lo largo de lo que parece ser un año, sin que siquiera se le note un principio de panza. ¿O así serán todos los embarazos en el postapocalipsis? De forma paralela surgió un derivado de la serie, llamado Fear the Walking Dead, que logró la hazaña de no presentar a un solo personaje simpático en toda su primera temporada. Uno deseaba que todos se convirtieran en pasto de zombies pronto. Ni la breve aparición de Patricia Reyes Spíndola logró darle interés a ese engendro. Recién se ha anunciado que Andrew Lincoln abandonará la serie, lo cual es un pésimo síntoma. Si ni el actor protagónico le ve futuro a lo que ha sido su fuente de sustento desde hace ocho años, la cosa pinta mal. –Waldo Lydecker

DATO CLAVADO

La ley y el orden

Los Simpson

Gunsmoke

29 temporadas (639 episodios)

20 temporadas (635 episodios)

20 temporadas (456 episodios)

Family Guy

NCIS

16 temporadas (309 episodios)

16 temporadas (356 episodios)

CSI: Crime Scene Investigation

La ley y el orden: Unidad de víctimas especiales 20 temporadas (434 episodios)

15 temporadas (335 episodios)

Lassie 18 temporadas (591 episodios)

ER

The Jack Benny Program

15 temporadas (331 episodios)

15 temporadas (260 episodios)


IN SIDER

CIUDADANO ROSEBUD

El arte como impulso vital a revolución más radical –y a la vez temible– es la que se emprende contra uno mismo. En este sentido, no cabe duda de que, con la decisión de cambiar las calles parisinas por la jungla tahitiana, el pintor Paul Gauguin no sólo libró esa guerra, sino que terminó ganándola, venciendo cualquier viso de inercia personal. Ciertamente lo nublaron las deudas, el hambre y la enfermedad, pero a cambio de esas y otras terribles penurias volvió a enamorarse –su devoción hacia una joven isleña llamada Tehura era absoluta– y, ante todo, hizo del pincel una extensión de su cuerpo. Éste último elemento es de hecho lo más sobresaliente de la película de Edouard Deluc: nos revela, sin embustes, a esa subespecie humana que hace del arte su única razón de existencia. Así, con el mismo empeño ciego e irracional que Beethoven utilizaría para engañar a la sordera, o el rabioso impulso que movió a Roberto Bolaño a llenar una página tras otra hasta que el hígado le reventó, Gauguin aceptó a manos llenas el paradisiaco inierno de los que no pueden respirar si no hay un sentido estético en cada inhalación. El francés era capaz de pasar semanas enteras sin tabaco, alcohol o sexo, además de aguantar la diabetes

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avanzada o los infartos; sin embargo, la mera posibilidad de quedarse sin óleos y lienzos suponía una tortura que quizá sólo un actor de la talla de Vincent Cassel sería capaz de expresar sin demeritar la dignidad del personaje. Lo mismo sucede en otras secuencias del ilme, ya sea a la hora de expresar los accidentados encuentros que el pintor mantiene con la naturaleza salvaje o la postura de embeleso casi místico que lo asalta cada vez que se enfrenta a la belleza. Comúnmente revestido con roles que transmiten frialdad o rudeza, aquí Cassel muestra sin ambages una fragilidad que nunca se le ha visto en pantalla y que es capaz de conmover hasta las lágrimas. Habría que preguntarse qué piensa de esta película un francóilo y gran conocedor de la vida y obra de Gauguin como lo es Mario Vargas Llosa y, sobre todo, por qué la crítica gala ha tratado a este ilme, cuando no con indiferencia, con una severidad que no merece. Tal vez se deba a una cuestión mucho más lógica de lo que pensamos. Después de todo, ¿quién que sea lo mínimamente sensible podría sentirse cómodo con saber que uno de los pintores más grandes que ha dado la humanidad falleció en la completa miseria? –Carlos Jesús González / Corresponsal en Berlín


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Sobre todo, en su familia podemos ver a las nuestras, aquellos que crecimos en Latinoamérica”. Aun con el machismo que impera en la región, a una mirada latina le es imposible no ponerse en los zapatos de Paola, cuya familia es liderada por una madre que tuvo que sacar adelante a su hogar sola. “En las sociedades latinoamericanas son las mujeres las que llevan las riendas”, señala Caicedo. “Por eso el machismo ya es un chiste, está muy desdibujado. En las sociedades latinoamericanas, las mujeres más progresistas y liberales son las de la clase media”. Inspirada en la novela gráica Persépolis, la aventura de Power Paola también es la historia de cómo es que las personas crecen, aman y se desarrollan en cierto contexto social y geográico, sin que éste se convierta necesariamente en total protagonista de su vida. Así, la heroína tiene sus primeras citas amorosas entre balaceras en Cali, pero también entre la naturaleza cautivadora de dicha ciudad colombiana, que permanece llamativa incluso en el blanco y negro de los 5,000 dibujos que hizo para la cinta. “La animación es cruda, sucia, punk y algunas veces no está terminada, porque así es la protagonista, se está construyendo”, nos dice Caicedo. Virus tropical, después de todo, es el autorretrato de una artista que constantemente se está creando a sí misma, tanto en papel como fuera de él (su trabajo es usualmente autobiográico). “Cuando vivía en Francia, me subí al subte [rráneo] y se me sienta al lado un africano”, le contó Paola a la revista Almagro. “Me pregunta cómo me llamo. Le digo: ‘Paola’, y me dice, ‘¿Power?’. Cogí el ticket y le escribí 'Paola' y él volvió a poner 'Power'. Entonces dije: esto es una señal. Al otro día cambié mi nombre a Power Paola. Me inventé una Paola más valiente. Tengo esta posibilidad con el dibujo de hacer lo que se me dé la gana”. –Jessica Oliva

IMAGEN: CORTESÍA INTERIOR 13

a ilustradora colombiana-ecuatoriana Paola Gaviria, conocida como Power Paola, nació contra todo pronóstico: su madre se había ligado las trompas así que los doctores le dijeron que el crecimiento de su panza seguramente se debía a un virus tropical extraño. Su condición de parásito, por fortuna, duró poco, pues pronto tomó su lugar como la tercera niña de una familia compuesta principalmente por mujeres, dividida entre dos países –Ecuador y Colombia– y enmarcada por una sociedad patriarcal de tabúes sexuales, punk, adicciones, y esa contradicción tan latina de búsqueda de libertad individual dentro del apego familiar. Así lo cuenta la misma ilustradora, tanto en su novela gráica titulada Virus tropical, como en la adaptación cinematográica animada que creó y que llega justo en el momento en que las historias de mujeres son más importantes que nunca. “En un principio no pensé en eso”, le dijo la ilustradora a Remezcla durante el estreno en la edición más reciente del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias. “Era sólo mi historia. Yo siempre he sido feminista aunque no tenía el título. Pero hoy ha quedado demostrado que las mujeres podemos tomar propiedad de nuestras historias, tomar nuestras decisiones”. A pesar de protagonizar un coming of age fuertemente femenino, el personaje de Paola también ha demostrado cuán equivocados están aquellos que creen que los hombres no son capaces de empatizar con heroínas jóvenes. “Yo me identiiqué profundamente con su historia”, nos dice Santiago Caicedo, animador colombiano que dirigió la adaptación animada y la convirtió en su ópera prima. “Paola y yo somos amigos desde hace mucho, pero lo que vive su personaje yo también lo viví en la adolescencia aunque sea un hombre: enamorarme de la persona que no era, tener las peores decisiones a la hora de seleccionar a mis amigos, las aproximaciones al sexo, a las drogas.


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SET VISIT

De visita en los aposentos (secos) del rey del océano

lgunas armas con incrustaciones de coral están a la vista mientras el vestuario, que simula escamas de pez tejidas a mano, resplandece en los sorpresivamente secos escenarios de Aquaman, la nueva entrega de Warner del universo extendido de DC. Basada en el conocido cómic, Aquaman provee al héroe de Atlantis la oportunidad para brillar en solitario después de tener papeles secundarios en Batman vs. Superman y Liga de la Justicia. La escala de la producción, situada en los Village Roadshow Studios en la Costa Dorada de Australia, es digna del futuro rey de Atlantis (ahí también se rodó Thor: Ragnarok). Cada uno de los nueve foros sirve de casa a un elaborado set, ya sea el submarino de Black Manta, un gran barco cubierto de peces o una antigua fundidora atlántica donde fue forjado el tridente del rey, el elemento detrás del cual estarán todos los personajes del ilme. Como un descanso de la melancolía de las primeras películas del universo de DC, la producción describe al ilme como una aventura en la línea de Indiana Jones, en la que el

reticente héroe encarnado por Jason Momoa es emparejado con la guerrera Mera (Amber Heard) a in de recuperar el tridente y detener a Orm (Patrick Wilson): el malvado medio hermano de Arthur Curry, que busca conquistar cada reino dentro y fuera del océano. En un ilme que está casi enteramente situado debajo de las olas, resulta notoria la falta de agua. El director James Wan (Saw, Rápidos y furiosos 7) explica: “No puedes poner a tu actor bajo el agua y decirle que mantenga la respiración y que luzca heroico al mismo tiempo”. Por lo anterior, la producción ha planeado varias estrategias para replicar el look que da el estar debajo del agua y que incluye suspender a los actores en horquillas gigantes, mientras los efectos especiales por computadora proveen el agua en posproducción. Estas técnicas permiten que se realicen las secuencias de acción submarinas que recordamos bajo el agua y que recordamos de los cómics. Sin embargo, a pesar de los usos ingeniosos que Aquaman le dará al CGI, aún existe una gran cantidad de efectos prácticos que ayudan a que este mundo se sienta más natural.


FOTOS: © 2018 WARNER BROS. ENTERTAINMENT INC.

Diferentes vestuarios han sido preparados para el elenco multiestelar del ilme: la madre de Aquaman, la Atlanna de Nicole Kidman, por ejemplo, cambia apropiadamente de un look de reina a una armadura de batalla llena de crustáceos. Asimismo, las primeras pruebas del traje de Aquaman adaptan el naranja y verde brillante de los cómics a una armadura más realista que la diseñadora de vestuario, Kym Barrett, compara con la de un caballero medieval. Las armas táctiles son espadas y riles de pulso diseñados para parecer corales, mientras que un conjunto de tridentes ha sido blasonado con el lenguaje de Atlantis especialmente creado para la cinta.

DOS BRIBONES ACUÁTICOS La combinación de lo familiar y lo fantástico es evidente en todo el set y es exactamente lo que llamó la atención de Wan. Con siete reinos acuáticos habitados por todo tipo de criaturas y comunidades de gente, Aquaman parece haber cautivado la gran ambición del realizador, ilusionado, según sus propias palabras, por “capturar ese asombro, casi fuera de este mundo” que transmite lo vasto del océano. La escala de esta aventura es tal, que los sets han salido de los foros y se expanden hasta los campos más cercanos. Uno de estos terrenos se ha convertido en una réplica impecable de un pueblo siciliano. En el resultado inal, la pintoresca locación verá al Mar Mediterráneo desde una colina de más de 90 metros, pero en el set australiano, ésta da la espalda al Outback Adventure Park, lo que ocasiona miradas de confusión entre la vida salvaje del lugar. Es aquí donde los dobles de acción, caracterizados como guerreros de Atlantis,

están preparándose para recibir la fuerza de los poderes de Mera: por medio de cables, serán aventados fuera de un bar hasta el centro de la plaza de este pueblo icticio. En otra de las locaciones exteriores, que recrea antiguas ruinas romanas, encontramos a los protagonistas, Jason Momoa y Amber Heard, ilmando una escena en la que sus tercos personajes tratan de resolver una pista para continuar su búsqueda del tesoro. El elenco y la producción de la cinta comparan la dinámica que hay entre ellos con la comedia de aventuras Dos bribones tras la esmeralda perdida (1984). Por su parte, Heard describe a Mera como “una reina guerrera”, mientras que Momoa considera a su Aquaman como un “forastero” y un “trabajador de cuello azul”. Entre tomas, la atmósfera es animada gracias al imponente Momoa, quien toca su bajo o come sushi, mientras Amber Heard lee Los derechos del hombre, la defensa de la Revolución Francesa que Thomas Paine escribió en 1791. “Trato de leer un libro al día”, explica la actriz. Aquaman, cuyos poderes incluyen hablar con peces, ha sido históricamente el centro de muchas de las bromas entre los superhéroes. El director James Wan abraza esa infravaloración: “Para mí, él es el underdog, especialmente comparado con otros superhéroes, y eso es lo que lo vuelve emocionante”. Libre de las expectativas que amarran a superhéroes más establecidos como Batman y Superman, Wan busca crear algo más que un héroe: un mundo acuático que no se parezca a nada que las audiencias hayan visto antes. Si consideramos la emoción que se vive en el set, parece que Aquaman cumplirá su promesa... y nadie tuvo que mojarse para hacerlo. –Liam Burke (@burkeliam)/ Desde Melbourne, Australia

LOCACIÓN: Queensland, Australia DIRECTOR: James Wan (El conjuro) ACTÚAN: Jason Momoa, Amber Heard, Nicole Kidman FECHA DE ESTRENO: Diciembre 2018

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TELEVISIÓN

DE REGRESO A

FOTOS: CORTESÍA NETFLIX

Lavar dinero sigue siendo difícil

¿Qué he descubierto de mi personaje, Marty Byrde?”, pregunta Jason Bateman. “Que no es tan inteligente como él cree que es (ríe). Si lo fuera, esta historia hubiera durado tres o cuatro episodios”. Nos encontramos en el set de Ozark, la serie de Netlix que es descrita por algunos como “Breaking Bad sin ser Breaking Bad realmente”. La primera temporada de este complejo drama de una familia criminal rompió récords en Netlix: se convirtió en el show de streaming más visto del verano. Ahora, todos están de vuelta en Atlanta, trabajando en la segunda temporada. Aunque el rodaje ocurre en Georgia gracias a los incentivos iscales, la his-

toria está situada en medio de la nada, en los Ozarks al sur de Missouri. Bill Dubuque –quien escribió el piloto inspirándose en sus memorias de cuando trabajó algunos veranos en varios bares de este lugar– imaginó que sería el escenario perfecto para contar la historia del desafortunado contador de Chicago que escapa del FBI (y quien sea que lo esté buscando) después de obtener ganancias ilícitas. Marty toma a su familia y los convierte en fugitivos, al mismo tiempo que descubre que el lavado de dinero no es un trabajo fácil de sostener. Sin embargo, de acuerdo con el productor Patrick Markey, la nueva temporada será aún más sombría que la anterior: “Incluso es físicamente di-

ferente este año; ahora estamos aquí durante el invierno. El año pasado grabamos durante el verano, cuando hacía mucho calor; todo era brillante, con agua, bikinis, cerveza y pequeños barcos. Este año tuvimos lluvia, nieve y un look más invernal, casi escandinavo y ligeramente opresivo”. “Hoy estamos ilmando el inal de la temporada, sólo estamos cerrando algunos de los cabos sueltos”, dice Amanda Marsalis, la directora del episodio. La escena es corta: un intercambio –pequeño pero poderoso– lleno de tensión entre Laura Linney, quien interpreta a la esposa de Marty, y Janet McTeer, quien personiica a una abogada de Chicago. El personaje de McTeer repre-


senta al cartel, como un reemplazo de Del (Esai Morales), quien fue “eliminado” la temporada pasada. Ella viene a los Ozarks para averiguar qué ha pasado con él: “La gente que representaba al cartel antes que ella no tenía miedo de mostrar su fuerza física”, cuenta McTeer. “Pero ella actúa más como una interlocutora y deja que otros hagan el trabajo sucio”. ¿Se ensuciará las manos también? “No podría decirles”, responde entre risas. “De lo contrario tendría que matarlos”. Con sus 1.82 metros de altura, es imposible no creerle. La escena principal de la tarde tiene lugar en la oicina de Marty: él se encuentra tirado en el piso detrás de su escritorio. No estamos seguros de si está abriendo o cerrando una caja fuerte, pero esconde rápidamente el dinero y los papeles que tiene en sus manos cuando escucha pisadas afuera de la oicina. Tres hombres entran por la puerta (sin nombre en este texto para evadir spoilers) y lo confrontan sobre un problema recurrente con el sindicato, al mismo tiempo que le preguntan si va a mantener su palabra o no. Visiblemente nervioso, Marty inge seguridad y dice, como siempre, lo que necesita decir para calmar la situación y salvarse a sí mismo. La actriz Julia Garner –quien interpreta a Ruth, la inteligente líder del clan de forasteros que vive en los remolques– no está trabajando este día. Aún así, ella se presenta en el set para

ser nuestra guía. “Éste no es mi set”, nos dice en la primera parada. “Ésta es la casa Snell, de los granjeros Darlene y Jacob Snell. Es una familia loca. Filmamos sus escenas en los foros. De hecho grabamos muchas cosas en los foros. ¿Podemos entrar? Esto también es emocionante para mí porque nunca he estado aquí", nos dice. "Deinitivamente esto es mucho más bonito que el bar de strippers de Ruth. Éste es un set nuevo para nosotros y es uno de los más grandes que tenemos. No estaba así el año pasado. Es hermoso pero demasiado grande. Si recuerdan la temporada pasada, aquí fue donde le dispararon a Del. Todos los que vieron la temporada anterior saben que han pasado muchas cosas en esta cocina”. La siguiente parada es el set de Lickety Splits, el bar de strippers donde Ruth tiene su oicina. ¿Puede Ruth darnos un pequeño adelanto de la nueva temporada? “Ella ha pasado por momentos muy duros, una y otra vez, por decirlo de alguna manera. Hay muchas cosas que están pasando al mismo tiempo que ella vive con un caos interno. Siempre tienes que pensar en lo más deprimente para obtener la reacción que requiere la escena”. Electrocutar a alguien afecta bastante a una mujer, le recordamos. “Sí, es un poco extremo y creo que Ruth ama a Marty por eso”. –Vera Anderson, corresponsal en Los Ángeles

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CRÍTICA

EL INSULTO Es fácil entender por qué El insulto (L’insulte, 2017) fue nominada al Oscar como Mejor película extranjera. No es una cinta subversiva, es abiertamente política y, lo más importante, es didáctica en la exposición de sus temas. Si a ello le agregamos una serie de giros melodramáticos muy similares a los que le han dado fama al director iraní Asghar Farhadi, podemos pensar que el libanés Ziad Doueiri tiene frente a sí un futuro prometedor en el cine con aspiraciones hollywoodenses. Situada en el Líbano contemporáneo, donde el fantasma de Bachir Gemayel se maniiesta en la televisión y en las conversaciones, la película nos muestra cómo un pequeño conlicto por una tubería se convierte en una crisis nacional. Un libanés aparentemente xenófobo se niega a reparar su desagüe, que tira agua sobre un trabajador palestino debajo de su departamento. El reclamo pronto culmina en violencia y la necedad provoca consecuencias imprevisibles. El hecho de que la película abra con un mitin político donde se exalta a Gemayel –su asesinato provocó las masacres de palestinos en Sabra y Chatila en 1982, a manos de falangistas cristianos– nos expone los temas de manera bastante clara: lo que venga a partir de esta escena es un resultado de la historia libanesa. No es un mecanismo sutil pero logra dar a enten-

der los temas a los espectadores menos versados en ese periodo. En ese sentido, El insulto es una película incluyente que busca ser comprendida por todas las audiencias; sin embargo, esta noble intención provoca que la película constantemente nos esté explicando lo que sucede y cómo se relaciona con los turbulentos 70 y 80. Es una estrategia que llega a la obviedad. Es importante decir que los temas de la película son pertinentes a nuestros tiempos porque buscan en la complejidad del resentimiento la posibilidad de la compasión. Aunque Doueiri no es sutil, sí es profundo en su comprensión del odio y logra darle una dimensión humana a personajes que, en los medios y en redes sociales, son juzgados inmediatamente como villanos. En cierta forma, la película es más un acto de reconciliación que una obra de icción que la anhela. Desafortunadamente, entre momentos inverosímiles y una estética que se atiene a las convenciones del cine de abogados, Doueiri no logra crear una película singular, sino un apéndice de lo que ya hemos visto antes en el género. Esto limita el alcance de sus relexiones y, al menos en mi caso, me hace recordar con más admiración el documental nominado al Oscar Vals con Bashir (Ari Folman, 2008). –Alonso Diaz de la Vega

FOTO: CORTESÍA ZIAD DOUEIRI

Un Líbano didáctico para todas las audiencias


Ana y Bruno

FOTO: CORTESÍA CORAZÓN FILMS

De El crimen del padre Amaro a El héroe –corto animado ganador de la Palma de Oro–, Carlos Carrera ha demostrado su capacidad para crear relatos llenos de emoción. Con Ana y Bruno, su primer largo animado, el cineasta encuentra un equilibrio acertado en la desgarradora historia de una niña que busca rescatar a su madre de un manicomio aterrador. Con las voces de Damián Alcázar, Regina Orozco y Silverio Palacios, entre otros, enaltece valores como la perseverancia y la amistad, además de atreverse a tratar al público infantil con una madurez pocas veces vista. Ana y Bruno es una bocanada de esperanza para el cine de animación en México y una de las películas animadas nacionales más humanas de los últimos años.

–Arturo Magaña Arce

¿Quién mató a los puppets? No podemos negar lo divertido que es ver a personajes infantiles en un contexto adulto e irreverente, tal y como sucedió en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) o en la ácida Team America: Policía Mundial (2004). ¿Quién mató a los puppets? se apoya en este atractivo de alto nivel de incorrección política para llevar a unos inocentes títeres a un mundo de crímenes, drogas y perversión. Aunque lo logra, la cinta dirigida por Brian Henson –viejo colaborador de la pandilla de Los Muppets– se ahoga en sus propios excesos: su irreverencia termina por volverse repetitiva y hasta cansada. Sin embargo, destaca el ingenio y carisma de Melissa McCarthy, quien protagoniza una cinta junto a un personaje como Phil Phillips –un títere que solía ser un detective privado– sin matar de aburrimiento a la audiencia.

–Arturo Magaña Arce

Somos campeones Estamos ante un fenómeno taquillero español que conmovió a la audiencia con una historia ediicante y dulce a nivel temático, pero saturada de clichés, secuencias convencionales y manipulación emocional a partir del uso del montaje y la musicalización. El ilme dirigido por Javier Fesser sigue la fórmula de las cintas deportivas: narra cómo un exitoso entrenador es obligado a trabajar con un grupo de jugadores, que buscan convertirse en equipo (y todo lo que ello conlleva). El distintivo radica en que estos jóvenes padecen diversos tipos de discapacidad y tienen la clara inalidad de sensibilizarnos y crear conciencia sobre sus problemáticas. Tal vez necesiten sus pañuelos desechables.

–Mabel Salinas

Buscando... Aun cuando está limitada por su propio concepto o gimmick –el contener toda su acción dentro de pantallas de dispositivos–, la ópera prima de Aneesh Chaganty logra empujar el subgénero de las screen movies hacia lugares ingeniosos, en cuanto a las técnicas narrativas utilizadas, la dirección de actores, y la evocación de emociones por medio de una visualización inteligente de la forma en que usamos nuestras pantallas. Esto, aunado a la actuación de John Cho, es suiciente para que la cinta retenga el interés hasta el inal, no sin dejar caer en varios momentos la verosimilitud de su propia narración. La relexión sobre la desconexión de dos personas que es evidenciada gracias a la tecnología –en lugar de ser provocada por ella– es un giro fresco también.

–Jessica Oliva CINEPREMIERE.COM.MX SEPTIEMBRE 2018

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ESTRENOS 7 de septiembre

la monja El Universo Cinematográico de El conjuro se sigue expandiendo. Un sacerdote y una novicia lidian con una entidad demoniaca ataviada como monja. Corin Hardy (Los hijos del diablo) dirige a Taissa Farmiga y Demián Bichir en esta historia que mantiene el sello de James Wan, quien produce.

el día de la unión

14 de septiembre

Después de 7:19, cinta de Jorge Michel Grau sobre el terremoto de 1985, llega la versión de Kuno Becker en torno a aquella trágica mañana del 19 de septiembre. El protagonista y director reconoció haber cambiado el desenlace de su segunda película tras el pasado sismo de 2017, con la intención de hacerlo más inspirador para el público.

el juego del diablo ¿Han visto los videos en Internet sobre cómo Siri "enloquece" después de las 2 de la mañana? En ese mismo contexto llega esta cinta dirigida por Abel Vang en 2016. Aquí, un grupo de amigos descargan una app tras la cual se esconde un individuo capaz de conocer sus peores miedos y quien no descansará hasta matar a sus víctimas.

14 de septiembre

7 de septiembre whitney La muerte trágica de Whitney Houston tomó al mundo por sorpresa en 2012, pero su vida personal y carrera ahora son la inspiración de otro trabajo documental. A cargo de Kevin Macdonald, éste presenta imágenes nunca antes vistas y testimonios de la familia y amigos cercanos a la estrella.

cuernavaca

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Una trama sin buenos ni malos, sólo un niño en un viaje de transformación tras la muerte de su madre y el abandono de su padre. El pequeño Andy llega a vivir con su abuela (Carmen Maura) y se ve inluido por todos aquellos que lo rodean. La ópera prima de Alejandro Andrade fue presentada en la edición más reciente del FICG.

14 de septiembre papillon: la gran fuga Remake del ilme setentero en el que Charlie Hunnam y Rami Malek encarnan a Papillon y a Louis Dega. La historia, basada en hechos reales y dirigida por el danés Michael Noer, se centra en un prisionero detenido en una isla remota que intenta escapar y para lo cual se ofrece como el guardaespaldas de un millonario igualmente cautivo.


14 de septiembre

somos campeones

hotel del criminales

La nueva película del español Javier Fesser (Camino) busca motivar al público mexicano. Javier Gutiérrez interpreta a Marco, el segundo coach de un equipo profesional de baloncesto obligado a entrenar a un grupo de chicos con discapacidad mental que le darán la sorpresa más grande de su vida.

Por 22 años, el Hotel Artemis ha sido un hospital para criminales heridos. Pero el negocio capitaneado por Jodie Foster podría llegar a su in cuando unos maleantes quieren ingresar para recuperar algo importante. Soia Boutella, Dave Bautista, Jef Goldblum completan este submundo criminal y futurista.

28 de septiembre

la pequeña traviesa

14 de septiembre

¿A quién no le gustaría hablar con los animales? Esta cinta alemana dirigida por Joachim Masannek nos presenta a una niña con dicha facultad: Liliane Susewind. Si lo suyo es La telaraña de Charlotte; Babe, el puerquito valiente o hasta Dr. Dolittle, entonces no se pueden perder este live action.

28 de septiembre virus tropical Animación colombiana en blanco y negro escrita por Paola Gaviria a partir de sus propias experiencias. El nombre de la película corresponde al momento en que su madre quedó embarazada y los médicos pensaron que se había infectado con un virus. Al mismo tiempo, también es la historia de una chica tratando de encontrarse a sí misma.

14 de septiembre amor de vinilo

un pequeño favor

Annie y Duncan llevan muchos años como pareja, pero su dinámica ha perdido emoción. Rose Byrne, Ethan Hawke y Chris O’Dowd se reúnen para ofrecer actuaciones carismáticas y revitalizar el género de la comedia romántica. Punto para su director Jesse Peretz.

Una coniada Anna Kendrick y una misteriosa Blake Lively protagonizan la adaptación de la novela homónima de Darcey Bell. Dirigida por Paul Feig, responsable del polémico remake de Cazafantasmas de 2016, esta cinta se centra en una mamá bloguera, quien descubre que su mejor amiga se encuentra desaparecida.

28 de septiembre

pie pequeño 21 de septiembre el depredador Shane Black dirige el ataque de los cazadores más temidos del universo, quienes arriban a la Tierra tras seguir el llamado de un niño (Jacob Tremblay). El futuro del planeta queda en manos de Boyd Holbrook y un maestro de ciencias interpretado por Sterling K. Brown.

21 de septiembre

Retrata las peripecias de un yeti que tiene un encuentro con un ser humano, un “Pie Pequeño”. Esta gélida historia cuenta con las voces en inglés de Zendaya, Channing Tatum, Gina Rodriguez, Danny DeVito y James Corden. La cinta es dirigida por Karey Kirkpatrick, guionista de cintas como Pollitos en fuga y Guía del viajero intergaláctico.

locamente millonarios

por un hijo

Basada en el bestseller Crazy Rich Asians, de Kevin Kwan, la comedia agita los estereotipos asiáticos y nos sumerge en un romance ambientado en su cultura extravagante y muy interesante. Dirigida por Jon M. Chu (Los ilusionistas 2), la cinta se centra en Rachel, quien viaja a Singapur para conocer a la familia de su novio.

Ganadora de los premios a Mejor dirección y ópera prima en Venecia 2017, este ilme de Xavier Legrand es un drama enarbolado por un suspenso que ha sido equiparado al de Alfred Hitchcock y Claude Chabrol. La cinta muestra a una expareja en pugna por la patria potestad de sus hijos. ¿Pero quién de los dos miente más y por qué?

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El Depredador, cazador alienígena del cine de acción musculoso de los 80, ha regresado de la mano de Shane Black para jugar con su víctima preferida: el ser humano. POR ANTONIO CAMARILLO @ACAMARIL / ENVIADO A LOS ÁNGELES


ras el estreno de Rocky IV, en 1985, se decía que, de llegar a hacerse una quinta película, Rocky Balboa tendría que pelear con un extraterrestre porque en la Tierra no quedaba quien pudiera ganarle. Irónicamente, la broma habría de hacerse realidad –aunque no con Rocky– apenas dos años después en Depredador (1987), en la que Arnold Schwarzenegger, el mayor Alan “Dutch” Schaefer, se enfrenta a la criatura del título: un alienígena fuertemente armado, dotado de visión térmica y la habilidad de camuflarse con su entorno… y que caza por deporte. Fue un oponente formidable. “Vino por la emoción de la caza,” decían los pósEl antecedente de ters. “Eligió a la presa equivocada”. Es cierDepredador (1987) to que cualquier cinta protagonizada por Schwarzenegger en aquel entonces era, si se encontraba ya en no memorable, de menos digna de ver, pero el clásico de 1932 ése no fue su único atractivo. “Era la perfecta The Most Dangerous pieza de ficción pulp”, nos dice Shane Black, el director de la nueva entrega que revivirá Game, en la que la franquicia. “Era el prototipo de la película un millonario caza de acción en los 80”.

humanos por deporte.

Realizada por John McTiernan, Depredador combinó una premisa propia del horror de filmes como Alien con los tropos fundamentales del cine de acción ochentero. La idea en un inicio consistía en tener un grupo de cazadores persiguiendo a diferentes especies peligrosas en el planeta, algo que resultaría difícil y que los llevó a preguntarse: ¿y cuál es la criatura más peligrosa? Y es que el antecedente de Depredador se encontraba ya en el clásico de 1932 The Most Dangerous Game, de Irving Pichel y Ernest B. Schoedsack, en la que un millonario caza humanos por deporte. Conocida aquí como El malvado Zaroff e inspirada en el relato de Richard Connell, la cinta ponía ya en pantalla la idea de que el hombre no sólo es un formidable cazador, sino que es también una fantástica presa, una criatura inventiva y determinada que podía ser tan temible como el animal más feroz. Esa idea de que el hombre es el lobo del hombre está presente más en forma en la secuela, Depredador 2 (1990), que reunió a los supervivientes de la original contra un nuevo Depredador en la ciudad de Los Ángeles. En ésta, el cazador hace presa de las bandas de narcotraficantes con tal violencia, que comienza a llamar la atención del detective Mike Harrigan (Danny Glover). Al margen de la violencia –Depredador 2 fue la primera película en hacerse acreedora a la clasificación NC-17–, esa escena final en la que el cráneo del xenomorfo de Alien se puede ver en la

Temporada de caza Ahora, en El Depredador (2018), un niño (Jacob Tremblay) activa sin querer una señal que trae de vuelta a Depredadores genéticamente modificados con ADN de otras especies extraterrestres. Coescrita por Black y Fred Dekker, con quien había colaborado ya en El escuadrón de los monstruos (1987), la cinta tendría que concebirse como parte de un canon que comprende no sólo Depredador 2 y la cinta de Rodriguez, sino los crossovers con Alien. “No había razón alguna para decir que no ocurrieron”, confiesa el director. “No tenemos que referirnos a ellas directamente, pero, en lo que a mí concierne, la mitología continúa”. En palabras del también actor –Black interpretó en la cinta original a Hopkins, la primera víctima del Depredador–, la diferencia se encuentra en que estos cazadores de otros planetas han venido tan a menudo a la Tierra, que ya hemos tomado nota: ya no es una situación que pase desapercibida en alguna selva centroamericana. “Saben que los alienígenas vienen a la Tierra y han establecido una agencia encargada de vigilar los cielos”. Esa agencia es dirigida por Jake Busey, cuyo personaje es hijo de aquel interpretado por su padre, Gary Busey, en Depredador 2. Según Black, el atractivo de la saga se encuentra no en la cacería, sino en darte cuenta de que siempre puedes inventarte un nuevo protagonista: que son personajes aislados, y que si tienes un Depredador diferente tienes también a un nuevo grupo de gente. En este caso se trata de un grupo de veteranos que es ayudado por el personaje de Tremblay y por Olivia Munn, quien encarna a una científica. “Queríamos recalcar que, en lugar de supersoldados, sería divertido tener personajes que han olvidado que son buenos en lo que hacen”. Puede que los Stallone y los Van Damme –quien de hecho interpretó a la criatura en la original hasta que fue reemplazado por Kevin Peter Hall– se hayan quedado en los 80. “No podemos igualar eso,” concluye Black. “Pero podemos hacer algo que no sea sólo una película de estudio o un festín de efectos digitales, sino que se sienta que estamos honrando algo”.

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FOTOS: CORTESÍA 20TH CENTURY FOX

El lobo del hombre

sala de trofeos de la nave extraterrestre abrió nuevos horizontes. No sólo engendró cómics y videojuegos que intentaban crear un universo compartido entre las franquicias, sino también el crossover Alien vs. Depredador (2004) y su secuela, Alien vs. Depredador 2 (2007). La secuela en forma, sin embargo, llegaría con Depredador 3: Depredadores (2010), producida por Robert Rodriguez. Ahí se volvería a demostrar que no hay presa más “entretenida” e ingeniosa que un ser humano.


“Espero tengamos una pieza de cultura pop que sea al menos reminiscente y digna de la primera”. –Shane Black

POR ANTONIO CAMARILLO @ACAMARIL / ENVIADO A LOS ÁNGELES

¡Figura de acción!

onocido por escribir clásicos del cine de acción como Arma mortal, El último boy scout y El último gran héroe –por cuya reescritura cobró $1 MDD–, Shane Black se convirtió a fines de los 80 en el guionista mejor pagado de Hollywood. Luego de recibir otros $4 MDD por el guion de Memoria explosiva en 1996, el también actor se alejó por un tiempo, sólo para regresar como director de Entre besos y tiros (2005), Iron Man 3 (2013) y Dos tipos peligrosos (2016). En entrevista nos platica lo que se siente ser toda una figura de acción.


tan buena, los niños son tan modernos, así como los diálogos, la dinámica entre ellos y el suspenso, y… ¡no podía dejar de verla! Creo que hemos llegado al punto en que lo mejor que podríamos hacer con El escuadrón de los monstruos es tal vez igual que Stranger Things. Y eso no es bueno. ¿Crees que tu proceso como director es diferente cuando haces algo como Iron Man 3 o El Depredador, que son franquicias conocidas, a cuando haces algo personal? ¡No más, no más franquicias! Yo creo que cuando haces tu propia franquicia, cuando es tu propio trabajo, es ahí donde te puedes alocar y hacer lo que quieras… pero cuando es la franquicia de alguien más tienes que ser un poco más mesurado en la manera en que lo abordas, porque no es tuyo y tienes que respetar lo que se ha hecho antes y lo que va a venir después. Y me parece que esa es la diferencia.

FOTOS: CORTESÍA 20TH CENTURY FOX

¿Cómo fue regresar al mundo de Depredador después de 30 años de la primera cinta? Fue toda una experiencia. Y fue un montón de trabajo, claro. Fue como entrar en un cuarto por primera vez, y ver a este tipo de dos metros y 10 centímetros de altura delante de ti. Y entonces te das cuenta… se vuelve real muy rápidamente y dices: ¡Wow! ¡Vamos a hacerlo! Es como un manto de responsabilidad que se ha posado sobre mí. ¡De veras vamos a hacer otra! El disfraz y el maquillaje del Depredador original se hicieron muy rápido, en un par de semanas. Incluso el nombre de Depredador fue así (ríe). ‘¿Podemos usar el título Cazador?’ ‘¡No, vamos a llamarlo Depredador!’ ¿Sabes? Fue algo de último momento, una decisión aparentemente arbitraria. Sin embargo, estas decisiones tan precipitadas han resultado en un producto que ha perdurado por treinta y tantos años.

Bajo esa premisa, ¿podría decirse que con El Depredador fue tu oportunidad de alocarte? Yo quería alocarme, ¿sabes? Sí… quizá la próxima vez haga una locura. No sé qué pueda ser, pero no puede ser algo que ya exista. Tienes un vasto conocimiento del cine. Cuando te encuentras preparando una película, ¿hay algo particular a lo que te remites? No son películas, sino libros. En particular le tengo cariño al horror, al misterio y al suspenso, las historias de detectives y espionaje…

Pero antes de la presión y la responsabilidad, ¿qué fue lo que te motivó a dirigirla? ¿La crisis de la mediana edad? (ríe). Hubo una época maravillosa en la que yo era mucho más joven: había hecho Arma mortal, estaba escribiendo la segunda y trabajaba en Depredador. Había escrito El escuadrón de los monstruos con Fred Dekker… eran tantas cosas, y éramos tan jóvenes y llenos de entusiasmo. Y creo que después de un rato te cansas, se vuelve repetitivo y frustrante. Así es la vida. En fin, me sentía viejo a los cincuenta y tantos. ¿A dónde se fue el tiempo? ¿Qué fue lo que pasó?

Literatura pulp, pues. ¡Pulp, gracias! He leído miles de cosas como esas, y creo que tengo una gran caja de herramientas a mi disposición cuando busco algo: "Cómo se vería algo así?". "Ah, tal vez como tal o cual…", pienso. Pero son más que nada de libros que he leído. Y es mejor así, porque tengo una ventaja. Todos han visto las películas, pero tengo cosas a mi disposición que son más oscuras. La gente nunca recuerda a mis escritores favoritos de 1956, que escribieron tres de mis libros preferidos, pero que nadie más conoce. Es como tener un arsenal secreto de cosas que me han influido.

Así que querías regresar y… Quería decir, ¡seamos jóvenes otra vez! Así que llamé a mi viejo amigo Fred Dekker, con quien solía escribir, y le dije: "¡Oye!, ¿recuerdas cuando solíamos hacer fila en Westwood Village, cerca de UCLA, para ver Servicio de noche o La revancha de Porky’s? Me encantaría regresar y hacerlo otra vez". Y pensamos, ¡será divertido! Será como una escapada, así como de relajo, volver a ser chicos otra vez… ¿Cuál relajo? ¡Son dos malditos años! Hay que tener cuidado con lo que se desea… pero ya casi está terminada, luego de tanto trabajo, y espero tengamos una pieza de cultura pop que sea al menos reminiscente y digna de la primera.

Hablando de volver al pasado, ¿qué se siente ser un juguete? Ya hay una figura de acción de tu personaje en la primera cinta de Depredador… ¿Sabes?, no me gustaría si hubieran hecho un mal trabajo, o si fuera uno de esos juguetes con los que crecí, con las caras así (gruñe como si fuera un monstruo), con dos puntos pintados por alguien en un país extranjero que no sabe ni lo que está pintando. Pero éste se ve como si de veras hubieran tomado un molde o algo, es muy fiel, realmente bueno. Hicieron un buen trabajo. Y además me dieron dos (ríe).

Ahora que se hacen tantos reboots y remakes, ¿te gustaría que hicieran uno de El escuadrón de los monstruos? Creo que Stranger Things nos ganó en hacerlo. O sea, así es como yo habría vuelto a hacer El escuadrón de los monstruos. Es

¿Y cuando juegas con él también te matan, o…? Bueno, podríamos argumentar que ya no puedo morir, ¿sabes? Es la conclusión a la que llegas cuando han hecho un juguete de ti. ¿Cuántas personas en el mundo tienen su juguete? ¿Serán qué, unas mil? Yo soy uno de ellos.

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TRES DÉC AS DE 1 7

POR JULIO VÉLEZ

ZADORES

Depredador original (Depredador, 1987)

em m o de los xenomorfos (Al Depredador, 2004)

El primer depredador daba zas de haber visitado la zona de Guatemala antes, pues cono a nna el entorno y el personaje de An (Elpidia Carrillo) afirmaba haberlo más visto. Su estilo de cacería era m físico, pero con ataques a distancia. La batalla con Dutch (Arnold Schwarzenegger) demuestra su aalto entrenamiento en combate cuerpo a cuerpo, y su uso del sistema de auo todestrucción demuestra que no aceptaba la d derrota con honor.

Aquí q sobressalen los depredadores conocidos com d mo Celtic, C Chopper y Scar, en una m i araa exterminar a la reina xenoo o, quie i n sale de hibernación tras la t ción ón del equipo Weyland. La exinterven e liens detona una guerra en la q o edadores muestran amplia exn a dee batalla contra estas criaturas: sus u combatees principales son estratégicos, u cuerpo en lugar de a distancia. Al fi A g acias a la ayuda del personaje o de Alexa (Sanaa Lathan). Scar matta a la reina alien, pero surge el terrible Predalien.

(Dep

doo d d r 2, 1990)

Este d d d prefiere fi Es depredador un entorno urbano: “la jungla de asfalto” de Los Án ngeles. Tiene un sentido del honor más elevado, por lo que equilibra sus má ataaques conforme al reto de sus presas y evita atacar seres que no tienen qu ue ver con sus metas (como el caso deel personaje de Leona Cantrell, embaarazada). Viaja en grupo y al parecer ya tuvo un enfrentamiento con loss xenomorfos de la saga de Ridley Sccott (por el cráneo que aparece en n su nave). Sus armas principales: sm mart disk y la lanza retráctil.


Predalien (Alien vs. Depredador: 2, 2007) La aventura de este híbrido es considerada la peor de ambas franquicias, pero el concepto del Predalien es casi tan fascinante como el humano-alien de Alien: La resurrección, pues es capaz de infestar de xenomorfos sin usar un abrazacaras. Además posee características de batalla tanto de un depredador tan hábil como Scar, como de ¡una reina alien!

Cazadores en grupo (Depredadores, 2010) Cazador para una nueva generación (Depredador, 2018) Sucede 31 años después de la batalla de Dutch en Guatemala. El nuevo depredador es resultado de mejoras genéticas, pues tiene ADN de otras especies (sin caer en los excesos y método invasivo del Predalien). Al parecer, puede poner en peligro la existencia de los yautja, pues su código de ética y combate está inclinado a la destrucción de cualquier criatura que lo rete.

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ILUSTRACIONES: RODRIGO MORALES

Clanes de depredadores organizan un “concurso” en un planeta extraño para cazar seres humanos a su gusto, como una forma de entrenamiento. Tienen tecnología más avanzada y se revela por primera vez que el nombre de su raza es yautja. La confrontación entre dos clanes opuestos deja ver que entre los depredadores también hay conflictos. Estos frentes actúan en grupos de tres, pero prefieren pelear de forma individual, tal como la tríada de Depredador 2.

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Y LA CELEBRACIÓN DEL MIEDO POR LUIS MIGUEL CRUZ @LUIGI_ATLANTE

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Alejado del Marvel Cinematic Universe, y sin la presencia de Spider-Man, el antihéroe está listo para tomar su lugar en un universo de superhéroes cada vez más oscuro y sanguinario.

A pesar de que las historias de antihéroes son ahora un común denominador en el universo de los superhéroes –Deadpool, Punisher, Jessica Jones–, el primer esfuerzo por tener un Venom cinematográfico se remonta a Spider-Man 3 de Sam Raimi. Se planeaba que su aparición desembocara en un spin-off posterior contra Carnage –otro simbionte, pero éste sí sociópata–, con el que iniciaría el primer universo cinematográfico del subgénero. El proyecto contaría con la dirección de Gary Ross, y un guion de Rhett Reese y Paul Wernick. A pesar de su potencial, esta encarnación de Venom fracasó por la abrupta inclusión del personaje en la saga protagonizada por Tobey Maguire, que, según rumores, fue forzada por el estudio. En su momento, Raimi confesó a The Hollywood Reporter: “Intenté que funcionara, pero realmente no creía en todos los personajes, algo que no pudo ocultarse de la gente”. El descalabro, sin embargo, no mermó los esfuerzos de Sony. Años más tarde, el estudio anunció un filme individual del personaje vinculado con la saga The Amazing SpiderMan, de Marc Webb. La premisa sería básicamente la misma, pero esta vez estaría bajo el mando de Alex Kurtzman, con un guion de Lisa Joy y Channing Tatum como potencial protagonista. En esta ocasión, el objetivo volvió a derrumbarse por las malas recepciones: con El sorprendente Hombre Araña 2 moriría no sólo Gwen Stacy, sino el sueño de un Spiderverse que le hiciera frente al MCU.

UNA NUEVA OPORTUNIDAD Tras más de diez años de adversidades, Sony vuelve a probar fortuna con Venom. La película mostrará la transformación de Brock (Tom Hardy) en el antihéroe y los esfuerzos que hace la compañía Life Foundation para sacar provecho de la entidad alienígena simbionte. El objetivo de sus experimentos es crear un equipo de superpolicías, del cual también surgirán los simbiontes Scream, Phage, Toxin y Riot. Éste último será interpretado por Riz Ahmed, ganador del Emmy por su papel protagónico en la serie The Night Of, y a quien tam-

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a década de los 80 fue la más violenta en la historia de los Estados Unidos. Las estadísticas dictan que tan sólo en 1980 se cometieron 10.2 asesinatos por cada 100,000 habitantes, lo que lo convierte en el año más sangriento del país hasta la fecha. A diferencia de lo que sucedió durante la Segunda Guerra Mundial o la Guerra Fría, esa vez no hubieron superhéroes que brindaran esperanzas desde la ficción a la sociedad decadente. Lo que sí nació fue un personaje oscuro, aunque no del todo fuera del alcance de la redención. En 1984, el escritor David Michelinie y el artista Todd McFarlane aprovecharon este contexto para la creación de Venom, un supervillano cuyos poderes surgen de un simbionte –ser vivo que existe en simbiosis con otro– alojado previamente en Spider-Man. Sin embargo, su peligrosidad radica en el odio que ha carcomido por años a su huésped humano: Eddie Brock. Atormentado por un pasado doloroso y lleno de fracasos, Brock desprecia a Peter Parker y también a sí mismo, lo que permite que el simbionte conecte con él y habite su cuerpo. Esta crudeza le valió al personaje la popularidad inmediata, lo trasladó al mundo de los antihéroes, y finalmente alimentó la necesidad de Hollywood por llevarlo al cine. No sólo por su potencial taquillero, sino por la oportunidad de darle oscuridad a un héroe tradicional, cuya lucha interna proviene de ese milenario conflicto que hemos visto otras veces en pantalla: “un gran poder conlleva una gran responsabilidad”.


bién recordamos por interpretar a Bodhi Rook en Rogue One. Riot será el villano/simbionte que representará una doble amenaza: no se limitará a su versión alienígena, pues también es el maquiavélico CEO y científico de Life Foundation. “Al interpretar a Carlton traté de enfocarme en que su causa es esencialmente buena”, nos dijo en exclusiva Riz Ahmed. “En una historia como Venom no puedes pensar en términos de ‘buenos y malos’. Lo más emocionante, honestamente, fue trabajar con Tom y Michelle [Williams, la fiscal de distrito] . Soy muy fan de su trabajo. Pero no, no tengo peleas tal cual con Tom Hardy”. Más allá de la violencia que tanto ha caracterizado a estos seres, el director Ruben Fleischer deseaba capturar el conflicto de dos seres que viven en un solo cuerpo y que son capaces de interactuar entre ellos (a diferencia de lo que sucede con Hulk y Banner). “Me interesa la relación [entre hombre y simbionte], cómo se combinan y cómo llegan a vivir juntos”, nos dijo el realizador, cuya preocupación por las dualidades del ser humano también se puede ver en las dudas que aquejaron a los héroes de sus películas Tierra de zombies (2009) y Fuerza antigángster

No es la primera vez que Ruben Fleischer, el director, se decanta por las dualidades del ser humano: entre sus proyectos confirmados se encuentra una secuela del clásico El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde.

(2013). Venom, por su parte, tampoco será la última exploración que haga del tema, pues entre sus proyectos próximos confirmados se encuentra Jekyll, una secuela del clásico El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde, de Robert Louis Stevenson. Curiosamente, la dinámica entre Brock y su simbionte espejea aquella de Jekyll y Hyde: un hombre dividido en dos entidades distintas, una de las cuales se deja llevar por sus impulsos y tiene la capacidad de hacer mucho daño. Como ya es costumbre, este nuevo esfuerzo no está exento de polémica, con una historia que se aleja lo más posible de SpiderMan –se ha reportado que seguramente será clasificada para adultos–, a fin de centrarse de lleno en el guerrero titular. Tom Hardy, elegido para interpretar al hombre simbionte, no lo ve descabellado y confía en el protagonismo de Venom. “Tiene su propio cómic”, nos dijo. “Es uno de los personajes más populares e icónicos por sí solo, aun cuando su legado está relacionado con SpiderMan. Creo que hay un lugar para él en el cine de superhéroes. Así como ha pasado con otras películas, los creativos han encontrado la manera de cruzar referencias sin ser completamente fieles”. La producción también se ha caracterizado por su secretismo, que ha desatado toda clase de rumores. Entre los más sonados está el enigmático rol de Woody Harrelson, quien apunta a convertirse en Carnage. El huésped más recurrente de este último simbionte es el asesino serial Cletus Kasady, por lo que se trata del personaje más sangriento de Marvel. Los rumores se dispa-


PRESENTE Y FUTURO DE LA FRANQUICIA Los incontables misterios alrededor de Venom hacen imposible definir su futuro, lo que provoca tensión entre los aficionados que sueñan con un Marvel Cinematic Universe unido. De momento, esta nueva (posible) saga de Venom será complementada por puros villanos y enemigos de los filmes arácnidos del MCU: Vulture, Mysterio –quien debutará en Far From Home– y los Seis Siniestros, cuyo filme no ha sido confirmado (aunque la producto-

ra Amy Pascal ha externado continuamente su deseo de llevarlos al cine). Por lo pronto, Eddie Brock ha quedado fuera de cualquier acuerdo para formar parte del MCU, al igual que los protagonistas de otros spin-offs confirmados, como las películas de Black Cat, Silver Sable y Morbius, (quien será encarnado por Jared Leto). En esta misma situación se encuentra Kraven the Hunter, cuyo filme será escrito por el guionista de El justiciero 2, Richard Wenk. “Lo único que determina en qué universo están son los estudios dueños de las propiedades, [por lo que nosotros] plantamos algunas semillas hacia futuras direcciones que podría tomar”, dijo Fleischer sobre el futuro de Venom. Por su parte, Hardy no está cerrado a ser parte de un universo compartido. “Iré a donde sea que haya una buena historia. Pero [el rumbo de la franquicia] no es mi decisión”, nos dijo. El término con el que el actor se refiere a su saga –“Venomverse”– quizá sea por ahora el mejor indicador del plan para el que se ha comprometido: tres películas, sin opción a cameos, ni crossovers. Tom Hardy tampoco parece intimidarse por el recuerdo de Bane, su personaje en El Caballero de la Noche asciende, ni por el fantasma del infame simbionte en Spider-Man 3. “Estoy agradecido de trabajar tanto para Marvel como para DC”, dijo. “Son personajes geniales, [pero] es el mismo nivel de responsabilidad que cualquier proyecto popular. Pasó también con Mad Max y está bien. Pienso en lo afortunado que soy de interpretar un personaje así, que tanta gente ama y darle vida en pantalla. Siempre tienes que dar lo mejor”.

Hoy parece ser el momento perfecto para que Venom logre su consolidación cinematográfica. El personaje llega a un mundo hostil, reflejado en un cine de superhéroes cada vez más violento y oscuro. Será que la popularidad de los antihéroes y renegados sanguinarios, personajes que siempre han causado fascinación a Hollywood, está íntimamente conectada a la esperanza de cambios radicales y la sensación de no tener nada que perder. En tiempos atribulados como los nuestros, no es sorpresivo que los superhéroes más admirados –aquellos que tienen las habilidades específicas para salvarnos– sean aquellos con nada que perder y que no temen ser impredecibles. Como dijera el histrión, hoy esta clase de proyectos se han convertido en toda “una celebración del miedo”.

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raron cuando Harrelson habló por primera vez de su enigmático rol: “Estoy en una pequeña parte de esta película, pero estaré en la siguiente”, le dijo a Collider. La fórmula se ha visto antes en las franquicias de superhéroes: el personaje semilla que después se convierte en el villano de la secuela. De concretarse, no sería la primera vez que el actor interpreta un papel de tal brutalidad: recordemos su mítica actuación en Asesinos por naturaleza. El cineasta, por su parte, permaneció hermético: “Vean la película para descubrirlo”, nos dijo riendo.

Hardy no está cerrado a ser parte de un universo compartido: “Iré a donde sea que haya una buena historia. Pero [el rumbo de la franquicia] no es mi decisión”.


TOM HARDY

La última oportunidad de Venom

Tom Hardy no le son ajenos los retos. Después de todo, estamos hablando del actor que dio vida al mítico Bane en la trilogía gótica de Christopher Nolan y que heredó el manto de Mad Max: Furia en el camino. Ahora, el británico asume un nuevo desafío con Venom, uno de los personajes más populares de Marvel Comics, quien ha batallado por más de diez años para lograr una adaptación digna de su legado. POR LUIS MIGUEL CRUZ @LUIGI_ATLANTE

¿QUÉ ES LO QUE MÁS TE GUSTA DE VENOM? Que puede hacer lo que quiere cuando quiere. No tiene ningún tipo de refugio. Sólo hace lo que quiere, bajo su propio margen ético. Y no existe ninguna opción de negociación de su contraparte humana, Eddie Brock.

SURGIÓ COMO UN VILLANO, ¿POR QUÉ ESTE PRIMER FILME NO EXPLORA ESTA FACETA? Es una película individual de Sony donde no hay Spider-Man. Es un “Venomverse”. Está solo y debe ser el héroe. Pero no es un héroe tal cual, es el antihéroe. Significa que hace cosas buenas y no tan buenas. No es realmente bueno, ni tampoco malvado. Es el personaje central de la película.

¿CREES QUE SERÁ LA PELÍCULA MÁS OSCURA DE MARVEL? Es un thriller, tiene terror, humor negro. Tiene violencia y derramamiento de sangre. Pero también tiene la capacidad de que la gente pueda verla en familia y disfrutarla. Muchos de los fans más aguerridos tienen entre 10 y 14 años de edad. Así que, ¿será la película más oscura de Marvel? Honestamente no lo sé. Sólo sé que tiene un buen rango de opciones que dan mucho margen de maniobra, que le permite ser retorcida y mucho más lúgubre de lo que hay ahora, si es lo que el público desea.

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¿CREES QUE LA FRANQUICIA EVENTUALMENTE INCLUIRÁ A SPIDER-MAN O SE MANTENDRÁ AISLADA? No me gustaría adelantar nada en ese aspecto. Tenemos una historia de origen y desde este punto en el que conocemos a Venom y Eddie Brock, seguramente tendremos retroalimentación sobre qué territorios debería explorar el personaje en un futuro. Eso puede implicar más simbiontes, villanos del Spiderverse o del Venomverse. ¿Quién sabe? No hemos llegado a ese punto todavía.

EL CINE DE SUPERHÉROES SE HA TORNADO CADA VEZ MÁS OSCURO, ¿A QUÉ ATRIBUYES ESTO? Creo que es la manera en que la gente explora el concepto de oscuridad que coexiste en un mismo espacio, que le permite conocer otro aspecto de su psicología interna y que le fascina porque en la realidad deben ser responsables. Se muestra que la vida va más allá del blanco y el negro, también hay mucho gris. Es algo muy complejo, que va más allá de la naturaleza del bien contra el mal, y en esta área gris hay mucho margen para la inmersión y la identificación. Lo que disfrutamos de un antihéroe es su rebeldía, su personalidad temeraria e incluso escalofriante, su oscuridad, porque te permite vivir esa vida y experimentarla.


FOTO: CORTESÍA SONY PICTURES

“LO QUE DISFRUTAMOS DEL ANTIHÉROE ES SU REBELDÍA. TE PERMITE VIVIR ESA VIDA, EXPERIMENTARLA”.


S U S P E N S O E N i O S UN PADRE DESESPERADO BUSCA A SU HIJA DESAPARECIDA COMO NADIE LO HA HECHO ANTES EN LA FICCIÓN CINEMATOGRÁFICA: SIN SALIR DE LAS PANTALLAS DE SU COMPUTADORA Y CELULAR. BUSCANDO… ES LA NUEVA CAMPEONA DE LAS LLAMADAS SCREEN MOVIES. POR JESSICA OLIVA @PENNYOLIVA / ENVIADA A BARCELONA

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as pantallas de nuestros dispositivos electrónicos serían capaces de contar la historia de nuestras vidas. Ellas guardan nuestros contactos, nuestras agendas, las fotografías de los viajes que hacemos, alojan los perfiles de nuestras redes sociales, así como conversaciones cotidianas, clandestinas, románticas, etc. También saben nuestra ubicación, en dónde nos bajamos de ese servicio de taxi por Internet y en qué lugar hicimos “check-in”. No es exagerado afirmar que la mayoría de los momentos más interesantes de nuestra existencia ahora suceden –a veces enteramente, a veces de forma extendida– en las pantallitas propias de la era digital. Las llamadas screen movies son el producto de esto. Desde que el director Timur Bekmambetov produjo su película Eliminar amigo –cinta de terror que es narrada en su totalidad a través de la pantalla de una computadora– se ha declarado fascinado con lo que llama “un nuevo lenguaje” de cine hecho a la medida del futuro. En conjunto con Bazelevs Productions, compañía que fundó, Bekmambetov creó el software Screenlife específicamente para la producción de cintas de este estilo, cuya acción esté limitada a lo que se puede ver en interfaces de celulares, laptops y computadoras. Hasta ahora, el cineasta ha producido otras tres ficciones con éxito: Unfriended: Dark Web; el thriller Profile; y Buscando…, cinta que sigue la búsqueda desesperada de un padre, y que este mes llega a la cartelera mexicana tras presentarse en Sundance 2018.

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FOTOS: CORTESÍA SONY PICTURES

“Cuando me reuní con ellos me dijeron que, tras Eliminar amigo, querían hacer cortometrajes con el mismo concepto”, nos dijo Aneesh Chaganty, quien fue invitado para dirigir Buscando… cuando trabajaba haciendo comerciales para Google. “Y eso sí me interesó porque yo decía: ‘¡Nunca haría un largometraje que sólo sucediera en pantallas de computadoras!’. Pero después de pasarles un guion para un corto de ocho minutos dijeron que siempre sí querían hacer un largo. Al principio dije que no porque me preocupaba que se convirtiera en una película de un solo ‘truco’”. “Lo que nos convenció fue la idea de la primera escena”, añadió Sev Ohanian, socio de Chaganty y quien fue invitado a escribir y producir. Dicha secuencia inicial presenta, mediante una pantalla de una PC, la vida alegre de una familia que eventualmente es alcanzada por un evento trágico y, posteriormente, por la adrenalina de una desaparición. Según el director, la emotividad en ella y en el resto del filme resultó clave para distinguirla en este subgénero naciente: “Sentimos que todo lo similar que se había hecho antes carecía de raíz emocional. La experiencia en Google me ayudó a eso mucho porque sus comerciales tratan de formar una narrativa emocional sobre la tecnología. Ahí aprendí cómo lograrlo aunque no estés trabajando con rostros. Cómo hacer que al ver un cursor sientas ganas de llorar, o emoción con un botón”. Protagonizada por John Cho (Star Trek) y Debra Messing (Will & Grace) y contrario a lo que pudiera pensarse, la película no es pesimista en cuanto a los tiempos en que vivimos. “Ya hay muchas representaciones oscuras de la tecnología, como Black Mirror”, dice Chaganty. “La historia más bien es sobre un padre y una hija que, aunque viven en un mundo supuestamente conectado, están increíblemente desconectados”. A pesar de su entusiasmo por convertir las cosas más mundanas –como lo son las pantallas chicas de dispositivos– en una experiencia cinematográfica, Chaganty admite no compartir la visión de su productor, Bekmambetov, en cuanto al futuro de las screen movies. “Amo a Timur [quien dice que producirá 50 proyectos al año, incluyendo una próxima adaptación de Romeo y Julieta], pero yo le he dicho que no estoy de acuerdo. Cuando se trata de una película cuyo motor es un concepto, como audiencia sólo quieres ver una o dos del estilo. Lo que sí creo es que tiene razón en cuanto a que nuestras vidas sí están en estas pantallas y que necesita haber una expresión artística que refleje eso. A veces el cine tropieza mucho al representar cosas como un mensaje de texto o correos, entonces, hay forma de combinar lo que estamos haciendo con narrativas más convencionales”.

ASÍ SE HACE UNA SCREEN MOVIE Aneesh: “Siete semanas antes de rodar les pedimos a nuestros editores que hicieran un corte preliminar de la película para poder entender qué era lo que íbamos a hacer. En ese corte salgo yo interpretando todos los papeles, el de la hija, los amigos de la hija (ríe)”. “En el rodaje tuvimos a John Cho en un cuarto enfrente de una laptop. Queríamos grabar en FaceTime, pero ese no te permite ver el pietaje en un monitor en el set, así que tenía una GoPro arriba de él. Debra Messing estaba en otro cuarto y en medio de ellos estaba el “video village”, donde estábamos viendo a los dos hablar. John sólo hacía la mímica de que tecleaba. Todos los sonidos de las teclas fueron puestos después”. Sev: “La primera impresión que puede dar es que grabamos a alguien haciendo todas esas acciones en su computadora, que sólo grabamos las pantallas. Eso no lo hicimos. Tuvimos que crear todo lo que se ve, nuestros editores prácticamente animaron y crearon desde cero la interfaz de Facebook. Nos descubrimos de pronto haciendo una película animada”. “La mayoría de las películas tienen preproducción, filmación y posproducción. Nosotros tuvimos preposproducción, posproducción y post-posproducción. Filmamos en 13 días, pero editamos durante un año y medio. A la hora de editar por lo general tienes dos capas o timelines de video: nosotros teníamos 37”. Aneesh: “Nuestras computadoras no estaban listas para editar una película así: colapsaban cada hora y media y perdíamos 20 por ciento de avance”. Sev: “Cada vez que pedíamos un cambio a los editores, ellos nos decían: ‘Ok, regresa en 20 minutos". Era casi como editar en película a la antigua: cuando tenías que pensar muy bien qué querías editar porque cada decisión costaba bastante tiempo y cuidado, gracias a la cantidad de capas de video que había”.


FOTOS: CORTESÍA ARCHIVO MIL NUBES (ROBERTO FIESCO)

Luis Alcoriza apostó por algo que hoy los jóvenes intentan captar con sus celulares: la vida cotidiana, los instantes naturalistas.

POR RAFAEL AVIÑA

A cien años de su nacimiento, los mexicanos seguimos viéndonos en el espejo que el actor, guionista y director creó con su cine. 40

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oy, la tecnología de la imagen, el Internet y las cámaras de celulares han suplido en buena medida al asombro y a la expectativa. En este nuevo milenio, nada parece sorprender, menos a las nuevas generaciones de cinéfilos acostumbrados a observar en YouTube cualquier conato de relajo cotidiano: los risibles y patéticos espectáculos de los llamados Lords y Ladies, propensos a toda clase de exhibicionismo, discutiendo, bebiendo o peleando en la vía pública sin conciencia alguna. Sin embargo, antes de esta modernidad, el cine mostró ese folclor nacional tan nuestro y tan cotidiano. Uno de los realizadores que mejor lo capturó fue Luis Alcoriza, responsable de títulos como Mecánica nacional (1971), Semana Santa en Acapulco (1979), Día de muertos (1988) o el segmento Esperanza del mediometraje Fe, esperanza y caridad (1984), inspirado en un hecho verídico:


se centra en un pobre ingenuo que se hace crucificar, exhibido en una carpa como fenómeno de feria. No sólo eso, Alcoriza –español afincado en México desde 1940, donde se inició como actor, para dar el saltó al guion y luego a la dirección–, también apostó por algo que hoy los jóvenes intentan captar con sus celulares: la vida cotidiana, los instantes naturalistas. Lo logró sobre todo en obras como Tiburoneros (1962) y en un guion como el de Los olvidados (1950) de Luis Buñuel, de quien Alcoriza siempre dijo que le había faltado conocer al México real y que vivía encerrado en su propio mundo, fascinante sin duda pero muy personal. En 1960 y luego de escribir más de 50 guiones y argumentos que arrancarían con El ahijado de la muerte –película de Norman Foster para lucimiento de Jorge Negrete en 1946–, Alcoriza debutó en la dirección con Los jóvenes. Dicha cinta podría pasar por cualquiera de los múltiples relatos adolescentes rutinarios de ese instante, tal como Mañana serán hombres (1961), El caso de una adolescente (1958), o Jóvenes y rebeldes (1961), obras que por lo general apuntaban hacia un fin común: marcar la línea de alerta en esa edad de la tentación. No obstante, la película de Alcoriza se desmarcaba de esos falsos relatos adolescentes, cuyas crisis provenían de un regaño, un amorío fallido o un partido UNAM vs. Politécnico. Más bien, apostaba de manera insólita por un realismo nunca antes visto y, al mismo tiempo, se adentraba en una urbe cotidiana. De entrada incluía dos extraordinarios temas de jazz del pianista Mario Patrón y el saxofonista Héctor Hallal "El Árabe", célebres pioneros del jazz en nuestro país junto con figuras como Tino Contreras, Leo Acosta, o Juan Ravelo, entre otros. A su vez, retrataba con más realismo que chantaje sentimental el ambiente del Monte de Piedad, así como la lascivia y frustración de esos jóvenes rebeldes, que resultan más sinceras que lo mostrado en otras películas de la época. También se puede ver un intento por advertir a la juventud mexicana de las influencias materialistas, que hoy suenan actuales, como en aquel diálogo que dice: “Cuántos profesionistas andan por ahí muertos de hambre”. OTRA MIRADA Ante las gastadas fórmulas genéricas de una industria en decadencia como lo era la mexicana de los años 60 –y descontando los filmes del Primer Concurso de Cine Experimental de 1965–, Alcoriza propuso como director una obra alternativa que surgía en medio del cine de luchadores y caballitos. Esto lo hizo luego de realizar un brillante trabajo como guionista en obras maestras de Luis Buñuel, como Los olvidados, El gran calavera (1949); El bruto (1953); Él (1953), La ilusión viaja en tranvía (1953)

FOTOS: ARCHIVO MIL NUBES (ROBERTO FIESCO)

Mecánica nacional (1971)

y El ángel exterminador (1962); así como en notables cintas de Pedro Infante: La vida no vale nada (1954) o El inocente (1955). También se desempeñó como escritor en rarezas fílmicas, como El rey de México (1955), de Rafael Baledón, o la delirante comedia de humor negro El esqueleto de la señora Morales (1959) de Rogelio A. González. Después de Los jóvenes, Luis Alcoriza emprendería el retrato virulento de una provincia hipócrita, santurrona y erotizada, que rehuía el folclorismo de rigor y pugnaba por una suerte de costumbrismo irónico o fatal, repleto de solidaridad masculina. Esto se puede ver en filmes excepcionales y muy originales, como el mediometraje La puerta (1968), Tlayucan (1961), la mencionada Tiburoneros, Tarahumara (1964) o Paraíso (1970). Una década después y en la siguiente, sus obras se volverían más irónicas y cáusticas a la hora de develar las fobias, vicios, usos y costumbres de los mexicanos, en fabulosos retratos populares de ese momento. En esta época brilla la estupenda Mecánica nacional (1971): filme coral que retrata los desenfrenos nacionalistas y el machismo hipócrita, combinando figuras añejas, como Gloria Marín y Sara García, con nuevas luminarias, como Alma Muriel y Maritza Olivares. También destaca Las fuerzas vivas (1975), que se desarrolla en un tono similar, pero que está ambientada en una época revolucionaria. A estas películas las acompañarían proyectos cercanos a su etapa buñueliana, como El muro del silencio (1971), el mencionado episodio Esperanza (1972), Presagio (1974), A paso de cojo (1978) –que aborda el tema de la Guerra Cristera–, Semana Santa en Acapulco (1979) o Lo que importa es vivir (1986). Luis Alcoriza falleció en 1992 dejando un legado de historias originales, ácidas y muy comprometidas con la sociedad de su momento. Con Tlayucan, obtuvo la Medalla de Oro en el Festival de Karlovy Vary y la nominación al Oscar. Tiburoneros, por su parte, fue premiada en los festivales de Mar del Plata y de San Sebastián, mientras que Mecánica nacional le dio el Ariel a la Mejor dirección. Su trabajo, finalmente, nos ayudaría a vernos de formas distintas, pues ilustró aristas de la mexicanidad y de la cotidianidad que permanecían veladas y que hoy nos representan tanto como en ese entonces.


n 2013, nadie imaginó que a partir de El conjuro, cinta dirigida por James Wan, se crearía un universo que nos daría pesadillas por años. Inspirado, en gran parte, en las experiencias de los investigadores paranormales Ed y Lorraine Warren, ha crecido lo suficiente como para formar una interconectividad que no se había visto en el género de terror en toda su historia. Con el estreno del tercer spin-off, La monja, todo parece indicar que tendremos terrores nocturnos asegurados por un buen rato. Estas son sus principales pesadillas.

FOTO: CORTESÍA WARNER

POR ALEJANDO SOSA @PSYCHOALEX_

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THE NURSE Aparece en: The Nurse (2017) Este personaje surgió de la promoción de Annabelle: La creación, cuando se hizo un concurso de cortometrajes que invitaba a los realizadores a crear una historia que pudiera encajar en el universo de El conjuro. El ganador, Julian Terry, creó la imagen de una enfermera desfigurada que atormenta a la joven Emily. Su origen y paradero aún no se conocen del todo.

ANNABELLE Aparece en: El conjuro (2013), Annabelle (2014) y Annabelle: La creación (2017) Samuel y Esther Mullins son los culpables de la creación de esta muñeca, ya que después de la muerte de su hija Annabelle, le rezaron a un demonio para que la trajera de vuelta. Sin embargo, este demonio transfirió su esencia a la famosa muñeca de porcelana y causó problemas en el orfanato que los Mullins abrieron. Fue ahí que el demonio tomó posesión de Janice, quien se hizo llamar Annabelle. Al final de Annabelle, una mujer compra la muñeca como regalo para su hija Debbie, quien finalmente contacta a los Warren para que solucionen este misterioso caso.

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Aparece en: El conjuro 2 (2016) y La monja (2018) Los Warren se enfrentaron en Londres a este demonio –conocido como Valak– cuando la familia Hodgson notó que su hija Janet actuaba de forma extraña. No obstante, Valak se le apareció por primera vez a Lorraine Warren durante una sesión de espiritismo, mientras el matrimonio investigaba los asesinatos de Amityville. Valak adoptó la forma de una monja y no fue hasta que Lorraine descubrió su nombre, que este demonio fue desterrado al infierno. Sus orígenes y la razón por la que adopta la apariencia de una monja serán explicados en el filme que se estrena este mes.

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Aparece en: El conjuro 2 (2016) Este demonio está ligado al zoótropo que le pertenece a Billy Hodgson, miembro de la familia que los Warren asisten durante los eventos de El conjuro 2. No se sabe mucho sobre esta entidad, pero al final de El conjuro 2, Ed y Lorraine Warren toman el juguete y, al tanto de su peligro potencial, lo agregan al museo que mantienen en el sótano a.

ill Wilkins Aparece en: El conj ) El espíritu de este abitó la casa de la familia Hodgs que ellos la ocuparan. En un inicio, se creyó que él era el responsable de la actividad paranormal que afectaba a la joven Janet; sin embargo, eventualmente se descubre que sólo es un peón del demonio Valak, quien durante los eventos de El conjuro 2 lo utiliza para ocultar su verdadera identidad. La caja musical de April Aparece en: El conjuro (2013) y El conjuro 2 (2016) Este objeto es uno de los que los Warren toman de la casa de los Perron tras ayudarlos a erradicar el demonio que los atormentaba. No se sabe exactamente qué demonio está ligado al objeto, pero los Warren lo colocan en el museo que tienen en su casa junto con el zoótropo de Billy (el cual está relacionado con The Crooked Man) y la muñeca Annabelle. El misterioso caso de Long Island Mencionado en: El conjuro (2013) Al inal de los eventos del primer ilme en este universo, Ed y Lorraine Warren reciben la noticia de un misterioso caso en Long Island, que hace referencia a los sucesos paranormales que George y Kathy Lutz experimentaron en una casa donde se cometieron varios asesinatos. Este crimen es popularmente conocido como The Amityville Horror.

ILUSTRACIÓN: ISRO BRIONES

BATHSHEBA SHE H Aparece en: El conjuro (2013) Inspirada en la verdadera vecina de la granja de la familia Perron –a quienes Ed y Lorraine Warren investigaron–, el espectro es la villana principal de El conjuro. Su historia se remonta a 1863, cuando Bathsheba intentó sacrificar a su primer bebé como tributo al diablo. Al ser descubierta, maldijo a todo aquel que le quitara su tierra, se ahorcó de un árbol y su espiritú continuó acechando a todo aquel que residiera en su granja.


La segunda sacudida de alma AQUELLA MACABRA COINCIDENCIA DEL DESTINO POCO A POCO SE FUE TRANSFORMANDO EN UN MOVIMIENTO DE SOLIDARIDAD Y EMPATÍA POCAS VECES VISTO. ASÍ REACCIONÓ LA COMUNIDAD CINEMATOGRÁFICA ANTE LA TRAGEDIA. POR ARTURO MAGAÑA ARCE @ARTURHD

13:14:40. Era un martes más en la redacción de Cine PREMIERE: un 19 de septiembre sin aparentes eventualidades, como lo había sido por más de 30 años desde aquella mañana de 1985. Trabajábamos los últimos detalles de nuestra edición de octubre cuando la normalidad fue interrumpida por una mezcla compuesta de gritos, el sonido de la alerta sísmica y el crujir de nuestro edificio. Con grandes esfuerzos intentamos resguardarnos donde fuera, y como fuera, dentro de ese piso 14 donde nos encontrábamos, sujetándonos de lo que tuviéramos al lado, como si nuestra vida depen-

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diera de ello. El suelo se sacudía como no lo había hecho en años y, con él, nuestras emociones. El sobresalto llegaba, además, días después de que otro sismo de 8.2 cimbrara la Ciudad de México y dañara seriamente a Oaxaca y a Chiapas. El recuerdo reciente, sumado al de aniversario, aumentaba la pesadilla. Quienes vivieron lo sucedido en 1985 acompañaban a los que, por primera vez, sentían la furia implacable de la naturaleza. En cuanto el movimiento se detuvo supimos que, aunque nosotros estábamos bien, allá afuera todo había sido diferente.


“Cuando veo la reacción de la gente ante eventos como éste, me da mucha esperanza mi país. Pura solidaridad, amor y compasión”, escribió Diego Luna en Twitter. #FUERZAMÉXICO Los reportes de la tragedia llegaron al mundo en segundos. “Mi corazón está con México y su gente. Les mando mucho amor”, nos dijo el director estadounidense Darren Aronofsky desde Brasil. “Mi corazón está con todos ustedes”, expresó, por su parte, el compositor Hans Zimmer desde Londres. “Lo que están pasando ahora me rompe el corazón. No tengo palabras”, nos dijo. “Oh, México City. Te amo”, escribió Elijah Wood en su cuenta de Twitter. “A cualquiera en México que necesite publicar mensajes urgentes, puede hacerlo por medio de mi cuenta”, publicó Guillermo del Toro, poco después del sismo. “Estaré hasta después de la medianoche haciéndolo”, afirmó en un segundo tuit. Sin embargo, su ayuda siguió por varios días. Su interacción ininterrumpida con millones de personas se materializó en apoyos para distintas zonas necesitadas en el país. Ellen DeGeneres, Edgar Wright y Lee Unkrich, entre otros, también enviaron sus condolencias a México, mientras que las personalidades mexicanas, como Mónica Huarte o Luis Gerardo Méndez, instaban a la unión. “Carnales: abracémonos fuerte y respondamos a esto con cariño y solidaridad. Ayudémonos entre todos”, escribió Gael García Bernal en su cuenta. Su altruismo se enfocó en ayudar a Xochimilco, lugar donde, tiempo después, filmaría Chicuarotes, su segunda película en la silla de director.

En las redes, el movimiento #LoveArmyMexico –del youtuber e integrante del elenco de Luis Miguel: La serie, Juanpa Zurita– recaudó fondos para las comunidades afectadas de Morelos y Puebla. Por su parte, el galardonado cineasta Alfonso Cuarón debutó en Twitter con la iniciativa Mexico Rises y el mensaje: “Nada puede detener a quienes se levantan”. En un video de apenas un minuto, celebridades como Mark Ruffalo, Alicia Vikander, Robert De Niro, Alejandro González Iñárritu, Emma Watson o Emily Blunt, entre muchos otros, invitaban al mundo a solidarizarse con México.

ESTAMOS DE PIE El 19 de septiembre de 2017 algo cambió: nos dimos cuenta de que somos invencibles. Pero eso es algo que el mundo ya sabía. En 1998, el escritor chileno Roberto Bolaño afirmó en su libro Los detectives salvajes que “cuando todo el mundo civilizado desaparezca, México seguirá existiendo; cuando el planeta se desvanezca o se desintegre, México seguirá siendo México”. La fortaleza de México radica en su gente, así que este texto va dedicado a ti, que, de alguna u otra manera, buscaste la forma de ayudar a los demás. Por ello, te damos las gracias. Con dos 19 de septiembre clavados en nuestra memoria, con el recuerdo del Colegio Rébsamen, del multifamiliar de Tlalpan o de Álvaro Obregón 286, entre tantos otros lugares, te agradecemos por no dejarnos caer. A pesar de la tragedia, no hay duda de que, pase lo que pase, México siempre estará de pie.

Mientras asimilábamos la magnitud de lo ocurrido, la solidaridad y el deseo impetuoso de ayudar se instaló en los corazones de los civiles. El cruce de Viaducto y Medellín, en la colonia Roma de la Ciudad de México, se convirtió por unos instantes en Ciudad Gótica. Ese lugar, lleno de voluntarios, víveres y camiones listos para movilizar la ayuda, vio llegar un misterioso vehículo de color negro con luces de neón y un motor que no conoce la discreción. Acto seguido, Batman se bajó de su Batimovil con víveres, juguetes y la capacidad de hacer reír a los cientos de héroes anónimos a quienes el cansancio de días estaba derrotando. “Si esto le llega a un niño, díganle que se lo manda Batman”, escribió el hombre en las cajas que contenían sus donativos. “¿Cómo te llamas?”, le preguntó alguien que lo grababa con su celular. Como si fuera una película sobre el Hombre Murciélago, él, de espaldas, volteó a la cámara y dijo: “Soy Batman”, para luego desaparecer en la oscuridad de la noche. “Cuando veo la reacción de la gente ante eventos como éste, me da mucha esperanza mi país. Pura solidaridad, amor y compasión”, escribió Diego Luna en Twitter, desde Lago Tanganica 67, lugar en donde él comandó personalmente uno de los centros de acopio más importantes de la ciudad.

FOTOGRAFÍA DE ENRIQUE MÁRQUEZ ABELLA INCLUIDA EN EL LIBRO ESTAMOS DE PIE 19S, HISTORIAS DE GRANDEZA MEXICANA (PLANETA), © 2017, CORTESÍA OTORGADA BAJO EL PERMISO DE GRUPO PLANETA MÉXICO.

EL AMOR ANTE LA TRAGEDIA


POR ARTURO MAGAÑA ARCE @ARTURHD

Luego de un año de retraso en su estreno debido al terremoto de 2017, Kuno Becker estrena El día de la unión, su segunda película como director, que aborda la destrucción de la CDMX en 1985. Lo más destacado de la cinta es la recreación del movimizento telúrico, a cargo del diseñador de producción ganador del Ariel Rafael Mandujano (Sense8; KM 31; Arráncame la vida), quien siguió este proceso.

Club Campestre

CÁMARAS Estaban separadas de las estructuras para que pudieran capturar el movimiento sin que éstas se movieran también.

o

Canal Miramontes

Se diseñaron cinco sets en los Estudios Churubusco que se pudieran fragmentar o romper en puntos estratégicos y que se pudieran rearmar para filmar otra vez.

Av. Río Churub u s c Calz. de Tlalpan

EL ARTE DE ROMPER EDIFICIOS

LA ESCENA MÁS DIFÍCIL EN LA SECUENCIA OCURRIDA EN UNA AGENCIA DE VIAJES, EL PERSONAJE DE KUNO TRATA DE CAMINAR POR UN PASILLO CON ELEVADORES, PARA LUEGO BAJAR POR UNAS ESCALERAS AL MISMO TIEMPO QUE OCURRE EL TERREMOTO.

Se rompen ventanas.

El piso s ee º a 45 lev

LO PRIMERO ES EL FINAL Todo se construyó de atrás para adelante.

1

2

Primero se hizo la estructura dañada.

A partir de ahí se maquilló la parte a “romperse”. En algunos puntos del set, el piso se rompe.

En las partes que serían afectadas se usaron otros materiales para que cuando se moviera la estructura, realmente se rompiera. “Eso nos permitió tener el control de todo, saber qué grieta se iba a quebrar y cómo iba a hacerlo”, dijo Mandujano.

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Se construyó una estructura formada por bisagras y pivotes, a fin de mover distintos puntos del set de forma independiente.


2 minutos

D L M M J V S

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D L M M J V S

6 semanas

4 días

1 día

se necesitaron para construir los sets.

de filmación.

de duración de la secuencia del terremoto se requirieron

12 semanas de planeación y 20 en total de trabajo.

PREPARACIÓN Con ayuda de sets de LEGO y maquetas de cartón, el equipo de Mandujano imaginó cómo diseñar las locaciones y ver dónde se podían romper a fin de filmar las escenas que la cinta requería.

tomaba el reacomodo de todo el set para poder volver a filmar la escena del terremoto.

INSPIRACIÓN La atracción de Universal Studios basada en Terremoto, la película protagonizada por Charlton Heston en 1974. En ella todo se movía de forma mecánica para simular un movimiento telúrico. Al final, todo volvía a su posición original.

ILUSTRACIÓN: OLDEMAR GONZÁLEZ

Para obtener los

EL TRIUNFO

Los sets fueron montados en sistemas neumáticos que eran inflados con aire para provocar la vibración perceptible en un terremoto.

“Es un orgullo ver que pudimos hacerlo. Era muy ambicioso cuando me lo platicaron. Pensaba que era una secuencia de acción sólo para Hollywood. Entonces se convirtió en un reto y en una gran oportunidad. Tenemos el conocimiento para hacerlo y la infraestructura. Sabemos hacerlo. Vienen películas extranjeras a México y lo hacemos para ellos. Ya era justo que tuviéramos el presupuesto para hacerlo para nuestro cine”. Rafael Mandujano Diseñador de producción

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BELLEZA, CARISMA Y TALENTO. WHITNEY HOUSTON FUE UN ÍCONO DE LA MÚSICA Y RESPONSABLE DE ABRIRLE LAS PUERTAS A LAS CANTANTES AFROAMERICANAS EN LA INDUSTRIA. PERO SERÍA INCORRECTO DECIR QUE LO TUVO TODO. EL DOCUMENTAL WHITNEY TRATA DE DESCIFRAR QUÉ HABÍA DETRÁS DE ESOS OJOS TRISTES.

POR FABIOLA SANTIAGO @FABSANTIAGO_

l director Kevin Macdonald quería entender más a fondo el enigma de Whitney Houston. Quería bosquejar su lado humano, aquel que los tabloides ignoraron cuando pasó de ser una princesa del pop en los 80, a la protagonista de titulares sobre abuso de sustancias en los 90, quien finalmente falleció en 2012. Aunque el realizador no era entusiasta de la cantante antes de aceptar el proyecto, había un halo de intriga alrededor de ella que llamó su atención, sobre todo después de hablar con Nicole David, agente de Whitney, quien le dijo no entender cómo es que la chica más dulce que había conocido había tenido un final tan trágico. El director británico no es ningún novato en la tarea de retratar vidas y sucesos reales: Macdonald ganó un Óscar en el año 2000 por el documental One Day in September, acerca de la toma de rehenes en los Juegos Olímpicos de 1972. Por Tocando la cima –sobre la aventura de dos escaladores en los Andes peruanos–, ganó un BAFTA; además de que recreó, de manera ficcional, el régimen del dictador ugandés Idi Amin en El último rey de Escocia. Aun así, admite que su investigación sobre la intérprete de “The Greatest Love of All” fue nada menos que el reto más grande de todos. “Ha sido el documental más complicado de mi vida”, reveló en entrevista con El País. “Ella nunca contó intimidades en entrevistas, salvo en alguna extraña ocasión. Es un enigma. El reto estuvo en entrar en el alma de alguien ya fallecido para averiguar cómo era”.

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El trabajo del director es un esfuerzo grande para lograrlo: llega a su punto más álgido al conseguir una revelación terrible sobre la infancia de Whitney, una agresión sufrida en el seno familiar, que se sugiere como la clave de su tristeza y autodestrucción perenne. La destreza de Macdonald consigue unir esas piezas, al mismo tiempo que explica la relevancia de la cantante en la cultura de su país, más allá de los hits y récords de ventas. EL MISTERIO DEL DOLOR El estreno del documental llega después de otro filme sobre la cantante: Whitney: Can I Be Me (2017), dirigido por Nick Broomfield y Rudi Dolezal, quienes también intentaron encontrar respuestas sobre la caída en desgracia de la diva. Aquella cinta se centra en la relación entre Houston y su amiga –y probable amante– Robyn Crawford, así como en el rechazo de su familia por su bisexualidad, y los conflictos con su esposo, el también cantante Bobby Brown. La cinta de Kevin Macdonald, estrenada en Cannes, se diferencia de este esfuerzo anterior en que cuenta con la aprobación y entrevistas de la familia de Houston. Es, por así decirlo, “la historia autorizada”. Sin embargo, ninguno de los dos consiguió el testimonio de Robyn, a quienes muchos consideraron la persona más cercana e importante en la historia de la cantante. Toda vida es multifactorial y, pese a que el rompecabezas continúa incompleto, Whitney acerca al espectador a la complejidad de una figura que, aunque fue al mismo tiempo glorificada y satanizada, dejó un legado que sigue despertando fascinación.


LA TORMENTA DETRÁS DEL GENIO Como lo han demostrado algunos de los mejores documentales sobre intérpretes, parecería que la fama y la capacidad de embelesar mediante la música no pueden existir sin el dolor, la soledad y una vida de contradicciones. Aquí algunos ejemplos.

Amy (Asif Kapadia, 2015) Un trabajo sensible pero impactante sobre las preocupaciones, personalidad y ambiciones de la cantante británica Amy Winehouse.

Heaven Adores You (Nickolas Dylan Rossi, 2014) Elliott Smith, presumiblemente, se quitó la vida de dos puñaladas en el pecho. En lugar de tomar el camino fácil y escarbar en aquella trágica historia, Rossi preiere hacer una celebración a su talento.

IMAGEN: RTBUSACCA / MEDIAPUNCH/SHUTTERSTOCK

Searching for Sugar Man (Malik Bendjelloul, 2012) Otro enigma por descubrir: ¿cómo fue que un músico de Detroit y de ascendencia mexicana, se volvió un éxito masivo en Sudáfrica tras fracasar en EE. UU.?

Living with Michael Jackson (Julie Shaw, 2003) Con la presencia de Jackson como fuente directa de esta producción, el periodista Martin Bashit tuvo un acceso incomparable al polémico estilo de vida del cantante. No Direction Home (Martin Scorsese, 2005) Scorsese rastrea la importancia de Bob Dylan en la cultura norteamericana, desde sus inicios como músico folk, hasta su ascenso a una fama que a Dylan no le interesaba.

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MÁS NEGRO QUE EL CINE

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ALLISON MACK Y LA SECTA SEXUAL DE KEITH RANIERE

POR: ALEJANDRO SOSA

ILUSTRACIONES: EDGAR CAMACHO

Detrás de una sonrisa dulce y rostro angelical, la actriz Allison Mack escondía un secreto oscuro y enfermizo que incluía un depredador sexual carismático, muchas mujeres vulnerables y piel quemada. Ahora era el turno del villano de estar sorprendido.

Michael Rosenbaum, mejor conocido por interpretar a Lex Luthor, eterno enemigo de Superman en la serie Smallville, se mostró visiblemente nervioso al tocar el tema del arresto de Allison Mack en el podcast del comediante Theo Von. “Me había propuesto no hablar de esto porque es aterrador”, confesó el actor. “Lo único que voy a decir es que mientras estábamos en ese show, Allison fue muy profesional en su trabajo y una chica muy dulce con todos. Recuerdo que estaba involucrada en cosas de autoayuda e incluso que lo mencionó, pero sonaba un poco extraño y no le hice mucho caso”. Allison Mack, quien personificó a Chloe Sullivan en dicha serie, fue arrestada en abril de 2018 por cargos de tráfico sexual relacionados con NXIVM, una corporación fundada por el empresario Keith Raniere y cuya promesa era mejorar la vida de las personas a través de grupos y pláticas de autoayuda. Mack fue arrestada un mes después de Raniere (capturado en

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Puerto Vallarta) al descubrirse que ella era la principal proveedora de miembros para el exclusivo grupo de mujeres al centro de la comunidad de autoayuda: el DOS o The Vow, la secta dentro de la secta. _____________

“No estoy calificado para decir qué es normal o no”, dijo Marc Agnifilo, abogado de Keith Raniere. Agnifilo es un hombre regordete con gafas que hacen ver sus ojos más pequeños de lo que en realidad son. Se encontraba afuera de un juzgado de Brooklyn y los reporteros lo abrumaban con preguntas sobre las marcas que Raniere inscribía con fuego en la zona pélvica de las mujeres que formaban parte de su círculo más cercano. Nadie se explicaba cómo Agnifilo podía encontrar una respuesta tan evasiva ante un caso tan contundente. Keith Raniere fue arrestado bajo los cargos de tráfico sexual y trabajo forzado en marzo de 2018, después de varias denuncias y artículos que exponían


ILUSTRACIÓN: EDGAR CAMACHO


MÁS NEGRO QUE EL CINE

sus crímenes dentro de NXIVM. Pero Agnifilo era un abogado profesional y sabía hacer su trabajo. Para él, su cliente tenía que ser inocente: “Hay grupos de hombres muy conocidos que se marcan entre sí, pero cuando un grupo de mujeres decide hacerlo, de pronto ellas se convierten en víctimas”, le dijo a los reporteros. _____________

Cuando las mujeres empezaron a quitarse la ropa, la actriz Sarah Edmondson pensó que se harían tatuajes esa noche. La reunión era uno de los eventos más exclusivos a los que había asistido, pero nunca imaginó que esa casa en Albany, Nueva York, estaba a punto de convertirse en su máxima pesadilla. La mujer a cargo de la reunión no tardó en vendarles los ojos y pedirles que se sentaran de rodillas formando un círculo. Las cinco mujeres que serían marcadas esa noche sin saberlo habían aceptado, previamente, otorgar material comprometedor a NXIVM para demostrar su lealtad a DOS. Edmondson pensó en eso mientras el ritual seguía su curso: una mujer se acostó sobre una mesa de masaje e inmediatamente fue restringida de sus extremidades. Quienes la estaban sometiendo también eran mujeres. Durante el proceso, Lauren Salzman, hija de Nancy Salzman, cofundadora de NXIVM, les pidió que repitieran lo siguiente: “Maestra, por favor, márqueme. Sería un honor para mí”. Sarah eventualmente tuvo que repetir esas palabras mientras una doctora cauterizaba el símbolo de Raniere y Allison Mack cerca de su zona pélvica. El olor a piel quemada era abrumador, pero Sarah ya se encontraba lejos de ahí, muy lejos de su cuerpo. _____________

¿Cómo llegué aquí? Seguro es lo que están preguntándose ustedes. Mi nombre es Sarah Edmondson y mis padres son terapeutas. ¿Qué podía enseñarme un grupo de autoayuda que yo no supiera? Es tan simple como empezar a referirte a un extraño como Keith Raniere con el título

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de “Vanguard” –él es el líder y merece respeto–, al mismo tiempo que te haces dependiente de sus enseñanzas y promesas. “A badass bitch bootcamp”. Un campamento de perras empoderadas. Así fue como Lauren Salzman describió al grupo ultrasecreto del que formaríamos parte. Ella me pidió que le diera algo sumamente comprometedor para probar mi lealtad. “Una nude o un secreto familiar”, sugirió. El primer paso fue un compromiso de por vida con ella, el segundo, una promesa de obediencia, como si ella fuera mi maestra y yo su esclava. Lauren era mi amiga, creí en ella. No había razón para no hacerlo. El último paso fue una plática con Keith en la que nos explicó las imperfecciones del sexo femenino: de acuerdo con él, éramos “princesas” y no teníamos carácter. Sus palabras lo hacían ver como un defensor de las mujeres, alguien que quería lo mejor para nosotras. Sin darme cuenta, ya estaba en esta mansión, haciéndome un “tatuaje” que yo no quería y participando en rituales que me hacían pensar: “Corre”. No me di cuenta de todas las señales que estaban ahí. Ayudé a traer a otras mujeres a esta organización. Pude haber huido. Pude haber dicho: “No”. Pero esa no era una opción que yo tenía en ese momento. _____________

“Mi cliente no va a aceptar ningún trato”, aseguró el abogado Agnifilo a los reporteros, que buscaban alguna declaración para el encabezado del día siguiente. De acuerdo a Agnifilo, no había ninguna historia por contar. “Todo fue consensuado”, aseguró con la firmeza de alguien que se sabe poderoso; después de todo, su firma también trabajaba en el caso de Harvey Weinstein. “El juicio mostrará que las actividades que se llevaron a cabo fueron entre adultos con libre albedrío. Todas fueron mujeres fuertes y empoderadas que tomaron ciertas decisiones para mejorar sus vidas”. Sin embargo, las acusaciones se acumulaban: abuso sexual de menores, lavado de cerebro de jóvenes, mujeres chantajeadas para tener sexo con él, a fin de ser “sanadas”. Los alegatos coincidían: la doctrina de “empoderamiento femenino” de Raniere trataba a la mujer como un ser monógamo al servicio del hombre, quien a su vez era descrito como un ser naturalmente poliamoroso. _____________

Fue en un artículo de The New York Times Magazine de mayo de 2018 donde se explicó cómo llegaban las mujeres a estas sectas. Vulnerables, las presas se acercaban a estas organizaciones para subsanar distintos traumas o vacíos emocionales. Así sucedió con Jacqueline, cierta estudiante de psicología. “Háblame de la relación que tienes con tus padres”, le pidió Nancy Salzman, la primera vez que “la ayudó”. La chica tenía miedo a los aviones, pero su relación con su familia era de vital importancia para resolver el problema.


Las sesiones con Salzman eran lo único que servía para calmar su fobia. NXIVM, para ella, era la cura. “Mi madre tuvo una vida terrible”, contó la estudiante entre lágrimas. “A veces siento que la educación que recibí siempre me lleva a buscar un hombre que me proteja”. “¿Entonces pretendes ser una mujer indefensa?”, la cuestionó Salzman. “Es la forma en que recibo atención”, confesó la chica. En media hora, Jaqueline había “elevado” su sistema de creencias a través de una sesión llamada “Exploración de significado”. En ésta, las participantes de NXIVM exploran y viven una memoria que las lastima con la intención de analizar aquello que la hace dolorosa y restarle la importancia que tiene. Al terminar la sesión con la “Prefecta” Salzman, la estudiante no cabía de felicidad. La opresión que sentía en el pecho cada vez que se subía a un avión ya no estaba ahí: “No sé lo que pasó, pero me siento muy bien”.

“@EmWatson Participo en un desarrollo único de individuos que también es un movimiento femenino del cual me encantaría hablarte. Como actriz, puedo entender perfectamente tu visión y lo que quieres ver en el mundo. Creo que podemos trabajar juntas. Hazme saber si estás dispuesta a charlar”. Pero lo único que Mack encontró en ese intercambio fue un silencio ensordecedor. _____________

Puede que Emma Watson fuera la celebridad más conocida a la que Allison Mack trató de contactar, pero existe una lista muy larga de personas que tuvieron contacto con la actriz por las mismas razones. Kristin Kreuk (Lana Lang en Smallville), Linda Evans, Nicki Clyne y Grace Park son algunas de las actrices que formaron parte de NXIVM en algún momento de su historia. La mayoría de estas actrices ha negado que algo ilegal haya tenido lugar durante los cursos o clases que tomaron y ninguna de ellas parece dispuesta a cambiar su historia. Mucho menos ahora, mientras Keith Raniere y Allison Mack esperan un juicio que podría llevarlos a pasar el resto de su vida en la cárcel.

_____________

“¿Quién puede decir lo que realmente pasó?”, preguntó retóricamente Michael Rosenbaum en aquel podcast de Theo Von, This Past Weekend. A pesar de la presión de su interlocutor, Rosenbaum se mantuvo firme en sus declaraciones sobre Allison. “Pensé que eventualmente tendría una familia. Era alguien a quien veías y podías pensar que tenía su vida resuelta”. “Y entonces, ¿cómo puede ocurrir algo así?”, insistió Von. “Creo que...”, Michael Rosenbaum tomó una pausa antes de responder. “Nunca conoces realmente a las personas”. _____________

Nancy Salzman les pedía que dijeran lo siguiente: “Maestra, por favor, márqueme. Sería un honor para mí”.

ILUSTRACIÓN: EDGAR CAMACHO

A primera vista, los tuits de Allison Mack a Emma Watson parecían inofensivos. Ya que Watson era una de las actrices más vocales en su apoyo al feminismo y los derechos de las mujeres, Mack pensó que podrían compartir algunas ideas sobre el tema. “@EmWatson Soy una actriz como tú y estoy involucrada en un movimiento de mujeres increíble que creo te podría interesar. Me encantaría platicar contigo si estás dispuesta”, escribió Mack en enero de 2016. Un mes después, Watson seguía sin responder, por lo que Allison insistió una vez más:


L A G U Í A PA R A V I V I R E L C I N E

SHOT

IMAGEN: ITV/SHUTTERSTOCK

*MARTINI SHOT: TÉRMINO QUE SE LE DA A LA ÚLTIMA TOMA QUE SE FILMA EN EL DÍA, ¿YA SABES QUÉ VAS A HACER DESPUÉS?

ENCUENTROS 63

HITCHCOCK El arte sutil de aterrar al mundo


LOS IMPRESCINDIBLES

Emmy 2018

TIFF 2018

IMAGEN: CORTESÍA TIFF

Durante diez días, Toronto se convierte en una de las sedes fílmicas más importantes del año. Del 6 al 16 de septiembre, esta gran urbe canadiense nos dará la posibilidad de ver los nuevos trabajos de cineastas como Alfonso Cuarón y Xavier Dolan, entre una larga e imperdible oferta fílmica. Ve a nuestro sitio web y entérate de todo lo que ocurre en la ciudad más grande de Canadá, lugar donde se estrenan las películas que darán de qué hablar el resto del año y cuyo destino siempre desemboca en la temporada de premios.

IMAGEN: POPULARIMAGES

La televisión se ha revolucionado a sí misma. La calidad, tanto de producción como de las historias presentadas, nos permite tener una oferta de entretenimiento para todos los gustos. Este 17 de septiembre, el Emmy 2018 celebrará todas aquellas aventuras que nos han cautivado a lo largo del año. La cita es en el Microsoft Theater de Los Ángeles, California, pero en nuestro sitio web y redes sociales podrás disfrutar cada detalle de la ceremonia conducida por Michael Che y Colin Jost, estrellas de Weekend Update de Saturday Night Live.

Un año con Silvia Pinal Como ya es tradición en Cine PREMIERE, una igura importante del cine engalana el lomo de nuestra revista. Ahora celebramos a una de las grandes actrices del cine mexicano. Con casi 70 años de trayectoria, ganadora de cuatro premios Ariel, musa de Luis Buñuel –ella es quien más trabajó con el cineasta de origen español– y protagonista de historias inolvidables como El rey del barrio (1950); El inocente (1956) o Viridiana (1961), Silvia Pinal es uno de los rostros más importantes del cine mexicano.

Tour de Cine Francés – 22ª edición ¡Lo mejor del cine francés contemporáneo en la puerta de tu casa! (Bueno, en tu cine más cercano). Lo que ya es una tradición fílmica de más de dos décadas de vida, vuelve con una selección de cintas francesas imperdibles. Este año, la oferta incluye siete películas y 17 cortometrajes mexicanos, que llegarán a más de 70 ciudades del país. Visita tourdecinefrances.com y descubre fechas, sedes y horarios de esta gran iesta. Oh la la, mon ami!

Fahrenheit 11/9

IMAGEN: ARP

Desde hace 30 años, Michael Moore ha exhibido el lado más oscuro de la sociedad estadounidense. Emulando el título de uno de sus ilmes más famosos, el ganador del Oscar estrena Fahrenheit 11/9, su nuevo documental, que habla de la era Trump y busca responder dos preguntas esenciales: ¿cómo diablos llegamos hasta aquí? y, sobre todo, ¿cómo carajos salimos de esto? Aunque sólo se ha anunciado la fecha de estreno de este ilme (21 de septiembre), conociendo a Moore, seguramente habrá una gran sorpresa ese día.

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Estudios Churubusco: La fábrica de cine Los Estudios Churubusco son el epicentro del cine mexicano. En este lugar han desilado las personalidades más importantes de nuestra industria fílmica y del mundo. A propósito de la conmemoración de sus más de 70 años de vida, este importante recinto extiende la exposición La fábrica de cine hasta el 2 de septiembre: en ella encontrarás desde el vestuario usado por María Félix hasta el automóvil del choque de Amores perros. No pierdas la oportunidad de ver al cine mexicano desde otro ángulo. La entrada es gratuita.

IMAGEN: CORTESÍA NETFLIX

Joël Dicker está de vuelta

Maniac La nueva serie de Cary Joji Fukunaga –la mente maestra detrás de True Detective– llega a la pantalla de Netlix luego del éxito que la plataforma tuvo con su cinta Beasts of No Nation. Con una historia que todavía es difícil de explicar, las razones por las que no podemos esperar a ver esta producción se reducen a tres grandes nombres: Emma Stone, Jonah Hill y Sally Field. Adéntrate a este misterioso y extravagante experimento mental a partir del 21 de septiembre.

Este joven escritor suizo de apenas 33 años ha conquistado al mundo literario. Con La verdad sobre el caso Harry Quebert, su segunda novela, Dicker se unió a la lista de autores que disfrutan mantener a sus lectores atrapados entre sus páginas. Su éxito fue tal que pronto estrenará una miniserie protagonizada por Patrick Dempsey. Mientras tanto, Dicker lanza La desaparición de Stephanie Mailer, su nuevo libro –editado por Alfaguara–, el cual, de nueva cuenta, nos lleva por un viaje lleno de suspenso y emoción que devoraremos sin parar.

Carlos Rivera en concierto Soy Luna en vivo Disney Channel es especialista en generar fenómenos juveniles que enamoran al mundo entero. En Latinoamérica, el canal ha encontrado un mercado –de cierta forma abandonado– que ha convertido a Soy Luna en una de sus producciones más exitosas en la región. Con más de 200 episodios, tres temporadas y un sinfín de canciones –que han vendido más de un millón de discos–, el fenómeno volverá a México del 21 al 23 de septiembre. La cita es en el Auditorio Nacional, así que alista tus patines favoritos y únete a este fenómeno mundial.

Es posible que el ganador más famoso del reality musical La Academia sea Carlos Rivera. Actor de series como El hotel de los secretos y protagonista de musicales como El rey león –en México y España, donde realizó más de mil funciones–, el responsable de la versión en español de “Recuérdame”, de Coco, ha conquistado al público hispano. Gracias a su poderosa voz, Rivera puede presumir que ha llenado cinco veces el Auditorio Nacional, récord personal que, seguramente, este 27 y 28 de septiembre, romperá.


FOTO: EDUARDO ISLAS

MÚSICA

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e El alma r do de los sonidos del mun entro del lenguaje cinematográico, el racconto es una escena retrospectiva y progresiva del pasado. Con la idea de mirar a lo que ya ha sucedido en su vida, el músico y compositor ganador del Oscar, Gustavo Santaolalla, decidió usar este concepto como la ideología que ampara su nuevo álbum de estudio. A través de 18 temas, Raconto se convierte en un recorrido íntimo por todos aquellos momentos que lo han deinido. Como uno de los pilares del rock latinoamericano, Santaolalla dio un salto fortuito a la composición de bandas sonoras fílmicas. Todo comenzó cuando, en 1999, el director Michael Mann le pidió usar la canción “Iguazú” –de su álbum Ronroco– en El informante, ilme protagonizado por Russell Crowe y Al Pacino. “Desde chico siempre tuve una especie de certeza de que q tenía algo g en mi creación que podría llegar a mucha dice en entrevista el compositor argentino. gente”, nos d o, nunca imaginé que se iba a dar de esa ma“Sin embargo nera y que iba a llegar a ese nivel gracias al cine”. Completamente multifacético, Santaolalla ha trabajado con sonidos que van desde el rock hasta el punk, o e al folk. Sin embargo, su paso por el cine ha del new wave marcado su vvida y ha llevado su carrera a lugares inimadmirador de Angelo Badalamenti (Terciopelo ginables. Ad azul), Bernard Herrmann (Psicosis) y Ennio Morricone (El bueno, el malo y el feo), fue empujado a seguir los pasos de su ídolo gracias al documental She Dances e Robert Dornhelm (1981). Alone, de La guitarra melancólica de Amores perros ula de Alejandro González Iñárritu, con quien –pelícu ha trabajado de forma recurrente– le valió una nominación al Ariel en 2001 y lo colocó en los oídos Con Diarios de motocicleta (2004) del mundo. m recibió su primer BAFTA, mientras que Biutiful 010) y Relatos salvajes (2014) le dieron un (20 par de nominaciones al Goya. Sin embargo, los dos ilmes que consagraon su nombre en Hollywood fueron Secreto ro

en la montaña (2005) y Babel (2006), por los que obtuvo el Oscar a Mejor score original. Curiosamente, la música del ilme de Ang Lee fue realizada por Santaolalla previo al rodaje de la película, por lo que el cineasta taiwanés usó los temas en el set para sintonizar a los actores con la emoción que buscaba obtener. Para el drama escrito por Guillermo Arriaga, por su parte, el compositor decidió utilizar el ud –también llamado laúd árabe–, un instrumento de cuerda muy similar a la guitarra que nunca había tocado. “Es muy difícil tocarlo, pero en el ud encontré el interlocutor que me parecía indicado para musicalizar una historia que ocurre en tres lugares distintos del mundo”, nos dijo Santaolalla. Con este instrumento, el argentino encontró un sonido que pudiera ubicarse de la misma forma en la frontera norte de México, en el mundo árabe y que se relacionara al koto, un instrumento de Japón, en donde se ambienta la tercera historia del ilme. Otro de los proyectos fílmicos más signiicativos para él fue el documental Eric Clapton: Life in 12 bars (2017), pues el guitarrista solicitó que el propio Santaolalla obtuviera el puesto. “Yo crecí en la provincia de Buenos Aires”, recuerda el compositor, “y entre las cosas que escuchaba era Cream [grupo al que perteneció Clapton en sus inicios]. Soy un gran fanático. Que él se proclame fan mío, no sabes a qué nivel, y que tenga una apreciación de mi música tan linda y tan profunda, fue un honor tremendo”. A sus 66 años, este amante de las notas y las cuerdas sigue trabajando y cuenta con muchos proyectos en su agenda. Se encargará de la música de la segunda temporada de Making a Murderer, de la cuarta entrega de Narcos y del videojuego The Last of Us: Part II, además de que, junto con el compositor estadounidense Paul Williams, recién terminó las canciones que formarán parte del musical de El laberinto del Fauno que prepara Guillermo del Toro. Nada mal para esta alma rockera que se apropió de los sonidos del mundo. –Mabel Salinas

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ENCUENTROS

El terror invade Michoacán Feratum 2018 Del 20 al 23 de septiembre Tlalpujahua, Michoacán

esde 2012, cientos de monstruos y criaturas desilan por las calles de Tlalpujahua, en Michoacán. La ya tradicional marcha de las bestias ocurre gracias a una iesta que, año con año, nos ha presentado lo mejor del cine de género a nivel mundial y que ha unido en un mismo lugar a sus fanáticos más apasionados. Aquí lo imperdible de Feratum 2018. –Arturo Magaña Arce

LO MEJOR DE FERATUM EN LA CIUDAD DE MÉXICO El festival presentará lo mejor de su edición 2018 del 28 al 30 de septiembre en Cinépolis Diana. Además, Cinépolis Klic tendrá en su catálogo una selección de películas y cortos presentados este año, así como en ediciones pasadas.

50 AÑOS DE SITGES El epicentro del cine de género es esta pequeña localidad de Barcelona, España. Ahí, año con año, se descubre y homenajea a lo mejor del género en el mundo. Para celebrar medio siglo de vida de este importante certamen, Feratum presentará una exposición fotográica de Sitges con lo mejor de su historia y con los personajes más importantes que han desilado por allá.

LLOYD KAUFMAN EN MÉXICO “Nadie mejor que Lloyd Kaufman sabe cómo hacer películas y no generar dinero con ellas”, dijo alguna vez Trey Parker sobre Lloyd Kaufman. El cofundador de Troma Entertainment, compañía productora responsable de más de mil títulos de serie B, visitará México por primera vez y recibirá un merecido homenaje en el marco de Feratum 2018.

25 AÑOS DE CRONOS En 1993, México vio nacer a uno de los cineastas más importantes de la última década. Cronos, ópera prima de Guillermo del Toro, demostró la capacidad que tenemos para contar cualquier historia. Por ello, el festival homenajeará a Bertha Navarro, productora del ilme e impulsora de talentos prometedores como el ahora ganador del Oscar.

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50 AÑOS DE HASTA EL VIENTO TIENE MIEDO El clásico de terror de Carlos Enrique Taboada cumple medio siglo de vida. El ilme será presentado en una función especial a la que asistirá la protagonista de la cinta, Norma Lazareno, así como Irma Castillón y Elizabeth Dupeyrón, estudiantes del internado que, en 1968, aterrorizó al público mexicano.


Liberia, Costa Rica

Liberia, Costa Rica La naturaleza y la aventura están más cerca que nunca. A partir del 10 de noviembre, disfruta este paraíso en nuestros vuelos de fin de semana vía Ciudad de México.

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ENCUENTROS

SHORTS MÉXICO 2018

n cortometraje es una producción audiovisual cuya duración no excede los 35 minutos. Sin embargo, eso no quiere decir que no sea un trabajo fílmico riguroso. Shorts México ha celebrado a este formato durante 13 años ininterrumpidos y vuelve con una semana que nos dará la oportunidad de disfrutar al cine en pequeñas dosis. Aquí lo imperdible. –Arturo Magaña Arce

40 años de Clermont-Ferrand Para celebrar cuatro décadas del festival de cortos más importante del mundo, Shorts México presentará una retrospectiva de producciones ganadoras allá, así como una selección de los trabajos mexicanos que han competido en el que es considerado el Cannes del cortometraje.

Hablemos de cine Para impulsar su plataforma educativa, se realizará una serie de conferencias sobre la industria fílmica en la Facultad de Cine de la CDMX. Aquí se hablará de temas enfocados en la producción audiovisual nacional, así como en el papel que juegan el periodismo y la crítica en la industria.

60 años del Ariel Se cumplen seis décadas del premio más importante del cine mexicano. Por ello, Shorts México proyectará cortos que han recibido esta estatuilla, como Trémulo (Roberto Fiesco), Verde (Alonso Ruizpalacios), Cerulia (Sofía Carrillo) y Zimbo (Juan José Medina y Rita Basulto), entre otros. Shorts México 2018 Del 5 al 12 de septiembre. Ciudad de México

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Homenaje a Arcelia Ramírez Una de las actrices más talentosas del cine mexicano recibirá un homenaje por su destacada trayectoria. Además, se presentará una retrospectiva con algunos cortometrajes en los que ha actuado, como La caja de Yamasaki (José Manuel Cravioto) y Señora pájaro (Véronique Decroux y Julio Bárcenas), entre otros.

CORTOS IMPERDIBLES DEL AÑO Por Jorge Magaña, director de Shorts México Photomaton, de Roberto Fiesco En una cabina de fotos, unos jóvenes albañiles experimentarán una aventura por demás emocionante. Protagonizado por Kristyan Ferrer y Enrique Medina, el corto del galardonado Roberto Fiesco desarrolla en poco tiempo una historia que te cimbrará el corazón. Ulises, de Jorge Malpica Un viejo pescador sale al mar y se encuentra con una sirena que canta. Con la fotografía de Tonatiuh Martínez –ganador del Ariel por Sueño en otro idioma–, la grandeza de esta historia radica en que termina con algo que el espectador jamás imaginaría. La culpa, de Moisés Aisemberg Es difícil desarrollar ambientes tan íntimos como aquí. ¿Qué pasa cuando un niño le dice a su padre que el hijo de su jefe abusó de él? En una historia fuerte, vemos cómo un menor de edad es llevado al extremo, y nosotros con él.

FOTO: EDUARDO ISLAS

Talento fílmico en pequeñas dosis


FOTOS: CORTESÍA CINETECA

ENCUENTROS

EN MÉXICO El maestro del suspenso llega a la Cineteca Nacional ablar de Hitchcock es referirse a una de las mentes más grandes e inigualables en la historia del cine. Apreciar y estudiar su más de medio siglo de carrera es una oportunidad única de adentrarse en cintas por demás emocionantes en las que, afortunadamente, siempre hay algo nuevo por descubrir. La Cineteca Nacional, en colaboración con Fundación Telefónica México, trae por primera vez a nuestro país la exposición Hitchcock: Más allá del suspenso, con más de 200 piezas que nos permitirán analizar a detalle la ilmografía del legendario realizador británico. La muestra ha sido organizada en cinco bloques que se convierten en un viaje íntimo por la vida del realizador, así como por su trabajo tras la lente. Aquí seremos capaces de entender cómo fue que el cineasta logró consolidar una ilmografía de más de 50 títulos con un toque único; redescubriremos a algunos de sus grandes colaboradores –como el compositor Bernard Herrmann o Grace Kelly, una de sus actrices favoritas–, y la forma en la que el cineasta fue capaz de innovar y sorprender a la audiencia con cada cinta. Hablar de Hitchcock es referirse a un cineasta trasgresor, que tuvo la sagacidad de romper las reglas establecidas por el cine de la época y atreverse a, por ejemplo, a asesinar a su protagonista a los 40 minutos de iniciado el clásico de suspenso Psicosis; o a idear la trampa con la que pudo ilmar el beso más largo del cine, mismo que ocurrió entre Cary Grant e Ingrid Bergman en Tuyo es mi corazón.

Aquí conoceremos más del hombre que nunca tuvo límites ni reparos en engañar y perturbar a su público, como en Vértigo, o en conseguir que la cámara nos haga parte del suspenso de sus historias, como en La soga. “Estoy seguro de que a cualquiera le gusta un buen crimen, siempre que no sea la víctima”, dijo alguna vez Alfred Hitchcock, y esta exhibición será una oportunidad única para ser parte de su historia, el suspenso más intrigante del cine. –Arturo Magaña Arce

RETROSPECTIVA En el marco de la exposición se proyectarán en pantalla grande más de 30 títulos de Hitchcock A í algunas l d k. Aquí de las imperdibles de la muestra: Los 39 escalones – 15 y 16 SEPT Rebecca – 22 y 23 SEPT Tuyo es mi corazón – 6 y 7 OCT La soga – 13 Y 14 OCT Extraños en un tren – 20 y 21 OCT La ventana indiscreta – 27 y 28 OCT T Vértigo – 24 y 25 NOV Intriga internacional – 1 y 2 DIC Psicosis – 8 y 9 DIC Los pájaros – 15 y 16 DIC

Hitchcock: Más allá del suspenso Del 13 de septiembre de 2018 al 13 de enero de 2019 Cineteca Nacional CINEPREMIERE.COM.MX SEPTIEMBRE 2018

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ENCUENTROS

Pixelatl 2018

El mercado de animación más grande de México Es un hecho que, en México, la animación resulta algo casi imposible de lograr. El enorme talento que se encuentra en nuestro país siempre se ve frenado por las limitantes tecnológicas y económicas de la misma industria. Sin embargo, existe un festival que, más allá de ser una plataforma de exposición para las nuevas generaciones, se convierte en el lugar en el que las jóvenes promesas se reúnen cara a cara con los animadores más importantes del mundo. Estos son algunos de los invitados más destacados de Pixelatl 2018.

Eventos imperdibles

· Retrospectiva de cuatro ilmes de Satoshi Kon, destacado director de cintas de anime como Paprika (2006) y Millennium Actress (2001). Lee Unkrich El responsable de las ganadoras del Oscar Toy Story 3 y Coco, ofrecerá una clase magistral sobre el proceso creativo de la mencionada cinta sobre el Día de Muertos. Steve Ahn Director y artista del show de anime de Netlix Voltron: Legendary Defender, y creador de Blossom Detective Holmes.

Deanna Marsigliese Miembro del equipo de Pixar. Responsable del diseño de personajes y vestuario en Los Increíbles 2 e Intensa-Mente.

· Clase magistral sobre animación en realidad virtual, por parte del equipo responsable de Back to the Moon, corto en realidad virtual de Google sobre Georges Méliès.

Hilary Florido Escritora y artista de exitosos shows como Hora de aventura y Steven Universe, de Cartoon Network.

Compañías asistentes Este año, una larga lista de empresas asistirán, a in de revisar proyectos mexicanos originales para coproducir y desarrollar. Destacan: Pixelatl 2018 mbre Del 4 al 8 de septiem Cuernavaca, Morelos

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FOTOS: CORTESÍA PIXELATL

Sofía Carrillo Ganadora del Ariel y única animadora mexicana elegida por la Academia de Hollywood para votar por nominados y ganadores del premio Oscar.

· El concurso Girl Power: Pitch Me the Future es una alianza entre Pixelatl y Cartoon Network para desarrollar contenidos animados hechos por mujeres. Las inalistas mostrarán al canal de televisión sus proyectos. El más innovador recibirá como premio la producción del episodio piloto, con un presupuesto de máximo $10,000 USD.


STREAMING

La reinvención del legado de Tom Clanc

FOTO: CORTESÍA PATRICIA RIGGEN

FOTO: CORTESÍA AMAZON PRIME VIDEO

ue nunca. Aunque el l legado de Tom Clancy está más vivo qu escritor falleció en 2013, el universo que creó con La caza del mosa– se sigue expanOctubre Rojo en 1984 –quizá su novela más fam diendo y ahora llega a la pantalla chica. Jack Ryyan, la producción de Amazon Prime más ambiciosa a la fecha, trae de vuelta al icónico personaje que había sido encarnado anteriormentte por Alec Baldwin, Harrison Ford, Ben Affleck y Chris Pine. de Lost–, Creada por Carlton Cuse y Graham Roland –guionistas – Jack Ryan presenta la versión más humana del agente más valiente de la CIA y se apoya en el talento y la versatilidad de John Krasinski para hacerlo. “Realmente amo la idea de interpretar a un superhéroe cuyo único superpoder real es usar su cerebro y sus instintos”, le dijo el actor a The Hollywood Reporter. mbre de la mexicana Dentro de la producción destaca el nom ocho episodios de la Patricia Riggen, quien dirigió tres de los o e cinco meses que la primera temporada. Luego de una ilmación de llevó de Montreal a Marrakech y culminó en París, la directora nica latina, en de Los 33 es una de las pocas mujeres, y la ún Hollywood que ha dirigido un show de este estilo y presupuesto. “Todo lo que tenga que ver con espionaje e intrigas me encanta”, nos cuenta la cineasta. “Tuve un grupo mé con de Navy SEALs reales trabajando conmigo. Film n autoun helicóptero Chinook que es básicamente un bús que vuela y me encontré muy a gusto haciéndolo”. Más allá de dominar con facilidad el montaje de coreografías de escenas de acción o dirigir a actores más difíde habla árabe o francesa, para la mexicana lo m cil fue encontrarse con las cosas con las que lidia “una mujer en la industria; un mundo muy duro en donde a las directoras se les juzga con un estándar mucho m más duro que al resto del equipo. Pero salí adelante, ¡sobreviví! Y, la verdad, mis episodios están muyy padres”, nos dice entre risas. –Arturo Magaña Arce

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HOLLYWOOD BOULEVARD

ra o d a t u omp c s. a a n i r u o e t s d i a ll sh a a t l n e a d p o a r tu u En l f l e r a est a í r d o p


GRANDES TALENTOS CON POCO PRESUPUESTO El cineasta Bo Burnham es un comediante de stand up, actor, poeta y rapero cuyos videos DIY en YouTube lo convirtieron en un fenómeno. Todo esto hace más impresionante la perspicacia que muestra en Eighth Grade, su debut cinematográico. Esta película está enfocada en los crudos videos que una torpe adolescente sube a YouTube mientras trata de convencer al mundo –y a ella misma– de que tiene algo importante que decir. Ésta no es otra historia coming of age; a través de estos videos, Burnham lleva al espectador a la vulnerable mente de esta chica mediante una combinación de pathos y humor, la cual está acompañada de la destacada actuación de la joven Elsie Fisher. “Mi intención no era escribir acerca de una chica en secundaria”, dice Burnham. “Mi intención era escribir sobre mi ansiedad y entre más relexionaba sobre mis sentimientos, más sonaba como alguien de 13 años. Me asusté y me sentí inseguro, incómodo y con la necesidad de encontrar algún tipo de sentido. Cuando hice comedia, me vi en la necesidad de ser cínico e irónico respecto a la cultura actual. Quería hablar sobre algo más cercano a mí, pero siendo honesto, no sé si tengo la certeza o la autoridad de hacer una observación o tener una ocurrencia sobre el tema. Sólo me siento nervioso y con poca conianza en mí mismo. Y eso era lo que quería expresar”. El resultado es un ilme y una interpretación tan humanos que te dejan sin palabras.

FOTO: VERA ANDERSON

acebook, Instagram, Twitter, YouTube, Snapchat o mensajes de texto. De alguna forma u otra, es así como los jóvenes interactúan a través de su smartphone. No hay forma de negar que esta conducta forma parte de la vida contemporánea. Por lo anterior –y tratando de aprovechar lo que está de moda en esta época–, es lógico que esta interconectividad sea el eje de más de una película. Sin embargo, explicar la vida adolescente a través de mensajes de texto ya no es tan innovador, ¿cierto? No necesariamente. Dos directores han logrado, con el recurso argumental de las redes sociales, crear dos historias muy diferentes que próximamente se estrenarán en cines y que fueron descubiertas en el Festival de Sundance de este año. Con un acercamiento un poco más extremo a las historias con tecnología de por medio, Buscando..., el espectacular debut de Aneesh Chaganty, encuadra cada escena dentro de una pantalla digital. Mensajes de texto, correos electrónicos, chats de Facebook, fotos de Instagram e incluso imágenes de una cámara de seguridad... todo este material se combina para dar lugar a un sorprendente thriller. La historia sigue a David Kim (John Cho) después de que su hija de 16 años desaparece y una detective (Debra Messing) es asignada al caso en el que ambos tratan de seguir la huella digital de la adolescente. “Cuando se nos sugirió contar una historia de esta forma, mi coguionista, Sev Ohanian, y yo nunca pensamos que pudiera ser lo suicientemente emotivo, interesante o artístico”, cuenta Chaganty. “Fue así que nuestro principal objetivo se convirtió en hacer un thriller clásico que fuera contado de una forma poco tradicional y que nadie hubiera visto antes”. Ellos lograron eso –y mucho más– con un presupuesto ridículamente pequeño. Si esta columna tiene una razón de ser es justamente para decir, una y otra vez, que si deseas escribir una historia o hacer una película, sólo hazlo. Independientemente del medio, incluso las ideas más conocidas pueden volverse a sentir frescas y nuevas si están bien contadas. –Vera Anderson / Corresponsal en Los Ángeles

SI DESEAS ESCRIBIR UNA HISTORIA O HACER UNA PELÍCULA, SÓLO HAZLO. CINEPREMIERE.COM.MX SEPTIEMBRE 2018

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CINE EN CASA

Este 21 de septiembre, Fox lanzará algunos de sus mejores títulos recientes en 4K, tales como Una aventura extraordinaria; El renacido; Logan, así como las sagas Maze Runner; Kingsman; X-Men y Día de la independencia. Ve a nuestra sección de trivias y gana tu favorita.

¿Qué es el 4K y en qué radica su encanto? La respuesta fácil: ofrece una imagen considerablemente más clara de tus contenidos favoritos. Suena bien, pero si realmente quieres conocer todos los detalles de esta nueva tecnología y ver tus producciones consentidas como nunca, aquí nuestra guía básica. –Luis Miguel Cruz

PARA DUMMIES La solidaridad que no muere Tendemos a olvidarlo, pero el impulso de ayudar al otro puede ser tan apremiante como el de buscar refugio en la tormenta. Ejemplo de ello lo dieron los incontables héroes anónimos que hace un año poblaron las calles de la Ciudad de México y buscaron señales de vida entre los escombros. En honor a ellos, la siguiente lista. –Carlos Jesús González

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¡QUÉ BELLO ES VIVIR! (1946)

MI VIDA SIN MÍ (2003)

El socorrer a otros no aporta dividendos económicos y, a veces, ni el reconocimiento de los beneficiados. Pero para George Bailey (James Stewart) eso no importa; incluso en medio del desasosiego y la injusticia no hay otra respuesta que la bondad. Impúdicamente dickensiana, cursi y rayana en el disparate, ésta es la película más grande que existe sobre la esperanza.

La mejor cinta que Isabel Coixet filmó en la década pasada es asimismo la más conmovedora. La vida de una joven se trunca irremediablemente, pero ella, en vez de maldecir a su suerte, invierte su tiempo restante en dejar ordenadas las cosas para aquellos a quienes ama y, de paso, cumplir con un par de deseos muy personales que había dejado pendientes.


Más estrenos Deadpool 2

¿4–KÉ? El nombre de esta tecnología se debe a que las imágenes tienen más de 4,000 pixeles a lo ancho. Esto ha generado confusión, ya que la industria bautizó los formatos 1080p y 720p según la altura. Por ello, hay quienes se reieren al 4K como 2160p. ¿CÓMO FUNCIONA? Tiene una cantidad ESPECTACULAR –sí, así en mayúsculas– de pixeles. Mientras que el formato 720p (HD) cuenta con 921,600 y el 1080p (Full HD) presenta 2,073,600, el 4K tiene más del cuádruple: ¡8,294,400 pixeles! ¿Y DE QUÉ SIRVEN TANTOS PIXELES? A mayor número de pixeles, las imágenes son más nítidas y sus bordes más ailados. La experiencia visual es muy superior, incluso desde cerca, ya que el grano no se rompe. LO QUIERO, ¿MI VHS SOPORTA EL 4K? Lamentablemente, no. Para ver contenidos en 4K necesitas una pantalla, un reproductor BD en 4K o UltraHD. Plataformas de streaming como Netlix, Amazon Prime e incluso YouTube tienen mucho contenido disponible. Para verlos, necesitas una conexión a Internet de una velocidad superior a los 20 Mbps. iTunes o PlayStation Video, por su parte, ofrecen títulos en este formato que requieren un espacio mínimo de 40 GB. ¿SE CONSOLIDARÁ? Unos creen que no ha sido tan revolucionario como en su momento lo fue el HD. Otros airman que su despegue es inminente. De momento, la tendencia apunta hacia su consolidación, pues cada vez hay más aceptación del público y mayor disponibilidad de contenidos.

JOHN RABE (2009)

HISTORIAS CRUZADAS (2011)

Mucho antes de fallecer sumido en el olvido y la pobreza, el alemán John Rabe salvó de la muerte a más de 200 mil ciudadanos chinos. Ocurrió en 1937, cuando las tropas japonesas sometieron a la ciudad de Nankín. Rabe no era diplomático ni poderoso: era sólo una persona que, entre actuar o no hacer nada, se decantó por la primera, como hacen los verdaderos héroes.

El retrato del caucásico que “abre los ojos” del oprimido, además de políticamente incorrecto, ya ni siquiera entretiene. Aun así, este relato cumple con movernos a reflexionar no sólo acerca de las injusticias sufridas por las empleadas de color estadounidenses hace medio siglo, sino en el modo en el que este tipo de trabajadoras aún son tratadas en países como el nuestro.

Lanzamiento: SEPT 28 En 2016, este personaje bocón le dio una gran sacudida al cine de superhéroes. Luego volvió con la misma irreverencia que conquistó a la audiencia. Irónicamente, Cold Water demostró una madurez sorprendente para no repeLanzamiento: SEPT 11 tirse –tanto– a sí mismo y, Fiel al estilo con el que han construido su presti- de la mano de X-Force, llegioso catálogo, este mes, var su historia por un nuevo The Criterion Collection y emocionante camino. nos trae una cinta poderosa e impactante. A inicios de su carrera, Olivier Assayas le presentó al mundo un coming of age que retrata la rebeldía y ese tumulto emocional que significó ser joven en el París de los años 70. Escenas de un matrimonio Lanzamiento: SEPT 4 — No me las toquen Lanzamiento: SEPT 28 — The Big Bang Theory (T11) Lanzamiento: SEPT 28 — Supernatural (T13) Lanzamiento: SEPT 28 — Gotham (T4) Lanzamiento: SEPT 28 — The Flash (T04) Lanzamiento: SEPT 28 — Desobediencia Lanzamiento: SEPT 14 — Ocean’s 8 Lanzamiento: SEPT 28

EL OTRO LADO DE LA ESPERANZA (2017) El finlandés Aki Kaurismäki eligió la problemática de la gente que llega a Europa en busca de asilo como tema central de la que, según ha dicho, será su última película. El cineasta narra la historia de un sirio que ha perdido hasta el alma en su camino a Finlandia, en busca de una vida mejor. Allí conocerá a un ciudadano local que, contra todo pronóstico, es capaz de experimentar el último de los valores que le quedan a este planeta: compasión.

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TRIVIAS

PASTEL PERSONALIZADO VIORE CAFÉ ARTE ¡Tan perfecto que no te lo querrás comer! Visita el Instagram de Viore Café Arte, dale like y elige el diseño que más te guste. Sube la foto a tus redes sociales y etiqueta a Cine PREMIERE y Viore Café Arte. Mándanos tu link por correo y dinos cuál es tu personaje favorito de la televisión y por qué. Los más creativos ganarán un pastel o una orden de nueve cupcakes personalizados.

VENOM EMERYCK RENDÓN N Gana una igura exclusivva de Venom ¡y enfréntate a Spider-M Man! Dale like a la página de Facebook k “Piezas únios” y a la de cas para clientes único o, envíanos los Cine PREMIERE. Luego correo y dinos screenshots a nuestro c nar una igura por qué te gustaría gan de este gran villano de los comics. La respuesta que más nos g guste, ganará.

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PREMIERES

¿Amante del cine y los perritos? Demuéstralo con una foto y gana una de las cajas con cinco objetos sorpresa para tu mascota. Envía el mejor retrato de ella posando con la edición de este mes de Cine PREMIERE y dinos cuál fue tu artículo favorito y por qué. Los primeros en hacerlo ganarán.

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CORAZÓN FILMS

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WARNER

SONY

SKYMEDIA


DVD Y BD ¿Te gustaría llevarte uno de estos BDs o DVDs? ¡Envía un correo a triviascp@g21.com.mx con tu nombre completo y la película que te gustaría ganar! WARNER

FUNKO POP M MAD AD MAX M CHIKARA TOYS & STUFF Visita el sitio chikaratoys.com, menciona tres de las categorías que se encuentran en su sección de tienda virtual y cuéntanos cuál es tu personaje favorito de Mad Max: Furia en el camino y por qué. La respuesta que más nos guste, ganará.

WARNER

FOX

MEMBRESÍA CLARO VIDEO CLARO VIDEO Disfruta de un mes gratuito de los estrenos más recientes, series originales o cualquiera de los más de 25 mil títulos de esta plataforma. Sólo menciona cuáles son las tres películas disponibles en la plataforma que te gustaría ver primero y por qué.

SONY

UNIVERSAL

POMSIE BANDAI Desde Garield hasta Salem, los gatos nos han dado algunos de los mejores momentos de la televisión. Menciona en un tuit los tres animales del cine o la TV que te gustaría ver en los anaqueles de Bandai y gana uno de estos gatos interactivos. Etiqueta a Cine PREMIERE y a Bandai México, manda tu link y presta atención al color de Pomsie, ¡porque cambiará según su estado de ánimo!

Envía tus respuestas y tu nombre completo a triviascp@g21.com.mx. Participan todos los correos recibidos a lo largo del mes. Los ganadores serán anunciados en la sección de trivias en nuestro sitio web y deberán recoger su premio en nuestras oficinas en CDMX.

ESTAMOS DE PIE EDITORIAL PLANETA El 19 de septiembre marcó profundamente a la sociedad mexicana que, ante la tragedia, mostró su lado más humano y solidario. Este libro de editorial Planeta recopila algunas de las historias más emocionantes de aquellos héroes anónimos que, de alguna u otra forma, buscaron la manera de ayudar a los demás. Gana un ejemplar de este título –que incluye textos de Elena Poniatowska y Benito Taibo– contándonos cuál fue tu artículo favorito de esta edición y por qué.

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DIABÓLICOS E INCOMPRENDIDOS Dado que estrenamos centro de operaciones y acervo nuevo de películas gracias al buen Christof –alias el Cristo de la Roma–, mi grupo de amigos, ieles amantes del cine… de bajos estándares, tendrá una función especial de horror. Por lo tanto, habrá malteadas de pistache, un verdadero lujo. –Por cierto, ya compré los boletos para La monja. No se pueden echar para atrás –dice Memo, muy emocionado. –¡Como si alguna vez te hubiéramos fallado! –responde Nora, poniendo los ojos en blanco. –Los fans del horror solemos ser incomprendidos –Memo (y su playera de The Blob) ponen cara de puchero–. Y discriminados también. Debí saberlo desde que mi mamá me dijo: “Ahí vas otra vez con tus videos de espantos”, cuando ponía otra vez El amanecer de los muertos. –Yo apoyo “tus videos de espantos”, pero a La monja iré para reírme, la neta –coniesa Greta. –¿De la película o de nosotros? –pregunta Memo. –De la película. ¡Y de ustedes! ¡Muajaja! Todos nos reímos, excepto Memo. Para cambiar de tema, dejo la preparación de nuestra malteada (que será de un color verde más apetitoso que el vómito de Regan en El exorcista) y trato de hablarles de la película que escogí. –Christof tenía esta joya escondida, ¡es una obra maestra! Se llama Lake Mungo, es una película australiana que… –¿Ven a lo que me reiero? –dice Memo interrumpiéndome sin dejar de ver a Greta con ojos de pistola–. Nunca se me va a olvidar que te dio un ataque de risa cuando vimos Más negro que la noche. ¡La original de 1968! –¡Pero que me ría no signiica que no me guste! –reclama Greta, casi a carcajadas. –Tiene un punto. A mí entra la risa nerviosa y se junta con la risa de miedo de cada jumpscare. A mí, la verdad, me gusta la sangre y las tripas y los sesos. Eso sí me hace reír, para que vean –añade Inés, con una cara medio sádica y la mirada perdida, lo que provoca un silencio incómodo. –El consabido “me asusta, pero me gusta” –dice David, mordiendo un hot dog– Pero eso es lo bueno de las películas, oigan. Sentir que te mueres y morirte de la risa inmediatamente después. ¿Verdad? –¡Exacto! –dice Memo, casi con lágrimas en los ojos. –¡Ay, no! Yo sí odio los jumpscares, pero por miedosa –interviene Alicia, quien también le entra con ganas a la comida–. Soy un perro chihuahueño que se espanta hasta con sus estornudos. El que más pesadillas me dio fue la estatua que mata a la enfermera en El exorcista III. –Conieso que yo también –dice el Cristo, quien todavía se muestra temeroso al estar con nosotros. Pobre,

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Los fans del horror solemos ser incomprendidos y discriminados también. Debí saberlo desde que mi mamá me dijo: “Ahí vas otra vez con tus videos de espantos”, cuando le pedía que me pusiera otra vez El amanecer de los muertos. sigue sufriendo por su gusto al cine chafa–. De hecho, todas las de miedo me asustan, ¡así que ahí se ven! Me avisan cuando acabe. Se quedan en su casa –nos dice sudoroso y grandote, como es, mientras intenta huir. –¡No te vayas! ¡La que veremos hoy es genial! Se llama Lake Mungo, es una película australiana que… –¡Con razón te ofrecías tanto para ir por palomitas! –me interrumpe Greta. Yo la miro con odio, por no dejarme hablar. –¡A mí me va a dar un infarto con La monja! –dice Nora, con angustia–. ¿Alguna vez les conté mi pesadilla? Soñé que nos hospedábamos en un convento de monjas. Pero a media cena descubríamos que todas ellas tenían los ojos… El estruendo de la licuadora hace gritar como Ned Flanders al Cristo y a Nora, provoca que Alicia y David brinquen hasta el techo y hace que Inés se ría diabólicamente. –¡¿Ya me van a dejar hablar de Lake Mungo?! –les digo, con un dedo encima de la licuadora–. Ya sé. Mejor vamos a verla. Porque tiene un tipo de terror que no los dejará dormir por días. –Me quedo callada y acciono de nuevo la licuadora. El Cristo grita de nuevo y Memo se parte a carcajadas.

ILUSTRACIÓN: LUIS SAN VICENTE

CINÉFILOS ANÓNIMOS


FOTO: CORTESÍA BBC STUDIOS

OCES MÁS DIVERSAS, HISTORIAS QUE CELEBRAN EL EMPODERAMIENTO FEMENINO, RELATOS QUE NO TEMEN SER SUBVERSIVOS. LA TELEVISIÓN HA SABIDO RESPONDER A LOS TIEMPOS ACTUALES, QUE EXIGEN UNA MAYOR EQUIDAD Y MEJOR REPRESENTACIÓN DE LA MULTICULTURALIDAD DEL MUNDO EN EL QUE VIVIMOS. ESTE ESPECIAL SE LO DEDICAMOS A LAS PRODUCCIONES QUE ESTÁN HACIENDO LA DIFERENCIA EN LA PANTALLA CHICA.


POR GABRIELA DAMIÁN MIRAVETE @ GABRIELINTICA

uienes habitamos este momento histórico estamos atestiguando cómo las historias, voces y perspectivas silenciadas en el pasado están ocupando los reflectores. Las voces de las mujeres, las de personas con un color de piel distinto al “blanco” y las de quienes cruzan fronteras buscando mejores oportunidades de vida están marcando el paso en el mundo del entretenimiento. La forma en que conocemos nuestro propio contexto y el del resto del mundo a través de Internet (especialmente, en las redes sociales) han propiciado un cambio sin precedentes en la narrativa cultural. La televisión está demostrando ser un espejo de la revolución de las ideas que tiene lugar en la discusión pública. El caso del movimiento #MeToo, que comenzó con los señalamientos hechos por varias actrices de los abusos del productor Harvey Weinstein, produjo una

ola expansiva que animó a muchas otras mujeres de la industria del entretenimiento (y a algunos hombres también, como Brendan Fraser y Terry Crews) a denunciar públicamente la violencia sexual. La respuesta de las producciones de shows que contaban con la participación de agresores ha sido despedirlos sin contemplaciones: la salida de Kevin Spacey de House of Cards fue una jugada que hasta hace poco no se creía posible. La mitad de este mérito le pertenece al público de las redes sociales, cuya discusión y exigencia dentro de esos espacios ha sido fundamental para que se comprenda la gravedad de esas acusaciones, y lo que implica su rechazo. The Handmaid’s Tale, cuya aparición no pudo ser más oportuna (salió al aire justo cuando Donald Trump, señalado también como un agresor sexual, fue elegido presidente), no sólo presenta una narrativa que resuena a la perfección con el miedo que

FOTO: CORTESÍA NETFLIX

EL PANORAMA TELEVISIVO ACTUAL YA NO ES SÓLO UN ESPACIO PARA CONTAR HISTORIAS ESCAPISTAS. LA LLAMADA “CAJA IDIOTA” SE HA CONVERTIDO EN EL MEDIO PREDILECTO PARA LAS NARRATIVAS DIVERSAS, PROGRESISTAS E INCLUSIVAS.


Las historias ya no necesitan del Hombre Blanco Heterosexual autorizado por Hollywood para alcanzar una audiencia más amplia.

FOTO: CORTESÍA NETFLIX

TELEVISIÓN VERDADERAMENTE A COLOR Por otro lado, movimientos como #BlackLivesMatter han ido a la par de una mayor presencia de personas negras tanto en la pantalla como en la creación de contenidos para la televisión que reflexionen en torno a sus condiciones políticas. Tal es el caso de Dear White People o del defensor Luke Cage, que, junto con Jessica Jones, le ha devuelto la responsabilidad política a la superheroicidad. También, el anunciado regreso del universo de Buffy, la cazavampiros tomará la forma de una nueva slayer de raza negra, porque para estacar chupasangres el color de la piel es irrelevante. Y en lugar de que las series con protagonistas de origen asiático o latinoamericano viviendo en Estados Unidos aborden únicamente su condición de migrantes, cada vez es más frecuente encontrar historias con un rango más amplio que los represente, como Fresh Off the Boat, Jane the Virgin y Brooklyn Nine-Nine. Lo más importante es que esto se debe a que semejantes historias ya no necesitan del Hombre Blanco Heterosexual autorizado por Hollywood para alcanzar una audiencia más amplia: las personas negras y de origen latinoamericano y asiático están alcanzando las tribunas de creación, decisión y representación que antes les estaban negadas. Hoy, estas historias son realizadas por quienes las viven día a día, y están hechas, sí, para mostrar al resto del mundo cómo se vive dentro de estas otras realidades, pero también para dejar que quienes están creándolas encuentren su propia voz, al tiempo que entretienen y conectan con el gran público. Esas voces (en varios casos: nuestras voces) son las que están haciendo la revolución, porque no hay otra manera. Como dijo Ursula K. Le Guin en su novela Los desposeídos: “No puedes comprar la revolución. No puedes hacer la revolución. Sólo puedes ser la revolución. Está en tu espíritu, o no está en ninguna parte”. Esta edición anual de nuestro especial televisivo se lo dedicamos en gran medida a esas historias que no están haciendo la revolución: son la revolución.

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FOTO: CORTESÍA NETFLIX

las mujeres tienen de perder sus derechos, sino que haa tomado medidas especiales para crear un ambiente de trabajo seguro para todas sus participantes, delante y detrás de cámara. Las series Unbreakable Kimmy Schmidt, One Mississippi y el especial de stand-up de Hanna Gadsby, Nanette, son dos ejemplos de cómo la comedia puede también ser parte de esa discusión de forma original, disruptiva e, incluso, emotiva y significativa. Incluso Black Mirror y su episodio USS Callister hizzo una buena reflexión en torno al acoso y la cultura gameer. También están surgiendo conversaciones más mam tizadas, pero igualmente necesarias, en torno a lo qu ue significa el consentimiento, a raíz del caso de una mujer que tuvo una cita incómoda con Aziz Ansari. Jeffreey Tambor, el renombrado actor de Arrested Development y Transparent –de la cual fue despedido– fue confrontado por su dinámica de trabajo agresiva, que, si bien no entra en la categoría de abuso sexual, reveló la necesidad d de discutir cómo es que la cultura solapa y tolera las conductas masculinas nocivas, aquellas que acaban minimizzando la voz, la experiencia y una mayor participación en los medios de mujeres como Jessica Walter (su coprotagonissta en Arrested Development).


os temas de inclusión y representación siempre han estado al frente del trabajo de Greg Berlanti. “Siempre he intentado hacer a mis shows relevantes de alguna forma”, le dijo el creador de Supergirl, Arrow, Flash y director de Yo soy Simón a The Hollywood Reporter. “Así sea con actores abiertamente homosexuales que interpretan a heterosexuales o al revés”. Apropiadamente, ninguno de estos temas de inclusión son el centro de la atención de sus series de superhéroes, sino un elemento más dentro del día a día de gente superdotada, cuyo cometido es uno: salvar el día. Para la nueva temporada de Supergirl –que continuará lidiando con temas como refugiados y segregación entre extraterrestres y humanos–, Berlanti dará un paso más en esa misma dirección con la inclusión del primer personaje transgénero superdotado en la TV. La actriz que encarnará a Dreamer (cuyos poderes incluyen el conocer la fecha de muerte de la gente) será Nicole Maines, quien además es activista LGBTQ y parcialmente responsable de la ley que en EE. UU. le da la libertad a las personas trans de usar el baño público de su elección. El anuncio de dicho personaje como parte de Supergirl llegó sólo algunos días después de que la cadena The CW revelara que Berlanti también estará a cargo de una adaptación de Batwoman –que será intepretada por Ruby Rose–, un personaje que, al igual que en los cómics, será lesbiana.

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uando Donald Glover decidió dejar la sitcom Community, muchos de los fans de la serie quedaron profundamente defraudados. Sin embargo, con el tiempo, Childish Gambino –su alter ego rapero– ha demostrado que dejar aquel show fue la mejor decisión de su carrera. Por un lado, su extremadamente poderoso video musical de la canción “This is America” se convirtió en una entretenidísima pieza de videoarte que, a través de imágenes metafóricas y literales, expuso la hipocresía mediática de una sociedad aparentemente alegre y brillante, pero con profundas raíces racistas y violencia armada. El director de aquel video, Hiro Murai, es el principal cómplice de Glover también en el programa que este último creó: Atlanta. La serie es, al centro, una exploración y denuncia del supuesto sueño americano: el “trabaja duro y triunfarás” no siempre es posible cuando las condiciones sociales están puestas absolutamente en tu contra. Sin embargo, además de exponer esos temas –que resultan sorpresivamente relevantes para México, aun cuando se trate de una sociedad aparentemente muy diferente–, el show es muy divertido. Su humor seco, irónico y basado principalmente en el choque entre estereotipos funciona y nos hace reflexionar, así hayamos crecido en Atlanta o en la multiculturalidad y diversidad socioeconómica mexicana.

FOTO: CORTESÍA WARNER CHANNEL

FOTO: CORTESÍA FOX APP

Esto es el mundo

La chica del futuro, en los temas de hoy


UN NUEVO COMIENZO PARA DOCTOR WHO: JODIE WHITTAKER ES SU NOMBRE Y PROTECTORA DEL UNIVERSO, SU NUEVA RESPONSABILIDAD. l video en el que se anunció al nuevo Doctor iniciaba con una persona caminando por el bosque. Primero se revelaron sus manos, luego sus ojos. Cuando se quitó la capucha, el sueño de millones de espectadores por fin se cumplió: la nueva encarnación del querido personaje –con la habilidad de regenerarse con una apariencia totalmente diferente cada vez que “muere”– era mujer. “¡Ya era tiempo!”, dicen a la cámara personalidades que van desde Emilia Clarke, hasta Meryl Streep. “Yo llegué al programa antes de que realmente comenzara el movimiento #MeToo y Time’s Up”, nos dijo Chris Chibnall el nuevo showrunner, cuando nos reunimos con él en Comic-Con 2018. “La conversación siempre fue que la siguiente encarnación sería femenina”, afirmó. Esa mujer es Jodie Whittaker, una actriz inglesa que ya había trabajado con Chibnall –y con David Tennant, el décimo Doctor– en la serie Broadchurch. Su papel como la protectora del universo y viajera en el tiempo será una nueva oportunidad para renovar el programa, que lleva 55 años al aire. Sobre el hecho de ser la primera mujer en tomar el papel, Whittaker comenta que “el Doctor está escrito como the Doctor [en inglés, el artículo no describe femenino ni masculino], no hay nada específico de género ahí. El personaje no reacciona de acuerdo a su género. Creo que como estamos tan acostumbrados a ver a un hombre en el personaje, nunca hemos cuestionado si está respondiendo como hombre o como el Doctor. Cada [uno de quienes lo hemos interpretado] ha tenido un acercamiento un poco diferente, pero es porque somos actores diferentes, no porque seamos de géneros diferentes”. Además de Whittaker y de Chibnall, la nueva temporada contará con tres nuevos pasajeros de la TARDIS (Mandip Gil, Bradley Walsh y Tosin Cole), así como toda una gama de villanos y monstruos nunca antes vistos. “¿Veremos a algún Dalek o un Cyberman?”, le preguntamos a Chibnall. “Nos queda un episodio por filmar y hasta ahora no hemos visto a ninguno… sólo digamos eso. Pero quédense tranquilos, esta nueva temporada es para todos. Así tengas cinco años o 105, el trabajo del show este año es reclutarte y meterte al maravilloso mundo de Doctor Who”.

FOTO: CORTESÍA BBC STUDIOS

POR J. IVÁN MORALES

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El amor inquebrantable de la familia

POR ARTURO MAGAÑA ARCE

ierta tarde de Comic-Con 2018, cientos, quizá miles de personas trataban de entrar a un modesto salón del Hotel Hilton, en el que se presentaría el elenco de Brooklyn Nine-Nine. Abrumados por la cantidad de gente, el staff de la convención llamó a seguridad para desalojar a quienes no pudieron ingresar al panel de la serie. Nosotros, con las habilidades de detective que Jake Peralta y sus colegas nos han enseñado a lo largo de seis años, logramos colarnos. Pasaron pocos minutos para que las luces de la sala se apagaran y los gritos y aplausos resonaran. Esa noche, Brooklyn Nine-Nine aparecía por primera vez en Comic-Con y su elenco lo hacía como verdaderas estrellas de rock, gracias al cariño desmedido de un público que los salvó de la muerte. El pasado 10 de mayo, Fox anunció su tradicional lista negra de series que serían canceladas. Sorpresivamente, el exitoso show de la comisaría comandada por el capitán Raymond Holt (Andre Braugher) era uno de ellos. “Pero luego el Internet explotó”, dijo Melissa Fumero –quien da vida a Amy Santiago– en el panel. Incontables publicaciones en redes sociales demostraron que la serie tenía una gran cantidad de fans –entre ellos, Mark Hamill, Guillermo del Toro y Lin-Manuel Miranda– que no estaban dispuestos a permitir su cancelación. Ese amor, en su mayoría, se debe a la representación que el show le ha dado a su público en la pantalla. Aquí, el ensamble protagonista es formado por personas de raza negra, latinos, judíos y gays; es decir, funciona como un espejo de la realidad no sólo de Brooklyn, sino del mundo. Salvada de la muerte por el amor de su público, Brooklyn NineNine volverá pronto a través de la señal de NBC. Después de todo, el cariño por esta serie es enorme, no sólo en EE. UU., o San Diego, sino en todo el mundo. Tanto, que puede sentirse a kilómetros de distancia. Y sí, ésta última frase podría ser el nombre de tu sex tape…

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FOTO: CORTESÍA NETFLIX

La policía que el mundo necesita

icen que hacer llorar al público es mucho más fácil que hacerlo reír. Provocar en la audiencia ambas emociones y casi al mismo tiempo es, por lo tanto, toda una hazaña. En 2017, Netflix estrenó una serie con la que se demostró a sí misma que también podía hacer una sitcom tradicional (The Ranch, su otra incursión en el formato, no ha logrado despegar del todo). One Day at a Time llegó como otras tantas historias del gigante del streaming: sin hacer mucho ruido y sin llamar tanto la atención. Al tratarse de una familia de cubanos en EE. UU., esa mesura se rompería en segundos: con el escándalo de las risas, la música, las tradiciones y de todo aquello que identifica a la comunidad latina en aquella nación, este show se convirtió poco a poco en uno de los favoritos de la audiencia. Basada en la exitosa serie homónima de 1975 –producida por Norman Lear– One Day at a Time ha sido renovada para una tercera temporada, aún sin fecha de estreno. Su éxito –que le ha dado al productor un jugoso contrato con NBC– es gracias a que se abordan temas como la migración, la homosexualidad, las familias separadas por la guerra, los padres ausentes, el control de armas, la discriminación y de todos aquellos problemas que sufren a diario quienes decidieron emprender un viaje sin regreso a la nación de Donald Trump. Rita Moreno, Justina Machado, Isabella Gomez y Marcel Ruiz encabezan un elenco capaz de hacernos sonreír y llorar con una historia que nos demuestra que, pese a todo, no hay nada más poderoso que el amor de la familia.


FOTO: CORTESÍA NETFLIX

No es la versión latina de Sons of Anarchy

El progreso de la TV española a televisión norteamericana tiene un rol fundamental en la exploración de la lucha feminista, pero ha batallado a la hora de lograr que países con pasados más complejos se identifiquen con sus historias. Tal es el caso de España, una nación pionera en la educación y el voto femenino europeo, cuyos avances en los primeros años del siglo XX fueron interrumpidos con el ascenso de la dictadura. Tuvieron que esperar hasta los 70 para ser retomados. Algunos de estos sucesos han sido relatados por diferentes series ibéricas, pero ninguna de forma tan global como Las chicas del cable. El show de Netflix presenta a cuatro mujeres de los años 20 que intentan progresar personal y profesionalmente, en un mundo labrado por los hombres. Para lograrlo enfrentan toda clase de obstáculos, que van desde los viejos estereotipos hasta la homofobia. Los retos prometen incrementar con el estreno de una tercera temporada ambientada en los 30, cada vez más cerca de la guerra civil española. Aunque ha pasado casi un siglo de los hechos retratados en el proyecto, éste tiene diversos elementos contemporáneos que demuestran que aún quedan muchos asuntos por resolver. “Hemos conseguido una barbaridad de cosas. Eso no quita que falten otras”, aseguró Blanca Suárez, protagonista de la serie, en entrevista con Eslang. “Las chicas del cable está teñida de feminismo porque se ambienta en una época en la que las mujeres no tenían absolutamente ningún derecho, y sirve de recordatorio de cómo era la lucha de nuestras predecesoras para lograr que hoy nosotras podamos estar aquí trabajando. No es una serie para mujeres, es una serie liderada por mujeres”.

FOTO: CORTESÍA FOX PREMIUM

POR LUIS MIGUEL CRUZ

l club de motociclistas mexicano-estadounidenses que alguna vez rivalizaron con los Hijos de la Anarquía tiene por fin su propia serie. Situada dos años después de lo ocurrido en el final de Sons of Anarchy, este spin-off se centrará en el personaje de Ezekiel Reyes (J.D. Pardo), quien, recién salido de prisión, buscará unirse a los Mayans para concretar una venganza. Sin embargo, la serie será completamente autónoma. “Queremos respetar de dónde venimos y a los fans y balancear eso con un show que es original y diferente: que no se sintiera como la ‘versión latina’ de Sons of Anarchy”, dijo recientemente Kurt Stutter, creador de ambas series, durante un panel en el ATX Television Festival en Texas. “Sons siempre estará ahí, pero Mayans será su propia cosa”. Ambientada en la frontera entre México y Estados Unidos, la serie se ha visto influida de forma indirecta por lo que sucede en la política actual. Stutter quería asegurarse de representar de forma correcta el contexto cultural y social, así que contrató como escritor a Elgin James, cineasta de raza mixta que experimentó la violencia callejera en el pasado y que fue miembro de la FSU (Friends Stand United), considerada una pandilla. “Fui muy consciente de que un tipo blanco de Nueva Jersey no debía de estar escribiendo solo un show que toma lugar en una subcultura latina. Y no tiene que ver con lo políticamente correcto, sino con lo que tenía sentido desde un punto de vista creativo”, dijo en el evento de la Asociación de Críticos de Televisión.

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Estimado mundo, pon atención

Qué sería de la vida sin un poco de dolor? En mayor o menor medida, todos hemos sido embestidos por momentos que nos tiran al suelo y nos tratan de derrotar. ¿Qué tiene de encantador un show que nos parte el corazón en cada uno de sus episodios? “This Is Us es como la vida real”, le dijo el creador del show Dan Fogelman a The Hollywood Reporter, poco después del éxito de la primera temporada entre el público y la crítica. A lo largo de dos temporadas transmitidas en México por la señal de FOX, This Is Us nos ha mostrado una historia en dos épocas distintas. La primera sigue a Milo Ventimiglia y a Mandy Moore en su vida de pareja y lo que ocurre tras el nacimiento de sus trillizos. La segunda corre a cargo de este trío en su vida adulta, encarnados por Sterling K. Brown, Chrissy Metz y Justin Hartley. Ambos caminos nos permiten entender que el pasado es responsable de todo aquello oscuro que no nos deja avanzar en el presente, además de que rompen con los estereotipos de la familia estadounidense, al demostrar que ésta no se define por la raza, la sangre ni la apariencia. Y es aquí donde descubrimos la clave del éxito de esta serie, aplaudida y galardonada en los Emmy y Golden Globes: This Is Us nos coloca a un lado de estos personajes mientras lidian con sus fantasmas, con sus tragedias y desventuras. Y en medio de todo, nosotros, el público, somos capaces de entender que la clave de la felicidad consiste en dominar el arte de resistir los golpes de la vida y ponerse de pie las veces que sean necesarias para ser feliz. Porque, tal y como podría traducirse el título de esta serie al español, así somos, así es la vida.

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POR J. IVÁN MORALES

El poder de la catarsis POR ARTURO MAGAÑA ARCE

FOTO: CORTESÍA NETFLIX

ivimos en un presente lleno de injusticias, cinismo, enojo y desigualdad. Uno en el que la gente actúa de una forma a veces tan alejada del sentido común que, después de denunciarla, lo único que queda es reírse. Justin Simien parece entender eso: el creador ofrece en Dear White People –adaptación televisiva de su multipremiada ópera prima– un espejo a una sociedad multicultural que vive en eterna negación sobre lo incómoda que se siente con esa multiculturalidad. Además, la serie es hilarante. Dear White People está situada en el centro del más exclusivo privilegio norteamericano: las universidades privadas de la llamada Ivy League. Ahí, el programa sigue a la comunidad afroamericana, así como la lucha diaria contra el racismo institucionalizado y el oído sordo que la administración les muestra. Este microcosmos está lleno de respuestas siempre perfectamente articuladas, parodias cinematográficas y personajes construidos con una meticulosa profundidad, pero el verdadero triunfo de Dear White People es que no sólo funciona como un espejo de una nación como Estados Unidos. En él también se puede ver cualquier comunidad en la que convivan personas con pasados, historias y vidas diferentes. O lo que es lo mismo, el mundo.


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POR J. IVÁN MORALES

De cuando lo absurdo se vuelve lección de bienestar mental

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Adolescentes monstruosos

o es uno de los temas más populares y frecuentemente es motivo de burla… pero la pubertad es, fácilmente, uno de los momentos más difíciles en la vida de todos. Para recordarnos algunos de los momentos más incómodos y enseñarnos una que otra lección sobre esta inescapable etapa del crecimiento humano, los comediantes Nick Kroll, Andrew Goldberg, Mark Levin y Jennifer Flackett crearon Big Mouth. La comedia animada –que transmitirá su segunda temporada por Netflix en la última parte de 2018– está centrada en dos mejores amigos y sus compañeros de secundaria, justo en ese momento de “transición”. Para acompañarlos y guiarlos a través de los cambios, los chicos y chicas son visitados por el “monstruo de la hormona”, un ser que se manifiesta como una especie de troll cachondo, irreverente y muy sensible, que “les enseña” cómo comportarse. “¡Escúchame! Quieres robarte un lápiz labial. Quieres escuchar una y otra vez a Lana Del Rey mientras le haces hoyos a tus playeras. ¡Quieres gritarle a tu mamá y reírte de sus lágrimas!”, le “aconseja” a gritos la monstruo de la hormona a Jessi, la protagonista femenina del show. Así, a través de la comedia, chistes absurdos y la presencia del fantasma de Duke Ellington, Big Mouth logra atacar temas universales como la autoestima, la exploración sexual y las confusiones adolescentes, aunque no desde la condescendencia o la burla.

a salud mental es un tema importante y delicado, uno que definitivamente no sería obvio explorar en una serie animada sobre un caballo humanoide. Sin embargo, si algo ha demostrado BoJack Horseman a lo largo de sus ya cuatro temporadas (este mes se estrena la quinta en Netflix) es que el absurdo hilarante puede en efecto reflexionar sobre los problemas más serios y pesados de la condición humana. BoJack Horseman es la historia de una exestrella televisiva (un caballo alcohólico y desapegado de sus emociones) que no puede evitar autosabotear su propia búsqueda de significado en una industria y un mundo que parecen haberlo dejado atrás. Enmarcado en el sinsentido y el humor irreverente, el programa creado por el comediante Raphael Bob-Waksberg ha lidiado con temas como el autodesprecio, el abuso maternal, la pérdida, el fracaso profesional, el aborto y los tiroteos masivos. Todo, espolvoreado con toques cómicos que van de la comedia más sofisticada, a los chistes francamente bobos y de pastelazo. “Creo que de lo que más orgulloso me siento”, le dijo recientemente Bob-Waksberg a SlashFilm, “es de las veces en que gente me ha dicho que hablan del show con sus terapeutas. Me han dicho que el programa les da un lenguaje para identificar y articular cosas que antes no habían podido. Ese no es nuestro propósito al escribir, pero sí es algo que me enorgullece”.

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FOTO: CORTESÍA TNT

POR ARTURO MAGAÑA ARCE

El mejor entretenimiento también habla español

ace 50 años se abrió una herida incurable en la historia de México. El 2 de octubre de 1968, Tlatelolco mostró uno de los lados más salvajes de nuestro país. Inspirado en lo ocurrido aquel día, Amazon Prime lanzará el próximo mes Un extraño enemigo, thriller político dirigido por Gabriel Ripstein (600 millas) y tercera producción original de la plataforma de streaming en nuestro país. Esta serie, protagonizada por Daniel Giménez Cacho, Kristyan Ferrer y Karina Gidi, nos presenta una historia ficticia pero muy apegada a la realidad. Ambientada en uno de los años más importantes de la vida del país, en ella quedará al descubierto el mundo hostil y despiadado de la política mexicana y de quienes aspiran a ser poderosos.

FOTO: CORTESÍA AMAZON PRIME VIDEO

Estreno: 2 de octubre

l 31 de marzo de 1995, el mundo hispano lloró la muerte de una de sus grandes estrellas. Selena dejó este mundo en el momento más alto de su carrera. Con apenas 23 años de vida, una poderosa voz, una belleza impactante y con el mundo a sus pies, la menor de la familia Quintanilla perdió la vida a manos de quien menos se podría esperar. Líder de su club de fans y administradora de algunos de sus negocios, Yolanda Saldívar utilizó un revólver Taurus 85 calibre .38 para terminar con la vida de la reina del tex-mex, que permanecería como una leyenda musical aún vigente. Las razones de lo sucedido aquella noche siguen siendo un misterio y han desatado infinidad de teorías, dignas del mejor thriller. Basada en el libro homónimo de la periodista María Celeste Arrarás, TNT estrena El secreto de Selena y presenta los últimos meses de vida de la cantante. El show, protagonizado por Maya Zapata (Selena) y Damayanti Quintanar (Yolanda Saldívar), explorará desde la presión que vivió Selena por mantener una carrera exitosa, hasta la manipulación que sufrió a manos de quienes la rodeaban. Con una primera temporada de 13 episodios –dirigidos por Alejandro Aimetta (El César) y Natalia Beristáin (Los adioses)–, El secreto de Selena presentará un lado hasta ahora no visto de la gran estrella de la música hispana.

Estreno: Septiembre


FOTO: CORTESÍA CLARO VIDEO

n un país como el nuestro, cuyos mitos y leyendas forman parte de su ADN, era natural que una plataforma tan grande como Netflix le apostara a crear contenido fantástico con sabor a México. Para su incursión en el género, la compañía confió en Rigoberto Castañeda, director de KM 31 y en José Manuel Cravioto, responsable de Mexican Gangster, para crear una historia llena de terror y acción. En un México apocalíptico, en el que las fuerzas del bien y el mal se enfrentan para controlar al mundo, un grupo de valientes se dedica a cazar a las criaturas diabólicas que inundan las calles de nuestro país. Protagonizada por Christopher Von Uckermann y Horacio García Rojas, Diablero es coescrita por Gibrán Portela, responsable del guion de La región salvaje, lo que nos da un indicio del tipo de viaje emocionante y macabro que nos espera.

uego del éxito de La hermandad, Claro Video sube la apuesta en sus producciones originales y presenta la historia de Porfirio Rubirosa, un diplomático dominicano que fue, nada menos, que la principal inspiración de Ian Fleming para crear a su icónico James Bond. La serie es protagonizada por Ana Serradilla, Damián Alcázar y Manolo Cardona (como Rubirosa), y nos muestra la vida de aquel hombre al que le apodaban Rubi y que disfrutó como nadie su elegancia, su poder y la capacidad de seducir a las mujeres más bellas.

FOTO: CORTESÍA NETFLIX

Estreno: 21 de diciembre

FOTO: CORTESÍA NETFLIX

Estreno: Próximamente

milia Urquiza está de vuelta con una historia plagada de corrupción, mentiras y traiciones propias de nuestra política mexicana. Luego de aquel escándalo internacional con Joaquín “El Chapo” Guzmán, Kate del Castillo protagoniza la segunda entrega de esta exitosa serie, que sigue explorando el camino detonado por el asesinato del presidente de México, interpretado por Erik Hayser. El cineasta mexicano Carlos Carrera dirige algunos de los episodios de esta nueva temporada, producida por Argos (El señor de los cielos).

Estreno: 14 de septiembre CINEPREMIERE.COM.MX SEPTIEMBRE 2018

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EL ESTILO ANIMADO MÁS POPULAR DEL MUNDO LLEGA A NETFLIX.

POR MÓNICA REGINA G. URRUCHÚA

Aggretsuko (T2 ) La segunda parte de la pandita roja que saca sus penas en un karaoke volverá en 2019 con más de esos problemas de “godinez” que todos conocemos bien. Ultraman Esta será una serie en animación 3D que se estrenará mundialmente en la primavera de 2019. Correrá a cargo de Production I.G. con los directores Kenji Kamiyama (Ghost in the Shell: Stand Alone Complex) y Shinji Aramaki (Starship Troopers: Invasion). Dragon Pilot: Hisone and Masotan Ya está disponible en Netflix Japón (aún está por confirmar su estreno en México) y trata sobre un dragón que elige como piloto a una principiante de la fuerza aérea de la autodefensa de Japón. Cannon Busters Este anime coproducido por Manga Entertainment, Nada Holdings y Satelight trata sobre un trío de fugitivos en busca de un androide diseñado para ser su amigo. Aunque su estreno en Netflix Latinoamérica no ha sido confirmado, es probable que llegue en 2019.

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a popularidad del anime ha aumentado de manera exponencial con el paso de los años. Lo que antes se consideraba para un público nicho, es hoy una de las formas de animación más queridas del mundo. Netflix lo sabe y por eso ha destinado una considerable parte de su presupuesto para obtener licencias de transmisión de diversos títulos, además de que se ha unido con estudios como Production I.G y BONES para coproducir sus propios animes. El término “producción original” se puede entender de dos formas al hablar de Netflix: la compra de derechos para la transmisión exclusiva en la plataforma y aquellas producciones que son coproducidas por Netflix. Si bien han tenido varios animes originales, su primer coproducción llegó en marzo de 2018 con B: The Beginning, realizada en conjunto con Production I.G. La serie relata la historia del investigador Keith Flick y su regreso a la fuerza policial, que coincide con los crímenes del asesino “B”. Mientras esperamos la segunda temporada, aquí enlistamos algunas de las próximas producciones originales de anime que podrás encontrar en Netflix.


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A OCHO AÑOS DE SU ESTRENO, Y A PESAR DE SUS ALTIBAJOS, THE WALKING DEAD SIGUE CAPTURANDO FANS. EN SU NOVENA TEMPORADA, LA SERIE SE REINVENTARÁ CON NUEVO EQUIPO TRAS LAS CÁMARAS Y NUEVOS PERSONAJES, PARA ENCONTRAR CÓMO SOBREVIVIR SIN RICK GRIMES. POR MARCELA VARGAS REYNOSO @MARCE_VARGAS88

EL (NUEVO) DESPERTAR DE LOS MUERTOS The Walking Dead se sumó a la televisión internacional en medio de un nuevo auge de los zombies, parcialmente impulsado por el cómic original que se publicó por primera vez en 2003. Una de las características que popularizó el género en diferentes plataformas es el comentario social y político que puede hacerse a través de las historias de muertos vivientes. Películas como Exterminio (2002) o el remake El amanecer de los muertos (2004), y libros como Guerra Mundial Z (2006) se suman al cómic de The Walking Dead en la modernización del género. Las hordas de zombies canibalizando a quienes encuentran a su paso han sido reflejo del consumo indiscriminado de recursos por parte de la sociedad contemporánea.

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l año 2010 vio el nacimiento de una de las series más revolucionarias de los últimos tiempos. Basada en una historieta de Image Comics que todavía se publica, The Walking Dead llegó a las pantallas de televisión durante la noche de Halloween de ese año. Con sus primeros seis episodios, la serie creada por Frank Darabont a partir del cómic homónimo de Robert Kirkman, atrapó por el cuello a la audiencia y a la crítica. Desde el día uno, The Walking Dead resonó con su público al dejar claro que ninguno de los personajes estaba a salvo y ninguno de sus protagonistas era perfecto. Rick Grimes (Andrew Lincoln) fue el primer gancho: un policía honesto, honrado, en busca de su familia, obligado a hacer cosas indescriptibles para sobrevivir. Era la promesa de una serie de horror que mezclaba alta calidad de producción con drama personal, acción y el posible fin de la humanidad.

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Los muertos vivos se mueven por inercia, ya no hay un gramo de conciencia ni razón en sus mentes, de modo que pueden ser símbolos de la masa irracional que integra a las comunidades occidentales, capitalistas e individualistas. Se trata de una metáfora flexible que puede adaptarse a diferentes discursos: es la humanidad que se consume a sí misma. En el universo de Rick Grimes y compañía, son más peligrosos los vivos que los muertos. Shane (Jon Bernthal) empezó como el mejor amigo de Rick, pero su relación con Lori (Sarah Wayne Callies) lo llevó a una desesperación tal que no dudó en intentar asesinar al sheriff. El Gobernador (David Morrissey), por su parte, no era solamente un psicópata violento, tenía capas de personalidad: era un líder, era un padre viviendo el trauma de la muerte de su hija; tenía la capacidad de amar y reconstruirse como una persona normal. Dawn Lerner (Christine Woods) tenía la mirada puesta en una meta de supervivencia social obstaculizada por su naturaleza sádica. Negan (Jeffrey Dean Morgan), cuyo reino se extendió por dos temporadas, es quizás el más carismático de los villanos hasta ahora; tiene su propio código moral: sinceramente cree que él es el bueno de la situación y es implacable. The Walking Dead construyó una base de seguidores sólida que la llevó a los ratings más altos en la historia de la televisión por cable en EE. UU. En 2018, sin embargo, el show se tambalea en cuanto a niveles de audiencia y aceptación de la crítica. Cuando la serie inició en 2010, sus ratings en Estados Unidos indicaron un promedio de 5.25 millones de espectadores por episodio. Esta tendencia creció progresivamente hasta alcanzar un pico en la quinta temporada, que promedió casi tres veces más espectadores que la primera: 14.38 millones sólo en Estados Unidos. Sin embargo, su octava cerró con un promedio de 7.82 millones por episodio: casi la mitad que hace apenas tres años. Mientras la primera temporada de The Walking Dead alcanzó en Rotten Tomatoes un 90% de frescura, la más reciente suma sólo 67%. El panorama es menos desalentador en Metacritic, donde la serie inició con calificación de 82/100 y llegó a 2018 con 79/100.

THE WALKING DEAD CONSTRUYÓ UNA BASE DE SEGUIDORES SÓLIDA QUE LA LLEVÓ A LOS RATINGS MÁS ALTOS EN LA HISTORIA DE LA TELEVISIÓN POR CABLE EN EE. UU.

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NUEVOS CAMINANTES Este otoño, a partir del 7 de octubre, The Walking Dead se refresca. Después de cuatro temporadas, Scott M. Gimple deja de ser showrunner de la serie para convertirse en el nuevo cerebro detrás de la franquicia, un ascenso que le dará poder creativo para spin-offs potenciales y control tanto de esta serie como de Fear the Walking Dead. En su lugar quedará Angela Kang, quien forma parte del equipo de escritores del programa desde su segunda temporada y quien es productora desde hace cinco años. Kang tendrá la responsabilidad de reactivar el show tras los acontecimientos de la octava temporada. El productor, director y especialista en efectos visuales, Greg Nicotero, le dijo a Fandom que la idea es “una metamorfosis a las temporadas cuatro y cinco: volver a esa vibra”. En los nuevos episodios vendrá la reconstrucción: los sobrevivientes de este apocalipsis zombie deberán enfrentar un nuevo mundo, posterior a la guerra que se desató la temporada anterior pero que llevaba fraguándose por años. Sin duda, el más grande de los cambios próximos será la salida de Andrew Lincoln del show, que se confirmó en Comic-Con 2018. Aunque la forma en que el personaje será despedido por supuesto no se ha revelado, el actor británico le confirmó a Entertainment Weekly que su decisión de renunciar se debía a su familia: “Tengo dos hijos pequeños, vivo en un país diferente y ellos cada vez se vuelven menos ‘portables’. Fue así de sencillo. Es tiempo de que yo regrese a casa”. Aun así, el mismo desarrollo del personaje a lo largo de la serie también podría explicar parte de su motivación para su salida. Al haber muerto su hijo Carl en la mitad de la temporada anterior, quedan pocas razones para que el exalguacil siga adelante. Lincoln habló de esto con Comicbook.com: “La muerte de Carl se sintió como el cierre de la historia que comenzó en el hospital. Buscar a su esposa y a su hijo fueron los motores que movieron a este personaje cuando empezó el show hace ocho años. Que se apague ese segundo motor se siente como el final de una novela y no sólo de un capítulo”. De acuerdo con lo dicho por Angela Kang en Comic-Con, los protagonistas deberán descubrir cómo vivir sin combustible ni municiones. Además, con las varias comunidades de sobrevivientes unidas, la prioridad volverán a ser los caminantes. También se espera la llegada de The Whisperers, un grupo de humanos que vive entre los muertos. Regidos por la ley del más fuerte, esta comunidad rechaza las emociones, se organiza como una manada y su líder es Alfa, que será interpretada por la actriz nominada al Oscar, Samantha Morton. The Walking Dead rompió convenciones alrededor de su propio género y le regaló a la audiencia personajes complejos y en constante evolución. La llegada de su novena temporada es una nueva oportunidad para seguir construyendo sobre los planos de una serie cautivadora, con más humanidad de lo que podría esperarse en el apocalipsis.

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Andrew Lincoln deja la serie y con él se va el mejor peor padre de la TV. Pocos héroes pueden presumir una vida tan trágica como la del sheriff Grimes. Éstas son las razones por las que lo extrañaremos. Camino arduo: Pasó de ser un honesto policía local a convertirse en un guerrero sanguinario y vengativo. Amor paternal: Ya sea con Carl y Judith o con todo el paquete de sobrevivientes, Grimes ha tomado sus mejores y peores decisiones con un objetivo claro: mantenerlos a salvo. “No matamos a los vivos”: Hace tiempo que dejó de ser una brújula moral, pero siempre recordaremos los tiempos cuando hacer lo correcto era lo más importante para él. Rick y los demás: No es el mejor estratega, así que se ha rodeado de los y las mejores tenientes, que han encontrado maneras de balancear su impulsividad. Esas interacciones le han dado valiosas tramas a la serie. Rompecorazones: Los romances de Rick han marcado los corazones de la audiencia. El drama circundante a su relación con Lori en las primeras temporadas nos dio un triángulo amoroso digno de telenovela. Y recientemente, su acercamiento a Michonne rompió barreras narrativas y le dio una atmósfera más familiar al grupo de sobrevivientes. Andrew Lincoln: Hay personajes que construyen carreras y Rick Grimes convirtió al actor británico en un nombre recordado por la audiencia. Con lo difícil que puede ser en ocasiones empatizar con las malas decisiones y reacciones de Rick, la interpretación de Andrew Lincoln le dio siempre cierta humanidad, un reflejo casi imperceptible de que todavía hay un corazón de oro ahí dentro.

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ILUSTRACIÓN: OLDEMAR GONZÁLEZ

Atlanta Si 8 Mile fue llamada en español Calle de las ilusiones, Atlanta podría ser Ciudad de las ilusiones aparentemente inalcanzables.

The Good Place En el cielo como en el infierno, las acciones tienen consecuencias… y una adorable asistente no humana.

The Americans Un vistazo a aquellos buenos tiempos, cuando los espías rusos sí eran vistos como amenazas por el gobierno norteamericano.

The Handmaid’s Tale Una historia con alta relevancia social que bien podría llamarse: “Nosotros se los advertimos”.

The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story Aquí, el drama es el rey. Glamour, misterio, brillantina y más mascadas de las que podrás contar.

Luis Miguel: La serie Te sorprenderá la cantidad de información sobre Luis Miguel que no sabías que ya sabías.

Barry Cuando un asesino decide que quiere ser actor, HBO lo convierte en una mirada incisiva a la vida de un histrión desempleado.

One Day at a Time La familia favorita de Estados Unidos es latina y viene acompañada de mucho drama y diversión.

Billions Aquella frase de Gordon Gekko de Wall Street, “¡la codicia es buena”!, convertida en serie. Y el resultado es igual de emocionante.

Sharp Objects No podrás decir que conoces la mejor actuación en la carrera de Amy Adams si no has visto esta serie.

Brooklyn Nine-Nine Conoce a los detectives más talentosos/guapos/rápidos/educados y audaces con las mejores fiestas de Halloween de Nueva York.

Silicon Valley Nerd es el nuevo cool. Igual de socialmente inadaptados, torpes y pésimos para el romance… pero cool.

La casa de papel En esta serie española encontrarás el disfraz de Halloween que verás en todos lados y algunas ideas para volverte millonario.

Trust Danny Boyle incursiona en la televisión dirigiendo la historia del famoso secuestro de John Paul Getty III.

Cobra Kai Una telenovela de karatecas, pero que se atreve a tener a un pelmazo perdedor de protagonista sin querer transformarlo en ganador.

The Toys That Made Us Los juguetes de nuestra infancia nunca desaparecieron y la historia detrás de ellos es fascinante.

Dear White People Reirás, llorarás y cuestionarás tu propio privilegio y el rol que juegas en un sistema plagado de racismo institucionalizado.

Queer Eye ¿Makeovers a domicilio con cinco expertos en belleza exterior y, sobre todo, interior? YAASSS QUEEN!

GLOW Entre las hermosas chicas de la lucha libre, las llaves son falsas, pero las peleas reales y las moralejas de cada capítulo, inolvidables.

Westworld Sorpresivamente cautivadora para tratarse de una serie en la que nadie sabe bien qué está sucediendo.


POR ALEJANDRO ALEMÁN

LA TELEVISIÓN SE HA ATREVIDO NO SÓLO A ENTRETENER SINO TAMBIÉN A MOSTRAR AL MUNDO TAL CUAL ES: CON SUS MARAVILLAS Y SUS ABISMOS. AQUÍ, ALGUNAS DE LAS MEJORES SERIES DOCUMENTALES.

La joya de la corona en cuanto a series documentales de divulgación científica la tiene (y seguirá teniendo) Cosmos: A Personal Voyage. En 1980 Carl Sagan hizo de la ciencia un fenómeno de masas con esta serie, que en 2015 sería revivida por el astrofísico Neil deGrasse Tyson y renombrada Cosmos: A Spacetime Odyssey. En ella, conceptos complejos como el origen del universo y la vida, la evolución o la relatividad son explicados de una manera sencilla, inteligente y llena de maravilla.

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Probablemente no fue el primero, pero No Reservations, del recientemente finado Anthony Bourdain, puso las bases no sólo de cómo debe de ser una serie documental foodie, sino que además inspiró toda una actitud hacia la comida (y la vida): no tener reservas, probar de todo, saber que la buena comida no es exclusiva de restaurantes caros. Así como los buenos documentales ya no son exclusivos de la sala de cine.

La actual moda de las series true crime se impone, en gran medida, gracias al trabajo del director Andrew Jarecki en su extraordinaria The Jinx. Más allá de tener en sus manos un relato tan incómodo como fascinante (la historia de un multimillonario presuntamente involucrado en dos crímenes), Jarecki impone el rigor visual del mejor cine para decantar su historia y así mantener a tope el suspenso durante seis episodios. Pocas veces el televisor nos había generado tanta tensión y asombro. El giro de tuerca final es uno de los grandes momentos en la historia misma de HBO.

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Otra pieza seminal del género. Narra la historia de Michael Peterson, escritor y padre de familia que una mala noche llamó al 911 para reportar que su esposa se había caído de las escaleras. Luego de morir rumbo al hospital, los peritos examinaron la sangrienta escena del accidente y acusaron a Peterson de asesinato. El acusado permite al director galo, Jean-Xavier Lestrade, documentar a detalle todo su proceso de defensa, desde los ensayos, hasta el juicio. El resultado es la crónica en directo de un caso enigmático, por la constante cantidad de secretos que poco a poco salen a la luz.

El gran mérito del director de esta pieza –ganadora del Oscar a Mejor documental en 2017–, Ezra Edelman, es darse cuenta que la historia de O.J. Simpson tiene como contexto no sólo el famoso crimen, sino la larga historia de abusos e injusticia racial en EE. UU. Con lujo de detalle, la serie muestra los inicios del fabuloso jugador de fútbol americano, su ascenso al estrellato, su desdén por las causas raciales, su fama, y su lento pero seguro proceso de mimetización con la poderosa élite blanca de L.A.

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Demente, inverosímil, alucinante y completamente real. Serie dirigida por los hermanos Way (Chapman y Maclain), y producida por los hermanos Duplass, Wild Wild Country es un viaje por los engranes de una secta y su líder, Osho, quien en su momento reclutó a tanta gente que fue capaz incluso de crear su propia ciudad y su propia economía en pleno Estados Unidos. Todo empezó con meditación y paz interior, para después pasar al sexo, las drogas y el caos. El sueño de la razón produce monstruos, pero al parecer, también finca grandes negocios.

Pocas cosas generan tanta nostalgia como nuestros viejos juguetes. Tal vez por ello esta serie sea tan adictiva. Desde Star Wars hasta Transformers pasando por G.I. Joe y Barbie, The Toys That Made Us narra –de manera ágil y emotiva– los orígenes a veces absurdos (He-Man), a veces épicos (Star Wars), o incluso inverosímiles (el nacimiento porno de la Barbie), de aquellos juguetes que nos hicieron soñar. Al final se trata de historias empresariales sobre innovadores que exploraban territorio desconocido y que, al hacerlo, redefinieron el juego y la infancia de muchas generaciones, incluida la nuestra.

Fundada por el historiador mexicano Enrique Krauze, Editorial Clío realizó junto con Televisa, a finales de los años 90, varias series documentales transmitidas por la poderosa cadena televisiva. La más destacada de ellas fue Los sexenios, en la que, con lujo de material de archivo y una fluida narrativa (en voz del propio Krauze) revisa la historia del México moderno, que es en gran medida la historia misma de sus presidentes. Desde Lázaro Cárdenas hasta Ernesto Zedillo, la serie visita episodios nodales (y terribles) de la vida nacional, como fueron el 2 de octubre del 68, las devaluaciones, la crisis petrolera, el temblor del 85, el fraude electoral del 88 y el error de diciembre de 1994.

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El premio más importante de la TV cumple 70 años. Como ya es costumbre, Game of Thrones es la serie más nominada del año con 22 menciones y Netlix es la compañía que aspira a más premios (112). ¿Qué nos espera este 17 de septiembre? Arma tu quiniela y únete a nuestra cobertura en cinepremiere.com.mx y en redes sociales.

Mejor serie dramática Game of Thrones The Handmaid’s Tale Stranger Things The Americans This Is Us Westworld The Crown

Mejor actor principal en una serie de drama Jason Bateman, Ozark Sterling K. Brown, This Is Us Ed Harris, Westworld Matthew Rhys, The Americans Milo Ventimiglia, This Is Us Jefrey Wright, Westworld

Mejor actriz principal en una serie de drama Claire Foy, The Crown Tatiana Maslany, Orphan Black Elisabeth Moss, The Handmaid’s Tale Sandra Oh, Killing Eve Keri Russell, The Americans Evan Rachel Wood, Westworld

Mejor actor de reparto en una serie de drama Matt Smith, The Crown Nikolaj Coster-Waldau, Game of Thrones Peter Dinklage, Game of Thrones Joseph Fiennes, The Handmaid’s Tale Mandy Patinkin, Homeland David Harbour, Stranger Things

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Mejor actriz de reparto en una serie de drama

Mejor actor de reparto en una serie de comedia

Vanessa Kirby, The Crown Lena Headey, Game of Thrones Alexis Bledel, The Handmaid’s Tale Ann Dowd, The Handmaid’s Tale Yvonne Strahovski, The Handmaid’s Tale Millie Bobby Brown, Stranger Things Thandie Newton, Westworld

Brian Tyree Henry, Atlanta Henry Winkler, Barry Louie Anderson, Baskets Tony Shalhoub, The Marvelous Mrs. Maisel Alec Baldwin, Saturday Night Live Kenan Thompson, Saturday Night Live Tituss Burgess, Unbreakable Kimmy Schmidt

Mejor serie de comedia Atlanta Barry Black-ish Curb Your Enthusiasm GLOW The Marvelous Mrs. Maisel Silicon Valley Unbreakable Kimmy Schmidt

Mejor actriz principal en una serie de comedia Pamela Adlon, Better Things Rachel Brosnahan, The Marvelous Mrs. Maisel Allison Janney, Mom Issa Rae, Insecure Tracee Ellis Ross, Black-ish Lily Tomlin, Grace and Frankie

Mejor actriz de reparto en una serie de comedia Zazie Beetz, Atlanta Betty Gilpin, GLOW Alex Borstein, The Marvelous Mrs. Maisel Laurie Metcalf, Roseanne Aidy Bryant, Saturday Night Live Leslie Jones, Saturday Night Live Kate McKinnon, Saturday Night Live Megan Mullally, Will & Grace

Mejor serie limitada The Alienist The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story Genius: Picasso Godless Patrick Melrose

Mejor actor principal en una serie de comedia Anthony Anderson, Black-ish Ted Danson, The Good Place Larry David, Curb Your Enthusiasm Donald Glover, Atlanta Bill Hader, Barry William H. Macy, Shameless

Mejor película de TV Fahrenheit 451 Flint Paterno The Tale USS Callister (Black Mirror)

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