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KAOS Revista Fotográfica

Viernes 9 de febrero 2018 N° 15

La técnica del

Barrido o paneo

Historia del

Light painting

El enmarcado en fotografía

La velocidad

como técnica fotográfica

Técnica de la

Contraluz

Entrevista con el fotógrafo

Kavi Sánchez


KAOS

Consejo Editorial

Encargado de fotografía José Reynoso

Encargado de diseño Sergio Elías Taveras Rodríguez

Carta editorial Es bueno mirar hacia adelante y pensar en el futuro. Pero también hay momentos en que vale la pena detenerse y mirar hacia atrás para apreciar cuánto se ha avanzado. La idea de hacer esta revista surgió de la unión de muchos elementos e ideas. La satisfacción de lo que se va logrando es grande y es el reflejo del esfuerzo y del constante alegría vemos que se sigue avanzando, siempre con el objetivo de compartir información y de plasmar nuestra visión de la fotografía. Es importante resaltar que todo esto se pudo hacer gracias al esfuerzo de todo un equipo dedicado a la producción de la revista, incluyendo las secciones de diseño, edición y redacción. Y, finalmente, debemos un agradecimiento especial a todos nuestros lectores, quienes son la razón de ser de esta publicación. Sus comentarios siempre son un incentivo para continuar en este camino y nos ayudan siempre a mejorar.

Encargado de publicidad Braulio Parra

Encargada de redacción Saile Nathalia De Peña

Sin ustedes no somos lo mismo! Saile Nathalia De Peña


Indice FotografĂ­a contraluz

El enmarcado

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El barrido o paneo

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La velocidad

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El light painting

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Entrevista a Kavi SĂĄnchez

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La velocidad frizada o congelada

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La profundidad de campo

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Fotografía “contraluz” U

n contraluz se produce cuando hacemos una fotografía y la fuente de luz está frente a la cámara. En consecuencia, si el sujeto también se encuentra justo delante de la luz, aparecerá oscuro. Antes de continuar con lo que nos ofrece el contraluz, vamos a definirlo bien para que no haya dudas. Las fotos a contraluz se caracterizan, como bien sabes, por que la fuente de iluminación (bien sea natural o artificial) se encuentra frente a la cámara y no detrás o en un lateral. Se pueden presentar varias opciones: que la luz no incida directamente sobre la cámara porque está tapada por el sujeto (u objeto) o porque decidamos dejarla fuera del encuadre, o que sí que disparemos directamente a la fuente de luz.

¿Cómo utilizarlo? Aunque en la mayoría de ocasiones evitamos hacer fotos a contraluz porque queremos que el sujeto que nos interesa aparezca bien iluminado, también podemos sacarle partido si sabemos cómo utilizar esa fuente de luz a nuestro favor. El momento más propicio del día para hacer este tipo de foto es durante la hora mágica. Además de poder aprovechar la luz del sol, durante ese rato aumentará la temperatura de color produciendo tonalidades azules y rosadas. Si combinamos esos tonos en un contraluz, conseguiréis una atmósfera cálida y mágica. Si estamos en exterior y utilizamos la luz natural, tendremos que tener en cuenta la posición del sol respecto a nosotros y el sujeto a fotografiar.

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8 Consejos para fotografiar contraluces No te voy a engañar, el contraluz no es tarea fácil, pero todo lo que merece la pena en esta vida conlleva un poco de esfuerzo. Además, ¿qué no podemos conseguir con ilusión y práctica? Estos consejos te ayudarán a lograr unos buenos contraluces: 1- Medición puntual: Utiliza el modo de medición puntual para poder medir mejor la luz y así tener un mejor control del contraluz. Puede que quieras obtener una silueta totalmente oscura, o parcialmente

5- Cuenta una historia: Que tu imagen cuente algo siempre es importante, pero cuando no podemos ver el rostro de una persona o sus gestos, o las texturas de un objeto, prima aún más la necesidad de que la silueta cuente una historia. 6- Exposición: Si quieres un contraluz en su totalidad, has de exponer el fondo (aun-

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iluminada, o que el sujeto esté bien iluminado pero se vea la luz detrás. En función del efecto que desees, tendrás que medir en un lado o en otro, pero no conseguiras un buen contraluz utilizando el modo matricial o el modo de medición evaluativa. Si tu cámara no tiene esta función, no te preocupes, ayuda a medir la luz, pero no es imprescindible para lograr un contraluz.

por la magia y la frescura que transmiten. Además las líneas de los destellos te pueden servir de guía para dirigir la mirada al punto de interés.

2- Destellos: Durante mucho tiempo se han considerado un error en la imagen, sin embargo, ahora están de moda. Si te digo que incluyas destellos en tu fotografía no es por seguir la moda precisamente (yo no soy mucho de seguir modas), sino

4- Composición: Sobre todo a la hora de fotografiar una silueta, es muy importante que hagas un buen encuadre y una composición más elaborada. La silueta pierde el color y necesita que la composición compense otras “carencias”.

que tengas que reencuadrar). 7- Haz los retratos de perfil: Cuanto menos iluminado desees retratar a tu sujeto, más conveniente será que lo pongas de perfil, así la nariz, los labios, la barbilla, nos darán la información de su fisionomía. 8- Aprovecha las horas doradas: En realidad de hora nada, que ese

3- El flash: Si lo que deseas es un contraluz total, evítalo. Puedes usarlo si buscas iluminación de relleno para un retrato, aunque también existen los reflectores (si quieres un resultado más natural).

momento justo de luz dorada antes de que se ponga el sol dura unos escasos quince minutos, pero merece la pena aprovecharlos porque la luz que ofrece es espectacular. Con esta aplicación ¡no se te escapará ningún atardecer! Y si se te escapa algún amanecer es porque te quedas dormido.


El enmarcado Enmarcar es un recurso de composición para atraer la atención del espectador. Consiste en colocar un marco alrededor del motivo de la fotografía. ¿No lo hemos hecho alguna vez en casa con un cuadro? Este marco puede crearse en la misma foto con elementos que la compone ¿Cuándo vale la pena enmarcar? Muy seguramente cuando el motivo queda un poco aislado en la fotografía, cuando queda mucho espacio sin sentido pero a la vez no podemos o no queremos acercarnos a el. ¿Con que podemos enmarcar? Podemos buscar árboles, ramas, rocas o elementos artificiales como son puertas y ventanas, señales de tráfico, edificios ... la verdad es que las opciones son infinitas.

Como complemento de las Reglas de composición, hoy hablaremos del enmarcado o encuadre. El enmarcado o encuadre es probablemente la técnicas de composición más fácil en fotografía. Esta técnica se basa simplemente en usar objetos que sirvan para enmarcar al sujeto principal, como puede ser marcos, rejas, escaleras, arboles, manos, ventanas, etc, en si cualquier objeto que te ayude a delimitar el contorno del sujeto o tema principal.

1- Encuadre simple: en donde se añaden estos elementos que harán que se delimite la fotografía, llevando toda la atención al tema principal, aumentando la profundidad y el equilibrio de la composición, llegando a eliminar detalles innecesarios y cubrir primeros planos vacíos.

Enmarcar o encuadrar produce mayor profundidad a la imagen, lo que le da un mayor enfoque e importancia al tema principal. Existen dos tipos de encuadre:

El resultado es siempre elegante y potencia la foto por el efecto de atraer la mirada hacia el motivo. Sin duda este recurso hay que verlo a la hora de hacer la foto porque añadirlo en el laboratorio mediante un fotomontaje le restará mucho interés. 2- Encuadre compuesto: este tipo de encuadre fotográfico, trata de ilustrar una imagen dentro de otra, es decir, en la misma composición un elemeno se encuadra con otro, haciéndolo destacar dentro de la misma composición.

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El light painting

Es una técnica fotográfica que consiste en “pintar con luz” en una exposición prolongada. Light painting es una técnica fotográfica en la que las exposiciones son largas, y se hacen moviendo una fuente de luz con la mano. Básicamente se trata de dibujar en el aire con una fuente de luz las formas que quieres que se vean en la foto El término light painting o Fisiograma también abarca imágenes iluminadas desde el exterior del marco con fuentes de luz de mano.

La historia del Light painting se remonta a 1914 cuando Frank Gilbreth y su esposa Lillian Moller Gilbreth utilizaron por primera vez pequeñas luces para seguir el movimiento del proceso de fabricación de su empresa en una fotografía de larga exposición. Su intención no era producir las fotografías como una acti-

vidad artística, sino estudiar la posibilidad de simplificar el trabajo que se desempeñaba en su empresa, aun así produjeron la que para nosotros hoy en día se conoce como la primera fotografía en la que la escena estaba pintada con luz. En 1935, Man Ray fue el primer ar-

tista en explorar la técnica del Light painting. Su mayor contribución a esta disciplina se produjo en su serie de fotografías: “El espacio de escritura”. Man Ray abrió el obturador de su cámara y utilizó una linterna pequeña para crear una serie de remolinos y líneas en el aire.

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En la década de 1930 a 1940, Gjon Mili empezó a utilizar la luz estroboscópica para capturar el movimiento de todo lo que le rodeaba, desde bailarines y malabaristas hasta cuantas personas eran capaces en una sola exposición. Sus técnicas hoy en día siguen siendo muy utilizadas en fotografía de larga exposición, tanto nocturna como diurna.

Fue en 1949 cuando Pablo Picasso, influenciado por Gjon Mili, realizó una fotografía en la que dibujaba la silueta de un centauro mediante una pequeña fuente de luz. Por su parte, Eric Staller contribuyo enormemente al Light painting con su serie “Dibujos de Luz” siendo esta la mayor serie de fotografía nocturna utilizando la disciplina del Light painting publicada hasta su momento.

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El barrido o paneo

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arrido o Paneo (del inglés panning) es el nombre dado a una de las técnicas fotográficas utilizadas para reflejar el movimiento en una imagen. Recibe el nombre de la sensación que produce y del movimiento realizado con la cámara. En los barridos los elementos en movimiento aparecen nítidos (o por lo menos, sólo ligeramente borrosos) y lo que realmente vemos difuminado, movido, son los elementos a su alrededor y que normalmente son estáticos en la realidad (edificios, una calle, etc.). Cuando en nuestra toma hay elementos en movimiento sabemos que según el valor que seleccionemos en la velocidad de obturación podemos conseguir resultados muy diferentes. Con velocidades rápidas congelamos el movimiento y con velocidades lentas capturamos el efecto de movimiento, siempre con la cámara fija. ¿Qué ocurre cuando

movemos la cámara? La técnica de barrido nos permite congelar al sujeto y a su vez crear un efecto de movimiento en el fondo, moviendo la cámara. Se utiliza con sujetos que se mueven perpendicularmente a nosotros. La técnica consiste en seguir con la cámara al sujeto desde antes que pase por el punto elegido para la toma, manteniéndolo en todo momento en el encuadre de la cámara, moviéndo la misma a tal efecto, efectuando un giro con nuestro cuerpo como eje, y cuyo resultado es un desplazamiento horizontal o “barrido” del fondo. El disparo se realiza cuando el sujeto esté frente a nosotros. Es importante que sigamos moviendo la cámara un poco más después de disparar para completar la trayectoria. Una velocidad de 1/60” - 1/125” congelará el movimiento del sujeto y el barrido que hacemos con la cámara creará el

efecto de movimiento del fondo. Es importante elegir un fondo adecuado, cuyo desplazamiento sea a su vez un fondo agradable para nuestra foto. En el caso de autos o motos, la velocidad elegida debe permitir que se vea el efecto de movimiento en las ruedas que no es de traslación si no giratorio y a gran velocidad. Nosotros nos moveremos a la velocidad del sujeto fotografiado efectuando un seguimiento de él. Esta velocidad y por lo tanto el efecto de movimiento será mayor cuanto más rápido vaya el sujeto o más cerca se encuentre. Es importante mover la cámara en una línea horizontal ya que cualquier desplazamiento hacia arriba o hacia abajo se verá reflejado en la foto. Es común, por ejemplo, bajar un poco la cámara el final del giro.

Si vas a practicar, unos consejos: Focal: encuadrar la foto como la quieres antes que llegue el vehículo y luego no tocar la focal. Es mejor usar una focal de 50mm o superior para lograr cierto desenfoque del fondo. Velocidad de la cámara: la velocidad debe estar entre 1/60” y 1/125”. Usar 1/60” para que se vea el movimiento de las ruedas en el supuesto de fotografiar vehículos. Exposición: medir la exposición para la luz existente en el lugar donde vas a obturar, elegir el diafragma y poner en manual. Enfoque: El enfoque lo podemos efectuar también “a

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priori”, siempre en la zona donde hemos encuadrado, tomando algún otro objeto como referencia y luego pasando a manual. También podemos usar enfoque continuo con seguimiento al sujeto, dependerá de tu cámara, no da buenos resultados en cámaras como la D40. Fondo: Elegir un fondo que quede bien al hacer el barrido, que haga rayas. Barrido: seguir el auto/moto/ave o lo que sea que se mueve en su trayectoria manteniendo la cámara derecha, y obturar en el momento que lo tienes en el encuadre elegido, generalmente de plano.

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Kavi Sánchez A

continuación entrevistamos a Kavi Sánchez, fotógrafo publicitario profesional especializado en fotografía de arquitectura e interiores, alimentos y de producto desde hace 15 años, y miembro del jurado profesional del Concurso “Shoot the Architecture #STA13” de Photocertamen. Si quieres saber más sobre su trabajo y su particular visión de la fotografía sólo tienes que seguir leyendo. Kaos: ¿Cómo y cuándo empezaste en la fotografía?

Me sedujo la idea de hacer llamar la atención a través de imágenes, decidí hacerme con una cámara y quise aprender, empecé a estudiar y fotografié y fotografié. Al cabo del tiempo noté como mis pensamientos aparecían en la forma y en el momento que yo quería, mi atención fue creciendo y el tiempo sentía que se anclaba y alargaba aunque el minuto seguía teniendo 60 segundos. Mis pensamientos parecían batiéndose en retirada. Por tanto el problema es la primera señal, el azar viene después, y la atención la pones tú, y procura que no se te escape.

Kavi Sánchez: Mis comienzos en fotografía surgieron de un modo casual (o eso creía yo), cuando un día reparé en que su práctica solucionaba mis crecientes, angustiosos e importantes problemas de falta de atención. Por aquel entonces (hace ya de eso mas de 15 años) un torrente de pensamientos continuos, obsesivos e incontrolables inundaban mi mente sin saber porqué, abstrayéndome del momento de tal manera que no existía el presente. Entre otras cosas probé con la meditación, pero, aunque aliviaba, pronto fue pasto de mis pensamientos, logrando de nuevo una nueva victoria que hacía cada vez mas espléndida su presencia. Un día cayó en mis manos un catálogo publicitario en una sala de espera y abriéndola al azar di con mi mirada en una imagen de un exprimidor de frutos. Me impactó como un objeto tan espantosamente simple podía a través de una imagen hacerse tan presentable y llamar tanto la atención, palabra está sin presencia en mi por aquel entonces.

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Me especialicé en fotografía publicitaria, de producto y alimentos, de arquitectura e interiores, dirigiendo la atención de los consumidores en beneficio de mis clientes… arquitectos, diseñadores, restaurantes, hoteles, agencias, editoriales, magazines especializados, marcas, edificios, casas singulares etc.

Kaos: ¿Tu primer fotógraf@ o fotografía que te hizo sentir algo especial?

Kaos: ¿Por qué fotografía de arquitectura?

Kaos: ¿Y el último fotógraf@ o la última fotografía?

Kavi Sánchez: La práctica de la Fotografía de Arquitectura logra conmoverme y me hace sentir feliz, son dosis de sensaciones que me hacen sentir muy vivo.

Kavi Sánchez: Mi última fotografía que me produjo satisfacción.

Soy muy independiente y emprender un viaje con todo mi equipo hacia un lugar desconocido para encontrarme cara a cara con La Arquitectura es todo un reto y una aventura. Una vez ante él, da comienzo un diálogo sordo entre nosotros. Siempre tengo una primera sensación de rechazo, como si se incomodase celoso de no querer compartir los secretos que sus formas ocultan. La sensación de haber conseguido desvelar parte de esos secretos y reflejarlos en mis imágenes me hace sentir que ha habido una aprobación final de La estructura, es darse la mano antes de despedirnos. Por tanto el por qué, es porque siento algo especial.

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Kavi Sánchez: La imagen del planeta azul desde el espacio. No se puede abarcar más con tan solo mover un dedo.

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Kaos: ¿Tus ideas son fruto de un estudio previo o surgen naturalmente?

Yo le dedico el tiempo que sea necesario a la toma, te garantiza el 80% del éxito y tu buena relación con la estructura. Kaos: ¿Recuerdas tu primera cámara? Kavi Sánchez: Pues no, pero como algo ya un tanto profesional una nikon analógica, creo recordar nikon 60. Kaos: ¿Con que equipo y software trabajas actualmente? Kavi Sánchez: Hasselblad H5D, objetivos HCD 4 /28 y HC 2,8 /80 con convertidor de inclinación / desplazamiento. Nikon D800 con gama de objetivos 2.8 de Nikkor: 14-24 / 24 -70 / 70-200 Y PC -E 24 1: 3,5 D

Kaos: La eterna pregunta, ¿el fotógrafo nace o se hace? Kavi Sánchez: Según nace se va haciendo. Kaos: Por último, ¿un consejo para alguien que está empezando en la fotografía de arquitectura? Kavi Sánchez: Que se vaya a una buena librería, localice edificios, haga una lista, que ejercite bien sus piernas, tenga un vehículo preparado y empiece la aventura. Si es posible que le acompañe sólo su equipo. Lo demás aquí estorba.

Kavi Sánchez: Siempre he creído que las ideas andan por ahí esperándote en algún lugar y en algún momento. Te encuentras con ellas provocándolas y haciéndolas salir de su escondite y eso lo consigo agudizando la consciencia y la atención. Kaos: ¿Qué prefieres, dedicar más tiempo a la toma y tener menos procesado, o al contrario? Kavi Sánchez: Siempre lo más auténtico es lo que no se desvirtúa, lo que no es necesario forzar porque si lo haces lo estropeas. Si ves que la imagen necesita de continuos retoques es que no le has dedicado el tiempo suficiente a la toma y la esencia se pierde.

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La velocidad

a velocidad de obturación es una de las formas de regular la cantidad de luz que entra al sensor de nuestra cámara. Variando el control de la velocidad de obturación podrás hacer la misma fotografía con resultados muy distintos. Uno de los elementos en los que impacta de una manera más determinante es en la congelación (o no) del movimiento. Con el fin de conocerlo un poco mejor, en este artículo abordaremos todo lo que necesitas saber sobre éste concepto fotográfico explicado con ejemplos. ¿Te quedas conmigo para descubrirlo? El término velocidad de disparo es el tiempo que el obturador permanece abierto dejando pasar la luz al sensor. En la fotografía digital es el tiempo que el sensor de imagen “ve” la escena que está tratando de capturar. Junto a la apertura del diafragma, es uno de los principales componentes necesarios para formar una

exposición adecuada. En general se mide en segundos o fracciones de segundo; 1”, 2”, 1/20, 1/60, 1/250. Lo más frecuente es disparar con fracciones de segundo, que a veces por comodidad se suelen expresar en la cámara con cifras como 30, 60, 250, 2000, etc. Lo habitual es que una cámara pueda seleccionar entre velocidades que van desde los 30” hasta los 1/2000. Cuanto mayor es el denominador, mayor será la velocidad, es decir, que será mucho más rápida. Esas velocidades son las más utilizadas, ya que algo más lento es difícil de usar sin tener movimiento de la cámara mientras que el obturador se abre y da lugar a falta de definición en las fotografías. Para ello es necesario un trípode o algún tipo de estabilización de imagen.

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La velocidad frizada o congelado

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ongelado es el nombre dado a una característica de la imagen fotográfica y a la técnica empleada en su obtención, en la cual la velocidad de desplazamiento del motivo es ampliamente inferior al de la velocidad de obturación empleada, de tal manera que el sujeto fotografiado aparece totalmente quieto en la imagen, como si estuviese congelado. Se tiene en cuenta este concepto especialmente cuando se habla de la fotografía de sujetos que se mueven a velocidades en las cuales es difícil para el ojo humano capturar los detalles, permitiendo el análisis detallado de sujetos en desplazamiento. Tiene su aplicación en la fotografía de deportes, el fotoperiodismo, la fotografía científica y en general en las disciplinas en donde se requiere el estudio del movimiento.

Múltiples son las combinaciones de velocidad de disparo dependiendo de lo que quiera hacer. Velocidades cortas (también llamadas rápidas) se pueden utilizar para congelar el movimiento, por ejemplo de un coche de F1, en cambio velocidades de larga exposición (también llamadas lentas) se pueden utilizar para difuminar intencionalmente movimiento para efectos artísticos o para hacer fotografías nocturnas con poca luz, las cuales necesitan esa velocidad para que llegue más cantidad de luz al sensor. Hay que tener en cuenta que cuanto menor sea la velocidad, más sensible es la imagen en cuanto a la vibración de la cámara. A menudo las cámaras incluyen una o dos opciones para hacer exposiciones muy largas: 1- Bulb: mantiene el obturador abierto, siempre y cuándo el disparador se mantiene.

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2- Por tiempo: el obturador se mantiene abierto hasta que el disparador se presiona de nuevo. Hay una regla que sirve de orientación. Dice que la velocidad mínima de disparo que te asegura que no te salga movida la imagen es la inversa a la distancia focal que uses; es decir, si disparas con un 300 mm deberías hacerlo a una velocidad de 1/300 para asegurarte que no le salga movida, aunque también dependa de otras condiciones. La apertura y control de velocidad de disparo para una exposición tienen una relación muy fuerte. El tamaño del diafragma del objetivo permite la entrada de luz a través de la lente y controla la profundidad de campo. La velocidad regula el tiempo para absorber la cantidad de luz.

Algunos de los mejores momentos de nuestra vida cotidiana ocurren en movimiento: el baile de una boda, la primera vez que un niño resbala por un columpio, la nueva pirueta de tu amigo con la tabla de skate... Congelar un momento exacto y único que además consiga provocar una emoción no solo se consigue sabiendo cómo ajustar bien los parámetros de tu cámara réflex (aunque también deberás saber cómo ajustarlos) Quédate conmigo y toma buena nota de estos seis consejos, tanto técnicos como compositivos, que te ayudarán a congelar el movimiento y conseguir capturas únicas e irrepetibles. 1. Usa una Velocidad de Obturación Rápida Cuando el objeto fotografiado se encuentra en un movimiento y lo queremos congelar dentro de nuestra captura tendremos

que utilizar una velocidad de obturación muy rápida, normalmente siempre superior a 1/500. Eso sí, deberás tener en cuenta que una velocidad de obturación rápida reduce mucho el tiempo de exposición y limita la cantidad de luz que entra, por lo que las imágenes tenderán a oscurecerse. Esto puede no ser un problema si fotografías un día soleado al aire libre, te afectará más en interiores o días nublados. En cualquier caso, es importante que contrarrestes esa posible subexposición aumentado la apertura, modificando la ISO o utilizando el flash.

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2. Aumenta la Apertura del Diafragma

5. Usa el Modo Ráfaga y el Enfoque Continuo

La ventaja de trabajar con aperturas altas (número f bajo) es que entrará mucha más luz dejándonos aumentar también la velocidad del obturador. Eso seguro que ya te lo imaginabas, pero lo que debes tener en cuenta es que, junto con la focal que utilices y la distancia al objeto enfocado, con la apertura del diafragma se determinará también la profundidad de campo que tendrá la toma.

A la hora de realizar tus fotografías, además de usar el modo manual o los semiautomáticos que te he comentado antes, no olvides dos cosas más: disparar en modo ráfaga y en formato RAW. De esta manera,

cuando vayamos a revelar las fotos podremos elegir cual de todas nos gusta más y, al estar en formato RAW, podremos editarlas mucho mejor en el postprocesado. Lo habitual cuando se utiliza el modo ráfaga, es configurar el Modo AI Servo si tienes una Canon (AF-C

en Nikon) ya que vamos a realizar varios disparos con el fin de obtener distintas fotografías de nuestro sujeto bien nítido. Utiliza el servo continuo siempre que puedas para mantener enfocado al sujeto mientras mantengas pulsado el botón de enfoque.

3. Controla la ISO para una Correcta Exposición Como ya sabes, la sensibilidad ISO es uno de los parámetros que nos ayuda a conseguir una correcta exposición en nuestra captura. Nos permite variar la sensibilidad del sensor de la cámara réflex para que pueda captar mayor o menor cantidad de luz. Sin embargo, utilizar una ISO demasiado alta también implica el aumento del ruido digital en nuestra fotografía. Por lo tanto, es mejor que tengas seleccionado siempre el valor mínimo y solo lo aumentes si las condiciones de luz lo requieren o si tienes que compensar necesariamente los valores de tiempo de exposición y apertura.

4. Prueba a Utilizar el Flash y/o Lentes Luminosas Otra buena opción que tenemos para congelar el movimiento es usar el flash. Preferiblemente es mejor utilizar un flash externo, porque podremos sincronizarlo fácilmente con nuestra cámara y nos ayudará a congelar ese movimiento, independientemente de la velocidad de obturación que utilicemos. La clave está en ajustar la sincronización del flash al máximo, generalmente en 1/250 (aunque si tienes un flash HSS/alta sincronización podrás aumentar más la velocidad). De esta forma podremos lanzar el destello inmediatamente después de presionar el botón del obturador.

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6. La Clave para Congelar el Movimiento: La Composición Y en último lugar, y no por ello menos importante, te voy a hablar sobre la composición de tus fotografías en movimiento. La elección del tema que vayas a fotografiar y el momento exacto que realices la captura son la clave para conseguir un buen resultado, algo que transmita algo al espectador. El vuelo de un pájaro, una botella estrellándose contra el suelo o un globo explotando, son ejemplos de momentos únicos que transmiten esa fugacidad que buscas congelar. Por este motivo, es una técnica que se suele utilizar mucho en fotografía de deportes, vida salvaje o cualquier actividad que implique acción.

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La profundidad de campo ¿Qué es la profundidad de campo? Explicada llanamente, la profundidad de campo es la zona de la imagen que está nítida o bien enfocada, en contraste con otras zonas de menor enfoque. Como bien sabes, en cualquier encuadre el objetivo puede enfocar únicamente un punto, no varios. Eso sí, ese punto enfocado puede ser ámplio o reducido, según nosotros queramos y según nos permitan las capacidades de nuestro objetivo. La zona de la imágen que aparecerá nítida y estará bien enfocada determinará nuestra profundidad de campo. Para explicar mejor este concepto te he preparado un pequeño gráfico, muy simple y fácil de entender. – La apertura de diafragma A mayor apertura de diafragma menor profundidad de campo. – La distancia focal (zoom) A mayor distancia focal (más zoom) menor profundidad de campo. – La distancia real entre la cámara y el punto enfocado. Cuanto menor es la distancia al sujeto que se enfoca menor es la profundidad de campo.

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¿Cómo utilizo la profundidad de campo en mis fotos? Al hacer una foto plantéate qué partes de la escena quieres enfocadas y qué partes no. Profundidad de campo reducida: Utilizar una profundidad de campo reducida puede ayudarte a destacar un elemento sobre el fondo (o sobre un primer plano) y también puede aislar un objeto. Profundidad de campo amplia: Sirve para sacar toda la escena lo más nítida posible y no obviar ningún detalle. Prueba a jugar con ella. Haz dos fotos del mismo motivo de las dos maneras y compáralas.

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Previsualización de profundidad de campo. Busca en el manual de tu cámara si ésta tiene botón de previsualización de profundidad de campo. Este botón sirve para cerrar el diafragma del objetivo (que en estado de inactividad está siempre lo más abierto posible) hasta la apertura ajustada en la cámara. De este modo podemos ver en el visor cómo quedará la imagen definitiva con esos ajustes. No te asustes si ves que todo se oscurece al pulsar el botón, es normal, simplemente fíjate en cómo afecta a la nitidez en las distintas distancias de la escena.


Revista kaos  

Primer Parcial, Diseño Informatizado III Prof. Suany Rosario Integrantes José Reynoso 2017-0502 Braulio Parra 2017-0143 Sergio Elias Tav...

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