Page 1

Edición N° 1

“El diseño es el método de juntar la forma y el contenido. El diseño es simple, por eso es tan complicado.” —Paul Rand—

Julio del 2013

Quito - Ecuador

“El diseñador gráfico trabaja en la interpretación, el ordenamiento y la presentación visual de mensajes. Su sensibilidad para la forma debe ser paralela a su sensibilidad para el contenido.” —Jorge Fraseara —

Por Joseph Pazmiño V.

Proceso de diseño.

Tipos de diseñadores gráficos.

1.- Análisis:

Diseño Editorial.

Como factor común la primera etapa consiste necesariamente en asimilar el problema, conocerlo y dimensionarlo para poder tener una visión completa de él.

Si eres bueno para elegir la mejor tipografía en un libro y tienes talento para encajar montones de texto en una sola página de forma que sea clara y atractiva a la vez, te encontrarás trabajando para editoriales, revistas, empresas de impresión y por qué no, freelance.

2.- Diseño o planificación:

Si deseas llegar a ser un diseñador web / móvil, entonces deberás ser muy hábil en Photoshop, Illustrator; igualmente, debes tener conocimientos de HTML , CSS y estar familiarizado con el concepto de Estándares Web.

Se comienza a planificar la solución, tanto desde la perspectiva del manejo del proyecto, así como desde el diseño lógico, la planificación concreta de la solución.

Diseño Web Móvil.

3.- Desarrollo: Con la planificación y desarrollo conceptual resueltos, se procede a desarrollar las piezas necesarias que compondrán la solución. 4.- Distribución, implantación: Finalmente luego del desarrollo de las piezas que constituyen la solución, se procede a realizar las pruebas finales y se distribuye el producto al entorno del cliente.

1 continúa en la página 14


RELACION FIGURA FONDO LA FORMAS La forma constituye las características estructurales de los objetos, sin tener en cuenta su orientación ni ubicación en el espacio; se refiere también a sus límites que pueden ser lineales, de contorno o de superficies, y a la correspondencia entre interior y exterior, en nuestras vidas, contemplamos formas diversas y cada una de ellas posee determinado sentido para nuestra percepción. Esto es la figura o aspecto externo de un cuerpo, cosa, objeto o plano material.

CARACTERISTICAS: Todas las formas existentes en nuestro entorno poseen cinco características fundamentales: Configuración, Tamaño, Color, Textura, Posición.

Configuración

Se dice que cuando una forma se descompone en sus partes, pierde su configuración y se percibe como no configurada. Se dice que “la forma es un todo”, es algo más que la suma de sus partes. Si se alteran los elementos que la conforman, pierde significación.

Tamaño

El tamaño depende de la relación y comparación entre una forma y otra. Así, pueden establecerse formas de mayor tamaño, si se compara con otra de tamaño menor.

Color

El color, junto con la textura, conforma el aspecto superficial de la forma.

Textura

Se refiere a la apariencia externa de la forma que podemos percibir a través de la vista y el tacto, según el tratamiento que se le de a la superficie de la misma.

Posición

Se relaciona más con el concepto de forma compositiva o composición y tienen que ver con la forma en el espacio. La posición y la orientación de la forma dependen también de su organización en la composición.

CLASIFICACIÓN Las formas se pueden clasificar según su origen en: Orgánicas, Artificiales, Básicas

Formas Orgánicas

Son aquellas que pertenecen a la naturaleza, a las que el hombre recurre, generalmente para sus creaciones artísticas.

2

Formas Artificiales

Son aquellas creadas o fabricadas por el hombre.

Formas Básicas

Son el círculo, el cuadrado y el triángulo equilátero

TIPOS DE FORMAS: Los tipos de formas son: Simbólicas, Abiertas y Cerradas, Abstractas, Figurativas, Simétricas, Bidimensionales, Tridimensionales, Positivas y Negativas, Ambiguas, Estilizadas.

Formas Simbólicas Tienen una significación que va más allá de lo que se representa. Algunas tienen significado patriótico, religiosos, poético, oníricos, sexuales, guerreros, de paz, etc, ejemplo la bandera nacional

Formas Abiertas y Cerradas

La forma abierta se percibe cuando se relacionan con el fondo. La forma cerrada se diferencia de la abierta por su contorno, por la continuidad del contraste con respecto al fondo. Podemos distinguirla cuándo observamos una obra pictórica o un diseño gráfico.

Formas Abstractas

Son aquellas que no representan algo concreto. Esta formas tienen belleza absoluta debido a que ninguna obra es igual que la otra.

Formas Figurativas

Formas concretas usadas normalmente para expresar ideas de imágenes con formas existentes, pero las modifican en función de la composición.

Forma Simétrica

Las formas simétricas son aquellas que la correspondencia exacta en forma, tamaño y posición de las partes de un todo, también en obras artísticas encontramos simetría. Según sus dimensiones, las formas son: bidimensionales y tridimensionales.


Formas Positivas y Formas Negativas

Generalmente la forma se la ve como ocupante de un espacio, pero también puede ser vista como un espacio en blanco, rodeado de un espacio ocupado. Cuando ocupa el espacio se dice que es positiva. Cuando se percibe como un espacio en blanco, rodeado por un espacio ocupado es llamada negativa. En blanco y negro tendemos a considerar el espacio en blanco vacío y al negro ocupado.

Formas Ambiguas

Las figuras o formas reversibles presentan cierta ambigüedad por que se perciben alternativamente las zonas correspondientes a figuras y fondos, positivos o negativos. Las figuras o formas imposibles se pueden dibujar, pero no se pueden construir en tres dimensiones.

Forma Estilizada

Es una forma a su máxima simplicidad. Por lo general la complejidad del motivo se reduce a formas geometrizadas que caracterizan sus rasgos fundamentales.

EL CONSTRASTE

El contraste es el efecto que permite resaltar el peso visual de uno o más elementos o zonas de una composición mediante la oposición o diferencia apreciable entre ellas, permitiéndonos atraer la atención de espectador hacia ellos. El contraste se refiere a la diferencia en el atributo visual que hace que un objeto sea distinguible de su fondo. Por lo que, existe una relación entre las zonas más claras y más oscuras de una imagen.

FIGURA Y FONDO

Los espacios vacíos carecen de contrastes; por lo tanto, los percibimos como un fondo limitado por un marco. Se establece el contraste si colocamos una figura dentro de ese espacio. A veces puede ocurrir que el fondo sea la figura, como sucede en las formas positivas y negativas, el fondo o forma negativa constituye el espacio que deja la forma positiva o figura.

IA SAMPEDRO SON

3 DISEñADORA GRáFICA


La sintaxis de la imagen se sitúa dentro de la serie de trabajos que fundamentándose en los estudios científicos sobre las bases de la percepción visual, tratan de establecer los principios de la teoría de la coordinación de los elementos plásticos en vistas a la elaboración de una verdadera gramática de las imágenes. Conocer racionalmente los elementos y materiales con los que se trabaja El conocimiento del comportamiento de los elementos básicos de la percepción visual es también interesante para todos aquellos que sin ser ellos mismos productores de obras visuales, se preocupan o interesan por un sistema de comunicación dentro de la sociedad actual. LA FALSA DICOTOMIA

EL IMPACTO DE LA FOTOGRAFIA

BELLAS ARTES Y ARTES APLICADAS La experiencia visual humana es funda mental en el aprendizaje para com prender el entorno y reaccionar ante ella. En cualquier momento de la historia su definición cambia y se altera, pese a lo cual hay dos factores constantes de diferenciación: la utilidad y la estética.

El último bastión de la exclusividad del “artista” es la capacidad de dibujar, de reproducir el entorno tal como aparece, la cámara en todas sus formas ha acabado con ello, hay pocas dudas de que en el estilo de vida contemporáneo ha influido la fotografía profundamente.

La diferencia más mencionada entre lo utilitario y lo puramente artístico es el grado de motivación hacia la produc ción de lo bello, pero las finalidades de las artes visuales son muchas, Sócrates plantea la cuestión “si las experiencias estéticas tienen un valor intrínseco o hay que valorarlas o despreciarles por su estimulo de lo provechoso y lo bueno”.

-

La visión contemporánea de las artes visuales ha avanzado más allá de la simple polaridad entre artes, llegando hasta las cuestiones de la expresión subjetiva a la función objetiva. El diseñador no es el único que enfrenta este problema de gusto personal, muchas veces un artista, tiene que modificar su obra por que ha recibido un encargo de un cliente que sabe muy bien lo que quiere.

El aumento de influencia de la fotogra fía, constituye un retorno a la importan cia de nuestros ojos en la vida, al ver hacemos muchas cosa más: experimen tamos lo que está ocurriendo de una manera directa, descubrimos algo que nunca habíamos percibido o ni si quiera mirado. Expandir nuestras capacidades de ver es expandir nuestras capacidades de comprender un mensaje visual y lo que es aun más

Lina González

SINTAXIS DE LA IMAGEN

CONOCIMIENTO VISUAL Y LENGUAJE VERBAL Visualizar es la capacidad de formar imágenes mentales, creamos la visión de cosas que jamás hemos visto, esa pre visualización va ligada al salto creador, o síndrome de Eureka, como medio primario de resolver problemas.

-

El lenguaje ha ocupado una posición única en el aprendizaje humano. Es una descripción muy sumaria pero está claro que hasta en su forma más simple, la alfabetizad verbal constituye una estructura dotada de planos técni cos y definiciones basadas en un consenso que, comparativamente hace que la comunicación visual resulte casi totalmente carente de organización.

ALFABETIDAD VISUAL Todos los sistemas de símbolos son invenciones del hombre, y los sistemas que denominamos lenguaje son invenciones o refinamientos de lo que en otro tiempo fueron percepciones del objeto dentro de una mentalidad basada en la imagen. La vista es natural. Pero la efectividad en ambos niveles solo puede lograrse mediante

4

En parte a causa de la separación dentro de lo visual entre arte y artesanía, mucha comunicación visual se ha dejado en manos de la intuición y el azar, en realidad en este campo los sistemas educativos avanzan a una velocidad monolítica, con exclusión del resto de las sensibilidades humanos prestando muy poca atención al carácter aplastantemente visual en la experiencia de aprendizaje del niño.

El examen del sistema de educación revela que el desarrollo de los métodos constructivos de aprendizaje visual es ignorado, salvo por aquellos estudiantes especialmente interesados y dotados.

7


UNA APROXIMACION A LA ALFABETIDAD VISUAL La calificación y el análisis pueden ser realmente reveladores de lo que siempre ha estado ahí, el comienzo de una aproximación manejable a la alfabetizad visual universal. En la naturaleza y en el funcionamiento fisiológico del organismo humano.

La tonalidad y el color Son otras dos cosas de suma importancia; tienen que ver directamente con la luz. La tonalidad es una variación de ésta. El contraste actúa a través de la atracción o excitación del público observador, mediante la combinacion diferentes intensidades o niveles de contraste, en el color, el tamaño, la textura, etc.

El color da los efectos de contraste, de brillo, de realidad. Es una percepción visual que se genera en el cerebro de los humanos y otros animales al interpretar las señales nerviosas que le envían los fotorreceptores en la retina del ojo, que a su vez interpretan y distinguen las distintas longitudes de onda que captan de la parte visible del espectro electromagnético (la luz).

Captamos la información visual de muchas maneras, las fuerzas perceptivas y kinestesicas, de naturaleza fisiológica, son vitales para el proceso visual. Es decir un aborigen tiene que aprender a decodificar la representación sintética de la dimensión que se le da mediante la perspectiva en una fotografía.

La característica principal de la sintaxis visual es la complejidad, pero la complejidad no impide la definición. La alfabetizad visual nunca podrá ser un sistema lógico tan neto como el del lenguaje escrito.

El punto Se podría decir que es la más básica e importante, tiene diferentes efectos dependiendo de forma, proximidad, etc.

La línea Surge de dos o más puntos muy cercanos que dan la ilusión de continuidad y dirección.

Textura: Es de carácter superficial puede ser óptica o táctil. Escala o proporcion: Es tamaño y dimensión. Movimiento: Sensación cinética. La composicion: Fundamentos sintácticos de la Alfabetidad Visual Usando las herramientas básicas para crear un diseño, al relacionar estos elementos se pretende dar un significado.

RECONOCEMOS Medio natural: cielo, mar, arboles, cerros, hierba, arena, etc. Medio artificial: es decir el creado por el hombre ejm aviones, carros, maquinarias, casas etc. REPRESENTACION La representación visual se logra por medio de la fotografía como por medio del (dibujo) realista.

LA AUTONOMIA DEL MENSAJE VISUAL

Expresamos y recibimos mensajes visuales a tres niveles: Representacional, abstracta y simbólicamente. Para comprender otros conceptos primeramente definiremos: visión se define como el acto de ver en todas sus ramificaciones, vemos con detalles nítidos y aprendemos y reconocemos todo el material visual.

5


El tachismo y su historia F

ue un estilo de pintura abstracta francés desarrollado durante los años 1940 y 1950. A menudo se le considera el equivalente europeo al expresionismo abstracto. Pertenece al movimiento mas amplio del Informalismo (Art informel). También se conoce el Tachisme (similar a la action painting) como abstraction lyrique (relacionado con la abstracción lírica estadounidense). Los artistas del Grupo CoBrA y del japonés Gutai también están relacionados con el tachismo. Después de la Segunda Guerra Mundial el término Escuela de París a menudo se refería al tachismo. Algunos de sus miembros eran Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicholas de Stael, Hans Hartung, Serge Poliakoff, y Georges Mathieu, Según Chilvers, el término tachismo «se usó por primera vez en este sentido alrededor de 1951 (se ha atribuido la acuñación del término a los críticos franceses Charles Estienne y Pierre Guéguen) y circuló ampliamente a partir del libro del pintor y crítico francés Michel Tapié Un Art autre (1952).» garabatos que recuerdan a la caligrafía. En idioma español, Tachisme, derivado de la palabra francesa tache - mancha) fue un estilo de pintura abstracta francésaños 1940 y 1950. A menudo se le considera el equivalente europeo al expresionismo abstracto. Pertenece al movimiento mas amplio del Informalismo (Art informel). También se conoce el Tachisme (similar a la action painting) como abstraction lyrique (relacionado con la abstracción lírica estadounidense). Los artistas del Grupo CoBrA y del japonés Gutai también están relacionados con el tachismo. desarrollado durante los Después de la Segunda Guerra Mundial el término Escuela de París a menudo se refería al tachismo.imprimirEs la versión europea, francesa en concreto, del Expresionismo Abstracto americano. Queda incluida dentro del Informalismo que se convierte en el verdadero alter ego europeo del movimiento generado en Nueva York. Tuvo su momento de mayor apogeo entre las décadas de los cuarenta y cincuenta. La denominación procede de la palabra francesa "tache" (mancha). Sus artistas promulgaban una libertad absoluta en el momento de la creación. El tema no tiene mayor importancia pues son los estados de ánimo propios del artista los que deben quedar reflejados en la obra.

6


El término “tachismo” se deriva de la palabra francesa “tache”, cuya traducción es mancha. La denominación original “tachisme” fue acuñada aproximadamente en 1950 por el crítico francés Michel Seuphor, y se refería principalmente a las obras de Wols, Mathieu, Hartung y Saura. El tachismo se desarrolló como variante de la pintura expresionista, emocional y abstracta; pero a la vez subyace en la pintura tachista un fuerte referente del surrealismo automático. Este estilo fue en su tiempo paralelo a otros movimientos o técnicas como el “dripping” y la “action panting” norteamericanos. Por sus características el tachismo es muy próximo al informalismo, pues en ambos estilos los artistas le conceden importancia extrema a la creación espontánea e instintiva, excluyendo de toda obra la planificación previa.

En los lienzos tachistas se suele observar un uso de colores que pretenden expresar el estado emocional de los artistas; sin tener en cuenta el tema de la obra. En el tachismo la experiencia sensorial se vincula al impulso y a la dinámica del proceso de acción creativa; desembocado así en una nueva realidad con marcada carga de subjetividad pura, esto quedó constatado cuando Wolfgang Shulze (Wols) “Un arte diferente” en el cual el rechazo de la forma se afirma como una negación del principio de la razón. Inmediatamente después de la segunda guerra mundial, Georges Mathieu da a esta nueva corriente del arte el nombre de “abstracción lírica”. Reune un gran número de artistas de nacionalidades diferentes. En 1954, surge la noción de “ Tachismo” enunciado por Charles Estienne. La unidad del movimiento se asienta en la prolongación del surrealismo de vanguardia. Se rechaza el control de la razón ; lo informal tiende hacia la caligrafía y el lirismo de las materias. La improvisación psíquica es la regla ; con frecuencia la obra se ejecuta en el instante según técnicas gestuales diversas. Aunque se puede considerar el Expresionismo abstracto como su equivalente norteamericano, el arte informal , en los años 1950 se impone como un verdadero “estilo” europeo. En los países de Europa del Norte esta concepción se identifica con el movimiento Cobra Aunque el término «tachismo» aparece en principio como un intento de Pierre Gueguin, colaborador de la revista Art d’aujourd’hui, de ridiculizar las nuevas ideas estéticas del crítico Charles Estienne, rápidamente pasó a designar una forma de ser del color provocada al azar. Por lo tanto, según Charles Estienne, firme defensor y teórico de la abstracción, el tachismo exige el rechazo de una estructura premeditada y la confianza en las propiedades físicas del medio, es decir, unos criterios similares a los que podrían definir el arte informal o el expresionismo abstracto.

“un artista absorbe con seguridad lo que ve… Un artista debe mirar más allá de lo que se manifiesta a sus ojos.”

7


LOGOS Y LOGOTIPOS

El logotipo (vulgarmente conocido como logo) es un elemento gráfico que identifica a una entidad ya sea pública o privada y lo que distingue a una marca Con la revolución industrial comprendido entre la segunda mitad del siglo XVIII y principios del XIX, dando el

sus competencias y comienzan a verse los primeros logotipos. El logotipo como elemento de comuincación. Para que un logotipo resulte congruente y exitoso,una manera de conforme al principio fundamental del diseño

donde «menos es más», la simplicidad permite que sea: Legible: hasta el tamaño más pequeño Escalable: a cualquier tamaño requerido Reproducible : sin restricciones materia les. Distinguible:tanto en positivo como en negativo. Memorable: que impacte y no se olvide.

mayor conjunto de transformaciones socioeconómicas, tecnológicas y culturales de la historia de la humanidad. Históricamente, los artesanos del barro, del cristal, de la piedra, los fabricantes de espadas y artilugios de hierro fino, así como los impresores utilizaban marcas para señalar su autoría. Las empresas necesitaban que la compañia y sus productos sean distinguidos de

Las marcas construidas exclusivamente con letras llegan a tener tanta fuerza o más que aquellas que, si bien cuentan con un ícono gráfico, requieren de la asociación del texto para posicionarse de inicio; tal es el caso, por ejemplo, de las marcas de automóviles. Posteriormente,la imagen queda intrínsecamenteasociada al sonido del nombre de la marca original. La funcionalidad de un logotipo radica en su capacidad para comunicar el mensaje que se requiere, como, por ejemplo: Somos una empresa responsable o este producto es de alta calidad, y para el logro de esto se requiere del uso de colores y formas que contribuyan a que el espectador final le dé esta i n t e r p r e t a c i ó n . Un logotipo, en términos generales, requiere del apropiado uso de la semiótica como herramienta para lograr la adecuada comunicación del mensaje y la interpretación por parte del espectador más cercana a este mensaje.

8


Historias interesantes de los logotipos. Un logo realmente famoso a nivel mundial es el de la Coca Cola. El diseño de su logo fue creación del contador del propio creador de la bebida. El farmacéutico John Pemberton decide rebautizar su “elixir médico” que curaba jaquecas, como una bebida para calmar la sed a 5 centavos el vaso. Eso no lo enseñan en ningún Curso de Auxiliar de Farmacia, pero la idea fué buena. Así Frank Robinson sugiere este nombre, porque dos C en la marca se verían bien, intuye, y de su propio puño y letra dibuja el logo de Coca Cola. Seguramente no pensaron en logotipos e isologotipos cuando lo hicieron, simplemente habrán buscando caratular al producto entre los muchos que se vendían en la farmacia de Pemberton. Pero esa “firma” perduró y se mantuvo como el logo oficial de la bebida y de la empresa, simbolizando juventud, vitalidad y frescura.

En el caso de la manzana de Apple, el logo actual es una pequeñísima parte del logo original. En aquel primer logo de 1976, se veía una imagen de un solitario Isaac Newton sentado bajo un árbol, en el que brilla una manzana. La manzana del conocimiento. Esta imagen estaba englobada en el nombre de la empresa, Apple Computer Co. A las pocas semanas de lanzado al mercado, Steve Jobs decide que es necesario reformular el logo, por lo que el publicista Rob Janoff rediseña el nuevo logo, tomando aquella manzana resplandeciente del logo primario y convirtiéndola en el único objeto. Se han escrito muchas teorías sobre el significado de la mordida de la manzana. Se dice que es un juego de palabras “byte / bite”, donde bite significa mordida. Pero también que es un homenaje a Alan Turing, padre de las ciencias modernas de la computación, quien murió al comer una manzana envenenada con cianuro. Aunque hay quienes sostienen que es una referencia al pecado original bíblico, de Adán y Eva.En el caso del licor Bacardí, es un murciélago su imagen representativa porque los tinglados de la primer destilería de la empresa estaban llenos de estos mamíferos voladores. El español Facundo Bacardí fundó esta empresan 1862 en Santiago de Cuba y allí comenzó el proceso de fabricación. En Cuba, la presencia de murciélagos significa buena suerte, por lo que decidieron que incluir a este animal en su marca era un buen designio.

9


10

TODO SOBRE LA GRAPHIA

Signo o conjunto de signos con que se representa por escrito un sonido o la palabra hablada. En español el sufijo -grafía quiere decir "escrito" o un "campo de estudio", y es un anglicanismo de los franceses -grafía heredado del latín graphia, que es un derivado directo transliterado del griego.

•El conocimiento de las cualida des de un tipo de letra es de la mayorimportancia de cara a los efectos funcionales, estéticos y psicológicos del materia! impreso. •También la configuración tipo

- gráfica, esto es, los espacios adecua dos entre letras y palabras y los espa cios interlineales y la longitud de las líneas que favorezcan la legibilidad tienen importancia a la hora de produ cir un buen efecto. La fotocomposición

y la composición por computadora ejercen hoy día una amplia hegemo nía en este campo. Uno de sus incon venientes es que, a veces, las letras pierden entre ellas el blanco adecua do y esto dificulta la legibilidad.

• Existes dos tipos de letras, las serifas y las palo seco. •Serifas son pequeños adornos ubicados generalmente en los extremos de las líneas de los caracteres tipográficos. Las tipografías Times, Georgia, Garamond y Courier son ejemplos de estilos de letra con remate. •La industria de la impresión se refiere

a las tipografías sin remates como palo seco, palo seco y palo bastón, aunque también tiene uso el término inglés de sans-serif (del francés sans: "sin") y el de grotesca (o, en alemán, grotesk). Las que tienen remates no tienen nombre especial y se denominan simplemente con remates, aunque ocasionalmente también se usa palo cruzado.

Palo seco •En tipografía, un tipo de letra palo seco, de palo seco o sin remates es aquel que en cada carácter no tiene unas pequeñas terminaciones llamadas remates. •Las letras de palo seco son comúnmente usadas para titulares pero no para cuerpos o bloques de texto grandes; los remates ayudan a guiar la mirada a

tes. Así, en un formato digital, donde el ojo humano debe leer sobre una pantalla iluminada, utilizaremos un tipo de letra de palo seco para evitar sobrecargar o cansar la vista y facilitar la lectura. Por el contrario, si el soporte es papel, la elección correcta será una tipografía con remates.

través de toda la línea de texto; la falta de gracias en los tipos de letra de palo seco obliga a esforzar mucho más la vista al leer grandes bloques de texto. Sin embargo, cuando se lee con tipos de letra palo seco en una pantalla, la pixelación logra que éstas se vean mucho más limpias que las tipografías con remates, por lo que es mucho más recomendable utilizar bloques de texto

con tipos de letra sin remates en las pantallas. •Antiguamente, en los libros, los tipos de letra de palo seco eran usados para hacer énfasis en una palabra debido a la mancha tipográfica mucho más oscura que dejan. •Dependiendo del soporte donde se muestren los textos, es conveniente utilizar o no el tipo de letra sin rema-


C

O

L

L

A

G

E

“Collage” significa en francés “encola do”, “conjunto de cosas pegadas”. Es una técnica artística que consiste en mezclar en una misma superficie elementos de diferente naturaleza mate rial, pudiendo combinarse elementos pegados y pintados. Los materiales más usados, en la aplica ción de esta técnica, suelen ser planos, como fotografías, madera,

piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, telas, cartón, papel, trozos de plástico, etc. aunque se pueden adherir al cuadro elementos más voluminosos, como prendas, cajas, objetos metálicos... También es frecuen te que el collage se combine con otras técnicas de dibujo o pintura, como el óleo, el grabado o la acuarela.

en esta ocasión dos illustracion en collage creadas por David Gallo estu del SECAP, que las llamó “extraña alegria” y “dedbilidades”.

El origen de la técnica se encuentra en los papiers collés de los cubistas, que consistían en simples trozos de papel con un color plano, que se adherían a los cuadros para aumentar los efectos de color absoluto. Pero el desarrollo absoluto del collage se debe a los cubistas, siendo atribuído el primer collage de la historia a Picasso en 1912 en su obra Naturaleza muerta con silla.

La técnica tuvo mucho éxito entre surrealistas y dadaistas. Es uno de los aportes del cubismo al arte de las vanguardias y entre los artistias más representativos que han usado esta técnica podemos citar a Max Ernst, Juan Gris, Georges Braque, Marcel Duchamp, Man Ray y el artista mexicano Alberto G i r o n e l l a .

11

gráficas


12

Grilla o Retícula. Por Diego Calderón

Josef Müller-Brockmann (1982), afirma que el empleo de una grilla para conformar un sistema de ordenación de la página, es el reflejo de la forma constructiva en la que trabaja el diseñador. Este autor afirma además que el diseñador debe basarse en un carácter matemático para visualizar el diseño, sin perder la estética, la claridad, la transparencia, la funcionalidad y practicidad que siempre deben estar presentes en la página. Josef Muller-Brockmann (1982), sostiene que la grilla ó retícula ha sido empleada no solo por diseñadores gráficos, sino también por fotógrafos, tipógrafos y diseñadores de exposiciones para solucionar problemas visuales tanto bi- como tridimensionales. En cuanto al diseño gráfico, dice Müller que los diseñadores gráficos y los tipógrafos han usado la retícula para la configuración de distintas publicaciones como anuncios, prospectos, catálogos, libros, revistas, entre otros. En estos casos, según MüllerBrockmann, el diseñador tiene la oportunidad de separar los textos, las fotografías, los diagramas, según los criterios objetivos y funcionales. Además se puede resaltar, que gracias al orden en la configuración de la página, se favorece la credibilidad de la información y la confianza.

Movimientos estilísticos Racionalismo

Josef Müller-Brockmann fue líder de la Escuela de Zurich. Muller-Brockmann rechazaba el dibujo libre y trabajaba siempre bajo una subordinación estricta a la estructura reticular, que solo se alteraba en algunas ocasiones por el uso de un eje diagonal, para producir una gran tensión visual. Su estilo es limpio, sin elementos de decoración y con los componentes del mensaje visual como la tipografía, la fotografía, entre otros, contenidos y organizados en una rejilla modular, con el objetivo de potenciar toda la funcionalidad del diseño. Para Müller-Brockmann el diseño tenia un carácter funcional, por lo que hacía uso de líneas de texto compactas, espacios entre palabras uniformes, tipografías sans serif como elementos principales para explorar el ritmo de las formas visuales.

Escuelas

Las principales escuelas de este movimiento fueron, la Escuela de Basilea y la escuela de Zurich, ambas en Suiza. La primera fue liderada por Armin Hofmann y Emil Ruder, y la Escuela de Zurich por Josef Müller-Brockmann. Pero además de estas escuelas, este movimiento tuvo una aceptación internacional más que notable, que se extendió rápidamente hasta los años 70 gracias al incremento de los mercados y el auge de las comunicaciones que propició que las empresas y corporaciones internacionales demandaran una identidad global construida de acuerdo a los principios del Estilo Internacional o Racionalismo.


Una composición gráfica debe ser equilibrada no sólo en contenidos, sino también visualmente, hasta tal punto que podemos decir que el orden en la disposición espacial de los elementos de la misma es uno de los factores más importantes para su éxito. El espectador que contempla una obre gráfica (folleto, cartel tríptico o página web) busca subconscientemente en ella un orden y una estabilidad que le permitan pasear la vista por la misma de forma organizada y limpia. El sistema plano de referencia habitual en los seres humanos es el formado por un eje horizontal y otro vertical, es decir, por dos rectas que se cortan en un ángulo de 90º. En este sistema, el eje horizontal aporta equilibrio y estabilidad, mientras que el vertical facilita la elevación de la vista, marcando prioridades o niveles en la composición. Puesto que las composiciones gráficas (y dentro de ellas, las páginas web) se representan en soportes planos, es fácil deducir que este sistema de referencia es también el más adecuado para la distribución de sus elementos. Si a esto sumamos el carácter eminentemente rectangular de la mayoría de los soportes, obtenemos por extensión el sistema de organización idóneo para nuestras composiciones: el reticulado.

Un reticulado o rejilla es un sistema de referencia formado por diferentes líneas horizontales y verticales que marcan la ubicación de elementos y zonas en una composición gráfica, líneas que no tienen porqué tener una representación real (no tienen porqué formar parte del grafismo), pero sí mental. Son las guías imaginarias sobre las que vamos a ir colocando los elementos, la espina dorsal de un composición gráfica.

Mediante el reticulado, el diseñador va situando con armonía los bloques de contenido que formarán la composición: zonas principales y secundarias, títulos y subtítulos, bloques de texto, fotografías, ilustraciones, gráficos, sistemas de navegación, botones, iconos, etc, dando con ello un estilo propio visualmente lógico a la misma. Una composición gráfica no es un sistema estándar, único, sino que los mismos elementos se pueden organizar según diferentes esquemas lógicos. Pero siempre deberán estar dispuestos según una retícula que les aporte equilibrio y estabilidad visual. Es tarea del diseñador buscar el conjunto ubicación-reticulado que mejor se adapte a su obra. La ubicación de elementos en una composición según un reticulado determinado no precisa la introducción de los elementos finales de la misma. Es decir, se puede perfectamente diseñar la organización de un grafismo tan sólo con rectángulos de colores. Más aún, con rectángulos de un solo color. Lo que importa no es el aspecto visual final, sino la organización lógica y regular de los elementos. En el caso concreto de una página web, el diseñador puede perfectamente distribuir en pantalla una serie de rectángulos que representen las zonas que va a tener la página. Si la distribución sigue un reticulado acorde y las zonas están ubicadas con lógica, la página que resulte de ello tiene un 50% de posibilidades de resultar correcta.

13


14

Ilustración. Mucha gente piensa que ser diseñador gráfico es sinónimo de ser un gran dibujante, pero no muchos diseñadores llegan a desarrollar un estilo único y atractivo que los permita llegar a ser ilustradores.

“Cuando estoy trabajando en un problema, nunca pienso sobre su belleza. Solo pienso en como resolver el problema. Pero cuando lo termino, si la solución no es bella, se que está equivocada.” —Riehard Buckminster Fuller—

Fotografía. Tener un título en diseño gráfico te brinda todas las herramientas esenciales para convertirte en fotógrafo, lo cual incluye teoría del color, composición, manejo de la luz y más.

Diseño Corporativo. Blogging. A medida que continúas creciendo como diseñador, irás adquiriendo nuevos conocimientos y habilidades. Una buena idea puede ser empezar tu propio blog de diseño como una manera de compartir las cosas que has aprendido mientras disfrutas de conocer nuevas personas dentro del campo.

Enseñanza / Evangelista de Diseño. Finalmente, cuando ya llevas trabajando en diseño por muchos años, llegará el momento en que las personas empiecen a considerarte una autoridad en el campo y recurrirán a tí por consejos.

Diseño 3D / Animación. Antes del boom del diseño web y móvil, este era el destino de moda. Aunque no tienes que ser tan creativo como un ilustrador, si deseas trabajar como artista 3D o animador, es importante tener creatividad y buenas habilidades en programas tales como Maya, After Effects y 3D Max, los cuales junto a Adobe Flash serán elementos de tu caja de herramientas.

Si hay un campo para el cual estarás preparado, es sin lugar a dudas el de diseño de imagen corporativa, ya que necesitarás ser capaz de desarrollar estrategias, crear productos digitales, trabajar con impresos, diseñar logos, manuales de identidad y más.

Seegraphics  

Diario de Diseño Gráfico Edición N° 1 Julio 2013

Read more
Read more
Similar to
Popular now
Just for you