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Contenido

Género Indie:

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Una tendencia que evoluciona

Santa Cecilia, San Francisco Heredia, Costa Rica (506) 8997-93-37 jdesign.cr@gmail.com

Créditos: Director José David Chinchilla D. Editor de arte José David Chinchilla D. Editor de imágenes José David Chinchilla D. Arte y producción José David Chinchilla D. Circulación José David Chinchilla D.

Contactos:

jdesign.cr@gmail.com (506) 2260-04-14 (506) 8997-93-37 Heredia, Costa Rica.

The Duke Spirit

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Historia de una banda londinense

Empire Of The Sun

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Ice On The Dune, lo nuevo!

Keaton Henson

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Ilustrador y músico

Daft Punk

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Robots Supremos

City And Colour Nos presenta su nuevo album

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Género Indie: Una tendencia que evoluciona

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s un género de música que se creo en Estados unidos y Reino Unido en 1980, sus orígenes vienes de diferentes géneros de música como rock alternativo, post punk, new wave, hardcore punk college rock, power pop, underground Este estilo de música se caracteriza por tener producciones e bajo presupuesto donde lleva al artista a hacerlo él mismo, esto con el fin de tener la libertad de explorar con diferentes sonidos y mezclas entre si teniendo como resultado un estilo mas autónomos, esto tiene como efecto un publico poco masivo, limitando el publico y dejando a un lado las corrientes principales. Si bien el genero se fortaleció en los 80´s, en los 90´s se dio a conocer por bandas que no buscaban la fama y se fortalecían en diversos estilos de música haciendo una mezcla entre si. El Indie Rock se identifica como un genero sensible y melancólico, suave y delicado, demasiado soñador hasta cierto punto puede llegar a ser pop siendo este mas personal e intimo revelándolo en sus letras, son bandas de baja fidelidad, algo simples en sus melodías, demasiado crudas y abrasivas; hace un estilo de música

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paralela a el rock comercial donde se le daba mucha importancia al hombre, el Indie Rock hace una reacción contra el machismo del rock alternativo vigente, por esto el Indie Rock tiene una proporción relativamente alta en mujeres ya sea como artistas o consumidoras. Actualmente el Indie Rock se basa en una mezcla no solo de géneros musicales, si no de instrumentos con los cuales se interpretan, las bandas actuales innovan en el género haciendo música con instrumentos sinfónicos mezclados con instrumentos populares. Es importante resalta la importancia que tiene la tecnología en este movimiento, como se dijo anteriormente este genero se caracterizo por ser de bajo presupuesto, entonces la tecnología de Internet permite a una gran cantidad de bandas posicionarse ante una enorme audiencia, introducir la música en el medio y posicionarse a un bajo costo; sin necesidad de pagar en una disco grafía. Las bandas aprovechas las grandes y famosas bibliotecas de música que existen en el medio on-line direccionando su música a un público actual que se encuentra altamente relacionado con el Internet.

Para el día de hoy la música con este estilo de a diversificado en grandes rasgos, se ven grupos muy reconocidos con ciertas cambios pero que se posicionan en el género Indie Rock, como unos pocos conocidos que se dan a conocer solo en el publico objetivo del estilo y en bares a los cuales frecuentan estas personas (lunch bar).

Definición de «indie»

El término indie se suele usar,[¿por quién?] incorrectamente, para referirse a un sonido nuevo presentado por un músico. Originalmente está ligado a las condiciones de producción y circulación de su obra, refiriéndose a aquellos músicos que producen su obra de manera independiente (palabra de donde deriva el término) y no a un género musical. Indie rock, o sus derivados de “independiente”, describe las etiquetas de pequeño presupuesto y relativamente bajo en el que se libera el hágalo usted mismo, la actitud de las bandas y los artistas que participan. A pesar de acuerdos de distribución a menudo nos sorprendemos con las grandes empresas corporativas y estas etiquetas, ya que las bandas que albergan han tratado de mantener su autonomía, dejándolos libres para explorar los sonidos, las emociones y los temas de interés,


limitando así parte del público general, la corriente principal. Las influencias y estilos de los artistas han sido muy diversos, entre ellos punk, el rock psicodélico, y el rock. Los términos rock alternativo y el indie rock se utilizan indistintamente en la década de 1980, pero después de muchas bandas de música alternativa desde Nirvana en la corriente principal en la década de 1990 comenzó a utilizarse para distinguir esas bandas, que trabajan en una variedad de estilos, que no

persiguen o alcanzan el éxito comercial. Allmusic identifica indie rock que incluye una serie de estilos que son: “demasiado sensible y melancólica, muy suave y delicada, demasiado soñadora, hasta cierto punto pop; y muy personal e íntimo que revela en sus letras, también de baja fidelidad y de bajo presupuesto en su producción; demasiado simple en sus melodías y riffs, demasiado cruda, skronky y abrasivos, envuelto en hojas de bandas como Sonic Youth / Dinosaur Jr. / Pixies y The Jesus & Mary Chain estilo flojo de las guitarras, muy oblicua y fractura en las estructuras de sus canciones, también influyó por estilos musicales experimentales o impopulares lo contrario. “ Unidos por un espíritu más que una

propuesta musical, el movimiento de rock/pop indie que abarca una amplia gama de estilos, de bordes duros, grunge con influencia a bandas como The Cranberries y Superchunk, a través de las bandas experimentales como Pavement, cantantes populares de punkcomo Ani DiFranco. Muchos países han desarrollado una extensa escena indie, floreciendo con la popularidad suficiente como para sobrevivir en el interior del país respectivo, pero prácticamente desconocidos fuera de ellas. Indie rock ha sido identificada[¿por quién?] como una reacción contra el “macho” que se desarrolló en el rock alternativo en la secuela del éxito de Nirvana. Se ha observado que el rock indie tiene una proporción relativamente alta de mujeres artistas (por la suavidad del género musical) en comparación con los anteriores géneros del rock, una tendencia ejemplificada por el desarrollo de la música antidisturbios feminista Riot grrrl de actos como Bikini Kill, Bratmobile, 7 Year Bitch, Team Dresch, Huggy Bear, Hole, y Babes in Toyland.

El movimiento indie y la tecnología: La tecnología de Internet permite a muchos artistas introducir su música a una enorme audiencia

potencial a un bajo costo sin estar necesariamente relacionados con una discográfica.2 El diseño de software que soporta música digital alentó la creación de nueva música. Las páginas con amplias librerías de canciones son las más exitosas. Alrededor de estas se crearon muchas oportunidades para las bandas independientes. Los derechos por servicios digitales validarían una importante fuente de ingresos. Si un artista todavía tiene que pagar para grabar, fabricar y promover su álbum; este formato digital permite no agregar costos a un artista independiente para distribuir su música on-line.3 Los servicios digitales ofrecen la oportunidad de exposición a nuevos adeptos y la posibilidad de incrementar ventas a través de los revendedores minoristas on-line. Los artistas pueden también poner a disposición nueva música más frecuentemente y rápidamente si esta está disponible on-line. Adicionalmente, los artistas tendrían la opción de lanzar ediciones limitadas, reediciones, o material en vivo que seria muy caro producir por los medios tradicionales. El término indie proviene del inglés independent -independiente en español- y se refiere en general a cualquiera de los géneros, panoramas, subculturas y atributos estilísticos y culturales, con un acercamiento autónomo y un nivel de planteamiento que se reduce al lema “hazlo tú mismo”. Originalmente New Motion

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está ligado a las condiciones de producción y circulación de su obra, refiriéndose a aquellos músicos que producen su obra de manera independiente (palabra de donde deriva el termino).

La historia

Durante los años 20 las grandes compañías norteamericanas (también conocidas como “multis” o “majors”tales como Columbia Records fueron desafiadas por cantidad de pequeñas discográficas llamadas “independientes”. Estas estaban especializadas en el mercado de música de raza (negra), que es como se clasificaba entonces a los compradores de música blues y jazz pero el crack de finales de los años 20 minó a esas compañías que acabaron en bancarrota o en el mejor de los casos absorbidas por una “mayor”. El término “independiente” resurge en los años 50 en Norteamérica cuando el mercado discográfico lo conformaban canciones y sus intérpretes. Las grandes corporaciones discográficas pagaban a compositores para que compusieran canciones y buscaban a intérpretes para que las presentaran. Todas ellas tenían un sistema de distribución propio que aseguraba que todas sus canciones y discos llegaran a todos los puntos del país. Sin este sistema de distribución era muy difícil hacer que un disco pudiese disfrutar de un mínimo éxito, y cualquier discográfica pequeña evidentemente no lo tenía. Por esta época y desde 1912 existía la ASCAP (American Society of Composers, Authors and Publishers) mediante la cual los

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compositores y editores protegían sus intereses (similar a la SGAE española y a la SADAIC argentina) y que además concedía los derechos de interpretación a los medios de difusión, principalmente los radiofónicos. Esta asociación no consideraba “de buen gusto” que la música negra se pudiera escuchar por la radio así que censuraba sistemáticamente cualquier canción de blues o jazz que le pudiera llegar a través de un sello independiente. Así que además de no poderla encontrar en las tiendas, la música “diferente” tampoco se podía escuchar por las radios locales de frecuencia concesionada. Es así como surgen las radios piratas, que emitían desde vetustos cobertizos o desde embarcaciones alejadas a varios kilómetros de las costas. En 1941 una asociación de radios y dj puso en marcha una asociación rival a la ASCAP que se llamó BMI (Broadcast Music Incorporated), que representaba a muchos compositores y editores que hasta entonces habían sido ignorados (de hillbilly, country, blues, jazz y extranjeros). La ASCAP hizo todo lo que pudo para que las radios locales no programasen canciones de la BMI, muchas canciones fueron censuradas como “Such a Nigth” de Johnnie Ray por supuesta incidencia sexual, pero el virus estaba ya inoculado en la sociedad. La BMI sobrevivió e incrementaron sus ingresos y popularidad rápidamente cuando un nuevo sonido llamado Rock’n’roll nació de manos de artistas negros como Little Richard o Chuck Berry.

La internet y el Rock Independiente La tecnología de Internet permite a muchos artistas introducir su música a una enorme audiencia potencial a un bajo costo sin estar necesariamente relacionados con una discográfica. El diseño de software que soporta música digital alentó la creación de nueva música. Las páginas con amplias librerías de canciones son las más exitosas. Alrededor de estas se crearon muchas oportunidades para las bandas independientes. Los derechos por servicios digitales validarían una importante fuente de ingresos. Si un artista todavía tiene que

pagar para grabar, fabricar y promover su álbum; este formato digital permite no agregar costos a un artista independiente para distribuir su música on-line. Los servicios digitales ofrecen la oportunidad de exposición a nuevos adeptos y la posibilidad de incrementar ventas a través de los revendedores minoristas on-line. Los artistas pueden también poner a disposición nueva música más frecuentemente y rápidamente si esta está disponible on-line. Adicionalmente, los artistas tendrían la opción de lanzar ediciones limitadas, reediciones, o material en vivo que seria muy caro producir por los medios tradicionales.


THE DUKE

SPIRIT Historia de una banda londinense

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he Duke Spirit es una banda con sede en Londres . Su sonido ha sido visto como una fusión de influencias que van desde grupos de rock alternativo como The Jesus and Mary Chain y Spiritualized , el rock’n’roll trémula de bandas como The Gun Club y The Patti Smith Group, que distingue rítmica ‘Atlantic alma y Motown influencias. Historia [ editar fuente | editbeta ] La banda se formó en Londres en 2003 por Luke Ford (guitarra), Liela Moss (voz) Toby Butler (bajo) y Dan Higgins (guitarra).

Liela Moss

Ford y Moss se conocieron en la escuela de arte en Cheltenham donde estudiaba fotografía y Moss estaba tomando un curso de Bellas Artes. Después de mudarse a Londres y un corto período de escribir y actuar como Salomón (en el que fueron más tarde acompañados por Butler) formaron The Duke Spirit. Junto con el guitarrista Dan Higgins que se dedicó a la escritura, la grabación y la auto-producción de un grupo de canciones que formaron la base de su primer single y EP. Higgins también la creación de los grabados en madera que servían de obras de arte a principios de la banda. La banda lanzó su primer single “Querida Eres media / fondo del mar” mayo en el City Rockers etiqueta, sin haber tocado en vivo. La formación se completó con el baterista Olly Betts “The Kid”, y la banda tocó su primer show en el Brixton Windmill ese mismo año. Lanzaron el rollo, Spirit, Roll EP a finales de 2003, que ganó la aclamación de la crítica banda de publicaciones como NME . El álbum debut de la banda se debe a ser puesto en libertad en septiembre de 2004 hasta su sello discográfico , City Rockers, agotó financiera. Se mudaron a Loog Records / Polydor y lanzaron el álbum en el Reino Unido el 16 de mayo de 2005. Los productores del álbum fueron Simon Raymonde (antes el bajista de The Cocteau Twins , y ahora Bella Unión jefe Label) y Flood , más conocido por su trabajo con Nick Cave , NIN y U2 . Después de encabezar giras por el Reino Unido, los álbum fue lanzado en los EE.UU. y la banda se encontraban viajando por Américadurante gran parte de 2006, incluyendo un muy elogiado [ cita requerida ] actuación en el Coachella Festival 2006, California . La única versión de 2006 fue un EP descargable y limitada “single titulado Covered In Love, lanzado a través de grabaciones propias Velo de la banda. Esto era una colección de canciones, registrada el 8-track por la banda, escrita por el recientemente fallecido ( Arthur Lee , Desmond Dekker y Jessie Mae Hemphill ). A principios de 2007 la banda firmó con Usted está aquí una nueva etiqueta anglocanadiense independiente. La canción “Mayday”, una colaboración entre UNKLE y The Duke Spirit fue lanzado en la última Álbum de UNKLE, War Stories , en el Reino Unido el 9 de julio de 2007. La canción fue grabada con Chris Goss en el Rancho De La Luna estudio en Joshua Tree , California donde volvieron en abril de 2007 para grabar su segundo . album, New Motion

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también con Goss Neptune fue liberado en febrero de 2008. Poco después, Higgins dejó la banda para concentrarse en su familia, lo que provocó una baraja personal: Toby mayordomo cambió a la guitarra, con su viejo amigo Marc Sallis lo reemplazó en el bajo . En febrero de 2009, la banda lanzó un CD recopilatorio de 10 pistas con tres canciones nunca lanzadas en los EE.UU. (“Masca”, “Souvenir”, “Haz lo que amas”), así como un cover de Alex Chilton ‘s “Baby Doll “. El CD se vendió junto a un Alexander McQueen colección, una de las camisas de las cuales contó con la cara de la cantante Liela Moss. El tercer álbum de la banda, Bruiser (producido por Andrew Scheps y Archivo Rich UNKLE), fue lanzado en septiembre de 2011 a través de la ficción en el Reino Unido, la música Shangrila

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Ya pasaron cinco años del debut de Empire of the Sun? Parecieron menos, aunque probablemente sea por la cantidad de grandes canciones que había en ese disco. En estos cinco años, el dúo australiano se convirtió en uno de los números más fuertes de cualquier festival, en parte gracias a su impresionante puesta en escena (cuando Carmen Barbieri vea los trajes que usan habitualmente se muere muerta), pero sobre todo gracias a los tremendos hits de electrónica bailable que componían Walking on a dream, que cerraban por los cuatro costados: tenían el beat cuadrado y repetitivo con bombo en negra para que los bailarines rebotaran toda la noche y, al mismo tiempo, unas melodías épicas para cantar a los gritos adentro de casa, adornadas por sintetizadores de fantasía y falsetes siempre al límite de lo grasa. New Motion

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en los EE.UU. y Music Co-Operative en el resto del mundo. El álbum fue precedido por el KusamaEP a principios de 2011, llamado así en homenaje a la artista japonesa Yayoi Kusama , cuyo trabajo se había convertido en una inspiración para la banda durante la redacción del tercero álbum. Yayoi Kusama fue también la inspiración principal y el enfoque para la lírica canción “Sweet Bitter Sweet” en el álbum Bruiser.

El clasicismo del pop ochentoso se encontraba con la electrónica más hardcore, haciendo de Empire of the Sun un engendro raro, más sutil que Justice y más potente que Passion Pit y demás grupos de indie pop que empezaban a sonar en la radio. Ice on the dune, entonces, es el disco de una banda mucho más grande que hace cinco años, y parece enfrentar el desafío de hacer que su música suene todavía más gigante. Sin moverse demasiado de su zona de confort, Luke Steele y Nick Littlemore tienen suficiente confianza en su buen gusto como para llevar todo un poco más al límite: los disfraces, los beats, la cantidad de sintetizadores, los estribillos y hasta las letras, con versos que dicen “empujemos hacia la cuarta dimensión, hasta que mi cerebro se derrita” y muchas más alusiones drogonas que en boca de casi cualquier otra persona darían una vergüenza ajena terrible. diferencia de lo que pasaba en Walking on a dream, parece pensada para sonar principalmente en festivales multitudinarios: quizás no sea tan adecuada para escuchar en casa, pero ojalá que vengan pronto a rompernos la cabeza en vivo.


Keaton Henson, es un ilustrador y músico, natural de Londres, al que es difícil no prestarle atención. Personaje peculiar, que según cuenta en su biografía, se pasa el tiempo solo, componiendo o dibujando, y que detesta hablar de si mismo.

Mientras sus canciones versan sobre su introspectiva y la angustia producida, sus ilustraciones ahondan un poco más en sus referencias, algo que según cuenta Henson, ‘es lo que ocurre al trabajar con la tele encendida y la música sonando’. Aquí os dejamos una selección de sus ilustraciones. Algunas de las creaciones de Henson son utilizadas para diseños en prendas como camisas.

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Daft Punk: Robots supremos

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n viaje al corazón de los androides para la entrevista más reveladora sobre el dúo que reinventó la música de baile y cómo lo han vuelto a hacer. Por Jonah Weiner. Daft punk: robots supremos Daft Punk publica ‘Random access memories’ este martes 21 de mayo. El estudio de Daft Punk en París se encuentra en una calle fea y con mucho tráfico de la parte sur de la ciudad, cerca de una estación de tren y un hospital, tras la puerta verde de un garaje. Para entrar, se toca un timbre y se pone la cara frente a una cámara de seguridad, tras lo que la puerta se levanta sacudiéndose y revela un precioso patio adoquinado y un racimo de edificios de color beis cubiertos por espirales de hiedra. Una tarde a comienzos de la primavera, Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter –parisinos, amigos desde hace mucho y los músicos obsesivamente herméticos

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tras las caretas de robot de Daft Punk– esperan sobre los adoquines. “Es el primer buen día que hemos tenido en semanas”, dice De Homem-Christo. Señalando hacia la sala sin ventanas en la que él y Bangalter han pasado incontables horas encorvados sobre sintetizadores, persiguiendo nuevos sonidos, se encoge de hombros resignado: “De todas formas, siempre estamos en la oscuridad”. Bangalter saca una llave del bolsillo y abre la sala. Fue aquí, en 2008 y tras una gira mundial, adonde Daft Punk se retiraron para preparar las canciones de su cuarto álbum, Random access memories. Acabaron la gira tras 48 conciertos y cuando comenzaron con nuevo material lo hicieron con la inquieta necesidad de reinventarse. Otro grupo en una posición similar se hubiera dejado llevar, llenando recintos cada vez mas grandes, despachando los mismos ritmos palpitantes, pero Daft Punk acabaron la gira

tras 48 conciertos y cuando comenzaron con nuevo material lo hicieron con la inquieta necesidad de reinventarse. “La música electrónica está ahora mismo en su zona de confort, y no se mueve un centímetro”, dice Bangalter. “No es lo que se supone que debe hacer un artista”. Daft Punk son las superestrellas más enigmáticas del pop. Además de ocultar sus caras en las actuaciones, en vídeos y fotografías, funcionan con secretismo y controlan los detalles biográficos en las raras ocasiones en las que conceden entrevistas. Durante la década pasada, la influencia de Daft Punk ha crecido de manera colosal, es difícil dar con otro grupo con sus huellas dactilares en tantos artistas, sonidos y tendencias. David Guetta les pincha en Ibiza y describió su debut, Homework (1997), como “una revolución”. El Dj sueco Avicii habla de su entrada en la música electrónica tras “escuchar a Daft Punk, mucho antes de saber lo que era el house”. Deadmau5 les debe sus cascos, Skrillex ha comentado que ver la pirámide de Daft Punk “cambió mi vida”. Swedish


House Mafia proclaman que “Daft Punk son nuestros héroes en todo”. Pese a este amor, Bangalter y de Homem-Christo se muestran profundamente ambivalentes sobre sus herederos. “Hoy en día, la música electrónica es como una bebida energética de sonido”, dice Bangalter. “Los artistas cargan las tintas en esta música agresiva, enérgica, hiperestimulante, como si alguien te sacudiera. Pero no te mueve a nivel emocional. Es una manera de sentirse vivo, pero…”. “No es profunda, es sólo superficie”, ofrece de HomemChristo. “En la electrónica de hoy hay una crisis de identidad”, comenta Bangalter. “Escuchas una canción y piensas: ‘¿De quién es?’. No hay personalidad. Todo el mundo hace música electrónica con las mismas herramientas y plantillas. La escuchas y parece que está hecha con un iPad”. Frunce el ceño. “Si todo el mundo se sabe los trucos no hay magia”. El último álbum de Daft Punk, Human after all (2005), era un ejercicio de dance rock mecanizado, creado en menos de dos meses. El álbum sigue sonando vigoroso, pero funcionó mucho peor que sus predecesores, tanto crítica como comercialmente. En reacción quizá a eso, Random access memories ha sido, en un contraste extremo, el más ambicioso, costoso y largo de hacer de la carrera del grupo. “Gastamos fácilmente por

encima del millón de dólares haciéndolo”, revela Bangalter, “pero eso no es importante. Hay canciones que abarcan dos años y medio y cinco estudios diferentes”. En el desierto de Mojave, un mes después, De Homem-Christo está bebiendo mate al borde de una piscina en una espléndida mansión de Palm Springs, con la raja del culo asomando por su bañador de Dior Homme. Bangalter está cerca, con un pequeño bañador Lacoste azul y un desgastado borsalino de paja, diciéndole a Pharrell Williams que tiene que ver Oz, un mundo de fantasía. “¿En serio, tío?”, le responde Pharrell. “Vale, la veré”, y Daft Punk han alquilado la mansión, que perteneció a Bing Crosby, para un fin de semana largo. Pharrell está sólo de visita, pero unos diez amigos del dúo se quedan a dormir, compartiendo dormitorios, jugando al ping-pong en el salón, preparando cócteles, subiendo al tejado y tirándose a bomba a la piscina (las familias de Daft Punk se quedan en otro lugar). El grupo está aquí para

dar una sorpresa al público esta noche, pero no sueltan prenda de lo que es. ¿Tenéis aquí los cascos de robot? “No”, contesta Bangalter: “No podemos decirte dónde están”. El Dj Todd Edwards está en el salón, bebiendo tequila: “Ni siquiera yo sé lo que van a hacer, y si no me lo dicen yo no les insisto”. Hay cierto ambiente de exceso ya olvidado en el negocio musical que casa a la perfección con la añeja ostentación de Random access memories. “Guy-Manuel duerme en la habitación donde JFK supuestamente tuvo su affair con Marilyn Monroe”, cuenta Bangalter. Hay un Porsche Carrera aparcado enfrente, al lado de un gigantesco gong que los invitados usan para anunciar su llegada. “Supone mucha presión para mí hacer algo interesante”, bromea De Homem-Christo.

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Nos presenta su nuevo album

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ara hacer un disco sincero y honesto, hace falta algo más que tocar canciones acústicas, se necesita desnudarlas, darles vida propia, y si el disco lo requiere, dar la cara. The Hurry and the Harm es el primer disco de City and Colour en el que la portada tiene fotografía de Dallas Green. En sus tres anteriores, había usado imágenes que representaban la música que él hace, pero para su cuarto álbum, el músico canadiense afronta la realidad y deja de esconderse detrás de su guitarra. “Mi fotografía en la portada tiene que ver con la confianza que le tengo a este disco y a mí mismo. Estoy orgulloso de lo que hicimos” (*). The Hurry and the Harm es el primer disco de City and Colour como proyecto principal deDallas Green, los anteriores los había hecho a la par de su carrera con Alexisonfire. El poder dedicarse enteramente a su proyecto lo ayudó para tomar decisiones que dotaron a este disco de una personalidad sólida y completa. Green decidió alejarse de Canadá para grabar el álbum, se refugió en la legendaria ciudad de Nashville, donde contó con el apoyo de músicos de estudio y algunas otras personas como Bo Koster de My Morning Jacket y Jack Lawrencede The Raconteurs y The Dead Weather. Este pequeño pero gran detalle dio a The Hurry and the Harm un sonido que Green nunca había tenido, a pesar de que Little Hell y Bring Me Your Love (sus álbumes anteriores) también contaron con músicos invitados. Desde el principio, The Hurry and the Harm nos deja en claro una cosa, misma que Green ha afirmado en entrevistas: este es el disco más maduro de City and Colour. “Siempre he estado orgulloso de mis discos, pero cuando los escucho después pienso que pude haber hecho una que otra cosa diferente. En este no, está tal como tiene que estar, tal como lo quería” (*). Es normal, Green no es el mismo

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chico que gritaba y tocaba la guitarra en la banda de post-hardcore Alexisonfire. La primera canción es la que nombra al disco también, y empieza con una introducción de feedback que da paso a Green y su guitarra. Sigue “Of Space and Time”, el primer adelanto que escuchamos de este disco antes de que saliera a la venta, hay una línea en la letra que ayuda a resumir la vibra de este disco: “I’m trying to find my direction home, A question of space, A matter of time” Después vienen “The Lonely Life”, “Paradise” y “Commentators”. Esta última escrita para su esposa Leah Miller, conductora de televisión en Canadá. La canción habla sobre cómo Internet ha abierto la puerta para los pseudo periodistas y la gente que se esconde detrás de Twitter oFacebook y cree que puede opinar sobre la vida de alguien sin conocerlo y por el simple hecho de que son figuras públicas. En palabras de Green, es una crítica al nuevo “periodismo”. La canción abre con la línea “I don’t wanna be revolutionary, I just wanna find the sweet melody”. Así es como Green vive, haciendo canciones por el mero gusto, no para impresionar. Esto debido a que un artículo de revista lo posicionó como uno de los mejores actos revolucionarios del mundo. “Es desagradable lo que una persona cree que puede decirle a alguien más. pero además ni siquiera se lo están diciendo de frente –son estas personas inseguras y oscuras sentadas detrás de su computadora.


Eso esta jodido, no debería pasar. Asusta porque se supone que esta es la siguiente generación, son las personas que aparentemente van a controlar el mundo en 20-30 años. La gente debería estar afuera disfrutando de sus vidas en lugar de perder su tiempo diciéndole cosas horribles a los demás” (*). Las canciones que siguen continúan la línea lírica y sonora que le conocemos, pero con un sonido más compacto y claro. “Take Care” regresa en el tiempo y nos recuerda al City and Colour de su primer álbum, Sometimes. Cerca del final, en la penúltima canción, Green entrega su oda a California: “The Golden State”. Green inicia con la pregunta “¿No hemos escuchado suficiente de California?” y tal cual, la canción habla sobre su incomprensión a la admiración de este estado de la unión americana. Aunque acepta que hay buenas personas, reclama que a mayoría ahí viven sintiéndose reyes por su “fama” y “dinero”. Sin embargo, el momento más honesto y sincero de todo el álbum llega al final con “Death Song”. Aquí Green saca todas sus emociones y temores sobre su incierto futuro: “What becomes of me, when you stop listening?”.Ya comentamos el hecho de que The Hurry and the Harm es el primer disco con una imagen suya en la caratula, además, Dallas Green ha declarado que es el trabajo del que más orgulloso se siente a lo largo de su carrera. El cierre perfecto para esta obra tan personal tenía que ser una canción en la que Green confiesa y desnuda sus temores sobre el futuro de su carrera. El álbum finaliza con las frases: “Singing my death song, This is my death song…” New Motion

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