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efecto lumière

Sept- Nov 2013

#3

EL 7° ARTE

COMPROMETIDO SECCIÓN NUEVA

LO QUE DEBES SABER DEL CINE DE

WOODY ALLEN MNEMOCINEMA


[CONTE

06 07 08 10

MNEMOCINEMA por Livia Spacey

RESEÑA DE TERROR por Jonathan Lakes

CORTOS por Fedora Vildósola

MIRADA NACIONAL por Fedora Vildósola


NIDOS]

12 15

REALIZADORES por Gonzalo Gaete

HIJO DE LADRÓN PUÑO & LETRA

16 18

por Akk Lain

EL 7° ARTE COMPROMETIDO por Camila Aliaga

MELOMANÍA por Carlos Rojas


* *

Director y Editor

JONATHAN LAGOS Columnistas

LIVIA SPACEY

JAIME GODOY

GONZALO GAETE

FEDORA VILDÓSOLA CAMILA ALIAGA AKK LAIN CARLOS ROJAS JONATHAN LAKES Diseño JOHN LAKES


[ EDITORIAL ]

E

Es distinto hacer las cosas por placer a hacerlas por dinero. Si bien en ambos casos hay una recompensa, se diferencian tremendamente. Así es como las cosas adquieren un valor sentimental. Esta revista la hacemos porque sí, porque jugar a ser periodistas nos hace sentir bien. La moneda con que nos pagas es tu lectura. Bienvenido a esta nueva estación de Efecto Lumière.

de esta nueva sección, dos nuevos colaboradores. La familia crece.

En este tercer número de la revista traemos cosas nuevas y otras de siempre. Como ya te hemos dicho, este trabajo es dinámico, se va armando en la medida que camina. Muestra de eso es la nueva sección que traemos: El 7mo Arte Comprometido , y de la mano

Esperamos que este nuevo número sea de tu agrado, disfrútalo. No dudes, además, en escribirnos para darnos tus sugerencias y opiniones, serán bienvenidas.

No está demás recordarte que nuestro estilo va más allá de la novedad. Queremos volver a pensar y sentir las películas de ahora o de antaño. No es relevante si es actual o no. Lo que nos importa son las sensaciones que siguen provocando, las ideas que siguen expresando. No lo olvides.

Y ya basta de preámbulos, a leer se ha dicho...

JONATHAN LAGOS PINO Director y Editor


menemocinema /efecto lumière

Lo que debes saber del cine de

Woody

Allen por Livia Spacey

E

El 1 de diciembre fue el cumpleaños de

Woody Allen, por lo tanto, en las próximas líneas encontrarás las principales características de su estilo cinematográfico tan particular.

UNO.Todo cinéfilo debe saber una de las reglas básicas del director: Desde 1971 que estrena una película cada año, lo que le ha permitido mantenerse vigente dentro de la industria. Además, ha podido descubrir nuevos tópicos para sus largometrajes. DOS.Los protagonistas de sus cintas siempre deben luchar contra sus demonios internos para desenvolverse en su entorno. Desde el pesimismo ante la vida y la sociedad, la angustia frente a los problemas, el deseo de obtener el éxito del otro, debatirse entre el amor conyugal o el carnal, desarrollar talentos escondidos, etc. TRES.Las mujeres cumplen un rol vital en sus guiones. Casi todas sus películas tienen a personajes femeninos como el centro de todo; ya sea de forma intelectual, como pareja o símbolo sexual. Mujeres con carácter y liderazgo, otras más sensibles y observadoras, aquellas que son sensuales y apasionadas. CUATRO.Humor diferente. Muchas son las frases que llevan toques de humor negro en el cine de Allen. Referencias graciosas sobre la política, religión, clases sociales, literatura, etc. Quizás una de las características más notorias es que, debido al tipo de comedia irónica, las personas pueden sentirse muy cercanas a lo que ven o terminar odiándolo.

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CINCO.Woody como actor. La gracia del director es que ha sido parte del elenco en muchas de sus obras. Un solo personaje se repite constantemente, ése que está lleno de inseguridades sobre la existencia del ser humano, el que está plagado de obsesiones que lo hacen sufrir y tener temor frente a las cosas nuevas, ése que crea relaciones neuróticas con sus parejas, varias veces, tan perturbadoras como él. SEIS.Ciudades icónicas como escenario de las historias. El realizador ya tiene a sus seguidores acostumbrados a disfrutar de las postales más bellas de cada país. Utiliza como paisajes las calles de Francia, parques de Inglaterra, los barrios y casas de Italia. Eso sí, la metrópoli de Woody Allen por excelencia es Nueva York, allí nació, por ende, sus cintas más famosas han sido ambientadas en la ciudad que nunca duerme. SIETE.La musa como gancho comercial. Desde el comienzo adoptó a alguna actriz y la convirtió en estrella. Cuatro han sido las más importantes: Diane Keaton, Mia Farrow, Dianne Wiest y Scarlett Johansson. OCHO.Para finalizar, las películas más importantes dentro de la filmografía de Woody Allen: Annie Hall (1977), Manhattan (1979), Zelig (1983), Hannah and her Sisters (1986), Husbands and Wives (1992), Bullets over Broadway (1994), Deconstructing Harry (1997), Match Point (2005) y Midnight in Paris (2011).


efecto lumière/ reseña de terror

RESEÑA DE TERROR

El hombre es el lobo del hombre

L

Los EEUU vive su mejor momento: el desempleo es de 1%, la violencia y los delitos están casi extintos y la añorada paz social es un hecho. Esta renacida nación, que se ha levantado desde las cenizas, es el mejor lugar en el mundo para vivir. Pero toda esta felicidad no es gratuita. Los Padres Fundadores, nuevos líderes de la nación, han establecido que una noche en el año el hombre sea un lobo para el hombre. Por 12 horas puedes violar, tortura y asesinar a quien tú quieras sin ser detenido ni condenado, todo con el fin de liberar la violencia y el odio que llevas dentro: lo han llamado la Purga Anual. Nada volverá a ser lo mismo para la familia Sandin después que esta noche su tan costosa seguridad sea vulnerada.

por Jonathan Lakes

Sin duda el suspenso y la genial distopía del guión son los grandes méritos de esta película que, sin embargo, a ratos se vuelve un poco predecible. La crítica se encuentra dividida frente a ella, lo que sin duda la hace más interesante. A mi juicio las lecturas y significados de la película son muchos y profundos. Y no sólo como una advertencia pre-apocalíptica sino como una alegoría de lo actual, en donde la paz social se paga con sangre, y no con la nuestra, claro. Exhibe, además, las profundidades de la conciencia que quiere actuar con impunidad pero no quedarse en al caos de la guerra de todos contra todos, algo que todos, antes o después, hemos deseado.

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COR

J

Signs, Australía 2008

por Fedora Vildósola

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ason es un hombre que se levanta todos los días exactamente a la misma hora, para desayunar solo, hacer el mismo recorrido que el día anterior, llegar a su oficina, trabajar, sentarse en la misma banca para su colación, volver a trabajar, para finalmente regresar a su hogar y dormir, todos los días el mismo proceder: es la personificación de lo víctima que se puede llegar a ser de una rutina aplastante, la que muchos suelen tener sin saber por qué, como si estuviéramos arrojados a la vida sin poder cuestionarla. Sin embargo, existen oportunidades en que es la esencia de cada cual debe jugar el rol principal, es decir, sólo en ciertas instancias, no es ese fin impuesto el que nos mueve, sino que algo mucho más importante y auténtico que eso: un impulso del alma, un destello de aquello que somos en realidad, o aquello que queremos ser genuinamente. Un click desconocido, la presencia de una mujer que trabaja en un edificio que da justo a la ventana de su cubículo, con quien comienza una relación única a través de mensajes de papel, es lo que cambia radicalmente el sabor de sus días. Desde que esto comienza, Jason se levanta con ganas, quiere llegar a su lugar de trabajo, “quiere”. Mas, la fuerza de la costumbre ejerce su poder, y a este protagonista le es sumamente difícil dar el salto de conocerse en persona. Salir de la comodidad de lo conocido por hacer lo que soñamos, eso es Signs.


RTOS

c Invention of Love, Rusia 2010

efecto lumière / cortos

por Fedora Vildósola uando estamos en la flor de nuestras vidas, cuando sentimos tener un mundo entero por descubrir y por conquistar, la llegada del amor, resulta muchas veces un recipiente en que volcamos todos nuestros sueños. En este cortometraje podemos observar cómo, lo que en un comienzo parece la promesa de un frondoso porvenir, no es más que el resultado de la pérdida del sentido del amor y de los valores. El protagonista intenta llenar el mundo de su ser amado de creaciones suyas, máquinas de todo tipo capaces de cumplir variadas funciones. Pero lo que pierde de vista, es el costo que aquello que parece tan maravilloso trae consigo. En efecto, hay máquinas por doquier, mas, comienza a desaparecer todo vestigio de vida natural a su alrededor. Incluso el aire se vuelve pesado. Es así como la protagonista se enferma, y finalmente muere. El maquinista intenta rellenar el cuerpo de la mujer de aparatos que cumplan las funciones de los órganos muertos, sin embargo, lo que queda, ya no es su amada, sino que nada más que un autómata. Invention of Love, es finalmente el reflejo de una sociedad como la de hoy, en que no hay después, en que el ego y lo material se han tomado el mundo, volviendo confusa la línea divisoria entre vida y comodidad. El consumismo y las riquezas parecen la mejor forma de brindar soporte a los otros, sin embargo, sólo nos lleva al detrimento. A un cadáver de poco le sirve el lujo.

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MI VIDA CON CARLOS German Berger-Hertz

MiradaNacional

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efecto lumière / mirada nacional

H

Haciendo una revisión holística de nuestro cine, podemos darnos cuenta de que una temática bastante desarrollada ha sido el sentimiento, los hechos, los resultados, de nuestra situación desde el año 1973 en a delante. Nos encontramos con contundentes documentales, películas y series basadas en la vida real, adecuadas a historias ficticias, etc. “Mi vida con Carlos” es un documental cuyos elementos son desprendidos del contexto más controversial, motivo de división nacional e intenso en los últimos años, ante nuestra mirada. Sin embargo, pese a que tal es el contexto, lo central en esta historia no está en las consecuencias de la dictadura, sino más bien, en los sentimientos, en la vida de una persona que, aunque quizás no fue ente activo directamente en esos años, tiene por existencia el resultado de aquellos sucesos. Aunque podría tratarse de una historia desgarradora, en el mal sentido de la palabra (de esas historias que dejan nauseas de tanto recibir datos desconcertantes), la que Germán nos presenta a través de imágenes recopiladas, entrevistas y de sus propias reflexiones, es una historia de una forma genuina de amor en que

por Fedora Vildósola

se nos enseña cómo una sola persona es capaz de dejar huellas positivas y permanentes en los otros. Germán Berger-Hertz, el director y narrador principal de este documental, nos da a conocer cómo su padre, que fue asesinado cuando él tenía solo 1 año, fue capaz de dejar marcas en él sin siquiera haber compartido su vida entera como padre e hijo. Algo habrá tenido que hacer bien un hombre para que su mujer no quiera volver a tener otra pareja, para que sus hermanos aún lo recuerden con amor y admiración, al punto de emocionarse para hablar de él, para que sus padres no hayan encontrado sentido a la vida sin su presencia, y para que su hijo busque un camino de vida inspirado por su imagen. La combinación entre la suave música, cada imagen, persona y paisajes escogidos, más la forma de hablar de Germán, es una dulce invitación a ver las circunstancias dolorosas desde otro ángulo. Es una muestra de que, si un ser humano es capaz de calar tan hondo en el alma de quienes comparten la vida con él, cualquier proyecto suyo, fallido o no, adquiere un significado y no es en vano.

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por Gonzalo Gaete

Charlie Chaplin LAS RAZONES PARA CREAR EL MUNDO

Charlot, ¿se habrá dado cuenta alguna vez que después de quitarse el bigote, maquillaje, bastón y sombrero, seguía siendo pobre un vagabundo? Porque si alguna vez se sintió tan miserable, lo único que tenía era el dinero. El pequeño Charlie Spencer Chaplin, caminaba por las calles de Londres de la mano de su madre Hannah y su hermano Sidney un poco mayor que él, ofreciendo y promocionando espectáculos de variedades como canto, baile y pequeños gags de humor. Trabajar en una pequeña compañía de teatro itinerante ofrecía unos pocos peniques para sobrevivir a aquella pequeña familia. Años más tarde, el adolescente Charlie jun-

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efecto lumière / realizadores

el adolescente Charlie junto a Sidney, protagonizarían la escena más triste, internando a su madre en un hospital psiquiátrico para dejarla allí hasta el día de su muerte. Con el paso de los años los temas desarrollados por el adolescente Charlie Chaplin, trabajando aún junto a su hermano, pero con menos notoriedad que él vestido de borrachín, eran situaciones teatrales muy cómicas como lanzarse de un andamio o arrancarse de la policía (demás está decir, que debió haber quedado alucinado con La Escuela de Brighton, de otra manera no se explica como pudo haber germinado su propia semilla mímico-fílmica) provocando la continua hilaridad de los asistentes al espectáculo, trayéndole además como consecuencia que conociera a una hermosa joven bailarina de varietés, con quien compartió muchas noches de eternos abrazos y caricias, donde la luna llena aparecía solo para ellos dos. Tiempo más tarde, el joven Chaplin emprendía camino a Los Ángeles, California. Desde ahí había recibido una carta remitida por los estudios Hollywood a nombre de un empresario que había decidido cambiar de giro y estaba interesado en filmar pequeños shows humorísticos, dependiendo del presupuesto en 8 o 16 milímetros. El empresario había visto su espectáculo y lo contrataba con un salario fijo. Las historias no eran muy elaboradas y la puesta en escena tampoco tenía mucha sofisticación. Sólo unos utensilios y unas cuantas mesas servían para dar vida a un fotógrafo que se raptaba a la novia y corría por toda la casa arrancando de la furia del novio y los invitados; o el bombero que hacía todo mal y en vez de apagar un incendio mojaba con la manguera a todos sus compañeros y se retiraba muy campante, con su clásico caminar, sombrero, bastón y bigote. Pero ya el divertido y entrañable borrachito, había evolucionado en un vagabundo con más dignidad y garbo, y no por eso menos pobre.

La consigna “para encontrarse primero hay que perderse” tiene tintes del romanticismo alemán, pero carece de importancia cuando solo se escucha y suena como un falso dogmatismo del psicoanálisis. Diferente es tener que vivirlo y no saber lo que es o para qué sirve; o peor, hallarle significado aun cuando ya han pasado años. Bien lo sabía el pobre de Dante y lo expresa claramente en su primer canto al infierno: A mitad del camino de la vida, en una selva oscura me encontraba porque mi ruta había extraviado. ¡Cuán dura cosa es decir cuál era esta salvaje selva, áspera y fuerte que me vuelve el temor al pensamiento (...)! Todos queremos ser Dante alguna vez en la vida, y todos necesitamos a un Virgilio también, porque de otra manera no conoceríamos el camino al infierno ni la ruta para traer de vuelta a nuestra Beatriz. En un viaje en tren y reencuentro con viejos amigos, uno de los productores que le había dado su primer trabajo al joven Chaplin, le contaba que no hace pocos años la joven del show de varietés, con la que casi se había casado, finalmente se casó con un policía, y llevando pocos meses, la muchacha enfermó gravemente de cólera y murió después de una larga agonía. La sangre del pobre Chaplin debe haberle pegado tan fuerte como una oleada en el estómago, de tal manera, que solo Federico Novalis podría ser capaz de explicar cómo se sobrevive ante una situación así. La música, dirección, guión y protagonismo del cine de Chaplin marcaban una pauta y una redundante idea del vagabundo que recorría las calles en una injusta ciudad que lo despreciaba y hacía todo para que no estuviera, pero aun así no estaba presente en él la idea de la venganza por cómo el mundo lo trataba, sino más bien, siempre presto ayuda a alguien, entregándole todo, estando dispuesto incluso a sacrificar su propio bienestar.

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realizadores/efecto lumière

No podía faltar la hermosa señorita que la suerte no le acompañaba mucho, hasta que se encontraba con el pobre Charlot, quien le daba todo lo que poseía, ayudándole incluso a conseguir trabajo, pero finalmente terminaba enamorándose de ella, y jamás se enteraba, y cuando ésta alcanzaba el estatus, abandonaba a su “entrañable amigo” o muchas veces no, y el final quedaba a la suerte de la imaginación del espectador. Esa es la temática de las más de 80 películas que realizó: “La pérdida del amor”. Pero en una de las más famosas, llamada Luces en la ciudad (1931), el indigente de sombrero y bigotes, se siente atraído y experimenta una profunda compasión por una muchacha no vidente que vende flores para subsistir. Pero ella cree que éste amable caballero que la cautiva con bellas palabras y le compra flores, es un joven apuesto y millonario. Charlot se acerca a la joven para tomarle la mano y comprarle todos sus productos. Y ésta, es una de las escenas que ni a los productores de la película ni al mismo Chaplin se les ocurría acabar. Pero de una manera extraña, y tal como suceden las mejores cosas en la vida, apareció la idea. Por una casualidad Chaplin escuchó a su hermano Sidney bajarse de su auto, y así se terminó la escena. En la película, unos acaudalados se bajaban de un vehículo justo cuando aparece Charlot a cortejar a la muchacha ciega, de manera que ella piensa que el vagabundo es un millonario. A partir de ello, Chaplin debe ingeniárselas para cumplir la promesa que le ha hecho a su enamorada, darle el dinero necesario para operarse y volver a ver. Peleas de boxeo perdidas y trabajos para los cuales jamás daba el ancho fueron las labores que tuvo que realizar Charlot. Incluso cayó en la cárcel. Esta parte del film es precisamente lo que Robert McKee habría llamado “en la panza de la ballena”. Esto es cuando el héroe de la historia se encuentra con el más grande problema y debe vencer a la vestía para lograr su objetivo. Caperucita roja después de salir de la panza del lobo, nunca más fue la misma, porque se dio cuenta que el lobo se la había devorado por haberse apartado del camino. En cambio, Charlot

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se fue corriendo donde su amada luego de haber salido de la cárcel sólo para darse cuenta que ella no lo reconocía puesto que ya veía. Pero bastó que el dulce aroma de las manos de la señorita se encontrara con el de las manos del vagabundo, para darse cuenta que había sido él quien en realidad la había ayudado. Si aquel día, el joven Charlie Chaplin miembro itinerante del show de variedades, no hubiera aceptado la oferta de trabajo en América, si nunca se hubiera separado de su enamorada y tal vez ella no se hubiese enfermado ni muerto, no tendríamos sus conmovedoras obras, porque se habría alterado el curso de su destino tal vez su vida no habría trascendido. Pero la separación, la pérdida, el desarraigo y la tragedia marcaron para siempre la vida del mítico Chaplin. Fue duro el costo que tuvo que pagar por volver del infierno sin su Beatriz, una suerte de broma del destino, algo así como un chiste de mal gusto de Dios. Tal vez hubiera sido más fácil ir y venir de la casa de hades, pero no había un Virgilio que lo ayudara ni tampoco una profunda devoción que lo contuviera. Chaplin fue el precursor y más férreo defensor del cine mudo, con su teatralidad honesta y sencilla en dónde el ser humano se presenta ante la cámara como dador de los valores que hacían tanta falta al mundo por aquellos años debido a la guerra. Esta defensa de valores le trajo como consecuencia el exilio en Suiza hasta el día de su muerte por su película El gran dictador (1940), debido a su exceso de humanidad e inocente irreverencia frente a las políticas americanas e inglesas. Esas fueron las razones que tuvo el cine de Chaplin para llegar al cielo y tocar las estrellas sin quererlo, pero antes tuvo que pasar por infierno, ya que de otra manera ninguno de nosotros sabría de él.


efecto lumière / puño & letra

PUÑO &

LETRA

HIJO DE LADRÓN

Manuel Rojas 1896 - 1973

por Akk Lain Aniceto Hevia, quizás sea un personaje de esos que observan y pueden dilucidar todo, en cuanto a imágenes, sonidos, olores, etc. También evocar al pasado en forma de flash back sobre aquellos hechos que marcaron su puericia y bordeando su precoz mocedad en torno a su familia. “Hijo de ladrón” será para esta ocasión el libro adecuado del cual hablaré. Preciosa obra que trata de la relación de nuestro protagonista con el mundo, como este hace del día a día sin padres, hermanos o familiares posibles después de que estos-padre encarcelado y madre muerta- dejan en la soledad absoluta a Aniceto y sus tres hermanos, que posteriormente se dispersan. Las relaciones que Aniceto tiene, forman y dan carácter; el vivir la vida de una forma no convencional, solitaria, mendiga y pordiosera. Muestra a través de sus observaciones, rasgos de nuestro país, la época en la cual trata, la pobreza, cosa que no ha variado mucho, la ignorancia, el obrero, los borrachos, en fin toda una imagen de idiosincrasia que identificará a más de un chileno y más a un oriundo de Valparaíso, lugar central de casi toda la obra,

incluyendo la caleta, la playa, espacio en el que se hace de amigos, los cuales lo ayudan a residen y sobrevivir mientras se encuentra en aquel lugar. Aniceto no es un personaje que sólo observa y calla. Si bien, podemos decir que él más que hablar de sí mismo, habla de lo que puede ver y dilucidar de lo visto, sus pensamientos dan lugar al sufrimiento de hombre, sus problemas y como estos rebotan en él. Una de las escenas más sufridas de Aniceto, es sin duda cuando cae preso injustamente una noche después de una larga protesta en la que se vuelca un tranvía, la policía sale a censurar a la gente, etc… Yo como lector recomiendo leer este libro, muchos en la medida de lo común conocen como escritores a Neruda y Mistral, considerándolos como tales, unos grandes ejes de la literatura chilena, cosa falsa y falacia es. Prosista como “Manuel Rojas”, escritor de esta obra, es sin duda un escritor de esos que te dejará asombrado, tanto como por su manera de escribir, como también por su reflejo en dicho personaje, Aniceto Hevia.

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EL 7° ARTE

*

COMPROMETID

LA TRANSFIGURACIÓN DE UNA HIJA DE LA BURGUESÍA por Camila Aliaga

D

Desde nuestra primera infancia estamos arrojados a un mundo de contingencias, situaciones no previstas, acciones que rayan en la irracionalidad, consecuencias de las que no nos queremos hacer cargo, en fin, hechos que se producen de manera transversal a lo largo de nuestra vida. Sin embargo, existe un fenómeno al que nos veremos expuestos en innumerables ocasiones: la culpabilidad. Podemos pensar que la culpabilidad es algo así como el paso previo a aceptar que somos responsables de una fechoría, y solamente luego de haber tomado conciencia del daño causado es cuando nos asumimos verdaderamente culpables. Pero, ¿siempre, y en todos los casos, es posible determinar a los culpables?

Nombre: La culpa es de Fidel Título Original: La faute à Fidel Año: 2006 País: Francia – Italia Duración: 99 min. Dirección: Julie Gavras

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La Faute à Fidel (La culpa es de Fidel), adaptación de la novela Tutta colpa di Fidel de la escritora italiana Domitilla Calamai, es una de esas obras cinematográficas que construye una realidad para provocar al espectador, pero mediante una propuesta peculiar e interesante: la perspectiva de una


efecto lumière / el 7° arte comprometido niña de 9 años de edad frente a la circunstancia política en la que se comprometen sus padres. La protagonista, Anna de la Mesa, es una niña criada en el seno de una familia burguesa, asiste a una escuela católica para señoritas, toma clases de natación y tiene un selecto grupo de amistades, pero de pronto su vida da un giro inesperado, producto de un viaje que realizarán sus padres a Chile durante el gobierno de Salvador Allende, y todas aquellas comodidades de las que disfrutaba son alteradas por el activismo político al que ellos adhieren. Deberá dejar los estudios de catecismo en su escuela, y conceptos como: el comunismo, los grupos de solidaridad, la distribución de la riqueza y el aborto llegarán a trastocar su niñez. Frente a esta hecatombe Anna intentará descubrir quién es el culpable de que sus padres pasaran de ser un abogado y una escritora a formar parte de los opositores

al franquismo, asistir a una manifestación, luchar por el derecho al aborto y llenar la casa de sujetos extraños y barbudos. Uno de los aspectos más atractivos a considerar en este film es cómo se vincula la cosmovisión de Anna con las explicaciones burdas que los adultos asumen, evidentemente desde la ignorancia, y le entregan sobre las ideologías y la religión. Pero, curiosamente, y pese a ser el tema principal de la obra, pienso que es posible ubicar en este contexto no sólo la visión errada del comunismo, sino también algunas de las ideas que a través de los discursos políticos, la publicidad y la propaganda adquieren un nuevo significado. Y suelen ser estos conceptos manipulados a los que el hombre acude, quizás, por pereza mental o por el simple hecho de asumir la opinión de la mayoría. Pues, como vemos en este caso no es sólo Anna, una niña mimada de la burguesía, quien recurre al mito, inducido

por su niñera de origen cubano, para justificar su rechazo a la vida austera y políticamente comprometida se sus padres, sino que también caerán en este vicio sus compañeras de la escuela y sus abuelos. Además de lo anterior, me parece necesario considerar una serie de conflictos que surgen cuando sus padres deciden trabajar en grupos de solidaridad. Inconvenientes familiares que provocan la molestia de Anna, y que nos motivan a reflexionar si el activismo político puede ir de la mano con otras responsabilidades propias de la “edad de la razón”. A lo largo del metraje es posible apreciar como Anna va construyendo su propia idea de la “bestia comunista” y cómo se enfrenta desde este dogma a las ideas políticas de sus padres. Le petite bourgeoise en ocasiones se volverá insoportable, con sus arrebatos, gritos y malos tratos intentará

convencer a sus padres de volver a su vida anterior, se negará a comprender su nueva realidad y a escuchar a todo aquel que la intente convencer de que la culpa no es de Fidel. Sin embargo, y luego de múltiples intentos fallidos por explicar el sentido de la opción familiar, Anna tendrá un encuentro que le hará reflexionar de una forma bastante didáctica, sobre la riqueza en el mundo y cómo desde la ideología de los partidarios del comunismo debiese ser su división. Evidentemente la película aborda una serie de consignas propias del comunismo con un ribete romántico y hasta nostálgico, pero no es aquí menester mío determinar el valor y vigencia de dicho pensamiento, sino volver sobre la pregunta y esperar que los lectores construyan y elijan su propia respuesta, entonces ¿de quién es la culpa?

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melomanía /efecto lumière

El temor a innovar deriva en los sonidos por Carlos Rojas pasaje corresponde a la canción Saddest Summer, la cual está compuesta por alegres sonidos que no dejan atrás el contexto de verano, además de aquellos factores que esta estación posee en términos de energía y regocijo. Desgraciadamente, del resto de canciones que Summertime! contiene, es imposible realizar un análisis recóndito o comparativo. Sí, me parece que es un disco muy simpático, pero ni si quiera sus dos siguientes trabajos, The Drums (2010) y Portamento (2011), ejercen gran diferencia entre uno y otro.

S

ummertime! es el nombre que lleva un humilde trabajo de no más de treinta minutos de duración, cuyos autores son los estadounidenses de The Drums. Desde Brooklyn, Nueva York, realizaron su primera aparición oficial en octubre del año 2009, con este EP bajo el brazo. Anteriormente, dos de sus cuatro integrantes dejaban atrás micro-bandas, las cuales se caracterizaban por una fuerte presencia de la música electrónica. Aquella peculiar influencia, se puede advertir dentro de este pequeño hilo monótono (pero a veces agradable) de canciones adicionadas al álbum. De hecho, durante cada canción, las notas producidas por la guitarra eléctrica son siempre expresadas con júbilo, sin pesadumbre. Mientras que el polo contrario (o polo negativo), queda expresado dentro de sus letras. “Este es el verano más triste de todos los tiempos”, este

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Con esta postura quizás esté enjuiciando el estilo de vida musical que estos muchachos llevan. La composición de sus letras se desenvuelve a través de lo menos habitual hasta lo más mundano. No obstante, el temor a innovar deriva en los sonidos, y así lo dejan claramente expresado estos gringos al elaborar dos trabajos sin ir más allá de sus propósitos como banda musical. En efecto, al comenzar el año 2013 surgieron rumores de momentáneos recesos y uno que otro proyecto independiente por parte de dos integrantes de la banda. Por un lado, su vocalista, Jonathan Pierce, retorna a sus primeras instancias como músico (a la electrónica experimental), bajo el nombre de Jonny Pierce. Como solista, su principal propósito es crear sonidos utilizando máquinas sintetizadoras de orden primitivo y en desuso. Por otro lado, su fiel colaborador y guitarrista de The Drums, Jacob Graham, realiza un fino proyecto llamado Cascading Slopes, en el que desarrolla un viaje dentro de la música folk experimentando con uno que otro instrumento electrónico.


goodbye

farvel

au revoir hasta la próxima...

arrivederci

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Efecto lumiere #3