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Especial ARTE COMO EVENTO ELGATOCONMOSCAS

JOSE LUIS SERZO nieves gonzรกlez / / petunia ARTE


“... otro de mis grandes propósitos en mi trabajo es hacer un arte universal, contundente, transcendente y culto para todo espectador.” Pág. 40


Exprés 06 06 07 07

la mayor mentira abdul vas lo más decorativo f de

un poco de historia 08 el arte como evento

Especial arte como evento 12 14 16 20 24 26

milesKm mónica de la encina sandra march héctor barrios demelza watts max dovey

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NIEVES gonzález Artista Recorrido por su obra.

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Petunia Pintor Nos cuenta sus últimos proyectos.

entrevista y dossier 40 jose luis serzo Artista Comparte con nosotros sus experiencias dentro del mundo del arte y opina sobre su situación actual.

estudios/colectivos 46

elgatoconmoscas En 2004 nacie en Madrid este colectivo fruto de la necesidad de elaborar proyectos fuera del ámbito académico.

galerías y expos concursos y becas

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editorial

EQUIPO BAiD

dirección y diseño

Joaquín Álvarez Méndez E-mail: joaquinalme@gmail.com dirección de contenidos

Nora Silva

E-mail: norateignora@gmail.com Fotografía y marketing

Javier Rubín Grassa

arte y diseño en bellas artes ¡Ya está aquí BAID 06, EL ARTE COMO EVENTO! Baid se ha querido apuntar al carro de la estética relacional, presentando en este número una iniciativa de intercambio más allá de nuestras fronteras: Miles KM, una propuesta de colaboración a distancia, que finalmente recoge todas las participaciones en un magnífico evento que cambia de lugar cada año. Varios artistas nos presentan también sus propuestas: Mónica de la Encina, Héctor Barrios, Sandra March, Demelza Watts y Max Dovey nos muestran sus diferentes trabajos en la sección especial EL ARTE COMO EVENTO En nuestra sección de Arte tenemos a Nieves González, artista multidisciplinar que nos habla de la sobremesa y de la idea de “mujer alimento” en su proyecto “Desvaríos en la mesa” Por otro lado, Petunia, ilustradora Guatemalteca, nos enseña que todo es posible sobre el papel y nos presenta a todos sus monstruos. También contamos en este número con la participación de Jose Luis Serzo, reconocido artista plástico en nuestro país. Y para finalizar, en nuestra sección de colectivos, El gato con moscas nos lo enseña todo en una entrevista a fondo. ¡Pasen y vean!

esto ha sido posible gracias a: Nora Silva. Clara van Jonker, Olatz Otalora y Javier T. Ocón. MilesKm, Demelza Watts, Max Dovey, Héctor Barrios, Sandra March, Mónica de la Encina, Nieves González, Petunia, Jose Luis Serzo y Elgatoconmoscas. La familia Todos los contenidos de la revista, entendiendo por estos a título meramente enunciativo los textos, fotografías, gráficos, imágenes, iconos, linos y demás contenidos visuales, así como su diseño gráfico, son propiedad intelectual de la Sociedad o han sido objeto de licencia o cesión por un tercero, sin que puedan entenderse cedidos al Usuario ninguno de los derechos de explotación reconocidos por la normativa vigente en materia de propiedad intelectual sobre los mismos. Con carácter meramente enunciativo, el Usuario de acuerdo con la legislación vigente deberá abstenerse de: 1. Reproducir, copiar, distribuir, poner a disposición, comunicar públicamente, transformar o modificar los Contenidos salvo en los casos autorizados en la ley o expresamente consentidos por La Sociedad o por quien ostente la titularidad de los derechos de explotación en su caso. 2. Reproducir o copiar para uso privado los Contenidos, así como su comunicación pública o puesta a disposición de terceros cuando estos actos impliquen necesariamente la reproducción por parte del Usuario o de un tercero. 3. Extraer y/o reutilizar la totalidad o una parte sustancial de los Contenidos integrantes de la revista así como de las bases de datos que La Sociedad ponga a disposición de los Usuarios. Las marcas, nombres comerciales o signos distintivos son titularidad de la Sociedad o terceros, sin que pueda entenderse que el acceso a la revista atribuya ningún derecho sobre las citadas marcas, nombres comerciales y/o signos distintivos.

E-mail: j.rubingrassa@gmail.com colaboradora creativa

Teresa García Vicente

E-mail: teresa.garciavicente@yahoo.es colaboradora creativa

Cristina Llamas Álvarez

E-mail: llamas.cr@gmail.com redactora

Lorena Fernández Prieto E-mail: lorenafernandezprieto@hotmail.com redactora

Marta Blanco García

E-mail: blancopoulo@gmail.com corrección de textos

Pedro Méndez Chico

E-mail: pedroalfonsomendez@gmail.com

colaboradores y artistas EXPRÉS Abdul Vas por Clara van Jonker E-mail: claravanjonker@gmail.com La mayor mentira por Olatz Otalora E-mail: otaloraolatz@gmail.com Ilustración de Olatz Lo más decorativo por Javier T Ocón E-mail: javiertiradocontra@gmail.com F de fuga por Marta Blanco E-mail: blancopoulo@gmail.com UN POCO DE HISTORIA por Nora Silva E-mail: norateignora@gmail.com Web: cargocollective.com/norateignora Especial EL ARTE COMO EVENTO MilesKm E-mail: mileskilometros@gmail.com Web: cargocollective.com/mileskm Demelza Watts E-mail: demelzabwatts@gmail.com Web: www.demelzawatts.com Max Dovery E-mail: maxdovey@gmail.com Web: www.maxdovey@gmail.com Héctor Barrios E-mail: jbl.hector@gmail.com Web: www. Sandra March E-mail: sandra@sandramarch.com Web: www.sandramarch.com Mónica de la Encina E-mail: m.encinalopez@gmail.com ARTE Nieves González E-mail: nieves_747@msn.com Web: www.nievesgp.blogspot.com Petunia E-mail: anigomez8@gmail.com Web: www.flickr.com/people/anigomez/ ENTREVISTA Y DOSSIER Jose Luis Serzo Entrevista por Marta Blanco Obras de Jose Luis Serzo E-mail: yosoy@joseluisserzo.com Web: www.joseluisserzo.com ESTUDIOS/COLECTIVOS El Gato con Moscas Entrevista por Nora Silva E-mail: elgatoconmoscas@gmail.com Web: www.elgatoconmoscas.com


Exprés ABDUL VAS

LA MAYOR MENTIRA He engañado a todo el mundo. Aparento roca y piedra. Por dentro no soy más que erupciones y tormentas. Mis neuronas bailan en carnaval y explotan en delirio. Todo es mentira. Un oxímoron en continua contradicción. Otro caos que ha parido el Universo. Soy vulnerable y débil. No soy fuerte. Os abrazáis a mí, pero yo no tengo fuerza para arrastraros a todos al paraíso de donde creéis que vengo. Me llamáis Diosa y, para ser Diosa, hay que tener poder e inmortalidad. Y yo ya estoy muerta. He venido del mismísimo Infierno para engañaros a todos y daros de beber el peor de los venenos, para daros de comer la manzana más podrida y envenenada que robé del Edén. Qué hay para mí que necesite contemplar, si mis ojos no son más que una ventana de carcoma a un abismo infinito, a una inminente implosión que arrasará y destruirá a todo aquél que creyó en mí. No sé quién soy, no sé para qué soy. Para quién soy. ¿Hay alguien que SEA en este mundo? ¿Hay alguien que realmente exista? No. Qué cojones le importamos nosotros al Cosmos. El Universo se

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descojona de nosotros. Y yo me descojono de la vida. Ojalá mi vientre putrefacto no tuviera que engendrar ni un alma condenada más. Dónde nace mi angustia. Qué es lo que gritan mis entrañas cuando gimen. Qué dicen, no entiendo su lenguaje. Babel de los cojones. Humanidad de mierda. El oro que desprenden mis manos es luz que se apaga en mi estómago. He sufrido un corte de digestión sensorial. Fluidos gástricos revolotean entre mis órganos no vitales. Vivo cansada, me agota vivir. Y no sé de donde robo fuerzas para peinar melenas hermosas, para besar manos perfectas. Alquimista fraudulenta. Eso es lo que soy. No confiéis más en mí, porque caeréis en un abismo más profundo que el del Taigeto. _olatz otalora

El uso de estereotipos (idolatrías) en la cultura popular occidental, como se viene haciendo con grandes equipos de baseball o grupos de rock universales, favorece esa lectura metafórica e introduce sutiles elementos de identificación con la audiencia, especialmente la más joven, más sensible a este tipo de denuncias. Sus pinturas contienen un interior más convulsivo que una superficie que o asusta o encanta; Vas tiene esa habilidad, te ofrece una imagen virtuosamente pacificada y al mismo tiempo, en el papel siguiente, otra delirantemente violentada. Es lo que podríamos llamar una sabiduría de lo dividido; tanto de lo bien dividido y como de lo mal dividido. Nos encontramos delante de un mundo animal, victima de un tipo de historiografía de lo humano o quizá sería mejor: de humanos archivados desde lo animal. ¿Es lo que parece? ¿es el violento pollo, quien ejerce violencia o es, por el contrario ese dócil y virtuoso pollo paradisíaco? Abdul trata con Pollos y con ellos ficciona un presente de pena, penapresente, digamos, del mundo en concreto pero me niego a pensar por él ni preguntarle siquiera qué pretensión es esa, de qué trata ese problema, porque la ficción que consigue Vas está en la zona común del delirio. De eso trata la pintura, de un lugar del que no se pregunta nada ni nadie es interrogado. En ese bloque mágico, aparece su fijación por AC/DC que cumple una función casi obsesiva en la que el artista nos plantea su idea de que esta banda de rock es la mas grande de todos lo tiempos. Ese es el objetivo de toda belleza actualizada, constituir al espectador como un usuario obsesivo. Abdul Vas utiliza un rico código infraccionario para una ficción. Sus pinturas, dibujos y otras producciones pictóricas sobre diversos soportes, hablan de una ficticia inversión de nuestro genocidio alimentario. El pollo, objeto de una inversión de sentido, se representa como exterminador, lo que hace imposible observarlo en ese proceso como comida, su destino en la realidad. El delirio de sus pinturas va dirigido a corregir la infantilización del animal en los códigos de representación de la industria del alimento y de la cultura pero también a nombrar las evidencias del campo de concentración humano.

Paralelamente al momento en el que el urbanismo tomaba forma como dominio de toda ciudadanía, el animal era objeto de una inversión de sentido. Su destrucción como figura alternativa a lo humano era posible gracias a una infantilización acompañada de un exterminio aunque lo más grave es que hacía imposible observarlo en ese proceso como comida, su destino. Podemos pensar que a la pintura le ha pasado algo así como a los pollos, que se le ha observado como una naturaleza del hombre de la época antes que como pintura y así infantilizada, pop, brutal o expresiva o decorada asumía su lugar infantilizado, es decir, contemporáneo. Es cierto que en esta fase de consumo imperial de toda comida, nadie quiere ser ni adulto ni pollo, pero sin serlo se acaba como tal: “Mi serie Cincinnati Reds es una selección de los pollos que quiero que representen al equipo de baseball del mismo nombre. Se crea así un equipo de GALLOS que juegan a enseñarnos el campo de concentración al que han sido sometidos y en el que los humanos han llevado a su misma especie. En ella ninguno de los pollos que represento se retracta de sus acciones en las que aparecemos descuartizados o protegidos. Este verdugo-víctima no es más ni menos que el animal que dejó de ser pollo y que pasó a ser un alimento de masas y un icono de la cocina universal.” “Prefiero sacrificar vidas que suspender un partido de baseball” “ I do prefer sacrificing human lives rather than cancelling a baseball match” Los papeles se han adjudicado en el gran reparto de la representación política y cada uno tiene su nuevo y portátil narciso, ése que aparecerá descuartizado o sublimado en los papeles y otros medios de Vas. _clara van jonker


LO MÁS DECORATIVO Paseando hoy por la ciudad me he encontrado de frente con una enorme tienda de esas que vende adornos de cristal. El local estaba en pleno centro y los objetos expuestos en el escaparate tenían un precio altísimo. Nosecuantos cientos de euros por un jarrón en el que no cabe ninguna flor, otros tantos por algunas figuras horrendas de animales de cristal con ojos de colores. Panteras de falso diamante sacaban las garras sobre una piedra volcánica mientras dos flamencos con sus cuellos entrelazados miraban fijamente la calle. Vengo pensando últimamente en la utilidad de las cosas, en el regreso a lo básico. Tal vez no fuera lícito aplicar una reducción radical, finalmente si somos como somos es porque respondemos a valores de alguna forma presentes en nuestra especie. Digamos que el nivel mínimo de satisfacción lo conformaran comida, bebida, techo y compañía. El ser humano es mucho más, pero casi todo ocupa un segundo plano al lado de estas cuatro cosas. Sin embargo son estos relucientes objetos de deseo, estos “adornos” absolutamente innecesarios, los que mueven el mundo en muchos sentidos. La joya, lo exclusivo. Llenarás tu nevera por una centésima parte de lo que cuesta un pato transparente que cogerá polvo en alguna repisa. Pero si quieres el pato, ese extra de lujo que te acompañe, tienes que pagar su altísimo precio. Las cosas innecesarias son las que más dinero cuestan. Como la consulta del psicoanalista. Y le doy yo vueltas al arte y a su manía de indagar sobre cosas innecesarias. Esa herencia del arte conceptual de incluir un discurso espeso en cualquier objeto o acción de “arte” es la que está aniquilando de alguna forma la visión panorámica del paisaje. En su empeño en salir de lo ornamental, del objeto representativo que forma parte del espacio, el arte se convierte en un una decoración social. Una especie de humo blanco que sale por algunos sitios pero que tiene más de síntoma que de remedio. Pongamos que, de forma simplista, decido entender el arte como “El objeto o proceso que suscita y sostiene un discurso”. Dependo entonces, para valorarlo y disfrutarlo en su justa medida, de que ese discurso o “diálogo” se produzca. Dependo entonces de que un interlocutor (espectador) lleve a cabo una aproximación adecuada (suponiendo que la haya). Y ese acercamiento debe liberar de alguna forma el discurso contenido, o al menos crear uno propio en su relación particular con el sujeto. Supongamos que eso sucede, que realmente hay una interacción y un intercambio, que el objeto enciende un proceso

mental y una reflexión sobre, por ejemplo, la relación entre el sujeto y la sociedad. ¿Qué vacío llena entonces ese pensamiento? ¿Existe realmente un lugar para él? ¿O simplemente fulgurará durante unos segundos y luego desaparecerá en el olvido, dejando tras de sí una memoria del objeto completamente ajena a esta reflexión? Resulta quizás forzado exigir a todas las obras una sólida vertiente lingüística que permita su inclusión en una red conceptual. ¿No da la sensación de que ésta contiene siempre el mismo vocabulario? Términos que permitan a los críticos “hablar” de “algo”, situar a la obra en una corriente determinada. En esta exigencia tiene lugar la saturación del discurso irrelevante. Es fácil encontrarse vacío e indiferente tras una buena exposición en cualquier galería de arte, aunque el panfleto introductor siempre parezca indicar lo contrario. El problema no se encuentra en la creación en sí, sino en la tesis pretenciosa que la acompaña y la dota de excesivo protagonismo. La reflexión monumental sobre el hombre y el objeto no rompe las paredes de la galería ni le otorga a la obra más realidad y alcance del que tiene, situada como está, en un entorno social muy limitado. Habría que ver entonces hasta que punto puede alejarse de este tipo de razonamiento. Pensemos si el arte con el que tratamos ahora solo puede existir con semejante discurso de ensalzamiento o si ha sido él mismo el que en su desesperación se ha ido rodeando de ésta particular verborrea. Términos como “transgresión”, “interacción”, “deconstrucción”, utilizados con una ligereza apabullante. El vocabulario del arte. Un vocabulario que sólo permite el pastiche, la mierda florida. Tan ajeno a la realidad del proceso que describe que resulta ridículo. Incluso cuando su discurso señala irónicamente al absurdo, lo hace cargándolo de tantas connotaciones que hasta el más breve soplo de aire fresco pasa por sus garras lingüísticas para salir convertido en un discurso pseudofilosófico de tintes barrocos.

para ser considerada un “homenaje a la mujer ordinaria”? ¿Qué implica exactamente el concepto “fábrica social”? ¿Cuales son sus relaciones tradicionales con el arte? ¿En qué se considera que esta obra las redefine? y un largo etcétera. ¿Es realmente creíble que un objeto reúna en sí mismo todas las características expuestas en esta frase? (Sabiendo además que la frase está sacada de un texto más largo que no escatima en elogios semejantes) ¿Por qué desearía alguien ensalzar de manera tan artificial algo que ya tiene entidad propia? ¿Por qué nos gusta cubrir de términos elevados el objeto de nuestro interés cuando éste nos atrae a priori por otros medios? ¿Si tratamos así al objeto artístico, no deberíamos hacer justicia y tratar de manera semejante a todos los objetos creados por el hombre de los que nos rodeamos? Sería agotador dotar de discurso todo aquello con lo que interaccionamos. Sin embargo garantizo al lector que no hay en torno a mí un sólo objeto que no cree “un intercambio dinámico con el paisaje de alrededor”. No pongo en duda la importancia y atractivo del arte. Además de otros territorios, el decorativo es altamente significativo y auténtico. Querer huir a través de la pretensión es lo que hace al arte más “ornamental” que nunca. Objetos y discursos completamente inocuos, absurdos en su concreción. Si no se le pide a la obra una verdadera repercusión, que no se finja en todo momento que ésta se produce. Desde la aceptación humilde de su posición en el contexto humano el arte puede alcanzar lugares más verídicos. Si nos acomodamos en la floritura pretenciosa (a veces incluso recubierta de crítica social) del terreno oficial seremos una bella y colorida extensión del actual sistema económico, cuyas prácticas imitamos al cubrir nuestro trabajo de un discurso espeso que solo genera cansina indiferencia. _javier t ocón

f de fuga de cerebros Fugarse está de moda. Los jóvenes españoles se ven obligados a renunciar a la tortilla de patatas por un futuro real, mientras sus madres aprenden a utilizar “el escaip” y envasan al vacío toneladas de jamón serrano “del bueno” que intentarán colar en la maleta junto con esos calcetines que han planchado con tanto amor. Así de crudo, señoras y señores: no más siesta, no más cañas, no más dieta mediterránea, y seguramente no más sol. Tanta lata con estudiar, con aprobar la Selectividad, con sacarse una carrera, y con hacer después un máster. Hacemos cursos y prácticas, aprendemos idiomas, y nos convertimos en la generación más preparada que ha tenido España, para encontrarnos en la misma situación que mucha gente hace 50 años. ¡Cómo iban a imaginarse entonces, mientras emigraban huyendo de una dictadura, que sus nietos lo harían de una democracia…! Mientras tanto, y para quitar gravedad al asunto, yo pienso en lo mucho que me gustaría ser la versión futurista de Mery Poppins, poder meter toda mi vida en una maleta reglamentaria con capacidad aparentemente normal pero en el fondo (y nunca mejor dicho) infinita, y aterrizar sin retrasos, ni controles de seguridad, enganchada al mango de un paraguas de Ryanair. _marta blanco

Transcribo un ejemplo que he leído esta mañana: “Éste homenaje a la mujer ordinaria crea un intercambio dinámico con el paisaje de alrededor, redefiniendo y estimulando las relaciones tradicionales entre el arte y la fábrica social, en diálogo con las características del paisaje colindante - tanto arquitectónicas como naturales.” Para que este fragmento fuera veraz habría primero que definir un montón de ideas que como en todos los discursos baratos se dan deliberadamente por entendidas. ¿Qué características cumple la obra

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EL ARTE COMO EVENTO ENCUENTRO , VERBO, FIN No hace mucho que el arte es efímero Corrientes como el arte povera o fluxus ya protestaban contra la obsesión por la permanencia, haciendo de lo agotable el objetivo en vez de entenderlo como obstáculo. El mundo gira ahora más deprisa que antes. Cada nuevo “ismo” domina la estética durante unas décadas para luego transformarse en su contrario, a un ritmo imposible para la asimilación. La profusión de obras con principio y final, es decir, eventos, parece entonces casi necesaria. ESTÉTICA RELACIONAL “Así, la esencia de la humanidad es puramente trans-individual, hecha por lazos que unen a los individuos entre sí en formas sociales que son siempre históricas: la esencia humana es el conjunto de las relaciones sociales” (Marx). El arte como evento bien podría definirse como el arte como encuentro. La “Estética Relacional” , concepto que, según Wikipedia, “se caracteriza por dar una mayor importancia a las relaciones que se establecen entre y con los sujetos a quienes se dirige la dinámica artística que a objeto artístico alguno” , antes de ser corriente fue libro. Escrito por Nicolas Bourriaud hace 10 años, ya se considera antiguo. En él, el autor investiga por qué las relaciones sociales de pronto se han convertido en tema central de muchas de las propuestas artísticas contemporáneas. La aparición de las redes sociales (facebook, tuenti...) y la progresiva reducción de las relaciones a lo digital son algunas de las causas. Vivimos una época de alienación en el campo de las relaciones sociales, por lo que resulta lógico que los artistas se esfuercen por

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“poner en relación niveles de realidad distanciados unos de otros.” Por ejemplo, desde la década de los 90 el artista Rirkrit Tiravanija organiza comidas en galerías, esforzándose por convertirlas en un evento puramente social, incluso trata de excluir al arte de ellas. Comer es una actividad social común a todas las culturas, es una característica antropológica universal. En consecuencia resulta casi lógico que Tiravanija lo utilice como “mecanismo de arranque” artístico, o en palabras de Bourriaud, “una amalgama, un principio aglutinante dinámico. Una obra de arte es un punto sobre una línea.” Las obras de Tiravanija no han surgido aisladas. Ya en los 70 Gordon Matta-Clark abría en restaurante Food como lugar de conversación artística y satisfacción del apetito. Reunir a la gente para comer o incluso para tomar una cerveza, como es el caso de la obra de Tom Marioni “Free Beer” (The Act of Drinking Beer with Friends is the Highest Form of Art), convierten al artista en una especie de animador social. Esta clase de eventos ha proliferado durante los últimos años, adquiriendo popularidad y consolidación. El artista chileno Adolfo Torres, por ejemplo, aúna estética relacional con solidaridad en su proyecto continuado “La Olla Común”. Torres desarrolla sus proyectos generalmente en lugares pobres o con pocos recursos repartidos por Sudamérica. En sus exposiciones se dedica a cocinar y reparte cada ración en platos que marca como si fueran grabados. LA AMBIGÜEDAD IMPOSIBLE El artista contemporáneo es híbrido, va asumiendo distintos roles y mutando constantemente, rizomático. El artista-


escritor Anton Vidokle, describe este nuevo papel del artista, que es precisamente la ausencia de papel, a través de una de las obras de Tiravanija: éste cocinó toda la comida, asumiendo el rol de cocinero. Cuando le preguntaron si lo que estaba haciendo era arte, él respondió que no, que estaba cocinando. “Creo que lo que ocurre aquí es que en vez de hablar o trabajar como artista, Rikrit prefiere mantenerse muy ocupado haciendo otras cosas en un espacio artístico” , opina Vidokle. Aquí el artista ya no lo es para poder serlo. Ésta es la ambigüedad imposible del arte de hoy. El artista mismo reniega de su actividad, evita etiquetar lo que hace como arte, elevando a éste a una especie de categoría innombrable, dado que su sola mención distrae de “lo real” (como bien dice Susan Buck-Morrs: “eI ámbito original de la estética no es el arte sino la realidad” ). Sólo cuando Tiravanija se desprende de la intención de crear arte, lo crea. El comisario Hans Ulrich Obrist prefiere llamarlo “producer of gifts” o generador de regalos, puesto que estas obras también constituyen una gran demostración de generosidad. Lo que está claro es que el anti-artista contemporáneo va dejando un caos interpretativo a su paso: “el autor asume el caos que esto (su obra) propone, dejando casi todo al azar y aceptando de buen grado la condición de algo inconcluso que esto conlleva.” INSTRUCCIONES DE APROXIMACIÓN

inversión dialéctica por la cual la estética cambia en un modo de ser cognitivo «en contacto» con la realidad a un modo de bloquear la realidad.” El problema es que esta situación se ha implantado tan rápido que no ha dado tiempo a asimilarla, desembocando en el bloqueo mencionado por Buck-Morrs, una especie de amnesia instantánea. Entonces, ¿cómo nos enfrentamos ante una obra desde este atasco cognitivo? Hay diferentes maneras de aproximarse a estas obras y también diferentes maneras de “experimentarlas”, “tanto voluntaria como involuntariamente.” Parece que la mejor forma es hacerlo “sin querer”, lo cual reduce las posibilidades de encontrarse con el arte a situaciones al azar. El artista quiere vaciar el arte de arte, convirtiéndolo en algo que se “sospecha”, que no está claro, y no lo va a estar, porque la claridad lo ahuyenta. FIN La estética relacional nos plantea un reto de entendimiento. Para apreciar sus obras es necesario que dejemos de llamarlas obras y nos limitemos a conversar y comer, que dejemos de llamar artistas a los artistas y únicamente compartamos con ellos. Cohabitar en el fin del arte, comprendiendo la ambigüedad que esto supone y frenando nuestra necesidad estéril de definir y acotar conceptos asumiendo que la única posibilidad de entenderlo es no entendiéndolo. El arte empieza, el arte acaba. _nora silva

“La cuestión no es entrenar el ojo para admirar la belleza, sino restaurar su perceptibilidad”. El espectador del mundo occidental se enfrenta a un problema de sobreinformación que nubla la percepción como un filtro gaussiano. Es lo que Buck-Morrs llamaría “anestética” causada por la simultaneidad de sobreestimulación y entumecimiento: “la /////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////// BAiD 06 2012

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especial

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mileskm m贸nicadelaencina sandramarch h茅ctorbarrios demelzawatts maxdovey


miles km ilesKm es una plataforma para crear una red artística internacional colaborativa. Organiza un evento multidisciplinar una vez al año y en una ciudad distinta cada vez. Los participantes de distintas nacionalidades colaboran a distancia, para finalmente viajar a la ciudad donde tendrá lugar la exposición y convivir durante una semana para organizarlo. Cualquier persona interesada en ayudar o participar es bienvenida ya que la organización de MilesKm intenta ser lo más accesible posible, además de ser auto gestionada, basada en el trabajo en comunidad y sin ánimo de lucro. El proyecto nació de Nora Silva y Sofia Montenegro. Tras estudiar tres años de Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, obtuvieron una beca de intercambio que las llevaría a finalizar sus estudios en Londres y Utrecht. En enero de 2011, durante un encuentro en Madrid, decidieron crear Mileskm, que surgió como inquietud y necesidad ante la falta de comunicación entre artistas emergentes y como intento de impulsar la escena artística española al nivel europeo.

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El primer MilesKm fue en Madrid en abril 2011 y organizado junto con “ElColectivo”. Una vez que los artistas interesados se apuntaron a través de la web y decidieron con quién colaborar, crearon sus obras a distancia con sus respectivas parejas o grupos. Los artistas extranjeros viajaron a Madrid para convivir con los artistas españoles durante la semana previa a la exposición. Tras una semana intensa de encuentros y conversaciones, el evento final fue una exposición-concierto-teatroreunión que tuvo lugar en la Tabacalera de Lavapiés. La edición de 2012 tuvo lugar el 30 de Marzo en Londres, en el Bussey Building. Alrededor de 40 participantes de distintas nacionalidades colaboraron de la misma forma que la edición de 2011. Coincidió con los Last Fridays de Londres, noches en el que las galerías y espacios multidisciplinares del sur de Londres abren sus puertas a la ciudad. Esperamos que MilesKm siga creciendo y poder seguir organizando nuevos encuentros en diferentes destinos.

E-mail: mileskilometros@gmail.com Web: cargocollective.com/mileskm


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Mónica de la encina ///////////////////////////////// Es curioso cómo llega uno a fijarse en algo que hasta entonces le había pasado inadvertido; y que sobre todo, cómo a partir del momento en que uno se detiene en ello, en que se queda ahí parado, los indicios de su existencia latente se multiplican e interconectan, hasta el extremo de que no pareciera haber otra cosa tan evidente e interesante en este mundo///////////////////////////////////////////////////////////////

Siempre he creído que la experiencia es una forma de desvelar el mundo. Hay cosas que sólo pueden comprenderse a través de la experiencia. Y en muchas ocasiones es difícil interponer palabras ante ella. Está es mi historia, desde mi nacimiento, recuerdo estar sumergida en agua, y desde entonces la observo y registro allí donde esté, cristalizándola en imágenes o momentos. Es un elemento constante a lo largo de todo mi proceso creativo. A medida que iba creciendo encontré un punto de conexión de nuevo con ella; la natación. Aparte de formarme como individuo, no sólo en el ámbito deportivo. Fui desarrollando en el tiempo una gran sensibilidad hacía este elemento. Comienzo a mirar el agua con macro. Convirtiéndose en un microcosmo que me evadía de todo lo demás. No deja de sorprenderme la interconectividad de la vida, mueves algo y otra cosa relaciona con ello se muestra.

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“Fragmentos de vida y sueños se disuelven en el agua, iluminando lo que parecía inerte”. Mediante el medio acuático , buscar el tintineo de un sueño en sus miradas, estas cien bolas presentadas y extendidas en el mar. Pequeños refugios que dejan huella en el inconsciente. Agua y luz; elementos perennes como la sincronía entre ambas. *** Acción realizada en una cala virgen del norte de Mallorca, Sant Joan. El Malpás. Se trata de iluminar el mar en un estado en el que simula estar inerte (la noche). Mediante un dispositivo creado: led, botón, pila + bola de metacrilato, multiplicado por cien.

E-mail: m.encinalopez@gmail.com


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sandra march ///////////////////////////////// Entiendo la práctica artística como un medio para revincular, revisitar, repensar y reflexionar sobre viejas-nuevas temáticas. Mi obra gira principalmente en torno a cuatro ámbitos de especulación: el cuerpo y el concepto de corporeidad; los valores y estereotipos asociados al género; lo cotidiano y la historia de quien me rodea, como material artístico capaz de conectar y enlazar con el imaginario colectivo; y la exploración del libro-objeto y el libro de artista como obra en sí misma o bien como parte y/o conclusión y síntesis de cada proyecto. A nivel procedimental, realizo proyectos que parten de una investigación filosófica, didáctica y artística de la cuestión que quiero abordar, con el objetivo de enfocar mi trabajo de forma crítica, pedagógica y con un cierto tono humorístico e irónico. Mantengo una voluntad de experimentación con diferentes disciplinas, con la intención de articular mis propuestas desde un punto de vista no restrictivo//////////////////////////////////////////////////////////

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especial el arte como evento sandra march

Título: Felt felt -Fieltro SentidoDescripción: “Hay hombres que luchan un día y son buenos. Hay otros que luchan un año y son mejores. Hay quienes luchan muchos años, y son muy buenos. Pero hay los que luchan toda la vida, esos son los imprescindibles”. Bertolt Brecht

el hecho de materializar un espacio en el que se troceaban animales muertos, tenía la voluntad de reflejar la dureza de la vida de dos personas, a la vez que se suavizaba mediante el uso de un material blando como base para la realización de la pieza, el fieltro.

Mi padre acababa de morir. Quería pasar tiempo con mi madre y hacer alguna cosa juntas para superar el dolor. Le propuse que reconstruyéramos entre las dos uno de los sitios en los que habíamos pasado más tiempo los tres juntos: la pollería, el pequeño negocio familiar. Y así lo hicimos. El proyecto era un homenaje. Narraba la vida de mis padres a partir de una metáfora visual y escultórica.

La instalación tenía como elemento central la reconstrucción de la neverafrigorífico que teníamos a medida real, donde se exponían todos los productos que en ella se encontraban, elaborados con fieltro cosido. En las etiquetas de los precios, se relataba una biografía sintetizada de mis progenitores. Por otro lado, las piezas producto del despiece de los pollos, llevaban impresas unas fechas que se vinculaban con dos cronologías paralelas: días señalados de la vida de mis padres, Maria y Joan; y acontecimientos

Planteé la construcción de la obra a partir del referente del oficio familiar porque

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destacables de la Historia de España. La obra iba protagonizada por un vídeo, una metáfora de todo el proyecto, dividido en dos partes: en la primera, mi madre troceaba un pollo real tal y como solía hacerlo en su negocio; en la segunda parte, yo cosía cada parte de las que ella previamente había cortado, hasta reconstruirlo nuevamente. Finalmente, se publicó un pequeño libro de tiraje limitado, en el que se explicaba el proyecto. Acompañado con piezas originales de la instalación, también se podían encontrar los patrones para que cada uno/a pudiera hacerse su propia pollería. Datos técnicos: Instalación: escultura textil y vídeo; 150 x 210 x 85 cm. / 2:31:24. 2010 - 2011 Libro: Edición bilingüe (castellano, catalán); Tiraje de 158 ejemplares firmados y numerados; 14’8 x 11’6 cm.; 118 páginas con 5 desplegables interiores y 1 hoja de patrones; 2011

E-mail: sandra@sandramarch.com Web: www.sandramarch.com

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especial el arte como evento sandra march

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héctor barrios ///////////////////////////////// La principal característica que tienen en común los trabajos que realizo es la de carecer de características comunes. Hace algún tiempo decidí conscientemente no perpetuar en mis trabajos condiciones estilísticas propias de la mercadotecnia. Desde mi punto de vista la tan estimada “consagración de estilo” supone en gran medida descartar las múltiples posibilidades creativas existentes en pro del reconocimiento basado en la saturación. En mi opinión esa forma de trabajo conlleva un proceso auto hipnótico y obsesivo, muy eficaz a la hora de ser re-conocido pero, al mismo tiempo, encasilla tanto la producción que supone un perjuicio para lo que yo considero una actividad creativa///////////////////////////////////////////////////////////////

Así, la elección de técnicas, formatos o temas se plantea para mí como un ejercicio nuevo cada vez a través del cuál me auto impongo nuevos retos y normalmente nuevas vías de aprendizaje. Sin duda esta elección acarrea consecuencias negativas ya que cada obra no se enmarca en una estrategia de marketing que solapa el trabajo anterior, por lo que generar un amplio grado de visibilidad resulta inútil y hasta contraproducente. Sin embargo es cierto que para cada pieza sí intento generar una especie de imagen corporativa, atendiendo a la buena relación de todas las partes que la componen. Por ello podría decir que cada trabajo supone la elaboración de un mundo propio que pueda ser interpretado. Mis trabajos se componen con distintas técnicas: fotografía, animación, video,

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acciones, interactividad e incluso procesos de producción más cercanos a la artesanía, dependiendo del tema y la forma en la que pretendo generar empatía con el espectador. Podría señalarse un enlace temático de las piezas ya que normalmente parto de paradojas sobre interacciones sociales muy ligados a procesos económicos y de producción, pero es un espectro tan amplio que se puede afirmar también que no existe tal relación.

E-mail: jbl.hector@gmail.com Web: www.hectorbarrios.co.cc


especial el arte como evento héctor barrios

ág: elgatoconmoscas en p

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1€ - 1 Céntimo Acción realizada en el rastro de Madrid. Venta de un euro a cambio de un céntimo por persona, con un total de 20€vendidos. Acción realizada junto a Javier Cruz, acción incluida en la base de datos del colectivo elgatoconmoscas. La documentación ha de presentarse en formato de instalación.

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AIR JAIL Instalación efímera realizada en la puerta del centro cultural House of Legacy, en Belgrado, Serbia. Dibujo de la línea fronteriza del país compuesta por cien monedas de un Dinar, la unidad económica básica contable del pais. Al no estar adheridas al suelo las monedas van siendo dispersadas con el paso de los visitantes.

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especial el arte como evento héctor barrios

14.603,92 € Fabricación manual con cuero y caucho natural de una zapatilla del pie derecho, basado en el modelo clásico de AirWalk. Adjunto a la zapatilla se encuentra un escandallo minucioso sobre los costes de fabricación y un video tutorial sobre cómo fabricar tu propia zapatilla. El título de la obra se refiere al precio de venta al público.

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demelza watts //////////////////////// Cursa 2º en el Wimbledon College of Arts ////////////////////////////////////// Vive y trabaja en Londres

OBRA 1

OBRA 2

“PROPOSAL: STATEMENT” Consiste en escribir un pequeño fragmento de texto que describa los elementos clave de su práctica artística, por lo general en tercera persona. El texto podría ser utilizado para el sitio web y puede ser enviado por correo electrónico a los interesados o utilizado como parte de las posible solicitudes. El texto debe incluir la siguiente información: El medio / medios que el artista trabaja normalmente, Los temas que el artista explora, El nombre del artista.

“MEET ON THE PEAK” (REUNIÓN EN EL PICO) Esta obra forma parte del trabajo reciente de Watts, en el que ella y un grupo de artistas subieron a la cima del Ben Nevis, produciendo un conjunto de trabajos sobre la experiencia, que Watts convirtió más tarde en una exposición. En esta obra Watts generó la propuesta, dirigió la expedición, produjo una escultura, ha colaborado con otro artista en una performance, comisionó una exposición, y tiene planes para producir un libro.

Ejemplo: Statement Tomando como punto de partida de las experiencias del día a día, las obras mínimas de Demelza Watts son a menudo el resultado de la investigación e interrogatorio hacia el proceso de trabajo del artista. Watts tiende a trabajar con texto y vídeo, y normalmente utiliza objetos ready-made para comunicar sus conceptos. A menudo Watts exhibe obras donde el arte es el proceso detrás de la pieza y el objeto expuesto es simplemente el resultado, cuestionando el momento en que el trabajo se convierte en plenamente “realizado” . Utiliza sus propuestas en forma de texto para encarar la necesidad de construir la obra y lograr su “finalización”.

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E-mail: demelzabwatts@gmail.com Web: www.demelzawatts.com


especial el arte como evento demelza watts

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max dovey /////////////Se graduó en Wimbledon College of Arts en 2011 ////////////////////////////////////// Vive y trabaja en Londres

OBRA 1

OBRA 2

“FINAL BROADCAST”

“THE SECRET POST OFFICE”

Recientemente hemos creado un evento para celebrar el fin de la televisión analógica en Londres. Invitamos a la gente a venir y ver el último día de la televisión analógica, comer juntos frente a la tele, hacer discursos y por último celebrar un funeral por la televisión. La muestra de arte duró 2 semanas y reunió a más de 20 artistas que expusieron su obra. Actualmente hay un montón de exposiciones de arte que se tratan de crear un sujeto universal, pero que sin embargo son inaccesibles para el público común. Nosotros tratamos de generar eventos que atraigan a la gente que no está interesada en el arte. Es entonces cuando uno se encuentra con él . La respuesta fue muy buena y fue muy especial porque era un evento único. Ver los últimos momentos de la televisión resultó muy emocionante. http://finalbroadcast.co.uk

La “oficina de correos secreta” es una plataforma gratis on-site de correo en la que uno puede escribir cartas a sus amigos y nosotros las entregamos. La oficina de correos es una instalación de servicio que normalmente llevamos a cabo en festivales de música y otros eventos. Nos disfrazamos de carteros y vamos corriendo alrededor del festival en busca del destinatario, lo cual es bastante ridículo, pero funciona. Me gusta la idea de abrir una red de comunicación utilizando los viejos métodos. Estamos demasiado adaptados al uso de la tecnología digital y, en cierto modo, a un mundo más grande de lo que debe ser. Es fantástico cuando encuentras a la persona correcta, el destinatario de la carta, y se llevan una gran sorpresa. Si nosotros no la encontramos, ponemos un cartel de “correo perdido” y la gente viene a la oficina de correos y se encarga de entregarlas. Este proyecto ayuda a convertir los festivales en pequeños pueblos y a extraños en amigos.

E-mail: maxdovey@gmail.com Web: www.maxdovey.co.uk

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especial el arte como evento max dovey

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ieves González Pérez (Oviedo, 1988). Comenzó sus estudios artísticos en la escuela de artes y oficios de la ciudad de Oviedo, es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid (2006/2011) y actualmente se encuentra realizando un Máster en la misma universidad. Nieves González intercala en sus obras muy diferentes técnicas, desde el tradicional dibujo, el collage, la escultura, hasta otras técnicas más actuales como la ilustración digital, los fotomontajes y el packaging. Vemos de ésta manera a una artista multidisciplinar que se atreve a enfrentarse con cualquier tipo de formato y procedimiento, creando obras con un concepto de armonía y belleza un tanto peculiares que combina con la ironía crítica propia de los grandes artistas que recorren la Historia del Arte. Mediante ésta combinación de conocimientos nace el interesante proyecto que aquí os mostramos.

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arte nieves gonzález

Después de cada festín, de cada comida, llega siempre el momento de la sobremesa y, en ella cualquier cosa parece ser posible, pues nada esta planeado: embriaguez, discusiones, extrañezas, desvaríos en la mesa… En el menú que expongo pasa algo similar. Después de tratar con la comida, después de haberla digerido, llega el momento de las rarezas y las indigestiones. Comienzan los delirios sobre la comida y sus posibilidades: está bien comer frutas, legumbres, o filetes pero ¡aún quedan más cosas por devorar! Es curioso que los griegos decidieran, como dice M.F.K. Fisher, que en esta sobremesa, junto con los últimos vinos y la música deberían ser servidas las mujeres. Surge entonces, por la zona de fumadores de puros, una idea: algo que siempre ha estado en la mente de todos y, llegado este momento de la cena es inevitable sacar a la luz: devorar al ser amado. El vino se ha mezclado con las mujeres y de repente un nuevo hambre que la comida del festín no ha conseguido calmar: el apetito sexual. ¡Te comería a besos! Besos, mordiscos, la comparación del cuerpo con alimentos: jamones, peras, melones, el objeto de deseo se visualiza como alimento. Dijo en una ocasión Marcel Proust que Chardin había demostrado que una pera está tan llena de vida como una mujer. Si una pera tiene la misma vida que una mujer, ¿una mujer tendrá entonces el mismo fin que una pera? La boca está presente en todo este acto del amor, desatado por un hambre voraz que parece que no se conforma con satisfacer su propio cuerpo a través del puro acto sexual si no que lo que está realmente pretendiendo es devorar a su amante-víctima: poseerlo hasta el fin de los límites. En la vida real, este acto no puede llevarse a cabo ya que, el canibalismo parece no estar muy bien “considerado” en la sociedad occidental, sin embargo hay un mundo paralelo en el que si puede desarrollarse: el mundo del arte. Aquí los artistas masculinos comienzan a proyectar sus fantasías sexuales. Unos de los primeros en hablar abiertamente del tema son, como no, los osados futuristas:

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“Amamos a las mujeres. A menudo nos hemos torturado con mil besos golosos en el ansia de comernos una. Desnudas nos parecieron siempre trágicamente vestidas. Su corazón, abrazado por el supremo gozo del amor, nos pareció el ideal fruto para morder, masticar sorber.” Marinetti comienza el primer capítulo de su libro de La cocina futurista tratando de evitar el suicidio de su amigo Giulio que le había escrito un telegrama urgente: “Querido, puesto que ella partió definitivamente estoy perseguido por una angustia torturante Stop Tristeza inmensa me impide sobrevivir Stop Suplico vengas enseguida antes que llegue aquella que se le parece demasiado pero no bastante Giulio.” Dirigidos bajo las órdenes de Martinetti, Giulio, Fillia y Prompini comienzan a elaborar la obra de arte capaz de aliviar el tormento que el viudo estaba sufriendo, comienzan a crear a la mujer comestible: “¡Venid a admirarla! Derribó los biombos apareciendo el misterioso suave tremendo complejo plástico de ella. Comestible. Gustosa a tal punto era, en efecto, la

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carne de la curva que significaba la síntesis de todos los movimientos de la cadera. Y lucía su azucarado vello excitando el esmalte de los dientes en las bocas atentas de los dos compañeros. Más arriba, las esféricas dulzuras de los senos ideales hablaban a distancia geométrica sobre la cúpula del vientre, sostenida por las líneas de fuerza de los muslos dinámicos. Esta obra poco tardó en ser devorada por el desgraciado viudo, curándose al instante de engullirla de todos sus males: De rodillas frente a él (cuerpo), inició la amorosa adoración con los labios, la lengua y los dientes. Hurgando y dando vuelta el bello palmar de azúcar, como tigre agazapado, mordió y devoró un suave piececillo patinador de nubes. A las tres de esa madrugada, con un tremendo retorcerse de espaldas, hincó los dientes en el denso corazón de los corazones del placer[…] Al alba comió las esferas mamarias de la suprema leche materna […] Se sentía al mismo tiempo puro, liberado, vacío y lleno. Gozoso y gozado. Poseedor y poseído. Único y total.” No sólo los “locos” futuristas han fantaseado con el acto de comerse a la fémina, como hemos visto ya desde


arte nieves gonzález

Grecia esta era “servida”, se hacían incluso por esa época pasteles con forma de órganos sexuales femeninos y es que, como dice Carolyn Korsmeyer la asociación entre cuerpo femenino y la comida tiene un origen evidente en algo real y tremendamente natural, pongamos como ejemplo una madre dando el pecho a un niño. Desde que el hombre deja la leche materna, deja de alimentarse realmente del cuerpo de una mujer (a través precisamente de un órgano sexual), las fantasías que lo recorren son una y otra vez volver a ese lugar, sin embargo ya hechos hombres lo plantean de otro modo: como un acto sexual. Todo esto puede llegar a parecer una broma, o una crítica exagerada, pero no lo es, la mujer sigue siendo hoy en día una víctima de esta visión, propiciada muchas veces por ella misma. La pornografía, la publicidad, las propias imágenes que mostramos en las redes sociales: nos ofrecemos como comida, puede que hayamos superado la idea de mujer florero, pero no la de mujer alimento. Ante esta situación: ¡la guerra! ofrezcamos por primera vez un plato vacío de asociaciones, ¡estimulemos los paladares del cerebro y no de la boca!, ¡escapemos del menú!

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oy ani gómez, a.k.a. petunia ¿por qué petunia?, los que hayan visto la famosa serie de las Aventuras de Pete & Pete sabrán de qué estoy hablando, pues soy una diseñadora gráfica e ilustradora. Vivo en Guatemala, un país en América Central que se caracteriza por su gente guapa y sus camionetas. Aunque solo llevo un año dibujando, realmente estoy fascinada con las distintas técnicas y estilos que utilizan los distintos ilustradores alrededor del mundo, muchos me llevaron a amar ese talento de poder dibujar: artistas como el genialísimo Mcbess, Uberkraft, Jonathan Cantero, entre otros. Traté de juntar los distintos elementos de mis artistas favoritos para crear un estilo propio.

YO DIBUJO MOUNSTROS, y aunque no me crean, unos se quisieron quedar a vivir conmigo. Me encanta la idea de crear en mis personajes personalidades, aficiones, miedos. Es impresionate como con un lápiz y un pedazo de papel podemos crear cosas que se encuentran en nuestra cabezota retorcida. Lo que amo de la ilustración es que en el papel lo imposible es posible.

E-mail: anigomez8@gmail.com Web: flickr.com/people/anigomez/

La obra se titula The leeches bite y es una ilustración que realicé para la portada de un vinilo del single Lights Out, Words Gone, Rub a Dub, de edición limitada para banda británica: Bombay Bicycle Club, para juntar fondos para la organizacion benéfica: Secret 7.

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arte petunia

MOUNSTRO: Ilustración realizada para la revista Mínima de argentina, trata de crear a un mounstro desde la imaginación para su edición mounstrosa. MURAL: Este mural lo realicé para el proyecto: De mi barrio a tu barrio, junto con el muralista aleman: Jim Avignon. Está en el centro historico de mi pais que esta lleno de ilustraciones de distintos artistas del pais. La frase yo no tengo carro si virula, (yo no tengo carro pero si bicicleta), es una frase que tomé de una canción de una banda local, para fomentar el ciclismo en el pais.

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Patineta: Ilustraci贸n hecha a mano sobre una patineta, abandonada, totalmente restaurada. Con tinta china negra y pintura de casa blanca.

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arte petunia

Ilustraci贸n que realic茅 de la canci贸n Quiero ver del grupo mexicano Cafe Tacvba.

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ENTREVISTA Y DOSSIER por

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MARTA BLANCO


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ose Luis Serzo es un artista nacido en Albacete que actualmente tiene su residencia en Madrid. En su obra podemos sumergirnos en un universo pararelo y hacer volar nuestra imaginación. Aquí tenemos la entrevista que muy amablemente nos concedió.

Lo primero y antes que nada, queremos darte la enhorabuena por la larga trayectoria que acompaña a tu juventud. Cuéntanos como empezaste en el mundo del arte (decir pintura se te queda corto), y qué es lo que te trajo hasta aquí. Empecé desde que caí en la cuenta de que no podía despegar los lápices de la mano. Esto es desde la misma infancia vamos, lo que ocurre es que en la adolescencia se me cruzó también la música (la cual hoy todavía compagino con mi grupo Craneón) y me despistó por algunos años. A los 18 años hice mi primera exposición con temática propia en mi pueblo manchego; era en 1995-96, pero vivía fuera desde los 16. Cuando llegué a Madrid a los 19 la cosa se ponía seria, vivía con la que era mi novia (ahora una de mis mejores amigas) en un piso compartido. Ella se sacaba dos carreras al tiempo y yo pintaba compulsivamente en una habitación pequeña y oscura que compartíamos. Recuerdo toda la ropa manchada por la falta de espacio, imagínate. Todavía no entiendo cómo pudimos hacerlo. Fue un camino algo duro, pero apasionado y necesario. Durante la carrera, ¿enfocaste tu trabajo de la misma manera o te sentiste más cohibido por ceñirte a las “exigencias de guión” que marcan los estudios de Bellas Artes? Aprendí muchas cosas, pero también discutía demasiado con muchos profesores. Hice muy buenos amigos (de los que

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duran para toda la vida) y devoré libros en la biblioteca pero digamos que supe aprovechar lo bueno de cada caso, por malo que me pareciera entonces…

Todo te brinda oportunidades para crecer, aunque sea para saber lo que no quieres. No llegué a licenciarme por tres asignaturas, quizá por una resistencia psicológica a lo que parecía que todo aquello me invitaba a convertirme: como mucho y con mucha suerte a ser profesor de BBAA, nunca un artista libre… Y yo era y sigo siendo un amante del arte, que actúa siguiendo el dictado de su corazón, evitando que los miedos estén en mis decisiones importantes, y quisiera seguir viviendo de este modo, cueste lo que cueste. Cada trabajo debe realizarse con plena vocación, si no corremos el peligro de convertir nuestra vida en una pesadilla nosotros y para todos los que nos rodean. Mi responsabilidad social es ser feliz con mi trabajo y hacer feliz a los que se benefician con él. Cuando alguien estudia medicina es médico, y cuando se gradúa en arquitectura, es arquitecto. Pero sabemos que esto no pasa en Bella Artes, ¿serías capas de definirte o encasillarte de alguna manera? Como digo las carreras sirven de poco si uno no ama el campo donde está. De nada sirve, pues es la vida la que te va a dar la experiencia y el conocimiento, el título no conlleva el conocimiento. Aunque luego sea necesario (cada vez menos diría yo) para


entrevista y dossier jose luis serzo

encontrar ciertos puestos de trabajo. La “titulitis” me produce ciertos sarpullidos. He conocido a los personajes más ignorantes siendo licenciados y a los más cultos (y capaces) sin un solo título. Todo es relativo. Y más aun en el campo del arte. Yo soy artista. Sin que ello signifique estar por encima ni por debajo de nadie. Me dedico al arte por entero, con todo mi ser. Llama mucho la atención cómo eres capaz de profundizar en tu imaginación, y transportar al espectador hasta ella. ¿En qué o quién te inspiras para dar forma a todas estas historias y personajes? Mi obra tiene de todo lo que me nutre, formalmente bebe y muestra influencias del cine, de la literatura, la filosofía, los cuentos populares, la psicología, la mística, la alquimia, y el arte en general. Mi intención es construir un mundo paralelo lleno de simbología y significado. Desde hace años llevo construyendo un mundo paralelo a través de un alter ego (Blinky Rotred, el hombre cometa) que me da la oportunidad para contar historias que parten de mi experiencia para conectar con un lenguaje universal. En este mundo todo es posible, todos mis allegados y seres queridos

conviven en armonía con mis referentes y seres imaginarios. Todo es posible si está hecho con sinceridad y pasión. Así pues, cuando se te pregunta por influencias, ¿hablamos de literatura, pintura, cine…, o de todo un poco? En muchas de tus obras parece que has heredado la paleta de colores de El Bosco, ¿te han dicho esto alguna vez? Mis influencias, como te comentaba en la pregunta anterior, se nutren de muchos campos, pues mi intención es llegar a hacer un arte total, sin fisuras. En mi pintura cierto es que existen continuos guiños a la pintura del renacimiento, (de los nórdicos especialmente, de El Bosco, sí, pero mucho más de Pieter Brueghel, Grünewald, Holbein, Patinir, etc etc,) pero también del Barroco, del romanticismo, del simbolismo, y de la nueva objetividad por ejemplo…Pero es con el arte contemporáneo con el que mi obra interactúa, como reacción y contrapunto a veces, pero también como continuación en el discurso de ciertas tendencias actuales. Algunos de mis referentes en este campo pueden están en Kabakov, Paul Thek, David Altmejd, John Currin, Neo Rauch, Jan Fabre,etc .

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Ser accesible para todo el mundo hoy en día es importante, y a nosotros nos ha parecido precioso tu sitio web, ¿eres tú el responsable de este rincón mágico en la red, o tenemos que agradecérselo a quién ha sido capaz de plasmar tu esencia de forma interactiva? He de decir que en estos momentos estamos rehaciendo completamente mi web; estamos actualizándola tanto en el programa (dejamos el flash y volvemos al html) como en la manera de mostrar los contenidos (de un modo más sencillo, limpio y directo, donde la obra sea lo importante, no el marco que la contiene). La web de la que hablas la diseñé yo mismo y fue llevada a cabo por Iván Martínez, con quien he colaborado en otras ocasiones para la realización de alguno de mis videos, ya que su especialidad es la infografía. Y efectivamente, otro de mis grandes propósitos en mi trabajo es hacer un arte universal, contundente, transcendente y culto para todo espectador. Hemos visto que durante la última década tu carrera ha evolucionado de forma vertiginosa, así como ha aumentado el número de exposiciones ¿Le echas algo de culpa a los “relativamente nuevos” medios de difusión como internet, o en tu caso han sido otros motivos los que te han traído hasta aquí? Todo suma, efectivamente, los medios de comunicación, sean cual sean, son necesarios para este tipo de trabajo y para otros muchos. La difusión del mensaje o de tu obra es esencial. Mi obra es lo que realmente me avala. Si no hay un buen trabajo detrás, en mi opinión, de nada sirven los medios; aunque bien es cierto que hay de todo en este mundo, como en botica. Yo simplemente me ocupo de trabajar a favor de un arte sincero que aporte un grano de arena para que este mundo sea

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entrevista y dossier jose luis serzo

un poco mejor; empezando con el encuentro del espectador, procurando en la medida de lo posible de que se vaya un poco mejor de lo que estaba. Por último, y como viene siendo tradición en nuestra entrevistas, no nos olvidamos de que una gran parte de nuestro público se encuentra aún en una etapa de formación. Así pues, sería un placer poder leer tus mejores consejos… Mi consejo es que siempre se actúe siguiendo el corazón de uno mismo, pues es lo único verdadero que tenemos. Todo es posible si se desea con honestidad, amor y valentía. Y ahora más que nunca vivimos tiempos propicios para ello, ya que estamos entrando en el paradigma que yo mismo preconizaba desde hace años a través de revolución pendiente: la que llamaba como “la revolución del corazón” (recuerdo que hace años a cierta gente le salían sarpullidos cuando hablaba de ello en mis charlas) en la cual el individuo se liberaba de miedos para llevar a cabo “su propia vida”, sin programaciones exteriores, sin condicionantes represivos, sean familiares, culturales, sociales etc. Con esta crisis al menos estamos en una tábula rasa, en la cual, ante la falta de “perspectivas o salidas laborales exitosas” podremos al menos agarrarnos al presente haciendo lo que más nos gusta. Y esto va a ser la verdadera revolución, así es como podremos cambiar este viejo paradigma obsoleto por la llegada de uno más armónico, luminoso, humano, ecológico y consciente… Esperemos que así sea. La revolución empieza por uno mismo.

E-mail: yosoy@joseluisserzo.com Web: www.joseluisserzo.com

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l madrileño colectivo Elgatoconmoscas es joven, activo y está dispuesto a enseñárnoslo todo, hasta su trabajo. Desde cerveza en una galería hasta 220 cabezas en el monumento de la Plaza de Colón. Este colectivo traspasa fronteras. Aquí os dejamos con su entrevista. ¿Cómo surgió el colectivo? El colectivo elgatoconmoscas nació en Madrid durante nuestra época universitaria (2004-2005), por la necesidad de elaborar proyectos fuera del ámbito académico, y como consecuencia de la comunión de ideas e iniciativas. Algo tan sencillo como un grupo de chavales que descubrieron las ventajas de pensar juntos. De explorar la ciudad y sus lógicas a través del juego y el entendimiento. Sabemos que Elgatoconmoscas es un colectivo abierto, ¿quiere decir esto que puede apuntarse cualquiera? ¿Existe algún criterio para aceptar a nuevos integrantes? ¿Habéis tenido alguna vez algún “participante” que os diera problemas? El grupo es abierto, cualquier persona puede ponerse en contacto con nosotros y participar, pero nunca se ha hablado de “apuntarse”. En elgatoconmoscas hay multitud de maneras de intervenir, pero la puerta de entrada siempre han sido los mutualismos, en los que por diversas razones hemos participado en cooperación con otras personas y nos hemos dado cuenta que todos ganamos algo a cambio, individual y colectivamente.

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No obviamos la fraternidad que sirve de conglomerante y vincula a los miembros, aún así fomentamos la constante discusión y enfrentamiento. La aceptación depende del grado de implicación y las ganas de trabajar en grupo; es necesario ser gremial. Si con el tiempo el nuevo miembro demuestra interés, y El Gato le ofrece lo que venía buscando, se irá integrando naturalmente. Los problemas que han podido existir siempre se han producido por incompatibilidad, o falta de experiencia a la hora de trabajar con mucha gente. Quien no se siente cómodo con las metodologías que sigue el colectivo se termina por desvincular, sin ningún reproche. Entendemos como apertura la participación en proyectos con otros artistas, instituciones o colectivos, formando parte de redes mayores. ¿Cómo funcionan los proyectos? ¿Os reunís? ¿Cómo se desarrollan? ¿Existe alguna jerarquía en el colectivo? Nos reunimos semanalmente en casas particulares o en la calle, ordenamos prioritariamente los proyectos , o aspectos que tengamos entre manos, y los vamos


estudios/colectivos elgatoconmoscas

desmenuzando entre todos, aportando cada uno su punto de vista. Finalmente definimos los proyectos formal, conceptual, y técnicamente, haciendo votaciones si es necesario. Las jerarquías se producen inconscientemente, y por necesidad de organización general. Ni todos estamos igual de implicados, ni tenemos las mismas motivaciones u obligaciones. Para que exista la libertad dentro del colectivo, y que uno pueda estar más desvinculado, por apetencia, o por imposibilidad, han de haber unos pocos que trabajen para el resto. Sus votos no valdrán más, pero su influencia será mayor; por lo tanto hay gente que mueve el carro más que otra. Todo esto rota en función de la implicación de cada uno, de cada proyecto, y ésta produce beneficios y satisfacciones a nivel personal. Siendo Elgatoconmoscas un colectivo autofinanciado, ¿cómo se cubren los gastos de las obras? ¿Cuál es la filosofía económica del colectivo? Cada miembro aporta una cuota mensual, una pequeña cantidad que, en suma, nos permite ser independientes de ayudas y convocatorias, aunque puntualmente participamos en el circuito. En estos casos, el dinero que recibimos tiene un papel muy importante en el contenido del proyecto, como un “ingrediente” más. Nos motiva pensar cómo podemos hacer un uso coherente de esos recursos, habitualmente públicos. Somos un colectivo numeroso, tal vez eso tiene que ver con el hecho de que nunca pensemos en repartirnos honorarios, todo el dinero que recibimos sirve al proyecto.

Roland Barthes, en su obra “La muerte del autor” dice que el autor es simplemente el medio que tiene la literatura (verdadero autor) de llegar al lector, y que es por lo tanto irrelevante (de hecho, lo mata). ¿Es Elgatoconmoscas una fachada que cobija diferentes autores precisamente para quitarle importancia al concepto de autor? ¿Qué importancia tiene la “firma”? ¿O es una manera de “unir fuerzas” bajo un mismo lema? Elgatoconmoscas es el autor, ya que las propuestas maduran sobre el sistema al que da nombre. La mayoría tenemos proyectos individuales, ya sea en arte como en arquitectura, diseño, publicidad, comunicación, gastronomía... contamos con un ingeniero, un profesor y crítico, y últimamente participan personas del ámbito de la gestión cultural, las ciencias ambientales y el teatro. Basamos nuestra actividad en la reunión, donde somos como un conjunto de lijas y cerillas, que se activan entre sí. Aunque la idea inicial de un proyecto nazca en uno de nosotros, se madura entre los reunidos y se ejecuta, igualmente, entre quienes quieran. Las ideas sufren un proceso de adaptación al contexto del foro o del debate; siendo el foro mismo el que termina generando núcleos discursivos potentes, en independencia de cualquier subjetividad. Todos tenemos una idea, una dirección, bastante clara de lo que es el Gato y cuáles son las propuestas que encajan en su identidad. Más que una firma, hay una forma de hacer las cosas, unas características, “lo mosca”. Tiene que ver con la implicación,

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un nuevo sistema de relaciones. Aportamos nuestras ideas como alternativas de mirada, tratando de romper ideas preconcebidas. Ejercemos política a la hora de entendernos entre nosotros.

la visibilización o creación de conflictos, y la insumisión. Entre nosotros, estamos de acuerdo más a menudo de lo que cabe pensar en una unión tan amplia. Hay personas que se encargan de aspectos concretos, como el diseño o la administración. Es cierto que trabajar en colectivo tiene la ventaja del respaldo, hay propuestas que individualmente serían muy complicadas, comprometedoras o faltas de sentido; en una unión como la nuestra las carencias se suplen mutuamente, se comparten recursos (físicos e intelectuales) y, ante todo, disfrutamos del encuentro y lo que ello genera. No (sólo) nos juntamos para reproducirnos, como dicen los rumores. Hemos podido apreciar que el contenido de la mayoría de vuestras obras es bastante crítico. ¿Consideráis el arte como arma de crítica política, o es ésta (la crítica) simplemente una temática más del colectivo? El arte es una herramienta más para nosotros, y una más al servicio de la crítica. En ningún caso creemos que el Arte sea uno de los mejores instrumentos de crítica política, ya que los contextos donde éste se enmarca son, a su vez, muy limitados. El arte permite ampliar los códigos de lenguaje y jugar a construir nuevas posibilidades, para así ofrecer y recibir experiencias menos comunes. No creemos que una única intervención (artística o no) pueda ejercer una transformación política por sí sola. Es el cúmulo constante de diferentes aportaciones lo que va tejiendo un posible cambio social, fundamentado en

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El artista Tom Marioni en los 70, en su obra “Free Beer”, invitó a sus amigos a su inauguración a beber cerveza gratis y conversar. En vuestra reciente obra “Cerveza”, hacéis algo parecido, con el añadido del Do it yourself. ¿Es el objetivo de esta obra, como en la de Marioni, la conversación, el encuentro? Por otro lado, ¿es elgatoconmoscas una nueva “marca gratis”? Nuestra birra no es gratis, pero es artesanal (muy rica) y cuesta lo mismo que una industrial. La idea es precisamente poder venderla valiéndonos de la galería como espacio protegido y legitimador, ya que cualquier objeto o actividad que se comercialice en ella se convierte en arte. Así pudimos vender la cerveza como escultura fría, haciendo legal lo ilegal, un producto clandestino que no pasa controles de sanidad ni registro mercantil, un peligro a la sanidad pública en cualquier otro contexto. Comúnmente para el artista, hay tres tiempos en la galería: la inauguración, la exposición y la obra en depósito. Nuestra actividad se basa a menudo en diseñar situaciones, por lo tanto consideramos la inauguración el momento más atractivo, el que sirve de encuentro y promueve la embriaguez. Quisimos hacer una inauguración en la que no hubiese nada que ver, convocando a un espectador sin obligaciones. Nos libramos de la endogamia invitando a los amigos del barrio, y al final aquello fue un botellón en toda regla, vendimos 700 tercios. Eso sí, la resaca fue peor que la del anís. Sabemos que últimamente el Gato está cobrando importancia y que por ejemplo os invitaron a la pasada Bienal de Bolivia. ¿Qué percepción del colectivo hay a nivel internacional? Esa internacionalización esun reto, al exigir un mayor conocimiento de los entornos que se plantean. Estuvieron en Bolivia dos miembros del grupo, que a su vez forman el colectivo Poliedros Verdes, Poliedros, pero que hicieron de “embajadores” de El Gato en Latinoamérica. El colectivo como tal ha tenido más presencia en Europa, aunque ahora estamos iniciando un proyecto muy amplio que pretende llegar a Quito. Estambul, Londres o, recientemente, Estrasburgo son


estudios/colectivos elgatoconmoscas

lugares donde hemos trabajado, en algunos casos por invitación, lo cual indica que hay cierto conocimiento de nuestro trabajo fuera. Por último, ¿cómo veis el futuro del colectivo? ¿Habrá gatoconmoscas en el 2020? No tenemos ni puta idea.

E-mail: elgatoconmoscas@gmail.com Web: www.elgatoconmoscas.com

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01 álvaro alcázar Castelló, 41. 28001 t. 91 781 60 39 / f. 91 431 94 04 galeria@galeriaalvaroalcazar.com www.galeriaalvaroalcazar.com m-v: 10-14 h, 17-20,30 h s: 11-14 h, 17-20,30 h Chus García-Fraile. Megalópolis 1 de marzo – 16 de abril Simón Zabel The Life andTimes of Ernest Ka’ai 19 de abril – 2 de junio Juan Garaizabal Memorias urbanas. BerlínParísMadrid 7 de junio – 31 de julio 02 arana poveda Lope de Vega, 22. 28014 t./f. 91 389 60 73 contacto@aranapoveda.com www.aranapoveda.com l-v: 11-14 h, 17-20 h / s: 11-14 h Sussane Themlitz / Felipe Ortega Regalado. Otras flores del mal. Jugada a tres bandas, comisario: Oscar Alonso Molina 14 de abril – 5 de junio Rebeca Menéndez. ¿Jugamos? PHE’12 5 de junio – 31 de julio 03 arnés & röpke Juan de Mena, 12, 1ºd. 28014 t. 91 702 14 92 / f. 91 702 16 39 arnesyropke@hotmail.com www.galeriaarnesyropke.com l-v: 10-14 h, 16-19 h Sábados previa cita Consultar galería Abril José Cobo Tiempo de juego 18 de mayo – 27 de julio

04 astarté Monte Esquinza, 8. 28010 t./f. 91 319 42 90 info@galeriaastarte.com www.galeriaastarte.com l: 16,30-20,30 h / m-v: 10-14 h, 16,30-20,30 h / s: 11-14 h Joao Mouro. Ventanismo

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29 de marzo – 23 de mayo Lola Guerrera Delicias en mi jardín PHE’12 29 de mayo – 27 de julio 05 bat-alberto cornejo María de Guzmán, 61. 28003 t. 91 554 48 10 / f. 91 533 53 18 albertocornejo@galeriabat.com www.galeriabat.com l-v: 10,30-14,30 h, 17,30-20,30 h s: 11-14 h Gustavo Díaz Sosa. Purgatorio 9 de febrero – 14 de abril Carlos Albert Espacios forjados III 26 de abril – 30 de junio

06 benveniste contemporary Fernanflor, 6. 28014 t. 91 369 29 88 / f. 91 369 51 08 bcpp@benveniste.com www.benveniste.com m-v: 11-19 h / s: 11-14 h y previa cita Jaroslaw Flicinski. Yes, Indeed 12 de abril – 26 de mayo Miki Leal. Un día en Santa Cruz PHE’12 5 de junio – 31 de julio 07 blanca berlín Limón, 28. 28015 t. 91 542 93 13 / m. 607 794076 galeria@blancaberlingaleria.com www.blancaberlingaleria.com l-s: 10,30-14,30 h, 17-21 h s: 11-14,30 h, 17-21 h André Cepeda, Dalila Gonçalves y Linarejos Moreno New/Old Life 14 de abril – Finales de mayo Ana Moya. Registro de existencia espacio 6 metros cúbicos 2 de abril – Finales de mayo Tony Catany. Archivo de sombras 7 de junio – 8 de septiembre 08 blanca soto arte Alameda, 18. 28014 t. 91 402 33 98 / f. 91 360 09 82 galeria@galeriablancasoto.com www.galeriablancasoto.com

m-v: 10-14 h, 17-20 h / s: 10-17 h Mercedes Schamber. Recorte Festival Miradas de Mujeres 15 de marzo – 20 de abril José Luis Serzo Los Señores del Bosque 26 de abril – 31 de mayo Szymon Roginski. UFO PHE’12 7 de junio – 21 de julio 09 casado santapau Conde de Xiquena, 5. 28004 t./f. 91 521 03 82 info@casadosantapau.com www.casadasantapau.com m-v: 11-14 h, 16,30-20,30 h s: 11-14 h con cita previa Eva Berendes 18 de abril – 1 de junio Swetlana Heger 5 de junio – 26 de julio 10 cayón Orfila, 10. 28010 t. 91 308 23 10 / f. 91 319 42 06 info@galeriacayon.com www.galeriacayon.com l-v: 10-14 h, 17-20,30 h / s: 11-14 h MarcoMaggi. La menoridea Hasta 7 el de abril Soto. Negro sobre blanco Blanco sobre negro 12 de abril – 31 de mayo AndyWarhol Polaroid Self-Portraits 7 de junio – Finales de julio 11 distrito 4 Alcalá 115, 1º dcha. 28008 t. 91 319 85 83 / f. 91 308 34 85 info@distrito4.com www.distrito4.com l-v: 10,30-19,30 h / s: 10,30-14 h José Loureiro. Luz máxima Jugada a tres bandas, comisario: Mariano Navarro 12 de abril – 25 de mayo Albrecht Tübke. Caves. PHE’12 31 de mayo – 27 de julio

12 egam Villanueva, 29. 28001 t. 91 435 31 61 / f. 91 578 21 20 galeriaegam@gegam.e.telefonica. net m-s: 11-14 h, 17,30-20,30 h Pedro Morales Elipe Tras la lluvia Hasta el 14 de abril Corina Yllera 18 de abril – 12 de mayo Montserrat Gómez-Osuna 16 de mayo – 16 de junio Mónica Sánchez-Robles 20 de junio – 20 de julio 13 elba benítez San Lorenzo, 11. 28004 t. 91 308 04 68 / f. 91 319 01 69 info@elbabenitez.com www.elbabenitez.com m-s: 10-18 h Gintaras Didžiapetris. Prince Comisario: Ricardo Nicolau Abril — Mayo Claudia Andujar Comisario: Rodrigo Moura Junio – Julio

Marisa González / Laura Brinkmann. Ellas: africanas Festival Miradas de Mujeres. 8 de marzo – 28 de abril Ikella. Soledad de altura 10 de mayo – Junio 17 fernando pradilla Claudio Coello, 20. 28001 t. 91 575 48 04 / f. 91 577 06 97 gfp@galeriafernandopradilla.es www.galeriafernandopradilla.com l-v: 10,30 a 14 h, 16,30-20,30 h s: 11-14 h, 16,30-20,30 h Victoria Encinas. Doble hemisferio 15 de marzo — 15 de abril Starsky Brines 18 de abril — 20 de mayo Juan Carlos Martínez. Reality Show. PHE’12 7 de junio — 7 de julio Manuel Calderón 12 de julio — 31 de agosto

14 elvira gonzález General Castaños, 3. 28004 t. 91 319 59 00 info@galeriaelviragonzalez.com www.galeriaelviragonzalez.com l-v: 10,30-19 h / s: 11-14 h Michelangelo Pistoletto 11 de abril – Mayo Uta Barth. Festival Off PHE’12 23 de mayo – Junio 15 eva ruiz Villanueva 8. 28001 t. 91 577 81 07 / f. 91 575 25 91 info@evaruizgaleria.com www.evaruizgaleria.com l-v: 10-14 h, 16,30-20,30 h s: 12-14,30 h / Tardes previa cita Almudena Lobera. Lugar entre Festival Miradas de Mujeres 9 de marzo – 10 de abril Fito Conesa, Pere Llobera, Pedro Magalhães, Mafalda Santos y Zoé T. Vizcaíno. O começo do fim. Jugada a tres bandas, comisario: David Armengol 14 de abril — 31 de mayo Colectivo Rojo Sache y Ang Song Nian. Naturaleza a ciegas PHE’12 6 de junio – 22 de julio 16 evelyn botella Mejía Lequerica 12, 1º dcha. 28004 t. 91 445 43 59 / f. 91 447 85 96 galeria@galeriaevelynbotella.com www.galeriaevelynbotella.com m-v: 11-14 h, 16,30-20,30 h s: 12-14 h / Tardes previa cita

18 formato cómodo Lope de Vega, 5. 28014 t. 91 429 34 48 / m. 676 723 819 formatocomodo@gmail.com www.formatocomodo.com m-v: 11-14 h, 17-20,30 h s: 10,30-15 h. Tarde previa cita Alonso Gil Abril – Mayo Kindel Junio – Julio 19 fúcares Conde de Xiquena, 12. 1º izq. 28004 t. 91 319 74 02 / f. 91 308 01 91 galeria@fucares.com www.fucares.com l: 16,30-20,30 h / m-v: 11-14 h, 16,30-20,30 h / s: 11-14 h Carlos Correia. Supervivencia Hasta el 21 de abril Julio Vaquero 25 de abril – 2 de junio Álvaro Laiz. Transmongolian 5 de junio – 24 de julio


20 guillermo de osma Claudio Coello, 4. 1º izq. 28001 t. 91 435 59 36 / f. 91 431 31 75 info@guillermodeosma.com www.guillermodeosma.com l-v: 10-14 h, 16,30-20,30 h Sábados previa cita Eugenio Granell revisitado: 1912-2012 Hasta el 27 de abril José Alemany Fotografías años 30: Paisajes Junio – Julio 21 heinrich ehrhardt San Lorenzo, 11. 28004 t. 91 310 44 15 / f. 91 310 28 45 galeria@heinrichehrhardt.com www.heinrichehrhardt.com m-v: 10-19 h / s: 10-14 h Tobias Rehberger The Dancing School of Shame Abril Astrid Klein Mayo – Junio 22 helga de alvear Doctor Fourquet, 12. 28012 t. 91 468 05 06 / f. 91 467 51 34 galeria@helgadealvear.com www.helgadealvear.com m-s: 11-14 h, 16,30-20,30 h José Pedro Croft Proceso estacionario 15 de marzo – 5 de mayo Jürgen Klauke. Schlachtfelder 8 de mayo – 30 de junio 23 inés barrenechea General Arrando, 34. 28010 t. 91 702 46 84 / m. 629 325 404 info@inesbarrenechea.com www.inesbarrenechea.com m-v: 11-14 h, 17-20,30 h s: 11-14 h sábado julio cerrado Mikel Uribetxeberria, Gayle Chong Kwan, Mikel Telleria, Francisco Ugarte 24 de abril – 26 de mayo Mikel Telleria. The Other Side of Your Eyes. Festival Off PHE’12 5 de junio – 20 de julio 24 ivorypress Comandante Zorita, 46-48. 28020 t. 91 449 09 61 / f. 91 570 98 64 space@ivorypress.com www.ivorypress.com l-v: 10-14 h, 16,30-20 h / s: 11-14 Edward Burtynsky, David Maisel, Nuno Ramos y Carlo Valsecchi. Subverted 14 de febrero – 12 de mayo Revelaciones. Historia del fotolibro en Latinoamérica. PHE’12 5 de junio – 14 de julio 25 javier lópez Guecho, 12b. 28023 t. 91 593 21 84 / f. 91 591 26 48 info@galeriajavierlopez.com www.galeriajavierlopez.com previa cita José Mª Yturralde Geometrías del infinito Hasta el 11 de mayo David Levinthal.Star Wars Junio – Julio 26 joan gaspar Gral. Castaños, 9 (bajo d). 28004 t. 91 319 93 93 / f. 91 319 92 44 madrid@galeriajoangaspar.net www.galeriajoangaspar.com

l: 16-19 h / m-v: 11-15 h, 16-19 h s: 11-14 h Azul, el color del infinito Abril – Mayo ¿Quién tiene miedo al amarillo? Junio – Julio 27 josé robles Belén, 2. 28004 Madrid t. 91 550 05 48 m-s: 11-14 h, 16,30-20,30 h www.galeriajoserobles.com info@galeriajoserobles.com Claire de Santa Colomba y Rui Horta Pereira. mcm. Jugada a tres bandas, comisario:Edu Hurtado 14 de abril – 19 de mayo Álvaro Muñoz Alonso. En suspensión. Festival Off Viva 24 de mayo – 26 de mayo Carles Congost. Bananarama Lama Ding Dong. PHE’12 5 de junio – 14 de julio

www.galeriamarlborough.com l-s: 11-19 h Stephen Conroy Alfonso Albacete 15 de marzo – 2 de junio Abraham Lacalle Louise Bourgeois 26 de abril – 2 de junio Colectiva. Summer Show 7 de junio – Septiembre

galeria@msgaleria.com www.msgaleria.com m-v: 17-20,30 h / s: 11-14 h Cristina Núñez 12 de abril – 12 de mayo Jaime Rico Vicente García Lázaro 17 de mayo – 17 de junio Elena Garrigues 21 de junio – 21 de julio

33 max estrella Santo Tomé, 6 (patio). 28004 t. 91 319 55 17 / f. 91 310 31 27 info@maxestrella.com www.maxestrella.com l-v: 10-14 h, 16,30-20,30 h s: 11-14 h, 17-20,30 h Alejandro Almanza, Primoz Bizjak, Carlos Garaicoa, André Komatsu y Jorge Perianes. Caminar la línea 24 de marzo – 12 de mayo Carlos León 19 de mayo – 31 de julio

38 nieves fernández Monte Esquinza, 25. 28010 t. 91 308 59 86 / 91 310 33 90 f. 91 308 16 81 www.galerianievesfernandez.com contact@galerianievesfernandez.com m-v: 11-14 h / 17-20 h s: 11-14 h – Julio sábados cerrado Mateo Maté, Suzanne Treister, Andrea Bowers, Simon Patterson, Jordi Teixidor, Pipo Hernández Rivero. Malas artes Hasta finales de abril Juan Carlos Batista. Paisaje amnésico. Festival Off PHE’12 Junio – Julio

28juana de aizpuru Barquillo 44, 1º. 28004 Madrid t. 91 310 55 61 / f. 34 91 319 52 86 aizpuru@juanadeaizpuru.es www.juanadeaizpuru.es l: 16,30-20,30 h m-s: 10,30-14,00 h, 16,30-20,30 h Tim Parchikov 27 de marzo – 30 de abril Markus Oehlen 5 de mayo – 2 de junio Pierre Gonnord 7 de junio – Finales de julio 29 la caja negra Fernando VI, 17. 2º izda. 28004 t. 91 310 43 60 / f. 91 308 72 38 info@lacajanegra.com www.lacajanegra.com l-v: 11-14 h, 16,30-20,30 h s: 11-14 h Bruce Nauman. Infrared Outtakes, Soft Ground Etchings & Crossbeams 15 de marzo – 28 de abril Sergio Belinchón. Take 1 5 de mayo – 10 de marzo Sidney B. Felsen. The Artist Observed 21 de junio – 27 de julio 30 la fábrica galería Alameda, 9. 28014 t. 91 360 13 25 / f. 91 360 13 22 galeria@lafabrica.com www.lafabricagaleria.com m-s: 11-14 h, 16,30-20,30 h Marina Abramovic´ Selected Early Works 10 de abril – 2 de junio Juan López 7 de junio – 21 de julio 31 leandro navarro Amor de Dios, 1. 28014 t. 91 429 89 55 / f. 91 429 91 55 galeria@leandro-navarro.com www.leandro-navarro.com l-v: 10-14 h, 17-20 h Sábados previa cita José Gutiérrez Solana Solana íntimo 11 de abril – 11 de mayo Gerardo Pita. Obra nueva 16 de mayo – 30 de junio Colectiva. Fondo de galería 2 de junio – 30 de junio 32 marlborough Orfila, 5. 28010 t. 91 319 14 14 / f. 91 308 43 45 info@galeriamarlborough.com

39 oliva arauna Barquillo, 29. 28004 t. 91 435 18 08 / f. 91 576 8719 galeria@olivarauna.com www.olivarauna.com m-s: 11-20 h Juan Carlos Robles Autonegación 14 de marzo – 5 de mayo Concha Prada El cuento de la lechera 10 de mayo – 9 de junio Eurico Lino Do Vale. PHE’12 14 de junio – 21 de julio 34 metta Villanueva, 36. 28001 t. 91 576 81 41 / f. 91 578 03 53 metta@galeria-metta.com www.galeria-metta.com m-v: 10-14 h, 17-20,30 h s: 11-14 h, 17-20,30 h Artistas fondo de la galería Metta en Propiedad I Abril Artistas fondo de la galería Metta en Propiedad II Mayo – Junio Artistas fondo de la galería Metta en Propiedad III Junio – Julio 35 michel soskine, inc. Padilla, 38 1º dcha. 28006 t./f. 91 431 06 03 clara-michelsoskineinc@ earthlink.net www.soskine.com m-s: 10,30-14,30 h / 16,30-20,00 h Abel Barroso 2 de febrero – 7 de abril Colectiva Mayo – Junio 36 moriarty Tamayo y Baus, 6 bajo dcha. 28004 t. 91 531 43 65 moriarty@galeriamoriarty.com www.gfaleriamoriarty.com Una tirada de dados Jugada a tres bandas, comisarios: David Barro y María de Fátima Lambert. (propuesta artística sonora en formato de emisora de radio online www.elestadomental. com) 14 de abril — 15 de julio 37 ms Hnos. Álvarez Quintero, 4. 28004 t. 91 591 22 64

40 parra & romero Claudio Coello, 14. 28001 t. 91 576 28 13 / f. 91 577 42 46 info@parra-romero.com www.parra-romero.com l-v: 10,30-19,30 h / s: 11-14 h. Kajsa Dahlberg, Gaylen Gerber, David Lamelas y Karl Larsson. Shiver in the shift. Comisaria: Eva González-Sancho 24 de marzo – 30 de abril Oriol Vilanova 5 de mayo – 16 de junio Kajsa Dahlberg 21 de julio – 31 de julio 41 pilar serra Almagro, 44. 28010 t. 91 308 15 69 / f. 91 319 07 30 galeria@pilarserra.com www.pilarserra.com l-v: 10-14 h, 16,30-20,30 h s: 10-14 h, 17-21 h Concha García. La mirada asombrada 20 de marzo – 28 de abril Aguirre, Ballester, Broto, Gordillo, Lootz, Mesones, Plensa, Sevilla, Sicilia, Solano, Urzay y Verbis Obra sobre papel 4 de mayo – 2 de junio Mona Kuhn. Native 5 de junio – 31 de julio 42 rafael pérez hernando Orellana, 18. 28004 t. 91 297 64 80 / f. 91 297 64 81 info@rphart.net / www.rphart. net l-v: 10-14 h,17- 20,30 h / s: 11-14 h Catalina Obrador Pluma y tinta 8 de marzo – 12 de mayo

Jaime Aledo Un cuadro y sus 38 bocetos 8 de marzo – 12 de mayo María Gimeno. Poligamia 17 de mayo – 2 de junio Denise Kobler. Tshadors 17 de mayo – 27 de julio Yolanda Domínguez Esclavas 17 de mayo – 27 de julio Yolanda Domínguez. Preludios. Festival Off PHE’12 5 de junio – 27 de julio 43 raquel ponce Alameda, 5. 28014 t. 91 420 38 89 / f. 91 369 02 61 info@galeriaraquelponce.es www.galeriaraquelponce.es m-s: 11-14 h, 16,30-20,30 h Noé Sendas / Miguel Ángel Tornero. Esperando a Houdini. Jugada a tres bandas, comisaria: Virginia Torrente Abril – Mayo Albert Corbí Landscape Failure. Festival Off PHE’12 Junio - Julio 44 soledad lorenzo Orfila, 5. 28010 t. 91 308 28 87 / f. 91 702 31 05 galeria@soledadlorenzo.com www.soledadlorenzo.com l: 16,30-20,30 h m-s: 11-14 h, 16,30-20,30 h Tony Oursler 8 de marzo – 12 de abril Jerónimo Elespe 19 de abril – 17 de mayo Juan Uslé 24 de mayo – 21 de junio Jennifer Steinkamp Soledad Sevilla 28 de junio – 26 de julio 45 travesía cuatro San Mateo, 16. 28004 t. 91 310 00 98 / f. 91 319 98 17 galeria@travesiacuatro.com www.travesiacuatro.com m-v: 11-19 h s: 11-14,30 h Laura Buckley,Marcius Galan, João Maria Gusmão & Pedro Paiva, Ann Veronica Janssens,Maria Loboda, Navid Nuur, Goran Petercol, Bradley Pitts y Gonçalo Sena. The Exact Weight of Lightness.Jugada a tres bandas. Comisarios: Ana Luiza Teixeira de Freitas y Thom O’Nions 14 de abril – 2 de junio Vicky Uslé. Papeles 7 de junio – 20 de julio 46 utopia parkway Reina, 11. 28004 t./f. 91 532 88 44 info@galeriautopiaparkway.com www.galeriautopiaparkway.com m-v: 12-14 h, 17-20,30 h s: 11-14 h Elena Goñi (pintura) 20 de abril – 25 de mayo Fernando Martín Godoy Cuaderno de África (dibujo) 30 de mayo – 8 de junio Federico Granell A cielo abierto (pintura) 15 de junio – 20 de julio

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BECA DE MUSEOGRAFÍA FUNDACIÓN ICO 2012-2013 Fecha de Entrega: 17/06/2012 http://www.fundacionico.es/index.php?id=100

1º BECA DE FORMACIÓN PHACTOLAB Fecha de Entrega: 15/06/2012 http://phactolab.wordpress.com/cursos/curso-documental-de-autor/

BECA DE CREACIÓN ARTÍSTICA 2012 DEL REAL CLUB MARÍTIMO DE MELILLA Comunidad: Melilla Provincia: Melilla Disciplina: Artes Plásticas Fecha de Entrega: 15/07/2012 http://clubmaritimomelilla.es/index.php?option=com_content&view=article&id=134&Itemid=112

WEART FESTIVAL (ARTES PLÁSTICAS) Comunidad: Cataluña Provincia: Barcelona Disciplina: Artes Plásticas Fecha de Entrega: 15/07/2012 http://weartfestival.com/es/info/convocatoria-abierta-2012/


XI CERTAMEN DE ARTES PLÁSTICAS DIPUTACIÓN DE OURENSE Fecha de Entrega: 30/06/2012 http://1arte.com/concursos/aappourense2012.pdf XIV CERTAMEN DE ARTES PLÁSTICAS “JOSÉ LAPAYESE” (PINTURA Y ESCULTURA) Fecha de Inicio: 15/06/2012 Fecha de Entrega: 30/06/2012 http://www.xiloca.com/espacio/wp-content/uploads/2012/01/Bases_-2012.pdf DFEST12 / DESOBEDECE MATADEROMADRID Fecha de Entrega: 23/06/2012 http://dfest.es/bases-participacion-expo-in-progress/ X BIENAL DE ARTES PLÁSTICAS CIUDAD DE ALBACETE Fecha de Inicio: 01/06/2012 Fecha de Entrega: 22/06/2012 http://www.albacete.es/es/por-temas/cultura-y-festejos/ficheros/bases-bienal-artes-plasticas-2012

II CONCURSO FOTOGRAFICO NACIONAL “CASTO HELGUERO MARTINEZ” Fecha de Entrega: 30/06/2012 http://www.1arte.com/concursos/frmiII.pdf XVII PREMIO INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA RAFAEL RAMOS GARCÍA DE LA UNIVERSIDAD DE LA LAGUNA 2012 Fecha de Entrega: 29/06/2012 http://www.ull.es/Private/folder/institucional/ull/extension/bea/fotografia.pdf ENCUENTRA CINCO VILLAS. 7º ENCUENTRO DE ARTISTAS EN UNCASTILLO DEL 20 AL 28 DE JULIO DE 2012 (FOTOGRAFÍA) Fecha de Entrega: 28/06/2012 http://www.fundacionuncastillo.com/noticia.php/es/Encuentra-Cinco-Villas/89 EUROPA 2012. XII SALÓN INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA. DIGITAL Fecha de Entrega: 25/06/2012 http://www.fotosportreus.cat/europa/

XIII PREMIO DE GRABADO “SAN LORENZO DEL ESCORIAL” Fecha de Inicio: 23/05/2012 Fecha de Entrega: 23/06/2012 http://www.aytosanlorenzo.es/files/5609-785-FICHERO/BASES%20%20PREMIO%20GRABADO%202012.pdf

III BIENAL IBEROAMERICANA DE DISEÑO, BID12 | CONVOCATORIA Fecha de Entrega: 30/06/2012 http://www.bid-dimad.org/bid12/documentacion/BID12-bases-es.pdf DISEÑA EL ARTE PARA FRAGGLE ROCK Fecha de Entrega: 20/06/2012 http://www.talenthouse.com/disena-para-fraggle-rock-jim-henson?tab=0?ref=pa

SIMPOSIO DE ESCULTURA RAMÓN PELAYO Fecha de Entrega: 04/06/2012 http://www.1arte.com/concursos/eramonpelayo2012.pdf


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ESPECIAL El arte como evento

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